19 वीं शताब्दी के यूरोपीय संगीत रोमांटिकतावाद के तीन मुख्य चरण - प्रारंभिक, परिपक्व और देर - ऑस्ट्रियाई और जर्मन रोमांटिक संगीत के विकास के चरणों के अनुरूप हैं। लेकिन इस अवधि को प्रत्येक देश की संगीत कला में सबसे महत्वपूर्ण घटनाओं के संबंध में संक्षिप्त और कुछ हद तक परिष्कृत किया जाना चाहिए।
जर्मन-ऑस्ट्रियाई संगीत रोमांटिकता का प्रारंभिक चरण 19 वीं शताब्दी के 10-20 के दशक का है, जो नेपोलियन के शासन के खिलाफ संघर्ष की परिणति और एक अंधेरे राजनीतिक प्रतिक्रिया की शुरुआत के साथ मेल खाता है। इस चरण की शुरुआत को हॉफमैन (1913), "सिल्वानस (1810)," अबू हसन "(1811) और प्रोग्रामर पियानो पीस" इनविटेशन टू डांस "(1815) वेबर द्वारा ओपेरा" अंडरइन "के रूप में इस तरह के संगीत की घटनाओं से चिह्नित किया गया था, पहला सही मायने में मूल। शूबर्ट के गीत - "मार्गरिटा एट द स्पिनिंग व्हील" (1814) और "फॉरेस्ट ज़ार" (1815)। 1920 के दशक में, प्रारंभिक रूमानीवाद पनपा, जब प्रारंभिक विलुप्त शूबर्ट की प्रतिभा पूरी ताकत से सामने आ रही थी, जब द मैजिक राइफलमैन, यूरीटस और ओबेरॉन दिखाई दिए - बीबर द्वारा अंतिम तीन सबसे सटीक ओपेरा, उनकी मृत्यु के वर्ष (1820) में संगीत क्षितिज पर, एक नया "चमकदार" भड़कना - मेंडेलसोहन - बर्थोल्डी, जिन्होंने एक शानदार संगीत कार्यक्रम के साथ प्रदर्शन किया - ए मिडसमर नाइट्स ड्रीम।
1930- 1940 के दशक में मध्य चरण मुख्य रूप से पड़ता है, इसकी सीमाएं फ्रांस में जुलाई क्रांति द्वारा निर्धारित की गईं, जिसका ऑस्ट्रिया और विशेष रूप से जर्मनी के उन्नत हलकों पर काफी प्रभाव पड़ा और 1848-1949 की क्रांति, जो जर्मन-ऑस्ट्रियाई भूमि पर शक्तिशाली रूप से बह गई। इस अवधि के दौरान, मेंडेलसोहन (1147 में मृत्यु हो गई) और शुमान की रचनात्मकता जर्मनी में पनपी, जिसकी रचना कुछ वर्षों के लिए केवल सक्रियता ने इंगित सीमा को पार किया; मार्शनर ने अपने ओपेरा में वेबर की परंपराओं को दूर किया (उनका सबसे अच्छा ओपेरा, टैप्स जाइलश: आर, 1833 में लिखा गया था); इस अवधि के दौरान, वैगनर एक उत्कृष्ट संगीतकार से तन्हुसेर (1815) और लोहेंग्रेन (1848) जैसे उत्कृष्ट कार्यों के निर्माता के रूप में गए; हालाँकि, वैगनर की मुख्य रचनात्मक उपलब्धियाँ अभी बाकी हैं। ऑस्ट्रिया में इस समय गंभीर शैलियों के क्षेत्र में एक निश्चित खामोशी है, लेकिन हर रोज नृत्य संगीत के निर्माता, जोसेफ लाइनर और जोहान स्ट्रॉस के पिता, प्रसिद्धि प्राप्त कर रहे हैं।
कई दशकों से (90 के दशक के शुरुआती से लेकर 90 के दशक के मध्य तक) तक, रोमांटिकतावाद के बाद की क्रांतिकारी अवधि, एक तनावपूर्ण सामाजिक-राजनीतिक स्थिति (ऑस्ट्रिया की प्रतिद्वंद्विता, जर्मन भूमि के एकीकरण में प्रशिया, एक एकीकृत जर्मनी के उदय के साथ जुड़ी थी) सैन्य प्रशिया और ऑस्ट्रिया के अंतिम राजनीतिक अलगाव के शासन के तहत)। इस समय, एकल, सामान्य जर्मन संगीत कला की समस्या तीव्र है, विभिन्न रचनात्मक समूहों और व्यक्तिगत रचनाकारों के बीच विरोधाभास अधिक स्पष्ट रूप से सामने आते हैं, रुझानों का संघर्ष उत्पन्न होता है, कभी-कभी प्रेस के पन्नों पर गर्म राजनीति में परिलक्षित होता है। लिसस्टे, जो जर्मनी चले गए, देश के प्रगतिशील संगीत बलों को एकजुट करने का प्रयास कर रहे हैं, लेकिन सभी जर्मन संगीतकारों ने प्रोग्रामेटिकता के आधार पर कट्टरपंथी नवाचार के विचारों से जुड़े अपने रचनात्मक सिद्धांतों को साझा नहीं किया है। वैगनर द्वारा एक विशेष स्थान लिया गया है, जिन्होंने "भविष्य की कला" के रूप में संगीत नाटक की भूमिका को निरूपित किया। उसी समय, ब्राह्म, जो एक नए, रोमांटिक दृष्टिकोण के साथ अपने संयोजन में कई शास्त्रीय संगीत परंपराओं के स्थायी महत्व को साबित करने के लिए अपने काम में कामयाब रहे, वियना में लिस्ट और एंटी-वेगनर प्रवृत्तियों के प्रमुख बन गए। वर्ष 1876 इस मायने में महत्वपूर्ण है: निबेलुंग के वैगनर रिंग का प्रीमियर बेयरुथ में होता है, और वियना पहले ब्राह्म सिम्फनी से परिचित हो जाता है, जिसने अपने काम के उच्चतम प्रदर्शन की अवधि खोली।

