फिनिश कलाकार और उनके चित्र। फिनिश कलाकार

कई वर्षों से यह माना जाता था कि अलेक्जेंडर III के भतीजे अल्बर्ट एडेलफेल द्वारा चित्रित चित्र खो गया था या नष्ट हो गया था। फोटो: एर्का मिकोकोन / येल

एक फिनिश कला समीक्षक ने गलती से एक रूसी क्षेत्रीय संग्रहालय के संग्रह में अल्बर्ट एडेलफेल्ट के खोए हुए काम की खोज की। शोधकर्ता पेंटिंग को फिनलैंड में एक प्रदर्शनी में लाना चाहते हैं।

कई वर्षों से लुप्त माने जाने वाले प्रसिद्ध फिनिश चित्रकार अल्बर्ट एडेलफेल्ट (1854-1905) का कैनवास रूस में रायबिन्स्क संग्रहालय में पाया गया था। फ़िनिश आर्ट समीक्षक सानी कोंतुला-वेब ने पेंटिंग को पाया, जो 1881 में चित्रित किया गया था, एक इंटरनेट सर्च इंजन का उपयोग करके।

- मैंने काम को संयोग से देखा, लेकिन मैंने इसे पहचान लिया क्योंकि मैंने पहले इस विषय का गहन अध्ययन किया था।

सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स के स्नातक, कॉन्टुला-वेब ने हेलसिंकी के एटेनम आर्ट म्यूजियम में इस काम के रेखाचित्र देखे। रेखाचित्रों की मदद से, चित्र में चित्रित बच्चों की पहचान स्थापित करना संभव था: ये रूसी ज़ार अलेक्जेंडर III के भतीजे हैं। एक रेखाचित्र पर, एल्डफेल्ट ने उनके नामों का संकेत दिया।

तस्वीर में लंबे बालों वाले लड़के 19 वीं शताब्दी के अंत के फैशन के अनुसार कपड़े पहने हुए हैं। Rybinsk संग्रहालय में, यह माना जाता था कि लड़कियों को इस पर चित्रित किया गया था। पेंटिंग के बारे में नई जानकारी से संग्रहालय के कार्यकर्ता प्रसन्न थे।

"हमने सोचा था कि वे लड़कियां थीं, लेकिन यह पता चला कि ग्रैंड ड्यूक व्लादिमीर बोरिस और किरिल के बेटों को चित्रित किया गया था," उप निदेशक सर्गेई ओवेस्कैनिकोव कहते हैं।

तस्वीर शाही परिवार के साथ एडफेल्ट के संपर्कों के बारे में बताती है

क्रांति के बाद यह काम रायबिन्स्क संग्रहालय के संग्रह में हो गया। पेंटिंग के रिवर्स साइड पर हस्ताक्षर के अनुसार, यह पहले सेंट पीटर्सबर्ग में व्लादिमीर पैलेस में था।

खोज को अतिरिक्त महत्व इस तथ्य से दिया जाता है कि यह चित्र नेवा और शाही परिवार के शहर के साथ फिनिश कलाकार के करीबी संपर्कों को इंगित करता है।

"शायद, यह विशेष चित्र शाही अदालत में एडफेल्ट के करियर के शानदार विकास के दृष्टिकोण से निर्णायक था," कोंटुला-वेब कहते हैं।

इसके बाद, एल्डफेल्ट ने अलेक्जेंडर III, मिखाइल और ज़ेनिया के बच्चों के साथ-साथ अंतिम रूसी ज़ार निकोलस II के कई चित्रों को चित्रित किया।

रूस के साथ फिनिश कलाकारों के कनेक्शन अभी भी बहुत कम शोध किए गए हैं

एक समय, रूस में एडफेल्ट लोकप्रिय था। उनके कार्यों को सेंट पीटर्सबर्ग हरमिटेज और मॉस्को पुश्किन संग्रहालय दोनों के संग्रह में रखा गया है।

आज, एडल्टेल, फ़िनिश पेंटिंग के गोल्डन पीरियड के अन्य कलाकारों की तरह, रूसी दर्शकों के लिए व्यावहारिक रूप से अज्ञात है। इसके अलावा, फिनिश कला अध्ययनों में, रूस के साथ फिनिश कलाकारों के कनेक्शन पर विशेष रूप से ध्यान केंद्रित नहीं किया गया है।

कोंटूला-वेब वर्तमान में सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स और फिनिश कलात्मक जीवन के बीच संबंधों पर एक शोध प्रबंध तैयार कर रहा है।

"मुझे उम्मीद है कि इस खोज के लिए धन्यवाद, एडफेल्ट रूस में फिर से मिल जाएगा, और फिनलैंड रूस के साथ फिनिश कलाकारों के महत्वपूर्ण संबंधों को याद रखेगा।

कोंटुला-वेब ने रायबिन्स्क संग्रहालय के कर्मचारियों से फिनलैंड में एक प्रदर्शनी में खोई गई पेंटिंग को लाने की संभावना के बारे में पूछा। डिप्टी डायरेक्टर सर्गेई ओवेस्निकिकोव ने विचार को सकारात्मक रूप से लिया।

- अगर फिनलैंड प्रदर्शनी के लिए एक चित्र प्राप्त करना चाहता है, तो हम परियोजना को सफल बनाने के लिए अपनी शक्ति में सब कुछ करेंगे।

फिर भी, ओवेस्कैनिकोव के अनुसार, फिनलैंड की संभावित यात्रा के लिए, पेंटिंग को बहाल करने की आवश्यकता है।

कला अकादमी का शानदार भवन वासिलिव्स्की द्वीप की तीसरी और चौथी पंक्ति के बीच नेवा के तटबंध को सुशोभित करता है। यह शास्त्रीय वास्तुकला के बेहतरीन स्मारकों में से एक है।

परियोजना के लेखक ए एफ कोकोरिनोव और जे बी डेलमोट हैं। इम्पीरियल "एकेडमी ऑफ द थ्री मोस्ट नोबल आर्ट्स" ("कोलमेन पाटाइटेन अकातेमिया") - पेंटिंग, मूर्तिकला और वास्तुकला - की स्थापना 1757 में महारानी एलिजाबेथ के काल में हुई थी। अपनी गतिविधि के ढाई शताब्दियों के लिए, अकादमी ने ललित कला के कई पीढ़ियों को प्रशिक्षित किया है: चित्रकार, मूर्तिकार, आर्किटेक्ट। उनमें से महान कलाकार हैं, जिनके काम सेंट पीटर्सबर्ग, मॉस्को और कई यूरोपीय राजधानियों में संग्रहालयों में प्रस्तुत किए जाते हैं।

आर्किटेक्ट्स और मूर्तिकारों - अकादमी के स्नातकों ने रूस और विदेशों में कई शहरों का निर्माण और सजाया। बहुत उनके द्वारा सेंट पीटर्सबर्ग में बनाया गया था। उनकी रचनाएं फिनलैंड में भी हैं, क्योंकि कई वर्षों से कला अकादमी रूसी और फिनिश कला के बीच सक्रिय संचार का स्थान रही है। सर्वश्रेष्ठ फिनिश कलाकारों को "ललित कला के शिक्षाविद" की उपाधि से सम्मानित किया गया है। इनमें वी। रुनबर्ग, केजी न्यस्त्रोम शामिल थे। लेकिन सबसे पहले, निश्चित रूप से, इसका नाम एज़्डफेल्ट होना चाहिए।

अल्बर्ट एडेलफेल्ट (अल्बर्ट गुस्ताफ़ एरिस्टाइड्स एडफ़ेल्ट, 1854-1905)

ऐतिहासिक चित्रकला, चित्र, शैली शैली का सबसे बड़ा स्वामी। विदेश में जाना जाने वाला पहला फिनिश कलाकार। अल्बर्ट "का जन्म पोर्वू के पास एक वास्तुकार के परिवार में हुआ था। उन्होंने पेंटिंग बनाने के लिए खुद को समर्पित करने का निर्णय लेने से पहले दो साल तक हेलसिंकी विश्वविद्यालय में अध्ययन किया। उन्होंने एंटवर्प में ललित कला अकादमी में अपनी कला की शिक्षा प्राप्त की, और फिर पेरिस में ललित कला के स्कूल में। 1877-80 में, एडेल्ट ने बनाया। ऐतिहासिक विषयों पर कई पेंटिंग। लेकिन फिर कलाकार प्रकृति से शैली विषयों की ओर मुड़ते हैं, जिसमें उनकी जन्मभूमि और आम लोगों के जीवन में रुचि स्पष्ट रूप से प्रकट होती है। ये पेंटिंग हैं: "एट सी", "बॉयज़ द वॉटर", "रूकोलहटी की महिलाएं।" "," लॉन्ड्रेसेस "," दूर द्वीपों से मछुआरों "।

1881 में ए। डेल्फ़ेल्ट ने लंबे समय तक सेंट पीटर्सबर्ग में रहते और काम किया, रूसी कलाकारों के साथ संवाद किया। 1881 में, एक युवा फ़िनिश कलाकार ने सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ़ आर्ट्स के दरबार में अपनी रचनाएँ प्रस्तुत कीं। उन्हें एक बड़ी सफलता मिली: उन्हें सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स का सदस्य चुना गया। Tsarskoe Selo में उनके लिए एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी का आयोजन किया गया था। चित्रों में से एक शाही परिवार द्वारा खरीदा गया था। लेखक को शाही परिवार से नए आदेश मिले, जिससे उन्हें प्रसिद्धि मिली।

Tsarskoye Selo में अपने प्रवास के दौरान, कलाकार को Tsarevich अलेक्जेंडर से मिलवाया गया था, और विशेष रूप से Gatchina Palace के लिए उनके आदेश पर कई कार्य किए, विशेष रूप से, "At Sea" पेंटिंग की एक प्रति, जो अन्य कार्यों के बीच, Hermitage में रखी गई है। एडल्टेल के रोज़ के स्केच: "गुड फ्रेंड्स" और "इन द नर्सरी" - भी अलेक्जेंडर III द्वारा अधिगृहीत किए गए थे। इन चित्रों में दोहराव था जो विदेशी संग्रहालयों में हैं।

एडफेल्ट की योग्यता रूस में कई संयुक्त प्रदर्शनियों का संगठन था, जिसकी बदौलत रूसी जनता कई फिनिश कलाकारों के काम से परिचित हुई।

एडफेल्ट की मुख्य गतिविधि पोर्ट्रेट पेंटिंग है। उन्होंने आदेशों पर बहुत काम किया, विशेष रूप से, शाही अदालत में, आधिकारिक चित्र बनाए। लेकिन उनके चित्र के काम में सबसे अच्छे हैं: "कलाकार की मां की पोर्ट्रेट" (1883), "लुई पाश्चर" (1885), "पोर्ट्रेट ऑफ लारिन पारस्के" (1893), "पोर्ट्रेट ऑफ आयो अक्ते (1901)।

आधिकारिक प्रस्तुतियाँ और दीर्घकालिक दोस्ताना संपर्क।

उन्नीसवीं शताब्दी के अंत में इंपीरियल अकादमी ऑफ आर्ट्स में प्रदर्शित होने वाला पहला फिनिश कलाकार अल्बर्ट एडेलफेल्ट चित्रकार था। 1881 में पश्चिमी यूरोप की यात्रा के बाद, फ़िनिश के युवा कलाकार ने सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ़ आर्ट्स के दरबार में अपनी रचनाएँ प्रस्तुत कीं। उन्हें एक बड़ी सफलता मिली - उन्हें शिक्षाविद की उपाधि से सम्मानित किया गया। Tsarskoe Selo में उनके लिए एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी का आयोजन किया गया था। चित्रों में से एक शाही परिवार द्वारा खरीदा गया था।

लेखक को शाही परिवार से नए आदेश मिले, जिससे उन्हें प्रसिद्धि मिली। शाही परिवार में कलाकार की निकटता ने रूस में फिनिश पेंटिंग की लोकप्रियता में मदद की। रूस में ए। एडफेल्ट की लोकप्रियता और अधिकार के लिए धन्यवाद, 1882 में निज़नी नोवगोरोड प्रदर्शनी के साथ, सेंट पीटर्सबर्ग और मास्को में संयुक्त फिनिश-रूसी कला प्रदर्शनियों में फिनलैंड की कला परिलक्षित हुई।

हरमिटेज में फिनिश कलाकार

हर्मिटेज ने एईल्डफेल्ट द्वारा सात चित्रों और कई चित्रों को प्रदर्शित किया है। उपरोक्त पेंटिंग "एट द सी" के अलावा, जो कि पहले संस्करण में गोथेनबर्ग के संग्रहालय में है, इसे रोज़मर्रा की चित्रात्मक रचना "किंड फ्रेंड्स" (1881) पर ध्यान दिया जाना चाहिए, जो गेटेबॉर्ग और हेलेसी \u200b\u200bमें दोहराया जाता है। उसके चरित्र और पेंटिंग "नर्सरी में" (1885) के करीब, उसे भी अलेक्जेंडर III द्वारा गैचीना पैलेस के लिए खरीदा गया था। एडफेल्ट के सबसे लोकतांत्रिक कार्यों में से एक द वाशरवोमेन (1898, हर्मिटेज) है, जो पीटर्सबर्ग आलोचकों के अनुमोदन के साथ मिला।

पोर्ट्रेट की शैली, जिसमें एइल्डफेल्ट विशेष रूप से मजबूत था, को मॉस्को आर्ट थिएटर के अभिनेता एम.वी. डायकोव्स्काया-गे-रोथ की पत्नी के चित्र द्वारा हर्मिटेज में दर्शाया गया है। हर्मिटेज संग्रह में फिनिश कलाकार के परिदृश्य कौशल के उदाहरण भी शामिल हैं। ये पेंटिंग "पोरवो का दृश्य" (1898) और नक़्क़ाशी "पाइन इन द स्नो" हैं। यह उल्लेख किया जाना चाहिए कि एईडफेल्ट के कार्यों को कीव संग्रहालय में भी रखा गया है - पेंटिंग "दूर द्वीपों से मछुआरों" और मास्को संग्रहालय में। ए.एस. पुश्किन: "वरवारा मायतलेवा का चित्र"।

इसके अलावा, हर्मिटेज में जुहो रिसेनन, ईरो नेलिमार्का और हेनरी एरिकसन की पेंटिंग हैं।

सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स में फिनिश कलाकार

वास्तुकार के जी निस्ट्राम (1856-1917) ने फिनलैंड की राजधानी के स्थापत्य उपस्थिति में एक महान योगदान दिया। सीनेट स्क्वायर के आसपास के क्षेत्र, राज्य अभिलेखागार हाउस ऑफ एस्टेट्स की शानदार इमारतों का उल्लेख करने के लिए यह पर्याप्त है। आप कटप्पा-तोरी के पहले कवर बाजार, कतजनोक्का में पूर्व रीति-रिवाजों और गोदाम को याद कर सकते हैं। लेकिन कम ही लोग जानते हैं कि आर्किटेक्ट KG.Nyustrem ने सेंट पीटर्सबर्ग में भी काम किया था। उनके डिजाइन के अनुसार, मेडिकल इंस्टीट्यूट के सर्जिकल क्लिनिक का निर्माण पेट्रोग्रैड्सकाया की तरफ बनाया गया था।

Nystrom कला अकादमी में एक प्रोफेसर थे और उन्हें वास्तुकला के शिक्षाविद की उपाधि से सम्मानित किया गया था।

कलाकार जे। रिसेनन को पिछली शताब्दी की फिनिश पेंटिंग में सबसे विशिष्ट, मजबूत और गहरी राष्ट्रीय प्रतिभाओं में से एक कहा जाता है। उन्होंने लोक जीवन से चित्र, शैली के चित्र बनाए। हेलसिंकी में ड्राइंग के स्कूल में अध्ययन करने के बाद, उन्हें सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स में अध्ययन करने के लिए भेजा गया, जहां उन्होंने 1897-98 में आईई रेपिन के मार्गदर्शन में एक कोर्स किया। सेंट पीटर्सबर्ग में अध्ययन, रूसी कलाकारों के साथ संचार और सेंट पीटर्सबर्ग में रचनात्मक जीवन का पूरा माहौल, जुनून के साथ अलग, कलाकार के काम को नई ऊंचाइयों तक पहुंचाया। उसके बाद उन्होंने फ़िनलैंड और विदेशों में कई वर्षों तक फलदायी कार्य किया। यह सेंट पीटर्सबर्ग में अपने अध्ययन और जीवन के बारे में अधिक विस्तार से बताने योग्य है।

रिसेनन जुहो (जूलियो रिसेनन, 1873-1950)

जुहो रिसेनैन का जन्म कुओपियो के आसपास के इलाके में एक खेत मजदूर के परिवार में हुआ था। एक बच्चे के रूप में, उनके पास एक कठिन समय था, कई बार उन्हें भीख भी माँगनी पड़ी, जब उनके शराबी पिता की मृत्यु हो गई (मृत्यु के लिए जमकर)। 1896 में जुहो रिसेन ने हेलसिंकी में फ़िनिश आर्ट सोसाइटी के केंद्रीय कला-औद्योगिक ड्राइंग स्कूल में प्रवेश किया, फिर तुर्कू में।

एक बच्चे के रूप में, रुडोल्फ कोइवु ने सेंट पीटर्सबर्ग पैरिश चर्च स्कूल में भाग लिया, जहां उन्होंने फिनिश और रूसी पत्रों में महारत हासिल की। बचपन से ही उन्हें सेंट पीटर्सबर्ग में शिक्षकों का ध्यान आकर्षित करना और आकर्षित करना पसंद था। उन्हें अध्ययन के लिए भेजा गया था, लेकिन उन्हें जीविकोपार्जन करना पड़ा। और केवल 1907 में आर। कोइव ने कला प्रेमियों के फिनिश समाज के ड्राइंग स्कूल में चित्रकला का अध्ययन जारी रखा।

