Ulkomaista musiikkikirjallisuutta musiikkikouluille. T

(arvosanat: 3 , keskimääräinen: 3,67 viidestä)

Nimike: Ulkomaista musiikkikirjallisuutta

Tietoja I. A. Prokhorovin kirjasta "Ulkomaisten maiden musiikkikirjallisuus".

I. Prokhorovan koonnut oppikirja "Ulkomaisten maiden musiikkikirjallisuus" on tarkoitettu itsenäiseen opiskeluun. Tämä selittää aineiston esityksen lyhyyden ja saavutettavuuden.

Kirja "Ulkomaisten maiden musiikkikirjallisuus" esittelee opiskelijoille kuuluisien säveltäjien lyhyitä elämäkertoja ja parhaita teoksia. Lapset voivat oppia I.S.:n kaltaisten nerojen elämästä ja työstä. Bach, J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert ja F. Chopin. I. Prokhorova ei kuvaillut liian yksityiskohtaisesti lahjakkaiden säveltäjien tarinoita, oppikirjasta löydät tärkeimmät elämäpäivät, alkuperä, nimet ja nimikkeet, toiminta-ala, ammatinvalintaan vaikuttaneet olosuhteet. Kirja kertoo muusikoiden elämän ja työn päävaiheista, heidän yhteiskunnallisista ja poliittisista näkemyksistään.

Julkaisu "Ulkomaisten maiden musiikkikirjallisuus" on tarkoitettu musiikkioppilaitosten opiskelijoille, mutta jokainen, joka ei ole välinpitämätön klassisten teosten suhteen, löytää tästä kirjasta itselleen mielenkiintoisen. I. Prokhorova rikasti tekstiä joidenkin musiikillisten ja ei-musiikin käsitteiden selityksillä, mikä tekee tekstistä vähemmän akateemisen. Muusikoiden elämää kuvaava osa esitetään tuon ajanjakson Euroopan maiden historiallisen ja kulttuurisen elämän kontekstissa. Tämä antaa opiskelijoille mahdollisuuden syvempään ja laajempaan ymmärrykseen olosuhteista, joissa legendaariset säveltäjät asuivat ja työskentelivät.

Koska kirja "Ulkomaisten maiden musiikkikirjallisuus" on tarkoitettu kotilukemiseen, kaikki sen sisältämät sinfoniset teokset tarjotaan neljän käden sovituksessa. On syytä huomata, että tarina Bachin teoksesta, jota ohjelman mukaan tutkitaan aivan vuoden lopussa, on sijoitettu alkuun. Kirjoittaja otti tämän askeleen tarkkaillakseen esityksen kronologiaa.

Tämän kirjan laatija uskoo, että oppikirjan säännöllinen käyttö herättää opiskelijoiden mieltymyksen populaari- ja tieteelliseen musiikkikirjallisuuteen tutustumiseen. Lisäksi lapset voivat kehittää ja vahvistaa näkölukemistaitojaan sekä tottua neljässä kädessä esiintymiseen.
Kuuluisten teosten itseopiskelu mahdollistaa niiden esittämisen oppituntien aikana muiden lasten läsnäollessa, mikä tekee ryhmäluokista aktiivisempia ja parantaa merkittävästi klassisen musiikin käsitystä.

Kirjoja käsittelevältä sivustoltamme lifeinbooks.net voit ladata ilmaiseksi ilman rekisteröitymistä tai lukea verkossa I. A. Prokhorovin kirjan "Ulkomaisten maiden musiikkikirjallisuus" epub-, fb2-, txt-, rtf-, pdf-muodossa iPadille, iPhonelle, Androidille ja Kindlelle. Kirja tarjoaa sinulle paljon mukavia hetkiä ja todellista luettavaa. Voit ostaa täyden version kumppaniltamme. Täältä löydät myös viimeisimmät uutiset kirjallisuuden maailmasta, opit suosikkikirjailojesi elämäkerran. Aloitteleville kirjoittajille on erillinen osio, jossa on hyödyllisiä vinkkejä ja temppuja, mielenkiintoisia artikkeleita, joiden ansiosta voit kokeilla kirjoittamista.

KÄYTTÄJILTÄ
Tämä kirja on oppikirja sen historiallisen ajanjakson musiikkikirjallisuudesta, joka alkaa 1800-luvun viimeisillä vuosikymmenillä. Tällainen oppikirja ilmestyy ensimmäistä kertaa: viides numero päättyy, kuten tiedätte, K-Debussyn ja M. Ravelin työhön.
Kirja sisältää kuvauksen eri kansallisista musiikkikouluista, jotka määrittelivät sen kokonaisrakenteen. Ensimmäinen osa kuvaa yleisiä prosesseja, jotka toteutuivat omalla tavallaan eri maiden musiikkitaiteessa ja eri persoonallisuuksien säveltäjien työssä. Jokainen myöhempi osa koostuu yleiskatsauksesta tietyn maan musiikkikulttuurista sekä monografisesta osasta, joka on omistettu tämän koulukunnan merkittävimpien säveltäjien teokselle. Ainoastaan ​​I. Stravinskyn teokselle omistettu osio eroaa rakenteeltaan: se ei sisällä johdantokatsausta. Ja tämä on ymmärrettävää: vietettyään suurimman osan elämästään Venäjän ulkopuolella erityisolosuhteiden vuoksi, Stravinsky pysyi venäläisenä mestarina eikä kuulunut mihinkään ulkomaiseen kouluun. Hänen luovien periaatteidensa ratkaiseva vaikutus lähes kaikkiin vuosisadamme johtaviin muusikoihin ei anna meidän poistaa Stravinskia 1900-luvun musiikkitaiteen kehityksen yleiskuvasta. Tämän monografisen luvun sisällyttäminen ulkomaisen musiikkikirjallisuuden oppikirjaan johtuu myös koulun opetussuunnitelman erityispiirteistä: 1900-luvun ulkomaista musiikkia opiskellessaan opiskelijat eivät olleet lainkaan perehtyneet persoonallisuuksiin tai musiikkiin. I. Stravinskyn musiikkia. He siirtyvät tälle musiikkitaiteen sivulle vasta neljännen kurssin lopussa, jossa käsitellään vain säveltäjän työn ensimmäistä, venäläistä ajanjaksoa.

Oppikirjan kokoajien ja tekijöiden huomio keskittyy sekä tarkastelujakson yleisten musiikillisten ja historiallisten prosessien esittämiseen että vuosisadamme klassikoiksi muodostuneiden merkittävimpien teosten analysointiin. 1900-luvun musiikkitaiteen tapahtumien poikkeuksellisen monimutkaisuuden, niiden heterogeenisyyden, keskinäisten risteyskohtien ja nopean muutoksen vuoksi katsausluvut ovat ottaneet tässä kirjassa paljon suuremman paikan kuin aikaisemmissa painoksissa. Aiheen metodologisten periaatteiden mukaisesti kokoajat pyrkivät kuitenkin säilyttämään painopisteen musiikkiteosten analyyseissä, joiden tarkoituksena on tässä tapauksessa paljastaa luovien menetelmien, ajattelutapojen, erilaiset tyylipäätökset ja monimuotoisuus. vuosisadamme mestareiden säveltäjätekniikoita.

Ottaen huomioon, että kirja antaa laajan näkökulman musiikkitaiteeseen ja analyysi on monissa tapauksissa erittäin monimutkainen (mikä on pitkälti itse materiaalin määräämä), kokoajat katsovat, että tämä oppikirja on mahdollista suunnata opiskelijoille. esiintymis-, mutta myös musiikkikoulujen teoreettisten laitosten osastot. Kirjan sisältö mahdollistaa valikoivan lähestymistavan siihen koulutusprosessissa; lukujen opiskelun syvyyden ja yksityiskohtaisuuden määrittävät opettajat itse riippuen opiskelijoiden valmiusasteesta, koulutusprosessin aineellisista varusteista nuotteilla ja musiikkinauhoitteilla sekä opetussuunnitelman tälle osalle osoittamasta tuntimäärästä. kurssin.
Tämän kirjan parissa työskenteli suuri joukko kirjailijoita. Tästä johtuen erilaisten materiaalin esittämistapojen väistämättömyys; Samanaikaisesti kokoajat pyrkivät säilyttämään yhtenäiset metodologiset periaatteet sen lähestymistavassa.

SISÄLTÖ
Kääntäjiltä
XX vuosisadan ulkomaisen musiikkitaiteen kehitystavat.
Itävallan musiikkikulttuuri
Gustav Mahler
Laulun luovuus. "Matkustava oppipoika lauluja"
Sinfoninen luovuus. Ensimmäinen sinfonia
ARNOLD SCHENBERG
Elämä ja luova polku
"Selvijät Varsovasta"
ALBAN BERG
Elämä ja luova polku
Musiikkidraama Wozzeck
Konsertto viululle ja orkesterille
ANTON WEBERN.
Elämä ja luova polku
Saksan musiikkikulttuuri
RICHARD STRAUSS
Elämä ja luova polku
Sinfoninen luovuus. Sinfoniset runot "Don Juan" ja "Til Ulenspiegel"
PAUL HINDEMITH
Elämä ja luova polku
Sinfoninen luovuus. Sinfonia "Taiteilija Mathis".
CARL ORF
Elämä ja luova polku
Karl Orffin työn päätyypit ja niiden piirteet.
Ooppera "Clever Girl"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKY
Elämä ja luova polku
"Psalmien sinfonia"
Ooppera "Oidipus Rex"
Ranskan musiikkikulttuuri.
ARTHUR ONEGGER
Elämä ja luova polku
Teatralista ja oratorista luovuutta. Oratorio "Joan of Arc roviolla"
Sinfoninen luovuus. Kolmas sinfonia ("Liturginen")
DARIUS MIJO
Elämä ja luova polku
Laulu-instrumentaali, luovuus. "Tulen linna"
Francis Poulenc
Elämä ja luova polku
Ooppera "Ihmisen ääni"
Espanjan musiikkikulttuuri
MANUEL DE FALLA
Elämä ja luova polku
Baletti "Rakkaus on velho"
Ooppera "Lyhyt elämä"

Musiikkikirjasto Olemme iloisia, että olet löytänyt ja ladannut musiikkikirjastostamme sinua kiinnostavat materiaalit. Kirjastoa päivitetään jatkuvasti uusilla teoksilla ja materiaaleilla, ja seuraavalla kerralla löydät varmasti jotain uutta ja mielenkiintoista sinulle. Hankkeen kirjasto valmistuu opetussuunnitelman sekä opetukseen ja opiskelijoiden näkökulman laajentamiseen suositeltujen materiaalien pohjalta. Sekä opiskelijat että opettajat löytävät täältä hyödyllistä tietoa. kirjastossa on myös metodologista kirjallisuutta. Lemmikkimme Säveltäjät ja esiintyjät Nykytaiteilijat Täältä löydät myös merkittävien taiteilijoiden, säveltäjien, kuuluisien muusikoiden elämäkertoja sekä heidän teoksiaan. Työ-osiossa julkaisemme tallenteita esityksistä, jotka auttavat sinua oppimisessa, kuulet miltä tämä teos kuulostaa, teoksen aksentteja ja vivahteita. Odotamme sinua osoitteessa classON.ru. VN Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 17270 Lapset 17270 Koulutus se on tullut yhä runsaammaksi noin 10. vuosisadalta eKr. Kuvataide kehittyy - ja taiteilijat kuvaavat muusikoita, jotka ovat mukana uskonnollisissa riiteissä, sotilaskampanjoissa, metsästyksessä, juhlallisissa kulkueissa, tansseissa laulun ja soitinten kanssa. Tällaisia ​​kuvia on säilynyt erityisesti kaivauksissa löydettyjen temppelien ja keraamisten maljakoiden seinillä. Kirjoittaminen ilmestyy - ja käsikirjoitusten tekijät tuovat niihin runollisia laulutekstejä ja virsiä, tarjoavat mielenkiintoista tietoa musiikillisesta elämästä. Ajan myötä kirjailijat kiinnittävät paljon huomiota filosofisiin keskusteluihin musiikista, sen tärkeästä yhteiskunnallisesta, mukaan lukien kasvatuksellisesta roolista, sekä sen kielen elementtien teoreettiseen tutkimukseen. Suurin osa tästä tiedosta säilytettiin musiikista joissakin muinaisen maailman maissa, esimerkiksi muinaisessa Kiinassa, muinaisessa Intiassa, muinaisessa Egyptissä, erityisesti niin kutsutuissa muinaisissa maissa - antiikin Kreikassa ja muinaisessa Roomassa, joissa eurooppalaisen kulttuurin perusta. laitettiin 2. Johdanto Musiikkia muinaisista ajoista J.S. Bachiin Rakkaat lapset! Viime vuonna sinulla oli jo musiikkikirjallisuuden oppitunteja. He keskustelivat musiikin kielen peruselementeistä, musiikin muodoista ja genreistä, musiikin ilmaisu- ja visuaalisista mahdollisuuksista sekä orkesterista. Samalla keskustelua käytiin vapaasti erilaisista aikakausista - joko antiikista tai nykyajasta tai palaamisesta meistä vähemmän tai kauempana oleviin vuosisateisiin. Ja nyt on aika tutustua musiikkikirjallisuuteen kronologisessa - historiallisessa - järjestyksessä1. Musiikista antiikin Kreikassa Miten saimme tietoa muinaisen maailman musiikista? Vakuuttava todiste antiikin suuresta kulttuurisesta ja historiallisesta roolista on se, että antiikin Kreikassa 8. vuosisadalla eKr. syntyivät julkiset urheilukilpailut - olympialaiset. . Ja kaksi vuosisataa myöhemmin siellä alettiin järjestää musiikkikilpailuja - Pythian Games, joita voidaan pitää nykyaikaisten kilpailujen kaukaisina esivanhempana. Pythian pelit pidettiin temppelissä, joka rakennettiin taiteen suojelijan, auringon ja valon jumalan Apollon kunniaksi. Myyttien mukaan, voitettuaan hirviömäisen Pythonin käärmeen, hän itse perusti nämä pelit. Tiedetään, että kerran ne voitti Sakkad Argosista, soittaen auloilla, oboea lähellä olevalla puhallinsoittimella, ohjelmanäytelmä Apollon taistelusta Pythonin kanssa. Muinaiselle kreikkalaiselle musiikille oli ominaista yhteys runouteen, tanssia, teatteria. Legendaarisen runoilija Homeroksen ansioksi luetellut sankarieeppiset runot "Ilias" ja "Odysseia" laulettiin lauluäänellä. Laulajat olivat yleensä, kuten mytologinen Orpheus, sekä runotekstien että musiikin tekijöitä, ja he itse säestivät itseään lyyrassa. Juhlissa esitettiin kuorotanssilauluja pantomimiceleillä. Antiikin kreikkalaisissa tragedioissa ja komediassa kuorolla oli suuri rooli: hän kommentoi toimintaa, ilmaisi suhtautumistaan. Kaivauksissa arkeologit löysivät yksinkertaisimmat soittimet (esim. puhallinsoittimet - eläinten luut, joissa on porattu reikiä) ja päättävät. että ne on tehty noin neljäkymmentä tuhatta vuotta sitten. Näin ollen musiikin taito oli olemassa jo silloin. Kun fonografi keksittiin vuonna 1877 - ensimmäinen laite äänen mekaaniseen tallentamiseen ja toistoon, muusikot-tutkijat alkoivat matkustaa niihin maailman kolkoihin, joissa joillakin heimoilla oli vielä alkeellinen elämäntapa. Tällaisten heimojen edustajilta he nauhoittivat näytteitä laulu- ja instrumentaalisävelistä fonografin avulla. Mutta sellaiset tallenteet antavat tietysti vain likimääräisen käsityksen siitä, millaista musiikki oli muinaisina aikoina. Sana "kronologia" (se tarkoittaa "historiallisten tapahtumien sarjaa ajassa") tulee kahdesta kreikan sanasta - "chronos" ("aika") ja "logos" ("oppi"). 1 Latinalainen sana "antiguus" tarkoittaa "muinaista". Siitä johdettu termi "muinainen" viittaa antiikin Kreikan ja antiikin Rooman historiaan ja kulttuuriin. 2 2 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla sankarien tekoihin perustuen. Nykyaikaisilla musiikkitieteilijillä on jonkin verran tietoa antiikin maailman musiikista, mutta silti he kadehtivat muiden taiteiden historioitsijoita. Suuri määrä upeita muinaisen arkkitehtuurin monumentteja, muinaista kuvataidetta, erityisesti kuvanveistoa, on säilynyt, on löydetty monia käsikirjoituksia, joissa on suurten muinaisten näytelmäkirjailijoiden tragedioiden ja komedian tekstejä. Mutta samalla aikakaudella ja vielä paljon myöhemmin luodut musiikkiteokset jäävät meille olennaisesti tuntemattomiksi. Miksi se tapahtui? Tosiasia on, että osoittautui erittäin vaikeaksi tehtäväksi keksiä riittävän tarkka ja kätevä nuotinkirjoitusjärjestelmä (notaatio), jonka jokainen teistä hallitsi aloittaessaan musiikin oppimisen. Sen ratkaiseminen kesti vuosisatoja. Totta, muinaiset kreikkalaiset keksivät kirjainmerkinnän. He nimesivät musiikillisten tilojen vaiheet tietyillä aakkosten kirjaimilla. Mutta rytmisiä merkkejä (viivoja) ei aina lisätty. Vasta 1800-luvun puolivälissä jKr tiedemiehet lopulta selvittivät tämän merkinnän salaisuudet. Kuitenkin, jos he pystyivät tulkitsemaan tarkasti antiikin kreikkalaisten musiikkikäsikirjoitusten äänten korkeussuhteen, niin kestosuhde on vain likimääräinen. Lisäksi tällaisia ​​käsikirjoituksia on löydetty hyvin vähän, ja ne sisältävät tallenteita vain muutamasta monofonisesta teoksesta (esimerkiksi hymneistä) ja useammin niiden katkelmista. riittävä näkyvyys. Siksi muusikot ovat pitkään käyttäneet apuvinkkikuvakkeita. Nämä ikonit sijoitettiin laulujen sanojen yläpuolelle ja merkitsivät joko yksittäisiä ääniä tai niiden pieniä ryhmiä. Ne eivät osoittaneet äänten tarkkaa suhdetta korkeuden tai keston suhteen. Mutta tyylillään ne muistuttivat esiintyjiä melodian liikesuunnasta, jotka tiesivät sen ulkoa ja välittivät sen sukupolvelta toiselle. Länsi- ja Keski-Euroopan maissa, joiden musiikkia käsitellään myöhemmin tässä oppikirjassa, tällaisia ​​ikoneja kutsuttiin neumeiksi. Neumeja käytettiin muinaisten katolisten liturgisten hymnien - gregoriaanisen laulun - tallentamiseen. Tämä yleinen nimi on johdettu paavi Gregorius I3:n nimestä. Legendan mukaan hän kokosi 600-luvun lopulla pääkokoelman näistä yksiäänisistä lauluista. Ne on tarkoitettu vain miesten ja poikien suoritettaviksi jumalanpalveluksen aikana - yksin ja kuoron yhteissoitossa, ne on kirjoitettu latinalaisilla rukousteksteillä. Mutta 1000-luvulla italialainen munkki Guido d'Arezzo ("Arezzosta") keksi uuden tavan kirjoittaa nuotinkirjoitusta. Hän opetti luostarissa kuoropoikia ja halusi helpottaa heidän oppia ulkoa hengellisiä lauluja. neumeja alettiin sijoittaa vaakasuoralle viivalle, sen ylä- ja alapuolelle. Tämä viiva vastasi yhtä tiettyä ääntä ja siten määritti tallenteen likimääräisen korkeustason. Ja Guido sai idean piirtää neljä rinnakkaista viivaa kerralla ("hallitsijat") samalla etäisyydellä toisistaan ​​ja asettaen neumeja niiden päälle ja väliin. Näin esi-isän nykyaikainen musikaali - kuin tiukasti vuorattu kangas, jonka avulla oli mahdollista ilmaista tarkasti äänten korkeussuhde sävyillä ja puolisävelet.Ja samalla nuottikirjoitus muuttui visuaalisemmaksi - kuin kuva, joka kuvaa melodian liikettä, sen taivutuksia. Hallituksia vastaavat äänet Guido nimesi latinalaisten aakkosten kirjaimet Niiden tyylit alkoivat muuttua myöhemmin ja lopulta ne muuttuivat kylteiksi, joita he kutsuivat avaimiksi. "istuivat" viivoittajien päällä ja niiden välissä, ajan myötä ne muuttuivat erillisiksi nuotteiksi, joissa päät olivat ensin neliön muotoisia. Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Milloin tiedemiesten mukaan vanhimmat soittimet valmistettiin? Mitä se sanoo? 2. Mikä on fonografi, milloin se keksittiin ja miten tutkijat aloittivat sen käytön? 3. Minkä muinaisen maailman maiden musiikista on säilynyt eniten tietoa? Määritä kartalta - minkä meren ympärillä kolme tällaista maata sijaitsi. 4. Milloin ja missä muinaisia ​​musiikkikilpailuja - Pythian Games - alettiin järjestää? 5. Mihin taiteisiin musiikki liitettiin läheisesti muinaisessa Kreikassa? 6. Minkä merkinnän muinaiset kreikkalaiset keksivät? Millä tavalla se on epätarkka? Arvonimi "Rooman paavi" on pappi, joka johtaa katolista kirkkoa kansainvälisenä hengellisenä organisaationa. Katolisuus on yksi kristillisistä uskontunnustuksista ortodoksisuuden ja protestantismin ohella. 4 Muinaiset roomalaiset puhuivat latinaa. Rooman valtakunnan kaatumisen jälkeen vuonna 476 latinaa lakkasi puhumasta vähitellen. Siitä tulivat niin sanotut romaaniset kielet - italia, ranska, espanja, portugali. 3 Kuinka kätevä merkintätapa luotiin Keskiajalla (6. vuosisataa jKr katsotaan tämän historiallisen ajanjakson alkajaksi) kirjainmerkintä oli melkein unohdettu. 3 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Huhut uudesta merkintämenetelmästä - aivan kuin jostain ihmeestä - saavuttivat paavi Johannes XIX. Hän kutsui Guidon luokseen ja lauloi hänelle tuntemattoman melodian keksityn äänitteen mukaan. Tulevaisuudessa rinnakkaisten hallitsijoiden määrää muutettiin monta kertaa, se tapahtui - jopa nousi kahdeksaantoista. Vasta 1600-luvun loppuun mennessä nykyinen viisilinjainen henkilökunta "voitti". Myös monia erilaisia ​​avaimia käytettiin. Vasta 1800-luvulla diskantti- ja bassoavaimet yleistyivät. Guido d'Arezzon keksimisen jälkeen toinen vaikea tehtävä ratkaistiin pitkään - kuinka parantaa notaatiota niin, että se ilmaisee äänten tarkan suhteen korkeuden lisäksi myös keston aikana. Tähän lisättiin monia tavanomaisia ​​sääntöjä aluksi, mikä vaikeutti soveltamista käytännössä. Ja useiden vuosisatojen kuluessa kehitettiin vähitellen kätevämpi merkintätapa - juuri se, jota käytämme edelleen. 1600-luvun alun jälkeen sitä parannettiin vasta Ja sen niin kauan etsitty rytminen periaate näyttää nyt olevan kaikkein yksinkertaisin asia.Se koostuu siitä, että kokonaisen sävelen kesto on aina yhtä kuin kaksi puolikasta - tyyliltään erilainen, yksi puolikas - kaksi neljännekset, neljäsosa - kaksi kahdeksasosaa ja niin edelleen, että tahvit alkoivat erottaa tahvoja 1500-luvulla ja nuotinnusluvun alussa oleva koko ilmoitettiin ehdottomasti on 1700-luvulta. Tuolloin ei kuitenkaan ollut vain musiikkikäsikirjoituksia, vaan myös painettuja nuotteja. Musiikin painaminen alkoi pian painatuksen keksimisen jälkeen - 1400-luvun loppupuolella. Muinaisessa maailmassa ja pitkään keskiajalla musiikki oli pääsääntöisesti monofonista. Oli vain muutamia pieniä poikkeuksia. Esimerkiksi laulaja esitti kappaleen ja äänitti sen (eli soitti sitä samanaikaisesti) soittaessaan soitinta. Samalla ääni ja instrumentti saattoivat joskus hieman hajaantua, poiketa toisistaan ​​ja pian taas lähentyä. Siten monofonisessa äänivirrassa kaksiäänisiä "saarekkeita" nousi ja katosi. Mutta aikakautemme ensimmäisen ja toisen vuosituhannen vaihteessa polyfoninen varasto alkoi kehittyä johdonmukaisesti ja siitä tuli myöhemmin hallitseva ammattimusiikkitaide. Tämä monimutkainen ja pitkä kokoonpano keskittyi pääasiassa katoliseen kirkkomusiikkiin. Tapaus alkoi seuraavan tekniikan keksinnöstä (kenen – tuntematon). Yksi laulaja (tai useita laulajia) esitti päääänen - hitaan pehmeän melodian gregoriaanisesta laulusta. Ja toinen ääni liikkui tiukasti rinnakkain - täsmälleen samassa rytmissä, vain koko ajan oktaavin, kvartin tai kvintin etäisyydellä. Nyt meidän korvillemme se kuulostaa erittäin köyhältä, "tyhjältä". Mutta tuhat vuotta sitten tällainen laulaminen, joka kaikui kirkon, katedraalin kaarien alla, hämmästyneenä ja ilahdutti, avasi musiikille uusia ilmaisumahdollisuuksia. Jonkin ajan kuluttua kirkkomuusikot alkoivat etsiä joustavampia ja monipuolisempia menetelmiä toisen äänen johtamiseen. Ja sitten he alkoivat yhä taidokkaammin yhdistää kolmea, neljää ääntä, myöhemmin joskus jopa enemmän ääniä. Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Mikä kirjainten merkitsemisessä oli hankalaa? 2. Mitä neumet ehdottivat keskiaikaisille kuoromuusikoille? 3. Mikä on gregoriaaninen laulu ja miksi sitä kutsutaan sellaiseksi? 4. Selitä Guido d'Arezzon keksinnön ydin 5. Mikä oli seuraava tehtävä ratkaistavaksi Guidon keksinnöstä 6. Mistä lähtien nuotinnus ei ole enää merkittävästi muuttunut Kirkkomuusikko Perotyn Hän oli laulun erinomainen edustaja taide - pariisilainen "Notre Damen koulu" ("Neitsyt Marian koulu"). Perotinin laulut soivat upeassa rakennuksessa. Tämä on kuuluisa keskiaikaisen goottilaisen arkkitehtuurin muistomerkki, jonka kuvaili 1800-luvun ranskalainen kirjailija Victor Hugo kuuluisassa Romaanissa "Notre Damen katedraali". Kuinka polyfonia alkoi kehittyä musiikissa Niin moniäänisyys alkoi kehittyä. Kreikan kielestä käännettynä tämä sana tarkoittaa "polyfoniaa". Mutta polyfoniaa kutsutaan vain tämän tyyppiseksi polyfonioksi, jossa kaksi tai useampi yhtäläinen ääni soi samanaikaisesti, lisäksi jokaisella on oma itsenäinen melodialinjansa. jos yksi ääni johtaa päämelodiaa, kun taas toiset ovat sen alaisia ​​(säestävät sitä, säestävät sitä), niin tämä on homofonia - toinen. Nuotinkirjoituksen parantumisen ansiosta musiikilliset käsikirjoitukset alkoivat vähitellen, varsinkin 1200-luvulta lähtien, lisääntyä ja tulkitaan tarkemmin. Tämä antoi mahdollisuuden tutustua paitsi musiikkikulttuuriin liittyvään tietoon, myös menneiden aikakausien musiikkiin. Ei ollut sattumaa, että nuotinkirjoituksen menestys osui samaan aikaan polyfonian kehityksen alkamisen kanssa - tärkeän vaiheen musiikkitaiteen historiassa. 4 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Messuista on tullut merkittävä musiikin genre. Tavallinen messu 5 sisältää kuusi päälaulua latinalaisille hartausteksteille. Nämä ovat "Kiriyo Eleison" ("Herra, armahda"), "Gloria" ("Kunnia"), "Credo" ("Uskon"), "Sanctus" ("Pyhä"), "Benedictus" ("Siunattu" ) ja " Agnus Dei" ("Jumalan Karitsa"). Aluksi gregoriaaninen laulu soi yhdellä äänellä massoissa. Mutta noin 1400-luvulla massa oli muuttunut monimutkaisten moniäänisten osien sykliksi 6. Samaan aikaan jäljitelmiä alettiin käyttää erittäin taitavasti. Käännetty latinasta "imitatio" tarkoittaa "jäljitelmää". Musiikissa voidaan toisinaan jäljitellä musiikin ulkopuolisia ääniä, esimerkiksi satakielen trillejä, käkihuutoa, meren aaltojen ääntä. Sitten sitä kutsutaan onomatopoeiaksi tai onomatopoeiaksi. Ja matkiminen musiikissa on sellainen tekniikka, kun yhteen ääneen päättyvän melodian jälkeen toinen ääni toistaa sen täsmälleen (tai ei aivan tarkasti) toisesta soundista. Muut äänet voivat sitten tulla sisään samalla tavalla. Homofonisessa musiikissa jäljitelmiä voi esiintyä hetkellisesti. Ja polyfonisessa musiikissa tämä on yksi tärkeimmistä kehitysmenetelmistä. Se auttaa tekemään melodisesta liikkeestä lähes jatkuvan: taukoja ja kadenssia esiintyy samanaikaisesti kaikissa äänissä polyfonisessa musiikissa vain harvinaisina poikkeuksina7. Yhdistämällä jäljitelmän muihin polyfonisiin laitteisiin säveltäjät tekivät massoistaan ​​suuria kuoroteoksia, joissa neljä tai viisi ääntä kietoutuvat monimutkaiseksi äänikankaaksi. Siinä gregoriaanisen laulun melodia on jo vaikea erottaa ja yhtä vaikea kuulla rukoussanat. Oli jopa messuja, joissa pääasiallisina käytettiin suosittujen maallisten laulujen melodioita. Tämä tilanne huolestutti korkeimmat katoliset hengelliset auktoriteetit. 1500-luvun puolivälissä se aikoi yleisesti kieltää moniäänisen laulamisen jumalanpalveluksissa. Mutta tällaista kieltoa ei tapahtunut upean italialaisen säveltäjän Palestrinan ansiosta, joka vietti melkein koko elämänsä Roomassa ja oli lähellä paavin hovia (hänen koko nimensä on Giovanni Pierluigi da Palestrina, eli "Palestrinasta" - a. pieni kaupunki lähellä Roomaa). Palestrina massoineen (ja hän kirjoitti niitä yli sata) onnistui ilmentämään polyfoniaa. Koska säestöllä on sointuharmoninen pohja, musiikillisen esityksen homofonista varastoa kutsutaan myös homofonis-harmoniseksi. Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Mistä lähtien musiikilliset käsikirjoitukset on tulkittu entistä tarkemmin? 2. Minkä tärkeän uuden vaiheen kanssa musiikkitaiteen historiassa nuotinkirjoituksen menestys osui yhteen? 3. Milloin, missä musiikissa ja minkä melodioiden perusteella polyfonia vähitellen muodostui? 4. Mikä oli rinnakkainen kaksiääninen? Laula yhdessä useita rinnakkaisia ​​neljänneksiä, kvinttejä ja oktaaveja. 5. Mitä eroa on polyfonialla ja homofonialla? Kuinka moniäänisyys kehittyi Kun moniäänisyys alkoi kehittyä kirkkolaulussa, monofonia hallitsi edelleen maallista musiikkia. Esimerkiksi monet yksiäänisten laulujen tallenteet, jotka ovat säveltäneet ja esittäneet keskiaikaiset runoilijat-laulajat 1100-1300-luvuilla, on purettu. Etelä-Ranskassa Provencessa heitä kutsuttiin trubaduureiksi, Pohjois-Ranskassa trouveriksi, Saksassa minnesingereiksi. Monet heistä olivat kuuluisia ritareita ja lauloivat lauluissaan usein palvoman "kauniin naisen" kauneutta ja hyvettä. Näiden runoilijoiden-laulajien laulujen melodiat olivat usein lähellä kansansävelmiä, mukaan lukien tanssimusiikkia, ja rytmi oli alisteinen runotekstin rytmille. Myöhemmin, XIV-XVI vuosisadalla, saksalaiset runoilijat-laulajat käsityöläisten joukosta yhdistyivät työpajoiksi kutsuen itseään Meistersingereiksi ("mestarilaulajiksi"). Kirkkopolyfonia ja maallinen laulumonofonia eivät osoittautuneet eristyneiksi toisistaan. gregoriaaniseen lauluun hengellisissä lauluissa lisätyt äänet havaittiin maallisten laulujen (esimerkiksi trubaduurien ja trouveurien laulujen) vaikutus. Samaan aikaan, 1200-luvun lopulla, Ranskassa ilmestyi puhtaasti maallisia moniäänisiä teoksia. , jossa kaikkien äänten osat perustuivat laulumelodioihin, ja tekstit ei ole sävelletty latinaksi, vaan ranskaksi. Ajan myötä katolisessa kirkkomusiikissa on edelleen erityisiä messuja, jotka on ajoitettu kirkon juhlapäiviin. Muista, että sykli on teos useista erillisistä osista (tai kappaleista), joita yhdistää yhteinen idea. ) on melodinen ja harmoninen käänne, joka täydentää koko musiikkiteoksen tai sen osan 5 6 5 www.classON.ru venäläisen taiteen koulutusta todistaakseen, että moniääniset sävellykset, vaikka ne ovat erittäin taitavia, voivat kuulostaa läpinäkyvästi ja liturgiset tekstit ovat selvästi kuultavissa. Palestrinan musiikki on yksi niin sanotun tiukan tyylin muinaisen kuoropolyfonian huipuista. Se vie meidät valaistuneen ylevän mietiskelyn maailmaan - ikään kuin se säteilee tasaista, rauhoittavaa säteilyä. runoilijat, muusikot, tiedemiehet ja taiteen ystävät. Heitä vei ajatus luoda uudenlainen ilmeikäs soololaulu säestyksellä ja yhdistää se teatteritoimintaan. Näin syntyivät ensimmäiset oopperat, joiden juonit olivat peräisin antiikin mytologiasta. Aivan ensimmäinen on "Daphne", jonka ovat säveltäneet säveltäjä Jacopo Peri (yhdessä Y. Korean kanssa) ja runoilija O. Rinuccini. Se esitettiin vuonna 1597 Firenzessä (teosta ei ole kokonaisuudessaan säilynyt). Muinaisessa kreikkalaisessa mytologiassa Daphne on jokijumala Ladonin ja maanjumalatar Gaian tytär. Pakeneessaan Apollon vainoa hän rukoili apua jumalilta ja muuttui laakeriksi (kreikaksi "daphne" - "laakeri") - Apollon pyhäksi puuksi. Koska Apolloa pidettiin taiteen suojelusjumalana, Pythian Gamesin voittajat alettiin kruunata laakeriseppeleellä, jonka perustajaa pidettiin Apollona. Laakeriseppeleestä ja erillisestä laakeriseppeleestä on tullut voiton, kunnian ja palkinnon symboleja. Kaksi muuta vuonna 1600 sävellettyä oopperaa (toinen J. Peri ja toinen G. Caccini) ovat molemmat nimeltään "Eurydice", koska ne molemmat käyttävät samaa runotekstiä, joka perustuu legendaarisen laulaja Orpheuksen antiikin kreikkalaiseen myytiin. Ensimmäiset italialaiset oopperat esitettiin palatseissa ja aatelisten ihmisten taloissa. Orkesteri koostui muutamista muinaisista soittimista. Sitä johti muusikko, joka soitti cembaloa (cembalon italialainen nimi). Alkusoittoa ei vielä ollut, ja esityksen alkua ennustivat trumpetin fanfaarit. Ja lauluosissa vallitsi resitatiivi, jossa musiikillinen kehitys oli runotekstin alisteista. Pian musiikki alkoi kuitenkin saada yhä itsenäisempää ja tärkeämpää merkitystä oopperoissa. Tämä on ensimmäisen erinomaisen oopperasäveltäjän - Claudio Monteverdin - ansio. Hänen ensimmäinen oopperansa - "Orpheus" - esitettiin vuonna 1607 Mantovassa. Hänen sankarinsa on jälleen sama legendaarinen laulaja, joka rauhoitti taiteillaan Hadesta, kuolleiden alamaailman jumalaa, ja hän vapautti Orfeuksen rakkaan vaimon Eurydiken maan päälle. Mutta Hadeksen ehto - ennen lähtöä valtakunnastaan, älä koskaan katso Eurydikeen - Orpheus rikkoi ja menetti hänet ikuisesti. Monteverdin musiikki antoi tälle surulliselle tarinalle ennennäkemättömän lyyrisen ja dramaattisen ilmeen. Lauluosat, kuorot, orkesterijaksot muuttuivat luonteeltaan paljon monimuotoisemmiksi Monteverdin Orpheuksessa. Tässä teoksessa alkoi muotoutua melodinen nouseva tyyli - italialaisen oopperamusiikin tärkein erottuva laatu. Firenzen esimerkin mukaisesti oopperoita alettiin säveltää ja esittää Mantovan lisäksi myös sellaisissa Italian kaupungeissa kuin Roomassa, Venetsiassa ja Napolissa. Kiinnostus uutta genreä kohtaan alkoi nousta muissa Euroopan maissa ja niiden Kysymykset ja tehtävät 1 . Keitä ovat trubaduurit, trouverit, minnesingerit ja mestarilaulajat? 2. Onko muinaisen kirkon polyfonian ja maallisten laulumelodioiden välillä yhteyttä? 3. Nimeä tavallisen massan pääosat. 4. Anna esimerkkejä musiikin onomatopoeiasta. 5. Mitä kutsutaan jäljennökseksi musiikissa? 6. Mitä Palestrina onnistui saavuttamaan massoissaan? Oopperan synty. Oratorio ja kantaatti Juuri ennen 1600-luvun alkua - nykyaikana kutsutun historiallisen ajanjakson ensimmäistä vuosisataa - tapahtui musiikkitaiteessa äärimmäisen tärkeä tapahtuma: ooppera syntyi Italiassa. Musiikkia on käytetty erilaisissa teatteriesityksissä muinaisista ajoista lähtien. Niissä voitiin instrumentaali- ja kuoronumeroiden ohella esittää yksittäisiä laulusooloja, kuten kappaleita. Ja oopperassa laulajista ja laulajista tuli näyttelijöitä ja näyttelijöitä. Heidän laulunsa orkesterin säestyksellä yhdessä näyttämötoiminnan kanssa alkoi välittää esityksen pääsisältöä. Sitä täydentävät maisemat, puvut ja usein myös tanssit - baletti. Niinpä musiikki johti oopperassa eri taiteiden läheistä yhteisöä. Tämä avasi hänelle mahtavia uusia taiteellisia mahdollisuuksia. Oopperalaulajat alkoivat välittää ennennäkemättömällä voimalla ihmisten henkilökohtaisia ​​tunnekokemuksia - sekä iloisia että surullisia. Samaan aikaan oopperan tärkein ilmaisukeino oli soololauluäänen homofoninen yhdistelmä orkesterisäestyksen kanssa. Ja jos 1600-luvulle asti ammattimainen musiikki Länsi-Euroopassa kehittyi pääasiassa kirkossa ja messu oli suurin genre, musiikkiteatterista tuli pääkeskus ja suurin genre oli ooppera. 1500-luvun lopulla Italiassa Firenzen kaupungissa kokoontui ympyrä 6 www.classON.ru Lasten koulutus taiteen alalla Venäjällä hallitsijat pitivät tapana kutsua italialaisia ​​muusikoita hovipalvelukseensa. Tämä vaikutti siihen, että italialaisesta musiikista tuli pitkään Euroopan vaikutusvaltaisin. Ranskassa 1600-luvulla syntyi oma kansallisoopperansa, erilainen kuin italialainen. Sen perustaja - Jean-Baptiste L yul l ja - italia syntyessään. Siitä huolimatta hän tunsi oikein ranskalaisen kulttuurin erityispiirteet ja loi eräänlaisen ranskalaisen oopperatyylin. Lullyn oopperoissa suuren osan saivat toisaalta resitatiivit ja pienet resitatiiviset aariat, toisaalta balettitanssit, juhlalliset marssit ja monumentaalikuorot. Yhdessä mytologisten juonien, upeiden pukujen, maagisten ihmeiden kuvaamisen kanssa teatterikoneiden avulla, kaikki tämä vastasi hovielämän loistoa ja loistoa Ranskan kuninkaan Ludvig XIV:n hallituskaudella. Saksan ensimmäisen oopperan Daphne (1627) loi Bachia edeltäneen ajan suurin saksalainen säveltäjä Heinrich Schüttz. Mutta hänen musiikkinsa ei ole säilynyt. Eikä oopperan genren kehittymiselle maassa ollut edellytyksiä: ne todella muotoutuivat vasta 1800-luvun alkaessa. Ja Schutzin työssä pääpaikan valloittivat ilmeikkäät laulu-instrumentaaliset sävellykset henkisistä teksteistä. Vuonna 1689 esitettiin Lontoossa ensimmäinen englantilainen ooppera Dido ja Aeneas, jonka säveltäjä on taitava Henry Purcell. Tämän oopperan musiikki valloittaa sydämellisillä sanoilla, runollisella fantasialla ja värikkäillä arkikuvilla. Purcellin kuoleman jälkeen, lähes kahteen vuosisataan, englantilaisten säveltäjien joukossa ei kuitenkaan ollut merkittäviä musiikillisia tekijöitä. 1500-1600-luvun vaihteessa, samanaikaisesti oopperan kanssa ja myös Italiassa, syntyivät o r a t o r y ja cant ata. Se muistuttaa oopperaa siinä, että myös solistit, kuoro ja orkesteri osallistuvat esitykseensä ja että he myös soittavat aarioita, resitatiivija, lauluyhtyeitä, kuoroja, orkesterijaksoja. Mutta oopperassa opimme tapahtumien (juonen) kehityksestä paitsi siitä, mitä solistit laulavat, myös siitä, mitä he tekevät ja mitä yleensä lavalla tapahtuu. Ja oratoriossa ja kantaatissa ei ole näyttämötoimintaa. Ne esitetään konserttiympäristössä ilman pukuja ja maisemia. Mutta oratoriolla ja kantaatilla on myös ero, vaikkakaan ei aina yksiselitteisesti. Yleensä oratorio on isompi teos, jolla on kehittyneempi uskonnollinen juoni. Sillä on usein eeppinen ja dramaattinen luonne. Tältä osin laulaja-kertojan kertova resitatiivinen osa sisältyy usein oratorioon. Hengellisten oratorioiden erityinen tyyppi on "passion" tai "passiivinen" (käännetty latinasta - "kärsimys"). "Passion" kertoo ristillä ristiinnaulitun Jeesuksen Kristuksen kärsimyksestä ja kuolemasta. 7 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Kantaatit jaetaan sanallisen tekstin sisällöstä riippuen henkiseen ja maalliseen. 1600-luvulla ja 1700-luvun alussa Italiassa syntyi monia pieniä kamarikantaatteja. Ne koostuivat kahden tai kolmen resitatiivin vuorottelusta kahdella tai kolmella aarialla. Tulevaisuudessa pääosin juhlalliset kantaatit yleistyivät. Hengelliset kantaatit ja eri rakennusten "intohimot" kehittyivät eniten Saksassa. aarioita, ja on kiehtovaa käyttää virtuoosista passage-liikettä. Corellin ja Vivaldin perinnössä suuri paikka kuuluu triosonaattigenreen. Useimmissa triosonaateissa kaksi pääosaa soitetaan viuluilla ja kolmannessa osassa on cembalo tai urku, jossa bassoääni kaksinkertaistaa sellon tai fagottin. Triosonaatin jälkeen ilmestyi sonaatti viululle tai muulle soittimelle cembalon säestyksellä. sekä concerto grosso - konsertto orkesterille (ensimmäinen - jouset). Monille näiden genren teoksille on ominaista vanhan sonaatin muoto. Se on yleensä neliosainen sykli hidas-nopea-hidas-nopea temposuhteella. Hieman myöhemmin, jo 1700-luvulla, Vivaldi alkoi säveltää soolokonserttoja viululle ja joillekin muille soittimille orkesterisäestyksellä. Siinä oli kolme osaa: "nopea-hidas-nopea". Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Missä ja milloin ooppera syntyi? Selitä, miten ooppera eroaa musiikillisesta teatteriesityksestä. 2. Mikä on oopperamusiikin tärkein ilmaisuväline? 3. Mikä on Claudio Monteverdin ensimmäisen oopperan nimi ja mitä ominaisuuksia sen musiikissa ilmenee? 4. Kerro meille vanhojen ranskalaisten oopperoiden piirteistä. 5. Nimeä ensimmäinen Saksassa kirjoitettu ooppera ja ensimmäinen Englannissa kirjoitettu ooppera. 6. Mikä on tärkein ero oopperan oratorion ja kantaatin välillä? 7. Mitä ovat "intohimot" ("passiiviset")? Jo muinaisessa Egyptissä urut aloittivat vuosisatoja vanhan historiansa. 1600-luvulle mennessä siitä oli tullut erittäin monimutkainen instrumentti, jolla oli laajat taiteelliset mahdollisuudet. Pieniä elimiä löytyi silloin jopa yksityiskodeista. Niitä käytettiin harjoituksissa, he soittivat muunnelmia kansanlaulujen ja tanssien melodioista. Ja suuret urut kimaltelevilla piippuriveillä, veistetyillä puurungoilla soivat, kuten nytkin, kirkoissa ja katedraaleissa. Nykyään monissa konserttisaleissa on myös urkuja. Nykyaikaisissa urkuissa on useita tuhansia piippuja ja jopa seitsemän näppäimistöä (manuaalia), jotka sijaitsevat päällekkäin - kuten portaat. Putkia on niin paljon, koska ne on jaettu ryhmiin - rekistereihin. Rekisterit kytketään päälle ja kytketään erityisillä vipuilla, jotta saadaan erilainen äänen väri (sävy). Urut on varustettu myös polkimella. Tämä on kokojalkainen näppäimistö, jossa on monia suuria näppäimiä. Jaloillaan painamalla urkuri voi poimia ja myös ylläpitää bassoääniä pitkään (tällaisia ​​jatkuvia ääniä kutsutaan myös pedaaliksi tai urkupisteeksi). Soittimien rikkaudessa, jos mahdollista, verrata kevyintä pianissimoa jylisevään fortissimoon, urkuilla ei ole vertaa soittimien joukossa. 1600-luvulla urkutaide saavutti erityisen korkean kukinnan Saksassa. Kuten muissakin maissa, saksalaiset kirkon urkurit olivat sekä säveltäjiä että esiintyjiä. He eivät vain seuranneet henkisiä lauluja, vaan myös soittaneet. Heidän joukossaan oli monia lahjakkaita virtuooseja ja improvisaattoreita, jotka houkuttelivat soittollaan kokonaisia ​​ihmisiä. Yksi merkittävimmistä heistä on Dietrich Buxtehude. Nuori Johann Sebastian Bach tuli jalkaisin toisesta kaupungista kuuntelemaan hänen soittoaan. Buxtehuden monipuolinen ja laaja työ edustaa aikansa urkumusiikin päätyyppejä. Yhtäältä nämä ovat 1600-luvun alkusoittoja, fantasioita ja instrumentaalimusiikkia, sen genrejä ja muotoja.Soittimet ovat pitkään useimmiten kaksinkertaistaneet ääniosuudet lauluteoksissa tai säestetyissä tansseissa. Myös laulusävellysten instrumentaalisovituksia jaettiin. Instrumentaalimusiikin itsenäinen kehitys voimistui vasta 1600-luvulla. Samaan aikaan laulupolyfoniassa kehittyneet taiteelliset tekniikat kehittyivät siinä edelleen. Niitä täydennettiin homofonisen varaston elementeillä, jotka perustuvat lauluun ja tanssiin. Samaan aikaan oopperamusiikin ilmeikkäät saavutukset alkoivat vaikuttaa instrumentaalisävellyksiin. Viululla on loistavien virtuoosikykyjen ohella erittäin melodinen ääni. Ja juuri oopperan syntymäpaikalla Italiassa viulumusiikki alkoi kehittyä erityisen menestyksekkäästi. 1600-luvun lopulla Arcangelo Corellin työ kukoisti ja Antonio Vivaldin luova toiminta alkoi. Nämä erinomaiset italialaiset säveltäjät loivat monia instrumentaaliteoksia viulun mukana ja pääroolissa. Niissä viulu voi laulaa yhtä ilmeikkäästi kuin ihmisääni oopperassa. Niissä polyfoniset jaksot vuorottelevat vapaasti improvisatiivisten kohtien ja sointujen kanssa. Toisaalta nämä ovat tiukemmin rakennettuja kappaleita, jotka johtivat fuugan, jäljittelevän polyfonian monimutkaisimman muodon, syntymiseen. Buxtehude teki myös useita protestanttisen koraalin urkumuunnelmia koraalipreludien muodossa. Toisin kuin gregoriaaninen laulu, tämä on hengellisten laulujen yleisnimi ei latinaksi, vaan saksaksi. Ne ilmestyivät 1500-luvulla, kun uudenlainen kristillinen oppi, protestantismi, erottui katolilaisuudesta. Protestanttisen laulun melodinen perusta oli saksalaiset kansanlaulut. 