फ्रांसीसी हार्पसीकोर्डिस्ट। हार्पसीकोर्ड - संगीत वाद्ययंत्र - इतिहास, फोटो, वीडियो फ्रेंच संगीतकार 18 वीं शताब्दी के हार्पसीकोर्डिस्ट

विज्ञान के इतिहास पर रिपोर्ट

फिर थीम "18 वीं शताब्दी के फ्रांस का संगीत"

भौतिकी और गणित संकाय के 10 वीं कक्षा के छात्र

लिसेयुम नं। 1525 "वोरोब्योव्य गोरी"

काजाकोव फिलिप।

18 वीं शताब्दी के फ्रांस के संगीत के बारे में पहली बात यह है कि
संगीत के क्षेत्र में अग्रणी देशों के विपरीत (जैसे जर्मनी,
ऑस्ट्रिया, स्पेन और इटली), फ्रांस किसी का दावा नहीं कर सकता
विशेष रूप से प्रसिद्ध कंपोजिट की संख्या, न तो कलाकार और न ही अमीर
प्रसिद्ध कार्यों का वर्गीकरण। सबसे प्रसिद्ध फ्रेंच
ग्लक को उस समय का संगीतकार माना जाता है, लेकिन वह जर्मनी से भी थे।
भाग में, इस स्थिति को समाज के हितों द्वारा निर्धारित किया गया था, जो निर्धारित किया गया था
संगीत की शैली। 18 वीं शताब्दी में संगीत के विकास पर विचार करें।

सदी की शुरुआत में, संगीत की सबसे लोकप्रिय शैली भावुक थी
श्रेण्यवाद। यह धीमी गति से, अनहेल्दी संगीत था, विशेष रूप से मुश्किल नहीं।
उन्होंने इसे वाद्य यंत्रों पर बजाया। वह आमतौर पर गेंदों और दावतों के साथ,
लेकिन वे भी एक शांत घर के माहौल में उसकी बात सुनना पसंद करते थे।

फिर, रोकोको की विशेषताएं और तकनीक ल्यूट संगीत में गिरने लगीं, जैसे
एक ट्रिल और ध्वनि की तरह। वह और अधिक जटिल देखो, संगीत पर ले लिया
वाक्यांश अधिक जटिल और दिलचस्प हो गए। संगीत और अधिक अलग हो गया
वास्तविकता, अधिक शानदार, कम सही और, इस प्रकार, करीब
श्रोता।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के करीब, रोकोको की विशेषताएं इतनी विलीन हो गईं
वह संगीत जिसे उसने एक निश्चित अभिविन्यास प्राप्त करना शुरू किया। इतनी जल्दी
संगीत में, दो दिशाएँ स्पष्ट रूप से प्रतिष्ठित थीं: नृत्य के लिए संगीत और
गाने के लिए संगीत। नृत्य संगीत गेंदों के साथ था, संगीत के लिए
गायन एक गोपनीय सेटिंग में लग रहा था। अक्सर और अभिजात वर्ग
वे एक घर हार्पसीकोर्ड की आवाज़ के लिए गाना पसंद करते थे। उसी समय प्रकट हुए
कॉमेडी-बैले की एक नई नाटकीय शैली, संवाद, नृत्य और संयोजन
पैंटोमाइम, वाद्य, कभी-कभी मुखर संगीत। इसके निर्माता - जे।
बी। मोलिरे और संगीतकार जे। बी। लूली। शैली का महत्वपूर्ण प्रभाव था
फ्रांसीसी संगीत थिएटर के बाद के विकास।

संगीत शैलियों की अधिक सूक्ष्म जुदाई के बाद, शुरुआत
मार्चिंग संगीत दिखाई देते हैं। यह कठोर, जोर से, शोर संगीत था। में
इस समय, टक्कर उपकरण (ड्रम और
झांझ), जो ताल सेट करता है, जिससे टुकड़ा वंचित होता है
व्यक्तिगत निष्पादन। इसके अलावा, ऐसे
उपकरण, एक पाइप की तरह, जो मुख्य रूप से समग्र को बढ़ाने के लिए कार्य करता है
संगीत की आवाज़। यह ड्रमर्स की उपस्थिति और जोर से होने के कारण है
18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के वाद्ययंत्र, मेरी राय में, बन गए
विशेष रूप से आदिम और बकाया नहीं है। मार्चिंग संगीत का ताज था
काम की उपस्थिति "मार्सिलेस", 1792 में रूज डी लिस्ले द्वारा लिखित
साल।

रूज डे लिस्ले क्लाउड जोसेफ (1760-1836) फ्रांसीसी सैन्य इंजीनियर, कवि और
संगीतकार। उन्होंने भजन, गीत, रोमांस लिखे। 1792 में उन्होंने रचना लिखी
"मार्सिलेस", भविष्य में फ्रांस का गान बन गया।

कैपरिन फ्रांस्वा (1668-1733) - फ्रांसीसी संगीतकार, हार्पसीकोर्डिस्ट,
अरगनिस्ट। जर्मन बाख राजवंश के तुलनीय राजवंश के बाद से
उनके परिवार में संगीतकारों की कई पीढ़ियां थीं। कापरिन का उपनाम दिया गया था
"द ग्रेट कैपरिन" आंशिक रूप से हास्य की अपनी भावना के कारण, आंशिक रूप से
चरित्र। उनका काम फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड कला का शिखर है।
कैपरिन का संगीत मधुर स्वर, अनुग्रह, द्वारा प्रतिष्ठित है
विवरण की पूर्णता।

रामेऊ जीन फिलिप (1683-1764) - फ्रांसीसी संगीतकार और संगीत
विचारक। फ्रेंच और इतालवी संगीत की उपलब्धियों का उपयोग करना
संस्कृतियों, तैयार की गई क्लासिकिस्ट ओपेरा की शैली को काफी संशोधित किया
के.वी. ग्लक द्वारा ओपेरा सुधार। उन्होंने गीतात्मक त्रासदियों को लिखा "हिप्पोलिटस और
आरिसिया "(1733)," केस्टर एंड पोल्क्स "(1737), ओपेरा-बैले" गैलर इंडिया "
(1735), हार्पसीकोर्ड के टुकड़े और बहुत कुछ। उनके सैद्धांतिक कार्य -
सद्भाव के सिद्धांत के विकास में एक महत्वपूर्ण चरण।