वहां वह प्रसिद्ध "घायल एंजेल" के लेखक हुटो सिम्बर्ग के छात्र थे। एच। सिम्बर्ग को शिक्षक गैलेन-काल्लेला की कल्पना और प्रकृति की रहस्यमय शक्ति में विश्वास है। रुडोल्फ कोइवु ने 1914 में पेरिस में और 1924 में इटली में पढ़ाई की। फ़िनलैंड लौटकर, वह कलाकारों के सर्कल के "नवंबर समूह" में शामिल हो गए, लेकिन यथार्थवादी तरीके से वफादार रहे और अपने परिदृश्य को संयमित, शांत शैली में चित्रित किया। एक कलाकार-चित्रकार की तुलना में बहुत अधिक महत्वपूर्ण, कोइवु एक ड्राफ्ट्समैन और इलस्ट्रेटर था।

असामान्य रूप से जीवंत और ज्वलंत कल्पना को प्रदर्शित करते हुए, उन्होंने दर्जनों परी-कथाओं की पुस्तकों का चित्रण किया, जिनमें फिनिश टोपेलियस "रीडिंग टू चिल्ड्रन", जर्मन - "द टेल्स ऑफ द ब्रदर्स ग्रिम", अरेबियन टेल्स "वन थाउजेंड एंड वन नाइट्स ऑफ शेहरज", आदि शामिल हैं। Koivu ने ख़ुशी से क्रिसमस समाचार पत्रों, फिनिश कैलेंडरों और अन्य प्रकाशनों को चित्रित किया, खुद को विकसित करते हुए, मुख्य रूप से रूसी चित्रकारों से स्पष्ट रूप से प्रभाव प्राप्त कर रहा है, एक दुर्लभ प्रभावी, चमकीले ढंग से सजाया गया शैली। उनकी हास्य की भावना परी कथा चित्रों और चित्रों के अलावा, उन कार्टूनों में भी प्रकट होती है जो उनके समकालीनों के साथ लोकप्रिय थे। 1947 में उनकी मृत्यु के बाद, दुर्भाग्य से उनके चित्रों और चित्रों का संग्रह (संग्रह) सामने आया।

शुलमैन कार्ल एलन (कार्ल एलन शुलमैन, 1863-1937)

एक वास्तुकार, उज्ज्वल प्रतिभाओं और भाग्य का व्यक्ति। कार्ल एलन ने अपनी वास्तुकला की शिक्षा फिनलैंड में प्राप्त की, जबकि अभी भी अपनी पढ़ाई के दौरान उन्हें युवा फिनिश आधुनिकतावादियों के नए विचारों से नवाजा गया था: ई। सरीनन, जी। गिसेलियस, ए। लिंडरेन। वह आधुनिकता के विचारों से आकर्षित थे। घर पर आदेश प्राप्त नहीं होने के बाद, युवा वास्तुकार के.ए. शुलमैन विदेश में काम करता है: अर्जेंटीना, जर्मनी, हॉलैंड, स्वीडन में।

अपनी मातृभूमि में लौटने पर, उन्हें करेलियन इस्तमुस पर खलीला रिसॉर्ट बनाने का अवसर मिला। इस निर्माण की सफलता ने सेंट पीटर्सबर्ग में उनका ध्यान आकर्षित किया। 1901 में, यह व्लादिमीर मदर ऑफ गॉड के आइकन के चर्च के विपरीत था। प्रतियोगिता में 88 आर्किटेक्ट्स ने हिस्सा लिया। नतीजतन, घर के मालिक बैरन वॉन बेसर ने शुलमैन को निर्माण सौंप दिया। छह मंजिला आर्ट नोव्यू घर अपने अनूठे स्वाद के साथ वर्ग को सुशोभित करता है। निचली मंजिलें प्रदर्शन खिड़कियों के बड़े उद्घाटन के साथ खुली हैं।

और ऊपरी मंजिलों पर एक असामान्य गैलरी है, जिसके केंद्र के ऊपर एक नायक के हेलमेट के समान एक बुर्ज है। इमारत का पत्थर का विवरण फिनिश पॉटेड पत्थर से बना है। वे पौधों और जानवरों को दर्शाने वाले आभूषणों का एक विशिष्ट आर्ट नोव्यू पैटर्न देते हैं। प्रवेश द्वार के ऊपर - मालिक के हथियारों का कोट - बैरन वॉन बेसर। 20 वीं सदी की शुरुआत में, इस घर में शाही चांसलरी के रिसेप्शन रूम के साथ-साथ महिलाओं के लिए श्रम का घर भी था। अब व्लादिमीरस्काया पर घर का पुनर्निर्माण किया जा रहा है। यह व्लादिमीरस्की पैसेज शॉपिंग सेंटर का हिस्सा होगा।

व्लादिमीरस्काया पर घर उत्तरी आर्ट नोव्यू के फिनिश स्कूल के संस्थापकों में से एक सेंट पीटर्सबर्ग में एकमात्र इमारत है, जो बाद में उत्तरी राजधानी में व्यापक हो गया।

तब सेंट पीटर्सबर्ग के आर्किटेक्ट्स द्वारा इसका प्रतिनिधित्व और विकास किया गया था: फ्लिडवल, एन.वी. वासिलिव, ए.एफ. बुबायर। के। शुलमैन के रूप में, उन्होंने कई वर्षों तक वायबोर्ग में एक प्रांतीय वास्तुकार के रूप में काम किया, जहाँ उन्होंने उत्तरी आर्ट नोव्यू शैली में 10 बहुमंजिला इमारतें बनाईं। इसके अलावा, के.ए. शुलमैन फिनलैंड के आर्किटेक्ट ऑफ यूनियन में एक प्रमुख व्यक्ति थे, जिन्होंने पेशेवर संगीतकार-कंडक्टर के रूप में काम किया। उनके नेतृत्व में कोरल समूहों ने सेंट पीटर्सबर्ग, फिनलैंड और विदेशों में सफलता के साथ प्रदर्शन किया।

ग्रिपेनबर्ग ओडरट सेबस्टियन (ओडरट सेबस्टियन ग्रिपेनबर्ग, 1850-1939)

ग्रिपेनबर्ग ओडरट सेबस्टियन, वास्तुकार; कुरकियोकी में पैदा हुए। धनी और महान माता-पिता के बेटे, ओडर्ट ने हमीना में कैडेट स्कूल में पढ़ाई की, और फिर सेंट पीटर्सबर्ग सैन्य इंजीनियरिंग अकादमी में। वहां उन्होंने सैन्य निर्माण प्रशिक्षण प्राप्त किया, लेकिन 1875 में सेना से सेवानिवृत्त हो गए। उन्होंने एक पेशेवर वास्तुकार बनने का फैसला किया। इस अवधि के दौरान, सेंट पीटर्सबर्ग वास्तुकला में इमारत के नए तरीकों का उदय हुआ। इक्लेक्टिसिज्म - पिछले युगों से तकनीकों का उपयोग: पुनर्जागरण, गोथिक, बैरोक - को बहु-मंजिला इमारतों के facades के प्रसंस्करण के लिए नए सजावटी विवरणों की खोज के साथ जोड़ा गया था। ए.के.सेरीब्रिकोव, पी.यू. सुजोर, ए.ई. बेलोग्रूड की प्रसिद्ध इमारतें हैं।

1878 में ग्रिपेनबर्ग ने इकोले पॉलिटेक्निक में वास्तुकला में अपने डिप्लोमा का बचाव किया, जिसके बाद उन्होंने वियना में अध्ययन किया। 1879-87 में। उन्होंने हेलसिंकी में एक वास्तुकार के रूप में काम किया। उनके पहले कार्य पुनर्जागरण की लालसा और उनके शिक्षक शेष-तीन के स्पष्ट प्रभाव को दर्शाते हैं। भविष्य में, इमारत के संस्करणों में एक स्पष्ट मजबूत टूटने और विभाजन की इच्छा होती है। ये सोसाइटी ऑफ़ फ़िनिश राइटर्स, फ़र्स्ट बिज़नेस सेंटर, फिर पुरानी इमारत "हेलसिंगिन सनोमैट", तुर्कू बचत बैंक की इमारत के निर्माण के रूप में इस तरह के काम हैं।

1887 में उन्हें सार्वजनिक (सिविल) निर्माण कार्यालय का मुख्य वास्तुकार नियुक्त किया गया, जहाँ से 1904 में वे चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री के निदेशक के रूप में सीनेट में चले गए।

ग्रिपेनबर्ग फिनिश थिएटर हाउस जॉइंट स्टॉक कंपनी के बोर्ड के प्रमुख और नेशनल थिएटर बिल्डिंग के निर्माण में कार्यकारी निदेशक थे, साथ ही पोझोला बीमा कंपनी के निदेशक मंडल के अध्यक्ष भी थे। ओएस ग्रिपेनबर्ग 1892-1901 में आर्किटेक्ट्स के फिनिश क्लब के पहले अध्यक्ष थे, साथ ही तकनीशियनों के फिनिश-बोलने वाले समाज के संस्थापकों में से एक थे।

अक्सली गैलेन-कललेला

सैमोन पुओलस्टस (1896)

कालेवाला के लिए चित्र। " सांपो की रक्षा«.

Sampo (पंख। Sampo) - करेलियन-फिनिश पौराणिक कथाओं में, एक एक प्रकार की जादुई वस्तु जिसमें जादुई शक्तियां होती हैं और यह सुख, समृद्धि और प्रचुरता का स्रोत है। महाकाव्य "कालेवाला" में इसके निर्माता इलियास लोन्नरोत ने सांपो को एक चक्की के रूप में प्रस्तुत किया।

ह्यूगो सिम्बर्ग

हल्ला (1895)

हल्ला - ये है ठंढ, अगर मैं सही ढंग से समझता हूं, उदाहरण के लिए, गर्मियों में रात में या सुबह में

इस अर्थ में, चित्र छवि को अच्छी तरह से व्यक्त करता है।

हेलेन schjerfbeck

तिपिलस (1888)

toipilas — ठीक हो

ह्यूगो सिम्बर्ग

कुओलेमैन पुत्तर — मौत का बगीचा

इस पेंटिंग के कई संस्करण हैं, इस तस्वीर में टैम्पियर में कैथेड्रल से एक फ्रेस्को है।

यह पेंटिंग एक फिनिश लड़की द्वारा मुझे सुझाई गई थी, जब मैंने देखा कि यह उदास फिन्स के लिए भी किसी तरह उदास था, तो उसने मुझे गर्मजोशी से जवाब दिया: "मौतें रेगिस्तान के बीच में फूलों-लोगों की देखभाल करती हैं, और जब उन्हें काटने के लिए मजबूर किया जाता है, तो वे ऐसा करते हैं, जैसे कि माफी मांगते हुए ..."

ह्यूगो सिम्बर्ग

हैवितुनुत एनकेली -घायल परी
(1903)

चित्र का कथानक एक पहचानने योग्य ऐतिहासिक पृष्ठभूमि के खिलाफ है: यह एलिन्टार्कखा पार्क (शाब्दिक रूप से "चिड़ियाघर") और हेलसिंकी में टोलो बे है। 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, पार्क ब्लू-कॉलर व्यवसायों के प्रतिनिधियों के लिए एक लोकप्रिय मनोरंजन स्थान था, और दान भी वहां स्थित थे। जिस सड़क पर पात्र घूम रहे हैं वह आज तक बची हुई है: जुलूस इसके साथ-साथ अंधी लड़कियों के लिए तत्कालीन स्कूल और विकलांगों के लिए आश्रय स्थल की ओर बढ़ता है।

पेंटिंग में दो लड़कों को एक स्ट्रेचर पर आंखों पर पट्टी और एक खून बह रहा पंख के साथ एक पवित्र परी ले जाने को दर्शाया गया है। लड़कों में से एक सीधे और उदास रूप से दर्शक को घूरता है, उसकी निगाहें घायल परी के प्रति सहानुभूति व्यक्त करती हैं, या अवमानना \u200b\u200bकरती हैं। पृष्ठभूमि परिदृश्य जानबूझकर कठोर और कंजूस है, लेकिन शांति का आभास देता है। एक गैर-तुच्छ भूखंड व्याख्याओं की एक विस्तृत श्रृंखला के लिए जगह खोलता है। लड़कों के खुरदुरे कपड़े और जूते, उनके डूबते हुए गंभीर चेहरे एक परी की नाजुक आकृति के विपरीत होते हैं, जो एक हल्के कपड़े पहने होते हैं, जो जीवन और मृत्यु के विरोध का सुझाव देता है, परी के पंख और आंखों पर पट्टी खून की कमजोरी और अस्तित्व की अल्पता का संकेत है, लेकिन परी उसके हाथ में रहती है। स्नोबोर्ड का एक गुलदस्ता पुनर्जन्म और वसूली का प्रतीक है। यहां जीवन मौत के करीब लगता है। लड़कों में से एक ने श्रोताओं की ओर रुख किया, चित्र के भली भांति बंद स्थान को फाड़ दिया, जिससे यह स्पष्ट हो गया कि जीवन और मृत्यु के मुद्दे उनसे सीधे जुड़े हुए हैं। सिम्बर्ग ने खुद द वाउंडड एंजेल की कोई भी व्याख्या देने से इनकार कर दिया, जिससे दर्शक अपने निष्कर्ष निकाल सके।

इस पेंटिंग का फिनिश संस्कृति पर व्यापक प्रभाव पड़ा है। इसके संदर्भ उच्च और लोकप्रिय कला के कई कार्यों में पाए जाते हैं। फिनिश मेटल बैंड नाइटविश द्वारा गीत "अमरंथ" के लिए वीडियो "घायल परी" की धुन पर बजता है।

अल्बर्ट एडल्ट

पैरिसिन लक्जमबर्ग पुइस्तोसा — पेरिस के लक्ज़मबर्ग गार्डन में.

अक्सली गैलेन-कललेला

अक्का ja किस्सा — बूढ़ी औरत और बिल्ली

गैलन-काल्लेला, सामान्य तौर पर, सभी पेंटिंग मास्टरपीस हैं, यह वास्तव में एक विश्वस्तरीय कलाकार है।

यह तस्वीर एक सशक्त रूप से प्राकृतिक तरीके से चित्रित की गई है, हालांकि, इसकी सभी असमानता के बावजूद, यह सबसे सरल और सबसे गरीब लोगों के लिए सहानुभूति और प्यार से भरा है।

यह पेंटिंग 1895 में तुर्कु आर्ट म्यूजियम द्वारा अधिग्रहित की गई थी और अब भी है।

शब्द अक्का मुझे हमेशा अनुवाद करने में कठिनाई होती है - "बाबा" और "दादी" दोनों।

यहां मैं थोड़ा स्वाद दिखाऊंगा और एक और तस्वीर जोड़ूंगा। हेलेन schjerfbeck - रूसी में हमने उसका नाम हेलेना शेजर्बेक पढ़ा।

और यहाँ प्रकाश और गर्मी की एक किरण है।

1882 की पेंटिंग, Tanssiaiskengät — नृत्य के जूते.

यह शायद सबसे दुखद फिनिश फिल्म है। कम से कम मेरे विचार में।

अल्बर्ट एडल्ट

लैप्सन रुमाइसाटो — एक बच्चे का अंतिम संस्कार (बच्चे का सचमुच अंतिम संस्कार)

यह पहली फिनिश फाइन आर्ट शैली की रचना है जिसे बाहर चित्रित किया गया है। वह बन गई, जैसा कि यह था, वास्तविक जीवन का एक टुकड़ा जिसे कलाकार ने देखा और कब्जा कर लिया। तस्वीर मानवीय दुःख के बारे में बताती है। एडफ़ेल्ट ने एक साधारण परिवार को एक नाव पर एक छोटा ताबूत ले जाते हुए दिखाया। कठोर परिदृश्य उन लोगों की मनोदशा से मेल खाती है जो अपने बच्चे को अपनी अंतिम यात्रा पर देखते हैं। उनके शोकपूर्ण चेहरों, संयमित आंदोलनों में - गंभीर उदासी, झील की सफेद गतिहीन सतह, उज्ज्वल ठंडे आकाश, दूर के कम तटों द्वारा गूँजती है।

द चाइल्ड्स फ्यूनरल ने उन्हें शिक्षाविद की उपाधि दी, और यह टुकड़ा मॉस्को में एक निजी संग्रह के लिए खरीदा गया था। उसी समय, Tsarskoe Selo में एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी का आयोजन किया गया था, और एल्डफेल्ट को अलेक्जेंडर III और मारिया फियोदोरोवना को प्रस्तुत किया गया था, जो पेंटिंग के भी शौकीन थे।

अदालत में कलाकार की निकटता ने रूस में फिनिश पेंटिंग की लोकप्रियता में मदद की। हम कह सकते हैं कि एडफेल्ट उन लोगों में से एक थे जिन्होंने रूस के लिए फिनलैंड की कला की खोज की थी।

1907 में, पेंटिंग फिनलैंड में लौट आई और अब एथेंस संग्रहालय, हेलसिंकी में है।

इसके अलावा, अपनी ओर से, मैं यह नोट करने की अनुमति दूंगा कि यह चित्र बहुत ही सटीक रूप से मृत्यु के लिए फिन्स के दृष्टिकोण को व्यक्त करता है (जो, अफसोस, किसी भी जीवन का एक हिस्सा, अंतिम हिस्सा है)। यह बहुत सख्त और संयमित है, रूसियों से भी अंतर है। लेकिन यह गंभीरता और संयम उनकी भावनाहीनता की बात नहीं करता है, यह सिर्फ इतना है कि फिन्स इसे अपने आप में गहराई से ले जाते हैं। हम रूसियों की तुलना में गहरा। लेकिन इससे होने वाला दुःख उनके लिए दुःख का होना नहीं है।

पेक्का हलोनें

तेनैरावाजिया करजलासा — करेलिया में सड़क बनाने वाले।

सचमुच, यह "करेलिया में सड़क साफ़ करने वाला" होगा।

raivata - अच्छी क्रिया: रास्ता छोडिये
मुझे नहीं पता कि उसके पास शब्द के साथ कुछ भी है या नहीं raivo — रोष, उन्माद

लेकिन इस तस्वीर को देखकर कोई भी मान सकता है कि हां।

चित्र में फिन्स की एक और विशेषता है - ऐतिहासिक रूप से उन्हें बेहद प्रतिकूल प्राकृतिक वातावरण में रहना पड़ता था, अर्थात, कभी-कभी अपने अस्तित्व के लिए लड़ने के लिए बस जमकर होता है, इसलिए, शायद, यह दृढ़ता है जो वे काम और प्रतिकूलता में दिखाते हैं। कम से कम पहले ऐसा ही था।

ह्यूगो सिम्बर्ग

ह्यूगो सिम्बर्ग की एक और पेंटिंग " ख्वाब«.

