الفنانين الفنلنديين ولوحاتهم. فنانون فنلنديون

لسنوات عديدة ، كان يُعتقد أن صورة أبناء إخوة الإسكندر الثالث ، التي رسمها ألبرت إديلفيلت ، قد ضاعت أو دمرت. الصورة: Erkka Mikkonen / Yle

اكتشف مؤرخ فنلندي عن طريق الخطأ عملاً مفقودًا لألبرت إديلفيلت في مجموعات متحف إقليمي روسي. يرغب الباحث في إحضار اللوحة إلى معرض في فنلندا.

تم العثور على قماش الرسام الفنلندي الشهير ألبرت إديلفيلت (1854-1905) ، والذي كان يعتبر ضائعًا لسنوات عديدة ، في روسيا في متحف ريبينسك. عثر مؤرخ الفن الفنلندي ساني كونتولا ويب على اللوحة المرسومة عام 1881 باستخدام محرك بحث على الإنترنت.

- رأيت العمل بالصدفة ، لكنني حددته لأنني سبق أن درست هذا الموضوع بعناية.

شاهد خريج أكاديمية سانت بطرسبرغ للفنون كونتولا ويب رسومات تخطيطية لهذا العمل في متحف أتينيوم للفنون في هلسنكي. بمساعدة الرسومات ، كان من الممكن أيضًا تحديد هوية الأطفال الذين تم تصويرهم في الصورة: هؤلاء هم أبناء أخ القيصر الروسي ألكسندر الثالث. على أحد الرسومات ، أشار إديلفيلت إلى أسمائهم.

يرتدي الأولاد ذوو الشعر الطويل في الصورة الفساتين وفقًا لأزياء أواخر القرن التاسع عشر. يعتقد متحف ريبينسك أنه تم تصوير الفتيات عليه. كان عمال المتحف سعداء بالمعلومات الجديدة حول اللوحة.

يقول نائب المدير سيرجي أوفسيانيكوف: "اعتقدنا أن هؤلاء فتيات ، لكن اتضح أن أبناء الدوق الأكبر فلاديمير بوريس وكيريل قد تم تصويرهم".

تخبر اللوحة عن اتصالات Edelfelt بالعائلة المالكة

وقع العمل في مجموعة متحف Rybinsk بعد الثورة. وفقًا للتوقيع الموجود على الجانب الخلفي من اللوحة ، فقد كانت موجودة سابقًا في قصر فلاديمير في سانت بطرسبرغ.

يتم إعطاء أهمية إضافية للاكتشاف من خلال حقيقة أن اللوحة تشير إلى الاتصالات الوثيقة للفنان الفنلندي مع المدينة في نيفا والعائلة المالكة.

يلاحظ كونتولا ويب: "ربما كانت هذه الصورة هي الحاسمة من حيث التطور الرائع لمسيرة إديلفيلت المهنية في الديوان الملكي".

بعد ذلك ، رسم إديلفيلت صورة لأطفال الإسكندر الثالث وميخائيل وزينيا ، بالإضافة إلى عدة صور لآخر القيصر الروسي نيكولاس الثاني.

لم يتم حتى الآن استكشاف روابط الفنانين الفنلنديين بروسيا إلا قليلاً.

في وقت من الأوقات ، كانت Edelfelt تحظى بشعبية في روسيا. يتم الاحتفاظ بأعماله في مجموعات كل من سانت بطرسبرغ الأرميتاج ومتحف موسكو بوشكين.

اليوم ، فإن Edelfelt ، بالإضافة إلى فنانين آخرين في الفترة الذهبية للرسم الفنلندي ، غير معروفين عمليا للجمهور الروسي. أيضًا ، في دراسات الفن الفنلندية ، لا يتركز الاهتمام بشكل خاص على صلات الفنانين الفنلنديين بروسيا.

تحضر Kontula-Webb حاليًا أطروحة حول علاقة أكاديمية سانت بطرسبرغ للفنون بالحياة الفنية الفنلندية.

"آمل أنه بفضل هذا الاكتشاف ، سيتم العثور على Edelfelt مرة أخرى في روسيا ، وسوف تتذكر فنلندا الروابط المهمة بين الفنانين الفنلنديين وروسيا.

سألت Kontula-Webb موظفي متحف Rybinsk عن إمكانية إحضار اللوحة المفقودة إلى معرض في فنلندا. كان رد فعل نائب المدير سيرجي أوفسيانيكوف إيجابيا على الفكرة.

- إذا أرادت فنلندا الحصول على لوحة فنية لمعرض ، فسنبذل قصارى جهدنا لإنجاح المشروع.

ومع ذلك ، وفقًا لـ Ovsyannikov ، في رحلة محتملة إلى فنلندا ، يجب استعادة اللوحة.

يزين المبنى المهيب لأكاديمية الفنون جسر نيفا بين الخطين الثالث والرابع لجزيرة فاسيليفسكي. إنه أحد أفضل آثار العمارة الكلاسيكية.

مؤلفو المشروع هم A.F. Kokorinov و J.B. Delamotte. تأسست "الأكاديمية الإمبراطورية للفنون الثلاثة الأكثر نبلاً" ("Kolmen paataiteen akatemia") - الرسم والنحت والعمارة - في عام 1757 في عهد الملكة إليزابيث. على مدار قرنين ونصف من نشاطها ، قامت الأكاديمية بتربية أجيال عديدة من أساتذة الفنون الجميلة: الرسامين والنحاتين والمهندسين المعماريين. ومن بينهم فنانون عظماء تعرض أعمالهم في متاحف سانت بطرسبرغ وموسكو والعديد من العواصم الأوروبية.

المهندسين المعماريين والنحاتين - خريجو الأكاديمية قاموا ببناء وتزيين العديد من المدن في روسيا والخارج. تم بناء الكثير من قبلهم في سان بطرسبرج. توجد أعمالهم أيضًا في فنلندا ، لأن أكاديمية الفنون كانت لسنوات عديدة مكانًا للتواصل النشط بين الفن الروسي والفنلندي. حصل أفضل الفنانين الفنلنديين على لقب "أكاديمي للفنون الجميلة". وكان من بينهم ف.رونبيرج ، كي جي.نيستريم. لكن يجب تسمية الأول بالطبع ، AZdelfelt.

ألبرت إديلفيلت (ألبرت غوستاف أريستيدس إديلفيلت ، 1854-1905)

أكبر معلم في الرسم التاريخي ، البورتريه ، النوع اليومي. أول فنان فنلندي معروف بالخارج. ولد ألبرت بالقرب من بورفو في عائلة مهندس معماري. درس لمدة عامين في جامعة هلسنكي قبل أن يكرس نفسه للرسم. تلقى تعليمه الفني في أكاديمية الفنون الجميلة في أنتويرب ، ثم في باريس في مدرسة الفنون الجميلة.عدد من اللوحات حول مواضيع تاريخية ... ولكن بعد ذلك يتحول الفنان إلى مشاهد من النوع من الحياة ، يتجلى فيها بوضوح حبه لوطنه واهتمامه بحياة الناس العاديين ... هذه هي اللوحات: "على البحر" ، "أولاد بجانب الماء" ، "نساء من روكولاهتي" ، "صيادون من جزر بعيدة".

في عام 1881 ، عاش A. Edelfelt وعمل في سانت بطرسبرغ لفترة طويلة ، وتواصل مع الفنانين الروس. في عام 1881 ، قدم فنان فنلندي شاب أعماله لأكاديمية سانت بطرسبرغ للفنون. لقد حقق نجاحًا كبيرًا: انتخب عضوًا في أكاديمية سان بطرسبرج للفنون. في Tsarskoye Selo ، تم تنظيم معرض شخصي له. اشترت العائلة الإمبراطورية إحدى اللوحات. تلقى المؤلف أوامر جديدة من العائلة المالكة جلبت له الشهرة.

خلال إقامته في Tsarskoye Selo ، تعرّف الفنان على Tsarevich Alexander ، وقام بعدد من الأعمال بناءً على طلبه لقصر Gatchina ، على وجه الخصوص ، نسخة من لوحة "On the Sea" ، والتي من بين أعماله الأخرى ، محفوظة في هيرميتاج. رسومات إديلفيلت اليومية: "أصدقاء جيدون" و "في الحضانة" - حصل عليها ألكسندر الثالث أيضًا. هذه اللوحات لها تكرارات موجودة في متاحف أجنبية.

كانت ميزة Edelfelt هي تنظيم عدد من المعارض المشتركة في روسيا ، بفضلها تعرف الجمهور الروسي على أعمال العديد من الفنانين الفنلنديين.

يمكن تسمية نشاط Edelfelt الرئيسي بالرسم الرأسي. لقد عمل كثيرًا بناءً على أوامر ، على وجه الخصوص ، الديوان الملكي ، وخلق صور رسمية. لكن أفضل ما في أعماله هو: "صورة أم الفنان" (1883) ، "لويس باستور" (1885) ، "بورتريه لارين باراسكي" (1893) ، "بورتريه أينو أكتي" (1901).

العروض الرسمية والاتصالات الودية طويلة الأمد.

كان الرسام ألبرت إديلفيلت هو أول فنان فنلندي عرض في الأكاديمية الإمبراطورية للفنون في نهاية القرن التاسع عشر. بعد رحلة إلى أوروبا الغربية في عام 1881 ، قدم الفنان الفنلندي الشاب أعماله إلى أكاديمية سان بطرسبرج للفنون. لقد حقق نجاحًا كبيرًا - حصل على لقب أكاديمي. في Tsarskoye Selo ، تم تنظيم معرض شخصي له. اشترت العائلة الإمبراطورية إحدى اللوحات.

تلقى المؤلف أوامر جديدة من العائلة المالكة جلبت له الشهرة. ساعد قرب الفنان من العائلة الإمبراطورية على شعبية الرسم الفنلندي في روسيا. بفضل شعبية وسلطة A. Edelfelt في روسيا ، انعكس فن فنلندا في المعارض الفنية الفنلندية الروسية المشتركة في سانت بطرسبرغ وموسكو ، بدءًا من معرض نيجني نوفغورود في عام 1882.

فنانون فنلنديون في متحف الإرميتاج

يحتوي متحف الأرميتاج على سبع لوحات من تصميم AEdelfelt وعدد من الرسومات. بالإضافة إلى لوحة "على البحر" المذكورة أعلاه ، والتي توجد في النسخة الأولى في متحف جوتنبرج ، تجدر الإشارة إلى تكوين اللوحة اليومية "الأصدقاء الطيبون" (1881) ، والتي تكررت في جوتنبرج وهلسنكي. بالقرب من شخصيتها توجد لوحة "في الحضانة" (1885) ، والتي اشتراها ألكسندر الثالث أيضًا لقصر غاتشينا. واحدة من أكثر الأعمال ديمقراطية في إديلفيلت هي لوحة "نساء الغسل" (1898 ، هيرميتاج) ، والتي وافق عليها نقاد بطرسبورج.

يتم تمثيل نوع الصورة ، الذي كان فيه AEdelfelt قويًا بشكل خاص ، في Hermitage من خلال صورة لزوجة ممثل مسرح موسكو للفنون M.V. Dyakovskaya-Gay-mouth. تحتوي مجموعة هيرميتاج أيضًا على أمثلة على مهارات المناظر الطبيعية للفنان الفنلندي. هذه هي اللوحة القماشية "منظر بورفو" (1898) ونقش "الصنوبر في الثلج". تجدر الإشارة إلى أن أعمال AEdelfelt مخزنة أيضًا في متحف كييف - لوحة "صيادون من الجزر البعيدة" وفي متحف موسكو. أ.س.بوشكين: "صورة فارفارا مياتليفا".

بالإضافة إلى ذلك ، يحتوي متحف الأرميتاج على لوحات لجوهو ريزانين وإيرو نليمارك وهنري إريكسون.

فنانون فنلنديون في أكاديمية سانت بطرسبرغ للفنون

قدم المهندس المعماري K.G.Nystrem (1856-1917) مساهمة كبيرة في المظهر المعماري لعاصمة فنلندا. يكفي تسمية المباني الفاخرة في House of Estates ، ومحفوظات الدولة ، التي تزين المناطق المحيطة بساحة مجلس الشيوخ. يمكن للمرء أن يتذكر دار الجمارك السابقة والمستودع في Katajanokka ، وهو أول سوق داخلي بالقرب من Kauppa-tori. لكن قلة من الناس يعرفون أن المهندس المعماري KG.Nystrem عمل أيضًا في سان بطرسبرج. وبحسب مشروعه ، فقد تم بناء مبنى عيادة الجراحة التابعة للمعهد الطبي على جانب بتروغراد.

كان نيستروم أستاذًا في أكاديمية الفنون ، وحصل على لقب أكاديمي في الهندسة المعمارية.

يُطلق على الفنان ج. لقد رسم صورًا ولوحات من النوع من الحياة الشعبية. بعد الدراسة في مدرسة الرسم في هلسنكي ، تم إرساله للدراسة في أكاديمية سانت بطرسبرغ للفنون ، حيث أخذ دورة تدريبية تحت إشراف آي إي ريبين في 1897-98. الدراسة في سانت بطرسبرغ ، والتواصل مع الفنانين الروس والجو الكامل للحياة الإبداعية في سانت بطرسبرغ ، المليئة بالمشاعر ، رفعت عمل الفنان إلى مستوى جديد. بعد ذلك ، عمل بشكل مثمر في فنلندا وخارجها لسنوات عديدة. يجدر بنا أن نتحدث أكثر عن دراسته وحياته في سان بطرسبرج.

ريسانين جوهو (خوليو ريسانن ، 1873-1950)

وُلد جوهو ريسانن بالقرب من كوبيو في عائلة عامل مزرعة. عندما كان طفلاً ، واجه أوقاتًا عصيبة ، حتى أنه اضطر أحيانًا إلى التسول عندما مات والده ، وهو سكير (متجمدًا). في عام 1896 ، دخل جوهو ريسانن المدرسة المركزية للفنون والرسم الصناعي التابعة لجمعية الفن الفنلندي في هلسنكي ، ثم في توركو.

عندما كان طفلاً ، التحق رودولف كويفو بمدرسة أبرشية سانت بطرسبرغ ، حيث أتقن محو الأمية الفنلندية والروسية. منذ الطفولة ، كان يحب جذب انتباه المعلمين في سانت بطرسبرغ وجذب انتباههم. تم إرساله للدراسة ، لكن كان عليه أن يكسب لقمة العيش. وفقط في عام 1907 ، تمكن R. Koivu من مواصلة دراسته في الرسم في مدرسة الرسم التابعة للجمعية الفنلندية لمحبي الفن.

