Dmitri Shostakovich: biografi, interessante fakta, kreativitet. Kort om kreativitet Musik til forestillinger af dramateatre

Hver kunstner fører en særlig dialog med sin tid, men karakteren af ​​denne dialog afhænger i høj grad af egenskaberne ved hans personlighed.D. Shostakovich, i modsætning til mange af sine samtidige, var ikke bange for at komme så tæt som muligt på den uattraktive virkelighed og gøre skabelsen af ​​dens nådesløse generaliserede symbolske skildring til en sag og pligt for hans liv som kunstner. I sagens natur var han ifølge I. Sollertinsky dømt til at blive en stor "tragisk digter".

I værker af indenlandske musikologer blev en høj grad af konflikt i Shostakovichs værker gentagne gange bemærket (værkerne af M. Aranovsky, T. Leie, M. Sabinina, L. Mazel). Som en del af den kunstneriske afspejling af virkeligheden udtrykker konflikten komponistens holdning til fænomenerne i den omgivende virkelighed. L. Berezovchuk viser overbevisende, at konflikter i Sjostakovitjs musik ofte viser sig gennem stilistiske og genremæssige interaktioner. Problem. 15. - L.: Musik, 1977. - S. 95-119 .. Tegnene på forskellige musikalske stilarter og genrer fra fortiden, genskabt i et moderne værk, kan tage del i konflikten; afhængig af komponistens hensigt kan de blive symboler på en positiv begyndelse eller billeder af ondskab. Dette er en af ​​varianterne af "generalisering gennem genren" (A. Alschwangs udtryk) i det 20. århundredes musik. Generelt bliver retrospektive tendenser (appellerer til stilarter og genrer fra tidligere tider) førende i forskellige forfatters stilarter i 20. århundrede (værket af M. Reger, P. Hindemith, I. Stravinsky, A. Schnittke og mange andre).

Ifølge M. Aranovsky var et af de vigtigste aspekter af Shostakovichs musik kombinationen af ​​forskellige metoder til at oversætte en kunstnerisk idé, såsom:

direkte følelsesmæssigt åbent udsagn, som om "direkte musikalsk tale";

· visuelle teknikker, ofte forbundet med filmiske billeder forbundet med konstruktionen af ​​et "symfonisk plot";

· metoder til betegnelse eller symbolisering forbundet med personificeringen af ​​kræfterne "handling" og "modhandling" Aranovsky M. Tidens udfordring og kunstnerens svar // Academy of Music. - M.: Musik, 1997. - Nr. 4. - S.15 - 27..

I alle disse manifestationer af Sjostakovitjs kreative metode er der en klar afhængighed af genren. Og i det direkte udtryk for følelser og i visuelle teknikker og i symboliseringsprocesserne - overalt bærer tematikkens eksplicitte eller skjulte genregrundlag en ekstra semantisk belastning.

Sjostakovitjs værk er domineret af traditionelle genrer – symfonier, operaer, balletter, kvartetter mv. Dele af cyklussen har også ofte genrebetegnelser, for eksempel: Scherzo, Recitativ, Etude, Humoresque, Elegy, Serenade, Intermezzo, Nocturne, Funeral March. Komponisten genopliver også en række antikke genrer - chaconne, sarabande, passacaglia. Det særlige ved Sjostakovitjs kunstneriske tænkning er, at velkendte genrer er udstyret med semantik, der ikke altid falder sammen med den historiske prototype. De bliver til originale modeller - bærere af visse værdier.

Ifølge V. Bobrovsky tjener passacagliaen det formål at udtrykke høje etiske ideer. Bobrovsky V. Implementering af Passacaglia-genren i D. Shostakovichs Sonata-symfoniske cykler // Music and Modernity. Udgave 1. - M., 1962.; en lignende rolle spilles af genrerne chaconne og sarabande, og i kammerkompositionerne fra den sidste periode - elegier. Ofte er der recitative monologer i Sjostakovitjs værker, som i mellemtiden tjener formålet med et dramatisk eller patetisk-tragedisk udsagn, og i den senere periode får de en generaliseret filosofisk betydning.

Polyfonien i Shostakovichs tænkning manifesterede sig naturligt ikke kun i teksturen og metoderne til udvikling af tematisk kunst, men også i genoplivningen af ​​fugagenren såvel som traditionen med at skrive cyklusser af præludier og fugaer. Desuden har polyfoniske konstruktioner meget forskellig semantik: kontrasterende polyfoni, såvel som fugato, er ofte forbundet med en positiv figurativ sfære, manifestationssfæren af ​​et levende, menneskeligt princip. Mens det anti-menneske er legemliggjort i strenge kanoner ("invasionens episode" fra 7. symfoni, sektioner fra udviklingen af ​​del I, hovedtemaet i del II af 8. symfoni) eller i enkel, nogle gange bevidst primitiv homofon formularer.

Scherzo fortolkes af Sjostakovitj på forskellige måder: det er både muntre, drilske billeder og legetøjsdukker, derudover er scherzo en yndet genre for komponisten til at legemliggøre de negative handlingskræfter, som fik et overvejende grotesk billede i denne genre. Scherzo-vokabularet skabte ifølge M. Aranovsky et frugtbart intonationsmiljø for anvendelse af maskemetoden, som et resultat af hvilket "... det rationelt forståede var finurligt sammenflettet med det irrationelle, og hvor grænsen mellem liv og absurditet blev fuldstændig udvisket " (1, 24 ). Forskeren ser heri en lighed med Zoshchenko eller Kharms, og måske indflydelsen fra Gogol, hvis poetik komponisten kom i tæt kontakt med i sit arbejde med operaen The Nose.

B.V. Asafiev fremhæver galopgenren som specifik for komponistens stil: "... det er yderst karakteristisk, at Shostakovichs musik rummer galoprytmen, men ikke den naive muntre galop fra 20-30'erne i forrige århundrede og ikke Offenbachs tandbøjede cancan, men galop-biografen, galoppen i den sidste jagt med alskens eventyr, i denne musik er der en følelse af angst og nervøs åndenød og uforskammet bravader, men kun latter, smittende og glædelig, mangler.<…>De skælver, krampagtigt, lunefuldt, som om forhindringer bliver overvundet "(4, 312 ) Galop eller cancan bliver ofte grundlaget for Sjostakovitjs "danses macabres" - originale dødsdanse (f.eks. i Trioen til minde om Sollertinsky eller i ottende symfoni III).

Komponisten gør i høj grad brug af hverdagsmusik: Militær- og sportsmarcher, hverdagsdanse, urban lyrisk musik mv. Som du ved, blev urban hverdagsmusik poetiseret af mere end én generation af romantiske komponister, der så dette kreativitetsområde hovedsageligt som et "skatkammer af idylliske stemninger" (L. Berezovchuk). Hvis hverdagsgenren i sjældne tilfælde var udstyret med negativ, negativ semantik (for eksempel i Berlioz, Liszts, Tchaikovskys værker), øgede dette altid den semantiske belastning, og fremhævede denne episode fra den musikalske kontekst. Men det, der var unikt og usædvanligt i det 19. århundrede, blev et typisk træk ved den kreative metode for Sjostakovitj. Hans talrige marcher, valse, polkaer, galopper, to-trins, cancans har mistet deres værdi (etiske) neutralitet, der tydeligvis hører til den negative figurative sfære.

L. Berezovchuk L. Berezovchuk. Citation Op. forklarer dette af en række historiske årsager. Perioden, hvor komponistens talent blev dannet, var meget vanskelig for den sovjetiske kultur. Processen med at skabe nye værdier i det nye samfund blev ledsaget af et sammenstød mellem de mest modstridende tendenser. På den ene side er det nye metoder til udtryksevne, nye temaer, plots. På den anden side - en lavine af rullende, hysterisk og sentimental musikalsk produktion, som fejede ind over lægmanden i 20-30'erne.

Hverdagsmusik, en umistelig egenskab ved den borgerlige kultur, bliver i det 20. århundrede et symptom på den småborgerlige levevis, snæversynethed og mangel på spiritualitet for førende kunstnere i det 20. århundrede. Denne sfære blev opfattet som et arnested for ondskab, riget af basale instinkter, der kunne vokse til en frygtelig fare for andre. Derfor blev begrebet Ondskab for komponisten kombineret med sfæren af ​​"lave" hverdagsgenrer. Som M. Aranovsky bemærker, "i dette optrådte Shostakovich som Mahlers arving, men uden hans idealisme" (2, 74 ). Det, der blev poetiseret, ophøjet af romantikken, bliver genstand for grotesk forvrængning, sarkasme, latterliggørelse.Sjostakovitj var ikke alene om denne holdning til "bytale". M. Aranovsky drager paralleller til M. Zoshchenkos sprog, som bevidst forvanskede sine negative karakterers tale. Eksempler på dette er "Politivalsen" og de fleste pauser fra operaen "Katerina Izmailova", marchen i "Invasionsepisoden" " fra den syvende symfoni, hovedtemaet i anden del Ottende symfoni, temaet for menuetten fra anden del af den femte symfoni og meget mere.

De såkaldte "genrelegeringer" eller "genreblandinger" begyndte at spille en vigtig rolle i den modne Shostakovichs kreative metode. M. Sabinina i sin monografi Sabinina M. Shostakovich er symfonist. - M .: Music, 1976. bemærker, at fra den fjerde symfoni får de temaer-processer, hvor der er en vending fra at fange ydre begivenheder til at udtrykke psykologiske tilstande, stor betydning. Shostakovichs stræben efter at fange og omfavne kæden af ​​fænomener i en enkelt udviklingsproces fører til kombinationen i ét tema af funktionerne i flere genrer, som afsløres i processen med dens udbredelse. Eksempler på dette er hovedtemaerne fra første del af den femte, syvende, ottende symfoni og andre værker.

Genremodellerne i Sjostakovitjs musik er således meget forskelligartede: ældgamle og moderne, akademiske og dagligdagse, åbenlyse og skjulte, homogene og blandede. Et vigtigt træk ved Sjostakovitjs stil er forbindelsen mellem visse genrer og de etiske kategorier Godt og Ondt, som igen er de vigtigste komponenter, der virker som kræfter i komponistens symfoniske koncepter.

Overvej semantikken af ​​genremodeller i D. Shostakovichs musik ved at bruge eksemplet med hans ottende symfoni.

For at bruge forhåndsvisningen af ​​præsentationer skal du oprette en Google-konto (konto) og logge ind: https://accounts.google.com

Slides billedtekster:

Dmitri Dmitrievich Shostakovichs liv og arbejde

Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906-1975) russisk sovjetisk komponist, pianist, musikalsk og offentlig person, lærer, professor, doktor i kunsthistorie. Født: 25. september 1906, Skt. Petersborg, det russiske imperium Død: 9. august 1975 (68 år), Moskva, USSR Gift med: Irina Antonovna Shostakovich (1962-75), Margarita Kainova (1956-1960) år.), Nina Vasilievna Varzar (1932-1954) Børn: Maxim Dmitrievich Shostakovich - dirigent, pianist Datter - Galina Dmitrievna Shostakovich Forældre: Sofya Vasilievna Kokoulina, Dmitry Boleslavovich Shostakovich Parti: CPSU

15 symfonier (nr. 7 "Leningradskaya", nr. 11 "1905", nr. 12 "1917") Operaer: "Næsen", "Lady Macbeth fra Mtsensk-distriktet" ("Katerina Izmailova"), "Spillere" ( afsluttet af K. Meyer) Balletter: The Golden Age (1930), The Bolt (1931) og The Bright Stream (1935) 15 strygekvartetter Fireogtyve præludier og fugaer, for klaver (1950-1951) Festouverture til åbningen af the All-Union Agricultural Exhibition (1954) ) Kvintet-oratorium "Skovenes sang" Kantater "Solen skinner over vort hjemland" og "The Execution of Stepan Razin" Koncerter og sonater for forskellige instrumenter Romancer og sange for stemme med klaver og symfoniorkester Operette “Moscow, Cheryomushki” Musik for børn: “Dancer dukker”, Musik for k/f: “Counter”, “Almindelige mennesker”, “Young Guard”, “Fall of Berlin”, “Gadfly”, “Hamlet” , "Cheryomushki", "Kong Lear". HOVEDVÆRK

Oprindelse Dmitry Dmitrievich Shostakovichs oldefar på fadersiden har polske rødder, dyrlæge Pyotr Mikhailovich Shostakovich (1808-1871) Han er uddannet fra Vilna Medical and Surgical Academy. I 1830-1831 deltog han i den polske opstand, og efter dens undertrykkelse blev han sammen med sin kone, Maria Yuzefa Yasinskaya, forvist til Ural-provinsen, til Perm-provinsen. I 40'erne boede parret i Jekaterinburg, hvor deres søn, Boleslav-Arthur, blev født den 27. januar 1845. Dmitry Boleslavovich Shostakovich (1875-1922) rejste til Skt. Petersborg i midten af ​​90'erne og kom ind i den naturlige afdeling ved Fakultetet for Fysik og Matematik ved St. Petersborg Universitet, efter eksamen - i 1900, blev han ansat af Vægtkammeret og Foranstaltninger, kort før D. I. Mendeleev. I 1902 blev han udnævnt til seniortillidsmand for Kammeret og i 1906 til leder af Byens testtelt. Den 9. januar 1905 deltog han i optoget til Vinterpaladset, og senere blev proklamationer trykt i hans lejlighed.