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - प्रसिद्ध फ्रेंको-जर्मन
संगीतकार। उनका सबसे शानदार काम पेरिस से जुड़ा है
ओपेरा मंच, जिसके लिए उन्होंने अपनी सर्वश्रेष्ठ रचनाएँ लिखीं
फ्रांसीसी शब्द। इसलिए, फ्रांसीसी इसे फ्रांसीसी मानते हैं
संगीतकार। उनके कई ओपेरा: "आर्टसारस", "डेमोफोनेट",
"फेडरा" और अन्य मिलान, ट्यूरिन, वेनिस, क्रेमोनी में दिए गए थे।
लंदन में निमंत्रण मिलने पर, ग्लुक ने दो लिखा
ओपेरा: "ला कडुटा डे गिगांती" (1746) और "आर्टेमेने" और एक ओपेरा मेडले
(pasticcio) "पाइराम"। इस उत्तरार्द्ध का काफी प्रभाव पड़ा
Gluck की आगे की गतिविधियाँ। बड़ी सफलता के साथ सभी ओपेरा
Gluck, इतालवी टेम्पलेट के अनुसार लिखे गए थे, जिसमें कई अर्य शामिल थे; में
उन्हें ग्लुक ने पाठ पर विशेष ध्यान नहीं दिया। उनके ओपेरा "पीराम" ने उन्हें
पिछले ऑपरेशंस के कुछ अंशों से मिलकर, जिनमें सबसे बड़ी सफलता थी,
नए परिवाद के एक अन्य पाठ में इन अंशों को फिट करना। इस की विफलता
ओपेरा ने ग्लक को इस विचार के लिए प्रेरित किया कि केवल वही संगीत पैदा कर सकता है
एक उचित प्रभाव, जो सीधे पाठ से संबंधित है।
उन्होंने अपने अगले कामों में इस सिद्धांत का पालन करना शुरू किया,
अपने आप को धीरे-धीरे आत्मसात करने के प्रति अधिक गंभीर रवैया,
छोटी विस्तार से आवर्ती एरीसो को विकसित करना और इसके बारे में नहीं भूलना
अरि में भी पाठ।

पाठ और संगीत के बीच घनिष्ठ संबंध की इच्छा पहले से ही ध्यान देने योग्य है
"सेमिरमिस" (1748)। लेकिन संगीतकार के लिए अधिक ठोस मोड़,
एक संगीत नाटक के रूप में, "ओर्फियो", "अल्केस्ट", "परेड एड एलेना" में देखा गया
(1761 - 64), वियना में दिया गया। Gluck का ओपेरा सुधारक है
इफीजनी एन औलाइड में, जबरदस्त सफलता (1774) के साथ पेरिस में दिया गया।
वहाँ भी दिए गए: "आर्मीड" (1777) और "इफिगेनी एन टॉराइड"
(1779) -

ग्लूक का सबसे बड़ा काम आखिरी ओपेरा जी "इको एट" था
Narcisse ”। ओपेरा के अलावा, ग्लक ने सिम्फनी, भजन और बहुत कुछ लिखा। के सभी
Gluck द्वारा 50 से अधिक ओपेरा, इंटरल्यूड्स और बैले लिखे गए हैं।

अंत में, इसे एक बार फिर से फ्रांसीसी संगीत की एकतरफाता पर जोर दिया जाना चाहिए
18 वीं सदी। संगीत रचनात्मकता एक शिल्प या एक आसान की तरह लग रही थी
शौक। शिल्प के लिए, क्योंकि सभी कार्य एक ही प्रकार के हैं और
एक दूसरे के समान। हालांकि, एक शौक पर, क्योंकि कई संगीतकार
अपने खाली समय में संगीत में लगे हुए थे, इस तरह की छवियों के साथ उनका भरना
फुर्सत। इस तरह के व्यवसाय को व्यावसायिक रचनात्मक रचना कहना
यह असंभव है। यहां तक \u200b\u200bकि उस समय के फ्रांस के सबसे प्रसिद्ध संगीतकार, ग्लेक
(जो, वैसे, फ्रांसीसी संगीतकार नहीं थे),
बीमार लोग एक टुकड़े को संगीतकार कहते हैं। में उपलब्ध
"ऑर्फ़ियस एंड एरीडाइस" की दृष्टि।

सूत्रों का कहना है:

सिरिल और मेथोडियस के महान विश्वकोश,

शास्त्रीय संगीत का विश्वकोश,

ब्रोकहॉस और एफ्रॉन,

शास्त्रीय संगीत (मैनुअल),

इंटरनेट,

सक्षम संगीतज्ञ नतालिया बोगोस्लावस्काया।

"मारसिलाइज़" एक फ्रांसीसी क्रांतिकारी गीत है।
सबसे पहले इसे "द बैटल सॉन्ग ऑफ़ राइन आर्मी" कहा गया, फिर "द मार्च
मार्सिलेस "या" मार्सिलेज़ "। तीसरे गणराज्य के तहत, यह बन गया
फ्रांस का राष्ट्रगान (14 जुलाई 1975 से) एक नया प्रदर्शन हुआ
संगीत संस्करण)। रूस में, "राबोचाया
ला मार्सिलेइज़ ”(पी। एल। लावरोव का पाठ, ला मार्सिलेज़ का माधुर्य, में प्रकाशित)
अखबार "वेपरोड" 1.7.1875)।

एकता के आधार पर संगीत के अर्थपूर्ण, अर्थपूर्ण अर्थ
सद्भाव में स्वर और उनके अनुक्रमिक आंदोलन में सद्भाव के कनेक्शन पर।
मुख्य प्रकार का व्यंजन एक राग है। सद्भाव निश्चित के अनुसार बनाया गया है
किसी भी तरह के पॉलीफोनिक संगीत में सामंजस्य के नियम - होमोफनी,
polyphony। सद्भाव के तत्व - ताल और मॉड्यूलेशन - सबसे महत्वपूर्ण कारक
संगीत का रूप। सद्भाव का सिद्धांत सिद्धांत के मुख्य वर्गों में से एक है
संगीत।

