पुनर्जागरण संगीत, कला और साहित्य की तरह, प्राचीन संस्कृति के मूल्यों में लौट आया। उसने न केवल कान को प्रसन्न किया, बल्कि दर्शकों पर आध्यात्मिक और भावनात्मक प्रभाव डाला।

XIV-XVI सदियों में कला और विज्ञान का पुनरुद्धार। महान परिवर्तन का युग था जिसने जीवन के मध्ययुगीन तरीके से आधुनिकता में परिवर्तन को चिह्नित किया। इस अवधि के दौरान संगीत की रचना और प्रदर्शन ने विशेष महत्व प्राप्त किया। यूनान और रोम की प्राचीन संस्कृतियों का अध्ययन करने वाले मानवतावादियों ने संगीत के लेखन को एक उपयोगी और महान व्यवसाय घोषित किया। यह माना जाता था कि प्रत्येक बच्चे को संगीत वाद्ययंत्र बजाना और गाना सीखना चाहिए। इसके लिए, प्रतिष्ठित परिवारों ने अपने बच्चों को सबक देने और मेहमानों का मनोरंजन करने के लिए अपने घरों में संगीतकारों का स्वागत किया।

लोकप्रिय उपकरण। XVI सदी में। नए संगीत वाद्ययंत्र दिखाई दिए। सबसे लोकप्रिय उनमें से एक थे, जिस पर विशेष कौशल की आवश्यकता के बिना, संगीत प्रेमियों को आसानी से और सरल रूप से खेल दिया जाता था। सबसे आम हैं वियोला और इसके संबंधित प्लक स्ट्रिंग। वायोला वायलिन का अग्रदूत बन गया, और फ्रीट्स (गर्दन के पार लकड़ी की धारियों) के लिए धन्यवाद खेलना आसान था जिसने सही नोटों को हड़ताल करने में मदद की। वायोला की आवाज़ कम थी लेकिन छोटे कमरों में अच्छी लगती थी। एक और झल्लाहट से भरे वाद्यों की संगत में - लुटे - गाते थे, जैसे कि अब एक गिटार के साथ।

उस समय, कई लोग ब्लॉक बांसुरी, बांसुरी और सींग बजाना पसंद करते थे। सबसे कठिन संगीत नव-निर्मित लोगों के लिए लिखा गया था - हार्पसीकोर्ड, वर्जिनिनेला (अंग्रेजी हार्पसीकोर्ड, जो अपने छोटे आकार के लिए उल्लेखनीय है) और अंग। उसी समय, संगीतकार सरल संगीत की रचना करना नहीं भूले जिन्हें उच्च प्रदर्शन कौशल की आवश्यकता नहीं थी। उसी समय, संगीत संकेतन में परिवर्तन हुए: इतालवी ओतावियानो पेट्रुकी द्वारा आविष्कार किए गए जंगम धातु पत्रों द्वारा भारी लकड़ी के मुद्रण ब्लॉकों को बदल दिया गया। प्रकाशित संगीत रचनाएं तेजी से बिक गईं, अधिक से अधिक लोग संगीत में शामिल होने लगे।

संगीत निर्देशन।

नए उपकरणों, शीट संगीत और संगीत की व्यापक लोकप्रियता ने चैम्बर संगीत के विकास में योगदान दिया। जैसा कि नाम से पता चलता है, इसका उद्देश्य छोटे दर्शकों के सामने छोटे हॉल में खेला जाना था। कई कलाकार, मुखर प्रदर्शन पूर्वनिर्धारित थे, क्योंकि उस समय गायन की कला संगीत खेलने की तुलना में बहुत अधिक विकसित थी। इसके अलावा, मानवतावादियों ने तर्क दिया कि श्रोता दो कलाओं के "अद्भुत संलयन" से सबसे अधिक प्रभावित होते हैं - संगीत और कविता। इसलिए, फ्रांस में, चैंसन (पॉलीफोनिक गीत) एक शैली के रूप में बाहर खड़ा था, और इटली में - पागल।

चांसन और मृदंग।

प्रेम की उदात्त विषयवस्तु से लेकर रोजमर्रा के ग्रामीण जीवन तक - उन वर्षों की संभावनाओं को एक विस्तृत विषयगत सीमा के साथ कविताओं को छूने पर कई आवाजों में किया गया। कवियों के लिए रचनाकारों ने बहुत सरल धुनों की रचना की। इसके बाद, इस परंपरा से मैड्रिगल का जन्म हुआ - एक मुक्त काव्य विषय पर 4 या 5 आवाजों के लिए एक काम।

बाद में, पहले से ही 16 वीं शताब्दी में, संगीतकार इस निष्कर्ष पर पहुंचे कि मैड्रिड में ध्वनि की गहराई और शक्ति की कमी है, जो प्राचीन ग्रीस और रोम में हमेशा के लिए प्रचलित हो गया था, और प्राचीन संगीत तराजू को पुनर्जीवित करना शुरू कर दिया था। इसी समय, तेज और चिकनी गति में तेज बदलाव से मूड और भावनात्मक स्थिति में परिवर्तन दिखाई दिए।

इस प्रकार, संगीत ने "शब्दों को चित्रित करना" शुरू कर दिया और भावनाओं को प्रतिबिंबित किया। उदाहरण के लिए, एक आरोही स्वर का मतलब एक शिखर (उत्थान) हो सकता है, एक अवरोही स्वर का अर्थ घाटी (उदासी की एक घाटी) हो सकता है, एक धीमी गति का मतलब दुःख हो सकता है, गति और सुखद मधुर धुनों का त्वरण सुख का अर्थ हो सकता है, और एक जानबूझकर लंबे और तेज विस्मय का मतलब दुःख और पीड़ा है। पहले के संगीत में, सामंजस्य और सुसंगतता प्रबल थी। अब यह पॉलीफेनिक और कंट्रास्ट पर आधारित था, जो मनुष्य की समृद्ध आंतरिक दुनिया को दर्शाता है। संगीत गहरा हो गया है, इसने एक व्यक्तिगत चरित्र प्राप्त कर लिया है।

संगीतात्मक संगति।

उत्सव और समारोह पुनर्जागरण की एक बानगी थे। उस युग के लोगों ने सब कुछ मनाया - संतों के दिनों से लेकर गर्मियों के आगमन तक। सड़क जुलूसों के दौरान, संगीतकारों और गायकों ने गाथागीत पढ़ा, जटिल मैडरिगल का प्रदर्शन किया, और पहियों पर एक समृद्ध सजाए गए मंच से नाटकीय प्रदर्शन किया। दर्शकों को विशेष रूप से बेसब्री से "जीवित चित्रों" का इंतजार संगीतमय संगत और सजावट के साथ एक यांत्रिक मेघ के रूप में किया गया था, जिसमें से लिपि में देवता की परिकल्पना की गई थी।

उसी समय, चर्च के लिए सबसे शानदार संगीत की रचना की गई थी। आज के मानकों के अनुसार, चोइर्स इतने बड़े नहीं थे - 20 से 30 लोगों से, लेकिन ऑर्केस्ट्रा में शुरू की गई ट्रॉम्बोन्स और कॉर्नेट ट्रम्प की आवाज़ से उनकी आवाज़ को बढ़ाया गया था, और बड़ी छुट्टियों पर (उदाहरण के लिए, क्रिसमस) गायकों को पूरे क्षेत्र से एक विशाल गाना बजानेवालों में इकट्ठा किया गया था। ... केवल कैथोलिक चर्च का मानना \u200b\u200bथा कि संगीत सरल और समझने योग्य होना चाहिए, और इसलिए Giovanni Palestrina के पवित्र संगीत को सेट करें, जिन्होंने एक उदाहरण के रूप में आध्यात्मिक ग्रंथों पर छोटे काम लिखे। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि बाद में उस्ताद स्वयं अभिव्यंजक और शक्तिशाली "नए" संगीत के प्रभाव में गिर गए और स्मारकीय और रंगीन कार्यों को लिखना शुरू कर दिया, जिन्हें कोरल गायन में काफी कौशल की आवश्यकता थी।

पुनर्जागरण के दौरान, वाद्य संगीत को व्यापक रूप से विकसित किया गया था। मुख्य संगीत वाद्ययंत्रों में ल्यूट, वीणा, बांसुरी, ओबे, तुरही, विभिन्न प्रकार के अंग (पॉजिटिव, पोर्टेबल), हार्पसीकोर्ड की किस्में हैं; वायलिन एक लोक वाद्य था, लेकिन वियोला जैसे नए तार वाले उपकरणों के विकास के साथ, यह वायलिन प्रमुख वाद्ययंत्रों में से एक बन गया।

यदि एक नए युग की मानसिकता पहले कविता में जागती है, तो वास्तुकला और चित्रकला में एक शानदार विकास प्राप्त होता है, फिर संगीत, एक लोक गीत से शुरू होकर, जीवन के सभी क्षेत्रों को पार करता है। यहां तक \u200b\u200bकि चर्च के संगीत को भी काफी हद तक माना जाता है, जैसे बाइबिल विषयों पर कलाकारों के चित्रों को कुछ पवित्र नहीं, बल्कि कुछ ऐसा है जो खुशी और आनंद लाता है, जिसे संगीतकार, संगीतकारों और गायकों ने खुद ध्यान रखा।

एक शब्द में, जैसा कि कविता में, चित्रकला में, वास्तुकला में, संगीत के विकास में एक महत्वपूर्ण मोड़ था, संगीत सौंदर्यशास्त्र और सिद्धांत के विकास के साथ, नई शैलियों के निर्माण के साथ, विशेष रूप से सिंथेटिक प्रकार की कला, जैसे कि ओपेरा और बैले, जिसे पुनर्जागरण माना जाना चाहिए, प्रेषित सदियों।

15 वीं - 16 वीं शताब्दी के नीदरलैंड का संगीत महान संगीतकारों के नाम से समृद्ध है, उनमें से जोसक डेस्प्रेस (1440 - 1524), जिनके बारे में ज़ारलिनो ने लिखा था और जिन्होंने फ्रांसीसी अदालत में सेवा की थी, जहां फ्रेंको-फ्लेशिश स्कूल का गठन किया गया था। यह माना जाता है कि डच संगीतकारों की सर्वोच्च उपलब्धि गॉथिक कैथेड्रल के ऊपर की ओर आकांक्षा के अनुरूप कोरल मास एक कैपेला थी।

जर्मनी में अंग कला विकसित हो रही है। फ्रांस में, अदालत में चैपल बनाए गए थे, संगीत समारोह आयोजित किए गए थे। 1581 में, हेनरी III ने अदालत में "संगीत के मुख्य इरादे" की स्थिति को मंजूरी दी। पहला "संगीत का मुख्य इरादा" इतालवी वायलिन वादक बालटेरिनी डी बेलगियोसो था, जिसने "द क्वीन की कॉमेडी बैले" का निर्देशन किया था, एक प्रदर्शन जिसमें पहली बार संगीत और नृत्य को एक मंच कार्रवाई के रूप में प्रस्तुत किया गया था। इस तरह से कोर्ट का बैलेट सामने आया।

क्लेमेंट जीननेक्विन (सी। 1475 - सी। 1560), फ्रांसीसी पुनर्जागरण का एक उत्कृष्ट संगीतकार, पॉलीफोनिक शैली के संस्थापकों में से एक है। ये 4-5 आवाज वाले काम हैं, जैसे फंतासी गाने। एक धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक गीत - चान्सन - फ्रांस के बाहर फैल गया है।

16 वीं शताब्दी में, संगीत मुद्रण पहले फैल गया। 1516 में, रोमन-वेनिस प्रिंटर एंड्रिया एंटिको ने कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट्स के लिए फ्रेटोल का संग्रह प्रकाशित किया। इटली वीणावादियों और वायलिनों के निर्माण का केंद्र बन गया। कई वायलिन कार्यशालाएं खोली गईं। पहले शिल्पकारों में से एक क्रेमोना के प्रसिद्ध एंड्रिया अमती थे, जिन्होंने वायलिन निर्माताओं के राजवंश की नींव रखी थी। उन्होंने मौजूदा वायलिन के डिजाइन में महत्वपूर्ण बदलाव किए, जिससे ध्वनि में सुधार हुआ और इसे आधुनिक रूप के करीब लाया गया।

फ्रांसेस्को कैनोवा डा मिलानो (1497 - 1543), एक उत्कृष्ट इतालवी ल्यूट खिलाड़ी और पुनर्जागरण के संगीतकार, ने इटली के संगीतकारों के देश के रूप में प्रतिष्ठा बनाई। उन्हें अब भी सर्वकालिक सर्वश्रेष्ठ ल्यूट खिलाड़ी माना जाता है। देर से मध्य युग के पतन के बाद, संगीत संस्कृति का एक महत्वपूर्ण तत्व बन गया।

1537 में नेपल्स में, स्पैनिश पुजारी जियोवन्नी तापिया ने पहला संगीतमय कंज़र्वेटरी "सांता मारिया डि लोरेटो" बनाया, जो निम्नलिखित के लिए एक मॉडल के रूप में सेवा करता था।

एड्रियन विलेर्ट (सी। 1490-1562) - डच संगीतकार और शिक्षक, इटली में काम करते थे, जो फ्रेंको-फ्लेमिश (डच) पॉलीफोनिक स्कूल के प्रतिनिधि थे, जो वेनिस स्कूल के संस्थापक थे। डबल चॉइस के लिए विलार्ट ने संगीत का विकास किया, मल्टी-कोरल संगीत की यह परंपरा जियोवानी गैब्रियल के काम में शुरुआती बारोक युग में अपने चरम पर पहुंच जाएगी।

पुनर्जागरण के दौरान, मैड्रिगल अपने विकास के शिखर पर पहुंच गया और युग का सबसे लोकप्रिय संगीत शैली बन गया। ट्रेसेन्टो समय के पहले और सरल मैड्रिडों के विपरीत, पुनर्जागरण के मैडरिगल कई (4-6) आवाजों के लिए लिखे गए थे, अक्सर विदेशी लोगों द्वारा जो प्रभावशाली उत्तरी परिवारों की अदालतों में सेवा करते थे। मद्रिगालवादियों ने अक्सर उच्च मध्य युग के महान इतालवी कवियों की संशोधित कविता का उपयोग करते हुए उच्च कला बनाने की मांग की: फ्रांसेस्को पेट्रार्का, जियोवन्नी बोकाशियो और अन्य। मैड्रिगल की सबसे विशिष्ट विशेषता सख्त संरचनात्मक कैनन की अनुपस्थिति थी, मुख्य सिद्धांत विचारों और भावनाओं की स्वतंत्र अभिव्यक्ति थी।

वेनिस स्कूल के प्रतिनिधि सिप्रियानो डी रोरे और फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल के प्रतिनिधि रोलांड डी लासस (अपने इतालवी रचनात्मक जीवन के दौरान ऑरलैंडो डी लास्सो) के प्रतिनिधि ने बढ़ते हुए वर्णवाद, सद्भाव, लय, बनावट और संगीत अभिव्यक्ति के अन्य साधनों के साथ प्रयोग किया। उनका अनुभव जारी रहेगा और कार्लो गेसुआल्डो के तरीके से समाप्त होगा।

विलनैला एक और महत्वपूर्ण पॉलीफोनिक गीत रूप था। नेपल्स में लोकप्रिय गीतों के आधार पर पैदा हुआ, यह बहुत जल्दी पूरे इटली में फैल गया और बाद में फ्रांस, इंग्लैंड, जर्मनी में चला गया। 16 वीं शताब्दी के इतालवी विलनैला ने कॉर्ड स्टेप्स के विकास के लिए सबसे मजबूत प्रोत्साहन दिया और इसके परिणामस्वरूप, हार्मोनिक टॉन्सिलिटी।

ओपेरा (फ्लोरेंटाइन कैमरेटा) का जन्म।

पुनर्जागरण युग के अंत को संगीत इतिहास में सबसे महत्वपूर्ण घटना द्वारा चिह्नित किया गया था - ओपेरा का जन्म।

मानवतावादियों, संगीतकारों, कवियों का एक समूह फ्लोरेंस में अपने नेता काउंट जियोवानी डी बर्दी (1534-1612) के तत्वावधान में इकट्ठा हुआ। समूह को कैमरेटा कहा जाता था, और इसके मुख्य सदस्य गिउलिओ कैसैनी, पिएत्रो स्ट्रोज़ी, विन्सेन्ज़ो गैलीली (खगोलशास्त्री गैलीलियो गैलीली के पिता), गिलोरामो मेई, एमिलियो डी कैवलियरी और ओतावियो रिनुसिनी थे।

समूह की पहली दस्तावेज बैठक 1573 में हुई, और "फ्लोरेंटाइन कैमरेटा" के काम के सबसे सक्रिय वर्ष 1577-1582 थे।

उनका मानना \u200b\u200bथा कि संगीत ने "बिगड़" दिया था और प्राचीन ग्रीस के रूप और शैली पर लौटने की मांग की, यह मानते हुए कि संगीत की कला में सुधार किया जा सकता है और तदनुसार, समाज में भी सुधार होगा। कैमरता ने पाठ की बुद्धिमत्ता की हानि और काम के काव्य घटक के नुकसान के लिए पॉलीफोनी के अत्यधिक उपयोग के लिए मौजूदा संगीत की आलोचना की, और एक नया संगीत शैली बनाने का सुझाव दिया जिसमें वाद्य संगीत के साथ-साथ अखंड शैली में पाठ शामिल था। उनके प्रयोगों से एक नए मुखर-संगीत के रूप का निर्माण हुआ - पुनरावर्तक, पहले एमिलियो डी कैवलियरी द्वारा उपयोग किया गया, जो बाद में सीधे ओपेरा के विकास से संबंधित था।

आधुनिक मानकों को पूरा करने वाला पहला आधिकारिक रूप से मान्यताप्राप्त ओपेरा था ओपेरा, डाफेने, पहली बार 1598 में प्रस्तुत किया गया था। डाफने के लेखक जैकोपो पेरी और जैकोपो कोर्सी थे, जो ओतावियो रिनुचिनी द्वारा लिब्रेटो थे। यह ओपेरा बच नहीं पाया है। एक ही लेखक - जैकोपो पेरी और ओटावियो रिनुसिनी द्वारा पहला जीवित ऑपेरा (1600) है। इस रचनात्मक संघ ने अभी भी कई कार्य बनाए हैं, जिनमें से अधिकांश खो गए हैं।

उत्तरी पुनरुद्धार.

