19वीं - 20वीं सदी की शुरुआत में यूरोप की पेंटिंग, संगीत, वास्तुकला। महान विदेशी कलाकार 19वीं सदी के प्रमुख यूरोपीय कलाकार

जर्मन चित्रकार फ्रांज ज़ेवर विंटरहेल्टर को 19वीं शताब्दी में सुंदर महिलाओं के चित्रों के लिए जाना जाता है। उनका जन्म 1805 में जर्मनी में हुआ था, लेकिन एक पेशेवर शिक्षा प्राप्त करने के बाद वे पेरिस चले गए, जहाँ उन्हें शाही दरबार में दरबारी चित्रकार नियुक्त किया गया। एक उच्च समाज परिवार के चित्रों की एक पूरी श्रृंखला ने कलाकार को अविश्वसनीय रूप से लोकप्रिय बना दिया।

और वह धर्मनिरपेक्ष महिलाओं के साथ विशेष रूप से लोकप्रिय हो गया, क्योंकि उसने कुशलता से अपने काम की वस्तु को "उपस्थित" करने की क्षमता के साथ चित्र समानता को जोड़ा। हालांकि, आलोचकों ने उनके साथ बहुत अच्छा व्यवहार किया, हालांकि, उन्हें न केवल फ्रांस में, बल्कि पूरे विश्व में उच्च समाज की महिलाओं के साथ अधिक से अधिक लोकप्रिय होने से नहीं रोका।

अलेक्जेंड्रे डुमास ने उनके बारे में यह कहा

विंटरहेल्टर के एटेलियर में आने के लिए महिलाएं महीनों तक प्रतीक्षा करती हैं ... वे साइन अप करती हैं, उनके पास उनके सीरियल नंबर होते हैं और प्रतीक्षा करते हैं - एक साल, एक और अठारह महीने, तीसरा - दो साल। सबसे अधिक शीर्षक वाले फायदे हैं। सभी महिलाओं का सपना होता है कि उनके बॉउडर में विंटरहेल्टर द्वारा चित्रित एक चित्र बनाया जाए ...

रूस की महिलाएं इस तरह के भाग्य से नहीं बचीं।

उनकी सबसे प्रसिद्ध कृतियों में महारानी यूजनी (यह उनका पसंदीदा मॉडल है) के चित्र हैं।

और बवेरिया की महारानी एलिजाबेथ (1865)।
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दरअसल, पेंटिंग सांसारिक दुनिया में और ज्ञान की दुनिया में एक खिड़की है ...

फ्रांज ज़ेवर विंटरहेल्टर का जन्म 20 अप्रैल, 1805 को ब्लैक फॉरेस्ट, बाडेन के छोटे से गाँव मेन्सेन्सचवाड में हुआ था। वह फिदेल विंटरहेल्टर, एक किसान और राल उत्पादक के परिवार में छठे बच्चे थे, और उनकी पत्नी ईवा मेयर, जो पुराने मेन्ज़ेंशवांड परिवार से आई थीं। फ्रांज के आठ भाई-बहनों में से केवल चार ही जीवित रहे।

उनके पिता, हालांकि वे किसान मूल के थे, कलाकार के जीवन पर उनका महत्वपूर्ण प्रभाव था।

अपने पूरे जीवन में, विंटरहेल्टर अपने परिवार के साथ, विशेष रूप से अपने भाई हरमन (1808-1891) के साथ निकट संपर्क में थे, जो एक कलाकार भी थे।

1818 में ब्लासिन में बेनिदिक्तिन मठ में एक स्कूल में भाग लेने के बाद, तेरह वर्षीय विंटरहेल्टर ने ड्राइंग और उत्कीर्णन का अध्ययन करने के लिए मेन्ज़ेंशवांड को छोड़ दिया।
उन्होंने कार्ल लुडविग शूलर (1785-1852) के स्टूडियो में फ्रीबर्ग में लिथोग्राफी और ड्राइंग का अध्ययन किया। 1823 में, जब वे अठारह वर्ष के थे, उद्योगपति बैरन वॉन इचटल के समर्थन से, वे म्यूनिख के लिए रवाना हुए।
1825 में, उन्होंने बैडेन के ग्रैंड ड्यूक से छात्रवृत्ति प्राप्त की और पीटर कॉर्नेलियस के निर्देशन में म्यूनिख कला अकादमी में अध्ययन का एक कोर्स शुरू किया, लेकिन युवा कलाकार को उनके शिक्षण के तरीके पसंद नहीं थे, और विंटरहेल्टर को एक और खोजना होगा। शिक्षक जो उन्हें धर्मनिरपेक्ष चित्रांकन सिखा सकते थे, और यह जोसेफ स्टीलर थे।
उसी समय, विंटरहेल्टर एक लिथोग्राफर के रूप में अपना जीवन यापन करता है।

कोर्ट सर्कल में विंटरहेल्टर का प्रवेश 1828 में कार्लज़ूए में हुआ, जब वह बैडेन की काउंटेस सोफी के लिए एक ड्राइंग शिक्षक बन गए। 1832 में कलाकार को खुद को दक्षिणी जर्मनी से दूर घोषित करने का एक अनुकूल अवसर मिला, जब उन्हें बैडेन के ग्रैंड ड्यूक लियोपोल्ड के समर्थन से इटली (1833-1834) की यात्रा करने का अवसर मिला।

रोम में, वह लुई-लियोपोल्ड रॉबर्ट की शैली में रोमांटिक शैली के चित्रों को चित्रित करता है और फ्रांसीसी अकादमी, होरेस वर्नेट के निदेशक के करीब हो जाता है।

कार्लज़ूए लौटने पर, विंटरहेल्टर ने बैडेन और उनकी पत्नी के ग्रैंड ड्यूक लियोपोल्ड के चित्रों को चित्रित किया और ड्यूकल कोर्ट पेंटर बन गया।

फिर भी, उन्होंने बैडेन को छोड़ दिया और फ्रांस चले गए,

जहां, 1836 की प्रदर्शनी में, उनकी शैली की पेंटिंग "इल डोल्से फ़ार्निएंट" ने ध्यान आकर्षित किया,

और एक साल बाद "इल डिकैमरन" की भी प्रशंसा की गई। दोनों रचनाएँ राफेल की शैली में अकादमिक पेंटिंग हैं।
1838 के सैलून में, उन्हें अपनी छोटी बेटी के साथ वग्राम के राजकुमार का एक चित्र भेंट किया गया।
पेंटिंग सफल रही, चित्रकार फ्रांज का करियर सुरक्षित हो गया।

एक वर्ष में, वह अपने बेटे के साथ बेल्जियम की रानी ऑरलियन्स की लुईस-मैरी को लिखता है।

शायद इस तस्वीर के लिए धन्यवाद, विंटरहेल्टर नेपल्स की मारिया अमालिया, फ्रांस की रानी, बेल्जियम की रानी की मां के लिए जाना जाने लगा।

तो, पेरिस में, विंटरहेल्टर जल्दी से फैशनेबल बन गया। उन्हें फ्रांस के राजा लुई फिलिप का दरबारी चित्रकार नियुक्त किया गया, जिन्होंने उन्हें अपने विस्तारित परिवार के व्यक्तिगत चित्रों के निर्माण का काम सौंपा। विंटरहेल्टर को उसके लिए तीस से अधिक ऑर्डर पूरे करने थे।

इस सफलता ने कलाकार को वंशवादी और कुलीन चित्रांकन के पारखी के रूप में ख्याति दिलाई: सूक्ष्म चापलूसी के साथ चित्रांकन की सटीकता को जोड़ते हुए, उन्होंने एक जीवंत आधुनिक तरीके से राज्य की धूमधाम का चित्रण किया। एक के बाद एक आदेश...

हालांकि, कलात्मक हलकों में, विंटरहेल्टर को अलग तरह से माना जाता था।
आलोचकों ने उनकी 1936 की सैलून प्रदर्शनी की शुरुआत की प्रशंसा की, एक कलाकार के रूप में उन्हें गंभीरता से नहीं लेने के लिए उनसे मुंह मोड़ लिया। यह रवैया विंटरहेल्टर के पूरे करियर में बना रहा और पेंटिंग के पदानुक्रम में उनके काम को अलग कर दिया।

विंटरहेल्टर ने स्वयं अपने पहले सरकारी आयोगों को विषय चित्रकला पर लौटने और अकादमिक प्रतिष्ठा हासिल करने से पहले एक अस्थायी चरण के रूप में देखा; वह अपनी सफलता का शिकार था, और अपने मन की शांति के लिए उसे लगभग विशेष रूप से चित्र शैली में काम करना पड़ा। यह एक ऐसा क्षेत्र था जिसमें वह न केवल एक विशेषज्ञ थे और उन्हें सफलता भी मिली, बल्कि वे अमीर बनने में भी कामयाब रहे।
लेकिन विंटरहेल्टर को अंतरराष्ट्रीय ख्याति और रॉयल्टी का संरक्षण मिला।

उनके कई शाही मॉडलों में महारानी विक्टोरिया भी थीं। विंटरहेल्टर ने पहली बार 1842 में इंग्लैंड का दौरा किया और विक्टोरिया, प्रिंस अल्बर्ट और उनके बढ़ते परिवार के चित्रों को चित्रित करने के लिए कई बार लौटे, उनके लिए कुल 120 कार्यों का निर्माण किया। अधिकांश पेंटिंग्स रॉयल कलेक्शन में हैं, जो बकिंघम पैलेस और अन्य संग्रहालयों में प्रदर्शन के लिए खुली हैं।

विंटरहेल्टर ने अंग्रेजी अभिजात वर्ग के प्रतिनिधियों के कई चित्रों को भी चित्रित किया, जिनमें से अधिकांश कोर्ट सर्कल के सदस्य थे।

1848 में लुई फिलिप के पतन ने कलाकार की प्रतिष्ठा को प्रभावित नहीं किया। विंटरहेल्टर स्विट्जरलैंड चले गए और बेल्जियम और इंग्लैंड में कमीशन पर काम किया।
पेरिस कलाकार का गृहनगर बना हुआ है: फ्रांस में चित्रों के आदेशों की प्राप्ति में एक विराम ने उन्हें विषयगत पेंटिंग पर लौटने और स्पेनिश किंवदंतियों की ओर मुड़ने की अनुमति दी।

इस तरह पेंटिंग "फ्लोरिंडा" (1852, मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट, न्यूयॉर्क) दिखाई दी, जो महिला सौंदर्य का एक आनंदमय उत्सव है।
इसी वर्ष उन्होंने शादी का प्रस्ताव रखा, लेकिन अस्वीकार कर दिया गया; विंटरहाल्टर अपने काम के प्रति समर्पित कुंवारे रहे।

नेपोलियन III के सिंहासन पर चढ़ने के बाद, कलाकार की लोकप्रियता में उल्लेखनीय वृद्धि हुई। उस समय से, विंटरहाल्टर शाही परिवार और फ्रांसीसी दरबार के मुख्य चित्रकार बन गए।

खूबसूरत फ्रांसीसी महारानी यूजेनिया उनकी पसंदीदा मॉडल बन गईं और कलाकार के साथ अच्छा व्यवहार किया।

1855 में, विंटरहेल्टर ने अपनी उत्कृष्ट कृति एम्प्रेस यूजनी को लेडी-इन-वेटिंग से घिरा हुआ चित्रित किया, जिसमें उसे ग्रामीण सेटिंग में अपनी लेडी-इन-वेटिंग के साथ फूल उठाते हुए दर्शाया गया था। पेंटिंग को अच्छी तरह से प्राप्त किया गया था, जनता के लिए प्रदर्शित किया गया था और आज तक, शायद, मास्टर का सबसे प्रसिद्ध काम है।

