Mikä on draaman määritelmä. Draama kirjallisuuden lajina

Koti / Entinen

Draama on kirjallinen genre (eepoksen ja sanoitusten ohella), joka sisältää taiteellisen maailman luomisen esityksen näyttämölle. Kuten eepos, se toistaa objektiivisen maailman eli ihmisiä, asioita, luonnonilmiöitä.

HAHMON LUONTEENPIIRTEET

1. Draama on vanhin kirjallisuuden laji, sen pääasiallinen ero muihin tulee samasta antiikista - synkretismistä, jolloin eri taiteen tyypit yhdistetään yhdeksi (muinaisen luovuuden synkretismi on taiteellisen sisällön ja taikuuden ykseydessä, mytologia , moraali).

2. Dramaattiset teokset ovat ehdollisia.

Pushkin sanoi: "Kaikista sävellyksistä epätodennäköisimpiä ovat dramaattiset."

3. Draama perustuu konfliktiin, tapahtumaan, joka saa aikaan toiminnan. Juoni muodostuu tapahtumista ja ihmisten teoista.

4. Draaman spesifisyys kirjallisuuden genrenä piilee taiteellisen puheen erityisessä organisoinnissa: toisin kuin eepos, draamassa ei ole kerrontaa ja hahmojen suora puhe, heidän dialoginsa ja monologinsa ovat ensiarvoisen tärkeitä.

Draama ei ole vain sanallinen (huomautukset "syrjään"), vaan myös lavastettu toiminta, joten hahmojen puhe (dialogit, monologit) on tärkeä. Jopa muinaisessa tragediassa kuoroilla oli tärkeä rooli (kirjailijan mielipiteen laulaminen), ja klassikoissa tätä roolia näyttelivät järkeilyt.

"Et voi olla näytelmäkirjailija olematta kaunopuheinen" (Didero).

"Hyvän näytelmän henkilöiden tulee puhua aforismeina. Tämä perinne on jatkunut pitkään" (M. Gorki).

5. Dramaattiseen teokseen liittyy pääsääntöisesti näyttämötehosteita, toiminnan nopeutta.

6. Dramaattinen erikoishahmo: epätavallinen (tietoiset aikomukset, muodostuneet ajatukset), vakiintunut luonne, toisin kuin eepos.

7. Dramaattiset teokset - volyymiltaan pieni.

Bunin huomautti tässä yhteydessä: "Meidän täytyy puristaa ajatus tarkkoihin muotoihin. Mutta se on niin jännittävää!".

8. Draamassa luodaan illuusio kirjoittajan täydellisestä poissaolosta. Tekijän puheesta draamassa jää vain huomautuksia - lyhyet ohjeet tekijästä toiminnan paikasta ja ajasta, ilmeistä, intonaatiosta jne.

9. Hahmojen käytös on teatraalista. Elämässä he eivät käyttäydy sillä tavalla eivätkä puhu sillä tavalla.

Muistakaamme Sobakevitšin vaimon luonnottomuus: "Feodulia Ivanovna pyysi istumaan, sanoen myös:" Ole hyvä! "ja teki liikkeen päällään, kuten kuningattaret esittävät näyttelijät. Sitten hän istuutui sohvalle peitettynä itsellään. merinovilla, eikä enää liikuttanut silmiään tai kulmakarvojaan, ei nenää."

PERINTEINEN KAAVIO KAIKKI DRAMAATTISET TEOKSET: ALTISTUS - sankarien esittäminen; LOAD - törmäys; TOIMENPITEEN KEHITTÄMINEN - kohtaussarja, idean kehitys; KULMINAATIO - konfliktin huippu; RATKAISUEHDOTUS.

Kirjallisuuden dramaattisella genrellä on kolme päägenreä: tragedia, komedia ja draama sanan suppeassa merkityksessä, mutta siinä on myös sellaisia genrejä kuin vaudeville, melodraama, tragikomedia.

Tragedia (kreikaksi tragoidia, lit. - vuohen laulu) - "dramaattinen genre, joka perustuu sankarillisten hahmojen traagiseen yhteentörmäykseen, sen traagiseen lopputulokseen ja täynnä paatos..."

Tragedia kuvaa todellisuutta joukkona sisäisiä ristiriitoja, se paljastaa todellisuuden konflikteja äärimmäisen intensiivisessä muodossa. Tämä on dramaattinen teos, joka perustuu sovittamattomaan elämän konfliktiin, joka johtaa sankarin kärsimykseen ja kuolemaan. Joten törmäyksessä rikosten, valheiden ja tekopyhyyden maailman kanssa edistyneiden humanististen ihanteiden kantaja tanskalainen prinssi Hamlet, W. Shakespearen samannimisen tragedian sankari, menehtyy traagisesti. Traagisten sankareiden kamppailussa ihmisen luonteen sankarilliset piirteet paljastuvat suurella täyteydellä.

Tragedialla on pitkä historia. Se syntyi uskonnollisista kulttiriiteistä, oli myytin näyttämöesitys. Teatterin tultua tragediasta tuli itsenäinen draamataiteen genre. Tragedioiden luojat olivat 500-luvun antiikin kreikkalaiset näytelmäkirjailijat. eKr e. Sophokles, Euripides, Aischylos, joka jätti täydelliset näytteitään. Ne heijastivat heimojärjestelmän perinteiden traagista törmäystä uuteen yhteiskuntajärjestykseen. Näytelmäkirjailijat havaitsivat ja kuvasivat nämä konfliktit pääasiassa mytologisella materiaalilla. Muinaisen tragedian sankari veti ratkaisemattomaan konfliktiin joko hallitsevan kohtalon (kohtalon) tahdosta tai jumalien tahdosta. Joten Aischyloksen tragedian "Prometheus Chaised" sankari kärsii, koska hän rikkoi Zeuksen tahtoa, kun hän antoi tulta ihmisille ja opetti heille käsitöitä. Sophokleen tragediassa "Oidipus Rex" sankari on tuomittu murhaajaksi, menemään naimisiin oman äitinsä kanssa. Muinainen tragedia sisälsi yleensä viisi näytöstä, ja se rakennettiin noudattaen "kolmea yksikköä" - paikka, aika, toiminta. Tragediat kirjoitettiin jakeisiin ja erottuivat puheen ylevyydestä; sen sankari oli "korkea sankari".

Komedia, kuten tragedia, sai alkunsa antiikin Kreikasta. Komedian "isä" on muinainen kreikkalainen näytelmäkirjailija Aristophanes (V-IV vuosisatoja eKr.). Teoksissaan hän pilkkasi Ateenan aristokratian ahneutta, verenhimoa ja moraalittomuutta, puolusti rauhallista patriarkaalista elämää ("Hevosmiehet", "Pilvet", "Lysistrata", "Sammakot").

Kansankomedia on ollut olemassa Venäjällä pitkään. Venäjän valistuksen erinomainen koomikko oli D.N. Fonvizin. Hänen komedia "Undergroth" pilkkasi armottomasti Prostakov-perheessä hallitsevaa "villiä aatelistoa". Kirjoitti komediat I.A. Krylov ("Oppitunti tyttäreille", "Muotikauppa"), nauraen ulkomaalaisten ihailusta.

1800-luvulla esimerkkejä satiirisesta, sosiorealistisesta komediasta on luonut A.S. Gribojedov ("Voi viisaudesta"), N.V. Gogol ("Tarkastaja"), A.N. Ostrovski ("Tuottoinen paikka", "Ihmisemme - tulemme toimeen" jne.). Jatkaen N. Gogolin perinteitä, A. Suhovo-Kobylin trilogiassa ("Krechinskyn häät", "Teko", "Tarelkinin kuolema") osoitti, kuinka byrokratia "sylki" koko Venäjän ja toi sille vahinkoon verrattavia ongelmia. aiheuttivat tataarit, mongolien ikeen ja Napoleonin hyökkäyksen. Kuuluisia komediaa M.E. Saltykov-Shchedrin ("Pazukhinin kuolema") ja A.N. Tolstoi ("Valaistuksen hedelmät"), joka jollain tavalla lähestyi tragediaa (ne sisältävät tragikomedian elementtejä).

Tragikomedia hylkää komedian ja tragedian moraalisen absoluutin. Sen taustalla oleva asenne liittyy tunteeseen olemassa olevien elämänkriteerien suhteellisuudesta. Moraaliperiaatteiden yliarviointi johtaa epävarmuuteen ja jopa niiden hylkäämiseen; subjektiivinen ja objektiivinen alku hämärtyy; todellisuuden epäselvä ymmärtäminen voi aiheuttaa kiinnostusta sitä kohtaan tai täydellistä välinpitämättömyyttä ja jopa maailman epäloogisuuden tunnustamista. Tragikoominen maailmankuva hallitsee heissä historian käännekohdissa, vaikka tragikoominen alku oli jo Euripideksen dramaturgiassa (Alcestis, Ion).

Draama on näytelmä, jossa on terävä konflikti, joka, toisin kuin traaginen, ei ole niin ylevä, arkipäiväisempi, tavallinen ja jotenkin ratkaistu. Draaman erikoisuus piilee ensinnäkin siinä, että se on rakennettu nykyaikaiselle, ei muinaiselle materiaalille, ja toiseksi draama perustaa uuden sankarin, joka kapinoi kohtaloaan ja olosuhteitaan vastaan. Draaman ja tragedian ero on konfliktin olemuksessa: traagiset konfliktit ovat ratkaisemattomia, koska niiden ratkaisu ei riipu henkilön henkilökohtaisesta tahdosta. Traaginen sankari joutuu traagiseen tilanteeseen tahattomasti, eikä tekemänsä virheen vuoksi. Dramaattiset konfliktit, toisin kuin traagiset, eivät ole ylitsepääsemättömiä. Ne perustuvat hahmojen yhteentörmäykseen sellaisten voimien, periaatteiden ja perinteiden kanssa, jotka vastustavat niitä ulkopuolelta. Jos draaman sankari kuolee, hänen kuolemansa on monella tapaa vapaaehtoisen päätöksen teko, ei traagisen toivottoman tilanteen tulos. Joten Katerina A. Ostrovskin "Ukkosmyrskyssä", äkillisesti huolissaan siitä, että hän oli rikkonut uskonnollisia ja moraalisia normeja, koska hän ei pysty elämään Kabanovien talon ahdistavassa ilmapiirissä, ryntää Volgaan. Tällainen irrottaminen tuotannosta ei ollut pakollista; Katerinan ja Borisin lähentymisen esteitä ei voida pitää ylitsepääsemättöminä: sankarittaren kapina olisi voinut päättyä toisin.

Mitä on dramaturgia? Vastaus tähän kysymykseen riippuu asiayhteydestä, jossa sanaa käytettiin. Ensinnäkin tämä on eräänlainen näyttämötuotantoon tarkoitettu kirjallisuus, joka tarkoittaa hahmojen vuorovaikutusta ulkomaailman kanssa, johon liittyy tekijän selitys.

Dramaturgia on myös teos, joka on rakennettu yhden periaatteen ja lakien mukaan.

Dramaturgian piirteet

Toiminnan tulee tapahtua nykymuodossa ja kehittyä nopeasti samassa paikassa. Katsojasta tulee todistaja, ja hänen on oltava jännityksessä ja empatiaa tapahtuvaan.
Tuotanto voi kattaa useita tunteja ja jopa vuosia. Toiminta ei kuitenkaan saisi kestää yli päivää lavalla, koska sitä rajoittavat katsojan katselumahdollisuudet.
Teoksen kronologiasta riippuen draama voi koostua yhdestä tai useammasta näytöksestä. Näin ollen ranskalaisen klassismin kirjallisuutta edustaa yleensä 5 näytöstä ja 2 näytöstä on ominaista espanjalaiselle dramaturgialle.
Kaikki näyttelijät draamassa on jaettu kahteen ryhmään - antagonisteihin ja päähenkilöihin (myös lavan ulkopuolisia hahmoja voi olla läsnä), ja jokainen esitys on kaksintaistelu. Mutta kirjoittajan ei tule tukea kenenkään puolta - katsoja voi vain arvailla teoksen kontekstin vihjeistä.

Draama rakentaminen

Draamalla on juoni, juoni, teema ja juoni.