كان هناك تلميذا لهوتو سيمبيرج ، مؤلف كتاب "الملاك الجريح" الشهير. ه. سيمبرغ ورث من أستاذه غالن كاليلا الإيمان بالخيال وقوة الطبيعة الغامضة. درس رودولف كويفو بعد ذلك في باريس عام 1914 ، ثم في إيطاليا عام 1924. بعد عودته إلى فنلندا ، انضم إلى دائرة الفنانين "مجموعة نوفمبر" ، لكنه ظل مخلصًا للأسلوب الواقعي ورسم مناظره الطبيعية بأسلوب انطباعي منضبط وهادئ. أهم بكثير من كونه رسامًا ، كان كويفو رسامًا ورسامًا.

أظهر خيالًا مفعمًا بالحيوية والحيوية بشكل غير عادي ، حيث رسم العشرات من كتب القصص الخيالية ، بما في ذلك الفنلندية Topelius "القراءة للأطفال" ، والكتب الألمانية - "حكايات الأخوين جريم" ، والحكايات العربية "ألف ليلة وليلة من Scheherez- دى "، إلخ. استمتع كويفو بتوضيح صحف الكريسماس والتقويمات الفنلندية والمنشورات الأخرى ، طور نفسه ، ومن الواضح أنه استمد التأثير في المقام الأول من الرسامين الروس ، وهو أسلوب نادر ونادر ومزين بألوان زاهية. يتجلى حسه الفكاهي بالإضافة إلى الصور والرسومات الرائعة ، وكذلك في الرسوم الكاريكاتورية التي نجحت مع معاصريه. لسوء الحظ ، ظهرت مجموعة (مجموعة) من لوحاته ورسوماته بعد وفاته في عام 1947.

شولمان كارل آلان (كارل ألان شولمان ، 1863-1937)

مهندس معماري ، رجل ذو مواهب ومصير مشرق. تلقى كارل ألان تعليمه المعماري في فنلندا ، بعد أن تشبع بالأفكار المبتكرة لشباب الحداثيين الفنلنديين أثناء دراسته: إي ساري-نين ، جيزيليوس ، أ. ليندرين. انجذب إلى الأفكار الحديثة. بعد عدم تلقيه أوامر في المنزل ، قام المهندس الشاب ك. يعمل شولمان في الخارج: في الأرجنتين وألمانيا وهولندا والسويد.

لدى عودته إلى وطنه ، أتيحت له الفرصة لبناء منتجع خليلة على برزخ كاريليان. جذب نجاح هذا المبنى الانتباه في سان بطرسبرج. في عام 1901 ، كان أمام كنيسة أيقونة والدة الإله فلاديمير. شارك 88 معماريًا في المسابقة. ونتيجة لذلك ، عهد صاحب المنزل ، البارون فون بيسر ، بالبناء إلى شولمان. تم تزيين الساحة المكونة من ستة طوابق على طراز فن الآرت نوفو بلونها الفريد. يتم فتح الطوابق السفلية من خلال فتحات كبيرة لواجهات النوافذ.

ويوجد في الطوابق العليا رواق غير عادي ، يرتفع فوق وسطه برج مشابه لخوذة البطل. التفاصيل الحجرية للمبنى مصنوعة من الحجر الفنلندي المحفوظ بوعاء. إنها تعطي نمطًا للزخرفة ، من سمات الفن الحديث ، تصور النباتات والحيوانات. فوق المدخل - شعار المالك - البارون فون بيسر. في بداية القرن العشرين ، كان هذا المنزل يضم مكتب استقبال المكتب الإمبراطوري ، بالإضافة إلى "بيت الاجتهاد للنساء". الآن يتم إعادة بناء المنزل في فلاديميرسكايا. سيكون جزءًا من مجمع التسوق Vladimirsky Passage.

المنزل الموجود في فلاديميرسكايا هو المبنى الوحيد في سانت بطرسبرغ الذي بناه أحد مؤسسي المدرسة الفنلندية للحداثة الشمالية ، والتي انتشرت فيما بعد في العاصمة الشمالية.

ثم تم تقديمه وتطويره من قبل المهندسين المعماريين في سانت بطرسبرغ: Flidval ، N.V. Vasiliev ، A.F. Bubyr. أما بالنسبة لـ K. Shulman ، فقد عمل لسنوات عديدة كمهندس معماري إقليمي في مدينة Vyborg ، حيث قام بإنشاء 10 مبان متعددة الطوابق على الطراز الشمالي الحديث. بالإضافة إلى ذلك ، كان K.A. Shulman شخصية بارزة في الاتحاد الفنلندي للمهندسين المعماريين ، وعمل كقائد موسيقي محترف. أدت الفرق الكورالية تحت قيادته أداءً ناجحًا في سانت بطرسبرغ وفنلندا وخارجها.

جريبنبرغ أوديرت سيباستيان (أودرت سيباستيان جريبنبرغ ، 1850-1939)

Gripenberg Odert Sebastian ، مهندس معماري ؛ ولد في كوركيجوكي. درس أوديرت ، وهو ابن لأبوين أثرياء ونبلاء ، في مدرسة المتدربين في هامينا ، ثم في أكاديمية الهندسة العسكرية في سانت بطرسبرغ. هناك تلقى تدريبًا عسكريًا على البناء ، لكنه ترك الجيش عام 1875. وقرر أن يصبح مهندسًا معماريًا محترفًا. خلال هذه الفترة ، ظهرت طرق جديدة للبناء في عمارة سانت بطرسبرغ. تم الجمع بين الانتقائية - استخدام تقنيات من العصور السابقة: عصر النهضة ، والقوطية ، والباروك - مع البحث عن تفاصيل زخرفية جديدة لمعالجة واجهات المباني متعددة الطوابق. هذه هي المباني الشهيرة A.K. Serebryakov ، P.Yu. Syuzor ، A.E. Belogrud.

في عام 1878 ، دافع جريبنبرغ عن شهادته كمهندس معماري في مدرسة البوليتكنيك ، وبعد ذلك درس مرة أخرى في فيينا. في 1879-1887. عمل كمهندس معماري في هلسنكي. تعكس أعماله الأولى الرغبة الشديدة في عصر النهضة ، والتأثير الواضح لمعلمه شيس تريم. في المستقبل ، تتجلى الرغبة في حدوث انهيار قوي واضح وتقسيم أحجام المبنى. هذه أعمال مثل بناء جمعية الكتاب الفنلنديين ، ومركز الأعمال الأول ، ثم المبنى القديم لهلسنجين سانومات ، ومبنى بنك التوفير في توركو.

في عام 1887 ، تم تعيينه مهندسًا رئيسيًا لمكتب الإنشاءات العامة (المدنية) ، ومن هناك انتقل عام 1904 إلى مجلس الشيوخ كمدير لغرفة التجارة والصناعة.

كان جريبنبرغ رئيس مجلس إدارة شركة المساهمة "الفنلندي ثيتر هاوس" والمدير التنفيذي في إنشاء مبنى المسرح الوطني ، وكان أيضًا رئيس مجلس إدارة شركة التأمين "بوهجولا". كان OS Gripenberg أول رئيس لنادي المهندسين المعماريين الفنلنديين في 1892-1901 ، وكذلك أحد مؤسسي مجتمع التقنيين الناطقين باللغة الفنلندية.

أكسيلي جالن كاليلا

Sammon puolustus (1896)

الرسوم التوضيحية لكاليفالا. " الدفاع سامبو«.

سامبو(زعنفة. سامبو) - في الأساطير الكاريلية الفنلندية ، كائن سحري فريد من نوعه يتمتع بقوى سحرية ومصدر للسعادة والازدهار والوفرة. في ملحمة كاليفالا ، قدم مبتكرها إلياس لونروت سامبو على شكل طاحونة هوائية.

هوغو سيمبرج

هلا (1895)

هلا- هذا هو الصقيع، إذا فهمت بشكل صحيح ، على سبيل المثال ، في الصيف ليلاً أو في الصباح الباكر

بهذا المعنى ، تنقل الصورة الصورة جيدًا.

هيلين شجيرفبيك

Toipilas (1888)

مراحيض — التماثل للشفاء

هوغو سيمبرج

Kuoleman puutarha —حديقة الموت

توجد عدة نسخ من هذه اللوحة ، هذا الرسم عبارة عن لوحة جصية من الكاتدرائية في تامبيري.

أوصت فتاة فنلندية بهذه الصورة ، عندما لاحظت أنها قاتمة إلى حد ما حتى بالنسبة للفنلنديين القاتمين ، أجابتني بحرارة: "الموت يعتني بالزهور - الناس في وسط الصحراء ، وعندما يضطرون إلى ذلك يقطعونهم ، يفعلون ذلك بلطف ، وكأنهم يطلبون المغفرة ... "

هوغو سيمبرج

هافويتونوت إنكيلي -الملاك الجريح
(1903)

تتكشف حبكة الصورة مقابل خلفية تاريخية معروفة: هذه حديقة إلينتارها (مضاءة "حديقة الحيوانات") وخليج تولو في هلسنكي. في بداية القرن العشرين ، كانت الحديقة منطقة ترفيهية شهيرة للعمال ، كما أنها تضم ​​مؤسسات خيرية. لقد نجا الطريق الذي تتحرك فيه الشخصيات حتى يومنا هذا: يتحرك الموكب على طوله نحو المدرسة الموجودة آنذاك للفتيات المكفوفات ومأوى للمعاقين.

تصور اللوحة ولدين يحملان على نقالة ملاك مخنث معصوب العينين بجناح ينزف. أحد الأولاد يحدق في المشاهد باهتمام وعبوس مباشرة ، وبصره يعبر إما عن التعاطف مع الملاك الجريح ، أو الازدراء. المناظر الطبيعية في الخلفية قاسية ومتفرقة بشكل متعمد ، ولكنها تعطي انطباعًا بالهدوء. الحبكة غير التافهة تفتح مساحة لمجموعة واسعة من التفسيرات. الملابس والأحذية الخشنة للأولاد ، وجوههم العابس والخطيرة تتناقض مع الشكل الهش لملاك يرتدي ثوبًا خفيفًا ، مما يوحي بمقاومة الحياة والموت ، والدم على جناح الملاك وعصبة العينين. علامة على الضعف والوجود سريع الزوال ، ولكن في يده يحمل الملاك باقة من قطرات الثلج هي رمز للنهضة والانتعاش. تبدو الحياة هنا قريبة من الموت. التفت أحد الأولاد إلى الجمهور ، وكسر المساحة المحكم للصورة ، مما أوضح أن قضايا الحياة والموت مرتبطة مباشرة بهم. رفض Simberg نفسه إعطاء أي تفسير لـ The Wounded Angel ، تاركًا للمشاهد استخلاص استنتاجاتهم الخاصة.

كان للوحة تأثير كبير على الثقافة الفنلندية. تم العثور على الإشارات إليه في العديد من الأعمال الفنية العالية والشعبية. ويعزف فيديو فرقة الميتال الفنلندية نايتويش لأغنية "أمارانث" على فكرة "الملاك المجروح".

ألبرت إديلفيلت

باريزين لوكسمبورغ بيستوسا — في حدائق لوكسمبورغ في باريس.

أكسيلي جالن كاليلا

عكا جا كيسا — امرأة عجوز وقطة

في Gallen-Kallela ، بشكل عام ، كل اللوحات هي روائع ، إنه حقًا فنان من الطراز العالمي.

هذه الصورة مكتوبة بطريقة طبيعية مؤكدة ، لكنها ، على الرغم من كل زخرفتها ، مليئة بالتعاطف والحب لأبسط الناس وأفقرهم.

حصل متحف توركو للفنون على اللوحة عام 1895 وما زالت موجودة حتى اليوم.

كلمة عكاأترجم دائمًا بصعوبة - "امرأة" و "جدة".

هنا سوف أعرض القليل من الذوق وأضيف صورة أخرى هيلين شجيرفبيك- باللغة الروسية نقرأ اسمها هيلينا شجيرفبيك.

وهنا شعاع من الضوء والدفء.

عام 1882 اللوحة ، Tanssiaiskengat —أحذية الرقص.

ربما تكون هذه هي الصورة الفنلندية الأكثر حزنًا. على الأقل في رأيي.

ألبرت إديلفيلت

lapsen ruumissaatto — جنازة طفل(حرفيا موكب جنازة طفل)

هذا هو أول تكوين لنوع خارجي في الفنون البصرية الفنلندية. أصبحت ، إذا جاز التعبير ، جزءًا من الحياة الواقعية ، رآها الفنان واستولت عليها. تخبر الصورة عن حزن الإنسان. يصور إيدلفيلت عائلة بسيطة تحمل نعشًا صغيرًا على متن قارب. يتوافق المشهد القاسي مع مزاج الأشخاص الذين يرحبون بأطفالهم في رحلتهم الأخيرة. في وجوههم الحزينة ، حركات مقيدة - حزن مهيب يتردده سطح البحيرة الأبيض الثابت ، السماء الباردة الساطعة ، الشواطئ المنخفضة البعيدة.

جلبت له "جنازة طفل" لقب أكاديمي ، وتم شراء العمل في مجموعة خاصة في موسكو. في الوقت نفسه ، تم تنظيم معرض شخصي في Tsarskoe Selo ، وتم تقديم Edelfelt إلى ألكساندر الثالث وماريا فيودوروفنا ، التي كانت أيضًا مولعة بالرسم.

ساعد قرب الفنان من المحكمة على شعبية الرسم الفنلندي في روسيا. يمكننا القول أن إديلفيلت كان أحد أولئك الذين اكتشفوا الفن الفنلندي لروسيا.

في عام 1907 ، عادت اللوحة إلى فنلندا وهي الآن في متحف أتينيوم بهلسنكي.

ومع ذلك ، بالنيابة عني ، أود أن أذكر أنه في هذه الصورة يتم نقل موقف الفنلنديين من الموت (الذي ، للأسف ، جزء ، الجزء الأخير من أي حياة) بدقة شديدة. إنه صارم ومنضبط للغاية ، وهنا أيضًا ، هناك اختلاف عن الروس. لكن هذا الصرامة وضبط النفس لا يتحدثان عن عدم عاطفتهم ، إنه مجرد أن الفنلنديين يحملون كل هذا في أعماق أنفسهم. أعمق منا نحن الروس. لكن الحزن من هذا لا يكف عن الحزن عليهم.

بيكا هالونين

Tienraivaajia Karjalassa — بناة طرق في كاريليا.

حرفيا سيكون "تنظيف الطرق في كاريليا".

رايفاتا- فعل جيد يمهد الطريق
لا أعرف ما إذا كان هناك شيء مشترك مع الكلمة رايفو — الغضب والجنون

لكن بالنظر إلى هذه الصورة - يمكننا أن نفترض ذلك نعم.