1852 में वह पुर्तगाली शाही परिवार के लिए काम करने वाली रानी इसाबेला II को लिखने के लिए स्पेन गए। पेरिस आए रूसी अभिजात वर्ग के प्रतिनिधि भी प्रसिद्ध गुरु से अपना चित्र प्राप्त करके खुश थे।
एक शाही कलाकार के रूप में, विंटरहेल्टर ब्रिटेन (1841 से), स्पेन, बेल्जियम, रूस, मैक्सिको, जर्मनी और फ्रांस की अदालतों में लगातार मांग में था।

XIX सदी की पहली छमाही में। पश्चिमी यूरोप की कला में उत्कृष्ट पेंटिंग। नवशास्त्रवाद के प्रतिनिधि जैक्स लुई डेविड (1748-1825) थे। प्रसिद्धि ने उन्हें राज्य के आदेश द्वारा बनाई गई पेंटिंग "द ओथ ऑफ द होराती" (1784) लाया। क्रांति के बाद, डेविड कन्वेंशन के लिए चुने गए, और फिर कला के क्षेत्र में क्रांतिकारी राजनीति में लगे रहे। डेविड का ब्रश क्रांतिकारी युग की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग - "द डेथ ऑफ मराट" (1793) से संबंधित है। जीन पॉल मराट जैकोबिन तख्तापलट के नेताओं में से एक थे। वह चार्लोट कॉर्डे द्वारा मारा गया था। तस्वीर में, डेविड ने मारे गए मराट को चित्रित किया। डेविड मराट की दुखद मौत से इतने प्रभावित हुए कि उन्होंने तीन महीने में पेंटिंग पूरी की और इसे पहले लौवर में लटका दिया गया, जहां हजारों लोग इसके पास से गुजरते थे, और फिर कन्वेंशन हॉल में।

नेपोलियन के शासन काल में दाऊद दरबार के आदेशों का पालन करता था। नेपोलियन ने डेविड को पहले चित्रकार के रूप में चुना, उल्लेखनीय रूप से उनकी प्रतिभा के प्रचार घटक का अनुमान लगाया। नेपोलियन के डेविड के चित्रों ने सम्राट को एक नए राष्ट्रीय नायक ("बोनापार्ट्स क्रॉसिंग द सेंट-बर्नार्ड पास", "पोर्ट्रेट ऑफ नेपोलियन") के रूप में महिमामंडित किया। मैडम रिकैमियर का अद्भुत चित्र, जो क्लासिकवाद के प्रति लेखक की प्रतिबद्धता की गवाही देता है, पूर्णता से प्रतिष्ठित है।

डेविड का छात्र एंटोनी ग्रोस (1771-1835) था। पेंटिंग "नेपोलियन ऑन द आर्कोल्स्की ब्रिज" में, कलाकार ने भविष्य के सम्राट के जीवन के सबसे वीर क्षणों में से एक को कैद किया। युवा जनरल बोनापार्ट ने व्यक्तिगत रूप से हमले का नेतृत्व किया, गिरे हुए मानक को उठाया, और लड़ाई जीती गई। ग्रो ने सम्राट के बारे में चित्रों की एक पूरी श्रृंखला बनाई, उसकी निडरता, बड़प्पन और दया का महिमामंडन किया (उदाहरण के लिए, "बोनापार्ट जाफ़ा में प्लेग पीड़ितों का दौरा")।

जीन एपोस्टे डोमिनिक इंग्रेस (1780-1867) भी शास्त्रीय आदर्शों के अनुयायी थे। एक कलाकार के रूप में, उन्होंने निजी व्यक्तियों के लिए बहुत काम किया, लेकिन सरकारी आदेशों का पालन भी किया। इंगर्स ने डेविड के साथ अध्ययन किया और जीवन भर क्लासिकिज्म के चैंपियन बने रहे। अपने कार्यों में, इंगर्स ने उच्च कौशल और कलात्मक दृढ़ता हासिल की, सौंदर्य के एक गहन व्यक्तिगत विचार को मूर्त रूप दिया।

चित्रकार थियोडोर गेरिकॉल्ट (1791-1824) वह मास्टर था जिसका नाम फ्रांस में रूमानियत की पहली शानदार सफलताओं से जुड़ा है। पहले से ही उनके शुरुआती कैनवस (सेना के चित्र, घोड़ों की छवि) में, प्राचीन आदर्श पीछे हट गए, एक गहरी व्यक्तिगत शैली विकसित हुई। गेरिकॉल्ट की पेंटिंग "द रफ ऑफ द मेडुसा" समकालीन फ्रांसीसी कलाकार का प्रतीक बन गई है। जहाज़ की तबाही से भाग रहे लोग आशा और निराशा दोनों का अनुभव करते हैं। तस्वीर न केवल संकट में पड़े लोगों के अंतिम प्रयास के बारे में बताती है, बल्कि उन वर्षों के फ्रांस का प्रतीक बन जाती है, जो निराशा से आशा की ओर भी जाता है।

यूजीन डेलाक्रोइक्स (1798-1863) चित्रकला में फ्रांसीसी रूमानियत के प्रमुख बने। कलाकार ने कई चित्र बनाए: दांते के नरक का एक दृश्य, बायरन, शेक्सपियर और गोएथे के कार्यों के नायक, तुर्की शासन के खिलाफ यूनानियों का संघर्ष, जिसने तब पूरे यूरोप को चिंतित किया। 1830 में, मुख्य राजनीतिक घटना जुलाई क्रांति थी, जो हार और फ्रांस में राजशाही की बहाली में समाप्त हुई। 1830 में डेलाक्रोइक्स ने पेंटिंग "लिबर्टी लीडिंग द पीपल (28 जुलाई, 1830)" को चित्रित किया। फ्रांसीसी गणराज्य का तिरंगा झंडा फहराने वाली महिला स्वतंत्रता का प्रतिनिधित्व करती है। स्वतंत्रता विद्रोहियों को बैरिकेड्स पर चढ़ने की ओर ले जाती है। सड़क पर लड़ाई की घटना एक महाकाव्य तस्वीर बन जाती है, और बैरिकेड्स पर स्वतंत्रता की छवि संघर्ष की पहचान बन जाती है। फ्रांसीसी की कई पीढ़ियों के लिए, डेलाक्रोइक्स की पेंटिंग लोगों के साहस का स्मारक बन गई है, जो गणतंत्र का प्रतीक है।

जर्मनी में, कैस्पर डेविड फ्रेडरिक (1774-1840) रूमानियत के प्रतिनिधि बन गए। उनकी प्रकृति चित्रों ने सबसे पहले जर्मन जनता के लिए रोमांटिक दिशा का परिचय दिया। दुनिया में किसी व्यक्ति के दुखद नुकसान का विषय उसके काम में मुख्य बन जाता है। उनके परिदृश्य का एक लगातार रूप पर्वत शिखर, समुद्र की विशालता, विचित्र पेड़ थे। उनके कार्यों का निरंतर चरित्र एक पथिक की रोमांटिक छवि है, जो प्रकृति का एक स्वप्निल विचारक है। कैस्पर डेविड फ्रेडरिक के काम को वास्तव में केवल 20वीं शताब्दी में सराहा गया था।

19वीं सदी में यूरोप में। कलात्मक जीवन काफी हद तक कलाकारों के समूहों के उद्भव से निर्धारित होता है जिनके विचार कला पर बहुत करीबी थे। जर्मनी में, 18 वीं शताब्दी के जर्मन और इतालवी चित्रकारों की नकल करते हुए, नाज़रीन नियोक्लासिसिस्टों के साथ संघर्ष में आ गए। और धार्मिक कला और ईसाई धर्मपरायणता की ओर रुख किया। बीडर मायर पेंटिंग (जर्मनी और ऑस्ट्रिया की कला में एक विशेष शैली) का केंद्रीय विषय एक व्यक्ति का दैनिक जीवन था, जो उसके घर और परिवार के साथ अविभाज्य रूप से बहता है। Biedermeier की रुचि अतीत में नहीं, बल्कि वर्तमान में, महान में नहीं, बल्कि छोटे में, पेंटिंग में एक यथार्थवादी प्रवृत्ति के निर्माण में योगदान करती है।

XIX सदी के उत्तरार्ध में। यथार्थवाद कला में अग्रणी सिद्धांत बन जाता है। फ्रांसीसी चित्रकार केमिली कोरोट (1796-1875) ने परिदृश्य की एक शैली को चुना जिसे अकादमिक हलकों में मान्यता नहीं मिली। कोरो विशेष रूप से प्रकृति की संक्रमणकालीन अवस्थाओं से आकर्षित हुआ, जिसने एक हवादार धुंध में आकृतियों और पेड़ों को भंग करना संभव बना दिया।

बारबिजोन गांव में बसे कलाकारों के एक समूह ने चित्रकला के इतिहास में इस नाम को अमर कर दिया। बारबिजोन स्कूल के चित्रकारों ने साधारण विषयों की तलाश की, अक्सर परिदृश्य की ओर रुख किया और एक विशेष पेंटिंग शैली विकसित की, स्वतंत्र और गीतात्मक। उन्होंने बस प्रकृति को चित्रित किया, लेकिन उन्होंने प्रकाश और वायु के खेल को चित्रित करते हुए, सूक्ष्म रंग संक्रमणों को बताकर ऐसा किया। बारबिजोन पेंटिंग में, कला समीक्षक भविष्य के प्रभाववाद के स्रोतों में से एक को देखते हैं, क्योंकि बारबिजोन लोगों ने प्रकृति के जीवित छापों को व्यक्त करने की कोशिश की थी।

जीन-फ्रेंकोइस मिलेट (1814-1875) और गुस्ताव कोर्टबेट (1819-1877) की पेंटिंग को भी प्रकृतिवाद के लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है। बाजरा का काम बारबिजोन से प्रभावित था (यह कोई संयोग नहीं है कि अपने जीवन के अंत में वह परिदृश्य से इतना दूर हो गया था)। उनके काम के मुख्य विषय किसान जीवन और प्रकृति थे। कलाकार के चित्रों में, हम ऐसे पात्र देखते हैं जिन्हें पहले चित्रकारों के ब्रश के योग्य नहीं माना जाता था: थके हुए, थके हुए किसान, गरीब और विनम्र। बाजरा एक सामाजिक विषय को पूरी तरह से नए तरीके से विकसित करता है, जिसने गुस्ताव कोर्टबेट में अपनी निरंतरता पाई। कोर्टबेट ने निम्नलिखित शब्दों में कला की भूमिका के बारे में अपनी समझ व्यक्त की:

"नैतिकता को व्यक्त करने में सक्षम होने के लिए, मेरे अपने आकलन के अनुसार युग की छवि, न केवल एक कलाकार, बल्कि एक व्यक्ति भी, एक शब्द में, जीवित कला बनाने के लिए - यह मेरा काम है।" नई कला के लिए एक सेनानी के रूप में कोर्टबेट की स्थिति ने उन्हें पेरिस कम्यून की घटनाओं में भागीदार बना दिया।

एक पेंटिंग शैली के रूप में प्रकृतिवाद जर्मन चित्रकारों जैसे एडॉल्फ वॉन मेन्ज़ेल (1815-1905) और विल्हेम लीबल (1844-1900) के काम में परिलक्षित होता था। कलाकार रोजमर्रा की जिंदगी की छवियों में रुचि रखते थे, पहली बार उनके काम में, औद्योगिक विषय और किसानों के काम का विषय, उनके जीवन का तरीका लग रहा था।

XIX सदी की पहली छमाही में। इंग्लैंड की कला में नवशास्त्रवाद और रूमानियत दोनों की प्रवृत्ति परिलक्षित होती थी।

विलियम ब्लिक (1757-1827) न केवल एक कलाकार थे, बल्कि एक कवि भी थे। उन्होंने टेम्परा और वॉटरकलर की तकनीक में काम किया, बाइबिल के दृश्यों को चित्रित किया, साहित्यिक कार्यों से, उदाहरण के लिए, शेक्सपियर, ने दांते के लिए चित्र बनाए। ब्लेक का काम अंग्रेजी कला के इतिहास में अलग है। कलाकार की गरीबी में मृत्यु हो गई, पहचान उन्हें 20 वीं शताब्दी में ही मिली।

