Скульптура 18 века краткое сообщение и получил лучший ответ

Ответ от Орбитальная группировка[гуру]
Скульптура XVIII века
Во второй половине XVIII столетия начинается неуклонный расцвет
отечественной пластики. Круглая скульптура развивалась до этого медленно, С
трудом преодолевая восьмисотлетние древнерусские традиции в отношении к
языческому «болвану». Она не дала ни одного большого русского мастера в
первой половине XVIII в. , но тем блистательнее был её взлёт в следующий
период. Русский классицизм как ведущее художественное направление этой поры
явился величайшим стимулом для развития искусства больших гражданских идей,
что и обусловило интерес к ваянию в этот период. Ф. И. Шубин, Ф. Г. Гордеев,
М. И. Козловский, Ф. Ф. Щедрин, И. П. Прокофьев, И. П. Мартос – каждый сам по
себе был ярчайшей индивидуальностью, оставил свой, лишь ему свойственный
след в искусстве. Но всех их объединяли общие творческие принципы, которые
они усвоили ещё в Академии в классе скульптуры профессора Никола Жилле.
Русских художников объединяли также общие идеи гражданственности и
патриотизма, высокие идеалы античности.
Интерес к “героической античности” влияет и на выбор богов и героев: на
смену излюбленным в петровское время Нептунам и Вакхам приходят Прометей,
Поликрат, Марсий, Геркулес, Александр Македонский, герои гомеровского
эпоса. Русские скульпторы стремятся воплотить в мужском образе черты
героической личности, а в женском – идеально прекрасное, гармонически
ясное, совершенное начало. Это прослеживается как в монументальной,
архитектурна-декоративной, так и в станковой пластике.
В отличие от барокко архитектурно-декоративная пластика в эпоху
классицизма имеет страгую систему расположения на фасаде здания: в основном
в центральной части, главном портике и в боковых ризалитах, или венчает
здание, читаясь на фоне неба.
Русская скульптура второй половины 18 века
Рядом с исключительной по значимости фигурой Шубина встает плеяда его выдающихся современников, как и он, способствовавших блестящему расцвету русской скульптуры во второй половине XVIII века.
Вместе с отечественными мастерами славе российского ваяния немало способствовал скульптор Этьен-Морис Фальконе (1716__1791, в России - с 1766 по 1778), автор одного из лучших монументов XVIII века - памятника Петру I на Сенатской площади в Петербурге {ил. 161). Грандиозность задач, высота идейных и эстетических критериев, напряженность творческой атмосферы в русском искусстве тех лет позволили скульптору создать самое совершенное из его произведений, неразрывно связанное со страной, где оно родилось.
Первоначальный эскиз был готов уже в 1765 году. Приехав в Петербург, Фальконе принялся за работу и к 1770 году закончил модель в натуральную величину. К месту установки памятника была доставлена каменная скала, весившая после ее частичной обрубки около 275 тонн. В 1775-1777 годах происходила отливка статуи из бронзы, открытие же памятника состоялось в 1782 году. Помощницей Фальконе в работе над памятником была его ученица Мари-Анн Колло (1748-1821), изваявшая голову Петра. После отъезда Фальконе установкой памятника руководил скульптор Ф. Г. Гордеев.
Фальконе был иностранцем, однако он сумел так понять личность Петра и его роль в историческом развитии России, что созданный им монумент должен рассматриваться именно в рамках русской культуры, предопределившей данную скульптором проникновенную трактовку образа Петра.

Ответ от 3 ответа [гуру]

Привет! Вот подборка тем с ответами на Ваш вопрос: Скульптура 18 века краткое сообщение

Русская скульптура 18 века

В Древней Руси скульптура, в отличие от живописи, находила сравни­тельно небольшое применение, в основном как украшение архитектурных сооружений. В первой половине XVIII века постепенно осваиваются все жанры станковой и монументальной скульптуры. Прежде всего начинает развиваться монументально-декоративная пластика, тесно связанная с ар­хитектурой. Под руководством архитектора И. П. Зарудного создавался белокаменный резной декор церкви Архангела Гавриила в Москве (Менши-кова башня). Не были забыты богатые традиции древнерусской скульпту­ры - резьба по дереву и кости, декоративная пластика иконостасов.

Особенности монументально-декоративной скульптуры Петровской эпо­хи ярко проявились в создании ансамбля Петергофа, который, однако, претерпел в течение столетия сильные изменения.

Первая четверть XVIII века отмечена не только созданием новых ориги­нальных произведений, но и проявлением интереса к скульптурной класси­ке. Так, в Италии была тогда куплена знаменитая мраморная античная статуя «Венера Таврическая». Первые образцы светской скульптуры были привезены из европейских стран, главным образом, произведения мастеров итальянского барокко.