1600-luvulla protestanttista laulua alettiin esittää kuorossa kaikkien seurakuntalaisten toimesta urkujen tuella. Tällaisille kuorojärjestelyille on tyypillistä neliääninen sointuvarasto, jossa on melodia ylääänessä. Myöhemmin tällaista varastoa kutsuttiin kuoroksi, vaikka se esiintyisi instrumentaaliteoksessa. Urkurit soittivat myös kielisoittimia ja sävelsivät niille. Näiden soittimien teosten yleinen nimi on clavier music8. Ensimmäiset tiedot kielisoittimista ovat peräisin 1300-1400-luvuilta. 1600-luvulle mennessä cembalosta oli tullut yleisin niistä. Joten sitä kutsutaan Ranskassa, Italiassa sitä kutsutaan cembaloksi, Saksassa - kielflugel, Englannissa - cembaloksi. Ranskan pienempien soittimien nimi on epinet, Italiassa - Englannin spinetit - neitsyt. Cembalo on 1700-luvun puolivälistä lähtien käyttöön otetun pianon esi-isä. Kun painat cembalon näppäimiä, tankoihin kiinnitetyt höyhenet tai nahkakielet näyttävät puristavan kielet. Siitä tulee nykiviä, sointuisia ja samalla hieman kahisevia ääniä. Cembalossa äänen voimakkuus ei riipu koskettimien iskun voimakkuudesta. Siksi siihen on mahdotonta tehdä crescendoja ja diminuendoja - toisin kuin pianolla, jolla tämä on mahdollista joustavuuden ansiosta joustimpiin koskettimiin lyövien vasaran kanssa. Cembalossa voi olla kaksi tai kolme kosketinta ja laite, jonka avulla voit muuttaa äänen väriä. Toisen pienen kosketinsoittimen - klavikordin - ääni on heikompi kuin cembalon ääni. Mutta toisaalta, melodisempi soitto on mahdollista klavikordilla, koska sen jousia ei kynitä, vaan niihin painetaan metallilevyjä. Yksi varhaisen cembalomusiikin päägenreistä on useiden osien sarja, joka on muotoiltu ja kirjoitettu yhteen säveleen. Jokaisessa osassa käytetään yleensä jonkinlaisen tanssin liikettä. Vanhan sarjan pohjana on neljä erilaista, ei aina tarkasti selvitettyä kansallista alkuperää olevaa tanssia. Nämä ovat rauhallinen allemande (mahdollisesti Saksasta), ketterämmät kellot (Ranskasta), hidas sarabande (Espanjasta) ja nopea gigue (Irlannista tai Englannista). 1600-luvun lopulta lähtien sviittejä alettiin täydentää pariisilaisten cembalistien esimerkin mukaisesti sellaisilla ranskalaisilla tansseilla kuin menuetti, gavotte, bourre ja passepied. Ne asetettiin päätanssien väliin muodostaen väliosioita ("integ" latinaksi tarkoittaa "välissä"). Muinaiselle ranskalaiselle cembalomusiikille on ominaista eleganssi, ylellisyys ja runsaasti pieniä melodisia koristeita, kuten mordents ja trills. Ranskalainen cembalatyyli kukoisti François Couperinin (1668 - 1733), lempinimeltään Suuri, teoksessa. Hän loi noin kaksi ja puolisataa näytelmää ja yhdisti ne 27 sarjaksi. Niitä alkoivat vähitellen hallita näytelmät erilaisilla ohjelmanimillä. Useimmiten nämä ovat kuin miniatyyri cembalomuotokuvia naisista - hyvin kohdistettuja ääniluonnoksia jostain luonteenpiirteestä, ulkonäöstä, käytöksestä. Tällaisia ​​ovat esimerkiksi näytelmät "Synkkä", "Koskettava", "Ketterä", "Hajallaan", "Hurja". Hänen suuri nykyaikainen Johann Sebastian Bach osoitti suurta kiinnostusta ranskalaista cembalomusiikkia kohtaan, mukaan lukien Francois Couperinin näytelmät. Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Milloin instrumentaalityylien itsenäinen kehitys voimistui? 2. Mikä on Arcangelo Corellin ja Antonio Vivaldin suosikkisoitin? 3. Kerro meille elimen rakenteesta. 4. Missä maassa urkutaide kukoisti erityisesti? Mikä on protestanttinen laulu? 5. Kerro meille cembalon laitteesta. Mitä tanssiliikkeitä käytetään vanhan cembalosarjan pääosissa? Joten oppikirjan johdanto-osa esitteli lyhyesti joitain tärkeitä tapahtumia musiikin maailmassa muinaisista ajoista lähtien. Se oli historiallinen "retki", jonka tarkoituksena oli auttaa tutustumaan 1700- ja 1800-luvuilla työskennelleiden suurten länsieurooppalaisten muusikoiden perintöön. Jo jonkin aikaa klavieria kutsuttiin musiikiksi kaikille kosketinsoittimille, mukaan lukien kosketin-puhallinsoittimelle - uruille. 8 9 www.classON.ru Lasten koulutusta taiteen alalla Venäjällä Johannin elämänpolku Rod, perhe, lapsuus. Johann Sebastian Bach syntyi vuonna 1685 Thüringenissä, joka on yksi Keski-Saksan alueista, pienessä Eisenachin kaupungissa, metsien ympäröimänä. Thüringenissä kolmikymmenvuotisen sodan (1618-1648), jossa kaksi suurta eurooppalaista suurvaltaryhmää kohtasivat, vakavat seuraukset tuntuivat edelleen. Tämä tuhoisa sota tapahtui Johann Sebastianin esi-isille, jotka olivat läheisessä yhteydessä saksalaiseen käsiteollisuuteen ja talonpoikaisympäristöön. Hänen isoisoisoisänsä, nimeltään Veit, oli leipuri, mutta hän rakasti musiikkia niin paljon, ettei hän koskaan eronnut kantelesta, mandoliinin kaltaisesta instrumentista, edes tehdasmatkoilla, kun hän soitti jauhoja jauhettaessa. Ja hänen jälkeläistensä joukossa, jotka asettuivat Thüringenille ja lähialueille, oli niin paljon muusikoita, että kaikkia tätä ammattia harjoittavia kutsuttiin siellä "Bachiksi". He olivat kirkon urkurit, viulistit, huilisoittajat, trumpetistit, joista osa osoitti lahjakkuutta säveltäjänä. He olivat kaupunkikuntien palveluksessa ja niiden pikkuruhtinaskuntien ja ruhtinaskuntien hallitsijoiden tuomioistuimissa, joihin Saksa oli jaettu. Sebastian Bach 1685-1750 Hämmästyttävää on tämän suuren saksalaisen säveltäjän musiikin kohtalo, jonka syntymästä on kulunut yli kolmesataa vuotta. Hän sai elämänsä aikana tunnustusta pääasiassa urkurina ja soittimien tuntijana, ja kuolemansa jälkeen hänet lähes unohdettiin useiksi vuosikymmeniksi. Mutta sitten vähitellen he alkoivat löytää uudelleen hänen töitään ja ihailla häntä arvokkaana taiteellisena aarteena, joka on kyvyltään vertaansa vailla, ehtymätön syvyydestään ja sisällöltään inhimillisyydestään. "Ei virta! "Meri on hänen nimensä." Näin sanottiin Bachista toisesta musiikin nerosta - Beethoven9. Bach itse onnistui julkaisemaan vain hyvin pienen osan teoksistaan. Nyt niitä on julkaistu yli tuhat (monia enemmän on kadonnut). Bachin ensimmäisiä täydellisiä teoksia alettiin painaa Saksassa sata vuotta hänen kuolemansa jälkeen, ja se vei neljäkymmentäkuusi laajaa osaa. Ja on mahdotonta edes karkeasti laskea, kuinka paljon Bachin musiikkia on painettu ja kuinka monta erillistä painosta eri maissa painetaan edelleen. Sen jatkuva kysyntä on niin suuri. Sillä sillä on laaja ja kunniakas paikka ei vain maailman konserttiohjelmistossa, vaan myös koulutusohjelmassa. Johann Sebastian Bach on edelleen kirjaimellisesti kaikkien musiikin parissa työskentelevien opettaja. Hän on vakava ja tiukka opettaja, vaatii keskittymiskykyä hallitakseen polyfonisten teosten esittämisen taiteen. Mutta se, joka ei pelkää vaikeuksia ja tarkkailee vaatimuksiaan, tuntee ankaruutensa takana sydämen viisauden ja ystävällisyyden, jota hän opettaa kauniilla kuolemattomilla luomuksilla. Talo Eisenachissa, jossa JSBach syntyi 9 "Bach" tarkoittaa "virtaa" saksaksi. 10 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Johann Sebastianin isä oli viulisti, kaupunki- ja hovimuusikko Eisenachissa. Hän alkoi opettaa musiikkia nuorimmalle pojalleen ja lähetti hänet kirkkokouluun. Poika lauloi koulun kuorossa, jolla oli kaunis korkea ääni. Kun hän oli kymmenen vuotta vanha, hänen vanhempansa kuolivat. Vanhin veli, naapurikaupungin Ohrdrufin kirkon urkuri, hoiti orpoa. Hän määräsi nuoremman veljensä paikalliseen lyseumiin ja antoi hänelle itse urkutunteja. Myöhemmin Johann Sebastianista tuli myös cembalisti, viulisti ja alttoviulisti. Ja lapsuudesta lähtien hän hallitsi sävellystä yksin kirjoittamalla eri kirjoittajien sävellyksiä. Hänen täytyi kirjoittaa uudelleen yksi nuottivihko, joka kiinnosti häntä erityisesti kuutamoisina iltoina, salaa vanhemmalta veljeltään. Mutta kun pitkä kova työ oli saatu päätökseen, hän huomasi tämän, suuttui Johann Sebastianille tämän luvattomasta teosta ja otti häneltä armottomasti käsikirjoituksen. Itsenäisen elämän alku. Lüneburg. Johann Sebastian otti 15-vuotiaana ratkaisevan askeleen - hän muutti kaukaiseen Pohjois-Saksan kaupunkiin Lüneburgiin, missä hän astui luostarin kirkon kouluun stipendiaattina. Koulun kirjastossa hän pääsi tutustumaan suureen määrään saksalaisten muusikoiden sävellysten käsikirjoituksia. Lüneburgissa ja Hampurissa, joissa hän kulki maanteitä pitkin, saattoi kuunnella lahjakkaiden urkurien soittoa. On mahdollista, että Johann Sebastian vieraili Hampurin oopperatalossa - tuolloin ainoana Saksassa, joka piti esityksiä ei italiaksi, vaan saksaksi. Hän valmistui menestyksekkäästi koulusta kolme vuotta myöhemmin ja alkoi etsiä työtä läheltä kotimaataan. Weimar. Toiminut lyhyesti viulistina ja urkurina kolmessa kaupungissa, Bach vuonna 1708, jo naimisissa, asettui yhdeksän vuoden ajaksi Weimariin (Thuringia). Siellä hän oli urkurina herttuan hovissa ja sitten varakapellamestari (kappelin päällikön apulainen - ryhmä laulajia ja instrumentalisteja). Teini-ikäisenä Ohrdrufissa Bach alkoi säveltää musiikkia, erityisesti sovittaakseen protestanttisia koraaleja urkuille, suosikkiinstrumentilleen. Ja Weimarissa ilmestyi useita hänen merkittäviä kypsiä urkuteoksia, kuten Toccata ja Fuuga d-molli, Passacaglia10 c-molli, kuoropreludit. Siihen mennessä Bachista oli tullut vertaansa vailla oleva esiintyjä ja improvisoija urkuilla ja cembaloilla. Tämän vahvisti vakuuttavasti seuraava tapaus. Kerran Bach meni Dresdeniin, Saksin pääkaupunkiin, missä he päättivät järjestää kilpailun hänen ja kuuluisan ranskalaisen urkurin ja cembalistin Louis Marchandin välillä. Mutta hän, kuultuaan aiemmin kuinka Bach improvisoi cembalolla hämmästyttävällä luovalla kekseliäisyydellä, kiirehti salaa poistumaan Dresdenistä. Kilpailua ei järjestetty. Weimarin hovissa oli mahdollisuus tutustua italialaisten ja ranskalaisten säveltäjien teoksiin. Bach kohteli heidän saavutuksiaan suurella kiinnostuksella ja taiteellisesti aloitteellisella tavalla. Hän esimerkiksi teki useita ilmaisia ​​sovituksia cembalolle ja urkuille Antonio Vivaldin viulukonsertoista. Näin syntyivät musiikkitaiteen historian ensimmäiset clavier-konsertot. Kolmen vuoden ajan Weimarissa Bachin piti säveltää uusi hengellinen kantaatti joka neljäs sunnuntai. Yhteensä tällä tavalla syntyi yli kolmekymmentä teosta. Mutta kun iäkäs hovibändi, jonka tehtäviä itse asiassa suoritti Bach, kuoli, vapautunut paikka ei annettu hänelle, vaan vainajan epäpätevälle pojalle. Raivostuneena tällaisesta epäoikeudenmukaisuudesta Bach jätti eronsa. Hänet asetettiin kotiarestiin "epäkunnioittavasta vaatimuksesta". Mutta hän osoitti rohkeaa, ylpeästi sinnikkyyttä vaatien itseään. Ja kuukautta myöhemmin herttua joutui vastahakoisesti antamaan "armottoman käskyn" vapauttaa vastahakoinen muusikko luontoon. Köthen. Vuoden 1717 lopulla Bach perheineen muutti Kötheniin. Hovin bändimestarin paikkaa tarjosi hänelle Köthenin prinssi Leopold Anhalt, Thüringenin naapurissa sijaitsevan pienen valtion hallitsija. Hän oli hyvä muusikko - hän lauloi, soitti cembaloa ja viola da gamba 11. Prinssi tarjosi uudelle bändimestarilleen hyvää taloudellista tukea ja kohteli häntä suurella kunnioituksella. Bachin tehtäviin, jotka veivät suhteellisen vähän hänen ajastaan, kuuluivat kahdeksantoista laulajan ja instrumentalistin kappelin johtaminen, prinssin säestäminen ja itse cembalonsoitto. Köthenissä syntyi monia Bachin teoksia eri soittimille. Klavier-musiikki on heidän keskuudessaan hyvin monipuolista. Toisaalta nämä ovat teoksia aloittelijoille - Passacaglia on espanjalaista alkuperää oleva hidas kolmisuuntainen tanssi. Sen perusteella syntyi instrumentaalikappaleita muunnelmien muodossa bassossa toistuvasti toistuvan melodian kanssa. 10 11 Viola da gamba on ikivanha soitin, joka näyttää sellolta. 11 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla pieniä alkusoittoja, kaksi- ja kolmiosaisia ​​keksintöjä. Bach kirjoitti ne opiskellakseen vanhimman poikansa Wilhelm Friedemannin kanssa. Toisaalta tämä on ensimmäinen monumentaalisen teoksen kahdesta osasta - "The Well-Tempered Clavier", joka sisältää yhteensä 48 preludia ja fuugaa sekä suuren konserttisuunnitelman sävellyksen - "Kromaattinen fantasia ja fuuga". Myös kahden clavier-sviittikokoelman luominen, jotka tunnetaan nimellä "ranskalainen" ja "englanninkielinen", kuuluu Köthenin aikakauteen. Prinssi Leopold otti Bachin mukaan matkoilleen naapurivaltioihin. Kun Johann Sebastian palasi vuonna 1720 sellaiselta matkalta, hän kärsi raskaasta surusta - hänen vaimonsa Maria Barbara oli juuri kuollut jättäen neljä lasta (kolme muuta kuoli aikaisin). Puolitoista vuotta myöhemmin Bach meni naimisiin uudelleen. Hänen toisella vaimollaan Anna Magdalenalla oli hyvä ääni ja hän oli erittäin musikaalinen. Hänen kanssaan opiskellessaan Bach kokosi kaksi klaveria "Nottikirjaa" omista teoksistaan ​​ja osittain myös muiden kirjoittajien teoksista. Anna Magdalena oli ystävällinen ja välittävä kumppani Johann Sebastianin elämässä. Hän synnytti hänelle kolmetoista lasta, joista kuusi selvisi aikuisikään. Leipzig. Vuonna 1723 Bach muutti Leipzigiin, Thüringenin naapurivaltion Saksin suureen kaupalliseen ja kulttuuriseen keskukseen. Hän säilytti hyvät suhteet prinssi Leopoldin kanssa. Mutta Köthenissä musiikillisen toiminnan mahdollisuudet olivat rajalliset - siellä ei ollut suuria urkuja eikä kuoroa. Lisäksi Bachilla oli vanhempia poikia, joille hän halusi antaa hyvän koulutuksen. Leipzigissä Bach otti kantorin - poikakuoron johtajan ja laulukoulujen opettajan paikan; Pyhän Tuomaan kirkossa (Thomaskirche). Hänen oli hyväksyttävä useita rajoittavia ehtoja, esimerkiksi "ei poistu kaupungista ilman porvariston lupaa". Kantori Bachilla oli monia muita tehtäviä. Hänen oli jaettava osiin pieni koulukuoro ja hyvin pieni orkesteri (tai pikemminkin yhtye), jotta musiikki soi niin jumalanpalveluksissa kahdessa kirkossa kuin häissä, hautajaisissa ja erilaisissa juhlissa. Eikä kaikilla kuoropojilla ollut hyviä musiikillisia kykyjä. Koulutalo oli likainen, laiminlyöty, oppilaat olivat huonosti ruokittuja ja kerjäläisiä. Bach, jota samaan aikaan pidettiin Leipzigin "musiikkijohtajana", kiinnitti kirkon viranomaisten ja kaupunginhallinnon (tuomarin) huomion tähän kaikkeen. Mutta vastineeksi hän sai vain vähän aineellista apua, mutta paljon pikkujuttuja ja moitteita. Opiskelijoiden kanssa hän ei harjoittanut vain laulua, vaan myös soittimia, lisäksi hän palkkasi heille latinan opettajan omalla kustannuksellaan. Pyhän Tuomaan kirkko ja koulu (vasemmalla) Leipzigissä. (Vanhasta kaiverruksesta). Vaikeista elämänolosuhteista huolimatta Bach oli innostunut luovuudesta. Kolmen ensimmäisen palveluvuotensa aikana hän sävelsi ja harjoitteli kuoron kanssa uuden hengellisen kantaatin lähes joka viikko. Yhteensä noin kaksisataa Bachin teosta tässä genressä on säilynyt. Ja useita kymmeniä hänen maallisia kantaattejaan tunnetaan. Ne olivat yleensä tervetulleita ja onnittelevia, osoitettu erilaisille jaloille henkilöille. Mutta niiden joukossa on sellainen poikkeus kuin Leipzigissä kirjoitettu sarjakuva "Kahvikantaatti", joka on samanlainen kuin kohtaus koomisesta oopperasta. Se kertoo, kuinka nuori, eloisa Lizhen on koukussa uuteen kahvimuotiin vastoin isänsä, vanhan marina Schlendrianin tahtoa ja varoituksia. Leipzigissä Bach loi merkittävimmät monumentaaliset laulu-instrumentaaliteoksensa - sisällöltään niitä lähellä olevat Passion Johanneksen mukaan, Passion Matteuksen mukaan12 ja messun h-molli, sekä suuren joukon erilaisia ​​instrumentaalisävellyksiä, mm. toinen osa " Well-Tempered Clavier", kokoelma Johannes ja Matteus (sekä Markus ja Luukas) ovat Jeesuksen Kristuksen opetusten seuraajia, jotka kokosivat evankeliumit - tarinoita hänen maallisesta elämästään, kärsimyksistään ("passions") ja kuolema. "Evankeliumi" tarkoittaa kreikaksi "hyviä uutisia". 12 12 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla "The Art of the Fuuga". Hän matkusti Dresdeniin, Hampuriin, Berliiniin ja muihin Saksan kaupunkeihin, soitti siellä urkuja, testasi uusia soittimia. Yli kymmenen vuoden ajan Bach johti Leipzigin "Music Collegea" - yhdistystä, joka koostuu yliopisto-opiskelijoista ja musiikin ystävistä - instrumentalisteista ja laulajista. Bachin johdolla he antoivat julkisia konsertteja maallisista teoksista. Kommunikoiessaan muusikoiden kanssa hän oli vieras ylimielisyydelle ja kertoi harvinaisuudestaan ​​seuraavasti: "Minun piti tehdä kovasti töitä, kuka tahansa on yhtä kova, saavuttaa saman." Paljon huolia, mutta myös paljon iloa toi Bachille hänen suuren perheensä. Hänen piirissään hän pystyi järjestämään kokonaisia ​​kotikonsertteja. Neljästä hänen pojistaan ​​tuli kuuluisia säveltäjiä. Nämä ovat Wilhelm Friedemann ja Carl Philipp Emanuel (Maria Barbaran lapset), Johann Christoph Friedrich ja Johann Christian (Anna Magdalenan lapset). Vuosien mittaan Bachin terveys heikkeni. Hänen näkönsä heikkeni jyrkästi. Vuoden 1750 alussa hänelle tehtiin kaksi epäonnistunutta silmäleikkausta, hän sokeutui ja kuoli 28. heinäkuuta. Johann Sebastian Bach eli kovaa ja ahkeraa elämää loistavan luovan inspiraation valaisemana. Hän ei jättänyt merkittävää omaisuutta, ja Anna Magdalena kuoli kymmenen vuotta myöhemmin hyväntekeväisyyskodissa köyhille. Ja Bachin nuorin tytär, 1800-luvulle asti elänyt Regina Susanna pelastui köyhyydestä yksityisillä lahjoituksilla, joissa Beethoven oli suurella osalla Luovuus Bachin musiikki liittyy hänen kotimaansa kulttuuriin Teoksia molemmilta saksalaisilta ja ulkomaiset säveltäjät. Hän yleisti ja rikasti työssään loistavasti eurooppalaisen musiikkitaiteen saavutuksia. Bach on kirjoittanut suurimman osan kantaateista "Johnin passion", "Matteuspassion", h-molli messun ja monet muut hengellisiä tekstejä käsittelevät teokset ei vain kirkkomuusikon velvollisuuden tai tavanomaisen tavan mukaan, vaan vilpittömän uskonnollisen tunteen lämmittämiä. He ovat täynnä myötätuntoa inhimillisiä suruja kohtaan, täynnä ihmisten ilojen ymmärtämistä. Ajan myötä he menivät paljon temppelien ulkopuolelle ja tekevät Bachin hengelliset ja maalliset sävellykset liittyvät toisiinsa todellisessa inhimillisyydessään. kokonainen musiikkikuvien maailma. Bachin vertaansa vailla oleva polyfoninen taito on rikastettu homofonis-harmonisilla keinoilla. Hänen lauluteemojaan on orgaanisesti läpäissyt instrumentaaliset kehitystekniikat, ja instrumentaaliteemat ovat usein niin emotionaalisesti kylläisiä, ikään kuin jotain tärkeää laulettaisiin ja lausuttaisiin ilman sanoja. Toccata ja fuuga d-molli urkuille13 Tämä erittäin suosittu teos alkaa hälyttävällä mutta rohkealla tahdonhuudolla. Se kuullaan kolme kertaa putoamalla oktaavista toiseen ja johtaa ukkosenääniseen sointujyriinään alemmassa rekisterissä. Siten toccatan alussa hahmottuu tumma varjostettu, suurenmoinen äänitila. 1 Adagio Kysymyksiä ja tehtäviä 1 . Mitä epätavallista Bachin musiikin kohtalossa on? 2. Kerro meille Bachin kotimaasta, hänen esivanhemmistaan ​​ja lapsuusvuosistaan. 3. Milloin ja missä Bachin itsenäinen elämä alkoi? 4. Miten Bachin toiminta Weimarissa eteni ja miten se päättyi? 5. Kerro meille Bachin elämästä Köthenissä ja hänen näiden vuosien teoksistaan. 6. Mitä instrumentteja Bach soitti ja mikä oli hänen suosikkiinstrumenttinsa? 7. Miksi Bach päätti muuttaa Leipzigiin ja mitä vaikeuksia hän kohtasi siellä? 8. Kerro Bachin toiminnasta säveltäjänä ja Bachin esiintyjänä Leipzigissä. Nimeä teokset, jotka hän teki siellä. Toccata (italiaksi "toccata" - "touch", "hit" verbistä "toccare" "touch", "touch") on virtuoosikappale kosketinsoittimille. 