19.2. "रजत युग" की चित्रकला और संगीत

19.2.1 चित्रकारी: "कला की दुनिया" से अवंत-गार्डे तक। "कला की दुनिया" के कलाकारों को वांडरर्स की अकादमिकता और प्रवृत्ति से घृणा हुई और उन्होंने चित्रकला में नवाचारों की वकालत की। उनमें से अधिकांश वंशानुगत कलात्मक परिवारों से थे और अपने मिशन को समाज में उच्च संस्कृति का प्रसार करना, कलात्मक परंपराओं और कलात्मक स्वाद को संरक्षित करना मानते थे। "कला की दुनिया," पी.एन. मिल्युकोव ने लिखा, "...आरोप लगाने की प्रवृत्तियों और सामान्य तौर पर कला में नागरिक विचारों और पिछली पीढ़ी पर हावी यथार्थवादी और सकारात्मक विश्वदृष्टिकोण से भी कम तीव्रता से प्रेरित नहीं है।" "वर्ल्ड ऑफ़ आर्ट" समूह का नेतृत्व कलाकार ए.एन. बेनोइस ने किया था, जो इसके विचारक और सिद्धांतकार थे। 1902 में अपने "कला का इतिहास" में उन्होंने लिखा: "सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को में आयोजित विदेशी कलाकारों की लगातार प्रदर्शनियाँ, विदेशी यात्रा की सामान्य उपलब्धता, कला के बारे में सचित्र प्रकाशनों की व्यापकता"यह सब हमें पश्चिम के करीब लाया।" इन सभी ने योगदान दिया, बेनोइस ने इस तथ्य को जारी रखा कि पेंटिंग की आवश्यकताएं बेहद बढ़ गई हैं और सामने आई हैं हमारी चित्रकला का कलात्मक स्तर निम्न था। लक्ष्य तैयार किया गया- विशुद्ध सुरम्य पक्ष को ऊपर उठाएं कलात्मकसामग्री पर काम करता है. साथ ही, संगीत में भी ऐसी ही मांगें उठती हैं - विशुद्ध ध्वनि पक्ष को "कार्यक्रम" से ऊपर उठाना। अम्मा" संगीतमय कार्य। लेकिन वांडरर्स की आलोचना उनके स्वरूप की आलोचना तक ही सीमित नहीं थी; उनके विश्वदृष्टिकोण और उनके यथार्थवाद की तीखी आलोचना की गई थी। नये स्कूल का कार्य यथार्थवाद की अस्वीकृति, उस समय के विषय की अस्वीकृति था।

इस समूह के कलाकारों (बेनोइस, लांसरे, सोमोव) ने सेंट पीटर्सबर्ग कला के अतीत के अध्ययन पर ध्यान केंद्रित किया और वहां से 18वीं शताब्दी की फ्रांसीसी कला के अध्ययन की ओर बढ़ गए।

दूसरे समाज के कलाकारों ने रूसी कला की उत्पत्ति की ओर रुख किया- "रूसी कलाकारों का संघ" (1903 - 1923), जिसमें के. एफ। युओन (1875-1958), एफ. ए । माल्याविन (1869-1940), एस. में । माल्युटिन (1859 - 1937), ए. इ। आर्किपोव (1862 - 1930) और अन्य। उन्हें मूल प्रकृति और रूसी लोक जीवन की मूल विशेषताओं, सजावटी सुरम्यता और खुली हवा के प्रति आकर्षण में रुचि की विशेषता है।

एन.के. रोएरिच अपने रास्ते चले गए (1874– 1947). अपने उदाहरण का उपयोग करते हुए पी .एन. मिल्युकोव रजत युग के कई रूसी कलाकारों के सर्वदेशीयवाद की व्याख्या करते हैं। "पेशे से एक पुरातत्ववेत्ता,- मिलिउकोव रोएरिच के बारे में लिखते हैं, - उन्होंने वर्तमान को इतिहास में नहीं, बल्कि एक प्रागैतिहासिक किंवदंती में छोड़ दिया। यहां, उन्होंने एक रंगकर्मी के रूप में अपनी प्रतिभा को पूरे दायरे में तैनात किया। पूर्व पेंट के लिए लाइन की उपेक्षा, पूरी सतह को बिना शेड के पेंट से ढक देना"प्रभाववाद की इन तकनीकों को रोएरिच की पेंटिंग में व्यापक अनुप्रयोग मिला।" मिलिउकोव इस बात पर जोर देते हैं कि समय के साथ, रहस्य का तत्व रोएरिच की प्रमुख विशेषता बन गया। ओ शैलीकरण, जो कुछ सज्जाकारों के बीच आगे बढ़ा, रोएरिच के लिए मौलिक कानून बन गया।

रजत युग की पेंटिंग बहु-शैली वाली थी, लेकिन प्रभाववाद ने इसमें एक महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा कर लिया। प्रभाववादियों के प्रभाव में, के.ए. कोरोविन ने अपनी पेंटिंग्स (1861) लिखीं- 1939) - भावनात्मक परिदृश्य ("इन विंटर"), शैली पेंटिंग ("एट द बालकनी") और रंगीन नाटकीय दृश्य। पोस्ट-प्रभाववादियोंवी को प्रभावित किया इ। बोरिसोवा - मुसाटोवा (1870 - 1905), एक मूल कलाकार ("तालाब"), एक नव-रोमांटिकवादी, जिनकी पेंटिंग्स उनके पसंदीदा शोक परिदृश्य को दर्शाती हैं- एक पार्क, शांत, रहस्यमय महिलाएं, मानो अतीत की छाया - आसानी से पहचानी जा सकती हैं।

सदी के अंत में एक व्यक्ति की परिष्कार और अस्पष्टता के.ए. सोमोव, वी.ए. सेरोव, के.ए. कोरोविन द्वारा चित्रित उसके समकालीनों के चित्रों में सन्निहित थी। कला जगत के प्रमुख कलाकार, सोमोव, हर्मिटेज के क्यूरेटर के बेटे थे, उन्होंने उत्कृष्ट शिक्षा प्राप्त की, कला अकादमी से स्नातक की उपाधि प्राप्त की और यूरोप का बहुत दौरा किया। उन्होंने अपने समकालीनों के ग्राफिक चित्रों की एक श्रृंखला बनाई– बौद्धिककुलीन वर्ग: ए. ब्लोक, एफ. सोलोगुबा, एम. कुज़मीना, वी. इवानोवा, ई. लांसरे, एम. डोबज़िन्स्की और अन्य। में । ए । सेरोव अभिनेत्री एम के चित्रों के लेखक हैं। एन। एर्मोलोव ओह, लेखक एम. गोर्की, के. ए. कोरोविन- एफ के चित्र. और । शाल्यपिना, आई. और । लेविटन। रजत युग के कलाकारों द्वारा बनाए गए चित्र केवल वास्तविक लोगों के चित्र नहीं हैं, वे उस युग के रचनात्मक लोगों की एक गैलरी हैं जिन्होंने कलाकारों के आदर्शों को अपने जीवन में अपनाया है।

एम.ए. व्रुबेल (1856-1910) ने 19वीं सदी के 80 के दशक में अपनी गतिविधियाँ शुरू कीं। उन्होंने छवियों के प्रतीकात्मक-दार्शनिक सामान्यीकरण की ओर ध्यान आकर्षित किया, जो अक्सर दुखद रूप धारण कर लेता था। अपने समकालीनों को व्रुबेल किसी अन्य समय का एलियन प्रतीत होता था। उनकी पेंटिंग मंगाई गई "जादुई", और इसके जादू की उत्पत्ति इस तथ्य में निहित है कि कलाकार की परिष्कृत निगाह बहुत गहराई तक "प्रवेश" करती है।

क्लासिक उदाहरण- देर से काम "पर्ल शैल"। आइए उन जलपरियों के बारे में भूल जाएं जिन्हें कलाकार ने इसमें रखा था - उनमें जादू उतना नहीं है , शेल की बनावट को व्यक्त करने के तरीके में कितना अंतर है, इसके अतिप्रवाह के चमत्कार... व्रूबेल ने तर्क दिया कि यहां बात रंगों में नहीं है, बल्कि मदर-ऑफ़-पर्ल की संरचना की जटिलता में है- “उन छोटी-छोटी योजनाओं के रेखांकन को सटीक रूप से व्यक्त करना जिनसे हमारी कल्पना में रूप बनता है, के बारे में वस्तु का आयतन और रंग।” कई "लिलाक्स" "सबसे छोटी योजनाओं" की एक ही पद्धति का उपयोग करके लिखे गए थे- किसी प्रकार की नीलम वास्तुकला से समानता; पंखों की दांतेदार परत के साथ हंस के पंख - ऐसा हंस राजकुमारी में बदलने के लिए तैयार है; बर्डॉक की कांटेदार झाड़ियाँ - ऐसे बोझ जीवित हैं, वे एक-दूसरे से बात करते प्रतीत होते हैं (पेंटिंग "टुवार्ड नाइट")। कलाकार ने तनों की बुनाई, स्प्रूस शाखाओं, सर्दियों में कांच पर फर्न जैसे पैटर्न बनाने वाले बर्फ के क्रिस्टल की संरचना, चट्टानों के अलंकरण और सुलगती रोशनी की टिमटिमाहट को गहराई से देखा। और ये सभी प्राकृतिक घटनाएं, जिनका हर कदम पर सामना हुआ और, हालांकि, स्वचालित दृष्टि से बहुत कम ध्यान दिया गया, कलाकार की सतर्क दृष्टि के तहत एक असाधारण शानदार दुनिया में विकसित हुई।

अवंत-गार्डे के प्रतिनिधि वी.वी. कैंडिंस्की (1886) थे- 1944), जिनकी अमूर्त रचनाओं की विशेषता रंगीन धब्बों और टूटी रेखाओं का संयोजन है ("स्मटन ओई"), के.एस. मालेविच (1878- 1935), अमूर्त कला के प्रकारों में से एक के संस्थापक - सुप्रीमेटिज़्म, "ब्लैक स्क्वायर" के लेखक, पी। एन। फिलोनोव (1883 - 1941), जिन्होंने विश्व इतिहास ("राजाओं का पर्व") में प्रक्रियाओं के पैटर्न को प्रतीकात्मक रूप से व्यक्त करने की मांग की, एम। शग अल (1887 - 1985), जिन्होंने लोककथाओं और बाइबिल विषयों पर रंगीन और आनंददायक रचनाएँ कीं। ("मैं और गांव", "विटेबस्क के ऊपर", "शादी")। उच्चारण के बावजूद व्यक्तित्वइनमें से प्रत्येक कलाकार की रचनात्मक शैली की विशेषता है सभी असामाजिकता, एक आत्मनिर्भर रूप, रचनात्मक "मैं" का निरपेक्षीकरण थे। उनका लक्ष्य अवचेतन में प्रवेश करना था- एक ऐसा क्षेत्र जो अभी तक ज्ञान तक पहुंच योग्य नहीं है।

एम.एफ. लारियोनोव ने अपने कैनवस को आदिमवादी तरीके से चित्रित किया (1881)।– 1964) और एन. साथ । गोंचारोवा (1881 - 1962)। उन्होंने शैली के चित्र बनाए: लारियोनोव का जीवन एक प्रांतीय सड़क और सैनिकों की बैरक का था, और गोंचारोवा का किसान जीवन था। उनके कार्यों के रूप सपाट और विचित्र हैं, जिन्हें एक बच्चे के चित्र के समान शैलीबद्ध किया गया है। लारियोनोव को माना जाता है संस्थापकओएस अमूर्त कला में दोनों दिशाएँ- रेयोनिज्म। 1913 में उन्होंने रेइज़्म नामक पुस्तक प्रकाशित की। मिलिउकोव ने इन कलाकारों को "रूसी नवप्रवर्तक" कहा, जिन्होंने न केवल अपनी रचनात्मकता में पश्चिम को पकड़ लिया, बल्कि उससे आगे निकलने की भी कोशिश की।