Oprindelse Dmitri Dmitrievich Shostakovichs morfar, Vasily Kokoulin (1850-1911), blev født i Sibirien; efter endt uddannelse fra byskolen i Kirensk flyttede han i slutningen af ​​60'erne til Bodaibo, hvor mange i de år blev tiltrukket af "guldfeberen. Hans kone, Alexandra Petrovna Kokoulina, åbnede en skole for arbejdernes børn; der er ingen oplysninger om hendes uddannelse, men det er kendt, at hun i Bodaibo organiserede et amatørorkester, som er kendt i Sibirien. Kærligheden til musik blev arvet fra hendes mor af den yngste datter af Kokoulinerne, Sofya Vasilievna (1878-1955): hun studerede klaver under vejledning af sin mor og på Irkutsk Institute for Noble Maidens, og efter sin eksamen fra det, efter sin ældre bror Yakov tog hun til hovedstaden og blev optaget på St. konservatoriet. Yakov Kokoulin studerede ved den naturlige afdeling af Fysik og Matematisk Fakultet ved St. Petersborg Universitet, hvor han mødte sin landsmand Dmitrij Sjostakovitj; bragt sammen af ​​deres kærlighed til musik. Som en fremragende sanger introducerede Yakov Dmitry Boleslavovich til sin søster Sofya, og i februar 1903 fandt deres bryllup sted. I oktober samme år blev en datter, Maria, født til de unge ægtefæller, i september 1906, en søn ved navn Dmitry, og tre år senere, den yngste datter, Zoya.

Dmitry Boleslavovich Shostakovich og Sofya Vasilievna Kokoulina (forældre til D.D. Shostakovich)

Barndom og ungdom Dmitry Dmitrievich Shostakovich blev født i hus nummer 2 på Podolskaya gaden. I 1915 gik Shostakovich ind på Commercial Gymnasium, og hans første seriøse musikalske indtryk går tilbage til samme tid: efter at have deltaget i en opførelse af N. A. Rimsky-Korsakovs opera The Tale of Tsar Saltan, annoncerede den unge Shostakovich sit ønske om for alvor at tage musikken op. De første klavertimer blev givet til ham af hans mor, og efter flere måneders undervisning kunne Shostakovich begynde sine studier på den private musikskole hos den dengang berømte klaverlærer I. A. Glyasser. Året efter gik Shostakovich ind i klaverklassen af ​​L. V. Nikolaev. I denne periode blev "Anna Vogt Circle" dannet med fokus på datidens seneste trends inden for vestlig musik. Shostakovich blev også en aktiv deltager i denne cirkel, han mødte komponisterne B. V. Asafiev og V. V. Shcherbachev, dirigent N. A. Malko. Shostakovich skriver Krylovs To fabler for mezzosopran og klaver og Tre fantastiske danse for klaver. På konservatoriet studerede han flittigt og med særlig iver, trods datidens vanskeligheder: 1. Verdenskrig, revolution, borgerkrig, ødelæggelser, hungersnød. Et hårdt liv med en halvt udsultet tilværelse førte til alvorlig udmattelse. Shostakovichs far døde i 1922. Et par måneder senere gennemgik Shostakovich en alvorlig operation, der næsten kostede ham livet. På trods af sit svigtende helbred får han job som pianist-tapper i en biograf. Stor hjælp og støtte i disse år blev ydet af Glazunov, som formåede at sikre et personligt stipendium til Sjostakovitj.

Bygningen af ​​Sankt Petersborgs konservatorium, hvor den trettenårige D. Shostakovich trådte ind i 1919.

1920'erne I 1923 dimitterede Shostakovich fra konservatoriet i klaver (med L. V. Nikolaev), og i 1925 i komposition (med M. O. Steinberg). Hans afgangsværk var den første symfoni. Mens han studerede på konservatoriets forskerskole, underviste han i læsning af partiturer på M. P. Mussorgsky Music College. I en tradition, der går tilbage til Rubinstein, Rachmaninov og Prokofiev, havde Shostakovich til hensigt at forfølge en karriere både som koncertpianist og som komponist. I 1927 modtog han et æresdiplom ved den første internationale Chopin-klaverkonkurrence i Warszawa, hvor Shostakovich også fremførte en sonate af sin egen komposition. I 1927 fandt den udenlandske uropførelse af symfonien sted i 1927 i Berlin, derefter i 1928. i USA. I 1927 i Leningrad, er premieren på operaen "Wozzeck", taget til at skrive operaen "Næsen", baseret på historien af ​​N.V. Gogol. Samtidig, i slutningen af ​​1920'erne og begyndelsen af ​​1930'erne, blev følgende to symfonier af Sjostakovitj skrevet - begge med deltagelse af koret: den anden ("Symfonisk dedikation til oktober", til A. I. Bezymenskys ord) og den tredje ("May Day" , til S. I. Kirsanovs ord). I 1928 mødte Shostakovich V. E. Meyerhold i Leningrad og arbejdede på hans invitation i nogen tid som pianist og leder af den musikalske afdeling af V. E. Meyerholn Theatre i Moskva. I 1930-1933 arbejdede han som leder af den musikalske afdeling af Leningrad TRAM - Theatre of Working Youth (nu teatret "Baltic House").

I 1927 blev D. Shostakovich en af ​​8 finalister ved den internationale konkurrence. Chopin i Warszawa, og vinderen er hans ven Lev Oborin.

1930'erne Hans opera "Lady Macbeth of the Mtsensk District" baseret på historien af ​​N. S. Leskov blev opført i Leningrad i 1934), som oprindeligt blev modtaget med entusiasme og allerede havde eksisteret på scenen i halvanden sæson, blev ødelagt i den sovjetiske presse . Samme år, 1936, skulle uropførelsen af ​​den 4. symfoni finde sted - et værk af et langt mere monumentalt omfang end alle Shostakovichs tidligere symfonier, men den 4. symfoni blev først opført i 1961. I maj 1937 udgav Sjostakovitj sin 5. symfoni. Efter uropførelsen af ​​værket udkom en rosende artikel i Pravda. Siden 1937 underviste Shostakovich i en kompositionsklasse på Leningrad State Conservatory. N. A. Rimsky-Korsakov. I 1939 blev han professor.

1940'erne Mens han var i Leningrad i de første måneder af den store patriotiske krig (op til evakueringen til Kuibyshev i oktober), begyndte Shostakovich at arbejde på den 7. symfoni - "Leningrad". Symfonien blev første gang opført på scenen i Kuibyshev Opera og Ballet Theatre den 5. marts 1942 og den 29. marts 1942 - i Kolonnehallen i Moskvas Fagforeningshus. I samme 1942 blev Shostakovich tildelt Stalin-prisen af ​​første grad for oprettelsen af ​​den syvende symfoni. Den 9. august 1942 blev værket udført i det belejrede Leningrad. Carl Eliasberg, dirigent for Bolshoi Symphony Orchestra i Leningrad Radio Committee, var arrangør og dirigent. Opførelsen af ​​symfonien blev en vigtig begivenhed i livet for den kæmpende by og dens indbyggere. Et år senere skrev Shostakovich den 8. symfoni (dedikeret til Mravinsky), ("hele verden skal vises i symfonien"), tegner en monumental fresko af, hvad der sker rundt omkring. I 1943 flyttede komponisten til Moskva og underviste indtil 1948 i komposition og instrumentation ved Moskvas konservatorium (siden 1943 var han professor. K. A. Karaev, G. V. Sviridov (ved Leningrad-konservatoriet), B. I. Tishchenko, A. Mnatsakanyan-studerende ved postgraduat Leningrad Conservatory), K. S. Khachaturyan, B. A. Tchaikovsky Inden for kammermusik skabte han mesterværker som klaverkvintetten (1940), klavertrio (1944), strygekvartetter nr. 2 (1944), nr. 3 (1946) og nr. 4 (1949).

I 1945, efter krigens afslutning, skrev Shostakovich den 9. symfoni. I 1948 blev han anklaget for "formalisme", "borgerlig dekadence" og "groveling foran Vesten". Sjostakovitj blev anklaget for inkompetence, frataget titlen som professor ved konservatorierne i Moskva og Leningrad og udvist fra dem. Hovedanklageren var sekretæren for Centralkomiteen for Bolsjevikkernes Kommunistiske Parti, A. A. Zhdanov. Først i 1961 vendte tilbage til at undervise på Leningrad-konservatoriet. I 1948 skabte han vokalcyklussen "Fra jødisk folkedigtning", men lod den ligge på bordet (dengang blev en kampagne iværksat i landet for at "bekæmpe kosmopolitisme - en ideologi, der sætter hele menneskehedens interesser over interesserne af en enkelt nation."). I 1948 skabte Shostakovich den første violinkoncert. I 1949 skrev Shostakovich kantaten "Skovenes sang" til versene af E. A. Dolmatovsky, som fortæller om den triumferende genoprettelse af Sovjetunionen efter krigen). Premieren på kantaten afholdes med hidtil uset succes og indbringer Sjostakovitj Stalin-prisen.

De vigtigste repræsentanter for "formalisme" i sovjetisk musik - S. Prokofiev, D. Shostakovich, A. Khachaturian Foto fra slutningen af ​​1940'erne

1950'erne Halvtredserne begyndte for Sjostakovitj med meget vigtigt arbejde. Som medlem af juryen ved Bach-konkurrencen i Leipzig i efteråret 1950 blev komponisten så inspireret af byens atmosfære og musikken fra dens store indbygger - J.S. Bach - at han ved ankomsten til Moskva begyndte at komponere 24 præludier og fugaer for klaver. I 1954 skrev han "Festilig Ouverture" til åbningen af ​​All-Union Agricultural Exhibition og modtog titlen som Folkets Kunstner i USSR. Mange værker i anden halvdel af årtiet er gennemsyret af optimisme og glædelig legesyge, som ikke var iboende i Sjostakovitj før. Sådan er den 6. strygekvartet (1956), den anden klaverkoncert (1957), operetten Moskva, Cheryomushki. Samme år skaber komponisten den 11. symfoni, kalder den "1905", fortsætter med at arbejde i instrumentalkoncertgenren: Den første koncert for cello og orkester (1959). I disse år begyndte Shostakovichs tilnærmelse til de officielle myndigheder. I 1957 blev han sekretær for USSR IC, i 1960 - RSFSR IC (i 1960-1968 - første sekretær). I samme 1960 sluttede Sjostakovitj sig til SUKP. Halvtredserne begyndte for Sjostakovitj med meget vigtigt arbejde

1960'erne I 1961 udførte Shostakovich anden del af sin "revolutionære" symfoniske dilogi: sammen med symfoni nr. 11 "1905" skrev han symfoni nr. filmmusik), hvor komponisten, som med maling på et lærred, tegner musikalske billeder af Petrograd, V. I. Lenins tilflugtssted ved Razliv-søen og selve oktoberbegivenhederne. Han stiller sig selv en helt anden opgave et år senere, da han vender sig til E. A. Yevtushenkos poesi - først ved at skrive digtet "Babi Yar" (for bassolist, baskor og orkester) og derefter tilføje yderligere fire dele til det fra moderne liv Rusland og dets nyere historie, og dermed skabt "kantaten" Symfoni nr. 13 "Babi Yar" (1962). Efter fjernelsen af ​​N. S. Khrusjtjov fra magten, med begyndelsen af ​​æraen med politisk stagnation i USSR, blev tonen i Shostakovichs værker får igen en dyster karakter. Hans kvartetter nr. 11 (1966) og nr. 12 (1968), anden cello (1966) og anden violin (1967) Concertos, Violin Sonata (1968), en vokalcyklus til A. A. Bloks ord, er gennemsyret af angst, smerte og uundgåelig længsel. I den fjortende symfoni (1969) - igen "vokal", men denne gang kammer, for to solosangere og et orkester, der kun består af strygere og percussion - bruger Shostakovich digte af G. Apollinaire, R. M. Rilke, V. K. Kuchelbecker og F. Garcia Lorca , relateret til temaet død (de fortæller om uretfærdig, tidlig eller voldsom død).