अंग्रेजी परिदृश्य चित्रकारों ने चित्रकला के इतिहास में एक नया पृष्ठ खोला। जॉन कांस्टेबल (1776-1837) ने तेल में रेखाचित्रों को चित्रित किया, जिसमें बचपन से उनके परिचित स्थानों का चित्रण किया गया था। प्राकृतिक छापों की ताजगी व्यक्त करने की उनकी इच्छा में, उन्होंने सावधानीपूर्वक लिखित विवरण को त्याग दिया। कॉन्सटेबल की कृतियाँ फ्रांस में प्रसिद्ध थीं, जिसने फ्रांसीसी चित्रकला के विकास को प्रभावित किया; थियोडोर गेरिकॉल्ट अपने जुनून से बचे रहे।

विलियम टर्नर (1775-1851) के परिदृश्य रोमांटिक रूप से उत्साहित थे। कलाकार को समुद्र में तूफान, बारिश और गरज के साथ चित्रित करना पसंद था। उन्होंने वाटर कलर और ऑयल दोनों में काम किया।

इंग्लैंड की पेंटिंग में प्रमुख स्थान अकादमिक स्कूल द्वारा बनाए रखा गया था। जनता ने पारंपरिक तरीके से बनाई गई रॉयल एकेडमी ऑफ आर्ट्स के सदस्यों के काम की लोकप्रियता का आनंद लिया। हालाँकि, इंग्लैंड में, कलाकारों का एक संघ बनाया गया, जिसे प्री-राफेलाइट ब्रदरहुड कहा जाता है। वे प्रोटो-पुनर्जागरण स्वामी (राफेल से पहले काम करने वाले कलाकार) की धार्मिक आध्यात्मिकता से आकर्षित थे। अपने काम में, प्री-राफेलाइट्स ने अन्य युगों (इसलिए मध्य युग के लिए उनका जुनून) के प्रति एक रोमांटिक अभिविन्यास व्यक्त किया। प्री-राफेलाइट्स के काम को जॉन रस्किन (1819-1900) द्वारा समर्थित किया गया था, जो एक लेखक और कला समीक्षक थे, जो मॉडर्न पेंटर्स पुस्तक के लेखक बने। प्री-राफेलाइट्स ने न्यू टेस्टामेंट के विषयों की ओर रुख किया, प्रकृति से बहुत कुछ चित्रित किया, और पारंपरिक पेंटिंग तकनीक को बदल दिया: उनके कैनवस उज्ज्वल और ताजा स्वर से प्रतिष्ठित थे।

XIX सदी के उत्तरार्ध के चित्रकारों में। एडौर्ड मानेट (1832-1883) अपनी उज्ज्वल प्रतिभा के लिए बाहर खड़े थे। ऐतिहासिक विषय उनके लिए परिचित था, लेकिन कलाकार को मोहित नहीं किया, उन्होंने कई-पक्षीय पेरिस के जीवन को चित्रित करना शुरू कर दिया। आधिकारिक आलोचना ने कलाकार को स्वीकार नहीं किया, उनकी अभिनव पेंटिंग की निंदा और विरोध किया गया। मानेट की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग "ब्रेकफास्ट ऑन द ग्रास" और "ओलंपिया" के साथ ठीक ऐसा ही हुआ। नग्न महिला शरीर की छवि जनता के लिए एक चुनौती लग रही थी, और सबसे महत्वपूर्ण बात, लेखक का तरीका, जिसने सूरज की रोशनी की समृद्धि को व्यक्त करने की कोशिश की। मानेट के काम के लिए पेरिस एक निरंतर मकसद बन जाता है: शहर की भीड़, कैफे और थिएटर, राजधानी की सड़कें। मानेट के काम से पेंटिंग में नई दिशा की उम्मीद - प्रभाववाद,लेकिन कलाकार खुद इस आंदोलन में शामिल नहीं हुए, हालांकि उन्होंने प्रभाववादियों के प्रभाव में अपनी रचनात्मक शैली को कुछ हद तक बदल दिया। मानेट के जीवन के अंत में, उन्हें व्यापक पहचान मिली, उन्हें ऑर्डर ऑफ द लीजन ऑफ ऑनर से सम्मानित किया गया।

एडौर्ड मानेट की कार्यशाला, जो कुछ समय के लिए कलात्मक जीवन का केंद्र बन गई, ने कलाकारों के एक पूरे समूह को एकजुट किया, जो इसके मालिक की सुरम्य खोजों से प्रभावित थे। सैलून की जूरी ने मानेट के चित्रों की तरह उनके चित्रों को खारिज कर दिया। वे तथाकथित "अस्वीकृत सैलून" (अर्थात, ऐसे चित्रकार जिन्हें आधिकारिक सैलून के जूरी द्वारा एक प्रदर्शनी से वंचित कर दिया गया था) में निजी तौर पर प्रदर्शित किया गया था। 1874 में एक फोटोग्राफिक स्टूडियो के परिसर में आयोजित प्रदर्शनी में, विशेष रूप से, क्लाउड मोनेट की पेंटिंग "इंप्रेशन" प्रस्तुत की गई थी। सूर्योदय"। इस नाम के आधार पर, आलोचकों में से एक ने प्रतिभागियों को प्रभाववादी कहा (फ्रेंच में एक छाप "छाप" है)। तो विडंबनापूर्ण उपनाम से 19 वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे की कलात्मक दिशा का नाम पैदा हुआ। क्लाउड मोनेट (1840-1926), केमिली पिसारो (1830-1903), पियरे एपोस्टे रेनॉयर (1841-1919), अल्फ्रेड स्मेली (1839-1899), एडगर डेगास (1834-1917) जैसे कलाकार पारंपरिक रूप से प्रभाववादियों से संबंधित हैं।

बारबिजोन की तरह, प्रभाववादियों ने प्रकृति को चित्रित किया, इसके अलावा, वे गतिशील शहरी जीवन को चित्रित करने वाले पहले व्यक्ति थे। बारबिजोन ने अपने चित्रों को स्टूडियो में चित्रित किया, जबकि प्रभाववादी खुली हवा में, "खुली हवा में" निकल गए। उन्होंने देखा कि सूर्योदय और सूर्यास्त के समय धूप और बादल वाले मौसम में अलग-अलग रोशनी में एक ही परिदृश्य बदल जाता है। उन्होंने तस्वीर में तत्काल प्रभाव की ताजगी बनाए रखने की कोशिश की। उन्होंने मिश्रित रंगों से इनकार करते हुए और शुद्ध चमकीले रंगों का उपयोग करते हुए, उन्हें अलग-अलग स्ट्रोक में लागू करते हुए, अपने चित्रों को जल्दी से चित्रित किया।

इस प्रकार, एक नई कलात्मक दिशा का जन्म हुआ। इसका उद्भव न केवल पिछले यूरोपीय कलाकारों की उपलब्धियों से प्रभावित था, बल्कि फोटोग्राफी के आविष्कार (जीवन की एक आदिम नकल की कोई आवश्यकता नहीं थी), प्राच्य कला से परिचित (जापानी लकड़बग्घा उनकी क्रमिकता, असामान्य परिप्रेक्ष्य, सामंजस्यपूर्ण रंग के साथ) से प्रभावित था। नई कलात्मक तकनीकों का स्रोत बन गया)।

चित्रकला में प्रभाववाद केवल एक और प्रवृत्ति नहीं थी, इसने मूर्तिकला, संगीत और साहित्य में अपना विकास पाया। प्रभाववाद दुनिया की धारणा में एक क्रांति थी: मानवीय धारणा की व्यक्तिपरकता की खोज की गई और खुले तौर पर प्रदर्शित किया गया। XIX सदी के अंत में। और 20वीं सदी में। यह कला के क्षेत्र हैं जो कलाकार की दुनिया की धारणा के लिए विविध, अक्सर अप्रत्याशित विकल्पों का प्रतिनिधित्व करते हैं जो वास्तव में समकालीन कला का गठन करेंगे। प्रभाववादी मानव धारणा की सापेक्षता, उसकी विषयवस्तु की खोज करते हैं। थोड़ी देर बाद, सदी के मोड़ पर, सैद्धांतिक भौतिकी द्वारा उसी "सापेक्षता" की खोज की जाएगी। कला एक अनोखे तरीके से समाज की चेतना में समय की प्रवृत्तियों और परिवर्तनों की भविष्यवाणी करने और व्यक्त करने की अपनी क्षमता को प्रकट करती है।

12 वर्षों तक, प्रभाववादियों ने आठ प्रदर्शनियों का आयोजन किया। ग्रामीण और शहरी परिदृश्य, चित्र, रोजमर्रा के दृश्य - सभी सचित्र शैलियों में उन्होंने वास्तविक कलात्मक खोज की। प्रभाववादियों के कार्यों ने एक नवीन कलात्मक दिशा का गठन किया, कलाकारों ने एक-दूसरे की सर्वोत्तम उपलब्धियों को आत्मसात किया।

प्रभाववादियों की खोज कलाकारों की अगली पीढ़ियों के लिए आधार थी। प्रतिनिधियों नव-प्रभाववादजॉर्जेस सेरात (1859-1891) और पॉल साइनैक (1863-1935) बने। नव-प्रभाववादियों ने अपनी चित्रकला शैली बदली, उनकी कला अधिक बौद्धिक थी।

19वीं शताब्दी के अंत में, चार फ्रांसीसी कलाकार: पॉल सेज़ान (1839-1906), विन्सेंट वैन गॉग (1853-1890), पॉल गाउगिन (1848-1903) और हेनरी डी टूलूज़-लॉट्रेक (1864-1901), औपचारिक रूप से बिना एक समूह में एकजुट, हालांकि, एक नई दिशा बनाई - प्रभाववाद के बाद(अक्षांश से। "पोस्ट" - "बाद")। पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट प्रभाववादियों के करीब हैं। अपने समकालीन समाज में निराश कलाकारों ने प्रकृति की छवि की ओर रुख किया, लेकिन वे अब तात्कालिक अवस्थाओं पर कब्जा करने की मांग नहीं कर रहे थे, जैसा कि प्रभाववादियों ने किया था, बल्कि उनकी उपस्थिति के तहत छिपी चीजों के वास्तविक सार को जानने के लिए किया था। अभी भी जीवन और चित्रों में, सीज़ेन ने स्थिर ज्यामितीय रूपों की तलाश की। वैन गॉग के कैनवस, उनकी अभिव्यक्ति, असामान्य रंग योजना के साथ, कलाकार की भावनात्मक स्थिति को व्यक्त करते हैं। गौगुइन ने ताहिती के मूल निवासियों के जीवन को चित्रित किया, उनकी कल्पना से आदर्श, सभ्यता से अछूते जीवन, शानदार रंग संयोजनों में विदेशी प्रकृति को व्यक्त करते हुए। टूलूज़-लॉट्रेक के पोस्टर और लिथोग्राफ में, हम पेरिस के बोहेमिया के जीवन को देखते हैं। पोस्ट-इंप्रेशनिस्टों के काम ने 20 वीं शताब्दी की कला की खोज के लिए शुरुआती बिंदु के रूप में कार्य किया। फौविज्म, क्यूबिज्म, एक्सप्रेशनिज्म की उत्पत्ति प्रभाववादियों के काम में हुई है।

पेंटिंग और ग्राफिक्स में, प्रतीकवाद और आधुनिकतावाद ने यूरोपीय कलाकारों के एक पूरे समूह के काम में खुद को प्रकट किया।

ऑब्रे बियर्डस्ले (1872-1898) केवल पच्चीस वर्ष जीवित रहे, लेकिन आर्ट नोव्यू शैली के निर्माण पर उनके काम का बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा। उन्हें एक पुस्तक चित्रकार के रूप में जाना जाता है। इसके ग्राफिक्स परिष्कृत और परिष्कृत हैं, शोधन और तरल सनकी आंदोलनों के साथ। कलाकार के लिए प्रेरणा का मुख्य स्रोत साहित्य था। रचनात्मकता बियर्डस्ले ने आधुनिकता के कई विचारों और सिद्धांतों को मूर्त रूप दिया। सामान्य तौर पर, आधुनिकता को विभिन्न युगों और शैलियों के विषयों पर कामचलाऊ व्यवस्था की विशेषता है, जो कि उपाध्यक्ष और आध्यात्मिकता का एक विचित्र संयोजन है।