सदी के अंत में चित्रकला में जो प्रक्रियाएँ सामने आईं, वे संगीत और साहित्य में भी उतनी ही तीव्रता से घटित हुईं।

19.2.2 संगीत. इस अवधि के दौरान, एस.वी. जैसे उत्कृष्ट संगीतकार रहते थे और संगीत बनाते थे। राचमानिनोव, ए.एन. स्क्रिपबिन, आई.एफ. स्ट्राविंस्की। 1917 में रूस छोड़ने के बाद, एस.वी. राचमानिनोव (1873-1943) ने अपना शेष जीवन निर्वासन में बिताया और उन्हें अपनी मातृभूमि की बहुत याद आती थी, जिसका विषय उनके काम का मुख्य विषय बन गया। वह उल्लेखनीय कार्यों के लेखक हैं: पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए चार संगीत कार्यक्रम, प्रस्तावना, रेखाचित्र-चित्र, तीन सिम्फनी, ऑर्केस्ट्रा के लिए "सिम्फोनिक नृत्य", ओपेरा "अलेको", "द मिजर्ली नाइट", "फ्रांसेस्का दा रिमिनी", "लिटुरजी" सेंट जॉन क्राइसोस्टॉम", "ऑल-नाइट विजिल" और रोमांस। उनकी संगीत रचनाओं में माधुर्य और उत्कृष्ट भावुकता का मिश्रण है। राचमानिनोव- दुनिया के महानतम पियानोवादकों में से एक।

रजत युग के एक और उत्कृष्ट संगीतकार के संगीत में- ए । एन। स्क्रिपियन (1871-1915) ने यथार्थवाद से प्रभाववाद और उससे आगे तक संक्रमण का पता लगाया प्रभाववाद से अभिव्यक्तिवाद तक। स्क्रिबिन के काम से अज्ञात ब्रह्मांडीय क्षेत्रों के लिए प्रयास का पता चला। संगीतमय अभिव्यंजक साधनों के प्रर्वतक, स्क्रिबिन ने हल्के संगीत का विचार विकसित किया और संगीत अभ्यास में पहली बार प्रकाश के भाग को सिम्फोनिक कविता "प्रोमेथियस" में पेश किया।

अगर। स्ट्राविंस्की (1882-1971)– लेखकबैले"अजमोद", "वसंतपवित्र", "गर्मी- चिड़िया", संबंधितसाथबुतपरस्तप्राचीन, रूसियोंलोक-साहित्यऔरकर्मकाण्ड. मेंरूसस्ट्राविंस्कीरहते थेपहले 1914 जी., एतब– पीछेसीमा. रचनाएंवहसीखाएन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव के साथ अध्ययन किया; 1911 तक, उनके संगीत मॉडल एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव और ए.के. थे। ग्लेज़ुनोव (1865-1937), बैले "रेमोंडा" के लेखक। अपने जीवन के विभिन्न अवधियों में, स्ट्राविंस्की ने विभिन्न संगीत प्रवृत्तियों की ओर रुख किया: नव-लोकगीतवाद, प्राचीन पॉलीफोनी और डोडेकैफोनी। इतालवी लेखक ए. मोराविया ने लिखा है कि स्ट्राविंस्की, पिकासो और जॉयस ने "बीसवीं सदी की संस्कृति के द्वार खोले।"

20वीं सदी के पहले दशकों में. रूस में, पुरानी पीढ़ी ने भी अपनी रचनाएँ स्वयं बनाईं। पर। इस अवधि के दौरान, रिमस्की-कोर्साकोव ने तीन अद्भुत ओपेरा-परी कथाएँ लिखीं: "कोस्ची द इम्मोर्टल", "द लीजेंड ऑफ द इनविजिबल सिटी ऑफ काइटज़...", "द गोल्डन कॉकरेल"। एस.आई. का कार्य अपने दार्शनिक रुझान से प्रतिष्ठित था। तनयेव (1856-1915) (कैंटटा "दमिश्क के जॉन" और "भजन पढ़ने के बाद")।

थिएटर अनुभाग में प्रकाशन

रजत युग के 10 रंगमंच कलाकार

19वीं और 20वीं सदी की शुरुआत में, कलाकार अक्सर न केवल चित्र बनाते थे, बल्कि नाटकीय दृश्य भी डिजाइन करते थे। उनमें से कई ने सर्गेई डायगिलेव के रूसी सीज़न के लिए काम किया और सव्वा ममोनतोव के मॉस्को निजी ओपेरा, बोल्शोई और मरिंस्की थिएटरों के लिए सेट बनाए। पोर्टल "कल्चर.आरएफ" उन दस चित्रकारों के बारे में बात करता है जिन्होंने खुद को प्रोडक्शन डिजाइनर के रूप में साबित किया है।

मस्टीस्लाव डोबज़िन्स्की

मस्टीस्लाव डोबज़िन्स्की। नीला लिविंग रूम. इवान तुर्गनेव द्वारा ए मंथ इन द कंट्री के पहले एक्ट के लिए सेट डिज़ाइन। 1909. स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी, मॉस्को

मस्टीस्लाव डोबज़िन्स्की। ब्रुइलेट और पलापरा की कॉमेडी "वकील पैटलेन" के लिए कॉमस के लिए पोशाक डिजाइन। 1915. राज्य रूसी संग्रहालय, सेंट पीटर्सबर्ग

मस्टीस्लाव डोबज़िन्स्की। शहर में सड़क. प्योत्र पोटेमकिन के नाटक "पेत्रुस्का" के लिए सेट डिज़ाइन। 1908. राज्य केंद्रीय रंगमंच संग्रहालय का नाम ए.ए. के नाम पर रखा गया। बख्रुशिना, मॉस्को

मस्टीस्लाव डोबज़िन्स्की ने मॉस्को आर्ट थिएटर द्वारा कमीशन की गई अपनी पहली नाटकीय कृतियों का प्रदर्शन किया। सबसे सफल में से एक तुर्गनेव के नाटक "ए मंथ इन द कंट्री" पर आधारित प्रदर्शन का डिज़ाइन था। कलाकार ने इस प्रोडक्शन पर अपने काम को इस प्रकार याद किया: “कॉन्स्टेंटिन सर्गेइविच के साथ, वर्षों में काफी अंतर के बावजूद, मैंने तुरंत एक महान आध्यात्मिक मेल-मिलाप विकसित कर लिया। उन्होंने मुझे ज्यादा शर्मिंदा नहीं किया और असामान्य रूप से आरामदायक बातचीत करना जानते थे। ए मंथ इन द कंट्री में मेरे सामने जो काम आया, वह नाटक के लिए "सुंदर फ्रेम" बनाने से कहीं अधिक गहरा और कहीं अधिक था। मैंने बिल्कुल नए और असाधारण कार्य वातावरण में प्रवेश किया, और स्टैनिस्लावस्की ने मुझे जो बताया वह मेरे लिए एक बहुत बड़ा स्कूल था।.

इसके अलावा मॉस्को आर्ट थिएटर में उन्होंने दोस्तोवस्की, तुर्गनेव के "व्हेयर इट इज़ थिन, देयर इट ब्रेक्स," "द फ़्रीलोडर" और "प्रोविंशियल वुमन" पर आधारित प्रदर्शन "निकोलाई स्टावरोगिन" डिज़ाइन किए। मॉस्को आर्ट थिएटर में कलाकार का आखिरी काम दोस्तोवस्की का एक और प्रोडक्शन, "द विलेज ऑफ स्टेपानचिकोवो" था। इस समय तक, स्टैनिस्लावस्की और डोबज़िंस्की के बीच रचनात्मक मतभेद जमा हो गए थे, यही वजह है कि उन्होंने सहयोग करना बंद कर दिया। इसके बावजूद, कलाकार ने स्टैनिस्लावस्की को हमेशा गर्मजोशी से याद किया।

निर्वासन में, डोबज़िन्स्की ने कौनास थिएटर में बहुत काम किया - वहां उन्होंने दस ओपेरा का मंचन किया, उनमें से "द क्वीन ऑफ़ स्पेड्स", "पैग्लियासी", "बोरिस गोडुनोव", साथ ही आलोचकों के अनुसार, उनका सर्वश्रेष्ठ प्रदर्शन, "डॉन जुआन" था। ”। डोबज़िन्स्की ने मिखाइल फोकिन के बैले द रशियन सोल्जर के लिए दृश्यावली भी तैयार की, और द डेमन्स के लंदन प्रोडक्शन पर मिखाइल चेखव के साथ काम किया। संयुक्त राज्य अमेरिका में, जहां वह अपने जीवन के अंत में चले गए, उन्होंने मेट्रोपॉलिटन ओपेरा में ग्यूसेप वर्डी द्वारा "अन बैलो इन माशेरा" नाटक और न्यूयॉर्क ओपेरा में अल्बान बर्ग द्वारा "वोज़ेक" को फ्योडोर कोमिसारज़ेव्स्की के साथ डिजाइन करने में कामयाबी हासिल की। .

कॉन्स्टेंटिन कोरोविन

कॉन्स्टेंटिन कोरोविन। जंगल। निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव के ओपेरा "द टेल ऑफ़ द इनविज़िबल सिटी ऑफ़ काइटज़" के लिए सेट डिज़ाइन स्केच। 1918. राज्य केंद्रीय रंगमंच संग्रहालय का नाम ए.ए. के नाम पर रखा गया। बख्रुशिना, मॉस्को

कॉन्स्टेंटिन कोरोविन। क्लियोपेट्रा का महल, मिस्र हॉल। निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव के ओपेरा-बैले म्लाडा के लिए सेट डिज़ाइन। 1916. निजी संग्रह

कॉन्स्टेंटिन कोरोविन। नृत्य। सेंट पीटर्सबर्ग में मरिंस्की थिएटर के मंच पर सीज़र पुगनी के बैले "द लिटिल हंपबैक्ड हॉर्स" के निर्माण के लिए सेट डिज़ाइन स्केच। 1912. सेंट पीटर्सबर्ग स्टेट म्यूज़ियम ऑफ़ थिएटर एंड म्यूज़िकल आर्ट, सेंट पीटर्सबर्ग

कॉन्स्टेंटिन कोरोविन ने सव्वा ममोनतोव के निजी ओपेरा में सेट डिजाइनर के रूप में अपना पहला कदम रखा। वहां 1885 में उन्होंने ओटो निकोलाई द्वारा लिखित द मैरी वाइव्स ऑफ विंडसर को डिजाइन किया। अगले 15 वर्षों में, कोरोविन ने ममोनतोव थिएटर में एक दर्जन प्रस्तुतियों पर काम किया - उनमें "आइडा", "सैमसन और डेलिलाह" और "खोवांशीना" शामिल हैं। आलोचकों ने लियो डेलिबेस के ओपेरा लैक्मे के लिए उनके दृश्यों के बारे में लिखा: कलाकार कोरोविन द्वारा निर्मित "लैक्मे" के सभी तीन सेट काफी सुंदर हैं - वे निश्चित रूप से भारत की उष्णकटिबंधीय गर्मी को उजागर करते हैं। पोशाकें स्वाद के साथ बनाई गई हैं, इसके अलावा, वे मूल हैं".

