Anghiarin taistelu on Leonardo da Vincin keskeneräinen teos. Leonardo da Vinci maalauksia Leonardo da Vinci kadonnut fresko

Italiassa tutkijat ovat paljastaneet salaisuuden, joka on piilotettu näkyvimpään paikkaan lähes 500 vuoden ajan. Leonardo da Vincin freskoa pidettiin tuhoutuneena, mutta kaikki nämä vuosisatat se sijaitsi Firenzen keskustassa, yhdessä kuuluisimmista palatseista.

Taidekriitikoille asiantuntija Maurizio Seracinin johtaman tutkijaryhmän tutkimuksen tuloksista tuli todellinen tunne. Tähän asti uskottiin, että Leonardo da Vincin fresko "Anghiarin taistelu" menetettiin peruuttamattomasti.

Se luotiin 1500 -luvun alussa ja se koristi yhden Firenzen kuuluisimman rakennuksen - Palazzo Vecchion - seinää vain noin 60 vuoden ajan. Historiallisten asiakirjojen mukaan toinen mestari - Giorgio Vasari - "Marcianon taistelu" haudasi hänet vuonna 1563 palatsin jälleenrakennuksen aikana.

Maurizio Seracini, joka omistautui tutkimaan suuren maanmiehensä työtä, oli melkein ainoa, joka ei uskonut Leonardon luomisen surulliseen kohtaloon. Tiedemies ehdotti, että Giorgio Vasari, joka ihaili da Vincin freskoa päiväkirjoissaan, ei voinut tuhota sitä omalla kädellään. Alkuperäisen säilyttämiseksi hän peitti sen alustavasti eräänlaisella väärällä muurilla, jolla hänen oma taistelukohta jo makasi.

Viimeaikaiset akustiset tutkimukset ovat vahvistaneet, että Vasarin freskon ja pääseinän välillä on enintään 3 millimetrin rako. Maurizio Seracinin johtamat asiantuntijat tunkeutuivat löydettyyn onteloon käyttämällä erityistä koetinta ja ottivat näytteitä materiaaleista. Tutkimuksen tulokset vahvistivat villeimmätkin toiveet.

"Näytteistä löysimme kemikaaleja, mukaan lukien musta pigmentti, joita käytettiin vain Leonardo da Vincin teoksissa. Ja tämä ei voi olla pelkkää sattumaa", sanoo taidekriitikko Maurizio Seracini.

On mielenkiintoista huomata vielä yksi seikka, johon asiantuntijat kiinnittivät huomiota tutkimuksissaan. Vasarin freskosta voit lukea tuskin havaittavan lauseen, joka on käännetty sanalla ”Etsikää ja löydätte”, tai nykyaikaisella tavalla: ”Se, joka etsii, löytää aina. On mahdollista, että tällä tavalla taiteilija halusi vihjata hänen työnsä alle kätkettyjen jälkeläiset.

Lähitulevaisuudessa tiedemiesten ja taidekriitikkojen on päätettävä, mitä tehdä nerokkaan da Vincin äskettäin hankitun mestariteoksen kanssa.

"Suunnittelemme ensin poistaa varovasti Marciano Vasarin taistelun osat, ne, jotka on jo restauroitu useita kertoja. Näin voimme tarkistaa Leonardon" Anghiarin taistelun "freskon kunnon. Olemme nyt varmoja, että tämä on se ”, Sanoo Firenzen pormestari Matteo Renzi.

Muuten, seinä vastapäätä sitä, jossa da Vinci -fresko alun perin oli tarkoitus maalata toisen renessanssin nero - Michelangelo. Hän ei kuitenkaan koskaan toteuttanut suunnitelmaansa.

"Anghiarin taistelu"

Adolfo Venturi kirjoittaa tästä poikkeuksellisesta kappaleesta, jonka Leonardo joutui esittämään Signorian palatsin neuvostohuoneelle:

”Leonardo turvautui raivoavien elementtien kuvaan ilmaistakseen vihaa, joka valtasi ihmisiä, jotka olivat sekoittuneet kovassa taistelussa. Maalaus on kauhea joukko ihmisiä, jotka sulautuvat yhteen kuin aallon vaahto; keskellä - ryhmä hevosia, ikään kuin heittäisi kauhea räjähdys. Ihmiset ja hevoset ovat kouristusten vallassa, kiertyneet, kietoutuneet toisiinsa, kuten käärmeet, kietoutuneet toisiinsa, ikään kuin kiivaassa elementtitaistelussa, hullussa taistelussa ...

Tätä kuvaa hurrikaanista seuraa muut kuvat - hevoset juoksevat laukkaan, kasvavat ylös, hyppäävät, purevat kärkeen, nuori soturi laukkaa nopeasti sotahevosella, ikään kuin kiirehtii lennossa, ratsumies eksyi pölypilvi, jonka tuulenpuuska nostaa ... "

... mutta siirrytään tosiasioihin. Sopimuksessa, joka allekirjoitettiin 4. toukokuuta 1504 Machiavellin läsnäollessa, määrättiin 35 floriinin ennakkomaksusta Leonardolle, joka myöhemmin vähennettiin rojalteista. Joka kuukausi hän sai 15 kultakukkaa käyttökustannuksiin ja sitoutui suorittamaan työt viimeistään helmikuun 1505 lopussa. Jos hän ainakin alkaa piirtää kuvan seinälle määräaikaan mennessä, sopimusta voidaan jatkaa. Ja sitten hänelle korvataan kaikki kulut.

Leonardo ei ollut koskaan saanut näin tuottoisaa tilausta. Lokakuun 18. päivänä hän liittyi uudelleen firenzeläisten maalareiden yhtiöön - todiste aikomuksestaan ​​asettua Firenzeen! Machiavelli voitti.

Leonardo vaati tilaa itselleen ja koko tiimilleen. Hänelle annettiin 24. lokakuuta avaimet Santa Maria Novellan luostarin paavisaliin ja viereisiin huoneisiin. Uuden työpajan ja useiden asuintilojen lisäksi Leonardo sai toisen tilavan huoneen, jossa hän pystyi rauhallisesti valmistamaan pahvin - eräänlaisen lisäpajan yksityiskäyttöön.

Pitkä valmistelujakso on alkanut, mistä on osoituksena lukuisat asiakirjat, kuitit, jotka vahvistavat hänen työntekijöidensä ja toimittajiensa pyynnöstä suoritetut maksut, sekä suuri määrä alustavia piirustuksia. Kun laatikot olivat valmiit, hän ei valitettavasti voinut aloittaa päätyötä. Paavin sali oli erittäin huonossa kunnossa, ja katto ja ikkunat vaativat kiireellisiä korjauksia. Sadevesi putosi suoraan huoneeseen. 16. joulukuuta Signoria päätti korjata katon, jotta Leonardo pääsisi töihin. Kaikki tämä kesti hyvin kauan. Tällä kertaa viivästyminen ei kuitenkaan ollut Leonardon vika. Vasta 28. helmikuuta saatiin tarvittavat materiaalit ikkunoiden ja ovien korjaamiseen sekä suurten liikkuvien telineiden rakentamiseen, joiden avulla oli mahdollista päästä mihin tahansa seinän osaan.

