Kuzbass-taiteilija Ivan Egorovich Selivanov on kansallinen rikkautemme. Nykytaidetta pala palalta

Koti / Pettävä vaimo

naiivia taidetta Tätä käsitettä käytetään useissa merkityksissä ja se on itse asiassa identtinen käsitteen kanssa "primitiivinen taide". Eri kielillä ja eri tutkijoilla näitä käsitteitä käytetään useimmiten viittaamaan samaan taiteellisen kulttuurin ilmiöihin. Venäjän kielellä (ja joissakin muissa) termillä "alkukantainen" on jonkin verran negatiivinen merkitys. Siksi on tarkoituksenmukaisempaa keskittyä konseptiin naiivia taidetta. Laajimmassa merkityksessä tämä tarkoittaa kuvataidetta, jolle on ominaista yksinkertaisuus (tai yksinkertaistaminen), selkeys ja muodollinen kuva- ja ilmaisukielen välittömyys, jonka avulla ilmaistaan erityinen näkemys maailmasta, jota sivilisaatiosopimukset eivät rasita. . Käsite ilmestyi viime vuosisatojen uudessa eurooppalaisessa kulttuurissa, joten se heijastaa tämän kulttuurin ammatillisia kantoja ja ajatuksia, jotka pitivät itseään korkeimpana kehitysvaiheena. Näistä asennoista naivisilla taiteilla tarkoitetaan myös muinaisten kansojen (esi-egyptiläisten tai esikreikkalaisten sivilisaatioiden) arkaaista taidetta, esimerkiksi primitiivistä taidetta; niiden kansojen taide, joiden kulttuurinen ja sivilisaatiokehitys viivästyivät (Afrikan, Oseanian alkuperäiskansat, Amerikan intiaanit); amatööri- ja ei-ammattimainen taide laajimmassa mittakaavassa (esimerkiksi Katalonian kuuluisat keskiaikaiset freskot tai Euroopan ensimmäisten amerikkalaisten maahanmuuttajien ei-ammattimainen taide); monet niin sanotun "kansainvälisen goottilaisen" teokset; kansantaide; lopuksi 1900-luvun lahjakkaiden primitivististen taiteilijoiden taide,

jotka eivät saaneet ammattitaidekoulutusta, mutta tunsivat itsessään taiteellisen luovuuden lahjan ja omistautuivat sen itsenäiselle toteuttamiselle taiteessa. Jotkut heistä (ranska A. Rousseau, C. Bombois, Georgian N. Pirosmanishvili, Kroatia I. Generalich, amerikkalainen A.M. Robertson ja muut) ovat luoneet todellisia taiteellisia mestariteoksia, jotka ovat päässeet maailmantaiteen aarrekammioon. Naivi taide on maailmankuvan ja taiteellisen esittämisen menetelmien osalta toisaalta jonkin verran lähellä lasten taidetta, ja toisaalta mielisairaiden työhön. Pohjimmiltaan se kuitenkin eroaa molemmista. Lähintä maailmankatsomuksellisesti lastentaidetta on Oseanian ja Afrikan arkaaisten kansojen ja alkuperäiskansojen naiivi taide. Sen perustavanlaatuinen ero lasten taiteeseen on sen syvässä pyhyydessä, perinteisyydessä ja kanonisuudessa. Lapsellinen naivismi ja maailmankäsityksen välittömyys näytti jääneen ikuisesti tähän taiteeseen, sen ilmeikkäät muodot ja taiteellisen kielen elementit olivat täynnä pyhää maagista merkitystä ja kulttisymboliikkaa, jolla on melko vakaa irrationaalisten merkitysten kenttä. Lasten taiteessa he ovat erittäin liikkuvia eivätkä kanna kulttitaakkaa. Naiivitaide on pääsääntöisesti hengeltään optimistista, elämää vahvistavaa, monipuolista ja monipuolista, ja sillä on useimmiten melko korkea esteettinen merkitys. Sitä vastoin mielisairaiden taiteelle, joka on usein muodoltaan lähellä sitä, on ominaista tuskallinen pakkomielle samoista motiiveista, pessimistis-masennustila ja alhainen taiteellisuus. Naiivitaiteen teokset ovat muodoltaan ja yksilöllisesti tyyliltään äärimmäisen erilaisia, mutta monille niistä on ominaista lineaarisen näkökulman puuttuminen (monet primitivistit pyrkivät välittämään syvyyttä eri mittakaavaisten hahmojen avulla, erityinen muoto- ja väriorganisaatio massat), tasaisuus, yksinkertaistettu rytmi ja symmetria sekä paikallisten värien aktiivinen käyttö. , muotojen yleistäminen, kohteen toimivuuden korostaminen tiettyjen muodonmuutosten vuoksi, ääriviivan tärkeyden lisääntyminen, teknisten menetelmien yksinkertaisuus. 1900-luvun primitiiviset taiteilijat, jotka tuntevat klassisen ja nykyajan ammattitaiteen, löytävät usein mielenkiintoisia ja omaperäisiä taiteellisia ratkaisuja yrittäessään matkia ammattitaiteen tiettyjä tekniikoita asianmukaisen teknisen tiedon ja taitojen puuttuessa. Naiivin taiteilijan juonet ottavat useimmiten ympärillään olevasta elämästä, kansanperinteestä, uskonnollisesta mytologiasta tai omasta fantasiastaan. Heidän on monien ammattitaiteilijoiden helpompaa hallita spontaania, intuitiivista luovuutta, jota kulttuuriset ja sosiaaliset säännöt ja kiellot eivät estä. Tuloksena syntyy omaperäisiä, yllättävän puhtaita, runollisia ja yleviä taiteellisia maailmoja, joissa vallitsee jokin ihanteellinen naiivi harmonia luonnon ja ihmisen välillä. Nämä naiivin taiteen ominaisuudet kiinnittivät monien 1900-luvun taiteen mestareiden huomion varhaisista avantgarde-taiteilijoista käsitteellisiin ja postmodernisteihin. Monet 1900-luvun suuret taiteilijat käyttivät töissään erilaisia tekniikoita ja primitivistien kielen elementtejä. (ekspressionistit, P. Klee, M. Chagall, J. Miro, P. Picasso jne.). Naiivissa taiteessa monet kulttuurin edustajat pyrkivät näkemään taiteellisen kulttuurin ulosteitä sivilisaation umpikujasta.