इसके बाद, कोरोविन ने बोल्शोई थिएटर में काम किया, जहां उन्होंने "द मरमेड" और "द गोल्डन कॉकरेल" डिजाइन किया, और मरिंस्की थिएटर के लिए उन्होंने रुबिनस्टीन के "द डेमन" के लिए दृश्यावली तैयार की। जैसा कि कलाकार ने लिखा है: "रंग, रंगों के तार, आकार - यही वह कार्य है जो मैंने बैले और ओपेरा थिएटर की सजावटी पेंटिंग में खुद को निर्धारित किया है". चालीस वर्षों के अनुभव और सौ से अधिक प्रदर्शनों के मंचन के बावजूद, पहले कोरोविन डेकोरेटर की उत्प्रवास में मांग नहीं थी। लेकिन पेरिस में रूसी ओपेरा के उद्घाटन के साथ, कलाकार अपने पसंदीदा पेशे में लौट आए और प्रिंस इगोर के लिए दृश्य तैयार किए।

अलेक्जेंडर गोलोविन

अलेक्जेंडर गोलोविन. अंत्येष्टि कक्ष. मिखाइल लेर्मोंटोव के नाटक "मास्करेड" के लिए सेट डिज़ाइन। 1917. राज्य केंद्रीय रंगमंच संग्रहालय का नाम ए.ए. के नाम पर रखा गया। बख्रुशिना, मॉस्को

अलेक्जेंडर गोलोविन. गोल्डन हॉल. प्योत्र त्चिकोवस्की के बैले "स्वान लेक" के लिए सेट डिज़ाइन। 1901. राज्य केंद्रीय रंगमंच संग्रहालय का नाम ए.ए. के नाम पर रखा गया। बख्रुशिना, मॉस्को

अलेक्जेंडर गोलोविन. राज तिलक करना। मॉडेस्ट मुसॉर्स्की के ओपेरा बोरिस गोडुनोव की प्रस्तावना के लिए डिज़ाइन स्केच सेट करें। 1908. राज्य केंद्रीय रंगमंच संग्रहालय का नाम ए.ए. के नाम पर रखा गया। बख्रुशिना, मॉस्को

अलेक्जेंडर गोलोविन वासिली पोलेनोव की सिफारिश पर बोल्शोई थिएटर में आए - यहां उन्होंने आर्सेनी कोरेशचेंको के ओपेरा "द आइस हाउस" और निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव के "द वूमन ऑफ प्सकोव" के लिए दृश्य तैयार किए। कलाकार ने याद किया: “मुझे शुरुआत से शुरू करना पसंद नहीं था, यानी पहली तस्वीर से और फिर दूसरी, तीसरी, आदि पर आगे बढ़ना, लेकिन या तो अंत से, आखिरी तस्वीर से, या बीच से शुरू करना पसंद था। इसलिए, द आइस हाउस का मंचन करते समय, मैंने एक जिप्सी शिविर के ऊपर सुबह की तस्वीर के साथ शुरुआत की।

काम की कठिनाई यह थी कि मुझे सब कुछ खुद ही करना था: मुझे कभी नहीं पता था कि मुझे कैसे बताना चाहिए कि मुझे वास्तव में क्या चाहिए, मैं क्या चाहता हूं, और मैंने हमेशा सहायकों को सौंपने के बजाय काम खुद करना पसंद किया।

गोलोविन ने पेरिस में डायगिलेव के रशियन सीज़न्स के लिए भी काम किया - उन्होंने मोडेस्ट मुसॉर्स्की द्वारा ओपेरा बोरिस गोडुनोव और इगोर स्ट्राविंस्की द्वारा बैले द फायरबर्ड को डिजाइन किया। उन्होंने मरिंस्की थिएटर के लिए भी प्रस्तुतियां तैयार कीं: कुल मिलाकर उन्होंने वहां 15 प्रदर्शन डिजाइन किए। वसेवोलॉड मेयरहोल्ड के साथ, गोलोविन ने ऑर्फ़ियस और यूरीडाइस, इलेक्ट्रा और द स्टोन गेस्ट का निर्देशन किया। मेयरहोल्ड ने लिखा: "दो नाम मेरी स्मृति से कभी गायब नहीं होंगे: गोलोविन और दिवंगत निकोलाई सैपुनोव, ये वे हैं जिनके लिए, मेरी तरह, चमत्कारों की भूमि के गुप्त दरवाजे खोले गए थे।". मेयरहोल्ड और गोलोविन का अंतिम संयुक्त कार्य लेर्मोंटोव का बहाना था। गोलोविन ने इस प्रदर्शन के लिए दृश्यों, कपड़ों और प्रॉप्स के लगभग चार हजार चित्र और रेखाचित्र लिखे। क्रांति के बाद, उनका रचनात्मक मिलन टूट गया। 1925 में, मॉस्को आर्ट थिएटर में, गोलोविन ने द मैरिज ऑफ फिगारो, साथ ही ओथेलो को डिजाइन किया - यह प्रदर्शन कलाकार के लिए आखिरी था।

वसीली पोलेनोव

वसीली पोलेनोव। सरू के पेड़ों के बीच कब्रिस्तान. क्रिस्टोफ़ ग्लक के ओपेरा "ऑर्फ़ियस एंड यूरीडाइस" के लिए स्केच। 1897. राज्य केंद्रीय रंगमंच संग्रहालय का नाम ए.ए. के नाम पर रखा गया। बख्रुशिना, मॉस्को

वसीली पोलेनोव। एक जादुई महल में हॉल. सजावट रेखाचित्र. 1883. राज्य ऐतिहासिक, कलात्मक और साहित्यिक संग्रहालय-रिजर्व "अब्रामत्सेवो", मॉस्को क्षेत्र

वसीली पोलेनोव. एट्रियम. सजावट रेखाचित्र. 1879. राज्य ऐतिहासिक, कलात्मक और साहित्यिक संग्रहालय-रिजर्व "अब्रामत्सेवो", मॉस्को क्षेत्र

वासिली पोलेनोव की प्रसिद्ध प्रस्तुतियों में सेव्वा ममोनतोव के नाटक पर आधारित परी कथा "द स्कारलेट रोज़" का डिज़ाइन और क्रिस्टोफ़ ग्लक द्वारा "ऑर्फ़ियस एंड यूरीडाइस" के दृश्य शामिल हैं, जो सव्वा ममोनतोव के निजी ओपेरा के लिए बनाए गए थे। उन्होंने प्योत्र त्चिकोवस्की द्वारा लिखित द मेड ऑफ ऑरलियन्स को भी डिजाइन किया। लेकिन पोलेनोव ने न केवल अन्य थिएटरों में काम किया, बल्कि अपना खुद का आयोजन भी किया। अपने बच्चों के साथ, उन्होंने अपनी संपत्ति के बगल में स्थित एक ग्रामीण स्कूल के छात्रों के लिए प्रदर्शन दिखाया। क्रांति के बाद, किसान बच्चों ने थिएटर में खेलना शुरू किया। कलाकार ने इसका वर्णन इस प्रकार किया: "हमारे यहां किसानों के बीच दो थिएटर ग्रुप बने हैं... कलाकारों या कलाकारों में, जैसा कि हम उन्हें कहते हैं, बहुत प्रतिभाशाली और आध्यात्मिक लोग हैं। बेटियां निर्देशन, वेशभूषा, मेकअप में व्यस्त हैं, लेकिन वे खुद भी भाग लेती हैं, और मैं दृश्यावली लिखती हूं, मंच की व्यवस्था करती हूं और प्रॉप्स बनाती हूं।.

लेव बक्स्ट

लेव बक्स्ट. निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव के संगीत के लिए बैले "शेहेराज़ादे" के लिए डिज़ाइन सेट करें। 1910. निजी संग्रह

लेव बक्स्ट. एंटोन एरेन्स्की के संगीत के लिए बैले "क्लियोपेट्रा" के लिए इडा रुबिनस्टीन के लिए क्लियोपेट्रा के लिए पोशाक डिजाइन। 1909. निजी संग्रह

लेव बक्स्ट. बैले डैफ़निस और क्लो के लिए सेट डिज़ाइन। 1912. निजी संग्रह

लेव बक्स्ट की पहली नाट्य कृतियों में से एक जोसेफ बायर का बैले "द पपेट फेयरी" थी, जिसका मंचन 1900 में किया गया था। बक्स्ट ने हर्मिटेज और अलेक्जेंड्रिन्स्की थिएटरों के लिए बहुत काम किया। बाद में उन्होंने सर्गेई डायगिलेव के रशियन सीज़न्स के साथ सहयोग किया, जिसकी बदौलत उन्हें यूरोप में पहचान मिली। बक्स्ट ने बैले क्लियोपेट्रा, शेहेरज़ादे, कार्निवल और अन्य को सजाया। कलाकार प्राचीन और प्राच्य कार्यों में विशेष रूप से अच्छा था। एक थिएटर डिजाइनर के रूप में, बक्स्ट ने वेशभूषा बनाने में विशेष कौशल हासिल किया। बकस्ट द्वारा आविष्कार किए गए मॉडलों ने न केवल मंच पर अपनी जगह बनाई, बल्कि उस समय के विश्व फैशन को भी गंभीरता से प्रभावित किया। बक्स्ट ने अपनी रचनात्मक पद्धति का वर्णन इस प्रकार किया: “हर रंग में ऐसे शेड्स होते हैं जो कभी ईमानदारी और शुद्धता, कभी कामुकता और यहां तक ​​कि क्रूरता, कभी गर्व, कभी निराशा को व्यक्त करते हैं। इसे...जनता तक पहुंचाया जा सकता है...शेहेरज़ादे में मैंने यही करने की कोशिश की। उदास हरे रंग पर मैंने निराशा से भरा नीला रंग डाला... गंभीर लाल और लाल रंग हैं जो मार डालते हैं... एक कलाकार जो जानता है कि इन गुणों से कैसे लाभ उठाया जाए, वह एक कंडक्टर की तरह है..."

निकोलस रोएरिच

निकोलस रोएरिच. महान बलिदान. इगोर स्ट्राविंस्की द्वारा बैले "द राइट ऑफ स्प्रिंग" के लिए स्केच। 1910. सेराटोव कला संग्रहालय का नाम ए.एन. के नाम पर रखा गया। रेडिशचेवा, सेराटोव

रोएरिच को पहला नाटकीय अनुभव 1907 में मिला: सेंट पीटर्सबर्ग में प्राचीन रंगमंच के निर्माता, निकोलाई एवरिनोव और निकोलाई ड्रिज़ेन ने उन्हें नाटक "द थ्री वाइज मेन" डिजाइन करने का काम सौंपा। आलोचकों ने सर्वसम्मति से निर्माण की आलोचना की, लेकिन, हालांकि, दृश्यों की प्रशंसा की। बाद में, डायगिलेव के आदेश से, रोएरिच ने रूसी सीज़न के लिए "प्रिंस इगोर" और "द प्सकोव वुमन" को डिज़ाइन किया (कलाकारों अलेक्जेंडर गोलोविन और कॉन्स्टेंटिन यूओन के साथ)। जैसा कि निर्देशक अलेक्जेंडर सानिन ने रोएरिच को लिखा: "आप इस चीज़ में महान होंगे।" यदि आपका अस्तित्व नहीं होता, तो आपको "इगोर" के लिए आविष्कार और जन्म लेना पड़ता।. पेरिस के प्रेस ने भी कलाकार के नाट्य कार्यों के बारे में प्रशंसा के साथ लिखा: "मुझे रोएरिच को व्यक्तिगत रूप से जानने का सम्मान नहीं है... मैं उन्हें केवल चैटलेट के दृश्यों से परखता हूं और उन्हें अद्भुत पाता हूं... मैंने चैटलेट में जो कुछ भी देखा वह मुझे संग्रहालयों में ले जाता है, सब कुछ इतिहास का सबसे गहरा अध्ययन दर्शाता है , और इस सब में कोई नियमितता, सामान्यता और थकाऊ परंपराएं नहीं हैं जिनके हमारे थिएटर दर्शक इतने आदी हैं..."डायगिलेव के लिए निकोलस रोएरिच का एक और काम इगोर स्ट्राविंस्की का बैले "द राइट ऑफ स्प्रिंग" था, जिसे संगीतकार ने याद किया: “मैंने रोएरिच के साथ काम करना शुरू किया, और कुछ दिनों के बाद स्टेज एक्शन की योजना और नृत्यों के नाम का आविष्कार किया गया। जब हम वहां रहते थे, रोएरिच ने अपनी प्रसिद्ध पृष्ठभूमि, आत्मा में पोलोवेट्सियन और राजकुमारी के संग्रह से प्रामाणिक नमूनों के आधार पर वेशभूषा के रेखाचित्र भी बनाए।.

