Helpompi korkeampi helpompi hauskempaa Stanislavsky. Antarova

Ensiesitys
Roman Polanskin kulttimusikaali "Dance of the Vampires" (Wien-versio 2009).

Vampire Ball on musikaalinen uusintaversio Polanskin elokuvasta The Fearless Vampire Killers (1967). Elokuva oli suuri menestys lipputuloissa. 30 vuotta kuvan julkaisun jälkeen Andrew Brownsberg, tuottaja ja Roman Polanskin ystävä, ehdotti ohjaajalle teatterimusikaalin luomista elokuvamateriaalin perusteella. Mestarit, kuten säveltäjä Jim Steinman (Andrew Lloyd-Webberin toinen kirjoittaja, monien hittien kirjoittaja, kirjoittanut Bonnie Tylerille, Meat Loafille ja Celine Dionille) ja libretisti Michael Kunze (kaikkien maailmanmusikaalien pääkääntäjä saksan kielelle).

Vampire Ball (Tanz der Vampire) on yksi menestyneimmistä projekteista modernin eurooppalaisen musiikkiteatterin historiassa, ja se on oikeutetusti sisällytetty maailman kuuluisimpien musikaalien listalle. Mahtavat maisemat, upeat puvut, upea koreografia ja tietysti voimakas, lumoava musiikki - kaikki tämä teki "Vampyyrien tanssista" todellisen mestariteoksen.
On huomattava, että yksi musikaalin pääteemoista on melodia Bonnie Tylerin hitistä "Total eclipse of a heart", joka voitti Grammy-palkinnon vuonna 1983.

Wienin Raimund-teatterin ensimmäisestä esityksestä vuonna 1997 tähän päivään asti, Vampire's Ball on marssinut voittoisasti läpi Euroopan parhaiden näyttämöjen. Miljoonat katsojat ovat nähneet Vampire Ballin 14 vuoden ajan Itävallassa, Saksassa, Yhdysvalloissa, Japanissa, Unkarissa, Puolassa, Belgiassa ja Virossa. Vuonna 2009 tekijät loivat musikaalista uuden, wieniläisen version, jossa oli kirkkaampi lavasuunnittelu. Unkarilainen tuotantosuunnittelija Kentauer täytti esityksen goottisella herkkyydellä, kun taas musiikin johtaja Michael Reid sovittaa koko orkesterimateriaalin uudelleen. Toisen ohjaajan Roman Polanskin Cornelius Balthusin taidon ansiosta tuotannosta tulee entistä tyylikkäämpi, syvällisempi ja se saa monia nokkelampia vivahteita. Projektin koreografi on Denis Callohan.

Projektin laajuutta voidaan arvioida pelkkien tosiseikkojen perusteella: esityksen aikana maisemat vaihtuvat 75 kertaa, syntyy yli 220 alkuperäistä pukua, peruukkia ja meikkivaihtoehtoa, ja ohjaajan assistenttien tulee antaa ohjeita eri vaiheisiin. muuttuu 600 kertaa!

Vaikutelma

En kirjoita musikaalista yksityiskohtaisesti, ensinnäkin kaikki ovat kuulleet siitä jo kaksisataa-viisisataa kertaa. Toiseksi hän kirjoitti Kolmanneksi kävin siinä 2 kertaa ja tämä kertoo jo paljon, koska en katso elokuvia tai esityksiä kahdesti. Tukeuttaa lippujen hinnat, todella tukehtuvaa! Mutta, IMHO, jos menet tähän musikaaliin - niin vaikuttavien maisemien, pukujen ja äänien takia. Ääniä tietysti kuuluu kaikkialla, mutta epäilen, että maisemat ja puvut näkyvät parvekkeen kaukaisista riveistä. Joten jos todella haluat katsoa ja saada miellyttävän kokemuksen - tervetuloa kojuihin ja parvekkeen ensimmäisiin riveihin!
Yleisesti ottaen sanon ja olen aina sanonut, että Pietarissa ei ole vielä tehty mitään tämän musikaalin kaltaista ja, Jumala varjelkoon, se joskus tehdään!

2. "Pelkään rakkautta", eli. Lensoviet
osoitteessa bileter.ru
Esitys "Pelkään rakkautta"

Kohtauksia kaupungin elämästä.
Näytelmässä viitataan parhaisiin esimerkkeihin venäläisestä dramaturgiasta, Volodinskyn "On sääli olla onneton" ja "Älä eroa rakkaimmistasi" ja Radzinskyn "104 sivua rakkaudesta".
"Pelkään rakastuvani, mutta... se ei toimi. Ja minulla ei ole enää voimia närkästyä. Minulla on voimaa vain onnelliseen rakkauteen ”, sanoo yksi näytelmän sankaritarista. Onko mahdollista saada takeita siitä, että se ei satu, ei tule pettymyksiä ja eroja? Kuusi näyttelijää esittää kymmenien erilaisten miesten ja naisten kohtaamisia, tunnustuksia, petoksia ja itsepetoksia. Aiemmat kokemukset epäonnistuneista rakkaustarinoista johtavat uusiin kohtaamisiin. Sankarit pelkäävät olla riippuvaisia ​​tunteista, he pelkäävät uusia kohtalon ansoja. Ehkä se on totta - "kahvi aamulla on jo suhde" ja "on välttämätöntä katkaista huipulla, kunnes he katsovat silmiin aamulla"? Esityksen sankareita rasittavat rakkauskokemukset, lapset, entiset aviomiehet, vaimot, hylätyt rakastajattaret ja rakastamattomat rakastajat... Elämä on opettanut meidät olemaan varovaisia.
Tästä tarinasta jokainen katsoja löytää nykyajan ja itsensä piirteet: joku ryntää pelottomasti kohti uutta rakkautta ja joku valitsee henkisen hiljaisuuden.

Vaikutelma
Todella vahva, syvä suoritus. Oli joulukuun lopussa. Esitys keräsi suuren joukon täysin tavallisten ihmisten epäilyksiä, kokemuksia ja ajatuksia. Minua hämmästytti Venäjän kansantaiteilijan A. Aleksakhinan esitys. Hänen ansiostaan ​​esityksen energia, ilmaisu ja tunteet välitettiin.
Näytelmä - sarja kohtauksia, jotka kehittyvät yhdeksi tarinaksi. Rakkaustarina. Hieman naiivi, joskus julma, mutta yleensä - elintärkeä. Todellakin, varmasti jokainen löytää itsensä, ajatuksensa ja tunteensa tästä tarinasta.
En voi sanoa, että se on kovin jännittävää, mutta 1h.40min. näyttää helpolta ilman väliaikaa! Tuli ulos ystävän kanssa ristiriitaisin vaikutuksin, joi kahvia puoli tuntia "ymmärtääkseen". Pidin siitä ehdottomasti, mutta mielestäni "tyylillä". Jos on halu "kaivaa itseensä", tutkia tunteitasi, ehdottomasti - "kyllä"! Jos olet kaukana romantiikasta ja muusta sentimentaalisesta hölynpölystä ja haluat nähdä rakkauden kyynisen puolen - ehkä kyllä. Jos et ole kiinnostunut sellaisista aiheista ollenkaan, sinulla on ilmeisesti tylsää ja tylsää tässä esityksessä.

3. "Dovlatov. Viisi kulmaa", MDT
osoitteessa bileter.ru
Esitys "Dovlatov. Viisi kulmaa"

Luovien projektien toteuttamiskeskus "Admiralteisky" esittelee näytelmän "Dovlatov. Viisi kulmaa.

Tarinoihin, kirjeisiin, runoihin perustuva sävellys.
Esitys "Dovlatov. Five Corners" on yritys heijastaa aikaa ja sen sankareita tarinoiden, runojen, radiolähetysten, kirjeiden ...
"Viisi kulmaa" on julkaisemattoman romaanin nimi ja samalla paikka, jossa kirjailija asui Leningradissa kirjallisen muodostumisensa aikana - kaupunki, johon paluusta tuli maanpaossa olevan Dovlatovin saavuttamaton unelma.
Esitys käyttää Sergei Dovlatovin kirjeitä varhaisimmista (armeija) uusimpiin (kirjoitettu New Yorkissa), runoutta ja kolmea tarinaa sarjoista "Matkalaukku" ja "Meidän". Dovlatovin ääni kuulostaa samalta.

Esitys etenee ilman taukoja.

Musiikki - N.Volkova. Taiteilija - I. Kanevsky. Valosuunnittelija - A. Makhalova.

Vaikutelma
Hyvä ja mielenkiintoinen esitys erityisesti Dovlatovin faneille. Kerran luin hänen teoksensa "Ours" reikiin, samoin kuin joukon muita kirjoja, joten tämä esitys oli minulle erityisen kiinnostava! Olin yllättynyt, että yksi kirjan luvuista luettiin itse asiassa sanatarkasti ulkoa, "tunteella, järkellä, järjestelyllä". Upea karismaattinen näyttelijä, loistava valikoima otteita! Jos rakastat Dovlatovia "niin kuin minä häntä rakastan", muista mennä. Minulle hän ja hänen teoksensa ilmestyivät uudessa valossa ja löysivät toisen elämän. Kotona luin jopa suosikkiteoskohtiani uudelleen.
Miinuksista - se on erittäin vaikeaa ilman taukoa ja epämukavia tuoleja kamariosalissa! Lisäksi vaatekaapin virtuaalinen puuttuminen ja täysin pieni odotushuone yhdistettynä "vaatekaappiin" - eli seinällä seisoviin ripustimiin.

4. "I.O. tai suhde pukeutumiseen", t. Buff
osoitteessa bileter.ru
Esitys "I.O. tai Romance in disguise"

Jännittävä komedia rakkaudesta. Mutta rakkautta ei ole olemassa itsestään - se on merkitty tiettyyn aikaan, tiettyyn yhteiskuntaan. Ja jonkin surullisen lain mukaan rakkaus ja yhteiskunta osoittautuvat melkein aina vastustajiksi.

Pukeutumistapaus osoittautuu vitsiksi, joka paljastaa samalla monia nykyajan elämän ongelmia. Hahmojen "sekoittamisen" kirjoittajan käyttämä aihe muistuttaa Gogolin "Kenraalin tarkastajan" juonen. Satiirinen linja kuitenkin kehittyy rinnakkain lyyrisen kanssa, mikä johtaa lopulta odottamattomaan lopputulokseen.

Esitys sisältää yhden väliajan.

Esitys on tarkoitettu 14-vuotiaille ja sitä vanhemmalle yleisölle.

5. "Suutele minua, Kate", v.Muz.Komedia
osoitteessa bileter.ru
Musikaali "Kiss Me Kat"

Broadway-hitti musiikkikomediateatterissa
Koko Amerikka oli hulluna häneen useiden vuosien ajan. Se on yksi Broadwayn suurimmista hitteistä yhdessä My Fair Ladyn, Catsin ja The Phantom of the Operan kanssa.

Col Porterin musiikki on melodista ja helposti muistettavaa, siinä yhdistyy läpitunkeva lyriikka huumoriin ja keveyteen, ja useista tämän esityksen melodioista on tullut modernin jazzin klassikoita. Kuten kaikki musikaalit, Kiss Me Kat! on hyvä dramaturgia. Alkuperäisen libreton kirjoittajat Samuel ja Bella Spivak ottivat pohjaksi Shakespearen komedian "The Taming of the Shrew". Musikaalin toiminta tapahtuu 1900-luvun puolivälissä, teatterin kulissien takana, "The Taming of the Shrew" -musiikkiversion ensi-illan aikana. Elokuvassa "Kiss Me Kat!" näyttelijöiden välinen suhde on omituisesti kietoutunut Shakespearen hahmojen väliseen suhteeseen. Musikaalissa on paljon huumoria ja salapoliisielementtejä.

Musiikki ja sanat Col Porter. Libretto Sam ja Bella Spivak. Lavastus - A. Isakov. Koreografi - N. Reutov.

Vaikutelma
Valoisa, värikäs ja upea musikaali! Todennäköisesti parasta mitä olen vähään aikaan nähnyt. Kevyt, näyttää kirjaimellisesti yhdellä hengityksellä. Hieno näyttelijäsuoritus ja mielenkiintoinen, monipuolinen tarina. Erittäin kauniit puvut (kuten aina musikaalikomediassa). Päähenkilön upea ääni, melodiset ja sydämelliset sävellykset! Gangsterit aiheuttivat ihailua ja todellista iloa, erityisesti D. Dmitriev valloitti. Ihana ja kevyt huumori, toisin kuin toveri Buff, vitsit saivat hymyn ja loivat positiivisen tunnelman. Paljon tanssinumeroita, pidin todella koreografiasta. Todella arvokas, mielenkiintoinen ja erittäin onnistunut musikaali! Haluaisin nähdä hänet uudelleen!

Edessä on vielä muutama esitys, lippuja on saatavilla ja odotan innolla. Huhtikuun vinkkejä otetaan vastaan ​​erillisellä "mersillä".

K. S. Stanislavskyn keskustelut
Bolshoi-teatterin studiossa 1918-1922.

Äänitys: RSFSR:n kunniataiteilija. K. E. Antarova

Yu. S. Kalashnikovin päätoimituksella, toinen tarkistettu painos M., All-Russian Theatre Society, 1947