Primitivismi (uusprimitivismi)
- suunta, joka syntyi eurooppalaisessa ja venäläisessä taiteessa 1900-luvun alussa. Hänen tärkein
merkkinä oli taiteellisten keinojen ohjelmallinen yksinkertaistaminen, vetoaminen primitiivisen taiteen eri muotoihin - kansan- ja lastentaideeseen, primitiiviseen ja keskiaikaiseen taiteeseen jne. Se perustui haluun hankkia maailmankatsomuksen puhtaus, joka on luontaista sivilisaation pilaamalle tietoisuudelle.
Venäjällä primitivismi edustaa selkeimmin nimiä N.S. Goncharova, M.F. Larionov, K.S. Malevich, ryhmien "Jack of Diamonds", "Donkey's Tail" taiteilijat ja jotkut "Blue Rose" -mestarit. Uusprimitivistien inspiraation lähde on idän taide sekä suosittu printti, maakuntakyltit, lastentaide, kansanlelut ja primitiivisten kulttuurien taide.

"Tämän jälkeen Gurdjieff jatkoi selittämään ihmisen eri toimintoja ja

näitä toimintoja hallinnoivat keskukset. Nämä ideat esitetään samassa järjestyksessä

luentoja psykologiasta. Selitykset ja niihin liittyvät keskustelut veivät melkoisesti

paljon aikaa... näitä keskusteluja ei voi mitenkään välittää siinä muodossa, jossa ne

todella tapahtunut. Siksi keräsin kaiken materiaalin psykologiasta ja

kosmologia kahdessa erillisessä luentosarjassa. Tässä on huomattava, että ideat eivät olleet

annetaan meille siinä muodossa, jossa ne esitetään luennoilla.

Merkitys

Tiedän, että olet olemassa. Et ole mielikuvitukseni tuotetta, et unelma, et sairas fantasia, et illuusio. Joskus minusta tuntuu, että olet hyvin läheinen. Melkein takana. Tai ihmisvirran vieressä. Pitää vain sulkea silmäni ohikiitävässä nyt, niin kuulen äänesi, tai sitten muutun mustaksi yöksi autiolla risteyksessä ja tapaan katseesi. Mutta aika kuluu. Päivästä päivään. Vuosi toisensa jälkeen. Kuten ennen. Mutta sinä et ole. Joskus kädet laskeutuvat, eikä ole voimaa ottaa askeltakaan. Halu jättää kaiken ja allekirjoittaa verellä oman impotenssinsa alla. Nappaa itsellesi ajatus siitä, että olet edelleen täällä. Mutta muistan. Et koskaan hävinnyt. Ei lähtenyt ensin. Joten en minäkään luovuta. Aloitimme tämän pelin kauan ennen syntymää, ja sen tuskin on tarkoitus päättyä. En muista kuinka kauan tätä on jatkunut. Olen tavannut ajatuksesi ja tekosi muissa. Ja uskoi. Olen löytänyt. Ja takertui kuin hullu harhaanjohtavaan toivoon. Pelaat kanssani ihmisten kautta, jotka olivat minulle läheisiä ja rakkaita. Tiedät, että se sattuu. Mutta aika asettaa kaiken paikoilleen. Ja ymmärrys kootaan uudelleen kaukaisen menneisyyden katkenneista sirpaleista. Tiedän, että se ei ehkä ole helppoa sinullekaan tällä hetkellä. Niin paljon on kulunut, niin paljon on löydetty vilpittömyyden ja vastavuoroisuuden kaltaista. Mutta se oli myös minun ajatukseni. He jäivät koukkuun, jäivät sydämeesi ja saivat sinut uskomaan, että etsintäsi on ohi. Mutta aika asetti kaiken paikoilleen. Ja olet taas yksin. Tiedän, että se sattuu. Olen pahoillani. Sanon vain yhden asian. En ole mielikuvituksesi tuotetta, en unta, en sairas fantasia, en illuusio. Olen olemassa. Ja jonain päivänä tapaamme jälleen, emmekä koskaan enää menetä toisiamme.

Rubinshtein S.L. Oleminen ja Tietoisuus

Mentaalin paikasta aineellisen maailman ilmiöiden yleisessä yhteenliittämisessä

Asettaakseen ongelman

Utelias, etsivä ihmisajattelu, joka tunkeutuu jatkuvasti lisääntyvällä intohimolla ja menestyksellä maailmankaikkeuden syvyyksiin, tuntee aineellisen maailman sen äärettömyydessä - isossa ja pienessä, ymmärtää atomin ja universumin rakenteen, ratkaisee peräkkäin ongelmia, joita luonto asettaa sen eteen joka vaiheessa. Tämä utelias, etsivä ihmisen ajatus ei voinut muuta kuin kääntyä itseensä, ei voinut kuin jäädä miettimään ajatuksen ja luonnon, henkisen ja aineellisen välistä suhdetta. Tämä on filosofian peruskysymys. Sen erilainen ratkaisu erottaa idealismin ja materialismin - filosofian pääsuuntaukset. Tämän kysymyksen teoreettinen merkitys on ilmeinen.

Mutta suuren teorian kysymykset oikein esitettyinä ja oikein ymmärrettyinä ovat samalla käytännöllisiä kysymyksiä, joilla on suuri merkitys. Suurten teoreettisten ongelmien todellinen näkeminen on niiden näkemistä suhteessa elämän peruskysymyksiin.

Kysymys henkisen ja aineellisen välisestä yhteydestä, henkisen riippuvuudesta aineellisista olosuhteista, ei ole vain kysymys tietämys, mutta myös noin hallittavuus henkisiä prosesseja. Ratkaisu kysymykseen yhden tai toisen henkisten prosessien riippuvuudesta objektiivisista olosuhteista määrittää ihmisten psykologian muodostumisen, suunnatun muutoksen ja kasvatuksen tavat. Oikein asetetut kysymykset maailman tiedosta liittyvät viime kädessä sen vallankumouksellisen muutoksen tehtäviin.

Primitivismi - 1800-luvulta peräisin oleva maalaustyyli, joka sisältää tarkoituksellisen kuvan yksinkertaistamisen ja tekee sen muodoista primitiivisiä, kuten primitiivisen ajan töitä.

primitivismi: primitivismi maalaus primitivismi taiteessa primitivismi maalauksia anarko primitivismi tyyli primitivismi venäläinen primitivismi primitivismi taiteilijat primitiivisen primitivismin piirteitä primitivismi wikipedia maalauksissa primitivismi ja venäjän kirjallisuudessa maalauksia maalauksia primitivismi inmitivismin tyyliin inmitivismi maalauksia

Maalaus yksittäisenä asiana, kokonaan tekijän itsensä toteuttama, käytti ensimmäisenä tätä tilaa, murtautuen rutiinista päättäväisemmin ja muita pidemmälle, poistuen hyväksytyistä esteettisistä stereotypioista.