Rakennustelineet rakennettiin tietenkin Leonardon piirustusten mukaan. Ne olivat välttämättömiä, kun otetaan huomioon suunnitellun "Anghiarin taistelun" freskon koko. Seinän pinta oli maalattava 18,80x8 metriä.

Remontin suorittanut muurari teki väylän seinässä, joka erotti paavinhallin suuresta viereisestä huoneesta, jonka Leonardo henkilökohtaisesti käytti. Nyt hän sai liikkua vapaasti huoneesta toiseen.

Saadakseen tarvittavat tiedot Anghiarin taistelusta Leonardo kääntyi Machiavellin puoleen, joka sävelsi koko eepoksen erityisesti hänelle. Tuloksena on mukaansatempaava tarina äärimmäisen verisestä taistelusta, jonka keskellä pyhä Pietari itse esiintyi! Historiallinen totuus on hyvin kaukana siitä, mitä Machiavelli keksi. Itse asiassa Anghiarissa vain yksi ihminen kuoli ja yksi putosi hevoselta. Sanalla sanoen tapahtumasta puuttui suuruus. Se ei lainkaan vastannut sota -ajatuksia, joita Leonardo aikoi ilmaista freskoillaan. Hänen luonnokset muistikirjoissa todistavat tämän.

Leonardo ryhtyi luomaan pahvia, jossa hän kuvasi miehenä kutsutun pedon ulkonäköä, jota hänen hurjin intohimonsa - oman lajinsa tuhoaminen - tarttui. Hän osoitti nämä julmuudet kaikella häikäilemättömyydellä. Mutta ihminen ilmaistaan ​​hevosen päässä, jonka katse välittää kaiken kuoleman kauhun. Valitun näkökulmansa päällekkäin kerääntyneiden ruumiiden lisäksi hän keskittyy tyypillisiin yksityiskohtiin, jotka antavat hahmoille enemmän vapautta ja dynaamisuutta. Taiteellisesti rakennettu koostumus tekee majesteettisen vaikutelman. Hän ilahduttaa, järkyttää, hämmästyttää. Ja miten Leonardon aikalaiset voivat? Pystyivätkö he huomaamaan kaikesta tästä hirvittävän syytöksen sodasta heitä vastaan? Mitä väliä sillä on lopulta ... Pääasia on, että Leonardon rohkea luominen toi menestystä sen luojalle. Hänellä on aina ollut maku riskeistä - sekä kirjoittamisessa että elämässä. Virtuoosi maalauksen mestari, hän kohtelee taistelua hämmästyttävän helposti, mutta samalla kiihkeästi.

Hänen lukuisat matot, joita tarvitaan tällaisen monimutkaisen koostumuksen luomiseen, edustavat erilaisia ​​ihmisryhmiä ja hevosia, jotka ovat sekoittuneet toisiinsa. Keskellä - kaksi ratsastajaa hyökkää kahta vastustajaa vastaan; niiden kiertyneet kappaleet ovat erottamattomasti kietoutuneet toisiinsa. Alla on muiden ihmisten epämuodostuneet ruumiit. He ovat jo kaatuneet, jo kuolleet. Näiden alastomien ruumiin kouristavat grimassit ovat järkyttäviä. Leonardolla oli tapana kuvata hahmonsa ensin täysin alasti ja vasta työn lopussa pukea heidät sopiviin vaatteisiin uskoen, että tämä on ainoa tapa saavuttaa suurin todennäköisyys. Toisella pahvilla on joki, sillalla, jonka yli toinen taistelu käydään. Kuvaaessaan hevosmiesryhmää Leonardo osoitti täydellisesti Milanossa hankkimansa taidemaalarin: maalatut hevoset nousevat ylös, juoksevat laukkaan, makaavat maassa, purevat ja taistelevat kuin ihmiset. Vuosien työ "Suurella hevosella" on tuottanut hedelmää, ja se on antanut taidemaalarille kyvyn äärimmäisen tarkasti ja realistisesti. Ihmiset ja hevoset epämuodostuneilla piirteillään välittävät maailman raivoisuuden. Kuva on julma, mutta samalla ylevä.

Aivan kuten "Pyhän Annen" kanssa Marian ilmestyksen kirkossa, nämä kortit herättivät suurta kiinnostusta. Tällä kertaa Leonardolle tarjottiin myös pahvien julkinen esittely, joka avasi paavihallin ovet kaikille, jotka haluavat nähdä hänen "Anghiarin taistelunsa". Ja jälleen firenzeläiset, ystävät, kilpailijat tavoittivat ... Kiitos siitä, että taiteilijat näkivät tämän kuuluisan "taistelun", meillä on jonkinlainen käsitys siitä. Raphael, Andrea del Sarto, Sodoma (taiteilija Giovanni Bazzin salanimi), Lorenzo di Credi - kaikki toistivat näkemänsä. Jopa Rubens teki kopion keskusryhmästä paljon myöhemmin. Kuka kopioi "Anghiarin taistelun" ennen sen katoamista, joutuen Vasarin kateellisen harjan uhriksi!

Jopa epäluuloinen ja herkkä Michelangelo kopioi salaa tiettyjä fragmentteja ... Myöhemmin hän käytti niitä usein sävellyksissään hevosten kanssa - kasvatti, juoksi laukkaa.

Vaikka Leonardo saa vain vähän tilauksia, koko maailma tuntee hänet, ja jokaisella on oma mielipiteensä hänestä. Hän on todella kuuluisa, vaikka hänen kuuluisuutensa ei hyödytä häntä. Mutta sillä hetkellä hän tarvitsee rahaa enemmän kuin laajaa tunnustusta. Tämä tarkoittaa, että meidän on saatava työ päätökseen mahdollisimman pian, ja tämä on aina ollut ongelma Leonardolle ... Suurin vaikeus freskon maalaamisessa oli hänen työskennellä "ilman uudelleenkirjoitusta", ja lisäksi niin suuressa tilassa !

Ennen kuin jatkoimme kuvan siirtämistä pahvista seinälle, Leonardo peitti sen uudella kipsikerroksella, jotta se olisi virheettömän tasainen ja sileä. Hän päätti käyttää "vallankumouksellista" maalaustekniikkaa, jota hän oli aiemmin testannut seinän osissa ja pienissä paneeleissa. Tulos tyydytti hänet. Hän luopui fresko -maalaustekniikasta maalien levittämisestä vielä kuivaamattomaan kipsiin. Sen sijaan hän päätti turvautua encaustiseen tekniikkaan, jota Plinius vanhin kannatti. Leonardo ei löytänyt mitään uutta! Tämä tekniikka on samanlainen kuin lämpötilan levittäminen kipsilevyyn. Leonardo ei unohtanut, kuinka surullinen kohtalo kohtasi hänen "viimeisen ehtoollisensa" Milanossa. Hän ei aio ottaa enempää riskejä. Hän haluaa tämän seinälle kirjoittamansa pysyvän ikuisesti. Eikö olisi kuitenkin parempi turvautua "maalaamisen" tekniikkaan, kun luot niin laajamittaisen ja uhmakkaasti rohkean teoksen? Botticelli itse, ennakoi Leonardon uuden työn surullisen kohtalon, yritti saada hänet käyttämään yksinkertaisempaa tekniikkaa, mutta hän pysyi vakaana. Suurten keksijöiden uskomattoman innostuneena hän ryhtyy työskentelemään.