Juoni on konflikti, hahmojen suhde tapahtumiin, jotka puolestaan sisältävät useita elementtejä: esittely, juoni, toiminnan kehitys, huipentuma, toiminnan taantuminen, loppu ja loppu.
Juoni on toisiinsa yhteydessä olevia todellisia tai kuvitteellisia tapahtumia aikajärjestyksessä. Sekä juoni että juoni ovat kertomus tapahtumista, mutta juoni on vain tosiasia tapahtuneesta ja juoni on syy-suhde.
Teema on dramaattisen teoksen pohjana oleva tapahtumasarja, jota yhdistää yksi ongelma, eli se, mitä kirjoittaja halusi katsojan tai lukijan ajattelevan.
Dramaattinen juonittelu on hahmojen vuorovaikutusta, joka vaikuttaa teoksen odotettuun tapahtumien kulkuun.

Draaman elementtejä

Näyttely - selvitys nykyisestä tilanteesta, joka aiheuttaa konfliktin.
Tie on konfliktin synnyttäminen tai sen kehittymisen edellytys.
Huipentuma on konfliktin kohokohta.
Loppu on päähenkilön vallankaappaus tai romahdus.
Lopullinen on konfliktin ratkaisu, joka voi päättyä kolmella tavalla: konflikti ratkeaa ja sillä on onnellinen loppu, konflikti ei ratkea tai konflikti ratkaistaan traagisesti - päähenkilön kuolema tai muu vetäytyminen sankari työstä finaalissa.

Kysymykseen "mitä on dramaturgia" voidaan nyt vastata toisella määritelmällä - se on teoria ja taide dramaattisen teoksen rakentamisesta. Sen tulisi nojautua tontin rakentamisen sääntöihin, olla suunnitelma ja pääidea. Mutta historiallisen kehityksen aikana dramaturgia, genret (tragedia, komedia, draama), sen elementit ja ilmaisukeinot muuttuivat, mikä jakoi dramaturgian historian useisiin sykleihin.

Dramaturgian synty

Ensimmäistä kertaa dramaturgian alkuperä todistettiin seinäkirjoituksilla ja papyruksilla muinaisen Egyptin aikakaudella, jossa oli myös juoni, huipentuma ja loppu. Papit, joilla oli tietoa jumalista, vaikuttivat Egyptin kansan tietoisuuteen juuri myyttien ansiosta.

Isisin, Osiriksen ja Horuksen myytti edusti egyptiläisille eräänlaista Raamattua. Dramaturgiaa kehitettiin edelleen antiikin Kreikassa 5-6-luvulla eKr. e. Tragedian genre syntyi antiikin kreikkalaisessa dramaturgiassa. Tragedian juoni ilmaistiin hyvän ja oikeudenmukaisen sankarin vastustajana pahalle. Finaali päättyi päähenkilön traagiseen kuolemaan ja sen piti herättää katsojassa voimakkaita tunteita sielunsa syväpuhdistuksesta. Tällä ilmiöllä on määritelmä - katarsis.

Myyttejä hallitsivat sotilaalliset ja poliittiset teemat, koska tuon ajan tragediat itse osallistuivat sotiin useammin kuin kerran. Muinaisen Kreikan dramaturgiaa edustavat seuraavat kuuluisat kirjailijat: Aischylus, Sophokles, Euripides. Tragedian lisäksi elvytettiin myös komedian genre, jossa Aristophanes teki maailman pääteeman. Ihmiset ovat kyllästyneitä sotiin ja viranomaisten laittomuuteen, joten he vaativat rauhallista ja rauhallista elämää. Komedia sai alkunsa sarjakuvista kappaleista, jotka olivat joskus jopa kevytmielisiä. Humanismi ja demokratia olivat pääajatuksia koomikkojen työssä. Sen ajan tunnetuimpia tragedioita ovat Aischyloksen näytelmät "Persialaiset" ja "Kahlittu Prometheus", Sophokleen "Oidipus Rex" ja Euripideksen "Medea".

Dramaturgian kehityksestä 2.-3. vuosisadalla eKr. e. vaikutteita muinaisten roomalaisten näytelmäkirjailijoiden: Plautus, Terence ja Seneca. Plautus tunsi myötätuntoa orjayhteiskunnan alempia kerroksia kohtaan, pilkkasi ahneita koronkoronnojia ja kauppiaita, joten hän täydensi niitä muinaisten kreikkalaisten tarinoiden pohjalta tarinoilla tavallisten kansalaisten vaikeasta elämästä. Hänen teoksissaan oli monia lauluja ja vitsejä, kirjailija oli suosittu aikalaistensa keskuudessa ja vaikutti myöhemmin eurooppalaiseen draamaan. Joten Moliere otti hänen kuuluisan komediansa "The Treasure" perustana kirjoittaessaan teostaan "The Miser".

Terence on myöhemmän sukupolven edustaja. Hän ei keskity ilmaisukeinoihin, vaan menee syvemmälle hahmojen hahmon psykologisen komponentin kuvaukseen, ja isien ja lasten väliset koti- ja perhekonfliktit tulevat komedian teemoiksi. Hänen kuuluisa näytelmänsä "Brothers" heijastaa tätä ongelmaa kaikkein eloisimmin.

Toinen näytelmäkirjailija, joka antoi suuren panoksen draaman kehitykseen, on Seneca. Hän oli Rooman keisarin Neron opettaja ja hänellä oli korkea asema hänen alaisuudessaan. Näytelmäkirjailijan tragediat ovat aina kehittyneet päähenkilön koston ympärille, mikä työnsi hänet hirvittäviin rikoksiin. Historioitsijat selittävät tämän verisillä julmuuksilla, joita tapahtui silloin keisarillisessa palatsissa. Senecan teos "Medea" vaikutti myöhemmin Länsi-Euroopan teatteriin, mutta toisin kuin Euripideksen "Medea", kuningatar esitetään negatiivisena hahmona, joka janoaa kostoa ja ei koe mitään tunteita.

Imperiumin aikakauden tragediat korvattiin toisella genrellä - pantomiimi. Tämä on musiikin ja laulun säestetty tanssi, jonka esitti yleensä yksi näyttelijä suu suljettuna. Mutta vielä suositumpia olivat sirkusesitykset amfiteattereissa - gladiaattoritaistelut ja vaunukilpailut, jotka johtivat moraalin rappeutumiseen ja Rooman valtakunnan romahtamiseen. Näytelmäkirjailijat esittelivät ensimmäistä kertaa läheisimmin yleisölle, mitä dramaturgia on, mutta teatteri tuhoutui ja draama heräsi uudelleen henkiin vasta puolen tuhannen vuoden kehitystauon jälkeen.

Liturginen draama

Rooman valtakunnan romahtamisen jälkeen dramaturgia herää uudelleen henkiin vasta 800-luvulla kirkollisissa riiteissä ja rukouksissa. Houkutellakseen mahdollisimman paljon ihmisiä palvomaan ja hallitsemaan joukkoja Jumalan palvonnan kautta, kirkko esittelee pieniä näyttäviä esityksiä, kuten Jeesuksen Kristuksen ylösnousemus tai muita raamatullisia tarinoita. Näin liturginen draama kehittyi.

Ihmiset kuitenkin kokoontuivat esityksiin ja hajaantuivat itse jumalanpalveluksesta, minkä seurauksena syntyi puoliliturginen draama - esitykset siirrettiin kuistille ja yleisölle ymmärrettävämpiin raamatullisiin tarinoihin perustuvia elämäntarinoita alkoi otetaan pohjaksi.

Dramaturgian elpyminen Euroopassa

Dramaturgia kehittyi edelleen renessanssin aikana 1300-1500-luvulla palaten muinaisen kulttuurin arvoihin. Muinaisten kreikkalaisten ja roomalaisten myyttien juonet inspiroivat renessanssin kirjailijoita

Italiassa teatteri alkoi elpyä, ammattimainen lähestymistapa näyttämötuotantoihin ilmestyi, syntyi sellainen musiikillinen teos kuin ooppera, komedia, tragedia ja pastoraali herätettiin henkiin - dramaturgian genre, jonka pääteema oli maaseutu. elämää. Komedia kehitysessään antoi kaksi suuntaa:

tieteellinen komedia, joka on suunniteltu koulutettujen ihmisten piirille;
katukomedia - naamioiden improvisaatioteatteri.

Italian dramaturgian tunnetuimpia edustajia ovat Angelo Beolco ("Coquette", "Komedia ilman otsikkoa"), Giangiorgio Trissino ("Sofonisba") ja Lodovico Ariosto ("Komedia rinnasta", "Rauhainen Orlando").

Englantilainen draama vahvistaa realismin teatterin asemaa. Myytit ja mysteerit korvaavat sosiofilosofisen elämänkäsityksen. Renessanssidraaman esi-isänä pidetään englantilaista näytelmäkirjailijaa Christopher Marloa ("Tamerlane", "Tohtori Faustin traaginen historia"). Realismin teatteria kehitettiin William Shakespearen johdolla, joka myös tuki humanistisia ideoita teoksissaan - Romeo ja Julia, Kuningas Lear, Othello, Hamlet. Tämän ajan kirjailijat kuuntelivat tavallisten ihmisten toiveita, ja näytelmien suosikkisankareita olivat yksinkertaiset, koronnaajat, soturit ja kurtisaanit sekä vaatimattomat uhrautuvat sankarittaret. Hahmot mukautuvat juoneen, joka välitti tuon ajan todellisuutta.

1600-1700-lukujen ajanjaksoa edustaa barokin ja klassismin dramaturgia. Humanismi suuntana häipyy taustalle ja sankari tuntee itsensä eksykseksi. Barokkiajat erottavat Jumalan ja ihmisen, eli nyt ihminen itse saa vaikuttaa omaan kohtaloonsa. Barokkidraaman pääsuunta on manierismi (maailman pysymättömyys ja ihmisen epävarma asema), joka on ominaista Lope de Vegan draamoille Fuente Ovehuna ja Sevillan tähti sekä Tirso de Molinan - Sevillan viettelijä -teoksille. , hurskas Martha.

Klassismi on barokin vastakohta lähinnä siksi, että se perustuu realismiin. Tragediasta tulee tärkein genre. Pierre Corneillen, Jean Racinen ja Jean-Baptiste Molieren teosten suosikkiteema on henkilökohtaisten ja kansalaisetujen, tunteiden ja velvollisuuden ristiriita. Valtion palveleminen on ihmisen korkein jalo tavoite. Tragedia "The Cid" toi suuren menestyksen Pierre Corneillelle, ja kaksi Jean Racinen näytelmää "Aleksanteri Suuri", "Thebais tai Brothers-viholliset" kirjoitettiin ja lavastettiin Molièren neuvoista.

Moliere oli tuon ajan suosituin näytelmäkirjailija, joka oli hallitsevan henkilön suojeluksessa ja jätti jälkeensä 32 eri genreissä kirjoitettua näytelmää. Merkittävimmät niistä ovat "Madcap", "Doctor in Love" ja "Imaginary Sick".

Valistuksen aikana kehitettiin kolme suuntausta: klassismi, sentimentalismi ja rokokoo, jotka vaikuttivat Englannin, Ranskan, Saksan ja Italian dramaturgiaan 1700-luvulla. Maailman epäoikeudenmukaisuudesta tavallisia ihmisiä kohtaan on tullut näytelmäkirjailijoiden pääteema. Yläluokka jakaa paikkoja tavallisten ihmisten kanssa. Enlightenment-teatteri vapauttaa ihmiset vakiintuneista ennakkoluuloista ja siitä tulee heille paitsi viihde, myös moraalinen koulu. Filistealainen draama on saamassa suosiota (George Lilo "The London Merchant" ja Edward Moore "The Gambler"), joka korostaa porvariston ongelmia pitäen niitä yhtä tärkeinä kuin kuninkaallisia ongelmia.

Goottilaista dramaturgiaa esitteli ensimmäistä kertaa John Home tragedioissa "Douglas" ja "Fatal Discovery", joiden teemat olivat perhe- ja arkiluonteisia. Ranskalaista draamaa edusti laajemmin runoilija, historioitsija ja publicisti Francois Voltaire (Oidipus, Caesarin kuolema, Tuhlaajapoika). John Gay ("Kerjäläisooppera") ja Bertolt Brecht ("Kolmenpenninen ooppera") avasivat komedialle uusia suuntauksia – moralisoivaa ja realistista. Ja Henry Fielding kritisoi lähes aina Englannin poliittista järjestelmää satiirisilla komedioilla (Love in Various Disguises, The Coffeehouse Politician), teatteriparodioilla (Pasquin), farsseilla ja balladioopperoilla (The Lottery, The Schemer Maid), minkä jälkeen laki teatterisensuurista. esiteltiin.