इन वर्षों की संगीत-ऐतिहासिक स्थिति की जटिलता उनके उद्देश्यों के साथ विभिन्न दिशाओं की उपस्थिति तक सीमित नहीं है; - लीपज़िग, वीमर, बेयरुथ। वियना। वियना में, उदाहरण के लिए, कलाकारों ने एक दूसरे से ब्रुकनर और वुल्फ के रूप में इतनी असहमति व्यक्त की, जो वैगनर के प्रति एक सामान्य उत्साही दृष्टिकोण से एकजुट थे, लेकिन साथ ही साथ उन्होंने संगीत नाटक के अपने सिद्धांत को स्वीकार नहीं किया।
वियना में, जोहान स्ट्रॉस बेटे, सदी का सबसे संगीत प्रमुख, "वैगनर" बना रहा है। उनके अद्भुत वाल्टेज और बाद में ओपेरा ने वियना को मनोरंजन संगीत का सबसे बड़ा केंद्र बना दिया।
क्रांतिकारी युग के बाद के दशक अभी भी संगीतमय रोमांटिकतावाद की कुछ उत्कृष्ट घटनाओं द्वारा चिह्नित हैं, इस प्रवृत्ति के आंतरिक संकट के संकेत पहले से ही खुद को महसूस कर रहे हैं। इस प्रकार, ब्रह्म में रोमांटिकता को क्लासिकवाद के सिद्धांतों के साथ संश्लेषित किया जाता है, और ह्यूगो वोल्फ धीरे-धीरे खुद को एक रोमांटिक-विरोधी संगीतकार के रूप में महसूस करता है। संक्षेप में, रोमांटिक सिद्धांत अपने अनन्य अर्थ को खो रहे हैं, कभी-कभी कुछ नई या पुनर्जीवित शास्त्रीय प्रवृत्तियों के साथ।
फिर भी, 1980 के दशक के मध्य के बाद, जब रोमांटिकतावाद स्पष्ट रूप से खुद को रेखांकित करने लगा था, तब भी ऑस्ट्रिया और जर्मनी में रोमांटिक रचनात्मकता के व्यक्तिगत उज्ज्वल चमक दिखाई देते हैं: ब्राह्म के अंतिम पियानो काम और ब्रुकर के बाद के सिंफनी को रोमांटिकतावाद के साथ चित्रित किया गया है; 80 और 90 के दशक के कार्यों में ऑस्ट्रियाई माहलर और जर्मन रिचर्ड स्ट्रॉस - ऑक्स और XX सदी के मोड़ के सबसे महान संगीतकार कभी-कभी खुद को ठेठ प्रेमक के रूप में प्रकट करते हैं। सामान्य तौर पर, ये संगीतकार "रोमांटिक" उन्नीसवीं शताब्दी और "एंटी-रोमांटिक" ट्वेंटीज़ के बीच एक प्रकार की कड़ी बन जाते हैं।
"सांस्कृतिक और ऐतिहासिक परंपराओं से प्रभावित ऑस्ट्रिया और जर्मनी की संगीत संस्कृति की निकटता, निश्चित रूप से, कुछ राष्ट्रीय मतभेदों को बाहर नहीं करती है। खंडित, लेकिन जर्मनी की राष्ट्रीय संरचना में वर्दी में और राजनीतिक रूप से एकीकृत, लेकिन बहुराष्ट्रीय ऑस्ट्रिया साम्राज्य (" पैचवर्क राजशाही "), जो स्रोतों को खिलाया गया। संगीत की रचनात्मकता, और संगीतकारों के सामने आने वाले कार्य कभी-कभी अलग होते थे। उल्टे जर्मनी में, बुर्जुआ ठहराव पर काबू पाने के लिए, संकीर्ण प्रांतीयतावाद एक विशेष रूप से जरूरी काम था, जिसे कला के उन्नत प्रतिनिधियों की ओर से विभिन्न रूपों की शैक्षिक गतिविधियों की आवश्यकता थी। स्थितियां, उत्कृष्ट जर्मन संगीतकार केवल संगीत की रचना करने के लिए खुद को सीमित नहीं कर सकते थे, लेकिन उन्हें एक संगीत और सार्वजनिक व्यक्ति बनना था। और वास्तव में, जर्मन रोमांटिक संगीतकारों ने सांस्कृतिक और शैक्षिक कार्यों को सख्ती से किया, सभी संगीत संस्कृति के स्तर में सामान्य वृद्धि में योगदान दिया। देश: वेबर - एक ओपेरा कंडक्टर और संगीत समीक्षक के रूप में, मेंडेलसोहन - एक कॉन्सर्ट कंडक्टर और एक प्रमुख शिक्षक के रूप में, जर्मनी में पहली संरक्षिका के संस्थापक; शुमान एक अभिनव संगीत समीक्षक हैं और एक नए प्रकार की संगीत पत्रिका के निर्माता हैं। बाद में, वैगनर की संगीत और सामाजिक गतिविधि, इसकी बहुमुखी प्रतिभा में दुर्लभ, एक नाटकीय और सिम्फोनिक कंडक्टर, आलोचक, सौंदर्यशास्त्र, ओपेरा सुधारक और बेयरुथ में एक नए थिएटर के संस्थापक के रूप में विकसित हुई।
ऑस्ट्रिया में, इसके राजनीतिक और सांस्कृतिक केंद्रीकरण (एक राजनीतिक और सांस्कृतिक केंद्र के रूप में वियना के आधिपत्य की रेजिमेंट) के साथ, पितृसत्तावाद, काल्पनिक समृद्धि के आरोपित भ्रम और सबसे क्रूर प्रतिक्रिया के वास्तविक वर्चस्व के साथ, व्यापक सार्वजनिक गतिविधि असंभव थी। बीथोवेन के काम के नागरिक पथ और महान संगीतकार की मजबूर सामाजिक निष्क्रियता के बीच विरोधाभास इस संबंध में खुद पर ध्यान आकर्षित करने में विफल नहीं हो सकता। 1814-1815 में वियना की कांग्रेस के बाद की अवधि में एक कलाकार के रूप में गठित शुबर्ट के बारे में हम क्या कह सकते हैं! प्रसिद्ध शूबर्ट सर्कल कलात्मक बुद्धिजीवियों के प्रमुख प्रतिनिधियों को एकजुट करने का एकमात्र संभव रूप था, लेकिन मेट्टर्निच के वियना में इस तरह के एक सर्कल में वास्तविक सार्वजनिक अनुनाद नहीं हो सकता था। दूसरे शब्दों में, ऑस्ट्रिया में सबसे बड़े संगीतकार लगभग अनन्य संगीत रचना के रचनाकार थे: वे संगीत और सामाजिक गतिविधियों के क्षेत्र में खुद को साबित नहीं कर सके। यह शूबर्ट और ब्रुकनर पर और जोहान स्ट्रॉस के बेटे और कुछ अन्य लोगों पर लागू होता है।
हालांकि, ऑस्ट्रियाई संस्कृति में, किसी को ऐसे विशिष्ट कारकों पर भी ध्यान देना चाहिए जो संगीत की कला को सकारात्मक रूप से प्रभावित करते हैं, यह एक ही समय में विशेष रूप से ऑस्ट्रियाई, "विनीज़" स्वाद देता है। विएना में केंद्रित, एक अजीब किस्म के संयोजन में, जर्मन, हंगेरियन, इतालवी और स्लाविक संस्कृतियों के तत्वों ने उस समृद्ध संगीत मैदान का निर्माण किया, जिस पर शुबर्ट, जोहान स्ट्रॉस और कई अन्य संगीतकारों का काम, जो इसके अभिविन्यास में लोकतांत्रिक था, बढ़ गया। हंगेरियन और स्लाविक के साथ जर्मन राष्ट्रीय लक्षणों का संयोजन बाद में ब्रह्मों की विशेषता बन गया, जो वियना चले गए।

ऑस्ट्रिया की संगीत संस्कृति के लिए विशिष्ट मनोरंजन संगीत के विभिन्न रूपों का अत्यधिक व्यापक वितरण था - सेरेनाड्स, कैसेशन, डायवर्टिसमेंट्स, जो विनीज़ क्लासिक्स हेडन और मोजार्ट के काम में एक प्रमुख स्थान रखता था। रोमांटिकतावाद के युग में, हर रोज़, मनोरंजन संगीत का महत्व न केवल संरक्षित था, बल्कि और भी मजबूत था। उदाहरण के लिए, उस लोक-रोजमर्रा की धारा के बिना शुबर्ट की रचनात्मक उपस्थिति के बारे में कल्पना करना मुश्किल है, जो उनके संगीत की अनुमति देता है और जो विनीज़ पार्टियों, पिकनिक, पार्कों में छुट्टियां, वापस स्ट्रीट म्यूजिक के लिए जाता है। लेकिन पहले से ही Schubert के दिनों में, विनीज़ पेशेवर संगीत के भीतर एक स्तरीकरण मनाया जाने लगा। और अगर खुद शूबर्ट ने वाल्ट्ज और लैंडलर के साथ सिम्फनी और सोनाटा को संयुक्त रूप से जोड़ा, जो कि सैकड़ों की संख्या में दिखाई देते थे, साथ ही साथ अपने काम में मार्च, इकोसिज़, पोलोनाइज करते हैं, तो उनके समकालीन लाइनर और स्ट्रॉस ने पिता के नृत्य संगीत को उनकी गतिविधियों का आधार बनाया। इसके बाद, यह "ध्रुवीकरण" दो समकालीनों की रचनात्मकता के बीच सहसंबंध में अभिव्यक्ति पाता है - नृत्य और संचालक संगीत जोहान स्ट्रॉस के बेटे (1825-1899) और सिम्फॉनिस्ट ब्रुकनर (1825-1896)।
19 वीं सदी के ऑस्ट्रियाई और जर्मन संगीत की तुलना करते समय, संगीत थिएटर का सवाल अनिवार्य रूप से उठता है। रूमानियत के दौर के जर्मनी में, हॉफमैन से शुरू होने वाला ओपेरा राष्ट्रीय शैली की वर्तमान समस्याओं को पूरी तरह से व्यक्त करने में सक्षम शैली के रूप में सबसे महत्वपूर्ण था। और यह कोई संयोग नहीं है कि संगीत नाटक वाग्नेरड जर्मन थियेटर का एक भव्य विजय था। ऑस्ट्रिया में, शूबर्ट के नाट्य क्षेत्र में सफलता प्राप्त करने के बार-बार प्रयास करने पर भी सफलता नहीं मिली। "कोई भी बात नहीं है कि नाट्य संगीत के क्षेत्र में खुद Schubert की रचनात्मक क्षमता का मूल्यांकन किया जाना चाहिए, लेकिन यह माना जाना चाहिए कि इस माहौल के बारे में यह माना जाता है कि इस माहौल के बारे में कुछ भी नहीं है।" गंभीर रचनात्मक रचनात्मकता के लिए उत्तेजना, ने "भव्य शैली" के नाटकीय कार्यों के निर्माण में योगदान नहीं दिया। लेकिन कॉमेडी चरित्र के लोक प्रदर्शन फले - फर्डिनेंड रायमुंड के सिंजपिल्स वेन्जेल म्यूलर और जोसेफ ड्रेक्सलर के संगीत के साथ, और बाद में - मैं के घरेलू singspils। एन। नेस्टरॉय (1801-1862) एक परिणाम के रूप में, एक संगीत नाटक नहीं था, लेकिन 70 के दशक में उठी विनीज़ संचालिका ने यूरोपीय पैमाने पर ऑस्ट्रियाई संगीत थिएटर की उपलब्धियों को निर्धारित किया।
ऑस्ट्रियाई और जर्मन संगीत के विकास में इन सभी और अन्य अंतरों के बावजूद, दोनों देशों की रोमांटिक कला में समानता की विशेषताएं बहुत अधिक ध्यान देने योग्य हैं। शूबर्ट, वेबर और उनके करीबी उत्तराधिकारियों - मेंडेलसोहन और शुमान के कार्यों को अन्य यूरोपीय देशों के रोमांटिक संगीत से अलग करने वाली विशिष्ट विशेषताएं क्या हैं?
अंतरंग, आत्मीय गीत, श्रद्धा से आच्छादित, विशेष रूप से शुबर्ट, वेबर, मेंडलसोहन, शुमान के विशिष्ट हैं। उनके संगीत का बोलबाला उस मधुर, विशुद्ध रूप से अपने मूल संगीत में है, जो आमतौर पर जर्मन "लिड" की अवधारणा से जुड़ा हुआ है। यह शैली गानों की समान रूप से विशेषता है और शुबर्ट की मधुर वाद्ययंत्र थीम, वेबर के गीत संगीत संबंधी अर्यास, मेंडेलसोहन के गीत बिना शब्दों के, शुमान की "एब्जेबिएव्स" छवियां। इस शैली में निहित माधुर्य, हालांकि, बेलिनी के विशेष रूप से इतालवी ओपेरा कैंटिलाना से, साथ ही साथ फ्रेंच रोमान्टिक्स (बेर्लिओज़, मेनेबर) की विशेषता-प्रभावित वाक्यांशों से अलग है।
प्रगतिशील फ्रांसीसी रोमांटिकतावाद की तुलना में, इसके उत्थान और प्रभावकारिता से प्रतिष्ठित, नागरिक, वीर-क्रांतिकारी पथों से भरा, ऑस्ट्रियाई और जर्मन रोमांटिकवाद पूरे चिंतनशील, आत्म-अवशोषित, विषयगत रूप से गीतात्मक पर दिखता है। लेकिन इसकी मुख्य ताकत एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया के प्रकटीकरण में निहित है, उस गहरी मनोवैज्ञानिकता में, जो ऑस्ट्रियाई और जर्मन संगीत में विशेष पूर्णता के साथ प्रकट हुई थी, जिससे कई संगीत कार्यों का अनूठा कलात्मक प्रभाव पैदा हुआ। यह। हालाँकि, यह ऑस्ट्रिया और जर्मनी के प्रेमकथाओं के कार्यों में वीरता और देशभक्ति की कुछ उज्ज्वल अभिव्यक्तियों को बाहर नहीं करता है। शूबर्ट और उनके कुछ गानों (टू ड्राइवर क्रोनोस, ग्रुप ऑफ हेल एंड अदर्स), वीर द्वारा तलवार और स्वॉर्ड द्वारा वेबर (देशभक्त कवि टी। केर्नेर के छंदों के लिए) के रूप में इस तरह के शक्तिशाली वीर-महाकाव्य सिम्फनी हैं। "शूमन, उनका गीत" टू ग्रेनेडियर्स ", आखिरकार, मेंडेलसोहन द्वारा" स्कॉटिश सिम्फनी "(फाइनल में एपोथोसिस), शूमन द्वारा" कार्निवल ", उनकी तीसरी सिम्फनी (पहला आंदोलन) जैसे कामों में व्यक्तिगत वीर पृष्ठ। लेकिन बीथोवेन के वीर। योजना, संघर्ष के शीर्षकवाद को बाद में एक नए आधार पर पुनर्जीवित किया जाता है - वैगनर के वीर-महाकाव्य संगीत नाटकों में। जर्मन-ऑस्ट्रियाई रोमांटिकतावाद के पहले चरणों में, सक्रिय, सक्रिय सिद्धांत अधिक बार दयनीय, \u200b\u200bउत्तेजित, विद्रोही, लेकिन प्रतिबिंबित नहीं, जैसा कि बीथोवेन में दर्शाया गया है। एक उद्देश्यपूर्ण, संघर्ष की विजयी प्रक्रिया। "इस तरह से शुबर्ट के गाने" शेल्टर "और" अटलांटिक ", शुमान के फ्लोरिस्टियन चित्र, उनके ओवरचर" मैनफ्रेड ", मुटरेलसोहन द्वारा" रूण ब्लाज़ "के ओवरचर हैं।