Tämän liikkeen suunta - siirtyminen naturalismista käytäntöön, hienostuneisuudesta yksinkertaistamiseen, modernistisesta hienostuneisuudesta primitivismiin - oli sama kuin eurooppalaisessa taiteessa. Analyysi osoittaa, että tämän suuntauksen alkuperä löytyy venäläisen taiteellisen perinteen ulkopuolelta.

Kääntyessä primitivismiin kaksi vastakkaista suuntausta eroavat kuitenkin jo alun alkaen enemmän tai vähemmän. Ensimmäinen sisältää implisiittisesti ajatuksen yksinkertaistamisesta (rousseauistisessa mielessä) ja vastaa "primitiivisen" käsitettä. Toinen, varhaisessa vaiheessa erottamaton, ilmaistaan myös yleistetyissä ehdollisissa muodoissa, mutta sen tavoitteena on ytimekäs muoto sinänsä, muodon universalisointi, sen yksinkertaistaminen. Ensimmäisessä mielessä avantgardistamme primitivismin perusta on venäläisessä mentaliteetissa, sen talonpojan elämäntavan erityispiirteissä, oman kansansa mytologisaatiossa, Tolstoin yksinkertaistamissaarnoissa.

Ero sekä saksan- että ranskankielisen version kanssa on ilmeinen. Siellä se alkaa vetoamalla oseanialaiseen ja afrikkalaiseen "primitiiviseen" taiteeseen. Täällä - vetoamalla venäläisen perinteisen taiteellisen kulttuurin erilaisiin muotoihin: urbaaniseen kansanperinteeseen, rituaaleihin, kansallisiin vaatteisiin, arkkitehtuuriin, suosittuihin tulosteisiin, kansanleluihin jne. Näitä elementtejä käyttävät eri tavoin sellaiset taiteilijat kuin Bilibin, Nesterov, Grigorjev, Kustodiev, Maljavin, Arhipov, Petrov-Vodkin, Kuznetsov, Larionov, Goncharova, Udaltsova ym. Goncharovan ja Malevitšin talonpoikaiskuvilla on yhteinen lähtökohta . K. Malevichin teoksissa, jotka esiteltiin näyttelyssä "Jack of Diamonds" vuonna 1910, on konkreettisesti havaittavissa sen omituisen fauvistisen värityksen primitivismin vaikutus, joka on tyypillistä N. Goncharovan 1900-luvun teoksille. Jotkut teokset (esimerkiksi Going, 1910) antavat meille mahdollisuuden puhua Goncharovan vaikutuksesta Malevitsiin tällä varhaisella kaudella. Näiden taiteilijoiden työn kehityssuuntien tuleva kohtalo antaa kuitenkin nähdä, että heidän varhaisten teostensa samankaltaisuus on petollista. Tämä alkion samankaltaisuus on säilynyt vain osittain kehittyneissä muodoissa.

primitivismi:
primitivismin maalaus
primitivismi taiteessa
kuvan primitivismi
anarkoprimitivismi
primitivismin tyyliin
Venäjän primitivismi
primitivismin taiteilijoita
primitiivisen primitivismin piirteitä
primitivismi wikipedia kuvissa
primitivismi Venäjän maalauksissa
maalauksia primitivismin tyyliin
primitivismi kirjallisuudessa ja maalauksissa
primitivismi filosofiassa ja reflektio maalauksissa

Vladimir Lyubarovin teoksia on Venäjän valtionmuseossa, Valtion Tretjakovin galleriassa, Venäjän yksityisissä kokoelmissa sekä museoissa ja yksityisissä kokoelmissa monissa maailman maissa.

Vladimir Lyubarov- tunnettu kirjagraafikko, joka kuvitti yli sata kirjaa, mukaan lukien Voltaire, Rabelais, Gogol, Strugatsky, Sholom Aleichem, Singer. Yhdentoista vuoden ajan hän oli "Kemia ja elämä" -lehden päätaiteilija, ja perestroikan alussa hän järjesti kirjailijaryhmän kanssa Venäjän ensimmäisen yksityisen kirjankustantajan "Teksti".

Kuitenkin vuonna 1992 Lyubarov, yllättäen ympärillään oleville, muutti dramaattisesti hänen elämäänsä. Luopuessaan arvostetun suurkaupunkitaiteilijan roolista hän osti pienen talon puoliksi hylätystä kylästäPeremilovoVladimirin alueen laidalla ja syöksyi päätä myöten yksinkertaiseen talonpojan elämään.

Aloittaessaan maalauksen hän alkoi kuvata uusia maanmiehiä. "Kuvia venäläisestä elämästä" oli valtava menestys lännessä, ja pian Lyubarov kutsuttiin näytteille Belgiassa, Saksassa, Ranskassa ja Sveitsissä. Ja pian menestys tuli Venäjälle. Viime vuosina kaksi taiteilijan henkilökohtaista näyttelyä on pidetty yhdessä Moskovan arvostetuimmista gallerioista -Galleria "Nashchokinin talo", ja vuonna 2008 pidettiin Vladimir Lyubarovin henkilönäyttelyValtion Tretjakovin galleria.

Wu" Meidän katu"(se oli yhden taiteilijan näyttelyn nimi) Vladimir Lyubarov ei ole tarkkaa maantieteellistä osoitetta: missä se sijaitsee - joko kaupungissa, kylässä tai vain avoimella kentällä - on tuntematon. Ja ihmisiä siinä elävät verilinjat ja uskonnot - venäläiset, juutalaiset ja määrittelemättömän "kaukasialaisen kansallisuuden" henkilöt.

Hahmot eroavat toisistaan paitsi kansallisen asunsa, myös asumisaikansa suhteen: Meidän kadulla se virtaa edestakaisin ja satunnaisesti tai jopa seisoo kokonaan paikallaan taiteilijan tahdon mukaan. Ja samaan aikaan tämä on tyypillinen venäläinen takamaa: todellisuus on heti tunnistettavissa - likainen markkina ja tyypillinen maakunnallinen rautatieasema ja kulttuuripuisto, jossa on välttämätön "tyttö melalla" ja tungosta jonot, sekä luonnon helmassa juovia kansalaisia.

Asuu "Meidän kadullamme" ja pienessä juutalaisyhteisössä, joka koostuu"Venäjän juutalaiset"- suutarit ja rabbit, teurastajat ja räätälit. Sopiessaan täydellisesti venäläiseen maisemaan he viettävät sapattia, syövät matzaa pesachina, tutkivat Tooraa ja Talmudia ja ajattelevat yhä enemmän ikuista.

Monet Lyubarovin juonet ovat suoraan sanottuna kirjallisia, ja ne ovat saaneet inspiraationsa legendoista, raamatullisista vertauksista, tarinoista, joiden takana häämöttävät Sholom Aleichemin, Baabelin, Isaac Bashevis Singerin ja venäläisten satujen sankarien varjot.