सिम्बर्ग को सिंबलवादियों के बीच सही स्थान पर रखा गया है, उनके चित्र व्याख्या और व्याख्या के लिए बेहद खुले हैं।

और एक ही समय में, उनके चित्रों में हमेशा बहुत कुछ राष्ट्रीय होता है।

अक्सली गैलेन-कललेला

पोइका जा वरिस — लड़का और कौआ।

(1884) व्यक्तिगत रूप से, केवल काफी वयस्कों ने ही यह सीखा कौआ (varis), अपेक्षाकृत बोलने वाली, पत्नी / महिला नहीं कौआ (korppi)। तथ्य की बात के रूप में, इस तरह के भ्रम सौभाग्य से केवल रूसी भाषा में होता है। उदाहरण के लिए, यूक्रेनी में, एक रैवेन "बदमाश" है, और एक रैवेन है, इसलिए यह "कौवा" होगा। अंग्रेजी में, रेवेन के लिए शब्द "रैवेन" है, और रैवेन को "क्रो" कहा जाता है।

पेंटिंग अब एथेनेयम में है।

अक्सली गैलेन-कललेला।

लेमिंकिनसेन िटी — लेम्मिनकिनेन की मां।
(1897)

पेंटिंग एथेनेयम, हेलसिंकी में है।

पेंटिंग में कालेवाला के एक दृश्य का वर्णन किया गया है जिसमें लेमिन्किनाइन को मार दिया गया था और टुकड़े टुकड़े कर दिया गया था और शरीर के हिस्सों को एक अंधेरी नदी, तुनेला में फेंक दिया गया था। रेक के साथ नायक की माँ ने अपने बेटे के शरीर के हिस्सों को इकट्ठा किया, और उन्हें एक टुकड़े में सिल दिया। तस्वीर में, वह एक मधुमक्खी की प्रतीक्षा कर रही है - इसलिए वह ऊपर देखती है - जो वरिष्ठ भगवान उक्को से जादुई शहद लाएगी, जिसे लेमिन्किनाइन को फिर से जीवित करना होगा।

एथेनियम संग्रहालय की स्थायी प्रदर्शनी इमारत की तीसरी मंजिल पर कब्जा कर लिया जाता है (छोटे विषयगत विस्तार भी वहां व्यवस्थित होते हैं), और दूसरी मंजिल (फ्लोर प्लान) पर अस्थायी प्रदर्शनियां आयोजित की जाती हैं। इस पोस्ट में हम आपको एथेनियम के संग्रह में सबसे दिलचस्प और प्रसिद्ध चित्रों और मूर्तियों के बारे में और साथ ही साथ उनके लेखकों के बारे में बताएंगे: प्रसिद्ध फिनिश चित्रकार और मूर्तिकार. एथेनेयम संग्रहालय के इतिहास और संग्रहालय भवन की वास्तुकला के बारे में अधिक पढ़ा जा सकता है। इसके बारे में उपयोगी जानकारी भी प्रदान करता है टिकट की कीमतें, खुलने का समय और एथेनेयम संग्रहालय जाने की प्रक्रिया। ध्यान दें: एक ही समय में एक संग्रहालय में सभी प्रसिद्ध कार्यों को देखना हमेशा संभव नहीं होता है।

फिनिश मूर्तिकार

हम प्रवेश द्वार से ही एथेनेयम संग्रहालय के माध्यम से अपना चलना शुरू करेंगे।

लॉबी में हमारी मुलाकात एक संगमरमर समूह से होती है " अपोलो और मार्सीप्रसिद्ध फिनिश मूर्तिकार द्वारा "(1874) वाल्टर रुनबर्ग (वाल्टर मैग्नस रनबर्ग) (1838-1920), हेलसिंकी में जोहान रुनबर्ग और सम्राट अलेक्जेंडर द्वितीय के स्मारकों के लेखक। मूर्तिकार के पिता, कवि जोहान रुनबर्ग, साहित्य में राष्ट्रीय-रोमांटिक प्रवृत्ति के प्रतिनिधि, ने ग्रीक और रोमन सभ्यता के आदर्शों को फिनिश संस्कृति में पेश किया, जिसमें बहादुरी और भक्ति का मूल्य भी शामिल था। उनके बेटे ने इन आदर्शों को व्यक्त करना जारी रखा, लेकिन मूर्तिकला के माध्यम से। 1858-62 में। वाल्टर रुन्बर्ग ने कोपेनहेगन में कला अकादमी में डेनमार्क के मूर्तिकार हरमन विल्हेम बायसेन के मार्गदर्शन में अध्ययन किया, जो प्रसिद्ध थोरवाल्डसेन का छात्र है, जो अंतरराष्ट्रीय स्तर पर मान्यता प्राप्त नवशास्त्रीय मूर्तिकला के मास्टर हैं। 1862-1876 में। रूनबर्ग ने शास्त्रीय विरासत का अध्ययन करते हुए रोम में काम किया।

इस मूर्तिकला समूह में, रुनबर्ग ने प्रकाश अपोलो के देवता का चित्रण किया, जो अपनी कला के साथ व्यंग्य मार्सय पर विजय प्राप्त करता है, जो अंधेरे और पृथ्वी का आभास कराता है। अपोलो का आंकड़ा प्राचीन आदर्शों की भावना में बनाया गया है, जबकि इस छवि का स्पष्ट रूप से बारोक-जंगली चरवाहे मार्सियस द्वारा विरोध किया गया है। यह रचना मूल रूप से हेलसिंकी में नए स्टूडेंट हाउस को सजाने के लिए बनाई गई थी और इसे महिला समाज द्वारा कमीशन किया गया था, लेकिन तब महिलाओं ने, जाहिर है, यह तय किया कि रुन्बर्ग की मूर्तिकला में बहुत नग्नता थी। एक रास्ता या दूसरा, अंत में, काम को कला सोसायटी ऑफ़ फिनलैंड के लिए एक उपहार के रूप में प्रस्तुत किया गया था - और इसलिए यह एटेनेम संग्रहालय के संग्रह में निकला।

तीसरी मंजिल पर अटेनियम के मुख्य प्रदर्शनी हॉल के प्रवेश द्वार पर, आप कुछ और दिलचस्प काम देख सकते हैं फिनिश मूर्तिकार... विशेष रूप से आकर्षक संगमरमर और कांस्य की मूर्तियां, सुंदर मूर्तियां और काम के फूलदान हैं विले वल्गरेना (विले वलग्रेन) (1855–1940). विले वॉलग्रेन पहले फिनिश मूर्तिकारों में से एक था, जिसने फिनलैंड में बुनियादी शिक्षा प्राप्त करने के बाद, कोपेनहेगन में नहीं, बल्कि पेरिस में अपनी पढ़ाई जारी रखने का फैसला किया। उनकी पसंद प्रसिद्ध चित्रकार अल्बर्ट एडेलफेल्ट से प्रभावित थी, जो पोरवो के मूल निवासी भी थे। एडफ़ेल्ट ने अन्य जीवन और पेशेवर मामलों में आवेगी हमवतन की मदद की: उदाहरण के लिए, यह उसकी मदद के लिए था कि वल्ग्रेन को एस्प्लेनेड बुलेवार्ड पर प्रसिद्ध हवीस अमांडा फाउंटेन (1908) के निष्पादन के लिए एक आदेश मिला।

विले वॉलग्रेन, जो लगभग 40 वर्षों तक फ्रांस में रहा है, वह अपनी कामुक महिला आकृतियों के लिए जाना जाता है कला नोव्यू शैली में... हालांकि, अपने काम के शुरुआती चरण में, उन्होंने अक्सर युवा पुरुषों को चित्रित किया और एक अधिक शास्त्रीय शैली का पालन किया (उदाहरण काव्यात्मक मूर्तियां हैं) गूंज"(1887) और" लड़का एक केकड़े के साथ खेल रहा है"(1884), जिसमें वॉलग्रेन मानवीय पात्रों और प्राकृतिक दुनिया को जोड़ता है)।

19 वीं शताब्दी के अंत में, विले वल्ग्रेन ने सजावटी मूर्तियों के एक उल्लेखनीय मास्टर के रूप में दुनिया भर में ख्याति प्राप्त की, साथ ही साथ फूलदान, दफन कलश और अश्रु-मामले, शोक-संतप्त लड़कियों के आंकड़े के साथ सजाए गए। लेकिन कोई कम आश्वस्त नहीं होने के साथ, वाइवेंट वॉलग्रेन ने जीवन की खुशियों को भी चित्रित किया, जिसमें चुलबुली और मोहक महिलाएं शामिल थीं, जैसे कि हविस अमांडा। उपर्युक्त मूर्तिकला के अलावा "लड़का एक केकड़ा के साथ खेल रहा है" (1884), एथेनियम संग्रहालय की तीसरी मंजिल पर आप देख सकते हैं ville Wallgren द्वारा कांस्य काम करता है: "टियरड्रॉप" (1894), "स्प्रिंग (पुनर्जागरण)" (1895), "दो युवा लोग" (1893) और एक फूलदान (सी। 1894)। पूरी तरह से काम किए गए विवरणों के साथ ये अति सुंदर काम आकार में छोटे हैं, लेकिन वे एक मजबूत भावनात्मक छाप बनाते हैं और उनकी सुंदरता के लिए याद किए जाते हैं।

विले वालग्रीन एक मूर्तिकार के रूप में एक कैरियर की ओर एक लंबा सफर तय कर चुके हैं, लेकिन एक बार जब उन्होंने अपनी दिशा पाई और पेशेवरों के समर्थन को सूचीबद्ध किया, तो वह इतिहास में सबसे सम्मानित और विश्व स्तर पर मान्यता प्राप्त कलाकारों में से एक बन गए। फिनिश कला... उदाहरण के लिए, पेरिस में विश्व प्रदर्शनी में अपने काम के लिए ग्रां प्री पदक प्राप्त करने वाले वे एकमात्र फिन थे (यह 1900 में हुआ)। वॉलग्रेन ने पहली बार 1889 के विश्व मेले के दौरान सहयोगियों और आलोचकों का ध्यान आकर्षित किया, जहां उनकी मसीह राहत प्रदर्शित की गई थी। एक बार फिर, फिनिश मूर्तिकार ने सिम्बॉलिस्ट पेरिस के सैलून के दौरान खुद के बारे में बात की गुलाब + क्रिक्स 1892 और 1893 में। वालग्रीन की पत्नी स्वीडिश कलाकार थीं और मूर्तिकार एंटोइनेट रोस्ट्रम ( एंटोइनेट रैस्ट्रॉम) (1858-1911).

द गोल्डन एज \u200b\u200bऑफ़ फिनिश आर्ट: अल्बर्ट एडेलफेल्ट, एक्सली गैलन-कललेला, ईरो जार्नेफेल्ट, पेक्का हलोनेन

तीसरी मंजिल पर सबसे बड़े हॉल में से एक में एथेनियम संग्रहालय क्लासिक पेंटिंग प्रस्तुत की जाती हैं, जिसमें विले वलग्रेन के दोस्त का काम शामिल है - अल्बर्ट एडेलफेल्ट (अल्बर्ट एडल्ट) (1854-1905), दुनिया में सबसे व्यापक रूप से जाना जाता है फिनिश कलाकार.

दर्शकों का ध्यान जरूरी परी कथा चित्र द्वारा आकर्षित किया गया है " रानी ब्लैंका"(1877) - फिनलैंड में सबसे लोकप्रिय और प्रिय चित्रों में से एक, मातृत्व के लिए एक वास्तविक भजन। इस पेंटिंग के मुद्रित प्रजनन और कढ़ाई देश भर के हजारों घरों में पाए जा सकते हैं। एडफेल्ट के लिए प्रेरणा का स्रोत ज़ाक्रिआस टोपेलियस की कहानी "द नाइन सिल्वरस्मिथ्स" थी। दे नीयो चांदीपिनारंगना), जिसमें स्वीडन की मध्यकालीन रानी और नामुर की नॉर्वे ब्लैंका अपने बेटे, प्रिंस हाकोन मैग्यूसन, डेनमार्क के मार्गरेट I के भावी पति, गीतों के साथ मनोरंजन करती हैं। इस शादी का नतीजा, बस आयोजित किया गया रानी ब्लैंका, स्वीडन, नॉर्वे और डेनमार्क का संघ बन गया - कलमार यूनियन (1397-1453)। प्रीति ब्लैंका अपने छोटे बेटे को इन सभी भविष्य की घटनाओं के बारे में बताती है।

इस कैनवास के निर्माण के युग में, ऐतिहासिक पेंटिंग को सबसे महान कला रूप माना गया था और फिनिश समाज की शिक्षित परतों द्वारा मांग की गई थी, क्योंकि उस समय राष्ट्रीय पहचान बनना शुरू हुई थी। अल्बर्ट एडेलफेल केवल 22 वर्ष के थे, जब उन्होंने मध्यकालीन स्कैंडिनेवियाई इतिहास के विषय पर एक पेंटिंग बनाने का फैसला किया, और क्वीन ब्लांका उनका पहला गंभीर काम बन गया। कलाकार ने अपने लोगों की अपेक्षाओं को पूरा करने और ऐतिहासिक दृश्य को विशद रूप से और प्रामाणिक रूप से संभव बनाने के लिए कहा (चित्र लेखन के समय, एडेलफेल पेरिस में एक तंग अटारी में रहते थे और अपने शिक्षक जीन-लीन जेरोम के आग्रह पर, उस काल की वेशभूषा का अध्ययन किया, मध्ययुगीन वास्तुकला और फर्नीचर के बारे में किताबें पढ़ीं। क्लूनी संग्रहालय)। उस कौशल को देखें जिसके साथ रानी की पोशाक के चमकदार रेशम, फर्श पर बियरस्किन, और कई अन्य विवरण चित्रित किए गए थे (कलाकार ने डिपार्टमेंट स्टोर में उद्देश्य के लिए भालू को किराए पर लिया था)। लेकिन तस्वीर में मुख्य बात, कम से कम आधुनिक दर्शक के लिए (और खुद को एडल्टेल के लिए, जो अपनी माँ को दुनिया में किसी और से ज्यादा प्यार करता था), अपनी गर्म भावनात्मक सामग्री रहती है: माँ का चेहरा और बच्चे के हाव-भाव जो प्यार, खुशी और निकटता व्यक्त करते हैं।

एक खूबसूरत 18 वर्षीय पेरिस की महिला ने क्वीन ब्लैंका के लिए मॉडल के रूप में सेवा की, और एक सुंदर इतालवी लड़के ने राजकुमार के लिए पोज दिया। पेंटिंग "क्वीन ब्लैंका" पहली बार 1877 में पेरिस सैलून में जनता के सामने पेश किया गया था, एक बड़ी सफलता थी और फ्रांसीसी कला प्रकाशनों में दोहराई गई थी। फिर इसे फिनलैंड में दिखाया गया, जिसके बाद कैनवास को औरोरा करमज़िना को बेच दिया गया। इसके बाद, यह टाइकून हेजलमार लिंडर के संग्रह में समाप्त हो गया, जिसने इसे दान किया एथेनियम संग्रहालय 1920 में।

प्रारंभिक रचनात्मकता का एक और उदाहरण अल्बर्ट एडेलफेल्ट एथेनेयम संग्रहालय में एक आकर्षक पेंटिंग है " एक बच्चे का अंतिम संस्कार"(" ताबूत का परिवहन ") (1879)। हम पहले ही कह चुके हैं कि उनकी युवावस्था में एल्डफेल्ट का इरादा एक ऐतिहासिक चित्रकार बनने का था; इसके लिए उन्होंने एंटवर्प और फिर पेरिस में अध्ययन करते हुए खुद को तैयार किया। लेकिन 1870 के दशक के अंत तक, उनके आदर्श बदल गए थे, वे फ्रांसीसी कलाकार बास्टियन-लेपेज के साथ दोस्त बन गए और प्लेन एयर पेंटिंग के प्रचारक बन गए। अगला काम Edelfelt पहले से ही किसान जीवन और अपनी जन्मभूमि के जीवन का यथार्थवादी प्रतिबिंब हैं। लेकिन द फ़्यूनरल ऑफ़ अ चाइल्ड रोजमर्रा के जीवन के एक दृश्य को प्रतिबिंबित नहीं करता है: यह मौलिक मानवीय भावनाओं में से एक को व्यक्त करता है - दु: ख।

उस वर्ष, एडफेल्ट ने पहली बार अपनी मां द्वारा पोर्वू के पास हाइको एस्टेट में किराए पर लिया एक नाच का दौरा किया (बाद में कलाकार हर गर्मियों में इन खूबसूरत जगहों पर आया)। पेंटिंग पूरी तरह से खुली हवा में चित्रित की गई थी, जिसके लिए एक बड़े कैनवास को तटीय बोल्डर से जोड़ा जाना था ताकि यह हवा में बह न जाए। "मुझे नहीं लगता कि बाहर पेंटिंग करना इतना मुश्किल था," एडफेल्ट ने अपने एक दोस्त को बताया। एडेल्ट ने पोर्वू द्वीपसमूह के निवासियों के अनुभवी चेहरे को तिरछा कर दिया, एक बार से अधिक मछुआरों के साथ समुद्र में चले गए, और यहां तक \u200b\u200bकि विवरणों के सटीक प्रजनन के लिए विशेष रूप से अपनी कार्यशाला में एक सावन मछली पकड़ने की नाव की स्थापना की। पेंटिंग का काम « 1880 के पेरिस सैलून में एक अंतिम संस्कार का प्रदर्शन किया गया था और पहली बार 3 डिग्री पदक से सम्मानित किया गया था फिनिश कलाकार ऐसा सम्मान मिला)। फ्रांसीसी आलोचकों ने चित्र के विभिन्न गुणों को नोट किया, इस तथ्य सहित कि यह अत्यधिक भावुकता से रहित है, लेकिन उस गरिमा को दर्शाता है जिसके साथ अक्षर अपरिहार्य स्वीकार करते हैं।