هناك ميزة أخرى للفنلنديين في الصورة - تاريخياً كان عليهم أن يعيشوا في بيئة طبيعية غير مواتية للغاية ، أي أنهم في بعض الأحيان يقاتلون بضراوة من أجل وجودهم ، ومن هنا على الأرجح هذه المثابرة التي يظهرونها في العمل والشدائد. على الأقل هذا ما كان عليه الحال.

هوغو سيمبرج

صورة أخرى لهوجو سيمبرج - " حلم«.

يعتبر Simberg بحق رمزيًا ، لوحاته مفتوحة للغاية للتفسيرات والتفسيرات.

وفي الوقت نفسه ، هناك دائمًا شيء وطني للغاية في لوحاته.

أكسيلي جالن كاليلا

بويكا جا فاريس — الفتى والغراب.

(1884) شخصيًا ، بالمناسبة ، فقط عندما كنت بالغًا تعلمت ذلك الغراب (فريس) ، نسبيًا ، ليست زوجة / أنثى الغراب (كوربي). في الواقع ، لحسن الحظ ، يحدث هذا الالتباس باللغة الروسية فقط. على سبيل المثال ، في اللغة الأوكرانية ، الغراب هو "محتال" ، والغراب "غراب". في اللغة الإنجليزية ، تبدو كلمة الغراب "raven" ، ويطلق على الغراب "الغراب".

اللوحة الآن في Ateneum.

أكسيلي جالن كاليلا.

Lemminkäisen aiti — والدة Lemminkäinen.
(1897)

اللوحة في أتينيوم ، هلسنكي.

تصف اللوحة مشهدًا من كاليفالا حيث قُتل ليمينكينين وتقطعت أوصاله ، وألقيت أشلاء الجسد في نهر تونيلا المظلم. جمعت والدة البطل أجزاء جسد ابنها بمجرفة ، وخياطتها في كل واحد. في الصورة ، تنتظر نحلة - فتنظر لأعلى - والتي ستحضر عسلًا سحريًا من الإله الكبير أوكو ، الذي يجب أن يعيد إحياء Lemminkäinen.

المعرض الدائم لمتحف الأتينيوميشغل الطابق الثالث من المبنى (يتم أيضًا ترتيب معارض موضوعية صغيرة هناك) ، وتقام المعارض المؤقتة في الطابق الثاني (مخطط القاعات). في هذه المذكرة سوف نتحدث عن بعض اللوحات والمنحوتات الأكثر إثارة وشهرة في مجموعة Ateneum ، وكذلك مؤلفيها: المشهورون الرسامين والنحاتين الفنلنديين. المزيد عن تاريخ متحف أتينيوم والهندسة المعمارية لمبنى المتحفيمكن قراءتها. كما يوفر معلومات مفيدة حول أسعار التذاكر وساعات العملوإجراءات زيارة متحف أتينيوم. تنبيه: ليس دائمًا في المتحف يمكنك مشاهدة جميع الأعمال الشهيرة في نفس الوقت.

أعمال النحاتين الفنلنديين

لنبدأ مسيرتنا عبر متحف أتينيوم من المدخل مباشرة.

في بهو الفندق تستقبلنا مجموعة من الرخام " أبولو ومارسياس»(1874) للنحات الفنلندي الشهير والتر رونبرج (والتر ماغنوس رونبرج) (1838-1920) ، مؤلف الآثار ليوهان رونبرج والإمبراطور ألكسندر الثاني في هلسنكي. قدم والد النحات ، الشاعر يوهان رونبيرج ، ممثل الاتجاه الرومانسي الوطني في الأدب ، مُثُل الحضارة اليونانية والرومانية في الثقافة الفنلندية ، بما في ذلك قيمة الشجاعة والتفاني. واصل ابنه التعبير عن هذه المثل العليا ، ولكن عن طريق النحت. في 1858-1862. درس والتر رونبيرج في أكاديمية الفنون الجميلة في كوبنهاغن تحت إشراف النحات الدنماركي هيرمان فيلهلم بيسن ، وهو طالب من Thorvaldsen الشهير ، وهو أستاذ معروف دوليًا في النحت الكلاسيكي الجديد. في 1862-1876. عمل رونبرج في روما ، واستمر في دراسة التراث الكلاسيكي.

في هذه المجموعة النحتية ، صور رونبرج إله النور ، أبولو ، وهو يهزم الساتير مارسيا بفنه ، ويجسد الظلام والتراب. تم صنع شخصية أبولو بروح المثل العليا القديمة ، في حين أن هذه الصورة تعارض بوضوح الراعي الباروكي البري مارسيا. كان الغرض من التكوين في الأصل هو تزيين منزل الطلاب الجديد في هلسنكي وتم تكليفه من قبل نادي نسائي ، ولكن بعد ذلك قررت السيدات على ما يبدو أن هناك الكثير من العري في منحوتة رونبرج. بطريقة أو بأخرى ، في النهاية ، تم تقديم العمل كهدية إلى جمعية الفن الفنلندية - وهكذا انتهى به المطاف في مجموعة متحف أتينيوم.

عند مدخل قاعات العرض الرئيسية في Ateneum بالطابق الثالث ، يمكنك رؤية بعض الأعمال الأكثر إثارة للاهتمام النحاتون الفنلنديون. جذابة بشكل خاص هي المنحوتات الرخامية والبرونزية والتماثيل الأنيقة والمزهريات المصنوعة من قبل فيل والجرين (فيل والجرين) (1855–1940).فيل والجرينكان من أوائل النحاتين الفنلنديين الذين قرروا ، بعد حصولهم على التعليم الأساسي في فنلندا ، مواصلة دراسته ليس في كوبنهاغن ، ولكن في باريس. تأثر اختياره بالفنان المعروف ألبرت إديلفيلت ، وهو أيضًا من مواطني بورفو. ساعد Edelfelt المواطن المندفع في أمور الحياة والمهنية الأخرى: على سبيل المثال ، تلقى Wallgren بمساعدته أمرًا لإكمال نافورة Havis Amanda الشهيرة (1908) في Esplanade Boulevard في.

فيل والجرين، الذي عاش في فرنسا لما يقرب من 40 عامًا ، اشتهر بشخصياته الأنثوية الحسية بأسلوب الفن الحديث. ومع ذلك ، في مرحلة مبكرة من عمله ، غالبًا ما كان يصور الشباب ويلتزم بأسلوب أكثر كلاسيكية (ومن الأمثلة على ذلك المنحوتات الرخامية الشعرية " صدى صوت"(1887) و" صبي يلعب مع السلطعون(1884) ، حيث يربط Wallgren بين الشخصيات البشرية والعالم الطبيعي).

في نهاية القرن التاسع عشر ، اكتسب فيل ولغرين شهرة عالمية باعتباره سيدًا بارزًا للتماثيل الزخرفية ، بالإضافة إلى المزهريات والجرار الجنائزية والدموع المزينة بأشكال فتيات الحداد. ولكن مع عدم وجود قدر أقل من الإقناع ، صورت Bon Vivant Wallgren مباهج الحياة ، بما في ذلك النساء المغنيات والمغريات ، مثل نفس هافيس أماندا. بالإضافة إلى النحت المذكور أعلاه "فتى يلعب مع سلطعون" (1884) ، يمكنك أن ترى في الطابق الثالث من متحف أتينيوم أعمال برونزية من قبل Wille Wallgren: "دمعة" (1894) ، "ربيع (عصر النهضة)" (1895) ، "شابان" (1893) وإناء (حوالي 1894). هذه الأعمال الرائعة بتفاصيل مدروسة بشكل مثالي صغيرة الحجم ، لكنها تترك انطباعًا عاطفيًا قويًا ويذكرها جمالها.

لقد قطع Ville Wallgren شوطًا طويلاً في مهنته كنحات ، ولكن بمجرد أن وجد اتجاهه وحشد دعم المحترفين ، أصبح واحدًا من أكثر الفنانين احترامًا والمعترف بهم دوليًا في التاريخ. الفن الفنلندي. على سبيل المثال ، كان الفنلندي الوحيد الذي حصل على ميدالية الجائزة الكبرى لعمله في المعرض العالمي في باريس (حدث هذا في عام 1900). جذب Wallgren انتباه الزملاء والنقاد لأول مرة خلال المعرض العالمي لعام 1889 ، حيث تم تقديم ارتياحه "المسيح". مرة أخرى ، عرف النحات الفنلندي نفسه خلال الصالونات الباريسية الرمزية روز + كروافي عامي 1892 و 1893. كانت زوجة Wallgren هي الفنانة والنحات السويدي Antoinette Rostrem ( أنطوانيت راستروم) (1858-1911).

العصر الذهبي للفن الفنلندي: ألبرت إديلفيلت ، أكسيلي جالن-كاليلا ، إيرو يارنيفيلت ، بيكا هالونين

في واحدة من أكبر الصالات بالدور الثالث متحف أتينيوميتم عرض اللوحات الكلاسيكية ، بما في ذلك عمل الصديق فيل والجرين - ألبرت إديلفيلت (ألبرت إديلفيلت) (1854-1905) ، الأكثر شهرة في العالم فنان فنلندي.

ينجذب انتباه الجمهور بالضرورة إلى الصورة الرائعة " الملكة بلانكا"(1877) - واحدة من أكثر اللوحات شعبيةً ومحبوبةً في فنلندا ، وهي ترنيمة حقيقية للأمومة. يمكن العثور على نسخ مطبوعة من هذه اللوحة والمطرزات التي تصورها في آلاف المنازل في جميع أنحاء البلاد. استوحى إديلفيلت من القصة القصيرة "صانعو الفضة التسعة" من تأليف زكريا توبيليوس ( دي نيو silverpenningarna) ، حيث تسلي ملكة السويد والنرويج في العصور الوسطى ، بلانكا من نامور ، ابنها ، الأمير هاكون ماجنوسون ، الزوج المستقبلي لمارغريت الأول من الدنمارك ، مع الأغاني. نتيجة هذا الزواج المنظم فقط الملكة بلانكاأصبح اتحاد السويد والنرويج والدنمارك - اتحاد كالمار (1397-1453). جميلة بلانكا تغني عن كل هذه الأحداث المستقبلية لابنها الصغير.

في عصر إنشاء هذه اللوحة ، كانت اللوحة التاريخية تُعتبر أكثر أشكال الفن نبيلة وكانت مطلوبة من قبل الطبقات المثقفة في المجتمع الفنلندي ، حيث كانت الهوية الوطنية في ذلك الوقت قد بدأت للتو في التبلور. كان ألبرت إديلفيلت يبلغ من العمر 22 عامًا فقط عندما قرر إنشاء لوحة حول موضوع التاريخ الاسكندنافي في العصور الوسطى ، وأصبحت الملكة بلانكا أول عمل جاد له. سعى الفنان إلى تلبية توقعات شعبه وتجسيد المشهد التاريخي بأكبر قدر ممكن من الحيوية والأصالة (في وقت الرسم ، كان إديلفيلت يعيش في علية ضيقة في باريس ، وبناءً على إصرار معلمه جان ليون جيروم ، درس أزياء تلك الفترة ، وقراءة الكتب عن العمارة والأثاث في العصور الوسطى ، وزار متحف كلوني في العصور الوسطى). انظر إلى المهارة التي يتم بها كتابة الحرير اللامع لباس الملكة ، وجلد الدب على الأرض والعديد من التفاصيل الأخرى (استأجر الفنان جلد الدب في المتجر متعدد الأقسام). لكن الشيء الرئيسي في الصورة ، على الأقل بالنسبة للمشاهد الحديث (ولإيدلفيلت نفسه ، الذي أحب والدته أكثر من أي شخص آخر في العالم) ، هو محتواها العاطفي الدافئ: وجه الأم وإيماءات الطفل ، التي تعبر عن الحب والفرح والألفة.

خدم الباريسي الجميل البالغ من العمر 18 عامًا كنموذج للملكة بلانكا ، وفتى إيطالي جميل يمثل الأمير. لوحة "الملكة بلانكا"تم تقديمه لأول مرة للجمهور في عام 1877 في صالون باريس ، وحقق نجاحًا كبيرًا وتم تكراره في المنشورات الفنية الفرنسية. ثم عُرضت في فنلندا ، وبعد ذلك بيعت اللوحة لأورورا كارامزينا. بعد ذلك ، انتهى الأمر باللوحة في مجموعة قطب هجلمار ليندر ، الذي تبرع بها متحف أتينيومفي عام 1920.

مثال آخر للإبداع المبكر ألبرت إديلفيلتاللوحة الحزينة " جنازة طفل("نقل التابوت") (1879). لقد قلنا بالفعل أن Edelfelt في شبابه سيصبح رسامًا للتاريخ ؛ أعد نفسه لذلك أثناء دراسته في أنتويرب ، ثم في باريس. ولكن بحلول نهاية سبعينيات القرن التاسع عشر ، تغيرت مُثُله ، وأصبح صديقًا للفنان الفرنسي باستيان ليباج وأصبح واعظًا للرسم الجوي. التالي يعمل اديلفيلتهي بالفعل انعكاس واقعي لحياة الفلاحين والحياة المعيشية لأرضهم الأصلية. لكن لوحة "جنازة طفل" لا تعكس فقط مشهد الحياة اليومية: إنها تنقل أحد المشاعر الإنسانية الأساسية - الحزن.

في ذلك العام ، زار إديلفيلت لأول مرة دارشا استأجرتها والدته في مزرعة هايكو بالقرب من بورفو (فيما بعد جاء الفنان إلى هذه الأماكن الجميلة كل صيف). تم رسم الصورة بالكامل في الهواء الطلق ، حيث كان لا بد من ربط لوحة قماشية كبيرة بالصخور الساحلية حتى لا ترفرف في مهب الريح. قال إديلفيلت لأحد أصدقائه "لم أكن أعتقد أنه كان من الصعب جدًا الرسم في الهواء الطلق". رسم إيدلفيلت الوجوه التي تعرضت للعوامل الجوية لسكان أرخبيل بورفو ، وخرج إلى البحر مع الصيادين أكثر من مرة ، بل ووضع قارب صيد منشور في ورشته خصيصًا لإعادة إنتاج التفاصيل بدقة. اللوحة Edelfelt « جنازة طفل "عُرضت في صالون باريس عام 1880 وحصلت على ميدالية من الدرجة الثالثة (لأول مرة فنان فنلنديحصل على مثل هذا الشرف). لاحظ النقاد الفرنسيون المزايا المختلفة للصورة ، بما في ذلك حقيقة أنها خالية من العاطفة المفرطة ، ولكنها تعكس الكرامة التي تقبل بها الشخصيات ما لا مفر منه.