K. S. Stanislavskyn kolmekymmentä keskustelua luovuuden järjestelmästä ja elementeistä

OPETTAJAN MUISTOIN

Taiteilijan on helppo kirjoittaa muistiinpanoistaan ​​opettajan oikeat sanat ja antaa ne jokaiselle, joka palaa rakkaudesta taiteeseen ja arvostaa lavataiteen polun kulkeneen suuren ihmisen jokaista kokemusta. Mutta on hyvin vaikea uskaltaa herättää jokaisessa lukijassa elävä kuva nerosta, jonka kanssa kommunikoit kuin opettajan kanssa, jonka näit monta päivää työskennellessäsi kanssasi ja koko taiteilijaryhmän kanssa tasavertaisena tasavertaisena, Älä koskaan anna sinun tuntea etäisyyttä itsesi ja opiskelijan välillä. , vaan luo ilmapiirin helppoudesta, viehätysvoimasta ja yksinkertaisuudesta. Mutta silti uskallan hahmotella tässä ainakin muutamia piirteitä Konstantin Sergeevich Stanislavskyn kuvasta, kun hän esiintyi luokilla kanssamme, Moskovan Bolshoi-teatterin taiteilijoilla, vuosina 1918-1922. Hän alkoi opiskella kanssamme asunnossaan Karetny Ryadissa, ja hänen tunninsa olivat aluksi epävirallisia, maksuttomia, eikä niissä ollut tarkkoja tunteja. Mutta Konstantin Sergeevich antoi meille kaiken vapaa-aikansa, ottamalla tätä varten usein tunteja pois omasta lepostaan. Usein tunnimme, jotka alkoivat klo 12 iltapäivällä, päättyivät klo 2 aamulla. Meidän on muistettava, kuinka vaikeaa aikaa se oli, kuinka kylmiä ja nälkäisiä kaikilla oli, mikä tuho vallitsi - ensimmäisen maailmansodan julma perintö, jotta voimme arvostaa molempien osapuolten - sekä opettajien että opiskelijoiden - epäitsekkyyttä. Huolimatta siitä, että he olivat Bolshoi-teatterin näyttelijöitä, monet taiteilijoista olivat täysin alasti ja juoksivat Konstantin Sergeevitšin studioon vahingossa saamissaan huopakissa. Konstantin Sergeevich unohti yleensä, että hänen tarvitsee syödä ja juoda, aivan kuten me, hänen oppilaansa, hänen kaunopuheisuuden ja taiteenrakkauden liekin vetävät unohdimme tämän hänen tunneilla. Jos monia ihmisiä tuli luokkaan ja hänen valtavan huoneensa tuoleilla ja sohvilla ei ollut tarpeeksi tilaa, he toivat maton, ja kaikki istuivat sille lattialle. Jokainen minuutti, joka lensi yhteydessä Konstantin Sergeevitšin kanssa, oli loma, ja koko päivä vaikutti onnellisemmalta ja valoisammalta, koska hänen kanssaan oli luokat tulossa illalla. Hänen uskolliset avustajansa, jotka myös työskentelivät studiossa aluksi ilmaiseksi eivätkä vaihtaneet työtään loppuun asti, olivat hänen sisarensa Zinaida Sergejevna Sokolova ja veli Vladimir Sergejevitš Aleksejev, täynnä huomiota ja kiintymystä meitä kohtaan vähintäänkin Konstantin Sergejevitš itse. Konstantin Sergeevich ei koskaan valmistautunut keskusteluihin, jotka olen nauhoittanut. Hän ei noudattanut luentomenetelmää; kaikki, mitä hän sanoi, muutettiin välittömästi käytännön esimerkeiksi, ja hänen sanansa virrasivat kuin yksinkertainen, elävä keskustelu hänen vertaistensa tovereiden kanssa, minkä vuoksi kutsuin niitä keskusteluiksi. Hänellä ei ollut tarkkaan laadittua suunnitelmaa, että tänään hän kaikin keinoin keskustelee kanssamme sellaisesta ja sellaisesta. Hän tuli aina itse elävästä elämästä, hän opetti arvostamaan tätä hetkeä, joka nyt lentää, ja neroutensa herkkyydellä ymmärsi, millä tuulella hänen yleisönsä oli, mikä taiteilijoita nyt huolestuttaa, mikä kiehtoo heitä ennen kaikkea. . Tämä ei tarkoita, etteikö Konstantin Sergeevichillä olisi ollut suunnitelmaa, se oli vain todiste siitä, kuinka hienovaraisesti hän tiesi navigoida itsekseen ja kuinka hän orientoi tämän hetken olosuhteiden mukaan sen muuttumattoman suunnitelman orgaaniset ominaisuudet. hän antoi tietonsa meille välitettäväksi. Hänen keskustelunsa liittyivät aina epätavallisen hienovaraisesti eläviin harjoituksiin. Kuten nyt muistan, seisoimme pianon ääressä ja yritimme keskittyä täydellisesti, luoda itsessämme julkisen yksinäisyyden luovan piirin, laulaa Tatjana ja Olga duettoa Jevgeni Oneginista. Konstantin Sergeevich johti meidät kaikin mahdollisin tavoin etsimään uusia, eloisia intonaatioita ja värejä äänessämme, yritti kaikin tavoin rohkaista meitä etsintöihimme, mutta muutimme kaikki tuttuihin oopperaklikseihimme. Lopulta hän tuli luoksemme ja vierellämme seisoessaan aloitti keskustelun, jonka olen merkinnyt numeroon 16. Nähdessään, ettemme voineet irrottautua oopperakliseistä, hän antoi meidän unohtaa hetkeksi epäonnistuneen duettomme. Hän alkoi puhua keskittymisestä, suoritti kanssamme useita harjoituksia hengitysrytmiin liittyvistä toiminnoista, kunkin huomion kohteena olevan kohteen tiettyjen ominaisuuksien korostamisesta tehtävissä. Vertailemalla eri esineitä, osoittamalla hajamielisyyttä, havaitsemansa esineen ominaisuuksia, jotka jäivät tämän tai toisen taiteilijan huomion ulkopuolelle, hän johdatti meidät huomion valppauteen. Hän kertoi meille kaiken, mitä kirjoitin muistiin 16. keskustelussa, ja palasi jälleen duetoon. Hänen keskustelunsa jälkeen ymmärsimme heti kaiken, mitä hän halusi kuulla äänemme intonaatioina, ja loppuelämäni ajan olen yhdistänyt Olgan ajatukseen kuun yhdistyksen - valtavan aluepallon, ja opettajan mahtava hahmo nousee aina, inspiroituneena, hellä, täynnä tarmoa ja energiaa. Konstantin Sergeevich ei koskaan vetäytynyt heidän oppilaidensa eteen syntyneiden esteiden eteen, ennen heidän väärinymmärrystään, hän aina rohkaisi ja tiesi kuinka saavuttaa tuloksia, vaikka hänen pitikin toistaa sama asia meille monta kertaa. Siksi keskusteluissa on usein toistoja, mutta en tarkoituksella yliviivaa niitä, koska niistä jokainen voi päätellä kuinka vaikea polku "möly, kuinka paljon työtä on tehtävä. Loppujen lopuksi melkein kaikki meistä oli jo taiteilijoita. Bolshoi-teatteri, mutta kuinka kovaa se onkaan Konstantin Sergeevich joutui tuomaan esiin huomiomme ja kaikki luovat elementit, jotka johtavat todelliseen taiteeseen! Kuinka väsymätön olikaan hänen huomionsa siihen, mitä hän piti välttämättömänä henkisenä ja luovana matkatavaroina jokaiselle taiteilijalle, joka haluaa kehittää luovia voimiaan eikä matkia jotakuta! Monissa keskusteluissa, jotka eivät liittyneet suoraan etiikkaan, hän yritti jatkuvasti juurruttaa meihin jonkin ajatuksen siemenen läheisestä toverista ja herättää rakkautta häntä kohtaan. Konstantin Sergeevich omasi loistavan huumorin, mutta samalla hän oli niin jalo ja yksinkertainen ajatuksissaan ja kanssamme tekemisissä, ettei kukaan voinut edes haaveilla kertovansa hänelle anekdootteja, juoruja jne. Syvästi vakava ja jännittävä ilmapiiri, jano oppia ja tietää jotain taiteessamme hallitsi keskuudessamme ja kaikki tuli täydestä rakkaudestamme ja huomiostamme meitä kohtaan. Ei ole mahdollista välittää kaikkea, mitä Konstantin Sergeevich niin anteliaasti antoi meille luokissaan. Hän ei ollut tyytyväinen siihen, että tunsi meidät studion jäseninä, vaan löysi silti aikaa Bolshoi-teatteriin katsomaan meitä esityksissä. Olisi tarpeen kirjoittaa erillinen kirja "Wertheristä" - studiomme ensimmäisestä tuotannosta, jonka näytimme Taideteatterissa. Ei ole sanoja kuvaamaan energiaa, jonka Konstantin Sergeevich, hänen sisarensa Zinaida Sergeevna, hänen veljensä Vladimir Sergeevich ja kaikki studion opiskelijat vuodattivat tähän työhön. Nälkäinen, kylmä, usein ilman illallista kaksi päivää, emme tienneet, että olimme väsyneitä. Olimme silloin niin köyhiä studiossa, ettemme voineet edes kutsua valokuvaajaa kuvaamaan koko Werther-tuotantoamme. Ja hän lähti Konstantin Sergeevitšin ensimmäisenä lahjana oopperaan, jota ei edes tallennettu missään. Taideteatterissa Konstantin Sergejevitšin kokoama maisema "mäntymetsästä", Bolshoi-teatterissa pyysin puvut vanhasta, enää käyttämättömästä vaatekaapista, valitsin ne yhdessä Zinaida Sergejevnan kanssa, ja Konstantin Sergejevitš hyväksyi ne. Esimerkkinä "polttamisesta" voin mainita Vladimir Sergejevitšin, joka asui tuolloin kaupungin ulkopuolella, kantoi selässään laukkua, jossa oli kaikki studioon tarvittavat tavarat ja söi melkein vain hirssiä. Joskus hän sanoi: "Luulen, että jos joku sanoo minulle sanan hirssi nyt, ammun." Naurua, hauskoja kappaleita, kun olimme jo muuttaneet Leontievsky Lane -kadulle ja huone, vaikkakin ahdas, mutta suurempi kuin Karetny Ryadissa, soi jatkuvasti joka kulmassa. Keskuudessamme ei koskaan ollut epätoivoa, ja odotimme aina innolla Konstantin Sergeevitšin tulevaa tunneillemme. Kerran puhuessaan lentävän minuutin arvosta luovuudessa, joka pitäisi olla (arvostettu hetkenä, jossa etsitään yhä uusia tehtäviä ja niiden mukana uusia ääniintonaatioita ja uusia fyysisiä toimia), Konstantin Sergeevich puhui Othellosta. Hän esitti meille niin kaksi mahdollisuutta Othellolle astua Desdemonan makuuhuoneeseen yöllä, hän oli toisessa versiossa niin pelottava ja toisessa niin nöyrä, naiivi ja koskettava, että olimme kaikki turtuneet ja istuimme hiljaa, vaikka Othello oli jo kadonnut ja meidän opettaja seisoi jälleen edessämme. Mitä voimme sanoa nyt, kun hän ei ole enää kanssamme? Hänelle taide ei ollut vain elämän heijastus lavalla, vaan myös tapa kouluttaa ja yhdistää ihmisiä. Olkoon se meille kaikille, jotka opiskelimme "hänen kanssa" kunnian ja totuudenmukaisuuden liitto, kunnioituksen liitto jokaista kohtaan, joka pyrkii tietoon ja huippuosaamiseen teatterityössämme. Minulla ei ole voimaa eikä kaunopuheisuutta ilmaista sanoin inspiraatio, että sytytin Konstantin Sergeevitšin hänen oppilaitaan - kukaan ei voinut vastustaa hänen innostustaan, mutta he tottelivat häntä ei auktoriteettina ja despoottina, vaan ilona, ​​joka yhtäkkiä paljasti sinussa uuden ymmärryksen jostakin lauseesta, jostakin sanasta, joka valaisi koko perhettä , ja suoritit sen huomenna toisin. Jos Konstantin Sergeevitšiltä keräämäni keskustelut auttavat ketään pääsemään edes jonkin verran eteenpäin taiteessa, tehtäväni on suoritettu.