तस्वीर पूरी तरह से अलग, धूप और लापरवाह मनोदशा से भरी हुई है अल्बर्ट एडेलफेल्ट « लक्समबर्ग उद्यान"(1887)। जब एडफेल्ट ने इस कैनवास को लिखा, तो वह पहले से ही पेरिस की कला की दुनिया में एक बहुत प्रसिद्ध व्यक्ति थे। कई बच्चों और अच्छे मौसम का आनंद ले रहे नन्हे बच्चों के साथ पेरिस के पार्कों से रोमांचित होकर उन्होंने इस सुंदरता को कैद करने का फैसला किया। उस समय तक, चित्रकार पहले से ही दस साल से अधिक समय तक पेरिस में रहा था, और यह भी अजीब है कि यह पेंटिंग पेरिस के जीवन का चित्रण करने वाला उनका एकमात्र प्रमुख काम है। यह शायद कलाकारों के बीच भयंकर प्रतिस्पर्धा के कारण है: इस माहौल में अधिक "विदेशी" फिनिश विषयों पर काम करके बाहर खड़े होना आसान था। पेंटिंग "लक्समबर्ग गार्डन" भी इसमें असामान्य है कि इसमें एडफेल्ट ने छाप की कई तकनीकों का इस्तेमाल किया। उसी समय, प्रभाववादियों के विपरीत, उन्होंने इस कैनवास पर एक वर्ष से अधिक काम किया, दोनों खुली हवा में और कार्यशाला में। तुच्छ कारणों से अक्सर काम धीमा हो जाता था: खराब मौसम या देर से मॉडल। आत्म-आलोचक एडेलफेल्ट ने कैनवास को बार-बार बदल दिया, अंतिम क्षण तक बदलाव लाए, जब काम को प्रदर्शनी में ले जाने का समय था।

पेंटिंग को पहली बार एक प्रदर्शनी में दिखाया गया था गैलीरी पेटिट मई 1887 में। एडफ़ेल्ट स्वयं इस परिणाम से बहुत संतुष्ट नहीं थे: फ्रांसीसी प्रभाववादियों के चित्रों में रंग विस्फोट की पृष्ठभूमि के खिलाफ, उनके कैनवास दिखते थे, जैसा कि यह उन्हें, एनीमिक, "तरल" लगता था। हालांकि, इस काम को आलोचकों और जनता ने खूब सराहा। इसके बाद, यह चित्र फिनिश कला के घनिष्ठ संबंधों का प्रतीक बन गया - और विशेष रूप से एडल्टेल - पेरिस के साथ, जो उस समय कलात्मक ब्रह्मांड का उपरिकेंद्र था।

चित्र " रुकोलहट्टी में चर्च में महिलाएं"(1887) अल्बर्ट एडेलफेल्टहाइको में अपनी ग्रीष्मकालीन कार्यशाला में लिखा - वहाँ उन्होंने अपने लगभग सभी कार्यों को लोक जीवन के विषय पर बनाया। हालांकि पेंटिंग पूर्वी फिनलैंड की यात्रा के छापों को दर्शाती है, यह ज्ञात है कि पेंटिंग के लिए मॉडल हाइको की महिलाएं थीं (उनके स्टूडियो में एडफेल्ट के लिए प्रस्तुत की गई तस्वीरें जीवित हैं)। अन्य प्रमुख रचनाओं की तरह, यह रातोरात नहीं बनाया गया था, सावधान प्रारंभिक रेखाचित्र हमेशा बनाए गए थे। हालांकि, कलाकार का मुख्य लक्ष्य हमेशा एक सहज, विशद "स्नैपशॉट" प्रभाव को प्राप्त करना रहा है।

Ateneum में अल्बर्ट एडेलफेल्ट के कार्यों के साथ, आप फिनिश कला के स्वर्ण युग के एक अन्य प्रतिनिधि द्वारा चित्रों को देख सकते हैं, ईरो जार्नेफेल्ट (Eero järnefelt) (1863-1937)। फ़िनलैंड में अपनी पढ़ाई पूरी करने के बाद जारनेफ़ेल्ट चला गया सेंट पीटर्सबर्गजहाँ उन्होंने पढ़ाई की कला अकादमीअपने चाचा मिखाइल क्लोड्ट के साथ, रेपिन और कोरोविन के करीबी बन गए और फिर पेरिस में अपनी शिक्षा जारी रखने के लिए चले गए। विदेशी प्रभावों के बावजूद, राष्ट्रीय पहचान की खोज, देशी संस्कृति के अजीबोगरीब चरित्र पर जोर देने की इच्छा ( रचनात्मकता के बारे में अधिक ईरो जार्नेफेल्टपढ़ना ).

जारनेफेल्ट कोली क्षेत्र के राजसी परिदृश्यों और लेक तुसुलांजरवी के आसपास के राजसी परिदृश्य के एक चित्रकार चित्रकार और लेखक के रूप में सबसे अच्छी तरह से जाना जाता है, जहां उनका विला-स्टूडियो सुविरंता स्थित था (घर के बगल में, आइनोला, जहां संगीतकार सिबेलियस अपनी पत्नी, जारनेफेल्ट की बहन के साथ रहते थे)।

लेकिन Eero Jarnefelt का सबसे महत्वपूर्ण और प्रसिद्ध काम निस्संदेह पेंटिंग है "जुए के तहत" ("जंगल को जलाकर") (1893) (नाम के अन्य प्रकार - " पैसे के लिए पीछे झुकना», « बेगार")। कैनवास का कथानक खेती की प्राचीन पद्धति से जुड़ा है, जिसमें कृषि योग्य भूमि (तथाकथित स्लैश-एंड-बर्न एग्रीकल्चर) प्राप्त करने के लिए जलती हुई लकड़ी शामिल है। यह पेंटिंग 1893 की गर्मियों में एक खेत में बनाई गई थी रन्नन पुरूला उत्तरी सावो क्षेत्र में लापिनलाहती शहर में। उस वर्ष, ठंढ ने दूसरी बार फसल को बर्बाद कर दिया। जारनेफेल्ट ने एक धनी परिवार के खेत में काम किया और भूमिहीन मजदूरों के कठोर रहने और काम करने की परिस्थितियों का अवलोकन किया, जो कि फसल अच्छी होने पर ही उनके काम के लिए भुगतान किया जाता था। समानांतर में, जर्ननेफेल्ट ने एक जलते हुए जंगल के परिदृश्य के नमूने बनाए, आग और धुएं के व्यवहार का अध्ययन किया, और ग्रामीणों को भी फिल्माया, जो अंततः उनकी पेंटिंग के मुख्य पात्र बन गए।

चित्र का केवल एक चरित्र सीधे दर्शक को दिखता है: यह एक लड़की है जो अस्थायी रूप से अपने काम में बाधा डालती है और तिरस्कार की अभिव्यक्ति के साथ हमें देखती है। भूख से उसका पेट सूज गया था, उसके चेहरे और कपड़ों को कालिख से काला कर दिया गया था, और उसके सिर के चारों ओर जारनेफेल्ट ने प्रभामंडल जैसा धुआँ बनाया। कलाकार ने इस छवि को 14 वर्षीय लड़की से चित्रित किया, जिसका नाम जोहाना कोककोनन ( जोहाना कोककोनन), खेत पर नौकर। अग्रभूमि में व्यक्ति हेइकी पुअरुनेन ( हाइकी Puurunen), किसान भाई, पृष्ठभूमि में खेत के मालिक के साथ।

तस्वीर को देखते हुए, आप सचमुच आग की गर्मी महसूस कर सकते हैं, लौ की गूंज और शाखाओं के क्रंच को सुन सकते हैं। तस्वीर में कई व्याख्याएं हैं, लेकिन इसका मुख्य अर्थ उत्पीड़ित लोगों की कठोर आलोचना के रूप में देखा जाता है। तस्वीर में लड़की सभी गरीब और भूखे बच्चों, फिनलैंड में सभी वंचित लोगों की एक सामान्यीकृत छवि बन गई है। कैनवास को पहली बार जनता के सामने 1897 में प्रस्तुत किया गया था।

में एक पूरा बड़ा हॉल एथेनियम संग्रहालय फिनिश ललित कला के स्वर्ण युग के एक और प्रसिद्ध प्रतिनिधि के काम के लिए समर्पित - एक्सली गैलन-कालेले (अक्सली गैलेन-कललेला) (1865-1931)। इस अवधि के अन्य प्रमुख फिनिश कलाकारों की तरह, उन्होंने अध्ययन किया। 1900 के विश्व मेले के दौरान गैलन-काल्लेला को पेरिस की जनता का विशेष ध्यान आकर्षित किया गया, जब उन्होंने फिनिश महाकाव्य कालेवाला पर आधारित फिनिश मंडप के लिए कई भित्ति चित्र बनाए।

दौरान पेरिस में प्रशिक्षण गैलन-काल्लेला ने अक्सर सड़कों पर और कैफे में देखे जाने वाले दृश्यों को देखा। इस अवधि की रचनात्मकता का एक उदाहरण पेंटिंग है "न्यूड" ("बिना मास्क के") (Démasquée ) (1888) - गैलन-काल्लेला के काम में लगभग एकमात्र कामुक पेंटिंग। यह ज्ञात है कि इसे फिनिश कलेक्टर और परोपकारी फ्रिड्टजॉफ एंटेल द्वारा कमीशन 23-वर्षीय कलाकार द्वारा बनाया गया था, जो यौन रूप से स्पष्ट चित्रों के अपने संग्रह का विस्तार करना चाहते थे। हालांकि, जब एंटेल ने कैनवास को देखा, तो उन्होंने इसे लेने से इनकार कर दिया, जाहिर है, तस्वीर को अपने स्वाद के लिए भी अश्लील माना।

पेंटिंग में एक नग्न पेरिस की महिला (जाहिरा तौर पर एक वेश्या) को दर्शाया गया है, जो एक पारंपरिक फिनिश कालीन के साथ कवर सोफे पर कलाकार के स्टूडियो में बैठी है। तस्वीर बोहेमियन जीवन शैली का एक विचार देती है, लेकिन साथ ही संकेत देती है कि उसकी खुशियाँ मौत और गिरने से बच रही हैं। कलाकार एक मासूमियत के प्रतीक लिली को दर्शाता है, जो एक सशक्त कामुक मॉडल और एक गिटार के साथ विपरीत है, जिसकी आकृति आगे कामुक सनसनी को बढ़ाती है। महिला मोहक और भयभीत दोनों दिखती है। क्रूसीफिक्स, बुद्ध की मूर्ति और पुराने फिनिश कालीन ruyu, मादा मांस के बगल में चित्रित, संत के अपमान पर संकेत। पृष्ठभूमि में मेज पर रखी गई एक खोपड़ी - वनिता शैली के चित्रों में एक लगातार तत्व, सांसारिक सुखों की धोखाधड़ी और मृत्यु की अनिवार्यता के दर्शक को याद दिलाता है। कैनवास Démasquée में पहली बार प्रदर्शित किया गया था एथेनियम संग्रहालय 1893 में।

कई बाद में काम करता है Gallena-Kallela को समर्पित "Kalevala"... जब फिनिश के ऐसे नायकों को वेनमॉइन और लेमिंकेन के रूप में चित्रित किया जाता है, तो कलाकार एक विशेष शैली का उपयोग करता है, कठिन और अभिव्यंजक, पूर्ण उज्ज्वल रंगों और स्टाइलिश गहने से भरा होता है। इस चक्र से, यह अद्भुत तस्वीर ध्यान देने योग्य है " लेम्मिनकिनेन की मां"(1897)। यद्यपि चित्र महाकाव्य का एक चित्रण है, इसमें अधिक वैश्विक, सार्वभौमिक ध्वनि है और इसे एक प्रकार का उत्तरी पिएटा माना जा सकता है। मातृ प्रेम का यह छेदन गीत गैलेन-काल्लेला के सबसे अद्भुत में से एक है Kalevala».

लेम्मिनकिनेन की मां - एक हंसमुख लड़का, एक चतुर शिकारी और महिलाओं का लालन - अपने बेटे को मौत की काली नदी (तुनेला नदी) में पाता है, जहाँ उसने एक पवित्र हंस को गोली मारने की कोशिश की थी। पृष्ठभूमि में गहरे पानी में एक हंस का चित्रण किया गया है, और चट्टानी तट पर खोपड़ी और हड्डियों को बिखरा हुआ है और मृत्यु के फूल उग आए हैं। "कालेवाला" में बताया गया है कि कैसे एक माँ ने एक लंबी रेक के साथ पानी का दहन किया, सभी टुकड़ों को बाहर निकाला और अपने बेटे को उनमें से फिर से जोड़ दिया। मंत्र और मलहम की मदद से वह लेमिन्किनाइन को पुनर्जीवित करती है। पेंटिंग उस पल को दर्शाती है जो पुनरुत्थान से पहले का है। ऐसा लगता है कि सब कुछ चला गया है, लेकिन सूरज की किरणें मृत अवस्था में प्रवेश करती हैं, आशा प्रदान करती हैं, और मधुमक्खी नायक के पुनरुत्थान के लिए जीवन देने वाली दिव्य बाम का वहन करती हैं। गहरे रंग के, मौन रंग इस अंडरवर्ल्ड की शांति की भावना को बढ़ाते हैं, जबकि पत्थरों पर तीव्र रक्त-लाल काई, लेमिन्किनेन के पौधों की घातक पीला सफेदी और मधुमक्खी के दिव्य सुनहरे रंग के साथ त्वचा के विपरीत और आकाश से नीचे किरणें डालती हैं।

इस तस्वीर के लिए, उनकी अपनी माँ ने कलाकार के लिए तस्वीर खिंचवाई। वह एक जीवंत, तनावपूर्ण नज़र के साथ एक बहुत ही यथार्थवादी छवि बनाने में कामयाब रहे (यह एक वास्तविक भावना है: गैलेन-कालेले ने विशेष रूप से अपनी मां से कुछ दुख की बात की, जिससे वह रोने लगी)। इसी समय, पेंटिंग शैलीकरण में भिन्न होती है, जो आपको एक विशेष पौराणिक वातावरण बनाने की अनुमति देती है, यह महसूस करते हुए कि वास्तविकता के "दूसरी तरफ" घटनाएं हो रही हैं। भावनात्मक प्रभाव को बढ़ाने के लिए, गैलन-काल्लेला ने तेल के पेंट के बजाय टेम्परा का उपयोग किया। सरलीकृत आकार, कुरकुरा आकार की रूपरेखा, और बड़े रंग के विमान शक्तिशाली रचना बनाने में मदद करते हैं। पेंटिंग के उदास मनोदशा को बेहतर ढंग से व्यक्त करने के लिए, कलाकार ने अपने स्टूडियो हाउस रूवॉसी में एक पूरी तरह से काले कमरे की व्यवस्था की, जो रोशनी का एकमात्र स्रोत था जिसमें रोशनदान था। इसके अलावा, उन्होंने फर्श पर खुद को नग्न किया और लेमिन्किनेन के चित्र को चित्रित करते समय इन तस्वीरों का इस्तेमाल किया।

पूरी तरह से अलग, रमणीय और लगभग तुच्छ शैली में, गैलेन-कालेले ट्रिप्टिक " द लीजेंड ऑफ ऐनो"(1891)। रचना "कालेवाला" से युवा लड़की ऐनो और पुराने ऋषि वेणीमोहेन के बारे में कहानी को समर्पित है। ऐनो, अपने माता-पिता के फैसले से, वैनीमोहिनन से शादी में दिया जाना था, लेकिन वह खुद से डूबने से बचने के लिए, उससे बच निकलती है। ट्राइपटिक के बाईं ओर जंगल में पारंपरिक करीलियन पोशाक पहने एक बूढ़े आदमी और एक लड़की की पहली बैठक से पता चलता है, और दाईं ओर हम उदास ऐनो को देखते हैं। खुद को पानी में फेंकने की तैयारी करते हुए, वह समुद्र किनारे रोता है, पानी में खेल रही समुद्री युवतियों की पुकार सुनकर। अंत में, केंद्रीय पैनल में कहानी के अंत को दर्शाया गया है: Väinämöinen समुद्र और मछलियों के लिए एक नाव पर जाता है। एक छोटी मछली को पकड़ने के बाद, वह उस लड़की को नहीं पहचानता है जो अपनी गलती के कारण डूब गई और मछली को वापस पानी में फेंक दिया। लेकिन इस क्षण में मछली ऐनो में बदल जाती है - एक मत्स्यांगना जो उस बूढ़े आदमी पर हंसता है जिसने उसे याद किया और फिर हमेशा के लिए लहरों में गायब हो गया।

1890 के दशक की शुरुआत में गैलेन-Kallela प्रकृतिवाद के समर्थक थे, और उन्हें निश्चित रूप से चित्र में सभी आंकड़े और वस्तुओं के लिए प्रामाणिक मॉडल की आवश्यकता थी। तो, अपनी लंबी सुंदर दाढ़ी के साथ वेनमॉइन की छवि के लिए, करेलियन गांवों में से एक का निवासी कलाकार के लिए खड़ा था। इसके अलावा, कलाकार ने पुराने लोगों द्वारा भयभीत मछली की सबसे सटीक छवि प्राप्त करने के लिए पर्चों को सुखाया। यहां तक \u200b\u200bकि चांदी के कंगन जो कि ऐनो के हाथ पर चमकते थे, वास्तविकता में मौजूद थे: गैलेन-काल्लेला ने अपनी युवा पत्नी मैरी को यह गहने भेंट किए। उन्होंने स्पष्ट रूप से ऐनो के लिए एक मॉडल के रूप में कार्य किया। ट्रिप्टिअक के लिए परिदृश्य को कर्लिया में अपने हनीमून के दौरान कलाकार द्वारा स्केच किया गया था।