प्रकृति की छवियां ऑस्ट्रियाई और जर्मन रोमांटिक संगीतकारों के काम में एक महत्वपूर्ण स्थान रखती हैं। विशेष रूप से महान है Schubert के मुखर चक्र में और Schumann द्वारा "कवि का प्यार" चक्र में प्रकृति की छवियों की "सहानुभूतिपूर्ण" भूमिका। मेंडेलसोहन के सिम्फोनिक कार्यों में संगीत परिदृश्य व्यापक रूप से विकसित है; यह मुख्य रूप से समुद्री तत्वों ("स्कॉटिश सिम्फनी", "हेब्राइड्स", "समुद्र शांत और खुश रहने वाले नौकायन") से जुड़ा हुआ है। लेकिन लैंडस्केप इमेजरी की एक विशिष्ट जर्मन विशेषता यह थी कि "वन रोमांस" जो कि द मैजिक आर्चर और ओबेरन के वेबर के दृश्यों के रूप में बहुत ही कवचपूर्ण रूप से सन्निहित है, मेंडेलसोहन के संगीत से लेकर शेक्सपियर की कॉमेडी ए मिडसमर नाईट ड्रीम तक के संगीत में। यहाँ से, धागे ऐसे ब्रुकनर की सिम्फनी में चौथे (रोमांटिक) और सातवें के रूप में फैलते हैं, सिम्फ़ोनिक परिदृश्य के लिए वैगनर के टेट्रालॉजी में द रस्टल ऑफ़ फ़ॉरेस्ट, महलर की पहली सिम्फनी में जंगल की तस्वीर तक।
जर्मन-ऑस्ट्रियाई संगीत में आदर्श के लिए रोमांटिक लालसा एक विशिष्ट अभिव्यक्ति पाती है, विशेष रूप से, भटकने के विषय में, दूसरे में खुशी की खोज, अज्ञात भूमि। यह Schubert ("द वांडर", "द ब्यूटीफुल मिलर वुमन", "द विंटर पाथ") के कार्यों में सबसे स्पष्ट रूप से दिखाई दिया, और बाद में वैगनर में फ्लाइंग डचमैन, वॉटन द ट्रैवलर, भटकते हुए सीगफ्राइड की छवियों में। 80 के दशक में यह परंपरा Mahler के चक्र गीतों की भटकती अपरेंटिस की ओर ले जाती है।
शानदार की छवियों पर बहुत जोर दिया गया है, यह आमतौर पर जर्मन-ऑस्ट्रियाई रोमांटिकतावाद का राष्ट्रीय लक्षण है (इसका फ्रेंच रोमांटिक बर्लियोज़ पर सीधा प्रभाव पड़ा)। यह, सबसे पहले, बुराई की कल्पना है, दानववाद, जिसने मार्बरनर के "वैम्पायर" में, वेबर के ओपेरा "द मैजिक आर्चर" से "वुल्फ वैली में सिएना" में अपना सबसे ज्वलंत अवतार पाया, मेल्सनसोहन के वालपुरगीस नाइट कैंटटा और कई अन्य कार्यों का। दूसरे, फिक्शन हल्की, सूक्ष्म रूप से काव्यात्मक, प्रकृति की सुंदर छवियों के साथ विलय, उत्साह से भरी हुई है: वेबर के ओपेरा "ओबेरॉन" में दृश्य, मेंडेलसोहन के ओवरचर "ए मिडसमर नाइट्स ड्रीम, और फिर वैगनर के लोहेनग्रिन की छवि - ग्रिल के दूत। एक मध्यवर्ती स्थान यहां कई शूमैन की छवियों के अंतर्गत आता है, जहां कल्पना एक अद्भुत, विचित्र शुरुआत का प्रतीक है, बुराई और अच्छे की समस्या पर ज्यादा जोर दिए बिना।
संगीत की भाषा के क्षेत्र में, ऑस्ट्रियाई और जर्मन रोमांटिकतावाद ने एक संपूर्ण युग का गठन किया, जो कला के अभिव्यंजक साधनों के सामान्य विकास के दृष्टिकोण से अत्यंत महत्वपूर्ण है। प्रत्येक प्रमुख संगीतकार की शैली की मौलिकता पर अलग से ध्यान दिए बिना, हम सबसे सामान्य विशेषताओं और रुझानों पर ध्यान देते हैं।

"गीत" का व्यापक रूप से लागू सिद्धांत - रोमांटिक संगीतकारों के काम में एक सामान्य सामान्य प्रवृत्ति - उनके वाद्य संगीत तक फैली हुई है। यह उचित गीत और विस्मरण की बारी, नींव का गायन, गुणकरण, आदि की एक विशिष्ट संयोजन के माध्यम से माधुर्य का एक बड़ा वैयक्तिकरण प्राप्त करता है। हार्मोनिक भाषा समृद्ध है: क्लासिक्स के विशिष्ट हार्मोनिक सूत्र एक अधिक लचीले और विविध सद्भाव द्वारा प्रतिस्थापित किए जाते हैं, प्लगइन्स की भूमिका, सद्भाव की डिग्री बढ़ जाती है। सद्भाव के रंगीन पक्ष का बहुत महत्व है। धीरे-धीरे प्रमुख और नाबालिगों की बढ़ती हुई विशेषता भी विशेषता है। तो, Schubert से, संक्षेप में, प्रमुख-मामूली तुलनाओं में एक ही नाम की परंपरा आती है (अधिक बार एक नाबालिग के बाद एक प्रमुख), क्योंकि उनके काम में यह एक पसंदीदा तकनीक बन गई है। हार्मोनिक मेजर के अनुप्रयोग का दायरा बढ़ रहा है (प्रमुख कार्यों के कैडेंजस में मामूली उपडोमिनेन्ट विशेष रूप से विशेषता हैं)। व्यक्ति के जोर के संबंध में, छवि के गंदे विवरणों की पहचान, ऑर्केस्ट्रेशन के क्षेत्र में भी लाभ हैं (एक विशिष्ट काला रंग का अर्थ, एकल उपकरणों की बढ़ती भूमिका, तार के नए प्रदर्शन स्ट्रोक पर ध्यान देना, आदि)। लेकिन ऑर्केस्ट्रा खुद मूल रूप से अपनी शास्त्रीय रचना को नहीं बदलता है।
जर्मन और ऑस्ट्रियाई रोमैंटिक्स एक हद तक रोमांटिक प्रोग्राम के संस्थापक थे (बर्लियोज़ अपनी शानदार सिम्फनी में अपनी उपलब्धियों पर भरोसा कर सकते थे)। और यद्यपि प्रोग्रामेटिकिटी जैसे कि, यह प्रतीत होता है, ऑस्ट्रियाई रोमांटिक स्कुबर्ट की विशेषता नहीं है, चित्रात्मक, क्षणों के साथ अपने गीतों के पियानो भाग की संतृप्ति, उनके प्रमुख वाद्य कार्यों के नाटक में मौजूद छिपी प्रोग्राममैटिटी के तत्वों की उपस्थिति, संगीत में प्रोग्रामेटिक सिद्धांतों के विकास में संगीतकार के महत्वपूर्ण योगदान को निर्धारित करती है। जर्मन रोमैंटिक्स में पहले से ही पियानो संगीत (वेबर इनविटेशन टू डांस, कॉन्सर्टस्टक, शुमान्स स्वीट साइकिल्स, सॉन्ग विदाउट मेन्डेलसोहन) और सिम्फनी म्यूजिक (वेबर ऑपरेटिव ऑवरेटिक, कॉन्सर्ट ओवर्स, मेंडेलसोहन के ओवरडोज) में प्रोग्रामेटिकनेस की स्पष्ट इच्छा है। , ओवरचर "शुमन द्वारा मैनफ़्रेड")।
नए रचना सिद्धांतों के निर्माण में ऑस्ट्रियाई और जर्मन रोमांटिकों की भूमिका महान है। क्लासिक्स के सोनाटा-सिम्फोनिक चक्रों को वाद्य लघु चित्रों द्वारा प्रतिस्थापित किया जा रहा है; शूबर्ट में मुखर बोल के क्षेत्र में विकसित लघु चित्रों के चक्रवात को वाद्य संगीत (शुमान) में स्थानांतरित किया जाता है। बड़ी एक-आंदोलन रचनाएं भी दिखाई दीं, सोनाटा और चक्रीयता के सिद्धांतों का संयोजन (शूबर्ट द्वारा सी मेजर में पियानो कल्पना, वेबर द्वारा "कॉन्सर्टस्टक", शुमान द्वारा सी प्रमुख में कल्पना का पहला आंदोलन)। सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र, बदले में, रोमांटिकता के बीच महत्वपूर्ण बदलाव से गुजरते हैं, विभिन्न प्रकार के "रोमांटिक सोनाटा" और "रोमांटिक सिम्फनी" दिखाई देते हैं। लेकिन फिर भी, मुख्य विजय संगीत की सोच का एक नया गुण था, जिसके कारण लघुचित्रों का निर्माण हुआ जो अभिव्यक्ति की सामग्री और शक्ति में पूर्ण थे - संगीत अभिव्यक्ति की विशेष एकाग्रता जिसने एकल गीत या एक-भाग पियानो टुकड़े को गहरे विचारों और अनुभवों का ध्यान केंद्रित किया।