В Петровскую эпоху возникают и первые проекты монументальных памятников. На одной из центральных площадей Петербурга предполага­лось установить в увековечение победы в Северной войне Триумфальный столп по замыслу Б.-К. Растрелли. Б.-К. Растрелли (1675? -1744) явился собственно первым мастером скульптуры в России. Итальянец по проис­хождению, он переехал в 1716 году из Франции по приглашению Пет­ра I и нашел в России новую родину, так как лишь в Петербурге полу­чил широкие возможности для творчества. Бартоломео-Карло Растрелли исполнил многие произведения портретной, декоративной и монументаль­ной пластики. Большой известностью пользуется его бронзовый бюст Петра I (1723-1730, ил. 40), в котором мастерски переданы не только сходство, но и характер властного и энергичного царя.

Мастерство Растрелли-портретиста проявилось также в бюсте А. Д. Меншикова , исполненном в 1716 -1717 годах, в статуе Анны Иоанновны с арапчонком (1741). Чувство монументальности и прекрасное зна­ние бронзы как материала отличают творчество этого скульптора. В портре­те Анны Иоанновны, медленно шествующей в тяжелом расшитом драго­ценными камнями платье, Растрелли создал выразительный образ «престрашного взора царицы», как ее называли современники.

Самое значительное произведение Растрелли - конный памятник Пет­ру I. В нем отразились впечатления скульптора от монументов античности, Возрождения и XVII века. Петр изображен триумфатором, торжественно восседающим на коне в облачении римского императора.

Примечательна судьба этого памятника. Отлитый в 1745 -1746 годах уже после смерти скульптора под руководством его сына, архитектора Ф.-Б. Растрелли, он более полувека пролежал в сарае всеми забытый. Толь­ко в 1800 году по приказу Павла I он был установлен перед Инженерным замком в Петербурге, органично войдя в архитектурный ансамбль.

Во второй половине XVIII в. начинается настоящий расцвет русской скульптуры. Она развивалась медленно, но русская просветительская мысль и русский классицизм явились величайшими стимулами для развития искусства больших гражданственных идей, масштабных проблем, что и обусловило интерес к ваянию в этот период. Шубин, Гордеев, Козловский, Щедрин, Прокофьев, Мартос – каждый сам по себе был ярчайшей индивидуальностью, оставил свой след в искусстве. Но всех их объединяли общие творческие принципы, которые они усвоили еще у профессора Никола Жилле, с 1758 по 1777 г. возглавлявшего в Академии класс скульптуры, общие идеи гражданственности и патриотизма, высокие идеалы античности. Их образование строилось прежде всего на изучении античной мифологии, слепков и копий с произведений античности и Ренессанса, в годы пенсионерства – подлинных произведений этих эпох. Они стремятся воплотить в мужском образе черты героической личности, а в женском – идеально-прекрасное, гармоничное, совершенное начало. Но русские скульпторы толкуют эти образы не в отвлеченно-абстрактном плане, а вполне жизненно. Поиск обобщенно-прекрасного не исключает всей глубины постижения человеческого характера, стремления передать его многогранность. Это стремление ощутимо в монументально-декоративной пластике и станковой скульптуре второй половины века, но особенно – в жанре портрета.

Его наивысшие достижения связаны прежде всего с творчеством Федота Ивановича Шубина (1740–1805), земляка Ломоносова, прибывшего в Петербург уже художником, постигшим тонкости косторезного дела. Окончивший Академию по классу Жилле с большой золотой медалью, Шубин уезжает в пенсионерскую поездку, сначала в Париж (1767–1770), а затем в Рим (1770–1772), ставший с середины века, с раскопок Геркуланума и Помпеи, вновь центром притяжения для художников всей Европы. Первое произведение Шубина на родине – бюст А.М. Голицына (1773, ГРМ, гипс) свидетельствует уже о полной зрелости мастера. Вся многогранность характеристики модели раскрывается при круговом ее осмотре, хотя несомненно есть и главная точка обозрения скульптуры. Ум и скептицизм, духовное изящество и следы душевной усталости, сословной исключительности и насмешливого благодушия – самые разные стороны характера сумел передать Шубин в этом образе русского аристократа. Необычайное разнообразие художественных средств помогает создать такую неоднозначную характеристику. Сложный абрис и разворот головы и плеч, трактовка разнофактурной поверхности (плащ, кружева, парик), тончайшая моделировка лица (надменно прищуренные глаза, породистая линия носа, капризный рисунок губ) и более свободно-живописная – одежды – все напоминает стилистические приемы барокко. Но как сын своего времени он трактует свои модели в соответствии с просветительскими идеями обобщенно-идеального героя. Это свойственно для всех его работ 70-х годов, что позволяет говорить о них как о произведениях раннего классицизма. Хотя заметим, что в приемах начинающего Шубина прослеживаются черты не только барокко, но даже рококо. Со временем в образах Шубина усиливается конкретность, жизненность, острая характерность.