रचना को कालेनवाला के गहने और उद्धरण के साथ एक लकड़ी के फ्रेम द्वारा तैयार किया गया है, जिसे स्वयं गैलन-काल्लेला ने लिखा है। यह त्रिपिटक आंदोलन का प्रारंभिक बिंदु बन गया फिनलैंड में राष्ट्रीय रूमानियत - आर्ट नोव्यू का फिनिश संस्करण। कलाकार ने 1888-89 में पेरिस में इस पेंटिंग का पहला संस्करण बनाया। (अब यह बैंक ऑफ फिनलैंड के अंतर्गत आता है)। जब पेंटिंग पहली बार हेलसिंकी में प्रस्तुत की गई थी, तो यह बहुत उत्साह के साथ स्वागत किया गया था, और सीनेट ने सार्वजनिक खर्च पर एक नया संस्करण ऑर्डर करने का फैसला किया। यह विचार फेनोमेन आंदोलन के मद्देनजर काफी स्वाभाविक लगता है, जिन्होंने फिनिश राष्ट्र को आदर्श और रोमांटिक बनाया। इसके अलावा, कला को फिनिश राष्ट्रीय आदर्शों को व्यक्त करने के एक शक्तिशाली साधन के रूप में देखा गया था। उसी समय, करेलिया के कलाकारों के अभियान "असली फिनिश शैली" की तलाश में शुरू हुए। करेलिया को एकमात्र अछूता भूमि के रूप में देखा गया था जहां "कालेवाला" के निशान संरक्षित थे, और गैलन-काल्लेला ने इस महाकाव्य को राष्ट्रीय महानता के पिछले समय के बारे में एक कहानी के रूप में माना, एक खोए हुए स्वर्ग की छवि के रूप में।

गैलन-कालेले पेंटिंग कुल्लर्वो का अभिशाप"(1899)" कालेवाला "के एक अन्य नायक के बारे में बताता है। कुल्लवरो असाधारण ताकत का एक युवा था, एक अनाथ जिसे गुलामी में दिया गया था और गायों को चराने के लिए जंगल में भेजा गया था। दुष्ट परिचारिका, लोहार इल्मारिन की पत्नी ने उसे यात्रा के लिए रोटी दी, जिसमें एक पत्थर छिपा था। रोटी काटने की कोशिश करने के बाद, कुल्लवरो ने अपने पिता की एकमात्र स्मृति को एक चाकू तोड़ दिया। गुस्से में, वह भेड़ियों, भालू और लैंक्स के एक नए झुंड को इकट्ठा करता है, जो परिचारिका को अलग करते हैं। कुल्लवरो गुलामी से बचता है और यह सीखकर घर लौटता है कि उसके रिश्तेदार जीवित हैं। हालांकि, कुल्लवेरो की गलतफहमी वहां खत्म नहीं होती है। बदला लेने का एक अंतहीन सर्पिल न केवल उसके नए परिवार को नष्ट कर देता है, बल्कि खुद भी। सबसे पहले, वह एक लड़की से मिलता है और छेड़खानी करता है, जो उसकी बहन बन जाती है, और इस पापी रिश्ते के कारण, बहन आत्महत्या कर लेती है। जल्द ही उनके सभी रिश्तेदार भी मर जाते हैं। फिर कुल्लवरो ने खुद को तलवार पर मारकर खुद को मार डाला।

गैलन-काल्लेला की पेंटिंग में एक ऐसे प्रकरण को दिखाया गया है जब कुल्लुरो अभी भी एक चरवाहे के रूप में सेवा कर रहा है (उसका झुंड पृष्ठभूमि में दिखाई दे रहा है, और पके हुए पत्थर के साथ रोटी सामने चित्रित है)। जवान अपनी मुट्ठी हिलाता है और अपने दुश्मनों से बदला लेने की कसम खाता है। कलाकार ने शुरुआती शरद ऋतु के एक सनी परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ एक नाराज नायक को चित्रित किया, लेकिन पहले से ही बादल पृष्ठभूमि में इकट्ठा हो रहे हैं, और लाल रंग में डाली गई पहाड़ी राख चेतावनी के रूप में कार्य करती है, भविष्य के रक्तपात की भविष्यवाणी। इस चित्र में, त्रासदी को कारेलियन प्रकृति की सुंदरता के साथ जोड़ा गया है, और नायक-बदला लेने वाले को एक अर्थ में फिनिश लड़ाई की भावना और बढ़ते राष्ट्रीय आत्म-जागरूकता का प्रतीक माना जा सकता है। दूसरी ओर, हमारे सामने क्रोध और निराशा का चित्र है, एक ऐसे व्यक्ति की शक्तिहीनता, जो अजनबियों द्वारा लाया गया था, जिसने हिंसा और बदले के माहौल में, उसके परिवार को नष्ट कर दिया था, और यह उसके भाग्य पर एक दुखद छाप छोड़ गया।

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हम इस खंड का समापन पेंटिंग में फिनिश राष्ट्रीय रोमांटिकवाद के एक और उत्कृष्ट प्रतिनिधि के काम के बारे में एक कहानी के साथ करेंगे, जो कि फिनिश गोल्डन एज \u200b\u200bके प्रसिद्ध कलाकार - पक्के हलोनेन हैं। पेक्का हलोनें (पेक्का हलोनें) (१33६५-१९ ३३) ने १ the ९ ० के दशक में प्रसिद्धि प्राप्त की, खुद को एक नायाब मास्टर साबित किया सर्दियों के परिदृश्य... इस शैली की उत्कृष्ट कृतियों में से एक पेंटिंग है " बर्फ के नीचे युवा देवदार के पेड़"(1899), एक उदाहरण माना जाता है फिनिश जापानीवाद और पेंटिंग में आर्ट नोव्यू। शीतल भुलक्कड़ बर्फ़ को ढँकते हुए, विभिन्न रंगों में खेलते हुए, एक वन परी कथा का शांतिपूर्ण वातावरण बनाते हैं। धूमिल हवा ठंड सर्दियों की धुंध के साथ संतृप्त है, और रसीला बर्फ की परतें युवा देवदार के पेड़ों की नाजुक सुंदरता पर जोर देती हैं। पेड़ आमतौर पर रचनात्मकता में पसंदीदा रूपांकनों में से एक थे। पक्की हल्लोने... अपने पूरे जीवन के दौरान, उन्होंने उत्साह से वर्ष के विभिन्न समय में पेड़ों को चित्रित किया, और वह विशेष रूप से वसंत से प्यार करते थे, लेकिन फिर भी सबसे अधिक वे एक गुरु के रूप में प्रसिद्ध हो गए। सर्दियों के परिदृश्य - कुछ चित्रकारों ने ठंड में बनाने की हिम्मत दिखाई। पेकका हेलोनेन को सर्दियों का डर नहीं था और उन्होंने जीवन भर किसी भी मौसम में बाहर काम किया। खुली हवा में काम करने के समर्थक, उन्होंने ऐसे कलाकारों का तिरस्कार किया, जो "खिड़की से दुनिया को देखते हैं।" हेलोनेन के चित्रों में, ठंढ से शाखाएं टूट जाती हैं, पेड़ बर्फ की टोपी के वजन के नीचे गाते हैं, सूरज जमीन पर नीले रंग की छाया डालता है, और वनवासी नरम सफेद कालीन पर पैरों के निशान छोड़ते हैं।

शीतकालीन परिदृश्य फिनलैंड का एक प्रकार का राष्ट्रीय प्रतीक बन गया, और पेक्का हलोनेन ने पेरिस में 1900 के विश्व मेले में फिनिश मंडप के लिए फिनिश प्रकृति और लोक जीवन की थीम पर एक दर्जन कैनवस चित्रित किए। उदाहरण के लिए, यह चक्र शामिल है " बर्फ के छेद पर"(" वॉशिंग ऑन आइस ") (1900)। 1894 में पेरिस में पॉल गौगुइन के साथ अध्ययन करने पर "उत्तरी विदेशीवाद" का चित्रण करने में हेलोनेन की रुचि जागृत हुई।

आमतौर पर कलाकार फिनिश पेंटिंग का स्वर्ण युग शहरी मध्यम वर्ग से आया है। एक और बात पाइका हालोनें, जो प्रबुद्ध किसानों और कारीगरों के परिवार से आई थी। उनका जन्म लापिनलहटी (पूर्वी फ़िनलैंड) में हुआ था और वह बहुत ही कला में रुचि रखते थे - और केवल पेंटिंग में ही नहीं, बल्कि संगीत में भी (कलाकार की माँ एक उपहार देने वाली कंटेलेर कलाकार थीं; उन्होंने अपने बेटे को भी प्रकृति के प्रति एक सम्मानजनक रवैया और प्यार के लिए प्रेरित किया और बाद में यह प्यार लगभग धर्म में बदल गया। )। युवक ने अपने साथियों की तुलना में थोड़ी देर बाद पेंटिंग का अध्ययन करना शुरू किया, लेकिन फिनलैंड के आर्ट सोसाइटी के ड्राइंग स्कूल और उसके उत्कृष्ट स्नातक होने के चार साल के अध्ययन के बाद, हेलोनेन एक छात्रवृत्ति प्राप्त करने में सक्षम था जिसने उन्हें उस समय के कलात्मक मक्का में अध्ययन करने की अनुमति दी। सबसे पहले उन्होंने जूलियन अकादमी में अध्ययन किया, और फिर 1894 में, निजी सबक लेना शुरू किया पॉल गौगुइन साथ में उसका दोस्त वैनो ब्लूमस्टेड। इस अवधि के दौरान, हैलोन प्रतीकवाद, संश्लेषणवाद और यहां तक \u200b\u200bकि थियोसोफी से परिचित हो गए। नवीनतम कलात्मक रुझानों के साथ परिचित, हालांकि, उसे यथार्थवादी तरीके से त्यागने के लिए नेतृत्व नहीं किया, और उसने गागुइन के उज्ज्वल पैलेट को उधार नहीं लिया, लेकिन गौगुइन के प्रभाव के तहत, हैलोनन जापानी कला का एक गहरा पारखी बन गया और जापानी प्रिंटों की प्रतियां इकट्ठा करना शुरू कर दिया।

उदाहरण के लिए, एक घुमावदार देवदार का पेड़, जापानी कला में एक लोकप्रिय मूल भाव, अक्सर उनके काम में दिखाई देता है। इसके अलावा, हैलोनन के कई चित्रों में, वह विस्तार, शाखाओं के सजावटी पैटर्न या बर्फ के विशेष पैटर्न पर विशेष ध्यान देता है, और सर्दियों के परिदृश्य का विषय स्वयं जापानी कला में असामान्य नहीं है। Halonen को "काकमानो" प्रकार के विषम संकीर्ण कैनवस, असममित रचनाओं, क्लोज़-अप्स और असामान्य कोणों के लिए एक वरीयता द्वारा विशेषता है। कई अन्य परिदृश्य चित्रकारों के विपरीत, उन्होंने ऊपर से विशिष्ट मनोरम दृश्यों को चित्रित नहीं किया; जंगल में गहरे उनके चित्र चित्रित हैं, प्रकृति के करीब, जहाँ पेड़ सचमुच दर्शकों को घेर लेते हैं, उन्हें उनकी मूक दुनिया में आमंत्रित करते हैं। यह गागुइन था जिसने प्रकृति को चित्रित करने में अपनी शैली की खोज करने के लिए हेलोनेन को प्रेरित किया और उसे राष्ट्रीय जड़ों में अपने विषयों की तलाश करने के लिए प्रोत्साहित किया। Gauguin की तरह, Halonen ने अपनी कला की मदद से खोजने के लिए प्राइमरी, प्राइमरी में कुछ किया, लेकिन केवल अगर फ्रांसीसी प्रशांत महासागर के द्वीपों में अपने आदर्श की तलाश में था, तो फ़िनिश आर्टिस्ट "Kalevala" में वर्णित पवित्र जंगलों, फ़िनिश के "खोए हुए स्वर्ग" को फिर से जीवित करने के लिए प्रयासरत हैं। ...

शांति और सद्भाव की खोज से पेक्का हलोनन के काम को हमेशा प्रतिष्ठित किया गया है। कलाकार का मानना \u200b\u200bथा कि "कला को सैंडपेपर की तरह नसों को परेशान नहीं करना चाहिए - इसे दुनिया की भावना पैदा करनी चाहिए।" यहां तक \u200b\u200bकि किसान श्रम को चित्रित करते हुए, हैलोनन ने शांत, संतुलित रचनाओं की मांग की। तो, काम में " करेलिया में पायनियर» (« करेलिया में सड़क निर्माण)) (1900), उन्होंने फिनिश किसानों को स्वतंत्र, बुद्धिमान श्रमिकों के रूप में प्रस्तुत किया जिन्हें काम पाने के लिए अनुचित प्रयास करने की आवश्यकता नहीं है। इसके अलावा, कलाकार ने इस बात पर जोर दिया कि वह एक समग्र सजावटी छाप बनाने का प्रयास कर रहा था। यह उन समकालीनों का जवाब था जिन्होंने पेंटिंग के अवास्तविक "शांत रविवार के मूड" की आलोचना की और श्रमिकों के बहुत साफ कपड़े, जमीन पर छीलन की छोटी राशि और जंगल के बीच में एक नाव की अजीब उपस्थिति से आश्चर्यचकित थे। लेकिन कलाकार का विचार बिल्कुल अलग था। पेक्का हलोनेन कठिन थकाऊ काम की तस्वीर नहीं बनाना चाहते थे, लेकिन किसान श्रम की शांत मापित लय को व्यक्त करना चाहते थे।

हालोन की इटली (1896-97 और 1904) की उनकी यात्राओं से बहुत प्रभावित हुए, जिसमें उन्होंने पुनर्जागरण की शुरुआती कृतियों को भी शामिल किया, जो उन्होंने फ्लोरेंस में देखी थीं। इसके बाद, अपनी पत्नी और बच्चों के साथ पेक्का हलोनेन (दंपति के कुल आठ बच्चे थे) ने तुसुला झील का रुख किया, जिसके शांत वातावरण को प्रेरणा और फलदायी कार्य के रूप में हेलसिंकी से दूर ले जाया गया, "हर चीज का स्रोत जो बदसूरत और बदसूरत था।" यहां, झील पर स्कीइंग करते समय, कलाकार ने अपने भविष्य के घर के लिए एक जगह की तलाश की, और 1899 में युगल ने किनारे पर एक भूखंड खरीदा, जहां, कुछ साल बाद, पक्के हलोनेन का घर-स्टूडियो बड़ा हुआ - एक खलनायक जिसका नाम उन्होंने रखा Halosenniemi (Halosenniemi) (1902)। एक राष्ट्रीय रोमांटिक भावना में इस आरामदायक लकड़ी के आवास को कलाकार ने खुद डिजाइन किया था। आज घर में Pekka Halonen संग्रहालय है।

फिनिश सिम्बोलिस्ट्स

एथेनेयम संग्रहालय के संग्रह में सबसे दिलचस्प खंडों में से एक ह्यूगो सिम्बर्ग और अन्य फिनिश सिम्बोलिस्ट्स का अतुलनीय कार्य है।

एथेनेयम संग्रहालय के एक अलग हॉल में, प्रसिद्ध पेंटिंग " घायल परी"(1903) फिनिश कलाकार ह्यूगो सिमबर्ग... इस उदासीन कैनवस में एक अजीब जुलूस को दर्शाया गया है: दो पतले लड़के एक स्ट्रेचर पर एक आंखों पर पट्टी और एक घायल पंख के साथ एक सफेद पहने परी लड़की को ले जा रहे हैं। पेंटिंग की पृष्ठभूमि शुरुआती वसंत का एक नंगे परिदृश्य है। परी के हाथ में बर्फ का एक गुच्छा है, वसंत के पहले फूल, चिकित्सा और नए जीवन के प्रतीक . जुलूस का नेतृत्व एक ब्लैक-क्लैड लड़के द्वारा किया जाता है जो एक अंडरटेकर (शायद मौत का प्रतीक) जैसा दिखता है। एक और लड़के की नज़र हम पर टिकी हुई है, सीधे दर्शक की आत्मा में घुसती है और याद दिलाती है कि जीवन और मृत्यु के विषय हममें से प्रत्येक के लिए प्रासंगिक हैं। पतित स्वर्गदूत, स्वर्ग से निष्कासन, मृत्यु पर प्रतिबिंब - ये सभी विषय विशेष रूप से चिंतित कलाकार- symbolists... कलाकार ने स्वयं चित्र की किसी भी तैयार व्याख्या की पेशकश करने से इनकार कर दिया, जिससे दर्शक अपने निष्कर्ष निकाल सके।

ह्यूगो सिमबर्ग ने इस पेंटिंग पर लंबे समय तक काम किया: 1898 के बाद से उनके एल्बमों में पहली रेखाचित्र पाए जाते हैं। कुछ रेखाचित्र और तस्वीरें रचना के अलग-अलग हिस्सों को दर्शाती हैं। कभी-कभी एक देवदूत को व्हीलचेयर में चलाया जाता है, कभी-कभी यह लड़कों के लिए नहीं होता है, लेकिन छोटे शैतानों को पोर्टर्स के रूप में प्रस्तुत किया जाता है, उसी समय परी का आंकड़ा हमेशा केंद्रीय होता है, और पृष्ठभूमि एक वास्तविक परिदृश्य है। पेंटिंग पर काम करने की प्रक्रिया बाधित हो गई थी जब सिम्बर्ग गंभीर रूप से बीमार पड़ गया था: 1902 के पतन से लेकर 1903 के वसंत तक, कलाकार का हेलसिंकी में डेकोनेस इंस्टीट्यूट के अस्पताल में इलाज किया गया था ( हेलसिंगिन डायकोनिसालाटोस) कल्लियो क्षेत्र में। उन्हें एक गंभीर तंत्रिका संबंधी बीमारी थी, जो सिफिलिस (जिससे बाद में कलाकार की मृत्यु हो गई) से बढ़ गया था।