D. Shostakovich og dirigent E. Svetlanov

1970'erne I løbet af disse år skabte komponisten vokalcyklusser baseret på versene af M. I. Tsvetaeva og Michelangelo, den 13. (1969-1970), 14. (1973) og 15. (1974) strygekvartetter og symfoni nr. 1971, ( an1. essay præget af en stemning af eftertænksomhed, nostalgi, minder. Shostakovichs sidste komposition var Sonaten for bratsch og klaver. I de sidste par år af sit liv var komponisten meget syg og led af lungekræft. Dmitry Shostakovich døde i Moskva den 9. august 1975 og blev begravet på Novodevichy-kirkegården i hovedstaden.

D.D. Shostakovich med børn Maxim og Galina

Betydningen af ​​kreativitet Shostakovich er en af ​​de mest udførte komponister i verden. Det høje niveau af komponeringsteknik, evnen til at skabe lyse og udtryksfulde melodier og temaer, beherskelse af polyfoni og den fineste beherskelse af orkestreringskunsten, kombineret med personlig følelsesmæssighed og kolossal effektivitet, gjorde hans musikalske værker lyse, originale og storartede. værdi. Shostakovichs bidrag til udviklingen af ​​det 20. århundredes musik er generelt anerkendt som fremragende, han havde en betydelig indflydelse på mange samtidige og tilhængere. Åbent om indflydelsen af ​​Shostakovichs musikalske sprog og personlighed på dem, erklærede komponister som Tishchenko, Slonimsky, Schnittke og mange andre musikere. Genren og den æstetiske mangfoldighed i Shostakovichs musik er enorm, den kombinerer elementer af tonal, atonal og modal musik, modernisme, traditionalisme, ekspressionisme og "grand style" er flettet sammen i komponistens værk.

musik I sine tidlige år var Sjostakovitj påvirket af musik af G. Mahler, A. Berg, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev, P. Hindemith, M. P. Mussorgsky. Ved konstant at studere klassiske og avantgarde-traditioner udviklede Shostakovich sit eget musikalske sprog, følelsesmæssigt fyldt og rørte hjerterne hos musikere og musikelskere over hele verden. De mest bemærkelsesværdige genrer i Sjostakovitjs værk er symfonier og strygekvartetter – i hver af dem skrev han 15 værker. Mens symfonierne blev skrevet gennem hele komponistens karriere, blev de fleste af kvartetterne skrevet af Shostakovich mod slutningen af ​​hans liv. Blandt de mest populære symfonier er den femte og tiende, blandt kvartetterne - den ottende og femtende. I D. D. Shostakovichs værk er indflydelsen fra hans yndlings og ærede komponister mærkbar: J. S. Bach (i hans fugaer og passacaglia), L. Beethoven (i hans senere kvartetter), P. I. Tchaikovsky, G. Mahler og til dels S. V. Rachmaninov (i sine symfonier), A. Berg (delvis - sammen med M. P. Mussorgsky i hans operaer Af russiske komponister havde Shostakovich den største kærlighed til Mussorgsky, for hans operaer "Boris Godunov" og "Khovanshchina" Shostakovich lavede nye Mussorgskys indflydelse er især mærkbar i visse scener af operaen Lady Macbeth fra Mtsensk-distriktet, i symfoni nr. 11, samt i satiriske værker.

Værker for børn "Børnenes notesbog" - en samling stykker til klaver 1. marts 2. Vals 3. Bjørn 4. Glædelig fortælling 5. Trist fortælling 6. Urværksdukke 7. Fødselsdag

1. Lyrisk vals 2. Gavotte 3. Romantik 4. Polka 5. Vals-joke 6. Tøndeorgel 7. Dans "Dances of the Dolls" - en samling stykker for klaver

Priser og priser Hero of Socialist Labour (1966) Ærede kunstner i RSFSR (1942) Folkekunstner i RSFSR (1947) Folkekunstner i USSR (1954) Folkekunstner i BASSR (1964) Stalin-prisen af ​​første grad (1941) ) - for klaverkvintetten Stalin-prisen af ​​første grad (1942) - for den 7. ("Leningrad") symfoni Stalin-prisen af ​​anden grad (1946) - for trioen Stalin-prisen af ​​første grad (1950) - for oratorium "Skovens sang" og musik til filmen "Berlins fald" (1949) Stalinskaya-prisen af ​​anden grad (1952) - for ti digte for kor uden akkompagnement til digte af revolutionære digtere (1951) Lenin-prisen (1958) ) - for den 11. symfoni "1905" State Prize of the USSR (1968) - for digtet "The Execution of Stepan Razin" for bas, kor og orkester State Prize of the RSFSR opkaldt efter M. I. Glinka (1974) - for den 14. strygekvartet og korcyklus "Fidelity" Statspris for den ukrainske SSR opkaldt efter T. G. Shevchenko (1976 - posthumt) - for operaen "Katerina Izmailov", opført på scenen i KUGATOB opkaldt efter og T. G. Shevchenko Internationale Fredspris (1954) J. Sibelius (1958) Leonie Sonning-prisen (1973) Three Orders of Lenin (1946, 1956, 1966) Order of the October Revolution (1971) Order of the Red Banner of Labour (1940) Order of Friendship of Peoples (1972) Commander of the Order of Arts and Letters (Frankrig, 1958) ) Sølvkommandørkors af Æresordenen for Tjenester til Republikken Østrig (1967) Medaljer Æresdiplom ved I International Chopin Klaverkonkurrence i Warszawa (1927). Pris af den 1. All-Union Film Festival for den bedste musik til filmen "Hamlet" (Leningrad, 1964).

Medlemskab af organisationer Medlem af CPSU siden 1960 Doctor of Arts (1965) Medlem af den sovjetiske fredskomité (siden 1949), slaviske komité i USSR (siden 1942), World Peace Committee (siden 1968) Æresmedlem af American Institute of Arts and Letters (1943), Royal Swedish Academy of Music (1954), Italian Academy of Arts "Santa Cecilia" (1956), Serbian Academy of Sciences and Arts (1965) Æresdoktor i musik fra Oxford University (1958) Æresdoktor for Northwestern University i Evanston (USA, 1973) Medlem af det franske kunstakademi (1975) Tilsvarende medlem af kunstakademiet i DDR (1956), Bavarian Academy of Fine Arts (1968), medlem af Royal Academy of Music af England (1958). Æresprofessor ved det mexicanske konservatorium. Præsident for samfundet "USSR-Østrig" (1958) Stedfortræder for den øverste sovjet i USSR ved den 6.-9. indkaldelse. Stedfortræder for den øverste sovjet af RSFSR af 2.-5. indkaldelser.

Hukommelse Den 28. maj 2015 blev det første monument til D. D. Shostakovich i Moskva afsløret foran bygningen af ​​Moskva Internationale Musikhus St. Petersborgs Statsfilharmonik. D. D. Shostakovich

Ved du…

Leningrad Stalingrad Moskva Kursk Hvilken by var symfoni nr. 7 dedikeret til?

I hvilket år døde Shostakovichs far? 1942 1922 1941 1954

Hvilken symfoni skrev Sjostakovitj i 1962? Femtende trettende ellevte fjortende

Hvorfor døde Shostakovich? Tuberkulose i halsen Lungekræft Diabetes Astma

Hvilken pris fik Sjostakovitj for at skrive den 7. symfoni? Stalin-prisen af ​​1. grads statspris af USSR-statens pris for RSFSR. M.I. Glinka-ordenen for Oktoberrevolutionen

Alt var i hans skæbne - international anerkendelse og indenlandske ordrer, sult og forfølgelse af myndighederne. Hans kreative arv er uden fortilfælde i sin genredækning: symfonier og operaer, strygekvartetter og koncerter, balletter og filmpartiturer. En innovator og en klassisk, kreativt følelsesladet og menneskeligt beskeden - Dmitry Dmitrievich Shostakovich. Komponisten er en klassiker fra det 20. århundrede, en stor maestro og en genial kunstner, der oplevede de barske tider, hvor han skulle leve og skabe. Han tog sit folks problemer til sig, i hans værker kan man tydeligt høre stemmen fra en kæmper mod det onde og en forsvarer mod social uretfærdighed.

Læs en kort biografi om Dmitry Shostakovich og mange interessante fakta om komponisten på vores side.

Kort biografi af Shostakovich

I huset, hvor Dmitrij Sjostakovitj kom til denne verden den 12. september 1906, er der nu en skole. Og så - City test telt, som var ansvarlig for sin far. Fra biografien om Shostakovich lærer vi, at Mitya i en alder af 10, som gymnasieelev, træffer en kategorisk beslutning om at skrive musik og kun 3 år senere bliver elev på konservatoriet.

Begyndelsen af ​​20'erne var svær - sultetiden blev forværret af hans alvorlige sygdom og hans fars pludselige død. Konservatoriets direktør viste stor deltagelse i en talentfuld elevs skæbne A.K. Glazunov, som udnævnte ham til et øget stipendium og organiserede postoperativ rehabilitering på Krim. Shostakovich huskede, at han kun gik for at studere, fordi han ikke var i stand til at komme ind i sporvognen. Trods helbredsmæssige vanskeligheder blev han i 1923 færdig som pianist og i 1925 som komponist. Blot to år senere bliver hans første symfoni spillet af verdens bedste orkestre under ledelse af B. Walter og A. Toscanini.

Med en utrolig evne til arbejde og selvorganisering skriver Shostakovich hurtigt sine næste værker. I sit personlige liv var komponisten ikke tilbøjelig til at træffe forhastede beslutninger. I en sådan grad, at han tillod kvinden, som han havde et tæt forhold til i 10 år, Tatyana Glivenko, at gifte sig med en anden på grund af hans uvilje til at beslutte sig for ægteskab. Han friede til astrofysiker Nina Varzar, og det gentagne udsatte ægteskab fandt endelig sted i 1932. Efter 4 år dukkede datteren Galina op, efter en anden 2 - søn Maxim. Ifølge Shostakovichs biografi blev han siden 1937 lærer og derefter professor ved konservatoriet.

Krigen bragte ikke kun sorg og sorg, men også en ny tragisk inspiration. Sammen med sine elever ønskede Dmitry Dmitrievich at gå til fronten. Da de ikke lukkede mig ind, ville jeg blive i mit elskede Leningrad omgivet af nazisterne. Men han og hans familie blev næsten tvangsført til Kuibyshev (Samara). Komponisten vendte ikke tilbage til sin hjemby, efter evakueringen bosatte han sig i Moskva, hvor han fortsatte med at undervise. Dekretet "Om operaen Det store venskab af V. Muradeli" udstedt i 1948 erklærede Shostakovich for en "formalist", og hans arbejde var anti-folk. I 1936 forsøgte de allerede at kalde ham en "folkets fjende" efter kritiske artikler i Pravda om "Lady Macbeth of the Mtsensk District" og "The Bright Path". Den situation satte faktisk en stopper for komponistens videre forskning i genrerne opera og ballet. Men nu faldt ikke kun offentligheden, men selve statsmaskinen over ham: han blev fyret fra konservatoriet, frataget sit professorat, holdt op med at udgive og opføre kompositioner. Det var dog umuligt ikke at bemærke en skaber af dette niveau i lang tid. I 1949 bad Stalin ham personligt om at tage til USA sammen med andre kulturpersonligheder og returnerede alle de udvalgte privilegier for samtykke, i 1950 modtog han Stalin-prisen for kantaten Song of the Forests, og i 1954 blev han People's Artist of the USSR.