विक्टर वासनेत्सोव

विक्टर वासनेत्सोव. निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव के ओपेरा "द स्नो मेडेन" के लिए सेट डिज़ाइन। 1885. स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी, मॉस्को

विक्टर वासनेत्सोव. प्रस्ताव। निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव के ओपेरा "द स्नो मेडेन" के लिए सेट डिज़ाइन। 1881. राज्य ऐतिहासिक, कलात्मक और साहित्यिक संग्रहालय-रिजर्व "अब्रामत्सेवो", मॉस्को क्षेत्र

विक्टर वासनेत्सोव. मॉडेस्ट मुसॉर्स्की के ओपेरा "बोरिस गोडुनोव" के लिए सेट डिज़ाइन। 1898. राज्य केंद्रीय रंगमंच संग्रहालय का नाम ए.ए. के नाम पर रखा गया। बख्रुशिना, मॉस्को

विक्टर वासनेत्सोव ने थिएटर मंच के लिए बहुत कम काम किया, लेकिन अलेक्जेंडर ओस्ट्रोव्स्की द्वारा "द स्नो मेडेन" के लिए उनके रेखाचित्र रूसी परिदृश्य में अभिनव बन गए। सबसे पहले, वासनेत्सोव ने सव्वा ममोंटोव के अब्रामत्सेवो एस्टेट में एक घरेलू प्रदर्शन डिजाइन किया। वैसे, वासनेत्सोव ने न केवल दृश्यों का प्रदर्शन किया, बल्कि सांता क्लॉज़ की भूमिका भी निभाई; इल्या रेपिन बोयार बरमायटा थे, और सव्वा ममोनतोव स्वयं ज़ार बेरेन्डे थे। तीन साल बाद, विक्टर वासनेत्सोव ने द स्नो मेडेन के डिज़ाइन को दोहराया, लेकिन सव्वा ममोनतोव के मॉस्को प्राइवेट ओपेरा के लिए। कलाकार प्राचीन रूसी वास्तुकला और लोक शिल्प से प्रेरित था। यहाँ बताया गया है कि आलोचक व्लादिमीर स्टासोव ने इस उत्पादन के बारे में क्या लिखा है: "वास्नेत्सोव ने सभी वेशभूषा और सेट की रचना की - जिसमें बेरेन्डेयेव का चैंबर भी शामिल है।" ये नाटकीय और राष्ट्रीय रचनात्मकता की सच्ची उत्कृष्ट कृतियाँ हैं। जहां तक ​​मैं आंक सकता हूं, इससे पहले कभी किसी की कल्पना प्राचीन रूस के शानदार, पौराणिक, महाकाव्य वास्तुशिल्प रूपों और अलंकरणों को फिर से बनाने में इतनी दूर और इतनी गहराई तक नहीं गई थी। वह सब कुछ जो प्राचीन रूसी जीवन के रोजमर्रा के जीवन के टुकड़ों में, कढ़ाई, लोकप्रिय प्रिंट, जिंजरब्रेड कुकीज़, प्राचीन लकड़ी की नक्काशी में हमारे पास रहता है - यह सब यहां एक अद्भुत, अतुलनीय तस्वीर में संयुक्त है। यहां न केवल कलाकारों, बल्कि हर किसी की प्रशंसा और अध्ययन के लिए व्यापक, दूरगामी क्षितिज खुले हैं।''.

इवान बिलिबिन

इवान बिलिबिन. दादोन के कक्ष. निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव के ओपेरा द गोल्डन कॉकरेल के लिए सेट डिज़ाइन। 1909. कला और इतिहास के पुरालेखों का संग्रह, बर्लिन, जर्मनी

इवान बिलिबिन. वोल्गा पर छोटा पतंग। निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव के ओपेरा "द लीजेंड ऑफ द इनविजिबल सिटी ऑफ काइटज़ एंड द मेडेन फेवरोनिया" के दूसरे एक्ट के लिए सेट डिज़ाइन स्केच। 1934. निजी संग्रह

इवान बिलिबिन. शामखान रानी का तम्बू। निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव के ओपेरा द गोल्डन कॉकरेल के लिए सेट डिज़ाइन। 1909. कला और इतिहास के पुरालेखों का संग्रह, बर्लिन, जर्मनी

इवान बिलिबिन को मुख्य रूप से रूसी परी कथाओं और महाकाव्यों के लिए उनकी पुस्तक चित्रण के लिए जाना जाता है। लेकिन उन्होंने खुद को एक थिएटर कलाकार के रूप में भी साबित किया। उनके कार्यों में बैले सूट "रूसी नृत्य" शामिल है। उन्होंने इस प्रोडक्शन के लिए पोशाक डिजाइन के बारे में लिखा: “क्या यह पोशाक सुंदर थी? वो बहुत अच्छा था। इसमें गति का सौंदर्य और शांति का सौंदर्य है। उदाहरण के लिए, हमारे रूसी नृत्य को लें। नृत्य के केंद्र - महिला की राजसी शांति को तोड़ने के लिए, पुरुष एक राक्षस की तरह नृत्य करता है, अपने घुटनों को चकरा देने वाली गति से ढकता है, और वह शांति की अपनी सुंदर पोशाक में लगभग स्थिर खड़ी रहती है, केवल अपने कंधों को थोड़ा सा हिलाती है।.

उन्होंने प्राचीन थिएटर के लिए लोप डी वेगा द्वारा "फुएंते ओवेजुना", निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव द्वारा "द गोल्डन कॉकरेल" और निजी मॉस्को ज़िमिन ओपेरा थियेटर के लिए एलेक्सी वर्स्टोव्स्की द्वारा "आस्कॉल्ड्स ग्रेव", मिखाइल ग्लिंका द्वारा "रुस्लान और ल्यूडमिला" डिजाइन किए। निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव द्वारा "सैडको" - सेंट पीटर्सबर्ग में पीपुल्स हाउस थिएटर के लिए। 20वीं सदी की शुरुआत के अन्य कलाकारों की तरह, बिलिबिन ने पेरिस में रशियन सीज़न्स के लिए काम किया - उन्होंने ओपेरा "बोरिस गोडुनोव" और डांस सूट "द फीस्ट" के डिजाइन में भाग लिया। निर्वासन में, बिलिबिन ने थिएटर डेस चैंप्स-एलिसीस में रूसी ओपेरा "द ज़ार की दुल्हन", "प्रिंस इगोर", "बोरिस गोडुनोव" की प्रस्तुतियों को डिजाइन किया और ब्यूनस आयर्स के टीट्रो कोलन में इगोर स्ट्राविंस्की द्वारा बैले "द फायरबर्ड" को डिजाइन किया। .

अलेक्जेंडर बेनोइस

अलेक्जेंडर बेनोइस. गोरा। इगोर स्ट्राविंस्की द्वारा "पेट्रुष्का" के लिए सेट डिज़ाइन। 1911. रूस के बोल्शोई अकादमिक थिएटर का संग्रहालय, मॉस्को इगोर ग्रैबर ने कलाकार के बारे में लिखा: "बेनोइस में कई जुनून हैं, लेकिन उनमें से सबसे बड़ा जुनून कला के लिए है, और कला के क्षेत्र में, शायद, थिएटर के लिए... वह सबसे नाटकीय व्यक्ति हैं जिनसे मैं अपने जीवन में कभी मिला हूं, स्टैनिस्लावस्की से कम नाटकीय नहीं खुद, मेयरहोल्ड की तुलना में..."

यूरोप में, बेनोइस डायगिलेव के रूसी सीज़न में अपनी भागीदारी के लिए प्रसिद्ध हो गए: उन्होंने बैले ला सिल्फाइड, गिजेल और द नाइटिंगेल को डिजाइन किया। लेकिन उनकी सबसे बड़ी सफलता स्ट्राविंस्की के बैले "पेत्रुस्का" के दृश्यों के साथ थी, जिसके लिए उन्होंने लिब्रेटो भी लिखा था। बेनोइस ने मॉस्को आर्ट थिएटर में स्टैनिस्लावस्की के साथ भी बहुत काम किया - उन्होंने मोलिरे के नाटक "द इमेजिनरी इनवैलिड" और "टारटफ़े", गोल्डोनी द्वारा "द लैंडलेडी ऑफ द इन" को डिजाइन किया। स्टैनिस्लावस्की ने कलाकार को इस प्रकार याद किया: “बेनोइट आकर्षक निकला। वह सुनता है, स्वेच्छा से सभी प्रकार के परीक्षणों और परिवर्तनों में जाता है और, जाहिर है, मंच के रहस्यों को समझना चाहता है। वह एक उत्कृष्ट निर्देशक-मनोवैज्ञानिक हैं और उन्होंने हमारी सभी तकनीकों को शानदार ढंग से और तुरंत समझ लिया और उनसे प्रभावित हुए। बहुत ही मेहनत करने वाला। एक शब्द में कहें तो वह एक नाटकीय व्यक्ति हैं।". निर्वासन में, बेनोइस ने पेरिस ग्रैंड ओपेरा थिएटर में काम किया, जहां उन्होंने इगोर स्ट्राविंस्की की द फेयरीज़ किस के लिए दृश्य तैयार किए। सर्गेई सुदेइकिन। ओलंपिया में. जैक्स ऑफ़ेनबैक द्वारा "द टेल्स ऑफ़ हॉफ़मैन" के लिए सेट डिज़ाइन। 1915. राज्य केंद्रीय रंगमंच संग्रहालय का नाम ए.ए. के नाम पर रखा गया। बख्रुशिना, मॉस्को

अपने समय के कई कलाकारों की तरह, सर्गेई सुदेइकिन का थिएटर में पहला काम सव्वा ममोनतोव के सहयोग से संभव हुआ। पोवार्स्काया के स्टूडियो थिएटर में उन्होंने मैटरलिनक की "द डेथ ऑफ टेंटेगिल" को डिजाइन किया। इसके बाद, उन्होंने मैटरलिंक के एक अन्य नाटक, "सिस्टर बीट्राइस" पर काम किया, जिसके बारे में अलेक्जेंडर ब्लोक ने लिखा: "मानो इन आकस्मिक दर्शकों को "चमत्कार की सांस" महसूस हुई जिसके साथ मंच खिल उठा, हमने उच्च उत्साह, प्यार के बारे में उत्साह, पंखों के बारे में, भविष्य की खुशी के बारे में पहचाना।".