Koska Saksa on romantiikan esi-isä, saksalainen dramaturgia kehittyi eniten 1700- ja 1800-luvuilla. Teosten päähenkilö on idealisoitu luovasti lahjakas ihminen, joka vastustaa todellista maailmaa. F. Schellingillä oli suuri vaikutus romantiikan maailmankuvaan. Myöhemmin Gotthald Lessing julkaisi teoksensa "Hamburgin dramaturgia", jossa hän kritisoi klassismia ja edisti Shakespearen valistusrealismin ajatuksia. Johann Goethe ja Friedrich Schiller luovat Weimar-teatterin ja parantavat näyttelijäkoulua. Heinrich von Kleistiä ("Schroffensteinin perhe", "Homburgin prinssi Friedrich") ja Johann Ludwig Tieckiä ("Puss in Boots", "The World Inside Out") pidetään saksalaisen dramaturgian kirkkaimpina edustajina.

Dramaturgian kukoistus Venäjällä

Venäläinen draama alkoi kehittyä aktiivisesti 1700-luvulla klassismin edustajana - AP Sumarokov, jota kutsuttiin "venäläisen teatterin isäksi", jonka tragediat ("Hirviöt", "Narcissus", "Vartija", "Mielikuvituksen askare") keskittyivät Molièren työhön. Mutta juuri 1800-luvulla tällä suunnalla oli merkittävä rooli kulttuurin historiassa.

Venäläisissä näytelmissä kehittyi useita genrejä. Nämä ovat VA Ozerovin ("Jaropolk ja Oleg", "Oidipus Ateenassa", "Dimitri Donskoy") tragediat, jotka kuvastivat Napoleonin sotien aikana ajankohtaisia sosiopoliittisia ongelmia, I. Krylovin ("Hullut") satiiriset komediat. Perhe”, "Kahvitalo") sekä A. Griboedovin ("Voi nokkeluudesta"), N. Gogolin ("Valtioneuvoston tarkastaja") ja A. Puškinin ("Boriss Godunov", "Pitolujuus") opetusdraamoja. Rutto").

1800-luvun jälkipuoliskolla realismi vakiinnutti asemansa venäläisissä näytelmissä, ja A. Ostrovskista tuli tämän suunnan silmiinpistävin näytelmäkirjailija. Hänen työnsä koostuivat historiallisista näytelmistä ("Voevoda"), draamista ("Ukonilma"), satiirisista komedioista ("Sudet ja lampaat") ja saduista. Teosten päähenkilönä oli kekseliäs seikkailija, kauppias ja maakuntanäyttelijä.

Uuden suunnan piirteet

Ajanjakso 1800- ja 1900-luvulta tuo meidät uuteen draamaan, joka on naturalistinen dramaturgia. Tämän ajan kirjoittajat pyrkivät välittämään "todellista" elämää näyttäen tuon ajan ihmisten elämän rumiimmat puolet. Ihmisen toimintaa ei määrittänyt vain hänen sisäinen vakaumus, vaan myös siihen vaikuttaneet ympäröivät olosuhteet, joten teoksen päähenkilönä ei voinut olla yksi henkilö, vaan jopa koko perhe tai erillinen ongelma, tapahtuma.

Uusi draama edustaa useita kirjallisia virtauksia. Niitä kaikkia yhdistää näytelmäkirjailijoiden huomio hahmon mielentilaan, todellisuuden uskottava välittäminen ja kaikkien ihmisen toimien selittäminen luonnontieteellisestä näkökulmasta. Uuden draaman perustaja oli Henrik Ibsen, ja naturalismin vaikutus ilmeni selvimmin hänen näytelmässään Ghosts.

1900-luvun teatterikulttuurissa alkaa kehittyä 4 pääsuuntaa - symbolismi, ekspressionismi, dadaismi ja surrealismi. Kaikkia näiden dramaturgian suuntausten perustajia yhdisti perinteisen kulttuurin hylkääminen ja uusien ilmaisukeinojen etsiminen. Maeterlinck ("Sokea", "Joan of Arc") ja Hofmannsthal ("Hullu ja kuolema") käyttävät symbolismin edustajina kuolemaa ja ihmisen roolia yhteiskunnassa näytelmiensä pääteemana ja Hugo Ball, Dadaistisen dramaturgian edustaja korosti ihmisen olemassaolon merkityksettömyyttä ja kaikkien uskomusten täydellistä kieltämistä. Surrealismi liittyy Andre Bretonin ("Please") nimeen, jonka teosten sankareita leimaa epäjohdonmukainen dialogi ja itsetuho. Ekspressionistinen draama perii romantiikan, jossa päähenkilö vastustaa koko maailmaa. Tämän dramaturgian suuntauksen edustajia olivat Gan Jost ("Nuori mies", "Eraka"), Arnolt Bronnen ("Mellakka Jumalaa vastaan") ja Frank Wedekind ("Pandoran lipas").

nykyaikainen draama

1900-2000-luvun vaihteessa moderni dramaturgia menetti asemansa ja siirtyi etsimään uusia genrejä ja ilmaisukeinoja. Venäjällä muotoutui eksistentialismin suunta, jonka jälkeen se kehittyi Saksassa ja Ranskassa.

Jean-Paul Sartre draamissaan ("Suljettujen ovien takana", "Kärpäset") ja muut näytelmäkirjailijat valitsevat teostensa sankariksi ihmisen, joka ajattelee jatkuvasti ajattelematonta elämäntapaa. Tämä pelko saa hänet ajattelemaan ympäröivän maailman epätäydellisyyttä ja muuttamaan sitä.

Franz Kafkan vaikutuksesta syntyy absurdin teatteri, joka kieltää realistiset hahmot, ja näytelmäkirjailijoiden teokset on kirjoitettu toistuvien dialogien, toimien epäjohdonmukaisuuden ja syy-suhteiden puuttumisen muotoon. Venäläinen dramaturgia valitsee pääteemaksi universaalit inhimilliset arvot. Hän puolustaa miehen ihanteita ja pyrkii kauneuteen.

Kirjallisuuden draaman kehitys liittyy suoraan maailman historiallisten tapahtumien kulkuun. Eri maiden näytelmäkirjailijat, jatkuvasti yhteiskuntapoliittisten ongelmien vaikutuksen alaisina, johtivat usein itse taiteen suuntauksia ja vaikuttivat siten massoihin. Dramaturgian kukoistus osui Rooman valtakunnan, muinaisen Egyptin ja Kreikan aikakauteen, jonka aikana draaman muodot ja elementit muuttuivat ja teosten teema joko toi juoneeseen uusia ongelmia tai palasi draaman aikakauteen. vanhat antiikin ongelmat. Ja jos ensimmäisten vuosituhansien näytelmäkirjailijat kiinnittivät huomiota puheen ilmaisukykyyn ja sankarin luonteeseen, joka ilmenee selkeimmin tuon ajan näytelmäkirjailijan - Shakespearen - työssä, niin modernin suunnan edustajat vahvistivat roolia ilmapiiri ja alateksti teoksissaan. Edellisen perusteella voimme antaa kolmannen vastauksen kysymykseen: mitä on dramaturgia? Nämä ovat dramaattisia teoksia, joita yhdistää yksi aikakausi, maa tai kirjailija.

Kulttuurisen kehityksen vuosituhansien aikana ihmiskunta on luonut lukemattomia kirjallisia teoksia, joiden joukossa on joitain perustyyppejä, jotka ovat samanlaisia tavaltaan ja muodoltaan samankaltaisia ihmisten käsityksiä ympäröivästä maailmasta. Nämä ovat kolmen tyyppistä (tai tyyppiä) kirjallisuutta: eepos, draama, runous.

Miten jokainen kirjallisuustyyppi eroaa?

Epos on eräänlainen kirjallisuus

eeppinen(epos - kreikka, kerronta, tarina) on kuva tapahtumista, ilmiöistä, prosesseista, jotka ovat tekijän ulkopuolisia. Eepiset teokset heijastavat objektiivista elämänkulkua, ihmisen olemassaoloa kokonaisuutena. Erilaisten taiteellisten keinojen avulla eeppisten teosten tekijät ilmaisevat ymmärrystään historiallisista, sosiopoliittisista, moraalisista, psykologisista ja monista muista ongelmista, joiden kanssa ihmisyhteiskunta kokonaisuutena ja erityisesti jokainen sen edustaja elää. Eepisilla teoksilla on merkittäviä kuvallisia mahdollisuuksia, mikä auttaa lukijaa oppimaan ympäröivästä maailmasta, ymmärtämään ihmisen olemassaolon syviä ongelmia.

Draama on eräänlainen kirjallisuus

Draama(draama - kreikka, toiminta, toiminta) on eräänlainen kirjallisuus, jonka pääpiirre on teosten näyttämöllinen luonne. Leikkeet, ts. dramaattisia teoksia luodaan nimenomaan teatteria varten, lavalle lavalle, mikä ei tietenkään sulje pois niiden olemassaoloa luettavaksi tarkoitettujen itsenäisten kirjallisten tekstien muodossa. Kuten eepos, draama toistaa ihmisten välistä suhdetta, heidän toimintaansa, heidän välilleen syntyviä konflikteja. Mutta toisin kuin eepos, jolla on kerronnallinen luonne, draamalla on dialoginen muoto.

Liittyy tähän dramaattisten teosten piirteitä :

2) näytelmän teksti koostuu hahmojen keskusteluista: heidän monologeistaan (yhden hahmon puhe), dialogeista (kahden hahmon keskustelusta), polylogeista (usean toiminnan osallistujan samanaikainen puheenvaihto). Siksi puheominaisuus osoittautuu yhdeksi tärkeimmistä tavoista luoda sankarista ikimuistoinen hahmo;

3) näytelmän toiminta kehittyy pääsääntöisesti melko dynaamisesti, intensiivisesti, pääsääntöisesti sille annetaan 2-3 tuntia lava-aikaa.

Sanoitukset eräänlaisena kirjallisuutena

Sanoitukset(lyra - kreikka, musiikki-instrumentti, jonka säestyksellä esitettiin runollisia teoksia, lauluja) erottuu erityisestä taiteellisen kuvan rakentamisesta - tämä on kuvakokemus, jossa henkilökohtainen emotionaalinen ja henkinen kokemus kirjailija ruumiillistuu. Sanoitukset voidaan kutsua mysteerisimmäksi kirjallisuuden lajiksi, koska se on osoitettu ihmisen sisäiselle maailmalle, hänen subjektiivisille tunteilleen, ideoille, ideoille. Toisin sanoen lyyrinen teos palvelee ensisijaisesti tekijän yksilöllistä itseilmaisua. Herää kysymys: miksi lukijat, ts. muut ihmiset viittaavat sellaisiin teoksiin? Asia on siinä, että omasta puolestaan ja itsestään puhuva sanoittaja ilmentää yllättävän yleisinhimillisiä tunteita, ideoita, toiveita, ja mitä merkittävämpi tekijän persoona on, sitä tärkeämpi hänen yksilöllinen kokemus on lukijalle.

Jokaisella kirjallisuustyypillä on myös oma genrejärjestelmänsä.

genre(genre - ranskalainen suku, laji) - historiallisesti vakiintunut kirjallinen teos, jolla on samanlaiset typologiset piirteet. Genrejen nimet auttavat lukijaa navigoimaan kirjallisuuden rajattomassa meressä: joku rakastaa dekkareita, toinen fantasiaa ja kolmas on muistelmien ystävä.