I slutningen af ​​samme år døde Nina Vladimirovna pludselig. Shostakovich tog dette tab hårdt. Han var stærk i sin musik, men svag og hjælpeløs i daglige anliggender, hvis byrde altid blev båret af hans kone. Sandsynligvis er det netop ønsket om at organisere livet igen, der forklarer hans nye ægteskab blot halvandet år senere. Margarita Kainova delte ikke sin mands interesser, støttede ikke sin sociale cirkel. Ægteskabet var kortvarigt. Samtidig mødte komponisten Irina Supinskaya, som efter 6 år blev hans tredje og sidste kone. Hun var næsten 30 år yngre, men denne forening blev næsten ikke bagtalt bag hendes ryg – parrets inderkreds forstod, at det 57-årige geni gradvist var ved at miste helbredet. Lige ved koncerten begyndte man at tage hans højre hånd væk, og så blev den endelige diagnose stillet i USA - sygdommen er uhelbredelig. Selv når Shostakovich kæmpede med hvert skridt, stoppede dette ikke hans musik. Den sidste dag i hans liv var den 9. august 1975.

Interessante fakta om Shostakovich

• Shostakovich var en ivrig fan af Zenit fodboldklubben og førte endda en notesbog over alle spil og mål. Hans andre hobbyer var kort - han spillede kabale hele tiden og nød at spille "konge", desuden udelukkende for penge og en afhængighed af rygning.
• Komponistens yndlingsret var hjemmelavede dumplings lavet af tre typer kød.
• Dmitry Dmitrievich arbejdede uden klaver, han satte sig ved bordet og skrev noderne ned på papir med det samme i fuld orkestrering. Han besad en så enestående arbejdsevne, at han på kort tid fuldstændig kunne omskrive sin komposition.
• Shostakovich søgte længe tilbage til scenen i "Lady Macbeth of the Mtsensk District". I midten af ​​1950'erne lavede han en ny udgave af operaen, der kaldte den Katerina Izmailova. Trods en direkte appel til V. Molotov blev produktionen igen forbudt. Først i 1962 så operaen scenen. I 1966 blev filmen af ​​samme navn udgivet med Galina Vishnevskaya i titelrollen.

• For at udtrykke alle de ordløse lidenskaber i musikken til "Lady Macbeth of the Mtsensk District", brugte Shostakovich nye teknikker, når instrumenterne hvinede, snublede og larmede. Han skabte symbolske lydformer, der giver karaktererne en unik aura: en altfløjte for Zinovy ​​​​Borisovich, kontrabas for Boris Timofeevich, cello for Sergei, obo og klarinet - for Katherine.
• Katerina Izmailova er en af ​​de mest populære roller i det operatiske repertoire.

• Shostakovich er en af ​​de 40 mest opførte operakomponister i verden. Mere end 300 opførelser af hans operaer gives årligt.
• Sjostakovitj er den eneste af "formalisterne", der omvendte sig og faktisk gav afkald på sit tidligere arbejde. Dette medførte en anden holdning til ham end kollegerne, og komponisten forklarede sin holdning med, at han ellers ikke længere ville få lov til at arbejde.
• Komponistens første kærlighed, Tatyana Glivenko, blev varmt modtaget af Dmitry Dmitrievichs mor og søstre. Da hun blev gift, tilkaldte Shostakovich hende med et brev fra Moskva. Hun ankom til Leningrad og opholdt sig i Shostakovichs hus, men han kunne ikke beslutte sig for at overtale hende til at forlade sin mand. Han forlod forsøg på at forny forholdet først efter nyheden om Tatianas graviditet.
• En af de mest berømte sange skrevet af Dmitry Dmitrievich lød i filmen "Counter" fra 1932. Den hedder - "Tællerens sang".
• I mange år var komponisten en stedfortræder for Sovjetunionens øverste sovjet, han modtog "vælgere" og forsøgte, så godt han kunne, at løse deres problemer.

• Nina Vasilievna Shostakovich var meget glad for at spille klaver, men efter ægteskabet stoppede hun og forklarede, at hendes mand ikke kunne lide amatørisme.
• Maxim Shostakovich husker, at han så sin far græde to gange - da hans mor døde, og da han blev tvunget til at deltage i festen.
• I de udgivne erindringer om børnene, Galina og Maxim, fremstår komponisten som en følsom, omsorgsfuld og kærlig far. På trods af hans konstante travlhed tilbragte han tid med dem, tog dem med til lægen og spillede endda populære dansemelodier på klaveret under hjemmebørnefester. Da han så, at hans datter ikke kunne lide at spille instrumentet, tillod han hende ikke længere at lære at spille klaver.
• Irina Antonovna Shostakovich huskede, at hun og Shostakovich under evakueringen til Kuibyshev boede på samme gade. Han skrev den syvende symfoni der, og hun var kun 8 år gammel.
• Shostakovichs biografi siger, at komponisten i 1942 deltog i en konkurrence om at komponere Sovjetunionens hymne. Deltog også i konkurrencen A. Khachaturyan. Efter at have lyttet til alle værkerne bad Stalin de to komponister om at komponere en salme sammen. De gjorde det, og deres arbejde gik ind i finalen sammen med salmerne fra hver af dem, varianter af A. Alexandrov og den georgiske komponist I. Tuski. I slutningen af ​​1943 blev det endelige valg truffet, det var musikken af ​​A. Aleksandrov, tidligere kendt som "Bolsjevikpartiets salme."
• Shostakovich havde et unikt øre. Da han var til stede ved orkesterprøverne af hans værker, hørte han unøjagtigheder i udførelsen af ​​selv en tone.

• I 30'erne forventede komponisten at blive arresteret hver aften, så han lagde en kuffert med det nødvendige ved sengen. I disse år blev mange mennesker fra hans følge skudt, inklusive den nærmeste - direktøren Meyerhold, marskal Tukhachevsky. Svigerfaderen og den ældre søsters mand blev forvist til lejren, og Maria Dmitrievna blev selv sendt til Tasjkent.
• Den ottende kvartet, skrevet i 1960, blev af komponisten dedikeret til hans minde. Den åbner med et musikalsk anagram af Sjostakovitj (D-Es-C-H) og indeholder temaerne for mange af hans værker. Den "usømmelige" dedikation måtte ændres til "Til minde om fascismens ofre." Han komponerede denne musik i tårer efter at have deltaget i festen.

Dmitry Shostakovichs kreativitet

Det tidligste af komponistens overlevende værker, fis-mollen Scherzo, dateres til det år, han kom på konservatoriet. I løbet af sine studier, da han også var pianist, skrev Shostakovich meget for dette instrument. Afgangsarbejde er blevet Første symfoni. Dette arbejde var en utrolig succes, og hele verden lærte om den unge sovjetiske komponist. Inspirationen fra hans egen triumf resulterede i følgende symfonier - den anden og den tredje. De forenes af den usædvanlige form - begge har korpartier baseret på digte af datidens egentlige digtere. Imidlertid anerkendte forfatteren selv senere disse værker som mislykkede. Siden slutningen af ​​1920'erne har Shostakovich skrevet musik til biograf og dramateater - for at tjene penge og ikke adlyde en kreativ impuls. I alt designede han mere end 50 film og forestillinger af fremragende instruktører - G. Kozintsev, S. Gerasimov, A. Dovzhenko, Vs. Meyerhold.

I 1930 fandt premieren på hans første opera og ballet sted. OG " Næse"ifølge Gogols historie, og" guldalder” om eventyrene for det sovjetiske fodboldhold i det fjendtlige vesten fik dårlige anmeldelser fra kritikere og forlod efter lidt over et dusin optrædener scenen i mange år. Den næste ballet var også mislykket, " Bolt". I 1933 fremførte komponisten klaverstemmen ved uropførelsen af ​​sin debut Klaverkoncert, hvor den anden solostemme blev givet til trompeten.

Inden for to år blev operaen " Lady Macbeth fra Mtsensk-distriktet”, som blev opført i 1934 næsten samtidigt i Leningrad og Moskva. Direktøren for hovedstadens forestilling var V.I. Nemirovich-Danchenko. Et år senere krydsede "Lady Macbeth ..." grænserne til USSR og erobrede stadierne i Europa og Amerika. Publikum var henrykte over den første sovjetiske klassiske opera. Samt fra komponistens nye ballet "The Bright Stream", der har plakatlibretto, men er fyldt med storslået dansemusik. Afslutningen på disse forestillingers succesrige sceneliv blev sat i 1936 efter et besøg i operaen af ​​Stalin og efterfølgende artikler i Pravda-avisen "Muddle i stedet for musik" og "Ballet falskhed".

I slutningen af ​​samme år er der premiere på en ny Fjerde symfoni, foregik orkesterøvelser ved Leningrad Filharmonikerne. Koncerten blev dog aflyst. Det kommende 1937 bar ingen optimistiske forventninger - undertrykkelsen tog fart i landet, en af ​​folkene tæt på Shostakovich, marskal Tukhachevsky, blev skudt. Disse begivenheder satte deres præg på den tragiske musik Femte symfoni. Ved premieren i Leningrad arrangerede publikum, uden at holde tårerne tilbage, en fyrre minutters ovation til komponisten og orkestret dirigeret af E. Mravinsky. Den samme række af kunstnere spillede to år senere den sjette symfoni, Shostakovichs sidste store førkrigsværk.

Den 9. august 1942 fandt en hidtil uset begivenhed sted - en forestilling i Leningrad-konservatoriets store sal Syvende ("Leningrad") symfoni. Talen blev udsendt i radioen til hele verden og rystede modet hos indbyggerne i den ubrudte by. Komponisten skrev denne musik både før krigen og i de første måneder af blokaden, og endte i evakuering. Der, i Kuibyshev, den 5. marts 1942, blev symfonien spillet for første gang af Bolshoi-teatrets orkester. På årsdagen for begyndelsen af ​​den store patriotiske krig blev den opført i London. Den 20. juli 1942, dagen efter New York-premieren på symfonien (dirigeret af A. Toscanini), udkom magasinet Time med et portræt af Shostakovich på forsiden.

Den ottende symfoni, skrevet i 1943, blev kritiseret for sin tragiske stemning. Og den niende, der havde premiere i 1945 – tværtimod for "lethed". Efter krigen arbejdede komponisten med musik til film, kompositioner for klaver og strygere. 1948 satte en stopper for opførelsen af ​​Shostakovichs værker. Lytterne stiftede bekendtskab med den næste symfoni først i 1953. Og den ellevte symfoni i 1958 var en utrolig publikumssucces og blev tildelt Lenin-prisen, hvorefter komponisten blev fuldt rehabiliteret af centralkomiteens resolution om afskaffelsen af ​​" formalistisk" resolution. Den tolvte symfoni var dedikeret til V.I. Lenin, og de næste to havde en usædvanlig form: de blev skabt til solister, kor og orkester - den trettende til versene af E. Yevtushenko, den fjortende - til versene fra forskellige digtere, forenet af dødstemaet. Den femtende symfoni, som blev den sidste, blev født i sommeren 1971, dens premiere blev dirigeret af forfatterens søn, Maxim Shostakovich.

I 1958 overtager komponisten orkestreringen af ​​" Khovanshchina". Hans version af operaen var bestemt til at blive den mest populære i de kommende årtier. Sjostakovitj, der stolede på den restaurerede forfatters klaver, formåede at rense Mussorgskys musik fra lag og fortolkninger. Lignende arbejde blev udført af ham tyve år tidligere med " Boris Godunov". I 1959 fandt premieren på den eneste operette af Dmitry Dmitrievich sted - " Moskva, Cheryomushki”, hvilket vakte overraskelse og blev accepteret med begejstring. Tre år senere, baseret på værket, blev en populær musikalsk film udgivet. Ved 60-70 år skriver komponisten 9 strygekvartetter, arbejder meget på vokalværker. Den sidste komposition af det sovjetiske geni var Sonaten for bratsch og klaver, første gang opført efter hans død.

Dmitry Dmitrievich skrev musik til 33 film. "Katerina Izmailova" og "Moskva, Cheryomushki" blev filmet. Ikke desto mindre fortalte han altid sine elever, at det kun var muligt at skrive til biografen under truslen om sult. På trods af at han udelukkende komponerede filmmusik for et gebyr, indeholder den mange melodier af fantastisk skønhed.

Blandt hans film:

• "Counter", instruktører F. Ermler og S. Yutkevich, 1932
• Trilogi om Maxim instrueret af G. Kozintsev og L. Trauberg, 1934-1938
• "Man with a gun", instrueret af S. Yutkevich, 1938
• "Young Guard", instrueret af S. Gerasimov, 1948
• "Møde på Elben", instruktør G. Alexandrov, 1948
• The Gadfly, instrueret af A. Feinzimmer, 1955
• Hamlet, instruktør G. Kozintsev, 1964
• "Kong Lear", instruktør G. Kozintsev, 1970

Den moderne filmindustri bruger ofte Shostakovichs musik til at skabe noder til film:

Sjostakovitj-skikkelsen behandles stadig tvetydigt og kalder ham enten et geni eller en opportunist. Han talte aldrig åbent imod, hvad der skete, og indså, at han ved at gøre det ville miste muligheden for at skrive musik, som var hans livs hovedsag. Denne musik, selv årtier senere, taler veltalende om både komponistens personlighed og hans holdning til hans frygtelige æra.