K. Antarova.

ENSIMMÄISEN PAINOKSEN ESIPUHE

Keskustelut K. S. Stanislavsky Bolshoi-teatterin studiossa, KE Antarovan äänittämä ja All-Russian Theatre Societyn julkaisija, tapahtui vuosina 1918-1922, mutta ne liittyvät nykyajan erittäin akuutteisiin kysymyksiin - työ- ja taidekurin kysymyksiin. näyttelijästä, hänen eettisyydestään, hänen kasvatuksestaan. Stanislavsky pohti jatkuvasti näitä aiheita kohtaamalla ne sekä käytännön teatteritoiminnassaan että teoreettisessa työssään "järjestelmänsä" parissa, ja ne huolestuttivat häntä aina. Hänen sisarensa ZS Sokolova, joka työskenteli monta vuotta käsi kädessä hänen johtamissaan studioissa, sanoo kirjeessään KE Antarovalle muistiinpanonsa julkaisemisesta: "Konstantin Sergeevich oli hyvin surullinen, koska hänellä ei ollut aikaa kirjoittaa. kirja etiikasta, erityisesti näyttelijästä. Muistiinpanoissasi, varsinkin ensimmäisissä kahdessatoista keskustelussa, hän puhuu paljon etiikasta ja muissa keskusteluissa eettisiä ajatuksia ei ole vähän hajallaan. Useammin kuin kerran veljeni sanoi minulle: "Ehkä kirja etiikasta - - kaikkein tarpeellisin, mutta... minulla ei ole aikaa kirjoittaa. "Tämä todiste riittää ymmärtämään pohjimmiltaan sekä julkaistun kirjan luonnetta että sen arvoa. Mutta , kun luet sitä, näet siinä myös heijastuksen poikkeuksellisesta noususta, jonka ensimmäiset vuodet toivat Stanislavskin vallankumoukseen, kun kaikki elämän koettelemukset - sodanjälkeisen ajan kylmä ja nälkä - eivät ainoastaan ​​hämärtäneet häntä tapahtuman suuruutta, mutta laajentamalla hänen elämähorisonttiaan aiheutti hänessä koko myrskyn uusia ideoita ja uusia muotoja siitä, mikä oli epämääräistä. viitata siihen jo ja aikaisemmin. Hänen tarpeensa viedä luovuuttaan laajalle kansanjoukolle ilmeni jo Taideteatteria syntyessään, jolloin vain ulkoiset olosuhteet eivät sallineet sen säilymistä "taiteellisena ja julkisena teatterina". Imperialistisen sodan vaikutelmat saivat hänet tunnustamaan kaiken porvarillisen kulttuurin alemmuuden. Lokakuun sosialistinen vallankumous sai hänet asettamaan erityisen tiukkoja vaatimuksia teatterille ja kaikille sen työntekijöille. "Elämämme sankarillinen aikakausi vaatii toisen näyttelijän", hän sanoo yhdessä julkaistuista keskusteluista. Ja hän etsii tapoja kouluttaa teatterinuoria sankarillisen, epäitsekkään maansa palvelemisen hengessä, täysin irrallaan kaikista pienistä henkilökohtaisista eduista. Hän pyrkii keskusteluillaan osoittamaan, että taiteellinen luovuus voi kukoistaa vain niiden keskuudessa, jotka pystyvät tuntemaan syvimmän yhteyden teatterityön ja sen taiteellisten tehtävien välillä elämäänsä uudistavan kansan rakentamiseen ja jotka täyttävät jokaisen päivän, "joka lentävän". hetki siinä" korkeilla ajatuksilla, tunteilla ja tunnelmilla. Väsymättömään työskentelyyn itsensä kanssa, tietoisuutensa ja tahtonsa voittoihin kaikesta, mikä estää näyttelijää täysin antautumasta työlleen, Stanislavsky kutsuu nämä keskustelut, ja hänen äänensä kaikuu niissä vankan, intohimoisen vakaumuksen voimalla. . Stanislavskyn sisäisen kehityksen polun tutkiminen nuoresta iästä lähtien, mikä heijastui hänen "Taiteellisissa tiedoissaan 1877-1892", hänen henkisen kypsymisensä aikaan asti, jolloin hän kirjoitti kirjat "Elämäni taiteessa" ja "The Work of Art. näyttelijä itsestään" - näemme selvästi, että hänen koko elämänsä oli täynnä sitä taistelua luonteensa epätäydellisyyttä vastaan, johon hän kutsuu keskusteluissaan. Jokainen, jolla on enemmän tai vähemmän elävä käsitys hänestä, tietää, ettei hän koskaan ollut tyytyväinen saavutuksiinsa - ei työssään, teoreettisessa ajattelussaan eikä itseään ihmisenä koskevissa työssään. Mutta ei ole epäilystäkään siitä, että halvaan skeptisyyteen taipuvaisia ​​on varsin vähän, jotka hänen keskustelujaan lukiessaan sanovat, että nuorille näyttelijöille asettamansa vaatimukset ovat yleensä täyttämättömiä ja jopa tarpeettomia, koska valtaosa näyttelijöistä ei poissulkemattakaan suurimpia. he eivät ole koskaan asettaneet niitä itselleen, eikä tämä kuitenkaan estänyt heitä näyttämästä kykyjään lavalla, ja millaisia ​​he olivat lavan ulkopuolella, on heidän oma asiansa. Stanislavsky tietysti kuunteli tällaisia ​​pohdintoja useammin kuin kerran, mutta ei voinut hyväksyä niitä. Johda jokainen taiteilija millä tahansa taiteen alalla täyttää luomuksensa omalla ideologisella ja psykologisella sisällöllään, ja suhteuttaa tämän näyttelijään, "tietysti vielä enemmän kuin mihinkään muuhun taiteilijaan. Ja jos lahjakkaat ihmiset näyttäytyvät sekä lavalla että takana kohtaukset, välinpitämättömyys tovereiden ja koko tiimin elämää kohtaan, mautonta turhamaisuutta, irstailua ja huolimattomuutta omaa ja yhteistä asiaa kohtaan, saavuttivat kuitenkin meluisia menestyksiä, se tarkoittaa vain sitä, että vaativalla asenteella itseään kohtaan he antaisivat verrattomasti taiteessaan enemmän ja nostaisi teatterin sellaiselle korkeudelle, jota se ei ole vielä saavuttanut. Stanislavsky jakoi aina 1700-luvulla taitavan saksalaisen näyttelijän Ifflandin esittämän ajatuksen, että paras tapa olla jalo näyttämölläsi rooli on "olla jalo todellisuudessa, omassa elämässäsi. Stanislavskyn silmien edessä seisoi esimerkkejä suurista taiteilijoistamme Shchepkin, Jermolova, jotka omistautuivat taiteelle kaikella heille elämässä ominaisella jalollaan, vaikka heidän aikansa ei ollutkaan suotuisa tunnelmien ja taiteellisten ajatusten korkealle lennolle. Hän uskoi aina jakamattoman, sankarillisen taiteen palvelemisen mahdollisuuteen ja aikakauteen, joka vaatii ja synnyttää sankareita eri elämänaloilla, aikakauteen, jolloin teatterin on ainakin pysyttävä elämän tahdissa ja poistuttuaan entisen unenomaisen olemassaolon noidankehä, elää kaikella voimallaan "maan päällä ja maan puolesta" - eikö hän, Stanislavsky, voisi vaatia näyttelijöiltä sitä, mihin hänen oma palava, sankarillinen luontonsa houkutteli? Pohtiessaan keskusteluissaan kysymystä luovuuteen valmistautumisesta ja näyttelijän luomisprosessin organisoinnista, hän korostaa jatkuvasti kehittyneen ihmistietoisuuden valtavaa roolia ja halua voittaa luonnollisten keinojensa rajoitukset. Ja jos tuolloin, kauan ennen kuin hänen "järjestelmänsä" valettiin kirjaksi: "Näyttelijän työ itsestään", paljon ei ollut niin selkeästi muotoiltu keskusteluissa, niin jotkut "järjestelmän" näkökohdat hän halusi enemmän. valaisevat täysin hänen myöhemmissä kirjoituksissaan, paljastuvat täällä jo koko syvyydessään. Sellainen on kaiken edellä mainitun lisäksi kysymys aidon taiteellisen luovuuden luonteesta. Hänelle omistetut sivut osoittavat selvästi, että vuosina, joihin keskustelut viittaavat, Stanislavsky, muuttamatta realismia, mutta syventäen sen ymmärrystä, oli jo täysin poikennut kaikesta naturalismista, jopa siinä suunnitelmassa, jota hän kutsui "psykologiseksi naturalismiksi". " Taiteellisen yleistyksen tarve minkä tahansa hahmon kuvassa ja mikä tahansa intohimo, samalla kun huomioidaan kuvan suurin konkreettisuus, näkyy keskusteluissa erittäin vakuuttavasti. Kaikenlainen kuvatun syventäminen, ihmishahmojen näyttäminen ristiriitaisten ominaisuuksiensa ja pyrkimyksiensä monimutkaisessa muodossa, jokaisen elämänilmiön tulkitseminen eräänlaiseksi yhtenäisyydeksi monimuotoisuudessa ja lisäksi tietyssä ideologisessa valaistuksessa - tätä Stanislavsky yrittää saavuttaa täällä nuorilta näyttelijöiltä. Siten hän vaatii heiltä korkeaa älyllistä tasoa ja kykyä sukeltaa syvästi ja hienovaraisesti ihmisen psykologiaan, ei vain roolia työskennellessä, vaan myös ihmisiä havainnoitaessa elämässä. Psykologisen analyysin näytteet, joita hän antaa keskusteluissaan työskennellessään Bolshoi-teatteristudiossa oopperoiden Werther ja Eugene Onegin tuotantojen parissa, ovat tässä suhteessa erittäin paljastavia. Mitä tulee niiden muistiinpanojen luotettavuuteen, joita KE Antarova säilytti itse keskustelujen aikana puolistenografisesti ja kaikin keinoin tulkittuina samana päivänä, jo lainatun ZS Sokolovan 8.11.1938 päivätyn kirjeen rivit kertovat tästä. : "Olen yllättynyt, kuinka pystyit kirjoittamaan veljesi keskustelut ja toimet niin sanatarkasti. hän sanoo K. E. Antarovalle palauttaen muistiinpanonsa käsikirjoituksen. - Niitä lukiessani ja sen jälkeen minulla oli sellainen tila, kuin todellakin, tänään kuulin hänet ja osallistuin hänen tunneilleen. Muistin jopa missä, milloin, minkä harjoituksen jälkeen hän puhui, mitä äänitit ... ". Kirjeensä päätteeksi Z. S. Sokolova vahvistaa jälleen kerran, että nämä tallenteet täyttävät osittain sen, mitä K. S. Stanislavsky itse niin kovasti halusi, mutta mitä hän ei onnistunut suorittaa henkilökohtaisesti.

Lyubov Gurevitš

Tammikuu 1939 tyyppi.

ESIPUHE TOISEEN PAINOKSIIN

Vuonna 1939 All-Russian Theatrical Society julkaisi ensimmäistä kertaa K. S. Stanislavskyn keskustelut Bolshoi-teatterin näyttelijöiden kanssa, jotka olen nauhoittanut. Kuten hermopainoksessa on jo todettu, nämä keskustelut juontavat vuosilta 1918-1922. Koko kansan elämän mullistus sytytti entistä vahvemmaksi ja kirkkaammaksi venäläisen näyttämön suuren opettajan valtavan energian. Hän halusi soveltaa energiaansa oopperataloon, valloittaa laulajat luovilla ideoillaan ja herättää heissä halun etsiä uusia tapoja oopperan taiteessa. Täydennän kirjan ensimmäistä painosta useilla Konstantin Sergeevitšin keskusteluilla. Jotkut niistä viittaavat suoraan Massenet'n Werther-oopperan työskentelyaikaan. Loput kuusi keskustelua - luovuuden elementeistä - Konstantin (Sergeevich johti kanssamme etsien syitä niille tavallisten harjoitusten prosessissa. Nämä keskustelut ovat erityisen arvokkaita, koska niissä esitettiin jo ajatuksia, jotka myöhemmin systematisoitiin ja hyödynnettiin Stanislavskyn kirjassa " näyttelijän työ itsestään". Kokovenäläinen teatteriseura oli ensimmäinen organisaatio, joka julkaisi "Ks Stanislavskyn keskustelut" pian hänen kuolemansa jälkeen, kun yksikään kustantamo ei ollut vielä julkaissut yhtään kirjaa Stanislavskysta. Tämä julkaisu on ensimmäinen muistomerkki. suurelle miehelle. WTO toteuttaa KS Stanislavskyn keskustelujen toisen painoksen aikana modernin teatterielämän aikana, jolloin Stanislavskyn "järjestelmästä" on tullut yksi Neuvostoliiton teatteritaiteen keskeisistä ongelmista. "järjestelmästä" käydään kiivasta keskustelua On sitäkin tärkeämpää muistuttaa näyttelijöitä ja ohjaajia K. S. Stanislavskyn ajatuksista teatterin luovuudesta, joita hän ilmaisi Neuvostoliiton teatterin alkuvaiheessa. Epäilemättä Konstantin Sergeevitšin elävät sanat, jotka hän lausui ainutlaatuisen kirkkailla ja värikkäillä intonaatioilla, menettävät paljon muistiinpanoissani. Mutta saamieni kirjeiden ja arvostelujen perusteella "keskustelut" herättävät kuitenkin taiteilijoissa halun ymmärtää taiteessa sitä, mitä suuri ihmisen luovan tunteen luonteen tutkija vaati. Esitän henkilökohtaisen kiitollisuuteni WTO:lle molemmista "Conversations" -julkaisuista. En voi olla huomaamatta tämän julkisen organisaation herkkää huomiota ja huolenpitoa nuoria toimijoita kohtaan. Julkaisemalla uudelleen "K. S. Stanislavsky's Conversations" WTO auttaa Moskovan ulkopuolella asuvia taiteellisia voimia, joilla ei ole mahdollisuutta käyttää teatterimestarien neuvoja. Mutta en vain tämän luovan avun ja huomion antamisesta taiteilijalle, kiitän sydämestäni WTO:ta. Erityinen kiitokseni Kokovenäläiselle Teatteriyhdistykselle, ennen kaikkea sen puheenjohtajalle, Neuvostoliiton kansantaiteilijalle Alexandra Aleksandrovna Yablochkinalle siitä, että tarjosi joukolle mahdollisuuden tutustua KS Stanislavskyn luoviin ideoihin. taiteilijat, se edistää heidän luovan tietoisuuden laajentumista, jonka tekee yksi suuren teatterihahmon tärkeimmistä ohjeista, joka aina sanoi: "Työssämme tärkeintä on aktiivinen ajatus, joka etenee jatkuvasti."

K. E. Antarova.

PUHELU ENSIN

KESKUSTELU KAKSI

KESKUSTELU KOLME

Haluan puhua sinulle tänään ja yhdessä sinun ja itseni kanssa yhä uudelleen ja uudelleen muuttaakseni mieltäni siitä, mitä studio on. Ilmeisesti tämä teatterikoulu, niin sanotusti, vastaa nykyaikaa, koska siellä on uskomattoman paljon studioita, eri lajikkeita, sukuja ja suunnitelmia. Mutta mitä enemmän elät, sitä enemmän vapautat tietoisuutesi pinnallisista sopimuksista, sitä selvemmin näet sekä omat että muiden virheet luovuudessa (Keskustelu lokakuussa 1918 Konstantin Sergeevitšin asunnossa Karetny Ryadissa.). Studio on se alkuvaihe, johon pitäisi koota ihmisiä, jotka ovat aivan tietoisesti tietoisia siitä, että ihmisen koko elämä on hänen omaa luovuuttaan ja että hän haluaa tätä luovuutta itselleen vain teatterissa, että teatterissa on kaikki hänen luovuutensa. elämää. Persoona-taiteilijan tulee ymmärtää, ettei ulkopuolelta toimivia ja luovuuteen vaikuttavia syitä ole, että luovuudella on vain yksi impulssi - nämä ovat jokaisen itsensä kantamia luovia voimia. Studioiden luominen toi valoa entisten teattereiden tietämättömyyden kaaokseen, jossa ihmiset ikäänkuin yhdistyivät luovaan työhön, mutta itse asiassa henkilökohtaiseen itsensä ylistämiseen, helpon maineen, helpon, hajoavan elämän ja omien tekojensa käyttöön. - kutsutaan "inspiraatioksi". Studion tulee elää täydellisessä toiminnan organisoinnissa; siinä tulisi vallita täysi kunnioitus muita ja toisiaan kohtaan; kokonaisvaltaisen huomion kehittämisen tulee olla studiossa opiskelemaan haluavien henkisen matkatavaroiden alkuperäinen perusta. Ateljeen tulee opettaa taiteilija keskittymään ja löytämään tähän iloisia apuvälineitä, jotta hän voi helposti, iloisesti, vauhdilla, kehittää itseensä voimaa, eikä nähdä tätä sietämättömänä, vaikkakin väistämättömänä tehtävänä. Nykyajan näyttelevän ihmiskunnan onnettomuus on tapa etsiä motivoivia syitä luovuudelle ulkopuolelta. Taiteilijasta tuntuu, että hänen työnsä syy ja sysäys ovat ulkoiset tosiasiat. Syyt hänen menestykseensä lavalla ovat ulkoiset tosiasiat klakkiin ja holhoukseen asti. Syyt hänen epäonnistumiseensa luovuudessa ovat vihollisia ja pahantahtoisia, jotka eivät antaneet hänelle mahdollisuutta paljastaa itseään ja edetä kykyjensä kehässä. Ensimmäinen asia, jonka taiteilijan ateljeen tulisi opettaa, on, että kaikki, kaikki hänen luovat voimansa ovat hänessä hänessä. Introspektiivinen katse tekoihin ja asioihin, luovuuden voimien, syiden ja seurausten etsiminen itsessään pitäisi olla kaiken oppimisen alkujen alku. Loppujen lopuksi, mitä luovuus on? Jokaisen opiskelijan on ymmärrettävä, että ei ole olemassa elämää, joka ei sisältäisi luovuutta. Henkilökohtaiset vaistot, henkilökohtaiset intohimot, joissa taiteilijan elämä virtaa, jos nämä henkilökohtaiset intohimot voittavat hänen rakkautensa teatteria kohtaan, kaikki tämä synnyttää hermojen tuskallisen herkkyyden, hysteerisen kirjon ulkoista liioittelua, jonka taiteilija haluaa selittää. hänen kykynsä ainutlaatuisuuden perusteella ja kutsuvat häntä "inspiraationa". Mutta kaikki, mikä tulee ulkoisista syistä, voi vain herättää eloon vaistojen toiminnan eikä herätä alitajuntaa, jossa asuu todellinen temperamentti, intuitio. Mies, joka liikkuu lavalla vaistojensa paineen alaisena laatimatta itselleen tarkkaa toimintasuunnitelmaa, on motiiveiltaan samanlainen kuin eläimillä - metsästävällä koiralla, linnun selkään hiipivällä tai kissalla hiipivällä. hiirellä. Ero tulee tuntemaan vasta, kun intohimot eli vaistot puhdistetaan ajatuksella eli ihmisen tietoisuudella, hänen valppaalla huomiollaan jalostamalla, kun jokaisessa intohimossa havaitaan tilapäinen, ohimenevä, ehdollinen, merkityksetön ja ruma. , ja huomiota ei pysäytetä heihin eikä huomiota kiinnitetä heihin, vaan siihen orgaaniseen, intuitiosta erottamattomaan, joka elää kaikkialla, aina ja kaikkialla, kaikissa intohimoissa ja tulee olemaan yhteistä jokaiselle ihmissydämelle ja tietoisuudelle. Ja vain se muodostaa jokaisen intohimon orgaanisen jyvän. Kaikille luovuudessa ei ole yhtä ja samoja tapoja. Ivanille ja Maryalle on mahdotonta pakottaa samoja ulkoisia välineitä, ulkoisia mis-en-scenen mukautuksia, mutta kaikki Ivanit ja Maryat voivat paljastaa inspiraation tulensa arvon, henkisen vahvuutensa ja osoittaa missä, mitä etsiä ja miten kehittää sitä itsessään. Aloittelevien oppilaiden heittäminen luokalta luokkaan, heidän väsyminen, monien tieteenalojen antaminen kerralla, päänsä tukkiminen uusilla, tuskin valoa nähneillä tieteillä, joiden saavutuksia ei ole vielä testattu riittävällä kokemuksella, on heille erittäin haitallista. . Älä yritä aloittaa kasvatustasi ja koulutustasi studionäyttelijöinä, heti joka suuntaan hajallaan, älä yritä määrittää rooliasi ulkoisten merkkien perusteella, vaan anna itsellesi aikaa siirtyä pois tavanomaisesta asenteesta elää ja toimia ulkopuolella. Ymmärrä koko luova elämä sisäisen ja ulkoisen elämäsi yhdistämisenä ja aloita harjoitukset helposti ja iloisesti. Studio on paikka, jossa ihmisen on opittava tarkkailemaan luonnettaan, sisäisiä vahvuuksiaan, jossa hänen täytyy kehittää tapana ajatella, että en vain elä elämää, vaan rakastan taidetta niin paljon, että haluan luovuutta, itsestäni ja itsestäni, kaikille ihmisille täyttämään päivä taiteeni ilolla ja onnella. Sen, joka ei osaa nauraa, joka aina valittaa, joka on aina surullinen ja tottunut itkemään ja suuttumaan, ei olisi pitänyt mennä studioon. Studio on ikään kuin taiteen temppelin kynnys. Täällä jokaisen meistä tulisi loistaa tulisilla kirjaimilla olevalla kirjoituksella: "Opi, rakastaa taidetta ja iloitse siitä, voittaaksesi kaikki esteet." Jos rekrytoidaan studioon sivistymättömiä ja kyvyttömiä ihmisiä vain siksi, että he ovat hoikkia ja pitkiä, heillä on hyvä ääni ja näppäryyttä, niin studiosta vapautuu vielä kymmeniä häviäjiä, joiden kanssa näyttelijämarkkinat ovat nyt ylikuormitettuja. Ja iloisten työntekijöiden sijaan, jotka ovat omistautuneet taiteelle, koska he rakastavat sitä, studiomme vapauttaa kiehtovia ihmisiä, jotka eivät halua astua maansa sosiaaliseen elämään luovuudellaan sen palvelijoina, jotka haluavat tulla vain herroiksi, joita heidän kotimaansa ovat. pitäisi palvella arvokkaiden sijoittimiensa ja miinojensa kanssa. Ei ole mitään oikeutta niille ihmisille, jotka asettavat ennen kaikkea studionsa maineen, eivätkä siihen kuuluvia eläviä sydämiä, joita varten mikä tahansa studio on olemassa. Studiossa opettajan on muistettava, että hän ei ole vain johtaja ja opettaja, hän on ystävä, assistentti, hän on se iloinen polku, jolla hänen rakkautensa taiteeseen sulautuu rakkauteen häntä kohtaan ihmisissä, jotka tulevat opiskelemaan. häntä. Ja vain tällä perusteella, ei henkilökohtaisen valinnan perusteella, opettajan tulee johdattaa heidät ykseyteen itsensä, toistensa ja kaikkien muiden opettajien kanssa. Vasta silloin studio muodostaa sen alkuympyrän, jossa hyväntahtoisuus toisiaan kohtaan hallitsee ja jossa ajan myötä voidaan kehittää harmoninen, eli nykyaikaisuuttaan kohtaava esitys.