18 वीं शताब्दी के अंत में, पोर्सिलेन से - मदर-पर्ल से, पहली बार 19 वीं शताब्दी के मध्य में, पहली बार एक बहुलक सामग्री का उपयोग प्रोस्थेटिक्स के लिए किया गया था। 1. कुंडली 2.ebonite 3. रबर। 4. पोलिमेथाइलमैथैक्रिल्ट 5.फ्लुओरोप्लास्टिक 6. साइलोकोनिक।

अभिव्यक्ति? कम से कम तीन उदाहरण दीजिए।
वैसे, मेरे पास 1 विचार है: 18 वीं शताब्दी के रूसी कलाकारों को पश्चिमी शैलियों (बारोक, भावुकता, आदि) में चित्रित किया गया था, लेकिन पश्चिमी तोपों के माध्यम से, एक विशेष रूसी शैली अभी भी स्वयं प्रकट हुई (रूसी बारोक दिखाई दी, उदाहरण के लिए), पश्चिमी एक से अलग। फिर "विग" पश्चिम का एक प्रकार का व्यक्तिीकरण है (विशेषकर उन दिनों में विग फैशन में आए), और "गंजा सिर" बहुत ही रूसी विशेषताएं "विग" के कैनन के माध्यम से "झांकना" है।
अभी भी जरूरत है दो विचारों। कृपया मेरी मदद करें।

18 वीं शताब्दी के अंत में, पोर्सिलेन से - मदर-पर्ल से, पहली बार 19 वीं शताब्दी के मध्य में, पहली बार एक बहुलक सामग्री का उपयोग प्रोस्थेटिक्स के लिए किया गया था।

1.celluoid

4.polymethylmethacrylpt

5.fluoroplastic

6.silicone।

प्रत्येक प्रश्न में, आपको संगीतकार के चार नामों में से एक को चुनना होगा।))))

1. बारोक युग के एक संगीतकार का नाम बताइए।
ए) विवाल्डी;
बी) मोजार्ट;
ग) बीथोवेन;
d) शुमान।
2. निम्नलिखित में से कौन सा संगीतकार एक मठाधीश था?
क) बाख;
बी) हैंडेल;
ग) विवाल्डी;
d) मोजार्ट।
3. "द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर", "सेंट मैथ्यू पैशन", "आविष्कार" के लेखक का नाम बताइए।
क) बाख;
बी) बीथोवेन;
ग) चोपिन;
d) शुमान।
4. ओपेरा फिदेलियो किसने लिखा था?
ए) हेडन;
बी) मोजार्ट;
ग) बीथोवेन;
d) चोपिन।
5. रचनाकारों में से किसने ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो", "डॉन जुआन" लिखा,
ए) मोजार्ट;
बी) बीथोवेन;
ग) मेंडेलसोहन;
d) रॉसिनी।
6. इनमें से कौन सा संगीतकार विनीज़ क्लासिक नहीं है?
ए) हेडन;
बी) शुमान;
ग) मोजार्ट;
d) बीथोवेन।
7. ओपेरा "आइडा", "ला ट्रावेटा", "रिगोलेटो" के लेखक कौन हैं?
ए) मोजार्ट;
बी) बीथोवेन;
ग) रॉसिनी;
d) वर्डी।
8. 32 पियानो सोनाटा किसने लिखी?
क) बाख;
बी) मोजार्ट;
ग) बीथोवेन;
d) चोपिन।
9. "टिमपनी ट्रेमोलो सिम्फनीज़", "फेयरवेल", "चिल्ड्रन" के लेखक का नाम।
ए) हेडन;
बी) मोजार्ट;
ग) शुमान;
d) चोपिन।
10. "सिम्फनी और चौकड़ी का पिता" किसे कहा जाता है?
क) मेट्ज़र्ट;
बी) बीथोवेन;
ग) हेडन;
d) बाख।
11. किस रचनाकार ने पहली बार अपने काम को एक सिम्फनी कविता का नाम दिया था?
ए) गुआनो;
बी) बर्लिओज़;
ग) बीथोवेन;
घ) शीट;
12. दो विषयों के संघर्ष पर आधारित कौन सा संगीत रूप है?
क) रूपांतर;
बी) रोंडो;
ग) सोनाटा रूप;
घ) फगु।
13. अंत में कोरस के साथ सहानुभूति के लेखक का नाम बताइए:
ए) हेडन;
बी) मोजार्ट;
ग) Schubert;
d) बीथोवेन।
14. इनमे से किस संगीतकार ने केवल पियानो के लिए लिखा था?
ए) गुनोद;
बी) चोपिन;
ग) महलर;
घ) शूमान;
15. इबसेन के नाटक पीयर गेन्ट के लिए इनमें से किस संगीतकार ने संगीत लिखा था?
ए) चोपिन;
बी) बर्लिओज़;
ग) महलर;
d) शुमान।
16. मुखर चक्र "द ब्यूटीफुल मिलर वुमन" और "विंटर वे" किसने लिखा है?
ए) Schubert;
बी) शुमान;
ग) मेंडेलसोहन;
d) बिसेट।
17. अधूरी सिम्फनी के लेखक का नाम बताइए:
ए) बीथोवेन;
बी) हेडन;
ग) Schubert;
d) वैगनर।
18. कार्निवल पियानो चक्र किसने लिखा है?
ए) बीथोवेन;
बी) मोजार्ट;
ग) हेडन;
d) शीट।
19. 100 से अधिक सिम्फनी किसने लिखी?
ए) बीथोवेन;
बी) मोजार्ट;
ग) हेडन;
घ) Schubert।
20. 18 वीं शताब्दी के रूसी संगीतकार-वायलिन वादक:
ए) एलिबेव;
बी) फ़ोमिन;
ग) खंडोशिन;
d) वर्स्टोव्स्की।

विज्ञान के इतिहास पर रिपोर्ट

फिर थीम "18 वीं शताब्दी के फ्रांस का संगीत"

भौतिकी और गणित संकाय के 10 वीं कक्षा के छात्र

लिसेयुम नं। 1525 "वोरोब्योव्य गोरी"