Maalauksen kirjallisuutta puhutaan joskus tämän tai toisen taiteilijan puutteena. Ja he puhuvat turhaan. Kirjallisuus kaikkien taiteiden äitinä on ollut voimakas inspiraation lähde monille suurimmista maalareista. Kuinka monet maalaukset ovat saaneet inspiraationsa kirjojen kirjasta - Raamatusta!

Lyubarovin maalauksista puhuttaessa asiantuntijat lausuvat usein sanat "lubok" ja "naiivius". No, tässä on tietysti lasta ja naiiviutta myös. Mutta mitä naiiviutta? Ymmärtääkseni naiiveja pidetään useimmiten taiteilijoina, joilla on luontainen maalauskyky, mutta jotka eivät ole saaneet erityiskoulutusta, eivät ole hallitseneet asianmukaista tekniikkaa, mutta hämmästyttävät ihailijansa tuoreella elämänkatsomuksella ja "pakolla". piittaamatta kuvataiteen lakeista.

Lyubarov ei kuulu tähän taiteilijarotuun. Hän on korkea ammattilainen ja hallitsee taitonsa täydellisesti. Mutta yhteistä hänellä on naiivien taiteilijoiden kanssa on kyky katsoa maailmaa mutkaton ammattitaidolla, hämmästyä näkemästään, ehkä jopa lapsellisella tavalla, ja saada meidät kokemaan saman yllätyksen. Tässä mielessä jokainen todellinen taiteilija on naiivi, ja jokainen todellinen taideteos on myös jossain määrin naiivi.

Hänellä on harvinainen lahja nähdä yksityisissä faktoissa ja arjen tilanteissa erityinen, metaforinen merkitys, aikojen ja kansallisten perinteiden yhteys, hauska ja merkittävä.

Taiteilijan teokset todistavat kirjailijan korkeasta ammatillisesta kulttuurista, luovasta kekseliäisyydestä ja ainutlaatuisesta tyylitavasta, hänen osallistumisestaan hahmojensa kohtaloon.

Vladimir Lyubarovin teosten emotionaalinen, merkityksellinen kirjo sisältää aitoa viehätystä ja vilpitöntä empatiaa ympärillämme olevaa monipuolista maailmaa kohtaan, hänen filosofisen yleistyksensä ja groteskin tulkinnan syvyyttä, joka jo itsessään ansaitsee vakavan huomion ja pohdiskelun sekä mestarin persoonallisuutta ja hänen luovia pyrkimyksiään.

Lyubarovin taide kuuluu epäilemättä modernin venäläisen taiteellisen kulttuurin kirkkaisiin, jäljittelemättömiin ilmiöihin.

Valentin Rodionov - Valtion Tretjakov-gallerian pääjohtaja

Kävellessään Novy Arbatia äskettäin Vladimir Lyubarov löysi tarjottimista ja telineistä runsaasti "kansantaiteen" teoksia ja huomattavan määrän Vladimir Lyubarovin kuvia. Kaikki nämä kuvat oli varustettu hänen "käsinkirjoitetulla" allekirjoituksellaan. Ja osa niistä - siis jopa kolme kerralla: kuvan alla, paspartuussa ja takana. Olla varma. Eikä kukaan epäile sitä. Ollakseni rehellinen, taiteilija Lyubarov ei järkyttynyt eniten väärennösten myymisestä Novy Arbatissa, vaan näiden tuotteiden laadusta. Pojat eivät stressaa.

kaverit. Arbatin "karpalot" painettiin kopiokoneella ja värjättiin sitten käsin. Jos Arbatin käsityöläiset eivät pidä väristä, he vaihtavat sitä rohkeasti. Parantaa niin sanotusti. Ja mistä ne todella tulevat - se on kuvien nimissä. He säveltävät omia - emmekä he sano, että emme ole syntyneet haaralla. Taiteilija Lyubarov seisoi osastolla, katsoi "hänen" kuviaan ja - tule, hän luulee, minä ostan sen.

Ja mitä? Puolitoista "tuhatta" ruplaa ovat suuria kuvia ja pienet yleensä kolmesataa. Tule - älä ole niukka. Joten Lyubarov ei tuhlaa aikaa pikkuasioihin - hän osti suuren kuvan. Totta, hän kutsui sitä "Kuoroksi" ja täällä - "Ilman valhetta". Miksi? - En vaivautunut, varsinkin kun kovan keskustelun aikana myyjän kanssa ("Vonnon, alkuperäinen!" - "No, kerro sinä! Näen maalatun kopiokoneen!" - "Mies, ota kuva tai mene ohi itse! ”), "itsensä" hinta alennettiin seitsemään sataan. Mikä oli mukavaa. Ja taas on nyt jotain näytettävää ystäville ja tuttaville.

Maalauksessa termillä "primitivismi" kaikki ei ole niin yksinkertaista. Ensinnäkin taidehistorioitsijat eivät aina ole yhtä mieltä sen merkityksen tulkinnasta. Lisäksi kaikkea pahentaa synonyymien läsnäolo, joilla se voidaan nimetä. Tai ei synonyymejä ollenkaan - riippuen siitä, kumpaa näkökulmaa noudattaa.

Niko Pirosmani (Pirosmanašvili). leijona ja aurinko

Ymmärretään käsitteet

1800-luvun lopulla ja 1900-luvun alussa jotkut edistykselliset eurooppalaiset taiteilijat alkoivat tulla hulluiksi primitiivisten kulttuurien esineiden ilmaisukyvystä ja ytimekkyydestä. Afrikkalaisten rituaalinaamioiden ja puisten hahmojen mutkaton ja karkea naiivius näyttää heille yksinkertaiselta ja ilmeiseltä vastaukselta etsimään tapoja voittaa akateemisen maalauksen jäykkyys ja pysähtyneisyys. Tuolloin impressionismi oli jo menettänyt entisen tuoreutensa ja skandaalisuuden, joten se ei voinut väittää olevansa perustan horjuja.

Alkukantaisten kulttuurien teoksia - nykyaikaisten primitivististen mestariteosten esivanhempia - ovat sekä esihistoriallisia kalliotaidetta tai kivijumalia että Afrikassa, Oseaniassa ja vastaavissa asuvien nykyaikaisten heimokansojen kulttuuriperinteitä. Tällaiset afrikkalaiset naamarit olivat ratkaiseva tekijä monien avantgarde-liikkeiden syntymiselle 1800-luvun alussa.