الصورة مشبعة بمزاج مختلف تمامًا ومشمس وخالي من الهموم. ألبرت إديلفيلت « حديقة لوكسمبورج»(1887). عندما رسم Edelfelt هذه اللوحة ، كان بالفعل شخصية مشهورة جدًا في عالم الفن الباريسي. مفتونًا بالحدائق الباريسية مع العديد من الأطفال والمربيات الذين يستمتعون بالطقس الجيد ، قرر التقاط هذا الجمال. بحلول ذلك الوقت ، كان الرسام قد عاش بالفعل في باريس لأكثر من عشر سنوات ، ومن الغريب أن هذه اللوحة هي عمله الرئيسي الوحيد الذي يصور الحياة الباريسية. ربما كان هذا بسبب المنافسة الشرسة بين الفنانين: كان من الأسهل التميز في هذه البيئة ، والعمل على مواضيع فنلندية "غريبة". تعتبر لوحة "حدائق لوكسمبورغ" غير عادية أيضًا حيث استخدم فيها إديلفيلت العديد من تقنيات الانطباعية. في الوقت نفسه ، على عكس الانطباعيين ، عمل على هذه اللوحة لأكثر من عام ، سواء في الهواء الطلق أو في الاستوديو. غالبًا ما كان العمل يتباطأ لأسباب تافهة: بسبب سوء الأحوال الجوية أو تأخر النماذج. قام Edelfelt الذي ينتقد الذات بإعادة صياغة اللوحة القماشية مرارًا وتكرارًا ، وإجراء تغييرات حتى اللحظة الأخيرة ، عندما حان الوقت لنقل العمل إلى المعرض.

عُرضت اللوحة لأول مرة في معرض في غاليري بيتيفي مايو 1887. لم يكن إديلفيلت راضيًا تمامًا عن النتيجة: على خلفية الانفجارات اللونية في لوحات الانطباعيين الفرنسيين ، بدت لوحته ، كما بدا له ، "سائلة". ومع ذلك ، فقد لقي العمل استحسان النقاد والجمهور. بعد ذلك ، أصبحت هذه اللوحة نوعًا من رمز الروابط الوثيقة بين الفن الفنلندي - وإدلفيلت على وجه الخصوص - مع باريس ، التي كانت في ذلك الوقت مركزًا للكون الفني.

صورة " نساء في الكنيسة في روكولاهتي»(1887) ألبرت إديلفيلتكتب في ورشته الصيفية في هايكو - حيث ابتكر كل أعماله تقريبًا حول موضوع الحياة الشعبية. على الرغم من أن اللوحة تعكس انطباعات رحلة إلى شرق فنلندا ، إلا أنه من المعروف أن النساء من هايكو كن عارضات في اللوحة (تم الاحتفاظ بصورهن اللواتي يتقدمن إلى Edelfelt في الاستوديو الخاص به). مثل التراكيب الكبيرة الأخرى ، لم يتم إنشاء هذا بين عشية وضحاها ، فقد تم دائمًا عمل رسومات أولية دقيقة. ومع ذلك ، كان الهدف الرئيسي للفنان دائمًا هو تحقيق تأثير حي وعفوي لـ "اللقطة".

بجانب أعمال ألبرت إديلفيلت في متحف أتينيوم ، يمكنك مشاهدة لوحات لممثل آخر من العصر الذهبي للفن الفنلندي ، إيرو يارنفيلتا (إيرو يارنيفيلت) (1863-1937). بعد الانتهاء من دراسته في فنلندا ، ذهب يارنيفيلت إلى سان بطرسبرجحيث درس في أكاديمية الفنونمع عمه ميخائيل كلودت ، أصبح قريبًا من ريبين وكوروفين ، ثم ذهب لمواصلة تعليمه في باريس. على الرغم من التأثيرات الأجنبية ، يعكس عمل Järnefelt البحث عن الهوية الوطنية ، والرغبة في التأكيد على الطبيعة الخاصة لثقافته الأصلية ( المزيد عن الإبداع إيرو يارنفيلتاقرأ ).

يُعرف Jarnefelt بأنه رسام بورتريه ومؤلف المناظر الطبيعية المهيبة لمنطقة Koli والمناطق المحيطة ببحيرة Tuusulanjärvi ، حيث كان استوديو الفيلا الخاص به Suviranta يقع (كان المنزل المجاور منزل Ainola ، حيث عاش الملحن Sibelius مع زوجته ، شقيقة Jarnefelt).

لكن أهم وأشهر أعمال إيرو يارنيفيلت هي بالطبع اللوحة "تحت نير" ("حرق الغابة")(1893) (متغيرات أخرى للاسم - " الانحناء الخلفي للمال», « سخرة"). ترتبط قطعة القماش بالطريقة القديمة للزراعة ، والتي تتمثل في حرق الغابة للحصول على الأراضي الصالحة للزراعة (ما يسمى زراعة القطع والحرق). تم إنشاء اللوحة في صيف عام 1893 في مزرعة رنان بورولافي لابينلاهتي ، في منطقة سافو الشمالية. في تلك السنة دمر الصقيع الحصاد للمرة الثانية. عمل Järnefelt في مزرعة لعائلة ثرية ولاحظ ظروف العمل والمعيشة القاسية للعمال الذين لا يملكون أرضًا والذين يتقاضون أجورًا مقابل عملهم فقط إذا كان الحصاد جيدًا. في موازاة ذلك ، رسم Järnefelt رسومات تخطيطية لمشهد غابة محترقة ، ودرس سلوك النار والدخان ، وصوّر أيضًا القرويين ، الذين أصبحوا في النهاية الشخصيات الرئيسية في صورته.

شخصية واحدة فقط في الصورة تنظر مباشرة إلى المشاهد: هذه فتاة قاطعت العمل لفترة وتنظر إلينا بتعبير عن اللوم. كانت بطنها منتفخة من الجوع ، وكان وجهها وملابسها مسودًا بالسخام ، وحول رأسها صورت جارنفيلت دخانًا يشبه الهالة. رسمت الفنانة هذه الصورة من فتاة تبلغ من العمر 14 عامًا تدعى جوانا كوكونن ( جوانا كوكونن) ، الخدم في المزرعة. الشخص الموجود في المقدمة هو Heikki Puurunen ( هيكي بورونين) وشقيق المزارع وصاحب المزرعة في الخلفية.

عند النظر إلى الصورة ، يمكنك أن تشعر حرفيًا بحرارة النار ، تسمع ضوضاء اللهب المكتومة وسحق الأغصان. الصورة لها عدة تفسيرات ، لكن معناها الأساسي يُنظر إليه على أنه انتقاد لاذع للشعوب المظلومة. أصبحت الفتاة من الصورة صورة عامة لجميع الأطفال الفقراء والجوعى ، وجميع الأشخاص المحرومين في فنلندا. تم تقديم اللوحة لأول مرة للجمهور في عام 1897.

قاعة كبيرة كاملة متحف أتينيوممخصص لعمل ممثل مشهور آخر للعصر الذهبي للفنون الجميلة الفنلندية - أكسيلي غالينا كاليلا (أكسيلي جالن كاليلا) (1865-1931). مثل الفنانين الفنلنديين الرئيسيين الآخرين في تلك الفترة ، درس في. حظي جالن كاليلا باهتمام خاص من الجمهور الباريسي خلال المعرض العالمي لعام 1900 ، عندما نفذ عددًا من اللوحات الجدارية للجناح الفنلندي استنادًا إلى الملحمة الفنلندية كاليفالا.

أثناء الدراسة في باريسغالبًا ما كان جالن كاليلا يرسم المشاهد التي لاحظها في الشوارع والمقاهي. مثال على إبداع هذه الفترة هو الرسم "عارية" ("بدون قناع") (ديماسكي ) (1888) - اللوحة المثيرة الوحيدة تقريبًا في أعمال جالن كاليلا. من المعروف أنه تم إنشاؤه من قبل فنان يبلغ من العمر 23 عامًا بتكليف من جامع الأعمال الخيرية الفنلندي فريدجوف أنتل ، الذي أراد تجديد مجموعته من اللوحات الجنسية الصريحة. ومع ذلك ، عندما رأى Antell اللوحة ، رفض أن يأخذها ، على ما يبدو اعتبر أن اللوحة فاحشة للغاية حتى بالنسبة لذوقه.

تصور اللوحة امرأة باريسية عارية (عاهرة على ما يبدو) جالسة في استوديو الفنان على أريكة مغطاة بسجادة فنلندية تقليدية. تعطي الصورة فكرة عن أسلوب الحياة البوهيمي ، لكنها في نفس الوقت تلمح إلى أن أفراحه محفوفة بالموت والسقوط. يصور الفنان زنبقًا يرمز إلى البراءة ، والذي يتناقض مع نموذج حسي مؤكد وجيتار ، يعزز شكله الشعور بالإثارة. تبدو المرأة مغرية ومخيفة. صليب ، تمثال بوذا وسجادة فنلندية عتيقة رويو، التي تصور بجانب الجسد الأنثوي الراضية ، تلمح إلى تدنيس القديس. ابتسمت جمجمة على المنضدة في الخلفية - وهي عنصر متكرر في اللوحات من نوع فانيتاس ، لتذكير المشاهد بهشاشة الملذات الأرضية وحتمية الموت. اللوحة القماشية ديماسكيتم عرضه لأول مرة في متحف أتينيومفي عام 1893.

العديد من الأعمال اللاحقة غالينا كاليلامخلص "كاليفال". عند تصوير أبطال الملحمة الفنلندية مثل Väinämöinen و Lemminkäinen ، يستخدم الفنان أسلوبًا خاصًا ، قاسيًا ومعبّرًا ، مليئًا بألوان زاهية لا مثيل لها وزخارف منمقة. من هذه الدورة ، تجدر الإشارة إلى الصورة المذهلة " والدة Lemminkäinen»(1897). على الرغم من أن اللوحة هي توضيح للملحمة ، إلا أنها تتمتع بصوت عالمي وعالمي ويمكن اعتبارها نوعًا من بيتا الشمالية. هذه الأغنية الثاقبة للحب الأمومي هي واحدة من أكثر الأعمال المذهلة لجالن كاليلا في هذا الموضوع " كاليفالا».

والدة Lemminkäinen- رجل مرح ، صياد ذكي ومغوي للنساء - يجد ابنه في نهر الموت الأسود (نهر تونيلا) ، حيث حاول إطلاق النار على البجعة المقدسة. تم تصوير البجعة في الماء الداكن في الخلفية ، وتناثرت الجماجم والعظام على الشاطئ الصخري وتنبت أزهار الموت. يروي كاليفالا كيف تمشط الأم الماء بمجرفة طويلة ، وتزيل كل القطع وتعيد طيّ ابنها منها. بمساعدة التعاويذ والمراهم ، تحيي Lemminkäinen. الصورة تصور اللحظة التي تسبق القيامة. يبدو أن كل شيء ذهب ، لكن أشعة الشمس تخترق عالم الموتى ، وتعطي الأمل ، وتحمل النحلة بلسمًا إلهيًا يمنح الحياة لقيامة البطل. تعزز الألوان الداكنة والصامتة الإحساس بالسكون في هذا العالم السفلي ، في حين أن الطحالب الحمراء الشديدة على الصخور ، والبياض القاتل لنباتات Lemminkäinen وجلدها يتناقض مع اللون الذهبي الإلهي للنحلة والأشعة المتدفقة من السماء.

بالنسبة لهذه اللوحة ، تم طرح الفنان من قبل والدته. لقد تمكن من تكوين صورة واقعية للغاية بمظهر حيوي ومكثف (هذا شعور حقيقي: تحدث جالن كاليلا عمداً مع والدته عن شيء محزن ، مما جعلها تبكي). في الوقت نفسه ، فإن الصورة منمقة ، مما يسمح بخلق جو أسطوري خاص ، والشعور بأن الأحداث تجري "على الجانب الآخر" من الواقع. لتعزيز التأثير العاطفي ، استخدم Gallen-Kallela درجة الحرارة بدلاً من الدهانات الزيتية. تساعد الأشكال المبسطة والخطوط الواضحة للأشكال ومستويات الألوان الكبيرة على تكوين تركيبة قوية. من أجل نقل الحالة المزاجية القاتمة للصورة بشكل أفضل ، قام الفنان بتجهيز غرفة سوداء بالكامل في منزل الاستوديو الخاص به في روفيسي ، وهو المصدر الوحيد للإضاءة الذي كان منورًا فيه. بالإضافة إلى ذلك ، قام بتصوير نفسه عارياً على الأرض واستخدم هذه الصور عندما رسم شخصية ليمينكينين.

بأسلوب مختلف تمامًا وشاعري وشبه تافه ، اللوحة الثلاثية لغالن كاليلا " أسطورة أينو»(1891). التكوين مكرس لمؤامرة كاليفالا حول الفتاة الصغيرة آينو والحكيم العجوز فايناموينين. كان من المقرر أن تتزوج آينو ، بقرار من والديها ، من Väinämöinen ، لكنها تهرب منه مفضلة أن تغرق نفسها. على الجانب الأيسر من اللوحة الثلاثية ، يظهر الاجتماع الأول لرجل عجوز وفتاة يرتديان زيًا كاريليًا تقليديًا في الغابة ، وعلى الجانب الأيمن نرى أينو الحزين. تستعد لإلقاء نفسها في الماء ، تبكي على الشاطئ ، وتستمع إلى نداءات عرائس البحر اللواتي يلعبن في الماء. أخيرًا ، تصور اللوحة المركزية نهاية القصة: Väinämöinen يأخذ قاربًا إلى البحر ويذهب للصيد. بعد أن اصطاد سمكة صغيرة ، لم يتعرف فيها على الفتاة التي غرقت بسبب خطأه وألقى السمكة مرة أخرى في الماء. لكن في تلك اللحظة ، تتحول السمكة إلى آينو - حورية البحر التي تضحك على الرجل العجوز الذي افتقدها ثم تختفي في الأمواج إلى الأبد.

أوائل تسعينيات القرن التاسع عشر جالن كاليلاكان مؤيدًا للنزعة الطبيعية ، وكان بحاجة بالتأكيد إلى نماذج أصلية لجميع الأشكال والأشياء الموجودة في الصورة. لذلك ، بالنسبة لصورة Väinämöinen مع لحيته الطويلة الجميلة ، عرض أحد سكان إحدى قرى Karelian للفنان. بالإضافة إلى ذلك ، قام الفنان بتجفيف المجثمات للحصول على أدق صورة لسمكة يخافها رجل عجوز. حتى السوار الفضي الذي يلمع على يد آينو كان موجودًا في الواقع: قدم جالن كاليلا هذه المجوهرات لزوجته الشابة ماري. يبدو أنها عملت كنموذج لأينو. تم رسم المناظر الطبيعية للثلاثي من قبل الفنان خلال شهر العسل في كاريليا.