यह ज्ञात है कि सिम्बर्ग ने कार्यशाला में और उपरोक्त अस्पताल के बगल में स्थित एलींटगढ़ पार्क में अपने मॉडल (बच्चों) की तस्वीरें ली थीं। चित्र में दर्शाया गया मार्ग आज भी मौजूद है - यह टोल्लोन्हल्ती खाड़ी के तट पर चलता है। सिम्बर्ग के समय में, एलींटगढ़ पार्क मज़दूर वर्ग के लिए एक लोकप्रिय मनोरंजन स्थल था। इसके अलावा, यह कई चैरिटी के लिए घर था, जिसमें नेत्रहीनों के लिए एक महिला स्कूल और विकलांगों के लिए आश्रय भी शामिल था। 1903 के वसंत में एक गंभीर बीमारी से उबरने के बाद जब वे वहां गए, तो सिम्बबर्ग ने पार्क के निवासियों को बार-बार देखा। जाहिर है, इन लंबी सैर के दौरान, तस्वीर के विचार ने पूरी तरह से आकार लिया। पेंटिंग "घायल परी" (स्वर्ग से निष्कासन का प्रतीक, एक बीमार मानव आत्मा, मानव असहाय, एक टूटे हुए सपने) की दार्शनिक व्याख्याओं के अलावा, कुछ इसमें चित्रकार की दर्दनाक स्थिति और यहां तक \u200b\u200bकि विशिष्ट शारीरिक लक्षणों का अनुकरण (कुछ रिपोर्टों के अनुसार, सिम्बर्ग भी मैनिंजाइटिस से पीड़ित हैं) देखते हैं।

सिम्बर्ग की पेंटिंग « घायल परीइसके पूरा होने के तुरंत बाद एक बड़ी सफलता मिली। यह प्रस्तुति 1903 में आर्ट सोसाइटी ऑफ फिनलैंड की शरद ऋतु प्रदर्शनी में हुई। प्रारंभ में, कैनवास को एक शीर्षक के बिना प्रदर्शित किया गया था (अधिक सटीक रूप से, शीर्षक के बजाय एक डैश था), जो किसी एक व्याख्या की असंभवता पर संकेत देता था। इस गहन व्यक्तिगत और भावनात्मक काम के लिए, कलाकार को 1904 में राज्य पुरस्कार से सम्मानित किया गया था। द वाउंडड एंजल का दूसरा संस्करण सिम्पबर्ग द्वारा टाम्परे कैथेड्रल के इंटीरियर को भित्तिचित्रों के साथ सजाते हुए किया गया था, जहां उन्होंने मैग्नस एनकेल के साथ काम किया था।

फ़िनलैंड में 2006 के एक सर्वेक्षण के अनुसार, “ घायल परी"देश के एक कलात्मक प्रतीक, फिनलैंड का सबसे प्रिय" राष्ट्रीय चित्रकला "एथेनेयम के संग्रह में सबसे लोकप्रिय काम के रूप में पहचाना गया था।

ह्यूगो सिमबर्ग (ह्यूगो सिम्बर्ग) (१ of of३-१९ १ then) का जन्म हमिना शहर में हुआ था, तब वे रहते थे और अध्ययन करते थे, और फिर, जहाँ उन्होंने फिनलैंड के आर्ट सोसाइटी के स्कूल में भाग लिया। उन्होंने अक्सर गर्मियों में फिनलैंड की खाड़ी के तट पर नीमनलौट्टा (सक्किजिरवी) में परिवार की संपत्ति पर खर्च किया। सिमबर्ग ने यूरोप की बहुत यात्रा की, लंदन और पेरिस का दौरा किया, इटली का दौरा किया, काकेशस का। एक कलाकार के रूप में उनके विकास का एक महत्वपूर्ण चरण उस अवधि में गिर गया जब सिम्बर्ग ने एक रूढ़िवादी शैक्षणिक शिक्षा से मोहभंग कर दिया, रुवैसी के जंगल में एक्सली गैलेन-काल्लेला से निजी सबक लेना शुरू कर दिया, जहां गैलन-काल्लेला ने अपना कार्यशाला घर बनाया। गैलन-काल्लेला ने अपने छात्र की प्रतिभा को बहुत महत्व दिया और उनके लिए कला की दुनिया में एक महान भविष्य की उम्मीद की, जिसमें सिम्बर्ग के काम की सच्चाई और भावुक उपदेशों की तुलना की गई जिसे सभी को सुनना चाहिए। 1895 और 1897 के बीच सिम्सबर्ग ने रुवेसी का तीन बार दौरा किया। यहाँ, कलात्मक स्वतंत्रता के माहौल में, उन्होंने जल्दी से अपनी भाषा पाई। उदाहरण के लिए, रुवेसी में अपने प्रवास की पहली शरद ऋतु में, उन्होंने प्रसिद्ध रचना " ठंढ"(1895), कुछ हद तक" द स्क्रीम "की याद ताजा करती है। इस मामले में, मौसम की घटना, दुनिया भर के किसानों के डर ने एक स्पष्ट अवतार, चेहरा और आकार प्राप्त किया है: यह बड़े कानों के साथ एक घातक पीला आंकड़ा है, जो एक शीफ के ऊपर बैठकर अपनी मृत सांस के साथ सब कुछ जहर कर रहा है। कई वर्षों पहले पूरा हुए मंक की चिल्लाहट के विपरीत, सिम्बर्ग के फ्रॉस्ट ने पूरी तरह से डरावनी और निराशा नहीं दिखाई, लेकिन एक ही समय में खतरे और अफ़सोस की एक अजीब भावना।

सिमबर्ग के जीवन का एक महत्वपूर्ण क्षण 1898 की शरद ऋतु प्रदर्शनी थी, जिसके बाद उन्हें फिनिश आर्टिस्ट्स के संघ में भर्ती कराया गया था। सिम्बर्ग ने पूरे यूरोप में बड़े पैमाने पर यात्रा की, सिखाया, प्रदर्शनियों में भाग लिया। हालांकि, कलाकार की प्रतिभा का सही मायने में उसकी मृत्यु के बाद ही सराहना की गई थी। भयानक और अलौकिक पर ध्यान उस समय के सभी आलोचकों और दर्शकों द्वारा नहीं समझा गया था।

ह्यूगो सिमबर्ग एक सबसे बड़ा था फिनिश सिम्बोलिस्ट्स... वह रोजमर्रा की स्थितियों को भुनाने के लिए आकर्षित नहीं हुआ - इसके विपरीत, उसने कुछ ऐसा चित्रित किया जिसने एक और वास्तविकता का द्वार खोल दिया, दर्शक के मन और आत्मा को छू लिया। उन्होंने कला को "सर्दियों के बीच में एक व्यक्ति को एक सुंदर गर्मी की सुबह में स्थानांतरित करने के अवसर के रूप में समझा और महसूस किया कि प्रकृति कैसे जागती है और आप स्वयं इसके साथ तालमेल रखते हैं।" यह वही है जो मैं कला के एक टुकड़े में देख रहा हूं। यह हमें कुछ के बारे में बात करनी चाहिए और जोर से बोलना चाहिए, ताकि हम दूसरी दुनिया में चले जाएं। ''

सिमबर्ग को विशेष रूप से उन चीजों को चित्रित करने का शौक था जो केवल कल्पना में देखी जा सकती हैं: स्वर्गदूत, शैतान, ट्रॉल्स और डेथ के चित्र। हालांकि, इन छवियों को भी, उन्होंने कोमलता और मानवता दी। सिम्बर्ग में मृत्यु अक्सर उदार और सहानुभूति से भरी होती है, उत्साह के बिना अपने कर्तव्यों को पूरा करती है। यहां वह बुढ़िया को लेने के लिए तीन सफेद फूल लेकर आई थी। हालाँकि, मौत किसी भी तरह की जल्दी में नहीं है, वह वायलिन बजाने वाले लड़के को सुनने के लिए काफी खर्च कर सकती है। दीवार पर केवल घड़ी समय बीतने के निशान (" मृत्यु सुन रहा है", 1897)।

काम में " मौत का बगीचा"(1896), पेरिस, सिम्बर्ग में पहली अध्ययन यात्रा के दौरान बनाया गया था, जैसा कि उन्होंने खुद कहा था, स्वर्ग जाने से पहले मृत्यु के तुरंत बाद मानव आत्मा गिरने वाली जगह को दर्शाया गया है। काले वस्त्र में तीन कंकाल इस तरह के प्यार के साथ पौधों की आत्माओं के लिए कोमलता से देखभाल करते हैं, क्योंकि भिक्षु मठ के बगीचे में जाते हैं। कलाकार के लिए इस काम का बहुत महत्व था। लगभग दस साल बाद, सिम्पबर्ग ने इसे टैम्पियर कैथेड्रल में एक बड़े भित्तिचित्र के रूप में पुन: पेश किया। इस काम का अजीब आकर्षण प्यारा रोजमर्रा के विवरण (एक पानी में डूबा हुआ, एक हुक से लटका हुआ तौलिया), एक शांतिपूर्ण वातावरण और खुद की डेथ की नम्र छवि में निहित है, जो विनाश का एक बल नहीं है, लेकिन देखभाल का अवतार है। यह दिलचस्प है कि हंस क्रिश्चियन एंडरसन की परी कथा "द स्टोरी ऑफ ए मदर" में भी हमें एक समान छवि मिलती है: कहानीकार मृत्यु के एक विशाल ग्रीनहाउस का वर्णन करता है - एक ग्रीनहाउस, जहां एक मानव आत्मा हर फूल या पेड़ से "जुड़ी" है। मौत खुद को भगवान का माली कहती है: "मैं उसके फूलों और पेड़ों को ले जाता हूं और उन्हें अज्ञात देश के महान गार्डन ऑफ ईडन में ट्रांसप्लांट करता हूं।"

प्रथम मौत की छवि सिम्बर्ग के काम में दिखाई दिया " मृत्यु और किसान"(1895)। शॉर्ट ब्लैक केप और शॉर्ट पैंट डेथ को एक सौम्य, डाउनकास्ट लुक देते हैं। यह काम एक्सबर्ग गैलेन-काल्लेला के साथ अध्ययन करते हुए रुवेसी में सिम्सबर्ग द्वारा किया गया था। उस वसंत में शिक्षक की सबसे छोटी बेटी डिप्थीरिया की मृत्यु हो गई, उस वसंत और मृत्यु और किसान को एक बच्चे को खो चुके आदमी के लिए सहानुभूति की अभिव्यक्ति के रूप में देखा जा सकता है।

शैतानों की तरह, ह्यूगो सिमबर्ग के स्वर्गदूत मानवकृत हैं और इसलिए कमजोर हैं। वे लोगों को अच्छे रास्ते पर मार्गदर्शन करने की कोशिश करते हैं, लेकिन वास्तविकता आदर्श से बहुत दूर है। काम " नींद”(1900) दर्शक से सवाल उठाता है। क्यों एक औरत रो रही है जबकि एक परी अपने पति के साथ नृत्य कर रही है? शायद पति अपनी पत्नी को दूसरी दुनिया के लिए छोड़ देता है? इस काम के लिए एक और शीर्षक "पश्चाताप" था, इसलिए इसे विभिन्न तरीकों से व्याख्या किया जा सकता है।

1895 के पतन में सिम्बर्ग के काम में पहली बार स्वर्गदूतों के चित्र दिखाई दिए (काम " शील")। इस शरारती काम में, प्रार्थना करने वाली परी-लड़की यह नहीं देखती है कि पड़ोसी परी के दिमाग में कुछ अलग है। दरअसल, इस दूसरी परी के पंख इतने सफेद से बहुत दूर हैं। कामुकता और आध्यात्मिकता के बीच संघर्ष स्पष्ट है।

Niemenlautta क्षेत्र में सैर, जहाँ Simberg ने लगभग हमेशा परिवार की गर्मियों में गर्मियों में बिताया, गर्मियों की शाम को युवाओं के लिए एक लोकप्रिय बैठक स्थल था। समझौते की आवाज से आकर्षित होकर, युवक और युवतियां दूर-दूर से भी नाव से नृत्य करने के लिए यहां गए थे। सिमबर्ग बार-बार नर्तकियों के रेखाचित्र बनाते थे। लेकिन काम में " तट पर नृत्य"(1899) लड़कियां लड़कों के साथ नहीं, बल्कि डेथ के आंकड़ों के साथ नृत्य करती हैं, इसलिए अक्सर सिम्बर्ग में मिलती थीं। शायद इस बार मौत एक भयानक फसल के लिए नहीं आई थी, लेकिन सिर्फ सामान्य मज़े में हिस्सा लेना चाहती थी? केवल समझौते किसी कारण से नहीं खेलते हैं।

जैसा कि आप देख सकते हैं ह्यूगो सिमबर्ग - एक अत्यंत मूल कलाकार, जिसका काम एक प्रकार की विडंबना से रहित नहीं है, लेकिन एक ही समय में रहस्यवाद के साथ अनुमति दी जाती है और इसे अच्छे और बुरे, जीवन और मृत्यु, कला की विशेषता पर केंद्रित किया जाता है। symbolists... सिमबर्ग के कामों में, गहरे दार्शनिक सवालों को कोमल हास्य और गहरी सहानुभूति के साथ जोड़ा गया है। "गरीब शैतान", "मीके डेथ", जो कि ब्राउनीज़ का राजा है - ये सभी पात्र सपने और परियों की कहानियों से अपने काम में आए थे। कोई सोने का पानी चढ़ा हुआ फ्रेम और चमकदार कैनवस: “केवल प्यार ही कला के काम को वास्तविक बनाता है। अगर प्यार के बिना प्रसव पीड़ा होती है, तो बच्चा दुखी पैदा होगा। ”

ह्यूगो सिमबर्ग के कामों के अलावा, एथेनियम संग्रहालय प्रदर्शित करता है फिनिश प्रतीकवादी कलाकार मैग्नस एन्केल (मैग्नस enckell) (1870-1925), साथ ही साथ सिम्बर्ग, जिन्होंने टैम्पियर कैथेड्रल (1907) के लिए फ्रेस्को पर काम किया। एंकेल का जन्म हामिना शहर के एक पादरी के परिवार में हुआ था, उन्होंने पेंटिंग का अध्ययन किया और 1891 में पेरिस चले गए, जहाँ उन्होंने एकडेमी जूलियन में अपनी शिक्षा जारी रखी। वहां वे रोज्रुकसियन जे। पेलाडन के प्रतीकवाद और रहस्यमय विचारों में रुचि रखते थे। मैग्नस एनकेल ने उत्तरार्द्ध से सौंदर्य के आदर्श आदर्श को अपनाया, जिसे उन्होंने अपने कामों में इस्तेमाल करना शुरू किया। एनकेल एक खोए हुए स्वर्ग, एक खोई हुई मानवीय पवित्रता के विचार से मोहित हो गया था, और अभी भी बहुत सुंदर लड़कों ने अपनी अलौकिक सुंदरता के साथ कलाकार को मानव के शुद्धतम रूप का प्रतिनिधित्व किया था। यह भी नहीं भूलना चाहिए कि एनकैल एक समलैंगिक था और अक्सर नग्न लड़कों और खुले तौर पर कामुक, कामुक नज़र वाले पुरुषों को चित्रित करता था। 1894-95 में। कलाकार ने इटली की यात्रा की और XX सदी की शुरुआत में, शास्त्रीय इतालवी कला के प्रभाव में, साथ ही साथ पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म के बाद, उनका पैलेट बहुत अधिक रंगीन और हल्का हो गया। 1909 में, रंगकर्मी वर्नर टोम और अल्फ्रेड फिंच के साथ, उन्होंने समूह की स्थापना की सितंबर.