न्यू ड्रामा थिएटर में, सुदेइकिन ने फ्योडोर कोमिसारज़ेव्स्की के निर्देशन में सीज़र और क्लियोपेट्रा के लिए दृश्यावली बनाई। माली थिएटर में उन्होंने बैले स्वान लेक, कैवेलरी हॉल्ट और वेन प्रिकॉशन को डिज़ाइन किया। डायगिलेव ने सुदेइकिन को क्लाउड डेब्यू की द आफ्टरनून ऑफ ए फॉन और इगोर स्ट्राविंस्की की द राइट ऑफ स्प्रिंग के साथ-साथ फ्लोरेंट श्मिट की द ट्रेजेडी ऑफ सैलोम को डिजाइन करने के लिए नियुक्त किया। निर्वासन में, सुदेइकिन पेरिस में कैबरे "डाई फ्लेडरमॉस" के लिए एक सेट डिजाइनर थे और न्यूयॉर्क में मेट्रोपॉलिटन ओपेरा में काम करते थे।

रूसी कलात्मक संस्कृति में रजत युग

रूसी कला के इतिहास में रजत युग उच्चतम उत्थान का काल है, जिसकी तुलना संभवतः प्रभाववाद के युग की फ्रांसीसी कला के उदय से की जा सकती है। 80 के दशक में रूसी कला में एक नई शैली का उदय हुआ। XIX सदी फ़्रांसीसी प्रभाववाद से अत्यधिक प्रभावित। इसके उत्कर्ष का दिन 19वीं और 20वीं शताब्दी का मोड़ था। और 10 के दशक के अंत तक. बीसवीं सदी में, रूसी कला में आर्ट नोव्यू शैली, जिसके साथ रजत युग जुड़ा हुआ है, नई दिशाएँ दे रही है।

इसके पतन के बाद कई दशकों तक, रजत युग की कला को पतनशील और बेस्वाद माना जाता था। लेकिन दूसरी सहस्राब्दी के अंत तक अनुमान बदलने लगे। सच तो यह है कि आध्यात्मिक संस्कृति का दो प्रकार से विकास होता है। पहले की विशेषता शक्तिशाली नवाचार और महान उपलब्धियाँ हैं। इसके ज्वलंत उदाहरण 5वीं-चौथी शताब्दी के ग्रीक क्लासिक्स हैं। ईसा पूर्व. और विशेषकर यूरोपीय पुनर्जागरण। रूसी संस्कृति का स्वर्ण युग 19वीं शताब्दी है: ए.एस. पुश्किन, एन.वी. गोगोल, ए.ए. इवानोव, पी.आई. त्चिकोवस्की, एल.एन. टॉल्स्टॉय, एफ.एम. दोस्तोवस्की और कई अन्य। दूसरे प्रकार को इसके द्वारा बनाए गए मूल्यों की कृपा और परिष्कार द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, इसे बहुत उज्ज्वल प्रकाश पसंद नहीं है और यह चंद्रमा से जुड़ा हुआ है, जो बदले में, पारंपरिक रूप से चांदी और स्त्रीत्व के साथ पहचाना जाता है (इसके विपरीत) मर्दाना धूप और सोना)। रजत युग की कला स्पष्टतः दूसरे प्रकार की है।

रूसी संस्कृति में रजत युग एक व्यापक अवधारणा है। यह न केवल आधुनिकतावाद की चित्रकला और वास्तुकला है, न केवल प्रतीकवादी रंगमंच, जिसने कला के संश्लेषण के विचार को मूर्त रूप दिया, जब कलाकारों और संगीतकारों ने निर्देशकों और अभिनेताओं के साथ मिलकर एक नाटक के मंचन पर काम किया, यह साहित्य भी है प्रतीकवाद, और विशेष रूप से कविता, जो विश्व साहित्य के इतिहास में "रजत युग की कविता" के नाम से दर्ज हुई। और बाकी सब चीजों के अलावा, यह युग की शैली है, यह जीवन का एक तरीका है।

19वीं सदी के मध्य में। रूमानियत के प्रतिनिधियों ने एक एकीकृत शैली बनाने का सपना देखा जो किसी व्यक्ति को सुंदरता से घेर सके और इस तरह जीवन को बदल सके। कला के माध्यम से दुनिया को बदलने के लिए - रिचर्ड वैगनर और प्री-राफेलाइट्स द्वारा सौंदर्य के रचनाकारों के सामने यह कार्य निर्धारित किया गया था। और पहले से ही 19वीं सदी के अंत में। ऑस्कर वाइल्ड ने तर्क दिया कि "जीवन जीने की कला की बजाय कला का अनुकरण करता है।" व्यवहार और जीवन का एक स्पष्ट नाटकीयकरण हुआ, खेल ने न केवल कलात्मक संस्कृति की प्रकृति, बल्कि इसके रचनाकारों की जीवनशैली भी निर्धारित करना शुरू कर दिया।

आपके जीवन पर एक कविता बनाना एक महान कार्य था जिसे रजत युग के नायकों ने अपने लिए निर्धारित किया था। कवि व्लादिस्लाव खोडासेविच इसे इस प्रकार समझाते हैं: “प्रतीकवादी, सबसे पहले, लेखक को व्यक्ति से, साहित्यिक जीवनी को व्यक्तिगत से अलग नहीं करना चाहते थे। प्रतीकवाद केवल एक कला विद्यालय, एक साहित्यिक आंदोलन नहीं बनना चाहता था। हर समय वह जीवन में एक रचनात्मक पद्धति बनने का प्रयास करते रहे, और यह उनका सबसे गहरा, शायद असंभव, सत्य था; और इस निरंतर प्रयास में, मूलतः उनका संपूर्ण इतिहास घटित हुआ। यह जीवन और रचनात्मकता का एक त्रुटिहीन सच्चा संलयन, कला का एक प्रकार का दार्शनिक पत्थर खोजने के प्रयासों की एक श्रृंखला थी, कभी-कभी वास्तव में वीरतापूर्ण।

इस प्रयास के कुछ छाया पक्ष भी थे। अत्यधिक सभ्य भाषण और हावभाव, चौंकाने वाली वेशभूषा, ड्रग्स, आध्यात्मिकता - सदी के अंत में, ये सभी चुने जाने के संकेत थे और एक प्रकार के दंभ को जन्म देते थे।

साहित्यिक और कलात्मक बोहेमिया, जो खुद को जनता के साथ बिल्कुल अलग करता था, नवीनता, असामान्यता और तीव्र अनुभवों की तलाश करता था। रोजमर्रा की जिंदगी पर काबू पाने के तरीकों में से एक अपनी सबसे विविध अभिव्यक्तियों में जादू था। जादू, अध्यात्मवाद और थियोसॉफी ने नव-रोमांटिक प्रतीकवादियों को न केवल कला के कार्यों के लिए रंगीन सामग्री के रूप में आकर्षित किया, बल्कि अपने स्वयं के आध्यात्मिक क्षितिज का विस्तार करने के वास्तविक तरीकों के रूप में भी आकर्षित किया। उनका मानना ​​था कि जादुई ज्ञान में महारत हासिल करना, अंततः एक व्यक्ति को भगवान बना देता है, और यह मार्ग हर किसी के लिए बिल्कुल व्यक्तिगत है।

रूस में साहित्यिक और कलात्मक बुद्धिजीवियों की एक नई पीढ़ी उभरी है; वह न केवल अपने रचनात्मक हितों में "साठ के दशक" की पीढ़ी से बिल्कुल अलग थी; बाहरी मतभेद भी चौंकाने वाले थे। मिरिस्कुस्निक, गोलूबोरोज़ोविस्ट, प्रतीकवादी, एकमेइस्ट ने पोशाक और सामान्य उपस्थिति पर गंभीरता से ध्यान दिया। इस प्रवृत्ति को रूसी बांकावाद कहा जाता है; यह स्पष्ट रूप से पश्चिमी रुझान वाले लोगों के लिए विशिष्ट है।

यू.बी. डेमिडेंको लिखते हैं, "वीरतापूर्ण दृश्यों के एक मान्यता प्राप्त मास्टर के.ए. सोमोव की कल्पना करना असंभव है," जिन्होंने सावधानीपूर्वक और प्यार से अपने चित्रों में "आकर्षक और हवादार छोटी चीज़ों की भावना" को फिर से बनाया, जो एक सुस्त पुराने कपड़े पहने थे। फैशनेबल फ्रॉक कोट या गहरे रंग का वर्क वाला ब्लाउज। उन्होंने विशेष रूप से कटे हुए फ्रॉक कोट और बेहद सुंदर टाई पहनी थी।” एम. व्रुबेल और वी. बोरिसोव-मुसाटोव, एल. बक्स्ट, एस. डायगिलेव और अन्य विश्व कलाकारों ने कम सुंदर कपड़े नहीं पहने। इसके बहुत सारे सबूत हैं. लेकिन मिखाइल कुज़मिन को सही मायने में रजत युग के सेंट पीटर्सबर्ग सौंदर्यशास्त्र का राजा माना जाता है। सफ़ेद पत्थर वाला भी पीछे नहीं रहा; "गोल्डन फ़्लीस" और "लिब्रा" पत्रिकाओं के संपादकीय कार्यालयों के कई कर्मचारियों को भी रूसी बांका कहलाने का पूरा अधिकार था।

जीवन का नाटकीयकरण सहजता से एक कार्निवल में प्रवाहित हुआ। पश्चिम-समर्थक सौंदर्यवादी बोहेमिया के विपरीत, राष्ट्रीय विचार के अनुयायी गाँव की पोशाक पहनते हैं, और अधिक बार छद्म-गाँव की पोशाक पहनते हैं। ओवरकोट, रेशम शर्ट, मोरक्को जूते, बास्ट जूते, आदि। यसिनिन, क्लाइव, चालियापिन, गोर्की ने इसका आनंदपूर्वक उपयोग किया। सदी की शुरुआत में पश्चिमी और स्लावोफाइल दोनों ही व्यवहार में अपने सौंदर्य सिद्धांतों को व्यक्त करने की इच्छा के प्रति समान रूप से संवेदनशील थे और इस तरह जीवन और कला के बीच की खाई को पाटते थे।

रूस में रजत युग ने अभिजात वर्ग के लिए सभी प्रकार के मंडलियों और बैठकों की एक उचित संख्या को जन्म दिया। कला की दुनिया के संस्थापकों ने एक स्व-शिक्षा मंडल का आयोजन करके अपनी यात्रा शुरू की; उन्होंने खुद को ऑटोडिडैक्ट्स कहा। पहली बैठकों में ललित कलाओं के विकास से संबंधित विषयों पर रिपोर्टें बनाई गईं।

सदी की शुरुआत में सेंट पीटर्सबर्ग में सबसे प्रसिद्ध और एक ही समय में बहुत रहस्यमय बैठक बुधवार थी

व्याचेस्लाव इवानोव - पौराणिक टॉवर में। रूसी प्रतीकवाद के सबसे गहन विचारकों में से एक, व्याच इवानोव, एफ नीत्शे के दर्शन के शौकीन थे और प्राचीन संस्कृति के गहरे पारखी थे; उन्हें विशेष रूप से डायोनिसियन रहस्यों में रुचि थी (इस विषय पर उनका मुख्य काम, "डायोनिसस और प्री-डायोनिसियनिज्म," देर से केवल 1923 में प्रकाशित हुआ था)। इवानोव का अपार्टमेंट, टावरिचेस्काया स्ट्रीट पर एक कोने की इमारत की सबसे ऊपरी मंजिल पर स्थित है, जहां से एक टावर दिखता है, जो प्रतीकवाद के कलात्मक और साहित्यिक अभिजात वर्ग के लिए एक सभा स्थल बन गया। के. सोमोव, एम. डोबज़िंस्की, ए. ब्लोक, जेड. गिपियस, एफ. सोलोगब, बनाम मेयरहोल्ड, एस. सुदेइकिन अक्सर यहां आते थे। कई अफवाहों ने इवानोव के टॉवर को घेर लिया। यह विश्वसनीय रूप से ज्ञात है कि डायोनिसियन खेल वहाँ प्राचीन कपड़े पहनकर और पूजा-अर्चना के साथ आयोजित किए जाते थे। यहां आध्यात्मिक सत्र आयोजित किए गए, अचानक प्रदर्शन किए गए, लेकिन मुख्य बात विभिन्न दार्शनिक, धार्मिक और सौंदर्य संबंधी मुद्दों पर रिपोर्ट और चर्चा थी। व्याच.इवानोव और उनके समान विचारधारा वाले लोगों ने पवित्र आत्मा के आने वाले रहस्योद्घाटन का प्रचार किया; यह मान लिया गया था कि जल्द ही एक नया धर्म उत्पन्न होगा - तीसरा नियम (पहला - पुराना नियम - ईश्वर पिता से; दूसरा - नया नियम - ईश्वर पुत्र से; तीसरा - पवित्र आत्मा से)। स्वाभाविक रूप से, रूढ़िवादी चर्च ने ऐसे विचारों की निंदा की।