Valmistelutyöt etenivät menestyksekkäästi siihen kohtalokkaaseen päivään asti, jota Leonardo kutsui katastrofin päiväksi ja jonka päivämäärän hän tarkasti merkitsi muistikirjoihinsa: ”Perjantaina 6. kesäkuuta, kun kellotorni soi 13 tuntia, aloin maalata palatsi palatsissa. Kuitenkin juuri sillä hetkellä, kun olin aikeissa soveltaa ensimmäistä siveltimenvetoa, sää muuttui huonosti ja hälytyskello soitti signaalin kaikille palata koteihinsa. Pahvi repeytyi, aiemmin tuonut vesikannu särkyi ja roiskunut vesi liotti pahvin. Sää oli kauhea, satoi kuin ämpäri, ja kaatosade jatkui iltaan asti; oli pimeää, kuin yö olisi jo tullut. Pahvi irtosi ... ”Leonardo joutui nostamaan sen paikalleen palauttaessaan sen alkuperäiseen muotoonsa. Hän jatkoi itsepäisesti työskentelyä matkan varrella kokeillen maaleja, luomalla uusia seoksia, valitsemalla uusia öljy- ja vahalajeja, laatimalla uudenlaisia ​​kipsejä. Koska ensimmäiset tulokset olivat hänelle kauhistuttavia, hänen täytyi kokeilla jotain muuta, hyläten ajatuksen rockista häntä vastaan. Hän ei halunnut vetäytyä, päinvastoin, hän halusi intohimoisesti saavuttaa menestyksen, voittaa kaikki esteet ...

Vasari sanoo tästä: ”Leonardo luopui temperatekniikasta ja kääntyi öljyyn, jonka hän puhdisti tislauslaitteen avulla. Juuri siksi, että hän turvautui tähän maalaustekniikkaan, melkein kaikki hänen freskot irrotettiin seinästä, mukaan lukien "Lnghiarin taistelu" ja "Viimeinen ehtoollinen". Ne romahtivat hänen käyttämänsä laastin takia. Hän ei myöskään säästänyt materiaaleja kuluttamalla kuusisataa kiloa kipsiä ja yhdeksänkymmentä litraa hartsia sekä yksitoista litraa pellavaöljyä ... ”Nykyään voimme sanoa luottavaisin mielin, että se aiheutti nimenomaan Plinius vanhemmasta vähennetyt suositukset. Leonardon molempien kuuluisien luomusten tuhoaminen ...

Surullisen passiivisen luopumisen tempaus, joka läpäisee Botticellin ja Perugino, Borgognone ja Francia, Italian renessanssin kehityksen myötä alkoivat väistyä ilon ja nuoruuden optimismille. Leonardo da Vinci oli taiteilija, joka voitti tuon ajan dekadentit tunnelmat, aloitti uuden italialaisen humanismin ajan ja palasi surun ja luopumisen aikakauden jälkeen ihmiselle oikeutensa iloisuuteen, aistilliseen elämän nautintoon. .

Leonardo aloitti toimintansa 1500 -luvun 70 -luvulla. Työpajasta poistuminen Verrocchio, hänet hyväksyttiin itsenäiseksi mestariksi Firenzen taiteilijoiden kiltaan. Vasarin mukaan hän keksi Firenzessä erityisen mandoliinityypin, jonka muoto ja ääni kuuluisalle Firenzen herttualle pidettiin kovasti. Lorenzo upea, joka väitettiin saavan hänet tuomaan sen Lorenzolta, joka on nimetty Milanon herttuan Ludovico Moron mukaan Sforzan dynastiasta. Mutta kirjeessä, joka on säilynyt meidän aikanamme, jonka Leonardo on kirjoittanut omassa kädessään herttua Ludovicolle, on kuitenkin kyse enemmän palveluista, joita hän voi tarjota sotilasinsinöörinä. Noin 1484 Leonardo muutti Firenzestä Milanoon. Hän asui siellä vuoteen 1499 asti.

"Paras, mitä lahjakas ihminen voi tehdä", Leonardo kirjoitti kerran, "on välittää muille lahjakkuutensa hedelmiä." Niinpä hänen aloitteestaan ​​Leonardo da Vinci perusti akatemian herttuan. Milanossa hän piti luentoja ja luultavasti monet hänen käsikirjoituksistaan, jotka ovat tulleet meille, olivat vain luentoja.

Samaan aikaan hän työskenteli kaikilla taiteen aloilla: valvoi Milanon linnoituksen vahvistamista, rakensi palatsin puistoon paviljongin ja kylpylän herttuattarelle. Kuvanveistäjänä Leonardo da Vinci työskenteli Sforza -dynastian suuren perustajan Francescon muistomerkille, joka meni naimisiin Milanon edellisen hallitsevan perheen viimeisen edustajan Visconin tyttären kanssa. Samaan aikaan hän maalasi muotokuvia kaikista herttuan rakastajattareista. Valmistuttuaan kauniiden syntisten taiteilijana Leonardo meni Santa Maria delle Grazien dominikaaniseen kirkkoon, jossa hän kirjoitti Viimeisen illallisen, joka valmistui vuonna 1497.

Tällä aikakaudella Milanossa alkoi riita, mikä johti siihen, että herttuakunta meni ranskalaisille. Leonardo lähti kaupungista. Hänelle alkoi levottoman vaeltamisen aika. Aluksi hän vietti jonkin aikaa Mantovassa Isabella D'Esteen. Keväällä 1500 hän meni Venetsiaan. Sitten löydämme hänet Cesare Borgian palvelukseen sotilasinsinöörinä, joka vahvisti hänelle Romagnan kaupunkeja. yhteydessä Caesariin, kun hän taas asettui Firenzeen (1502-1506) .Kun hän oli vieraillut Milanossa sekä Roomassa ja Parmassa, hän hyväksyi vuonna 1515 Ranskan kuninkaan Francis I: n tarjouksen muuttaa Ranskaan vuosipalkalla. 700 tallerista (15 tuhatta ruplaa). ruplaa rahoillamme.) Hänen asuinpaikkansa oli Amboisen kaupunki, joka oli nuoren kuninkaan suosikki asuinpaikka. palatsi, aivan kaupungin päässä.

Melzi kertoi perheelleen Firenzessä kuolemastaan: "Kaikki surevat kanssani niin suuren miehen kuolemaa, ettei luonnolla ollut voimaa luoda toista hänen kaltaistaan."

Mitä hän tarkoitti maailmalle taiteilijana? Tähän kysymykseen vastaamiseksi on tarpeen pohtia vuorotellen Leonardo da Vincin maalauksia ja yrittää ymmärtää itse, mitä ne sisälsivät uutta tunteiden, muotojen ja värien merkityksessä.