13 13 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Jatkossa kuullaan voimakkaita "pyörteisiä" virtuoosikohtia ja leveitä sointuja "purskeita". Ne erotetaan useita kertoja tauoilla ja pysähdyksillä pidennetyissä sointuissa. Tämä nopean ja hitaan liikkeen vastakohta tuo mieleen varovaisen hengähdystauon väkivaltaisten elementtien välisten taistelujen välillä. Ja vapaan, improvisaatiolla rakennetun toccatan jälkeen soi fuuga. Se keskittyy yhden teeman jäljittelevään kehittämiseen, jossa tahdonvoimainen periaate hillitsee alkuainevoimia ikään kuin: 2 Allegro moderato Laajentuessaan fuugasta kehittyy coda - viimeinen, viimeinen osa. Tässä taas toccatan improvisaatioelementti murtuu. Mutta lopulta hänet rauhoittelevat kireät pakottavat huomautukset. Ja koko teoksen viimeiset tahdot nähdään väistämättömän ihmisen tahdon ankarana ja majesteettisena voittona. Erityinen ryhmä Bachin urkuteoksia ovat koraalipreludit. Niistä useat suhteellisen pienet lyyriset kappaleet erottuvat syvällä ilmeisyydellä. Niissä koraalimelodian sointia rikastuvat vapaasti kehitetyt säestävät äänet. Näin esitetään esimerkiksi yksi Bachin mestariteoksia, koraalipreludi f-molli. Clavier-musiikin keksinnöt Bach kokosi useita kokoelmia yksinkertaisista kappaleista, joita hän sävelsi opettaessaan vanhin poikansa Wilhelm Friedemann. Yhdessä näistä kokoelmista hän asetti viisitoista kaksiäänistä polyfonista kappaletta viiteentoista koskettimeen ja kutsui niitä "keksintöiksi". Käännetty latinasta sana "keksintö" tarkoittaa "keksintöä", "keksintöä". Bachin kaksiosaiset keksinnöt, jotka ovat aloittelevien muusikoiden esityksessä, ovat todella merkittäviä moniäänisen kekseliäisyyden ja samalla taiteellisen ilmaisukyvyn suhteen. Ensimmäinen kaksiosainen C-duuri keksintö siis syntyy lyhyestä, sujuvasta ja kiireettömästä rauhallisen, järkevän luonteen teemasta. Sitä laulaa ylempi ääni ja se jäljittelee välittömästi _ toistoja toisessa oktaavissa - alemmassa: 14 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen pomppivassa pallossa. Ylemmän toiston (jäljitelmän) aikana ääni jatkaa melodista liikettä. Näin syntyy vastakohta bassossa soivalle teemalle. Lisäksi tämä vastakohta - samalla melodisella kuviolla - joskus kuulostaa, kun teema tulee uudelleen esiin jollakin äänellä (tahdit 2-3, 7-8, 8-9). Tällaisissa tapauksissa oppositiota kutsutaan säilytetyksi (toisin kuin ei-säilytetyt, jotka muodostetaan uudelleen joka kerta, kun teema esitellään). Kuten muissakin polyfonisissa teoksissa, tässä keksinnössä on kohtia, joissa teema ei kuulosta täydessä muodossaan, vaan käytetään vain sen yksittäisiä käänteitä. Tällaiset osiot sijoitetaan aiheen esitysten väliin ja niitä kutsutaan välikappaleiksi. Keksinnön yleisen kokonaisuuden C:ssä antaa yhteen teemaan perustuva kehitys, joka on tyypillistä polyfoniselle musiikille. Teoksen keskellä tehdään pääavaimesta poikkeama ja loppua kohden palataan. Tätä keksintöä kuunnellessa voi kuvitella, että kaksi oppilasta toistaa ahkerasti oppituntia yrittäen kertoa toisilleen paremmin, suuremmalla ilmeellä. Tässä teoksessa, joka on rakenteeltaan samanlainen kuin C-duuri keksintö, erikoistekniikalla on suuri rooli. Teeman esittelyn jälkeen Ylääänessä alaääni matkii paitsi sitä, myös sen jatkoa (vastakohtaa). Siten joksikin aikaa syntyy jatkuva kanoninen ja jäljitelmä eli lycanon. Samanaikaisesti kaksiäänisten keksintöjen kanssa Bach sävelsi viisitoista kolmiäänistä polyfonista kappaletta samoilla sävelsoittimilla. Hän nimesi heidät! "sinfoniat" (käännetty kreikaksi - "konsonanssit"). Sillä ennen vanhaan moniäänisiä instrumentaaliteoksia kutsuttiin usein sellaiseksi. Mutta myöhemmin tuli tapana kutsua näitä kappaleita kolmiosaisiksi keksinnöiksi. He käyttävät monimutkaisempia moniäänisen kehityksen tekniikoita. Silmiinpistävin esimerkki on kolmiosainen f-molli keksintö (yhdeksäs). Se alkaa kahden vastakkaisen teeman samanaikaisella esittelyllä. Yhden bassoäänellä soivan pohjana on mitattu jännittynyt laskeutuminen kromaattisia puolisävyjä pitkin. Tällaisia ​​liikkeitä esiintyy usein vanhojen oopperoiden traagisissa aarioissa. Se on kuin synkkä ääni pahan kohtalon, kohtalon. Keskellä oleva toinen teema, altoääni, on murheellisten aiheiden-huokausten läpäisevä: Jatkossa kolmas teema kietoutuu tiiviisti näihin kahteen teemaan vielä läpitunkevammin anovilla huudahduksilla. Näytelmän loppuun asti pahan kohtalon ääni pysyy väistämättömänä. Mutta ihmisten surun äänet eivät lakkaa. Heillä on sammumaton inhimillisen toivon kipinä. Ja hetken se näyttää välähtävän viimeisessä F-duurisoinnussa. Bachin sinfonia h-molli Cembalo Bach-talossa Eisenachissa 15 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisellä taiteella (kolmiosainen keksintö nro 15) tunnetaan myös lyyrisesti tunkeutumisestaan. Keksintöjensä ja "sinfonioidensa" käsikirjoituksen esipuheessa Bach ilmoitti, että niiden pitäisi auttaa kehittämään "laulutapaa soittaa". Cembalolla tämä oli vaikea saavuttaa. Siksi Bach halusi käyttää kotona, myös oppilaiden luokissa, toista kielisoitinta - klavikordia. Sen heikko soundi ei sovellu konserttiesitykseen. Mutta kuten jo mainittiin, toisin kuin cembalo, klavikordin kielet eivät ole kynitty, vaan ne kiinnitetään varovasti metallilevyillä. Tämä edistää äänen melodisuutta ja mahdollistaa dynaamisten sävyjen luomisen. Siten Bach ikään kuin näki mahdollisuudet melodiseen ja yhtenäiseen lauluääneen pianolla - instrumentilla, joka oli hänen aikanaan vielä suunnittelultaan epätäydellinen. Ja tämän suuren muusikon toiveen tulisi muistaa kaikkien nykyaikaisten pianistien. Courante on ranskalaista alkuperää oleva kolminkertainen tanssi. Mutta ranskalaisille cembalokelloille oli tyypillistä rytminen hienostuneisuus ja käytöstavat. Bachin c-molli-sarjan Courante on samanlainen kuin tämän tanssilajin italialainen lajike - elävämpi ja liikkuvampi. Tätä helpottaa kahden äänen joustava yhdistelmä, jotka näyttävät provosoivan toisiaan: "Ranskalainen sarja" c-molli Kolmella Bachin klaviersviittikokoelmalla on eri nimitys. Hän itse kutsui kolmannen kokoelman kuutta sviittiä "partitasiksi" (sviitin nimi "partita" ei löydy vain hänestä14). Ja kahta muuta kokoelmaa - kumpikin kuusi kappaletta - alettiin kutsua "French Suites" ja "English Suites" Bachin kuoleman jälkeen syistä, joita ei tarkasti selvitetty. Toinen "ranskalaisista sviiteistä" on kirjoitettu c-mollin sävelsäimillä. Muinaisten sviittien perinteen mukaan se sisältää neljä pääosaa - Allemande, Courante, Sarabande ja Gigue sekä kaksi muuta väliosaa - Aria ja Menuet, jotka on lisätty Sarabanden ja Giguen väliin. Allemande on tanssi, joka syntyi XVI-XVII vuosisatojen aikana useissa Euroopan maissa - Englannissa, Alankomaissa, Saksassa, Ranskassa ja Italiassa. Joten esimerkiksi vanha saksalainen allemande oli vähän raskasta ryhmätanssia. Mutta tultuaan clavier-sviitteihin allemande oli 1700-luvulle mennessä melkein menettänyt tanssipiirteensä. "Esivanhemmistaan" hän säilytti vain leppoisen rauhallisen askeleen, jonka koko oli neljä tai kaksi neljäsosaa. Siitä tuli lopulta löyhästi rakennettu alkusoitto. Se näyttää mietteliältä lyyrliseltä alkusoittolta ja Allemandelta Bachin c-molli sarjasta. Täällä useimmiten kolme ääntä johtaa linjaansa. Mutta joskus heihin liittyy neljäs ääni. Samaan aikaan melodisin ääni on ylempi: Sarabande on kolmiosainen espanjalainen tanssi. Kerran se oli nopea, temperamenttinen ja myöhemmin hidas, juhlallinen, usein lähellä hautajaiskulkue. Bach-sarjan sarabande on vanhennettu alusta loppuun kolmiosaisessa varastossa. Keski- ja alaäänen liike on aina tiukkaa, keskittynyttä (kvartaalit ja kahdeksasosat hallitsevat). Ja ylemmän äänen liike on paljon vapaampaa ja liikkuvampaa, erittäin ilmeikäs. Kuudentoista nuotti vallitsee täällä, liikkeitä suurilla väleillä (fifth, sixth, seventh) löytyy usein. Näin muodostuu kaksi vastakkaista musiikillisen esityksen kerrosta, syntyy lyyrisesti intensiivinen ääni15: "Jaettu osiin" - sana "partita" on käännetty italiasta (verbistä "partire" - "jakaa"). Sarabandissa johtava yläääni ei niinkään eroa muusta, vaan täydentyy niistä. 14 15 16 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Preludi ja fuuga c-molli teosten Hyvin temperoitu klavier-preludi ja fuuga c-duuri, Preludi ja fuuga c-molli, Preludi ja fuuga c-molli ensimmäisestä osasta C-terävä duuri, preludi ja fuuga C-terävä molli - ja niin edelleen kaikkien oktaavin sisältämien 12 puolisävelten kautta. Tuloksena on yhteensä 24 kaksiosaista "preludi ja fuuga" sykliä kaikilla duurilla ja mollilla. Näin rakennetaan Bachin Hyvin temperoidun klavierin molemmat volyymit (yhteensä - 48 preludia ja fuugaa). Tämä suurenmoinen teos on tunnustettu yhdeksi maailman musiikkitaiteen suurimmista. Näiden kahden osan preludit ja fuugat kuuluvat kaikkien ammattipianistien koulutus- ja konserttiohjelmistoon. Bachin aikana kosketinsoittimien virittämisessä yhtenäinen temperamentti vakiintui vähitellen lopullisesti - oktaavin jakaminen kahteentoista yhtä suureen puolisäveleen. Aikaisemmin räätälöintijärjestelmä oli monimutkaisempi. Hänen kanssaan sävelissä, joissa oli enemmän kuin kolme tai neljä merkkiä, jotkin intervallit ja sointuivat sointuneena. Siksi säveltäjät välttelivät tällaisten avainten käyttöä. Bach osoitti ensimmäisenä loistavasti The Well-Tempered Clavierissa, että samalla temperamentilla kaikkia 24 näppäintä voidaan käyttää yhtä menestyksekkäästi. Tämä avasi säveltäjille uusia näköaloja, mikä lisäsi esimerkiksi kykyä tehdä modulaatioita (siirtymiä) sävelestä toiseen. Hyvin temperoidussa klavierissa Bach loi kaksiosaisen syklin tyypin "preludi ja fuuga". Alkusoitto on rakennettu vapaasti. Siinä merkittävä rooli voi olla homofonis-harmonisella varastolla ja improvisaatiolla. Tämä luo kontrastin fuugalle tiukasti polyfonisena teoksena. Samaan aikaan "preludi ja fuuga" -syklin osia ei yhdistä vain yhteinen tonaliteetti. Niiden välillä, kussakin tapauksessa, hienovaraiset sisäiset yhteydet ilmenevät omalla tavallaan. Nämä yhteiset tyypilliset piirteet voidaan jäljittää Preludissa ja Fuugassa c-mollissa Hyvin temperoidun klavierin ensimmäisestä osasta. Alkusoitto koostuu kahdesta pääosasta. Tilavampi ensimmäinen on täysin täytetty nopealla tasaisella kuudestoistaosilla molemmissa käsissä. Se on sisältä kyllästetty ilmeikkäillä melodisilla ja harmonisilla elementeillä. Näyttää siltä, ​​että rantojen rajoittamana levoton puro kuohuisi: Gigue on Irlannista ja Englannista kotoisin oleva nopea, pirteä tanssi16. Ennen vanhaan englantilaiset merimiehet rakastivat jigien tanssimista. Sviiteissä gigue on yleensä viimeinen, viimeinen osa. C-molli Giguetissa Bach käyttää usein kanonisen jäljitelmän tekniikkaa kahden äänen välillä (kuten F-duuri keksinnössä). Tämän teoksen esitys on läpäissyt "pomppivan" pisterytmin: Allemanden ja Couranten kontrastiin verrattuna Sarabanden ja Giguen kontrasti on terävämpi. Mutta sitä pehmentää kaksi lisäosaa, jotka on asetettu niiden väliin. "Aria"-niminen osa on enemmän kuin rauhallinen, nerokas laulu kuin oopperan soololaulu. Seuraava Menuetti on ranskalainen tanssi, jossa yhdistyvät liikkuvuus ja armo. Joten tässä sarjassa, jossa on yksi yleinen tonaliteetti, kaikkia osia verrataan eri tavalla kuvaannollisesti. Jigin mitat ovat pääosin kolmisuuntaisia. XVIII vuosisadalla se on pääasiassa 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla keskiäänellä, selkeä, kohokuvioitu, hyvin mieleen jäänyt teema joustavalla tanssirytmillä: 11 Moderato Energinen sinnikkyys yhdistyy teemassa ylellisyyteen, viekkaisiin ilkikureihin vahvatahtoisen rauhan kautta. Tämä tarjoaa mahdollisuuksia monipuoliseen ja dynaamiseen kehitykseen. Kehityksen alussa teema kuulostaa kevyeltä - ainoalla kerralla, kun se esitetään duurisävyssä (E-duuri). Toistossa teeman kolmesta pääkohdasta pääsävelsävelessä (c-molli) toinen, basso, saa niin voimakkaan ulottuvuuden, että saa mieleen alkuäänen raivoavat luonnonvoimat. Ja vielä yksi asia, fuugateeman lopullinen toteutus päättyy valaistuun house-duurisointuun. Tällaisessa preludin ja fuugan lopun samankaltaisuudessa paljastuu syklin vastakkaisten osien sisäinen emotionaalinen suhde. Kerättyään voimakasta energiaa tämä virtaus ensimmäisen jakson lopussa ikäänkuin vuotaa reunan yli ja seuraavan jakson alussa se muuttuu vielä kiihkeämmäksi ja uhkaa pyyhkiä pois kaiken tieltään. Tätä alkusoiton huipentumaa leimaa tempon muutos nopeimpaan (Pgesto) ja polyfonisen laitteen - kaksiäänisen kaanonin käyttö. Mutta raivoavat elementit pysäyttävät yhtäkkiä valtavia sointuja ja merkityksellisiä resitatiivilauseita. Tässä tulee toinen tahtimuutos - hitaimpaan (Adagio). Ja kolmannen tempon vaihdon jälkeen kohtalaisen nopeaan A11eggoon preludin viimeisissä takteissa basson sävyinen urkupiste hidastaa vähitellen kuudestoista nuotin liikettä oikeassa kädessä. Se leviää pehmeästi ja jäätyy C-duuri sointuun. Siellä vallitsee rauha, hiljaisuus. Näin vapaan, improvisoivan alkusoiton viimeistelyn jälkeen huomio siirtyy erilaiseen, vastakkaiseen suunnitelmaan. Kolmiääninen fuuga alkaa. Tämä sana latinaksi ja italiaksi tarkoittaa "juoksua", "lentoa", "nopeaa virtaa". Musiikissa fuuga on monimutkainen moniääninen teos, jossa äänet näyttävät kaikuvan, omaksuvan toisiaan. Useimmat fuugat perustuvat yhteen teemaan. Harvemmin esiintyvät kahdella, vielä harvemmin kolmella tai neljällä teemalla varustetut fuugat. Ja äänimäärän mukaan fuugat ovat kaksi-, kolmi-, neli- ja viisiosaisia. Yksittäiset tummat fuugat alkavat teeman esittelyllä pääsävyssä millä tahansa yhdellä äänellä. Teemaa jäljittelevät sitten vuorotellen muut äänet. Näin muodostuu fuugan ensimmäinen osa, näyttely. Toisessa osiossa - kehitys - teema näkyy vain muissa avaimissa. Ja kolmannessa, viimeisessä osassa - reprise9 - se suoritetaan jälleen pääavaimessa, mutta sitä ei enää esitetä yhdellä äänellä. Näyttely täällä ei todellakaan toistu. Fuugoissa käytetään laajalti säilytettyjä vasta-asioita ja välisoittoja. Kyseinen Bachin c-molli fuuga alkaa ja esiintyy fuugassa - polyfonisen musiikin korkeimmassa muodossa - on saavuttanut täyden kypsyytensä ja kirkkaimman kukoistuksensa Bachin teoksessa. 1800-luvun kuuluisa venäläinen säveltäjä ja pianisti Anton Grigorjevitš Rubinshtein kirjoitti kirjassaan "Musiikki ja sen edustajat" ihaillen "hyvin temperoitua klavieria", että sieltä löytyy "uskonnollisia, sankarillisia, melankolisia, majesteettinen, surullinen, humoristinen, pastoraalinen, dramaattinen hahmo; Yhdessä asiassa he ovat kaikki samanlaisia ​​- kauneudeltaan... ”Johann Sebastian Bachin ikäinen oli suuri saksalainen säveltäjä Georg Friedrich Handel (1685-1759) - upea polyfonian mestari, virtuoosi urkuri. Hänen kohtalonsa oli erilainen. Hän vietti suurimman osan elämästään Saksan ulkopuolella muuttaen maasta toiseen (hän ​​asui Englannissa useita vuosikymmeniä). 18 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Händel on useiden oopperoiden, oratorioiden ja erilaisten instrumentaaliteosten kirjoittaja. Klassisen tyylin muodostuminen musiikissa Kysymykset ja tehtävät 1. Mitä yhteistä on Bachin henkisillä ja maallisilla teoksilla? 2. Kerro meille toccatan ja fuugan d-molli figuratiivisesta luonteesta urkuille. 3. Laula tuntemiasi Bachin keksintöjen teemoja. Mikä on oppositio, kun sitä kutsutaan pidätetyksi? 4. Mikä on välisoitto moniäänisessä teoksessa? Kumpaa jäljitelmää kutsutaan kanoniseksi vai kaanoniseksi? 5. Nimeä ja kuvaile c-molli "ranskalaisen sarjan" pääosat. 6. Miten Bachin hyvin temperoitu klavier on rakennettu? 7. Mikä on tärkein ero alkusoiton ja fuugan välillä? Näytä tämä esimerkillä Preludi ja Fuuga c-molli Hyvin temperoidun klavierin ensimmäisestä osasta. Onko niissä myös yhtäläisyyksiä? 1700-luvun musiikkiteatteri, erityisesti sen keski- ja toinen puolisko, on suuren muutoksen aikaa kaikilla eurooppalaisen musiikkitaiteen osa-alueilla. Tämän vuosisadan alkaessa italialaiseen oopperaan syntyi vähitellen kaksi genreä - opera seria (vakava) ja opera buffa (koominen). Mytologiset ja historialliset juonet vallitsivat edelleen seria-oopperoissa, joissa esiintyivät niin sanotut "korkeat" sankarit - mytologiset jumaluudet, muinaisten valtioiden kuninkaat, legendaariset komentajat. Ja buffa-oopperoissa juoneista on tullut pääosin modernia arkipäivää. Täällä sankarit olivat tavallisia ihmisiä, jotka toimivat energisesti ja realistisesti. Vuonna 1733 Napolissa julkisuuteen ilmestynyt Giovanni Battista Pergolesin teos Palvelijarouva oli ensimmäinen silmiinpistävä esimerkki oopperapuffasta. Sankaritar, yritteliäs piika Serpina, menee taitavasti naimisiin murheellisen isäntänsä Uberton kanssa ja hänestä tulee rakastajatar. Kuten monet varhaiset italialaiset buffa-oopperat, The Servant Madam esitettiin alun perin näyttämönä välisoittona Pergolesin oopperasarjan Ylpeä vanki esitysten välissä (muista, että sana "välisoitto" on latinaa ja tarkoittaa "vuorovaikutusta"). Pian The Servant-Madam saavutti suuren mainetta monissa maissa itsenäisenä teoksena. Koominen ooppera syntyi Ranskassa 1700-luvun jälkipuoliskolla. Se syntyi Pariisin messujen teattereissa esitettävistä iloisista, nokkelasta komediaesityksestä. Ja muuttuakseen koomiseksi oopperaksi, jossa laulunumeroista tuli hahmojen pääominaisuus, italialaisen buffa-oopperan esimerkki auttoi ranskalaisia ​​reiluja komedioita. Tämän Pariisin esityksen kannalta italialaisten "buffonien" oopperaryhmällä oli suuri merkitys, kun Ranskan pääkaupunki kirjaimellisesti lumoutui Pergolesin "Palvelijarouva" -elokuvasta. Toisin kuin italialainen ooppera buffa, ranskalaisissa koomisissa oopperoissa nousevat numerot eivät vuorottele resitatiivien, vaan keskustelun dialogien kanssa. Myös Singspire on rakennettu - saksalainen ja itävaltalainen sarja koomista oopperaa, joka ilmestyi toisessa Pääteokset Laulu- ja instrumentaaliteokset "Passio Johanneksen mukaan", "Passio Matteuksen mukaan" Messu h-molli Pyhät kantaatit (noin 200 säilynyt ) ja maalliset kantaatit (selviytynyt yli 20) Orkesteriteokset 4 sarjaa ("alkusoittoa") 6 "Brandenburg Concertos" Konserttoa soolosoittimille kamariorkesterin kanssa 7 konserttoa cembalolle 3 konserttoa kahdelle, 2 kolmelle cembalolle 2 konserttoa viululle Konsertto kahdelle viulut Teokset jousisoittimille 3 sonaattia ja 3 partitaa viulusoololle 6 sonaattia viululle ja cembalolle 6 sviittiä ("sonaatteja") sellolle Urkuteoksia 70 kuoropreludia Preludit ja fuugat Toccata ja fuuga d-molli Passacaglia c-molli Koskettimet Kokoelma "Pienet preludit ja fuugat" 15 kaksiosaista keksintöä ja 15 kolmiosaista keksintöä ("sinfoniaa") 48 preludia ja fuugaa hyvin temperoidusta klavierista 6 "French" ja 6 englantilaista sviittiä 6 sviittiä (osapuolinen) Concerto Italiano cembalosoololle Kromaattinen fantasia ja fuuga Taide fuuga 19 www.classON.ru Sarjaoopperan kaikkien lajikkeiden musiikilliselle kielelle on ominaista läheinen yhteys kansanlaulu- ja tanssimelodioihin. 