KESKUSTELU NELJÄS

Jos olisi mahdollista kuvitella ihanne ihmiskunta, jonka vaatimukset taiteelle olisivat niin korkeat, että se täyttäisi kaikki maan päällä toimivan ihmisen ajatuksen, sydämen ja hengen vaatimukset, taide itsessään olisi elämän kirja. Mutta tämä kehitysaika on vielä kaukana. "Nyt" etsii taiteesta elämän ohjaavaa avainta, aivan kuten "eilisemme" etsi siitä vain viihdyttäviä spektaakkeleita. Mitä teatterin pitäisi antaa meille nykyelämässä? Ensinnäkin, ei paljas heijastus itsestään, vaan kaikki, mikä hänessä on, esitettäväksi sisäisessä sankarillisessa jännityksessä; yksinkertaisessa muodossa, ikään kuin arkipäivänä, mutta itse asiassa selkeinä, valoisina kuvina, joissa kaikki intohimot ovat jalostettuja ja eläviä. Kaikkein kauheinta teatterille on sellainen teatterinäytelmä, jossa taipumus jää esiin, ideoiden pakottaminen ja lisäksi ei eläviin ihmisiin, vaan hänen pöytänsä ääreen keksittyihin mallinukkeihin ilman rakkautta, kiihkeää rakkautta niitä ihmissydämiä kohtaan, joita kirjoittaja halusi esittää näytelmässään. Jos ihmisen koko elämän arvon näyttämöllä määrittää hänen luovuus eli hänen ajatustensa, sydämensä ja fyysisen liikkeensä harmoninen sulautuminen jokaiseen sanaan, niin näytelmän arvo on suoraan verrannollinen tekijän rakkauteen häntä kohtaan. hänen kuvaamiensa henkilöiden sydämeen. Suuren kirjailijan on vaikea päätellä, kumpaa näytelmänsä hahmoista hän rakastaa enemmän. Kaikki - hänen sydämensä elävä vapina, kaikki, suuri ja alhainen - kaikki ei muodostunut mielikuvituksessa vasta, kun ajatus loi, ja sydän katseli hiljaa, kuin joku harmaa, seisomassa sivussa; hänessä sekä ajatus että sydän polttivat itsensä, ja hän tunsi itsessään kaiken inhimillisten tapojen suuruuden ja kauhun. Ja vasta sitten sekä korkea että matala, mutta aina elävä, vuodatti hänen kynänsä alta, ja tämä elävä olento mikä tahansa oikea teatteri - ei itsekäs teatteri, vaan nykypäivään toimiva teatteri - voi vuotaa ulkoisiin toimiin. näytelmän sankarit. Mitä meidän, studio-opiskelijoiden, tulisi ohjata näytelmää valittaessa? Jos opiskelijasydämesi on täynnä ymmärrystä maallisen luovan elämäsi arvosta, niin se on myös täynnä ihmisen ensimmäistä rakkautta - rakkautta isänmaata kohtaan. Ja näytelmää valitessasi etsit ihmiskuvan täyteyttä, ei yksipuolisuutta, niistä ihmisistä, joita kirjoittaja on kuvannut sinulle. Yrität tehdä näytelmästä sen, ettei se ole sietämätön jäljitelmä jollekin toiselle klassiselle mallille, vaan heijastelee elämää; sitten voit pohtia sitä itsesi kautta lavalla osana elämää. Älköön kukaan tietäkö kirjoittajan nimeä, mutta hänen näytelmässään kuvaamat ihmiset eivät ole romuja jostain postimerkistä, vaan eläviä ihmisiä; niistä löydät koko kirjon inhimillisiä tunteita ja voimia alkaen. heikkoutta sankaruuteen. Kunpa nämä eivät olisi stereotyyppisiä ihanteita, joiden auktoriteettia täytyy kumartaa, sillä niitä on "pelattu" sukupolvien ajan niin ja tuolla tavalla! Etsi aina itseäsi, sellainen ja sellainen kuva näytelmästä. E_s_l_i_y t_o_t i_l_i t_a, k_a_k_i_e v_a_sh_i o_r_g_a_n_i_h_e_s_k_i_e h_u_v_s_t_v_a? Oletetaan, että löydät näytelmän, joka heijastelee yhtä tai toista elämää. Mitä teatterin pitäisi tehdä, kun uusi näytelmä on jo valittu? Emme saa jäädä kiinni sen vaikutuksiin tai suuntauksiin; kumpikaan ei houkuttele katsojia eivätkä heitä heille rohkeutta tai sankarillista ajatusta, kunniaa tai edes kauneutta. Parhaimmillaan saat onnistuneen propagandanäytelmän; mutta tämä ei ole vakavan teatterin tehtävä, se on vain hetki teatterin yhden tai toisen sisällyttämiseksi tämän hetken utilitaristiseen tarpeeseen. Vain se, mikä voi jäädä näytelmään, kuin ikuisesti puhtaiden inhimillisten tunteiden ja ajatusten jyvä, vain se, joka ei ole riippuvainen ulkoisesta suunnittelusta ja on ymmärrettävää kaikille, kaikkina aikoina, kaikilla kielillä, mikä voi yhdistää turkkilaisia ​​ja Venäläiset, persialaiset ja ranskalainen, joissa kauneus ei pääse pakoon minkään ulkoisen sopimuksen, kuten esimerkiksi Tatjanan puhtaan, säteilevän rakkauden, alla - vain tämä on näytelmän teatterin löydettävä. Ja sitten ei ole pelottavaa, että teatteri katoaa. Hän ei voi eksyä, koska hän kulki polkua etsimään "itseään", "omaa" mainetta ja asenteita, vaan hän halusi olla kuin taikalyhty, joka heijastaa elämää - kuuloista ja iloista. Hän antoi itselleen tehtävän helpottaa kauneuden havaitsemista niille ihmisille, jotka voivat helpommin oivaltaa sen itsessään ja itsensä siinä teatterin kautta; niitä, jotka elävät yksinkertaista päiväänsä pystyvät toteuttamaan itsensä luovana elämän yksikkönä lavalta heitettyjen ideoiden avulla. Näytelmän aloittaminen on tärkein hetki. Täällä alkaa hahmottua koko näytelmän arvo niiden ihmisten elämälle, jotka jonain päivänä tulevat teatteriin katsomaan esitystä, täällä lasketaan kivi, jolle on laskettu maaginen satu lahjakkaiden teatteriihmisten rakkaudesta ihmisiä kohtaan, vaikka myös lahjakas, mutta kuulostaa erilaiselta luovuudesta. Millä voidaan luoda tämä maaginen, lumoava tarina elämän totuudesta lavalla? Jos tälle ei ole ensisijaista ehtoa, heissä ei ole rakkautta, iloisuutta, energiaa, keskinäistä kunnioitusta ja yhtenäisyyttä näytelmän aloittelijoiden, sen tulevien näyttelijöiden ja ohjaajien välillä, ellei välitysajatus ole yhtenäisyyttä. kaikki korkein, kaunis ja puhdas, tullaksesi energian ja kauneuden johtajiksi kaikille, jotka tulevat teatteriin katsojana - et nosta näytelmää "hyvän suorituskyvyn" mallin yläpuolelle. Kun olet valinnut luovuuden tien, saavutat tuloksia vasta, kun sinusta tulee yksi perhe. Teatterin työtä seuraavien polku ei ole kuin muiden ihmisten polku. Niillä, jotka eivät kulje lavan kauneudessa, voi olla jonkinlainen kaksoiselämä. Heille voi olla henkilökohtaista elämää perheessä, joka ei jaa heidän yrityksensä elämää, voi olla tuhat tapausta, joissa perhe voi osallistua jonkin verran. Mutta taiteilija on se, jolle teatteri on hänen sydämensä. Hänen nykyinen päivänsä on teatterityötä. Isänmaan palveleminen on hänen vaiheensa. Rakkaus ja jatkuva luova tuli ovat hänen roolinsa. Tässä on hänen kotimaansa, tässä on hänen ekstaasinsa, tässä on hänen ikuisen voimansa lähde. Ei pidä ajatella, että teatteri on jonkinlainen vihittyjen lahko, että se on revitty pois ja irti elämästä. Kaikki ihmisen luovuuden tiet johtavat elämän ilmenemiseen, kuten "kaikki tiet johtavat Roomaan". Ja jokaisen ihmisen Rooma on sama: jokainen kantaa kaiken luovuutensa sisällään, kaataa kaiken elämään itsestään. Teattereista on mahdotonta luoda ulkopuolisia lahkoja. Ne teatterit, joissa jokaisessa ihmisessä saman elävän viljan sisäinen tajunta kuolee, heittäytyy ulkoiseen pöyhkeilyyn, ulkoisiin maniereihin: joko he etsivät kohtauksia ilman verhoa, sitten he etsivät massaassimilaatiota toiminnassa, sitten he piirtävät maiseman ylösalaisin, sitten etsivät väärää toimintarytmiä, - ja kaikki joutuvat vaikeuksiin, koska ei ole niitä liikuttavaa kevättä - yhteistä ja kaikille ymmärrettävää. Rytmi on iso asia. Mutta luodaksesi sille koko esityksen, sinun on itse ymmärrettävä, missä ja mikä on rytmin merkitys. Teatterit voivat johtajistaan ​​riippuen kulkea eri tavoin ja niiden pitääkin mennä. Mutta sisäinen, ei ulkoinen. Ulkoiset mukautukset ovat seurausta, tulosta sisäisestä polusta ja tuloksena tavalla tai toisella riippuen siitä, kuinka toimijat ja johtajat ymmärtävät luovuuden perustan. Jos johtajat luulevat ymmärtäneensä lopullisesti teatterin kahleet, jos he eivät kulje eteenpäin nykyisen elämän rytmissä eivätkä muutu ulkoisissa laitteissaan pitäen kiinni yhdestä, vaikkakin ikuisesti liikkuvasta , mutta samalla muuttumaton elämän ydin, eli rakkaus ihmistä kohtaan - he eivät voi luoda teatteria - isänmaan palvelija, ikivanha teatteri, aikakauden teatteri, joka osallistuu teatterin luomiseen. koko elämänsä oman aikansa. Kuulen usein, että minua moititaan siitä, että olen liian vaativa taiteilijalta, että vaadin lähes askeesia teatterille ja taiteelle omistautuneelta ihmiseltä. Ensimmäinen asia, jonka ne, jotka moittivat minua siitä, että haluan nähdä taiteilijassa askeettisena, erehtyvät, on analyysin puute siitä, mitä sanalla "taiteilija" pitäisi tarkoittaa. Taiteilijalla, kuten kaikilla taiteilijoilla, on lahjakkuutta. Häntä leimaa jo kohonneet tunteet, hän on jo tuonut luovan siemenen, vaikka hänen tulessaan, samassa alastomassa, avuttomassa ja köyhtyneessä muodossa, jossa kaikki tulevat maan päälle, kukaan ei vielä arvaa hänen sisäistä vaurauttaan. Lahjakas henkilö on jo tuomittu luovuuteen. Hänessä palaa tuo tuli, joka työntää hänet koko hänen elämänsä viimeiseen hengenvetoon asti luovaan tunteeseen. Jokaisen lahjakkuutta pakkomielletyn ihmisen elämässä tämä luova voima pitää ihmistä sylissään ja sanoo hänelle: "Olet minun." Tässä ei ole eroja: draamataiteilijat, laulajat, maalarit, kuvanveistäjät, runoilijat, kirjailijat, muusikot. Tässä ei ole ehdollisia eroja. Erot tulevat ihmisen tietoisuuden kehittymisestä, hänen tahdostaan, hänen moraaliperiaatteidensa korkeudesta, mausta, hänen aikakautensa ymmärryksen laajuudesta, kansojen yleisestä kulttuurista ja sivilisaatiosta. Taiteilijoiden väliset erot syntyvät siten, että ihmisessä kehittyy orgaaninen, ainutlaatuinen yksilöllisyys. Sen päällä ja sen ympärillä arkielämän ja sosiaaliset elämänpiirit