Video: se en film om Shostakovich

Femten symfonier af Shostakovich - femten kapitler af vor tids annaler. Referencepunkterne er 1, 4, 5, 7, 8, 10, 11 sfærer - de er tæt på konceptet (den 8. er en mere grandiose version af det, der var i den 5.). Her gives en dramatisk opfattelse af verden. Selv i 6. og 9. vers, en slags "intermezzo" i Sjostakovitjs værk, er der dramatiske sammenstød.

I udviklingen af ​​Shostakovichs symfoniske kreativitet kan der skelnes mellem 3 stadier:

1 - tidspunktet for skabelsen af ​​1-4 symfonier

2 - 5-10 symfonier

3 - 11-15 symfonier.

1. symfoni (1926) blev skrevet i en alder af 20 år, den hedder "Youthful". Dette er Shostakovichs afhandling. N. Malko, der dirigerede ved premieren, skrev: "Netop hjemvendt fra koncerten. Ledede for første gang symfonien af ​​den unge Leninggrader Mitya Shostakovich. Jeg har på fornemmelsen, at jeg åbnede en ny side i den russiske musiks historie. "

Den anden er en symfonisk dedikation til oktober ("oktober", 1927), den tredje - "May Day" (1929). I dem vender komponisten sig til poesi af A. Bezymensky og S. Kirsanov for mere levende at afsløre glæden ved revolutionære festligheder. Dette er en slags kreativt eksperiment, et forsøg på at opdatere det musikalske sprog. Symfoni 2 og 3 er de mest komplekse med hensyn til musikalsk sprog og opføres sjældent. Betydning for kreativiteten: appellen til det "moderne program" åbnede vejen for de sene symfonier - 11 ("1905") og 12, dedikeret til Lenin ("1917").

Den 4. (1936) og 5. (1937) symfoni vidner om Shostakovichs kreative modenhed (komponisten definerede ideen om sidstnævnte som "dannelsen af ​​en personlighed" - fra dystre refleksioner over kamp til den endelige livsbekræftelse) .

Den 4. symfoni afslørede meget til fælles med konceptet, indholdet og omfanget af Mahlers symfonier.

Symfoni 5 - Shostakovich optrådte her som en moden kunstner med en dybt original vision af verden. Dette er et ikke-programværk, der er ingen skjulte titler i det, men "generationen genkendte sig selv i denne symfoni" (Asafiev). Det er den 5. symfoni, der giver modellen af ​​cyklussen karakteristisk for Sjostakovitj. Den vil også være karakteristisk for den 7. og 8. symfoni dedikeret til krigens tragiske begivenheder.

3. scene - fra 11. symfoni. 11. (1957) og 12. (1961) symfoni, dedikeret til revolutionen i 1905 og oktoberrevolutionen i 1917, program. Den 11. symfoni, bygget på melodierne fra revolutionære sange, byggede på musikoplevelsen til historiske revolutionære film fra 30'erne. og "Ti digte" for kor til ordene fra russiske revolutionære digtere (1951). Programmet supplerer hovedkonceptet med historiske paralleller.

Hver del har sit eget navn. Ifølge dem kan man tydeligt forestille sig værkets idé og dramaturgi: "Palace Square", "9. januar", "Eternal Memory", "Nabat". Symfonien er gennemsyret af intonationer af revolutionære sange: "Lyt", "Fange", "Du er blevet et offer", "Rage, tyranner", "Varshavyanka". Der er synlige billeder, skjulte plotmotiver. Samtidig - en dygtig symfonisk udvikling af citater. Et holistisk symfonisk lærred.

Symfoni 12 - lignende, dedikeret til Lenin. Som i den ellevte giver programnavnene på delene en helt klar idé om dets indhold: "Revolutionær Petrograd", "Spill", "Aurora", "Dawn of Humanity".

13. symfoni (1962) - Symfoni-kantate på teksten af ​​Yevgeny Yevtushenko: "Babi Yar", "Humor", "I butikken", "Frygt" og "Karriere". Skrevet til en usædvanlig komposition: et symfoniorkester, et baskor og en bassolist. Ideen om symfonien, dens patos er fordømmelsen af ​​det onde i navnet på kampen for sandheden, for mennesket.

Søgen efter en syntese af musik og ord fortsætter i den 14. symfoni (1969). Dette er en af ​​toppen af ​​kreativitet, en symfonikantate i 11 dele. Skrevet til tekster af Federico Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, Wilhelm Küchelbecker, Rainer Maria Rilke. Det gik forud for oprettelsen af ​​wok-cyklusser. Dette værk, hvis prototype ifølge forfatteren var Mussorgskys Sange og Dødsdanse, koncentrerede tragedie og inderlige tekster, grotesk og drama.

Den 15. symfoni (1971) afslutter udviklingen af ​​Sjostakovitjs sene symfoni, der delvist genlyder nogle af hans tidlige værker. Dette er igen en ren instrumental symfoni. Den moderne kompositionsteknik bruges: collagemetoden, montage (en variant af polystilistik). Symfoniens stof indeholder organisk citater fra ouverturen til Rossinis "William Tell" (1 sats, SP), skæbnemotivet fra "Nibelungens Ring" og sløvheden fra "Tristan og Isolde" af R. Wagner (4) dele, m. og GP) .

De sidste symfonier af Prokofjev og Sjostakovitj er forskellige, men der er noget til fælles i forsoning, en klog opfattelse af verden.

Sammenligning af symfonicyklusser. Karakteristisk for Sjostakovitjs stil er langsomme drømmeformer af 1 dele (5, 7 sf). De kombinerer drømmeformens dynamik og de langsomme deles ejendommeligheder: dette er en lyrik om refleksion, en fil.tanke. Tankedannelsesprocessen er vigtig. Derfor - umiddelbart den store rolle polyfonisk præsentation: princippet om kernen og udrulning i exp.sektionerne. Exp.normalt legemliggør stadiet af kontemplation (ifølge Bobrovsky-triaden af ​​kontemplation-handling-forståelse), billeder af verden, skabelse.

Udvikling er som regel et skarpt indbrud i et andet plan: det er en verden af ​​ondskab, vold og ødelæggelse (// Chaik.). Climax-frakturen falder i begyndelsen af ​​den dynamiske gentagelse (5, 7 sf). Betydningen af ​​koden er en dyb phil.monolog, "dramaets krone" - forståelsesstadiet.

2-tiden - scherzo. Den anden side af ondskabens billeder: livets falske underside. En grotesk forvrængning af hverdagslige, "mundanne" genrer er karakteristisk. Sl.3-delt form.

Formerne for langsomme partier ligner rondo med en gennemgående symfonisk udvikling (i 5 sf - rondo + var + son.f.).

I finalen - overvindelse af sonate, udviklingsindsættelse (i 5 sf - al udvikling bestemmes af GP, den underordner PP til sig selv). Men principperne for udvikling af drøm.f. forblive.

Send dit gode arbejde i videnbasen er enkel. Brug formularen nedenfor

Studerende, kandidatstuderende, unge forskere, der bruger videnbasen i deres studier og arbejde, vil være dig meget taknemmelig.

Hostet på http://www.allbest.ru/

Saint Petersburg State University

abstraktom emnet:

“ Kreativitet D.D. Sjostakovitj”

St. Petersborg, 2011

PÅdirigerer

Shostakovich Dmitry Dmitrievich (1906-1975) - en af ​​vor tids største komponister, en fremragende pianist, lærer og offentlig person. Shostakovich blev tildelt titlen People's Artist of the USSR (1954), Hero of Socialist Labour (1966), State Prize of the USSR (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968), State Prize of the RSFSR (1974) , Præmie til dem. Sibelius, International Fredspris (1954). Æresmedlem af akademier og universiteter i mange lande i verden.

I dag er Shostakovich en af ​​de mest udførte komponister i verden. Hans kreationer er sande udtryk for det indre menneskelige drama og krønike om frygtelige lidelser, der faldt på det 20. århundrede, hvor det dybt personlige er flettet sammen med menneskehedens tragedie.

Genren og den æstetiske mangfoldighed i Shostakovichs musik er enorm. Hvis vi bruger almindeligt anerkendte begreber, så kombinerer det elementer af tonal, atonal og modal musik, modernisme, traditionalisme, ekspressionisme og "grand style" er flettet sammen i komponistens arbejde.

Der er skrevet meget om Sjostakovitj. Næsten alle hans værker er blevet studeret i detaljer, hans holdning til musikkens genrer er blevet bestemt, forskellige facetter af hans stil og liv er blevet udforsket. Som følge heraf er der udviklet en stor og mangfoldig litteratur: fra dybdegående undersøgelser til semi-tabloide publikationer.

KunstværkerD.D. Sjostakovitj

Sjostakovitj symfonikomponist digt

Polsk oprindelse, Dmitrij Sjostakovitj blev født i St. Petersborg den 12. september (25), 1906, døde i Moskva den 9. august 1975. Far er kemiingeniør, musikelsker. Mor - en begavet pianist, hun gav de første færdigheder til at spille klaver. Efter at have studeret på en privat musikskole i 1919 blev Shostakovich optaget på Petrograd-konservatoriet i klaverklassen og begyndte senere at studere komposition. Mens han stadig var studerende, begyndte han at arbejde - han var pianist under visningen af ​​"stum" film.

I 1923 dimitterede Shostakovich fra konservatoriet som pianist (under L.V. Nikolaev), og i 1925 som komponist. Hans speciale var First Simony. Det blev den største begivenhed i det musikalske liv og markerede begyndelsen på forfatterens verdensberømmelse.

Allerede i den første symfoni kan man se, hvordan forfatteren viderefører traditionerne fra P.I. Tchaikovsky, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, Lyadov. Alt dette manifesterer sig som en syntese af de ledende strømninger, brudt på deres egen måde og frisk. Symfonien er bemærkelsesværdig for sin aktivitet, dynamiske pres og uventede kontraster.

I disse år gav Shostakovich koncerter som pianist. Han modtog et æresdiplom ved den første internationale konkurrence. F. Chopin i Warszawa stod i nogen tid over for et valg - at gøre musikkomposition eller koncertvirksomhed til sit erhverv.

Efter den første symfoni begyndte en kort periode med eksperimenter, søgen efter nye musikalske midler. På dette tidspunkt dukkede op: den første klaversonate (1926), skuespillet "Aforismer" (1927), den anden symfoni "oktober" (1927), den tredje symfoni "majdagen" (1929).

Fremkomsten af ​​film- og teatermusik ("New Babylon" 1929), "Golden Mountains" 1931, forestillinger "The Bedbug" 1929 og "Hamlet" 1932) er forbundet med dannelsen af ​​nye billeder, især social karikatur. En fortsættelse af dette blev fundet i operaen The Nose (baseret på N.V. Gogol 1928) og i operaen Lady Macbeth of the Mtsensk District (Katerina Izmailova) baseret på N.S. Leskov (1932).

Handlingen i historien af ​​samme navn af N.S. Leskov blev gentænkt af Sjostakovitj som et drama af enestående kvindelig karakter i en uretfærdig social orden. Forfatteren kaldte selv sin opera "tragedie-satire". I hendes musikalske sprog kombineres det groteske i "Næsens" ånd med elementer af russisk romantik og dvælende sang. I 1934 blev operaen opført i Leningrad og Moskva under titlen "Katerina Izmailova"; dette blev efterfulgt af en række premierer på teatre i Nordamerika og Europa (operaen blev udgivet 36 gange i (omdøbt) Leningrad, 94 gange i Moskva, den blev også opført i Stockholm, Prag, London, Zürich og København. en triumf og Sjostakovitj blev lykønsket som et geni.)

Den fjerde (1934), den femte (1937), den sjette (1939) symfonier repræsenterer en ny scene i Sjostakovitjs værk.

Ved at udvikle den symfoniske genre tillægger Shostakovich samtidig kammerinstrumentalmusik stigende betydning.

Klar, lys, yndefuld, afbalanceret Sonate for cello og klaver (1934), Første strygekvartet (1938), Kvintet for strygekvartet og klaver (1940) fremstår som store begivenheder i musiklivet.