इस प्रकार के मंडल और समाज, शायद, रूसी साम्राज्य के सभी सांस्कृतिक केंद्रों में थे; कुछ समय बाद वे रूसी प्रवासन के जीवन का एक अभिन्न अंग बन गए।

रजत युग में जीवन के नाटकीयकरण का एक और संकेत कई साहित्यिक और कलात्मक कैबरे का उद्भव है। सेंट पीटर्सबर्ग में, सबसे लोकप्रिय कैबरे थिएटर "स्ट्रे डॉग" और "कॉमेडियंस हॉल्ट" थे, और मॉस्को में, "द बैट।"

1908 में निकिता बलिएव द्वारा आयोजित, कैबरे थिएटर "द बैट" 1915 में विशेष रूप से प्रसिद्ध हो गया, जब यह प्रसिद्ध गगनचुंबी इमारत - बोल्शॉय गनेज़्डनिकोवस्की लेन में निरन्ज़ी हाउस के तहखाने में बसा। कलाकार सर्गेई सुदेइकिन ने फ़ोयर को चित्रित किया, और पर्दा उनके स्केच के अनुसार बनाया गया था। यह कैबरे थिएटर सीधे तौर पर मॉस्को आर्ट थिएटर की मनोरंजक प्रस्तुतियों से विकसित हुआ, जहां निकिता बालिएव ने अपने अभिनय करियर की शुरुआत की। "द बैट" के प्रदर्शनों की सूची में नाटकीय लघुचित्र, ओपेरा और काफी गंभीर प्रदर्शन शामिल थे। मेजों पर चबाने वाली भीड़ की जगह अंततः कुर्सियों की पंक्तियों में बैठे दर्शकों ने ले ली। मॉस्को की कलात्मक दुनिया ने यहां आराम किया और मौज-मस्ती की। 1920 में, बालिएव मंडली के सबसे अच्छे हिस्से के साथ चले गए।

तो, एकल शैली जो रूस में उत्पन्न हुई और रजत युग की अवधारणा का पर्याय बन गई, वह वास्तव में सार्वभौमिक थी, क्योंकि - यद्यपि थोड़े समय के लिए - इसने न केवल रचनात्मकता के सभी क्षेत्रों को कवर किया, बल्कि सीधे तौर पर अंतिम लोगों के जीवन को भी कवर किया। डे सिएकल युग. हर महान शैली ऐसी ही होती है।

व्रुबेल
1856 –1910

"द सिक्स-विंग्ड सेराफ" व्रुबेल के अंतिम कार्यों में से एक है। उन्होंने इसे कठिन मानसिक स्थिति में अस्पताल में लिखा था। अपने नवीनतम चित्रों में, व्रुबेल आकृतियों और स्थान के चित्रण में यथार्थवाद से दूर चले जाते हैं। वह स्ट्रोक्स की एक पूरी तरह से विशेष मोज़ेक विकसित करता है, जो केवल उसकी विशेषता है, जो प्लास्टिक समाधान की सजावट को बढ़ाती है। संपूर्ण चित्र में व्याप्त आध्यात्मिक प्रकाश के कंपन की अनुभूति होती है।

"द सिक्स-विंग्ड सेराफिम" जाहिर तौर पर ए.एस. पुश्किन की प्रसिद्ध कविता "द प्रोफेट" से प्रेरित है। चित्र को "दानव" के समान माना जाता है और यह बाद के चित्रों - "पैगंबर के प्रमुख" और "पैगंबर ईजेकील के दर्शन" की ओर ले जाता है।

सेरोव
1865 –1911

कला जगत के छात्रों में, वैलेन्टिन सेरोव यथार्थवादी परंपरा के सबसे करीब थे। शायद वह रजत युग के रूसी चित्रकारों में सबसे महत्वपूर्ण थे। उन्होंने पोर्ट्रेट पेंटिंग बनाईं जहां चरित्र को जीवित वातावरण के साथ सक्रिय बातचीत में दर्शाया गया है।

अंतिम अवधि के उनके सर्वश्रेष्ठ कार्यों में से एक, राजकुमारी ओल्गा कोन्स्टेंटिनोव्ना ओरलोवा का चित्र, इस सिद्धांत से मेल खाता है। यहां सब कुछ समरूपता और विरोधाभासों पर बनाया गया है, हालांकि, एक निश्चित सद्भाव में लाया गया है। इस प्रकार, चित्रित किए जा रहे व्यक्ति के सिर और शरीर को बहुत ही त्रि-आयामी तरीके से प्रस्तुत किया गया है, और पैरों को लगभग सपाट सिल्हूट दिया गया है। वह त्रिभुज जिसमें आकृति अंकित है, न्यूनकोण पर टिका है; चित्र फ़्रेम आक्रामक रूप से मॉडल के सिर पर लक्षित होते हैं। हालाँकि, एक विशाल टोपी से घिरे चेहरे की शांत, बिल्कुल आश्वस्त अभिव्यक्ति, समृद्ध इंटीरियर की वस्तुओं की अचानक गति को रोकती प्रतीत होती है। जाहिरा तौर पर, जिस व्यक्ति को चित्रित किया जा रहा है उसके प्रति सेरोव का रवैया काफी विडंबनापूर्ण था।

रोएरिच
1874 –1947

निकोलस रोएरिच न केवल एक कलाकार थे, बल्कि एक इतिहासकार भी थे। पुरातत्व में भी उनकी रुचि जगजाहिर है. यह उनकी कला में झलकता है. कलाकार को विशेष रूप से स्लाव बुतपरस्त पुरातनता और प्रारंभिक ईसाई धर्म में रुचि थी। रोएरिच सुदूर अतीत के लोगों की आध्यात्मिक दुनिया और प्राकृतिक दुनिया में घुलने-मिलने की उनकी क्षमता के करीब है।

पेंटिंग "अलेक्जेंडर नेवस्की ने जारल बिगर पर हमला किया" एक प्राचीन लघुचित्र का एक बहुत ही सफल शैलीकरण है। समोच्च रेखाएं और स्थानीय रंग के धब्बे छवि में निर्णायक भूमिका निभाते हैं।

बक्स्ट
1866 –1924

लेव बक्स्ट अन्य विश्व कला कलाकारों की तुलना में आर्ट नोव्यू के यूरोपीय संस्करण के करीब आये। यह बात उनकी कृति "डिनर" में स्पष्ट रूप से दिखाई देती है। लचीली रूपरेखा, रूप की सामान्यीकृत व्याख्या, संक्षिप्त रंग और छवि का सपाटपन, एडवर्ड मंच, एंड्रेस ज़ोर्न और अन्य जैसे पश्चिमी कलाकारों के बैकस्ट पर प्रभाव का संकेत देता है।

बोरिसोव-मुसाटोव
1870 –1905

बोरिसोव-मुसाटोव के सभी चित्रों में, सुंदर सद्भाव का एक रोमांटिक सपना, जो आधुनिक दुनिया से पूरी तरह से अलग है, अभिव्यक्ति पाता है। वह सच्चे गीतकार थे, प्रकृति के प्रति संवेदनशील थे, प्रकृति के साथ मनुष्य के मिलन को महसूस करते थे।

"जलाशय" शायद कलाकार का सबसे उत्तम काम है। उनके काम के सभी मुख्य रूप यहां मौजूद हैं: प्राचीन पार्क, "तुर्गनेव गर्ल्स", समग्र स्थिर रचना, शांत रंग, बढ़ी हुई "टेपेस्ट्री" सजावट... "जलाशय" की नायिकाओं की छवियां कलाकार की बहन को दर्शाती हैं और पत्नी.

अपनी उत्कृष्ट कृति में, बोरिसोव-मुसाटोव एक कालातीत राज्य का चित्रण करने में कामयाब रहे। सामान्यीकृत तटस्थ नाम "जलाशय" एक सार्वभौमिक सामंजस्यपूर्ण प्राकृतिक-मानवीय एकता - अविभाज्यता की छवि को उजागर करता है, और छवि स्वयं एक संकेत में बदल जाती है जिसके लिए मौन चिंतन की आवश्यकता होती है।

19वीं और 20वीं शताब्दी के मोड़ पर रूसी चित्रकला में महत्वपूर्ण परिवर्तन हुए। शैली के दृश्य पृष्ठभूमि में फीके पड़ गए। परिदृश्य ने अपनी फोटोग्राफिक गुणवत्ता और रैखिक परिप्रेक्ष्य खो दिया और रंग धब्बों के संयोजन और खेल के आधार पर अधिक लोकतांत्रिक बन गया। चित्र अक्सर पृष्ठभूमि की सजावटी पारंपरिकता और चेहरे की मूर्तिकला स्पष्टता को जोड़ते हैं।

रूसी चित्रकला में एक नए चरण की शुरुआत रचनात्मक संघ "वर्ल्ड ऑफ़ आर्ट" से जुड़ी है। XIX सदी के 80 के दशक के अंत में। सेंट पीटर्सबर्ग में, हाई स्कूल के छात्रों और कला प्रेमियों का एक समूह पैदा हुआ। वे प्रतिभागियों में से एक के अपार्टमेंट में एकत्र हुए - एलेक्जेंड्रा बेनोइस. आकर्षक और अपने चारों ओर एक रचनात्मक माहौल बनाने में सक्षम, वह शुरू से ही मंडली की आत्मा बन गए। इसके स्थाई सदस्य थे कॉन्स्टेंटिन सोमोव और लेव बकस्ट . बाद में वे बेनोइट के भतीजे यूजीन लांसरे और से जुड़ गए सर्गेई डायगिलेव , जो प्रांत से आये थे।

मंडली की बैठकें थोड़ी विदूषक प्रकृति की होती थीं। लेकिन इसके सदस्यों द्वारा प्रस्तुत रिपोर्ट सावधानीपूर्वक और गंभीरता से तैयार की गई थी। सभी प्रकार की कलाओं को एकजुट करने और विभिन्न लोगों की संस्कृतियों को एक साथ लाने के विचार से मित्र मोहित हो गए। उन्होंने चिंता और कड़वाहट के साथ कहा कि रूसी कला पश्चिम में बहुत कम जानी जाती है और घरेलू कलाकार आधुनिक यूरोपीय कलाकारों की उपलब्धियों से पर्याप्त रूप से परिचित नहीं हैं।

दोस्त बड़े हुए, रचनात्मकता में चले गए और अपनी पहली गंभीर रचनाएँ बनाईं। और उन्होंने इस बात पर ध्यान नहीं दिया कि डायगिलेव सर्कल के शीर्ष पर कैसे पहुंचे। पूर्व प्रांतीय एक परिष्कृत कलात्मक स्वाद और व्यावसायिक कौशल के साथ एक उच्च शिक्षित युवा व्यक्ति में बदल गया। वह स्वयं किसी भी प्रकार की कला में पेशेवर रूप से शामिल नहीं हुए, लेकिन एक नए रचनात्मक संघ के मुख्य आयोजक बन गए। डायगिलेव के चरित्र में, दक्षता और शांत गणना कुछ साहसिकता के साथ मौजूद थी, और उनके साहसिक उपक्रम अक्सर सफलता लाते थे।

1898 में, दिगिलेव ने सेंट पीटर्सबर्ग में रूसी और फिनिश कलाकारों की एक प्रदर्शनी का आयोजन किया। मूलतः, यह एक नई दिशा के कलाकारों की पहली प्रदर्शनी थी। इसके बाद अन्य वर्निसेज आयोजित किए गए और अंततः 1906 में पेरिस में "रूसी चित्रकला और मूर्तिकला की दो शताब्दी" प्रदर्शनी आयोजित की गई। पश्चिमी यूरोप में रूस की "सांस्कृतिक सफलता" डायगिलेव और उनके दोस्तों के प्रयासों और उत्साह की बदौलत हुई।