Nuoret maalaukset Leonardo da Vincistä

Lähtökohtana tulisi olla Firenzen akatemiassa sijaitseva Verrocchion maalaus, joka kuvaa Kristuksen kastaa. Vasari kertoo, että Leonardon sivellin tässä maalauksessa kuuluu oikealla puolella olevalle polvillaan olevalle enkelille, joka pitää kiinni Vapahtajan vaatteista. Jos näin on, niin Leonardo löysi alusta alkaen sen perushuomautuksen, joka kuuluu kaikessa hänen työssään, sillä jo tästä enkelin hahmosta leviää erikoinen kauneuden ja armon tuoksu, joka on ominaista kaikille hänen kuvilleen. Kun siirrymme seuraaviin Leonardo da Vincin maalauksiin, "Annunciation", "Resurrection" ja "Saint Jerome", meidän on kiinnitettävä huomiota joihinkin niiden muodollisiin piirteisiin.

Kristuksen kaste. Verrocchion maalaus, jonka hän maalasi oppilaidensa kanssa. Kahden enkelin oikeus on Leonardo da Vincin työ. 1472-1475

Maalauksessa, joka kuvaa julistusta, Marian viitta heitetään niin luonnollisesti, että se muodostaa leveät taitokset.

Leonardo da Vincin maalaus "Ilmoitus", 1472-1475

Leonardo da Vincin maalauksessa ylösnousemuksesta molemmat nuoret pyhät, jotka katsovat unenomaista ekstaasia ylösnousseeseen, on järjestetty siten, että heidän selkänsä ja Kristuksen hahmo muodostavat suorakulmaisen kolmion. Ja pyhä Jerome polvistuu ja liikuttaa käsiään niin, että koko hahmon siluetti ei erotu suorista viivoista vaan aaltoviivoista.

Leonardon Ginevra de Benci -muotokuva puolestaan ​​ei sisällä Botticellin tyttömäisten päiden melankoliaa. Tällainen eksoottinen viehätys paistaa läpi näissä vaaleissa kasvoissa, ja se erottuu niin erikoisesti bambulehdon tummalta taustalta!

Leonardo da Vinci. Muotokuva Ginevra de Benci, 1474-1478

Näitä nuorempia teoksia taiteilijan varhaisnuoruudesta seuraa Leonardo da Vincin maalaukset Milanossa. Milanon herttuan Cecilia Galleranin ("Lady with a Ermine") rakastajattaren muotokuva, joka on pidetty Ambrosianassa, palaa hienovaraisesti hienostuneesti Pisanellon päivinä rakastettuun profiiliin. täynnä salaperäistä, aistillista viehätystä.

Nainen hermelin kanssa (Cecilia Galleranin muotokuva?). Leonardo da Vincin maalaus, 1483-1490

Leonardo da Vincin maalaus "Viimeinen ehtoollinen"

Viimeinen ehtoollinen tulkittiin kahdella tavalla ennen Leonardoa. Taiteilija joko kuvasi, kuinka Kristus lähestyy opetuslapsia ja antaa heille vieraan, tai kuinka he istuvat pöydän ääressä. Molemmissa tapauksissa toiminta ei ollut yhtenäistä.

Loistavassa inspiraatiossa Leonardo valitsi Kristuksen sanojen päämotivin: "Yksi teistä pettää minut" - ja tämä saavutti heti tämän ykseyden. Toistaiseksi oli tarpeen näyttää, kuinka Vapahtajan sanat vaikuttivat kahdentoista opetuslapsen kokoukseen. Heidän kasvonsa heijastavat maalauksessa "Viimeinen ehtoollinen" kaikkia tunteiden sävyjä: vihaa, inhoa, ahdistusta, vakaumusta omantunnosta, pelkoa, uteliaisuutta, suuttumusta. Eikä vain kasvot. Koko keho heijastaa tätä henkistä liikettä. Yksi nousi ylös, toinen nojautuu vihaisenaan, kolmas nostaa kätensä, ikäänkuin haluaa vannoa, neljäs laittaa sen rintaansa varmistaen, ettei se ole hän ...

Leonardo da Vinci. Viimeinen ehtoollinen, 1498

Leonardo da Vinci ei ole vain uusi teeman käsitteessä vaan myös ulkoasussa. Jopa Sant Onofrion viimeisellä ehtoollisella ryhmä jakautui erillisiin osiin goottilaisen hengen hengessä. Suorat istuimet vastaavat taustalla nousevia suoria pilastereita. Leonardon viimeisessä ehtoollisessa koostumusta määräävä tekijä ei ole enää kulma, vaan ympyrä. Ikkunan yläpuolella, jonka edessä Kristus istuu, holvin kaari nousee, ja jakaessaan päitä taiteilija vältti entisen yksitoikkoisuuden. Ryhmittelemällä luvut kolmeen, pakottaen jotkut nousemaan, toiset taipumaan, Leonardo da Vinci antoi kaikelle aaltoviivan muodon: ikään kuin Kristuksesta tulee meren valli, jossa on nousevia ja laskevia aaltoja.

Jopa kaikki muut Viimeisen ehtoollisen aiheet valitaan sen mukaisesti esitetystä näkökulmasta. Samaan aikaan, kuten "Viimeinen ehtoollinen" Ghirlandaio pöydällä on hoikka, pitkä fiascetti, Leonardon maalauksessa on vain pyöreitä esineitä - alaspäin laajenevia, kannuja, lautasia, kulhoja ja leipää. Pyöreä on syrjäyttänyt suoran, pehmeä - kulmikas. Maalit pyrkivät myös pehmeyteen. Freskomaalaukset on suunniteltu lähinnä koristeelliseen vaikutelmaan. Yksinkertaiset värikkäät massat erotetaan voimakkailla viivoilla. Leonardo da Vinci oli liian suuri taidemaalari tyytyäkseen yksinkertaiseen, rivin täyttävään loistoon. Hän maalasi öljyillä seinälle kehittääkseen koko kuvaa vähitellen ja saavuttaakseen hienovaraisempia siirtymiä. Siinä oli huono puoli, että Viimeisen ehtoollisen värit haalistuivat aikaisin. Siitä huolimatta vanhat kaiverrukset antavat edelleen mahdollisuuden arvata, kuinka ohut, harmaa valo oli täynnä tilaa ja kuinka pehmeät yksittäiset hahmot erottuivat ilmassa.

Leonardo da Vincin maalaus "Madonna of the Rocks"

Leonardon koloristiset ajatukset näkyvät vielä selvemmin maalauksessa "Kalliot Madonna". Täällä kaikki hänen taiteensa hienovaraisuudet sulautuvat täydellisen kuuloiseksi sointuksi. Muille aikakauden madonnille tämä kuva viittaa samalla tavalla kuin Ginevra de Bencin muotokuva tytön Botticellin Frankfurtin päähän. Tämä tarkoittaa toisin sanoen: Peruginolle, Botticellille ja Bellinille kärsimyksen evankeliumi, kristillinen luopuminen maailmasta riippumatta siitä, kuinka erilaiset heidän madonnansa ovat toisistaan, oli ratkaisevan tärkeä. Surullisen ja surullisen hurskauden vangitsema Madonna katsoo kaukaisuuteen suurilla silmillä. Ei iloa, ei auringonpaistetta, ei toivoa! Vapisevat huulet ovat vaaleita, väsynyt, surullinen hymy leikkii heidän ympärillään. Lapsen Kristuksen silmissä on myös salaperäisyyttä. Tämä ei ole iloinen, naurava lapsi, vaan maailman Vapahtaja, joka on synkän aavistuksen vallassa.