काजाकोव फिलिप।

18 वीं शताब्दी में फ्रांस के संगीत के बारे में कहने वाली पहली बात यह है कि संगीत के क्षेत्र में अग्रणी देशों (जैसे जर्मनी, ऑस्ट्रिया, स्पेन और इटली) के विपरीत, फ्रांस विशेष रूप से प्रसिद्ध कंपोजिट या कलाकारों की एक बड़ी संख्या का दावा नहीं कर सकता है। न ही प्रसिद्ध कार्यों का एक समृद्ध वर्गीकरण। ग्लक को उस समय का सबसे प्रसिद्ध फ्रांसीसी संगीतकार माना जाता है, लेकिन वह जर्मनी से भी था। भाग में, इस स्थिति को समाज के हितों द्वारा निर्धारित किया गया था, जिसने संगीत की शैलियों को निर्धारित किया था। 18 वीं शताब्दी में संगीत के विकास पर विचार करें।

सदी की शुरुआत में, संगीत की सबसे लोकप्रिय शैली भावुक थी क्लासिसिज़म ... यह धीमी गति से, अनहेल्दी संगीत था, विशेष रूप से मुश्किल नहीं। उन्होंने इसे वाद्य यंत्रों पर बजाया। आमतौर पर वह गेंदों और दावतों के साथ जाती थी, लेकिन घर के सुकून भरे माहौल में वे उसे सुनना पसंद करती थीं।

फिर, फीचर्स और तकनीक ल्यूट म्यूजिक में आने लगे रोकोको, जैसे ट्रिल और झंडा। इसने अधिक जटिल रूप प्राप्त कर लिया है, संगीत वाक्यांश अधिक जटिल और दिलचस्प हो गए हैं। संगीत वास्तविकता से अधिक अलग हो गया, अधिक शानदार, कम सही और, इस प्रकार, श्रोता के करीब।

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, रोकोको की विशेषताएं संगीत में इतनी एकीकृत हो गईं कि यह एक निश्चित अभिविन्यास प्राप्त करना शुरू कर दिया। इसलिए, जल्द ही दो दिशाओं को संगीत में स्पष्ट रूप से प्रतिष्ठित किया गया: नृत्य के लिए संगीत और गायन के लिए संगीत। नृत्य के लिए संगीत के साथ बॉल्स भी थे, गायन के लिए संगीत एक गोपनीय माहौल में प्रदर्शन किया गया था। अक्सर अभिजात वर्ग के लोगों को होम हार्पसीकोर्ड की आवाज़ों को गाना पसंद था। उसी समय, कॉमेडी-बैले की एक नई नाट्य शैली दिखाई दी, जिसमें संवाद, नृत्य और पैंटोमाइम, वाद्य, कभी-कभी मुखर संगीत का संयोजन होता है। इसके रचनाकार जे। बी। मोलिरे और संगीतकार जे.बी. लूली हैं। फ्रेंच संगीत थिएटर के बाद के विकास पर इस शैली का महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा।

संगीत शैलियों के अधिक सूक्ष्म अंतर के बाद, मार्चिंग संगीत दिखाई देने लगा। यह कठोर, जोर से, शोर संगीत था। इस समय, टक्कर उपकरण (ड्रम और झांझ) व्यापक हो गए, जो लय निर्धारित करते हैं, जिससे प्रदर्शन के व्यक्तित्व को काम से वंचित किया जाता है। ट्रम्पेट जैसे कई उपयोग किए गए उपकरण भी थे, जो मुख्य रूप से संगीत की समग्र मात्रा को बढ़ाने के लिए काम करते थे। यह सटीक रूप से पर्क्यूसिनिस्ट और लाउड इंस्ट्रूमेंट्स की उपस्थिति के कारण था, जो कि 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध का फ्रांसीसी संगीत, मेरी राय में, विशेष रूप से आदिम और उत्कृष्ट नहीं था। मार्चिंग संगीत की परिणति 1792 में रूज डी लिस्ले द्वारा लिखित मार्सिलेस की उपस्थिति थी।

रूज डे लिस्ले क्लाउड जोसेफ (1760-1836) फ्रांसीसी सैन्य इंजीनियर, कवि और संगीतकार। उन्होंने भजन, गीत, रोमांस लिखे। 1792 में उन्होंने रचना लिखी “ Marseillaise ", जो भविष्य में फ्रांस का गान बन जाएगा।

कैपरिन फ्रेंकोइस (1668-1733) - फ्रांसीसी संगीतकार, हार्पसीकोर्डिस्ट, आयोजक। जर्मन बाख वंश के तुलनीय वंश से, जैसा कि उनके परिवार में संगीतकारों की कई पीढ़ियां थीं। आंशिक रूप से उनके चरित्र के कारण, कूपेरिन को "महान कूपेरिन" नाम दिया गया है, आंशिक रूप से हास्य की भावना के कारण। उनका काम फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड कला का शिखर है। कूपेरिन का संगीत विवरण की सरलता, अनुग्रह, शोधन द्वारा प्रतिष्ठित है।

रामेऊ जीन फिलिप (1683-1764) - फ्रांसीसी संगीतकार और संगीत सिद्धांतकार। फ्रांसीसी और इतालवी संगीत संस्कृतियों की उपलब्धियों का उपयोग करते हुए, उन्होंने महत्वपूर्ण रूप से क्लासिकिस्ट ओपेरा की शैली को संशोधित किया, के.वी. ग्लक द्वारा एक ओपेरा सुधार तैयार किया। उन्होंने गीत त्रासदी हिप्पोलाईटस और आरिसिया (1733), केस्टर और पोल्क्स (1737), ओपेरा-बैले गैलेंट इंडिया (1735), हार्पसीकोर्ड के टुकड़े, और बहुत कुछ लिखा। उनका सैद्धांतिक कार्य - विकास में एक महत्वपूर्ण चरण है सद्भाव की शिक्षा .