Kuinka määrittää Mihin genreen kyseinen teos kuuluu? Useimmiten kirjoittajat itse auttavat meitä tässä, kutsuen luomuksiaan romaaniksi, tarinaksi, runoksi jne. Jotkut kirjoittajien määritelmät näyttävät kuitenkin meille odottamattomilta: muista, että A.P. Tšehov korosti, että Kirsikkatarha on komedia, eikä ollenkaan draama, vaan A.I. Solženitsyn piti "Yksi päivä Ivan Denisovitšin elämässä" tarinana, ei tarinana. Jotkut kirjallisuuskriitikot kutsuvat venäläistä kirjallisuutta genreparadoksien kokoelmaksi: romaani säkeessä "Jevgeni Onegin", runo proosassa "Kuolleet sielut", satiirinen kronikka "Kaupungin historia". L.N.:n "Sota ja rauha" herätti paljon kiistaa. Tolstoi. Kirjoittaja itse sanoi vain siitä, mitä hänen kirjansa ei ole: "Mitä on sota ja rauha? Tämä ei ole romaani, vielä vähemmän runo, vielä vähemmän historiallinen kronikka. "Sota ja rauha" on mitä kirjoittaja halusi ja osasi ilmaista siinä muodossa, jossa se ilmaistiin. Ja vasta 1900-luvulla kirjallisuuskriitikot suostuivat kutsumaan L.N:n loistavaa luomusta. Tolstoin eeppinen romaani.

Jokaisella kirjallisella genrellä on useita vakaita piirteitä, joiden tunteminen mahdollistaa tietyn teoksen liittämisen yhdelle tai toiselle ryhmälle. Genret kehittyvät, muuttuvat, kuolevat ja syntyvät, esimerkiksi kirjaimellisesti silmiemme edessä on syntynyt uusi blogigenre (web loq englantilainen verkkolehti) - henkilökohtainen Internet-päiväkirja.

Kuitenkin jo useiden vuosisatojen ajan on ollut vakaita (niitä kutsutaan myös kanonisiksi) genrejä.

Kirjallisten teosten kirjallisuus - katso taulukko 1).

Pöytä 1.

Kirjallisten teosten lajityypit

Kirjallisuuden eeppisiä genrejä

Eeppiset genret eroavat ensisijaisesti volyymiltaan, ja tämän perusteella ne jaetaan pieniin ( essee, novelli, novelli, satu, vertaus ), keskiverto ( tarina ), iso ( romaani, eeppinen romaani ).

Ominaisuusartikkeli- pieni luonnos luonnosta, genre on sekä kuvailevaa että kerrottavaa. Monet esseet luodaan dokumentaarisesti, elämäpohjalta, ne yhdistetään usein sykleiksi: klassinen esimerkki on englantilaisen kirjailijan Laurence Sternen "Tunteellinen matka Ranskan ja Italian läpi" (1768), venäläisessä kirjallisuudessa "Matka Pietarista. Pietarista Moskovaan” (1790) A. Radishcheva, "Frigate Pallada" (1858) I. Goncharov "Italia" (1922) B. Zaitsev ja muut.

Tarina- pieni kerrontagenre, joka yleensä kuvaa yhtä jaksoa, tapausta, ihmishahmoa tai tärkeää tapahtumaa sankarin elämästä, joka vaikutti hänen tulevaan kohtalokseen (L. Tolstoin "After the Ball"). Tarinat syntyvät sekä dokumentaarisesti, usein omaelämäkerrallisesti (A. Solzhenitsynin "Matryonin Dvor") kuin puhtaan fiktion ansiosta (I. Buninin "The Gentleman from San Francisco").

Tarinoiden intonaatio ja sisältö ovat hyvin erilaisia - koomisista, hauskoista (A. P. Tšehovin varhaiset tarinat) syvästi traagisiin (V. Shalamovin Kolyma Tales). Tarinat, kuten esseet, yhdistetään usein jaksoiksi (I. Turgenevin "Metsästäjän muistiinpanot").

Novella(novella ital. news) on monella tapaa tarinan kaltainen ja sitä pidetään monipuolisena, mutta sille on tunnusomaista kerronnan erityinen dynaamisuus, jyrkät ja usein odottamattomat käänteet tapahtumien kehityksessä. Melko usein novellin kerronta alkaa finaalilla, on rakennettu inversion lain mukaan, ts. päinvastaisessa järjestyksessä, kun lopputulos edeltää päätapahtumia (N. Gogolin "Kauhea kosto"). Tämä novellin rakentamisen ominaisuus lainataan myöhemmin dekkarigenreltä.

Sanalla "novella" on toinen merkitys, joka tulevien lakimiesten on tiedettävä. Muinaisessa Roomassa ilmaisua "novellae leges" (uudet lait) käytettiin viittaamaan lakeihin, jotka otettiin käyttöön virallisen lain kodifioinnin jälkeen (Theodosius II:n koodin julkaisemisen jälkeen vuonna 438). Justinianuksen ja hänen seuraajiensa novellit, jotka julkaistiin Justinianuksen koodin toisen painoksen jälkeen, olivat myöhemmin osa roomalaisten lakien koodeksia (Corpus iuris civillis). Nykyaikana romaania kutsutaan eduskunnan käsiteltäväksi jätetyksi laiksi (toisin sanoen lakiehdotukseksi).

Satu- vanhin pienistä eeppisista genreistä, yksi kaikkien ihmisten suullisen taiteen tärkeimmistä. Tämä on luonteeltaan maaginen, seikkailunhaluinen tai jokapäiväinen pieni teos, jossa fiktio korostuu selvästi. Toinen kansantarinan tärkeä piirre on sen opettavainen luonne: "Tarina on valhe, mutta siinä on vihje, opetus hyville tovereille." Kansantarinat jaetaan yleensä maagisiin ("Sammakkoprinsessatarina"), kotitalouksiin ("Puura kirveestä") ja satuihin eläimistä ("Zayushkina's Hut").

Kirjallisen kirjallisuuden kehittyessä syntyy kirjallisia tarinoita, joissa hyödynnetään perinteisiä aiheita ja kansantarin symbolisia mahdollisuuksia. Tanskalaista kirjailijaa Hans Christian Andersenia (1805-1875) pidetään oikeutetusti kirjallisuuden satulajin klassikona, hänen upeat "Pieni merenneito", "Prinsessa ja herne", "Lumikuningatar", "Vahva tinasotilas". ", "Shadow", "Thumbelina" ovat monien lukijoiden sukupolvien rakastamia, sekä hyvin nuoria että melko kypsiä. Ja tämä ei ole kaikkea muuta kuin sattumaa, koska Andersenin sadut eivät ole vain poikkeuksellisia ja joskus outoja sankarien seikkailuja, ne sisältävät syvän filosofisen ja moraalisen merkityksen, joka sisältyy kauniisiin symbolisiin kuviin.

1900-luvun eurooppalaisista kirjallisista tarinoista ranskalaisen kirjailijan An-toine de Saint-Exuperyn Pikku prinssi (1942) nousi klassikoksi. Ja kuuluisa "Narnian kronikat" (1950 - 1956), jonka on kirjoittanut englantilainen kirjailija Kl. Myös englantilaisen J. R. Tolkienin Lewis ja Taru sormusten herrasta (1954-1955) on kirjoitettu fantasiagenreen, jota voidaan kutsua muinaisen kansantarin moderniksi muunnokseksi.

Venäläisessä kirjallisuudessa lyömättömiä ovat tietysti tarinat A.S. Pushkin: "Kuolleesta prinsessasta ja seitsemästä sankarista", "Kalastajasta ja kaloista", "Tsaari Saltanista ...", "Tietoja kultaisesta kukosta", "Papista ja hänen työläistään Baldasta". Korvaava tarinankertoja oli P. Ershov, The Little Humpbacked Horse -kirjan kirjoittaja. E. Schwartz luo 1900-luvulla satunäytelmän muodon, yksi niistä "Karhu" (toinen nimi on "Tavallinen ihme") on monelle tuttu M. Zaharovin ohjaaman upean elokuvan ansiosta.

Vertaus- myös hyvin muinainen kansanperinteen genre, mutta toisin kuin sadussa, vertaukset sisälsivät kirjoitettuja monumentteja: Talmud, Raamattu, Koraani, syyrialaisen kirjallisuuden muistomerkki "Akaharan opettaminen". Vertaus on opettavainen, symbolinen teos, joka erottuu sisällön ylevyydestä ja vakavuudesta. Muinaiset vertaukset ovat pääsääntöisesti pieniä, ne eivät sisällä yksityiskohtaista kuvausta tapahtumista tai sankarin hahmon psykologisista ominaisuuksista.

Vertauksen tarkoitus on rakentaminen tai, kuten he kerran sanoivat, viisauden opettaminen. Eurooppalaisessa kulttuurissa tunnetuimpia ovat evankeliumien vertaukset: tuhlaajapojasta, rikkaasta miehestä ja Lasaruksesta, epävanhurskasta tuomarista, hullusta rikkaasta miehestä ja muista. Kristus puhui opetuslasten kanssa usein allegorisesti, ja jos he eivät ymmärtäneet vertauksen merkitystä, hän selitti sen.

Monet kirjailijat kääntyivät vertausgenreen, eivät tietenkään aina laittaneet siihen korkeaa uskonnollista merkitystä, vaan yrittävät ilmaista jonkinlaista moralistista rakennusta allegorisessa muodossa, kuten esimerkiksi L. Tolstoi myöhäisessä teoksessaan. Kanna sitä. V. Rasputin - Jäähyväiset Materalle "voidaan kutsua myös yksityiskohtaiseksi vertaukseksi, jossa kirjoittaja puhuu ahdistuneena ja surullisena ihmisen "omatunnon ekologian" tuhoutumisesta. Myös E. Hemingwayn tarina "Vanha mies ja meri" on monien kriitikkojen mielestä kirjallisen vertauksen perinne. Myös tunnettu moderni brasilialainen kirjailija Paulo Coelho käyttää vertausmuotoa romaaneissaan ja novellissaan (romaani Alkemisti).

Tarina- keskimääräinen kirjallisuuden genre, laajasti edustettuna maailmankirjallisuudessa. Tarina kuvaa useita tärkeitä jaksoja sankarin elämästä, pääsääntöisesti yhden tarinan ja pienen määrän hahmoja. Tarinoita leimaa suuri psykologinen kylläisyys, kirjailija keskittyy hahmojen kokemuksiin ja mielialan vaihteluihin. Hyvin usein tarinan pääteema on päähenkilön rakkaus, esimerkiksi F. Dostojevskin "Valkoiset yöt", I. Turgenevin "Asya", I. Buninin "Mitinan rakkaus". Tarinoita voidaan myös yhdistää sykleiksi, erityisesti omaelämäkerralliseen materiaaliin kirjoitettuja: L. Tolstoin "Lapsuus", "Poika", "Nuoruus", A. Gorkin "Lapsuus", "Ihmisissä", "Minun yliopistoni". Tarinoiden intonaatiot ja teemat ovat hyvin erilaisia: traagisia, akuuteille sosiaalisille ja moraalisille aiheille suunnattuja (V. Grossmanin "Kaikki virtaa", Y. Trifonovin "Talo penkereellä", romanttinen, sankarillinen ("Taras Bulba") N. Gogol), filosofinen, vertaus ("Pit" A. Platonov), ilkikurinen, koominen ("Kolme veneessä, koiraa laskematta", englantilainen kirjailija Jerome K. Jerome).

romaani(Gotap French alunperin, myöhäisellä keskiajalla kaikki romaanin kielellä kirjoitetut teokset, toisin kuin latinaksi kirjoitetut) on suuri eeppinen teos, jossa kerronta keskittyy yksilön kohtaloon. Romaani on monimutkaisin eeppinen genre, jolle on ominaista uskomaton määrä teemoja ja juonia: rakkaus, historiallinen, etsivä, psykologinen, fantastinen, historiallinen, omaelämäkerrallinen, sosiaalinen, filosofinen, satiirinen jne. Kaikkia näitä romaanin muotoja ja tyyppejä yhdistää sen keskeinen idea - ajatus persoonasta, ihmisen yksilöllisyydestä.

Romaani on kutsuttu yksityiselämän eeposeksi, koska se kuvaa maailman ja ihmisen, yhteiskunnan ja yksilön monipuolisia yhteyksiä. Henkilöä ympäröivä todellisuus esitetään romaanissa eri konteksteissa: historiallisessa, poliittisessa, sosiaalisessa, kulttuurisessa, kansallisessa jne. Romaanin kirjoittaja on kiinnostunut siitä, kuinka ympäristö vaikuttaa ihmisen luonteeseen, kuinka hän muodostuu, kuinka hänen elämänsä kehittyy, onnistuiko hän löytämään kohtalonsa ja toteuttamaan itsensä.