ovat kerrostettuja, ehdollisia, satunnaisia ​​elämänolosuhteita, eli niitä, joita roolissa kutsumme "ehdotetuiksi olosuhteiksi". Epäilemättä jokainen, joka toi lahjakkuutta maan päälle, elää sen vaikutuksen alaisena. Kaikki toiminta seuraa niitä polkuja, joita lahjakkuus ihmisessä luo, ja todellinen lahjakkuus etenee päättäväisesti luovuuteen kaikissa elämän "tarjoamissa" olosuhteissa. Älä koskaan usko ketään, joka sanoo, että kova elämä on tukahduttanut hänen lahjakkuutensa. Lahjakkuus on tulta, ja sitä on mahdotonta murskata, ei siksi, että sammuttimia ei olisi ollut tarpeeksi, vaan siksi, että lahjakkuus on ihmisen sydän, hänen olemuksensa, hänen voimansa elää. Näin ollen vain koko ihminen voidaan murskata, mutta ei hänen kykyjään. Ja täällä, kuten kaikkialla, kaikilla luovuuden aloilla; joillekin lahjakkuus on ike, ja henkilö on hänen orjansa. Toisille hän on saavutus, ja henkilö on hänen palvelijansa. Toisille hän on ilo, onnellisuus, ainoa mahdollinen elämänmuoto maan päällä, ja loistossa oleva ihminen on lahjakkuutensa viisaudessa kansansa omistautunut palvelija. Jokaisen taiteilijan on ymmärrettävä ja ymmärrettävä tarkasti, täysin selkeästi: taiteilija-luoja taiteessa ei voi olla saavutus. Kaikki luovuus on sarja ehdotuksia, jotka vahvistavat elämää. Heti kun kieltämisen elementti, tahdonvoimainen järjestys astuu luovuuteen, luova elämä pysähtyy. Et voi saavuttaa luovuuden korkeuksia, kun ajattelet itseäsi: "Kieltäydyn elämästä, sen nautinnoista, kauneudesta ja iloista, koska saavutukseni on" uhraus kaikelle taiteelle. Juuri vastapäätä. Taiteessa ei voi olla uhrauksia. Kaikki siinä kiehtoo, kaikki on mielenkiintoista, kaikki vangitsee. Kaikki elämä houkuttelee. Siinä on taiteilija. Hänen sydämensä on avoin elämän hankaluuksille, törmäyksille ja nautinnoille; ja taiteilija ei voi olla uroteossa kuin elämästä luopumisen luostarikunta. Taiteilijan saavutus on luovan elämän salaisuuksien paljastaminen, lahjattomalle ihmisjoukon osoitus siitä suuruudesta, jonka taiteilija on kurkistanut asioiden luonteeseen. Taiteilija on voima, joka heijastaa kaikkia luonnon salaisuuksia ihmisille, joilta on riistetty lahja nähdä nämä henkiset aarteet omin voimin. Nyt on sinulle selvää, että jos taiteilijalla on saavutus, tämä on hänen sisäinen elämänsä. Taiteilijan saavutus asuu sydämen kauneudessa ja puhtaudessa, hänen ajatuksensa tulessa. Mutta tämä ei suinkaan ole tahdon määräys, ei elämän ja onnen kieltäminen ja hylkääminen. Tämä on ilmoitus ihmisille loistavista syvyyksistä, suurista totuuksista. Sen verran kerroin taiteilija-luojan korkeasta tehtävästä. Haluaisin palata vielä kerran kysymykseen, kuinka valmistaudut tähän ylevään tehtävään, toisin sanoen luovuuteen. Kuvittele, että jokainen teistä on ikääntynyt 25 vuotta kerrallaan ja elämä on tuonut teidät suunnilleen samoihin olosuhteisiin kuin minun tällä hetkellä. Työskentelet jonkun taiteilijaryhmän kanssa minun "systeemini" mukaan. Kuinka saavutat taiteilijassa sellaisen tietoisuuden, jotta hän ymmärtää, ettei hänen luova tilansa ole näkymättömyyslaki, jonka voit aina pitää taskussasi ja ottaa esiin sillä hetkellä, kun sinun täytyy löytää itsesi lavalta ja "olla" ”valmiina luovuuteen. Olen kertonut sinulle useammin kuin kerran, että kaikki, mitä taidemaalari valitsee elämässä, kaikki mitä hän oppii, mitä hän saavuttaa laajentuvassa tietoisuudessaan, on kaikki vain polku hänen luovan "minän" joustavampaan vapautumiseen arjen kynsistä. , egoistinen "minä". Ja tämä pieni, egoistinen "minä", eli intohimoinen, ilkeä, ärtyisä impulssi, turhamaisuus ja sen seuralainen - ensisijaisuuden jano - onko se hiljaa? Se pitää myös ihmisen tiukasti kiinni. Tämä taistelu itsessä, aivan kuten taistelu hyödyllisen ja haitallisen välillä huomiossa ja mielikuvituksessa, on taiteilijan saavutusten taustalla. Jos roolityöskentelyyn tarvitset kokonaisen joukon visioita, niin itsesi parissa työskentelyyn - taistelussa korkean ja matalan välillä - taiteilijan on löydettävä paljon monimutkaisempia elokuvia. Taiteilija-luojalla tulisi olla selkeästi useampi kuin yksi tavoite: päästä täydelliseen itsehillintään, luovuutta edeltävään tyyneyteen. Mutta hänen on välittömästi samaan aikaan nähtävä edessään toinen tavoite: herättää itsessä elämänmaku kauneuden etsinnässä, maku pitkäaikaiseen työskentelyyn rooliensa ja kuviensa parissa ilman ärsytystä, hyvässä tahdossa. ihmisiä kohtaan, kaiken nykyisen elämän sisäisessä kokemuksessa suurimpana kauneutena. Roolin ja kaiken, mitä taiteilija lavalle tuo, arvo riippuu aina taiteilijan itsensä sisäisestä elämästä, häneen luodusta tottumuksesta elää kaaoksessa tai harmoniassa. Jatkuva kaoottinen kiire, yhden roolin heittäminen, sitten toinen; arjen toimintojen hälinä, kyvyttömyys saavuttaa niissä kurinalaisuutta siirtyy huonona tapana sisäänpäin ja muuttuu taiteilijan itsensä tunnelmaksi hänen työssään. Kaikki tämä liittyy koulutukseen, tai pikemminkin taiteilijan itsekoulutukseen, ja jokaisen lahjakkaan ihmisen on ymmärrettävä, että roolityö on suora heijastus työstä itsestään. Ovatko tunnit sitten aulassa, lavalla vai harjoitussalissa, väliä ei ole sillä vaiheella, jossa itse tunnit ovat nyt, eli onko kyseessä lukeminen, roolin analysointi, ensimmäisen vaiheen harjoitukset, mutta tärkeintä on se, mikä on taiteilijan sielussa. Millaisia ​​ajatuksia hän eli, kun hän meni harjoituksiin, mitkä kuvat seurasivat häntä teatteriin. Jos lahjakkuus kuiskasi hänelle: "Olet minun", taiteilija pystyy seisomaan siinä kauneudessa, siinä kauneudessa, joka kiehtoo katsojan ajan myötä. Jos kuitenkin hänen itsekkyytensä vaistot yksin huusivat hänelle: "Olet meidän", niin polku luovuuteen ei voi avautua hänessä. Taide vie koko ihmisen, kaiken hänen huomionsa. Et voi antaa hänelle elämän ripauksia, mutta sinun on annettava koko elämäsi. Voidaan ajatella, että juuri tässä esitän sen vaativuuden, jolla jotkut moittivat minua sanoen, että haluan tehdä taiteilijasta askeettisen. Mutta olen jo selittänyt sinulle, mitä tarkoitan lahjakkaalla luovalla taiteilijalla. Lisään määritelmääni vielä yhden luovuuden elementin, joka ei ole yhtä tärkeä kuin kaikki muut: maku. Taiteilijan maku määrää hänen koko elämänsä. Riittää nähdä ihminen, hänen askeleensa, pukeutumistapansa, puhuminen, syöminen, lukeminen, jotta muodostuu käsitys ihmisen mausta, siitä, mitä hän rakastaa eniten. On taiteilijoita, jotka yli kaiken maailmassa rakastavat heitä ympäröivää moitteetonta, pedanttista, pikkutarkkuutta. Kaikki elämä menee päällä mitattu soluja, ja Jumala varjelkoon siirtämästä jotain asunnossaan perustetusta paikasta. Ihminen voi olla ystävällinen ja jopa kykenevä melko laajamittaisiin asioihin sekä teatterissa että kotona. Mutta hänen kurja kinkkunsa nousee hänen eteensä kaikkialla. Jos jakkara asetetaan lavalle senttimetriä kauemmaksi tai lähemmäksi, jos ikkunan verho ei mahdu täsmälleen osoitettua linjaa pitkin, tämän järjestyksen taiteilija tai ohjaaja pystyy kokonaan irtautumaan taiteesta ja syöksymään ärtyisyyteen. jokapäiväinen elämä. Maku ei määrää vain ulkoista elämää, vaan myös ihmisen koko sisäistä elämää, niitä impulsseja, joissa vallitsee joko pikkumainen, ehdollinen tai orgaaninen tarve korkeille tunteille. Jotta taiteilija pääsisi sellaiseen tilaan, kun katsoja näkee kehyksen ulkopuolella luojan ekstaasissa - tietoisen putoamisen kautta alitajuiseen luovuuteen - tätä varten taiteilijalla on oltava kauneuden maku, maku, joka luo hänen elämäänsä paitsi tavallisesta, yksinkertaisessa päivässä välttämättömästä voimasta, mutta myös sankarillisista jännitteistä, joita ilman elämä ei ole hänelle makeaa, ja lavalle luovuuden areena on saavuttamaton. Maku kuljettaa ihmisen läpi kaikkien arjen esteiden, kaikkien niiden pikkuporvarillisten tapojen läpi, jotka näyttävät olevan maallikon tärkeimpiä tarpeita. Ja vain koska maku ryntää persoona-taiteilijan kauniiseen, hän voi saavuttaa sen innostuksen, ne kohonneet impulssit, joissa hän onnistuu tuntemaan itsensä tilaan: "Minä olen rooli" ja sanoa katsojalle rohkeasti: "Minä olen." Nämä ovat kaikki ne ihmisen psyyken syvyydet, joille elävän taiteen jatkuvuus perustuu. Oli surullisia aikoja, jolloin elävä taide lähti, ja sen tilalle tuli kuiva, kuollut muoto. Mutta se heräsi jälleen henkiin heti, kun ilmaantui taiteilijoita, joiden elämänmaku taiteessa toi rakkautensa täydelliseen epäitsekkääseen antaumukseen taiteen, pyhän sydämen suureen antamiseen taiteen palvelukseen. Järjestelmässäni, jossa opetan sinua, pyrin viemään sinut matkalle, jossa tutkit luovia voimiasi itsessäsi. Haluan murtaa stereotypiat ja antaa sinulle uusia alkuja luovuudelle, pelastaen taiteilijan kuolemalta. Usein taiteilija ajattelee, että hänen väripalettinsa on loistava, kimalteleva viitta. Mutta itse asiassa se on vain vanha aamutakki, jossa näkyy paljon maalitahroja, jotka leviävät kaikkiin suuntiin kuluneista leimoista. Toivon teille kaikille, että pääsette eroon kaikista kappaleista mahdollisimman pian ja pysytte aina elossa rooleissanne. Olla aina pukeutunut hohtavan totuudenmukaisten tunteiden ja ajatusten sadetakkeihin. Näin tekemällä et vain pakota yleisöä olemaan tarkkaavainen kaikkeen, mitä lavalla tapahtuu, vaan kaikissa kappaleissasi on ajatus-sana-ääni, ja kerron sinulle yhdessä yleisön kanssa: " Minä uskon."