تم تأطير التكوين بإطار خشبي به زخارف واقتباسات من كاليفالا مكتوبة بخط يد غالن كاليلا نفسه. أصبحت هذه الثلاثية نقطة الانطلاق للحركة الرومانسية الوطنية في فنلندا- النسخة الفنلندية من فن الآرت نوفو. رسم الفنان النسخة الأولى من هذه اللوحة في باريس في 1888-1889. (مملوكة الآن لبنك فنلندا). عندما عُرضت اللوحة لأول مرة في هلسنكي ، قوبلت بحماس كبير ، وقرر مجلس الشيوخ طلب نسخة جديدة على النفقة العامة. تبدو هذه الفكرة طبيعية تمامًا في أعقاب حركة فنوماني ، التي جعلت الأمة الفنلندية مثالية ورومانسية. بالإضافة إلى ذلك ، كان يُنظر إلى الفن على أنه وسيلة قوية للتعبير عن المثل الوطنية الفنلندية. في الوقت نفسه ، بدأت رحلات الفنانين إلى كاريليا بحثًا عن "أسلوب فنلندي حقيقي". كان يُنظر إلى كاريليا على أنها الأرض الوحيدة التي لم يمسها أحد حيث تم الحفاظ على آثار كاليفالا ، وقد اعتبر جالن-كاليلا نفسه هذه الملحمة على أنها قصة عن أوقات العظمة الوطنية الماضية ، كصورة للفردوس المفقود.

لوحة جالين كاليلا " لعنة كوليرفو"(1899) يحكي عن بطل آخر من كاليفالا. كان Kullervo شابًا يتمتع بقوة غير عادية ، ويتيمًا أُخذ للعبودية وأُرسل إلى البرية لقطيع الأبقار. أعطته العشيقة الشريرة ، زوجة إلمارينن الحداد ، خبزًا للرحلة التي تم فيها إخفاء حجر. في محاولة لقطع الخبز ، كسر Kullervo السكين ، الذكرى الوحيدة لوالده. غاضبًا ، جمع قطيعًا جديدًا من الذئاب والدببة والوشق ، التي تمزق عشيقتها. يهرب Kullervo من العبودية ويعود إلى المنزل بعد أن علم أن عائلته على قيد الحياة. ومع ذلك ، فإن مغامرات Kullervo لا تنتهي عند هذا الحد. إن دوامة الانتقام اللانهائية لا تدمر عائلته الجديدة فحسب ، بل تدمر نفسه أيضًا. يلتقي أولاً ويغوي فتاة تبين أنها أخته ، وبسبب هذه العلاقة الخاطئة ، تنتحر الأخت. سرعان ما يموت جميع أقاربه. ثم يقتل Kullervo نفسه بإلقاء نفسه على السيف.

تُظهر اللوحة التي رسمها جالن كاليلا حلقة عندما كان كوليرفو لا يزال يعمل كراعٍ (يظهر قطيعه في الخلفية ، ويظهر الخبز بالحجر المخبوز في المقدمة). الشاب يهز قبضته ويتعهد بالانتقام من أعدائه. صور الفنان البطل الغاضب على خلفية منظر طبيعي مشمس في أوائل الخريف ، لكن السحب تتجمع بالفعل في الخلفية ، وكان الروان المتدفق باللون الأحمر بمثابة تحذير ، نبوءة عن إراقة الدماء في المستقبل. في هذه الصورة ، يتم الجمع بين المأساة وجمال الطبيعة الكريلية ، ويمكن اعتبار البطل المنتقم ، بمعنى ما ، رمزًا للروح القتالية الفنلندية والوعي القومي المتنامي. من ناحية أخرى ، أمامنا صورة للغضب وخيبة الأمل ، عجز رجل نشأ على يد غرباء أبادوا عائلته ، في جو من العنف والانتقام ، وهذا ترك بصمة مأساوية على مصيره.

المزيد عن الإبداع غالينا كاليلاقرأ .

نختتم هذا القسم بقصة عن عمل ممثل بارز آخر للرومانسية الوطنية الفنلندية في الرسم ، الفنانة الشهيرة للعصر الذهبي الفنلندي - بيكا هالونين. بيكا هالونين (بيكا هالونين) (1865-1933) صعد إلى الصدارة في تسعينيات القرن التاسع عشر ، وأثبت أنه أستاذ بارع في مشهد الشتاء. من روائع هذا النوع اللوحة " شجر الصنوبر تحت الثلج(1899) ، يعتبر مثالاً اليابانية الفنلنديةوالفن الحديث في الرسم. الثلج الناعم الرقيق الذي يغطي الشتلات ، واللعب بظلال مختلفة من اللون الأبيض ، يخلق جوًا هادئًا لقصة خيالية في الغابة. الهواء الضبابي مشبع بالضباب الشتوي البارد ، وتؤكد طبقات الثلج المورقة على الجمال الهش لأشجار الصنوبر الصغيرة. كانت الأشجار بشكل عام واحدة من العناصر المفضلة في الإبداع. بيكي هالونينا. طوال حياته ، كان يصور الأشجار بحماس في أوقات مختلفة من السنة ، وكان يحب الربيع بشكل خاص ، لكنه مع ذلك أصبح الأكثر شهرة على وجه التحديد باعتباره سيدًا. مشهد الشتاء- قلة من الرسامين تجرأوا على الإبداع في البرد. لم يكن بيكا هالونين خائفًا من الشتاء وعمل في الهواء الطلق في أي طقس طوال حياته. كان مؤيدًا للعمل الجوي ، كان يزدري الفنانين الذين "ينظرون إلى العالم من خلال النافذة". في لوحات هالونين ، تتشقق الأغصان من الصقيع ، وتتدلى الأشجار تحت وطأة القمم الثلجية ، وتلقي الشمس بظلال مزرقة على الأرض ، ويترك سكان الغابات آثار أقدام على سجادة بيضاء ناعمة.

أصبحت المناظر الطبيعية الشتوية نوعًا من الرموز الوطنية لفنلندا ، وصنعت Pekka Halonen عشرات اللوحات الفنية حول موضوع الطبيعة والحياة الشعبية الفنلندية للجناح الفنلندي في المعرض العالمي في باريس عام 1900. تتضمن هذه الدورة ، على سبيل المثال ، اللوحة " في الحفرة"(الغسيل على الجليد") (1900). نشأ اهتمام هالونين بتصوير "الغرائبية الشمالية" أثناء دراستها مع بول غوغان في باريس عام 1894.

عادة الفنانين العصر الذهبي للرسم الفنلنديجاءوا من الطبقة الوسطى الحضرية. شيء آخر هو بيكا هالونين ، الذي جاء من عائلة من الفلاحين والحرفيين المستنيرين. وُلِد في لابينلاهتي (شرق فنلندا) وأصبح مهتمًا بالفن في وقت مبكر جدًا - ليس فقط الرسم ، ولكن أيضًا بالموسيقى (كانت والدة الفنانة موهوبة في الكانتيل ؛ كما أنها غرست في ابنها موقفًا مهتمًا بالطبيعة وحبها ، وبعد ذلك هذا الحب كاد أن يتحول إلى دين). بدأ الشاب في دراسة الرسم في وقت متأخر قليلاً عن أقرانه ، ولكن بعد أربع سنوات من الدراسة في مدرسة الرسم التابعة لجمعية الفن الفنلندية وتخرج ممتاز منها ، تمكنت هالونين من الحصول على منحة دراسية سمحت له بالذهاب إلى الدراسة في مكة الفنية في ذلك الوقت. درس لأول مرة في أكاديمية جوليان ، ثم في عام 1894 ، بدأ في أخذ دروس خصوصية منها بول غوغانمع صديقه Vyaino Bloomstead. خلال هذه الفترة ، تعرفت هالونين على الرمزية والتركيبات وحتى الثيوصوفيا. ومع ذلك ، فإن التعرف على أحدث الاتجاهات الفنية لم يدفعه إلى التخلي عن الأسلوب الواقعي ، ولم يستعير لوحة Gauguin المشرقة ، ومع ذلك ، تحت تأثير Gauguin ، أصبح Halonen متذوقًا عميقًا للفن الياباني وبدأ في التجميع نسخ من النقوش اليابانية.

على سبيل المثال ، غالبًا ما يتميز عمله بشجرة صنوبر منحنية ، وهي فكرة شائعة في الفن الياباني. بالإضافة إلى ذلك ، في العديد من اللوحات ، تولي هالونين اهتمامًا خاصًا بالتفاصيل ، والأنماط الزخرفية للفروع أو نمط خاص من الثلج ، وموضوع المناظر الطبيعية الشتوية نفسها ليس نادرًا في الفن الياباني. تتميز هالونين أيضًا بتفضيلها للوحات القماش العمودية الضيقة مثل "kakemono" والتركيبات غير المتماثلة واللقطات المقربة والزوايا غير العادية. على عكس العديد من رسامي المناظر الطبيعية الآخرين ، لم يرسم مناظر بانورامية نموذجية من الأعلى ؛ تم رسم مناظره الطبيعية في أعماق الغابة ، بالقرب من الطبيعة ، حيث تحيط الأشجار بالمشاهد حرفيًا ، ودعوته إلى عالمه الصامت. كان غوغان هو الذي ألهم هالونين لاكتشاف أسلوبه الخاص في تصوير الطبيعة وشجعه على البحث عن موضوعاته في الجذور الوطنية. مثل غوغان ، سعى هالونين إلى إيجاد شيء أساسي ، بدائي ، بمساعدة فنه ، ولكن فقط إذا كان الفرنسي يبحث عن مثله الأعلى في جزر المحيط الهادئ ، عندها سعى الفنان الفنلندي لإحياء "الجنة المفقودة" للشعب الفنلندي في الغابات البكر ، البراري المقدسة الموصوفة في كاليفالا.

لطالما تميزت أعمال بيكا هالونين بالبحث عن السلام والوئام. يعتقد الفنان أن "الفن يجب ألا يثير الأعصاب مثل ورق الصنفرة - يجب أن يخلق إحساسًا بالسلام". حتى في تصوير عمل الفلاحين ، حققت هالونين تراكيب هادئة ومتوازنة. لذلك ، في العمل رواد في كاريليا» (« بناء طريق في كاريليا") (1900) قدم الفلاحين الفنلنديين على أنهم عمال مستقلون وذكيون لا يحتاجون إلى بذل جهود مفرطة لإنجاز المهمة. بالإضافة إلى ذلك ، أكد الفنان أنه يسعى لخلق انطباع زخرفي عام. كان هذا رده على المعاصرين الذين انتقدوا "مزاج الأحد الهادئ" غير الواقعي للصورة وتفاجأوا بملابس العمال النظيفة للغاية ، وقلة الحلاقة على الأرض والمظهر الغريب للسفينة في منتصف الصورة. غابة. لكن الفنانة كانت لديها فكرة مختلفة تمامًا. لم تكن بيكا هالونين تريد أن تخلق صورة للعمل الشاق والمرهق ، بل أرادت أن تنقل الإيقاع الهادئ والمحسوب لعمل الفلاحين.

تأثر هالونين أيضًا بشكل كبير برحلاته إلى إيطاليا (1896-97 و 1904) ، بما في ذلك روائع عصر النهضة المبكرة التي رآها في فلورنسا. بعد ذلك ، انتقل بيكا هالونين مع زوجته وأطفاله (كان للزوجين ثمانية أطفال في المجموع) إلى بحيرة توسولا ، التي كان محيطها الخلاب بمثابة مصدر لا ينضب للإلهام والعمل المثمر بعيدًا عن هلسنكي ، "مصدر كل شيء مبتذل وقبيح. " هنا ، أثناء التزلج على البحيرة ، بحث الفنان عن مكان لمنزله المستقبلي ، وفي عام 1899 اشترى الزوجان قطعة أرض على الشاطئ ، حيث نشأ بعد بضع سنوات منزل استوديو بيكا هالونين - فيلا أطلق عليها اسمه. هالوسينيمي (هالوسينيمي) (1902). تم تصميم هذا المسكن الخشبي المريح بروح الرومانسية الوطنية من قبل الفنان نفسه. يضم المنزل اليوم متحف بيكا هالونين.

رمزيون فنلنديون

يعد العمل الفريد لهوجو سيمبيرج وغيره من الرموز الفنلندية أحد أكثر الأقسام إثارة للاهتمام في مجموعة متحف أتينيوم.

في غرفة منفصلة من متحف أتينيوم ، اللوحة الشهيرة " الملاك الجريح»(1903) فنان فنلندي هوغو سيمبرج. تصور هذه اللوحة الكئيبة موكبًا غريبًا: ولدان حزينان يحملان على نقالة فتاة ترتدي ملابس بيضاء ، وملاك ، معصوب العينين وجناح جريح. خلفية الصورة عبارة عن منظر طبيعي خالي من أوائل الربيع. في يد الملاك باقة من قطرات الثلج ، زهور الربيع الأولى ، رموز الشفاء والحياة الجديدة. . يقود الموكب صبي يرتدي ملابس سوداء ، يشبه متعهد دفن الموتى (ربما يكون رمزًا للموت). تتجه إلينا نظرة فتى آخر يتغلغل مباشرة في روح المشاهد ويذكرنا بأن موضوعات الحياة والموت ذات صلة بكل واحد منا. الملاك الساقط ، الطرد من الجنة ، الأفكار حول الموت - كل هذه المواضيع كانت ذات أهمية خاصة للفنانين - رمزيون. رفض الفنان نفسه تقديم أي تفسيرات جاهزة للرسم ، تاركًا للمشاهد استخلاص استنتاجاتهم الخاصة.

عمل هوغو سيمبرج على هذه اللوحة لفترة طويلة: تم العثور على الرسومات الأولى في ألبوماته منذ عام 1898. تعكس بعض الرسومات والصور شظايا فردية من التكوين. في بعض الأحيان يتم قيادة ملاك في عربة يدوية ، وأحيانًا لا يكون ذلك أولادًا ، ولكن يتم تمثيل الشياطين الصغار كحمالين ، وفي نفس الوقت ، يظل شكل الملاك دائمًا مركزيًا ، والخلفية هي منظر طبيعي حقيقي. توقفت عملية العمل على اللوحة عندما أصيب سيمبرج بمرض خطير: من خريف عام 1902 إلى ربيع عام 1903 ، عولج الفنان في مستشفى معهد ديكونيس في هلسنكي ( هيلسينجين دياكونيسالايتوس) في منطقة كاليو. كان يعاني من مرض عصبي حاد ، تفاقم بسبب مرض الزهري (الذي توفي منه الفنان لاحقًا).