Шубин редко обращался к бронзе, он работал в основном в мраморе и всегда использовал форму бюста. И именно в этом материале мастер показал все многообразие и композиционных решений, и приемов художественной обработки. Языком пластики он создает образы необычайной выразительности, исключительной энергии, совсем не стремясь к их внешней героизации (бюст генерал-фельдмаршала З.Г. Чернышева , мрамор, ГТГ). Он не боится снизить, «заземлить» образ фельдмаршала П.А. Румянцева-Задунайского , передавая характерность его совсем не героического круглого лица со смешно вздернутым носом (мрамор, 1778, Гос. художественный музей, Минск). У него нет интереса только к «внутреннему» или только к «внешнему». Человек у него предстает во всем многообразии своего жизненного и духовного облика. Таковы мастерски выполненные бюсты государственных деятелей, военачальников, чиновников.

Из работ 90-х годов, наиболее плодотворного периода в творчестве Шубина, хочется отметить вдохновенный, романтический образ П.В. Завадовского (бюст сохранился только в гипсе , ГТГ). Резкость поворота головы, пронзительность взора, аскетичность всего облика, свободно развевающиеся одежды – все говорит об особой взволнованности, обнаруживает натуру страстную, незаурядную. Метод трактовки образа предвещает эпоху романтизма. Сложная многогранная характеристика дана в бюсте Ломоносова , созданном для Камероновой галереи, чтобы он стоял там рядом с бюстами античных героев. Отсюда несколько иной уровень обобщения и антикизации, чем в других произведениях скульптора (бронза, 1793, Камеронова галерея, г. Пушкин; гипс, ГРМ; мрамор, Академия наук; два последних – более ранние). Шубин относился к Ломоносову с особым пиететом. Гениальный русский ученый-самоучка был близок скульптору не только как земляк. Шубин создал образ, лишенный всякой официальности и парадности. Живой ум, энергия, сила чувствуются в его облике. Но разные ракурсы дают разные акценты. И в другом повороте мы читаем на лице модели и грусть, и разочарование, и даже выражение скепсиса. Это тем более удивительно, если предположить, что работа не натурная, Ломоносов умер за 28 лет до этого. В исследованиях последнего времени высказывается мысль о возможности натурных зарисовок, не дошедших до нас.

Столь же многогранен и в этой многогранности – противоречив созданный скульптором образ Павла I (мрамор, 1797, бронза, 1798. ГРМ; бронза, 1800, ГТГ). Здесь мечтательность уживается с жестким, почти жестоким выражением, а уродливые, почти гротескные черты не лишают образ величественности.

Шубин работал не только как портретист, но и как декоратор. Он исполнил 58 овальных мраморных исторических портретов для Чесменского дворца (находятся в Оружейной палате), скульптуры для Мраморного дворца и для Петергофа, статую Екатерины II-законодательницы (1789–1790). Несомненно, что Шубин – крупнейшее явление в русской художественной культуре XVIII столетия.

Вместе с отечественными мастерами в России работал французский скульптор Этьенн-Морис Фальконе (1716–1791; в России – с 1766 по 1778), который в памятнике Петру I на Сенатской площади в Петербурге выразил свое понимание личности Петра, ее исторической роли в судьбах России. Фальконе работал над памятником 12 лет. Первый эскиз был исполнен в 1765 г., в 1770 г.– модель в натуральную величину, а в 1775–1777 гг. происходила отливка бронзовой статуи и готовился постамент из каменной скалы, которая после обрубки весила около 275 т. В работе над головой Петра Фальконе помогала Мари-Анн Колло. Открытие памятника состоялось в 1782 г., когда Фальконе уже не было в России, и завершал установку памятника Гордеев . Фальконе отказался от канонизированного образа императора-победителя, римского цезаря, в окружении аллегорических фигур Добродетели и Славы. Он стремился воплотить образ созидателя, законодателя, преобразователя, как сам писал в письме к Дидро. Скульптор категорически восставал против холодных аллегорий, говоря, что «это убогое обилие, всегда обличающее рутину и редко гений». Он оставил лишь змею, имеющую не только смысловое, но и композиционное значение. Так возник образ-символ при всей естественности движения и позы коня и всадника. Вынесенный на одну из красивейших площадей столицы, на ее общественный форум, памятник этот стал пластическим образом целой эпохи. Конь, вставший на дыбы, усмиряется твердой рукой могучего всадника. Заложенное в общем решении единство мгновенного и вечного прослеживается и в постаменте, построенном на плавном подъеме к вершине и резком обрыве вниз. Художественный образ слагается из совокупности разных ракурсов, аспектов, точек обзора фигуры. «Кумир на бронзовом коне» предстает во всей своей мощи прежде, чем можно заглянуть ему в лицо, как верно заметил некогда Д.Е. Аркин, он воздействует сразу же своим силуэтом, жестом, мощью пластических масс, и в этом проявляются незыблемые законы монументального искусства. Отсюда и свободная импровизация в одежде («Это одеяние героическое», – писал скульптор), отсутствие седла и стремян, что позволяет единым силуэтом воспринимать всадника и коня. «Герой и конь сливаются в прекрасного кентавра» (Дидро).