19 वीं सदी के पूर्वार्ध में तेजी से विकसित हो रहे ऑस्ट्रियाई और जर्मन रूमानियत के शीर्ष पर, न केवल शानदार ढंग से उपहार में दिए गए व्यक्ति थे, बल्कि उनके विचारों और आकांक्षाओं में भी उन्नत थे। इसने उनकी संगीत रचनाशीलता के स्थायी महत्व को निर्धारित किया, एक "नए क्लासिक्स" के रूप में इसका महत्व, जो सदी के अंत तक स्पष्ट हो गया, जब जर्मन भाषा के देशों के संगीत क्लासिक्स का प्रतिनिधित्व किया गया था, संक्षेप में, न केवल 18 वीं शताब्दी के महान संगीतकारों और बीथोवेन द्वारा, बल्कि महान प्रेमिकाओं द्वारा भी - शुबर्ट। , शुमन, वेबर, मेंडेलसोहन। संगीत रोमांटिकतावाद के ये उल्लेखनीय प्रतिनिधि, अपने पूर्ववर्तियों का गहराई से सम्मान करते हुए और उनकी कई उपलब्धियों को विकसित करते हुए, संगीत छवियों की एक पूरी तरह से नई दुनिया और उनके अनुरूप रचना रूपों को खोलने के लिए एक ही समय में कामयाब रहे। उनके काम में प्रचलित व्यक्तिगत स्वर लोकतांत्रिक जनता के मूड और विचारों के अनुरूप था। उन्होंने संगीत में स्पष्टता के उस चरित्र की पुष्टि की, जो बीवी असफिअव को "दिल से दिल से दिलकश संवाद" के रूप में दर्शाया गया था, और जो चोपिन, ग्रिग, त्चिकाक्स्की और वेरडी से संबंधित शुबर्ट और शुमान बनाता है। आसफ़ेव ने रोमांटिक संगीत निर्देशन के मानवतावादी मूल्य के बारे में लिखा है: “व्यक्तिगत चेतना अपने पृथक, गौरवपूर्ण अलगाव में नहीं, बल्कि हर उस चीज़ के कलात्मक प्रतिबिंब में प्रकट होती है, जिसके साथ लोग रहते हैं और जो उन्हें हमेशा और अनिवार्य रूप से उत्तेजित करता है। ऐसी सादगी में, जीवन की ध्वनि के बारे में हमेशा सुंदर विचार और विचार - एक व्यक्ति में सबसे अच्छा की एकाग्रता। ”

ज़्विग सही था: यूरोप ने पुनर्जागरण के बाद से इतनी सुंदर पीढ़ी को रोमांटिकता के रूप में नहीं देखा है। सपनों की दुनिया की अद्भुत छवियां, नग्न भावनाएं और उदात्त आध्यात्मिकता के लिए प्रयास - ऐसे रंगों का उपयोग रोमांटिकतावाद की संगीत संस्कृति को चित्रित करने के लिए किया जाता है।

रूमानियत और उसके सौंदर्यशास्त्र का उद्भव

जबकि यूरोप में एक औद्योगिक क्रांति हो रही थी, यूरोपीय लोगों के दिलों में बिखर गई महान फ्रांसीसी क्रांति पर चुटकी ली। प्रबुद्धता के युग द्वारा घोषित कारण के पंथ को उखाड़ फेंका गया था। भावनाओं का पंथ और मनुष्य में प्राकृतिक सिद्धांत पैदल तक चढ़ गया है।

इस तरह रूमानियत दिखाई दी। संगीत संस्कृति में, यह एक सदी (1800-1910) से थोड़ा अधिक अस्तित्व में था, जबकि संबंधित क्षेत्रों (पेंटिंग और साहित्य) में इसका कार्यकाल आधी सदी पहले समाप्त हो गया था। शायद यह संगीत की "गलती" है - यह वह थी जो कलाओं में सबसे आध्यात्मिक और मुक्त कलाओं के रूप में रोमांटिकता के बीच शीर्ष पर थी।

हालांकि, पुरातनता और क्लासिकवाद के युगों के प्रतिनिधियों के विपरीत, रोमेंटिक्स ने अपने स्पष्ट विभाजन के साथ कला के पदानुक्रम को प्रकारों में और नहीं बनाया। रोमांटिक प्रणाली सार्वभौमिक थी, कला एक दूसरे में पारित होने के लिए स्वतंत्र थीं। कला के संश्लेषण का विचार रोमांटिकतावाद की संगीत संस्कृति में महत्वपूर्ण विचारों में से एक था।

इस संबंध ने सौंदर्यशास्त्र की श्रेणियों को भी चिंतित किया: यह पूरी तरह से बदसूरत, आधार के साथ उच्च, कॉमिक के साथ दुखद था। इस तरह के संक्रमण रोमांटिक विडंबना से जुड़े थे, यह दुनिया की एक सार्वभौमिक तस्वीर को भी दर्शाता है।

सुंदरता के साथ जो कुछ भी करना था, वह रोमांसवादियों के बीच एक नया अर्थ ले गया। प्रकृति पूजा की वस्तु बन गई, कलाकार को नश्वर के रूप में मूर्तिमान कर दिया गया, और भावनाओं को अधिकता से लिया गया।

आध्यात्मिक वास्तविकता एक सपने के विपरीत थी, सुंदर लेकिन अप्राप्य। एक रोमांटिक कल्पना की मदद से अन्य वास्तविकताओं के विपरीत, अपनी नई दुनिया का निर्माण किया।

रोमांटिकतावाद के कलाकारों ने किन विषयों का चयन किया?

उनके द्वारा कला में चुने गए विषयों के चुनाव में रुमानिकों के हित स्पष्ट रूप से प्रकट हुए थे।

• अकेलापन विषय... समाज में एक अविकसित प्रतिभा या एक अकेला व्यक्ति - ये विषय इस युग के रचनाकारों के लिए मुख्य विषय थे (शुमन द्वारा "द लव ऑफ ए पोइट", "विदाउट द सन" मुसर्गस्की द्वारा)।
• "गीतात्मक स्वीकारोक्ति" का विषय... रोमांटिक रचनाकारों के कई विरोधाभासों में आत्मकथा (शुमानस कार्निवल, बर्लियोज़ फैंटास्टिक सिम्फनी) का स्पर्श है।
• प्रेम धुन। मूल रूप से, यह बिना पढ़े या दुखद प्रेम का विषय है, लेकिन जरूरी नहीं कि (शुकैन द्वारा "लव एंड द लाइफ ऑफ ए वुमन", तिकोवस्की द्वारा "रोमियो एंड जूलियट")।
• पथ विषय। उसे भी कहा जाता है भटकने की थीम... एक रोमांटिक की आत्मा, जो विरोधाभासों के कारण फटी हुई थी, अपने रास्ते की तलाश कर रही थी ("इटली में हेरोल्ड", बर्स्स्टोज़ द्वारा "वांडरिंग्स ऑफ़ वांडरिंग्स")।
• मृत्यु विषय। मूल रूप से, यह आध्यात्मिक मृत्यु थी (त्चिकोवस्की की छठी सिम्फनी, शुबर्ट की विंटर रोड)।
• प्रकृति विषय। एक रोमांटिक और सुरक्षात्मक माँ की आँखों में प्रकृति, और सहानुभूति रखने वाले दोस्त, और सजा भाग्य ("हेब्रिड्स" मेंडेलसोहन द्वारा, "मध्य एशिया में" बोरोडिन द्वारा)। देशी भूमि (पोलोनाइज और चोपिन के गाथागीत) का पंथ भी इस विषय से जुड़ा हुआ है।
• विज्ञान कथा विषय। रोमांटिक लोगों के लिए काल्पनिक दुनिया वास्तविक की तुलना में बहुत समृद्ध थी (वेबर द्वारा जादू शूटर, रिमस्की-कोर्साकोव द्वारा सैडको)।