ग्लोक क्रिस्टोफ़ विलीबाल्ड (1714-1787) - प्रसिद्ध फ्रेंको-जर्मन संगीतकार। उनका सबसे शानदार काम पेरिस ओपेरा मंच के साथ जुड़ा हुआ है, जिसके लिए उन्होंने फ्रांसीसी शब्दों में अपनी सर्वश्रेष्ठ रचनाएं लिखीं। इसलिए, फ्रांसीसी उन्हें एक फ्रांसीसी संगीतकार मानते हैं। उसके कई ओपेरा: "आर्टसर्स", "डेमोफोनेट", "फेडरा" और अन्य मिलान, ट्यूरिन, वेनिस, क्रेमोनी में दिए गए थे। लंदन में आमंत्रण प्राप्त करने के बाद, ग्लेक ने हे-मार्केट थियेटर के लिए दो ओपेरा लिखे: लाकाडुतडे गीगांती (1746) और आर्टेमेने, और ओपेरा पीराम (पस्टिकियो)। इस उत्तरार्द्ध ने ग्लुक की आगे की गतिविधियों पर काफी प्रभाव डाला। Gluck को बड़ी सफलता दिलाने वाले सभी ओपेरा इतालवी टेम्पलेट के अनुसार लिखे गए थे, जिसमें कई अर्य शामिल थे; उनमें से Gluck ने पाठ पर अधिक ध्यान नहीं दिया। उन्होंने अपने ओपेरा "पीरम" को पिछले ओपेरा के कुछ अंशों से संकलित किया, जिसमें सबसे बड़ी सफलता मिली, इन अंशों को समायोजित करना नए लिब्रेटो का एक और पाठ। इस ओपेरा की विफलता ने ग्लूकॉन को यह सोचने के लिए प्रेरित किया कि केवल वही संगीत उचित प्रभाव पैदा कर सकता है, जो पाठ के साथ सीधे संबंध में है। उन्होंने अपने अगले कार्यों में इस सिद्धांत का पालन करना शुरू कर दिया, धीरे-धीरे खुद के लिए एक और अधिक गंभीर रवैये को आत्मसात करने के लिए आत्मसात करते हुए, पुनरावर्ती एरोसो को सबसे छोटे विस्तार के लिए विकसित किया और एरियस में भी विस्मरण के बारे में नहीं भूलना चाहिए।

पाठ और संगीत के बीच घनिष्ठ संबंध के लिए प्रयास सेमीरीमिस (1748) में पहले से ही ध्यान देने योग्य है। लेकिन संगीत नाटक के रूप में ओपेरा के लिए संगीतकार की एक और अधिक मूर्त मोड़ ऑर्फियो, अलकेस्टे, परिइडेडेलेना (1761-64) में ध्यान देने योग्य है, वियना में मंचित। ग्लुक के ओपेरा के सुधारक इफ़गेनी एन औलाइड में हैं, जो पेरिस में जबरदस्त सफलता (1774) के साथ दिया गया। वहाँ भी दिए गए थे: "आर्मीड" (1777) और "इफेनिजेनटॉराइड" (1779) -

ग्लूक का सबसे बड़ा काम आखिरी ओपेरा जी "इको एट नारसिस" था। ओपेरा के अलावा, ग्लक ने सिम्फनी, भजन और बहुत कुछ लिखा। सभी ओपेरा, इंटरल्यूड्स और बैले 50 से अधिक Gluck द्वारा लिखे गए थे।

अंत में, 18 वीं शताब्दी के फ्रांसीसी संगीत की एकरसता पर एक बार फिर जोर दिया जाना चाहिए। संगीत की रचनात्मकता शिल्प या हल्के शौक की तरह दिखती थी। शिल्प पर, क्योंकि सभी कार्य एक ही प्रकार के हैं और एक-दूसरे के समान हैं। एक शौक पर, क्योंकि कई संगीतकार अपने खाली समय में संगीत में लगे हुए थे, इस तरह की छवियों के साथ अपने अवकाश को भरते हैं। इस तरह के व्यवसाय को पेशेवर रचनात्मक रचना नहीं कहा जा सकता है। यहां तक \u200b\u200bकि उस समय के फ्रांस के सबसे प्रसिद्ध संगीतकार, ग्\u200dलुक (जो, वैसे, काफी फ्रांसीसी संगीतकार नहीं थे), बीमार कामना करने वालों के एक काम के संगीतकार कहलाते हैं। यह ओरफियस और यूरीडाइस को संदर्भित करता है।

सूत्रों का कहना है:

सिरिल और मेथोडियस के महान विश्वकोश,

शास्त्रीय संगीत का विश्वकोश,

ब्रोकहॉस और एफ्रॉन,

शास्त्रीय संगीत (मैनुअल),

इंटरनेट,

सक्षम संगीतज्ञ नतालिया बोगोस्लावस्काया।

"मारसिलाइज़" एक फ्रांसीसी क्रांतिकारी गीत है। सबसे पहले इसे "द बैटल सॉन्ग ऑफ़ राइन आर्मी" कहा गया था, फिर "द मार्च ऑफ़ द मार्सेलिस" या "द मार्सिलेज़"। तीसरे गणराज्य के तहत, यह फ्रांस का राष्ट्रगान बन गया (14 जुलाई 1975 के बाद से, यह एक नए संगीत संस्करण में प्रदर्शन किया गया है)। रूस में, "वर्किंग मार्सिलेइस" व्यापक रूप से ("मार्सिलेइज़" का माधुर्य, पीएल लावरोव द्वारा पाठ, 1.7.1875 पर समाचार पत्र "वेपरियोड") में प्रकाशित हुआ।

सद्भाव में स्वर के एकीकरण पर और उनके अनुक्रमिक आंदोलन में व्यंजन के कनेक्शन के आधार पर, संगीत के अर्थपूर्ण अर्थ। मुख्य प्रकार का व्यंजन एक राग है। किसी भी तरह के पॉलीफोनिक संगीत में सामंजस्य के कुछ नियमों के अनुसार सद्भाव का निर्माण किया जाता है - होमोफोनी, पॉलीफनी। सद्भाव के तत्व - ताल और मॉडुलन - संगीत के रूप में सबसे महत्वपूर्ण कारक हैं। सद्भाव का सिद्धांत संगीत सिद्धांत की मुख्य शाखाओं में से एक है।