1700-luvun jälkipuoliskolla suuri saksalainen säveltäjä Christoph Willibald Gluck (1714-1787) uudisti radikaalisti vakavat oopperan genret. Hän kirjoitti ensimmäisen uudistusmielisen oopperansa, Orpheus ja Eurydice (1762), joka perustuu legendaarisen antiikin kreikkalaisen laulajan tarinaan, jota on käytetty toistuvasti oopperoissa varhaisista ajoista lähtien (tätä käsiteltiin johdannossa). Gluck seurasi vaikeaa polkua uudistukseensa oopperassa. Hän sattui vierailemaan monissa Euroopan maissa - Saksassa, Itävallassa, Tanskassa sekä slaavien asuttamassa Tšekin tasavallassa sekä Italiassa - Englannissa. Ennen kuin Gluck asettui lujasti Wieniin, Gluck esitti 17 oopperasarjaansa Milanon, Venetsian, Napolin, Lontoon, Kööpenhaminan, Prahan ja muiden kaupunkien teattereiden näyttämöillä. Tämän genren oopperoita esitettiin monien Euroopan maiden hoviteattereissa. Poikkeuksena oli Ranska. Siellä he jatkoivat 1700-luvun puolivälissä vakavien oopperoiden säveltämistä ja näyttämistä vain perinteiseen ranskalaiseen tyyliin. Mutta Gluck tutki huolellisesti kuuluisien ranskalaisten säveltäjien Jean-Baptiste Lullyn ja Jean-Philippe Rameaun oopperapartituuria. Lisäksi Gluck kirjoitti ja onnistui lavastamaan Wienissä kahdeksan teosta ranskalaisen koomuksen uudessa genressä. Hän tunsi epäilemättä hyvin italialaiset buffa-oopperat, saksalaiset ja itävaltalaiset laulupelit. Kaikki tämä tieto antoi Gluckille mahdollisuuden uudistaa määrätietoisesti jo vanhentuneet sävellysperiaatteet vakaviin oopperoihin. Reformistisissa oopperoissaan, jotka esitettiin ensin Wienissä ja sitten Pariisissa, Gluck alkoi välittää hahmojen emotionaalisia kokemuksia paljon totuudenmukaisemmin ja dramaattisemmin, tehokkaammin. Hän kieltäytyi kasaamasta virtuoosillisia kohtia aarioihin ja lisäsi resitatiivien ilmaisukykyä. Hänen oopperansa muuttuivat tarkoituksenmukaisemmiksi musiikillisen ja näyttämöllisen kehityksen kannalta ja harmonisemmiksi sävellyksellä. Niinpä musiikillisessa kielessä ja uusien koomisten ja uudistettujen vakavien oopperoiden rakentamisessa tunnistettiin uuden, klassisen tyylin tärkeitä erottavia piirteitä - kehityksen aktiivinen tehokkuus, ilmaisuvälineiden yksinkertaisuus ja selkeys, sävellys harmonia ja yleinen jalo. ja musiikin ylevä luonne. Tämä tyyli muotoutui vähitellen eurooppalaisessa musiikissa 1700-luvun aikana, kypsyi 1770-1780 ja hallitsi 1800-luvun toisen vuosikymmenen puoliväliin asti. On huomattava, että "klassisen" määritelmällä voi olla toinen, laajempi merkitys. "Klassikoksi" (tai "klassiseksi") kutsutaan myös musiikki- ja muita taideteoksia, jotka on tunnustettu esimerkillisiksi, täydellisiksi, ylittämättömiksi - riippumatta niiden luomisajasta. Tässä mielessä 1500-luvun italialaisen säveltäjän Palestrinan, Prokofjevin oopperoiden ja Šostakovitšin sinfonioiden, 1900-luvun venäläisten säveltäjien, joukkoja voidaan kutsua klassisiksi tai klassikoiksi. Instrumentaalimusiikki Samalla laajalla kansainvälisellä pohjalla kuin Gluckin oopperauudistus, 1700-luvulla instrumentaalimusiikki kehittyi voimakkaasti. Se toteutettiin useiden Euroopan maiden säveltäjien yhteisillä ponnisteluilla. Lauluun ja tanssiin tukeutuen, musiikin kielen klassista selkeyttä ja dynaamisuutta kehittäen he muodostivat vähitellen uusia syklisten instrumentaaliteosten genrejä - kuten klassisen sinfonian, klassisen sonaatin, klassisen jousikvartettin. Sonaattimuodolla on heissä suuri merkitys. Siksi instrumentaalisyklejä kutsutaan sonaatiksi tai sonaattisinfoniaksi. sonaattimuoto. Tiedät jo, että polyfonisen musiikin korkein muoto on fuuga. Ja sonaattimuoto on homofonisen harmonisen musiikin korkein muoto, jossa vain toisinaan voidaan käyttää polyfonisia tekniikoita. Rakenneessaan nämä kaksi muotoa ovat samanlaisia. Kuten fuugassa, sonaattimuodossa on kolme pääosaa: esittely, kehitys ja yhteenveto. Mutta niiden välillä on myös merkittäviä eroja. Suurin ero sonaattimuodon ja fuugan välillä näkyy heti näyttelyssä 18. Suurin osa fuugoista on rakennettu kokonaan yhdelle teemalle, joka toteutetaan vuorotellen jokaisessa näyttelyssä. Tämä saksankielinen sana tulee sanasta "singen" ("laula"). ja "Spiel" ("näytelmä") . 18 Sana on latinaa, mikä tarkoittaa "esitystä", "esitystä". 20 www.classON.ru Lasten koulutusta taiteen alalla Venäjällä ääni. Ja sonaattimuodon esittelyssä esiintyy yleensä kaksi pääteemaa, jotka ovat enemmän tai vähemmän erilaisia. Ensin soi pääosan teema, myöhemmin sivuosan teema. Mutta sinun ei missään tapauksessa pidä ymmärtää "puolen" määritelmää "toissijaiseksi". Sillä itse asiassa sivuosan teemalla on yhtä tärkeä rooli sonaattimuodossa kuin pääosan teemalla. Sanaa "toissijainen" käytetään tässä, koska toisin kuin ensimmäinen, se ei välttämättä kuulu esityksessä pääavaimeen, vaan toiseen, eli ikään kuin toissijaiseen. Klassisessa musiikissa, jos näyttelyn pääosa on duuri, niin sivuosuus ilmaistaan ​​dominantin sävellajissa (esim. jos pääosan sävel on C-duuri, niin sivuosuuden sävel on G suuri). Jos esityksen pääosa on molli, niin sivuosuus ilmaistaan ​​rinnakkais-duurissa (esim. jos pääosan sävel on c-molli, niin sivuosan sävellaji on Es-duuri). Pää- ja sivupuolen väliin asetetaan joko pieni nippu tai yhdistävä erä. Täällä voi esiintyä myös itsenäinen, melodisesti kohokuvioitu teema, mutta useammin käytetään pääosan teeman intonaatioita. Liitososa toimii siirtymänä sivuosaan, se moduloituu sivuosan avaimeksi. Siten sävyn vakautta rikotaan. Huhu alkaa odottaa jonkin uuden "musiikkitapahtuman" alkamista. Se osoittautuu sivujuhlien teeman ulkoasuksi. Joskus esitystä voi edeltää johdanto. Ja sivuosan jälkeen kuuluu joko pieni päätelmä tai kokonainen loppuosa, usein itsenäinen teema. Näin näyttely päättyy ja sivuosan sävy on kiinnitetty. Säveltäjän ohjauksesta koko näyttely voidaan toistaa. Kehitys - sonaattimuodon toinen osa. Siinä näyttelystä tutut aiheet ilmestyvät uusina versioina, vuorottelevat eri tavoin ja verrataan keskenään. Tällainen vuorovaikutus ei usein sisällä kokonaisia ​​teemoja, vaan niistä eristettyjä motiiveja ja lauseita. Eli kehitteillä olevat aiheet on ikään kuin jaettu erillisiin elementteihin paljastaen niiden sisältämän energian. Tässä tapauksessa näppäimiä vaihdetaan usein (päänäppäimeen vaikuttaa harvoin eikä pitkään). Eri avaimissa esiintyvät teemat ja niiden elementit näyttävät valaistuvan uudella tavalla, esitettynä uusista näkökulmista. Kun kehitys kehityksessä saavuttaa huipussaan merkittävän jännitteen, sen kulku muuttaa suuntaa. Tämän jakson lopussa valmistellaan paluuta pääavaimeen, käännös on uusinta. Repriisi on sonaattimuodon kolmas osa. Se alkaa pääosan palauttamisella pääavaimessa. Liitososa ei johda uuteen avaimeen. Päinvastoin, se korjaa pääavaimen, jossa sekä toissijainen että viimeinen osa toistetaan nyt. Niinpä repriisi sävynvakautensa kanssa tasapainottaa kehityksen epävakaa luonnetta ja antaa kokonaisuudelle klassisen harmonian. Esitystä voidaan joskus täydentää lopullisella konstruktiolla - codalla (johdettu latinalaisesta sanasta, joka tarkoittaa "häntä"). Joten, kun fuuga soi, huomiomme keskittyy kuunteluun, ajatteluun ja tuntemiseen yhdeksi musiikilliseksi ideaksi, jota yksi teema sisältää. Kun teos kuullaan sonaattimuodossa, kuulomme seuraa kahden pääteeman (ja toisiaan täydentävän) vertailua ja vuorovaikutusta - ikäänkuin erilaisten musiikkitapahtumien, musiikillisen toiminnan kehitystä. Tämä on tärkein ero näiden kahden musiikillisen muodon taiteellisten mahdollisuuksien välillä. Klassinen sonaatti (sonaatti-sinfoninen) sykli. Noin 1700-luvun viimeisellä kolmanneksella klassinen sonaattisykli muotoutui lopulta musiikissa. Aikaisemmin instrumentaaliteoksia hallitsi sarjan muoto, jossa hitaat ja nopeat osat vuorottelevat, sekä sitä lähellä oleva vanhan sonaatin muoto. Nyt klassisen sonaattisyklin osien määrä (yleensä kolme tai neljä) on määritetty tarkasti, mutta niiden sisältö on monimutkaistunut. Ensimmäinen osa on yleensä kirjoitettu sonaattimuotoon, jota käsiteltiin edellisessä kappaleessa. Hän kävelee nopeaa tai kohtalaisen nopeaa tahtia. Useimmiten se on A11eggo. Siksi tällaista liikettä kutsutaan yleensä sonaatti allegroksi. Sen musiikki on usein energistä, tehokasta luonnetta, usein jännittynyttä, dramaattista. Toinen osa on aina tempoltaan ja yleisluonteeltaan ristiriidassa ensimmäisen kanssa. Usein se on hidasta, lyyrisin ja melodisinta. Mutta se voi olla myös erilainen, esimerkiksi hitaan narratiivin kaltainen tai tanssimainen.Kolmiosaisessa syklissä viimeinen, kolmas osa, finaali on taas nopea, yleensä nopeampi, mutta sisäisesti vähemmän intensiivinen verrattuna. ensimmäiseen. Klassisten sonaattisyklien (erityisesti sinfonioiden) finaalit maalaavat usein kuvia täpötäyteisestä juhlasta, ja niiden teemat ovat lähellä kansanlauluja ja -tansseja. Tässä tapauksessa käytetään usein rondo-muotoa (ranskasta "ronde" - "ympyrä"). Kuten tiedät, ensimmäinen osa tässä (refrääni) toistetaan useita kertoja vuorotellen uusien osien (jaksojen) kanssa. 21 www.classON.ru Lasten koulutusta taiteen alalla Venäjällä hänen ensimmäinen oopperansa? 3. Mihin aikaan klassinen tyyli kypsyi ja mihin asti klassinen tyyli vallitsi musiikissa? Selitä ero kahden "klassisen" määritelmän välillä. 4. Mitä samankaltaisuutta yleisessä rakenteessa on fuuga- ja sonaattimuodolla? Ja mikä on tärkein ero niiden välillä? 5. Nimeä sonaattilomakkeen pää- ja lisäosat. Piirrä hänen kaavionsa. 6. Miten sonaattimuodon pää- ja sivuosat korreloivat toistensa kanssa sen esittelyssä ja toistossa? 7. Mikä on tyypillistä sonaattimuotoiselle kehitykselle? 8. Kuvaile klassisen sonaattisyklin osia. 9. Nimeä klassisten sonaattisyklien päätyypit esiintyjien kokoonpanosta riippuen. Kaikki tämä erottaa monet neliosaisten syklien finaalit. Mutta niissä ääriosien (ensimmäinen ja neljäs) väliin asetetaan kaksi keskiosaa. Yksi - hidas - sinfoniassa on yleensä toinen ja kvartetissa kolmas. Kolmas osa 1700-luvun klassisista sinfonioista on Menuetti, joka on kvartetissa toisella sijalla. Mainitsimme siis sanat "sonaatti", "kvartetti", "sinfonia". Näiden syklien välinen ero riippuu esiintyjien kokoonpanosta. Sinfonialla on erityinen paikka - orkesterille tarkoitettu teos, joka on suunniteltu soimaan suuressa huoneessa lukuisten kuulijoiden edessä. Tässä mielessä konsertto on lähellä sinfoniaa - kolmiosainen sävellys soolosoittimelle orkesterisäestyksellä. Yleisimmät kamariinstrumenttisyklit ovat sonaatti (yhdelle tai kahdelle soittimelle), trio (kolmelle soittimelle), kvartetti (neljälle soittimelle), kvintetti (viisi soittimelle)19. Sonaattimuoto ja sonaatti-sinfoninen sykli, kuten koko musiikin klassinen tyyli, muodostuivat 1700-luvulla, jota kutsutaan "valaistumisen aikakaudeksi" (tai "valaistuksen aikakaudeksi"), samoin kuin "aikakaudeksi". järjestä”. Tällä vuosisadalla, varsinkin sen toisella puoliskolla, niin kutsutun "kolmannen aseman" edustajia nimitettiin monissa Euroopan maissa. Nämä olivat ihmisiä, joilla ei ollut aatelisarvoa eikä hengellisiä arvonimiä. He olivat menestyksensä velkaa omalle työlleen ja aloitteelleen. He julistivat ihanteen "luonnollisesta miehestä", jolle luonto itse oli antanut luovaa energiaa, kirkasta mieltä ja syviä tunteita. Tämä optimistinen demokraattinen ihanne heijastui omalla tavallaan musiikissa ja muissa taiteen ja kirjallisuuden muodoissa. Esimerkiksi ihmismielen ja väsymättömien käsien voittoa valistuksen alussa ylisti englantilaisen kirjailijan Daniel Defoen vuonna 1719 julkaistu kuuluisa romaani Robinson Crusoen elämä ja hämmästyttävät seikkailut. Joseph Haydn 1732-1809 Musiikin klassinen tyyli saavutti kypsyytensä ja kukoistustaan ​​Joseph Haydnin, Wolfgang Amadeus Mozartin ja Ludwig van Beethovenin teoksissa. Jokaisen elämä ja työ viettivät pitkän aikaa Itävallan pääkaupungissa Wienissä. Siksi Haydnia, Mozartia ja Beethovenia kutsutaan wieniläisiksi klassikoiksi. Itävalta oli monikansallinen valtakunta. Siinä asuivat itävaltalaisten kanssa, joiden äidinkieli on saksa, unkarilaisia ​​ja erilaisia ​​slaavilaisia ​​kansoja, mukaan lukien tšekit, serbit, kroaatit. Heidän laulunsa ja Kysymykset ja tehtävät 1 . Nimeä 1700-luvun sarjaoopperoiden kansalliset lajikkeet. Mitä eroa on italialaisen buffa-oopperan ja ranskalaisen koomuksen rakentamisen välillä? 2. Mihin maihin ja kaupunkeihin suuren oopperauudistajan Christoph Willibald Gluckin toiminta liittyi? Mille juonelle hän kirjoitti Muiden kamariyhtye-instrumentaalisyklien nimet - sekstetti (6), septetti (7), oktetti (8), nonet (9), desimetti (10). "Kamarimusiikin" määritelmä tulee italian sanasta "kamera" - "huone". Sillä aina 1800-luvulle asti sävellyksiä useille soittimille esitettiin usein kotona, eli ne ymmärrettiin "huonemusiikkina". 19 22 www.classON.ru Lasten koulutusta venäläisen taidetanssin melodioiden alalla kuultiin sekä kylissä että kaupungeissa. Wienissä kansanmusiikki soi kaikkialla - keskustassa ja laitamilla, katujen risteyksissä, julkisissa puutarhoissa ja puistoissa, ravintoloissa ja pubeissa, rikkaissa ja köyhissä yksityistaloissa. Wien oli myös merkittävä ammattimusiikkikulttuurin keskus, joka keskittyi keisarillisen hovin, aatelisten kappelien 1 ja aristokraattisten salonkien, katedraalien ja kirkkojen ympärille. Italialaista oopperasarjaa on viljelty pitkään Itävallan pääkaupungissa; täällä, kuten jo mainittiin, Gluck aloitti oopperauudistuksensa. Musiikki oli runsaasti hovijuhlien mukana. Mutta wieniläiset osallistuivat mielellään iloisiin farssiesityksiin musiikin kanssa, josta laulajat syntyivät, ja he pitivät kovasti tanssimisesta. Kolmesta suuresta wieniläisestä musiikkiklassikosta Haydn on vanhin. Hän oli 24-vuotias Mozartin syntyessä ja 38-vuotias Beethovenin syntyessä. Haydn eli pitkän elämän. Hän selvisi varhain kuolleesta Mozartista lähes kaksi vuosikymmentä ja oli vielä elossa, kun Beethoven oli jo luonut suurimman osan kypsistä teoksistaan. Yksityiselle ruhtinasteatterille hän kirjoitti yli kaksi tusinaa oopperaa seria-, buffa-genreissä sekä useita "nukke"-oopperoita nukkejen esittämiin esityksiin. Mutta hänen tärkeimpien luovien kiinnostuksen kohteidensa ja saavutustensa alue on sinfoninen ja kamarimusiikki. Yhteensä siinä on yli 800 sävellystä3. Niistä yli 100 sinfoniaa, yli 80 jousikvartettoa ja yli 60 klaviersonaattia ovat erityisen merkittäviä. Heidän kypsissään näytteissään täydellisimmillä, kirkkaimmilla ja omaperäisimmillä, paljastui suuren itävaltalaisen säveltäjän optimistinen maailmankuva. Vain toisinaan tämä valoisa asenne saa aikaan synkemmän tunnelman. Heidät valtaa aina Haydnin ehtymätön rakkaus elämään, innokas havainnointi, iloinen huumori, yksinkertainen, terve ja samalla runollinen käsitys ympäröivästä todellisuudesta. Elämänpolku Varhaislapsuus. Rorau ja Hainburg. Franz Joseph Haydn syntyi vuonna 1732 Roraun kylässä, joka sijaitsee Itä-Itävallassa lähellä Unkarin rajaa ja lähellä Wieniä. Haydnin isä oli taitava valmentaja, hänen äitinsä toimi kokina kreivin, Roraun omistajan, tilalla. Hänen vanhin poikansa Josef, jota perheessä kutsuttiin hellästi Zepperliks, vanhemmat alkoivat varhain totuttaa häntä ahkeruuteen, tarkkuuteen ja puhtauteen. Haydnin isä ei tuntenut musiikkia ollenkaan, mutta hän piti laulamisesta, säestäen itseään harpulla, varsinkin ollessaan omassaan. vieraat kokoontuivat pieneen taloon. Zepperl lauloi mukana selkeällä hopeisella äänellä paljastaen merkittävän musiikinkorvan. Ja kun poika oli vain viisivuotias, hänet lähetettiin naapurikaupunkiin Hainburgiin kaukaisen sukulaisen luo, joka johti kirkkokoulua ja kuoroa. Hainburgissa Sepperl oppi lukemaan, kirjoittamaan, laskemaan, laulamaan kuorossa sekä oppimaan klavikordin ja viulun soittotaitoja. Mutta hänen ei ollut helppoa elää vieraassa perheessä. Monia vuosia myöhemmin hän muisteli saaneensa "enemmän lyömiä kuin ruokaa". Heti kun Zepperl pääsi Hainburgiin, hänet määrättiin opetella lyömään timpaneja voidakseen osallistua samaan kirkkokulkueen musiikin kanssa. Poika otti seulan, veti sen päälle kangaspalan ja alkoi harjoitella ahkerasti. Hän suoritti tehtävänsä onnistuneesti. Vain kulkuetta järjestettäessä heidän piti ripustaa instrumentti hyvin lyhyen ihmisen selkään. Ja hän oli kyhäreinen, mikä sai yleisön naurua. Pyhän Tapanin katedraalin kappelissa Wienissä. Vierailtuaan Hainburgissa wieniläisen katedraalin yhtyeen mestari ja hovisäveltäjä Georg Reuter kiinnitti huomion Haydnin vilpittömästi uskoviin erinomaisiin musiikillisiin kykyihin. Hän on kirjoittanut lukuisia messuja ja muita henkisiin teksteihin perustuvia laulu- ja instrumentaaliteoksia. 23 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Zepperl. Joten vuonna 1740 kahdeksanvuotias Haydn löysi itsensä Itävallan pääkaupungista, missä hänet hyväksyttiin kuoronsoittajaksi Pyhän Tapanin katedraalin (pää)katedraalin kappelissa. teen sen itse. Vaikea itsenäisen elämän alku. Kun 18-vuotiaana nuoren miehen ääni alkoi murtua - se kähehti ja menetti joustavuutta, hänet heitettiin töykeästi ja armottomasti ulos kappelista. Ilman suojaa ja varoja hän saattoi kuolla nälkään ja kylmyyteen, ellei hän olisi ollut vähään aikaan suojassa tutulta laulajalta, joka asui vaimonsa ja lapsensa kanssa pienessä huoneessa katon alla. Haydn alkoi ottaa vastaan ​​mitä tahansa musiikkiteosta, joka ilmestyi: hän kopioi nuotteja, antoi penniäkään laulutunteja, soitti klavieria, osallistui viulistina Streetin instrumentaaliyhtyeisiin, jotka esittivät serenaadeja öisin yhden kaupunkilaisen kunniaksi. Lopulta hän sai vuokrata pienen huoneen Wienin keskustassa sijaitsevan talon kuudennessa ja viimeisessä kerroksessa. Huoneen lävisti tuuli, siinä ei ollut uunia, talvella vesi jäätyi usein. Haydn eli tällaisessa ahdingossa kymmenen vuotta. Mutta hän ei menettänyt sydämessään ja harjoitti innokkaasti suosikkitaidettaan. "Kun istuin vanhan, madonsyömäni klaviani ääressä", hän muisteli vanhana, "en kadehtinut yhdenkään kuninkaan onnea." Haydnia auttoi voittamaan arjen vaikeudet hänen eloisa, iloinen luonne. Kerran esimerkiksi yöllä hän sijoitti muusikkotoverinsa syrjäisiin kulmiin yhdelle Wienin kaduista, ja hänen signaalistaan ​​kaikki soittivat mitä hän piti. Tuloksena oli "kissakonsertti", joka herätti kohua ympäröivien asukkaiden keskuudessa. Kaksi muusikoista päätyi poliisille, mutta skandaalisen "serenadin" yllyttäjää ei luovutettu. Haydn tutustui suosittuun sarjakuvanäyttelijään, ja hän sävelsi yhteistyössä hänen kanssaan laulun "The Lame Demon" ja ansaitsi pienen summan rahaa20. , palveli häntä jalkamiehenä. Vähitellen Haydn alkoi saada mainetta Wienissä sekä opettajana että säveltäjänä. Hän tapasi kuuluisia ihmisiä; muusikot ja musiikin ystävät. Tunnetun virkamiehen talossa hän alkoi osallistua kamariyhtyeiden esiintymiseen ja loi ensimmäiset jousikvartettinsa konsertteja varten maatilallaan. Ja Haydn kirjoitti ensimmäisen sinfoniansa vuonna 1759, kun hän sai käyttöönsä pienen orkesterin, josta tuli kreivi Morzinin kappelin päällikkö. Kreivi piti vain naimattomia muusikoita. Wieniläisen kampaajan tyttären kanssa naimisiin mennyt Haydn pakotettiin pitämään se salassa. Mutta tämä jatkui vain vuoteen 1760 asti, jolloin Wienissä, suuressa kauniissa kaupungissa upeine rakennuksilla ja arkkitehtonisilla kokonaisuuksilla, uusien elävien vaikutelmien aalto huuhtoi pojan yli. Ympärillä soi monikansallinen kansanmusiikki. Katedraalissa ja keisarillisessa hovissa, joissa myös kuoro esiintyi, esitettiin juhlallisia laulu- ja instrumentaaliteoksia. Mutta olemassaolon olosuhteet osoittautuivat jälleen vaikeiksi. Luokassa, harjoituksissa ja esityksissä kuoropojat olivat hyvin väsyneitä. Heitä ruokittiin huonosti, he olivat jatkuvasti puolinälkäisiä. Heitä rangaistiin ankarasti kepposistaan. Pikku Haydn jatkoi ahkerasti laulutaiteen, klavierin ja viulunsoiton opiskelua ja halusi todella säveltää musiikkia. Reuter ei kuitenkaan kiinnittänyt tähän huomiota. Liian kiireisenä omien asioidensa kanssa, hän antoi hänelle vain kaksi sävellystuntia koko yhdeksän vuoden ajan kappelissa oleskelunsa aikana. Mutta Josef tavoitteli päämääräänsä sitkeästi, ahkerasti ja muutamaa vuotta myöhemmin hän kirjoitti toisen laulun nimeltä "The New Lame Imp". 