फ्रांसीसी कलाकार पियरे पुविस डी चावनेस (1824-1898) एक साधारण, स्पष्ट विषय को प्रतीकात्मक रचना में बदलने में सक्षम थे। वह पैनलों में उनका उपयोग करते हुए, प्राचीन छवियों से प्रेरित थे। उनकी रचनाएँ पुरातनता की शैलीकरण, 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के एक व्यक्ति द्वारा पुरातनता की व्याख्या थीं।

फ्रांसीसी चित्रकार गुस्ताव मोरो (1826-1898) प्रतीकवाद से जुड़े थे। उन्होंने दर्शकों को भूखंडों की शानदार प्रकृति, रंगों की उज्ज्वल सुंदरता, अभिव्यंजक रंग योजना और मजबूत भावनाओं से विस्मित करने की कोशिश की।

प्रभाववाद। प्रतीकवाद। आधुनिकतावाद।

उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, पश्चिमी कला में एक दिशा दिखाई दी, जिसे बाद में "आधुनिकतावाद" कहा जाएगा। प्रभाववाद, जो 60 के दशक में उभरा, इसकी पहली प्रवृत्ति मानी जा सकती है। यह प्रवृत्ति अभी पूर्ण रूप से आधुनिकतावादी नहीं है। यह यथार्थवाद से उभरता है और इससे पूरी तरह से टूटे बिना, इससे दूर और दूर जाता है। प्रभाववाद अभी आधुनिकतावाद नहीं है, लेकिन यह अब यथार्थवाद भी नहीं है। इसे ठीक-ठीक आधुनिकतावाद की शुरुआत माना जा सकता है, क्योंकि इसमें पहले से ही इसकी मुख्य विशेषताएं शामिल हैं।

पहला विषय से विषय पर जोर देने में स्पष्ट बदलाव के साथ जुड़ा हुआ है, निष्पक्षता और सच्चाई से व्यक्तिपरक संवेदना तक। प्रभाववाद में, मुख्य चीज चित्रित वस्तु नहीं है, बल्कि उसकी धारणा, वह छाप है जो कलाकार में पैदा होती है। वस्तु के प्रति वफादारी धारणा के प्रति निष्ठा, क्षणभंगुर छाप के प्रति निष्ठा का मार्ग प्रशस्त करती है। "विषय के प्रति बेवफाई" का सिद्धांत तब आधुनिकता के सौंदर्यशास्त्र के मूल सिद्धांतों में से एक बन जाएगा, जो विषय के प्रति जागरूक विरूपण, विकृति और अपघटन के सिद्धांत में बदल जाएगा, विषय की अस्वीकृति का सिद्धांत, निष्पक्षता और आलंकारिकता। कला तेजी से कलाकार की आत्म-अभिव्यक्ति की कला बनती जा रही है।

दूसरा संकेत है प्रयोग पर विशेष ध्यान, अभिव्यक्ति के नए साधनों की खोज, तकनीकी और कलात्मक तकनीक। इसमें प्रभाववादी चित्रकार वैज्ञानिकों के उदाहरण का अनुसरण करते हैं। वे उत्साह से स्वरों के अपघटन, रंग प्रतिबिंबों के खेल और रंगों के असामान्य संयोजन में लगे हुए हैं। उन्हें तरलता, परिवर्तनशीलता, गतिशीलता पसंद है। वे जमे हुए और स्थिर कुछ भी बर्दाश्त नहीं करते हैं। प्रभाववादियों के लिए विशेष रुचि वातावरण, वायु, प्रकाश, कोहरे, धुंध और सूर्य के प्रकाश के साथ वस्तुओं की बातचीत की प्रक्रियाएं हैं। इन सबके लिए धन्यवाद, उन्होंने रंग और रूप के क्षेत्र में महत्वपूर्ण प्रगति और उपलब्धियां हासिल की हैं।

प्रभाववाद में, प्रयोग के लिए जुनून, नई तकनीकों की खोज, नवीनता और मौलिकता की खोज अभी भी अपने आप में एक अंत नहीं है। हालाँकि, आधुनिकतावाद के कई बाद के रुझान ठीक इसी पर आते हैं, जिसका परिणाम कलाकार के अंतिम परिणाम से इनकार करना है, कला के काम से, कुछ पूर्ण और पूर्ण के रूप में समझा जाता है।

प्रभाववाद की एक और विशेषता, जो आंशिक रूप से एक परिणाम है और पहले से ही उल्लेख किए गए लोगों की प्रत्यक्ष निरंतरता है, सामाजिक समस्याओं से प्रस्थान के साथ जुड़ा हुआ है। प्रभाववादियों के कार्यों में वास्तविक जीवन मौजूद है, लेकिन यह एक सुरम्य प्रदर्शन के रूप में प्रकट होता है। कलाकार की टकटकी, जैसा कि वह थी, सामाजिक घटनाओं की सतह पर चमकती है, मुख्य रूप से रंग संवेदनाओं को ठीक करती है, उन पर निवास किए बिना और उनमें डूबे बिना। आधुनिकता की बाद की धाराओं में, यह प्रवृत्ति तेज हो जाती है, जिससे यह असामाजिक और यहां तक कि असामाजिक भी हो जाती है।

प्रभाववाद के केंद्रीय आंकड़े सी। मोनेट "(1840-1926), सी। पिसारो (1830 - 1903), ओ। रेनॉयर (1841 - 1919) हैं।

मोनेट के काम में प्रभाववाद पूरी तरह से शामिल था। उनके कार्यों का पसंदीदा विषय परिदृश्य है - एक मैदान, एक जंगल, एक नदी, एक ऊंचा तालाब। उन्होंने परिदृश्य की अपनी समझ को इस प्रकार परिभाषित किया: "लैंडस्केप एक त्वरित प्रभाव है।" उनकी पेंटिंग "सूर्योदय। इंप्रेशन" पूरे चलन का नाम था (फ्रेंच में "इंप्रेशन" - "इंप्रेशन")। प्रसिद्ध "हेस्टैक्स" ने उन्हें सबसे बड़ी प्रसिद्धि दिलाई। उन्होंने पानी की छवि के लिए एक विशेष जुनून भी दिखाया। ऐसा करने के लिए, उन्होंने एक विशेष नाव-कार्यशाला का निर्माण किया, जिसने उन्हें घंटों तक पानी के व्यवहार, उसमें वस्तुओं के प्रतिबिंब को देखने की अनुमति दी। इस सब में, मोनेट ने प्रभावशाली सफलता हासिल की, जिसने ई। मानेट को उन्हें "पानी का राफेल" कहने का कारण दिया। पेंटिंग "रूएन कैथेड्रल" भी बहुत उल्लेखनीय है।

सी. पिसारो शहरी परिदृश्य को तरजीह देता है - घरों, बुलेवार्ड्स, गाड़ियों से भरी सड़कों और सार्वजनिक, घरेलू दृश्यों की छवि।

ओ। रेनॉयर नग्न, चित्र - विशेष रूप से महिला पर बहुत ध्यान देता है। उनकी चित्र कला का एक ज्वलंत उदाहरण कलाकार जे. सामरी का चित्र है। उन्होंने "बाथिंग इन द सीन", "मौलिन डे ला गैलेट" चित्रों को भी चित्रित किया।

लगभग 80 के दशक के मध्य से, प्रभाववाद ने एक संकट का अनुभव करना शुरू कर दिया, और इसमें दो स्वतंत्र आंदोलनों का गठन हुआ - नव-प्रभाववाद और उत्तर-प्रभाववाद।

पहले का प्रतिनिधित्व कलाकार जे। सेरात और पी। साइनैक द्वारा किया जाता है। रंग विज्ञान की उपलब्धियों के आधार पर, वे प्रभाववाद की कुछ विशेषताओं को लाते हैं - शुद्ध रंगों में स्वरों का अपघटन और प्रयोग के लिए एक जुनून - उनके तार्किक निष्कर्ष पर। कलात्मक और सौंदर्य की दृष्टि से, इस प्रवृत्ति ने ज्यादा दिलचस्पी नहीं जगाई।

पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म "एक अधिक उत्पादक और दिलचस्प घटना लग रही थी। इसके मुख्य आंकड़े पी। सेज़ान (1839 - 1906), वी। वान गाग (1853 - 1890) और पी। गाउगिन (1848 - 1903) थे, जिनमें से पी। सेज़ान बाहर खड़े थे।

अपने काम में, पी। सेज़ेन ने प्रभाववाद में सबसे आवश्यक को बरकरार रखा और साथ ही साथ एक नई कला का निर्माण किया, जिससे विषय से दूर जाने की प्रवृत्ति विकसित हुई, इसके बाहरी स्वरूप से। उसी समय, वह चित्रित, प्रभाववाद की विशेषता की भ्रामक और अल्पकालिक प्रकृति को दूर करने में कामयाब रहे।

वस्तु की बाहरी समानता का त्याग करते हुए, पी। सीज़ेन ने असाधारण शक्ति के साथ अपने मुख्य गुणों और गुणों, इसकी भौतिकता, घनत्व और तीव्रता, एक निश्चित "किसी चीज़ की चीज़" को व्यक्त किया। प्रभाववाद के विपरीत, कार्यों को बनाने के लिए, वह न केवल दृश्य संवेदनाओं का उपयोग करता है, बल्कि सभी इंद्रियों का भी उपयोग करता है। अपने काम में, उन्होंने व्यक्तिगत शुरुआत को विशद और शक्तिशाली रूप से व्यक्त किया। जैसा कि पी। पिकासो ने नोट किया, पी। सेज़ैन ने अपने पूरे जीवन में खुद को चित्रित किया।

पी। सेज़ेन के कार्यों से, कोई भी "सेल्फ-पोर्ट्रेट", "फ्रूट्स", "स्टिल लाइफ विद ड्रेपर", "बैंक्स ऑफ द मार्ने", "लेडी इन ब्लू" जैसे भेद कर सकता है। पी. सीज़ेन का बाद के सभी आधुनिकतावाद पर बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा। ए। मैटिस ने उन्हें युवा कलाकारों की एक विस्तृत श्रृंखला का "सामान्य शिक्षक" कहा, जो बाद में प्रसिद्ध और प्रसिद्ध हो गए।

चित्रकला के अलावा, प्रभाववाद कला के अन्य रूपों में भी प्रकट हुआ। संगीत में, फ्रांसीसी संगीतकार सी। डेब्यू (1862 - 1918) ने मूर्तिकला में अपने प्रभाव का अनुभव किया - फ्रांसीसी मूर्तिकार ओ। रोडिन (1840 - 1917)।

1980 के दशक में फ्रांस में प्रतीकवाद का एक आंदोलन खड़ा हुआ, जिसे पूरी तरह से आधुनिकतावाद माना जा सकता है। यह कविता और साहित्य में सबसे व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। प्रतीकात्मकता ने रूमानियत और "कला के लिए कला" की रेखा को जारी रखा, जो दुनिया भर में निराशा की भावना से भरा हुआ था, शुद्ध सौंदर्य और शुद्ध सौंदर्यवाद की खोज की ओर प्रयास कर रहा था।

अपने घोषणापत्र में, प्रतीकवादियों ने खुद को बुर्जुआ दुनिया के पतन, पतन और कयामत के गायक घोषित किया। उन्होंने विज्ञान और प्रत्यक्षवादी दर्शन का विरोध किया, यह मानते हुए कि कारण और तर्कसंगत तर्क "छिपी हुई वास्तविकताओं", "आदर्श संस्थाओं" और "शाश्वत सौंदर्य" की दुनिया में प्रवेश नहीं कर सकते। केवल कला ही इसके लिए सक्षम है - रचनात्मक कल्पना, काव्य अंतर्ज्ञान और रहस्यमय अंतर्दृष्टि के लिए धन्यवाद। प्रतीकवाद ने आने वाली सामाजिक उथल-पुथल के दुखद पूर्वाभास को व्यक्त किया, उन्हें एक सफाई परीक्षा और सच्ची आध्यात्मिक स्वतंत्रता की कीमत के रूप में लिया।