Голова всадника –это также совершенно новый образ в иконографии Петра, отличный от гениального портрета Растрелли и от вполне ординарного бюста, исполненного Колло. В образе Фальконе господствует не философская созерцательность и задумчивость Марка Аврелия, не наступательная сила кондотьера Коллеони, а торжество ясного разума и действенной воли.

В использовании естественной скалы в качестве постамента нашел выражение основополагающий эстетический принцип просветительства XVIII в. – верности природе.

«В основе этого произведения монументальной скульптуры лежит высокая идея России, ее юной мощи, ее победного восхождения по дорогам и кручам истории. Вот почему памятник порождает в зрителе множество чувств и мыслей, близких и отдаленных ассоциаций, множество новых образов, среди которых неизменно главенствует возвышенный образ героического человека и народа-героя, образ родины, ее мощи, ее славы, великого исторического призвания» (Аркин Д.Е. Э.-М. Фальконе//История русского искусства. М., 1961. Т. VI. С. 38).

В 70-е годы рядом с Шубиным и Фальконе работает ряд молодых выпускников Академии. Годом позже Шубина ее окончил и вместе с ним проходил пенсионерство Федор Гордеевич Гордеев (1744– 1810), творческий путь которого был тесно связан с Академией (он даже некоторое время был ее ректором). Гордеев –мастер монументально-декоративной скульптуры. В его ранней работе –надгробии Н.М. Голицыной видно, как умели глубоко проникнуться идеалами античной, именно греческой, пластики русские мастера. Подобно тому как в средневековый период они творчески восприняли традиции византийского искусства, так в период классицизма они постигли принципы эллинистической скульптуры. Знаменательно, что для большинства из них освоение этих принципов и создание своего собственного национального стиля классицизма шло негладко, и творчество почти каждого из них можно рассматривать как «арену борьбы» барочных, иногда и рокайльных тенденций и новых, классицистических. Причем совсем не обязательно эволюция творчества свидетельствует о победе последних. Так, первая работа Гордеева «Прометей» (1769, гипс, ГРМ, бронза – Останкинский музей) и два надгробия Голицыных (фельдмаршала А.М. Голицына, героя Хотина, 1788, ГМГС, Санкт-Петербург, и Д.М. Голицына –основателя знаменитой больницы, построенной Казаковым, 1799, ГНИМА, Москва) несут в себе черты, связанные с барочной традицией: сложность силуэта, экспрессию и динамику («Прометей»), живописность общего композиционного замысла, патетические жесты аллегорических фигур (Добродетели и Военного гения –в одном надгробии. Горя и Утешения –в другом).

Надгробие же Н.М. Голицыной напоминает древнегреческую стелу. Барельефная фигура плакальщицы, взятая меньше чем в натуру, дана в профиль, расположена на нейтральном фоне и вписана в овал. Величавость и торжественность скорбного чувства передают медлительные складки ее плаща. Выражением благородной сдержанности веет от этого надгробия. В нем начисто отсутствует барочная патетика. Но в нем нет и абстрактной символичности, нередко присутствующей в произведениях классицистического стиля. Скорбь здесь тиха, а печаль –трогательно-человечна. Лиризм образа, затаенное, глубоко спрятанное горе и отсюда интимность, задушевность становятся характерными чертами именно русского классицизма. Еще яснее принципы классицизма проявились в барельефах на античные сюжеты для фасадов и интерьеров Останкинского дворца (Москва, 80–90-е годы).

В творчестве замечательного русского скульптора редкого разнообразия интересов Михаила Ивановича Козловского (1753– 1802) можно также проследить эту постоянную «борьбу», сочетание черт барокко и классицизма, с перевесом одних стилистических приемов над другими в каждом отдельном произведении. Его творчество – наглядное свидетельство того, как русские мастера перерабатывали античные традиции, как складывался русский классицизм. В отличие от Шубина и Гордеева пенсионерство Козловского началось прямо с Рима, а затем уже он переехал в Париж. Первыми его работами по возвращении на родину были два рельефа для Мраморного дворца , сами названия которых: «Прощание Регула с гражданами Рима» и «Камилл, избавляющий Рим от галлов» – говорят о большом интересе мастера к античной истории (начало 80-х годов).

В 1788 г. Козловский вновь направляется в Париж, но уже в качестве наставника пенсионеров, и попадает в самую гущу революционных событий. В 1790 г. он исполняет статую Поликрата (ГРМ, гипс), в которой тема страдания и порыва к освобождению звучит патетически. Вместе с тем в судорожном движении Поликрата, усилии его прикованной руки, смертно-мученическом выражении лица есть некоторые черты натуралистичности.