Kuvan lähde: newpackfon.ru

Eräässä koordinaattijärjestelmässä uskotaan, että kyseessä on ammattitaiteilijoiden työ, jolla on akateeminen taidekoulutus ja kaikki tarvittavat taidot, mutta jotka tietoisesti pyrkivät tyylillisten ja teknisten tekniikoiden yksinkertaistamiseen primitiivisen taiteen jäljittelemiseksi, viittaa primitivismiin. . Kömpelöisesti, lapsellisesti maalaavien itseoppineiden taiteilijoiden perintöä kutsutaan tässä tapauksessa naiiviksi taiteeksi.

Toisessa taidehistorian universumissa primitivismi ja naiivi taide ovat täydellisiä synonyymejä ja keskenään vaihdettavia käsitteitä. Tästä näkökulmasta käsite "naiivi taide" on eräänlainen eufemismi, jota tarvitaan suurempaa eufoniaa varten, toisin kuin käsite "primitivismi", jolla on monilla kielillä hieman halventava konnotaatio.

Otamme toista versiota aksioomana ja muistamme, että primitivismi, samoin kuin naiivi taide, ovat tyylejä, jotka sisältävät ei-ammattitaiteilijoiden töitä, joiden lahjakkuuden määrä kattaa tiettyjen taitojen puuttumisen, kuten kyky rakentaa oikein perspektiiviä tai välittää chiaroscuroa.

Kehittyneiden käsityöläisten perinnössä, jotka ovat perehtyneet yhden tai toisen primitiivisen taiteen tyylistämiseen (esimerkiksi muinainen ikonimaalaus, etniset aiheet tai suosittuja printtejä), käytämme termiä "uusprimitivismi". Juuri näin venäläisten taideyhdistysten "Jack of Diamonds" ja "Donkey's Tail" jäsenet tekivät viime vuosisadan alussa.

Kazimir Severinovich Malevich. Lapset
1908, 30,2×23,8 cm

Natalya Sergeevna Goncharova. Pellavavalkaisu. "Talonpoika-sarjasta"

Avantgarde-taiteilijat, kuten Kazimir Malevich, Mihail Larionov ja Natalya Goncharova, saivat inspiraatiota kansantaiteesta, joka myös luokitellaan primitiiviksi taiteeksi. Ja termiä uusprimitivismi käytettiin ensimmäisen kerran yleisesti Aleksanteri Ševtšenkon kirjasessa, jonka taiteilija julkaisi vuonna 1913: "Neoprimitivismi. Hänen teoriansa. Hänen mahdollisuutensa. Hänen saavutuksensa.

Jos Länsi-Euroopassa taiteilijat käyttivät teoksissaan vain osittain naiivin taiteen tekniikoita kehittäen niiden pohjalta sellaisia suuntauksia kuin fauvismi, kubismi tai ekspressionismi, niin Venäjällä uusprimitivismi muodostui merkittäväksi trendiksi, josta suprematismi lopulta kasvoi ja muotoutui. Siksi joskus länsimaiset taidehistorioitsijat käyttävät termiä uusprimitivismi nimenomaan naiivin taiteen ihanteiden venäläisiin kannattajiin liittyen, jotka ahkerasti propagoivat ja soveltavat niitä käytännössä.

Mihail Fedorovitš Larionov. Venus ja Michael
1912, 85,5×68 cm

Alexandre Benoisin mukaan "Uusprimitivismin erikoisuus oli, että sen edustajat eivät pyrkineet tyylitelmään, eivät kansanmestari jäljitelmään, vaan kansanestetiikan olennaisten osien ilmaisemiseen. Tässä havainnollistavin esimerkki on Larionovin työ, joka kansanestetiikan mukaisesti rinnastaa tärkeän ja merkityksettömän, korkean ja matalan, menen tässä äärimmäisyyksiin - vaalii aidan piirtämisen ja "kasarmimaalauksen periaatteita". " ".

Takaisin perusasioihin

Tien orjantappuroista tähtiin primitivisteille raivasivat sellaiset tunnustetut luojat kuin Gauguin, Picasso ja Matisse. Yrittäessään parantua vakavasta sairaudesta, johon Gauguin luokitteli sivilisaation siunaukset, taiteilija meni Tahitille ja sulautui siellä luontoon kaikin mahdollisin tavoin rikastaen tyyliään matkan varrella kirkkailla väreillä. eksoottinen saari ja naiivit kuvat paikallisesta kulttuurista, muut seurasivat häntä.

Paul Gauguin. Tahitilaiset pastoraalit
1898, 87,5×113,7 cm

Myös saksalaiset ekspressionistit Emil Nolde ja Max Pechstein kokeilivat onneaan Oseanian avaruudessa, mutta heidän työtoverinsa Ernst Ludwig Kirchner ja Erich Heckel rekonstruoivat primitiivisiä maisemia suoraan työpajoissaan. Ranskalaisten taiteilijoiden ei tarvinnut matkustaa kauas inspiraation saamiseksi, ei edes tarvinnut lähteä Pariisista. Länsi-Afrikan Ranskan siirtomaista kauppiaat toivat pääkaupunkiin kaikenlaisia etnisiä käsitöitä, jotka sitten asetettiin museoihin ja pieniin kauppoihin.

Will Gompertz elokuvassa Käsittämätön taide. Monet'sta Banksyyn kertoo, kuinka taiteilija Maurice de Vlaminck tulee vahingossa katalysaattorina kiinnostuksen puhkeamiselle primitiivistä taidetta kohtaan ja sen seurauksena favismin kaltaisen liikkeen syntymiselle. Vuonna 1905 hän näki kolme kaiverrettua afrikkalaista naamiota pariisilaisessa kahvilassa. Vlaminck osti naamiot laitoksen omistajalta "vaistotaiteen", kuten hän sitä kutsui, ilmaisun vaikutuksesta ja kiirehti esittelemään saalista taiteilijaystävilleen.

Henri Matisse. Nainen hatussa
1905, 24×31 cm

Maurice de Vlaminck. Ravintola

Andre Deren. Colliouren satama
1905, 72×91 cm

Henri Matisse ja André Derain jakoivat Vlaminckin kiehtovuuden Van Goghin ilmeikkääseen palettiin ja Gauguinin eksoottisiin harrastuksiin. Hänen laskelmansa oli perusteltu: hänen ystävänsä pitivät hankittuja esineitä ajattelun vapauden ilmentymänä, joka ei ollut täynnä sivilisaation materialistisia ihanteita, mutta säilytti lapsellisen spontaanisuuden ja naiiviuden. Kolmen taiteilijan tapaamisen tuloksena syntyi johtopäätös, että kankaalla väri ja tunteet ovat hallitsevia, toisin kuin kuvan realistisuus ja autenttisuus.