من المعروف أن Simberg صور عارضاته (الأطفال) في ورشة العمل وفي حديقة Eleintarcha ، الواقعة بجوار المستشفى المذكور أعلاه. لا يزال المسار الموضح في الصورة موجودًا حتى يومنا هذا - فهو يمتد على طول ساحل خليج Töölönlahti. خلال فترة Simberg ، كانت Eleintarcha Park منطقة ترفيهية شهيرة للطبقة العاملة. بالإضافة إلى وجود العديد من المؤسسات الخيرية ، بما في ذلك مدرسة البنات للمكفوفين ودار الأيتام للمعاقين. لاحظ سيمبرج مرارًا وتكرارًا سكان الحديقة عندما سار هناك في ربيع عام 1903 ، مبتعدًا عن مرض خطير. على ما يبدو ، خلال هذه المسيرات الطويلة ، تبلورت فكرة الصورة أخيرًا. بالإضافة إلى التفسيرات الفلسفية للوحة "الملاك الجريح" (رمز الطرد من الجنة ، وروح الإنسان المريضة ، وعجز الإنسان ، والحلم المكسور) ، يرى البعض أنها تجسيد لحالة الفنان المؤلمة وحتى الجسدية المحددة. الأعراض (وفقًا لبعض التقارير ، عانى سيمبرج أيضًا من التهاب السحايا).

لوحة سيمبرج الملاك الجريحكان نجاحًا كبيرًا فور اكتماله. تم التقديم في معرض الخريف لجمعية الفن الفنلندية عام 1903. في البداية ، تم عرض اللوحة بدون عنوان (بشكل أكثر دقة ، بدلاً من العنوان كان هناك شرطة) ، مما يشير إلى استحالة أي تفسير واحد. لهذا العمل الفردي والعاطفي العميق ، حصل الفنان على جائزة الدولة في عام 1904. تم تنفيذ الإصدار الثاني من The Wounded Angel بواسطة Simberg أثناء تزيين الجزء الداخلي من كاتدرائية Tampere بلوحات جدارية ، حيث عمل مع Magnus Enckel.

وفقًا لمسح أجري في فنلندا في عام 2006 ، " الملاك الجريح"تم الاعتراف به باعتباره العمل الأكثر شعبية في مجموعة Ateneum ، و" اللوحة الوطنية "المحبوبة لفنلندا ، والرمز الفني للبلد.

هوغو سيمبرج (هوغو سيمبرج(1873-1917) ولد في مدينة هامينا ، ثم عاش ودرس فيها ، ثم فيها ، حيث التحق بمدرسة جمعية الفن الفنلندية. غالبًا ما كان يقضي الصيف في منزل العائلة في Niemenlautta (Syakkijärvi) على ساحل خليج فنلندا. سافر سيمبرج على نطاق واسع في أوروبا ، وزار لندن وباريس ، وزار إيطاليا والقوقاز. جاءت مرحلة مهمة في تطوره كفنان في الوقت الذي بدأ فيه Simberg ، بخيبة أمل من التعليم الأكاديمي النمطي ، في أخذ دروس خاصة من Akseli Gallen-Kallela في منطقة نائية في Ruovesi ، حيث بنى Gallen-Kallela منزل ورشته. لقد قدر جالن كاليلا عالياً موهبة تلميذه وتوقع مستقبلًا رائعًا له في عالم الفن ، حيث قارن عمل سيمبرج بالخطب الصادقة والعاطفية التي يجب أن يسمعها الجميع. زار Simberg روفيسي ثلاث مرات بين عامي 1895 و 1897. هنا ، في جو من الحرية الفنية ، سرعان ما وجد لغته الخاصة. على سبيل المثال ، في الخريف الأول من إقامته في روفيسي ، كتب العمل الشهير " تجميد(1895) ، يذكرنا إلى حد ما بـ Munch's The Scream. في هذه الحالة ، تلقت ظاهرة الطقس ، خوف المزارعين حول العالم ، تجسيدًا ووجهًا وشكلًا مرئيًا: إنه شخصية شاحبة مميتة بأذنين كبيرتين ، يجلس فوق حزمة ويسمم كل شيء حوله بأنفاسه القاتلة . على عكس Munch's The Scream ، الذي اكتمل قبل بضع سنوات ، لا يثير Simberg's Frost الرعب واليأس الكامل ، ولكنه يثير شعورًا غريبًا بالتهديد والشفقة في نفس الوقت.

كانت لحظة مهمة في حياة سيمبرج هي معرض الخريف لعام 1898 ، وبعد ذلك تم قبوله في اتحاد الفنانين الفنلنديين. سافر Simberg على نطاق واسع في أوروبا ، وقام بالتدريس والمشاركة في المعارض. ومع ذلك ، لم يتم تقدير حجم موهبة الفنان حقًا إلا بعد وفاته. كان التركيز على المخيف وما هو خارق للطبيعة بعيدًا عن الفهم من قبل جميع النقاد والمشاهدين في ذلك الوقت.

هوغو سيمبرجكانت واحدة من أكبر رمزيون فنلنديون. لم ينجذب إلى المواقف اليومية العادية - بل على العكس من ذلك ، فقد صور شيئًا يفتح الأبواب أمام واقع آخر ، ويمس عقل وروح المشاهد. لقد فهم الفن على أنه فرصة لنقل شخص ما في منتصف الشتاء إلى صباح صيفي جميل والشعور كيف تستيقظ الطبيعة وأنت نفسك في وئام معها. هذا ما أبحث عنه في عمل فني. يجب أن تتحدث إلينا عن شيء ما وتتحدث بصوت عالٍ ، حتى ننجرف بعيدًا إلى عالم آخر.

كان Simberg مولعًا بشكل خاص بتصوير ما لا يمكن رؤيته إلا في الخيال: الملائكة والشياطين والمتصيدون وصور الموت نفسه. ومع ذلك ، حتى هذه الصور أعطى النعومة والإنسانية. غالبًا ما يكون الموت في سيمبرغ خيرًا ومليئًا بالتعاطف ، ويؤدي واجباته دون حماس. هنا جاءت مع ثلاث زهور بيضاء لالتقاط المرأة العجوز. ومع ذلك ، فإن الموت ليس في عجلة من أمرها ، فهي تستطيع أن تستمع إلى الصبي الذي يعزف على الكمان. فقط الساعة الموجودة على الحائط تشير إلى مرور الوقت (" الموت يستمع"، 1897).

في العمل " حديقة الموت"(1896) ، الذي تم إنشاؤه خلال الرحلة الدراسية الأولى إلى باريس ، صور سيمبرج ، كما قال هو نفسه ، المكان الذي تذهب فيه الروح البشرية بعد الموت مباشرة ، قبل الذهاب إلى الجنة. ثلاثة هياكل عظمية في أردية سوداء تعتني بلطف بأرواح النباتات بنفس الحب الذي يعتني به الرهبان في حديقة الدير. كان هذا العمل ذا أهمية كبيرة للفنان. بعد ما يقرب من عشر سنوات ، كررها سيمبرج على شكل لوحة جدارية كبيرة في كاتدرائية تامبيري. يكمن السحر الغريب لهذا العمل في التفاصيل اليومية اللطيفة (علبة سقي ، ومنشفة معلقة بخطاف) ، وأجواء سلمية وصورة وديعة للموت نفسه ، وهي ليست قوة تدمير ، بل تجسيد للعناية. من المثير للاهتمام أنه في قصة هانز كريستيان أندرسن الخيالية "قصة أم" نجد أيضًا صورة مماثلة: يصف الراوي دفيئة ضخمة للموت - صوبة زجاجية ، حيث "تثبت" روح الإنسان خلف كل زهرة أو شجرة. يسمي الموت نفسه بستاني الله: "آخذ أزهاره وأشجاره وأزرعها في جنة عدن العظيمة ، إلى أرض مجهولة".

أولاً صورة الموتظهرت في عمل سيمبرج " الموت والفلاح»(1895). يضفي الكاب الأسود القصير والسراويل القصيرة على Death مظهرًا خفيفًا ومحبسًا. تم إنجاز هذا العمل بواسطة Simberg in Ruovesi أثناء دراسته مع Akseli Gallen-Kallela. في ذلك الربيع ، توفيت الابنة الصغرى للمعلم بسبب الدفتيريا ، ويمكن اعتبار "الموت والفلاح" تعبيراً عن التعاطف مع رجل فقد طفلاً.

مثل الشياطين ، ملائكة هوغو سيمبيرج مؤنسون وبالتالي ضعفاء. إنهم يحاولون توجيه الناس إلى طريق الخير ، لكن الواقع بعيد عن المثالية. عمل " حلم"(1900) يثير أسئلة من المشاهد. لماذا تبكي المرأة بينما يرقص الملاك مع زوجها؟ ربما يترك الزوج زوجته إلى عالم آخر؟ اسم آخر لهذا العمل هو "التوبة" ، لذلك يمكن تفسيره بطرق مختلفة.

ظهرت صور الملائكة لأول مرة في أعمال سيمبرج في خريف عام 1895 (العمل " تقوى"). في هذه القطعة المؤذية ، لا تلاحظ فتاة الملاك المصلي أن الملاك المجاور لديه شيء مختلف تمامًا في ذهنه. وبالفعل ، فإن أجنحة هذا الملاك الثاني بعيدة كل البعد عن كونها بيضاء. هناك صراع بين الشهوانية والروحانية.

كان الجسر في منطقة Niemenlautta ، حيث يقضي Simberg دائمًا وقته الصيفي في منزل العائلة ، مكانًا شهيرًا للقاء للشباب في أمسيات الصيف. انجذب الشبان والشابات إلى هنا ، بسبب أصوات الأكورديون ، للرقص على متن قارب ، حتى من بعيد. قام Simberg مرارًا وتكرارًا بعمل اسكتشات للراقصين. لكن في العمل الرقص على الواجهة البحرية"(1899) الفتيات لا يرقصن مع الرجال ، ولكن مع شخصيات الموت ، التي توجد غالبًا في Simberg. ربما الموت هذه المرة لم يأت من أجل حصاد رهيب ، لكن ببساطة يريد المشاركة في المتعة العامة؟ لسبب ما ، لا يعزف الأكورديون.

كما ترون هوغو سيمبرج- فنان أصيل للغاية ، لا يخلو عمله من مفارقة غريبة ، ولكنه في نفس الوقت يتخللها التصوف ويركز على موضوعات الخير والشر ، والحياة والموت ، وخصائص الفن رمزيون. في أعمال سيمبرج ، تتشابك الأسئلة الفلسفية العميقة مع الفكاهة اللطيفة والتعاطف العميق. "الشيطان المسكين" ، "الموت الوديع" ، ملك الكعك - كل هذه الشخصيات جاءت إلى عمله من الأحلام والقصص الخيالية. لا توجد إطارات مذهبة ولوحات قماشية لامعة: "الحب وحده يجعل الأعمال الفنية حقيقية. إذا جاءت آلام المخاض بدون حب ، فسيولد الطفل غير سعيد.

بالإضافة إلى أعمال Hugo Simberg ، يعرض متحف Ateneum أعمال رسام رمزي فنلندي ماجنوس إنكل (ماغنوس إنكيل) (1870-1925) ، مثل Simberg ، الذي عمل على اللوحات الجدارية لكاتدرائية تامبيري (1907). ولد إنكل في عائلة كاهن في مدينة هامينا ، ودرس الرسم فيها ، وفي عام 1891 ذهب إلى باريس ، حيث واصل تعليمه في أكاديمية جوليان. هناك أصبح مهتمًا بالرمزية والأفكار الصوفية لـ Rosicrucian J.Peladan. من الأخير ، تبنى ماغنوس إنكل النموذج المثالي الخنثوي للجمال ، والذي بدأ في استخدامه في أعماله. كان Enckel مفتونًا بفكرة الجنة المفقودة ، ونقاء الرجل المفقود ، والأولاد الصغار جدًا بجمالهم المخنث يمثل للفنان أنقى أشكال الإنسان. لا ينبغي أيضًا أن ننسى أن إنكل كان مثليًا جنسيًا وغالبًا ما كان يصور أولادًا ورجالًا عراة يتمتعون بمظهر مثير حسي صريح. في 1894-95. سافر الفنان في جميع أنحاء إيطاليا وفي بداية القرن العشرين ، وتحت تأثير الفن الإيطالي الكلاسيكي ، وكذلك ما بعد الانطباعية ، أصبحت لوحته ملونة وخفيفة. في عام 1909 ، أسس المجموعة مع الرسامين Werner Thomé و Alfred Finch سبتمبر.

على العكس من ذلك ، يتميز العمل المبكر لـ Magnus Enkel بنطاق صامت ، زهد اللون. في ذلك الوقت ، اقتصرت لوحة ألوان الفنان على درجات من الرمادي والأسود والمغرة. مثال على ذلك هو الرسم الصحوة"(1894) ، كتبها إنكل أثناء الزيارة الثانية للفنانة إلى. تتميز اللوحة القماشية بساطتها اللونية وتركيب مبسط وخط مسطر للرسم - كل هذا يستخدم للتأكيد على أهمية الصورة. الشاب الذي بلغ سن البلوغ قد استيقظ وجلس عارياً على السرير ، ورأسه منحني بتعبير جاد على وجهه ، غارقاً في أفكاره. إن وضعية جسده الملتوية ليست مجرد إيماءة مألوفة للخروج من السرير ؛ هذا الشكل ، الذي يوجد غالبًا بين الفنانين الرمزيين ، أكثر تعقيدًا. كان البلوغ واليقظة الجنسية / فقدان البراءة من الموضوعات التي جذبت العديد من معاصري Enckel (راجع ، على سبيل المثال ، لوحة Munch المزعجة Maturation (1894/95)). تؤكد جاما بالأبيض والأسود على المزاج الكئيب للاجتماع مع العالم القمعي.

اخر رسام رمزي فنلندي، على الرغم من أنه ليس الأكثر شهرة ، هو Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (فاينو بلومستيدت) (1871-1947). كان بلومستيد فنانًا ومصمم نسيج وتأثر بالفن الياباني على وجه الخصوص. درس أولاً في فنلندا ، ثم مع بيكا هالونين في. كما نعلم بالفعل ، خلال زيارتهم لباريس ، التقى هؤلاء الفنلنديون بغوغان ، الذي عاد مؤخرًا من تاهيتي ، وبدأوا في أخذ الدروس منه. وقع بلومستدت المندفع على الفور تحت تأثير غوغان ولوحاته التي تتنفس الألوان. كان البحث عن الجنة المفقودة في أعمال Gauguin قريبًا جدًا من Bloomstedt. فقط إذا كان غوغان يبحث عن هذه الجنة في بلدان غريبة ، فإن فاينو بلومستدت ، مثل العديد من الفنانين الفنلنديين في ذلك الوقت ، كان يهدف إلى البحث عن أصول وطنه ، أرض كاليفالا العذراء. غالبًا ما يكون أبطال لوحات بلومستدت شخصيات خيالية أو أسطورية.