17 वीं शताब्दी के मध्य से, क्लैरियर संगीत के विकास में प्रधानता अंग्रेजी कुंवारीवादियों से फ्रेंच हार्पसीकोर्डिस्टों के लिए पारित हुई। लंबे समय तक, लगभग एक सदी, यह विद्यालय पश्चिमी यूरोप में सबसे प्रभावशाली था। इसका पूर्वज माना जाता है जैक्स चंबोगनिएर, एक उत्कृष्ट अंग और हार्पसीकोर्ड कलाकार, एक प्रतिभाशाली शिक्षक और संगीतकार के रूप में जाना जाता है।

फ्रांस में हार्पिसकोर्ड कॉन्सर्ट आमतौर पर हल्की छोटी-सी बात या नाच के बाद अभिजात वर्ग के सैलून और महलों में आयोजित किए जाते थे। इस तरह की सेटिंग गहरी और गंभीर कला का पक्ष नहीं लेती। संगीत में, सुंदर परिष्कार, परिष्कार, हल्कापन और बुद्धि का महत्व था। उसी समय, एक छोटे पैमाने के नाटकों - लघुचित्र - को प्राथमिकता दी गई। "बहुत लंबा, थकाऊ, बहुत गंभीर नहीं।" - यह अलिखित कानून था जिसे फ्रांसीसी अदालत के संगीतकारों द्वारा निर्देशित किया जाना था। आश्चर्य की बात नहीं, फ्रांसीसी हार्पसीकोर्डिस्ट शायद ही कभी बड़े रूपों, भिन्नता चक्रों की ओर रुख करते हैं - वे इसकी ओर बढ़ते हैं सुइटजिसमें नृत्य और कार्यक्रम लघु शामिल हैं।

फ्रांसीसी हार्पिसकोर्डिस्ट्स के सुइट्स, जर्मन सुइट्स के विपरीत, जिनमें विशेष रूप से नृत्य संख्याएँ होती हैं, अधिक स्वतंत्र रूप से निर्मित होते हैं। वे शायद ही कभी अनालैंड - दरबार - सरबंदा - गज़ट के सख्त अनुक्रम पर भरोसा करते हैं। उनकी रचना किसी भी, कभी-कभी अप्रत्याशित हो सकती है और अधिकांश नाटकों में एक काव्यात्मक शीर्षक होता है जो लेखक के इरादे को प्रकट करता है।

फ्रेंच हार्पिसकोर्डिस्ट्स के स्कूल का प्रतिनिधित्व एल। मारचंद, जे.एफ. डैंड्री, एफ। डैज़ेनकोर्ट, एल.-के। डैकेन, लुई कूपेरिन। इन सभी रचनाकारों में से अधिकांश सुरुचिपूर्ण रूप से देहाती छवियों ("कोयल" और डैकेन द्वारा "निगल" में सफल रहे, "डांड्रीयू द्वारा बर्ड का रोना")।

फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड स्कूल दो प्रतिभाओं के काम में अपने चरम पर पहुंच गया - फ्रेंकोइस कापरिन(1668-1733) और उनके छोटे समकालीन जीन फिलिप रामू (1685–1764).

समकालीनों ने फ्रांस्वा कूपेरिन को "फ्रांस्वा द ग्रेट" कहा। उनके कोई भी हार्पिसॉर्डिस्ट उन्हें लोकप्रियता में नहीं हरा सके। उनका जन्म वंशानुगत संगीतकारों के परिवार में हुआ था और उन्होंने लगभग पूरा जीवन पेरिस और वर्साय में शाही बच्चों के लिए अदालत के आयोजक और संगीत शिक्षक के रूप में बिताया। संगीतकार ने कई शैलियों में (नाटकीय के अपवाद के साथ) काम किया। उनकी कलात्मक विरासत का सबसे मूल्यवान हिस्सा 27 हार्पसीकोर्ड स्वीट (चार संग्रहों में लगभग 250 टुकड़े) से बना है। यह कैपरिन था जिसने फ्रांसीसी प्रकार के सूट की स्थापना की, जो जर्मन नमूनों से अलग है, और इसमें मुख्य रूप से कार्यक्रम के टुकड़े शामिल हैं। उनमें से प्रकृति के नमूने हैं ("तितलियों", "मधुमक्खियों", "रीड्स"), और शैली के दृश्य - ग्रामीण जीवन के चित्र ("रीपर", "अंगूर बीनने वाले", "चाकू"); लेकिन विशेष रूप से कई संगीतमय चित्र। ये धर्मनिरपेक्ष महिलाओं और साधारण युवा लड़कियों के चित्र हैं - नामहीन ("प्यारी", "केवल"), या नाटकों के शीर्षकों में संक्षिप्त ("राजकुमारी मैरी", "मैनन", "सिस्टर मोनिका")। अक्सर कैपरिन एक विशिष्ट चेहरा नहीं बनाता है, लेकिन एक मानवीय चरित्र ("मेहनती", "रेजुवुस्का", "एनीमोन", "अधीर"), या यहां तक \u200b\u200bकि विभिन्न राष्ट्रीय पात्रों ("स्पेनिश महिला", "फ्रेंचवूमन") को व्यक्त करने की कोशिश करता है। कूपेरिन के कई लघुचित्र उस समय के लोकप्रिय नृत्यों के करीब हैं, उदाहरण के लिए, आंगन, मिनेट।

कापरिन लघुचित्रों का पसंदीदा रूप था रोण्डो।

जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, हार्पिसकोर्डिस्ट्स का संगीत अभिजात वर्ग के वातावरण में उत्पन्न हुआ था और उसके लिए इरादा था। यह अभिजात संस्कृति की भावना के अनुरूप था, इसलिए विषयगत सामग्री के डिजाइन में बाहरी अनुग्रह, अलंकरण की प्रचुरता, जो कि अभिजात शैली का सबसे विशिष्ट तत्व है। गहनों की विविधता हार्पिसकोर्ड से अविभाज्य है जो शुरुआती बीथोवेन तक काम करती है।

हार्पसीकोर्ड संगीत रामो विशेषता, शैली की कक्ष परंपराओं के विपरीत, एक बड़ा स्ट्रोक। वह सूक्ष्म विवरण से बाहर होने का खतरा नहीं है। उनका संगीत एक ज्वलंत विशेषता द्वारा प्रतिष्ठित है, इसमें कोई भी जन्मजात नाटकीय संगीतकार ("चिकन", "सेवेज", "साइक्लोप्स") की लिखावट को तुरंत महसूस कर सकता है।

अद्भुत हार्पसीकोर्ड के टुकड़ों के अलावा, रामेऊ ने कई "गीतात्मक त्रासदियों" को लिखा, साथ ही साथ सद्भाव (1722) पर ग्राउंडब्रेकिंग ट्रीटी, जिसने उन्हें एक प्रमुख संगीत सिद्धांतकार के रूप में ख्याति अर्जित की।

इतालवी क्लैवियर संगीत का विकास नाम के साथ जुड़ा हुआ है डोमिनिको स्कार्लेट्टी.