फ्रांसीसी प्रतीकवाद के केंद्रीय आंकड़े कवि एस। मल्लार्मे (1842 - 1898), पी। वेरलाइन (1844 - 1896), ए। रिंबाउड (1854 - 1891) हैं। पहले को करंट का पूर्वज माना जाता है। दूसरे ने गीतों की अद्भुत कृतियों का निर्माण किया। ए. रिंबाउड फ्रांस के सबसे मौलिक और प्रतिभाशाली कवियों में से एक बन गए। 20वीं सदी की फ्रांसीसी कविता पर उनका बहुत प्रभाव था।

कई यूरोपीय देशों में प्रतीकवाद व्यापक हो गया है। इंग्लैंड में, उनका प्रतिनिधित्व किया जाता है, सबसे पहले, लेखक ओ। वाइल्ड (1854 - 1900), प्रसिद्ध उपन्यास द पिक्चर ऑफ डोरियन ग्रे के लेखक, साथ ही कविता द बैलाड ऑफ रीडिंग जेल। ऑस्ट्रिया में, कवि आर.एम. रिल्के (1875 - 1926) प्रतीकवाद के करीब थे, जो उनकी रचनाओं "द बुक ऑफ इमेजेज" और "द बुक ऑफ ऑवर्स" में एक विशेष तरीके से प्रकट हुआ था। प्रतीकवाद का एक अन्य प्रमुख प्रतिनिधि बेल्जियम के नाटककार और कवि एम। मैटरलिंक (1862 - 1949), प्रसिद्ध ब्लू बर्ड के लेखक हैं।

19वीं सदी का पश्चिम के इतिहास में मौलिक महत्व है। यह इस समय था कि एक पूरी तरह से नए प्रकार की सभ्यता का गठन किया गया था - औद्योगिक। इसका आधार वैज्ञानिक और तकनीकी प्रगति थी। इसलिए, आत्मज्ञान के मुख्य आदर्शों में से एक - मन की प्रगति का आदर्श - इसमें पूरी तरह से निहित था।

बुर्जुआ लोकतंत्र के गठन ने राजनीतिक स्वतंत्रता के विस्तार में योगदान दिया। प्रबुद्ध मानवतावाद के अन्य आदर्शों और मूल्यों के लिए, उनके कार्यान्वयन में गंभीर कठिनाइयों और बाधाओं का सामना करना पड़ा है। इसलिए, 19वीं सदी का एक सामान्य आकलन स्पष्ट नहीं हो सकता।

एक ओर सभ्यता की अभूतपूर्व सफलताएँ और उपलब्धियाँ हैं। साथ ही, उभरती हुई औद्योगिक सभ्यता आध्यात्मिक संस्कृति को तेजी से बाहर करने लगी है।

सबसे पहले, इसने धर्म को प्रभावित किया, और फिर आध्यात्मिक संस्कृति के अन्य क्षेत्रों: दर्शन, नैतिकता और कला। सामान्य तौर पर, यह कहा जा सकता है कि पश्चिमी दुनिया में 19वीं शताब्दी में संस्कृति के अमानवीयकरण की एक खतरनाक प्रवृत्ति है, जिसका परिणाम सदी के अंत तक उपनिवेशवाद की व्यवस्था थी, और 20 वीं शताब्दी में - दो दुनिया युद्ध

19वीं सदी के अंत की यूरोपीय कला - 20वीं सदी की शुरुआत।

औद्योगिक सभ्यता के निर्माण का यूरोपीय कला पर व्यापक प्रभाव पड़ा। जैसा कि पहले कभी नहीं था, यह लोगों के सामाजिक जीवन, आध्यात्मिक और भौतिक जरूरतों के साथ घनिष्ठ संबंध में था। लोगों की बढ़ती अन्योन्याश्रयता के संदर्भ में, कलात्मक आंदोलनों और सांस्कृतिक उपलब्धियों का तेजी से पूरी दुनिया में प्रसार हुआ।

चित्र। स्वच्छंदतावाद और यथार्थवाद चित्रकला में विशेष बल के साथ प्रकट हुए। स्पेन के कलाकार फ्रांसिस्को गोया (1746-1828) की कृतियों में रूमानियत के अनेक लक्षण थे। उनकी प्रतिभा और परिश्रम की बदौलत एक गरीब शिल्पकार का बेटा एक महान चित्रकार बन गया। उनके काम ने यूरोपीय कला के इतिहास में एक पूरे युग का गठन किया। स्पेनिश महिलाओं के शानदार कलात्मक चित्र। वे प्यार और प्रशंसा के साथ लिखे गए हैं। आत्म-सम्मान, गर्व और जीवन का प्यार हम नायिकाओं के चेहरे पर पढ़ते हैं, चाहे उनका सामाजिक मूल कुछ भी हो।

दरबारी चित्रकार गोया ने जिस साहस के साथ शाही परिवार का सामूहिक चित्र बनाया, वह विस्मित करना बंद नहीं करता। हमसे पहले देश के भाग्य के शासक या मध्यस्थ नहीं हैं, बल्कि सामान्य लोग भी हैं। गोया के यथार्थवाद की ओर मुड़ने का प्रमाण नेपोलियन की सेना के खिलाफ स्पेनिश लोगों के वीर संघर्ष को समर्पित उनके चित्रों से भी मिलता है।

चार्ल्स चतुर्थ और उसका परिवार। एफ गोया। बाईं ओर (छाया में) कलाकार ने खुद को चित्रित किया

यूरोपीय स्वच्छंदतावाद के प्रमुख व्यक्ति प्रसिद्ध फ्रांसीसी चित्रकार यूजीन डेलाक्रोइक्स (1798-1863) थे। अपने काम में, उन्होंने सभी कल्पनाओं और कल्पनाओं से ऊपर रखा। रोमांटिकतावाद के इतिहास में एक मील का पत्थर, और वास्तव में सभी फ्रांसीसी कलाओं में, उनकी पेंटिंग लिबर्टी लीडिंग द पीपल (1830) थी। कलाकार ने कैनवास पर 1830 की क्रांति को अमर कर दिया। इस तस्वीर के बाद, डेलाक्रोइक्स ने अब फ्रांसीसी वास्तविकता की ओर रुख नहीं किया। उन्हें पूर्व और ऐतिहासिक विषयों के विषय में दिलचस्पी हो गई, जहां विद्रोही रोमांटिक अपनी कल्पना और कल्पना को मुक्त लगाम दे सकते थे।

प्रमुख यथार्थवादी चित्रकार फ्रांसीसी गुस्ताव कोर्टबेट (1819-1877) और जीन मिलेट (1814-1875) थे। इस प्रवृत्ति के प्रतिनिधियों ने प्रकृति के सच्चे चित्रण के लिए प्रयास किया। ध्यान एक व्यक्ति के दैनिक जीवन और कार्य पर था। क्लासिकवाद और रूमानियत की विशेषता वाले ऐतिहासिक और पौराणिक नायकों के बजाय, सामान्य लोग उनके काम में दिखाई दिए: परोपकारी, किसान और श्रमिक। चित्रों के नाम खुद के लिए बोलते हैं: "स्टोन क्रशर", "बुनाई", "कान इकट्ठा करने वाले"।

इंपीरियल गार्ड के हॉर्स रेंजर्स का एक अधिकारी, हमले पर जा रहा है, 1812। थियोडोर गेरिकॉल्ट (1791-1824)। रोमांटिक दिशा के पहले कलाकार। पेंटिंग नेपोलियन युग के रोमांस को व्यक्त करती है

कोर्टबेट ने सबसे पहले यथार्थवाद की अवधारणा को लागू किया। उन्होंने अपने काम के लक्ष्य को इस प्रकार परिभाषित किया: "मेरी राय में, उस युग के लोगों के रीति-रिवाजों, विचारों, उपस्थिति को व्यक्त करने में सक्षम होने के लिए, न केवल एक कलाकार, बल्कि एक नागरिक भी, जीवित कला बनाने के लिए।"

XIX सदी के अंतिम तीसरे में। फ्रांस यूरोपीय कला के विकास में अग्रणी बन गया। यह फ्रांसीसी चित्रकला में था कि प्रभाववाद का जन्म हुआ (फ्रांसीसी छाप से - छाप)। नया चलन यूरोपीय महत्व की घटना बन गया है। प्रभाववादी कलाकारों ने कैनवास पर प्रकृति और मनुष्य की स्थिति में निरंतर और सूक्ष्म परिवर्तनों के क्षणिक छापों को व्यक्त करने की कोशिश की।

तृतीय श्रेणी की गाड़ी में, 1862। ओ. ड्यूमियर (1808-1879)। अपने समय के सबसे मौलिक कलाकारों में से एक। बाल्ज़ाक ने उसकी तुलना माइकल एंजेलो से की। हालाँकि, ड्यूमियर की प्रसिद्धि उनके राजनीतिक कैरिकेचर द्वारा लाई गई थी। "तीसरे दर्जे की गाड़ी में" मजदूर वर्ग की एक गैर-आदर्श छवि प्रस्तुत करता है

पढ़ने वाली महिला। सी. कोरोट (1796-1875)। प्रसिद्ध फ्रांसीसी कलाकार विशेष रूप से प्रकाश के नाटक में रुचि रखते थे, वे प्रभाववादियों के अग्रदूत थे। साथ ही, उनके काम में यथार्थवाद की छाप है।

प्रभाववादियों ने चित्रकला की तकनीक में एक वास्तविक क्रांति की। वे आमतौर पर बाहर काम करते थे। उनके काम में रंगों और प्रकाश ने खुद ड्राइंग की तुलना में बहुत बड़ी भूमिका निभाई। उत्कृष्ट प्रभाववादी कलाकार अगस्टे रेनॉयर, क्लाउड मोनेट, एडगर डेगास थे। विंसेंट वैन गॉग, पॉल सीज़न, पॉल गाउगिन जैसे ब्रश के ऐसे महान स्वामी पर प्रभाववाद का बहुत बड़ा प्रभाव था।

प्रभाव। सनराइज, 1882। क्लाउड मोनेट (1840-1926) ने रंग और आकार पर प्रकाश के प्रभाव का पता लगाने के लिए अक्सर दिन के अलग-अलग समय पर एक ही वस्तु को चित्रित किया।

फूलदान में सूरजमुखी। डब्ल्यू वैन गॉग (1853-1890)

गांव का चर्च। डब्ल्यू वैन गोघे

आईए ओराना मारिया। पी. गौगुइन (1848-1903)। यूरोपीय जीवन शैली से कलाकार के असंतोष ने उसे फ्रांस छोड़ने और ताहिती में रहने के लिए मजबूर किया। स्थानीय कलात्मक परंपराओं, आसपास की दुनिया की विविधता ने उनकी कलात्मक शैली के गठन पर बहुत प्रभाव डाला।

गुलाबी और हरा। ई. देगास (1834-1917)

मैंडोलिन वाली लड़की, 1910। पाब्लो पिकासो (1881-1973)। स्पेन का चित्रकार जो फ्रांस में काम करता था। पहले से ही दस साल की उम्र में वह एक कलाकार था, और सोलह साल की उम्र में उसकी पहली प्रदर्शनी हुई। उन्होंने क्यूबिज़्म का मार्ग प्रशस्त किया, जो 20वीं सदी की कला में एक क्रांतिकारी प्रवृत्ति थी। क्यूबिस्टों ने अंतरिक्ष की छवि, हवाई परिप्रेक्ष्य को त्याग दिया। वस्तुएं और मानव आकृतियां विभिन्न (सीधी, अवतल और घुमावदार) ज्यामितीय रेखाओं और विमानों के संयोजन में बदल जाती हैं। क्यूबिस्टों ने कहा कि वे जैसा देखते हैं वैसा नहीं, बल्कि जैसा वे जानते हैं वैसा ही पेंट करते हैं।