20 24 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla, kreivin aineelliset asiat järkyttyivät ja hän hajotti kappelinsa. Haydnin avioliitto epäonnistui. Hänen valittunsa erottui raskaasta, röyhkeästä luonteesta. Hän ei ollut ollenkaan kiinnostunut aviomiehensä sävellysasioista - siinä määrin, että hän teki papillotteja ja vuorauksia pateelle hänen sävellyksiensä käsikirjoituksista. Muutamaa vuotta myöhemmin Haydn alkoi asua erillään vaimostaan. Heillä ei ollut lapsia. Prinssien Esterhazyn kappelissa. Vuonna 1761 varakas unkarilainen; Prinssi Pal Antal Esterházy kutsui Haydnin Eisenstadtiin varakapellmeisteriksi. Siitä hetkestä alkoi Haydnin palvelus Esterhazyn perheen kanssa, joka kesti kolme kokonaista vuosikymmentä. Viisi vuotta myöhemmin hänestä tuli bändimestari - sen jälkeen, kun tätä tehtävää hoitanut iäkäs muusikko kuoli. Pala Antalin perillinen, joka kuoli vuonna 1762, erottui sitoutumisestaan ​​ylellisyyteen ja kalliiseen viihteeseen, hänen veljensä Myklosh 1, lempinimeltään Mahtava. Muutamaa vuotta myöhemmin hän muutti asuinpaikkansa Eisenstadtista uuteen 126 huoneen maalaispalatsiin, ympäröi sen valtavalla puistolla, rakensi 400-paikkaisen oopperatalon ja nukketeatterin lähelle sekä lisäsi merkittävästi kappelin muusikoiden määrää. . Siinä työskentely antoi Haydnille hyvän taloudellisen tuen ja lisäksi - mahdollisuuden säveltää paljon ja testata itseään välittömästi käytännössä ohjaten uusien teosten orkesteriesitystä. Esterhazissa (kuten uutta ruhtinaskunnan asuinpaikkaa kutsuttiin) järjestettiin usein tungosta vastaanottoja, joihin osallistui usein korkea-arvoisia ulkomaisia ​​vieraita. Tämän ansiosta Haydnin työ tuli vähitellen tunnetuksi Itävallan ulkopuolella. Mutta kaikessa tässä oli, kuten sanotaan, kolikon toinen puoli. Palvelukseen tullessaan Haydn allekirjoitti sopimuksen, jonka mukaan hänestä tuli eräänlainen musiikillinen palvelija. Hänen täytyi ilmestyä päivittäin, ennen ja jälkeen illallisen, palatsin edessä puuteriperuukkiin ja valkoisiin sukkiin kuuntelemaan prinssin käskyjä. Sopimus velvoitti Haydnin kirjoittamaan kiireellisesti "mitä tahansa musiikkia, jota hänen herransa haluaa, olemaan näyttämättä kenellekään uusia sävellyksiä ja varsinkin olemaan sallimatta kenenkään kirjoittaa niitä pois, vaan pitämään ne yksinomaan herransa varten ja hänen tietämättään ja armollisesti lupa olla säveltämättä mitään kenellekään." Lisäksi Haydnilla oli velvollisuus noudattaa kappelissa järjestystä ja muusikoiden käyttäytymistä, antaa oppitunteja laulajille sekä olla vastuussa soittimien ja nuottien turvallisuudesta. Hän ei asunut palatsissa, vaan naapurikylässä, pienessä talossa. Eisenstadtista ruhtinashovi muutti talvella Wieniin. Ja Esterhazysta Haydn pääsi pääkaupunkiin vain satunnaisesti prinssin kanssa tai erityisellä luvalla. Monien Eisenstadtissa ja Esterhasessa viettämien vuosien aikana Haydn muuttui aloittelijasta muusikosta suureksi säveltäjäksi, jonka työ saavutti korkean taiteellisen täydellisyyden ja tunnustettiin paitsi Itävallassa, myös kaukana sen rajojen ulkopuolella. Niinpä hän kirjoitti kuusi "Pariisin sinfoniaa" (nro 82-87) Ranskan pääkaupungin tilauksesta, jossa ne kuulostivat menestyksekkäästi vuonna 1786. Haydnin tapaamiset Wolfgang Amadeus Mozartin kanssa Wienissä juontavat juurensa 1780-luvulle. Ystävällinen lähentyminen vaikutti suotuisasti molempien suurten muusikoiden työhön. Ajan myötä Haydn tuli yhä tietoisemmaksi riippuvaisesta asemastaan. Hänen kirjeissään ystävilleen Esterhazysta Wienistä, kirjoitetuissa vuoden 1790 alkupuoliskolla, on sellaisia ​​lauseita: "Nyt - istun erämaassani - hylättynä - kuin köyhä orpo - melkein ilman ihmisten seuraa - surullinen .. Viimeiset Esterhazyn ruhtinaat omistivat valtavia tiloja, heillä oli paljon palvelijoita ja he viettivät kuninkaallista elämää palatseissaan. Special 25 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla En tiennyt päiviin, olenko bändimestari vai bändinjohtaja... Surullista olla koko ajan orja...» Uusi käänne kohtalo. Matkat Englantiin. Miklós Esterházy kuoli syksyllä 1790. Hän oli valistunut musiikin ystävä, soitti kielisoittimia ja ei osannut arvostaa omalla tavallaan sellaista "musiikkipalvelijaa" kuin Haydn. Prinssi testamentaa hänelle suuren elinikäisen eläkkeen. Miklosen perillinen Antal, joka ei välittänyt musiikista, erotti kappelin. Mutta toivoen, että kuuluisa säveltäjä olisi jatkossakin hänen hovibändinänsä, hän jopa korotti käteismaksuja Haydnille, joka näin vapautui virallisista velvollisuuksista ja pystyi täysin luopumaan itsestään. Haydn muutti Wieniin aikomuksenaan säveltää musiikkia ja kieltäytyi aluksi tarjouksista vierailla muissa maissa. Mutta sitten hän suostui tarjoukseen tehdä pitkä matka Englantiin ja saapui vuoden 1791 alussa Lontooseen. Siten lähestyessään 60-vuotissyntymäpäiväänsä Haydn näki meren ensimmäistä kertaa omin silmin ja löysi itsensä ensimmäistä kertaa toisesta osavaltiosta. Toisin kuin Itävallassa, joka oli edelleen feodaali-aristokraattinen, Englanti oli pitkään ollut porvarillinen maa, ja sosiaalinen, mukaan lukien musiikillinen, elämä Lontoossa oli hyvin erilaista kuin Wienissä. Lontoossa, suuressa kaupungissa, jossa oli monia teollisuus- ja kaupallisia yrityksiä, konsertit eivät vallinneet valituille henkilöille, jotka oli kutsuttu aateliston palatseihin ja salongiin, vaan järjestettiin julkisissa halleissa, joihin kaikki tulivat maksua vastaan. Haydnin nimeä Englannissa ympäröi jo kunnian sädekehä. Sekä kuuluisat muusikot että korkea-arvoiset henkilöt kohtelivat häntä paitsi tasa-arvoisena myös erityisellä kunnioituksella. Hänen uudet teoksensa, joiden esityksessä hän toimi kapellimestarina, tapasivat innostuneesti ja heille maksettiin avokätisesti. Haydn johti suurta 40-50 hengen orkesteria, joka oli kaksi kertaa Esterhazy-kappelin kokoinen. Oxfordin yliopisto myönsi hänelle musiikin kunniatohtorin tutkinnon. Haydn palasi Wieniin puolitoista vuotta myöhemmin. Matkalla hän vieraili Saksan kaupungissa Bonnissa. Siellä hän tapasi ensimmäisen kerran nuoren Ludwig van Beethovenin, joka muutti pian Wieniin aikomuksenaan opiskella Haydnin johdolla. Mutta Beethoven ei ottanut häneltä oppia pitkään. Kaksi iältään ja luonteeltaan liian erilaista musiikkineroa eivät silloin löytäneet todellista keskinäistä ymmärrystä. Beethoven omisti kuitenkin kolme pianosonaattiaan (nro 1-3) Haydnille julkaisun aikana. Haydnin toinen matka Englantiin alkoi vuonna 1794 ja kesti jopa hieman yli puolitoista vuotta. Menestys oli jälleen voittoisa. Monista luoduista teoksista; näillä matkoilla ja niiden yhteydessä kaksitoista ns. Lontoon sinfoniaa olivat erityisen merkittäviä. Elämän ja luovuuden viimeiset vuodet. Esterházyn seuraava prinssi Miklós II oli edeltäjäänsä enemmän kiinnostunut musiikista. Siksi Haydn alkoi joskus juosta Wienistä Eisenstadtiin ja kirjoitti useita messuja prinssin käskystä. Säveltäjän viime vuosien pääteokset - kaksi monumentaalista oratoriota "Maailman luominen" ja "Vuodenajat" - esitettiin Wienissä suurella menestyksellä (toinen vuonna 1799, toinen vuonna 1801). Kuvaus muinaisesta kaaoksesta, josta maailma sitten syntyy, Maan luominen, elämän synty maapallolle ja ihmisen luominen - tällainen on ensimmäisen oratorion sisältö. Toisen oratorion neljä osaa ("Kevät", "Kesä", "Syksy", "Talvi") koostuvat hyvin kohdistetuista musiikillisista luonnoksista maaseutuluonnosta ja talonpojan elämästä. 26 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Vuoden 1803 jälkeen Haydn ei säveltänyt mitään muuta. Hän vietti hiljaa elämäänsä kirkkauden ja kunnian ympäröimänä. Haydn kuoli keväällä 1809, Napoleonin sotien huipulla, kun ranskalaiset saapuivat Wieniin. sellot ja kontrabassot. Puupuhallinryhmä koostuu huiluista, oboeista, klarineteista ja fagotteista 21. Haydnin vaskipuhallinryhmän muodostavat torvet ja pillit, ja hän käytti lyömäsoittimista vain timpaneja ja vasta viimeiseen, kahdestoista Lontoon sinfoniaan hän lisäsi kolmion , symbaalit ja rumpu. Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Mitä kolmea suurta säveltäjää kutsutaan wieniläisiksi musiikkiklassikoiksi? Mikä selittää tällaisen määritelmän? 2. Kerro meille Wienin musiikillisesta elämästä 1700-luvulla. 3. Nimeä Haydnin teosten tärkeimmät musiikkilajit. 4. Missä ja miten Haydnin lapsuus ja nuoruus kuluivat? 5. Miten Haydn aloitti itsenäisen matkansa? 6..Kuinka Haydnin elämä ja työ eteni hänen palveluksessaan ruhtinaiden Esterhazyn kappelissa? 7. Kerro meille Haydnin matkoista Englantiin ja hänen viimeisistä elämästään. Sinfoninen luovuus Kun Haydn kirjoitti ensimmäisen sinfoniansa vuonna 1759, monia tämän genren teoksia oli jo olemassa ja niitä tehtiin edelleen. Ne syntyivät Italiassa, Saksassa, Itävallassa ja muissa Euroopan maissa. Esimerkiksi 1700-luvun puolivälissä saksalaisessa Mannheimissa, jossa oli tuolloin paras orkesteri, sävelletyt ja esitettävät sinfoniat saivat yleistä mainetta. Niin kutsutun "Mannheim-koulun" säveltäjien joukossa oli monia tšekkejä. Yksi sinfonian esi-isistä on kolmiosainen italialainen oopperan alkusoitto (osien suhde tempon mukaan: "nopea-hidas-nopea".). Varhaisissa ("esiklassisissa") sinfonioissa polku tulevaan klassiseen sinfoniaan oli vielä tasoitettu, jonka tunnusmerkkejä olivat figuratiivisen sisällön merkitys ja muodon täydellisyys. Tällä tiellä Haydn saavutti kypsät sinfoniansa 1780-luvulla. Ja samaan aikaan ilmestyivät vielä hyvin nuoren Mozartin kypsät sinfoniat, jotka etenivät hämmästyttävän nopeasti taiteellisen mestaruuden korkeuksiin. Haydn loi Lontoon sinfoniansa, jotka kruunasivat hänen saavutuksensa tässä genressä, Mozartin ennenaikaisen kuoleman jälkeen, mikä järkytti häntä syvästi. Haydnin kypsissä sinfonioissa muodostui seuraava tyypillinen neliosaisen syklin kokoonpano: sonaatti allegro, hidas osa, menuetti ja finaali (yleensä rondon tai sonaattiallegron muodossa). Samalla orkesterin klassinen kokoonpano neljästä soitinryhmästä määräytyi pääpiirteissään. Johtava ryhmä - merkkijono. Se sisältää viulut, alttoviulut, Haydn ei aina käyttänyt klarinetteja. Jopa hänen Lontoon sinfonioissaan ne esiintyvät vain viidessä (kahdestatoista). 21 27 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Tämä sinfonia tunnetaan nimellä "Military". Joillekin Haydnin muille sinfonioille on myös nimiä. Useimmissa tapauksissa ne eivät ole säveltäjän itsensä antamia ja merkitsevät vain yhden yksityiskohdan, usein kuvallisen, esimerkiksi naksutuksen jäljitelmän sinfonian hitaassa osassa "Chicken" tai "tikki" - sinfonian hitaassa osassa " Tuntia". F-mollin sinfoniaan, jolle annettiin nimi "Farewell", liittyy erityinen tarina. Siinä on ylimääräinen viides osa (tarkemmin sanottuna coda-tyyppinen Adagio). Sen esityksen aikana orkesterin jäsenet yksitellen sammuttavat kynttilöitä konsoliensa luona, ottavat instrumentit ja lähtevät. Jäljelle jää vain kaksi viulistia, jotka hiljaa ja surullisesti soittavat viimeiset taktit ja myös lähtevät. Asialle on seuraava selitys. Kuin kerran kesällä prinssi Miklos I viivytteli Esterhazin kappelinsa muusikoita tavallista pidempään. Ja he halusivat saada lomaa mahdollisimman pian nähdäkseen perheensä, jotka asuivat Eisenstadtissa. Ja Farewell Symphonyn epätavallinen toinen finaali oli vihje näistä olosuhteista. Sinfonioiden lisäksi Haydnilla on monia muita teoksia orkesterille, mukaan lukien yli sata yksittäistä menuettia. Ja yhtäkkiä kaikki muuttuu iloisesti: sonaatti allegron näyttely alkaa. Hitaan tempon sijaan - nopea (Allegro con spirito - "Nopeasti, innostuneesti"), raskaiden basson unisonien sijaan - pääosan liikkuvan, tarttuvan iloisen tanssiteeman ensimmäinen motiivi syntyy samoista G:n soundeista. ja A-asunto korkeassa rekisterissä. Kaikki tämän teeman pääavaimessa esitetyt motiivit alkavat ensimmäisen soundin toistolla - ikään kuin kiihkeällä tallauksella: Sinfonia Es-duuri Tämä on yhdestoista Haydnin kahdestatoista "Lontoo-sinfonioista". Sen pääavain on E-duuri. Se tunnetaan nimellä "timpani tremolo sinfonia" 22. Sinfonia on neliosainen. Ensimmäinen osa alkaa hitaalla esittelyllä. Tonicille viritetty timpanin tremolo ("fraktio") kuulostaa pehmeästi. Se on kuin kaukainen ukkonen. Sitten esittelyn teema avautuu sileinä leveinä "reunuksina". Ensin sitä soittavat sellot, kontrabassot ja fagottit oktaavin unisonissa. Näyttää siltä, ​​että jotkut salaperäiset varjot leijuisivat hiljaa, joskus pysähtyvät. Täällä he epäröivät ja jäätyvät: johdannon viimeisissä tahdissa unisonit vuorottelevat useita kertoja viereisissä äänissä G ja A-flat pakottaen korvan odottamaan - mitä tapahtuu seuraavaksi? Teema toistetaan kahdesti pianokielisillä soittimilla, jota täydentää tanssihauskan villi pauhina, koko orkesterin vahvuus. Tämä jyrinä pyyhkäisee nopeasti ohi, ja ripaus mysteeriä ilmestyy jälleen yhdistävään osaan. Tonaalinen vakaus on rikki. B-duurissa (dominoiva E-duuri) on modulaatio - sivuosan sävel. Yhdysosassa ei ole uutta teemaa, mutta Timpani-teeman alkuperäinen motiivi kuuluu - puolipallot, joiden päälle on venytetty iho ja joita lyödään kahdella tikulla. Jokainen pallonpuolisko voi tuottaa vain yhden korkeuden äänen. Klassisissa sinfonioissa käytetään yleensä kahta pallonpuoliskoa, jotka on viritetty äänekkääseen ja hallitsevaan. 22 28 www.classON.ru Lasten koulutus pääosan venäläisen taiteen alalla ja kaukainen muistutus johdannon teemasta: Näyttely päättyy sivuosan avaimen vahvistamiseen (B-duuri). Näyttely toistetaan ja kehitys seuraa sitä. Se on kyllästetty moniäänisellä jäljitelmällä ja pääosan teemasta eristettyjen motiivien tonaal-harmonisella kehityksellä. Sivupelin teema ilmestyy kehityksen loppua kohti. Se esitetään kokonaan D-duurin sävelsävyssä, kaukana pääsävelestä, eli se näyttää ikään kuin uudessa, epätavallisessa valossa. Ja eräänä päivänä (yleisen fermatatauon jälkeen) esittelyn salaperäisen teeman intonaatiot ilmestyvät myös bassoon. Kehitys kuulostaa pääosin pianolta ja pianissimolta, ja vain satunnaisesti - forte ja fortissimo erillisillä sforzando-aksenteilla. Tämä lisää mysteerin vaikutelmaa. Pääjuhlan teeman aiheet muistuttavat kehitysvaiheessaan toisinaan fantastista tanssia. Voidaan kuvitella, että tämä on joidenkin salaperäisten valojen tanssia, jotka joskus vilkkuvat kirkkaasti. E-duurin sävelen reprisessä ei vain pääosa, vaan myös sivuosa toistetaan ja sideaine ohitetaan. Jotain mysteeriä näkyy koodissa. Se alkaa johdannon tapaan Adagio-tempolla, hiljaisella timpanitremololla ja hitailla yhteensopivilla liikkeillä. Mutta pian, aivan ensimmäisen osan lopussa, palaa vauhdikas tempo, kova ääni ja iloinen tanssin "stomppaus". Sinfonian toinen osa - Andante - on muunnelma kahdesta teemasta - laulu c-molli ja laulumarssi C-duurissa. Näiden niin sanottujen kaksoismuunnelmien rakenne on seuraava: ensimmäinen ja toinen teema hahmotellaan, sitten seuraavat: ensimmäisen teeman ensimmäinen muunnelma, toisen teeman ensimmäinen muunnelma, ensimmäisen teeman toinen muunnelma, toinen toisen teeman ja koodin muunnelma toisen teeman materiaalin perusteella. Tähän päivään asti tutkijat kiistelevät ensimmäisen aiheen kansallisuudesta. Kroatialaiset muusikot uskovat, että tämä on kroatialainen kansanlaulu ominaisuuksiltaan, kun taas unkarilaiset muusikot uskovat tämän olevan unkarilainen laulu. Serbit, bulgarialaiset ja puolalaiset löytävät siitä myös kansallisia piirteitään. Tätä kiistaa ei voida varmuudella ratkaista, koska tällaisen sivuosan teeman tallennukset ovat taas iloista tanssia. Mutta pääpuolueeseen verrattuna hän ei ole niin energinen, vaan siroisempi, naisellisempi. Melodia soi viuluilla oboen kanssa. Tyypillinen valssin säestys tuo tämän teeman lähemmäksi laskeutujaa - itävaltalainen ja eteläsaksalainen tanssi, yksi valssin esivanhemmista: 29 www.classON.ru Lasten koulutusta vanhan melodian ja sen sanojen venäläisen taiteen alalla ei löytynyt. Ilmeisesti useiden slaavilaisten ja unkarilaisten kappaleiden piirteet ovat sulautuneet siihen yhteen; tällainen on erityisesti omituinen liike lisättyyn sekuntiin (E-flat - fadiez): toisen teeman muunnelmat jatkavat sankarillista marssimista, jota koristavat virtuoosit kohdat - huilun armot. Ja suuressa koodissa tapahtuu odottamattomia käänteitä "musiikkitapahtumien" kehityksessä. Ensin marssiteema muuttuu lempeäksi, läpinäkyväksi ääneksi. Sitten siitä eristetty pisterytmi motiivi kehittyy intensiivisesti. Tämä johtaa äkilliseen Es-duurin tonaalisuuden ilmaantumiseen, jonka jälkeen marssiteeman viimeinen pätkä soi kirkkaasti ja juhlallisesti C-duurissa. Sinfonian kolmas osa - Menuetti - yhdistää alunperin korkean yhteiskunnan tanssin arvokkaan askeleen, oikeita leveitä hyppyjä ja synkopointeja melodiassa: laulu ja toinen, marssiva duuri. Ensimmäisen vastakohtana sillä on samalla jonkin verran affiniteettia sen kanssa - neljäs lyönti, melodian nouseva ja sitten laskeva suunta ja kohonnut neljäs askel (fadiez): Tämä hassu teema lähtee liikkeelle tasaisella, rauhallisella liikkeellä. Triossa - Menuetin keskiosassa, joka sijaitsee ensimmäisen osan ja sen tarkan toiston välissä23: Ensimmäisen teeman esitys pianolla ja pianissimo-kielisoittimilla on kuin leppoisaa kerrontaa, kuin tarinan alkua epätavallisista tapahtumista. Näistä ensimmäinen voidaan esittää äkillisen kovaäänisenä toisena, marssiteemana, jossa puhallinsoittimet lisätään jousiryhmään. Kerronnan sävy säilyy ensimmäisen teeman ensimmäisessä muunnelmassa. Mutta surulliset ja varovaiset kaiut liittyvät hänen ääneensä. Toisen teeman ensimmäisessä muunnelmassa sooloviulu värittää melodiaa hassuilla kuviollisilla jaksoilla. Ensimmäisen teeman toisessa muunnelmassa kerronta saa yhtäkkiä myrskyisän, kiihtyneen luonteen (käytetään kaikkia instrumentteja, myös timpaneja). Toisessa Menuetti (tai pikemminkin sen luonteeltaan äärimmäisen hienovaraiset osiot) erottuu kansan- ja arkiaiheista, toisaalta sinfonian ensimmäisestä ja toisesta osasta ja toisaalta sen viimeisestä. , neljäs osa - finaali. Tässä, kuten klassisen sonaattiallegrossa kuuluu olla, näyttelyssä pääosa esitetään E-duurin pääsävelsävyssä, sivuosa on B-duurin hallitsevassa sävelsävyssä ja toistossa molemmat ne soivat E-duurissa. Sivuosassa kuitenkin pitkään orkesteriteosten keskiosa esitettiin yleensä kolmella instrumentilla. Tästä tulee nimi "trio". 23 30 www.classON.ru Lasten koulutus taiteen alalla Venäjällä on täysin uusi aihe. Se on rakennettu pääjuhlan teeman materiaalille. johdettu ranskan sanasta "ronde", joka tarkoittaa "ympyrää" tai "pyöreää tanssia". Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Milloin Haydn ja Mozart tulivat säveltämään kypsät sinfoniansa? 2. Mistä osista Haydnin sinfonia yleensä koostuu? Nimeä Haydnin orkesterin soitinryhmät. 3. Mitä Haydnin sinfonioiden nimiä tiedät? 4. Miksi Haydnin Es-duuri sinfoniaa kutsutaan "tremololla tai Härällä"? Millä jaksolla se alkaa? 5. Kuvaile sonaattimuodon pääteemoja tämän sinfonian ensimmäisessä osassa. 6. Missä muodossa ja mistä aiheista sinfonian toinen osa kirjoitettiin? 7. Kuvaile kolmannen osan pääaiheet ja osiot. 8. Mikä on finaalin pää- ja sivuosien teemojen välisen korrelaation erikoisuus? Mikä on yhteys sinfonian ensimmäisen osan ja sen finaalin musiikin luonteen välillä? Siten käy ilmi, että koko finaali perustuu yhteen teemaan. Säveltäjä - ikään kuin monimutkaisessa pelissä - joko jatkaa teemaa kokonaan tai yhdistää taitavasti sen muunnelmia ja yksittäisiä elementtejä. Ja hän on kiehtova sinänsä. Loppujen lopuksi siihen ilmestyy ensin harmoninen perusta - niin kutsuttu kahden sarven "kultainen liike" - tyypillinen metsästyssarvien signaali. Ja vasta sitten tanssimelodia, joka on lähellä kroatialaisia ​​kansanlauluja, on päällekkäin tällä perusteella. Se alkaa yhden äänen "tamputtamisesta", ja jatkossa tätä motiivia toistetaan monta kertaa, jäljitellään, siirtyen äänestä toiseen. Tämä muistuttaa ensimmäisen osan pääteeman avausaiheesta ja sen kehittämisestä siellä. Lisäksi säveltäjä osoitti saman tempon finaalissa - Allegro con spirito. Näin finaalissa vihdoin hallitsee iloisen kansantanssin elementti. Mutta tässä sillä on erityinen luonne - se näyttää monimutkaiselta pyöreältä tanssilta, ryhmätanssilta, jossa tanssi yhdistetään lauluun ja pelitoimintaan. Tämän vahvistaa myös se, että näyttelyssä pääosa toistetaan pääavaimessa vielä kaksi kertaa - pienen siirtymäjakson ja sivuosan jälkeen. Toisin sanoen se näyttää jatkuvan tekemällä liikettä ympyrässä. Ja tämä tuo rondomuodon piirteitä sonaattimuotoon. Jo sana "rondo", kuten jo mainittiin, klaveria luovuutta Kun Haydn loi klaveriteoksiaan, piano korvasi vähitellen cembalon ja klavikordin musiikillisesta harjoituksesta. Haydn kirjoitti varhaiset sävellyksensä näille muinaisille kosketinsoittimille, ja myöhemmissä painoksissa hän alkoi merkitä "cembalolle tai pianolle" ja lopulta joskus vain "pianolle". Hänen klaveriteoksistaan ​​merkittävin paikka on soolosonaateilla. Aikaisemmin uskottiin, että Haydnilla oli niitä vain 52. Mutta sitten tutkijoiden etsintöjen ansiosta luku nousi 62:een. Tunnetuimmat niistä ovat sonaatit D-duuri ja e-molli24. Sonaatti D-duurissa Tämän sonaatin ensimmäisen osan aloittavan pääosan teemana on iloa ja iloisuutta roiskuva tanssi poikamaisen ilkikuristen oktaavihyppyjen, grace-sävelten, mordenttien ja äänien toistojen kanssa. Tällaista musiikkia voidaan myös kuvitella soitettavaksi operebuffassa: Aiemmissa painoksissa nämä sonaatit on painettu numeroilla "nro 37" ja "nro 34" ja myöhemmissä painoksissa "nro 50" ja "nro 53". . 