بعد لقاء غوغان ، تخلى بلومستيدت عن الرسم الواقعي في منتصف تسعينيات القرن التاسع عشر والتفت إليه رمزيةومتعدد الألوان الزاهية اصطناعيلوحة. وفقًا لإيديولوجية الرمزية ، فإن الفن الواقعي القائم على الملاحظة المرئية محدود للغاية ولا يسمح للفرد بالتقاط أهم شيء في الشخص ، وهو جوهره العاطفي والروحي ، وهو سر الحياة نفسها. ما وراء الواقع اليومي يكمن عالم آخر ، وهدف الرموز هو التعبير عن هذا العالم من خلال الفن. بدلاً من محاولة خلق وهم ثلاثي الأبعاد للواقع ، لجأ الفنانون الرمزيون إلى الأسلوب ، التبسيط ، الزخرفة ، سعوا لإيجاد شيء نقي وشاعري. ومن هنا اهتمامهم في بدايات عصر النهضة الإيطالية ، واستخدام تقنيات تمبرا وفريسكو. أحد أوضح الأمثلة رمزية في أعمال الفنانين الفنلنديينهي صورة Väinö Bloomstedt « فرانشيسكا"(1897) ، غمر المشاهد في عالم النوم والنسيان ، جو جامد وساحر برائحة الخشخاش المسكرة.

كانت الكوميديا ​​الإلهية لدانتي مصدر إلهام لهذه اللوحة ، حيث تلتقي الشاعرة بفرانشيسكا دا ريميني في الجحيم وتروي له قصة حبها المأساوي لباولو. صورة فتاة تذكرنا بمادونا ، مشهد "عصر النهضة" بأشجار السرو الداكنة والسطح اللوني الشفاف للوحة (اللوحة القماشية تتألق بوضوح من خلال الألوان) توحي بلوحات جدارية قديمة في المعابد الإيطالية. بالإضافة إلى ذلك ، نظرًا لتقنية التنفيذ الخاصة ، تشبه الصورة جزئيًا نسيجًا رثًا. رسم اللوحة بلومستيدت خلال رحلة إلى إيطاليا. كما يرى تأثير فن ما قبل الرفائيلية.

المرأة في الفن: فنانون فنلنديون

متحف أتينيوممن الملاحظ أيضًا أن جزءًا كبيرًا من مجموعته يتكون من أعمال الفنانات، بما في ذلك مشاهير العالم مثل فنان فنلندي هيلينا شجيرفبيك. في عام 2012 ، استضاف متحف أتينيوم معرضًا واسعًا لأعمال هيلينا شجيرفبيك ، مكرسًا للذكرى السنوية الـ 150 لميلادها. يضم متحف Ateneum أكبر وأكمل مجموعة من أعمال Helena Schjerfbeck في العالم (212 لوحة ، رسومات ، كراسة رسم).

هيلينا شجيرفبيك (هيلينا شجيرفبيك(1862-1946) ولدت في هلسنكي ، وبدأت في دراسة الرسم في وقت مبكر وحققت بالفعل في شبابها مهارة ملحوظة. اتسمت حياة هيلينا بإصابة شديدة في الفخذ بعد سقوطها على السلالم في طفولتها. لهذا السبب ، تلقت الفتاة تعليمًا منزليًا - لم تذهب إلى مدرسة عادية ، لكن كان لديها الكثير من الوقت للرسم ، وتم قبولها في مدرسة فنية في سن مبكرة بشكل غير عادي. (لسوء الحظ ، تذكرت إصابة الورك نفسها بعرج لبقية حياته). بعد الدراسة في فنلندا ، بما في ذلك في أكاديمية Adolf von Becker الخاصة ، تلقت Schjerfbeck منحة دراسية وغادرت إلى حيث درست في أكاديمية Colarossi. في 1881 و 1883-84. عملت أيضًا في مستعمرات الفنانين في بريتاني (الرسم " الصبي يغذي أخته الصغيرة(1881) ، الذي كتب في هذه المنطقة من فرنسا ، يعتبر الآن بداية الحداثة الفنلندية). في بريتاني ، قابلت فنانًا إنكليزيًا غير معروف وتزوجته ، ولكن في عام 1885 فسخ الخطيب خطوبته (اعتقدت عائلته أن مشاكل الورك التي تعاني منها هيلينا مرتبطة بمرض السل ، الذي توفي منه والدها). هيلينا شجيرفبيك لم تتزوج قط.

في تسعينيات القرن التاسع عشر ، درّست شجيرفبيك في مدرسة مجتمع الفن ، والتي تخرجت منها هي نفسها مرة واحدة. في عام 1902 ، بسبب مشاكل صحية ، تركت التدريس وانتقلت مع والدتها إلى مقاطعة نائية في هيفينكا. في حاجة إلى الصمت ، عاش الفنان حياة منعزلة ، لكنه استمر في المشاركة في المعارض. تم "اكتشاف" Schjerfbeck للجمهور في عام 1917: أقيم أول معرض شخصي للفنانة في الصالون الفني لـ Ëst Stenman في هلسنكي ، والذي حقق نجاحًا كبيرًا مع المشاهدين والنقاد وانتهك وجودها المنعزل. أقيم المعرض الرئيسي التالي في ستوكهولم في عام 1937 لاستعراض الهذيان ، تلاه سلسلة من المعارض المماثلة في جميع أنحاء السويد. في عام 1935 ، عندما توفيت والدتها ، انتقلت هيلينا للعيش في تاميساري ، وأمضت سنواتها الأخيرة في السويد ، في مصحة في سالتسجوبادن. في فنلندا ، كان الموقف تجاه عمل Schjerfbeck مثيرًا للجدل لفترة طويلة (تم التعرف على موهبتها فقط في النصف الثاني من القرن العشرين) ، بينما تم استقبال فنها في السويد مبكرًا بحماس كبير. لكن اعتراف Schjerfbeck الدولي الواسع حقًا جاء في عام 2007 ، عندما أقيمت معارض بأثر رجعي واسعة النطاق لعملها في باريس وهامبورغ ولاهاي.

من بين جميع لوحات Helena Schjerfbeck ، الأكثر شهرة في العالم ، هناك العديد من الصور الذاتية التي تنتقد الذات ، والتي تجعل من الممكن تتبع كل من تطور أسلوبها والتغييرات في الفنانة نفسها ، التي قامت بلا رحمة بإصلاح وجهها المتقدم في السن. إجمالاً ، كتب Schjerfbeck حوالي 40 صورة ذاتية ، الأولى في سن 16 ، والأخيرة في 83. ستة منهم في مجموعة Ateneum.

لكن ربما تكون اللوحة الأكثر شهرة هيلينا شجيرفبيكهي اللوحة القماشية التماثل للشفاء"(1888) ، وغالبًا ما يشار إليها على أنها جوهرة متحف أتينيوم. حازت هذه اللوحة للفنان البالغ من العمر 26 عامًا على ميدالية برونزية في المعرض العالمي في باريس عام 1889 (حيث عُرضت هذه اللوحة تحت عنوان "أول أخضر" ( رئيس الوزراء الخضرة) - هكذا أطلقت Schjerfbeck نفسها على الصورة في الأصل). كان موضوع الأطفال المرضى شائعًا في الفن في القرن التاسع عشر ، لكن Schjerfbeck لا يصور فقط طفلًا مريضًا ، بل طفلًا يتعافى. رسمت هذه الصورة في مدينة سانت آيفيس الساحلية الخلابة ، في كورنوال ، جنوب غرب إنجلترا ، حيث سارعت الفنانة بناءً على نصيحة صديقتها النمساوية في 1887-1888 ، ومرة ​​أخرى في 1889-1890.

غالبًا ما يُطلق على هذا العمل آخر مثال للرسم بالضوء الطبيعي في عمل Schjerfbeck (انتقلت لاحقًا إلى الحداثة المنمقة والتعبيرية التجريدية تقريبًا باستخدام لوحة زاهد). هنا تعمل الفنانة بمهارة بالضوء ، فتوجه عين المشاهد إلى وجه فتاة تتعافى بشعر أشعث وخدود متعرجة محموم ، تحمل قدحًا به غصين مزهر هش في يديها - رمزًا للربيع والحياة الجديدة. ترسم ابتسامة على شفاه الطفل ، معبرة عن الأمل في الشفاء. هذه الصورة المثيرة تلفت انتباه المشاهد وتجعله يشعر بالتعاطف. يمكن تسمية الصورة ، بمعنى ما ، بأنها صورة ذاتية للفنانة ، التي كانت في ذلك الوقت تحاول فقط التعافي من تفكك خطوبتها. من الممكن أيضًا أن تكون شجيرفبيك قد صورت نفسها في هذه الصورة عندما كانت طفلة ، تخبرنا عما شعرت به هي نفسها ، وغالبًا ما تكون طريحة الفراش وتفرح عند ظهور أولى علامات الربيع.

برجاء ملاحظة أن أشهر أعمال هيلينا شيرفبيك حاليًا هي "في جولة" في السويد. يقام معرض واحد في ستوكهولم وسيستمر حتى نهاية فبراير 2013 ، والآخر - في جوتنبرج (حتى أغسطس 2013).

مرة اخرى فنان فنلندي، الذي يمكن العثور على عمله في متحف أتينيوم ، هو مشكلة Shernschanz (Sternshantz)(بيدا ستجيرنشانتز) (1867–1910). بالمناسبة ، من المقرر إقامة معرض كبير لأعمال هذا الفنان في عام 2014 في المتحف. كان بيدا شيرنشانز ممثلًا مهمًا للجيل فنانون فنلنديون رمزيونفي مطلع القرنين التاسع عشر والعشرين. ولدت لعائلة أرستقراطية في مدينة بورفو. في عام 1886 ، توفي والدها ، وواجهت الأسرة صعوبات مالية. على عكس الفنانات الأخريات ، كان على Shernschantz العمل لكسب لقمة العيش. في عام 1891 ، في نفس الوقت الذي حضرت فيه فنانة فنلندية أخرى مشهورة ، إلين تيسلف ، جاءت إلى باريس ، وسجلت الفتيات معًا في أكاديمية كولاروسي. كان معلم بيدي هو ماغنوس إنكيل ، الذي استوعبت تحت تأثيره أفكار الرمزية. كان ممثلو هذا الاتجاه مقتنعين بأن الفن لا ينبغي أن ينسخ الطبيعة بخنوع ، بل يجب تنقيته من أجل الجمال ، والتعبير عن المشاعر والتجارب الخفية. بسبب نقص المال ، عاش Shernschanz في باريس لمدة عام واحد فقط. عند عودتها إلى فنلندا ، لم تجد مكانًا لها وذهبت في عام 1895 إلى جزيرة فورمسي الإستونية ، حيث كانت هناك مستوطنة سويدية قديمة احتفظت بلغتها وعاداتها وملابسها. هناك رسم الفنان الصورة في كل مكان يتم استدعاؤنا بصوت»(1895). عنوان اللوحة هو اقتباس من "أغاني فنلندا" الشهيرة آنذاك ( سومن لولو) الكلمات التي كتبها الشاعر إميل كوانتن. كما ترون ، لم تكن كاريليا وحدها هي المكان الذي ذهب إليه الفنانون الفنلنديون بحثًا عن الطبيعة البكر والناس.

على هذه اللوحة الشعرية ، رسم الفنان مجموعة من الأطفال السويديين الذين تمكنوا من الحفاظ على تقاليدهم الوطنية ولغتهم في بيئة غريبة. لهذا السبب ، رأى بعض النقاد معنى وطنيًا في الصورة ، خاصة وأن آلة الكانتيل ، التي تلعبها إحدى الفتيات ، تحتل مكانًا مهمًا في التكوين. فتاة أخرى تغني ، وهذه الأصوات تملأ المشهد الزاهد بطواحين الهواء. نظرًا للأوضاع الثابتة والمجمدة تمامًا وفراغ المناظر الطبيعية المحيطة ، يبدأ المشاهد أيضًا ، كما كان ، في الاستماع إلى الموسيقى التي تبدو في اللوحة. يبدو أنه حتى الريح قد خمدت ، فلا الأوراق ولا طواحين الهواء تتحرك ، كما لو كنا في مملكة مسحورة ، مكان سقط فيه الزمان. إذا انطلقنا من التفسير الرمزي للصورة ، فإن وجوه الأطفال المتدينين والمركّزين على خلفية هذا المشهد الغامض هي وسيلة لإيصال حالة البراءة. بالإضافة إلى ذلك ، كما هو الحال في العديد من الأعمال الأخرى للرموز ، يتم تعيين دور خاص للموسيقى ، أكثر الفنون أثيريًا ونبلًا.

في 1897-98. بعد حصولها على منحة من الحكومة الفنلندية ، قامت بيدا شيرنشانز بالسفر في جميع أنحاء إيطاليا ، لكن نشاطها الإبداعي بعد هذه الفترة لم يكن شيئًا. على الرغم من صغر إرث الفنانة إلا أنه يجذب اهتمام الباحثين ، ومن المتوقع عقد عدد من المؤتمرات والمنشورات في المستقبل ، الأمر الذي سيجعل من الممكن معرفة المزيد عن أهمية عملها في السياق الدولي لدورتها. مئة عام.

فنان فنلندي آخر مثير للاهتمام من نفس الفترة هو إلين دانيلسون جامبوغي (إلين دانيلسون جامبوغي) (1861-1919). إلين دانيلسون جامبوغيينتمي إلى الجيل الأول من الفنلنديين الفناناتالذين حصلوا على تعليم مهني. عملت بشكل أساسي في نوع الصورة الواقعية ، وكانت تختلف في الحياة وفي عملها عن زملائها في تحررها وأسلوب حياتها البوهيمي. انتقدت مكانة المرأة في المجتمع ، وارتدت سراويل وتدخن ، وعاشت حياة معادية للامتثال وارتبطت بالعديد من الفنانين ، بما في ذلك النحات النرويجي جوستاف فيجلاند (كان لديهم علاقة غرامية في عام 1895). اعتبر العديد من النقاد لوحاتها التي تصور النساء في المواقف اليومية مبتذلة وغير لائقة.

« تصوير شخصي»رُسمت إلين دانيلسون-جامبوجي (1900) في وقت كان الفنان فيه قد بدأ يكتسب شهرة في أوروبا. تم تصوير الفنانة في الاستوديو الخاص بها ، وهي تحمل فرشاة ولوحة ألوان ، ويتدفق الضوء عبر الستارة أمام النافذة ، مما يخلق هالة حول رأسها. الشكل الكبير للقماش ، ووضعية الفنان ومظهره - كل هذا يعبر عن طبيعة مستقلة وواثقة من نفسها. لهذه اللوحة ، حصل دانيلسون جامبوغي على ميدالية فضية في فلورنسا عام 1900.