Leonardo da Vinci. Kalliot Madonna, 1480-1490-luku

Leonardo da Vincin "Madonna of the Rocks" on vieras kaikelle kirkkokunnalle. Madonnan silmät eivät tummennu surusta tai surullisesta ennakoinnista. Onko hän ollenkaan Jumalan äiti? Onko hän naiad, sylph vai hullu Lorelei? Äärettömän hienostuneessa muodossa Leonardo herättää tässä maalauksessa päätään, jotka tunnetaan Verrocchion "kasteesta", Uffizin "julistuksesta": nuori nainen, joka kumartuu lastaan ​​kohtaan ja jolla on sanoinkuvaamaton autuus, enkeli kuin teini -ikäinen tyttö, joka piilottaa kuvan pehmeällä, aistillisella katseella, ja kaksi lasta, jotka eivät ole edes lapsia, vaan amoretteja tai kerubeja.

Leonardo da Vincin maalaus "Pyhä Anne Madonnan ja Kristuksen lapsen kanssa"

Kun Leonardo asettui jälleen Firenzeen (1502-1506), Francesco del Gioconde tilasi hänet maalaamaan muotokuvan Mona Lisasta, kauniista napolilaisesta naisesta, jonka kanssa hän meni naimisiin kolmannen kerran. Filippiiniläinen Lippi antoi hänelle Santa Annunziatan palvelijoiden antaman käskyn maalata Pyhän Annan kuvan, ja neuvosto kutsui hänet osallistumaan Michelangelon kanssa Palazzo Vecchion koristeluun. Signorian suuressa salissa, joka on nyt koristeltu Vasarin freskoilla, Michelangelo kuvasi kohtausta, jossa kalastajat ottivat yllätyksenä Arnon aalloissa uivan Firenzen sotilaat, kun taas Leonardo da Vinci toisti taistelun, joka käytiin vuonna 1449 Firenzen välillä ja Milanolaiset Anghiarissa, Arezzon ja Borgo -Sepolcron välissä.

Pyhä Anne Madonnan ja Kristuksen lapsen kanssa esitti ratkaisun - vaikkakin eri hengessä - samanlaisiin ongelmiin kuin Leonardo esitti itselleen Madonnassa luolassa. Edeltäjät toistivat tämän teeman kahdella tavalla. Jotkut taiteilijat, kuten Hans Fries, Sr. Holbein ja Girolamo dai Libri, he istuttivat pyhän Annan Madonnan viereen ja asettivat lapsen Kristuksen heidän välilleen. Toiset, kuten Cornelis Berliiniin tallennetussa maalauksessaan, esittivät Pyhän Annan sanan "itse kolmas" kirjaimellisessa merkityksessä, toisin sanoen he pitivät häntä pitelemässä pientä Madonnan hahmoa polvillaan, jonka sylissä istuu, puolestaan ​​vielä pienempi lapsi -Kristuksen hahmo.

Pyhä Anna Madonnan ja Kristuksen lapsen kanssa. Leonardo da Vincin maalaus, n. 1510

Muodollisista syistä Leonardo valitsi tämän vanhan motiivin. Mutta aivan kuten "Viimeisessä ehtoollisessa", hän poikkesi evankeliumin sanoista, jotka "Johannes nojautui Vapahtajan rintaan", mikä sai edeltäjänsä kuvaamaan hänet lähes pienoiskoossa, joten hän ei noudattanut lukujen mahdottomia mittasuhteita. Hän laittaa aikuisena naisena kuvatun Madonnan Pyhän Annan syliin ja saa hänet kumartamaan Kristuksen Lapselle, joka aikoo ratsastaa karitsalla. Tämä antoi hänelle mahdollisuuden luoda yhtenäinen sävellys. Koko tämän Leonardo da Vincin maalauksen ryhmä antaa vaikutelman kuvanveistäjän veistämästä marmorilohkoista.

Toisin kuin edeltäjänsä, maalauksen koostumuksessa Leonardo ei kiinnittänyt huomiota merkkien ikään. Kaikilla entisillä taiteilijoilla on pyhä Anna - evankeliumin tekstin mukaisesti - ystävällinen isoäiti, joka usein leikkii tyttärentyttärensä kanssa. Leonardo ei pitänyt vanhuudesta. Hän epäröi kuvata kuihtunutta vartaloa, joka on täynnä taitoksia ja ryppyjä. Hänellä on pyhä Anna - hämmästyttävän kaunis nainen. Muistan odeksen Horatiukselle: "Voi, kaunis äiti, kauniimpi tytär."

Maalaustyypeistä "Madonna luolassa" tuli tässä Leonardo da Vincin maalauksessa salaperäisempi, enemmän sfinksejä. Leonardo toi myös valaistukseen jotain erilaista. Madonnassa luolasta hän käytti dolomiittimaisemia saadakseen kalpeat kasvot ja vaaleat kädet välkkymään lempeästä hämärästä. Tässä luvut erottuvat ilmavammilta ja pehmeämmiltä hohtavan kevyen ilman taustaa vasten. Varovasti taittavia vaaleanpunaisia ​​ja sinertäviä sävyjä. Lumoavan maiseman yläpuolella katse katselee kauas virtaavia vuoria, jotka ulottuvat taivaalle kuin pilvet.

Leonardo da Vincin maalaus "Anghiarin taistelu"

Tietenkin voidaan vain spekuloida värikkäistä ongelmista, joita Leonardo esitti itselleen Anghiarin taistelussa. Kuva, kuten tiedät, ei ollut valmis. Ainoan ajatuksen siitä antaa Rubensin vuosisataa myöhemmin tekemä tutkimus pahvilaatikosta, joka säilyi elossa ja kaiverrettu Edelinckille. Maalauskirjassaan Leonardo kirjoitti yksityiskohtaisesti savun, pölyn ja pilvisten ukkospilvien kautta taittuneesta valosta. Luonnollisesti Rubensin kopio ei anna lähes mitään käsitystä näistä valotehosteista. Ellemme pysty muodostamaan siitä käsitystä kuvan koostumuksesta. Se osoittaa jälleen kerran, millä luottamuksella Leonardo alisti kaikki pienet asiat yhteen keskitettyyn rytmiin. Ihmiset ja hevoset taistelevat. Kaikki oli sotkeutunut villiin sotkuun. Ja tästä huolimatta hämmästyttävä harmonia vallitsee villissä hälinässä. Koko kuvassa on puoliympyrän ääriviivat, jonka yläosan muodostavat takajaloilleen nousevien hevosten etujalat.