24 31 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Mutta sitten ilkikuriset hyppyt pääosasta tunkeutuvat sivuosan teeman kehitykseen, ja sitten - nirso kulku Liikkeet yhdistävästä osasta. Siitä tulee jännittävämpi, lakaisevampi ja yhtäkkiä nopeasti rauhoittunut - ikään kuin jostain välittömästä päätöksestä. Sen jälkeen näyttely päättyy välinpitämättömästi tanssivaan loppujuhlaan. Kehityksessä on taas vilkasta meteliä. Täällä oktaavi hyppää pääosan teemasta, siirtyy vasemmalle kädelle, muuttuu vielä ilkivaltaisemmaksi, ja passage-liike saavuttaa vielä suuremman jännityksen ja laajan ulottuvuuden kuin näyttelyn toissijaisen osan teeman kehittämisessä. Repriisissä sivu- ja loppuosien soundi pääsävelsävyssä (D-duuri) vahvistaa lujasti iloisen tunnelman dominanssia. Voimakkaimman kontrastin tuo sonaattiin lyhyt toinen osa, joka on luonteeltaan hidas ja hillitty. Se on kirjoitettu samannimisellä d-molli avaimella. Musiikissa kuullaan sarabanden raskas polku - vanha tanssi, joka saa usein hautajaiskulkueen luonteen. Ja ilmeisissä melodisissa huudahduksissa, joissa on kolmoiskappaleita ja pilkullisia rytmisiä hahmoja, on yhtäläisyyttä unkarilaisten mustalaisten surumielisten melodioiden kanssa: Kuudennentoista iloiset, kiukuttelevat kohdat täyttävät yhdistävän osan. Ja sivuosan teema (A-duuri sävelsävyssä) on myös tanssittava, vain hillitympi, elegantti: 32 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla E-molli Sonaatti . Hän valmistautui siihen ahkerasti, mutta ei voinut sitten suorittaa sitä virkatehtäviensä vuoksi Esterhazyn kappelissa. On mahdollista, että unelmat kaukaisesta "ulkomaanmatkasta" ja niihin liittyvät kokemukset heijastuivat tuolloin syntyneeseen e-molli sonaattiin. Tämä on ainoa harvoista Haydnin pienistä sonaateista, joissa ensimmäisessä osassa yhdistyy selkeä lyyrinen luonne erittäin nopeaan tempoon. Tämän osan pääosan, jolla sonaatti alkaa, teema on myös erikoinen: Mutta Haydnin optimistisessa taiteessa synkät kuolemankuvat päihitetään aina kirkkailla elämänkuvilla. Ja tämän sonaatin d-molli toinen osa, joka ei pääty tonikkaan vaan hallitsevaan sointuun, kulkee suoraan kiihkeän D-duurifinaalin 25 yli. Finaali on rakennettu rondon muotoon, jossa pääteema - refrääni (D-duurin päänäppäimessä) - toistetaan kolme kertaa, ja sen toistojen välillä on vaihtuvia osia - jaksoja: ensimmäinen jakso on D-molli ja toinen - G-duuri. Täällä vain ensimmäisessä, d-molli jaksossa, murheelliset muistot lipsahtaa läpi - keskiosan kaiku. Toinen jakso, G-duuri, on jo huolimattomasti iloinen ja johtaa koomiseen oikean ja vasemman käden "huutoon" samassa sävelessä. Ja finaalin lentävä ja tanssiva pääteema (refrain rondo) on yksi Haydnin iloisimmista: Teeman avauslauseet muodostuvat tässä kahden elementin yhdistelmästä. Bassossa, vasemmassa kädessä, piano liikkuu mollilla tonic-triadilla - kuin kutsut kiirehtiä jonnekin kauas. Ja oikealla kädellä seuraa vapisevia, ikään kuin epäileviä, horjuvia motiiveja-vastauksia. Teeman yleinen liike on pehmeää, aaltoilevaa, huojuvaa. Lisäksi ensimmäisen osan koko - 6/8 - on tyypillistä barcarolle-genrelle - "lauluja vesillä"26. Linkkiosassa on modulaatio G-duuriin rinnakkain e-mollin kanssa - sivu- ja loppuosien sävel. Yhdys- ja loppuosat, jotka on täytetty kuudennentoista kappaleen liikkuvilla kohdilla, kehystävät sivuosan - kevyttä, unenomaista. Tämä on ilmaistu italiankielisillä sanoilla "attacca subito il Finale", joka tarkoittaa "aloittaa finaali välittömästi". Aluksi venetsialaisten gondolierien lauluja kutsuttiin barcarolleiksi. Genren nimi tulee italian sanasta "barca" - "vene". 25 26 33 www.classON.ru Lasten koulutusta taidealalla Venäjä ikään kuin kohoaa: luonto, signaalien äänessä, ikään kuin kutsuisi paluumatkalle, sydän tuntui käynnistyvän iloisessa ahdistuksessa! Ja tässä, sointusiirron jälkeen, ilmestyy kolmannen osan (finaalin) pääteema. Tämä on refrääni rondo-muodolle, jolla finaali on kirjoitettu. Se näyttää inspiroidulta säestyslaululta, joka auttaa ryntäämään "täydellä purjeella" kotimaihinsa: Eli rondo-muodon kaava finaalissa on seuraava: refrääni (E-molli), ensimmäinen jakso (E-duuri) , refrääni (E-molli), toinen jakso (E-duuri), refrääni (E-molli). Molemmat jaksot liittyvät refrääniin ja toisiinsa melodisella affiniteetilla. Kun yhdistävät, toissijaiset ja loppuosat soivat, mielikuvitus vetää houkuttelevia kuvia - kuinka vapaasti raikas tuuli puhaltaa, kuinka iloisesti nopea liike viedään eteenpäin. Edelleen pää-, liitos- ja loppuosien materiaaliin rakennetussa kehityksessä vallitsee poikkeamat molempien sävelten. Pää- eli ei-duuri-, vaan molli- tonaliteetissa avarammiksi tulleet toissijaiset ja loppuosat soivat reprisessä. Siitä huolimatta suru ja hengelliset epäilykset voitetaan vihdoin pyrkimällä tuntemattomaan etäisyyteen. Tämä on ensimmäisen osan viimeisten taktien merkitys, joissa pääjuhlan teeman kutsuva alku toistuu huomattavan paljon. Sonaatin toinen osa, hidas, G-duuri, on eräänlainen instrumentaalinen aaria, jossa on kevyttä mietiskelevää tunnelmaa. Hänen vaalea koloratuurinsa on täynnä kaikuja lintujen sirkusta, purojen nurinasta: Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Nimeä Haydnin klavier-musiikin päägenre. Kuinka monta hänen sonaattiaan tunnetaan? 2. Kuvaile D-duuri sonaatin ensimmäisen osan pääosat. Onko tässä osassa yhteys pää- ja sivuosien välillä? 3. Mitä kontrastia D-duuri sonaatin toinen osa tuo musiikkiin? Mikä on sen suhde finaaliin? 4. Kerro meille e-molli sonaatin ensimmäisen osan pääosan rakenteen ja luonteen piirteistä. Kehitä ja luonnehdi tämän osan muita aiheita ja osia. 5. Mikä on e-molli sonaatin toisen osan luonne? 6. Kerro meille e-molli sonaatin finaalin muodosta ja pääteeman luonteesta. Tärkeimmät teokset Yli 100 sinfoniaa (104) Sarja konserttoja eri soittimille ja orkesterille Yli 80 kvartettia (kahdelle viululle, alttoviululle ja sellolle) (83) 62 klaviersonaattia Creation and Seasons oratoriot 24 oopperaa Sovitukset skotlantilaisista ja irlantilaisista lauluista kuitenkin kuinka suloinen on rauhallinen lepo jossain kaukana, 34:n helmassa www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla, joka on kirjoitettu monissa genreissä - hänen sinfoniansa, instrumentaalikonsertot, erilaiset kamarikokoonpanot, pianosonaatit, Requiem kuorolle, solistit ja orkesteri. Mozartin epätavallisen varhainen ja nopeasti kehittynyt ilmiömäinen lahjakkuus syntyi hänen nimensä ympärille; legendaarisen "musiikin ihmeen" sädekehä. Kirkas ominaisuus; hänet antoi A. S. Pushkinin inspiroima taiteilija näytelmässä ("pieni tragedia") "Mozart ja Salieri". Sen pohjalta kirjoitettiin N. A. Rimski Korsakovin samanniminen ooppera 27. Mozart oli P.:n suosikkisäveltäjä. I. Tšaikovski 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Elämänpolku Perhe. Varhaislapsuus. Tammikuussa 1756 syntyneen Wolfgang Amadeus Mozartin syntymäpaikka on itävaltalainen Salzburg. Se on maalauksellisesti levinnyt Alppien itäiselle juurelle lasketun nopean Salzach-joen mäkisille rannoille. Salzburg oli pienen ruhtinaskunnan pääkaupunki, jonka hallitsijalla oli arkkipiispan hengellinen arvo. Wolfgang Amadeuksen isä Leopold Mozart palveli hänen kappelissaan. Hän oli vakava ja korkeasti koulutettu muusikko - tuottelias säveltäjä, viulisti, urkuri ja opettaja. Hänen julkaisemansa "Viulunsoiton koulu" levitettiin useisiin maihin, mukaan lukien Venäjälle. Leopoldin ja hänen vaimonsa Anna Marian seitsemästä lapsesta vain kaksi selvisi - nuorin poika Wolfgang Amadeus ja vanhempi tytär Maria Anna (Nannerl!) veli neljä ja puoli vuotta. Kun hänen isänsä alkoi opettaa erinomaiset kyvyt omaavaa Nannerlia soittamaan cembaloa, hän alkoi pian opiskella kolmivuotiaan Wolfgangin kanssa huomatessaan hänen hienoimman korvansa ja hämmästyttävän musiikillisen muistinsa, neljän vuoden ajan poika oli jo yrittänyt säveltää musiikkia, ja hänen isänsä äänitti ensimmäiset säilyneet cembalokappaleensa kirjoittajan ollessa vain viisivuotias. On tarina siitä, kuinka nelivuotias Wolfgang yritti säveltää klaverikonserton. Yhdessä kynän kanssa hän upotti sormensa mustesäiliöön ja laittoi tahrat musiikkipaperiin. Ei kun isäni kurkisteli tähän lapselliseen nauhoitukseen, hän löysi täplöiden kautta siitä epäilemättä musiikillisen merkityksen. Yksi suurimmista musiikin neroista, itävaltalainen säveltäjä Wolfgang Amadeus Mozart eli vain 35-vuotiaaksi. Näistä hän sävelsi musiikkia 30 vuoden ajan ja jätti yli 600 teoksen perinnön ja antoi korvaamattoman panoksen maailmantaiteen kultarahastoon. Uskollisimman, korkeimman arvion Mozartin luovasta lahjasta hänen elinaikanaan antoi hänen vanhempi aikalainen Joseph Haydn. "... Poikasi", hän sanoi kerran Wolfgang Amadeuksen isälle, "on suurin säveltäjä, jonka tunnen henkilökohtaisesti ja nimeltä; hänellä on makua ja sen lisäksi suurin osaaminen säveltämisestä. Wieniläisiksi klassikoiksi kutsutuille Haydnin ja Mozartin musiikille on yhteistä optimistinen aktiivinen-tehokas maailmankuva, yksinkertaisuuden ja luonnollisuuden yhdistelmä tunteiden ilmaisussa runollisella ylevyydellä ja syvyydellä. Samalla heidän taiteellisten kiinnostuksen kohteidensa välillä on merkittävä ero. Haydn on lähempänä folk-arki- ja lyyrisiä-eeppisiä kuvia ja Mozartia - itse asiassa lyyrisiä ja lyyris-dramaattisia. Mozartin taide on erityisen kiehtova herkkyydellä ihmisen tunnekokemuksille sekä tarkkuudella ja eloisuudella erilaisten ihmishahmojen ruumiillistumisessa. Tämä teki hänestä merkittävän oopperasäveltäjän. Hänen oopperansa, ja ennen kaikkea Figaron häät, Don Giovanni ja Taikahuilu, ovat menestyneet muuttumattomana kolmannen vuosisadan ajan, ja niitä on esitetty kaikkien musiikkiteattereiden näyttämöillä. Maailman konserttiohjelmiston yksi kunniallisimmista paikoista on Mozartin teokset, ja versio, että Salieri myrkytti Mozartin kateudesta, on vain legenda. Tšaikovski orkestroi neljä Mozartin pianopalaa ja sävelsi niistä Mozartiana-sarjan. 27 28 35 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla esittää viulukonserton... soittaa kosketinsoittimella nenäliinalla peitettynä sekä jos se olisi hänen silmiensä edessä, niin kaukaa hän nimeää kaikki äänet, jotka yksitellen tai sointuina ne otetaan klavierilla tai muulla soittimella tai julkaistaan ​​esineillä - kellolla, lasilla, kellolla. Lopulta hän improvisoi paitsi cembalolla myös urkuilla niin kauan kuin yleisö haluaa, ja millä tahansa, jopa vaikeimmalla, koskettimella, jota he kutsuvat... ”Ensimmäiset konserttimatkat. Leopold Mozart päätti alkaa tehdä konserttimatkoja suuriin musiikkikeskuksiin lahjakkaiden lastensa kanssa. Ensimmäinen matka - Saksan kaupunkiin Müncheniin - tapahtui vuoden 1762 alussa, kun Wolfgang oli tuskin kuusivuotias. Kuusi kuukautta myöhemmin Mozartin perhe lähti Wieniin. Siellä Wolfgang ja Nannerl esiintyivät keisarillisessa hovissa, menestyivät loistavasti, ja heille annettiin lahjoja. Kesällä 1763 Mozartit tekivät suuren matkan Pariisiin ja Lontooseen. Mutta ensin he vierailivat useissa Saksan kaupungeissa ja paluumatkalla - jälleen Pariisissa, samoin kuin Amsterdamissa, Haagissa, Genevessä ja useissa muissa kaupungeissa. Pienten Mozarttien, erityisesti Wolfgangin, esitykset herättivät yllätystä ja ihailua kaikkialla, jopa upeimmissa kuninkaallisissa hovissa. Wolfgang esiintyi silloisen tavan mukaan jalon yleisön edessä kirjailtu musta puku ja puuteriperuukki, mutta samalla hän käyttäytyi puhtaasti lapsellisella välittömyydellä, saattoi esimerkiksi hypätä polvilleen keisarinnalle. . 4-5 tuntia peräkkäin kestäneet konsertit olivat pienille muusikoille erittäin rasittavia ja yleisölle muuttuivat eräänlaiseksi viihteeksi. Tässä on se, mitä eräässä ilmoituksessa sanottiin: "... Kahdestoista vuotta oleva tyttö ja seitsemännen vuoden poika soittavat cembalokonserton. .. Lisäksi poika 36 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Konserttikiertue jatkui yli kolme vuotta ja toi Wolfgangille monia erilaisia ​​kokemuksia. Hän kuuli suuren määrän instrumentaali- ja lauluteoksia, tapasi erinomaisia ​​muusikoita (Lontoossa - Johann Sebastian Bachin nuorimman pojan, Johann Christianin kanssa). Esitysten välillä Wolfgang opiskeli sävellystä innostuneesti. Pariisissa neljä hänen sonaattiaan viululle ja cembalolle poistuivat painosta, mikä viittaa siihen, että nämä olivat seitsemänvuotiaan pojan teoksia. Lontoossa hän kirjoitti ensimmäiset sinfoniansa. Palaa Salzburgiin ja pysy Wienissä. Ensimmäinen ooppera. Vuoden 1766 lopussa koko perhe palasi Salzburgiin. Wolfgang alkoi systemaattisesti harjoittaa sävellystekniikkaa isänsä ohjauksessa. Mozartit viettivät koko vuoden 1768 Wienissä. Teatterin kanssa tehdyn sopimuksen mukaisesti kaksitoistavuotias Wolfgang kirjoitti italialaisia ​​malleja seuraten buffa-oopperan Kuvitteellinen yksinkertainen tyttö kolmessa kuukaudessa. Harjoitukset alkoivat, mutta esitystä alettiin lykätä ja sitten perua kokonaan (luultavasti kateellisten ihmisten juonittelun vuoksi). Se järjestettiin vasta ensi vuonna Salzburgissa. Wienissä Wolfgang sävelsi myös monia muita musiikkiteoksia, mukaan lukien viisi sinfoniaa, ja johti menestyksekkäästi juhlallisen messunsa uuden kirkon vihkimisen yhteydessä. Matkat Italiaan. Vuoden 1769 lopusta vuoden 1773 alkuun Wolfgang Amadeus teki isänsä kanssa kolme pitkää matkaa ympäri Italiaa. Tässä "musiikin maassa" nuori Mozart esiintyi suurella menestyksellä yli kymmenessä kaupungissa, mukaan lukien Rooma, Napoli, Milano ja Firenze. Hän johti sinfoniaa, soitti cembaloa, viulua ja urkuja, improvisoi sonaatteja ja fuugoja annetuille teemoille, aarioita annetuille teksteille, soitti erinomaisesti vaikeita teoksia katseesta ja toisti ne muilla sävelsävelillä. Hän vieraili kahdesti Bolognassa, jossa hän otti jonkin aikaa oppitunteja kuuluisalta opettajalta - teoreetilta ja säveltäjältä Padre Martinilta. Neljätoistavuotias Mozart valittiin loistavasti vaikean kokeen (kirjoitettuaan moniäänisen sävellyksen monimutkaisilla polyfonisilla tekniikoilla) poikkeuksena Bolognan filharmonisen akatemian jäseneksi. Ja peruskirjan mukaan siihen päästettiin vain muusikot, jotka olivat täyttäneet kaksikymmentä vuotta ja joilla oli kokemusta alustavasta oleskelusta tässä arvovaltaisessa laitoksessa. Roomassa vieraillessaan Sikstuksen kappelissa Vatikaanissa (paavin asuinpaikka) 29 Mozart kuuli kerran 1600-luvun italialaisen säveltäjän Gregorio Allegrin suuren moniäänisen hengellisen sävellyksen kahdelle kuorolle. Tämä teos katsottiin paavin omaisuudeksi, eikä sitä saa kopioida tai levittää. Mutta Mozart kirjoitti muistiin koko monimutkaisen kuoropartituurin, ja paavin kuoromies vahvisti äänityksen tarkkuuden. Italia - suuri paitsi musiikin, myös kuvataiteen ja arkkitehtuurin maa - antoi Mozartille runsaasti taiteellisia vaikutelmia. Häntä kiehtoi erityisesti vieraileminen oopperataloissa. Nuori mies hallitsi italialaista oopperatyyliä niin paljon, että hän kirjoitti lyhyessä ajassa kolme oopperaa, jotka sitten lavastettiin suurella menestyksellä Milanossa. Nämä ovat kaksi oopperasarjaa - "Mithridates, Pontuksen kuningas" ja "Lucius Sulla" - sekä mytologisen juonen pastoraalinen ooppera "Ascanio in Alba"30. Matkat Wieniin, Müncheniin, Mannheimiin, Pariisiin. Huolimatta loistavasta luovasta ja konserttimenestyksestä Wolfgang Amadeus ei päässyt palvelukseen minkään Italian osavaltion hallitsijan hovissa. Minun piti palata Salzburgiin. Täällä kuolleen arkkipiispan sijasta hallitsi uusi, despoottisempi ja töykeämpi hallitsija. Hänen palveluksessaan olevien Mozarttien oli vaikeampi saada lomaa uusille matkoille. Ja oopperatalo, jolle Mozart halusi säveltää, ei ollut Salzburgissa saatavilla, ja muut musiikillisen toiminnan mahdollisuudet olivat rajalliset. Kahden muusikon matka Wieniin oli mahdollista vain sen ansiosta, että Salzburgin arkkipiispa itse halusi vierailla Itävallan pääkaupungissa. Vastahakoisesti hän antoi myös Mozarteille luvan matkustaa; Münchenissä, jossa nuoren säveltäjän uusi ooppera buffa esitettiin. Ja seuraavalle matkalle vain Wolfgang Amadeus onnistui saamaan luvan suurilla vaikeuksilla. Hänen isänsä joutui jäämään Salzburgiin, ja hänen äitinsä lähti seuraamaan poikaansa. Ensimmäinen pitkä pysähdys tehtiin Saksan Mannheimin kaupungissa. Täällä yksi silloisen kuuluisan sinfoniaorkesterin johtajista, esiklassisen Mannheimin säveltäjäkoulun edustaja, otti Wolfgang Amadeuksen ja Anna Marian sydämellisesti vastaan ​​hänen talossaan. Mannheimissa italialaisten taiteilijoiden, mukaan lukien Michelangelon, säveltämä Mozart. 30 Pontuksen kuningaskunta on muinainen valtio Mustanmeren rannalla, pääasiassa nykyisellä Turkin rannikolla ("Pont Euxinus", eli "vieraanvarainen meri", Mustanmeren antiikin kreikkalainen nimi). Lucius Sulla on muinainen kreikkalainen sotilas- ja poliittinen hahmo. Pastoraali (italialaista sanaa "pastore" - "paimen") on teos, jonka juoni idealisoi elämää luonnon helmassa. Sikstuksen kappeli - paavien kotikirkko Vatikaanissa; se rakennettiin 1400-luvulla paavi Sixtus IV:n johdolla. Kappelin seinät ja katto on maalattu upeilla 29 37 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla useilla teoksilla, enimmäkseen instrumentaalisilla teoksilla, joita leimaa jo kypsä musiikkityyli. Mutta Wolfgang Amadeukselle ei täälläkään ollut vakituista työpaikkaa. Keväällä 1778 Mozart ja hänen äitinsä saapuivat Pariisiin. Toiveet saada siellä todellista tunnustusta ja saada näkyvä asema eivät kuitenkaan toteutuneet. Ranskan pääkaupungissa ihmelapsi, tämä näennäisesti elävä lelu, on jo unohdettu, eivätkä he kyenneet tunnistamaan nuoren muusikon kukoistavaa lahjakkuutta. Mozartilla ei ollut onnea konserttien järjestämisessä tai oopperatilauksen saamisessa. Hän eli surkeilla tuntituloilla, teatteria varten hän kykeni kirjoittamaan musiikkia vain pieneen baletti "Trinkets". Hänen kynänsä alta ilmestyi uusia merkittäviä teoksia, mutta sitten ne eivät herättäneet itseensä vakavaa huomiota. Ja kesällä Wolfgang Amadeus kärsi raskaasta surusta: hänen äitinsä sairastui ja kuoli. Ensi vuoden alussa Mozart palasi Salzburgiin. Ooppera Idomeneo. Erota arkkipiispan kanssa ja muuta Wieniin. Mozartin tulevien vuosien tärkeimmät tapahtumat olivat oopperan Idomeneo, Kreetan kuningas Münchenissä luominen ja näyttäminen, sen suuri menestys. Täällä italialaisen oopperasarjan parhaat ominaisuudet yhdistettiin Gluckin oopperauudistuksen periaatteisiin. Tämä tasoitti tietä Mozartin elävästi alkuperäisille oopperamestariteoksille. ... Se oli 1781. Mozart on 25-vuotias. Hän on kirjoittanut kolme ja puolisataa teosta, jotka ovat täynnä uusia luovia ideoita. Ja Salzburgin arkkipiispalle hän on vain musikaalinen palvelija, jota ylimielinen ja itsevaltainen isäntä sortaa ja nöyryyttää yhä enemmän, pakottaa hänet istumaan pöytään kansanhuoneessa "kokkien yläpuolella, mutta lakejien alapuolella", ei salli hänen mennä minne tahansa ilman lupaa, eikä esiintyä missään. Kaikki tämä tuli Mozartille sietämättömäksi, ja hän jätti eronsa. Arkkipiispa kieltäytyi hänestä kahdesti kirouksin ja loukkauksin, ja hänen seurueensa potkaisi töykeästi muusikon ulos ovesta. Mutta hän, saatuaan henkisen shokin, pysyi lujana päätöksessään. Mozart oli ensimmäinen suuri säveltäjä, joka ylpeänä murtautui taloudellisesti turvallisesta, mutta riippuvaisesta hovimuusikon asemasta. Wien: viimeinen vuosikymmen. Mozart asettui Wieniin. Vain satunnaisesti hän poistui hetkeksi Itävallan pääkaupungista, esimerkiksi Don Giovanni -oopperansa ensiesityksen yhteydessä Prahassa tai kahden konserttikiertueen aikana Saksassa. Vuonna 1782 hän meni naimisiin Constance Weberin kanssa, joka erottui iloisesta luonteestaan ​​ja musikaalisuudestaan. Yksi toisensa jälkeen syntyi lapsia (mutta kuudesta neljä kuoli vauvoina). Mozartin tulot konserttiesityksistä klavier-musiikkinsa esittäjänä, sävellysten ja oopperoiden julkaisemisesta olivat epäsäännölliset. Lisäksi Mozart ystävällisenä, luottavaisena ja epäkäytännöllisenä ihmisenä ei osannut hoitaa raha-asioita järkevästi. Nimitys vuoden 1787 lopulla niukasti palkattuun hovikamarimuusikkon tehtävään, joka sai käskyn säveltää vain tanssimusiikkia, ei pelastanut häntä usein koettavalta rahantarpeelta. Kaiken tämän vuoksi Mozart loi kymmenen Wienin vuoden aikana yli kaksi ja puolisataa uutta teosta. Heidän joukossaan loistivat hänen kirkkaimmat taiteelliset saavutuksensa monissa genreissä. Mozartin avioliittovuonna hänen säkenöivä laulunsa The Abduction from the Seraglio lavastettiin Wienissä suurella menestyksellä; huumori 31. Ja ooppera-buffa "The Marriage of Figaro", alkuperäinen kirjoittaja; genre "jolly draama" "Don Juan" ja satu "Magic Flute", joka syntyi viime Wienin vuosina, kuuluvat musiikkiteatterin korkeimpiin huippuihin ylipäätään! hänen historiansa. Mozart kirjoitti kesällä 1788 kolme hänen parasta sinfoniaansa, jotka osoittautuivat viimeisiksi, mukaan lukien g-molli (nro 40). Samalla vuosikymmenellä ilmestyi monia muita säveltäjän instrumentaalisia teoksia - neliosainen orkesteri "Little Night Serenade", joukko pianokonserttoja, sonaatteja ja erilaisia ​​kamarikokoonpanoja. Mozart omisti kuusi jousikvartettoaan Haydnille, jonka kanssa hän solmi lämpimiä ystävyyssuhteita. Mozart tutki suurella mielenkiinnolla Bachin ja Händelin teoksia näiden vuosien aikana. Mozartin uusin teos on Requiem, messu kuolleille kuorolle, solisteille ja orkesterille. Heinäkuussa 1791 mies, joka ei halunnut kertoa nimeään, tilasi sen säveltäjälle. Se vaikutti salaperäiseltä, saattoi herättää synkkiä aavistuksia. Vain muutaman vuoden kuluttua kävi ilmi, että tilaus tuli wieniläiseltä kreiviltä, ​​joka halusi ostaa jonkun toisen työn ja luovuttaa sen omakseen. Vakavasti sairaana Mozart ei kyennyt saattamaan Requiemiä kokonaan valmiiksi. Se valmistui yhden säveltäjän oppilaan luonnosten mukaan. On tarina, että suuren muusikon kuoleman aattona, joka seurasi 5. joulukuuta 1791 yöllä, ystävät lauloivat hänen kanssaan osia vielä keskeneräisestä teoksesta. Requiemin surullisen suunnittelun mukaisesti Mozartin musiikin inspiroitunut lyyrinen ja dramaattinen ilmaisu sai erityistä ylevyyttä ja vakavuutta. Varojen puutteen vuoksi Mozart haudattiin yhteiseen hautaan 31 32 Seragliolle - naispuoliselle varakkaiden itämaisten aatelisten koteihin. Latinan sana "requiem" tarkoittaa "rauhaa". 