छतरियां। ओ. रेनॉयर

काव्य की भाँति इस समय का चित्र भी अशांतकारी और अस्पष्ट पूर्वाभासों से भरा है। इस संबंध में, प्रतिभाशाली फ्रांसीसी प्रतीकवादी कलाकार ओडिलॉन रेडॉन (1840-1916) का काम बहुत ही विशिष्ट है। 80 के दशक में उनका सनसनीखेज। ड्राइंग "स्पाइडर" - प्रथम विश्व युद्ध का एक अशुभ शगुन। मकड़ी को एक खौफनाक मानवीय चेहरे के साथ दर्शाया गया है। इसके जाल गतिमान हैं, आक्रामक हैं। दर्शक आने वाली आपदा का अहसास नहीं छोड़ता।

आर्किटेक्चर। औद्योगिक सभ्यता के विकास का यूरोपीय वास्तुकला पर व्यापक प्रभाव पड़ा। वैज्ञानिक और तकनीकी विकास ने नवाचार में योगदान दिया है। 19 वीं सदी में राज्य और सार्वजनिक महत्व के बड़े भवन बहुत तेजी से बनाए गए। निर्माण में नई सामग्री का उपयोग किया जाने लगा, विशेष रूप से लोहा और इस्पात। कारखाने के उत्पादन, रेलवे परिवहन और बड़े शहरों के विकास के साथ, नए प्रकार की संरचनाएं दिखाई देती हैं - स्टेशन, स्टील ब्रिज, बैंक, बड़ी दुकानें, प्रदर्शनी भवन, नए थिएटर, संग्रहालय, पुस्तकालय।

19वीं शताब्दी में वास्तुकला विभिन्न प्रकार की शैलियों, स्मारकीयता, इसके व्यावहारिक उद्देश्य से प्रतिष्ठित।

पेरिस ओपेरा की इमारत का मुखौटा। 1861-1867 में निर्मित। पुनर्जागरण और बारोक से प्रेरित एक उदार प्रवृत्ति व्यक्त करता है

पूरी सदी में, सबसे आम नियोक्लासिकल शैली थी। लंदन में ब्रिटिश संग्रहालय की इमारत, 1823-1847 में बनी, प्राचीन (शास्त्रीय) वास्तुकला का एक दृश्य प्रतिनिधित्व देती है। 60 के दशक तक। तथाकथित "ऐतिहासिक शैली" फैशनेबल थी, जिसे मध्य युग की वास्तुकला की रोमांटिक नकल में व्यक्त किया गया था। XIX सदी के अंत में। चर्चों और सार्वजनिक भवनों (नियो-गॉथिक, यानी न्यू गॉथिक) के निर्माण में गॉथिक की वापसी हुई है। उदाहरण के लिए, लंदन में संसद के सदन। नव-गॉथिक के विपरीत, आर्ट नोव्यू (नई कला) की एक नई दिशा उत्पन्न होती है। यह इमारतों, परिसरों, आंतरिक विवरणों की पापी चिकनी रूपरेखाओं की विशेषता थी। XX सदी की शुरुआत में। एक और दिशा उत्पन्न हुई - आधुनिकतावाद। आर्ट नोव्यू शैली को व्यावहारिकता, कठोरता और विचारशीलता, सजावट की कमी की विशेषता है। यह वह शैली थी जिसने औद्योगिक सभ्यता के सार को प्रतिबिंबित किया और हमारे समय के साथ सबसे अधिक जुड़ा हुआ है।

इसके मूड में, XIX के अंत की यूरोपीय कला - XX सदियों की शुरुआत। इसके विपरीत था। एक ओर, आशावाद और होने का अतिप्रवाह आनंद। दूसरी ओर, मनुष्य की रचनात्मक संभावनाओं में अविश्वास। और इसमें कोई विरोधाभास नहीं होना चाहिए। कला केवल अपने तरीके से परिलक्षित होती है कि वास्तविक दुनिया में क्या हुआ। कवियों, लेखकों और कलाकारों की आंखें तेज और तेज थीं। उन्होंने वही देखा जो दूसरों ने नहीं देखा और न देख सके।

चित्र

स्वच्छंदतावाद और यथार्थवाद चित्रकला में विशेष बल के साथ प्रकट हुए। स्पेन के कलाकार फ्रांसिस्को गोया (1746-1828) की कृतियों में रूमानियत के अनेक लक्षण थे।उनकी प्रतिभा और परिश्रम की बदौलत एक गरीब शिल्पकार का बेटा एक महान चित्रकार बन गया। उनके काम ने यूरोपीय कला के इतिहास में एक पूरे युग का गठन किया। स्पेनिश महिलाओं के शानदार कलात्मक चित्र। वे प्यार और प्रशंसा के साथ लिखे गए हैं। आत्म-सम्मान, गर्व और जीवन का प्यार हम नायिकाओं के चेहरे पर पढ़ते हैं, चाहे उनका सामाजिक मूल कुछ भी हो।

यूरोपीय स्वच्छंदतावाद के प्रमुख व्यक्ति प्रसिद्ध फ्रांसीसी चित्रकार यूजीन डेलाक्रोइक्स (1798-1863) थे।अपने काम में, उन्होंने सभी कल्पनाओं और कल्पनाओं से ऊपर रखा। रोमांटिकतावाद के इतिहास में एक मील का पत्थर, और वास्तव में सभी फ्रांसीसी कलाओं में, उनकी पेंटिंग लिबर्टी लीडिंग द पीपल (1830) थी। कलाकार ने कैनवास पर 1830 की क्रांति को अमर कर दिया। इस तस्वीर के बाद, डेलाक्रोइक्स ने अब फ्रांसीसी वास्तविकता की ओर रुख नहीं किया। उन्हें पूर्व और ऐतिहासिक विषयों के विषय में दिलचस्पी हो गई, जहां विद्रोही रोमांटिक अपनी कल्पना और कल्पना को मुक्त लगाम दे सकते थे।

प्रमुख यथार्थवादी चित्रकार फ्रांसीसी गुस्ताव कोर्टबेट (1819-1877) और जीन मिलेट (1814-1875) थे।इस प्रवृत्ति के प्रतिनिधियों ने प्रकृति के सच्चे चित्रण के लिए प्रयास किया। ध्यान एक व्यक्ति के दैनिक जीवन और कार्य पर था। क्लासिकवाद और रूमानियत की विशेषता वाले ऐतिहासिक और पौराणिक नायकों के बजाय, सामान्य लोग उनके काम में दिखाई दिए: परोपकारी, किसान और श्रमिक। चित्रों के नाम खुद के लिए बोलते हैं: "स्टोन क्रशर", "बुनाई", "कान इकट्ठा करने वाले"।

तृतीय श्रेणी की गाड़ी में, 1862। ओ. ड्यूमियर (1808-1879)। अपने समय के सबसे मौलिक कलाकारों में से एक। बाल्ज़ाक ने उसकी तुलना माइकल एंजेलो से की।
हालाँकि, ड्यूमियर की प्रसिद्धि उनके राजनीतिक कैरिकेचर द्वारा लाई गई थी। "तीसरे दर्जे की गाड़ी में" मजदूर वर्ग की एक गैर-आदर्श छवि प्रस्तुत करता है

पढ़ने वाली महिला। सी. कोरोट (1796-1875)। प्रसिद्ध फ्रांसीसी कलाकार विशेष रूप से प्रकाश के नाटक में रुचि रखते थे, वे प्रभाववादियों के अग्रदूत थे।
साथ ही, उनके काम में यथार्थवाद की छाप है।

प्रभाव। सूर्योदय, 1882।
क्लॉड मोनेट (1840-1926) ने रंग और आकार पर प्रकाश के प्रभाव का पता लगाने के लिए अक्सर दिन के अलग-अलग समय पर एक ही वस्तु को चित्रित किया।

आईए ओराना मारिया। पी. गौगुइन (1848-1903)। यूरोपीय जीवन शैली से कलाकार के असंतोष ने उसे फ्रांस छोड़ने और ताहिती में रहने के लिए मजबूर किया।
स्थानीय कलात्मक परंपराओं, आसपास की दुनिया की विविधता ने उनकी कलात्मक शैली के गठन पर बहुत प्रभाव डाला।

स्पेन का चित्रकार जो फ्रांस में काम करता था। पहले से ही दस साल की उम्र में वह एक कलाकार था, और सोलह साल की उम्र में उसकी पहली प्रदर्शनी हुई। उन्होंने क्यूबिज़्म का मार्ग प्रशस्त किया, जो 20वीं सदी की कला में एक क्रांतिकारी प्रवृत्ति थी। क्यूबिस्टों ने अंतरिक्ष की छवि, हवाई परिप्रेक्ष्य को त्याग दिया। वस्तुएं और मानव आकृतियां विभिन्न (सीधी, अवतल और घुमावदार) ज्यामितीय रेखाओं और विमानों के संयोजन में बदल जाती हैं। क्यूबिस्टों ने कहा कि वे जैसा देखते हैं वैसा नहीं, बल्कि जैसा वे जानते हैं वैसा ही पेंट करते हैं।

संगीत

संगीत में, कला के अन्य रूपों की तरह कोई महत्वपूर्ण परिवर्तन नहीं हुए। लेकिन यह औद्योगिक सभ्यता, राष्ट्रीय मुक्ति और क्रांतिकारी आंदोलनों से भी प्रभावित था जिसने पूरे सदी में यूरोप को हिला कर रख दिया था। 19 वीं सदी में संगीत रईसों के महलों और चर्च चर्चों से आगे निकल गया। यह सामान्य आबादी के लिए अधिक धर्मनिरपेक्ष और अधिक सुलभ हो गया। प्रकाशन के विकास ने संगीत के तेजी से मुद्रण और संगीत कार्यों के वितरण में योगदान दिया। उसी समय, नए संगीत वाद्ययंत्र बनाए गए और पुराने में सुधार किया गया। यूरोपीय बुर्जुआ के घर में पियानो एक अभिन्न और सामान्य चीज बन गया है।

XIX सदी के अंत तक। संगीत में स्वच्छंदतावाद प्रमुख प्रवृत्ति थी। इसके मूल में बीथोवेन की विशाल आकृति है। लुडविग वॉन बीथोवेन (1770-1827) ने 18वीं शताब्दी की शास्त्रीय विरासत का सम्मान किया। यदि उन्होंने संगीत कला के स्थापित नियमों में बदलाव किए, तो उन्होंने अपने पूर्ववर्तियों को नाराज न करने की कोशिश करते हुए इसे सावधानी से किया। इसमें वह कई रोमांटिक कवियों से अलग थे, जिन्होंने अक्सर सभी को और हर चीज को उखाड़ फेंका। बीथोवेन इतने मेधावी थे कि बहरे होते हुए भी वे अमर कृतियों की रचना कर सकते थे। उनकी प्रसिद्ध नौवीं सिम्फनी और मूनलाइट सोनाटा ने संगीत कला के खजाने को समृद्ध किया।

रोमांटिक संगीतकारों ने लोक गीत रूपांकनों और नृत्य ताल से प्रेरणा ली। अक्सर अपने काम को साहित्यिक कार्यों में बदल दिया - शेक्सपियर, गोएथे, शिलर। उनमें से कुछ ने विशाल आर्केस्ट्रा कार्यों को बनाने के लिए एक रुचि दिखाई, जो 18 वीं शताब्दी में मौजूद नहीं थी। लेकिन यह प्रयास औद्योगिक सभ्यता की शक्तिशाली गति से बहुत अच्छी तरह मेल खाता था! फ्रांसीसी संगीतकार हेक्टर बर्लियोज़ विशेष रूप से उनके विचारों की भव्यता से प्रभावित थे।इसलिए, उन्होंने एक ऑर्केस्ट्रा के लिए एक रचना लिखी जिसमें 465 संगीत वाद्ययंत्र शामिल थे, जिसमें 120 सेलोस, 37 बास, 30 पियानो और 30 वीणा शामिल थे।