उत्तरी पुनर्जागरण काल \u200b\u200bका संगीत भी दिलचस्प है। XVI सदी तक। एक समृद्ध लोककथा थी, मुख्य रूप से मुखर। जर्मनी में हर जगह संगीत बजता है: उत्सव में, चर्च में, सामाजिक कार्यक्रमों में और एक सैन्य शिविर में। किसान युद्ध और सुधार के कारण लोकगीतों में एक नया उछाल आया। कई अभिव्यंजक लूथरन भजन हैं, जिनमें से लेखक अज्ञात है। कोरल गायन लूथरन पूजा का एक अभिन्न रूप बन गया है। प्रोटेस्टेंट जप ने सभी यूरोपीय संगीत के बाद के विकास को प्रभावित किया।

16 वीं शताब्दी में जर्मनी में संगीत के विभिन्न रूपों। अद्भुत: बैले और ओपेरा का मंचन श्रोवटाइड में किया गया था। K. Paumann, P. Hofheimer जैसे नामों का उल्लेख करना असंभव नहीं है। ये मुख्य रूप से अंग के लिए धर्मनिरपेक्ष और चर्च संगीत की रचना करने वाले संगीतकार हैं। वे उत्कृष्ट फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकार, डच स्कूल ओ लास्सो के प्रतिनिधि से जुड़े हुए हैं। उन्होंने कई यूरोपीय देशों में काम किया है। पुनर्जागरण के विभिन्न यूरोपीय संगीत स्कूलों की उपलब्धियों को सामान्यीकृत और नवीन रूप से विकसित किया। पंथ और धर्मनिरपेक्ष कोरल संगीत के मास्टर (2000 से अधिक रचनाएँ।)।

लेकिन जर्मन संगीत में असली क्रांति हेनरिक श्ट्ज़ (1585-1672), संगीतकार, कंडक्टर, आयोजक, शिक्षक द्वारा की गई थी। रचना के राष्ट्रीय विद्यालय के संस्थापक, I.S के पूर्ववर्तियों में सबसे बड़े। बाख। शूत्ज़ ने पहला जर्मन ओपेरा डाफ्ने (1627), ओपेरा-बैले ऑर्फ़ियस और यूरीडाइस (1638) लिखा; मैड्रिगल्स, आध्यात्मिक कैंटाटा-ओरटोरियो रचनाएं ("जुनून", संगीत, मोटेल्स, भजन, आदि)।

रूसी संघ के शिक्षा मंत्रालय

मॉस्को स्टेट ओपन पेडागोगिकल यूनिवर्सिटी

उन्हें। एम। ए। शोलोखोवा

सौंदर्य शिक्षा विभाग

निबंध

"पुनर्जागरण का संगीत"

5 वीं के छात्र

पूर्णकालिक - पत्राचार विभाग

पोल्गेवा हुबोव पावलोवना

अध्यापक:

ज़त्सेपिना मारिया बोरिसोव्ना

मॉस्को 2005

पुनरुत्थान - मध्य युग से आधुनिक काल (XV-XVII सदियों) तक संक्रमण के दौरान पश्चिमी और मध्य यूरोप के देशों की संस्कृति के उत्कर्ष का युग। पुनर्जागरण की संस्कृति एक संकीर्ण वर्ग चरित्र की नहीं है और अक्सर व्यापक जनता के मूड को दर्शाती है, संगीत संस्कृति में यह कई नए प्रभावशाली रचनात्मक स्कूलों का प्रतिनिधित्व करता है। इस अवधि की संपूर्ण संस्कृति का मुख्य वैचारिक मूलवाद मानवतावाद था - एक स्वतंत्र और व्यापक रूप से विकसित होने के रूप में मनुष्य का एक नया, पहले अनदेखा विचार, असीमित प्रगति के लिए सक्षम। मनुष्य कला और साहित्य का मुख्य विषय है, पुनर्जागरण संस्कृति के सबसे महान प्रतिनिधियों की रचनात्मकता - एफ। पेट्रार्क और डी। बोचियाको, लियोनार्डो दा विंची और माइकल एंजेलो, राफेल और टिटियन। इस युग की अधिकांश सांस्कृतिक हस्तियां स्वयं बहुमुखी प्रतिभाशाली लोग थे। इस प्रकार, लियोनार्डो दा विंची न केवल एक उत्कृष्ट कलाकार थे, बल्कि एक मूर्तिकार, वैज्ञानिक, लेखक, वास्तुकार, संगीतकार भी थे; माइकल एंजेलो न केवल एक मूर्तिकार के रूप में जाना जाता है, बल्कि एक चित्रकार, कवि, संगीतकार के रूप में भी जाना जाता है।

इस अवधि की विश्वदृष्टि और संपूर्ण संस्कृति का विकास प्राचीन मॉडलों के पालन द्वारा छापा गया था। संगीत में, नई सामग्री के साथ, नए रूप और विधाएं भी विकसित हो रही हैं (गाने, मैड्रिल, गाथागीत, ओपेरा, कैंटैटस, ओटोरियस)।

मुख्य में पुनर्जागरण संस्कृति की सभी अखंडता और पूर्णता के लिए, यह पुरानी संस्कृति के साथ नई संस्कृति के तत्वों के परस्पर संबंध से जुड़े विरोधाभास की विशेषताओं की विशेषता है। इस अवधि की कला में धार्मिक विषय न केवल मौजूद हैं, बल्कि विकसित करने के लिए भी जारी हैं। इसी समय, यह इतना रूपांतरित हो जाता है कि इसके आधार पर बनाए गए कार्यों को रईस और आम लोगों के जीवन के शैली के दृश्यों के रूप में माना जाता है।

पुनर्जागरण की इतालवी संस्कृति विकास के कुछ चरणों से गुजरी: XIV सदी के अंत में उत्पन्न होने के बाद, यह 15 वीं - 16 वीं शताब्दी के मध्य में अपने चरम पर पहुंच गई। XVI सदी के दूसरे छमाही में। देश की आर्थिक और राजनीतिक गिरावट के कारण एक लंबी सामंती प्रतिक्रिया हुई। मानवतावाद संकट में है। हालांकि, कला में गिरावट तुरंत स्पष्ट नहीं है: दशकों के लिए, इतालवी कलाकारों और कवियों, मूर्तिकारों और वास्तुकारों ने उच्चतम कलात्मक मूल्य के कार्यों का निर्माण किया, विभिन्न रचनात्मक स्कूलों के बीच संबंधों का विकास, विभिन्न देशों में काम करने वाले संगीतकारों के बीच अनुभव का आदान-प्रदान, विभिन्न चैपल में काम करना, एक संकेत बन जाता है। समय और हमें पूरे युग के सामान्य रुझानों के बारे में बात करने की अनुमति देता है।

पुनर्जागरण यूरोपीय संगीत संस्कृति के इतिहास के शानदार पन्नों में से एक है। जोसक्विन, ओब्रेचट, फिलिस्तीन, ओ। लास्सो, गेस्साल्डो के महान नामों का तारामंडल, जिन्होंने अभिव्यक्ति, पॉलीफोनी की समृद्धि, रूपों के पैमाने के रूप में संगीत रचनात्मकता के लिए नए क्षितिज खोले; पारंपरिक शैलियों के उत्कर्ष और गुणात्मक नवीकरण - मोटेट, मास; एक नई कल्पना की स्थापना, पॉलीफोनिक गीत रचनाओं के क्षेत्र में नए इंटोनेशन, वाद्य संगीत का तेजी से विकास, जो अधीनता के लगभग पांच शताब्दियों के बाद सामने आया: संगीत बजाने के अन्य रूप, संगीत रचनात्मकता के सभी क्षेत्रों में व्यावसायिकता का विकास: संगीत कला की भूमिका और संभावनाओं पर एक बदलाव। सुंदरता के मानदंड: कला के सभी क्षेत्रों में मानवतावाद वास्तव में उभरती हुई प्रवृत्ति है - यह सब पुनर्जागरण के बारे में हमारे विचारों से जुड़ा हुआ है। पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति विज्ञान पर आधारित एक व्यक्तिगत सिद्धांत है। 15 वीं - 16 वीं शताब्दियों के पॉलीफोनिस्टों के असामान्य रूप से जटिल कौशल, उनकी सदाचार तकनीक ने हर रोज़ नृत्य की उज्ज्वल कला, धर्मनिरपेक्ष शैलियों के परिष्कार के साथ मिलकर काम किया। गीत और नाटक तेजी से अपने कामों में व्यक्त किए जाते हैं। इसके अलावा, लेखक का व्यक्तित्व, कलाकार की रचनात्मक व्यक्तित्व (यह न केवल संगीत कला की विशेषता है) उनमें अधिक स्पष्ट रूप से प्रकट होता है, जो हमें पुनर्जागरण कला के प्रमुख सिद्धांत के रूप में मानवीकरण की बात करने की अनुमति देता है। एक ही समय में, बड़े पैमाने पर और प्रेरणा के रूप में इस तरह के बड़े शैलियों द्वारा प्रतिनिधित्व किया गया चर्च संगीत, कुछ हद तक पुनर्जागरण की कला में "गॉथिक" रेखा को जारी रखता है, जिसका उद्देश्य मुख्य रूप से पहले से मौजूद कैनन को फिर से बनाना है और इसके माध्यम से, दिव्य को महिमामंडित करना है।

लगभग सभी प्रमुख शैलियों का काम करता है, दोनों धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक, कुछ पहले से ज्ञात संगीत सामग्री पर आधारित हैं। यह मोटापे और विभिन्न धर्मनिरपेक्ष शैलियों, वाद्य व्यवस्था में एक मोनोफोनिक स्रोत हो सकता है; यह तीन-भाग की रचना से उधार ली गई दो आवाज़ें हो सकती हैं और एक ही या एक अलग शैली के नए काम में शामिल होती हैं और अंत में, एक पूर्ण तीन- या चार-भाग (मोटेट, मेड्रिगल, एक बड़े रूप (द्रव्यमान) के काम के एक प्रकार की प्रारंभिक "मॉडल" की भूमिका निभाती है।

प्राथमिक स्रोत समान रूप से लोकप्रिय, प्रसिद्ध मेलोडी (कोराले या धर्मनिरपेक्ष गीत) और कुछ लेखक के काम (या इससे आवाज) हैं, जो अन्य संगीतकारों द्वारा संसाधित किए जाते हैं और, तदनुसार, ध्वनि की विभिन्न विशेषताओं, एक अलग कलात्मक विचार के साथ संपन्न होते हैं।

एक उदाहरण की शैली में, उदाहरण के लिए, लगभग कोई काम नहीं होता है जिसमें कोई मूल मूल नहीं होता है। 15 वीं - 16 वीं शताब्दियों के रचनाकारों में से अधिकांश लोगों के पास प्राथमिक स्रोत भी हैं: उदाहरण के लिए, पैलेस्टिना में, कुल एक सौ से अधिक द्रव्यमान में से, हम उधार-मुक्त आधार पर लिखे गए केवल छह पाते हैं। ओ। लस्सो ने लेखक की सामग्री के आधार पर एक भी द्रव्यमान (58 में से) नहीं लिखा।

इसी समय, यह ध्यान दिया जा सकता है कि लेखक जिस सामग्री पर भरोसा करते हैं, उस पर प्राथमिक स्रोतों का चक्र काफी स्पष्ट रूप से इंगित किया गया है। जी। ड्यूफे, आई। ओकेगेम, जे। ओब्रेचट, फिलिस्तीना, ओ। लसो और अन्य एक-दूसरे के साथ प्रतिस्पर्धा करते दिखते हैं, बार-बार एक ही धुन का जिक्र करते हैं, हर बार उनसे ड्राइंग, उनके कामों के लिए नए कलात्मक आवेग, फिर से व्याख्या करना। पॉलीफोनिक रूपों के लिए प्रारंभिक इंटोनेशनल प्रोटोटाइप के रूप में धुन।

काम करते समय, तकनीक का उपयोग किया गया था - पॉलीफोनी। पॉलीफोनी पॉलीफोनी है जिसमें सभी आवाजें समान हैं। सभी स्वर एक ही राग को दोहराते हैं, लेकिन अलग-अलग समय पर, एक प्रतिध्वनि की तरह। इस तकनीक को नकली पॉलीफनी कहा जाता है।

15 वीं शताब्दी तक, "सख्त लेखन" की तथाकथित पॉलीफोनी आकार ले रही थी, नियम (आवाज-अग्रणी, आकार देना, आदि) जो उस समय के सैद्धांतिक ग्रंथों में तय किए गए थे और चर्च संगीत बनाने के अपरिवर्तनीय कानून थे।

एक और संयोजन, जब कलाकारों ने एक ही समय में विभिन्न धुनों और विभिन्न ग्रंथों का उच्चारण किया, तो इसे विपरीत पॉलीफोनी कहा जाता है। सामान्य तौर पर, "सख्त" शैली जरूरी दो प्रकार की पॉलीफोनी में से एक को निर्धारित करती है: नकल या विपरीत। यह नकल और विपरीत पॉलीफोनी थी जिसने चर्च सेवाओं के लिए पॉलीफोनिक मोटेट्स और द्रव्यमान की रचना करना संभव बना दिया था।

मोटेट एक छोटा कोरल गीत है जो आमतौर पर कुछ लोकप्रिय रागों से बना होता है, जो अक्सर पुराने चर्च की धुनों ("ग्रेगोरियन मंत्र" और अन्य विहित स्रोतों, साथ ही लोक संगीत) में से एक होता है।

15 वीं शताब्दी की शुरुआत के बाद से, कई यूरोपीय देशों की संगीत संस्कृति अधिक से अधिक स्पष्ट रूप से पुनर्जागरण में निहित सुविधाओं में उभरी है। डच पुनर्जागरण के शुरुआती पॉलीफोनिस्टों के बीच प्रमुख, गिलियूम डुफे (ड्यूफे) का जन्म 1400 के आसपास फ्लैंडर्स में हुआ था। उनके काम, वास्तव में, डच स्कूल ऑफ म्यूजिक के इतिहास में आधी शताब्दी से अधिक का प्रतिनिधित्व करते हैं, जिसने 15 वीं शताब्दी की दूसरी तिमाही में आकार लिया।

ड्यूफे ने रोम में पीपल सहित कई चैपल का नेतृत्व किया, फ्लोरेंस और बोलोग्ना में काम किया, और अपने जीवन के अंतिम वर्षों को अपनी मूल कैम्ब्रि में बिताया। ड्यूफे की विरासत समृद्ध और प्रचुर मात्रा में है: इसमें लगभग 80 गाने (कक्ष शैलियों - वायरल, गाथागीत, रोंडो), लगभग 30 मोटिव (आध्यात्मिक सामग्री और धर्मनिरपेक्ष, "गीत"), 9 पूर्ण द्रव्यमान और उनके व्यक्तिगत भाग शामिल हैं।