रूमानियत के युग की संगीत शैली

रूमानियत की संगीत संस्कृति ने चैंबर वोकल लिरिक्स की शैलियों के विकास को गति दी: गाथागीत (शूबर्ट द्वारा "द फॉरेस्ट किंग"), कविता ("द लेडी ऑफ द लेक" Schubert द्वारा) और गीत अक्सर संयुक्त में चक्र (शुमानन्स मायर्टल्स)।

रोमांटिक ऑपेरा न केवल शानदार कथानक द्वारा, बल्कि शब्दों, संगीत और मंच की कार्रवाई के बीच मजबूत संबंध द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था। ओपेरा का सिम्फनीकरण होता है। लेगमोटिफ़ के विकसित नेटवर्क के साथ वैगनर के "रिंग ऑफ़ द निबेलुंग्स" को याद करने के लिए यह पर्याप्त है।

वाद्य शैलियों में, रोमांस प्रतिष्ठित है पियानो लघु। एक छवि या एक क्षणिक मूड को व्यक्त करने के लिए एक छोटा सा टुकड़ा पर्याप्त है। इसके पैमाने के बावजूद, नाटक अभिव्यक्ति के साथ तालमेल बैठाता है। वह हो सकती है "बिना शब्दों के गीत" (मेंडेलसोहन की तरह) माज़ुर्का, वाल्ट्ज, निशाचर या कार्यक्रम के नाम के साथ टुकड़े (शुमान के "आवेग")।

गीतों की तरह, नाटकों को भी कभी-कभी चक्रों (शूमान की तितलियों) में जोड़ा जाता है। इसी समय, चक्र के हिस्सों, उज्ज्वल विपरीत, ने हमेशा संगीत कनेक्शन के कारण एक एकल रचना का गठन किया है।

रोमान्टिक्स को कार्यक्रम संगीत पसंद था जिसने इसे साहित्य, चित्रकला या अन्य कलाओं के साथ जोड़ा। इसलिए, उनके लेखन में कथानक अक्सर राज करते थे। एक-भाग सोनटास (बी माइनर में लिस्केट का सोनाटा), एक-भाग कॉन्सर्टोस (लिस्केट का पहला पियानो कॉन्सर्टो) और सिम्फोनिक कविताएं (लिस्केट का प्रस्ताव), एक पांच-भाग सिम्फनी (बर्कियोज़ का शानदार सिम्फनी) दिखाई दिया।

रोमांटिक संगीतकारों की संगीतमय भाषा

कलाओं का संश्लेषण, रूमानियत द्वारा मनाया जाता है, संगीत अभिव्यक्ति के साधनों को प्रभावित करता है। माधुर्य अधिक व्यक्तिगत हो गया है, शब्द की कविताओं के प्रति उत्तरदायी है, और बनावट में तटस्थ और विशिष्ट होना बंद हो गया है।

रोमांटिक नायक के अनुभवों के बारे में बताने के लिए अभूतपूर्व रंगों के साथ सद्भाव को समृद्ध किया गया था। इस प्रकार, लेस्सर के रोमांटिक स्वरों ने पूरी तरह से बदल दिए गए हारमोनियों को व्यक्त किया जो तनाव को बढ़ाता है। रोमैंटिक्स को चीरोस्कोरो के प्रभाव से प्यार था, जब प्रमुख को एक ही नाम के नाबालिग द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था, और साइड स्टेप्स के कॉर्ड, और टोनेलिटी की सुंदर तुलना की गई थी। नए प्रभाव भी पाए गए, खासकर जब यह संगीत में लोक भावना या शानदार छवियों को व्यक्त करने के लिए आवश्यक था।

सामान्य तौर पर, विकास की निरंतरता के लिए रोमैंटिक्स के माधुर्य ने किसी भी स्वचालित पुनरावृत्ति को खारिज कर दिया, उच्चारण की नियमितता से परहेज किया और अपने प्रत्येक मकसद में स्पष्टता की सांस ली। और बनावट इतनी महत्वपूर्ण कड़ी बन गई है कि इसकी भूमिका एक राग की तुलना में है।

सुनिये क्या गजब का गजब का है चोपिन!

एक निष्कर्ष के बजाय

19 वीं और 20 वीं शताब्दी के मोड़ पर रूमानियत की संगीत संस्कृति ने संकट के पहले संकेतों का अनुभव किया। "मुक्त" संगीत रूप विघटित होना शुरू हो गया, सद्भाव माधुर्य पर प्रबल हुआ, रोमांटिक की आत्मा की उदात्त भावनाओं ने दर्दनाक भय और आधार जुनून को जन्म दिया।

इन विनाशकारी प्रवृतियों ने रूमानियत को खत्म किया और आधुनिकता का मार्ग प्रशस्त किया। लेकिन, एक दिशा के रूप में समाप्त होने के बाद, रोमांटिकतावाद 20 वीं शताब्दी के संगीत में, और अपने विभिन्न घटकों में वर्तमान शताब्दी के संगीत में जीवित रहा। ब्लोक सही थे जब उन्होंने कहा कि रोमांटिकतावाद "मानव जीवन के सभी युगों में प्रकट होता है।"

संगीत का सबसे छोटा इतिहास। हेनले डैरन द्वारा सबसे पूर्ण और सबसे छोटा संदर्भ

देर से रोमांटिक

देर से रोमांटिक

इस अवधि के कई संगीतकारों ने 20 वीं शताब्दी में संगीत लिखना जारी रखा। हालांकि, हम यहां उनके बारे में बात करते हैं, न कि अगले अध्याय में, इस कारण से कि उनके संगीत में रूमानियत की भावना प्रबल थी।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि उनमें से कुछ ने घनिष्ठ संबंधों को बनाए रखा और यहां तक \u200b\u200bकि उपग्रहों "शुरुआती रोमैंटिक्स" और "राष्ट्रवादियों" में वर्णित संगीतकारों के साथ भी दोस्ती की।

इसके अलावा, यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि विभिन्न यूरोपीय देशों में इस अवधि के दौरान इतने महान संगीतकार थे कि किसी भी सिद्धांत के अनुसार उनमें से कोई भी विभाजन पूरी तरह से सशर्त होगा। यदि शास्त्रीय काल और बारोक काल पर अलग-अलग साहित्य में लगभग एक ही समय के फ्रेम का उल्लेख किया गया है, तो रोमांटिक अवधि को हर जगह अलग तरह से परिभाषित किया गया है। रोमांटिक अवधि के अंत और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत के बीच की रेखा संगीत में बहुत धुंधली लगती है।

19 वीं शताब्दी में इटली के प्रमुख संगीतकार निस्संदेह थे गिउसेप्पे वर्डी। मोटी मूंछों और भौंहों के साथ चमकती आँखों से हमारी ओर देखने वाला यह शख्स अन्य ऑपेरा संगीतकारों के ऊपर एक पूरा सिर टिकाए खड़ा था।

वर्डी की सभी रचनाएँ सचमुच उज्ज्वल, आकर्षक धुनों से भरी हैं। कुल मिलाकर, उन्होंने छब्बीस ओपेरा लिखे, जिनमें से अधिकांश आज नियमित रूप से किए जाते हैं। उनमें ऑपेरा कला के सबसे प्रसिद्ध और सबसे उत्कृष्ट काम हैं।

संगीतकार के जीवनकाल के दौरान वर्डी के संगीत को बहुत सराहा गया। प्रीमियर पर हैडिस दर्शकों ने इतना लंबा ओवेशन दिया कि कलाकारों को बत्तीस बार झुकना पड़ा।

वर्डी एक अमीर आदमी था, लेकिन पैसा संगीतकार की पत्नियों और दो बच्चों को जल्दी मृत्यु से नहीं बचा सकता था, इसलिए उसके जीवन में दुखद क्षण थे। उन्होंने मिलान में अपने नेतृत्व में निर्मित, पुराने संगीतकारों के अनाथालय में अपना भाग्य स्थापित किया। वर्डी ने खुद को एक आश्रय की रचना माना, न कि संगीत को, अपनी सबसे बड़ी उपलब्धि माना।

इस तथ्य के बावजूद कि वर्डी का नाम मुख्य रूप से ओपेरा के साथ जुड़ा हुआ है, उनका कहना है, यह उल्लेख करना असंभव नहीं है Requiem, जिसे कोरल संगीत के बेहतरीन उदाहरणों में से एक माना जाता है। यह नाटक से भरा है, और ओपेरा की कुछ विशेषताएं इसके माध्यम से फिसलती हैं।

हमारा अगला संगीतकार किसी भी तरह से सबसे आकर्षक व्यक्ति नहीं है। वास्तव में, यह उन सभी में से सबसे अधिक निंदनीय और विवादास्पद आंकड़ा है, जो हमारी पुस्तक में उल्लिखित हैं। यदि हमें केवल व्यक्तिगत विशेषताओं के आधार पर एक सूची बनानी थी, तो रिचर्ड वैगनर उसे कभी नहीं मारेंगे। हालांकि, हम विशेष रूप से संगीत मानदंड द्वारा निर्देशित हैं, और शास्त्रीय संगीत का इतिहास इस आदमी के बिना अकल्पनीय है।

वैगनर की प्रतिभा निर्विवाद है। उनकी कलम के तहत रोमांटिकतावाद की पूरी अवधि के लिए कुछ सबसे महत्वपूर्ण और प्रभावशाली संगीत रचनाएं निकलीं - विशेष रूप से ओपेरा। साथ ही, वे उसे एक यहूदी-विरोधी, नस्लवादी, लालफीताशाही, आखिरी धोखेबाज और यहां तक \u200b\u200bकि एक चोर के रूप में भी बोलते हैं जो अपनी ज़रूरत की हर चीज़ लेने में संकोच नहीं करता और पश्चाताप के बिना असभ्य है। वैगनर का आत्म-सम्मान बहुत अधिक था, और उनका मानना \u200b\u200bथा कि उनकी प्रतिभा ने उन्हें अन्य सभी लोगों से ऊपर उठा दिया।