KESKUSTELU VIIDES

Jokaisen taiteilijaksi haluavan on vastattava kolmeen kysymykseen: 1. Mitä hän tarkoittaa sanalla "taide"? Jos hän näkee siinä vain itsensä, jossain etuoikeutetussa asemassa lähellä käveleviin ihmisiin nähden, jos hän ei tässä taide-ajattelussaan yritä paljastaa sitä, mikä häntä huolestuttaa sisällään, kuten hädin tuskin tajuissaan vaeltavia sieluja, jotka vaeltavat pimeässä, mutta häiritsevät hänen voimiaan. luovuus, mutta haluaa vain saavuttaa persoonallisuutensa loiston; jos pikkuporvarilliset ennakkoluulot herättävät hänessä halun voittaa esteet tahdon avulla vain avatakseen itselleen ulkoisen polun elämään näkyvänä ja näkyvänä hahmona, niin tällainen lähestymistapa taiteeseen on sekä ihmisen itsensä että taiteen kuolema. Henkilökuntaa rekrytoivan ateljeen tulee selvästi ymmärtää ketä se voi kouluttaa ja kenen yli kaikki sen henkisen kasvatuksen ponnistelut eivät johda toivottuun lopputulokseen eli uuden tajunnan syntymiseen taiteilijassa, jossa hänen luova työnsä on tapa työskennellä yhteisen hyvän puolesta. 2. Miksi ihminen, joka on valinnut minkä tahansa taiteen - draaman, oopperan, baletin, kamarilavan, maalaustaiteen tai lyijykynän - astuu ihmiskunnan taiteelliseen haaraan ja minkä idean hän haluaa ja pitäisi viedä tälle taiteenalalle ? Jos hän ei ymmärrä, kuinka paljon kärsimystä, kamppailua ja pettymystä hänen edessään on, jos hän näkee vain sateenkaarisillan, joka kuljettaa hänet inspiraation kanssa toiselle puolelle maata ja elämään, jossa unelmat elävät, studion täytyy tuottaa hänelle pettymys. Heti ensimmäisistä hetkistä lähtien opiskelijan on ymmärrettävä, että suuri työ, työ maan päällä, maan, ei sen vuoksi, on hänen johtolankansa, hänen liekkinsä, hänen ohjausvalonsa. Studion on löydettävä jokaista hänen ulkoista sopeutumistaan ​​ja kehitettävä huomiota hänessä asuviin voimiin. Hänen ensimmäinen tehtävänsä on pitää silmällä studiotyöntekijän työtä. Opiskelijan hallitsematon työ, jota hän itse soveltaa omiin taiteellisiin tehtäviinsä, on aina harhaa, aina ennakkoluulojen verkostoa, josta on paljon vaikeampaa päästä irti myöhemmin kuin päästä niihin. Opiskelijan tulee tietää ensimmäisistä vaiheista lähtien, että vain työ – loppuun asti, ei ainoastaan ​​ulkoisen "uran" vaan työ kuolemaan asti - on polku, jonka hän valitsee itselleen; työn on oltava sen energian lähde, joka kiehtovimpien tehtävien sarjassa studion on täytettävä opiskelijan aivot, sydän ja hermot. 3. Onko teatteriin menevän ihmisen sydämessä niin paljon sammumatonta rakkautta taiteeseen, joka voi voittaa kaikki hänelle väistämättä kohtaavat esteet? Ateljeen tulisi elävää esimerkkiä johtajiensa vaikutuksesta näyttää, kuinka ihmisen sydämessä oleva sammumaton rakkaus taidetta kohtaan tulisi purkaa päivän työhön. Ja tämä luova työ voi, täytyy palaa kuin tuli. Vain silloin, kun ihmisen rakkaus on öljyä, joka sytyttää tulen, vain silloin voidaan toivoa voittavansa kaikki luovuuden tiellä olevat esteet ja saavuttava päämäärä: puhdasta konventioneista vapautettua taidetta, jonka luovat puhtaat itsessään kehittyneet luovat voimat. . Vain silloin voidaan löytää näyttelijän tahdon joustavuus, pohjan - roolin jyvän - syvän ymmärtämisen vapaa yhdistelmä ja sen toiminnan kautta, kun rakkaus taiteeseen on voittanut henkilökohtaisen turhamaisuuden, ylpeyden ja ylpeyden. Kun mielessä ja sydämessä asuu ymmärrys näyttämöelämän harmoniasta, vasta silloin - "minästä" vieraantuneessa toiminnassa - intohimon totuus voidaan esittää ehdotetuissa olosuhteissa. Studion tulee johtaa minun systeemini mukaisten harjoitusten avulla "itsestään" luopumiseen, kaiken vaihtamiseen, kiinteään huomioimiseen tekijän tai säveltäjän ehdottamiin olosuhteisiin, jotta intohimon totuus heijastuisi niissä. Kyllä, kaikki suuret elämänvoimat pelastavat jokaisen studion tylsyydestä ja pedanttisuudesta. Sitten kaikki tuhoutui; silloin on parempi hajottaa studio, opettajat ja studion jäsenet, tuhota koko mekanismi. Tämä on vain nuorten voimien, ikuisesti vääristyneiden tietoisuuksien korruptiota. Taiteessa voi vain kiehtoa. Se on, toistan jatkuvasti, sammumattoman rakkauden tuli. Opettajat, jotka valittavat olevansa väsyneitä, eivät ole opettajia, he ovat koneita, jotka työskentelevät rahan takia. Hän, joka sai kymmenen tuntia opiskelua päivässä, eikä kyennyt polttamaan niissä rakkauttaan, vaan vain tahtoaan ja kehoaan, on yksinkertainen teknikko, mutta hän ei koskaan tule mestariksi, nuorten kaaderien opettajaksi. Rakkaus on pyhää, koska se ei koskaan vähennä) tuliaan, riippumatta siitä kuinka monta sydäntä se sytyttää. Jos opettaja vuodatti luovuuttaan - rakkauttaan, hän ei huomannut työtunteja, eivätkä kaikki hänen oppilaansa huomanneet niitä. Jos opettaja palveli elämän tarvetta, hänen oppilaansa olivat kyllästyneitä, väsyneitä ja ruokkivat hänen kanssaan. Ja taide niissä, ikuinen, luontainen jokaiselle ja jokaiselle, joka elää kuin rakkaus, ei tunkeutunut päivän konventtien pölyisistä ikkunoista, vaan jäi kytemään sydämessä. Jokaisen tunnin, jokaisen minuutin opettajan ja oppilaiden yhtenäisyydestä tulee olla vain lentävä tietoisuus, ikuinen liike; elämän rytmissä. Tunteen - ajatuksen - sanan, hengellisenä ajatuksenkuvana, tulisi aina olla totuuden ilmentymä, laki kyvystä välittää tosiasiat sellaisina kuin henkilö ne näki. Totuus ja rakkaus ovat kaksi polkua, jotka tuovat taiteen koko elämän rytmiin. Studion tulee herättää henkiin totuus ihmisessä ja hänen rakkautensa, huolellisesti kasvattaa ja viljellä niitä. Ja itsehavainnoinnin tuomiseksi polulle studion on esitettävä oikea hengitys, oikea kehon asento, keskittyminen ja valppaus. Koko järjestelmäni perustuu tähän. Tästä harjoitusstudion pitäisi alkaa. Ja ensimmäisten hengitystuntien tulisi olla perusta sen introspektiivisen huomion kehittymiselle, jolle kaiken taiteen teoksen on rakennettava. Usein, hyvin usein, kerron sinulle näyttelijän hyvistä tavoista. Miksi mietin tätä niin usein? Koska mielestäni myös näyttelijän kasvatus on yksi luovuuden elementtejä. Mistä se on tehty ja mitä sillä pitäisi tarkoittaa? Millä tasoilla se joutuu kosketuksiin luovuuden kanssa sen elementtinä? Näyttelijän "koulutuksella" en tarkoita pelkästään ulkoisten käytöstapojen kasaumaa, näppäryyden ja liikkeiden kauneuden hiomista, jota voidaan kehittää harjoittelemalla ja harjoittelemalla, vaan ihmisen kaksinkertaista, rinnakkain kehittyvää voimaa, joka on tulosta sisäisestä. ja ulkoinen kulttuuri, joka luo hänestä alkuperäisen olennon. Miksi pidän hyviä tapoja niin tärkeänä hetkenä taiteilijan työssä, että kutsun sitä jopa yhdeksi luovuuden elementeistä? Koska yksikään henkilö, joka ei ole saavuttanut itsehillinnän huippua, ei voi ilmaista kaikkia piirteitään kuvassa. Jos itsehillintä ja sisäinen kuri ei johda taiteilijaa täydelliseen tyyneyteen ennen luovuutta, harmoniaan, jossa taiteilijan on unohdettava itsensä persoonana ja väistettävä roolin miehelle, hän maalaa kaikki hänen kuvaamansa tyypit. hänen omaperäisyytensä väreillä. Hän ei voi alkaa murehtia luovasti roolin elämästä. Jokaisessa roolissa hän siirtää persoonallisuuttaan: ärsytystä, itsepäisyyttä, katkeruutta, pelkoa, itsepäisyyttä tai päättämättömyyttä, ärtyisyyttä jne. Harmonia, jota näyttelijän on mietittävä, eli hänen luova "minänsä", syntyy koko kehon työ, työ ja ajatukset ja tunteet. Luovan näyttelijän on kyettävä ymmärtämään aikakautensa suurimmat asiat; täytyy ymmärtää kulttuurin arvo kansansa elämässä ja tunnistaa itsensä sen yksikkönä. Hänen on ymmärrettävä kulttuurin huiput, joihin maan aivot pyrkivät, suurten aikalaistensa persoonassa Jos taiteilijalla ei ole suurta kestävyyttä, jos hänen sisäinen organisaationsa ei luo luovaa kurinalaisuutta, kykyä siirtyä pois henkilökohtainen, mistä saa voimaa näyttää julkisen elämän huippua? Kun valmistelin Shtokmanin roolia, näytelmässä ja roolissa minua kiehtoi Shtokmanin rakkaus ja hänen totuudenhalunsa. Intuitiosta, vaistomaisesti, päädyin sisäiseen kuvaan kaikkine piirteineen, lapsellisuuteen, likinäköisyyteen, joka kertoi Shtokmanin sisäisestä sokeudesta inhimillisille paheille, hänen toverisuhteitaan lastensa ja vaimonsa kanssa, iloisuuteen ja liikkuvuuteen. Tunsin Shtokmanin viehätyksen, joka sai kaikki hänen kanssaan kosketuksiin tulleet puhtaammat ja paremmat paljastamaan hänen sielunsa hyvät puolet hänen läsnäolossaan. Intuitiosta päädyin myös ulkoiseen kuvaan: se syntyi luonnollisesti sisäisestä. Shtokmanin ja Stanislavskyn sielu ja ruumis sulautuivat orgaanisesti toisiinsa. Heti kun ajattelin tohtori Shtokmanin ajatuksia tai huolenaiheita, ja hänen likinäköisyytensä ilmaantui itsestään, näin hänen kehonsa taipumisen eteenpäin, hänen kiireisen kävelynsä. Itsestään toinen ja kolmas sormi venyivät eteenpäin, ikään kuin työntämään tunteitani, sanojani, ajatuksiani keskustelukumppanin sieluun ... Taiteilijan koko elämän ja työn perusta on kyvyttömyys erottaa hänen omansa. maallinen "minä" näyttelijän "minästä". Jos näyttelijän ei ole aina helppoa paljastaa katsojalle ja löytää tarvittavaa ulkoista muotoa hahmoilleen, niin hänen on aina helppo ymmärtää, tunkeutua esitettävän kuvan draaman, jakautumisen syvyyteen, jos hän on saavuttanut luovan, vakaan itsehillinnän. Mitä korkeampi taiteilijan itsehillintä on, sitä elävämmin hän pystyy tuomaan esiin kauneuden impulsseja tai kaatumishaluja, sankarillisten jännitteiden nousuja tai paheiden ja intohimon pohjaa. Näyttelijän vahvuus, kyky nousta tunteiden ja ajatusten sankaruuteen kumpuavat suoraan hänen kasvatuksestaan. Koulutus, itsehillintänä, luovana periaatteena näyttelijän elämässä, on samalla tasolla kuin luovuuden elementti - rakkaus taiteeseen. Riippumatta siitä, kuinka taiteilijan luovuus nousee, ei vain hänen kulttuurinsa, koulutettuna tai tietämättömänä ihmisenä, ole esteenä, vaan myös hänen kykynsä päästä sankarilliseen jännitteeseen. Se sisältää vain ne, jotka voivat löytää täydellisen vakaan itsehallinnan. Tämä itsehillintä luovana elementtinä tulee niille taiteilijoille, joiden henkilökohtaiset intohimot, kuten kateus, mustasukkaisuus, kilpailu, paremmuuden jano ovat jo laskeneet. Heidän tilalleen kasvoi intohimo taiteeseen, epäitsekäs ilo, että on mahdollisuus tuoda teatterin näyttämöltä ihmissielun suuria impulsseja ja näyttää niitä, ei itseäsi yleisölle. Silloin näyttelijässä syttyy tuli, joka yhdistää hänet ja katsomo yhdeksi kokonaisuudeksi. Silloin taiteilijasta ei tule jonkun valittu, vaan kansansa tunnustettu poika, jossa jokainen katsoja tunnisti itsensä parhaat puolet, kärsi tai itki, iloitsi tai nauroi osallistuen koko sydämestään ihmisen elämään. roolin henkilö. Miten taiteilija työskentelee itsensä kanssa saavuttaakseen tämän voiman: yhdistääkseen näyttämön ja auditorion yhdeksi kokonaisuudeksi? Taiteilijassa itsessä hänen tunne- ja ajatuskulttuurinsa tulee sulautua yhteen. Tämä yhtenäinen itsetietoisuus tuo ihmisen luovuuden alkuvaiheisiin. Kuinka voidaan saavuttaa tämä yhtenäinen tietoisuus, joka tulee rakkaudesta taiteeseen ja itsensä hallitsemiseen? Onko se mahdollista saavuttaa, koska sanoin taiteilijalle: "Ajattele näin"? Taiteilijan tietoisuutta on mahdotonta nostaa toiselle tasolle jonkun toisen tahdolla. Vain harmonisesti kehittyvä taiteilija voi itsenäisesti, oman kokemuksensa kautta päästä seuraavalle, korkeimmalle laajennetun tietoisuuden tasolle. Mikä sitten on kaikkien rooli, myös minun opettajana, jos jonkun kokemus tällä alalla ei opeta toiselle mitään? Havaitsemme kaikilla tieteen, tekniikan ja lääketieteen aloilla, kuinka joidenkin kokemuksista tulee seuraavien sukupolvien peräkkäinen, perinnöllinen arvo. Vain taiteessa ja ehkä itse elämässä ihmiset eivät halua hyväksyä rakkaiden kokemuksia, jotka rakkaudella varoittavat harhaluuloista ja illuusioista. Pyrin tuomaan sinut korkeampaan ymmärrykseen luovuudesta sekä lavalla että elämässä. Mitä minun pitää tehdä tämän eteen? Minun ei tarvitse huomauttaa vain teille, taiteilijoille, luovan tunteen luonnetta ja sen elementtejä. Minun täytyy heittää pintaan kaikki malmi, jonka olen elämässäni saanut, ja näyttää, kuinka en itse saavuta tuloksia jokaisessa roolissa, vaan etsin sitä polkua, eli kuinka kaivan malmiani. Koko sarjan keskittymis-, huomio- ja julkisen yksinäisyyden ympyrän luomistunteja ja harjoituksia johdatin sinut ymmärtämään kaksi luovuuden päälinjaa: työskennellä itsesi kanssa ja työskennellä roolin parissa. Ennen kuin aloin keskittyä johonkin tiettyyn rooliin, ennen kuin luon huomiopiirin, ennen kuin alan sisällyttää siihen tiettyjä minulle annetun roolin "ehdotuksia", minun on itse vapautettava itseni kaikista sen vitaalin kerroksista ja kerroksista, jokapäiväistä energiaa, joka on tarttunut minuun tänään, tähän tuntiin asti, kun aloitan työni. Tähän hetkeen asti olen elänyt yksinkertaisesti jäsenenä tässä tai tuossa yhteiskunnassa, tässä tai tuossa kaupungissa, kadulla, perheellä jne. "Jos" en katkaise kaikkien ehdottamieni päivän olosuhteiden kahleita, "jos" minä älä vapauta itseäni sopimuksistani, jotta tietoisuus herää minussa: "Sen lisäksi, että olen kaikkien näiden päivän olosuhteiden yksikkö, olen myös koko maailmankaikkeuden yksikkö", niin en olla täysin valmistautunut roolin havaitsemiseen, orgaanisten, universaalien tunteiden tunnistamiseen siinä. Jotta rooliin keskittynyt energia kaadetaan yleisöön, on välttämätöntä heittää pois kaikki se energia, joka on syntynyt vain elämäntilanteistani. Milloin pääsen eroon kaikesta helpommin ja yksinkertaisemmin kuin ehdolliset olosuhteet? Miten ilmoitan uudet ehdotetut ehdot mahdollisimman pian? Taiteessa "tietää" tarkoittaa kyetä. Se "yleensä" tieto, joka täyttää aivot havainnoilla ja jättää sydämen kylmäksi, ei ole hyväksi taiteilija-luojalle, taiteilijalle, joka kokee kaiken, mitä roolinsa sankari tuntee.