1898 में, बेनोइस-डायगिलेव सर्कल ने "वर्ल्ड ऑफ़ आर्ट" पत्रिका का प्रकाशन शुरू किया। डायगिलेव के प्रोग्रामेटिक लेख में कहा गया है कि कला का उद्देश्य निर्माता की आत्म-अभिव्यक्ति है। दिगिलेव ने लिखा, कला का उपयोग किसी भी सामाजिक सिद्धांत को चित्रित करने के लिए नहीं किया जाना चाहिए। यदि यह वास्तविक है, तो यह अपने आप में जीवन का सत्य है, एक कलात्मक सामान्यीकरण है, और कभी-कभी एक रहस्योद्घाटन भी है।

"कला की दुनिया" नाम को पत्रिका से कलाकारों के एक रचनात्मक संघ में स्थानांतरित कर दिया गया, जिसकी रीढ़ एक ही मंडली से बनी थी। वी. ए. सेरोव, एम. ए. व्रुबेल, एम. वी. नेस्टरोव, आई. आई. लेविटन, एन. के. रोएरिच जैसे मास्टर्स एसोसिएशन में शामिल हुए। वे सभी एक-दूसरे से बहुत कम मिलते-जुलते थे और विभिन्न रचनात्मक शैलियों में काम करते थे। और फिर भी उनकी रचनात्मकता, मनोदशा और विचारों में बहुत कुछ समान था।

औद्योगिक युग की शुरुआत से "मिर्स्कुस्निकी" चिंतित हो गया था, जब विशाल शहर विकसित हो रहे थे, बिना चेहरे वाली फ़ैक्टरी इमारतों का निर्माण किया गया था और अकेले लोगों का निवास था। वे चिंतित थे कि कला, जो जीवन में सद्भाव और शांति लाने के लिए बनाई गई थी, तेजी से इससे बाहर होती जा रही है और "चुने हुए लोगों" के एक छोटे समूह की संपत्ति बनती जा रही है। उन्हें आशा थी कि कला, जीवन में लौटकर, धीरे-धीरे लोगों को नरम, आध्यात्मिक और एकजुट करेगी।

"मिरिस्कुस्निकी" का मानना ​​था कि पूर्व-औद्योगिक काल में लोग कला और प्रकृति के निकट संपर्क में आते थे। 18वीं शताब्दी उन्हें विशेष रूप से आकर्षक लगती थी। लेकिन वे अभी भी समझते थे कि वोल्टेयर और कैथरीन का युग उतना सामंजस्यपूर्ण नहीं था जितना उन्हें लगता है, और इसलिए राजाओं, साम्राज्ञियों, सज्जनों और महिलाओं के साथ कुछ वर्साय और सार्सकोए सेलो परिदृश्य उदासी और आत्म-विडंबना की हल्की धुंध में डूबे हुए हैं। . ए.एन. बेनोइस, के.ए. सोमोव या ई.ई. लांसरे का प्रत्येक ऐसा परिदृश्य मानो एक आह के साथ समाप्त हो गया है: यह अफ़सोस की बात है कि यह हमेशा के लिए चला गया है! बहुत बुरा यह वास्तव में उतना सुंदर नहीं था!

तेल चित्रकला, जो कला की दुनिया के कलाकारों को कुछ हद तक भारी लगती थी, उनके काम में पृष्ठभूमि में फीकी पड़ गई। वॉटरकलर, पेस्टल और गौचे का उपयोग अधिक बार किया गया, जिससे हल्के, हवादार रंगों में काम करना संभव हो गया। नई पीढ़ी के कलाकारों के काम में चित्रकारी ने एक विशेष भूमिका निभाई। उत्कीर्णन की कला को पुनर्जीवित किया गया। इसका अधिकांश श्रेय ए.पी. ओस्ट्रौमोवा-लेबेडेवा को है। शहरी परिदृश्य की विशेषज्ञ, उन्होंने अपनी नक्काशी में कई यूरोपीय शहरों (रोम, पेरिस, एम्स्टर्डम, ब्रुग्स) को कैद किया। लेकिन उनके काम के केंद्र में सेंट पीटर्सबर्ग और उसके महल उपनगर थे - सार्सकोए सेलो, पावलोव्स्क, गैचीना। उनकी नक्काशी में उत्तरी राजधानी की कठोर और संयमित उपस्थिति सफेद, काले और भूरे रंगों के विरोधाभासों में, सिल्हूट और रेखाओं की तीव्र लय में परिलक्षित होती थी।

पुस्तक ग्राफ़िक्स और पुस्तकों की कला का पुनरुद्धार "मिरिस्कुस्निक" की रचनात्मकता से जुड़ा है। खुद को चित्रण तक सीमित न रखते हुए, कलाकारों ने आर्ट नोव्यू शैली में स्प्लैश पेज, जटिल विगनेट्स और अंत को किताबों में पेश किया। यह स्पष्ट हो गया कि किसी पुस्तक का डिज़ाइन उसकी सामग्री से निकटता से जुड़ा होना चाहिए। ग्राफिक डिजाइनर ने पुस्तक प्रारूप, कागज का रंग, फ़ॉन्ट और ट्रिम जैसे विवरणों पर ध्यान देना शुरू किया। उस समय के कई उत्कृष्ट स्वामी पुस्तकों के डिज़ाइन में शामिल थे। पुश्किन का "द ब्रॉन्ज़ हॉर्समैन" बेनोइस के चित्रों के साथ और टॉल्स्टॉय का "हाजी मुराद" लांसरे के चित्रों के साथ मजबूती से जुड़ा हुआ था। 20वीं सदी की शुरुआत पुस्तक कला के कई उच्च-गुणवत्ता वाले उदाहरणों के साथ पुस्तकालय की अलमारियों पर जमा किया गया।

कला जगत के कलाकारों ने कला, विशेषकर संगीत को उदारतापूर्वक श्रद्धांजलि अर्पित की। उस समय के कलाकारों की सजावट - कभी अति परिष्कृत, कभी आग की तरह धधकती - संगीत, नृत्य और गायन के साथ मिलकर, एक चमकदार शानदार दृश्य पैदा करती थी। एल.एस. बक्स्ट ने बैले "शेहरज़ादे" (रिमस्की-कोर्साकोव के संगीत के लिए) की सफलता में महत्वपूर्ण योगदान दिया। ए. या. गोलोविन ने बैले "द फायरबर्ड" (आई.एफ. स्ट्राविंस्की के संगीत पर) को समान रूप से उज्ज्वल और उत्सवपूर्ण तरीके से डिजाइन किया। इसके विपरीत, ओपेरा "प्रिंस इगोर" के लिए एन.के. रोएरिच की दृश्यावली बहुत संयमित और गंभीर है।

बैले "पेत्रुस्का", जो कई देशों में थिएटर मंच के आसपास चला गया, संगीतकार इगोर स्ट्राविंस्की और कलाकार अलेक्जेंड्रे बेनोइस का संयुक्त काम था। पेत्रुस्का को बैलेरीना से कैसे प्यार हो गया, इसकी सरल कहानी, थोड़ी विडंबना और उदासी के साथ शालीनता से निभाई गई, एक क्रूर दुनिया में कलाकार के भाग्य के बारे में निराशाजनक विचार पैदा करती है जहां शारीरिक ताकत और क्रूर जुनून शासन करते हैं।

नाट्य चित्रकला के क्षेत्र में, "मिरइस्कुस्निक" अपने पोषित सपने को पूरा करने के सबसे करीब आ गए - विभिन्न प्रकार की कलाओं को एक काम में संयोजित करना।

वर्ल्ड ऑफ आर्ट एसोसिएशन का भाग्य कठिन निकला। 1904 के बाद पत्रिका का प्रकाशन बंद हो गया। इस समय तक, कई कलाकार एसोसिएशन छोड़ चुके थे, और यह मूल मंडली के आकार तक सिकुड़ गया था। इसके सदस्यों के रचनात्मक और व्यक्तिगत संबंध कई वर्षों तक जारी रहे। "कला की दुनिया" दो शताब्दियों की सीमा का एक कलात्मक प्रतीक बन गया है। रूसी चित्रकला के विकास का एक पूरा चरण इसके साथ जुड़ा हुआ है। एसोसिएशन में एक विशेष स्थान पर एम. ए. व्रुबेल, एम. वी. नेस्टरोव और एन. के. रोएरिच का कब्जा था।

मिखाइल अलेक्जेंड्रोविच व्रुबेल (1856-1910) एक बहुमुखी प्रतिभा के धनी गुरु थे। उन्होंने स्मारकीय भित्तिचित्रों, पेंटिंग्स, सजावट, पुस्तक चित्रण और रंगीन ग्लास के चित्रों पर सफलतापूर्वक काम किया। और वह हमेशा स्वयं, भावुक, भावुक, कमजोर बने रहे। उनके काम में तीन मुख्य विषय, तीन उद्देश्य चलते हैं।

पहला, आध्यात्मिक रूप से उदात्त, स्वयं प्रकट हुआ, सबसे पहले, बच्चे के साथ भगवान की युवा माँ की छवि में, कीव में सेंट सिरिल चर्च के आइकोस्टेसिस के लिए चित्रित।

व्रुबेल के राक्षसी इरादे लेर्मोंटोव की कविता से प्रेरित थे। लेकिन व्रुबेल का दानव एक स्वतंत्र कलात्मक छवि बन गया। व्रुबेल के लिए, दानव, एक गिरा हुआ और पापी देवदूत, एक दूसरे "मैं" की तरह निकला - एक प्रकार का गीतात्मक नायक। इस विषय को फिल्म "द सीटेड डेमन" में विशेष बल के साथ सुना गया था। दानव की शक्तिशाली आकृति लगभग पूरे कैनवास को कवर करती है। ऐसा लग रहा है जैसे उसे खड़ा होकर सीधा हो जाना चाहिए. लेकिन आपके हाथ नीचे झुके हुए हैं, आपकी उंगलियां दर्द से आपस में चिपकी हुई हैं, और आपकी आंखों में गहरी उदासी है। यह व्रुबेल का दानव है: लेर्मोंटोव के विपरीत, वह इतना निर्दयी विध्वंसक नहीं है जितना कि एक पीड़ित व्यक्तित्व।

1896 में, निज़नी नोवगोरोड में अखिल रूसी प्रदर्शनी के लिए, व्रुबेल ने पैनल "मिकुला सेलेनिनोविच" को चित्रित किया, जिसमें उन्होंने लोक नायक-हल चलाने वाले को ऐसी शक्ति प्रदान की, जैसे कि उसमें पृथ्वी की आदिम शक्ति ही समाहित हो। इस प्रकार व्रुबेल के काम में तीसरी दिशा प्रकट हुई - महाकाव्य-लोक दिशा। उनका "बोगटायर" इसी भावना से लिखा गया था, अतिरंजित रूप से शक्तिशाली, एक विशाल घोड़े पर बैठा हुआ। पेंटिंग "पैन" इसी शृंखला से सटी हुई है। वन देवता को नीली आंखों और मजबूत हाथों वाले झुर्रीदार बूढ़े व्यक्ति के रूप में दर्शाया गया है।

व्रुबेल के जीवन के अंतिम वर्ष गंभीर मानसिक बीमारी से ग्रस्त थे। आत्मज्ञान के क्षणों में, उनके मन में नए विचारों का जन्म हुआ - "पैगंबर ईजेकील का दर्शन", "छह पंखों वाला सेराफिम"। शायद वह अपनी रचनात्मकता की तीन मुख्य दिशाओं को जोड़ना, एक साथ मिलाना चाहते थे। लेकिन ऐसा संश्लेषण व्रुबेल की शक्ति से भी परे था। अपने अंतिम संस्कार के दिन, बेनोइट ने कहा कि आने वाली पीढ़ियाँ "19वीं सदी के आखिरी दशकों को देखेंगी। जैसा कि "व्रुबेल के युग" में था... यह उनमें था कि हमारा समय खुद को सबसे सुंदर और दुखद तरीके से व्यक्त करने में सक्षम था।"

मिखाइल वासिलिविच नेस्टरोव (1862-1942) ने अपनी प्रारंभिक रचनाएँ वांडरर्स की भावना से लिखीं। लेकिन फिर उनके काम में धार्मिक रूपांकन दिखाई देने लगे। नेस्टरोव ने रेडोनज़ के सर्गेई को समर्पित चित्रों की एक श्रृंखला लिखी। उनमें से सबसे पहली पेंटिंग "विज़न टू द यूथ बार्थोलोम्यू" (1889-1890) थी। सफेद सिर वाला लड़का, जिसे प्राचीन रूस का आध्यात्मिक गुरु बनना तय था, भविष्यवाणी के शब्दों को श्रद्धापूर्वक सुनता है, और पूरी प्रकृति, गर्मियों के अंत का सरल रूसी परिदृश्य, श्रद्धा की इस भावना से भरा हुआ प्रतीत होता है .