वैगनर को उनके ओपेरा के लिए याद किया जाता है। यह संगीतकार जर्मन ओपेरा को एक नए स्तर पर ले गया, और यद्यपि वह वर्डी के रूप में उसी समय पैदा हुआ था, उसका संगीत उस अवधि के इतालवी कार्यों से बहुत अलग था।

वैगनर के नवाचारों में से एक यह था कि प्रत्येक मुख्य चरित्र का अपना संगीत विषय था, जिसे हर बार दोहराया जाता था, जैसे ही वह मंच पर एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाने लगे।

आज यह स्वयं स्पष्ट प्रतीत होता है, लेकिन उस समय इस विचार ने एक वास्तविक क्रांति की।

वैगनर की सबसे बड़ी उपलब्धि चक्र था निबेलुंग की अंगूठी, चार ओपेरा शामिल हैं: राइन गोल्ड, वाल्कीरी, सिगफ्राइड तथा देवताओं की मृत्यु। वे आमतौर पर एक पंक्ति में चार रातें खेली जाती हैं, और कुल मिलाकर वे लगभग पंद्रह घंटे चलती हैं। अकेले ये ओपेरा उनके संगीतकार को गौरवान्वित करने के लिए पर्याप्त थे। एक व्यक्ति के रूप में वैगनर की सभी अस्पष्टता के बावजूद, यह माना जाना चाहिए कि वह एक उत्कृष्ट संगीतकार थे।

वैगनर के ओपेरा की एक विशिष्ट विशेषता को उनकी अवधि कहा जा सकता है। उनका आखिरी ओपेरा Parsifal चार घंटे से अधिक रहता है।

कंडक्टर डेविड रैंडोल्फ ने एक बार उसके बारे में कहा था:

"यह उन लोगों की श्रेणी का एक ओपेरा है जो छह से शुरू होता है, और जब तीन घंटे बाद आप अपनी कलाई घड़ी को देखते हैं, तो यह पता चलता है कि यह 6:20 दिखाता है।"

एक जिंदगी एंटोन ब्रुकनर एक संगीतकार के रूप में एक सबक है कि कैसे न दें और अपने आप पर जोर दें। वह दिन में बारह घंटे अभ्यास करता था, काम करने के लिए अपना सारा समय समर्पित करता था (वह एक जीव था) और अपने दम पर संगीत में बहुत कुछ सीखा, एक पच्चीस साल की उम्र में पत्राचार द्वारा लेखन कौशल में महारत हासिल कर ली।

आज, ब्रुकनर की सहानुभूति सबसे अधिक बार याद की जाती है, जिसमें से उन्होंने कुल नौ टुकड़े लिखे। कभी-कभी उन्हें संगीतकार के रूप में उनकी सॉल्वेंसी के बारे में संदेह द्वारा जब्त किया गया था, लेकिन उन्होंने अभी भी मान्यता प्राप्त की, हालांकि अपने जीवन के अंत में। उसे अंजाम देने के बाद सिम्फनी नंबर 1 आलोचकों ने अंततः संगीतकार की प्रशंसा की, जो उस समय तक पहले से ही चौंतास वर्ष का था।

जोहान्स ब्रह्म उन रचनाकारों में से नहीं, जो पैदा हुए थे, इसलिए बोलने के लिए, हाथ में चांदी की छड़ी के साथ। उनके जन्म के समय तक, परिवार ने अपनी पूर्व संपत्ति खो दी थी और वे मुश्किल से समाप्त होने वाले मिलन कर रहे थे। एक किशोर के रूप में, उन्होंने अपने गृहनगर हैम्बर्ग में वेश्यालयों में खेलकर जीवन यापन किया। जब तक ब्रह्मा वयस्क बन गए, तब तक उन्हें कोई संदेह नहीं था, जीवन के सबसे आकर्षक पहलुओं से दूर हो गए।

ब्रह्म के संगीत का प्रचार उनके दोस्त रॉबर्ट शुमान ने किया था। शुमान की मृत्यु के बाद, ब्राह्म क्लारा शुमान के करीब हो गया और अंततः उसे भी उससे प्यार हो गया। यह ज्ञात नहीं है कि वे किस तरह के रिश्ते से जुड़े थे, हालांकि उसके लिए भावना ने शायद अन्य महिलाओं के साथ अपने संबंधों में कुछ भूमिका निभाई - उसने उनमें से किसी को भी अपना दिल नहीं दिया।

एक व्यक्ति के रूप में, ब्राह्म काफी अनर्गल और चिड़चिड़े थे, लेकिन उनके दोस्तों ने दावा किया कि उनमें सज्जनता थी, हालांकि वह हमेशा दूसरों के लिए इसका प्रदर्शन नहीं करते थे। एक दिन, एक पार्टी से घर लौटते हुए, उन्होंने कहा:

"अगर मैंने वहां किसी को नाराज नहीं किया है, तो मैं उनकी माफी मांगता हूं।"

ब्रहम सबसे फैशनेबल और सुरुचिपूर्ण ढंग से तैयार किए गए संगीतकार के लिए प्रतियोगिता नहीं जीत सकते थे। वह नए कपड़े खरीदना बहुत पसंद करता था और अक्सर पैच के साथ एक ही बैगी पतलून पहनता था, लगभग हमेशा उसके लिए बहुत छोटा। एक प्रदर्शन के दौरान, उनकी पतलून लगभग गिर गई। एक अन्य अवसर पर, उन्हें अपनी टाई को हटाना पड़ा और एक बेल्ट के बजाय इसके साथ खुद को घेरना पड़ा।

ब्राह्म की संगीत शैली हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन से बहुत प्रभावित थी, और कुछ संगीत इतिहासकारों का यह भी दावा है कि उन्होंने क्लासिकवाद की भावना में लिखा था, उस समय तक फैशन से बाहर हो चुके थे। साथ ही, वह कई नए विचारों के मालिक भी हैं। विशेष रूप से, वह संगीत के छोटे-छोटे टुकड़ों को विकसित करने और उन्हें पूरे काम में दोहराने में सक्षम था - जिसे संगीतकार "दोहराव का मकसद" कहते हैं।

ओपेरा ब्राह्म ने नहीं लिखा, लेकिन उन्होंने शास्त्रीय संगीत के लगभग सभी अन्य शैलियों में खुद को आजमाया। इसलिए, उन्हें हमारी किताब में वर्णित सबसे महान संगीतकारों में से एक कहा जा सकता है, जो शास्त्रीय संगीत का एक वास्तविक विशालकाय है। उन्होंने खुद अपने काम के बारे में इस तरह से बात की:

"यह लिखना मुश्किल नहीं है, लेकिन टेबल के नीचे अतिरिक्त नोट फेंकना आश्चर्यजनक रूप से मुश्किल है।"

मैक्स ब्रुच ब्राह्म के ठीक पाँच साल बाद पैदा हुआ था, और बाद में निश्चित रूप से उसकी देखरेख करेगा, अगर एक काम के लिए नहीं, वायलिन कॉन्सर्ट नंबर 1।

खुद ब्रूच ने इस तथ्य को स्वीकार किया, कई रचनाकारों के लिए विनम्रता असामान्य के साथ बहस करते हुए:

"अब से पचास साल बाद, ब्राह्म को अब तक के सबसे महान संगीतकारों में से एक कहा जाएगा, और मुझे जी माइनर में वायलिन कॉन्सर्टो लिखने के लिए याद किया जाएगा।"

और वह सही था। सच है, ब्रजाह को खुद कुछ याद है! उन्होंने कई अन्य कृतियों की रचना की - कुल मिलाकर लगभग दो सौ - विशेष रूप से गाना बजानेवालों और ओपेरा के लिए, जो इन दिनों शायद ही कभी मंचित होते हैं। उनका संगीत मधुर है, लेकिन वे इसके विकास के लिए विशेष रूप से कुछ नया नहीं लाए। उनकी पृष्ठभूमि के खिलाफ, उस समय के कई अन्य संगीतकार वास्तविक नवप्रवर्तक लगते हैं।

1880 में, ब्रुच को लिवरपूल रॉयल फिलहारमोनिक सोसाइटी का कंडक्टर नियुक्त किया गया था, लेकिन तीन साल बाद वह बर्लिन लौट आया। ऑर्केस्ट्रा के संगीतकार उससे खुश नहीं थे।

हमारी पुस्तक के पन्नों पर, हम पहले से ही कई संगीत प्रसाधनों से मिल चुके हैं, और केमिली सेंट - सेंस उनके बीच अंतिम स्थान नहीं है। दो साल की उम्र में, संत - सायन पहले से ही पियानो पर धुनें चुन रहे थे, और उन्होंने उसी समय संगीत पढ़ना और लिखना सीखा। तीन साल की उम्र में, उन्होंने अपनी रचना के टुकड़े बजाए। दस साल की उम्र में उन्होंने खूबसूरती से मोजार्ट और बीथोवेन को गाया। उसी समय, वह एंटोमोलॉजी (तितलियों और कीड़ों) में गंभीर रूप से रुचि रखते थे, और फिर अन्य विज्ञानों में, भूविज्ञान, खगोल विज्ञान और दर्शन सहित। ऐसा लगता था कि ऐसे प्रतिभाशाली बच्चे को केवल एक चीज तक सीमित नहीं किया जा सकता है।