В середине 90-х годов по возвращении на родину начинается самый плодотворный период в творчестве Козловского. Главная тема его станковых произведений (а он работал преимущественно в станковой пластике) – из античности. Его «Пастушок с зайцем» (1789, мрамор. Павловский дворец-музей), «Спящий амур» (1792, мрамор, ГРМ), «Амур со стрелой» (1797, мрамор, ГТГ) и другие говорят о тонком и необычайно глубоком проникновении в эллинистическую культуру, но вместе с тем лишены какой-либо внешней подражательности. Это скульптура XVIII столетия, и именно Козловского, с тонким вкусом и изысканностью воспевшего красоту юношеского тела. Его «Бдение Александра Македонского» (вторая половина 80-х годов, мрамор, ГРМ) воспевает героическую личность, тот гражданский идеал, который соответствует морализующим тенденциям классицизма: полководец испытывает волю, противясь сну; свиток «Илиады» около него – свидетельство его образованности. Но античность для русского мастера никогда не была единственным объектом изучения. В том, как естественно передано состояние полудремоты, оцепенелости полусна, есть живое острое наблюдение, во всем видно внимательное изучение натуры. А главное – нет всепоглощающего господства разума над чувством, сухой рациональности, и это, на наш взгляд, одно из существеннейших отличий русского классицизма.

Козловского-классициста, естественно, увлекает тема героя, и он исполняет несколько терракот по мотивам «Илиады» («Аякс с телом Патрокла» , 1796, ГРМ). Скульптор дает свое толкование эпизоду из петровской истории в статуе Якова Долгорукого , приближенного царя, возмутившегося несправедливостью одного указа императора (1797, мрамор, ГРМ). В статуе Долгорукого скульптор широко применяет традиционные атрибуты: горящий факел и весы (символ истины и правосудия), поверженную маску (коварство) и змею (низость, зло). Развивая героическую тему, Козловский обращается к образу Суворова : сначала мастер создает аллегорический образ Геркулеса на коне (1799, бронза, ГРМ), а затем памятник Суворову, задуманный как прижизненная статуя (1799–1801, Петербург). Памятник не имеет прямого портретного сходства. Это скорее обобщенный образ воина, героя, в военном костюме которого соединены элементы вооружения древнего римлянина и средневекового рыцаря (а по новейшим сведениям – и элементы формы, которую хотел, но не успел ввести Павел). Энергией, мужеством, благородством веет от всего облика полководца, от его гордого поворота головы, изящного жеста, с которым он поднимает меч. Легкая фигура на постаменте цилиндрической формы создает с ним единый пластический объем. Соединяя мужественность и грацию, образ Суворова отвечает и классицистическому нормативу героического, и общему пониманию прекрасного как эстетической категории, характерному для XVIII в. В нем создан обобщенный образ национального героя, и справедливо исследователи относят его к наиболее совершенным творениям русского классицизма наряду с фальконетовским «Медным всадником» и монументом Минину и Пожарскому Мартоса.

В эти же годы Козловский работает над статуей Самсона – центральной в Большом каскаде Петергофа (1800–1802). Вместе с лучшими скульпторами – Шубиным, Щедриным, Мартосом, Прокофьевым – Козловский принял участие в замене статуй петергофских фонтанов, выполнив один из самых ответственных заказов. В «Самсоне», как его традиционно принято называть, соединились мощь античного Геракла (по некоторым новейшим исследованиям это и есть Геракл) и экспрессия образов Микеланджело. Образ исполина, разрывающего пасть льву (изображение льва входило в герб Швеции), олицетворял непобедимость России.

Во время Великой Отечественной войны памятник был похищен фашистами. В 1947 г. скульптор В.Л. Симонов воссоздал его на основании сохранившихся фотодокументов.

Сверстником Козловского был Федос Федорович Щедрин (1751–1825). Он прошел те же этапы обучения в Академии и пенсионерства в Италии и Франции. Исполненный им в 1776 г. «Марсий» (гипс, НИМАХ), как и гордеевский «Прометей» и «Поликрат» Козловского, полон бурного движения и трагического мироощущения. Подобно всем скульпторам эпохи классицизма, Щедрин увлечен античными образами («Спящий Эндимион», 1779, бронза, ГРМ; «Венера», 1792, мрамор, ГРМ), проявляя при этом особо поэтическое проникновение в их мир. Он также участвует в создании скульптур для петергофских фонтанов («Нева», 1804). Но наиболее значительные работы Щедрина относятся уже к периоду позднего классицизма. В 1811–1813 гг. он работает над скульптурным комплексом захаровского Адмиралтейства. Им выполнены трехфигурные группы «Морских нимф», несущих сферу , – величественно-монументальные, но и грациозные одновременно; статуи четырех великих античных воинов: Ахилла, Аякса, Пирра и Александра Македонского – по углам аттика центральной башни. В адмиралтейском комплексе Щедрин сумел подчинить декоративное начало монументальному синтезу, продемонстрировав прекрасное чувство архитектоничности. Скульптурные группы нимф четко читаются своим объемом на фоне гладких стен, а фигуры воинов органично завершают архитектуру центральной башни. С 1807 по 1811 г. Щедрин работал также над огромным фризом «Несение креста» для конхи южной апсиды Казанского собора.