Tämän seurauksena syntyi maalauksia, joissa uudet taiteelliset periaatteensa yritettiin herättää eloon mahdollisimman paljon. Tuohon aikaan järjettömillä puhtaiden, sekoittumattomien värien yhdistelmillä värjättyinä, terävin eri vedoin levitetyt kankaat olivat niin uhmakkaita, että vuoden 1905 Salonin järjestäjät kieltäytyivät aluksi ottamasta teoksia esille. Vain Matissen henkilökohtaisen auktoriteetin ansiosta se onnistui pääsemään läpi kolminaisuuden kokeiden osallistumisen Salonissa.

Sitten tulee myrskyisiä ja närkästyneitä taidehistorioitsijoiden arvosteluja, joista yksi, kuten usein tapahtuu (ks. impressionismi), antaa nimen uudelle avantgarde-suunnalle - fauvismille: arvostettu kriitikko Louis Vaucelles sanoo, että villieläimiä maalatut roiskevärit - "les fauves" ranskaksi. Mutta se on hieman eri tarina.

Kuinka Picasso löysi Rousseaun

Lupaavan nuoren espanjalaisen maalaus teki myös erinomaisen kuperkeikka primitiivisen taiteen ja sen tunnustajien välittömässä vaikutuksessa. Kun Picasso näki Matissen kirjoittamisen viimeisen vinkumisen – räikeä, toisin kuin kankaat, vapaa kaikista akateemisista ennakkoluuloista, hän menetti rauhansa ja unensa. Miettimättä kahdesti, Picasso menee etnografiseen museoon, jossa säilytettiin laaja kokoelma afrikkalaisia naamioita. Siellä hän kävi läpi jonkinlaisen vihkimisriitin. Kuka tietää, ehkä näissä rituaaliesineissä todella oli maaginen voima?

"Olin aivan yksin, taiteilija muisteli. - Halusin paeta sieltä. Mutta minä jäin. En vain voinut lähteä. Tajusin jotain hyvin tärkeää; minulle tapahtui jotain. Katsoin näitä fetissejä, ja minulle tuli yhtäkkiä selväksi, että minäkin vastustan kaikkia. Tunnen myös, että kaikki ympärilläni on tuntematonta ja vihamielistä. Kun seisoin yksin tuossa kauheassa museossa, naamioiden, intialaisten nukkejen, pölyisten mallinukkejen ympäröimänä, Avignonin neitojen on täytynyt ilmestyä minulle; ei sillä, että ne olisivat saaneet aikaan näkemäni muodot: tuo kuva oli ensimmäinen kokemukseni manauksesta - kyllä, se on totta!"

Pablo Picasso. Avignonin tytöt, 1907

Siten useat heimoesineet pakottivat Picasson maalaamaan maalauksen, josta tuli kubismin ja sen seurauksena futurismin ja kymmenien muun erilaisen -ismin kanta. Mutta heidän maaginen väliintulonsa Ranskan pääkaupungin silloiseen taiteelliseen elämään ei rajoittunut tähän. Primitiivisen taiteen viehätysvoimalle myöntyvä Picasso ei voinut ohittaa naiivin taiteen nousevan tähden ilmiötä, ja hänellä oli merkittävä käsi varmistamassa, että Paris otti vakavasti vaatimattoman tullivirkailijan Henri Rousseaun epäammattimaiset luomukset.

Ilman taidetaustaa tullivirkailijalla (kuten Pariisin boheemit kutsuivat häntä) oli kuitenkin vakavia maalaustavoitteita. Lapsellinen spontaanius pelasi Rousseaun käsiin - muuten hän tuskin olisi uskaltanut esittää kiusallisia kokeilujaan Salon des Indépendantsin vaativan yleisön harkintaan vuonna 1986, johon kaikki kiinnostuneet taiteilijat saattoivat osallistua.

Ihme ei tapahtunut, kriitikot tekivät parhaansa pilkatakseen 40-vuotiasta aloittelijaa, jolla ei ollut aavistustakaan lineaarisesta perspektiivistä tai sävellyksen rakentamisen periaatteista. Kiusaamisen harmonisesta kuorosta tyrmäsi mestari Camille Pissarron ääni, joka pani merkille Rousseaun maalauksen sävyjen rikkauden.

Henri Rousseau. karnevaali-ilta
1886

Epäonnistuminen Salon of Independentsissä ei voinut murtaa määrätietoista tullivirkailijaa. Päinvastoin, hän jättää työnsä omistaakseen kaiken aikansa taiteilijan uralle. Uskoi loputtomasti häneen ja hänen pääihailijaansa - Picassoon. Kerran hän tapasi provinssiliikkeessä kuvan Rousseausta, jota myytiin siellä käytetyn kankaan hinnalla – edes roskakauppias ei uskaltanut pyytää siitä korkeaa hintaa. Espanjalainen osti sen välittömästi ja piti sitä myöhemmin päiviensä loppuun saakka, vastaten, että hän oli hänen "vangittiin pakkomielle... tämä on yksi totuudenmukaisimmista psykologisista muotokuvista ranskalaisessa maalauksessa".

Henri Rousseau. Jadwigan muotokuva

Lisäksi hän järjesti illallisen oudon muotokuvan kunniaksi, johon hän kutsui koko pariisilaisen beau monden ja itse tapahtuman sankarin - naiivin taiteen ensimmäisen supertähden. Picasso ripusti tullivirkailijan kuvan näkyvimmälle paikalle omassa työhuoneessaan ja istutti sen kirjoittajan nojatuoliin, joka näytti enemmän valtaistuimelta. Se oli todellinen voitto amatööritaiteilijalle, vaikka osa yleisöstä luultavasti pitikin tapahtuman erityisen hienostuneena pilkkaana tai huijauksena.

Mutta ei Picasso. Hän on sanonut, että hän vietti neljä vuotta oppien maalaamaan Rafaelin tavoin, mutta häneltä kesti koko elämä oppia piirtämään kuin lapsi. Siksi hän ihaili Rousseaun lahjaa, joka antoi hänelle mahdollisuuden ohittaa nämä vaiheet turvallisesti ja alkaa välittömästi luoda primitivistisiä mestariteoksia.

Henri Rousseau. Tiikeri trooppisessa myrskyssä

Mistä primitivistiset maalaukset on tehty?

Mitkä merkit osoittavat, että edessäsi on naiivin taiteen teos, ei vaikkapa ekspressionistin, abstraktionistin tai jonkin muun avantgardistisen liikkeen edustajan teos? Muuten, abstraktin ekspressionismin alalla tunnetuksi tullut Mark Rothko etsi inspiraatiota ja kuvallisen taidon salaisuutta lasten piirtämisestä ja omisti tähän jopa kokonaisen kirjan - jo ennen kuin hän alkoi epäitsekkäästi viljellä värikenttämaalausta.