उनके पास ऐसी कलाप्रवीण तकनीक थी कि अफवाहें थीं कि यह खुद शैतान था जिसने उन्हें वायलिन बजाना सिखाया था। एक संगीत प्रदर्शन के बीच में, वायलिन वादक तीन तार तोड़ सकता है और केवल शेष स्ट्रिंग पर स्पष्ट रूप से बजाना जारी रख सकता है।

19 वीं सदी में कई यूरोपीय देशों ने दुनिया को महान संगीतकार और संगीतकार दिए हैं। ऑस्ट्रिया और जर्मनी में, राष्ट्रीय और विश्व संस्कृति को फ्रांज शूबर्ट और रिचर्ड वैगनर द्वारा पोलैंड में फ्रेडरिक चोपिन द्वारा, हंगरी में फ्रांज लिस्ट्ट द्वारा, इटली में गियोचिनो रॉसिनी और ग्यूसेप वर्डी द्वारा, चेक गणराज्य में बेडरिक स्मेटाना द्वारा नॉर्वे में समृद्ध किया गया था। एडवर्ड ग्रिग, रूस में - ग्लिंका, रिम्स्की कोर्साकोव, बोरोडिन, मुसॉर्स्की और त्चिकोवस्की।

20 के दशक से। 19 वी सदी यूरोप में, एक नए नृत्य का जुनून शुरू होता है - वाल्ट्ज। वाल्ट्ज की उत्पत्ति 18वीं शताब्दी के अंत में ऑस्ट्रिया और जर्मनी में हुई थी, जिसकी उत्पत्ति ऑस्ट्रियन लेंडलर से हुई थी - एक पारंपरिक किसान नृत्य

आर्किटेक्चर

औद्योगिक सभ्यता के विकास का यूरोपीय वास्तुकला पर व्यापक प्रभाव पड़ा। वैज्ञानिक और तकनीकी विकास ने नवाचार में योगदान दिया है। 19 वीं सदी में राज्य और सार्वजनिक महत्व के बड़े भवन बहुत तेजी से बनाए गए। निर्माण में नई सामग्री का उपयोग किया जाने लगा, विशेष रूप से लोहा और इस्पात। कारखाने के उत्पादन, रेलवे परिवहन और बड़े शहरों के विकास के साथ, नए प्रकार की संरचनाएं दिखाई देती हैं - स्टेशन, स्टील ब्रिज, बैंक, बड़ी दुकानें, प्रदर्शनी भवन, नए थिएटर, संग्रहालय, पुस्तकालय।

पूरी सदी में, सबसे आम नियोक्लासिकल शैली थी।लंदन में ब्रिटिश संग्रहालय की इमारत, 1823-1847 में बनी, प्राचीन (शास्त्रीय) वास्तुकला का एक दृश्य प्रतिनिधित्व देती है। 60 के दशक तक। तथाकथित "ऐतिहासिक शैली" फैशनेबल थी, जिसे मध्य युग की वास्तुकला की रोमांटिक नकल में व्यक्त किया गया था। XIX सदी के अंत में। चर्चों और सार्वजनिक भवनों (नियो-गॉथिक, यानी न्यू गॉथिक) के निर्माण में गॉथिक की वापसी हुई है। उदाहरण के लिए, लंदन में संसद के सदन। नव-गॉथिक के विपरीत, आर्ट नोव्यू (नई कला) की एक नई दिशा उत्पन्न होती है। यह इमारतों, परिसरों, आंतरिक विवरणों की पापी चिकनी रूपरेखाओं की विशेषता थी। XX सदी की शुरुआत में। एक और दिशा उत्पन्न हुई - आधुनिकतावाद। आर्ट नोव्यू शैली को व्यावहारिकता, कठोरता और विचारशीलता, सजावट की कमी की विशेषता है। यह वह शैली थी जिसने औद्योगिक सभ्यता के सार को प्रतिबिंबित किया और हमारे समय के साथ सबसे अधिक जुड़ा हुआ है।

यह जानना दिलचस्प है

विन्सेंट वैन गॉग ने कहा, "मैं कैथेड्रल के बजाय लोगों की आंखों को रंगना पसंद करता हूं ... मानव आत्मा, यहां तक कि एक दुर्भाग्यपूर्ण भिखारी की आत्मा ... मेरी राय में, अधिक दिलचस्प है।" महान कलाकार ने अपना सारा जीवन गरीबी और अभाव में गुजारा, उनके पास अक्सर कैनवास और पेंट के लिए पैसे नहीं थे, व्यावहारिक रूप से अपने छोटे भाई पर निर्भर थे। समकालीनों ने उनमें किसी योग्यता को नहीं पहचाना। जब वैन गॉग की मृत्यु हुई, तो ताबूत के पीछे कुछ ही लोग थे। यूरोप में केवल दो या तीन दर्जन लोग ही उनकी कला की सराहना कर सकते थे, जिसे महान कलाकार ने भविष्य के लिए संबोधित किया था। लेकिन साल बीत गए। XX सदी में। एक अच्छी तरह से योग्य, यद्यपि कलाकार को प्रसिद्धि मिली। वान गाग के चित्रों को अब भारी कीमत चुकाई गई। इसलिए, उदाहरण के लिए, नीलामी में "सनफ्लावर" पेंटिंग 39.9 मिलियन डॉलर की रिकॉर्ड राशि में बेची गई थी। लेकिन इस उपलब्धि को "आइरिसेस" पेंटिंग द्वारा अवरुद्ध कर दिया गया था, जो 53.9 मिलियन डॉलर में बेची गई थी।

सन्दर्भ:
वी। एस। कोशेलेव, आई। वी। ओरज़ेहोव्स्की, वी। आई। सिनित्सा / वर्ल्ड हिस्ट्री ऑफ़ द मॉडर्न टाइम्स XIX - अर्ली। XX सदी।, 1998।

क्लासिसिज़म, 17वीं-19वीं शताब्दी की यूरोपीय कला में एक कलात्मक शैली, जिसकी सबसे महत्वपूर्ण विशेषताओं में से एक आदर्श सौंदर्य और नैतिक मानक के रूप में प्राचीन कला के रूपों की अपील थी। क्लासिकवाद, जो बारोक के साथ तीव्र विवादात्मक बातचीत में विकसित हुआ, 17 वीं शताब्दी की फ्रांसीसी कलात्मक संस्कृति में एक अभिन्न शैलीगत प्रणाली के रूप में विकसित हुआ।

18वीं - 19वीं शताब्दी की शुरुआत (विदेशी कला इतिहास में इसे अक्सर नवशास्त्रवाद के रूप में जाना जाता है), जो एक पैन-यूरोपीय शैली बन गई, मुख्य रूप से फ्रांसीसी संस्कृति की छाती में, विचारों के मजबूत प्रभाव के तहत बनाई गई थी। प्रबोधन। वास्तुकला में, नए प्रकार के एक उत्कृष्ट हवेली, एक सामने सार्वजनिक भवन, एक खुला शहर वर्ग (गेब्रियल जैक्स एंज और सूफ्लो जैक्स जर्मेन) निर्धारित किया गया था, वास्तुकला के नए, अनियंत्रित रूपों की खोज, काम में कठोर सादगी की इच्छा लेडौक्स क्लाउड निकोलस ने क्लासिकवाद के अंतिम चरण - साम्राज्य की वास्तुकला का अनुमान लगाया। प्लास्टिक (पिगले जीन बैप्टिस्ट और हौडॉन जीन एंटोनी), सजावटी परिदृश्य (रॉबर्ट ह्यूबर्ट) में संयुक्त नागरिक पथ और गीतवाद। ऐतिहासिक और चित्र चित्रों का साहसी नाटक फ्रांसीसी क्लासिकवाद के प्रमुख, चित्रकार जैक्स लुई डेविड के कार्यों में निहित है। 19 वीं शताब्दी में, जीन ऑगस्टे डोमिनिक इंग्रेस जैसे व्यक्तिगत प्रमुख स्वामी की गतिविधियों के बावजूद, क्लासिकवाद की पेंटिंग एक आधिकारिक क्षमाप्रार्थी या दिखावटी कामुक सैलून कला में पतित हो जाती है। 18वीं - 19वीं शताब्दी की शुरुआत में रोम यूरोपीय क्लासिकवाद का अंतरराष्ट्रीय केंद्र बन गया, जहां शिक्षावाद की परंपराएं हावी थीं, उनके रूपों और ठंडे आदर्शीकरण के विशिष्ट संयोजन के साथ (जर्मन चित्रकार एंटोन राफेल मेंग्स, मूर्तिकार: इतालवी कैनोवा एंटोनियो और डेन थोरवाल्डसन बर्टेल ) जर्मन क्लासिकवाद की वास्तुकला पेंटिंग और प्लास्टिक कला के चिंतनशील-सुरुचिपूर्ण मूड के लिए कार्ल फ्रेडरिक शिंकेल की इमारतों की गंभीर स्मारकीयता की विशेषता है - अगस्त और विल्हेम टिशबीन के चित्र, जोहान गॉटफ्रीड शैडो द्वारा मूर्तिकला। अंग्रेजी क्लासिकिज्म में, रॉबर्ट एडम की प्राचीन वस्तुएं, विलियम चेम्बर्स के पल्लाडियन पार्क एस्टेट्स, जे फ्लैक्समैन के उत्कृष्ट रूप से सरल चित्र और जे वेजवुड के सिरेमिक बाहर खड़े हैं। इटली, स्पेन, बेल्जियम, स्कैंडिनेवियाई देशों, संयुक्त राज्य अमेरिका की कलात्मक संस्कृति में विकसित क्लासिकवाद के अपने रूप; विश्व कला के इतिहास में एक उत्कृष्ट स्थान पर 1760-1840 के रूसी क्लासिकवाद का कब्जा है।

19 वीं शताब्दी के पहले तीसरे के अंत तक, क्लासिकवाद की प्रमुख भूमिका लगभग हर जगह गायब हो रही थी, इसे वास्तुशिल्प उदारवाद के विभिन्न रूपों द्वारा प्रतिस्थापित किया जा रहा था। क्लासिकवाद की कलात्मक परंपरा 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में नवशास्त्रवाद में जीवंत हो उठती है।

जीन अगस्टे डोमिनिक इंग्रेस, (1780-1867) - फ्रांसीसी कलाकार, आम तौर पर 19वीं शताब्दी के यूरोपीय शिक्षावाद के मान्यता प्राप्त नेता।
इंगर्स के काम में - शुद्ध सद्भाव की खोज।
उन्होंने टूलूज़ अकादमी ऑफ़ फाइन आर्ट्स में अध्ययन किया। अकादमी से स्नातक होने के बाद, वह पेरिस चले गए, जहां 1797 में वे जैक्स-लुई डेविड के छात्र बन गए। 1806-1820 में उन्होंने रोम में अध्ययन किया और काम किया, फिर फ्लोरेंस चले गए, जहाँ उन्होंने चार और साल बिताए। 1824 में वे पेरिस लौट आए और एक पेंटिंग स्कूल खोला। 1835 में वे फ्रेंच अकादमी के निदेशक के रूप में फिर से रोम लौट आए। 1841 से अपने जीवन के अंत तक वे पेरिस में रहे।

17वीं-19वीं शताब्दी के यूरोपीय चित्रकला में अकादमिकता (fr. academysme) एक प्रवृत्ति है। यूरोप में कला अकादमियों के विकास के दौरान अकादमिक चित्रकला का उदय हुआ। 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में अकादमिक चित्रकला का शैलीगत आधार क्लासिकवाद था, 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में - उदारवाद।
शास्त्रीय कला के बाहरी रूपों के बाद अकादमिक बड़ा हुआ। अनुयायियों ने इस शैली को प्राचीन पुरातनता और पुनर्जागरण के कला रूप पर प्रतिबिंब के रूप में चित्रित किया।