Его современник Иван Прокофьевич Прокофьев (1758–1828) в 1806–1807 гг. создает в Казанском соборе фриз на аттике западного проезда колоннады на тему «Медный змий». Прокофьев – представитель уже второго поколения академических скульпторов, последние годы он занимался у Гордеева, в 1780–1784 гг. учился в Париже, затем уехал в Германию, где пользовался успехом как портретист (сохранились лишь два портрета Прокофьева четы Лабзиных , 1802, оба терракота, ГРМ). Одна из ранних его работ – «Актеон» (1784, ГРМ) свидетельствует о мастерстве уже вполне сложившегося художника, умело передающего сильное, гибкое движение, упругий бег юноши, преследуемого собаками Дианы. Прокофьев преимущественно мастер рельефа, продолжающий лучшие традиции античной рельефной пластики (серия гипсовых рельефов парадной и чугунной лестниц Академии художеств; дома И.И. Бецкого, дворца в Павловске – все 80-е годы, за исключением чугунной лестницы Академии, исполненной в 1819–1820 гг.). Это идиллическая линия в творчестве Прокофьева. Но мастеру были знакомы и высокие драматические ноты (уже упоминавшийся фриз Казанского собора «Медный змий»). Для Петергофа Прокофьев исполнил в пару к щедринской «Неве» статую «Волхова» и группу «Тритоны».

Иван Петрович Мартос (1754–1835) прожил очень долгую творческую жизнь, и самые его значительные работы были созданы уже в XIX столетии. Но надгробия Мартоса, его мемориальная пластика 80–90-х годов по своему настроению и. пластическому решению принадлежат XVIII веку. Мартос сумел создать образы просветленные, овеянные тихой скорбью, высоким лирическим чувством, мудрым приятием смерти, исполненные, кроме того, с редким художественным совершенством (надгробие М.П. Собакиной , 1782, ГНИМА; надгробие Е.С. Куракиной , 1792, ГМГС).

После 1720-1730-х годов, «времени дворцовых переворотов» и эпохи «бироновщины», начинается новый подъем национального самосознания, обостренного борьбой с иностранным засильем. Воцарение Елизаветы Петровны, дочери Петра I, воспринималось русским обществом как начало возрождения России и продолжения петровских традиций. При ней был основан Московский университет и Академия трех знатнейших художеств, которые в дальнейшем сыграют огромную роль в подготовке отечественных кадров в области науки и искусства.

Одним из первых профессоров только что открывшейся Академии художеств стал французский скульптор Никола Франсуа Жилле - представитель позднего барокко, обучавший учеников профессиональному овладению различными видами пластического искусства, учитель многих впоследствии прославленных мастеров.

Андреас Шлютер (1660/1665-1714)

Конрад Оснер (1669-1747)

Бартоломео Карло Растрелли (1675-1744)

Самым значительным мастером русской скульптуры первой половины XVIII века был итальянец по происхождению граф Бартоломео Карло Растрелли. Не сделав ничего существенного в Италии и Франции, он в 1716 году прибыл в Петербург, где стал выполнять крупные государственные заказы вначале для Петра I, затем для Анны Иоанновны и Елизаветы Петровны.

Работая в России до своей смерти, скульптор создал целый ряд выдающихся произведений монументальной, декоративной и станковой пластики.

Первые творения человеческих рук, которые можно назвать скульптурой, появились в доисторические времена и представляли собой идолов, которым поклонялись наши предки. За прошедшие сотни тысяч лет искусство ваяния достигло небывалых высот, и сегодня в музеях и на улицах многих городов мира можно увидеть настоящие шедевры, неизменно вызывающие восхищение у посетителей и прохожих. Так кто же из известных русских и зарубежных мастеров разных эпох может претендовать на то, чтобы его имя было отнесено к категории “известные скульпторы”, и какие их произведения вошли в золотой фонд мирового искусства?

Знаменитые ваятели древнего мира

Как уже было сказано, искусство скульптуры зародилось много тысячелетий назад, о чем свидетельствуют многочисленные каменные и глиняные объемные изображения людей, животных и мифических существ, найденные при археологических раскопках. Разумеется, никто не знает, кем были их авторы, однако история сохранила имена некоторых великих ваятелей, творивших в период с 14-го века до н. э. и до 1-го века н. э.