एक उत्कृष्ट माधुर्यवादी, जिसने सख्त शैली के युग में दुर्लभ और मधुर की अभिव्यक्ति प्राप्त की, उसने स्वेच्छा से लोक धुनों की ओर रुख किया, उन्हें सबसे कुशल प्रसंस्करण के अधीन किया। ड्यूफे बड़े पैमाने पर कई नई चीजें लाता है: वह पूरे व्यापक की रचना का विस्तार करता है, कोरल ध्वनि के विपरीत का अधिक स्वतंत्र रूप से उपयोग करता है। उनकी कुछ सर्वश्रेष्ठ रचनाएँ "द पेल फेस", "द आर्म्ड मैन" हैं, जिसमें गीत के मूल के समान नाम की उधार ली गई धुनों का उपयोग किया जाता है। ये गीत, विभिन्न संस्करणों में, एक व्यापक-विषयगत-विषयगत आधार का गठन करते हैं, जो एक साथ बड़े कोरल चक्रों की एकता रखता है। एक अद्भुत काउंटरपॉइंटिस्ट के पॉलीफोनिक विस्तार में, वे अपनी गहराई, पहले से अज्ञात सौंदर्य और अभिव्यंजक संभावनाओं में छिपे हुए प्रकट करते हैं। ड्यूफे की धुन सामंजस्यपूर्ण रूप से एक नरम इतालवी मेलोडीसिटी और फ्रांसीसी अनुग्रह के साथ एक डच गीत की तीखी ताजगी को जोड़ती है। इसकी नकल पॉलीफनी कृत्रिमता और ढेर से रहित है। कभी-कभी दुर्लभता अत्यधिक हो जाती है, विकृति उत्पन्न होती है। यहां, न केवल कला का युवा, जिसने अभी तक संरचना का आदर्श संतुलन नहीं पाया है, परिलक्षित होता है, लेकिन सबसे मामूली साधनों द्वारा कलात्मक और अभिव्यंजक परिणाम प्राप्त करने के लिए कैम्ब्रियन मास्टर की पूरी विशेषता भी है।

ड्यूफे के युवा समकालीनों - जोहान्स ओकेगेम और जैकब ओब्रेचट का काम पहले से ही तथाकथित दूसरे डच स्कूल के रूप में जाना जाता है। दोनों संगीतकार अपने समय के महानतम व्यक्ति हैं, जिन्होंने 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में डच पॉलीफोनी के विकास को निर्धारित किया।

जोहान्स ओकेगेम (1425 - 1497) ने अपने जीवन का अधिकांश भाग फ्रांसीसी राजाओं की अध्यक्षता में काम किया। यूरोप के सामने ओकेगेम के सामने, ड्यूफे के नरम, मधुर गीत से मंत्रमुग्ध, उनके मासूमों और इरादों की भोली भद्दी और नाटकीय रूप से हल्की व्यंजना, एक पूरी तरह से अलग दिखाई दी - "एक विवादास्पद आंख वाला बुद्धिवादी" और एक परिष्कृत तकनीकी कलम, जो कई बार गीतों से बचता है। संगीत में, वस्तुनिष्ठ अस्तित्व के कुछ बेहद सामान्य नियम। उन्होंने पॉलीफोनिक पहनावा में मेलोडिक लाइनों के विकास में एक अद्भुत कौशल की खोज की। उनके संगीत में कुछ गॉथिक विशेषताएं निहित हैं: कल्पना, अभिव्यक्ति का गैर-व्यक्तिगत चरित्र, आदि। उन्होंने "द आर्म्ड मैन", 13 मोटेट्स और 22 गानों को शामिल करते हुए 11 पूर्ण द्रव्यमान (और उनके कई हिस्सों) की रचना की। यह बड़ी पॉलीफोनिक शैलियाँ हैं जो अपने पहले स्थान पर हैं। ओकेगैम के कुछ गीतों ने समकालीनों के बीच लोकप्रियता हासिल की और एक से अधिक बार बड़े रूपों में पॉलीफोनिक व्यवस्था के लिए प्राथमिक आधार के रूप में सेवा की।

एक महान गुरु और शुद्ध पॉलीफोनिस्ट के रूप में ओकेगेम का रचनात्मक उदाहरण उनके समकालीनों और अनुयायियों के लिए बहुत महत्व का था: पॉलीफोनी प्रेरित सम्मान की विशेष समस्याओं पर उनका असम्बद्ध ध्यान, यदि प्रशंसा नहीं थी, तो इसने एक किंवदंती को जन्म दिया और एक हेलो के साथ उनका नाम घेर लिया।

15 वीं शताब्दी को अगली के साथ जोड़ने वालों में, न केवल कालानुक्रमिक, बल्कि रचनात्मक विकास का सार भी, पहला स्थान, कोई संदेह नहीं, जैकब ओब्रेच का है। उनका जन्म 1450 में बर्गन ऑप ज़ूम में हुआ था। ओब्रेच ने एंटवर्प, कंबराई, ब्रुग्स और अन्य के चैपल में काम किया और इटली में भी सेवा की।

ओब्रेट की कलात्मक विरासत में 25 द्रव्यमान, लगभग 20 मोटिव, 30 पॉलीफोनिक गाने शामिल हैं। अपने पूर्ववर्तियों और पुराने समकालीनों से, उन्हें एक उच्च विकसित, यहां तक \u200b\u200bकि गुणसूत्र पॉलीफोनिक तकनीक, पॉलीफोनी के नकली-विहित तरीके भी विरासत में मिले। ओबेरचेट के संगीत में, पूरी तरह से पॉलीफोनिक, हम कभी-कभी अवैयक्तिक भावनाओं की एक विशेष ताकत सुनते हैं, बड़ी और छोटी सीमाओं में विरोधाभासों की बोल्डनेस, काफी "सांसारिक", ध्वनियों की प्रकृति में लगभग हर रोज़ संबंध और फ़ॉर्म गठन के विवरण। उनका विश्वदृष्टि गॉथिक होना बंद हो जाता है। वह जोस्किन डेस्प्रेस की दिशा में आगे बढ़ता है - संगीत कला में पुनर्जागरण का सच्चा प्रतिनिधि।

ओब्रेट की शैली में व्यक्तिगत विशेषताओं की विशेषता है, जिसमें गोथिक टुकड़ी से प्रस्थान, विरोध, भावनाओं की शक्ति और रोजमर्रा की जिंदगी के संबंध के साथ संबंध शामिल हैं।

इटली में 16 वीं शताब्दी का पहला तीसरा उच्च पुनर्जागरण का काल है, जो रचनात्मक उत्थान और अभूतपूर्व पूर्णता का समय है, लियोनार्डो दा विंची, राफेल, माइकल एंजेलो के महान कार्यों में सन्निहित है। एक निश्चित सामाजिक स्तर उभर रहा है, जिसकी मदद से नाटकीय प्रदर्शन और संगीत समारोह आयोजित किए जाते हैं। विभिन्न कला अकादमियों की गतिविधियाँ विकसित हो रही हैं।

थोड़ी देर बाद, संगीत की कला में उच्च समृद्धि की अवधि शुरू होती है, और न केवल इटली में, बल्कि जर्मनी, फ्रांस और अन्य देशों में भी। संगीत कार्यों के प्रसार के लिए संगीत संकेतन का आविष्कार बहुत महत्व रखता है।

पॉलीफोनिक स्कूल की परंपराएं अभी भी मजबूत हैं (विशेष रूप से, एक मॉडल पर निर्भरता का पहले की तरह ही अर्थ है), लेकिन विषयों की पसंद के लिए दृष्टिकोण बदल रहा है, कार्यों की भावनात्मक-आलंकारिक संतृप्ति बढ़ जाती है, और व्यक्तिगत, लेखक का सिद्धांत तेज होता है। ये सभी विशेषताएं इतालवी संगीतकार जोस्किन डेस्प्रेस के काम में पहले से ही स्पष्ट हैं, जो 1450 के आसपास बरगंडी में पैदा हुआ था और 15 वीं शताब्दी के अंत में - 16 वीं शताब्दी के अंत में डच स्कूल के सबसे महान संगीतकारों में से एक था। एक उत्कृष्ट आवाज और श्रवण के साथ उपहार में, अपनी किशोरावस्था से उसने चर्च की अपनी मातृभूमि और अन्य देशों में चर्च के अध्यक्ष के रूप में काम किया। उच्च वर्णिक कला के साथ इस प्रारंभिक और निकट संपर्क ने, पंथ संगीत के महान कलात्मक खजाने के सक्रिय और व्यावहारिक आत्मसात ने मोटे तौर पर उस दिशा को निर्धारित किया जिसमें भविष्य के जीनियस मास्टर का व्यक्तित्व, उनकी शैली और शैली के हितों ने फिर आकार लिया।

अपने छोटे वर्षों में, Despres ने I Okegem के साथ रचना की कला का अध्ययन किया, जिसके साथ वह विभिन्न संगीत वाद्ययंत्र बजाने में भी सॉल्वर बन गए।

इसके बाद, जोसकिन डेस्प्रेस ने उस समय मौजूद सभी संगीत शैलियों पर अपना हाथ आज़माया, जो भजन, प्रेरणा, जन, संगीत, द पैशन ऑफ़ द लॉर्ड के निर्माण, सेंट मैरी और धर्मनिरपेक्ष गीतों के सम्मान में रचनाएँ थीं।

डेस्प्रेस के कामों में सबसे पहली बात यह है कि हड़ताली काउंटरपॉइंट तकनीक है जो लेखक को एक सच्चे समकक्ष-गुणी के रूप में माना जाता है। हालांकि, सामग्री की पूरी महारत के बावजूद, डेस्प्रेस ने बहुत धीरे-धीरे लिखा, बहुत ही समीक्षकों ने उनके कार्यों पर विचार किया। रचनाओं के परीक्षण के प्रदर्शन के दौरान, उन्होंने उनमें बहुत सारे बदलाव किए, एक त्रुटिहीन व्यंजना को प्राप्त करने की कोशिश की, जिसे उन्होंने कभी भी समय के प्रति-विरोध में बलिदान नहीं किया।

केवल पॉलीफोनिक रूपों का उपयोग करते हुए, कुछ मामलों में संगीतकार ऊपरी आवाज को असामान्य रूप से सुंदर रूप से बहने वाली धुन देता है, जिसके कारण उसका काम न केवल व्यंजना से, बल्कि मेलोडी द्वारा भी प्रतिष्ठित है।

सख्त प्रतिवाद से परे जाने के लिए इच्छुक नहीं, Despres उन्हें व्यंजन को नरम करने के लिए तैयार करता है, एक व्यंजन के रूप में पिछले व्यंजन में एक असंगत नोट का उपयोग करके। Despres भी काफी सफलतापूर्वक संगीत अभिव्यक्ति को बढ़ाने के साधन के रूप में विसंगतियों का उपयोग करता है।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि जे। डेस्प्रेस को केवल एक प्रतिभाशाली विपरीत और संवेदनशील संगीतकार ही नहीं माना जा सकता है, बल्कि एक उत्कृष्ट कलाकार भी है, जो अपने कामों में भावनाओं और विभिन्न मनोदशाओं के सबसे सूक्ष्म रंगों को व्यक्त करने में सक्षम है।

15 वीं शताब्दी के इतालवी और फ्रांसीसी पॉलीफोनिस्ट की तुलना में जोस्किन तकनीकी रूप से और सौंदर्यशास्त्र से अधिक मजबूत था। इसीलिए, विशुद्ध रूप से संगीत क्षेत्र में, उन्होंने खुद पर अपने प्रभाव का अनुभव करने की तुलना में उन्हें बहुत अधिक प्रभावित किया। अपनी मृत्यु तक, डेस्प्रेस ने रोम, फ्लोरेंस, पेरिस में सर्वश्रेष्ठ चैपल का निर्देशन किया। वह हमेशा अपने काम के लिए समान रूप से समर्पित रहे हैं, संगीत के प्रसार और मान्यता में योगदान करते हैं। वह डच रहा, "कोंडे से मास्टर।" और कोई फर्क नहीं पड़ता कि विदेशी उपलब्धियों और सम्मान कितने शानदार थे, यहां तक \u200b\u200bकि "संगीत के स्वामी" को दिए गए जीवन शक्ति के साथ (जैसा कि उनके समकालीनों ने उन्हें बुलाया), पृथ्वी की अपरिवर्तनीय "कॉल" का पालन करते हुए, पहले से ही अपने घोषणापत्र वर्षों में वह स्केलड के तट पर लौट आए और विनम्रतापूर्वक अपने जीवन को एक कैनन के रूप में समाप्त कर दिया। ...

इटली में, उच्च पुनर्जागरण के दौरान, धर्मनिरपेक्ष शैलियों का विकास हुआ। मुखर शैलियां दो मुख्य दिशाओं में विकसित होती हैं - उनमें से एक रोजमर्रा के गीत और नृत्य (फ्रटोला, विलनेला, आदि) के करीब है, दूसरा पॉलीफोनिक परंपरा (मैड्रिगल) से जुड़ा है।

मद्रिगल ने एक विशेष संगीत और काव्यात्मक रूप में संगीतकार की व्यक्तित्व की अभिव्यक्ति के लिए असाधारण अवसर प्रदान किए। उनके गीत, शैली के दृश्यों की मुख्य सामग्री। मंचीय संगीत की विधाएँ वेनिस के स्कूल (प्राचीन त्रासदी को पुनर्जीवित करने का प्रयास) में फली-फूलीं। वाद्य रूपों (ल्यूट, विहुएला, अंग और अन्य उपकरणों के लिए टुकड़े) ने स्वतंत्रता हासिल कर ली।

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पुनर्जागरण काल, या पुनर्जागरण काल (फ्रेंच पुनर्जागरण), - यूरोपीय लोगों की संस्कृति के इतिहास में एक महत्वपूर्ण मोड़। इटली में, नए रुझान XIII-XIV शताब्दियों के मोड़ पर दिखाई दिए, अन्य यूरोपीय देशों में - XV-XVI सदियों में। पुनर्जागरण के आंकड़ों ने मनुष्य को मान्यता दी - उसका अच्छा और उसके व्यक्तित्व के मुक्त विकास का अधिकार - उच्चतम मूल्य। इस विश्वदृष्टि को "मानवतावाद" (लैटिन मानव से - "मानव", "मानव") कहा जाता था। मानवतावादी प्राचीन काल में एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्ति के आदर्श की तलाश में थे, और प्राचीन ग्रीक और रोमन कला ने उन्हें कलात्मक रचनात्मकता के लिए एक मॉडल के रूप में सेवा दी। प्राचीन संस्कृति को "पुनर्जीवित" करने की इच्छा ने पूरे युग को नाम दिया - पुनर्जागरण, मध्य युग और नई आयु के बीच की अवधि (17 वीं शताब्दी के मध्य से वर्तमान दिन तक)।

कला, संगीत सहित, पूरी तरह से पुनर्जागरण के विश्वदृष्टि को दर्शाता है। इस अवधि के दौरान, साथ ही मध्य युग में, प्रमुख स्थान मुखर चर्च संगीत का था। पॉलीफोनी के विकास ने पॉलीफोनी की उपस्थिति का नेतृत्व किया (ग्रीक "पोलिस" से - "कई" और "पृष्ठभूमि" - "ध्वनि", "आवाज")। इस प्रकार की पॉलीफोनी के साथ, एक काम में सभी आवाज़ें बराबर होती हैं। पॉलीफोनी ने न केवल काम को जटिल किया, बल्कि लेखक को पाठ की अपनी व्यक्तिगत समझ को व्यक्त करने की अनुमति दी और संगीत को भावनाओं का एक बड़ा सौदा दिया। पॉलिफ़ोनिक रचना सख्त और जटिल नियमों के अनुसार बनाई गई थी, जिसमें संगीतकार से गहन ज्ञान और गुणात्मक कौशल की आवश्यकता होती थी। पॉलीफोनी के ढांचे के भीतर चर्च और धर्मनिरपेक्ष शैलियों का विकास हुआ।

डच पॉलीफोनिक स्कूल। नीदरलैंड यूरोप के उत्तर पश्चिम में एक ऐतिहासिक क्षेत्र है, जिसमें आधुनिक बेल्जियम, हॉलैंड, लक्समबर्ग और पूर्वोत्तर फ्रांस के क्षेत्र शामिल हैं। XV सदी तक। नीदरलैंड एक उच्च आर्थिक और सांस्कृतिक स्तर पर पहुंच गया है और एक समृद्ध यूरोपीय देश बन गया है।