इंग्रेस। रिवेर परिवार के चित्र। 1804-05

प्राकृतवाद

प्राकृतवाद- बुर्जुआ व्यवस्था द्वारा उत्पन्न एक घटना। एक विश्वदृष्टि और कलात्मक रचनात्मकता की शैली के रूप में, यह अपने अंतर्विरोधों को दर्शाता है: उचित और वास्तविक, आदर्श और वास्तविकता के बीच की खाई। मानवतावादी आदर्शों और ज्ञानोदय के मूल्यों की अवास्तविकता के बारे में जागरूकता ने दो वैकल्पिक विश्वदृष्टि पदों को जन्म दिया। पहले का सार मूल वास्तविकता को तुच्छ समझना और शुद्ध आदर्शों के खोल में बंद करना है। दूसरे का सार अनुभवजन्य वास्तविकता को पहचानना है, आदर्श के बारे में सभी तर्कों को त्यागना है। रोमांटिक विश्वदृष्टि का प्रारंभिक बिंदु वास्तविकता की एक खुली अस्वीकृति है, आदर्शों और वास्तविक अस्तित्व के बीच एक दुर्गम खाई की पहचान, चीजों की दुनिया की अनुचितता।

यह वास्तविकता, निराशावाद, वास्तविक रोजमर्रा की वास्तविकता से बाहर होने के रूप में ऐतिहासिक ताकतों की व्याख्या, रहस्यवाद और पौराणिक कथाओं के प्रति नकारात्मक दृष्टिकोण की विशेषता है। इन सभी ने वास्तविक दुनिया में नहीं, बल्कि कल्पना की दुनिया में विरोधाभासों के समाधान की खोज को प्रेरित किया।

रोमांटिक विश्वदृष्टि ने आध्यात्मिक जीवन के सभी क्षेत्रों को अपनाया - विज्ञान, दर्शन, कला, धर्म। यह दो संस्करणों में आया:

पहला - इसमें दुनिया एक अनंत, फेसलेस, लौकिक विषय के रूप में प्रकट हुई। आत्मा की रचनात्मक ऊर्जा यहां शुरुआत के रूप में कार्य करती है जो विश्व सद्भाव का निर्माण करती है। रोमांटिक विश्वदृष्टि का यह संस्करण दुनिया की एक सर्वेश्वरवादी छवि, आशावाद और बुलंद भावनाओं की विशेषता है।

दूसरा यह है कि इसमें मानवीय आत्मपरकता को व्यक्तिगत और व्यक्तिगत रूप से समझा जाता है, बाहरी दुनिया के साथ संघर्ष करने वाले व्यक्ति की आंतरिक आत्म-गहन दुनिया के रूप में समझा जाता है। यह रवैया निराशावाद की विशेषता है, दुनिया के प्रति एक लयात्मक रूप से दुखद रवैया।

रूमानियत का प्रारंभिक सिद्धांत "दो दुनिया" था: वास्तविक और काल्पनिक दुनिया की तुलना और विरोध। प्रतीकवाद इस दोहरी दुनिया को व्यक्त करने का तरीका था।

रोमांटिक प्रतीकवाद ने भ्रामक और वास्तविक दुनिया के एक कार्बनिक संयोजन का प्रतिनिधित्व किया, जो रूपक, अतिशयोक्ति और काव्यात्मक तुलनाओं के रूप में प्रकट हुआ। स्वच्छंदतावाद, धर्म के साथ घनिष्ठ संबंध के बावजूद, हास्य, विडंबना, स्वप्नदोष की विशेषता थी। स्वच्छंदतावाद ने संगीत को कला के सभी क्षेत्रों के लिए आदर्श और आदर्श के रूप में घोषित किया, जिसमें, रोमांटिक के अनुसार, जीवन का बहुत ही तत्व, स्वतंत्रता का तत्व और भावनाओं की विजय।

रूमानियत का उदय कई कारकों के कारण हुआ। पहला, सामाजिक-राजनीतिक: 1769-1793 की फ्रांसीसी क्रांति, नेपोलियन के युद्ध, लैटिन अमेरिका की स्वतंत्रता के लिए युद्ध। दूसरे, आर्थिक: औद्योगिक क्रांति, पूंजीवाद का विकास। तीसरा, इसका गठन शास्त्रीय जर्मन दर्शन के प्रभाव में हुआ था। चौथा, इसका गठन मौजूदा साहित्यिक शैलियों के आधार पर और ढांचे के भीतर किया गया था: ज्ञानोदय, भावुकता।

रूमानियत का उदय 1795-1830 की अवधि में आता है। - यूरोपीय क्रांतियों और राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलनों की अवधि, और रोमांटिकतावाद जर्मनी, इंग्लैंड, रूस, इटली, फ्रांस, स्पेन की संस्कृति में विशेष रूप से उज्ज्वल रूप से प्रकट हुआ।

मानवीय क्षेत्र में रोमांटिक प्रवृत्ति का बहुत प्रभाव था, और प्राकृतिक विज्ञान में प्रत्यक्षवादी, तकनीकी और व्यावहारिक।

जीन लुई आंद्रे थियोडोर गेरिकौल्ट (1791-1824).
सी। वर्नेट (1808-1810), और फिर पी। गुएरिन (1810-1811) के थोड़े समय के लिए एक छात्र, जो जैक्स-लुई डेविड के स्कूल के सिद्धांतों के अनुसार प्रकृति को स्थानांतरित करने के अपने तरीकों से परेशान था। और रूबेन्स की लत, लेकिन बाद में गेरिकॉल्ट की आकांक्षाओं की तर्कसंगतता को मान्यता दी।
शाही बंदूकधारियों में सेवा करते हुए, गेरिकॉल्ट ने मुख्य रूप से युद्ध के दृश्य लिखे, लेकिन 1817-19 में इटली की यात्रा के बाद। उन्होंने एक बड़ी और जटिल पेंटिंग "द रफ ऑफ द मेडुसा" (लौवर, पेरिस में स्थित) को अंजाम दिया, जो डेविडिक प्रवृत्ति का पूर्ण खंडन और यथार्थवाद का एक वाक्पटु उपदेश बन गया। कथानक की नवीनता, रचना का गहरा नाटक और इस उत्कृष्ट लिखित कार्य के जीवन की सच्चाई की तुरंत सराहना नहीं की गई, लेकिन जल्द ही इसे अकादमिक शैली के अनुयायियों द्वारा भी पहचाना गया और कलाकार को एक प्रतिभाशाली और साहसी नवप्रवर्तनक के रूप में प्रसिद्धि दिलाई। .

दुखद तनाव और नाटक। 1818 में, गेरिकॉल्ट ने द रफट ऑफ द मेडुसा पेंटिंग पर काम किया, जिसने फ्रांसीसी रोमांटिकवाद की शुरुआत को चिह्नित किया। डेलाक्रोइक्स, जिन्होंने अपने दोस्त के लिए पोज़ दिया, ने एक ऐसी रचना का जन्म देखा, जो पेंटिंग के बारे में सभी सामान्य विचारों को तोड़ती है। डेलाक्रोइक्स ने बाद में याद किया कि जब उसने तैयार पेंटिंग देखी, तो वह "खुशी से पागल की तरह दौड़ने के लिए दौड़ा, और घर तक नहीं रुक सका।"
तस्वीर का कथानक एक वास्तविक घटना पर आधारित है जो 2 जुलाई, 1816 को सेनेगल के तट पर हुई थी। फिर, आर्गेन के उथले पर, अफ्रीकी तट से 40 लीग, मेडुसा फ्रिगेट बर्बाद हो गया था। 140 यात्रियों और चालक दल के सदस्यों ने बेड़ा पर चढ़कर भागने की कोशिश की। उनमें से केवल 15 बच गए और उनके भटकने के बारहवें दिन उन्हें आर्गस ब्रिगेडियर ने उठा लिया। बचे हुए लोगों की यात्रा के विवरण ने आधुनिक जनमत को झकझोर दिया, और जहाज के कप्तान की अक्षमता और पीड़ितों को बचाने के प्रयासों की अपर्याप्तता के कारण मलबे ही फ्रांसीसी सरकार में एक घोटाले में बदल गया।

लाक्षणिक समाधान
विशाल कैनवास अपनी अभिव्यंजक शक्ति से प्रभावित करता है। गेरिकॉल्ट ने एक तस्वीर में मृतकों और जीवित, आशा और निराशा को मिलाकर एक ज्वलंत छवि बनाने में कामयाबी हासिल की। चित्र एक विशाल तैयारी कार्य से पहले था। गेरिकॉल्ट ने अस्पतालों में मरने वालों और मारे गए लोगों की लाशों के कई रेखाचित्र बनाए। मेडुसा का बेड़ा गेरिकॉल्ट के पूर्ण किए गए कार्यों में से अंतिम था।
1818 में, जब गेरिकॉल्ट पेंटिंग "द रफ ऑफ द मेडुसा" पर काम कर रहे थे, जिसने फ्रांसीसी रोमांटिकवाद की शुरुआत को चिह्नित किया, यूजीन डेलाक्रोइक्स, अपने दोस्त के लिए प्रस्तुत करते हुए, एक ऐसी रचना का जन्म देखा, जो पेंटिंग के बारे में सभी सामान्य विचारों को तोड़ती है। डेलाक्रोइक्स ने बाद में याद किया कि जब उसने तैयार पेंटिंग देखी, तो वह "खुशी से पागल की तरह दौड़ने के लिए दौड़ा, और घर तक नहीं रुक सका।"

जनता की प्रतिक्रिया
जब गेरिकॉल्ट ने 1819 में सैलून में द रफ ऑफ द मेडुसा का प्रदर्शन किया, तो पेंटिंग ने सार्वजनिक आक्रोश पैदा किया, क्योंकि कलाकार, उस समय के शैक्षणिक मानदंडों के विपरीत, एक वीर, नैतिक या शास्त्रीय कथानक को चित्रित करने के लिए इतने बड़े प्रारूप का उपयोग नहीं करता था।
पेंटिंग 1824 में अधिग्रहित की गई थी और वर्तमान में लौवर में डेनॉन गैलरी की पहली मंजिल पर कक्ष 77 में है।

यूजीन डेलाक्रोइक्स(1798 - 1863) - फ्रांसीसी चित्रकार और ग्राफिक कलाकार, यूरोपीय चित्रकला में रोमांटिक प्रवृत्ति के प्रमुख।
लेकिन लौवर और युवा चित्रकार थियोडोर गेरिकॉल्ट के साथ संचार डेलाक्रोइक्स के लिए वास्तविक विश्वविद्यालय बन गए। लौवर में, वह पुराने उस्तादों के कार्यों से मोहित था। उस समय, वहाँ कई पेंटिंग देखी जा सकती थीं, जो नेपोलियन के युद्धों के दौरान ली गई थीं और अभी तक उनके मालिकों के पास वापस नहीं आई थीं। सबसे बढ़कर, नौसिखिए कलाकार महान रंगकर्मियों - रूबेन्स, वेरोनीज़ और टिटियन से आकर्षित हुए। लेकिन डेलाक्रोइक्स पर सबसे बड़ा प्रभाव थियोडोर गेरिकोल्ट का था।

जुलाई 1830 में, पेरिस ने बोर्बोन राजशाही के खिलाफ विद्रोह किया। डेलाक्रोइक्स ने विद्रोहियों के प्रति सहानुभूति व्यक्त की, और यह उनके "लिबर्टी लीडिंग द पीपल" में परिलक्षित हुआ (हम इस काम को "फ्रीडम ऑन द बैरिकेड्स" के रूप में भी जानते हैं)। 1831 के सैलून में प्रदर्शित, कैनवास ने सार्वजनिक अनुमोदन की आंधी का कारण बना। नई सरकार ने पेंटिंग खरीदी, लेकिन साथ ही तुरंत इसे हटाने का आदेश दिया, इसकी विकृति बहुत खतरनाक लग रही थी।

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