Например, на вопрос о том, кто самые известные скульпторы древнего мира, в числе других обязательно упоминается великий древнеегипетский ваятель Тутмос Младший. Он работал при дворе фараона Эхнатона и создал одно из самых знаменитых произведений искусства Амарнского периода — бюст царицы Нефертити. Значительно больше информации есть о том, кто самые известные скульпторы Греции и Рима античного периода. В частности, мастера Критий и Несиот создали в 5-м веке до н. э. великолепную композицию Гармодий и Аристогитон, которая впоследствии еще не раз вдохновляла ваятелей более позднего времени. Еще больших высот в мастерстве ваяния добился великий Фидий, являющийся автором из золота и слоновой кости, признанной одним из чудес древнего мира. Нельзя не отметить и тот огромный вклад в развитие античного искусства, который внесли такие известные скульпторы, как Скопас, Пракситель и Лисипп, создавший так называемую квадригу святого Марка. Что касается римских ваятелей, то большинство их творений, например знаменитый Аполлон Бельведерский, являются копиями с греческих оригиналов.

Известные скульпторы мира: эпохи Средневековья

Как известно, начало исторического периода, наступившего после падения Западной Римской империи, было не лучшим временем для развития искусства. Именно поэтому никаких особо значимых произведений искусства ваяния, относящихся к 5-12-му векам, сегодня не известно. К счастью, со временем диктат церкви стал ослабевать, и появились скульптуры святых и правителей, авторы которых позволили себе отойти от строгих канонов религиозного искусства и сделать свои творения более реалистичными. Как пример, можно привести таких мастеров, как отец и сын Пизано, творившие в конце 13-го и начале 14-го века. И, конечно же, когда речь идет о том, кто наиболее известные скульпторы готического периода, нельзя не назвать Адама Крафта, создавшего роскошный алтарь Тетцель капеллы.

Искусство ваяния эпохи Возрождения

Пожалуй, вряд ли найдется человек, который не знает, кто самые известные скульпторы и их работы периода Ренессанса. Ведь именно к этой эпохе относятся такие шедевры, как статуя Давида и копии которой украшают католические храмы по всему миру, а также памятник Гаттамелате Донателло и “Персей” Бенвенуто Челлини. Из французских мастеров стоит отметить Жана Гужона и Жермена Пилона, творивших под влиянием итальянских коллег.

Известные мастера скульптуры 18-го века

Великолепным образцом искусства ваяния Нового времени является знаменитый фонтан Треви на палаццо Поли в Риме, считающийся одним из символов итальянской столицы. Его авторами являются Николо Сальви и Пьетро Браччи, выполнивший фигуру Нептуна и тритонов. В 18-м веке творил и прославившийся своими надгробными памятниками римских пап, а также известные скульпторы из Франции Эдмон Бушардон и Жан Батист Пигалль. Что касается английских мастеров, то среди них можно выделить своеобразное трио, состоящее из Джона Флаксмана, Иосифа Ноллекенса и Томаса Бэнкса.

Европейская скульптура 19-го века

Начало позапрошлого столетия ознаменовалось появлением яркой звезды мировой скульптуры — Бертеля Торвальдсена, который в 1803 году представил на суд публики своего "Ясона". После громкого мирового дебюта он стал чрезвычайно востребованным мастером у именитых заказчиков из разных стран, и за свою довольно долгую творческую жизнь изваял множество превосходных композиций и портретов известных людей. В частности, стоит упомянуть огромный фриз, изображающий подвиги Александра Македонского, созданный им в 1812 году для украшения Квиринальского дворца.

Когда рассматривается вопрос о том, кем были самые известные скульпторы и их работы 19-го века, одним из первых на ум приходит имя Огюста Родена. И это совсем не удивительно, так как его творения "Мыслитель" и "Поцелуй" признаны величайшими шедеврами мирового искусства. Что касается мастеров ваяния Германии, то особого упоминания заслуживает Л. Шванталер, который создал множество замечательных работ украшающих дворцы и другие значимые сооружения Мюнхена.

Скульпторы 20-21-го веков

В прошлом столетии традиции великих итальянских мастеров продолжили Джакомо Манцу, прославившийся свои творением “Врата смерти”, изготовленным для в Риме. Кроме того, стоит упомянуть таких мастеров, как Жак Липшиц и Осип Цадкин, творивших в сюрреалистическом стиле. К категории “Самые известные скульпторы мира” относится и создавший в 1961 году произведение “Идущий человек”, которое было оценено на аукционе Sotheby’s в 104,3 миллиона американских долларов. Среди скульпторов конца 20-го века стоит также упомянуть Линна Чедвика и Барри Фланагана.