यह यहां था कि डच पॉलीफोनिक स्कूल का गठन किया गया था - पुनर्जागरण संगीत की सबसे बड़ी घटनाओं में से एक। 15 वीं शताब्दी में कला के विकास के लिए, विभिन्न देशों के संगीतकारों और रचनात्मक स्कूलों के पारस्परिक प्रभाव के बीच संचार का बहुत महत्व था। डच स्कूल ने स्वयं इटली, फ्रांस, इंग्लैंड और नीदरलैंड की परंपराओं को अवशोषित किया है।

इसके उत्कृष्ट प्रतिनिधि: गुइलियूम डुफे (1400-1474) (ड्यूफे) (लगभग 1400 - 11/27/1474, कंबराई), फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकार, डच स्कूल के संस्थापकों में से एक। डच संगीत में पॉलीफोनिक परंपरा की नींव गिलौम डुफे (लगभग 1400-1474) द्वारा रखी गई थी। उनका जन्म फ्लैंडर्स (नीदरलैंड के दक्षिण में एक प्रांत) में कंबराई में हुआ था और उन्होंने कम उम्र से ही एक चर्च गाना बजाना गाया था। समानांतर में, भविष्य के संगीतकार ने रचना में निजी सबक लिया। किशोरावस्था में, ड्यूफे इटली चले गए, जहां उन्होंने अपनी पहली रचनाएं लिखीं - गाथागीत और मोटेट्स। 1428-1437 में उन्होंने रोम में पीपल चैपल में एक गायक के रूप में कार्य किया; इन वर्षों के दौरान उन्होंने इटली और फ्रांस की यात्रा की। 1437 में, संगीतकार को ठहराया गया था। ड्यूक ऑफ सवॉय (1437-1439) के दरबार में उन्होंने गंभीर समारोहों और छुट्टियों के लिए संगीत तैयार किया। ड्यूफे को महान व्यक्तियों द्वारा बहुत सम्मान दिया गया था - उनके प्रशंसकों में थे, उदाहरण के लिए, मेडिसी युगल (इतालवी शहर फ्लोरेंस के शासक)। [इटली और फ्रांस में काम किया। 1428-37 में वह रोम में और अन्य इतालवी शहरों में पोप चैपल के एक गायक थे, 1437-44 में उन्होंने ड्यूक ऑफ सवॉय के साथ सेवा की। 1445 के बाद से, कैनॉन और कंबराई में कैथेड्रल के संगीत गतिविधियों के निदेशक। आध्यात्मिक (3-, 4-वॉयस मास, मोटेट्स) के मास्टर, साथ ही साथ धर्मनिरपेक्ष (3-, 4-वॉइस फ्रेंच चान्सन, इटालियन गाने, गाथागीत, रोंडो) शैलियों में लोक पॉलीफोनी और पुनर्जागरण की मानवतावादी संस्कृति से जुड़े हैं। डांटे की कला, जिसने यूरोपीय संगीत कला की उपलब्धियों को अवशोषित किया, यूरोपीय पॉलीफोनिक संगीत के आगे के विकास पर बहुत प्रभाव पड़ा। वह संगीत संकेतन का एक सुधारक भी था (डी को सफेद सिर वाले नोटों की शुरुआत का श्रेय दिया जाता है)। रोम में प्रकाशित डी। (6 खंड, 1951-66) में प्रकाशित डी। का पूरा काम करता है।] डूफ़े संगीतकार के बीच पहला था जिसने मास को एक अभिन्न संगीत रचना के रूप में लिखना शुरू किया। चर्च संगीत बनाने के लिए एक असाधारण प्रतिभा की आवश्यकता होती है: ठोस, भौतिक साधनों द्वारा अमूर्त, गैर-भौतिक अवधारणाओं को व्यक्त करने की क्षमता। कठिनाई इस तथ्य में निहित है कि इस तरह की रचना, एक तरफ, श्रोता को उदासीन नहीं छोड़ती है, और दूसरी ओर, दिव्य सेवा से विचलित नहीं होती है, प्रार्थना पर गहराई से ध्यान केंद्रित करने में मदद करती है। ड्यूफे के कई जन प्रेरित हैं, आंतरिक जीवन से भरे हुए हैं; वे एक पल के लिए दिव्य रहस्योद्घाटन के घूंघट को खोलने में मदद करते हैं।

अक्सर, एक द्रव्यमान का निर्माण करते समय, ड्यूफे ने एक प्रसिद्ध मेलोडी ली, जिसमें उन्होंने अपना खुद का जोड़ा। इस तरह के उधार पुनर्जागरण की विशेषता है। यह बहुत महत्वपूर्ण माना जाता था कि द्रव्यमान एक परिचित माधुर्य पर आधारित था, जिसे उपासक पॉलीफोनिक टुकड़े में भी आसानी से पहचान सकते थे। ग्रेगोरियन जप का एक टुकड़ा अक्सर इस्तेमाल किया जाता था; धर्मनिरपेक्ष कार्यों को भी बाहर नहीं किया गया था।

चर्च संगीत के अलावा, ड्यूफे ने धर्मनिरपेक्ष ग्रंथों के लिए मोटिव की रचना की। उन्होंने उनमें जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों का भी इस्तेमाल किया।

जोस्किन डेस्प्रेस (1440-1521)। 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के डच पॉलीफोनिक स्कूल के प्रतिनिधि। जोसकिन डेस्प्रेस (लगभग 1440-1521 या 1524) था, जिसका अगली पीढ़ी के रचनाकारों के काम पर बहुत प्रभाव था। अपनी युवावस्था में उन्होंने कंबरी में चर्च के गायक के रूप में सेवा की; ओकगेम से संगीत की शिक्षा ली। बीस साल की उम्र में, युवा संगीतकार इटली आया, मिलान में सॉर्फ्ज़ा (बाद में महान इतालवी कलाकार लियोनार्डो दा विंची ने यहां सेवा की) के साथ गाया और रोम में पोप चैपल में गाया। इटली में, Despres ने शायद संगीत की रचना शुरू कर दी। XVI सदी की शुरुआत में। वह पेरिस चला गया। उस समय तक, डेस्प्रेस पहले से ही जाना जाता था, और उन्हें फ्रांसीसी राजा लुई XII द्वारा अदालत संगीतकार के पद पर आमंत्रित किया गया था। 1503 के बाद से, डेस्प्रे के दरबार में, डेस्प्रेस ने फेरारा शहर में इटली में फिर से बस गए। डेस्प्रेस ने बहुत रचना की, और उनके संगीत ने जल्दी से व्यापक हलकों में मान्यता प्राप्त की: यह दोनों बड़प्पन और आम लोगों द्वारा प्यार किया गया था। संगीतकार ने न केवल चर्च बनाया। काम करता है, लेकिन यह भी धर्मनिरपेक्ष। विशेष रूप से, उन्होंने इतालवी लोक गीत की शैली की ओर रुख किया - फ्रांटोला (यह। फ्रेटोला, फ्रेटा से - "भीड़"), जो एक नृत्य ताल और एक तेज गति की विशेषता है। चर्च संगीत में, Despres ने धर्मनिरपेक्ष कार्यों की विशेषताएं पेश की: ताजा। , लाइव इंटोनेशन ने सख्त टुकड़ी को तोड़ दिया और खुशी और पूर्णता की भावना का कारण बना। हालांकि, अनुपात की संगीतकार की भावना कभी नहीं बदली। डेस्प्रेस की पॉलीफोनिक तकनीक परिष्कार द्वारा प्रतिष्ठित नहीं है। उनके काम सरल हैं, लेकिन वे लेखक की शक्तिशाली बुद्धि को महसूस करते हैं। यह उनके कार्यों की लोकप्रियता का रहस्य है। ...

जोहान्स ओकेगेम (1430-1495), जैकब ओब्रेचट (1450-1505)। गिलियूम ड्यूफे के युवा समकालीन जोहान्स (जीन) ओकेगेम (लगभग 1425-1497) और जैकब ओब्रच थे। ड्यूफे की तरह, ओकेगम मूल रूप से फ़्लैंडर्स का था। अपने पूरे जीवन उन्होंने कड़ी मेहनत की; संगीत रचना के अलावा, उन्होंने चैपल के प्रमुख के रूप में काम किया। संगीतकार ने पंद्रह द्रव्यमान, तेरह मोटेट्स, बीस से अधिक चान्सन बनाए। ओकेगेम के कार्यों में गंभीरता, एकाग्रता, बहने वाली मधुर रेखाओं के दीर्घकालिक विकास की विशेषता है। उन्होंने पॉलीफोनिक तकनीक पर बहुत ध्यान दिया, एक पूरे के रूप में होने वाले द्रव्यमान के सभी हिस्सों के लिए प्रयास किया। संगीतकार की रचनात्मक शैली उनके गीतों में भी स्पष्ट है - वे लगभग धर्मनिरपेक्षता से रहित हैं, चरित्र में वे मोटिवेट्स की अधिक याद दिलाते हैं, और कभी-कभी जनता के टुकड़े भी। जोहान्स ओकेगम को घर और बाहर दोनों जगह सम्मान दिया गया था (उन्हें फ्रांस के राजा का सलाहकार नियुक्त किया गया था)। जेकब ओब्रैच नीदरलैंड के विभिन्न शहरों में कैथेड्रल में एक चौकीदार था, जो चैपल का नेतृत्व करते थे; कई वर्षों के लिए उन्होंने फेरारा (इटली) में ड्यूक डीएस्ट के दरबार में सेवा की। वह पच्चीस जन, बीस मोटिव, तीस चांसन के लेखक हैं। अपने पूर्ववर्तियों की उपलब्धियों का उपयोग करते हुए, ओबेरचैट ने पॉलीफोनिक परंपरा में बहुत सी नई चीजें लाईं। जब संगीतकार अपने पोज में बोल्ड, बोल्ड गीतों से भरपूर होते हैं। पारंपरिक चर्च शैलियों के लिए।

ऑरलैंडो लास्सो की रचनात्मकता की बहुमुखी प्रतिभा और गहराई। डच पुनर्जागरण संगीत के इतिहास को पूरा करना ऑरलैंडो लासो (असली नाम और उपनाम रोलैंड डी लासो, लगभग 1532-1594) का काम है, जिसे उनके समकालीन "बेल्जियम ऑर्फ़ियस" और "संगीत के राजकुमार" ने बुलाया था। लासो का जन्म मॉन्स (फ़्लैंडर्स) में हुआ था। बचपन से, उन्होंने चर्च के गाना बजानेवालों में गाया, एक अद्भुत आवाज के साथ parishioners हड़ताली। इटालियन शहर मंटुआ के ड्यूक गोंजागा ने गलती से युवा गायक को पीट-पीटकर मार डाला, उसे अपने ही चैपल में आमंत्रित किया। मंटुआ के बाद, लास्सो ने नेपल्स में थोड़े समय के लिए काम किया, और फिर रोम चले गए - वहाँ उन्होंने कैथेड्रल में से एक के प्रमुख के पद को प्राप्त किया। पच्चीस वर्ष की आयु तक, लास्सो पहले से ही एक संगीतकार के रूप में जाना जाता था, और उनके काम संगीत प्रकाशकों के बीच मांग में थे। 1555 में, पहला संग्रह प्रकाशित किया गया था, जिसमें मोटेट्स, मैड्रिगल्स और चैंसन शामिल थे। लास्सो ने अपने पूर्ववर्तियों (डच, फ्रेंच, जर्मन और इतालवी संगीतकारों) द्वारा बनाए गए सभी सर्वश्रेष्ठ का अध्ययन किया, और अपने काम में अपने अनुभव का इस्तेमाल किया। एक असाधारण व्यक्तित्व होने के नाते, लसो ने चर्च संगीत के अमूर्त चरित्र को पार करने के लिए, इसे व्यक्तित्व प्रदान करने के लिए प्रयास किया। इस उद्देश्य के लिए, संगीतकार ने कभी-कभी शैली के उद्देश्यों (लोक गीतों, नृत्यों के विषय) का उपयोग किया, इस प्रकार चर्च और धर्मनिरपेक्ष परंपराओं को एक साथ लाया। लासो ने पॉलीफोनिक तकनीक की जटिलता को बड़ी भावुकता के साथ जोड़ा। वह विशेष रूप से मैड्रिड में अच्छा था, जिसके ग्रंथों में पात्रों के दिमाग की स्थिति का पता चला था, उदाहरण के लिए, सेंट पीटर के आँसू (1593) इतालवी कवि लुइगी ट्रानज़िलो के छंदों पर। संगीतकार ने अक्सर बड़ी संख्या में आवाज़ों (पांच से सात) के लिए लिखा था, इसलिए उनके काम करना मुश्किल है। ...

1556 से ऑरलैंडो लास्सो म्यूनिख (जर्मनी) में रहता था, जहाँ वह चैपल का नेतृत्व करता था। अपने जीवन के अंत तक, संगीत और कलात्मक हलकों में उनका अधिकार बहुत अधिक था, और उनकी प्रसिद्धि पूरे यूरोप में फैल गई। डच पॉलीफोनिक स्कूल का यूरोप की संगीत संस्कृति के विकास पर बहुत प्रभाव था। डच कंपोजर्स द्वारा विकसित पॉलीफोनी के सिद्धांत सार्वभौमिक हो गए हैं, और उनके काम में कई कलात्मक तकनीकों का उपयोग 20 वीं शताब्दी में पहले से ही संगीतकारों द्वारा किया गया है।

फ्रांस। फ्रांस के लिए, 15 वीं -16 वीं शताब्दी महत्वपूर्ण परिवर्तनों का युग बन गई: 15 वीं शताब्दी के अंत तक इंग्लैंड के साथ सौ साल का युद्ध (1337-1453) समाप्त हो गया। राज्य का एकीकरण पूरा हुआ; 16 वीं शताब्दी में, देश ने कैथोलिक और प्रोटेस्टेंट के बीच धार्मिक युद्धों का अनुभव किया। एक पूर्ण राजशाही के साथ एक मजबूत राज्य में, अदालती समारोहों और लोक त्योहारों की भूमिका बढ़ गई। इसने कला के विकास में योगदान दिया, विशेष रूप से इस तरह के कार्यक्रमों के साथ संगीत। मुखर और वाद्य कलाकारों की संख्या (चैपल और कॉन्सर्ट), जिसमें कलाकारों की एक महत्वपूर्ण संख्या शामिल थी, बढ़ गई। इटली में सैन्य अभियानों के दौरान, फ्रांसीसी इतालवी संस्कृति की उपलब्धियों से परिचित हो गए। उन्होंने इतालवी पुनर्जागरण के विचारों को गहराई से महसूस किया और स्वीकार किया - मानवतावाद, जीवन का आनंद लेने के लिए, उनके आसपास की दुनिया के साथ सद्भाव के लिए प्रयास करते हुए।

यदि इटली में संगीत का पुनर्जागरण मुख्य रूप से मास के साथ जुड़ा हुआ था, तो फ्रांसीसी संगीतकारों ने चर्च संगीत के साथ, धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक गीत - चान्सन पर विशेष ध्यान दिया। फ्रांस में रुचि 16 वीं शताब्दी की पहली छमाही में पैदा हुई, जब क्लेमेंट जैनेस्पिन (लगभग 1485-1558) द्वारा संगीत के टुकड़ों का संग्रह प्रकाशित किया गया था। यह यह संगीतकार है जिसे शैली के रचनाकारों में से एक माना जाता है।