Niko Pirosmani (Pirosmanašvili). Karhu pentujensa kanssa
1917, 140×100 cm

Esimerkeille primitivismistä on todellakin ominaista tyypilliset virheet, joita lapset tekevät piirtäessään. Mutta kaikkia seuraavia asioita ei tarvitse olla yhdessä kuvassa. Jotain itseoppineet taiteilijat pystyivät vielä tekemään.

1. Lineaarisen perspektiivin puute: etualalla olevat objektit ovat kooltaan yhtä suuria kuin taustalla olevat objektit, minkä vuoksi niiden suhde avaruudessa muuttuu käsittämättömäksi ja kuvan tilavuus vähenee.

2. Taustan yksityiskohdat työstetään yhtä huolellisesti kuin lähellä olevat kohteet. Seuraukset ovat samat kuin edellisessä kappaleessa.

Isoäiti (Anna Mary) Mooses. juhla

3. Värit eivät menetä kirkkautta ja kylläisyyttä suhteessa esineiden etäisyyteen kankaan etureunasta. Kuvasta tulee litteä ja muistuttaa postikorttia.

4. Valaistuksen lähteistä ei ole merkkejä: vaikka kuvassa olisi aurinko, kaikki pinnat ovat tasaisesti valaistuja, ihmiset ja esineet eivät luo varjoja, etkä myöskään löydä valoa häikäisyä.

Camille Bombois. Yllättyneet uimarit
1930, 65×81,5 cm

5. Anatomian rikkominen: ihmiskehon mittasuhteet, virheet eläinten kuvassa. Mutta entä Picasso, Salvador Dali, Francis Bacon ja monet muut, joiden työt eivät osoita tuntevansa millään tavalla ihmiskehon rakennetta? Ovatko he myös primitivistejä? - Ei. Kun katsot kuvaa naiivin taiteen edustajasta, huomaat, että henkilö yritti parhaansa, ja juuri näiden ponnistelujen ansiosta heidän naiivit yrityksensä tavoittaa "suuria" taiteilijoita näyttävät niin koskettavilta ja niillä on vastustamaton viehätys. Ja edellä mainitut hahmot eivät tavoittele tällaisia tavoitteita, eikä heidän luettelossaan ollut mitään "miellyttää kaikkia".

6. Kuten lapset, primitivistit eivät tee eroa todellisuuden ja fantasian välillä. Heidän maalauksissaan ihmiset ja yksisarviset voivat elää turvallisesti rinnakkain, eikä surrealistisen fantasian puitteissa, vaan tavallisena asiana. Tällaisilla kankailla olevat leijonat eivät ole uhka ihmisille, ja peura voi näyttää upealta olennolta.

Ivan Generalich. Yksisarvinen

7. Ja lopuksi perustavanlaatuinen ero, joka antaa vastauksen luonnollisesti esiin nousevaan kysymykseen, mitä eroa on modernistien ei-objektiivisten kankaiden välillä "minun-5-vuotias-kuka tahansa-voi-paremmin" primitivistien luomuksista. Ei-ammattitaiteilijat kuvaavat esineitä, joiden realistisuusaste on heidän käytettävissään rajallisten tietojen, taitojen ja kykyjen vuoksi. Ja avantgarde-taiteen edustajat yrittävät parhaansa mukaan unohtaa, mitä heille opetettiin taidekouluissa tai teeskennellä, etteivät he käyneet niissä ollenkaan. Mutta sävellyksen harmonia ja pohdiskelu, skaalan ulkopuolinen symboliikka tai petollinen hohto teeskennellysti naiivista ja tarkoituksella sopimattomista kulttuuritaustakuvasta pettää silti ammattilaisen. Kyllä, kyllä, voit kirjautua ulos, me silti tunnistimme sinut, toveri Chagall ja herra Klee.

Mark Zakharovich Chagall. vanha mies lasilla
1950-luku

Paul Klee. Nukketeatteri
1923

Primitivismi: huijauslehti. Taiteilijat, jotka työskentelivät primitivismin tyyliin

Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili, Ivan Generalich, Isoäiti Mozes, Maria Primachenko, Camille Bombois, Nikifor Krynitsky, Ekaterina Bilokur, Polina Raiko, Serafina Louis, Oles Semernya.

Ikonisia primitivistisiä maalauksia

Niko Pirosmani (Pirosmanašvili). Näyttelijä Margarita
1909, 94×117 cm

Pirosmanin maalauksen historiasta on tullut legenda. Andrei Voznesensky ikuisti hänet säkeeseen, joka laittoi Raymond Paulsin musiikin luo luoden kappaleen "Miljonia Scarlet Roses". Se kertoo köyhän taiteilijan yrityksistä voittaa valloittamattoman ranskalaisen näyttelijän Marguerite de Sevresin sydän, joka esiintyi Tiflisissä vuonna 1905, missä Pirosmani menetti päänsä hänestä. Joidenkin versioiden mukaan "kukkameren" joukossa, jonka epätoivoinen Niko lähetti rakkaansa hotelliin, ei ollut vain ruusuja, eikä vain helakanpunaisia, vaan myös unikot, pionit, liljat, liljat, akaasia ja muut Georgian maan kukkalahjat. Taiteilija ansaitsi teostaan vain yhden suudelman Margaritalta. Mutta monta vuotta myöhemmin, menetettyään sekä fanijoukot että entisen vetovoimansa, näyttelijä tuli päivittäin Louvreen, jossa Pirosmanin maalaus oli esillä vuonna 1969, ja katseli hänen muotokuvaansa tuntikausia. Näin taide selvisi lyhytaikaisesta rakkaudesta ja ohikiitävästä kauneudesta.

Maria Avksentievna Primatšenko. Kalakuningas nappasi vankan ja on iloinen
20. vuosisata

Rajaton fantasia, rohkeat värimaailmat, aseistariisuva kansanväritys ovat vain muutamia Ukrainan sisämaataiteilijan näennäisen vaatimattoman taiteen salaisuuksia. Nähtyään vain kerran Maria Primachenkon maalauksia, on epätodennäköistä, että ne sekoitetaan toisen kirjailijan teoksiin, ne ovat niin alkuperäisiä ja alkuperäisiä. Niitä arvostettiin myös isänmaan rajojen ulkopuolella: Marian teokset saavuttivat suuren suosion näyttelyissä Pariisissa, Varsovassa, Prahassa ja muissa Euroopan kaupungeissa.