Leonardo da Vinci. Anghiarin taistelu, 1503-1505 (yksityiskohta)

Leonardo da Vinci "Taikojen palvonta"

Täsmälleen samassa suhteessa kuin tämä Leonardon taistelumaalaus aiempiin teoksiin Uccello ja Piero della Franceschi, on "Taikojen palvonta" samankaltaisille Gentile da Fabrianon ja Gozzolin maalauksille. Nämä taiteilijat antoivat sävellykselle friisin muodon. Maria istuu kuvan toisessa päässä, ja vastakkaiselta puolelta kuninkaat-taikat seurakuntansa kanssa lähestyvät häntä.

Leonardo da Vinci. Maagien palvonta, 1481-1482

Leonardo muuttaa tämän kokoonpanon bareljeefin profiilien hengessä yhtenäisyyden yhdistämäksi ryhmäksi. Kuvan keskellä on Maria, jota ei ole kuvattu sivulta vaan edestä. Hänen päänsä muodostaa pyramidin huipun, jonka lonkat ovat vauvaa palvovien tietäjien kumartuneet selät. Loput luvut pehmentävät tätä jäädytettyä symmetriaa nerokkaalla, aaltoilevalla toisiaan täydentävien ja vastakkaisten viivojen leikillä. Yhtenäisyydestä täynnä oleva dramaattinen elämä, jota koko lava hengittää, erottuu samalla uuduudella kuin ykseydellä täytetty sävellys. Aiemmissa maalauksissa palvovia Magija lukuun ottamatta kuvattiin vain välinpitämätöntä "läsnäoloa". Leonardossa on kaikki täynnä liikettä. Kaikki hänen "Taikojen palvonnan" hahmot osallistuvat tapahtumaan, kerääntyvät eteenpäin, esittävät kysymyksiä, ihmettelevät, pistävät päänsä, nostavat kätensä.

Leonardo da Vincin maalaus "Mona Lisa" ("La Gioconda")

"Mona Lisa" täydentää kaikki Leonardo da Vincin pyrkimykset muotokuvien alalla. Kuten tiedätte, italialainen muotokuvaaja kehittyi mitalista. Tämä selittää Pisanellon, Domenico Venezianon ja Piero della Francescan kaltaisten taiteilijoiden naisten muotokuvien ankarat profiilit. Rajat on veistetty muovilla. Muotokuvien oli erotuttava kauniiden mitalien kovuudesta ja metallisuudesta. Botticellin aikakaudella jäykästi piirretyt päät elävät ripauksella unenomaista ajattelua. Mutta se oli elegialaista armoa. Vaikka naiset ovat pukeutuneet kauniisiin moderneihin mekkoihin, heidän päässään on jotain luostarista, ujoa, arkaa. Ohuet, kalpeat kasvot valaisevat kirkollista tunnelmaa, keskiajan mystistä kauneutta.

Leonardo da Vinci. Mona Lisa (La Gioconda), n. 1503-1505

Leonardo on jo antanut Ginevra de Bencin muotokuvalle demonisen viehätyksen, ja The Lady with the Hermine hän lauloi viettelevän armon hymnin. "Mona Lisassa" hän luo nyt teoksen, joka kutsuu ja innostaa henkeä, kuten ikuinen mysteeri. Ei ole niin, että hän saa kätensä lepäämään vyötäröllä leveällä eleellä ja antaa tälle teokselle pyramidin muodon, eikä se ole, että jäykästi piirrettyjen ääriviivojen paikka otettaisiin pehmeällä puolivalolla, joka peittää kaikki siirtymät. Erityisesti katsojaa kiehtoo tässä Leonardo da Vincin maalauksessa Giocondan hymyn demoninen kauneus. Sadat runoilijat ja kirjailijat kirjoittivat tästä naisesta, joka näyttää hymyilevän sinulle viettelevästi tai ikäänkuin kylmästi ja sieluttomasti katsellen kaukaisuuteen; Kukaan ei kuitenkaan arvannut Mona Lisan hymyä, kukaan ei tulkinnut hänen ajatuksiaan. Kaikki on salaperäistä, jopa maisema, kaikki on upotettu tukahduttavan aistillisuuden uhkaavaan ilmapiiriin.

Leonardo da Vincin maalaus "Johannes Kastaja"

Luultavasti Leonardo da Vincin Milanossa oleskelun viimeisinä vuosina luotiin myös Louvressa pidetty ”Johannes Kastaja”. Kuinka paljon ennenkuulumatonta uutuus tuntuu tässä kuvassa, varsinkin kun muistat tämän pyhimyksen aiemmat kuvat. Koko 1500 -luvun. Johannes Kastajaa kuvattiin villinä erakkona, pukeutuneena kamelin ihoon ja ruokkivan heinäsirkkoja. Sitten hän on fanaatikko kuten sinä Rogier van der Weyden ja Cossassa, sitten nöyrässä mietiskelyssä, kuten Muistettavaa... Mutta hän pysyi aina erakkona. Mitä Leonardo da Vinci tekee?

Leonardo da Vinci. Johannes Kastaja, 1513-1516

Groton salaperäisen tummalla taustalla erottuu nuoren jumalan kuohuviini, vaaleat kasvot ja melkein naarasrinta ... Totta, hän pitää oikeasta kädestään kuin Herran edeltäjä (praecursor domini), mutta hänen päässään hänellä on rypäleen viiniköynnöksen seppele, ja toisessa Thyrsus lepää hänen kädellään. Evankelisesta erakosta Johannes Kastajasta, joka söi heinäsirkkoja, Leonardo teki Bacchus Dionysoksen, nuoren Apollon; arvoituksellinen hymy huulillaan ja pehmeät jalat päällekkäin, Johannes Kastaja katsoo meitä jännittävällä katseella.

Leonardon taiteellisen tyylin piirteitä

Leonardo da Vincin piirustukset täydentävät hänen maalauksiaan. Taidemaalarina hänellä ei myöskään ole mitään tekemistä primitiivien kanssa. Jälkimmäiset rajoittuivat teräviin, teräviin viivoihin ja esittivät kaiken kuin koristeen. Leonardolla ei ole viivoja, vain muotoja. Tuskin havaittavia, tuskin havaittavia siirtymiä. Hänen piirustustensa sisältö on hyvin monipuolinen. Hän opiskeli verhoa varsinkin koko ikänsä. On välttämätöntä pyrkiä antiikkiseen yksinkertaisuuteen, hän neuvoo taiteilijoita. Nykyisten viivojen tulisi korvata katkoviivat kuvissa. On todellakin vaikea kuvata näiden Leonardo da Vincin lineaaristen melodioiden viehätystä, kun nämä taitokset putoavat, törmäävät, arkaavat taaksepäin ja nurisevat edelleen hiljaa.