ऐसे कार्यों को प्रोग्रामेटिक माना जाता है यदि उनके पास एक निश्चित भूखंड है - "कार्यक्रम", जो अक्सर एक शीर्षक तक सीमित होता है, लेकिन इसमें एक विस्तृत विवरण शामिल हो सकता है।

संभवतः, आभूषणों की उपस्थिति हार्पसीकोर्ड की अपूर्णता के साथ जुड़ी हुई है, जिनमें से ध्वनि तुरंत घट जाती है, और ट्रिल या ग्रुपेट्टो आंशिक रूप से इस कमी की भरपाई कर सकता है, संदर्भ ध्वनि की आवाज़ को लंबे समय तक।

पश्चिमी यूरोप में (विशेष रूप से इटालो-स्पेनिश।) बहुभुज। कडाई। मध्ययुगीन काल के संगीत और पुनर्जागरण (मोटसेट्स, मैड्रिगल्स, आदि) एक आशुरचना के रूप में। तत्व निष्पादित करेगा। कला- va कम करने की तकनीक बहुत विकसित की गई थी। उसने बनावट वाली रचनाओं में से एक भी बनाया। ऐसे प्राचीन औजारों की नींव। प्रील्यूड, रिचर्सार, टोकाटा, फंतासी जैसी शैलियों। विभाग धीरे-धीरे मुक्त ओ की विविध अभिव्यक्तियों से घटते हुए सूत्र, सबसे पहले, जब मेलोडिक का समापन होता है। निर्माण (खंडों में)। मध्य के बारे में। 15th शताब्दी उसमें। org। तालिकाएँ पहले ग्राफिक दिखाई दीं। सजावट लिखने के लिए बैज। के सेर। 16 वीं शताब्दी व्यापक रूप से इस्तेमाल हो गया - विघटित होने में। वेरिएंट और कनेक्शन - मोर्डेंट, ट्रिल, ग्रुपेट्टो, टू-राई अभी भी मुख्य हैं। निर्देप्राप्तगुम। गहने। जाहिरा तौर पर, वे इंस्ट्र के अभ्यास में गठित किए गए थे। प्रदर्शन।

दूसरी मंजिल से। 16 वीं शताब्दी एच। द्वारा विकसित मुक्त ओ। आगमन। इटली में, मुख्य रूप से एक अलग मेलोडी में। एकल wok की संपत्ति। संगीत, साथ ही साथ एक वायलिन वादक, जो सदाचार के प्रति रुझान रखता है। संगीत। जबकि वायलिन वादक में। संगीत में अभी तक वाइब्रेटो का व्यापक उपयोग नहीं हुआ है, जो विस्तारित ध्वनियों को अभिव्यक्ति देता है, और राग का समृद्ध अलंकरण इसके विकल्प के रूप में परोसा जाता है। Melismatic। सजावट (ornements, agréments) ने फ्रांसीसी कला में विशेष विकास प्राप्त किया। 17 वीं और 18 वीं शताब्दियों के लुटे और हार्पसीकोर्डिस्ट, जिनके लिए नृत्य पर निर्भरता विशेषता थी। शैलियों परिष्कृत शैलीकरण के अधीन हैं। फ्रेंच में। संगीत का इंस्ट्रू के बीच घनिष्ठ संबंध था। एक धर्मनिरपेक्ष कड़ाही के साथ agréments। गीत (तथाकथित हवा दे आंग), नृत्य के किनारों को ही अनुमति दी गई थी। प्लास्टिक। अंग्रेज़ी virginalists (16 वीं सदी के अंत), गीत विषयों और इसकी विविधताओं के लिए इच्छुक हैं। ओ। क्षेत्र में विकास, कम हो रहा है और प्रौद्योगिकी के प्रति कम होता जा रहा है। कुछ मेलिस्माटिक। कुंवारी लोगों द्वारा उपयोग किए जाने वाले आइकन सही ढंग से डिक्रिप्ट नहीं किए जा सकते हैं। ऑस्ट्रो-जर्मन में। क्लैवियर कला, जो बीच से गहन रूप से विकसित होने लगी। 17 वीं शताब्दी तक, जे.एस. बाक़ी तक, इतालवी में गुरुत्वाकर्षण विभिन्न तरीकों से टकराया। मंदबुद्धि और फ्रांसीसी। melismatic। शैलियों। फ्रेंच। 17 वीं -18 वीं शताब्दी के संगीतकार यह सजावट की तालिकाओं के साथ नाटकों के संग्रह के साथ एक प्रथा बन गई। सबसे अधिक ज्वालामुखीय तालिका (मेलिस्मा की 29 किस्मों के साथ) को जेए डी। अँगलेबर्ट (1689) के हार्पसीकोर्ड संग्रह के लिए पूर्वनिर्धारित किया गया था, हालांकि इस तरह की तालिकाओं में नगण्य विसंगतियों का पता चलता है, वे आमतौर पर इस्तेमाल किए जाने वाले गहने कैटलॉग का एक प्रकार बन गए हैं। बाख की "कीबोर्ड बुक फॉर विल्हेम फ्रीडमैन बैच" (1720), डी "एंगलबर से बहुत उधार ली गई है।