Den syvende symfoni (1941) blev et musikalsk monument af den store patriotiske krig. Fortsættelsen af ​​hendes ideer var den ottende symfoni.

I efterkrigsårene var Shostakovich mere og mere opmærksom på vokalgenren.

En ny bølge af angreb på Sjostakovitj i pressen overgik markant den, der rejste sig i 1936. Tvunget til at underkaste sig at diktere, Sjostakovitj, "indser sine fejl", leverede oratoriet Song of the Forests (1949), kantaten The Sun Shines Over Vort Hjemland (1952) , musik til en række film af historisk og militærpatriotisk indhold m.m., hvilket til dels lettede hans stilling. Samtidig komponeredes værker af andre fortjenester: Koncert N1 for violin og orkester, vokalcyklussen "Fra jødisk folkedigtning" (begge 1948) (den sidste cyklus var på ingen måde i overensstemmelse med den antisemitiske politik i stat), strygekvartetter N4 og N5 (1949, 1952), cyklussen "24 præludier og fugaer" for klaver (1951); med undtagelse af den sidste blev de alle først henrettet efter Stalins død.

Sjostakovitjs symfonisme giver de mest interessante eksempler på brugen af ​​den klassiske arv fra hverdagsgenrer, massesange (Elvte symfoni "1905" (1957), tolvte symfoni "1917" (1961)). Fortsættelsen og udviklingen af ​​arven fra L.-V. Beethoven var den trettende symfoni (1962), skrevet til versene af E. Yevtushenko. Forfatteren sagde selv, at i hans fjortende symfoni (1969) blev idéerne fra Mussorgskys "dødssange og -danser" brugt.

En vigtig milepæl - digtet "The Execution of Stepan Razin" (1964), det blev kulminationen på den episke linje i Shostakovichs arbejde.

Den fjortende symfoni kombinerede resultaterne af kammervokal, kammerinstrumental og symfonisk genre. Tekst af F. Garcia Loki, T. Appolinaro, V. Kuchelbecker og R.M. Rilke skabte et dybt filosofisk, lyrisk værk.

Afslutningen af ​​det store værk om udviklingen af ​​den symfoniske genre var den femtende symfoni (1971), som kombinerede alt det bedste, der blev opnået på forskellige stadier af D.D. Sjostakovitj.

Sammensætninger:

Operas - The Nose (efter N.V. Gogol, libretto af E.I. Zamyatin, G.I. Ionin, A.G. Preis og forfatteren, 1928, iscenesat 1930, Leningrad Maly Opera House), Lady Macbeth fra Mtsensk-distriktet (Katerina Izmailova, efter N.S. Preis og forfatteren, 1932, iscenesat 1934, Leningrad Maly Opera Teater, V. I. Nemirovich-Danchenko Moscow Musical Theatre, ny udgave 1956, dedikeret til N. V. Shostakovich, iscenesat 1963, Moscow Musical Theatre opkaldt efter K. S. Stanislavsky og spilleren. (ifølge Gogol, ikke afsluttet, koncertforestilling 1978, Leningrad Philharmonic Society);

Balletter - The Golden Age (1930, Leningrad Opera og Ballet Theatre), Bolt (1931, ibid.), Bright Stream (1935, Leningrad Maly Opera Theatre); den musikalske komedie Moskva, Cheryomushki (libretto af V.Z. Mass og M.A. Chervinsky, 1958, opført i 1959, Moskvas operetteteater);

for solister, kor og orkester - oratoriet Skovenes sang (ord af E.Ya. Dolmatovsky, 1949), kantate Over vort fædreland skinner solen (ord af Dolmatovsky, 1952), digte - Digt om fædrelandet (1947), Henrettelse af Stepan Razin (ord af E.A. Evtushenko, 1964);

for kor og orkester - Hymn to Moscow (1947), Hymn of the RSFSR (ord af S. P. Shchipachev, 1945);

for orkester - 15 symfonier (nr. 1, f-mol op. 10, 1925; nr. 2 - oktober, med det sidste omkvæd til ordene af A.I. Bezymensky, H-dur op. 14, 1927; nr. 3, Pervomaiskaya , for orkester og kor, ord af S. I. Kirsanov, Es-dur op. 20, 1929, nr. 4, c-mol op. 43, 1936, nr. 5, d-mol op. 47, 1937, nr. 6, h-mol op. 54, 1939; nr. 7, C-dur op. 60, 1941, dedikeret til byen Leningrad; nr. 8, c-mol op. 65, 1943, dedikeret til E. A. Mravinsky; nr. 9 , Es-dur op. 70, 1945, nr. 10, e-mol op. 93, 1953, nr. 11, 1905, g-mol op. 103, 1957, nr. 12-1917, dedikeret til minde om V. I. Lenin, d-mol op. 112, 1961, nr. 13, b-mol, op. 113, tekst af E. A. Yevtushenko, 1962, nr. 14, op. 135, tekst af F. Garcia Lorca, G. Apollinaire, V. K. og R. M. Rilke, 1969, dedikeret til B. Britten, nr. 15, op. 141, 1971), symfonisk digt oktober (op. 131, 1967), ouverture om russiske og kirgisiske folketemaer (op. 115, 1963), Holiday Ouverture (1954), 2 scherzoer (op. 1, 1919; op. 7, 1924), ouverture til Christopher Columbus af Dressel (op. 23, 1927), 5 fragmenter ents (op. 42, 1935), Novorossiysk klokkespil (1960), Sorg og triumfoptakt til minde om heltene fra slaget ved Stalingrad (op. 130, 1967), suiter - fra operaen The Nose (op. 15-a, 1928), fra musik til balletten The Golden Age (op. 22-a, 1932), 5 balletsuiter (1949; 1951; 1952; 1953; op. 27-a, 1931), fra filmpartiturene Golden Mountains (op. 30- a, 1931), Meeting on the Elben (op. 80-a, 1949), First Echelon (op. 99-a, 1956), fra musik til Shakespeares Hamlet-tragedie (op. 32-a, 1932);

koncerter for instrument og orkester - 2 for klaver (c-mol op. 35, 1933; F-dur op. 102, 1957), 2 for violin (a-mol op. 77, 1948, dedikeret til D. F. Oistrakh; cis-moll op. 129, 1967, tilegnet ham), 2 for cello (Es-dur op. 107, 1959; G-dur op. 126, 1966);

for brass band - den sovjetiske milits marts (1970);

for jazzorkester - suite (1934);

kammerinstrumentalensembler - for violin og klaversonate (d-moll op. 134, 1968, tilegnet D. F. Oistrakh); for bratsch og klaversonate (op. 147, 1975); for cello og klaversonate (d-mol op. 40, 1934, tilegnet V. L. Kubatsky), 3 stykker (op. 9, 1923-24); 2 klavertrioer (op. 8, 1923; op. 67, 1944, til minde om I.P. Sollertinsky), 15 strygere, kvartetter (nr. l, C-dur op. 49, 1938: nr. 2, A-dur op. 68, 1944, dedikeret til V. Ya. Shebalin, nr. 3, F-dur op. 73, 1946, dedikeret til Beethoven-kvartetten, nr. 4, D-dur op. 1952, dedikeret til Beethoven-kvartetten, nr. 6, G-dur op. 101, 1956, nr. 7, fis-mol op. 108, 1960, dedikeret til minde om N. V. Shostakovich, nr. 8, c-mol op. 110, 1960, dedikeret til minde om ofre for fascisme og krig, nr. 9, Es-dur op.117, 1964, dedikeret til I. A. Shostakovich, nr. 10, As-dur op. 118, 1964, dedikeret til M. S. Weinberg, nr. 11, f-mol op. .122, 1966, til minde om V. P. Shiriisky, nr. 12, Des-dur op.133, 1968, dedikeret til D. M. Tsyganov, nr. 13, b-mol, 1970, dedikeret til V. V. Borisovsky; nr. 14, Fis dur op. 142, 1973, dedikeret til S. P. Shirinsky; nr. 15, es-mol op. 144, 1974), klaverkvintet (g-mol op. 57, 1940), 2 stykker for strygeoktet (op. 11, 1924) -25);

for klaver - 2 sonater (C-dur op. 12, 1926; h-mol op. 61, 1942, dedikeret til L.N. Nikolaev), 24 præludier (op. 32, 1933), 24 præludier og fugaer (op. 87, 1951) ), 8 præludier (op. 2, 1920), Aforismer (10 stykker, op. 13, 1927), 3 fantastiske danse (op. 5, 1922), Børnehæfte (6 stykker, op. 69, 1945), Dukketanse (7 stykker, nr. op., 1952);

for 2 klaverer - concertino (op. 94, 1953), suite (op. 6, 1922, dedikeret til minde om D. B. Shostakovich);

for stemme og orkester - 2 fabler af Krylov (op. 4, 1922), 6 romancer til japanske digters ord (op. 21, 1928-32, dedikeret til N.V. Varzar), 8 engelske og amerikanske folkesange til tekster af R Burns og andre oversat af S. Ya. Marshak (uden op., 1944);

for kor med klaver - Ed til folkekommissæren (ord af V.M. Sayanov, 1942);

for kor a cappella - Ti digte til ordene fra russiske revolutionære digtere (op. 88, 1951), 2 arrangementer af russiske folkesange (op. 104, 1957), Loyalitet (8 ballader til ordene af E.A. Dolmatovsky, op. 136 , 1970);

for stemme, violin, cello og klaver - 7 romancer til ord af A. A. Blok (op. 127, 1967); vokalcyklus Fra jødisk folkedigtning for sopran, kontralto og tenor med klaver (op. 79, 1948); for stemme fra klaver - 4 romancer til ord af A.S. Pushkin (op. 46, 1936), 6 romancer til ord af W. Raleigh, R. Burns og W. Shakespeare (op. 62, 1942; version med et kammerorkester), 2 sange til ord af M.A. Svetlov (op. 72, 1945), 2 romancer til ord af M.Yu. Lermontov (op. 84, 1950), 4 sange til ordene af E.A. Dolmatovsky (op. 86, 1951), 4 monologer til ordene af A.S. Pushkin (op. 91, 1952), 5 romancer til ordene fra E.A. Dolmatovsky (op. 98, 1954), spanske sange (op. 100, 1956), 5 satirer på ordene fra S. Cherny (op. 106, 1960), 5 romancer om ordene fra magasinet "Krokodille" (op. 121, 1965), Spring (ord af Pushkin, op. 128, 1967), 6 digte af M.I. Tsvetaeva (op. 143, 1973; variant med kammerorkester), Sonnetsuite af Michelangelo Buonarroti (op. 148, 1974; variant med kammerorkester); 4 digte af kaptajn Lebyadkin (ord af F. M. Dostojevskij, op. 146, 1975);

for solister, kor og klaver - arrangementer af russiske folkesange (1951);

musik til opførelser af dramateatre - Mayakovsky's Bedbug (1929, Moskva, V.E. Meyerhold Theatre), Bezymensky's Shot (1929, Leningrad TRAM), Gorbenko og Lvov's Virgin Land (1930, ibid), "Rule, Britannia!" Piotrovsky (1931, ibid), Shakespeares Hamlet (1932, Moskva, Vakhtangov Teater), Sukhotins menneskelige komedie, efter O. Balzac (1934, ibid), Afinogenovs salut, Spanien (1936, Leningradsky Pushkin Drama Theatre), Shakespeares "Kingspeares" (1941, Gorky Leningrad Bolshoi Drama Theatre);

musik til film - "New Babylon" (1929), "One" (1931), "Golden Mountains" (1931), "Counter" (1932), "Love and Hate" (1935), "Girlfriends" (1936), trilogi - Maxim's Youth (1935), Maxim's Return (1937), Vyborg Side (1939), Volochaev Days (1937), Friends (1938), Man with a Gun (1938), "Great Citizen" (2 afsnit, 1938-39) ), "Stupid Mouse" (tegnefilm, 1939), "The Adventures of Korzinkina" (1941), "Zoya" (1944), "Almindelige mennesker" (1945), "Pirogov" (1947), "Young Guard" (1948) ), "Michurin" (1949), "Meeting on the Elben" (1949), "Unforgettable 1919" (1952), "Belinsky" (1953), "Unity" (1954), "The Gadfly" (1955), " The First Echelon" (1956), "Hamlet" (1964), "A Year, Like Life" (1966), "King Lear" (1971) og andre;

instrumentering af værker af andre forfattere - M.P. Mussorgsky - operaerne Boris Godunov (1940), Khovanshchina (1959), vokalcyklussen Songs and Dances of Death (1962); opera "Rothschilds violin" af V.I. Fleishman (1943); Horov A.A. Davidenko - "På den tiende verst" og "Gaden er bekymret" (for kor og orkester, 1962).