Известные скульпторы России с 18-19-го веков

Говорить об искусстве ваяния в России в допетровскую эпоху не приходится, так как его просто не существовало. Основание Санкт-Петербурга заставило задуматься об украшении его дворцов и площадей скульптурными композициями, как это было принято в европейских странах, поэтому ко двору стали приглашать зарубежных мастеров. Таким образом, первые известные “русские” скульпторы были иностранцами. Например, до нас дошли несколько объемных портретов, отлитых отцом будущего великого архитектора — К. Б. Растрелли.

После основания Екатериной Второй Академии художеств там стали обучаться и россияне. В частности, в годы ее правления отличились такие пионеры отечественного искусства скульптуры, как Ф. Шубин, М. Козловский и Ф. Гордеев, создавший знаменитого Самсона. Особенно много даровитых мастеров появилось в 19-м веке. В частности, именно в этот период творили такие известные скульпторы России, как М. М. Антокольский — автор памятника Петру Первому в Петергофе, А. М. Опекушин, П. Велионский, а также И. Н. Шредер.

Одним из самых узнаваемых произведений скульптуры первой половины 20-го века, безусловно, является знаменитый монумент Веры Мухиной “Рабочий и колхозница” — признанный шедевр соцреализма. Не менее интересны и работы Е. Вутечича, создавшего “Воина-освободителя” для берлинского Трептов-парка и всемирно известную статую “Родина-мать”, и М. Аникушина — автора памятников А. П. Чехову и А. Пушкину, который был установлен в Ленинграде в 1957 году.

Что касается того, кто наиболее известные русские скульпторы постсоветского периода, то, наверное, к ним стоит отнести и Эрнста Неизвестного, который, начав свое творчество еще во времена СССР, был вынужден эмигрировать в США, и свое наиболее значимое произведение — “Маску скорби” для магаданского мемориала жертв сталинских репрессий — создал в 1996 году. Еще один мастер ваяния, получивший широкое признание в последние десятилетия, — М. Шемякин, среди работ которого особого упоминания заслуживает многофигурная композиция “Дети — жертвы пороков взрослых”.

Списки знаковых и влиятельных скульпторов

Древние скульпторы Египта

Почти полностью анонимными остались новаторские и изобретательные египетские скульпторы и резчики, а также средиземноморские мастера из соседних стран.

Древнегреческие скульпторы (500–100 до н.э.)

Считается, что греческая скульптура представляет собой смесь идей и методик египетской, микенской и персидской культур. Греческие скульпторы изучали как резьбу по камню, так и работу с бронзой. Удивительно, но несмотря на невероятный вклад Греции в развитие скульптуры, до наших дней дошло достаточно мало имен знаменитых мастеров.

Фрагмент фриза Галикарнасского Мавзолея. Скопас.

• Фидий (около 488–431 г. до н.э). Величайший скульптор классического периода;
• Мирон из Елевфер (около 480–444 г. до н.э.). Мастер бронзовой скульптуры;
• Лисипп (около 395–305 г. до н.э.). Известный скульптор под покровительством Александра Великого;
• Поликлет (V век до н.э);
• Каллимах (V век до н.э);
• Скопас (около 395–350 г. до н.э.);
• Пракситель (около 395–350 г. до н.э.);
• Леохар (приблизительно 350-е г. до н.э.).

• Оноре Домье (1808–1879);
• Джордж Фредерик Уоттс (1817–1904);
• Жан-Батист Карпо (1827–1875);
• Фредерик Лейтон (1830–1896);
• Константин Менье (1831–1905);
• Фредерик-Огюст Бартольди (1834–1904);
• Эдгар Дега (1834–1917);
• Жорж Минне (1866–1941).

Уголино и его дети. Жан-Батист Карпо.

Современные скульпторы: 20-й век

Первые годы 20-го века стали революционными в скульптуре, во многом благодаря таким художникам как Пикассо, Боччони и Наум Габо, а также новым модернистским движениям (кубизм, сюрреализм, дадаизм и т.д.). Появляются новые абстрактные формы и объекты скульптуры.

Сидящая. Эрнст Барлах. Скульптура перед мадридским университетом. Хайат-Хантингтон.

20-й век: современные скульпторы

Переход от модернизма к постмодернизму значительно разнообразил скульптуру. Появляются новые материалы (например, бетон), новые формы (суперреализм, абстрактные работы) и технологии. Тем не менее, традиционные произведения все еще остаются актуальными, несмотря на массу различий с современными работами.

• Луиза Буржуа (1911–2010);
• Йозеф Бойс (1921–1986);
• Сезар Бальдаччини (1921–1998);
• Эдуардо Паолоцци (1924–2005);
• Дональд Джадд (1928–1994);
• Сол Левитт (1928–2007);
• Ники де Сен-Фалль (1930–2002).

Представленный список скульпторов не является полным и не содержит ряд известных имен, однако, дает общее представления о мастерах, стиле и идеях различных эпох.

Лучшие скульпторы всех времен обновлено: Сентябрь 23, 2017 автором: Глеб