Leonardo oli myös kiinnostunut hiusten piirtämisestä. Jo Ghirlandaio piirsi huonoja hiuksia muotokuvissaan nuorista tytöistä ja käpertyi ohuisiin käärmeisiin mutkoihin lähellä temppeleitä. Naisten hiukset olivat Leonardo da Vincille ehtymättömän inspiraation lähde. Väsymättä hän piirsi kuinka ne käpristyvät pehmeiksi viivoiksi otsaansa tai lepattelevat ja heiluvat. Hän kiinnitti huomiota myös käsiinsä. Aiemmin Verrocchio, Crivelli ja Botticelli tulivat tälle alueelle. He antoivat sulavaa armoa käsieleille, maalatut sormet, jotka taipuivat kuin puun oksat. Mutta vain Leonardo da Vincin maalauksissa käsi, joka oli aiemmin luinen ja kova, saa lämpimän, aistillisesti värisevän elämän. Samalla tavalla hän kunnioitti asiantuntijan tietämyksellä, jolla ei ollut kilpailijaa tällä alalla, rehevien, kauniisti piirrettyjen huulten viehätystä ja lempeiden hartioiden viehätystä.

Leonardo da Vincin merkitys italialaisen taiteen historiassa

Yhteenvetona voimme määritellä Leonardo da Vincin maalausten merkityksen italialaisen taiteen historiassa seuraavasti.

Koostumusalueella Leonardo korvaa kulmaviivan aaltoviivalla. Toisin sanoen hänen italialaisten edeltäjiensä maalauksissa kaikki luvut ovat pitkiä ja hoikkaita. Jos yhteen kuvaan on liitetty useita hahmoja, se hajoaa kohtisuoraan raidoiksi, ikään kuin näkymättömät pilasterit erottavat luvut. Kädet joko riippuvat vartaloa pitkin tai nousevat kohtisuoraan ylöspäin. Taustalla olevilla puilla ei ole pyöreää latvaa, vaan ne nousevat kuin obeliskit. Vielä muiden terävien, ohuiden, suoraan ylöspäin tai kohtisuoraan alaspäin putoavien esineiden tulisi parantaa pystysuuntaisen vaikutelman muodostamista ja muodostaa jyrkästi suorakulmaisia ​​maahan makaavia esineitä, joiden toistamisen aikana myös aaltoilevia viivoja vältetään.

Leonardo da Vincin maalaukset ovat sitä vastoin aaltoilevia viivoja. Ei enää kulmia. Näet vain ympyrät, segmentit ja kaarevat viivat. Runot saavat pyöreän muodon. He seisovat tai istuvat niin, että ne saavat aaltoilevat viivat. Leonardo käyttää yksinomaan pyöreitä esineitä, astioita, pehmeitä tyynyjä, kaarevia kannuja. Jopa se, että muotokuvissa hän valitsee melkein yksinomaan koko kasvot, selitetään samoilla näkökohdilla. Profiilin muotokuvissa, jotka 1400 -luvulta. mieluummin kyse oli jyrkästi ulkonevista kulmaviivoista, kun taas koko kasvot korostavat enemmän pään pehmeää, pyöristettyä muotoa.

Kova korvasi Leonardon pehmeillä ja maalien alalla. Varhaisen Quattrocenton taiteilijat, jotka olivat humalassa maailman loistosta ja loistosta, toistivat kaikki esineet kirkkailla, värikkäillä väreillä. He eivät välittäneet sävyistä. Kaikki loistaa ja loistaa heidän kanssaan. Yksittäiset maalit asetetaan vierekkäin kuin mosaiikki, jota rajaavat terävät viivat. Tämä tempaus kauniiden värien pohdinnassa korvattiin vuosisadan lopulla harmonian halulla. Kaiken pitäisi noudattaa kaikkia ääniä. Jo Verrocchio, Perugino ja Bellini teki monia tärkeitä löytöjä tällä alalla, mutta vain Leonardo ratkaisi taiteilijoiden ongelman. Hän antoi väreille niin viehätyksen, jonka mahdollisuutta edeltäjänsä eivät edes epäilleet. Kaikki ankarat, kirjavat värit on karkotettu hänen maalauksistaan, hän ei koskaan turvaudu kullan apuun, ääriviivat tasoitetaan, kova piirustus antaa tilaa pehmeälle, läpinäkyvälle ja levottomalle.

Joten Leonardosta tuli "kuvallisen" tyylin perustaja.

"Chiaroscuron" aikakausi on tullut.

Leonardo da Vinci ei ollut vain uuden sävellysopetuksen ja uuden näkemyksen luoja; mikä tärkeintä, hän puhalsi uuden sielun aikakauden taiteeseen. Tämän tuntemiseksi on muistettava 1400 -luvun loppu, aika, jolloin munkki Savonarola herätti jälleen keskiajan hengen. Leonardo vapautti taiteen pessimismistä, synkkyydestä, askeesista, joka sitten puhkesi siihen, ja palautti siihen muinaisen maailman iloisuuden, kevyen tunnelman. Hän ei koskaan kuvannut luopumista ja kärsimystä. On mahdotonta kuvitella Leonardo da Vinciä ristiinnaulitsemista tai viimeistä tuomiota, Betlehemin vauvojen lyömistä kuvaavien maalausten luojaksi tai kiirastuli -tuomittujen taikka kidutettujen marttyyrien, joiden pääkirveet ulottuvat ja tikarit jalkojensa juureen .

Leonardo da Vincin maalauksissa ei ole sijaa ristille ja vitsaukselle, ei sijaa taivaalle, helvetille, ei verelle, ei uhreille, ei synnille, ei parannukselle. Kauneus ja autuus ovat kaikki tästä maailmasta. Botticelli kuvasi Venusta nunnan muodossa, surullisen, surullisen kristityn naisen muodossa, ikään kuin valmistautuisi menemään luostariin kärsimään maailman synneistä. Toisaalta Leonardon maalausten kristilliset hahmot tunkeutuvat läpi antiikin hengen. Maria muuttuu rakkauden jumalattareksi, Uuden testamentin kalastajiksi ja veronkantajiksi - kreikkalaisiksi filosofeiksi, erakko Johannesksi - tyrsoksella koristeltuun Bacchukseen.

Vapaan rakkauden lapsi, kaunis jumalana, hän ylisti vain kauneutta, vain rakkautta.

Sanotaan, että Leonardo da Vinci rakasti kävellä markkinoilla, ostaa pyydettyjä lintuja ja vapauttaa heidät.

Niinpä hän vapautti myös ihmiset häkistä, jossa luostariteoria lukitsi heidät, ja näytti heille jälleen tien ahtaasta luostarista maallisen, aistillisen ilon laajalle alueelle.

Firenzen Palazzo Vecchiossa (Señorian palatsi) löydettiin pitkän aikavälin tutkimuksen tuloksena jälkiä Leonardo da Vincin "Anghiarin taistelun" freskosta, jota pidettiin täysin kadonneena. Oletettavasti se sijaitsee suuren neuvoston salin seinän paksuudessa.

Leonardo da Vincin fresko "Anghiarin taistelu" tunnetaan vain kopioista - uskottiin, että maalaus alkoi murentua heti luomisprosessin aikana, se ei ollut valmis ja tuhoutui kokonaan 50 vuotta sen luomisen jälkeen. Professori Maurizio Seracini on taistellut tätä teoriaa vastaan ​​lähes 40 vuotta, ja hän uskoo, että ensinnäkin "Anghiarin taistelu" ei ollut niin huonossa tilassa, ja toiseksi, sitä ei ammuttu alas Giorgio Vasarin työn tekemiseksi "Marcianon taistelu", mutta piiloutui pystyttäen uuden seinän hänen eteensä.