क्लेमेंट जैनेसिन (1475-1560) द्वारा प्रमुख कोरल प्रोग्रामेटिक कार्य। एक बच्चे के रूप में, जेनेक्विन ने अपने गृहनगर चेटेलेरॉल्ट (मध्य फ्रांस) में एक चर्च गाना बजानेवालों में गाया। बाद में, जैसा कि संगीत इतिहासकारों का सुझाव है, उन्होंने डच मास्टर जोसक्विन डेस्प्रेज़ के साथ या उनके प्रवेश से एक संगीतकार के साथ अध्ययन किया। एक पुजारी का समन्वय प्राप्त करने के बाद, ज़ानकेन ने एक गाना बजानेवालों और निर्देशक के रूप में काम किया; तब उन्हें ड्यूक ऑफ़ गुइज़ द्वारा सेवा में आमंत्रित किया गया था। 1555 में संगीतकार रॉयल चैपल के गायक बन गए, और 1556-1557 में। - शाही दरबारी संगीतकार। क्लेमेंट जीननेकिन ने दो सौ और अस्सी चान्सन बनाए (1530 और 1572 के बीच प्रकाशित); चर्च संगीत लिखा - जनता, मोटेट्स, भजन। उनके गीत अक्सर चित्रात्मक होते थे। लड़ाई की तस्वीरें ("मारिग्नानो की लड़ाई", "रेंटा की लड़ाई", "द बैटल ऑफ़ मेट्ज़"), शिकार के दृश्य ("द हंट"), प्रकृति की छवियाँ ("बर्डसॉन्ग", "नाइटिंगेल", "लार्क") ), रोजमर्रा के दृश्य ("महिला बकबक")। अद्भुत जीवंतता के साथ, संगीतकार पेरिस में रोज़मर्रा के जीवन के माहौल को "स्क्रीम ऑफ़ पेरिस" में व्यक्त करने में कामयाब रहे: उन्होंने पाठ में विक्रेताओं के उद्गार पेश किए ("दूध!" - "पाईस!" - "आर्टिचोक्स!" - "मछली!" - "माचिस!" - "कबूतर।" ! "-" पुराने जूते! "-" शराब! ")। Janequin ने लगभग व्यक्तिगत आवाज़ और जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों के लिए लंबे और बहने वाले विषयों का उपयोग नहीं किया, रोल कॉल, पुनरावृत्ति और ओनोमेटोपोइया को प्राथमिकता दी।

फ्रांसीसी संगीत की एक और दिशा सुधार के पैन-यूरोपीय आंदोलन से जुड़ी है।

चर्च सेवाओं में, फ्रांसीसी प्रोटेस्टेंट (ह्यूजेनोट्स) ने लैटिन और पॉलीफनी को छोड़ दिया। पवित्र संगीत ने अधिक खुले, लोकतांत्रिक चरित्र का अधिग्रहण किया है। इस संगीत परंपरा के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक क्लाउड गुडीमेल (1514 और 1520-1572 के बीच) था - बाइबिल ग्रंथों और प्रोटेस्टेंट मंत्रों पर भजन के लेखक।

चैनसन। फ्रेंच पुनर्जागरण की मुख्य संगीत शैलियों में से एक है चेसन (फ्रांसीसी गीत - "गीत")। इसकी उत्पत्ति लोक कला में है (मध्यकालीन किंवदंतियों के तुकांत छंदों को संगीत में स्थानांतरित कर दिया गया था), मध्ययुगीन संकटमोचनों और पतलून की कला में। सामग्री और मनोदशा के संदर्भ में, गीत बहुत विविध हो सकते हैं - प्रेम गीत, रोजमर्रा, हास्य, व्यंग्य आदि थे। रचनाकारों ने लोक कविताओं और आधुनिक कविता को ग्रंथ के रूप में लिया।

इटली। पुनर्जागरण की शुरुआत के साथ, इटली में फैले विभिन्न उपकरणों पर हर रोज संगीत-निर्माण; संगीत प्रेमियों की मंडलियां उठीं। पेशेवर क्षेत्र में, दो सबसे शक्तिशाली स्कूल उभरे: रोमन और विनीशियन।

Madrigal। पुनर्जागरण के दौरान, धर्मनिरपेक्ष शैलियों की भूमिका बढ़ गई। XIV सदी में। मैड्रिगल इतालवी संगीत में दिखाई दिया (पोज़लीनैट से। मैट्रिकल - "मूल भाषा में गीत")। इसका गठन लोक (चरवाहे के) गीतों के आधार पर किया गया था। मैड्रिगल्स दो या तीन आवाजों के लिए गीत थे, अक्सर बिना वाद्य संगत के। वे आधुनिक इतालवी कवियों के छंदों पर लिखे गए थे, जिसमें प्यार के बारे में बताया गया था; हर रोज और पौराणिक विषयों पर गाने थे।

पंद्रहवीं शताब्दी के दौरान, संगीतकार शायद ही कभी इस शैली में आए; उनकी रुचि केवल 16 वीं शताब्दी में पुनर्जीवित हुई। 16 वीं शताब्दी के मैड्रिगल की एक विशिष्ट विशेषता संगीत और कविता के बीच घनिष्ठ संबंध है। संगीत ने काव्य स्रोत में वर्णित घटनाओं को दर्शाते हुए, लचीले ढंग से पाठ का अनुसरण किया। समय के साथ, अजीब मधुर प्रतीकों का विकास हुआ, कोमल आंसू, आँसू, आदि को दर्शाते हुए, कुछ रचनाकारों की रचनाओं में, प्रतीकवाद दार्शनिक था, उदाहरण के लिए, गेसुल्डो डी वेनोसा के मैड्रिगल में मैं मर गया, दुखी "(1611)।

शैली का विषम दिन XVI-XVII सदियों के मोड़ पर आता है। कभी-कभी, गीत के प्रदर्शन के साथ, इसके कथानक को निभाया जाता था। मद्रिगल मद्रिगल कॉमेडी (हास्य नाटक के पाठ पर आधारित कोरल रचना) का आधार बन गया, जिसने ओपेरा की उपस्थिति को तैयार किया।

रोमन पॉलीफोनिक स्कूल। जियोवन्नी डी फिलिस्तीना (1525-1594)। रोमन स्कूल के प्रमुख जिओवानी पिय्लुइगी दा पाल्स्त्रिना थे, जो पुनर्जागरण के महानतम रचनाकारों में से एक थे। उनका जन्म इतालवी शहर फिलीस्तीन में हुआ था, जिसके नाम से उन्हें अपना उपनाम मिला। बचपन से, फिलिस्तीन ने चर्च के गाना बजानेवालों में गाया, और वयस्कता तक पहुंचने के बाद, उन्हें रोम में सेंट पीटर की बेसिलिका में कंडक्टर (गायक नेता) के पद पर आमंत्रित किया गया; बाद में उन्होंने सिस्टिन चैपल (पोप के कोर्ट चैपल) में सेवा की।

कैथोलिक धर्म के केंद्र रोम ने कई प्रमुख संगीतकारों को आकर्षित किया है। अलग-अलग समय में डच मास्टर्स, पॉलीफोनिस्ट गुइल्यूम ड्यूफे और जोस्किन डेस्प्रेस ने यहां काम किया। उनकी विकसित रचना तकनीक कभी-कभी सेवा के पाठ की धारणा के साथ हस्तक्षेप करती है: यह आवाज और शब्दों के अति सुंदर अंतराल के पीछे खो गई थी, वास्तव में, सुना नहीं गया था। इसलिए, चर्च के अधिकारी ऐसे कामों से सावधान थे और ग्रेगोरियन मंत्रों के आधार पर मोनोफोन की वापसी की वकालत की। कैथोलिक चर्च की ट्रेंट काउंसिल (1545-1563) में भी चर्च के संगीत में पॉलीफनी की अनुमति के सवाल पर चर्चा की गई थी। पोप के करीबी, फिलिस्तीन ने चर्च के नेताओं को उन कार्यों के निर्माण की संभावना के बारे में आश्वस्त किया जहां रचना तकनीक पाठ की समझ के साथ हस्तक्षेप नहीं करेगी। प्रमाण के रूप में, उन्होंने पोप मार्सेलो के मास (1555) की रचना की, जो हर शब्द की स्पष्ट और अभिव्यंजक ध्वनि के साथ जटिल पॉलीफोनी को जोड़ती है। इस प्रकार, संगीतकार ने "पॉलीफोनिक संगीत" को चर्च के अधिकारियों के उत्पीड़न से बचाया। 1577 में, संगीतकार को धीरे-धीरे सुधार पर चर्चा करने के लिए आमंत्रित किया गया था - कैथोलिक चर्च के पवित्र मंत्रों का संग्रह। 80 के दशक में। फिलिस्तीन को ठहराया गया, और 1584 में सोसाइटी ऑफ मास्टर्स ऑफ म्यूजिक के सदस्य बने - संगीतकारों का एक संघ सीधे पोप के अधीनस्थ।

फिलिस्तीन की रचनात्मकता एक उज्ज्वल दृष्टिकोण के साथ है। उनके द्वारा बनाए गए कार्यों ने उनके समकालीनों को उच्चतम कौशल और संख्या (एक सौ से अधिक द्रव्यमान, तीन सौ मकसद, एक सौ पागल) के साथ चकित किया। संगीत की जटिलता कभी भी इसकी धारणा के लिए बाधा नहीं रही है। संगीतकार को पता था कि रचनाओं के परिष्कार और श्रोता तक उनकी पहुँच के बीच एक मध्य आधार कैसे पाया जाता है। फिलिस्तीन ने एक मुख्य कार्य को विकसित करने में मुख्य रचनात्मक कार्य देखा। उनके मंत्रों में प्रत्येक आवाज स्वतंत्र रूप से विकसित होती है, लेकिन एक ही समय में बाकी के साथ एक ही पूरी होती है, और अक्सर आवाज जीवा के सुंदर संयोजन को जोड़ती है। अक्सर ऊपरी आवाज़ का माधुर्य दूसरों के ऊपर मंडराता है, जो पॉलीफोनी के "गुंबद" को दर्शाता है; सभी आवाज़ें तरल और विकसित होती हैं।

अगली पीढ़ी के संगीतकारों द्वारा Giovanni da Palestrina की कला को अनुकरणीय, शास्त्रीय माना जाता था। 17 वीं और 18 वीं शताब्दी के कई उत्कृष्ट रचनाकारों ने उनके कार्यों पर अध्ययन किया।

पुनर्जागरण संगीत की एक और दिशा विनीशियन स्कूल के रचनाकारों के काम से जुड़ी हुई है, जिसके संस्थापक एड्रियन विलेर्ट (लगभग 1485-1562) थे। उनके छात्र आयोजक और संगीतकार एंड्रिया गैब्रियल (1500 से 1520 के बीच - 1586 के बाद), संगीतकार साइप्रियन डी पोप (1515 या 1516-1565) और अन्य संगीतकार थे। जबकि फिलिस्तीन की रचनाओं में स्पष्टता और सख्त संयम की विशेषता है, विलार्ट और उनके अनुयायियों ने एक शानदार नृत्य शैली विकसित की। चारों ओर ध्वनि प्राप्त करने के लिए, टाइमब्रिज बजाते हुए, उन्होंने मंदिर के विभिन्न स्थानों में स्थित अपनी रचनाओं में कई गायन का उपयोग किया। चॉइस के बीच रोल कॉल के उपयोग ने चर्च के स्थान को अभूतपूर्व प्रभाव से भरना संभव बना दिया। इस दृष्टिकोण ने युग के दोनों मानवतावादी आदर्शों को एक पूरे के रूप में प्रतिबिंबित किया - अपनी हंसमुखता, स्वतंत्रता और स्वयं वेनिस की कलात्मक परंपरा के साथ - सब कुछ उज्ज्वल और असामान्य के लिए अपने प्रयास के साथ। वेनिस के स्वामी के कामों में, संगीत की भाषा भी अधिक जटिल हो गई: यह कॉर्ड्स के बोल्ड संयोजनों, अप्रत्याशित सामंजस्य से भरी हुई थी।

एक हड़ताली पुनर्जागरण का आंकड़ा था कार्लो गेस्साल्डो डी वेनोसा (लगभग 1560-1613), वेनेसा शहर के राजकुमार, धर्मनिरपेक्ष पागलखाना के सबसे बड़े स्वामी में से एक। उन्होंने एक परोपकारी, लुट कलाकार, संगीतकार के रूप में ख्याति प्राप्त की। प्रिंस गेस्साल्डो इतालवी कवि टॉर्काटो टैसो के दोस्त थे; अभी भी दिलचस्प पत्र हैं जिनमें दोनों कलाकार साहित्य, संगीत, ललित कला के मुद्दों पर चर्चा करते हैं। तासो गेसुल्डो डी वेनोसा की कई कविताओं को संगीत में सेट किया गया था - यह है कि बहुत सारे कलात्मक मृदभांड दिखाई दिए। दिवंगत पुनर्जागरण के प्रतिनिधि के रूप में, संगीतकार ने एक नए प्रकार के मैड्रिगल का विकास किया, जहां भावनाएं पहले स्थान पर थीं - हिंसक और अप्रत्याशित। इसलिए, उनकी रचनाओं में मात्रा में परिवर्तन, स्वर-संगीत, समान स्वर और यहां तक \u200b\u200bकि सॉक्स, तेज-ध्वनि वाले कॉर्ड्स, विपरीत टेम्पो परिवर्तनों की विशेषता है। इन तकनीकों ने Gesualdo के संगीत को एक अभिव्यंजक, कुछ हद तक विचित्र चरित्र दिया, यह चकित कर दिया और साथ ही समकालीनों को आकर्षित किया। Gesualdo di Venosa की विरासत में पॉलीफेनिक मैड्रिगल्स के सात संग्रह शामिल हैं; आध्यात्मिक कार्यों के बीच - "पवित्र मंत्र"। उनका संगीत आज श्रोता को उदासीन नहीं छोड़ता।

शैलियों और वाद्य संगीत के रूपों का विकास। वाद्य संगीत को नई शैलियों के उद्भव द्वारा भी चिह्नित किया गया है, विशेष रूप से वाद्य संगीत। वायलिन, हार्पसीकोर्ड, अंग धीरे-धीरे एकल उपकरणों में बदल गए। उनके लिए लिखे गए संगीत ने न केवल संगीतकार के लिए, बल्कि कलाकार के लिए भी प्रतिभा दिखाना संभव कर दिया। मुख्य रूप से सराहना गुणात्मकता (तकनीकी कठिनाइयों से निपटने की क्षमता) थी, जो धीरे-धीरे कई संगीतकारों और एक कलात्मक मूल्य के लिए अपने आप में एक अंत बन गई। 17 वीं -18 वीं शताब्दी के रचनाकारों ने आमतौर पर न केवल संगीत की रचना की, बल्कि वाद्य यंत्रों को भी बजाया और शिक्षण में लगे रहे। एक कलाकार की भलाई काफी हद तक एक विशेष ग्राहक पर निर्भर करती है। एक नियम के रूप में, प्रत्येक गंभीर संगीतकार ने एक सम्राट या एक अमीर अभिजात वर्ग के दरबार में जगह मांगी (कुलीनता के कई सदस्यों के पास अपने स्वयं के ऑर्केस्ट्रा या ओपेरा हाउस थे), या एक मंदिर में। इसके अलावा, अधिकांश संगीतकार आसानी से चर्च संगीत-निर्माण को एक धर्मनिरपेक्ष संरक्षक की सेवा के साथ जोड़ते हैं।

इंग्लैंड। पुनर्जागरण के दौरान इंग्लैंड का सांस्कृतिक जीवन सुधार के साथ निकटता से जुड़ा था। 16 वीं शताब्दी में, प्रोटेस्टेंटवाद पूरे देश में फैल गया। कैथोलिक चर्च ने अपना प्रमुख स्थान खो दिया, एंग्लिकन चर्च राज्य बन गया, जिसने कैथोलिक धर्म के कुछ हठधर्मिता (बुनियादी प्रावधानों) को मान्यता देने से इनकार कर दिया; अधिकांश मठों का अस्तित्व समाप्त हो गया। इन घटनाओं ने संगीत सहित अंग्रेजी संस्कृति को प्रभावित किया। ऑक्सफोर्ड और कैम्ब्रिज विश्वविद्यालयों में संगीत विभाग खोले गए। बड़प्पन के सैलून में, कीबोर्ड वाद्ययंत्र बजते थे: वर्जिन (एक प्रकार का हार्पिसिचर्ड), एक पोर्टेबल (छोटा) अंग, आदि। घरेलू संगीत के लिए बनाई गई छोटी रचनाएं लोकप्रिय थीं। उस समय की संगीत संस्कृति के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि विलियम बर्ड (1543 या 1544-1623) थे - एक संगीत प्रकाशक, आयोजक और संगीतकार। बर्ड अंग्रेजी मैड्रिड का पूर्वज बन गया। उनकी रचनाएं उनकी सादगी (जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों से बचती हैं), पाठ की अनुवर्तीता, और हार्मोनिक स्वतंत्रता के रूप में प्रतिष्ठित हैं। सभी संगीत साधनों को मध्ययुगीन गंभीरता और संयम के विपरीत, जीवन की सुंदरता और खुशी की पुष्टि करने के लिए डिज़ाइन किया गया है। संगीतकार की पागल शैली में कई अनुयायी थे।

पक्षी ने आध्यात्मिक कार्य (जन, भजन) और वाद्य संगीत भी बनाया। वर्जिन के लिए अपनी रचनाओं में, उन्होंने लोक गीतों और नृत्यों के उद्देश्यों का इस्तेमाल किया।