फ्रेंच से विनियमित गहनों की दिशा में मुफ्त ओ से प्रस्थान। harpsichordist को orc को सौंपा गया था। जे बी लूली द्वारा संगीत। फिर भी, फ्रेंच। गहने का विनियमन बिल्कुल सख्त नहीं है, क्योंकि यहां तक \u200b\u200bकि सबसे विस्तृत तालिका केवल विशिष्ट अनुप्रयोगों के लिए उनके सटीक डिकोडिंग को इंगित करती है। मस्सों की विशिष्ट विशेषताओं के अनुरूप छोटे विचलन की अनुमति है। कपड़े। वे कलाकार की कला और स्वाद पर निर्भर करते हैं, और लिखित रूप में टेप के साथ संस्करणों में - शैलीगत पर। ज्ञान, सिद्धांत और संपादकों का स्वाद। चमकदार फ्रांसीसी के नाटकों के प्रदर्शन में इस तरह के विचलन अपरिहार्य हैं। harpsichordism P. Couperin ने गहने को डिकोड करने के लिए अपने नियमों के सटीक कार्यान्वयन की मांग की। फ्रांज। हार्पसीकोर्डिस्टों के लिए लेखक के नियंत्रण के तहत कम अलंकरण लेना आम बात थी, जो उन्होंने विशेष रूप से, वारियाज़ में लिखा था। लेता है।

अंत की ओर। 17 वीं शताब्दी, जब फ्रांसीसी। harpsichordists अपने क्षेत्र में ट्रेंडसेटर बन गए हैं, सजावट जैसे ट्रिल और ग्रेस नोट, मेलोडिक के साथ। समारोह, वे एक नया सामंजस्यपूर्ण प्रदर्शन करने लगे। एक तेज धड़कन पर कार्य करना, असंगति पैदा करना और तेज करना। जे.एस.बाख, जैसे डी। स्कार्लेट्टी, आमतौर पर मुख्य में असंगत गहने लिखते थे। संगीतमय पाठ (देखें, उदाहरण के लिए, इटैलियन कॉन्सर्टो का भाग II)। इसने I.A.Sheib को यह मानने की अनुमति दी कि ऐसा करने से, बाख उनके उत्पादन से वंचित है। "सौहार्द की सुंदरियाँ", क्योंकि उस समय संगीतकार आइकनों या छोटे नोटों के साथ सभी सजावटों को लिखना पसंद करते थे, ताकि उन्हें ग्राफिक रूप से प्रदर्शित किया जा सके। रिकॉर्डिंग स्पष्ट रूप से सामंजस्यपूर्ण थी। व्यंजना DOS। chords।

एफ। कैपरिन में एक परिष्कृत फ्रेंच है। हार्पसीकोर्ड शैली अपने चरम पर पहुंच गई। जे.एफ. रामू के परिपक्व नाटकों में, चैंबर के चिंतन की सीमा से परे जाने, विकास की प्रभावी गतिशीलता को मजबूत करने, संगीत में लागू करने की इच्छा का पता चला। व्यापक सजावटी स्ट्रोक लिखना, विशेष रूप से पृष्ठभूमि हार्मोनिक्स के रूप में। फ़िगरेशन। इसलिए रामू में गहनों के अधिक उदार उपयोग की प्रवृत्ति, साथ ही बाद के फ्रेंच में भी। उदाहरण के लिए हार्पसीकोर्डिस्ट। जे। डफली में। हालांकि, 3 गुरुवार को। 18 वीं सदी ओ। भावुक प्रवृत्तियों से जुड़े कार्यों में एक नए मुकाम पर पहुंच गया। इस कला का एक प्रमुख प्रतिनिधि। एफ। ई। बाख, ग्रंथ के लेखक "क्लीवर खेलने के सही तरीके का अनुभव," संगीत में एक भाषण दिया, जिसमें उन्होंने ओ के सवालों पर बहुत ध्यान दिया।

नए सौंदर्यशास्त्र के अनुरूप, विनीज़ क्लासिकिज़्म के बाद के उच्च फूल। आदर्शों, ओ। स्टिल के एक सख्त और अधिक उदार अनुप्रयोग के कारण, उसने जे। हेडन, डब्ल्यू। ए। मोजार्ट और युवा एल। बीथोवेन के काम में एक प्रमुख भूमिका निभानी जारी रखी। फ्री ओ को यूरोप में संरक्षित किया गया था। संगीत प्रीिम। भिन्नता के क्षेत्र में, गुणात्मकता छिपी है। कैडोजेन और वोक। कालरत्युअर। उत्तरार्द्ध रोमांटिक में परिलक्षित होता है। php। संगीत पहली मंजिल। 19 वी सदी (एफ चोपिन द्वारा विशेष रूप से मूल रूपों में)। उसी समय, मेलिस्मा की असंगत ध्वनि ने एक व्यंजन को रास्ता दिया; विशेष रूप से, ट्रिल ने शिकार करना शुरू कर दिया। सहायक के साथ नहीं, बल्कि मुख्य के साथ। ध्वनि, अक्सर ऑफ-बीट के गठन के साथ। इतना सामंजस्यपूर्ण। और लय। ओ का नरम होना स्वयं जीवाओं की बढ़ती असंगति के विपरीत था। हार्मोनिक्स का अभूतपूर्व विकास रोमांटिक रचनाकारों की विशेषता बन गया है। एफपी में आलंकारिक पृष्ठभूमि। एक विस्तृत रंग के साथ संगीत। पेडल, साथ ही टाइमबरा-रंगीन मूर्तियों का उपयोग करना। orc में बनावट। स्कोर। 2 मंजिल में। 19 वी सदी O का मान घट गया। 20 वीं सदी में। सुधार की मजबूती के संबंध में मुक्त ओ की भूमिका फिर से बढ़ गई। कुछ क्षेत्रों में शुरू हुआ। उदाहरण के लिए रचनात्मकता। जैज संगीत में। एक विशाल कार्यप्रणाली और सैद्धांतिक है। O की समस्याओं पर साहित्य। यह घटना ओ को स्पष्ट करने के अथक प्रयासों से उत्पन्न हुई है, उनके एकीकरण में इसका "विरोध" किया गया है। प्रकृति। डिक्रिप्शन के लिए सख्त ओवररचिंग नियमों के रूप में मौजूद कार्यों के लेखकों में से अधिकांश, वास्तव में केवल निजी सिफारिशें हैं।