पेरिस कंजर्वेटरी में अपनी पढ़ाई पूरी करने के बाद, संत - सेन्स ने एक जीव के रूप में कई वर्षों तक काम किया। उम्र के साथ, उन्होंने फ्रांस के संगीतमय जीवन को प्रभावित करना शुरू कर दिया, और यह उनके लिए धन्यवाद था कि जेएस बाख, मोजार्ट, हैंडेल और ग्लक जैसे संगीतकारों के संगीत को अधिक बार प्रदर्शन किया जाने लगा।

संत की सबसे प्रसिद्ध रचना - सायन्स - जानवरों के कार्निवल, जिसे संगीतकार ने अपने जीवनकाल के दौरान प्रदर्शन करने से मना किया था। उन्हें इस बात की चिंता थी कि संगीत समीक्षकों को यह सुनकर बहुत बुरा लगेगा। सब के बाद, यह अजीब है जब मंच पर ऑर्केस्ट्रा में एक शेर, मुर्गे के साथ मुर्गी, कछुए, एक हाथी, एक कंगारू, मछली के साथ एक मछलीघर, पक्षी, एक गधा और एक हंस को दर्शाया गया है।

उनकी कुछ अन्य रचनाएँ संत - सायन्स ने लिखीं, जिनमें वाद्ययंत्रों के इतने सामान्य संयोजन नहीं हैं, जिनमें प्रसिद्ध भी शामिल हैं "अंग" सिम्फनी नंबर 3, फिल्म "बेबे" में देखा गया।

सैंट - सेन्स के संगीत ने सहित अन्य फ्रांसीसी संगीतकारों के काम को प्रभावित किया गेब्रियल फॉरे। इस युवक को संत मैग्डलीन के पेरिस चर्च में आयोजक का पद विरासत में मिला था, जिस पर पहले सेंट - सेन्स का कब्जा था।

और यद्यपि Foret की प्रतिभा की तुलना उनके शिक्षक की प्रतिभा से नहीं की जा सकती, लेकिन वे एक उत्कृष्ट पियानोवादक थे।

Faure एक धनी व्यक्ति नहीं थे और इसलिए उन्होंने कड़ी मेहनत की, अंग को चलाना, गाना बजानेवालों का नेतृत्व करना और सबक देना। वह अपने खाली समय में लिखने में लगे हुए थे, जो बहुत कम था, लेकिन इसके बावजूद, वह अपने कामों में दो सौ से अधिक प्रकाशित करने में कामयाब रहे। उनमें से कुछ बहुत लंबे समय के लिए लिखे गए थे: उदाहरण के लिए, काम Requiem बीस से अधिक वर्षों तक चली।

1905 में फ़ॉरे पेरिस कंज़र्वेटरी के निदेशक बने, यानी वह आदमी जिस पर उस समय के फ्रांसीसी संगीत का विकास काफी हद तक निर्भर था। पंद्रह साल के बाद, फरे सेवानिवृत्त हुए। अपने जीवन के अंत में उन्हें सुनवाई हानि से पीड़ित होना पड़ा।

आज फोरेट का फ्रांस के बाहर सम्मान किया जाता है, हालांकि वहां उसे सबसे ज्यादा सराहा जाता है।

अंग्रेजी संगीत के प्रशंसकों के लिए, इस तरह के एक आंकड़े की उपस्थिति एडवर्ड एल्गर, एक वास्तविक चमत्कार की तरह लग रहा होगा। कई संगीत इतिहासकारों ने उन्हें हेनरी पुरसेल के बाद पहला महत्वपूर्ण अंग्रेजी संगीतकार कहा, जिन्होंने बारोक अवधि के दौरान लिखा था, हालांकि हमने पहले आर्थर सुलिवन का उल्लेख किया था।

एल्गर इंग्लैंड के बहुत शौकीन थे, विशेष रूप से अपने मूल वॉस्टरशायर, जहां उन्होंने अपने जीवन का अधिकांश समय मोलवर्न हिल्स के क्षेत्रों में प्रेरणा पाने में बिताया।

एक बच्चे के रूप में, वह हर जगह संगीत से घिरा हुआ था: उनके पिता के पास एक स्थानीय संगीत की दुकान थी और उन्होंने एल्गर को विभिन्न संगीत वाद्ययंत्र बजाना सिखाया था। बारह साल की उम्र में, लड़का पहले से ही चर्च सेवाओं में जीव की जगह ले रहा था।

एक वकील के कार्यालय में काम करने के बाद, एल्गर ने वित्तीय दृष्टिकोण से खुद को बहुत कम विश्वसनीय व्यवसाय के लिए समर्पित करने का फैसला किया। कुछ समय के लिए उन्होंने अंशकालिक काम किया, वायलिन और पियानो सबक दिया, स्थानीय ऑर्केस्ट्रा में खेल रहे थे और यहां तक \u200b\u200bकि थोड़ा सा संचालन भी किया।

धीरे-धीरे, एक संगीतकार के रूप में एल्गर की प्रसिद्धि बढ़ती गई, हालांकि उन्हें अपने घरेलू काउंटी के बाहर अपना रास्ता बनाने के लिए संघर्ष करना पड़ा। उन्होंने उसे प्रसिद्धि दिलाई मूल विषय पर विविधताएं, जो अब बेहतर के रूप में जाना जाता है पहेली विविधताएं

अब एल्गर का संगीत बहुत अंग्रेजी के रूप में माना जाता है और राष्ट्रीय स्तर पर सबसे बड़ी घटनाओं के दौरान लगता है। इसकी पहली आवाज़ में सेलो के लिए कॉन्सर्ट अंग्रेजी ग्रामीण इलाकों को तुरंत प्रस्तुत किया जाता है। निमरॉड का बदलाव अक्सर आधिकारिक समारोहों में खेला जाता है, और Solemn और औपचारिक मार्च नंबर 1, जाना जाता है आशा और गौरव की भूमि पूरे यूके में गद्य पर प्रस्तुति दी।

एल्गर एक पारिवारिक व्यक्ति था और एक शांत, व्यवस्थित जीवन से प्यार करता था। फिर भी, उन्होंने इतिहास पर अपनी छाप छोड़ी। एक मोटी झाड़ी मूंछ वाले इस संगीतकार को तुरंत बीस पाउंड के नोट पर देखा जा सकता है। जाहिर है, बैंकनोट डिजाइनरों ने सोचा कि चेहरे के बालों को नकली करना बहुत मुश्किल होगा।

इटली में, Giuseppe Verdi के ऑपरेटिव आर्ट में उत्तराधिकारी बने जियाकोमो प्यूकिनी, इस कला के रूप में मान्यता प्राप्त दुनिया के स्वामी में से एक माना जाता है।

प्यूकी परिवार लंबे समय से चर्च संगीत से जुड़ा हुआ है, लेकिन जब जियाकोमो ने पहली बार ओपेरा सुना ऐदा वर्डी, उन्होंने महसूस किया कि यह उनकी कॉलिंग थी।

मिलान में अध्ययन करने के बाद, पक्कीनी एक ओपेरा की रचना करता है मैनन लेसकाउट, जिसने उन्हें 1893 में अपनी पहली महान सफलता दिलाई। उसके बाद, एक सफल उत्पादन ने दूसरे का अनुसरण किया: बोहेमिया 1896 में, तड़प 1900 में और मैडम तितली 1904 में।

कुल मिलाकर पक्कीनी ने बारह ओपेरा बनाए, जिनमें से अंतिम था Turandot। इस काम को पूरा किए बिना उनकी मृत्यु हो गई, और एक अन्य संगीतकार ने काम पूरा किया। ओपेरा के प्रीमियर पर, कंडक्टर आर्टुरो टोस्कानिनी ने ऑर्केस्ट्रा को ठीक उसी जगह रोक दिया, जहां प्यूकीनी ने रोका था। उन्होंने दर्शकों की ओर रुख किया और कहा:

पक्की की मृत्यु के साथ, इतालवी ऑपरेटिव कला का विषम दिन समाप्त हो गया। इतालवी ओपेरा संगीतकारों का अब हमारी किताब में उल्लेख नहीं किया जाएगा। लेकिन कौन जानता है कि भविष्य हमारे लिए क्या मायने रखता है?

ज़िन्दगी में गुस्ताव महलर एक संगीतकार के रूप में कंडक्टर के रूप में बेहतर जाना जाता था। उन्होंने सर्दियों में आयोजित किया, और गर्मियों में, एक नियम के रूप में, लेखन में लगे रहना पसंद किया।

ऐसा कहा जाता है कि एक बच्चे के रूप में, महलर ने अपनी दादी के घर की अटारी में एक पियानो पाया। चार साल बाद, दस साल की उम्र में, उन्होंने अपना पहला प्रदर्शन पहले ही दे दिया था।

महलर ने वियना कंज़र्वेटरी में अध्ययन किया, जहां उन्होंने संगीत रचना शुरू की। 1897 में, वह वियना स्टेट ओपेरा के निदेशक बने और अगले दस वर्षों में इस क्षेत्र में काफी प्रसिद्धि हासिल की।

उन्होंने खुद तीन ओपेरा लिखने शुरू किए, लेकिन उन्हें कभी खत्म नहीं किया। आजकल, उन्हें मुख्य रूप से सिम्फनी के संगीतकार के रूप में जाना जाता है। इस शैली में वह असली "हिट" में से एक का मालिक है - सिम्फनी नंबर 8, जिसके प्रदर्शन के दौरान एक हजार से अधिक संगीतकार और गायक शामिल होते हैं।

माहलर की मृत्यु के बाद, उनका संगीत पचास वर्षों तक फैशन से बाहर हो गया, लेकिन 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में इसे लोकप्रियता मिली, विशेष रूप से यूके और यूएसए में।