Osamfund ogD.D. Wostakovich

Shostakovich trådte hurtigt og med herlighed ind i det 20. århundredes musik. Hans første symfoni turnerede mange koncertsale i verden på kort tid og annoncerede fødslen af ​​et nyt talent. I de efterfølgende år skriver den unge komponist meget og på forskellige måder - med succes og ikke særlig godt, overgiver sig til sine egne ideer og opfylder ordrer fra teatre og biografer, bliver inficeret med søgen efter et mangfoldigt kunstnerisk miljø og hylder politisk engagement . Det var ret svært at adskille kunstnerisk radikalisme fra politisk radikalisme i de år. Futurisme med sin idé om kunstens "industrielle formålstjenlighed", ærlig anti-individualisme og appel til "masse", på en eller anden måde forbundet med den bolsjevikiske æstetik. Derfor dualiteten af ​​værkerne (anden og tredje symfoni), skabt på det revolutionære tema, der var så populært i disse år. Sådan dobbeltadressering var generelt typisk på det tidspunkt (for eksempel Mayerholds teater eller Mayakovskys poesi). Det forekom for datidens kunstfornyere, at revolutionen svarede til ånden i deres dristige søgninger og kun kunne bidrage til dem. Senere vil de se, hvor naiv deres tro på revolutionen var. Men i de år, hvor de første store opuser af Sjostakovitj blev født - symfonier, operaen "Næsen", præludier - sydede og kogte kunstnerlivet virkelig, og i en atmosfære af lyse innovative tiltag, ekstraordinære ideer, en broget blanding af kunstneriske tendenser og uhæmmet eksperimentering, kunne han finde anvendelser for sit slående over kanten af ​​kreativ energi ethvert ungt og stærkt talent. Og Shostakovich i disse år blev fuldstændig fanget af livets strøm. Dynamikken var på ingen måde befordrende for rolig meditation, og krævede tværtimod en effektiv, moderne, ikke-aktuel kunst. Og Shostakovich, som mange kunstnere på den tid, søgte i nogen tid bevidst at skrive musik i harmoni med tidens generelle tone.

Sjostakovitj fik sit første alvorlige slag fra den totalitære kulturmaskine i 1936 i forbindelse med sin produktion af sin anden (og sidste) opera Lady Macbeth fra Mtsensk-distriktet. Den ildevarslende betydning af sådanne politiske opdelinger lå i den kendsgerning, at den dødelige undertrykkelsesmekanisme i 1936 allerede fungerede i sit fulde gigantiske omfang. Ideologisk kritik betød kun én ting: enten er du på "den anden side af barrikaderne", og derfor på den anden side af væren, eller også anerkender du "kritikkens retfærdighed", og så er livet givet dig. På bekostning af at opgive sit eget "jeg" måtte Shostakovich for første gang træffe et så smertefuldt valg. Han "forstod" og "erkendte" og fjernede desuden den fjerde symfoni fra uropførelsen.

Efterfølgende symfonier (femte og sjette) blev af officiel propaganda fortolket som en handling af "realisering", "korrektion". Faktisk brugte Shostakovich formlen for symfonien på en ny måde og camouflerede indholdet. Ikke desto mindre støttede den officielle presse (og kunne ikke andet end at støtte) disse skrifter, for ellers ville det bolsjevikiske parti være nødt til at indrømme den fuldstændige inkonsistens i sin kritik.

Shostakovich bekræftede sit ry som en "sovjetpatriot" under krigen ved at skrive sin syvende "Leningrad"-symfoni. For tredje gang (efter første og femte) høstede komponisten frugterne af succes, og ikke kun i sit eget land. Hans autoritet som mester i moderne musik syntes allerede at være anerkendt. Dette forhindrede dog ikke myndighederne i 1948 i at udsætte ham for politiske tæsk og chikane i forbindelse med offentliggørelsen af ​​resolutionen fra Centralkomiteen for Bolsjevikkernes All-Union Kommunistiske Parti "Om operaen Det store venskab af V. Muradeli ”. Kritikken var voldsom. Shostakovich blev udvist fra Moskva og Leningrad konservatorier, hvor han tidligere havde undervist, blev udførelsen af ​​hans arbejde forbudt. Men komponisten gav ikke op og fortsatte med at arbejde. Først i 1958, 5 år efter Stalins død, blev beslutningen officielt anerkendt som fejlagtig, hvis ikke i dens bestemmelser, men under alle omstændigheder i forhold til nogle komponister. Fra det tidspunkt begyndte Shostakovichs officielle position at blive bedre. Han er en anerkendt klassiker af sovjetisk musik, staten kritiserer ikke længere, men bringer tættere på sig selv. Bag ydre velvære lå et konstant og stigende pres på komponisten, hvorunder Shostakovich skrev en række kompositioner. Det største pres kom, da Shostakovich, der blev overvejet til ledelsen af ​​Union of Composers of the RSFSR, begyndte at tvinge ham til at slutte sig til partiet, hvilket var påkrævet af denne stillings status. På det tidspunkt blev sådanne handlinger betragtet som en hyldest til spillets regler og blev et næsten dagligdags fænomen. Medlemskab af partiet har fået en rent formel karakter. Og alligevel oplevede Sjostakovitj smerteligt at slutte sig til partiet.

Tstråling

I slutningen af ​​det 20. århundrede, hvor en udsigt over fortiden åbner sig fra højderne af det sidste årti, er Sjostakovitsjs plads bestemt i tråd med den klassiske tradition. Klassisk ikke af stiltræk og ikke i betydningen neoklassiske tilbageblik, men af ​​den dybe essens af at forstå formålet med musikken, i helheden af ​​komponenterne i den musikalske tænkning. Alt, hvad komponisten opererede med og skabte sine opusser, uanset hvor nyskabende de virkede på det tidspunkt, havde i sidste ende sit udspring i wienerklassicismen, og også - og mere bredt - det homofoniske system som helhed sammen med det tonale-harmoniske grundlag. , et sæt af typiske former, sammensætning af genrer og forståelse af deres detaljer. Shostakovich afsluttede en æra i historien om moderne europæisk musik, hvis begyndelse går tilbage til det 18. århundrede og er forbundet med navnene på Bach, Haydn og Mozart, selvom det ikke er begrænset til dem. I denne forstand spillede Sjostakovitj den samme rolle i forhold til den klassisk-romantiske æra, som Bach spillede i forhold til barokken. Komponisten syntetiserede i sit arbejde mange linjer i udviklingen af ​​europæisk musik i de sidste århundreder og udførte denne sidste funktion på et tidspunkt, hvor helt andre retninger allerede var fuldt udviklede, og et nyt musikbegreb var ved at tage fart.

Sjostakovitj var langt fremmed for holdningen til musik som et selvstændigt spil af lydformer. Han kunne næppe være enig med Stravinsky i, at musikken, om noget, kun udtrykker sig selv. Sjostakovitj var traditionel ved, at han ligesom de store musikskabere før ham så i den et middel til komponistens selvrealisering – ikke kun som en musiker, der er i stand til at skabe, men også som person. Ikke alene bevægede han sig ikke væk fra den forfærdelige virkelighed, han observerede omkring sig, men tværtimod oplevede han det som sin egen skæbne, som hele generationers skæbne, for landet som helhed.

Sproget i Sjostakovitjs værker kunne først have været dannet før efterkrigstidens avantgarde og er traditionelt i den forstand, at faktorer som intonation, mode, tonalitet, harmoni, metrorytme, typisk form og det historisk etablerede system af genrer af den europæiske akademiske tradition bevarer fuldt ud deres betydning for den. Og selvom dette er en anden intonation, særlige typer af modes, en ny forståelse af tonalitet, sit eget system af harmoni, en ny fortolkning af form og genre, taler tilstedeværelsen af ​​disse niveauer af musikalsk sprog allerede om tilhørsforhold til en tradition. Samtidig balancerede alle datidens opdagelser på grænsen til det mulige, rystede det historisk etablerede sprogsystem, men forblev inden for de kategorier, som det udviklede. Takket være innovationer afslørede det homofoniske koncept for det musikalske sprog stadig uudtømte reserver, ubrugte muligheder, beviste sin bredde og udsigter til udvikling. Det meste af musikkens historie i det 20. århundrede gik under disse udsigters tegn, og Shostakovich ydede et utvivlsomt bidrag til det.

Sovjetisk symfoni

I vinteren 1935 deltog Sjostakovitj i en diskussion om sovjetisk symfonisme, der fandt sted i Moskva i tre dage - fra 4. til 6. februar. Det var en af ​​den unge komponists mest betydningsfulde præstationer, der skitserede retningen for det videre arbejde. Han understregede ærligt talt kompleksiteten af ​​problemerne på stadiet for dannelsen af ​​den symfoniske genre, faren for at løse dem med standard "opskrifter", modsatte sig overdrivelse af fordelene ved individuelle værker, og kritiserede især den tredje og femte symfoni af L. K. Knipper for "tygget sprog", elendighed og stilens primitivitet. Han hævdede dristigt, at "... der er ingen sovjetisk symfoni. Vi må være beskedne og indrømme, at vi stadig ikke har musikværker, der i en udvidet form afspejler de stilistiske, ideologiske og følelsesmæssige dele af vores liv, og afspejler dem i en fremragende form ... Det må indrømmes, at i vores symfoniske musik vi har kun nogle tendenser til at opdrage ny musikalsk tænkning, frygtsomme skitser af fremtidens stil...”.

Shostakovich opfordrede til at opfatte erfaringerne og resultaterne af sovjetisk litteratur, hvor tætte, lignende problemer allerede har fundet implementering i værkerne af M. Gorky og andre mestre af ordet. Musik haltede efter litteraturen, ifølge Sjostakovitj.

I betragtning af udviklingen af ​​moderne kunstnerisk kreativitet så han tegn på konvergens mellem litteraturens og musikkens processer, som begyndte i sovjetisk musik som en stabil bevægelse mod lyrisk-psykologisk symfonisme.

For ham var der ingen tvivl om, at temaerne og stilen i hans Anden og Tredje Symfoni var et tidligere stadie, ikke kun i hans eget værk, men af ​​sovjetisk symfoni som helhed: den metaforisk generaliserede stil var blevet forældet. Mennesket som symbol, en slags abstraktion, forlod kunstværkerne for at blive en individualitet i nye værker. En dybere forståelse af plottet blev styrket uden brug af forenklede tekster af korepisoder i symfonier. Spørgsmålet blev rejst om plottet af "ren" symfonisme.

I erkendelse af begrænsningerne af sine nylige symfoniske oplevelser, talte komponisten for at udvide indholdet og stilistiske kilder til sovjetisk symfoni. Til dette formål henledte han opmærksomheden på studiet af udenlandsk symfonisme, insisterede på behovet for musikvidenskab til at identificere de kvalitative forskelle mellem sovjetisk symfonisme og vestlig symfonisme.

Med udgangspunkt i Mahler talte han om en lyrisk bekendelsessymfoni med en aspiration til en samtids indre verden. Forsøg fortsatte med at blive udført. Sollertinsky, der vidste bedre end nogen anden om Sjostakovitjs planer, sagde ved en diskussion om sovjetisk symfonisme: "Vi forventer med stor interesse, at Sjostakovitjs fjerde symfoni dukker op" og forklarede tydeligt: ​​"... dette værk vil være på stor afstand fra de tre symfonier, som Shostakovich skrev tidligere. Men symfonien er stadig i sin fostertilstand."

To måneder efter diskussionen, i april 1935, meddelte komponisten: "Nu har jeg et stort værk foran mig - den fjerde symfoni.

Alt det musikalske materiale, jeg havde til dette værk, er nu blevet afvist af mig. Symfonien er ved at blive omskrevet. Da dette er en yderst vanskelig og ansvarlig opgave for mig, vil jeg først skrive et par kompositioner i kammer- og instrumental stil.

I sommeren 1935 var Shostakovich absolut ude af stand til at gøre noget, bortset fra utallige kammer- og symfoniske passager, som omfattede musikken til filmen "Girlfriends".

I efteråret samme år gik han atter i gang med at skrive den fjerde symfoni og besluttede bestemt, uanset hvilke vanskeligheder, der ventede ham, at bringe værket til færdiggørelse, at realisere det grundlæggende lærred, lovet i foråret som "en slags credo af kreativt arbejde."