संगीतकार वास्तव में ऐसा संगीत चाहते थे जिसे उन्होंने लिखा था "खुशी से कम से कम थोड़ा कोमलता, विश्राम और मनोरंजन करें" - यह वही है जो विलियम बर्ड ने अपने एक संगीत संग्रह में प्रस्तुत किया था।

जर्मनी। सुधार आंदोलन के साथ जर्मन संगीत संस्कृति का कनेक्शन। 16 वीं शताब्दी में, जर्मनी में सुधार शुरू हुआ, जिसने देश के धार्मिक और सांस्कृतिक जीवन को महत्वपूर्ण रूप से बदल दिया। सुधार के नेताओं को पूजा की संगीत सामग्री में बदलाव की आवश्यकता के बारे में आश्वस्त किया गया था। यह दो कारणों से था। 15 वीं शताब्दी के मध्य तक। चर्च संगीत की शैलियों में काम करने वाले रचनाकारों के पॉलीफोनिक कौशल असाधारण जटिलता और परिष्कार तक पहुंच गए हैं। कभी-कभी ऐसे कामों का निर्माण किया जाता था, जो मधुर स्वर और लंबे मंत्रों की समृद्धता के कारण, बहुसंख्यकों के आध्यात्मिक और आध्यात्मिक रूप से अनुभव नहीं किया जा सकता था। इसके अलावा, सेवा का आयोजन लैटिन में किया गया था, जो इटालियंस के लिए समझ में आता है, लेकिन जर्मनों के लिए विदेशी है।

सुधार आंदोलन के संस्थापक मार्टिन लूथर (1483-1546) का मानना \u200b\u200bथा कि चर्च संगीत के सुधार की आवश्यकता थी। संगीत, सबसे पहले, पूजा में पारिश्रमिक की अधिक सक्रिय भागीदारी को बढ़ावा देना चाहिए (पॉलीफोनिक रचनाओं को निष्पादित करते समय यह असंभव था), और दूसरी बात, यह बाइबिल की घटनाओं (जो लैटिन में सेवा के संचालन में बाधा थी) के लिए सहानुभूति उत्पन्न करनी चाहिए। इस प्रकार, चर्च गायन पर निम्नलिखित आवश्यकताएं लागू की गई थीं: सरलता और माधुर्य की स्पष्टता, यहां तक \u200b\u200bकि ताल, मंत्र का स्पष्ट रूप। इस आधार पर, प्रोटेस्टेंट मंत्र का उदय हुआ - जर्मन पुनर्जागरण के चर्च संगीत की मुख्य शैली। 1522 में, लूथर ने नए नियम का जर्मन में अनुवाद किया - इसलिए उनकी मूल भाषा में ईश्वरीय सेवाओं को मनाना संभव हो गया।

लूथर ने, साथ ही साथ अपने दोस्त, जर्मन संगीत सिद्धांतकार जोहान वाल्टर (1490-1570) ने कोरल के लिए धुनों के चयन में सक्रिय भाग लिया। इस तरह की धुनों के मुख्य स्रोत लोक आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष गीत थे - व्यापक रूप से ज्ञात और समझने में आसान। लूथर ने कुछ रागों के लिए धुनों की रचना स्वयं की। उनमें से एक, "प्रभु हमारा समर्थन है", 16 वीं शताब्दी के धार्मिक युद्धों की अवधि के दौरान सुधार का प्रतीक बन गया।

मेइस्टरिंगर्स और उनकी कला। जर्मन पुनर्जागरण संगीत का एक और उज्ज्वल पृष्ठ मेइरिंजर (जर्मन मेइरिंजर - "मास्टर गायक") के काम से जुड़ा हुआ है - कारीगरों में से कवि गायक। वे पेशेवर संगीतकार नहीं थे, लेकिन सभी शिल्पकारों के ऊपर - बंदूकधारी, दर्जी, ग्लेज़ियर, शोमेकर, बेकर्स आदि। ऐसे संगीतकारों के शहर संघ में विभिन्न शिल्पों के प्रतिनिधि शामिल थे। 16 वीं शताब्दी में, कई जर्मन शहरों में मित्सिंजर संघों का अस्तित्व था।

मेइस्टरिंगर्स ने सख्त नियमों के अनुसार अपने गीतों की रचना की, रचनात्मक पहल कई प्रतिबंधों से शर्मिंदा हुई। एक शुरुआत करने वाले को पहले इन नियमों में महारत हासिल करनी होती थी, फिर गीतों का प्रदर्शन करना सीखते थे, फिर अन्य लोगों की धुनों पर गीतों की रचना करते थे, और उसके बाद ही वह अपना गीत बना पाते थे। प्रसिद्ध मेज़िस्ट्रिंग और मिनिंगिंगर की धुनों को धुन के रूप में माना जाता था।

16 वीं शताब्दी की उत्कृष्ट मेइंजर हंस सैक्स (1494-1576) एक दर्जी परिवार से आया था, लेकिन अपनी युवावस्था में वह अपने माता-पिता का घर छोड़कर जर्मनी में यात्रा करने चला गया। अपने भटकने के दौरान, युवक ने एक थानेदार के शिल्प को सीखा, लेकिन सबसे महत्वपूर्ण बात, वह लोक कला से परिचित हुआ। सैक्स अच्छी तरह से शिक्षित था, प्राचीन और मध्यकालीन साहित्य को पूरी तरह से जानता था, जर्मन अनुवाद में बाइबल पढ़ता था। वह सुधार के विचारों से गहराई से प्रभावित थे, इसलिए उन्होंने न केवल धर्मनिरपेक्ष गीत लिखे, बल्कि आध्यात्मिक (कुल मिलाकर लगभग छह हजार गीत) भी लिखे। हंस सैक्स एक नाटककार के रूप में प्रसिद्ध हुए ("पुनर्जागरण की नाटकीय कला" लेख देखें)।

पुनर्जागरण के संगीत वाद्ययंत्र। पुनर्जागरण के दौरान, संगीत वाद्ययंत्र की संरचना में काफी विस्तार हुआ, पहले से मौजूद तार और हवाओं में नई किस्मों को जोड़ा गया। उनमें से, एक विशेष स्थान पर उल्लंघनों का कब्जा है - झुके हुए तारों का एक परिवार, उनकी सुंदरता और ध्वनि की कुलीनता के साथ हड़ताली। रूप में, वे आधुनिक वायलिन परिवार (वायलिन, वायोला, सेलो) के उपकरणों से मिलते-जुलते हैं और यहां तक \u200b\u200bकि उनके पूर्ववर्तियों को भी माना जाता है (वे 18 वीं शताब्दी के मध्य तक संगीत अभ्यास में जुटे थे)। हालांकि, अंतर और महत्वपूर्ण, अभी भी है। हिंसा में तारों को गूंजने की एक प्रणाली है; एक नियम के रूप में, उनमें से कई मुख्य हैं (छह से सात)। प्रतिध्वनित तारों के कंपन से वायोला ध्वनि नरम, मखमली हो जाती है, लेकिन वाद्य यंत्र का ऑर्केस्ट्रा में उपयोग करना मुश्किल होता है, क्योंकि यह बड़ी संख्या में तारों के कारण जल्दी से धुन से बाहर हो जाता है।

लंबे समय तक, वायोला की आवाज़ को संगीत में परिष्कार का एक उदाहरण माना जाता था। वायोला परिवार में तीन मुख्य प्रकार हैं। वियोला दा गाम्बा एक बड़ा वाद्य यंत्र है जिसे कर्ता अपने पैरों से लंबवत रखा जाता है और अपने पैरों से दबाया जाता है (इतालवी शब्द गाम्बा का अर्थ है "घुटने")। दो अन्य किस्में - वियोला दा ब्राकियो (इतालवी ब्राकियो से - "प्रकोष्ठ") और उल्लंघन डी "एडिड (fr। वायोल डी" अमौर - "वाइला ऑफ लव") क्षैतिज रूप से उन्मुख थे, और जब खेला जाता है, तो उन्हें कंधे के खिलाफ दबाया जाता था। वायोला दा गंबा साउंड रेंज, वायोला दा ब्रेकियो के संदर्भ में वायलनचेलो के करीब है, और वायोल के लिए डी "क्यूपिड - वॉयल" का उल्लंघन करता है।

पुनर्जागरण के प्लक किए गए साधनों में, मुख्य स्थान पर ल्यूट (पोलिश लुटनिया, अरबी "अल्द" - "लकड़ी") का कब्जा है। यह 14 वीं शताब्दी के अंत में मध्य पूर्व से यूरोप में आया था, और 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में इस उपकरण के लिए एक विशाल प्रदर्शनों की सूची थी; सबसे पहले, लट्टू की संगत को गीत प्रस्तुत किए गए। लट्टू का शरीर छोटा होता है; ऊपरी भाग समतल है और निचला भाग गोलार्ध जैसा दिखता है। एक फ्रेटबोर्ड व्यापक गर्दन से जुड़ा हुआ है, और साधन का सिर लगभग सही कोण पर वापस मुड़ा हुआ है। यदि आप चाहें, तो आप एक कटोरे के आकार में एक कटोरे के समान देख सकते हैं। बारह तार जोड़े में बांटे जाते हैं, और ध्वनि दोनों उंगलियों के साथ और एक विशेष प्लेट के साथ उत्पन्न होती है - एक पिक।

XV-XVI सदियों में, विभिन्न प्रकार के कीबोर्ड उत्पन्न हुए। इस तरह के साधनों के मुख्य प्रकार - हार्पसीकोर्ड, क्लैविकॉर्ड, हार्पसीकोर्ड, हार्पसीकोर्ड, वर्जिनिन - का पुनर्जागरण के संगीत में सक्रिय रूप से उपयोग किया गया था, लेकिन उनके असली हेयडे बाद में आए।

19 वीं शताब्दी में, इतिहासकार जूल्स माइकलेट ने पहली बार पुनर्जागरण की अवधारणा का उपयोग किया। लेख में जिन संगीतकारों और संगीतकारों की चर्चा की गई है, वे उस अवधि के थे, जो 14 वीं शताब्दी में शुरू हुई थी, जब चर्च का मध्ययुगीन प्रभुत्व धर्मनिरपेक्ष संस्कृति द्वारा मानव व्यक्ति में अपनी रुचि के साथ बदल दिया गया था।

पुनर्जागरण संगीत

यूरोपीय देशों ने अलग-अलग समय में एक नए युग में प्रवेश किया है। कुछ समय पहले वे इटली में पैदा हुए थे, लेकिन डच स्कूल संगीत संस्कृति पर हावी था, जहां पहली बार कैथेड्रल्स में विशेष संगीतकारों (आश्रयों) को भविष्य के संगीतकारों को प्रशिक्षित करने के लिए बनाया गया था। उस समय की मुख्य शैलियों को तालिका में प्रस्तुत किया गया है:

नीदरलैंड में अधिकांश पुनर्जागरण गिलाउम डुफे, जैकब ओब्रेच, जोस्किन डेस्प्रेस हैं।

महान डचमैन

जोहान्स ओकगेम मेट्रिस ऑफ नोट्रे डेम (एंटवर्प) में शिक्षित हुए, और 15 वीं शताब्दी के 40 के दशक में वे ड्यूक चार्ल्स I (फ्रांस) के दरबार में एक गाना बजानेवालों के गायक बन गए। इसके बाद, उन्होंने शाही दरबार की अध्यक्षता की। एक पके हुए बुढ़ापे में रहने के बाद, उन्होंने सभी विधाओं में एक महान विरासत छोड़ दी, खुद को एक उत्कृष्ट पॉलीफोनिस्ट के रूप में स्थापित किया। उनके 13 जनसमूह की पांडुलिपियां चिगी कोडेक्स शीर्षक के तहत हमारे पास आई हैं, जिनमें से एक को 8 वोटों के लिए चित्रित किया गया है। उन्होंने न केवल अन्य लोगों का उपयोग किया, बल्कि अपनी धुन भी।

ऑरलैंडो लासो 1532 में आधुनिक बेल्जियम (मॉन्स) के क्षेत्र में पैदा हुआ था। उनकी संगीत प्रतिभा बचपन में ही प्रकट हो गई थी। एक महान संगीतकार बनाने के लिए लड़के को तीन बार घर से अपहरण कर लिया गया था। उन्होंने अपना पूरा वयस्क जीवन बवेरिया में बिताया, जहाँ उन्होंने ड्यूक अल्ब्रेक्ट वी के दरबार में एक टेनर के रूप में प्रदर्शन किया, और फिर चैपल का नेतृत्व किया। उनकी उच्च पेशेवर टीम ने म्यूनिख को यूरोप के संगीत केंद्र में बदलने में मदद की, जिसे पुनर्जागरण के कई प्रसिद्ध संगीतकारों द्वारा दौरा किया गया था।

जोहान एकार्ड, लियोनार्ड लेचनर और इतालवी डी। गैब्रियल जैसे प्रतिभाएं उनके साथ अध्ययन करने के लिए आईं। . उन्होंने 1594 में म्यूनिख चर्च के क्षेत्र में अपना अंतिम आश्रय पाया, एक भव्य विरासत छोड़कर: 750 से अधिक मोटिवेट, 60 द्रव्यमान और सैकड़ों गाने, जिनमें सबसे लोकप्रिय सुज़ैन अन पत्रिकाएं थीं। उनके इरादों ("सिबिल की भविष्यवाणियों") को उनके नवाचारों द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था, लेकिन उन्हें अपने धर्मनिरपेक्ष संगीत के लिए भी जाना जाता था, जिसमें बहुत अधिक हास्य (विलेनेला ओ बेला फुसा) था।

इतालवी स्कूल

इटली से पुनर्जागरण के उत्कृष्ट संगीतकार, पारंपरिक रुझानों के अलावा, सक्रिय रूप से विकसित वाद्य संगीत (अंग, झुके हुए स्ट्रिंग वाद्ययंत्र, क्लेवियर)। ल्यूट सबसे व्यापक साधन बन गया, और 15 वीं शताब्दी के अंत में हार्पसीकोर्ड दिखाई दिया - पियानो का अग्रदूत। लोक संगीत के तत्वों के आधार पर, दो सबसे प्रभावशाली कंपोजिंग स्कूल विकसित हुए: रोमन (जियोवन्नी पलेस्ट्रिना) और विनीशियन (एंड्रिया गैब्रियल)।

जियोवन्नी पियरलिगी नाम लिया Palestrina रोम के पास एक कस्बे के नाम से, जहाँ वह जन्म और मुख्य चर्च में गायन और आयोजक के रूप में सेवा करता था। उनके जन्म की तारीख बहुत अनुमानित है, लेकिन 1594 में उनकी मृत्यु हो गई। अपने लंबे जीवन के दौरान उन्होंने लगभग 100 द्रव्यमान और 200 गतियों को लिखा। उनके "मास पोप मार्सेलस" ने पोप पायस IV की प्रशंसा की और कैथोलिक पवित्र संगीत का एक उदाहरण बन गए। जिओवानी संगीत संगत के बिना मुखर गायन का सबसे प्रमुख प्रतिनिधि है।

एंड्रिया गैब्रियल साथ में उनके शिष्य और भतीजे जियोवानी ने सेंट मार्क (16 वीं शताब्दी) के चैपल में काम किया, जो अंग और अन्य उपकरणों की आवाज़ के साथ गायक की गायन "पेंटिंग" था। वेनिस के स्कूल ने धर्मनिरपेक्ष संगीत की ओर अधिक ध्यान केंद्रित किया, और जब एंड्रोस गेबेरेली द्वारा मंच पर सोफोकल्स ओडिपस का मंचन किया गया, तो कोरल संगीत लिखा गया, कोरल पॉलीफोनी का एक उदाहरण और ओपेरा के भविष्य का एक अग्रदूत।

जर्मन स्कूल की विशेषताएं

जर्मन मिट्टी उन्नत लुडविग सेनफ्लड16 वीं शताब्दी के सर्वश्रेष्ठ पॉलीफोनिस्ट, जो, फिर भी, डच स्वामी के स्तर तक नहीं पहुंचे। कवियों-गायकों में से कारीगरों (मेज़िस्टर्स) के गीत भी पुनर्जागरण का विशेष संगीत हैं। जर्मन संगीतकार गायन निगमों का प्रतिनिधित्व करते थे: टिनस्मिथ, शोमेकर्स, बुनकर। वे पूरे क्षेत्र में एकजुट हो गए। नूर्नबर्ग स्कूल ऑफ सिंगिंग के एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि थे हंस सच(जीवन के वर्ष: 1494-1576)।