Monet antavat genren syntymisen antiikin syyksi, nämä ovat Longin Daphnis ja Chloe, Apuleiuksen kultainen aasi, ritarillinen romaani Tristan ja Isolde.

Maailmankirjallisuuden klassikoiden teoksessa romaania edustavat lukuisat mestariteokset:

Taulukko 2. Esimerkkejä ulkomaisten ja venäläisten kirjailijoiden klassisista romaaneista (XIX, XX-luvut)

1800-luvun venäläisten kirjailijoiden kuuluisat romaanit .:

1900-luvulla venäläiset kirjailijat kehittävät ja moninkertaistavat suurten edeltäjiensä perinteitä ja luovat yhtä merkittäviä romaaneja:

Mikään näistä luetteloista ei tietenkään voi vaatia täydellisyyttä ja tyhjentävää objektiivisuutta, varsinkaan modernissa proosassa. Tässä tapauksessa nimetään tunnetuimmat teokset, jotka ylistivät sekä maan kirjallisuutta että kirjailijan nimeä.

eeppinen romaani. Muinaisina aikoina oli sankarieepoksen muotoja: kansanperinteen saagot, riimut, eepos, laulut. Nämä ovat intialaiset "Ramayana" ja "Mahabharata", anglosaksi "Beowulf", ranskalainen "Song of Roland", saksalainen "Nibelungien laulu" jne. Näissä teoksissa sankarin hyökkäyksiä korostettiin. idealisoidussa, usein liioitellussa muodossa. Homeroksen myöhemmillä eeppisilla runoilla "Ilias" ja "Odysseia", Ferdowsin "Shah-nimi", vaikka varhaisen eeposen mytologinen luonne säilytti, oli kuitenkin selvä yhteys todelliseen historiaan, ja teemana oli ihmisen kietoutuminen. kohtalosta ja ihmisten elämästä tulee yksi niistä. Muinaisten kokemukset ovat kysyttyjä 1800-1900-luvuilla, jolloin kirjailijat yrittävät ymmärtää aikakauden ja yksilön persoonallisuuden dramaattista suhdetta, kertovat kokeista, joita moraali ja joskus ihmisen psyyke joutuu suurimpien historiallisten mullistusten aika. Muistakaamme F. Tyutchevin lauseet: "Siunattu olkoon hän, joka vieraili tässä maailmassa sen kohtalokkaina hetkinä." Runoilijan romanttinen kaava merkitsi todellisuudessa kaikkien tavallisten elämänmuotojen tuhoamista, traagisia menetyksiä ja toteutumattomia unelmia.

Eeppisen romaanin monimutkainen muoto antaa kirjoittajille mahdollisuuden tutkia näitä ongelmia taiteellisesti niiden täydellisyydessä ja epäjohdonmukaisuudessa.

Kun puhumme eeppisen romaanin genrestä, muistamme tietysti heti Leo Tolstoin Sodan ja rauhan. Muita esimerkkejä voidaan mainita: M. Sholokhovin Quiet Flows the Don, V. Grossmanin elämä ja kohtalo, englantilaisen kirjailijan Galsworthyn The Saga of the Forsytes; amerikkalaisen kirjailijan Margaret Mitchellin kirjaa "Tuulen viemää" voi myös perustella tässä genressä.

Jo genren nimi viittaa synteesiin, yhdistelmään siinä kahdesta pääperiaatteesta: romaani ja eepos, ts. liittyvät teemaan yksilön elämä ja kansanhistorian teemaan. Toisin sanoen eeppinen romaani kertoo sankarien kohtaloista (sankarit itse ja heidän kohtalonsa ovat pääsääntöisesti fiktiivisiä, kirjoittajan keksimiä) taustaa vasten ja läheisessä yhteydessä käänteentekevien historiallisten tapahtumien kanssa. Joten "Sodassa ja rauhassa" - nämä ovat yksittäisten perheiden (Rostovit, Bolkonskyt), suosikkisankarien (prinssi Andrei, Pierre Bezukhov, Natasha ja prinsessa Mary) kohtalot Venäjän ja koko Euroopan käännekohdassa, historiallisella ajanjaksolla. 1800-luvun alun isänmaallinen sota 1812. Sholokhovin kirjassa ensimmäisen maailmansodan tapahtumat, kaksi vallankumousta ja verinen sisällissota tunkeutuvat traagisesti kasakkatilan, Melekhovin perheen elämään, päähenkilöiden kohtaloon: Grigori, Aksinya, Natalja. V. Grossman puhuu Suuresta isänmaallisesta sodasta ja sen päätapahtumasta - Stalingradin taistelusta, holokaustin tragediasta. "Elämässä ja kohtalossa" myös historiallinen ja perheen teema kietoutuu: kirjailija seuraa Shaposhnikovien historiaa yrittäen ymmärtää, miksi tämän perheen jäsenten kohtalo kehittyi niin eri tavalla. Galsworthy kuvaa Forsyten perheen elämää legendaarisen viktoriaanisen aikakauden aikana Englannissa. Margaret Mitchell on keskeinen tapahtuma Yhdysvaltain historiassa, pohjoisen ja etelän välinen sisällissota, joka muutti dramaattisesti monien perheiden elämää ja amerikkalaisen kirjallisuuden tunnetuimman sankarittaren - Scarlett O'Haran - kohtaloa.

Kirjallisuuden dramaattiset genret

Tragedia(tragodia Greek goat song) on dramaattinen genre, joka sai alkunsa antiikin Kreikasta. Muinaisen teatterin ja tragedian syntyminen liittyy hedelmällisyyden ja viinin jumalan Dionysoksen palvontaan. Hänelle omistettiin lukuisia vapaapäiviä, joiden aikana pelattiin rituaalisia maagisia pelejä muumioiden, satyyrien kanssa, joita muinaiset kreikkalaiset edustivat kaksijalkaisina vuohen kaltaisina olentoina. Oletetaan, että juuri tämä satyyrien esiintyminen, jotka lauloivat hymnejä Dionysoksen kunniaksi, antoi niin oudon nimen käännöksessä tälle vakavalle genrelle. Muinaisen Kreikan teatteritoiminnalle annettiin maaginen uskonnollinen merkitys, ja suurten ulkoareenoiden muotoon rakennetut teatterit sijaitsivat aina aivan kaupunkien keskustassa ja olivat yksi tärkeimmistä julkisista paikoista. Katsojat viettivät täällä toisinaan koko päivän: he söivät, joivat, ilmaisivat äänekkäästi hyväksyvänsä tai tuomitsevansa näytelmän. Muinaisen kreikkalaisen tragedian kukoistusaika liittyy kolmen suuren tragedian nimiin: Aischylus (525-456 eKr.) - Tragedioiden kirjoittaja Chaned Prometheus, Oresteia jne.; Sophokles (496-406 eKr.) - "Oidipus Rexin", "Antigonen" ja muiden kirjoittaja; ja Euripides (480-406 eKr.) - Medean, Troy Nokin jne. luoja. Heidän luomuksensa säilyvät genren esimerkkeinä vuosisatojen ajan, niitä yritetään jäljitellä, mutta ne säilyvät ylittämättöminä. Jotkut niistä ("Antigone", "Medea") ovat lavastettuja vielä tänäkin päivänä.

Mitkä ovat tragedian pääpiirteet? Tärkein niistä on ratkaisemattoman globaalin konfliktin läsnäolo: muinaisessa tragediassa tämä on toisaalta kohtalon, kohtalon ja toisaalta ihmisen, hänen tahtonsa, vapaan valinnan vastakkainasettelu. Myöhempien aikakausien tragedioissa tämä konflikti sai moraalisen ja filosofisen luonteen hyvän ja pahan, uskollisuuden ja petoksen, rakkauden ja vihan vastakkainasetteluna. Sillä on ehdoton luonne, sankarit, jotka ilmentävät vastakkaisia voimia, eivät ole valmiita sovintoon, kompromissiin, ja siksi tragedian lopussa on usein monia kuolemia. Näin rakennettiin suuren englantilaisen näytelmäkirjailijan William Shakespearen (1564-1616) tragediat, muistakaamme kuuluisimmat niistä: Hamlet, Romeo ja Julia, Othello, kuningas Lear, Macbeth, Julius Caesar jne.

1600-luvun ranskalaisten näytelmäkirjailijoiden Corneillen ("Horace", "Polyeuctus") ja Racinen ("Andromache", "Britaani") tragedioissa tämä konflikti sai erilaisen tulkinnan - velvollisuuden ja tunteen konfliktina, rationaalisena ja tunteellisena. päähenkilöiden sieluissa, eli . sai psykologisen tulkinnan.

Venäläisen kirjallisuuden tunnetuin on A.S.:n romanttinen tragedia "Boris Godunov". Pushkin, luotu historialliseen materiaaliin. Yhdessä parhaista teoksistaan runoilija esitti jyrkästi Moskovan valtion "todellisen onnettomuuden" ongelman - huijarien ketjureaktion ja "kauheat julmuudet", joihin ihmiset ovat valmiita vallan vuoksi. Toinen ongelma on ihmisten asenne kaikkeen, mitä maassa tapahtuu. "Boris Godunovin" finaalin "hiljaisten" ihmisten kuva on symbolinen, tähän päivään asti keskustelua siitä, mitä Pushkin halusi tällä sanoa. Tragedian perusteella kirjoitettiin M. P. Mussorgskin samanniminen ooppera, josta tuli venäläisten oopperan klassikkojen mestariteos.

Komedia(Kreikka komos - iloinen joukko, oda - laulu) - genre, joka syntyi antiikin Kreikassa hieman myöhemmin kuin tragedia (5. vuosisadalla eKr.). Sen ajan tunnetuin koomikko on Aristophanes ("Pilvet", "Sammakot" jne.).

Komediassa satiirin ja huumorin avulla ts. koominen, moraalisia paheita pilkataan: tekopyhyyttä, tyhmyyttä, ahneutta, kateutta, pelkuruutta, omahyväisyyttä. Komediat ovat yleensä ajankohtaisia; yhteiskunnallisiin kysymyksiin, paljastaen vallan puutteet. Erota tilannekomediat ja hahmokomediat. Ensimmäisessä ovela juoni, tapahtumaketju (Shakespearen "Virheiden komedia") ovat tärkeitä, toisessa - hahmojen hahmot, niiden absurdisuus, yksipuolisuus, kuten komediassa "Alakasvillisuus" D. Fonvizin, "Aatelistokauppias", "Tartuffe", kirjoittanut klassinen genre, 1600-luvun ranskalainen koomikko Jean-Baptiste Molière. Venäläisessä dramaturgiassa satiirinen komedia terävällä yhteiskuntakritiikillä, kuten N. Gogolin Kenraalitarkastaja, M. Bulgakovin Crimson Island, osoittautui erityisen kysytyksi. A. Ostrovski loi monia upeita komedioita ("Sudet ja lampaat", "Metsä", "Mad Money" jne.).

Komedian genre nauttii poikkeuksetta menestystä yleisön keskuudessa, ehkä siksi, että se vahvistaa oikeuden voiton: finaalissa pahetta on ehdottomasti rangaistava ja hyveen on voitettava.

Draama- suhteellisen "nuori" genre, joka ilmestyi Saksassa 1700-luvulla lesedraamana (saksaksi) - lukunäytelmänä. Draama on suunnattu ihmisen ja yhteiskunnan arkeen, arkeen, perhesuhteisiin. Draama on ensisijaisesti kiinnostunut ihmisen sisäisestä maailmasta, se on psykologisin kaikista dramaattisista genreistä. Samalla se on myös näyttämölajeista kirjallisin, esimerkiksi A. Tšehovin näytelmät nähdään suurelta osin enemmän luettavaksi tarkoitettuina teksteinä, ei teatteriesityksinä.

Kirjallisuuden lyyriset genret

Jako genreihin sanoituksessa ei ole ehdoton, koska. Genrejen väliset erot ovat tässä tapauksessa ehdollisia eivätkä niin ilmeisiä kuin eeppisessä ja draamassa. Useammin erotamme lyyriset teokset niiden temaattisten ominaisuuksien perusteella: maisema, rakkaus, filosofiset, ystävälliset, intiimi sanoitukset jne. Voimme kuitenkin nimetä joitakin genrejä, joilla on korostettuja yksilöllisiä piirteitä: elgia, sonetti, epigrammi, viesti, epitafi.