Henri Rousseau. Unelma
1910, 298×204 cm

Unelmaa pidetään yhtenä Rousseaun hienoimmista maalauksista. Kirjoittaja kommentoi myöhäistä (ja mahdollisesti viimeistä) teostaan seuraavasti: "Jadwigalla on maaginen unelma. Hän nukahti rauhallisesti tuntemattoman viettelijän huilun soidessa. Kun kuu valaisee kukkia ja vihreitä puita, eläimiä ja jopa petoeläimiä, jäätyy kuuntelemaan musiikin upeita ääniä.. Kanvas tekee vaikutuksen teknisellä monimutkaisuudellaan, ja paletin rikkaus, jonka Pissarro totesi Rousseaun ensimmäisessä maalauksessa, saavuttaa huipentumansa täällä: se ei ole vitsi, vihreää on yli kaksi tusinaa yksinään! Edes syövyttävimmät kriitikot eivät pystyneet vastustamaan "Sleepin" hypnotisoivaa vaikutusta, ja Rousseaun maanmies ja aikalainen, kirjailija Andre Breton sanoi, että kuva "imeen kaiken runouden ja kaikki aikamme salaisuudet".

Olet asiantuntija, jos:

Voit vapaasti käyttää sanaa "primitivismi" puhuessasi Rogier van der Weydenin tai Duccio di Buoninsegnin keskiaikaisista mestariteoksista.

Voit heti määrittää, missä on todellisen primitivistin Pirosmanin siveltimen siveä kauneus ja missä on väärennetty "naiivi" Mihail Larionov.

Niko Pirosmani (Pirosmanašvili). Ortachaalinen kauneus. Diptyykin oikea puoli

Mihail Fedorovitš Larionov. Juutalainen Venus
1912, 147 cm

Olet maallikko, jos:

Otat nimellisarvolla tahallisen yksinkertaistamisen, joka tarvitaan kuvien ja karikatyyrien luomiseen, ja pidät niitä esimerkkeinä mutkattomasta primitivismistä.

Luuletko, että mikä tahansa taideteos, jota houkuttelee kutsumaan kalyaks-maalauksiksi, kuuluu primitivismiin? Itse asiassa primitivismi (tietoinen, myös harkittu) ei ole vain sopimaton muoto, vaan myös erityinen näkemys asioiden olemuksesta: puhtaasta, suorasta, lapsellisesta tai jopa primitiivisestä. Malevitšin, Kandinskyn, Mondrianin maalausten takana on suuria aikuisten teorioita.

) pystyi ilmeikkäissä lakaisutöissään säilyttämään sumun läpinäkyvyyden, purjeen keveyden, laivan tasaisen heilumisen aalloilla.

Hänen maalauksensa hämmästyttävät syvyydellään, volyymillään, kylläisyydellään ja tekstuurillaan, josta on mahdotonta irrottaa katsetta.

Lämmin yksinkertaisuus Valentina Gubareva

Alkukantainen taiteilija Minskistä Valentin Gubarev ei tavoittele mainetta ja tekee vain sitä, mitä rakastaa. Hänen teoksensa on järjettömän suosittuja ulkomailla, mutta lähes tuntemattomia maanmiehilleen. 90-luvun puolivälissä ranskalaiset rakastuivat hänen jokapäiväisiin luonnoksiinsa ja allekirjoittivat taiteilijan kanssa 16 vuoden sopimuksen. Maalaukset, joiden näyttäisi olevan ymmärrettäviä vain meille, "kehittymättömän sosialismin vaatimattoman viehätyksen kantajille", pitivät Euroopan yleisö, ja näyttelyt alkoivat Sveitsissä, Saksassa, Isossa-Britanniassa ja muissa maissa.

Sergei Marshennikovin aistillinen realismi

Sergei Marshennikov on 41-vuotias. Hän asuu Pietarissa ja luo klassisen venäläisen realistisen muotokuvakoulun parhaiden perinteiden mukaisesti. Hänen maalaustensa sankarittaret ovat hellästi ja puolustuskyvyttömiä puolialastomissa naisistaan. Monet tunnetuimmista maalauksista kuvaavat taiteilijan muusaa ja vaimoa Nataliaa.

Philip Barlowin likinäköinen maailma

Korkearesoluutioisten kuvien ja hyperrealismin nousun nykyaikana Philip Barlowin työt herättävät heti huomion. Katsojalta vaaditaan kuitenkin tiettyä ponnistelua pakottaakseen itsensä katsomaan epäselviä siluetteja ja kirkkaita pisteitä kirjailijan kankailla. Luultavasti näin likinäköisyydestä kärsivät ihmiset näkevät maailman ilman laseja ja piilolinssejä.

Laurent Parcelierin aurinkoiset puput

Laurent Parcelierin maalaus on hämmästyttävä maailma, jossa ei ole surua eikä masennusta. Et löydä hänestä synkkiä ja sateisia kuvia. Hänen kankaissaan on paljon valoa, ilmaa ja kirkkaita värejä, joita taiteilija soveltaa tunnusomaisin tunnistettavin vedoin. Tämä luo tunteen, että maalaukset on kudottu tuhansista auringonsäteistä.

Urban Dynamics Jeremy Mannin teoksissa

Amerikkalaisen taiteilija Jeremy Mannin öljy puupaneeleille maalaa dynaamisia muotokuvia modernista metropolista. "Abstraktit muodot, linjat, vaaleiden ja tummien pisteiden kontrasti - kaikki luo kuvan, joka herättää tunteen, jonka ihminen kokee kaupungin väkijoukossa ja vilskeessä, mutta voi myös ilmaista rauhallisuutta, joka syntyy hiljaisen kauneuden mietiskelystä", sanoo taiteilija.

Neil Simonin kuvitteellinen maailma

Brittitaiteilija Neil Simonen (Neil Simone) maalauksissa kaikki ei ole sitä, miltä ensi silmäyksellä näyttää. "Minulle ympärilläni oleva maailma on sarja hauraita ja jatkuvasti muuttuvia muotoja, varjoja ja rajoja", Simon sanoo. Ja hänen maalauksissaan kaikki on todella illusorista ja yhteydessä toisiinsa. Rajat huuhtoutuvat pois ja tarinat virtaavat toisiinsa.

Joseph Lorasson rakkausdraama

Italialaissyntyinen amerikkalainen nykytaiteilija Joseph Lorusso siirtyy kanvaskohtauksiin, joita hän näki tavallisten ihmisten arjessa. Halaukset ja suudelmat, intohimoiset impulssit, hellyyden ja halun hetket täyttävät hänen tunnekuvansa.

Dmitri Levinin kyläelämä

Dmitry Levin on venäläisen maiseman tunnustettu mestari, joka on vakiinnuttanut asemansa venäläisen realistisen koulukunnan lahjakkaana edustajana. Hänen taiteensa tärkein lähde on kiintymys luontoon, jota hän rakastaa hellästi ja intohimoisesti ja tuntee olevansa osa sitä.