एक दर्जी के परिवार में जन्मे, उन्होंने एक शोमेकर के रूप में अपने पूरे जीवन में काम किया, जो उन्मूलन और संगीत और साहित्यिक हितों के साथ हड़ताली था। उन्होंने महान सुधारक लूथर द्वारा व्याख्या की गई बाइबिल को पढ़ा, प्राचीन कवियों को जानते थे और बोकासियो की सराहना की थी। एक लोक संगीतकार के रूप में, सैक्स के पास पॉलीफोनी के रूप नहीं थे, लेकिन गीत गोदाम की धुनें बनाई गईं। वे नृत्य के करीब थे, याद रखना आसान था और एक निश्चित लय था। सबसे प्रसिद्ध टुकड़ा द सिल्वर ट्यून था।

पुनर्जागरण: फ्रांस के संगीतकार और संगीतकार

फ्रांस की संगीत संस्कृति ने वास्तव में केवल 16 वीं शताब्दी में एक पुनर्जागरण महसूस किया, जब देश में सामाजिक मिट्टी तैयार की गई थी।

सबसे अच्छे प्रतिनिधियों में से एक है क्लेमेंट जेननेक्विन... यह ज्ञात है कि वह चेटेलेरॉल्ट (15 वीं शताब्दी के अंत में) में पैदा हुआ था और एक लड़का-गायक से लेकर राजा के निजी संगीतकार तक गया था। अपनी रचनात्मक विरासत से, केवल एटन द्वारा प्रकाशित धर्मनिरपेक्ष गीत बच गए हैं। उनमें से 260 हैं, लेकिन समय की कसौटी पर खरे उतरने वालों ने वास्तविक प्रसिद्धि प्राप्त की है: "बर्डसॉन्ग", "हंट", "स्काईलार्क", "वार", "स्क्रीम ऑफ पेरिस"। वे लगातार पुनर्मुद्रित किए गए थे और संशोधन के लिए अन्य लेखकों द्वारा उपयोग किए गए थे।

उनके गीत पॉलीफोनिक और समान वर्ण वाले दृश्य थे, जहां, ओनोमेटोपोइया और बंद आवाज के अलावा, ऐसे एक्सक्लेमेशन थे जो काम की गतिशीलता के लिए जिम्मेदार थे। यह कल्पना के नए तरीके खोजने का एक साहसिक प्रयास था।

फ्रांस के प्रसिद्ध रचनाकारों में गिलयूम कॉलेट, जैक्स मौदू, जीन बैफ, क्लाउड लेजेने, क्लाउड गुडीमेल शामिल हैं , संगीत को एक सामंजस्यपूर्ण संरचना प्रदान की जिसने आम जनता द्वारा संगीत को आत्मसात करने में योगदान दिया।

पुनर्जागरण संगीतकार: इंग्लैंड

इंग्लैंड में 15 वीं शताब्दी कामों से प्रभावित थी जॉन डबस्टेल, और XVI - विलियम बर्ड... दोनों स्वामी पवित्र संगीत की ओर प्रवृत्त हुए। पक्षी लिंकन कैथेड्रल में आयोजक के रूप में शुरू हुआ और लंदन के रॉयल चैपल में अपने करियर का अंत किया। पहली बार, वह संगीत और उद्यमिता को जोड़ने में कामयाब रहे। 1575 में, टालिस के सहयोग से, संगीतकार संगीत कार्यों के प्रकाशन में एकाधिकार बन गया, जिससे उसे लाभ नहीं हुआ। लेकिन अदालतों में उनके संपत्ति के अधिकारों की रक्षा करने में बहुत समय लगा। चैपल के आधिकारिक दस्तावेजों में उनकी मृत्यु (1623) के बाद, उन्हें "संगीत का संस्थापक" कहा जाता था।

पुनर्जागरण ने क्या पीछे छोड़ दिया? बर्ड, प्रकाशित संग्रहों (कैंटोनीस सैक्रे, ग्रैडुआलिया) के अलावा, कई पांडुलिपियों को संरक्षित किया, उन्हें केवल घरेलू पूजा के लिए उपयुक्त माना। बाद में प्रकाशित मैड्रिगल्स (Musica Transalpina) ने इतालवी लेखकों के महान प्रभाव को दिखाया, लेकिन पवित्र संगीत के स्वर्ण निधि में कई द्रव्यमान और मोटिव शामिल किए गए थे।

स्पेन: क्रिस्टोबाल डी मोरालेस

स्पैनिश स्कूल ऑफ म्यूज़िक के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधि वेटिकन से गुज़रे, जो पापल चैपल में बोल रहा था। उन्होंने डच और इतालवी लेखकों के प्रभाव को महसूस किया, इसलिए कुछ ही अपने देश के बाहर प्रसिद्ध होने में कामयाब रहे। स्पेन के पुनर्जागरण संगीतकार पॉलीफॉनिस्ट थे जो काम करते थे। सबसे प्रमुख प्रतिनिधि है क्रिस्टोबाल डी मोरालेस (XVI सदी), जिन्होंने टोलेडो में मेट्रिसा का नेतृत्व किया और एक से अधिक छात्रों को तैयार किया। जोस्किन डेस्प्रेस के एक अनुयायी, क्रिस्टोबाल ने होमोफोनिक नामक कई रचनाओं के लिए एक विशेष तकनीक पेश की।

सबसे प्रसिद्ध लेखक की दो आवश्यकताएं हैं (पांच आवाजों के लिए अंतिम), साथ ही सशस्त्र मैन मास भी। उन्होंने धर्मनिरपेक्ष कार्यों (1538 में एक शांति संधि के समापन के सम्मान में एक कैंट्टा) भी लिखा था, लेकिन यह उनके पहले के कार्यों पर लागू होता है। अपने जीवन के अंत में, मलागा में चैपल का नेतृत्व करते हुए, वह पवित्र संगीत के लेखक बने रहे।

एक निष्कर्ष के बजाय

पुनर्जागरण संगीतकारों और उनके कार्यों ने 17 वीं शताब्दी के वाद्य संगीत और एक नई शैली - ओपेरा के उद्भव की तैयारी की, जहां कई स्वरों की पेचीदगियों को मुख्य राग के प्रमुखता से बदल दिया जाता है। उन्होंने संगीत संस्कृति के विकास में एक वास्तविक सफलता हासिल की और आधुनिक कला की नींव रखी।

सारांश: नवजागरण का संगीत

शिक्षा के लिए संघीय एजेंसी

GOU VPO "मारी स्टेट यूनिवर्सिटी"

प्राथमिक कक्षाओं के संकाय

विशेषांक: 050708

"शिक्षाशास्त्र और प्राथमिक शिक्षा के तरीके"

विभाग: "प्राथमिक शिक्षा का शिक्षण"

परीक्षा

"पुनर्जागरण का संगीत"

योशकर-ओला 2010

पुनर्जागरण (पुनर्जागरण) का युग सभी प्रकार की कलाओं की प्राचीनता और प्राचीन परंपराओं और रूपों के लिए उनके आंकड़ों की अपील है।

पुनर्जागरण की विभिन्न यूरोपीय देशों में असमान ऐतिहासिक और कालानुक्रमिक सीमाएँ हैं। इटली में यह 14 वीं शताब्दी में शुरू होता है, नीदरलैंड में यह 15 वीं शताब्दी में शुरू होता है, और फ्रांस, जर्मनी और इंग्लैंड में इसके संकेत 16 वीं शताब्दी में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट होते हैं। इसी समय, विभिन्न रचनात्मक स्कूलों के बीच संबंधों का विकास, संगीतकारों के बीच अनुभव का आदान-प्रदान जो एक देश से दूसरे देश में चले गए, जिन्होंने अलग-अलग चैपल में काम किया, वह समय का संकेत बन जाता है और हमें संपूर्ण युग के रुझानों के बारे में बात करने की अनुमति देता है।

पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति विज्ञान पर आधारित एक व्यक्तिगत सिद्धांत है। 15 वीं - 16 वीं शताब्दियों के पॉलीफोनिस्टों के असामान्य रूप से जटिल कौशल, उनकी गुणात्मक तकनीक हर रोज़ नृत्य की उज्ज्वल कला, धर्मनिरपेक्ष शैलियों के परिष्कार के साथ मिलकर हुई। गीत और नाटक तेजी से अपने कामों में व्यक्त किए जाते हैं।

इसलिए, जैसा कि हम देख सकते हैं, संगीत कला के विकास के इतिहास में पुनर्जागरण काल \u200b\u200bएक कठिन अवधि है, इसलिए व्यक्तियों पर ध्यान देते हुए इसे और अधिक विस्तार से विचार करना उचित लगता है।

संगीत एकमात्र विश्व भाषा है, इसका अनुवाद करने की आवश्यकता नहीं है, आत्मा इसमें आत्मा के साथ बोलती है।

एवरबैक बर्थोल्ड।

पुनर्जागरण संगीत, या पुनर्जागरण संगीत, लगभग 1400 और 1600 के बीच यूरोपीय संगीत के विकास की अवधि को संदर्भित करता है। इटली में, XIV सदी में संगीत की कला के लिए एक नए युग की शुरुआत हुई। डच स्कूल ने आकार लिया और 15 वीं में अपनी पहली चोटियों तक पहुंच गया, जिसके बाद इसका विकास लगातार बढ़ता गया, और एक तरह से या दूसरे में प्रभाव ने अन्य राष्ट्रीय स्कूलों के मास्टर्स पर कब्जा कर लिया। पुनर्जागरण के संकेत 16 वीं शताब्दी में फ्रांस में स्पष्ट रूप से प्रकट हुए थे, हालांकि उनकी रचनात्मक उपलब्धियां पिछली शताब्दियों में भी महान और निर्विवाद थीं।

जर्मनी, इंग्लैंड और कुछ अन्य देशों में पुनर्जागरण की कक्षा के भीतर कला का उदय 16 वीं शताब्दी में हुआ। और फिर भी, समय के साथ, नया रचनात्मक आंदोलन संपूर्ण रूप से पश्चिमी यूरोप के लिए निर्णायक बन गया और पूर्वी यूरोप के देशों में अपने तरीके से जवाब दिया।

पुनर्जागरण का संगीत पूरी तरह से किसी न किसी और कठोर ध्वनियों से अलग हो गया। सद्भाव के नियमों ने इसके मुख्य सार का गठन किया।

अग्रणी स्थिति अभी भी आयोजित की गई थी आध्यात्मिक संगीत , जो एक चर्च सेवा के दौरान लगता है। पुनर्जागरण के दौरान, उन्होंने मध्ययुगीन संगीत के मुख्य विषयों को बरकरार रखा: भगवान की प्रशंसा और दुनिया के निर्माता, धार्मिक भावना की पवित्रता और पवित्रता। इस तरह के संगीत का मुख्य उद्देश्य, जैसा कि इसके सिद्धांतकारों में से एक ने कहा है, "भगवान को प्रसन्न करना।"

मास, मोटिव, भजन और भजन संगीत की संस्कृति के आधार थे।

द्रव्यमान संगीत का एक टुकड़ा है जो लैटिन संस्कार के कैथोलिक लिटिर के कुछ हिस्सों का एक संग्रह है, जिनमें से ग्रंथों को संगीत वाद्ययंत्र के साथ या बिना संगीत वाद्ययंत्र के, रोमन कैथोलिक चर्च में संगीत सेवाओं की संगीतमय संगत और उच्च प्रोटेस्टेंट चर्चों के लिए सेट किया गया है, उदाहरण के लिए। स्वीडन के चर्च में।

बड़े पैमाने पर, जो संगीत के मूल्य के होते हैं, संगीत समारोहों में पूजा के बाहर भी किए जाते हैं; इसके अलावा, बाद के समय के कई लोगों को विशेष रूप से या तो एक कॉन्सर्ट हॉल में प्रदर्शन के लिए या किसी प्रकार के उत्सव के अवसर पर बनाया गया था।

चर्च का द्रव्यमान, जो ग्रेगोरियन जप की पारंपरिक धुनों पर वापस जाता है, ने सबसे स्पष्ट रूप से संगीत संस्कृति का सार व्यक्त किया। मध्य युग में, द्रव्यमान में पांच भाग शामिल थे, लेकिन अब यह अधिक राजसी और बड़े पैमाने पर बन गया है। दुनिया अब इंसान को इतनी छोटी और दिखाई नहीं देती थी। अपनी सांसारिक खुशियों के साथ साधारण जीवन को पापपूर्ण माना जाना बंद हो गया है।

मोटेट (fr)। motet से चुटकुला - शब्द) एक पॉलीफोनिक मुखर कार्य है, जो पश्चिमी यूरोपीय मध्य युग और पुनर्जागरण के संगीत में केंद्रीय शैलियों में से एक है।

हाइमन (प्राचीन ग्रीक νμνοn) एक गंभीर गीत है जो किसी व्यक्ति या किसी चीज़ (मूल रूप से एक देवता) की प्रशंसा और महिमा करता है।

भजन (ग्रीक λαλμός "प्रशंसा का गीत"), आर.पी. भजन, pl। भजन (ग्रीक λαλμοms) - यहूदी के भजन (हिब्रू תהילי religious) और ईसाई धार्मिक कविता और प्रार्थना (पुराने नियम से)।

वे पुराने नियम की 19 वीं पुस्तक Psalter को बनाते हैं। स्तोत्रों के लेखन का श्रेय पारंपरिक रूप से किंग डेविड (लगभग 1000 ईसा पूर्व) और कई अन्य लेखकों को दिया जाता है, जिनमें अब्राहम, मूसा और अन्य महान हस्तियां शामिल हैं।

कुल मिलाकर, भजन में 150 भजन शामिल हैं, जो प्रार्थनाओं, प्रार्थनाओं, गीतों और शिक्षाओं में उपविभाजित हैं।

भजन ने लोकगीतों पर बहुत अधिक प्रभाव डाला है और कई कहावतों के स्रोत के रूप में सेवा की है। यहूदी धर्म में, भजन को संगत के साथ भजन के रूप में किया जाता था। प्रत्येक भजन के लिए, एक नियम के रूप में, प्रदर्शन की विधि और "मॉडल" (ग्रेगोरियन जप जिसे इंटोनेशन कहा जाता है), अर्थात्, इसी मेलोडी को इंगित किया गया था। Psalter ने ईसाई धर्म में एक महत्वपूर्ण स्थान लिया है। Psalms दिव्य सेवाओं, घर की प्रार्थनाओं, लड़ाई से पहले और जब गठन में आगे बढ़ने के दौरान किए गए थे। वे मूल रूप से पूरे समुदाय द्वारा चर्च में गाए गए थे। स्तोत्रों को कप्पेला किया जाता था, केवल घर पर ही उपकरणों की अनुमति थी। प्रदर्शन का प्रकार पुनरावर्ती-भजन था। पूरे स्तोत्रों के अलावा, कुछ सबसे अभिव्यंजक छंदों का भी उपयोग किया गया था। इस आधार पर, स्वतंत्र मंत्र उठे - एंटीपोन, क्रमिक, ट्रैक्ट और हलेलुजाह।

धीरे-धीरे, धर्मनिरपेक्ष रुझान चर्च के रचनाकारों के कार्यों में घुसना शुरू कर देते हैं। लोक गीतों के विषय जो सामग्री में बिल्कुल भी धार्मिक नहीं हैं, उन्हें चर्च के मंत्रों के पॉलीफोनिक कपड़े में साहसपूर्वक पेश किया जाता है। लेकिन अब यह युग की सामान्य भावना और मनोदशा के विपरीत नहीं था। इसके विपरीत, संगीत में दिव्य और मानव को एक अद्भुत तरीके से जोड़ा गया था।

15 वीं शताब्दी में पवित्र संगीत अपने उच्चतम फूलों तक पहुंच गया। नीदरलैंड में। यहां, संगीत कला के अन्य रूपों की तुलना में अधिक प्रतिष्ठित था। डच और फ्लेमिश संगीतकार पहले नए नियम विकसित करने वाले थे पॉलीफोनिक (पॉलीफोनिक) प्रदर्शन - क्लासिक " सख्त शैली "। डच स्वामी की सबसे महत्वपूर्ण रचना तकनीक थी नकली - विभिन्न स्वरों में एक ही राग की पुनरावृत्ति। प्रमुख आवाज़ टेनर थी, जिसे मुख्य दोहराव राग - कैंटस फ़र्मस ("निरंतर राग)" सौंपा गया था। टेनर के नीचे बास था, और ऊपर ऑल्टो था। सबसे ऊंचा, यानी, सभी के ऊपर, आवाज को नाम दिया गया सोप्रानो।

गणितीय गणनाओं की मदद से, डच और फ्लेमिश संगीतकार संगीत अंतराल के संयोजन के सूत्र की गणना करने में सफल रहे। लेखन का मुख्य लक्ष्य एक सामंजस्यपूर्ण, सममित और भव्य बनाना है, आंतरिक रूप से पूर्ण ध्वनि संरचना। गणितीय गणना के आधार पर, इस स्कूल के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक, जोहान्स ओकेग्म (सी। 1425-1497) ने 36 आवाज़ों के साथ एक मोटिवेट किया!