Elegia(elegos kreikkalainen surullinen laulu) - keskipitkä runo, yleensä moraalifilosofinen, rakkaus, tunnustuksellinen sisältö.

Genre syntyi antiikissa, ja sen pääpiirteenä pidettiin elegista distichiä, ts. jakaa runon pareiksi, esimerkiksi:

Kaipattu hetki on koittanut: pitkäaikainen työni on ohi, Miksi käsittämätön suru vaivaa minua salaa?

A. Pushkin

1800-1900-luvun runoudessa jako kupleteihin ei ole enää niin tiukka vaatimus, nyt genren alkuperään liittyvät semanttiset piirteet ovat tärkeämpiä. Elegian sisältö ulottuu muinaisten hautajaisten "itkien" muotoon, jossa vainajaa suriessaan muistutettiin samanaikaisesti hänen poikkeuksellisista hyveistään. Tämä alkuperä määräsi ennalta elegian pääpiirteen - surun ja uskon yhdistelmän, katumuksen ja toivon, olemisen hyväksymisen surun kautta. Elegian lyyrinen sankari on tietoinen maailman ja ihmisten epätäydellisyydestä, omasta syntisyydestään ja heikkoudesta, mutta ei hylkää elämää, vaan hyväksyy sen kaikessa traagisessa kauneudessaan. Hämmästyttävä esimerkki on A.S.:n "Elegia". Pushkin:

Hullut vuodet haalistivat hauskaa

Se on minulle vaikeaa, kuin epämääräinen krapula.

Mutta kuten viini - menneiden aikojen suru

Sielussani mitä vanhempi, sitä vahvempi.

Minun polkuni on surullinen. Lupaa minulle työtä ja surua

Tuleva myrskyinen meri.

Mutta en halua, oi ystävät, kuolla;

Haluan elää ajatellakseni ja kärsiäkseni;

Ja tiedän, että tulen nauttimaan

Surun, huolen ja ahdistuksen välillä:

Joskus humalan taas harmonialla,

Vuodatan kyyneleitä fiktiosta,

Ja ehkä - minun surullisen auringonlaskun aikaan

Rakkaus loistaa jäähyväishymyllä.

Sonetti(sonetto, ital. laulu) - niin kutsuttu "kiinteä" runomuoto, jolla on tiukat rakennussäännöt. Sonetissa on 14 riviä, jotka on jaettu kahteen neliriviseen (quatrains) ja kahteen kolmiriviseen säkeeseen (tercet). Nelisarjoissa toistetaan vain kaksi riimiä, terzetissä kaksi tai kolme. Myös riimitysmenetelmillä oli omat vaatimuksensa, jotka kuitenkin vaihtelivat.

Sonetin syntymäpaikka on Italia, tämä genre on edustettuna myös englannin ja ranskan runoudessa. Petrarchia, 1300-luvun italialaista runoilijaa, pidetään genren huipputekijänä. Hän omisti kaikki sonettinsa rakkaalleen Donna Lauralle.

Venäläisessä kirjallisuudessa A. S. Pushkinin sonetit ovat ylittämättömiä, myös hopeakauden runoilijat loivat kauniita sonetteja.

Epigrammi(Kreikan epigramma, kirjoitus) on lyhyt, pilkkaava runo, joka on yleensä osoitettu tietylle henkilölle. Monet runoilijat kirjoittavat epigrammeja, jotka joskus lisäävät pahantahojensa ja jopa vihollistensa määrää. Kreivi Vorontsovin epigrammi kääntyi A.S. Pushkin tämän aatelismiehen vihan ja lopulta karkottamisen Odessasta Mihailovskojeen kautta:

Popu-herrani, puolikauppias,

Puoliksi viisas, puoliksi tietämätön,

Puolihuijari, mutta toivoa on

Mikä lopulta valmistuu.

Pilkkaavat säkeet voidaan omistaa paitsi tietylle henkilölle, myös yleistetylle vastaanottajalle, kuten esimerkiksi A. Akhmatovan epigrammissa:

Voisiko Bice luoda kuten Dante,

Oliko Lauran tarkoitus ylistää rakkauden lämpöä?

Opetin naiset puhumaan...

Mutta, Jumala, kuinka hiljentää heidät!

On jopa tapauksia eräänlaisesta epigrammien kaksintaistelusta. Kun kuuluisa venäläinen lakimies A.F. Hevoset nimitettiin senaattiin, pahat tahot esittivät hänelle pahan epigrammin:

Caligula toi hevosen senaattiin,

Hän seisoo pukeutuneena sekä samettiin että kultaan.

Mutta sanon, että meillä on sama mielivalta:

Luin lehdistä, että Kony on senaatissa.

Mitä A.F. Koni, joka erottui poikkeuksellisesta kirjallisesta lahjakkuudestaan, vastasi:

(Kreikan epitafia, hautakivi) - jäähyväisruno kuolleelle, tarkoitettu hautakivelle. Aluksi tätä sanaa käytettiin kirjaimellisessa merkityksessä, mutta myöhemmin se sai kuvaavamman merkityksen. Esimerkiksi I. Buninilla on lyyrinen miniatyyri proosassa "Epitaph", joka on omistettu jäähyväisiksi kirjailijan rakkaalle, mutta ikuisesti väistyvälle venäläiselle kartanolle. Vähitellen epitafi muuttuu runo-omistukseksi, jäähyväisrunoksi (A. Akhmatovan "Seppele kuolleille"). Ehkä tunnetuin tällainen runo venäläisessä runoudessa on M. Lermontovin "Runoilijan kuolema". Toinen esimerkki on M. Lermontovin "Epitafia", joka on omistettu 22-vuotiaana kuolleen runoilijan ja filosofin Dmitri Venevitinovin muistolle.

Lyyrisiä ja eeppisiä kirjallisuuden genrejä

On teoksia, jotka yhdistävät joitain sanoitusten ja eeppisten piirteitä, kuten tämän genreryhmän nimi osoittaa. Niiden pääominaisuus on kerronnan yhdistelmä, ts. tarina tapahtumista, siirtämällä tekijän tunteita ja kokemuksia. On tapana viitata lyyrisiin ja eeppisiin genreihin runo, oodi, balladi, satu .

Runo(poeo kreikka minä luon luon) on hyvin kuuluisa kirjallisuuden genre. Sanalla "runo" on monia merkityksiä, sekä suoria että kuviollisia. Muinaisina aikoina suuria eeppisiä teoksia, joita nykyään pidetään eeppisinä (yllä mainitut Homeroksen runot), kutsuttiin runoiksi.

1800-1900-luvun kirjallisuudessa runo on suuri runollinen teos, jossa on yksityiskohtainen juoni, jonka vuoksi sitä joskus kutsutaan runotarinaksi. Runossa on hahmoja, juoni, mutta niiden tarkoitus on hieman erilainen kuin proosatarina: runossa ne auttavat tekijän lyyristä itseilmaisua. Ehkä siksi romanttiset runoilijat rakastivat tätä genreä niin paljon (varhaisen Pushkinin "Ruslan ja Ljudmila", M. Lermontovin "Mtsyri" ja "Demon", V. Majakovskin "Pilvi housuissa").

todellakin(oda kreikkalainen laulu) - tyylilaji, jota edustettiin pääasiassa 1700-luvun kirjallisuudessa, vaikka sillä on myös muinainen alkuperä. Oodi juontaa juurensa muinaiseen dityrambin genreen - kansansankaria tai olympialaisten voittajaa ylistävään hymniin, ts. erinomainen henkilö.

1700-1800-luvun runoilijat loivat oodia useaan otteeseen. Se voisi olla vetoomus hallitsijalle: M. Lomonosov omisti oodinsa keisarinna Elisabetille, G. Derzhavin Katariina P:lle. Tekojaan ylistäessään runoilijat samalla opettivat keisarinnat, innoittivat heitä tärkeillä poliittisilla ja kansalaisilla.

Merkittävät historialliset tapahtumat voisivat myös tulla ylistyksen ja ihailun aiheeksi oodissa. G. Derzhavin Venäjän armeijan vangitsemisen jälkeen A.V.:n johdolla. Turkin linnoituksen Suvorov, Izmail kirjoitti oodin "Voiton ukkonen, kaiku!", joka oli jonkin aikaa Venäjän imperiumin epävirallinen hymni. Siellä oli eräänlainen hengellinen oodi: M. Lomonosovin "Aamupohdiskelu Jumalan suuruudesta", G. Deržavinin "Jumala". Kansalaispoliittiset ideat voisivat myös muodostua oodin (A. Pushkinin "Vapaus") perusta.

Tällä genrellä on selvä didaktinen luonne, sitä voidaan kutsua runolliseksi saarnaksi. Siksi se erottuu tyylin ja puheen juhlallisuudesta, leppoisasta kerronnasta. Esimerkkinä on kuuluisa ote M. Lomonosovin teoksesta "Oodi Hänen Majesteettinsa keisarinna Elisabet Petrovnan koko Venäjän valtaistuimelle liittymispäivänä vuonna 1747". kirjoitettu vuonna, jolloin Elizabeth hyväksyi tiedeakatemian uuden peruskirjan, mikä lisäsi merkittävästi varoja sen ylläpitoon. Suurelle venäläiselle tietosanakirjailijalle tärkeintä on nuoremman sukupolven valaistuminen, tieteen ja koulutuksen kehittäminen, josta runoilijan mukaan tulee avain Venäjän vaurauteen.

Balladi(balare provence - tanssia) oli erityisen suosittu 1800-luvun alussa sentimentaalisessa ja romanttisessa runoudessa. Tämä genre syntyi Ranskan Provencesta rakkauden kansantanssina, jossa on pakollisia refreenejä-toistoja. Sitten balladi vaelsi Englantiin ja Skotlantiin, missä se sai uusia piirteitä: nyt se on sankarilaulu, jolla on legendaarinen juoni ja sankareita, esimerkiksi kuuluisat balladit Robin Hoodista. Ainoa jatkuva ominaisuus on refrainien (toistojen) läsnäolo, mikä on tärkeää myöhemmin kirjoitetuille balladeille.

1700- ja 1800-luvun runoilijat rakastuivat balladiin sen erityisen ilmaisuvoiman vuoksi. Jos käytämme analogiaa eeppisten genrejen kanssa, balladia voidaan kutsua runollisiksi romaaniksi: siinä täytyy olla epätavallinen rakkaus, legendaarinen, sankarillinen juoni, joka vangitsee mielikuvituksen. Melko usein balladeissa käytetään fantastisia, jopa mystisiä kuvia ja aiheita: muistakaamme V. Žukovskin kuuluisat "Ljudmila" ja "Svetlana". Vähintään kuuluisia ovat A. Pushkinin "Profeetallisen Olegin laulu" ja M. Lermontovin "Borodino".

1900-luvun venäläisissä sanoituksissa balladi on rakkausromanttinen runo, jota usein säestää musiikillinen säestys. Balladit ovat erityisen suosittuja "bardisessa" runoudessa, jonka hymniä voidaan kutsua monien rakastaman Juri Vizborin balladiksi.

Fable(Basnia lat. tarina) - luonteeltaan didaktinen, satiirinen novelli säkeistössä tai proosassa. Tämän genren elementit muinaisista ajoista olivat läsnä kaikkien kansojen kansanperinnössä satuina eläimistä ja muuttuivat sitten anekdootiksi. Kirjallinen satu muotoutui muinaisessa Kreikassa, sen perustaja on Aesop (V vuosisata eKr.), hänen nimensä mukaan allegorista puhetta alettiin kutsua "esopialaiseksi kieleksi". Tarussa on yleensä kaksi osaa: juoni ja moralisointi. Ensimmäinen sisältää tarinan jostakin hauskasta tai absurdista tapauksesta, toinen - moraalista, opetuksesta. Tarujen sankarit ovat usein eläimiä, joiden naamioiden alle kätketään varsin tunnistettavat moraaliset ja sosiaaliset paheet, joita pilkataan. Suuria fabulisteja olivat Lafontaine (Ranska, 1600-luku), Lessing (Saksa, 1700-luku) Venäjällä I.A. Krylov (1769-1844). Hänen tarujensa tärkein etu on elävä, kansankieli, ovela ja viisaus yhdistelmä kirjailijan intonaatiossa. Monien I. Krylovin tarinoiden juonet ja kuvat näyttävät varsin tunnistettavilta tänäkin päivänä.