नेस्टरोव की पेंटिंग में प्रकृति एक विशेष भूमिका निभाती है। उनके चित्रों में वह एक "चरित्र" के रूप में काम करती हैं, जो समग्र मनोदशा को बढ़ाती है। कलाकार उत्तरी गर्मियों के सूक्ष्म और पारदर्शी परिदृश्यों में विशेष रूप से सफल रहे। उन्हें शरद ऋतु की दहलीज पर मध्य रूसी प्रकृति को चित्रित करना पसंद था, जब शांत खेत और जंगल इसकी प्रतीक्षा करने की तैयारी कर रहे थे। नेस्टरोव के पास लगभग कोई "निर्जन" परिदृश्य नहीं है और परिदृश्य के बिना पेंटिंग दुर्लभ हैं।

नेस्टरोव के काम में धार्मिक उद्देश्य उनकी चर्च पेंटिंग में पूरी तरह से व्यक्त किए गए थे। उनके रेखाचित्रों के आधार पर, अलेक्जेंडर द्वितीय की हत्या के स्थल पर सेंट पीटर्सबर्ग में बनाए गए चर्च ऑफ द रिसरेक्शन ऑफ क्राइस्ट के अग्रभाग पर कुछ मोज़ेक कार्यों को निष्पादित किया गया था।

कलाकार ने रूस के प्रमुख लोगों के चित्रों की एक पूरी गैलरी बनाई। अक्सर, उन्होंने मनुष्य और प्रकृति के बीच "संवाद" के अपने पसंदीदा विषय को जारी रखते हुए, अपने नायकों को खुली हवा में चित्रित किया। एल.एन. टॉल्स्टॉय को यास्नाया पोलियाना पार्क के एक दूरदराज के कोने में, धार्मिक दार्शनिक एस.एन. बुल्गाकोव और पी.ए. फ्लोरेंस्की - एक सैर के दौरान (पेंटिंग "फिलॉसॉफर्स") पर कब्जा कर लिया गया था।

सोवियत सत्ता के वर्षों के दौरान चित्रण नेस्टरोव की रचनात्मकता की मुख्य दिशा बन गई। उन्होंने मुख्य रूप से आत्मा में अपने करीबी लोगों, रूसी बुद्धिजीवियों को लिखा। उनकी विशेष उपलब्धि शिक्षाविद् आई. पी. पावलोव का अभिव्यंजक चित्र था।

निकोलस कोन्स्टेंटिनोविच रोएरिच (1874-1947) ने अपने जीवन के दौरान सात हजार से अधिक पेंटिंग बनाईं। उन्होंने हमारे देश और विदेश के कई शहरों के संग्रहालयों को सजाया। कलाकार वैश्विक स्तर पर एक सार्वजनिक हस्ती बन गया। लेकिन उनके काम का प्रारंभिक चरण रूस का है।

रोएरिच पुरातत्व के माध्यम से चित्रकला में आए। अपने हाई स्कूल के वर्षों में भी, उन्होंने प्राचीन दफन टीलों की खुदाई में भाग लिया। युवक की कल्पना ने दूर के युगों के ज्वलंत चित्र चित्रित किए। हाई स्कूल के बाद, रोएरिच ने एक साथ विश्वविद्यालय और कला अकादमी में प्रवेश किया। युवा कलाकार ने अपनी पहली बड़ी योजना - चित्रों की एक श्रृंखला "द बिगिनिंग ऑफ रस" को लागू करना शुरू किया। स्लाव"।

इस शृंखला की पहली तस्वीर, “मैसेंजर।” पीढ़ी दर पीढ़ी ऊपर उठती गई,'' यह वांडरर्स की शैली में लिखा गया था। इसके बाद, रंग ने रोएरिच की पेंटिंग में तेजी से सक्रिय भूमिका निभानी शुरू कर दी - शुद्ध, गहन, असामान्य रूप से अभिव्यंजक। इस तरह पेंटिंग "प्रवासी मेहमान" चित्रित की गई थी। गहरे नीले-हरे रंग का उपयोग करते हुए, कलाकार नदी के पानी की शुद्धता और शीतलता को व्यक्त करने में कामयाब रहे। एक विदेशी नाव की पीली-लाल पाल हवा में उड़ रही है। उसका प्रतिबिम्ब लहरों में कुचला हुआ है। इन रंगों का खेल उड़ते हुए सीगल की एक सफेद बिंदीदार रेखा से घिरा हुआ है।

पुरातनता में अपनी रुचि के बावजूद, रोएरिच ने आधुनिक जीवन नहीं छोड़ा, इसकी आवाज़ें सुनीं और जो दूसरों ने नहीं सुना, उसे पकड़ने में सक्षम थे। वह रूस और दुनिया की स्थिति के बारे में बहुत चिंतित थे। 1912 की शुरुआत में, रोएरिच ने अजीब चित्रों की एक श्रृंखला बनाई, जिसमें ऐसा प्रतीत होता है, कार्रवाई का कोई विशिष्ट स्थान नहीं है, युग मिश्रित हैं। ये एक तरह के "भविष्यवाणी सपने" हैं। इनमें से एक पेंटिंग का नाम "द लास्ट एंजेल" है। एक देवदूत घूमते हुए लाल बादलों में चढ़ता है, और भूमि को आग में डूबा हुआ छोड़ देता है।

युद्ध के दौरान चित्रित चित्रों में, रोएरिच धर्म और शांतिपूर्ण श्रम के मूल्यों को फिर से बनाने की कोशिश करता है। वह लोक रूढ़िवादी के उद्देश्यों की ओर मुड़ता है। उनके कैनवस पर, संत धरती पर उतरते हैं, लोगों की परेशानी दूर करते हैं और उन्हें खतरे से बचाते हैं। रोएरिच ने इस शृंखला की आखिरी पेंटिंग विदेशी धरती पर पूरी कीं। उनमें से एक ("ज़्वेनिगोरोड") में, सफेद वस्त्र और सुनहरे आभामंडल वाले संत एक प्राचीन मंदिर से बाहर आते हैं और पृथ्वी को आशीर्वाद देते हैं। इस समय सोवियत रूस में, चर्च का उत्पीड़न सामने आ रहा था, चर्चों को नष्ट कर दिया गया और अपवित्र कर दिया गया। संत लोगों के पास गए।

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"रजत युग" रूसी इतिहास में दो शताब्दियों का जंक्शन है: XIX और XX। इस समय, निम्नलिखित कलात्मक रुझान सामने आए: यथार्थवाद; आधुनिकता

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यथार्थवाद. वी.एम. वास्नेत्सोव

विक्टर मिखाइलोविच वासनेत्सोव 1848 -1926 - रूसी कलाकार, चित्रकार और वास्तुकार, ऐतिहासिक और लोकगीत चित्रकला के मास्टर। गामायुं 1897

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बोगटायर्स 1898

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आधुनिकता

आधुनिकतावाद का मूल सिद्धांत: पिछले युगों की कला की स्वतंत्रता और अमानवीयता से लड़ने में असमर्थता का विचार, इन सब पर कब्जा करने में असमर्थता। आधुनिकतावाद की मुख्य विशेषता: कलाकार अपनी इच्छाशक्ति और रचनात्मकता को क्रूर वास्तविकता से लड़ने के लिए निर्देशित करता है, पिछले आदर्शों की सीमाओं को मिटा देता है।

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ललित कला में आधुनिकतावाद एक सांस्कृतिक परत है जो कई अवधारणाओं को शामिल करती है: प्रभाववाद, अभिव्यक्तिवाद, घनवाद, प्रतीकवाद, भविष्यवाद।

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प्रभाववाद

प्रभाववाद (इंप्रेशन से - इंप्रेशन) 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत की कला में एक आंदोलन है। फ्रांस में दिखाई दिया. प्रतिनिधियों ने सबसे प्राकृतिक और निष्पक्ष तरीके से वास्तविक दुनिया को उसकी गतिशीलता और परिवर्तनशीलता में पकड़ने और अपने क्षणभंगुर छापों को व्यक्त करने की कोशिश की।

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वी.ए. सेरोव

वैलेन्टिन अलेक्जेंड्रोविच सेरोव (1865-1911) - रूसी चित्रकार और ग्राफिक कलाकार, चित्रांकन के मास्टर।

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कलाकार के चचेरे भाई

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इक्सप्रेस्सियुनिज़म

अभिव्यक्तिवाद (एक्सप्रेसियो से, "अभिव्यक्ति") आधुनिकतावाद में एक आंदोलन है जिसका सबसे बड़ा विकास 20वीं सदी के पहले दशकों में हुआ, मुख्य रूप से जर्मनी और ऑस्ट्रिया में। अभिव्यक्तिवाद वास्तविकता को पुन: पेश करने का उतना प्रयास नहीं करता जितना कि लेखक की भावनात्मक स्थिति को व्यक्त करने का।

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नॉर्वेजियन कलाकार एडवर्ड मंच (1893) द्वारा लिखित "द स्क्रीम" अभिव्यक्तिवादी कला का एक अनूठा प्रदर्शन है

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मार्क चागल ग्राफिक कलाकार, चित्रकार, थिएटर कलाकार, चित्रकार

पंखे के साथ दुल्हन 1911 मैं और गाँव 1911

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क्यूबिज्म

क्यूबिज्म (फादर क्यूबिज्म) दृश्य कला में एक आधुनिकतावादी आंदोलन है, मुख्य रूप से पेंटिंग में, जो 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में उत्पन्न हुआ और जोरदार ज्यामितीय पारंपरिक रूपों के उपयोग की विशेषता है, वास्तविक वस्तुओं को स्टीरियोमेट्रिक में "विभाजित" करने की इच्छा आदिम। लेंटुलोव। तुलसी धन्य. बज

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हुसोव सर्गेवना पोपोवा

एक दार्शनिक का चित्रण, 1915

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प्रतीकों

प्रतीकवाद (फ्रांसीसी प्रतीकवाद) कला में सबसे बड़े आंदोलनों में से एक है जो फ्रांस में उभरा और 19वीं और 20वीं शताब्दी के अंत में अपने सबसे बड़े विकास तक पहुंचा, सबसे पहले फ्रांस, बेल्जियम और रूस में। प्रतीकवादियों ने न केवल विभिन्न प्रकार की कलाओं को, बल्कि इसके प्रति दृष्टिकोण को भी मौलिक रूप से बदल दिया। प्रतीकवादियों ने प्रतीकवाद, अल्पकथन, संकेत, रहस्य, पहेली का प्रयोग किया।

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एम.आई. व्रुबेल

मिखाइल अलेक्जेंड्रोविच व्रुबेल (5 मार्च, 1856 - 1 अप्रैल, 1910) 19वीं-20वीं शताब्दी के मोड़ पर एक रूसी कलाकार थे, जिन्होंने ललित कला के लगभग सभी प्रकारों और शैलियों में अपना नाम रोशन किया।