डच स्कूल की सभी शैलियों की विशेषता ओकेगेम के कार्यों में दर्शायी गई है: द्रव्यमान, मोटेट और चान्सन। उनके लिए सबसे महत्वपूर्ण शैली द्रव्यमान है, उन्होंने खुद को एक उत्कृष्ट पॉलीफोनिस्ट के रूप में साबित किया। ओकेगैम का संगीत बहुत गतिशील है, मधुर रेखा एक विस्तृत श्रृंखला में चलती है, एक व्यापक आयाम है। एक ही समय में, ओकेग्म को चिकनी गूढ़ता, शुद्ध डायटॉनिकवाद और प्राचीन मोडल सोच की विशेषता है। इसलिए, ओकेगैम के संगीत को अक्सर "अनन्तता के लिए निर्देशित", कुछ हद तक अलग वातावरण में "बढ़ते" के रूप में चित्रित किया जाता है। यह पाठ से कम जुड़ा हुआ है, मंत्रों में समृद्ध है, कामचलाऊ, अभिव्यंजक है।

ओकेगम द्वारा बहुत कम काम बचे हैं:

लगभग 14 द्रव्यमान (कुल 11):

· रिडीम मिस्सा प्रो डिफंक्टिस (विश्व संगीत साहित्य के इतिहास में पहला पॉलीफोनिक अपेक्षित);

9-13 (विभिन्न स्रोतों के अनुसार) मोटेट्स:

20 से अधिक चान्सन

कई काम हैं, जिनमें से संबंधित ओकेग्म पर सवाल उठाया जाता है, उनमें से 36 आवाज़ों के लिए प्रसिद्ध मोटिव "देओ ग्रैटीस" है। शैली में समानता के आधार पर कुछ गुमनाम चांसन को ओकेगेम के लिए जिम्मेदार ठहराया जाता है।

15 वीं शताब्दी की पांडुलिपि में ओकीगेम के तेरह द्रव्यमान को चिगी कोडेक्स के रूप में संरक्षित किया गया है।

द्रव्यमान में, चार-भाग वाले पूर्ववर्ती होते हैं, दो-पांच भाग होते हैं और एक आठ-भाग होते हैं। ओकेगेम लोक ("ल्होमे आर्मे"), अपने स्वयं के ("मा मैस्ट्रेसी") अन्य लेखकों की धुनों या धुनों का उपयोग करता है (उदाहरण के लिए, "डी प्लस एन प्लस" में बेंसुआ) जनता के विषयों के रूप में। उधार विषयों ("क्विंटी टोनि", "साइन नॉमिन", "कुजुविस टोनी") के बिना जन हैं।

मोटेट्स और चैंसन

ओकेगम के मोटेट्स और चैंसन सीधे उनके द्रव्यमान से सटे हुए हैं और मुख्य रूप से उनके पैमाने से भिन्न हैं। प्रेरणाओं में से एक है, उत्सव की रचनाएँ, साथ ही साथ आध्यात्मिक आध्यात्मिक रचनाएँ।

सबसे प्रसिद्ध चार-भाग की रचनाओं के लिए लिखा गया और "36-भाग माना जाता है" के लिए उत्सव धन्यवाद मोटिवेटिंग "देओ ग्रैटियस" है। वास्तव में, इसमें चार नौ-भाग वाले कैनन (चार अलग-अलग विषयों पर) होते हैं, जो पिछले एक के समापन पर अगले एक की शुरुआत के मामूली ओवरलैप के साथ, एक के बाद एक का पालन करते हैं। 18 आवाज़ों के ओवरलैपिंग के स्थानों में, मोटिव में कोई वास्तविक 36 आवाज़ें नहीं हैं।

समान रुचि डच संगीतकार ऑरलैंडो लासो (सी। 1532-1594) का काम है, जिन्होंने एक पंथ और धर्मनिरपेक्ष प्रकृति के दो हजार से अधिक कार्यों का निर्माण किया।

लास्सो अपने समय का सबसे विपुल संगीतकार है; उनकी विरासत की भारी मात्रा के कारण, उनके कार्यों के कलात्मक महत्व (जिनमें से कई कमीशन किए गए थे) को अभी तक पूरी तरह से सराहना नहीं मिली है।

उन्होंने विशेष रूप से मुखर शैलियों में काम किया, जिसमें 60 से अधिक द्रव्यमान, आवश्यकताएं, 4 चक्रों (सभी इंजीलवादियों के लिए), पवित्र सप्ताह के कार्यालय (मैन्डी गुरुवार को मैटिन्स के उत्तरदायित्व, गुड फ्राइडे और पवित्र शनिवार विशेष रूप से महत्वपूर्ण हैं), 100 से अधिक परिमाण, भजन, फोबुरडॉन शामिल हैं। लगभग 150 फ़्रैंक। चान्सन (उनकी चान्सन "सुसेन अन पत्रिकाएं", सुज़ाना की बाइबिल की कहानी का एक प्रसंग, 16 वीं शताब्दी में सबसे लोकप्रिय नाटकों में से एक था), इतालवी (खलनायिका, मोरस्की, कैनज़ोन) और जर्मन गाने (140 से अधिक लिडर), लगभग 250 पागल।

लासो को विभिन्न भाषाओं में ग्रंथों के सबसे विस्तृत विस्तार से प्रतिष्ठित किया जाता है, दोनों ही (धर्मग्रंथों के ग्रंथों सहित) और स्वतंत्र रूप से रचित। अवधारणा की गंभीरता और नाटक, विस्तारित मात्राएं सेंट पीटर की रचना आँसू को भेदती हैं (1595 में प्रकाशित लुइगी ट्रान्ज़िल्लो द्वारा छंद पर 7-स्वर आध्यात्मिक पागलखानों का एक चक्र) और डेविड की प्रायद्वीपीय स्तोत्र (1571 पांडुलिपि फ़ॉइओ प्रारूप में जी के चित्र के साथ सजाया गया है। मिलिच, बवेरियन कोर्ट के संगीत मनोरंजन सहित जीवन के बारे में मूल्यवान आइकोनोग्राफिक सामग्री प्रदान करता है)।

उसी समय, धर्मनिरपेक्ष संगीत में, लासो हास्य से अलग नहीं थे। उदाहरण के लिए, चान्सन में "तीन व्यक्तियों में पीने को दावतों में वितरित किया जाता है" (फर्टिव इन सिन्विस विनुस, वीना, विनुम), योनि के जीवन का एक पुराना किस्सा है; प्रसिद्ध गीत "मैटोना मिया कारा" में एक जर्मन सैनिक एक प्रेम-गीत गाता है, जो इतालवी शब्दों को विकृत करता है; भजन में "यूट क्वीन लैक्सिस" अनलकी सॉलिटिंग का अनुकरण किया जाता है। लस्सो के कई उज्ज्वल लघु नाटकों को बहुत ही छंदपूर्ण छंदों में लिखा गया है, उदाहरण के लिए, एक गीत "एक महिला ने एक संगमरमर की मूर्ति पर महल / प्रकृति में रुचि के साथ देखा" (एन चास्टो मा डेम ...), और कुछ गानों (विशेष रूप से मोरस्की) में अश्लील शब्दावली शामिल है।

सेक्युलर संगीत पुनर्जागरण का प्रतिनिधित्व विभिन्न शैलियों द्वारा किया गया था: मैड्रिगल्स, गाने, कैनोज़ोन। संगीत, "चर्च का सेवक" बनना बंद कर दिया, अब लैटिन में नहीं, बल्कि अपनी मूल भाषा में आवाज़ करना शुरू कर दिया। धर्मनिरपेक्ष संगीत की सबसे लोकप्रिय शैली मैड्रिगल (मूल भाषा में इटालियन मैड्रिगल - गीत) बन गई - प्रेम सामग्री के गीत की कविता के पाठ पर लिखी गई पॉलीफोनिक कोरल रचनाएँ। सबसे अधिक बार, इस उद्देश्य के लिए, प्रसिद्ध स्वामी की कविताओं का उपयोग किया गया था: डांटे, फ्रांसेस्को पेटरका और टॉर्काटो टैसो। Madrigals पेशेवर गायकों द्वारा नहीं, बल्कि शौकीनों की एक पूरी टुकड़ी द्वारा किया जाता था, जहां प्रत्येक भाग का नेतृत्व एक गायक द्वारा किया जाता था। मैड्रीगल का मुख्य मूड उदासी, लालसा और उदासी है, लेकिन खुशी, जीवंत रचनाएं भी थीं।

संगीत संस्कृति के एक साथी शोधकर्ता डी.के. किरनसरकाया नोट:

"मैड्रिगल ने पुनर्जागरण के पूरे संगीत तंत्र को उल्टा कर दिया: मास की समरसता और मधुर मधुरता का पतन हो गया ... अविभाज्य केंटस फर्मस, संगीतमय की नींव पूरी तरह से गायब हो गई ..." लेखन के सामान्य तरीके "विकसित करने के सामान्य तरीके ... ने एपिसोड के भावनात्मक और मधुर विरोधाभासों को रास्ता दिया, जिनमें से प्रत्येक। अधिकतम स्पष्ट रूप से पाठ में निहित काव्यात्मक विचार को व्यक्त करने की कोशिश की। मद्रिगल ने आखिरकार "सख्त शैली" की कमजोर शक्तियों को कम कर दिया।

संगीत वाद्ययंत्र के साथ गीत धर्मनिरपेक्ष संगीत की कोई कम लोकप्रिय शैली नहीं थी। चर्च में खेले गए संगीत के विपरीत, गाने प्रदर्शन के लिए काफी सरल थे। उनका गाया हुआ पाठ स्पष्ट रूप से 4-6 पंक्तियों के छंदों में विभाजित था। गीतों में, जैसे कि मद्रगलों में, पाठ ने बहुत महत्व प्राप्त किया। जब प्रदर्शन किया जाता है, तो पॉलीफोनिक गायन में काव्य पंक्तियों को खोना नहीं चाहिए। फ्रांसीसी संगीतकार क्लेमेंट जीननेक्विन (लगभग 1485-1558) के गीत विशेष रूप से प्रसिद्ध थे। क्लेमेंट जीननेकिन ने पियरे रोंसार्ड, क्लेमेंट मारोट, एम। डे सेंट-जेली, अनाम कवियों द्वारा छंद पर, ज्यादातर 4 आवाज़ों के लिए, लगभग 250 चैंसन लिखे। एक और 40 चांसन के लिए, आधुनिक विज्ञान, जेनसपिन के लेखकत्व को विवादित करता है (जो कि, हालांकि, इस विवादित संगीत की गुणवत्ता को कम नहीं करता है)। उनके धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक संगीत की मुख्य विशिष्ट विशेषता प्रोग्रामेटिक और विज़ुअल है। श्रोता के दिमाग की आंखों में लड़ाई की तस्वीरें हैं ("मारिग्नानो की लड़ाई", "रेंटी की लड़ाई", "मेट्ज़ की लड़ाई"), शिकार के दृश्य ("पक्षियों का गायन", "सिंगिंग ऑफ द नाइटिंगेल", "स्काईलार्क"), रोज़ के दृश्य ("महिलाएं" बकबक ”)। Janequin ने पेरिस में रोज़मर्रा के जीवन के वातावरण को "चीक्स ऑफ़ पेरिस" के रूप में सुनाया, जहाँ आप सड़क विक्रेताओं ("दूध!" - "पाईज़!" - "आर्टिचोक्स!" - "फिश!" - "माचिस!" - "कबूतर!") को सुन सकते हैं। "पुराने जूते!" \u200b\u200b- "शराब!")। बनावट और लय में सभी सरलता के साथ, सद्भाव और प्रतिरूप के क्षेत्र में जैनेसिन का संगीत बहुत पारंपरिक है।

पुनर्जागरण की शुरुआत पेशेवर संगीतकार रचनात्मकता ... फिलिस्तीन (1525-1594) निस्संदेह इस नई प्रवृत्ति का एक प्रमुख प्रतिनिधि है। उनकी विरासत में पवित्र और धर्मनिरपेक्ष संगीत के कई कार्य शामिल हैं: 93 जनता, 326 भजन और मोटिव। वह पेट्रार्क के शब्दों के दो खंडों वाले धर्मनिरपेक्ष पागलों के लेखक हैं। लंबे समय तक उन्होंने रोम में सेंट पीटर बेसिलिका में एक गाना बजानेवालों के निर्देशक के रूप में काम किया। उनके द्वारा बनाया गया चर्च संगीत पवित्रता और भावनाओं की उच्चता से प्रतिष्ठित है। संगीतकार का धर्मनिरपेक्ष संगीत असाधारण आध्यात्मिकता और सद्भाव के साथ है।

पुनर्जागरण के लिए हम गठन का एहसानमंद हैं वाद्य संगीत एक स्वतंत्र कला के रूप में। इस समय, कई वाद्य टुकड़े, विविधताएं, प्रस्तावना, कल्पनाएं, रोंडो, टोकाटा दिखाई दिए। वाद्ययंत्रों के बीच, अंग, हार्पसीकोर्ड, वायोला, विभिन्न प्रकार की बांसुरी विशेष रूप से लोकप्रिय हैं, और 16 वीं शताब्दी के अंत में। - वायोलिन।

पुनर्जागरण काल \u200b\u200bनई संगीत शैलियों के उद्भव के साथ समाप्त होता है: एकल गीत, ओटोरियो और ओपेरा। यदि पहले मंदिर संगीत संस्कृति का केंद्र था, तो उसी समय से ओपेरा हाउस में संगीत बजने लगा। और ऐसा ही हुआ।

16 वीं शताब्दी के अंत में इतालवी शहर फ्लोरेंस में। प्रतिभाशाली कवि, अभिनेता, वैज्ञानिक और संगीतकार इकट्ठा होने लगे। उनमें से किसी ने भी तब किसी खोज के बारे में नहीं सोचा था। और फिर भी यह वे थे जो नाटकीय और संगीत कला में एक वास्तविक क्रांति करने के लिए किस्मत में थे। प्राचीन ग्रीक नाटककारों के कार्यों के प्रदर्शन को फिर से शुरू करते हुए, उन्होंने प्राचीन नाटक की प्रकृति के अनुरूप, अपने स्वयं के संगीत की रचना करना शुरू किया।

सदस्य camerata (जैसा कि इस समाज को कहा जाता था) पौराणिक पात्रों के मोनोलॉग और संवादों की संगीतमय संगत पर ध्यान से सोचा गया। अभिनेताओं को बोलने वाले भागों का प्रदर्शन करना आवश्यक था भाषण (पाठ, जप भाषण)। और यद्यपि यह शब्द संगीत के संबंध में अग्रणी भूमिका निभाता रहा, लेकिन पहला कदम उनके अभिसरण और सामंजस्यपूर्ण संलयन की ओर था। इस तरह के प्रदर्शन ने एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की संपत्ति, उसके व्यक्तिगत अनुभवों और भावनाओं को अधिक हद तक व्यक्त करना संभव बना दिया। ऐसे मुखर भागों के आधार पर, एरियस - एक ओपेरा सहित एक संगीत प्रदर्शन में एपिसोड पूरा किया।

ओपेरा हाउस ने जल्दी से प्यार जीता और न केवल इटली में, बल्कि अन्य यूरोपीय देशों में भी लोकप्रिय हो गया।

प्रयुक्त साहित्य की सूची

1) एक युवा संगीतकार / COMP के विश्वकोश शब्दकोश। वी.वी. मेदुशेवस्की, ओ.ओ. Ochakovskaya। - एम ।: पेडागोजी, 1985।

2) विश्व कला संस्कृति। शुरुआत से XVII सदी तक: पाठ्यपुस्तक। 10 सीएल के लिए। सामान्य शिक्षा। मानवीय प्रोफ़ाइल के संस्थान / जी.आई. दानिलोव। - दूसरा संस्करण। स्टीरियोटाइप। - एम ।: बस्टर्ड, 2005।

3) पुनर्जागरण संगीत के संग्रह से सामग्री: http://manfredina.ru/