ولدت إيلين دانيلسون جامبوجي في قرية بالقرب من بلدة بوري. في عام 1871 ، أفلست مزرعة أسرتهم وانتحر والدها بعد عام. على الرغم من ذلك ، تمكنت الأم من العثور على أموال حتى انتقلت إيلين في سن 15 وبدأت في دراسة الرسم. نشأت الفتاة في جو حر بعيدًا عن المحرمات الاجتماعية الصارمة. في عام 1883 ، غادرت دانيلسون جامبوغي إلى حيث واصلت تعليمها في أكاديمية كولاروسي ، وفي الصيف درست الرسم في بريتاني. ثم عادت الفنانة إلى فنلندا ، حيث تواصلت مع رسامين آخرين ودرست في مدارس الفنون ، وفي عام 1895 حصلت على منحة دراسية وذهبت إلى فلورنسا. بعد عام ، انتقلت إلى قرية Antignano وتزوجت من الرسام الإيطالي Raffaello Gamboggi. شارك الزوجان في العديد من المعارض في جميع أنحاء أوروبا ؛ عُرضت أعمالهم في المعرض العالمي لعام 1900 في باريس وبينالي البندقية عام 1899. ولكن في بداية القرن العشرين ، بدأت المشاكل العائلية والصعوبات المالية وخيانات زوجها ومرضه. ماتت إيلين دانيلسون غامبوغي بسبب التهاب رئوي ودُفنت في ليفورنو.

أخيرا ، بين الفنانات الفنلندياتلا يمكن استدعاؤه إلين ثيسلف (إلين ثيسلف) (1869-1954). حصل عدد قليل من المؤلفين الفنلنديين على مثل هذا الاعتراف المبكر. بالفعل في عام 1891 ، شاركت تيسلف الشابة في معرض جمعية الفن الفنلندية بعملها الرائع " صدى صوت» ( كايكو) (1891) إلى اشادة النقاد. في ذلك الوقت ، كانت قد تخرجت للتو من أكاديمية جونار بيرندسون الخاصة ( جوناربيرندسون) وكانت ذاهبة في رحلتها الأولى إلى ، حيث دخلت الفتاة أكاديمية كولاروسي مع صديقتها بيدا شيرنشانز. في باريس ، تعرفت على الرمزية ، لكنها اختارت منذ البداية طريقها المستقل في الفن. خلال هذه الفترة ، بدأت في رسم لوحات بألوان زاهد.

كان الفن الإيطالي هو أهم مصدر إلهام لإيلينا تيسلف. بالفعل في عام 1894 ، ذهبت إلى فلورنسا موطن عصر النهضة المبكر. هنا شاهدت الفنانة العديد من الأعمال الجميلة للرسم الديني ، بما في ذلك أعمال بوتيتشيلي ، التي أعجبت بأعمالها في متحف اللوفر. قام Thesleff أيضًا بنسخ اللوحات الجدارية الخاصة بالدير. عزز تأثير الرسم الإيطالي الروحي شغفها بالفن الشعري السامي ، وفي السنوات اللاحقة ، تلقى الزهد اللوني في عملها أقصى قدر من التعبير. الأشكال النموذجية لأعمالها هي المناظر الطبيعية الصارمة ذات الألوان الداكنة والشخصيات البشرية ، الأشباح والحزن.

مثال على أعمال هذه الفترة هو متواضع الحجم " تصوير شخصي»(1894-95) إلين تيسلف ، مرسومة بالقلم الرصاص. كانت هذه الصورة الذاتية ، التي تم إنشاؤها في فلورنسا ، نتيجة عامين من العمل التحضيري. يخبرنا الوجه العاطفي الذي يخرج من الظلام الكثير عن الفنانة ومُثُلها في ذلك الوقت. تماشيًا مع فلسفة الرمزية ، طرحت الأسئلة الأساسية عن الكينونة ودرست المشاعر الإنسانية. في هذه الصورة الذاتية يمكن للمرء أن يرى التجسد الحديث لفن ليوناردو دافنشي بأسئلته وألغازه في الحياة. في الوقت نفسه ، فإن الصورة شخصية للغاية: فهي تعكس حزن تيسلف على وفاة والدها الحبيب ، والذي حدث قبل ذلك بعامين.

نشأت Thesleff في عائلة موسيقية وكانت منذ الطفولة مغرمة بالغناء وعزف الموسيقى مع شقيقاتها. كان الصدى أو الصراخ أحد الأشكال الأكثر شيوعًا في عملها - أكثر أشكال الموسيقى بدائية. غالبًا ما كانت تصور العزف على الكمان - وهي واحدة من أرقى الآلات الموسيقية وأكثرها تعقيدًا. على سبيل المثال ، نموذج للرسم " العزف على الكمان"(" عازفة الكمان ") (1896) قامت بها أخت الفنانة ، تيرا إليزافيتا ، التي غالبًا ما كانت تمثل لها في تسعينيات القرن التاسع عشر.

التركيبة مستدامة بألوان شفافة وشفافة من عرق اللؤلؤ. ابتعد عازف الكمان عن المشاهد وركز على اللعبة. كان موضوع الموسيقى ، الذي تم تبجيله باعتباره الفن الروحي والإلهي ، من أكثر الموضوعات شيوعًا في الرمزية ، ولكن نادرًا ما يصور الفنانون الموسيقيات.

مثل صديقتها ماغنوس إنكل ، في مرحلة مبكرة من عملها ، فضلت إلين ثيسلف الزهد اللوني. ولكن بعد ذلك تغير أسلوبها. تحت تأثير كاندينسكي ودائرته في ميونيخ ، أصبحت الفنانة أول فوفيست في فنلندا ، وفي عام 1912 تمت دعوتها للمشاركة في معرض الجمعية الفنلندية سبتمبرالذين دافعوا عن الألوان النقية الزاهية.

ومع ذلك ، فإن مشاركتها لم تتجاوز نطاق المعرض: لم تنضم تيسلف إلى أي مجموعة ، معتبرة أن الوحدة هي حالة طبيعية لشخصية قوية. بالابتعاد عن النطاق القديم الرمادي والبني ، في سن أكثر نضجًا ، بدأ Thesleff في إنشاء تخيلات ملونة ومتعددة الطبقات. زارت توسكانا مرارًا مع أختها ووالدتها ، حيث رسمت مناظر طبيعية إيطالية مشمسة.

لم تتزوج Tesleff أبدًا ، لكنها أخذت مكانها كشخصية مبدعة. عاش الفنان حياة طويلة ونال التقدير.

الفن الأجنبي في Ateneum

تضم مجموعة متحف أتينيوم للفنون الأجنبية أكثر من 650 لوحة ومنحوتات ورسومات أنشأها أساتذة مشهورون مثل سيزان وواج جوخ وشاجال وموديجلياني ومونش وريبين ورودين وزورن.

من مجموعة أجنبية متحف أتينيومأنتقى "شارع في أوفير سور واز" لفان جوخ(1890). رسم فنسنت فان جوخ هذه اللوحة قبل وفاته بفترة وجيزة ، في بلدة أوفير سور واز الصغيرة ( أوفير سور واز) ، الواقعة في وادي أحد روافد نهر السين ، على بعد حوالي 30 كم شمال غرب. ذهب فان جوخ ، الذي كان يعاني من نوبات من المرض العقلي ، إلى Auvers-sur-Oise بناءً على نصيحة شقيقه Theo لتلقي العلاج من قبل الدكتور Paul Gachet. في Auvers-sur-Oise كانت هناك عيادة لهذا الطبيب - رجل غير مبال بالفن ، على دراية بالعديد من الفنانين الفرنسيين وأصبح أيضًا صديقًا لفان جوخ.

أصبحت بلدة أوفير سور واز في نهاية المطاف مكان وفاة الفنان ، الذي شعر بأنه عبء على شقيقه وعائلته. أطلق فان جوخ النار على نفسه ثم نزف حتى الموت. عاش الفنان في Auvers-sur-Oise آخر 70 يومًا من حياته ، وأكمل 74 لوحة في هذه الفترة القصيرة ، إحداها الآن في متحف الفن الرئيسي في هلسنكي. من الممكن أن تكون اللوحة قد تركت غير مكتملة (التمهيدي مرئي في بعض الأماكن). ينطلق سطوع السماء من النغمة الخضراء الهادئة للأرض والظل المحمر للأسطح المكسوة بالبلاط. يبدو أن المشهد كله في حركة روحية تتخللها طاقة قلقة.

قصة مثيرة للاهتمام للغاية هي كيف دخلت اللوحة "شارع في أوفير سور وايز" متحف أتينيوم. لبعض الوقت بعد وفاة فان جوخ ، كانت ملكًا لشقيق الفنان ، ثيو ، ثم لأرملة ، التي اشترى منها جوليان لوكليرك اللوحة ( جوليان لوكليرك) شاعر وناقد فرنسي. من المعروف أنه في عام 1900 حصل Leclerc على ما لا يقل عن 11 لوحة فان جوخ من أرملة ثيو. بعد عام ، نظم أول معرض استعادي لفان جوخ ، لكنه سرعان ما توفي بشكل غير متوقع. كانت زوجة Leclerc عازفة البيانو فاني فلودين ( فانيفلودين) ، شقيقة الفنانة والنحاتة الفنلندية هيلدا فلودين ( هيلدا فلودين). في عام 1903 ، باعت فاني لوحة فان جوخ لممثلي الجامع فريدجوف أنتل ، الذي ورد ذكره مرارًا وتكرارًا ، مقابل 2500 مارك (حوالي 9500 يورو من النقود الحديثة). أصبحت هذه اللوحة القماشية اللوحة الأولى لكنيسة واج جوخ القديمة

الفنان الفنلندي بيرندت ليندهولم (1841-1914).

بيرندت أدولف ليندهولمكان بيرندت أدولف ليندهولم (Loviisa 20 أغسطس 1841 - 15 مايو 1914 في جوتنبرج ، السويد) رسامًا فنلنديًا ، يعتبر أيضًا من أوائل الانطباعيين الفنلنديين. ليندهولمكان أيضًا أول فنان إسكندنافي يذهب للدراسة في باريس. صتلقى دروس الرسم الأولى في بورفو من الفنان يوهان كنوتسون ، ثم انتقل إلى مدرسة الرسم التابعة لجمعية الفن الفنلندي في توركو. في 1856-1861. هو تلميذ إيكمان.1863-1865 واصل ليندهولم دراسته في الخارج في أكاديمية دوسلدورف للفنون.غادر ألمانيا ومعه ( هجلمار مونسترهيلم) Magnus Hjalmar Munsterhjelm (1840-1905)(Thulos 19 أكتوبر 1840-2 أبريل 1905)عاد إلى وطنه في كارلسروه (1865-1866) ، حيث بدأ في أخذ دروس خصوصية منههانز فريدريك جود (1825-1903)ثم ذهب مرتين إلى باريس عام 1873-1874 ، حيث كان أستاذه ليون بونات. في فرنساعلى اتصال وثيق مع باربيزون تشارلز فرانسوا دوبيني.كما أعرب عن تقديره لعمل ثيودور روسو ، وأبدى إعجابه بعمل جان بابتيست كميل كورو.أقيم أول معرض فردي في هلسنكي في خريف عام 1870 ، حيث نال ليندهولم استحسانًا كبيرًا. في عام 1873 ، منحت أكاديمية الفنون لقب أكاديمي عن لوحة "الغابة في مقاطعة سافولاس" وغيرها.في عام 1876 حصل على ميدالية في المعرض العالمي في فيلادلفيا ؛ في عام 1877 حصل على جائزة الدولة الفنلندية ، ليندهولمعاش في الغالب في الخارج. في عام 1876 انتقل إلى جوتنبرج وعمل أمينًا لمتحف (1878-1900). كما قام بالتدريس في مدرسة جوتنبرج للرسم والتصوير ، ثم انتخب رئيسًا لأكاديمية الفنون الجميلة وعضوًا في الأكاديمية السويدية الملكية..هو كان أكثر تنوعًا من صديقه الفنان ومنافسه ماغنوس هجلمار مونسترهيلمالذي ظل مخلصًا للمشهد الرومانسي طوال حياته.في البداية ، رسم ليندهولم أيضًا مناظر طبيعية رومانسية نموذجية ، وبعد ذلك ، تحت تأثير الرسم الجوي الفرنسي ، يقترب تدريجياً من الواقعية. في نهاية حياته المهنية ، تحول فقط إلى المناظر الساحلية والبحرية ، ومن المعروف أيضًا ذلك ليندهولم شارك في رسم كتاب زكريا توبيليوس - (زكريا توبيليوس ، 1818-1898) - أحد أبرز ممثلي الأدب الفنلندي. شاعر وروائي وروائي ومؤرخ ودعاية - كان يستحق الحب والتقدير ، سواء في المنزل أو خارج حدوده. كتب توبيليوس باللغة السويدية ، رغم أنه كان يجيد الفنلندية أيضًا. ترجمت أعمال توبيليوس إلى أكثر من عشرين لغة. كان يمتلك موهبة متعددة الأوجه بشكل غير عادي وقدرة مذهلة على العمل ، وتشمل المجموعة الكاملة لأعماله أربعة وثلاثين مجلداً. (Z. Topelius. Journey عبر Finland. تم النشر بواسطة F. Tilgman ، 1875. مترجم من السويدية F. Heuren. يحتوي على العديد من النقوش من اللوحات الأصلية لـ A. von Becker ، A. Edelfelt ، R.V Ekman ، V. Holmberg ، K.E. Janson ، O. Kleine و I. Knutson و B. Lindholm و G. Munstergelm و B. Reingold). تم تخصيص الرسوم التوضيحية العشرة التي رسمها ليندهولم لشلال إيماترا ، وفي فنلندا ، لم تكن أعمال الفنان أثناء إقامته في فرنسا موضع تقدير كامل ، وجميعها تقريبًا في مجموعات خاصة.

شاطئ صخري . إضافي... ">

صخور تضيئها الشمس.

حافة غابة الصنوبر.

منظر غابة مع شخصية حطاب.

النهر الذي يتدفق عبره منطقة صخرية

حصاد الشوفان.

الساحل

المناظر الطبيعية الشتوية في ضوء القمر

منظر من الساحل.

قوارب على الرصيف

الأكوام.

المناظر الطبيعية مع البتولا

المناظر البحرية.

المناظر البحرية.

منظر للصخور.

توق

أشعة الشمس فيغابة.

منظر لادوجا.

الصيادين في ضباب الصباح

السفن في الأفق.

مونتمارت ، باريس.

من جزيرة بورفو

أبقار في المرعى