38 www.classON.ru Lasten koulutus taiteen alalla on Venäjällä heikkoa, eikä hänen tarkka hautapaikkansa ole tiedossa. Susannalle, kreivitärelle pukeutuneena mekkoihinsa. Vaimonsa häpeämänä Almavivan on pakko olla enää estämättä Figaroa ja Susantaa juhlimasta häitä, jotka päättävät "hullun päivän" iloisesti ja onnellisesti, täynnä kaikenlaisia ​​odottamattomia tapahtumia. Ooppera alkaa suuren suosion saavuttaneella alkusoitolla, jota esitetään usein sinfoniakonserteissa 34. Toisin kuin monet muut alkusoitot, tässä alkusoitossa ei käytetä itse oopperassa sointuvia teemoja. Tässä välittyy elävästi myöhemmän toiminnan yleinen tunnelma, sen kiehtova vauhti ja kiehuva iloisuus. Alkusoitto on kirjoitettu sonaattimuotoon, mutta ilman kehitystä, jonka korvaa lyhyt yhteys esittelyn ja reprisen välillä. Samalla viisi teemaa erottuu selkeästi, ja ne korvaavat nopeasti toisensa. Ensimmäinen ja toinen niistä muodostavat pääerän, kolmas ja neljäs - sivuerän, viides - viimeisen erän. Ne kaikki ovat energisiä, mutta samalla jokaisella on oma erityinen luonteensa. Pääosan ensimmäinen teema, jota soittavat jousisoittimet ja fagotit yhdessä, etenee ripeästi, ilkikurisesti: Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Mitä yhteistä on Mozartin musiikilla Haydnin musiikin kanssa? Ja mitä eroa on näiden kahden wieniläisen klassikon taiteellisten intressien välillä? 2. Kerro meille Wolfgang Amadeus Mozartin perheestä ja varhaislapsuudesta. 3. Missä maissa ja kaupungeissa Mozart esiintyi pienenä poikana? Millaisia ​​nämä esitykset menivät? 4. Minkä ikäisenä Mozart kirjoitti ensimmäisen oopperabuffaan? Mikä sen nimi oli ja mihin se on sijoitettu? 5. Kerro meille nuoren Mozartin matkoista Italiaan. 6. Missä kaupungeissa Mozart vieraili myöhemmin? Oliko hänen matkansa Pariisiin onnistunut? 7. Kerro meille Mozartin tauosta Salzburgin arkkipiispan kanssa. 8. Kuvaile Mozartin elämän ja työn viimeistä vuosikymmentä. Nimeä tärkeimmät hänen tänä aikana luomansa teokset. Ooppera "Figaron häät" Mozartin oopperan "Figaron häät" ensi-ilta tapahtui Wienissä vuonna 1786. Säveltäjä itse johti cembaloa kahdella ensimmäisellä esityksellä. Menestys oli valtava, monia, mutta mittaa toistettiin lisäyksillä. Tämän neljän näytöksen oopperan libreton (sanateksti) on kirjoittanut italiaksi Lorenzo da Ponte ranskalaisen kirjailijan Beaumarchais'n Hullu päivä eli Figaron häät komedian perusteella. Vuonna 1875 P. I. Tšaikovski käänsi tämän libreton venäjäksi, ja hänen käännöksessään ooppera esitetään maassamme. Mozart kutsui Figaron häitä oopperapuhujaksi. Mutta se ei ole vain viihdyttävä komedia, jossa on hauskoja tilanteita. Musiikki kuvaa päähenkilöt erilaisina elävinä ihmishahmoina. Ja Beaumarchais'n näytelmän pääidea oli lähellä Mozartia. Sillä se koostuu siitä, että kreivi Almaviva Figaron palvelija ja hänen morsiamensa palvelija Susanna osoittautuvat älykkäämmiksi ja kunnollisemmiksi kuin heidän tittelinsä isäntänsä, jonka juonittelut he taitavasti paljastavat. Kreivi itse on pitänyt Susannasta ja yrittää viivyttää tämän avioliittoa. Mutta Figaro ja Susanna ylittävät kekseliästi kaikki esiin tulevat esteet ja houkuttelevat viereensä kreivin vaimon ja nuoren sivun Cherubinon. jalon henkilön palveluksessa. Pääjuhlan yhdistävä teema, täytetty juhla eroaa pääasiassa muista, että sana "alkusoitto" on johdettu ranskan verbistä "ouvrir", joka tarkoittaa "avaa", "aloittaa". 33 34 39 www.classON.ru rohkeus Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla mittakaavassa, sivuosan ensimmäinen teema ilmestyy, jonka melodian esittävät viulut. Teemassa on rytmisesti oikukas, hieman oikukas, mutta sitkeä luonne: laulunumerot. Joten ensimmäinen soolonumero Figaron osassa (hänet uskottiin baritonille) - pieni aaria (cavatina) - soi heti sen jälkeen, kun Susanna ilmoitti sulhaselleen, että kreivi alkoi seurustella. Tältä osin Figaro hyräilee pilkkaasti melodiaa menuetin liikkeessä - uljaa korkean yhteiskunnan tanssia (cavatinan kolmiosaisen reprise-muodon ääriosat): Sivuosan toinen teema muistuttaa ratkaisevia huudahduksia: Ja loppuosan teema on tasapainoisin, ikään kuin kaiken ratkaiseva: osat toistuvat jo D-duurin pääsävelsävelessä. Niitä yhdistää coda, joka korostaa entisestään alkusoiton iloista ja eloisaa luonnetta. Tässä Mozartin oopperassa suuri paikka on lauluyhtyeillä, pääasiassa duetoilla (kahdelle hahmolle) ja terceteille (kolmelle hahmolle). Niitä erottavat resitatiivit ja cembalo. Ja toinen, kolmas ja viimeinen, neljäs näytös päättyvät finaaliin - suuriin kokoonpanoihin, joihin osallistuu kuudesta yksitoista hahmoa. Soolot ovat mukana toiminnan dynaamisessa kehityksessä eri tavoin, ja cavatinan keskiosassa hillitty liike korvataan nopealla, elegantilla kolmibittisellä melodialla - vakuuttavalla kaksitahtisella. Tässä Figaro ilmaisee jo päättäväisesti aikomuksensa estää isäntänsä salakavalat "suunnitelmat hinnalla millä hyvänsä: Se on osoitettu nuorelle Cherubino-sivulle. Hän kuuli vahingossa, kuinka kreivi yritti ilmaista rakkauttaan Suzannelle, ja tällainen ei-toivottu todistaja määrättiin asepalvelukseen. Figaro pilkkaa aariassaan iloisesti ja nokkelasti nykytilannetta maalaten hovielämän hemmoteltua nuorta miestä, kuvia ankarasta sotilaselämästä. Musiikissa tämä näkyy taitavasti yhdistämällä provokatiivista tanssittavuutta "militanteihin" fanfaariliikkeisiin. Tämä on kolme kertaa rondon muodossa soiva refrääni: Toinen on pieni laulumainen aaria "Kuuma veri kiihottaa sydäntä." Tämä on hillitympi tunnustus hellistä tunteista, joka on osoitettu arasti kreivitärelle itselleen: Susannaa (sopraano) kuvataan monissa kokoonpanoissa energiseksi, taitavaksi ja kekseliäksi, ei tässä huonompi kuin Figaro. Samalla hänen kuvansa on hienovaraisesti poetisoitu neljännen näytöksen kirkkaassa unenomaisessa aariassa. Siinä Susanna puhuttelee Figaroa henkisesti lempeällä vetoomuksella: Mitä tulee itse Cherubinoon (hänen osan esittää matala naisääni - mezzosopraano), häntä kuvataan kahdessa aariassa kiihkeäksi nuoreksi mieheksi, joka ei vieläkään pysty ymmärtämään omaansa. tunteita, valmis rakastumaan jokaiseen askeleeseen. Yksi niistä on sekä iloinen että vapiseva aaria "Kerro, en osaa selittää". Siinä yhdistyy melodisuus ja rytmi, ikään kuin ajoittain sykkivä jännityksestä: 41 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Kysymyksiä ja tehtäviä 1 . Milloin ja missä Mozartin Le nozze di Figaro sai ensi-iltansa? 2. Mihin komediaan sen libretto perustuu? 3. Mikä on tämän työn pääidea? 4. Miten oopperan alkusoitto on rakennettu? 5. Kerro meille Figaron osan kahden soolonumeron ominaisuuksista. 6. Mikä ääni on uskottu Cherubinon osalle? Laula hänen aarioidensa melodioita. 7. Miten Susannaa luonnehditaan kokoonpanoissa ja miten - neljännen näytöksen aariassa? Neljäs muunnelma (vasemman käden heittäminen oikean päälle) on päinvastoin rohkeammin lakaiseva. Viides muunnelma, jossa Andante grazioson alkuperäisen kiireettömän tempon tilalle tulee erittäin hidas - Adagio, on koloratuurilla väritetty melodinen instrumentaaliaaria. Ja sitten vauhdin muutos nopeaan (Allegro) vastaa viimeisen, kuudennen muunnelman iloista tanssihahmoa. Sonaatin toinen osa on Menuetti. Kuten tavallista, se on rakennettu kolmiosaiseen repriisimuotoon tarkalla toistolla ensimmäisen osan musiikin reprisissä. Niiden välissä on keskiosa (Trio) 35. Menuetin kaikissa osissa maskuliinisesti päättäväisiä ja valtavia lakaisuvia intonaatioita verrataan feminiinisiin lempeisiin ja pehmeisiin intonaatioihin, jotka ovat samankaltaisia ​​kuin ilmeikkäät lyyriset huudahdukset. Sonaatti A-duuri Clavier Mozartin tunnetulle A-duurisonaatille, jota yleisesti kutsutaan turkkilaiseksi marssisonaattiksi, on epätavallisen rakennettu sykli. Ensimmäinen osa ei ole sonaatti allegro, vaan kuusi muunnelmaa kevyestä ja rauhallisesta, nerokkaan siro teemasta. Se näyttää laululta, jonka voisi laulaa hyvällä, rauhallisella tuulella Wienin musiikkielämässä. Sen lempeästi keinuvalla rytmillä on samankaltaisuus Sicilianan - vanhan italialaisen tanssin tai tanssilaulun - liikettä: Sonaatin kolmannen osan (finaalin) säveltäjä kutsui "A11a Turcaksi" - "Turkkilaiseen tapaan". Myöhemmin tälle finaalille annettiin nimi "Turkish March". Turkin kansanmusiikin ja ammattimusiikin intonaatiorakenteen kanssa ei ole mitään yhteistä, mikä on epätavallista eurooppalaiselle korville. Mutta 1700-luvulla eurooppalaisessa, pääasiassa teatterimusiikissa, syntyi muoti marsseille, joita kutsutaan perinteisesti "turkkilaiseksi". He käyttävät "Janissary" -orkesterin sointiväriä, jota hallitsivat puhallin- ja lyömäsoittimet - isot ja virvelirummut, symbaalit, kolmio. Turkin armeijan jalkaväkiyksiköiden sotilaita kutsuttiin Janissareiksi. Eurooppalaiset pitivät marssien musiikkia villinä, meluisena, "barbaarisena". Variaatioiden välillä ei ole teräviä kontrasteja, mutta niillä kaikilla on erilainen luonne. Ensimmäisessä muunnelmassa vallitsee siro oikukas melodinen liike, toisessa - siro leikkisyys yhdistyy humoristiseen sävyyn (vasemman osan "ilkikuriset" armon nuotit ovat huomionarvoisia). Kolmas muunnelma - ainoa, joka ei ole kirjoitettu a-duurilla, vaan a-mollilla - on täynnä hieman surullisia melodisia figuraatioita, jotka liikkuvat tasaisesti, ikään kuin lempeällä ujoudella: Trion lopussa on nuotti "Minuetto da capo" . italia - "päästä", "alusta alkaen". 35 "Da capo" käännetty osoitteesta 42 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Finaali on kirjoitettu epätavalliseen muotoon. Se voidaan määritellä kolmiosaiseksi kuoroksi (A-duuri). Kertosäteen toistuva toisto antaa finaalin rakenteeseen rondon piirteitä. Ensimmäinen osa - helposti "kiertelevillä" motiiveilla (A-molli) - ja keskiosa - melodisella passage-liikkeellä (F-terävä molli) - yhdistyvät luonnollisesti siro tanssittavuus selkeään marssiasuun: Pitkään uskottiin, että Mozart sävelsi sonaatin A-duuri kesällä 1778 Pariisissa. Mutta sitten he löysivät tiedon, että tämä tapahtui muutama vuosi myöhemmin Wienissä. Sellainen tieto on sitäkin uskottavampi, koska siellä pidettiin vuonna 1782 Mozartin laulun "The Abduction from the Seralio" ensi-ilta. Siinä toiminta tapahtuu Turkissa ja alkusoiton musiikissa ja kahdessa marssimaisessa kuorossa on havaittavissa "janissari"-musiikin jäljitelmä. Sitä paitsi, onko se meluisa? Mozart lisäsi senaatin finaaliin taotun "Janitsari"-kodan A-duurissa vasta vuonna 1784, jolloin teos julkaistiin. On myös huomionarvoista, että sonaatissa, kuten "Seraglion sieppauksessa", suuri rooli kuuluu laulun ja marssin genreille. Kaikessa tässä ilmeni Mozartille hyvin ominainen yhteys instrumentaalimusiikin ja teatterimusiikin välillä. Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Mitä epätavallista on Mozartin A-duuri sonaatin syklissä? Kerro meille teeman luonteesta ja sen kuudesta muunnelmasta tämän työn ensimmäisessä osassa. 2. Mitä tanssityyliä käytetään sonaatin toisessa osassa? 3. Selitä, miksi A-duuri sonaatin finaalia kutsutaan turkkilaiseksi marssiksi. Mikä on sen rakenteen erikoisuus? Laula sen pääteemoista. 4. Mistä Mozartin musiikillisesta ja teatteriteoksesta hänen "Turkkilaisen marssin" musiikki kaikuu? Sinfonia g-molli Sävellys Wienissä vuonna 1788, Sinfonia g-molli! (nro 40) on yksi suuren säveltäjän inspiroituneimmista teoksista. Sinfonian ensimmäinen osa on erittäin nopeatempoinen sonaattiallegro. Se alkaa pääosan teemalla, joka valloittaa heti luottamuksellisena, vilpittömänä lyyrisenä tunnustuksena. Se lauletaan viuluilla muiden kielisoittimien pehmeästi heiluvan säestyksellä. Sen melodiassa on tunnistettavissa sama innostunut rytmi kuin Cherubinon ensimmäisen aarian alussa Figaron häät oopperasta (ks. esimerkki 37). Mutta nyt se on "aikuisempaa", vakavaa ja rohkeaa sanoitusta: Kertosäe (A-duuri) soi kolme kertaa, se on kuin eräänlainen "janitsaarinen melurefrääni", vasemman käden osassa on rummunheiton jäljitelmä. kuullut: Tältä osin "Turkkilainen marssi" joskus kutsuttiin "Rondo turkkilaiseen tyyliin" ("Rondo alla Turca"). 36 43 www.classON.ru Lasten koulutus taiteen alalla Venäjällä Pieni kehitysaskel). Mutta siinä ei ole kontrasteja, kaikki noudattaa yleistä kirkasta tunnelmaa, joka määräytyy alusta alkaen kielisoittimilla soivassa pääosassa: Hahmon maskuliinisuus vahvistuu yhdistävässä osassa, johon pääosa kehittyy . Mukana on modulaatio B-duuriksi rinnakkain g-mollin kanssa - sivuosan sävel. Sen teema on pääteemaan verrattuna kevyempi, siroisempi ja naisellisempi. Sitä värittävät kromaattiset intonaatiot sekä kielisoittimien ja puupuhallinsoittimien sointien vuorottelu: Seitsemännessä taktissa näkyy tässä kevyesti "lepattava" kahden 30 sekunnin sävelen figuuri. Jatkossa se joko tunkeutuu kaikkien teemojen melodisiin linjoihin tai näyttää kietoutuvan niiden ympärille esiintyen eri rekistereissä eri instrumenttien kanssa. Se on kuin rauhallisen luonnon äänien kaikuja. Vain ajoittain hieman häiriintyneinä ne kuullaan nyt läheltä, sitten kaukaa. Vakiintuneen perinteen mukaan sinfonian kolmas osa on Menuetti. Mutta siinä vain keskiosa - Trio - on selvästi perinteinen. Sujuvalla liikkeellä, äänten melodisuudella ja tonaliteetilla G-duurissa Trio käynnistää tämän Menuetin G-mollin pääosat, äärimmäiset osat, joka on kokonaisuudessaan lyyrisesti ja dramaattisesti intensiivisesti epätavallinen. Tuntuu siltä, ​​että Andantessa ruumiillistuneen luonnon hiljaisen pohdiskelun jälkeen minun oli nyt palattava sinfonian ensimmäistä osaa hallinneiden henkisten ahdistusten ja levottomuuden maailmaan. Tämä vastaa sinfonian pääsävelen - g-molli - paluuta: Loppuosassa tapahtuu uusi energiapurkaus. Tässä johtava rooli kuuluu pääjuhlan teeman ensimmäisen - kolmiäänisen - motiivin toistuvaan ja jatkuvaan kehittämiseen. Melko laajan kehityksen alkaessa pilvet näyttävät kerääntyvän innokkaasti. Kevyestä B-duurista tulee jyrkkä käännös f-terävän mollin synkän kaukaiseen säveleen. Kehityksessä pääjuhlan teema kehittyy dramaattisesti. Se käy läpi useita koskettimia, on jaettu erillisiin lauseisiin ja motiiveihin, ja niitä matkitaan usein orkesterin eri äänillä. Tämän teeman ensimmäinen motiivi sykkii erittäin kireästi. Mutta lopulta hänen pulsaationsa heikkenee, hillitsee hänen vapinaansa ja kosto tulee. Kehityksessä saavutetun suuren dramaattisen intensiteetin vaikutus näkyy kuitenkin tässä ensimmäisen osan osiossa. Tässä liitososan pituus kasvaa merkittävästi, se johtaa sivu- ja loppuosien esittämiseen ei enää duurissa, vaan g-mollin pääsävelsävelessä, mikä tekee niiden soundista dramaattisempaa. Sinfonian toinen osa on Andante Es-duuri. Se erottuu lyyris-dramaattisen ensimmäisen osan kanssa pehmeällä ja lempeällä rauhallisuudellaan. Andante-muoto on myös sonaatti (jossa g-molli on pääsävelnä ja sinfonian neljäs osa - finaali, joka menee erittäin nopeaan tahtiin. Finaali on kirjoitettu sonaattimuotoon. Sinfonian tämän osan pääteema on pääosan teema, joka yhdessä ensimmäisen osan pääosan teeman kanssa kuuluu kirkkaimpiin Mozartin instrumentaalisiin teemoihin. Mutta jos ensimmäisen osan teema kuulostaa lempeältä ja kunnioittavalta lyyrliseltä tunnustukselta, niin finaalin teema on intohimoinen lyyris-dramaattinen vetovoima, täynnä rohkeutta ja me päätämme 44 www.classON.ru Lasten koulutusta taiteessa Venäjä 2. Kerro meille sinfonian ensimmäisen osan pääteemoista ja niiden kehityksestä. 3. Mikä on sinfonian toisen ja kolmannen osan musiikin luonne? 4. Mikä on sinfonian finaalin johtava teema? Miten sen luonne eroaa ensimmäisen osan pääosan teeman luonteesta? 5. Miten finaalin pääosan teema on rakennettu? Mihin kehitys perustuu? Pääteokset Tämä tulinen vetovoima syntyy melodian nopeasta noususta sointujen äänten mukana, ja yhden äänen ympärillä kiertävät energiset melodiset hahmot näyttävät reagoivan sen impulsseihin. Kuten sinfonian ensimmäisessä osassa, finaalin sivuosan siro teema on erityisen kirkas näyttelyssä, kun se esitetään B-duurissa: 19 oopperaa Requiem Noin 50 sinfoniaa 27 konserttoa klavierille ja orkesterille 5 konserttoa viululle ja orkesteri Konsertot orkesterisäestyksen kanssa huiluille, klarineteille, fagotteille, käyrätorville, huiluille harppulla Jousikvartettit (yli 20) ja kvintetit Sonaatit klavierille, viululle ja klavierille Variaatioita, fantasioita, rondoja, menuetteja klavierille Viimeinen osa perustuu klavieriin pääosan teeman toinen elementti. Finaalin kehityksessä pääjuhlan teeman ensimmäinen, kutsuva elementti kehittyy erityisen intensiivisesti. Suuri dramaattinen jännitys saavutetaan harmonisten ja polyfonisten kehitysmenetelmien keskittymisellä - monissa koskettimissa johtaminen ja jäljittelevät nimenkutsut. Repriisissä sivuosan esitys g-mollin pääsävelsävyssä jää hieman surun varjoon. Ja pääosan teeman toinen elementti (positiiviset, energiset hahmot), kuten näyttelyssä, kuuluu reprisen viimeisen osan ytimeen. Lopputuloksena tämän nerokkaan Mazart-teoksen finaali muodostaa kirkkaan lyyrisen ja dramaattisen huipun koko sonaatti-sinfoniasyklistä, ennennäkemättömän tarkoituksenmukaisuudessaan figuratiivisen kehityksen kautta. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Suuri saksalainen säveltäjä Ludwig van Beethoven on nuorin kolmesta loistavasta muusikosta, joita kutsutaan wieniläisiksi klassikoiksi. Beethoven sattui elämään ja luomaan jo 1600- ja 1800-luvun vaihteessa, suurenmoisten yhteiskunnallisten muutosten ja mullistusten aikakaudella. Hänen nuoruutensa osui aikojen kanssa, Kysymyksiä ja tehtäviä 1 . Milloin ja missä Mozart loi sinfonian g-molli nro 40? 45 www.classON.ru Lasten taidekasvatus Venäjällä