रिचर्ड स्ट्रॉस जर्मनी में पैदा हुआ था और यह विनीज़ स्ट्रॉस वंश से संबंधित नहीं था। इस तथ्य के बावजूद कि यह संगीतकार 20 वीं शताब्दी के लगभग पूरे पहले भाग में रहता था, उसे अभी भी जर्मन संगीत रोमांटिकतावाद का प्रतिनिधि माना जाता है।

रिचर्ड स्ट्रॉस की विश्वव्यापी लोकप्रियता इस तथ्य से कुछ हद तक प्रभावित हुई कि उन्होंने 1939 के बाद जर्मनी में रहने का फैसला किया, और द्वितीय विश्व युद्ध के बाद उन पर नाजियों के साथ सहयोग करने का भी आरोप लगाया गया।

स्ट्रास एक उत्कृष्ट संवाहक था, जिसकी बदौलत वह पूरी तरह से समझ गया कि ऑर्केस्ट्रा में एक या दूसरे वाद्य यंत्र को कैसे बजाना चाहिए। उन्होंने अक्सर इस ज्ञान को व्यवहार में लागू किया। उन्होंने अन्य संगीतकारों को भी कई सलाह दी, जैसे:

"कभी भी ट्रोम्बन्स को न देखें, आप केवल उन्हें प्रोत्साहित कर रहे हैं।"

“प्रदर्शन करते समय पसीना मत करो; केवल श्रोताओं को गर्म होना चाहिए। "

आज, स्ट्रॉस को मुख्य रूप से उनकी रचना के संबंध में याद किया जाता है इस प्रकार जरथुस्त्र बोला, एक परिचय जिसके लिए स्टेनली कुब्रिक ने अपने 2001 ए स्पेस ओडिसी में इस्तेमाल किया। लेकिन उन्होंने कुछ बेहतरीन जर्मन ओपेरा भी लिखे, उनमें से - नाइट ऑफ़ द रोज़, सैलोम तथा नक्सोस पर एराडने। अपनी मृत्यु से एक साल पहले, उन्होंने भी बहुत सुंदर रचना की चार आखिरी गाने आवाज और ऑर्केस्ट्रा के लिए। सामान्य तौर पर, ये स्ट्रॉस के बहुत अंतिम गीत नहीं थे, लेकिन वे उसकी रचनात्मक गतिविधि का एक प्रकार का समापन बन गए।

अब तक, इस पुस्तक में उल्लिखित रचनाकारों में, स्कैंडिनेविया का केवल एक प्रतिनिधि था - एड्वर्ड ग्रिग। लेकिन अब हमें फिर से इस कठोर और ठंडी भूमि में पहुँचाया गया है - इस बार फिनलैंड में, जहाँ हम पैदा हुए थे जान सिबेलियस, महान संगीत प्रतिभा।

सिबेलियस के संगीत ने अपनी मातृभूमि के मिथकों और किंवदंतियों को अवशोषित किया। उनका सबसे बड़ा काम फ़िनलैंड, फिन्स की राष्ट्रीय भावना का अवतार माना जाता है, जैसे कि एल्गर के कामों को ग्रेट ब्रिटेन में एक राष्ट्रीय खजाने के रूप में मान्यता दी जाती है। इसके अलावा, सिबलियस, महलर की तरह, सिम्फनी का सच्चा स्वामी था।

संगीतकार के अन्य व्यसनों के रूप में, अपने दैनिक जीवन में वह अत्यधिक शराब पीने और धूम्रपान करने का आदी था, इसलिए चालीस वर्ष की आयु में वह गले के कैंसर से ग्रस्त हो गया। उनके पास अक्सर पर्याप्त पैसा नहीं था, और राज्य ने उन्हें पेंशन दी ताकि वह अपनी वित्तीय भलाई के बारे में चिंता किए बिना संगीत लिखना जारी रख सकें। लेकिन अपनी मृत्यु से बीस साल पहले, सिबेलियस ने कुछ भी लिखना बंद कर दिया था। उन्होंने अपना शेष जीवन सापेक्ष एकांत में गुजारा। उन्होंने उन लोगों के बारे में विशेष रूप से कठोरता से बात की जिन्हें उनके संगीत की समीक्षा के लिए पैसे मिले थे:

"आलोचकों का कहना है कि क्या ध्यान नहीं है। अब तक, किसी भी आलोचक को एक मूर्ति नहीं दी गई है। ”

रोमांटिक अवधि के संगीतकारों की हमारी सूची में अंतिम भी 20 वीं शताब्दी के मध्य तक लगभग जीवित रहा, हालांकि उन्होंने 1900 के दशक में अपने सबसे प्रसिद्ध कार्यों को लिखा था। और फिर भी उन्हें रोमांटिक लोगों के बीच स्थान दिया गया है, और यह हमें लगता है कि वह पूरे समूह के सबसे रोमांटिक संगीतकार हैं।

सर्गेई वसीलीविच रहमानिनोव एक महान परिवार में पैदा हुआ था, जो उस समय तक बहुत पैसा खर्च कर चुका था। संगीत में उनकी रुचि बचपन में ही प्रकट हो गई थी, और उनके माता-पिता ने उन्हें सेंट पीटर्सबर्ग में और फिर मास्को में अध्ययन करने के लिए भेजा।

Rachmaninov एक आश्चर्यजनक प्रतिभाशाली पियानोवादक थे, और उन्होंने एक अद्भुत संगीतकार भी बनाया।

अपना पियानो कॉन्सर्ट नंबर 1 उन्नीस में उन्होंने लिखा था। उन्हें अपने पहले ओपेरा के लिए समय मिला, Aleko।

लेकिन यह महान संगीतकार, एक नियम के रूप में, जीवन से विशेष रूप से प्रसन्न नहीं था। कई तस्वीरों में, हम एक गुस्से में डूबते हुए आदमी को देखते हैं। एक और रूसी संगीतकार, इगोर स्ट्रविंस्की ने एक बार टिप्पणी की थी:

“राचमानिनॉफ का अमर सार उसका भौकाल था। वह साढ़े छह फुट का था ... वह एक डरावना आदमी था। "

जब युवा रचमानिनॉफ त्चिकोवस्की के लिए खेले, तो वह इतने खुश हुए कि उन्होंने अपने स्कोर की शीट पर चार प्लसस के साथ ए लगा दिया - मॉस्को कंजर्वेटरी के इतिहास में सर्वोच्च अंक। जल्द ही पूरे शहर ने युवा प्रतिभा के बारे में बात करना शुरू कर दिया।

फिर भी, भाग्य लंबे समय तक संगीतकार के प्रतिकूल रहा।

आलोचक उनके बारे में बहुत कठोर थे सिम्फनी नंबर 1, जिसका प्रीमियर फेल हो गया। इससे रचमेनिनोव को भारी भावनात्मक संकट मिला, उन्होंने अपनी ताकत में विश्वास खो दिया और आम तौर पर कुछ भी रचना नहीं कर सके।

अंत में, केवल एक अनुभवी मनोचिकित्सक निकोलाई डाहल की मदद ने उन्हें संकट से बाहर निकलने की अनुमति दी। 1901 तक, राचमानिनॉफ ने एक पियानो कंसर्ट पूरा किया था, जिसमें उन्होंने कई वर्षों तक कड़ी मेहनत की थी, और जिसे उन्होंने डॉ। डाहल को समर्पित किया था। इस बार दर्शकों ने संगीतकार के काम को खुशी के साथ बधाई दी। जबसे पियानो और ऑर्केस्ट्रा नंबर 2 के लिए कॉन्सर्ट दुनिया भर के विभिन्न संगीत समूहों द्वारा किया जाने वाला एक प्रिय शास्त्रीय टुकड़ा बन गया है।

रचमेनिनोव ने यूरोप और अमरीका का दौरा शुरू किया। रूस लौटकर, उन्होंने आचरण किया और रचना की।

1917 की क्रांति के बाद, राचमानिनोव और उनका परिवार स्कैंडिनेविया में संगीत कार्यक्रमों में गए। वह कभी घर नहीं लौटा। इसके बजाय, वह स्विट्जरलैंड चला गया, जहाँ उसने ल्यूसर्न झील के किनारे एक घर खरीदा। वह हमेशा जलाशयों से प्यार करता था और अब, जब वह एक अमीर आदमी बन गया, तो वह किनारे पर आराम कर सकता था और उद्घाटन परिदृश्य की प्रशंसा कर सकता था।

Rachmaninoff एक उत्कृष्ट कंडक्टर थे और हमेशा इस क्षेत्र में उत्कृष्टता प्राप्त करने के इच्छुक लोगों को निम्नलिखित सलाह देते थे:

“एक अच्छा कंडक्टर एक अच्छा चालबाज़ होना चाहिए। दोनों को समान गुणों की आवश्यकता है: एकाग्रता, निरंतर गहन ध्यान और मन की उपस्थिति। कंडक्टर को केवल संगीत को थोड़ा जानना होगा ... "

1935 में, Rachmaninoff ने संयुक्त राज्य में बसने का फैसला किया। वह पहले न्यूयॉर्क में रहते थे, और फिर लॉस एंजिल्स चले गए। वहां उन्होंने अपने लिए एक नया घर बनाना शुरू किया, जो पूरी तरह से मास्को में उनके द्वारा छोड़े गए समान था।

टर्चिन, वी.एस.

रोमांस के तीन सब्स्क्राइब जैसे ही आप हमारी पुस्तक के माध्यम से स्क्रॉल करते हैं, आप देखेंगे कि यह इसके सभी अध्यायों में सबसे बड़ा है, जिसमें बत्तीस से कम संगीतकारों का उल्लेख नहीं है। उनमें से कई अलग-अलग देशों में एक साथ रहते और काम करते थे। इसलिए, हमने इस अध्याय को तीन खंडों में विभाजित किया है: “प्रारंभिक