Alkuperäisen suunnittelun mukaan Firenzen Señorian palatsin suuren neuvoston salin seinät piti koristaa kaksi aikakauden suurta taiteilijaa - Leonardo ja Michelangelo. Molemmat suuret esittivät luonnoksia neuvostolle, mutta Michelangelo ei edes aloittanut seinätöitä, eikä Leonardo onnistunut. Hänen tarkoituksenaan oli kattaa valtava alue - 6,6x17,4 m - maalauksella, joka kuvaa ratsastajia, jotka oli lukittu palloon, ja vuosina 1503–1506 hän näytti alkavan työskennellä seinällä vahapohjaisilla maaleilla, mutta pigmentit alkoivat haalistua. Leonardo jatkoi työskentelyä öljyn kanssa, mutta pohjamaali kieltäytyi hyväksymästä maalia ja mureni. Uskotaan, että kopioita "Anghiarin taistelusta" (niiden kirjoittajat olivat Rafael, silloinen tuntematon taiteilija, jonka teoksen perusteella kaiverrettiin Lorenzo Zacchia ja sitten Rubens) ei luotu freskosta, vaan pahvista - luonnos täysikokoisena.

Tutkija Maurizio Seracini on etsinyt tätä näennäisesti kadonnutta freskoa vuodesta 1975 (he sanovat, että tämä innostunut tiedemies toimi prototyypinä yhdelle Da Vinci -koodin etsivähahmosta). Etsintää vaikeuttaa se, että Vasarin maalaukset ovat edelleen seinällä, jotka ovat myös erittäin arvokkaita eivätkä missään tapauksessa voi vaurioitua. Kuitenkin itsepäinen professori löysi ultraäänitutkimuksella raon seinän paksuudessa ja on nyt saanut luvan ottaa siitä mikronäytteitä. Ne osoittivat jälkiä samasta koostumuksesta, jota käytettiin "La Giocondan" luomiseen. Lisäksi saatiin näytteitä punaisesta lakasta ja ruskeasta pigmentistä, joita tutkijat tutkivat nyt. Maurizio Seracinin mukaan Leonardo -neroa syvästi kunnioittanut Giorgio Vasari ei voinut sallia freskon tuhoamista ja määräsi rakentamaan sen eteen seinän, jonka hän maalasi. Lisäksi professori on varma, että fresko on säilynyt riittävän hyvin - ja mahdollisuudet nähdä se eivät menetä meitä.

Leonardo da Vincin maalaus - Anghiarin taistelu

"Angiarin taistelu" (italialainen Battaglia di Anghiari, myös joskus käännetty "Angiaran taisteluksi") on Leonardo da Vincin kadonnut fresko. Taiteilija työskenteli sen parissa vuosina 1503-1506. Freskon oli tarkoitus koristaa yksi Firenzen Señorian palatsin suuren neuvosalin (Salon Five Hundred) seinistä. Kopiot pahvista tätä freskoa varten on säilytetty. Yksi Rubensin parhaista piirustuksista on Louvren kokoelmassa.

Gonfalonier Soderini tilasi freskon Leonardo da Vincin toimesta Firenzen tasavallan palauttamisen muistoksi Piero Medicin karkottamisen jälkeen.

Samanaikaisesti Leonardon kanssa Soderini tilasi Michelangelon maalaamaan salin vastakkaiset seinät.

Taistelukohtausta varten da Vinci valitsi taistelun, joka käytiin 29. kesäkuuta 1440 Firenzen ja Milanon joukkojen välillä Condottiere Niccolo Piccininon johdolla. Määrällisestä paremmuudesta huolimatta pienet firenzeläiset joukot voittivat milaanilaiset.

Taiteilijan suunnitelman mukaan freskosta tuli hänen kunnianhimoisin teoksensa. Koko (6,6 x 17,4 metriä) se oli kolme kertaa suurempi kuin viimeinen ehtoollinen. Leonardo valmistautui huolellisesti seinämaalauksen luomiseen, tutki taistelun kuvausta ja esitteli suunnitelmansa Senorialle lähetetyssä muistiossa. Leonardo suunnitteli pahvityöhön Santa Maria Novellan kirkon paavinhuoneessa tehdyt erityiset rakennustelineet, jotka taitettiin ja avattiin nostamalla ja laskemalla taiteilija vaadittuun korkeuteen. Freskon keskiosa oli yksi taistelun tärkeimmistä hetkistä - ratsumiesryhmän taistelu bannerista.

Vasarin mukaan valmistelupiirros tunnistettiin asiaksi:

erinomainen ja toteutettu erittäin taitavasti, koska hän teki hämmästyttäviä havaintoja tämän kaatopaikan kuvassa, sillä tässä kuvassa ihmiset osoittavat samaa raivoa, vihaa ja kostonhimoa kuin hevoset, joista kaksi on kietoutuneet etujalkoihinsa ja taistelevat hampaat eivät ole yhtä raivokkaita kuin ratsastajat taistelevat bannerista ...

Leonardo jatkoi kokeilujaan maalikoostumuksilla ja pohjamaaleilla, jotka hän oli aloittanut Viimeisen ehtoollisen luomisen aikana. On olemassa erilaisia ​​oletuksia syistä freskon tuhoamiseen, joka alkoi jo työn aikana. Vasarin mukaan Leonardo maalasi seinälle öljyvärimaaleilla ja maalaus alkoi vaimentua työn aikana. Da Vincin anonyymi elämäkerta kertoo käyttäneensä Plinyn seoksen reseptiä (maalaus vahamaaleilla encaustic -tekniikalla), mutta tulkinnut sen väärin. Sama anonyymi kirjoittaja väittää, että seinä oli kuivunut epätasaisesti: ylhäältä se oli kostea, kun taas alhaalta se kuivui hiiligrillareiden vaikutuksesta. Leonardo siirtyi vahamaaleihin, mutta jotkut pigmentit haihtuivat pian. Leonardo yritti korjata tilanteen ja jatkoi työskentelyä öljyvärien kanssa. Paolo Giovio sanoo, että laastari ei hyväksynyt maapähkinävoivoidetta. Teknisten vaikeuksien vuoksi itse freskon työ eteni hitaasti. Esiin tuli olennaisia ​​ongelmia: neuvosto vaati joko tarjoamaan valmiita töitä tai palauttamaan maksamansa rahat. Da Vincin työn keskeytti Ranskan kuvernööri Charles d'Amboisen kutsu Milanoon vuonna 1506. Fresko jäi keskeneräiseksi.

Vuosina 1555 - 1572 Medicin perhe päätti rekonstruoida salin. Suoritti Vasarin rakennemuutoksen avustajien kanssa. Tämän seurauksena Leonardon työ menetettiin - sen paikan otti Vasarin fresko "The Battle of Marciano".