दूसरी ओर, मैग्नस एनकेल का प्रारंभिक कार्य, एक उप-श्रेणी, रंग तपस्वी द्वारा चिह्नित है। उस समय, कलाकार का पैलेट ग्रे, काले और गेरू के रंगों तक सीमित था। एक उदाहरण तस्वीर है ” जगाना"(1894), कलाकार वी की दूसरी यात्रा के दौरान एनकेल द्वारा लिखित। कैनवास को रंग अतिसूक्ष्मवाद, सरलीकृत रचना और रेखाचित्र की एक जोरदार रेखा द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है - यह सब तस्वीर के महत्व पर जोर देने के लिए उपयोग किया जाता है। वह युवक, जो परिवर्तनशील युग में पहुँच गया है, जाग गया और बिस्तर पर नग्न बैठा है, उसका सिर उसके चेहरे पर एक गंभीर अभिव्यक्ति के साथ झुका हुआ है, विचार में खो गया है। उसके शरीर की मुड़ स्थिति केवल बिस्तर से बाहर निकलने का सामान्य संकेत नहीं है; यह आकृति, जो अक्सर प्रतीकवादी कलाकारों के बीच पाया जाता है, अधिक जटिल है। यौवन और यौन जागृति / निर्दोषता का नुकसान - इन विषयों ने एनकेल के समकालीनों (cf.) के कई लोगों को आकर्षित किया, उदाहरण के लिए, मंक की परेशान पेंटिंग "परिपक्वता" (1894/95)। काले और सफेद पैलेट दमनकारी दुनिया के साथ बैठक की उदासी मूड पर जोर देते हैं।

एक और फिनिश सिंबल कलाकार, हालांकि सबसे प्रसिद्ध नहीं है वेनिआ ब्लूमस्टेड (ब्लोमस्टेड) (वेनिओ ब्लोमस्टेड) (1871-1947)। ब्लूमस्टेड एक कलाकार और कपड़ा डिजाइनर थे और जापानी कला से प्रभावित थे। उन्होंने पहले फिनलैंड में पढ़ाई की, और उसके बाद पेक्का हलोनन के साथ। जैसा कि हम पहले से ही जानते हैं, पेरिस में उनके आगमन के दौरान, इन फिनिश कलाकारों ने Gauguin से मुलाकात की, जो हाल ही में ताहिती से लौटे थे, और उनसे सबक लेना शुरू किया। इंपल्सिव ब्लूमस्टेड तुरन्त गागुइन और उनके रंग-श्वास चित्रों के प्रभाव में आ गया। Gauguin के काम में खोए हुए स्वर्ग की खोज ब्लूमस्टेड के बहुत करीब थी। केवल अगर गागुइन विदेशी देशों में इस स्वर्ग की तलाश कर रहे थे, तो उस समय के कई फिनिश कलाकारों की तरह वेनीनो ब्लूमस्टेड का उद्देश्य अपनी मातृभूमि, कालीवाला की कुंवारी भूमि की खोज करना था। ब्लूमस्टेड के चित्रों के नायक अक्सर काल्पनिक या पौराणिक चरित्र होते हैं।

Gauguin से मिलने के बाद, 18990 के दशक के मध्य में ब्लूमस्टेड ने यथार्थवादी पेंटिंग को छोड़ दिया और मुड़ गए प्रतीकवाद और उज्ज्वल बहुरंगा कृत्रिम पैलेट। प्रतीकात्मकता की विचारधारा के अनुसार, दृश्य अवलोकन पर आधारित यथार्थवादी कला बहुत सीमित है और किसी व्यक्ति, उसकी भावनात्मक और आध्यात्मिक सार, जीवन के रहस्य को स्वयं में सबसे महत्वपूर्ण बात को स्वीकार करने की अनुमति नहीं देती है। रोजमर्रा की वास्तविकता के पीछे एक और दुनिया है, और प्रतीकवादियों का लक्ष्य इस दुनिया को कला के माध्यम से व्यक्त करना है। वास्तविकता का त्रि-आयामी भ्रम पैदा करने की कोशिश के बजाय, प्रतीकवादी कलाकारों ने शैलीकरण, सरलीकरण, अलंकारिता का सहारा लिया और कुछ शुद्ध और काव्यात्मक खोजने की कोशिश की। इसलिए प्रारंभिक इतालवी पुनर्जागरण में उनकी रुचि, स्वभाव और फ्रेस्को तकनीक का उपयोग। हड़ताली उदाहरणों में से एक फिनिश कलाकारों के कार्यों में प्रतीकवाद चित्र है वेनिआ ब्लूमडस्ट « फ्रांसिस्का"(1897), दर्शकों को नींद और गुमनामी की दुनिया में डुबोते हुए, एक स्थिर और जादू के माहौल से भरा हुआ, जिसमें खसखस \u200b\u200bकी नशीली गंध थी।

इस चित्र की प्रेरणा दांते की दिव्य कॉमेडी थी, जिसमें कवि फ्रांसेस्का द रिमिनी से नरक में मिलता है, और वह उसे पाओलो के लिए उसके दुखद प्रेम की कहानी बताता है। एक लड़की की छवि, मैडोना की याद ताजा करती है, अंधेरे सरू के साथ "पुनर्जागरण" परिदृश्य और पेंटिंग की पारभासी रंग सतह (कैनवास स्पष्ट रूप से पेंट के माध्यम से चमकता है) इतालवी चर्चों में पुराने भित्तिचित्रों का सुझाव देता है। इसके अलावा, निष्पादन की विशेष तकनीक के कारण, तस्वीर आंशिक रूप से एक पहना हुआ टेपेस्ट्री जैसा दिखता है। पेंटिंग को ब्लूमडस्ट ने इटली की यात्रा के दौरान चित्रित किया था। यह पूर्व-राफेलाइट्स की कला के प्रभाव को भी देखता है।

महिलाएं कला में: फिनिश कलाकार

एथेनियम संग्रहालय इस तथ्य के लिए भी उल्लेखनीय है कि उनके संग्रह का एक महत्वपूर्ण हिस्सा काम करता है महिला कलाकारसहित, विश्व प्रसिद्ध जैसे फिनिश कलाकार हेलेना शाजेरफेक... 2012 में, एथेनेयम संग्रहालय ने हेलेना शेजर्बेक द्वारा काम की एक व्यापक प्रदर्शनी की मेजबानी की, जो उनके जन्म की 150 वीं वर्षगांठ के साथ मेल खाने के लिए समय पर थी। एथेनेयम संग्रहालय में हेलेना शेजर्बेक के कार्यों (212 पेंटिंग, चित्र, स्केचबुक) का दुनिया का सबसे बड़ा और सबसे पूरा संग्रह है।

हेलेना शाजेरफेक (हेलेना स्ज़र्ज़बेक) (१ink६२-१९ ४६) हेलसिंकी में पैदा हुआ था, चित्रकला का अध्ययन करना शुरू कर दिया और पहले से ही अपनी जवानी में एक ध्यान देने योग्य कौशल हासिल किया। एक बच्चे के रूप में सीढ़ियों से नीचे गिरने से एक गंभीर कूल्हे की चोट से हेलेना के जीवन पर मुहर लगी थी। इस वजह से, लड़की ने एक घर की शिक्षा प्राप्त की - वह एक नियमित स्कूल नहीं गई, लेकिन उसके पास ड्रा करने के लिए बहुत समय था, और उसे असामान्य रूप से कम उम्र में एक कला स्कूल में स्वीकार किया गया था। (दुर्भाग्य से, कूल्हे की चोट उसके पूरे जीवन के लिए एक लंगड़ापन थी।) एडोल्फ वॉन बेकर की निजी अकादमी सहित फिनलैंड में अध्ययन करने के बाद, शेजर्बेक ने एक छात्रवृत्ति प्राप्त की और उसके लिए रवाना हो गए, जहां उन्होंने कोलाओरी अकादमी में अध्ययन किया। 1881 और 1883-84 में। उसने ब्रिटनी में कलाकार कॉलोनियों में भी काम किया (पेंटिंग) छोटी बहन को खिलाने वाला लड़का"(1881), फ्रांस के इस क्षेत्र में लिखा गया था, जिसे अब फिनिश आधुनिकतावाद की शुरुआत भी माना जाता है)। ब्रिटनी में, वह एक अज्ञात अंग्रेजी कलाकार से मिली और उससे शादी की, लेकिन 1885 में दूल्हे ने सगाई तोड़ दी (उसके परिवार का मानना \u200b\u200bथा कि हेलेना की कूल्हे की समस्याएं तपेदिक से संबंधित थीं, जिससे उसके पिता की मृत्यु हो गई)। हेलेना शाजर्फ़बेक ने कभी शादी नहीं की।

1890 के दशक में, Schjerfbeck ने स्कूल ऑफ़ द आर्ट सोसाइटी में पढ़ाया, जिसे उन्होंने खुद एक बार स्नातक किया था। 1902 में, स्वास्थ्य समस्याओं के कारण, उन्होंने शिक्षा छोड़ दी और अपनी मां के साथ सुदूर प्रांत हाइविंका में चली गईं। मौन की आवश्यकता है, कलाकार ने एक समावेशी जीवन का नेतृत्व किया, लेकिन प्रदर्शनियों में भाग लेना जारी रखा। 1917 में शेजर्बेक की जनता के लिए "खोज" हुई: कलाकार की पहली एकल प्रदर्शनी हेलसिंकी में ust Stenman कला सैलून में आयोजित की गई थी, जो दर्शकों और आलोचकों के साथ एक बड़ी सफलता थी और उसके एकांत अस्तित्व को परेशान करती थी। अगली प्रमुख प्रदर्शनी स्टॉकहोम में 1937 में समीक्षा के लिए हुई, इसके बाद पूरे स्वीडन में इसी तरह की प्रदर्शनियों की एक श्रृंखला प्रदर्शित की गई। 1935 में, जब उनकी मां की मृत्यु हो गई, तो हेलेना तामसीरी में रहने के लिए चली गईं, और उन्होंने अपने आखिरी साल स्वीडन में साल्ट्सजोबाडेन के एक अस्पताल में बिताए। फ़िनलैंड में, लंबे समय तक शेजर्बेक के काम के प्रति रवैया विवादास्पद था (उनकी प्रतिभा को केवल 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में मान्यता दी गई थी), जबकि स्वीडन में उनकी कला को काफी उत्साह के साथ स्वीकार किया गया था। लेकिन वास्तव में व्यापक रूप से अंतरराष्ट्रीय मान्यता 2007 में शेजर्बेक में आई, जब पेरिस, हैम्बर्ग और द हेग में उनके काम के बड़े पैमाने पर पूर्वव्यापी प्रदर्शन आयोजित किए गए थे।

सभी हेलेना शेजर्बेक के चित्रों में, दुनिया के सबसे प्रसिद्ध कई आत्म-आलोचनात्मक आत्म-चित्र हैं, जो उनकी शैली के विकास और खुद कलाकार में परिवर्तन दोनों का पता लगाने की अनुमति देते हैं, जिन्होंने बेरहमी से अपने बुढ़ापे का सामना किया। कुल मिलाकर, शेजर्बेक ने लगभग 40 सेल्फ-पोर्ट्रेट्स लिखे, 16 साल की उम्र में पहला, 83 में आखिरी। उनमें से छह एथेनियम के संग्रह में हैं।

लेकिन शायद सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग हेलेना शाजेरफेक कैनवास है " समसामयिक " (1888), जिसे अक्सर मोती कहा जाता है एथेनियम संग्रहालय... जनता द्वारा अत्यधिक सराहना की गई, 26 वर्षीय कलाकार की इस पेंटिंग को 1889 में पेरिस में विश्व प्रदर्शनी में कांस्य पदक से सम्मानित किया गया (जहाँ इस कैनवास को "द फर्स्ट ग्रीन्स" शीर्षक के तहत प्रदर्शित किया गया था) प्रेमियार का वचन) - यह वही है जो खुद Schjerfbeck को मूल रूप से चित्र कहा जाता है)। 19 वीं शताब्दी की कला में बीमार बच्चों का विषय आम था, लेकिन शेजर्बेक ने न केवल एक बीमार, बल्कि एक उबरने वाले बच्चे को दर्शाया। उन्होंने इस पेंटिंग को इंग्लैंड के दक्षिण-पश्चिम में कॉर्नवाल के सेंट इवेस के सुरम्य तटीय शहर में चित्रित किया, जहां कलाकार 1887-1888 में अपने ऑस्ट्रियाई दोस्त की सलाह पर गए थे, और फिर 1889-1890 में।

इस काम को अक्सर शेजर्बेक के काम में प्राकृतिक प्रकाश चित्रकला का अंतिम उदाहरण कहा जाता है (वह बाद में शैलीबद्ध आधुनिकतावाद और एक तपस्वी पैलेट के साथ लगभग अमूर्त अभिव्यक्तिवाद पर चला गया)। यहाँ, कलाकार निपुणता के साथ काम करता है, दर्शकों के टकटकी को एक उबरने वाली लड़की के चेहरे पर खींचता है, जिसके बाल कटे हुए बालों और फीके-रूखे गालों के साथ होते हैं, जो अपने हाथों में एक नाजुक खिलती हुई टहनी के साथ एक मग - वसंत और नए जीवन का प्रतीक है। बच्चे के होठों पर एक मुस्कान खेलती है, वसूली की उम्मीद व्यक्त करती है। यह रोमांचक चित्र दर्शक को पकड़ लेता है, उसे सहानुभूति का एहसास कराता है। एक अर्थ में, चित्र को कलाकार का आत्म-चित्र कहा जा सकता है, जो उस समय सिर्फ अपनी सगाई में टूट से उबरने की कोशिश कर रहा था। यह भी संभव है कि इस तस्वीर में शेजर्बेक ने खुद को एक बच्चे के रूप में चित्रित किया हो, हमें बता रही है कि वह खुद को कैसा महसूस कर रही थी, अक्सर वसंत के पहले संकेतों पर अक्सर बेहोश और आनन्दित होती थी।

कृपया ध्यान दें कि हेलेना शेजर्बेक के सबसे प्रसिद्ध काम वर्तमान में स्वीडन में "दौरे पर" हैं। एक प्रदर्शनी स्टॉकहोम में हो रही है और फरवरी 2013 के अंत तक चलेगी, दूसरी गोथेनबर्ग में (अगस्त 2013 तक)।

एक और फिनिश कलाकार, जिनके काम से आप एथेनियम संग्रहालय में परिचित हो सकते हैं, है मुसीबत शेरनचांज़ (स्टर्नस्कांट्ज़)(बेडा stjernschantz) (1867-1910)। वैसे, संग्रहालय में 2014 के लिए कलाकार के कार्यों की एक बड़े पैमाने पर प्रदर्शनी निर्धारित है। बेडे शार्नचेंज एक पीढ़ी का एक महत्वपूर्ण सदस्य था फिनिश प्रतीकवादी कलाकार 19 वीं और 20 वीं शताब्दी के मोड़ पर। उनका जन्म पोर्वू शहर में एक कुलीन परिवार में हुआ था। 1886 में, उनके पिता का निधन हो गया, और परिवार को वित्तीय कठिनाइयों का सामना करना पड़ा। अन्य महिला कलाकारों के विपरीत, Schernschanz को आजीविका चलाने के लिए काम करना पड़ता था। 1891 में, एक अन्य प्रसिद्ध फिनिश कलाकार एलेन टेस्लेफ के साथ, वह पेरिस पहुंची, और लड़कियों ने एक साथ कोलाओरी अकादमी में दाखिला लिया। बेडे के संरक्षक मैग्नस एनकेल थे, जिनके प्रभाव में उन्होंने प्रतीकवाद के विचारों को अवशोषित किया। इस प्रवृत्ति के प्रतिनिधियों को यकीन था कि कला को प्रकृति की नकल नहीं करनी चाहिए, बल्कि सुंदरता, सूक्ष्म भावनाओं और अनुभवों की अभिव्यक्ति के लिए शुद्धिकरण करना चाहिए। पैसे की कमी के कारण, Schernschanz केवल एक वर्ष के लिए पेरिस में रहा। फ़िनलैंड लौटकर, उसे अपने लिए जगह नहीं मिली और 1895 में वोर्मिसी के एस्टोनियाई द्वीप पर गई, जहाँ एक पुरानी स्वीडिश बस्ती थी जिसने अपनी भाषा, रीति-रिवाजों और अपने कपड़ों को संरक्षित किया था। वहां कलाकार ने चित्र बनाया " हर जगह एक आवाज हमें बुलाती है"(1895)। पेंटिंग का शीर्षक फ़िनलैंड के तत्कालीन प्रसिद्ध गीतों का एक उद्धरण है ( सुमन लुलु), जिन शब्दों को कवि एमिल क्वांटन ने लिखा था। जैसा कि आप देख सकते हैं, न केवल करेलिया एक जगह थी जहां फिनिश कलाकार प्राचीन प्रकृति और लोगों की तलाश में गए थे।

इस काव्यात्मक कैनवास पर, कलाकार ने स्वीडिश बच्चों के एक समूह का चित्रण किया जो अपनी राष्ट्रीय परंपराओं और भाषा को एक विदेशी वातावरण में संरक्षित करने में कामयाब रहे। इस वजह से, कुछ आलोचकों ने तस्वीर में देशभक्ति के अर्थ को देखा, खासकर जब से कंटेले इंस्ट्रूमेंट, लड़कियों में से एक द्वारा खेला जाता है, रचना में एक महत्वपूर्ण स्थान रखता है। एक और लड़की गाती है, और ये आवाज़ पवनचक्की के साथ तपस्वी परिदृश्य को भर देती है। पूरी तरह से स्थिर, जमे हुए पोज और आस-पास के परिदृश्य के खालीपन के कारण, दर्शक, जैसा कि यह भी था, कैनवास में संगीत की आवाज़ सुनना शुरू कर देता है। ऐसा लगता है कि हवा भी शांत हो गई है, न तो पत्ते और न ही पवन चक्कियां चल रही हैं, जैसे कि हम एक मंत्रमुग्ध राज्य में हैं, एक जगह जो समय से बाहर गिर गई है। यदि हम चित्र के प्रतीकात्मक व्याख्या से आगे बढ़ते हैं, तो इस रहस्यमय परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ बच्चों के चेहरे पर ध्यान केंद्रित करना एक मासूमियत की स्थिति को व्यक्त करने का एक तरीका है। इसके अलावा, जैसा कि प्रतीकवादियों के कई अन्य कार्यों में, एक विशेष भूमिका संगीत को दी जाती है, कला की सबसे ईथर और नोबलेट।

1897-98 में। बेड सरकार द्वारा अनुदान प्राप्त करने वाले बेडे शेरनचेंज इटली की यात्रा पर गए थे, लेकिन इस अवधि के बाद उनकी रचनात्मक गतिविधि दूर हो गई। हालांकि कलाकार की विरासत छोटी है, इसने शोधकर्ताओं के हित को आकर्षित किया है, और भविष्य में सदी के अंत के अंतर्राष्ट्रीय संदर्भ में उसके काम के महत्व के बारे में अधिक जानने के लिए कई सम्मेलनों और प्रकाशनों की उम्मीद है।

इसी अवधि का एक और दिलचस्प फिनिश कलाकार है एलिन डेनियलसन-गाम्बोडिया (एलिन डेनियलसन-गम्बोगी) (1861-1919). एलिन डेनियलसन-गाम्बोडिया फ़िनिश की पहली पीढ़ी के थे महिला कलाकारजिन्होंने व्यावसायिक शिक्षा प्राप्त की है। उसने मुख्य रूप से यथार्थवादी चित्र की शैली में काम किया, और जीवन में और काम में दोनों अपने सहकर्मियों से उसकी मुक्ति और बोहेमियन जीवन शैली से भिन्न थे। उन्होंने समाज में महिलाओं की स्थिति की आलोचना की, पतलून पहना और धूम्रपान किया, एक विरोधी-विरोधी जीवन का नेतृत्व किया, और कई कलाकारों के साथ बातचीत की, जिसमें नॉर्वेजियन मूर्तिकार गुस्ताव विगलैंड (1895 में उनका एक संबंध था)। महिलाओं की रोजमर्रा की स्थितियों में उनके चित्रों को कई आलोचकों ने अश्लील और अभद्र माना।