Efter at have begyndt at skrive symfonien den 13. september 1935 havde han ved årets udgang fuldstændig færdiggjort første og for det meste anden sats. Han skrev hurtigt, nogle gange endda krampagtigt, smed hele sider ud og erstattede dem med nye; håndskriften på klaverskitserne er ustabil, flydende: fantasien overhalede optagelsen, noderne var foran pennen og flød som en lavine ned på papiret.

Artiklerne fra 1936 tjente som en kilde til en snæver og ensidig forståelse af så vigtige grundlæggende spørgsmål i sovjetisk kunst som spørgsmålet om holdningen til den klassiske arv, problemet med traditioner og innovation. Traditionerne for musikalske klassikere blev ikke betragtet som grundlag for yderligere udvikling, men som en slags uforanderlig standard, som det var umuligt at gå ud over. En sådan tilgang lænkede innovative søgninger, lammede komponisters kreative initiativ.

Disse dogmatiske holdninger kunne ikke stoppe væksten af ​​sovjetisk musikkunst, men de komplicerede uden tvivl dens udvikling, forårsagede en række kollisioner og førte til betydelige skævheder i vurderinger.

Datidens skarpe stridigheder og diskussioner vidnede om sammenstød og forskydninger i vurderingen af ​​musikkens fænomener.

Orkestreringen af ​​den femte symfoni er i sammenligning med den fjerde karakteriseret ved en større balance mellem messing- og strygeinstrumenter, med en overvægt i forhold til strygere: i Largo er der ingen messingblæsergruppe overhovedet. Timbre-højdepunkter er underlagt væsentlige udviklingsmomenter, de følger af dem, de er dikteret af dem. Fra ballets ukuelig gavmildhed vendte Shostakovich sig til klangfarvede økonomi. Orkesterdramaturgi er bestemt af formens generelle dramatiske orientering. Den innationale spænding skabes af kombinationen af ​​melodisk relief og dets orkestrale rammer. Selve orkestrets sammensætning er også støt bestemt. Efter at have gennemgået forskellige forsøg (op til det firdobbelte i den fjerde symfoni), holdt Shostakovich sig nu til den tredobbelte komposition - han blev etableret netop fra den femte symfoni. Både i den modale organisering af materialet og i orkestreringen uden at bryde, inden for rammerne af almindeligt anerkendte kompositioner, varierede komponisten, udvidede klangfarvemulighederne, ofte på grund af solostemmer, brugen af ​​klaveret (det er bemærkelsesværdigt, at efter at have introduceret det ind i partituret til den første symfoni, undlod Shostakovich derefter klaveret under anden, tredje, fjerde symfoni og inkluderede det igen i partituret til den femte). Samtidig steg betydningen af ​​ikke blot klangskæring, men også klangsammensmeltning, vekslen mellem store klanglag; i kulminationsfragmenterne sejrede teknikken med at bruge instrumenter i de højeste udtryksfulde registre, uden bas eller med ubetydelig basstøtte (der er mange eksempler på sådanne i symfonien).

Dens form markerede bestilling, systematisering af tidligere implementeringer, opnåelse af strengt logisk monumentalitet.

Lad os bemærke de karakteristiske træk ved den femte symfoni, som er bevaret og udviklet i Shostakovichs videre arbejde.

Værdien af ​​epigrafindtastningen stiger. I den fjerde symfoni var det et hårdt, krampagtigt motiv, her er det sangens barske, majestætiske kraft.

I første del fremføres udstillingens rolle, dens volumen og følelsesmæssige integritet øges, hvilket også sættes i gang af orkestreringen (lyden af ​​strygere i udstillingen). Strukturelle grænser mellem hoved- og sidepartierne er overvundet; det er ikke så meget dem, der kontrasteres som væsentlige afsnit både i fremstillingen og i udviklingen. Rekapitulationen ændrer sig kvalitativt og bliver til dramaturgiens klimaks med fortsættelsen af ​​tematisk udvikling: nogle gange får temaet en ny figurativ betydning, som fører til en yderligere uddybning af cyklussens konfliktdramatiske træk.

Udviklingen stopper heller ikke i koden. Og her fortsætter de tematiske transformationer, modale transformationer af temaer, deres dynamik ved hjælp af orkestrering.

I finalen af ​​den femte symfoni gav forfatteren ikke en aktiv konflikt, som i finalen i den forrige symfoni. Finalen er let. "Med et stort åndedrag fører Sjostakovitj os til et blændende lys, hvor alle sorgfulde oplevelser, alle tragiske konflikter på den vanskelige tidligere vej forsvinder" (D. Kabalevsky). Konklusionen lød udpræget positiv. "Jeg placerede en mand med alle hans oplevelser i centrum for ideen om mit arbejde," forklarede Shostakovich, "og finalen i symfonien løser de tragisk anspændte øjeblikke i de første dele på en munter, optimistisk måde."

En sådan slutning understregede klassisk oprindelse, klassisk kontinuitet; i hans lapidaritet kom tendensen tydeligst til udtryk: at skabe en fri type fortolkning af sonateformen, der ikke afviger fra det klassiske grundlag.

I sommeren 1937 begyndte forberedelserne til et årti med sovjetisk musik for at markere tyveårsdagen for den store socialistiske oktoberrevolution. Symfonien indgik i årtiets program. I august tog Fritz Stiedry til udlandet. M. Shteiman, som afløste ham, var ikke i stand til at præsentere en ny kompleks komposition på det rette niveau. Henrettelsen blev betroet til Evgeny Mravinsky. Sjostakovitj kendte ham næsten ikke: Mravinskij kom på konservatoriet i 1924, da Sjostakovitj var i sit sidste år; Shostakovichs balletter i Leningrad og Moskva blev dirigeret af A. Gauk, P. Feldt, Y. Fayer, symfonier blev "iscenesat" af N. Malko, A. Gauk. Mravinsky var i skyggen. Hans individualitet blev dannet langsomt: i 1937 var han fireogtredive år gammel, men han optrådte sjældent ved den filharmoniske konsol. Lukket, tvivlende på sin egen styrke, tog han denne gang imod tilbuddet om at præsentere den nye Shostakovich-symfoni for offentligheden uden tøven. Da han huskede sin usædvanlige beslutsomhed, kunne dirigenten senere selv ikke forklare det psykologisk.

I næsten to år blev Shostakovichs musik ikke hørt i den store sal. Nogle af musikerne var på vagt over for hende. Orkesterets disciplin uden en viljestærk chefdirigent var aftagende. Filharmoniens repertoire blev kritiseret af pressen. Filharmoniens ledelse ændrede sig: den unge komponist Mikhail Chudaki, der blev direktør, var netop på vej ind i forretningen og planlagde at involvere I.I. Sollertinsky, komponist og musikalsk udøvende ungdom.

Uden tøven M.I. Chudaki distribuerede ansvarlige programmer blandt tre dirigenter, der begyndte aktiv koncertaktivitet: E.A. Mravinsky, N.S. Rabinovich og K.I. Eliasberg.

I hele september levede Shostakovich kun for symfoniens skæbne. Sammensætning af musik til filmen "Volochaev dage" skubbet tilbage. Han afviste andre ordrer med henvisning til ansættelse.

Han tilbragte det meste af sin tid på Filharmonien. spillede symfonien. Mravinsky lyttede og spurgte.

Dirigentens samtykke til at debutere med den femte symfoni var påvirket af håbet om at modtage hjælp fra forfatteren i processen med at udføre værker, for at stole på hans viden og erfaring. Metoden til omhyggelig Mravinsky alarmerede først Shostakovich. »Det forekom mig, at han graver for meget i de små ting, er for meget opmærksom på detaljer, og det forekom mig, at det ville skade den overordnede plan, den overordnede idé. Om hver takt, om hver tanke, gjorde Mravinsky mig til et rigtigt forhør og krævede af mig et svar på al den tvivl, der opstod hos ham.

Zkonklusion

D.D. Shostakovich er en kunstner med kompleks, tragisk skæbne. Forfulgt gennem næsten hele sit liv, udholdt han modigt trawl og forfølgelse af hensyn til det, der var det vigtigste i hans liv - for kreativitetens skyld. Nogle gange, under vanskelige forhold med politisk undertrykkelse, måtte han manøvrere, men uden dette ville hans arbejde slet ikke eksistere. Mange af dem, der startede med ham, døde, mange brød sammen. Han modstod og overlevede, udholdt alt og formåede at realisere sit kald. Det er vigtigt ikke kun, hvordan han bliver set og hørt i dag, men også hvem han var for sin samtid. Hans musik forblev i mange år et udløb, som i korte timer gav dig mulighed for at sprede brystet og trække vejret frit. Lyden af ​​Shostakovichs musik har altid ikke kun været en fejring af kunst. De vidste, hvordan de skulle lytte til det og bære det væk fra koncertsale.

Liste over brugt litteratur

1. L. Tretyakova "Sider med sovjetisk musik", M.

2. M. Aranovsky, Musical "Anti-Utopias" af Shostakovich, kapitel 6 fra bogen "Russian Music of the 20th Century".

3. Khentova S.D. Sjostakovitj. Liv og arbejde: Monografi. I 2 bøger, bog 1.-L.: Sov. komponist, 1985. S. 420.

5. Internetportal http://peoples.ru/

Hostet på Allbest.ru

Lignende dokumenter

Barndomsårene for den russiske sovjetiske komponist, fremragende pianist, lærer og offentlig person Dmitry Dmitrievich Shostakovich. Studerer på det kommercielle gymnasium i Maria Shidlovskaya. Første klaverundervisning. Komponistens hovedværker.

præsentation, tilføjet 25/05/2012


Biografi og karriere af Shostakovich - sovjetisk komponist, pianist, lærer og offentlig figur. Shostakovichs femte symfoni, der fortsætter traditionen fra komponister som Beethoven og Tjajkovskij. Kompositioner af krigsårene. Præludium og fuga i D-dur.

test, tilføjet 24/09/2014


Beskrivelse af biografien og arbejdet af D. Shostakovich - en af ​​de største komponister i den sovjetiske periode, hvis musik er kendetegnet ved rigdommen af ​​figurativt indhold. Genreområdet for komponistens værk (vokal, instrumental, symfoni).

abstrakt, tilføjet 01/03/2011


Filmmusik i D.D. Sjostakovitj. W. Shakespeares tragedie. Historien om skabelse og livet i kunsten. Historien om skabelsen af ​​musik til filmen af ​​G. Kozintsev. Musikalsk udformning af filmens hovedbilleder. Musikkens rolle i dramaturgien i filmen "Hamlet".

semesteropgave, tilføjet 23.06.2016


Dmitry Dmitrievich Shostakovichs kreative vej, hans bidrag til musikkulturen. Skabelsen af ​​en genial komponist af symfonier, instrumentale og vokale ensembler, korværker (oratorier, kantater, korcyklusser), operaer, musik til film.

abstract, tilføjet 20/03/2014


Barndom. Musikalsk udvikling af en ung pianist og komponist. Shostakovich - performer og komponist. Kreativ måde. efterkrigsårene. Hovedværker: "Syvende symfoni", opera "Katerina Izmailova".

afhandling, tilføjet 06/12/2007


Metoden til at arbejde med genremodeller i Shostakovichs arbejde. Overvægten af ​​traditionelle genrer i kreativitet. Træk af forfatterens valg af genre-tematiske grundlæggende principper i den ottende symfoni, analyse af deres kunstneriske funktion. Genresemantikkens ledende rolle.

semesteropgave, tilføjet 18.04.2011


Russisk komponistskole. "Copy" med Vivaldi på Bortnyansky. Grundlæggeren af ​​russisk professionel musik er Mikhail Glinka. Appel til Igor Stravinskys hedenske oprindelse. Virkningen af ​​musik af Dmitri Shostakovich. Frederic Chopins værk.

abstract, tilføjet 11/07/2009


Folkloretrends i musikken i første halvdel af det 20. århundrede og Bela Bartoks arbejde. Balletpartiturer af Ravel. Teateropus af D.D. Sjostakovitj. Klaverværker af Debussy. Symfoniske digte af Richard Strauss. Kreativitet af komponister af gruppen "Six".

snydeark, tilføjet 29/04/2013


Sølvalderen som en periode i den russiske kulturs historie, kronologisk forbundet med begyndelsen af ​​det 20. århundrede. En kort biografisk note fra Alexander Skrjabins liv. Matchende farver og toner. Den revolutionære karakter af komponistens og pianistens kreative søgninger.