PUHELU KUUSI

Studio ei ole satunnaisten roolien paikka. Tänne ei voi tulla halulla sellaiseen ja siihen aikaan tai sellaiseen, satunnaisten olosuhteiden sanelemaan tarpeeseen pelata sitä tai tuota roolia, sillä sillä hetkellä liikkuva elämä ajoi umpikujaan ja ohjaajan ohjeisiin. alkoi olla tarpeen, ja siksi halu käydä studiossa johti. . Opiskelija on joku, joka näkee elämäntyönsä taiteessa, joku, jolle studio on perhe. Kun oppilas tulee tunnille, hän ei voi ajatella henkilökohtaisia ​​asioitaan, epäonnistumisiaan ja päivän koettelemuksia; hänen, jo studiota lähestyttäessä, on käännyttävä ajatuksiinsa työstään ja pyrittävä pois kaikesta muusta elämästä. Studioon astuessaan hänen on suljettava itsensä kauneuden, korkeiden, puhtaiden ajatusten piiriin työstään ja iloita siitä, että on olemassa paikka, jossa hän voi yhdistyä kauneutta tavoittelevien ihmisten kanssa kuten hän itse. Opiskelija on se ihmisen kehittynyt tietoisuus, jossa ohjaavaksi periaatteeksi muodostuva ajatus rakkaudesta taiteeseen laittaa kaikki hänen kanssaan kommunikoivat eivät kuivaan tilaan - aivoista ja jännityksestä, alkaen filosofiset etsinnät - yhtenäisyys, ja jossa yksinkertainen tieto kauneudesta itsessään antaa tiedon siitä jokaisessa ja tuo esiin molemminpuolisen kunnioituksen ja hyvän tahdon. Studiolle saapuessaan ei pidä täyttää aikaa tyhjillä keskusteluilla tovereiden kanssa, vaan muistaa kuinka arvokkaita ovat sen nuoruuden ajan ohimenevät ja peruuttamattomat tunnit, jolloin energia tuntuu tuhoutumattomalta ja voimalla ei ole loppua. Huomio jokaiseen lentävään minuuttiin! Huomio jokaiseen tapaamiseen! Kaikkein huolellisinta huomiota epätoivoon itsessäsi! Jos masennus on vallannut ihmisen hengen tänään, niin ei vain tänään, vaan huomenna ja ylihuomenna luovat opinnot ovat epäonnistuneet. Kaikella työskentelyllään studiossa opiskelijan itsensä on kehitettävä luonteensa parhaat ominaisuudet, ja ennen kaikkea - keveys, iloisuus ja iloisuus. Traaginen kaivos, sankarillinen ulkonäkö, halu kehittää itsessä roolinsa ulkoinen "tyyli" - kaikki tämä on vanhentunutta teatteriroskaa, joka olisi jo kauan sitten pitänyt heittää pois taiteellisten näkemysten riveistä. Ihmisen täytyy elää sisällään tunteiden ja ajatusten täyteydessä ja rakentaa koko ajan uutta tietoisuutta, joka kaikuu modernin sävelistä. On välttämätöntä suunnata kaikki ponnistelusi ajatustesi syvyyteen ja puhtauteen, sydämen luovuuteen joka minuutti, joka sinun on kiinnitettävä huomiota. Ja sitten se "julkisen yksinäisyyden ympyrä", jossa taiteilijan on luotava, syntyy aina helposti, iloisesti ja yksinkertaisesti. Tapa olla tarkkaavainen kaikkiin elämän hetkiin lavalla ja sen ulkopuolella juurruttaa opiskelijaan tietoisen havainnon kaikesta ulkoisesta ja sisäisestä. Hän ymmärtää, vähitellen ja oikein studion opettajien ohjaamana, että luovuuden käynnistämiseksi tarvitset: 1) ulkoista ja sisäistä huomiota, 2) hyvää tahtoa, 3) täydellistä rauhaa ja hiljaisuutta itsessäsi ja 4) pelottomuutta. Jos studio ei alusta alkaen hillitse studion jäsenten absurdia luonnetta, kaunaa, hysteriaa, kateutta ja vihamielisyyttä, se ei vapauta paitsi suuria taiteilijoita, se ei edes luo yksinkertaisesti hyviä taiteilijoita, jotka pystyvät houkuttelemaan hajamielinen yleisön huomio. Mitä vahvempi taiteilijan julkisen yksinäisyyden kierre on, sitä korkeammalle hänen huomionsa ja ajatuksensa kiirehtivät etsiessään kaunista itsestään ja ympärillään olevista, sitä suurempi on taiteilijan viehätys, sitä pidemmälle hänen luovat värähtelynsä ryntäävät ja sitä vahvempi on hänen vaikutus auditorioon. Studion tulee paljastaa peräkkäin opiskelijalle luovuuden salaisuudet ja niistä ensimmäinen: mitä lahjakkaampi hän itse on, mitä enemmän hänessä on luovia voimia, mitä laajempi on hänen sisäinen henkinen ymmärrysnsä, sitä kauniimpi hän kokee muut. Ja jos hän näkee ympärillään paljon kauneutta, jos hänen huomionsa saa jokaisessa ihmisessä jotakin arvoa, hänen luomispiirinsä tulee rikkaammaksi, kirkkaammaksi kuin hänen energiansa kipinä, enemmän ja laajempi kyky heijastaa kaikkea elämää lavalla. Taiteilijan työn raskain kompastuskivi on taipumus suunnata huomionsa siten, että naapurissa nähdään aina huonot puolet, esiin tulevat puutteet, ei niihin kätkeytynyttä kauneutta. Yleensä tämä on vähän kykenevien ja heikosti kehittyneiden taiteellisten luonteen ominaisuus - nähdä kaikkialla, huonosti, kaikkialla nähdä vainoa ja juonittelua, mutta itse asiassa; itse asiassa, ettei sisälläsi ole tarpeeksi kehittyneitä kauniin voimia erottaakseen kaikkialta ja imevän sen itseensä. Siksi heidän kuvansa ovat yksipuolisia ja valheellisia, koska ei ole ihmisiä ilman kauneutta - sinun tarvitsee vain tuntea ja ymmärtää se. Aluksi vaikeaa sisäisen huomiosi vaihtamisesta tulee vähitellen tottunutta. Tavallinen - ei heti, vaan vähitellen - muuttuu kevyeksi ja lopulta valosta tulee kaunista. Silloin vasta kaunis itsessään alkaa herättää jokaisessa ihmisessä kauneuden vastevärähtelyjä, ja taiteilijassa on tie näyttämölle elämän heijastuksena. Ilman tällaista syvällistä, vapaaehtoista valmistautumista ei voi tulla näyttelijää - ihmissydämien arvojen heijastajaa. Sinun on itse kyettävä avaamaan sydämesi kaikille elämän tapaamisille, opittava antamaan jokaiselle luova huomiosi, ja sitten olet valmis näytelmän sankarien kuviin; taiteilijassa on polku, esitysvoimat ovat valmiita hänen äänessään, askeleessaan, tavoissaan, koska oikea tunne on valmis hänen sisällään, ei vain ajatus, vaan myös sydän on valmis havaitsemaan koko henkilö, joka tarvitsee kuvata itsensä. Ajatus - tunne - sana - ulvominen, kuin tutulla rullalla, pyörähtää huomioksi siihen, jota nyt on kuvattava. Kaikki rakkaus siirtyy näytelmän sankariin, ja hänestä tulee erottamaton itsestään. Studion on heti alussa käsiteltävä opiskelijoidensa pelkoa ja jännitystä. Tämän torjumiseen on jokaisessa yksittäistapauksessa ja yleisissä tutkimuksissa käytettävä useita tunteja. On selitettävä, että kaikki nämä levottomuudet, puhtaasti näyttelevät, johtuvat ylpeydestä, turhamaisuudesta ja ylpeydestä, pelosta olla muita huonompia. Taiteilijan on syytä tuoda esiin, että hänen täytyy vapauttaa sisäiset voimansa, jotta ne joustaisivat ja saavat mahdollisuuden ottaa vastaan ​​roolin tämän hetken sanelemat tehtävät. Ensisijaisuuden jano sekä edellä mainitut henkilökohtaiset tunteet on eliminoitava kastien ennakkoluulona. Kaikki ovat tasa-arvoisia studiossa. Kaikki ovat yhtä luovia yksiköitä. Ja lahjakkuuden kirjo, joka antaa yhdelle mahdollisuuden näytellä ensimmäistä roolia, toiselle toista, on ulkoisia konventioita. Huomenna jonkun ulkoiset tiedot voivat vaihdella, hän voi sairastua ja menettää silmänsä, äänensä tai ontua, ja rakastajista voi tulla toisen luokan näyttelijä rooleissa. Mutta vain hänen roolinsa luonne ja valikoima ovat muuttuneet. Muuttuivatko hänen henki ja lahjakkuus? Jos hän on ottanut iskunsa iloisesti esteeksi, jonka hänen rakkautensa taiteeseen on voittanut, hänen kykynsä voi kehittyä entistä laajemmalle ja syvemmälle, koska PUHELU SEITSEMÄN

Surrealismin ihailijat ja yksinkertaisesti miellyttävää vapaa-aikaa arvostavat eivät voi jättää väliin Pietarissa helmikuussa esitettävää näytelmää "Salvador Dalin hullu elämä". "VD" keskusteli johtavan näyttelijän Sergei Jankovskyn kanssa tuotannosta, suuresta taiteilijasta ja nykytaiteesta.

- Näytelmä suuresta taiteilijasta vaatii mielestäni poikkeuksellista skenografiaa...

— Halusimme alunperin tehdä tuotannon mielenkiintoisella visuaalisella ratkaisulla, minkä vuoksi esityksen maisemat vetoavat päähenkilömme töihin. Lavalla tulee silloin tällöin kuvia, mutta ne eivät näy kuvitteina. Maalausten hahmot heräävät henkiin ja alkavat olla vuorovaikutuksessa päähenkilön kanssa, vaikuttaa häneen.

- Ja mitkä Dalin maalausten hahmot esiintyvät näytelmässä?

- Hänen ensimmäinen opettajansa oli Ramon Pichot, Paul Eluard, Hitler, Lenin, Vermeerin Lacemaker, Dr. Freud ja jopa Elefantti.

- Mikä oli sinulle tärkeämpää, mielenkiintoisempaa näytelmän työskentelyssä - Salvador Dalin teokset vai hänen kohtalonsa?

”Minusta vaikuttaa siltä, ​​että se on niin yhteydessä toisiinsa, että yksi on erottamaton toisesta. Näytelmän kirjoittamisen aikana kiinnostuin jostain muusta: totaalisesta myytin tekemisestä, joka ulottui hänen elämänsä kaikille osa-alueille. Hänen kirjansa ovat räjähtävä sekoitus kaunokirjallisuutta ja omaelämäkerrallista kirjallisuutta. Usein, kun hän kuvailee tapahtunutta tapahtumaa, huomaat yhtäkkiä, että tämä on fiktiota, tätä ei koskaan tapahtunut eikä voinut olla. Esimerkiksi Dali muistaa, että hän näki lapsena opettajansa, Venäjän ja pienen tytön optisten illuusioiden teatterissa, joka, kuten hän kirjoittaa, oli Gala. Tämä on tietysti kaunista, mutta luulen, että hän ei tuolloin ollut kuullut mistään Venäjästä.

— Kun kirjoitit näytelmää, eikö sinulla ollut houkutusta lisätä vielä jaksoa, oletettavasti Salvador Dalin elämäkerrasta?

- Ei, ensinnäkin tehtävänä oli katkaista kaikki tarpeeton ja olla vaipumatta surrealismiin lavalla. Pyrkimys siirtää surrealismi puhtaimmassa muodossaan näyttämölle päätyy usein siihen, että katsoja ei yksinkertaisesti ymmärrä mitä tapahtuu. Mielestäni on tärkeää pystyä kertomaan tarina selkeästi.

— Ymmärrätkö itse, missä on totuus ja missä taiteilijan fantasia?

– Tiedetään tapahtumia, jotka olivat täysin tarkkoja. Esimerkiksi kun hänelle tuotiin lasku ravintolassa, hän kirjoitti shekkiä kirjoittaessaan nimikirjoituksensa tietäen, että tätä shekkiä ei koskaan lunastaa, koska siinä on itse Salvador Dalin allekirjoitus tai tärkeämpiä tapahtumia - esim. , hänen ensimmäinen tapaamisensa Galan kanssa. Nämä tosiasiat löytyvät eri kirjoista, ja käy selväksi, mitä se oli. Heistä tuli esityksen perusta.

Dali oli maalauksen uudistaja. Etkö haluaisi tuoda jotain innovatiivista tuotannon teatterikieleen?

- Haluan piiloutua jonnekin nykyaikaiselta innovaatiolta. Mikä tahansa kieli - teatteri tai kirjallinen - tarkoittaa ensinnäkin yhden henkilön keskustelua toisen kanssa. Kirjoittaja on yleisön kanssa. Tässä keskustelussa oletetaan, että yksi henkilö välittää jotain tietoa toiselle. Käytännössä kaikki nykytaide ei pyri olemaan tavalliselle katsojalle ymmärrettävää. Nykytaiteilijat sijoittavat usein kokonaisia ​​selittäviä tutkielmia "teostensa" viereen. Näitä tutkielmia lukiessa hämmästyt, ettei niillä ole mitään tekemistä itse teoksen kanssa... Sellainen innovaatio on pyyhkäissyt yli kaikki taiteen muodot, myös teatterin. Minä katsojana en ymmärrä, mistä he puhuvat. Siksi minulla ei ollut tavoitetta tehdä innovatiivista esitystä sanan nykyisessä merkityksessä, enkä koskaan tulekaan! Taiteen tehtävänä on välittää ajatusta, tunnelmaa, tunteita - ja erityisesti positiivisia.

- Positiivisia tunteita? Ne ovat harvinaisia ​​nykyteatterissa...

- Se on totta. Pidän siitä, että teatteri on yleisön juhla. Ja nyt näemme tämän loman vain klassisessa baletissa, jossa klassinen musiikki soi, missä kaikki on kaunista. Miksi tämä loma ei ole draamateatterissa?! Periaatteessa kaikki on jonkinlaisen pimeyden peitossa. Kaikki on synkkää, kaikki on mustaa tai parhaimmillaan harmaata. Kaikki on huonosti, tai vielä pahempaa. Huomasin, että nykytaiteen näyttelyissä - esimerkiksi näyttelyissä, jotka esiteltiin Manifesta 10 -biennaalissa tai Erartassa - ei ole kauneutta, ei ainakaan arvostettua komponenttia. Katsot moderneja maalauksia - kaikki on rumaa! Joku kriitikko tunnustakoon sen loistavaksi, mutta silti se on ruma. Katsoja ei halua sukeltaa pimeyteen, kaikkeen mustaan, pelottavaan, synkkään ja lisäksi likaiseen. Jos ihminen on ainakin vähän itsestään, on aivan luonnollista, että hän pyrkii vastaanottamaan miellyttäviä tunteita, positiivista varausta ja nauttimaan kauneudesta. Stanislavskylla oli tapana sanoa, ja me aina toistamme hänen sanojaan: "Helpompi, helpompi, korkeampi, hauskempi". Tässä ovat ensimmäiset sanat, joiden olisi pitänyt roikkua jokaisen teatterin päällä ... "

– Teatterin pitäisi mielestäsi olla loma. Tarkoittaako tämä, että esityksessä ei pitäisi olla dramaattisia linjoja, ja yleisö ei ymmärrä hahmoja?

"Ei tietenkään ole. Esityksessämme yleisö tuntee varmasti myötätuntoa ja saattaa jopa itkeä lopussa, varsinkin tytöt. Lomalla tarkoitan ihmishengen kohottamista. Mielenkiintoisen elokuvan katsominen, näytelmä tai kirjan lukeminen inspiroi meitä, tunnemme olomme kohotettua. Mitä ei voida sanoa modernista taiteesta: katselun jälkeen haluat löytää köyden, saippuan ja lyhtypylvän. Rakastan todella Franco Zeffirellin elokuvia. Otetaan tunnetuin - "Romeo ja Julia", - kaikki, mitä siellä tapahtuu, pidämme ylevänä tarinana rakkauden uskomattomasta voimasta, emme siitä, kuinka kaikki kuolivat. Ei siitä, kuinka Juliet puukotti itseään veitsellä, peitti kaiken verellä ja hän joi myrkkyä ja kiemurteli lattialla hänen haudansa lähellä. Tämän elokuvan jälkeen kysyt itseltäsi kysymyksiä: "Onko tämä olemassa minussa?", "Voinko rakastaa niin?" Koet nousun, alat etsiä sitä arjessa, arvostaa ihmisiä, jotka ovat lähellä. Tämä on todellinen loma!

Keskusteluja Stanislavskyn kanssa

(puhe nro 2)

Toimittajalta

Osa "Näyttelijän työ itsestään" on omistettu parhaille tähän aiheeseen liittyville teoksille. Päätimme aloittaa esittelyllä K.S. Stanislavsky Bolshoi-teatterin oopperastudion kanssa. Suuren teatteriopettajan ja ohjaajan tapaamiset studioopiskelijoiden kanssa tapahtuivat vuosina 1918-1920, ja ne äänitti yksi K.S.:n parhaista opiskelijoista. - Concordia Antarova ("Kaksi elämää"). Näissä keskusteluissa meistä näyttää siltä, ​​että K.S.:n teatterietiikka, jonka tunteminen on erityisen tärkeää aloitteleville näyttelijöille ja ohjaajille, selviää huomattavasti.