« आत्म चित्रएलिन डेनियलसन-गाम्बोडिया (1900) को एक समय में चित्रित किया गया था जब कलाकार ने यूरोप में पहचान हासिल करना शुरू किया था। कलाकार को उसके स्टूडियो में चित्रित किया गया है, हाथ में ब्रश और पैलेट के साथ, और खिड़की के सामने पर्दे के माध्यम से हल्की धाराएं, उसके सिर के चारों ओर एक प्रभामंडल बना रही है। कैनवास का बड़ा प्रारूप, कलाकार की मुद्रा और टकटकी - यह सब एक स्वतंत्र और आत्मविश्वास से भरे स्वभाव को व्यक्त करता है। इस पेंटिंग के लिए, डेनियलसन-गाम्बोडिया को 1900 में फ्लोरेंस में रजत पदक से सम्मानित किया गया था।

एलिन डेनियलसन-गाम्बोडिया का जन्म पोरी शहर के पास एक गाँव में हुआ था। उनका पारिवारिक खेत 1871 में दिवालिया हो गया और उसके पिता ने एक साल बाद आत्महत्या कर ली। इसके बावजूद, माँ ने फंड खोजने में कामयाबी हासिल की, और 15 साल की उम्र में एलिन के पास चली गईं और पेंटिंग की पढ़ाई करने लगीं। सख्त सामाजिक वर्जनाओं के बाहर, लड़की एक मुक्त वातावरण में पली-बढ़ी। 1883 में, डैनियल्सन-गाम्बोडिया के लिए रवाना हुए, जहाँ उन्होंने एकेडमी कोलारी में अपनी शिक्षा जारी रखी, और गर्मियों में उन्होंने ब्रिटनी में चित्रकला का अध्ययन किया। फिर वह कलाकार फिनलैंड लौट आई, जहाँ उसने अन्य चित्रकारों के साथ बात की और कला स्कूलों में पढ़ाया, और 1895 में उसे छात्रवृत्ति मिली और फ्लोरेंस चली गई। एक साल बाद, उसने एंटिग्नानो गांव का रुख किया और गैम्बोडिया के इतालवी कलाकार राफेलो से शादी की। इस जोड़े ने पूरे यूरोप में कई प्रदर्शनियों में भाग लिया; उनके काम को पेरिस में 1900 के विश्व मेले और 1899 के वेनिस बिएनले में दिखाया गया था। लेकिन 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, पारिवारिक परेशानियों और वित्तीय कठिनाइयों, उसके पति के साथ विश्वासघात और बीमारी शुरू हुई। एलिन डेनियलसन-गाम्बोडिया निमोनिया से मर गए और लिवोर्नो में दफन हैं।

अंत में, के बीच फिनिश महिला कलाकार नाम नहीं देना असंभव है एलेन टेस्लाफ (एलेन थेस्लेफ) (1869-1954)। कुछ फिनिश लेखकों को इस तरह की शुरुआती मान्यता मिली है। 1891 में पहले से ही, युवा टेस्लेफ ने अपने अद्भुत काम के साथ फिनलैंड की आर्ट सोसायटी की प्रदर्शनी में भाग लिया " गूंज» ( Kaiku) (1891), आलोचकों से उच्च प्रशंसा प्राप्त। उस समय, उन्होंने सिर्फ गुन्नार बर्नडसन की निजी अकादमी से स्नातक किया था ( गुन्नारBerndtson) और अपनी पहली यात्रा पर जा रहा था, जहां लड़की ने अपने दोस्त बेदा शेरनखानज़ के साथ कोलाओरी अकादमी में प्रवेश किया। पेरिस में, वह प्रतीकवाद से परिचित हो गई, लेकिन शुरुआत से ही उसने कला में अपना स्वतंत्र रास्ता चुना। इस अवधि के दौरान, उन्होंने तपस्वी रंगों में चित्र बनाना शुरू किया।

एलिना टेस्लेफ के लिए प्रेरणा का सबसे महत्वपूर्ण स्रोत इतालवी कला थी। पहले से ही 1894 में, वह शुरुआती पुनर्जागरण के जन्मस्थान, फ्लोरेंस चली गई। यहाँ कलाकार ने धार्मिक पेंटिंग के कई अद्भुत कार्यों को देखा, जिसमें बाटेलीसेली के काम भी शामिल हैं, जिनके काम की प्रशंसा उन्होंने लौवर में अभी भी की है। टेस्लेफ ने मठवासी भित्तिचित्रों की भी नकल की। आध्यात्मिक इतालवी चित्रकला के प्रभाव ने एक काव्य, उदात्त कला के लिए उसकी लालसा को तीव्र कर दिया, और बाद के वर्षों में, उसके काम में रंग तपस्या को अधिकतम किया गया। उनके कार्यों के विशिष्ट उद्देश्य सख्त, अंधेरे परिदृश्य और मानव आंकड़े, भूतिया और उदासीन हैं।

इस अवधि के कार्यों का एक उदाहरण मामूली आकार है " आत्म चित्र"(1894-95) एलेन टेस्लेफ, साधारण पेंसिल में खींची गई। फ्लोरेंस में बनाया गया यह सेल्फ-पोर्ट्रेट दो साल की तैयारी का नतीजा है। अंधेरे से उभरता हुआ भावपूर्ण चेहरा हमें उस समय कलाकार और उसके आदर्शों के बारे में बहुत कुछ बताता है। प्रतीकवाद के दर्शन के अनुरूप, उन्होंने मानवीय भावनाओं के होने और अध्ययन के मूलभूत प्रश्न पूछे। इस स्व-चित्र को लियोनार्डो दा विंची की कला के आधुनिक अवतार के रूप में देखा जा सकता है, जिसमें उनके सवालों और जीवन के रहस्यों को शामिल किया गया है। उसी समय, यह चित्र बहुत ही व्यक्तिगत है: यह टेसलेफ़ के दुःख को उसके प्यारे पिता की मृत्यु पर दर्शाता है, जो दो साल पहले हुआ था।

टेस्लेफ़ एक संगीत परिवार में बड़े हुए थे और बचपन से ही अपनी बहनों के साथ गाने और संगीत बजाने के शौकीन थे। उनके काम में सबसे अधिक लगातार उद्देश्यों में से एक गूंज या चीख थी - संगीत का सबसे आदिम रूप। वह अक्सर वायलिन बजाने का चित्रण करती थी - सबसे उदात्त और जटिल संगीत वाद्ययंत्रों में से एक। उदाहरण के लिए, पेंटिंग के लिए एक मॉडल " वायलिन वादन"(" वायलिन वादक ") (1896) कलाकार की बहन, टीरा एलिजावेटा द्वारा किया गया था, जिसने अक्सर 1890 के दशक में उसके लिए प्रस्तुत किया था।

रचना गर्म पारभासी, मोती-ओपल टन में बनी हुई है। वायलिन वादक खेल से ध्यान हटाकर दर्शक से दूर हो गए। संगीत का विषय, सबसे आध्यात्मिक, दिव्य कला के रूप में प्रतिष्ठित, प्रतीकवाद में सबसे आम में से एक था, लेकिन कलाकारों ने शायद ही कभी महिला संगीतकारों को चित्रित किया।

अपने दोस्त मैग्नस एनकेल की तरह, अपने काम के शुरुआती चरण में, एलेन टेस्लेफ ने रंग तपस्या को प्राथमिकता दी। लेकिन फिर उसकी शैली बदल गई। कैंडिंस्की और उनके म्यूनिख सर्कल के प्रभाव के तहत, कलाकार फिनलैंड में पहले फाउविस्ट बन गए, और 1912 में उन्हें फिनिश एसोसिएशन की एक प्रदर्शनी में भाग लेने के लिए आमंत्रित किया गया। सितंबर, जो चमकीले साफ रंगों के लिए खड़े थे।

हालाँकि, उनकी भागीदारी प्रदर्शनी से आगे नहीं बढ़ी: अकेलेपन एक मजबूत व्यक्तित्व की सामान्य स्थिति को देखते हुए, किसी भी समूह में शामिल नहीं हुआ। पुराने भूरे-भूरे रंग की सीमा से दूर, अधिक परिपक्व उम्र में टेस्लेफ ने रंगीन और बहुस्तरीय रंग कल्पनाओं का निर्माण करना शुरू किया। वह बार-बार अपनी बहन और मां के साथ टस्कनी जाती थी, जहां उसने सनी इतालवी परिदृश्य को चित्रित किया था।

टेस्लेफ़ ने कभी शादी नहीं की, लेकिन वह एक रचनात्मक व्यक्ति के रूप में हुई। कलाकार ने एक लंबा जीवन जिया और मान्यता प्राप्त की।

एथेनेयम में विदेशी कला

एथेनेयम संग्रहालय की विदेशी कला का संग्रह 650 प्रसिद्ध चित्रों, मूर्तियों और चित्रों को प्रस्तुत करता है जो कि सिज़ेन, वैग गॉग, चागल, मोदिग्लिआनी, मंच, रेपिन, रोडिन, ज़ोर्न जैसे प्रसिद्ध आचार्यों द्वारा बनाई गई हैं।

एक विदेशी संग्रह से एथेनियम संग्रहालय मुख्य आकर्षण वान गाग द्वारा पेंटिंग "ऑवर्स-सुर-ओइस में स्ट्रीट" (1890)। विंसेंट वैन गॉग ने अपनी मौत से कुछ समय पहले ही इस तस्वीर को छोटे शहर औवर्स-सुर-ओइस ( Auvers-sur-Oise), सीन उपनदी की घाटी में स्थित है, के बारे में 30 किमी उत्तर पश्चिम में। वान गॉग, मानसिक बीमारी के मुकाबलों से पीड़ित, डॉ। पॉल गैशे द्वारा उपचार के लिए अपने भाई थियो की सलाह पर ऑवर्स-सुर-ऑइज़ गए। औवर्स-सुर-ओइस में, इस डॉक्टर का क्लिनिक था - एक आदमी जो कला के प्रति उदासीन नहीं है, जो कई फ्रांसीसी कलाकारों से परिचित है और जो वान गाग के दोस्त भी बन गए।

औवर्स-सुर-ओइस का शहर अंततः कलाकार की मृत्यु का स्थान बन गया, जो अपने भाई और उसके परिवार के लिए बोझ की तरह महसूस करता था। वान गाग ने खुद को गोली मार ली और फिर खून की कमी से मर गया। कलाकार अपने जीवन के अंतिम 70 दिनों तक औवर्स-सुर-ओइस में रहे, इस छोटी अवधि में 74 चित्रों को पूरा किया, जिनमें से एक अब हेलसिंकी में मुख्य कला संग्रहालय में है। शायद पेंटिंग को अधूरा छोड़ दिया गया था (कुछ स्थानों पर प्राइमर दिखाई देता है)। आकाश की चमक पृथ्वी की शांत हरी टन और टाइलों की छतों के लाल टन द्वारा निर्धारित की गई है। किसी को यह आभास हो जाता है कि पूरा दृश्य एक आध्यात्मिक आंदोलन में है, जिसे बेचैन ऊर्जा से भरा हुआ है।

एक बहुत ही दिलचस्प कहानी है कि पेंटिंग "स्ट्रीट इन ऑवर्स-सुर-ओइस" में कैसे मिला एथेनियम संग्रहालय... वान गाग की मृत्यु के कुछ समय बाद, यह कलाकार के भाई, थियो, और फिर उसकी विधवा से संबंधित था, जिसमें से जूलियन लेक्लेर ने कैनवास खरीदा था ( जुलियन लेक्लेर्क) एक फ्रांसीसी कवि और कला समीक्षक हैं। यह ज्ञात है कि 1900 में, लेक्लेर ने थियो की विधवा से वान गाग द्वारा कम से कम 11 कार्यों का अधिग्रहण किया। एक साल बाद, उन्होंने वान गाग की पहली पूर्वव्यापी प्रदर्शनी का आयोजन किया, लेकिन जल्द ही अप्रत्याशित रूप से उनकी मृत्यु हो गई। लेक्लर की पत्नी पियानोवादक फैनी फ्लोडिन थी ( पिछाड़ीFlodin), फिनिश कलाकार और मूर्तिकार हिल्डा फ्लोडिन की बहन ( हिल्डा फ्लोडिन)। 1903 में, फैनी ने वान गाग द्वारा पेंटिंग को उपरोक्त कलेक्टर फ्रिड्टजॉफ एंटेल के प्रतिनिधियों को 2,500 अंकों (आधुनिक धन में लगभग 9,500 यूरो) में बेच दिया। यह कैनवास बन गया है ओल्ड चर्च के वैग गॉग द्वारा पहली पेंटिंग

फिनिश कलाकार बर्नड लिंडहोम (1841-1914)।

बेरंड्ट एडोल्फ लिंडहोम बेरंड्ट एडोल्फ लिंडहोम, (लोविसा 20 अगस्त, 1841 - 15 मई, 1914 को गोथेनबर्ग, स्वीडन में) एक फिनिश चित्रकार थे, पहले फिनिश इम्प्रेशनिस्ट में से एक माना जाता है। लिंडहोमपेरिस में अध्ययन करने वाले पहले स्कैंडिनेवियाई कलाकार भी थे। पीउन्होंने कलाकार जोहान नॉटसन से पोर्वो में अपना पहला ड्राइंग पाठ प्राप्त किया और फिर तुर्कू में फिनिश ड्राइंग स्कूल ऑफ़ द आर्ट्स सोसाइटी में स्थानांतरित हो गए। 1856-1861 में। वह एकमैन का छात्र है।1863-1865 लिंडहोम ने डसेलडोर्फ एकेडमी ऑफ आर्ट्स में विदेश में अपनी पढ़ाई जारी रखी।उन्होंने जर्मनी छोड़ा और साथ दिया ( Hjalmar Munsterhelm) मैग्नस हजलमर मुन्स्टरजेलम (1840-1905) (ट्यूलोस 19 अक्टूबर, 1840 - 2 अप्रैल, 1905)कार्ल्सरुहे (1865-1866) में अपनी मातृभूमि लौट आए, जहाँ उन्होंने निजी सबक लेना शुरू कियाहंस फ्रेड्रिक गुडे (1825-1903), और फिर उन्होंने 1873-1874 में दो बार पेरिस का दौरा किया, जहां लियोन बोन्ना उनके शिक्षक थे। फ्रांस मेंबारबिजोन के आदमी चार्ल्स-फ्रेंकोइस डबगैन के साथ निकटता से संवाद किया।उन्होंने थियोडोर रूसो के काम की भी सराहना की और जीन-बैप्टिस्ट केमिली कोरोट के काम की प्रशंसा की।1870 के पतन में हेलसिंकी में पहली एकल प्रदर्शनी आयोजित की गई थी, जहां लिंडहोम की काफी प्रशंसा की गई थी। 1873 में, कला अकादमी ने "सावलोस के प्रांत में वन", आदि चित्रकला के लिए शिक्षाविद की उपाधि से सम्मानित किया।, 1876 में उन्हें फिलाडेल्फिया में विश्व मेले के पदक से सम्मानित किया गया; 1877 में उन्हें फिनिश राज्य पुरस्कार से सम्मानित किया गया।ज्यादातर विदेश में रहते थे। 1876 \u200b\u200bमें वे गोथेनबर्ग चले गए और संग्रहालय क्यूरेटर (1878-1900) के रूप में काम किया। उन्होंने गोथेनबर्ग स्कूल ऑफ़ ड्राइंग एंड पेंटिंग में भी पढ़ाया, फिर ललित कला अकादमी के अध्यक्ष और रॉयल स्वीडिश अकादमी के सदस्य चुने गए।क्या वो अपने कलाकार मित्र और प्रतिद्वंद्वी से अधिक बहुमुखी था मैग्नस हजलमर Munsterhelm, जो रोमांटिक परिदृश्य के लिए अपने पूरे जीवन वफादार रहे।प्रारंभ में, लिंडहोम ने भी ठेठ रोमांटिक परिदृश्य चित्रित किए, और फिर, फ्रांसीसी प्लेन एयर पेंटिंग के प्रभाव में, वह धीरे-धीरे यथार्थवाद के करीब हो गए। अपने करियर के अंत की ओर, वह केवल तटीय और समुद्र के किनारों पर चले गए। यह भी ज्ञात है कि लिंडहोम ज़चरिआस टोपेलियस द्वारा पुस्तक के चित्रण में भाग लिया - (ज़ाचरिआस टोपेलियस, 1818-1898) - फिनिश साहित्य के सबसे उल्लेखनीय प्रतिनिधियों में से एक। कवि, उपन्यासकार, कहानीकार, इतिहासकार और प्रचारक - उन्होंने अपनी सीमाओं से परे, घर और बाहर दोनों जगह प्यार और पहचान अर्जित की है। टोपेलियस ने स्वीडिश में लिखा, हालांकि वह फिनिश में धाराप्रवाह था। टोपेलियस के कार्यों का बीस से अधिक भाषाओं में अनुवाद किया गया है। उनके पास काम के लिए एक असामान्य रूप से बहुमुखी प्रतिभा और अद्भुत क्षमता थी, उनके कार्यों का पूरा संग्रह चौबीस संस्करणों का योग है। (Z. Topelius। फ़िनलैंड में यात्रा। F. Tilgman द्वारा संस्करण। 1875। स्वीडिश F. Heuren से अनुवादित। ए। वॉन बेकर, ए। एडफ़ेल्ट, आर। वी। वी। एकमैन, वी। होल्म्बर्ग द्वारा मूल चित्रों में कई उत्कीर्णन शामिल हैं। केई जानसन, ओ। क्लेन, आई। नॉटसन, बी। लिंडहोम, जी। मुंस्टरगेलम और बी। रेनॉल्ड)। 10 की राशि में लिंडहोम के चित्र इमात्रा झरने के लिए समर्पित हैं। फ़िनलैंड में, फ्रांस में रहने के दौरान कलाकार के कार्यों की पूरी तरह से सराहना नहीं की गई थी, उनमें से लगभग सभी निजी संग्रह में हैं।

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