Dramaattiset teokset (muut gr. toiminta), kuten eeppisetkin, luovat uudelleen tapahtumasarjan, ihmisten toimintaa ja heidän suhteitaan. Kuten eeppisen teoksen kirjoittaja, näytelmäkirjailija on "toiminnan kehittymisen lain" alainen. Mutta draamassa ei ole yksityiskohtaista kerronnallista kuvaa.

Itse asiassa kirjoittajan puhe tässä on apu- ja episodinen. Tällaisia ovat toimijoiden luettelot, joihin joskus liittyy lyhyitä ominaisuuksia, toiminnan aika ja paikka; kuvaukset näyttämötilanteesta näytösten ja jaksojen alussa sekä kommentit hahmojen yksittäisistä jäljennöksistä ja osoituksista heidän liikkeisiinsä, eleisiinsä, ilmeisiin, intonaatioihin (huomautukset).

Kaikki tämä on dramaattisen teoksen sivuteksti, jonka pääteksti on ketju hahmojen, heidän replikoidensa ja monologien lausuntoja.

Tästä johtuen draaman rajalliset taiteelliset mahdollisuudet. Näytelmäkirjailija käyttää vain osaa visuaalisista keinoista, jotka ovat romaanin tai eeposen, novellin tai novellin luojan käytettävissä. Ja hahmojen hahmot paljastuvat draamassa vähemmän vapautta ja täyteläisyyttä kuin eeppisessä. "Näen draaman", totesi T. Mann, "siluetin taiteena, ja tunnen vain kerrotun ihmisen laajana, yhtenäisenä, todellisena ja plastisena kuvana."

Samanaikaisesti näytelmäkirjailijat, toisin kuin eeppisten teosten tekijät, joutuvat rajoittumaan teatteritaiteen vaatimukset täyttävän sanallisen tekstin määrään. Draamassa kuvatun toiminnan ajan tulee mahtua näyttämöajan tiukoihin puitteisiin.

Ja esitys uudelle eurooppalaiselle teatterille tutuissa muodoissa kestää, kuten tiedätte, korkeintaan kolme tai neljä tuntia. Ja tämä vaatii sopivan kokoisen näytelmätekstin.

Näytelmäkirjailijan näytelmäjakson aikana toistamien tapahtumien aikaa ei ole tiivistetty tai venytetty; draaman hahmot vaihtavat huomautuksia ilman havaittavia aikavälejä ja heidän lausuntojaan, kuten K.S. Stanislavsky, muodosta kiinteä, jatkuva viiva.

Jos toiminta on kerronnan avulla painettu joksikin menneeksi, niin draaman dialogien ja monologien ketju luo illuusion nykyajasta. Elämä täällä puhuu ikään kuin omasta kasvoistaan: kuvatun ja lukijan välillä ei ole välittäjää-kertojaa.

Toiminta toistetaan draamassa mahdollisimman välittömästi. Se virtaa kuin lukijan silmien edessä. "Kaikki kertomusmuodot", kirjoitti F. Schiller, "siirtävät nykyisyyden menneisyyteen; kaikki dramaattisuus tekee menneestä nykyisyyden."

Draama on näyttämölähtöistä. Teatteri on julkinen massataide. Esitys vaikuttaa suoraan moniin ihmisiin, ikään kuin sulautuen yhdeksi vastauksena siihen, mitä heidän edessään tapahtuu.

Näytelmän tarkoitus on Pushkinin mukaan vaikuttaa väkijoukkoon, valloittaa sen uteliaisuus" ja tätä tarkoitusta varten vangita "intohimoiden totuus": "Draama syntyi torilla ja oli ihmisten huvi. Ihmiset, kuten lapset, tarvitsevat viihdettä, toimintaa. Draama tuo hänelle poikkeuksellisia, outoja tapauksia. Ihmiset haluavat vahvoja tunteita. Nauru, sääli ja kauhu ovat mielikuvituksemme kolme säiettä, joita dramaattinen taide ravistaa.

Kirjallisuuden dramaattinen genre liittyy erityisen läheisesti naurun piiriin, sillä teatteri lujittui ja kehittyi läheisessä yhteydessä joukkojuhliin, leikin ja hauskanpidon ilmapiirissä. "Koominen genre on universaali antiikin kannalta", O. M. Freidenberg huomautti.

Sama pätee muiden maiden ja aikakausien teatteriin ja draamaan. T. Mann oli oikeassa, kun hän kutsui "koomikon vaistoa" "kaiken dramaattisen taidon perustavanlaatuiseksi perustaksi".

Ei ole yllättävää, että draama vetoaa kohti ulkoisesti näyttävää kuvattua esitystä. Hänen kuvansa ovat hyperbolisia, tarttuvia, teatraalisia ja kirkkaita. "Teatteri vaatii liioiteltuja laajoja linjoja sekä äänessä, lausunnossa että eleissä", N. Boileau kirjoitti. Ja tämä näyttämötaiteen ominaisuus jättää aina jälkensä dramaattisten teosten sankarien käyttäytymiseen.

"Kuinka hän näytteli teatterissa", Bubnov (Gorkin pohjalla) kommentoi epätoivoisen Kleshin kiihkeää tiradia, joka yllättäen tunkeutumalla yleiseen keskusteluun antoi sille teatraalisen vaikutuksen.

Merkittäviä (draamakirjallisuuden ominaispiirteenä) ovat Tolstoin W. Shakespearea kohtaan esittämät moitteet hyperbolien runsaudesta, jonka vuoksi väitetään loukkaavan taiteellisen vaikutelman mahdollisuutta. "Ensimmäisistä sanoista lähtien", hän kirjoitti tragediasta "Kuningas Lear", "on näkyvissä liioittelua: tapahtumien liioittelua, tunteiden liioittelua ja ilmaisujen liioittelua."

L. Tolstoi oli väärässä arvioidessaan Shakespearen työtä, mutta ajatus suuren englantilaisen näytelmäkirjailijan sitoutumisesta teatterilliseen hyperboliin on täysin perusteltu. Se, mitä "Kuningas Learista" on sanottu yhtä perustellusti, voidaan lukea antiikin komedioista ja tragedioista, klassismin dramaattisista teoksista, F. Schillerin ja V. Hugon näytelmistä jne.

1800-1900-luvuilla, kun kirjallisuudessa vallitsi halu maallisesta autenttisuudesta, draamaan sisältyneet konventiot muuttuivat vähemmän ilmeisiksi, usein ne vähentyivät minimiin. Tämän ilmiön alkuperä on 1700-luvun niin kutsuttu "pikkuporvarillinen draama", jonka luojat ja teoreetikot olivat D. Diderot ja G.E. Vähentäminen.

XIX-luvun suurimpien venäläisten näytelmäkirjailijoiden teoksia. ja 1900-luvun alku - A.N. Ostrovski, A.P. Tšehov ja M. Gorki - eroavat luotujen elämänmuotojen luotettavuudesta. Mutta vaikka näytelmäkirjailijat kiinnittivät huomionsa uskottavuuteen, juoni, psykologinen ja itse asiassa sanallinen hyperboli säilyi.

Teatterin konventiot tuntuivat jopa Tšehovin dramaturgiassa, joka oli "elämänomaisuuden" maksimiraja. Katsotaanpa Kolmen sisaren viimeistä kohtausta. Yksi nuori nainen erosi rakkaasta kymmenen tai viisitoista minuuttia sitten, luultavasti ikuisesti. Toiset viisi minuuttia sitten saivat tietää sulhasensa kuolemasta. Ja nyt he yhdessä vanhimman, kolmannen sisaren kanssa tiivistävät menneisyyden moraaliset ja filosofiset tulokset, pohtien sotilaallisen marssin ääniin sukupolvensa kohtaloa, ihmiskunnan tulevaisuutta.

On tuskin mahdollista kuvitella tämän tapahtuvan todellisuudessa. Mutta emme huomaa Kolmen sisaren lopun epäuskottavuutta, koska olemme tottuneet siihen, että draama muuttaa merkittävästi ihmisten elämänmuotoja.

Edellä oleva vakuuttaa A. S. Pushkinin tuomion oikeudesta (hänen jo siteeratusta artikkelistaan), että "draamataiteen olemus sulkee pois uskottavuuden"; ”Runoa, romaania lukiessa voimme usein unohtaa itsemme ja uskoa, että kuvattu tapaus ei ole fiktiota, vaan totuus.

Oodissa, elegissa voimme ajatella, että runoilija kuvasi todellisia tunteitaan todellisissa olosuhteissa. Mutta missä on uskottavuus rakennuksessa, joka on jaettu kahteen osaan, joista toinen on täynnä suostuneita katsojia.

Draamateoksissa tärkein rooli on hahmojen puheen itsensä paljastamisen käytännöillä, joiden dialogit ja monologit, usein aforismeista ja maksiimista kyllästyneet, osoittautuvat paljon laajemmiksi ja tehokkaammiksi kuin ne huomautukset, jotka voitaisiin lausua samanlainen elämäntilanne.

Jäljennökset "syrjään" ovat ehdollisia, joita ei ikään kuin ole olemassa muille näyttämöllä oleville hahmoille, mutta jotka ovat selvästi kuultavissa yleisölle, samoin kuin monologit, jotka hahmot lausuvat yksin, yksin itsensä kanssa, jotka ovat puhtaasti näyttämöä. tekniikka sisäisen puheen tuomiseksi esiin (sellaisia monologeja on monia kuten muinaisissa tragedioissa ja nykyajan dramaturgiassa).

Näytelmäkirjailija, joka tekee eräänlaisen kokeilun, osoittaa, kuinka ihminen ilmaisi itseään, jos hän ilmaisi mielialansa puhutuissa sanoissa mahdollisimman täyteläisesti ja kirkkaina. Ja dramaattisen teoksen puhe alkaa usein muistuttaa taiteellista lyyristä tai oratorista puhetta: hahmoilla on tapana ilmaista itseään improvisoijina-runoilijoina tai julkisen puhumisen mestareina.

Siksi Hegel oli osittain oikeassa, kun hän piti draamaa eeppisen alun (tapahtumallisuus) ja lyyrisen (puheen ilmaisun) synteesinä.

Draamalla on ikään kuin kaksi elämää taiteessa: teatteri ja kirjallisuus. Esitysten dramaattisen perustan muodostavana, sävellyksessään olevan dramaattisen teoksen näkee myös lukeva yleisö.

Mutta näin ei aina ollut. Draaman vapautuminen näyttämöltä tapahtui asteittain - useiden vuosisatojen aikana ja päättyi suhteellisen äskettäin: 1700-1800-luvuilla. Maailmanlaajuisesti merkittäviä dramaturgian esimerkkejä (antiikista 1600-luvulle) ei niiden luomishetkellä käytännössä tunnustettu kirjallisiksi teoksiksi: ne olivat olemassa vain osana esittävää taidetta.

W. Shakespearea tai J. B. Molierea eivät heidän aikalaisensa pitäneet kirjailijoina. Ratkaiseva rooli draaman ajatuksen vahvistamisessa teokseksi, joka on tarkoitettu paitsi näyttämölle, myös lukemiseen, oli Shakespearen suurena dramaattisena runoilijana 1700-luvun jälkipuoliskolla tehdyllä "löydöllä".

1800-luvulla (varsinkin sen ensimmäisellä puoliskolla) draaman kirjalliset ansiot asetettiin usein maisemallisten ansioiden yläpuolelle. Siten Goethe uskoi, että "Shakespearen teokset eivät ole ruumiillisia silmiä varten", ja Griboedov kutsui haluaan kuulla "Voi viisauden" säkeet lavalta "lapselliseksi".

Niin sanottu Lesedrama (draama lukemiseen), joka on luotu ensisijaisesti lukemisen havainnointiin, on yleistynyt. Tällaisia ovat Goethen Faust, Byronin dramaattiset teokset, Pushkinin pienet tragediat, Turgenevin draamat, joista kirjailija huomautti: "Näytelmäni, jotka eivät ole tyydyttäviä lavalla, voivat olla mielenkiintoisia luettavassa."