"Helpompi, kevyempi, korkeampi, hauskempi." Tässä ovat ensimmäiset sanat, joiden olisi pitänyt roikkua jokaisen teatterin päällä - taiteen temppeli, jos teatterit olisivat sellaisia. Vain rakkaus taiteeseen, kaikki ylevä ja kaunis, joka asuu jokaisessa ihmisessä - vain tämä on se, mitä jokaisen teatteriin astuvan tulee tuoda sinne ja vuodattaa itsestään kuin ämpäri puhdasta vettä, josta tuhat tänään huuhtelee pois lian koko rakennus, jos eilen se oli saastuttanut ihmisten intohimoa ja juonittelua.

Yksi studion tai teatterin perustajien ensitehtävistä tulisi olla heidän ilmapiirissään huomioiminen. On varmistettava, että pelko ei missään muodossa, missään muodossa hiipii studioon ja hallitsee sen työntekijöiden tai opiskelijoiden sydämiä, jotta kauneus yhdistää ja vangitsee heidät. Jos kauneuden yhtenäisyydestä ei ole ajatusta, todellista teatteria ei ole, eikä sellaista teatteria tarvita. Jos ei ole alkeellista ymmärrystä itsestään ja koko voimansa kokonaisuudesta isänmaan iloisina palvelijoina, tällaista teatteria ei myöskään tarvita - se ei ole yksi luovista yksiköistä maan kaikkien luovien voimien joukossa. Tästä voimme ymmärtää, mikä tärkeä asia on - teatterihenkilöstön valinta, aina teatterityön heikoin ja vaikein osa. Kun valinta tehdään asiakassuhteen, ei kykyjen ja hahmojen perusteella, kun studioon hyväksytään tutustumisen ja suositusten perusteella, tämä ei vain vähennä teatterin, esityksen tai harjoituksen arvokkuutta, mutta juurruttaa heihin tylsyyttä, ja itse luovuus muodostuu näissä tapauksissa, korvikeista eikä todellisesta rakkaudesta, joka palaa oppimaan tulevissa.

Teatterin säännöt, joissa harjoitukset tehdään useilla näyttelijöillä kerralla, mutta osa läsnä olevista esiintyy, työskentelee heidän kanssaan ja loput istuvat, eivät osallistu analysoitaviin tehtäviin, eivät yhdistä sisäisesti luovaan työhön, vaan Ilmapiirin täyttäminen kateudella ja kritiikillä on mahdotonta studiossa, jossa kaikki ovat tasavertaisia ​​luovassa työssä. Jokainen studiossa tietää sen tänään tai huomenna, mutta heidän vuoronsa tulee joka tapauksessa, ja he ymmärtävät, että tovereiden työtä seuraten on elettävä analysoitavaan ongelmaan kaikella luovalla huomiolla. Tapauksen asettaminen, jossa ei kunnioiteta henkilöä - alisteista toimijaa, jossa ei ole kohteliaisuutta, syntyy rappeutumisen ilmapiiri. Epäkohteliaisuuden kaaos, joka antaa itsensä kohottaa kiiltoa, ei johda siihen ilon ja keveyden ilmapiiriin, jossa vain korkea henki- ja ajatuskulttuuri voi kasvaa. Vain yksinkertaisessa ja kevyessä ilmapiirissä sana voi ilmetä täysimittaisena heijastuksena niistä intohimoista, joiden jaloutta ja arvoa teatterin tulee heijastaa.

Niiden tuntien, jotka näyttelijä viettää teatterissa harjoitusten aikana, pitäisi tehdä hänestä täysivaltainen ihminen - taiteen luoja, kauneuden ja rakkauden taistelija, joka voi vuodattaa kuulijoidensa sydämiin sanan ja äänen koko merkityksen. Jos taiteilijoiden korvat eivät harjoituksen jälkeen kasvaneet parhaissa tunteissaan ja ajatuksissaan, jos heidän näkemyksensä oli pieni mittakaava: "harjoitellessani kaikki vei minut pois, ja se oli selvä sydämessäni", mutta lähti ja putosi jälleen kabotinismiin ja mauttomuuteen: "Olen näyttelijä, olen ihminen", mikä tarkoittaa, että harjoituksen johtajien keskuudessa oli vähän todellista rakkautta ja tulta.

Pointti ei ole ollenkaan näyttelijöissä eikä temppuissa, vaan kaiken luovuuden alkuvaiheessa - taiteilijan opettamisessa etsimään itsestään ymmärrystä sanan arvosta, opettamaan häntä kehittämään huomionsa ja piirtämään introspektiivisesti. hänet roolin orgaanisiin ominaisuuksiin, inhimillisten tunteiden luonteeseen, eikä arvioida ulkopuolelta tiettyjen toimien vaikutuksia uskoen, että voidaan oppia näyttelemään sitä tai tuota tunnetta. Elävän persoona-taiteilijan elävä sydän tulee tuoda sisäisten ja ulkoisten toimien ketjuun, joka kulkee aina rinnakkain elämässä; on tarpeen auttaa häntä useiden mukautusten avulla vapauttamaan hänen ruumiinsa ja sisäisen maailmansa kaikista puristimista, jotta hän voi heijastaa näytelmänsä elämää; on välttämätöntä tuoda hänet sellaiseen huomionvoimaan, että ehdollinen ja ulkoinen eivät estä häntä ymmärtämästä inhimillisten intohioiden orgaanista luonnetta.

Nämä ovat studion tehtäviä, tällä tavalla jokainen voi ja pitää kehittää hänessä piilevää siementä ja muuttaa se kauneuden tavoin toimivaksi voimaksi. Mutta jokainen voi saavuttaa tämän kehityksen, jos hän rakastaa taidetta. Taiteessa voi vain valloittaa ja rakastaa, siinä ei ole käskyjä.

TO
. Antarova

Keskusteluja Stanislavskyn kanssa

(puhe nro 5)

Jokaisen taiteilijaksi haluavan on vastattava kolmeen kysymykseen:

1. Mitä hän tarkoittaa sanalla "taide"?

Jos hän näkee siinä vain itsensä, jossain etuoikeutetussa asemassa lähellä käveleviin ihmisiin nähden, jos hän ei tässä taide-ajattelussaan yritä paljastaa sitä, mikä häntä huolestuttaa sisällään, kuten hädin tuskin tajuissaan vaeltavia sieluja, jotka vaeltavat pimeässä, mutta häiritsevät hänen voimiaan. luovuus, mutta haluaa vain saavuttaa persoonallisuutensa loiston; jos pikkuporvarilliset ennakkoluulot herättävät hänessä halun voittaa esteet tahdon avulla vain paljastaakseen ulkoisen polun elämään näkyvänä ja näkyvänä hahmona, niin tällainen lähestymistapa taiteeseen on sekä ihmisen itsensä että taiteen kuolema.

2. Miksi ihminen, joka on valinnut minkä tahansa taiteen - draaman, oopperan, baletin, kamarilavan, maalaustaiteen tai lyijykynän - astuu ihmiskunnan taiteelliseen haaraan ja minkä idean hän haluaa ja pitäisi viedä tälle taiteenalalle ?

Jos hän ei ymmärrä, kuinka paljon kärsimystä, kamppailua ja pettymystä hänen edessään on, jos hän näkee vain sateenkaarisillan, joka kuljettaa hänet inspiraation kanssa maan ja elämän toiselle puolelle, missä unelmat elävät, studion täytyy tuottaa hänelle pettymys.

Studion tulee tietää ensimmäisistä vaiheista lähtien, että vain työ - ei vain ulkoisen "uran" loppuun asti, vaan työ kuolemaan asti - on polku, jonka hän valitsee itselleen; työn on oltava sen energian lähde, joka monissa kiehtovimmissa tehtävissä studion tulee täyttää opiskelijan aivot, sydän ja hermot.

3. Onko teatteriin menevän ihmisen sydämessä niin paljon sammumatonta rakkautta taiteeseen, joka voi voittaa kaikki hänen eteensä väistämättä tulevat esteet?

Studion, elävänä esimerkkinä johtajiensa vaikutuksista, tulisi näyttää, kuinka ihmisen sydämessä oleva sammumaton rakkaus taiteeseen tulisi saada osaksi päivän bisnestä. Ja tämä luova työ voi, täytyy palaa kuin tuli. Vain silloin, kun ihmisen rakkaus on öljyä, joka sytyttää tulen, vain silloin voidaan toivoa voittavansa kaikki luovuuden tiellä olevat esteet ja saavuttava päämäärä: vapautettu sopimuksista, puhdas taide, jonka luo puhdas luovuus. voimat kehittyivät itsestään. Vasta sitten voidaan löytää näyttelijän tahdon joustavuus, pohjan - roolin jyvän - syvän ymmärtämisen vapaa yhdistelmä ja sen toiminnan kautta, kun rakkaus taiteeseen on voittanut henkilökohtaisen turhamaisuuden, itserakkauden ja ylpeyden. . Kun mielessä ja sydämessä asuu ymmärrys näyttämöelämän harmoniasta, vasta silloin - "minästä" vieraantuneessa toiminnassa - intohimon totuus voidaan esittää ehdotetuissa olosuhteissa.

Mutta suojelkoot kaikki suuret elämänvoimat jokaista studiota tylsyydeltä ja pedanttisuuden asettumiselta siihen. Sitten kaikki tuhoutui; silloin on parempi hajottaa studio, opettajat ja studion jäsenet, tuhota koko mekanismi. Tämä on vain nuorten voimien, ikuisesti vääristyneiden tietoisuuksien korruptiota. Taiteessa voi vain kiehtoa. Se, toistan, on sammumattoman rakkauden tuli. Opettajat, jotka valittavat olevansa väsyneitä, eivät ole opettajia, he ovat koneita, jotka työskentelevät rahan takia. Se, joka teki kymmenen tuntia oppitunteja päivässä, eikä kyennyt polttamaan niissä rakkauttaan, vaan vain tahtoaan ja kehoaan, on yksinkertainen teknikko, mutta hän ei koskaan tule mestariksi, nuorten kaaderien opettajaksi. Rakkaus on pyhää, koska sen tuli ei koskaan pyydä, riippumatta siitä kuinka monta sydäntä se sytyttää. Jos opettaja kaatoi luovuutensa - rakkautensa, hän ei huomannut työtunteja, eivätkä kaikki hänen oppilaansa huomanneet niitä. Jos opettaja palveli elämän tarvetta, hänen oppilaansa olivat kyllästyneitä, väsyneitä ja ruokkivat hänen kanssaan. Eikä niissä oleva taide, ikuinen, jokaisessa luontainen ja jokaisessa rakkaudena elävä, tunkeutunut päivän konventtien pölyisistä ikkunoista, vaan jäi kytemään sydämeen.

Jokaisen tunnin, jokaisen minuutin opettajan ja oppilaan yhtenäisyydestä tulee olla vain lentävä tietoisuus, ikuinen liike ympäristön rytmissä.

Tunteen - ajatuksen - sanan, hengellisenä ajatuksenkuvana, tulisi aina olla totuuden ilmentymä, laki kyvystä välittää tosiasiat sellaisina kuin henkilö ne näki. Totuus ja rakkaus ovat kaksi polkua, jotka tuovat taiteen koko elämän rytmiin.

12. syyskuuta 2013 vuosi tapahtui Irkutskin akateemisen teatterin lehdistökeskuksessa Pyöreä pöytä oikeutettu "Teatteri on voima, joka suojelee ihmistä moraaliselta tyhjyydeltä, sosiaaliselta yksinäisyydeltä", joka avasi teatteriyhteisön keskustelukierroksen, jota yhdistää yhteinen suunta - teatteri ja nykyaika.

Tämä ei ole ensimmäinen kerta, kun Vampilov Contemporary Drama -festivaali kokoaa yhteen filologeja, kirjailijoita, toimittajia, kirjallisuuskriitikkoja ja teatterikriitikkoja vastaamaan kysymyksiin teatterin luonteesta ja vaikutuksista yhteiskuntaan, sen kasvatuksellisen tehtävän merkityksestä nykyään, sen missiosta, suhteet yleisöön ja olemassa olevaan teatteriyleisöön, sen odotukset, mieltymykset. Vuoden 2013 tapaamista voidaan kutsua jatkoksi jo perinteisille festivaalikeskusteluille.

Elena Streltsova, teatterikriitikko, taidekritiikin ehdokas:

"Teatterin työ menee joko tuhoon, ja tähän sopii vain pragmatismi: vain aineellisia asioita, vain rahaa, vain voittoa, tästä johtuen yrityksen jatkuva elämä, joka sisältä suuresti tuhoaa teatterin kokonaisuuden. Toisaalta se, mikä on nyt devalvoitunut, on teatterin henkinen puoli. Kaikki tänään häpäistyt sanat: kasvatus, tehtävä, joita on jopa mahdotonta sanoa normaalilla intonaatiolla - kaikki alkavat pilkata, ironisoida ...

Nyt kaikki toistavat Stanislavskyn näkemän teatterin ihanteellista ohjelmaa. Neljä sanaa: "yksinkertaisempi, helpompi, korkeampi, hauskempi." Ja on selvää, että se on hauskempaa ja helpompaa - siinä se, mutta yksinkertaisempaa ja korkeampaa - se on vaikeaa, unohdettua, paneteltu. Tässä ei voi olla sovintoa, ehkä joko-tai, kolmatta tietä ei ole. Joko otat toiselle puolelle, kyynisyyden ja pragmatismin puolelle, tai otat tikkaat, jotka johtavat ylös. Se on paljon vaikeampaa. Ja aika on nyt, ehkä ei tälle, mutta meidän on vastustettava, jotenkin päästävä ulos.

Teatterikriitikko Vera Maksimova, pyöreän pöydän isäntä:

"Kummallista kyllä, halusin myös keskustella tästä lauseesta. Itse ehtoollinen ja ainakin pieni oikeus luovuuteen tuo niin suuren onnen. Näet, painopiste on "helppoisemmassa ja hauskempaa". Helppous on tietysti nerouden välttämätön ominaisuus. Ei ole olemassa raskasta, hikinen neroa. Vakhtangov oli kevyt, Nemirovich sanoi. Mistä esityksissä oli kyse? Elämästä ja kuolemasta. Loppujen lopuksi oli virhe, että mittasimme Vakhtangovia Turandotilla monta vuotta. "Turandot" oli ainoa suorastaan ​​hauska esitys, jopa "Hääissä" oli rutto, ja Tšehovissa hänellä näytti olevan rutto, ja hän epäröi vain yhtä pääteemaa - elämän ja kuoleman suhdetta. Hän oli lihava mies. En tiedä kuinka kristitty hän oli, uskoiko hän kuolemattomuuteen. Synkät esitykset, filosofiset esitykset, hänen suosikkigenrensä on tragedia, ja samalla hän on täysin kevyt fantasioissaan, kevyt sävellyksiään, rakentamista, valoa näyttelijässä. Hän arvosti suuresti kauneutta. Se, mitä nykyään ei yleensä muisteta, on kysymys kauneudesta, kauneuden vaikutus ja kauneuden kasvattava tehtävä. Tässä on Vakhtangov sinulle. Joten mikä tässä neljässä on minulle arvokkainta - "korkeampi".

Myös pyöreän pöydän muodossa nostettiin esille muita kysymyksiä, kuten teatterin ja uskonnon suhde, käykö nykyään kamppailua kiinteiden teattereiden (repertuaariteatterit) ja uuden teatterin välillä, mitä uusi teatteri opettaa, mitä uusi teatteri siirtää ihmisen, mihin se vaikuttaa, mikä on sen johtajien tehtävä.

Valokuva: Anatoli Byzov