Lesedraman ja näytelmän välillä ei ole perustavanlaatuisia eroja, jotka kirjailija on suuntautunut näyttämölle. Lukemiseen luodut draamat ovat usein mahdollisesti näyttämönäytteitä. Ja teatteri (mukaan lukien moderni) etsii itsepäisesti ja joskus löytää avaimia niihin, mistä todisteena ovat Turgenevin "Kuukausi maalla" menestyneet tuotannot (ensinkin tämä on kuuluisa vallankumousta edeltävä esitys Taideteatteri) ja lukuisia (vaikkakaan kaikkea muuta kuin aina onnistuneita) teatteriesityksiä Pushkinin pienet tragediat 1900-luvulla.

Vanha totuus pysyy voimassa: draaman tärkein, päätarkoitus on näyttämö. A. N. Ostrovski huomautti, että "vain lavalla esitettäessä kirjailijan dramaattinen fiktio saa täysin valmiin muodon ja tuottaa juuri sen moraalisen toiminnan, jonka kirjailija on asettanut itselleen tavoitteeksi."

Draamateokseen perustuvan esityksen luominen liittyy sen luovaan loppuun saattamiseen: näyttelijät luovat intonaatioplastisia piirustuksia roolistaan, taiteilija suunnittelee lavatilan, ohjaaja kehittää misen-kohtauksia. Tässä suhteessa näytelmän konsepti muuttuu jonkin verran (joihinkin puoliin kiinnitetään enemmän huomiota, toisiin vähemmän), sitä usein konkretisoituu ja rikastuu: näyttämötuotanto tuo uusia semanttisia sävyjä draamaan.

Samalla kirjallisuuden uskollisen lukemisen periaate on teatterille ensiarvoisen tärkeä. Ohjaajan ja näyttelijöiden tehtävänä on välittää lavastettu teos yleisölle mahdollisimman täydellisesti. Näytelmälukemisen uskollisuus tapahtuu siellä, missä ohjaaja ja näyttelijät ymmärtävät syvästi dramaattisen teoksen sen pääsisällön, genren ja tyylin piirteiden osalta.

Näytelmäesitykset (sekä elokuvasovitukset) ovat oikeutettuja vain niissä tapauksissa, joissa ohjaajan ja näyttelijöiden ja kirjailija-näytelmäkirjailijan ideapiirin välillä vallitsee yksimielisyys (vaikka suhteellinenkin), kun näyttämöhahmot tarkkailevat tarkasti elokuvan merkitystä. lavastettu teos, sen genren ominaisuudet, tyylin ominaisuudet ja itse teksti.

1700-1800-luvun klassisessa estetiikassa, erityisesti Hegelin ja Belinskyn, draamaa (ensisijaisesti tragedian genreä) pidettiin kirjallisen luovuuden korkeimpana muotona: "runouden kruununa".

Kokonainen sarja taiteellisia aikakausia on itse asiassa ilmennyt pääasiassa dramaattisessa taiteessa. Aischylos ja Sophokles antiikin kulttuurin kukoistusaikoina, Moliere, Racine ja Corneille klassismin aikana eivät olleet vertaansa eeppisten teosten tekijöiden joukossa.

Merkittävä tässä suhteessa on Goethen työ. Kaikki kirjallisuuden genret olivat suuren saksalaisen kirjailijan saatavilla, mutta hän kruunasi elämänsä taiteessa luomalla dramaattisen teoksen - kuolemattoman Faustin.

Menneinä vuosisatoina (1700-luvulle asti) draama ei ainoastaan kilpaillut menestyksekkäästi eeppisen kanssa, vaan siitä tuli usein johtava elämän taiteellisen toiston muoto tilassa ja ajassa.

Tämä johtuu useista syistä. Ensinnäkin teatteritaiteella oli valtava rooli, ja se oli saavutettavissa (toisin kuin käsinkirjoitetut ja painetut kirjat) yhteiskunnan laajimmille kerroksille. Toiseksi, dramaattisten teosten ominaisuudet (hahmojen, joilla on korostuneet piirteet, inhimillisten intohioiden toisto, vetovoima kohti patoottisuutta ja groteski) ominaisuudet vastasivat "prerealistisella" aikakaudella täysin yleisiä kirjallisia ja yleisiä taiteellisia suuntauksia.

Ja vaikka XIX-XX-luvuilla. sosiopsykologinen romaani, eeppisen kirjallisuuden genre, on noussut kirjallisuuden kärkeen, dramaattiset teokset ovat edelleen kunniapaikkansa.

V.E. Khalizev kirjallisuuden teoria. 1999

Toisaalta draaman parissa työskennellessä käytetään niitä keinoja, jotka ovat kirjoittajan arsenaalissa, mutta toisaalta teoksen ei tulisi olla kirjallista. Kirjoittaja kuvailee tapahtumia siten, että kokeen lukeva voi nähdä kaiken, mitä hänen mielikuvituksessaan tapahtuu. Esimerkiksi "he istuivat baarissa hyvin pitkään" sijasta voit kirjoittaa "he joivat kuusi olutta" jne.

Draamassa tapahtuva ei näy sisäisten heijastusten, vaan ulkoisen toiminnan kautta. Lisäksi kaikki tapahtumat tapahtuvat nykyajassa.

Myös työn määrälle asetetaan tiettyjä rajoituksia, koska. se on esitettävä lavalla sovitussa ajassa (enintään 3-4 tuntia).

Draaman vaatimukset näyttämötaiteena jättävät jälkensä hahmojen käyttäytymiseen, eleisiin, sanoiin, jotka ovat usein liioiteltuja. Mitä elämässä ei voi tapahtua muutamassa tunnissa, draamassa se voi hyvinkin tapahtua. Samaan aikaan yleisö ei ylläty konventionaalisuudesta, epäuskottavuudesta, koska tämä genre sallii ne aluksi jossain määrin.

Aikana, jolloin kirjat olivat kalliita ja monien ulottumattomissa, draama (julkisena esityksenä) oli johtava elämän taiteellisen toiston muoto. Painotekniikan kehittyessä se on kuitenkin menettänyt jalansijaa eeppisille genreille. Siitä huolimatta dramaattisille teoksille on edelleen kysyntää yhteiskunnassa. Draaman pääyleisönä ovat tietysti teatteri- ja elokuvavieraat. Lisäksi jälkimmäisten määrä ylittää lukijoiden määrän.

Lavastustavasta riippuen dramaattiset teokset voivat olla näytelmien ja käsikirjoitusten muodossa. Kaikkia dramaattisia teoksia, jotka on tarkoitettu esitettäväksi teatterilavalta, kutsutaan näytelmiksi (ranskaksi pi èce). Dramaattiset teokset, joiden pohjalta elokuvia tehdään, ovat käsikirjoituksia. Sekä näytelmissä että käsikirjoituksissa on tekijän huomautuksia, jotka osoittavat toiminnan ajan ja paikan, osoittavat hahmojen iän, ulkonäön jne.

Näytelmän tai käsikirjoituksen rakenne seuraa tarinan rakennetta. Yleensä näytelmän osat määritellään näytökseksi (toiminnaksi), ilmiöksi, jaksoksi, kuvaksi.

Draamateosten päätyypit:

- draamaa,

- tragedia

-komedia

- tragikomedia

-farssi

- vaudeville

- luonnos.

Draama

Draama on kirjallinen teos, joka kuvaa vakavaa konfliktia toimijoiden välillä tai toimijoiden ja yhteiskunnan välillä. Tämän genren teosten hahmojen (sankarien ja yhteiskunnan) välinen suhde on aina täynnä draamaa. Juonen kehityksen aikana käydään intensiivistä kamppailua sekä yksittäisten hahmojen sisällä että heidän välillään.

Vaikka konflikti on draamassa erittäin vakava, se voidaan kuitenkin ratkaista. Tämä seikka selittää juonittelun, yleisön jännittyneen odotuksen: selviääkö sankari (sankarit) tilanteesta vai ei.

Draamalle on ominaista todellisen arjen kuvaus, "kuolevaisten" ihmisten olemassaolon kysymysten muotoilu, hahmojen syvä paljastaminen, hahmojen sisäinen maailma.

On olemassa sellaisia draamatyyppejä kuin historiallinen, sosiaalinen, filosofinen. Draama on melodraama. Siinä hahmot on jaettu selvästi positiivisiin ja negatiivisiin.

Laajalti tunnetut draamat: W. Shakespearen Othello, M. Gorkyn Pohjassa, T. Williamsin Kissa kuumalla katolla.

Tragedia

Tragedia (kreikkalaisesta tragos oodista - "vuohen laulu") on kirjallinen dramaattinen teos, joka perustuu sovittamattomaan elämän konfliktiin. Tragedialle on ominaista vahvojen hahmojen ja intohimojen kireä kamppailu, joka päättyy hahmojen katastrofaaliseen lopputulokseen (yleensä kuolemaan).

Tragedian konflikti on yleensä hyvin syvä, sillä on universaali merkitys ja se voi olla symbolinen. Päähenkilö kärsii yleensä syvästi (mukaan lukien toivottomuudesta), hänen kohtalonsa on onneton.

Tragedian teksti kuulostaa usein säälittävältä. Monet tragediat on kirjoitettu jakeisiin.

Laajalti tunnetut tragediat: Aischyloksen "Kahlittu Prometheus", W. Shakespearen "Romeo ja Julia", A. Ostrovskin "Ukkosmyrsky".

Komedia

Komedia (kreikan sanasta komos ode - "hyvä laulu") on kirjallinen dramaattinen teos, jossa hahmot, tilanteet ja toimet esitetään koomisesti huumoria ja satiiria käyttäen. Samaan aikaan hahmot voivat olla melko surullisia tai surullisia.

Yleensä komedia esittää kaiken ruman ja naurettavan, hauskan ja kömpelön, pilkataan sosiaalisia tai kotimaisia paheita.

Komedia on jaettu naamioiden, asemien ja hahmojen komediaan. Myös tähän genreen kuuluu farssi, vaudeville, sivuesitys, sketsi.

Tilannekomedia (tilanteiden komedia, tilannekomedia) on dramaattinen komediateos, jossa tapahtumat ja olosuhteet ovat hauskuuden lähde.

Hahmokomedia (tyylikomedia) on dramaattinen komediateos, jossa huumorin lähteenä on hahmojen sisäinen olemus (moraali), hauska ja ruma yksipuolisuus, liioiteltu piirre tai intohimo (pahe, vika).
Farssi on kevyt komedia, joka käyttää yksinkertaisia sarjakuvatekniikoita ja on suunniteltu karkeaan makuun. Yleensä sirkuslunadissa käytetään farssia.

Vaudeville on kevyt komedia viihdyttävällä juonittelulla, jossa on paljon tanssinumeroita ja kappaleita. Yhdysvalloissa vaudevilleä kutsutaan musikaaliksi. Nyky-Venäjällä on myös yleistä sanoa "musikaali", mikä tarkoittaa vaudevilleä.

Välisoitto on pieni koominen kohtaus, joka pelataan pääesityksen tai esityksen toimien välillä.

Sketch (englanniksi sketch - "sketch, sketch, sketch") on lyhyt komediateos, jossa on kaksi tai kolme hahmoa. Yleensä luonnosten esittämiseen turvaudutaan näyttämöllä ja televisiossa.

Laajalti tunnetut komediat: Aristophanesin "Sammakot", N. Gogolin "Valtioneuvoston tarkastaja", A. Gribojedovin "Voi nokkeluudesta".

Kuuluisia tv-sketsiohjelmia: Meidän Venäjä, kaupunki, Monty Pythonin lentävä sirkus.

Tragikomedia

Tragikomedia on kirjallinen dramaattinen teos, jossa traaginen juoni on kuvattu koomisessa muodossa tai se on satunnainen sekoitus traagisia ja koomisia elementtejä. Tragikomediassa vakavat jaksot yhdistetään hauskoihin, yleviä hahmoja laukaisevat sarjakuvahahmot. Tragikomedian päämenetelmä on groteski.

Voimme sanoa, että "tragikomedia on hauska traagisessa" tai päinvastoin, "traagista hauskassa".

Laajalti tunnetut tragikomediat: Euripideksen "Alcestis", V. Shakespearen "Myrsky", A. Tšehovin "Kirsikkatarha", elokuvat "Forrest Gump", "Suuri diktaattori", "Sama Munchazen".

Tarkempia tietoja tästä aiheesta löytyy A. Nazaikinin kirjoista