जापानी पेंटिंग। समकालीन जापानी पेंटिंग

जापान की मोनोक्रोम पेंटिंग ओरिएंटल कला की अनूठी घटनाओं में से एक है। बहुत सारे काम और शोध इसके लिए समर्पित किए गए हैं, लेकिन इसे अक्सर बहुत सशर्त चीज़ के रूप में माना जाता है, और कभी-कभी सजावटी भी। ऐसा नहीं है। जापानी कलाकार की आध्यात्मिक दुनिया बहुत समृद्ध है, और वह सौंदर्य घटक के बारे में इतना ध्यान नहीं रखती है जितना कि आध्यात्मिक के बारे में। पूर्व की कला बाहरी और आंतरिक, स्पष्ट और अंतर्निहित का एक संश्लेषण है।

इस पोस्ट में मैं मोनोक्रोम पेंटिंग के इतिहास पर नहीं, बल्कि इसके सार पर ध्यान देना चाहूंगा। इस पर चर्चा की जाएगी।

स्क्रीन "पाइन्स" हसेगावा तोहाकु, 1593

मोनोक्रोम चित्रों में हम जो देखते हैं, वह कलाकार के पाइन ट्राइड के साथ बातचीत का परिणाम है: कागज, ब्रश, स्याही। इसलिए, काम को सही ढंग से समझने के लिए, कलाकार को स्वयं और उसके दृष्टिकोण को समझना चाहिए।

"लैंडस्केप" सेशु, 1398।

कागज़ एक जापानी मास्टर के लिए, यह केवल एक कामचलाऊ सामग्री नहीं है जिसे वह अपने फुफकार के अधीन करता है, बल्कि इसके विपरीत - यह एक "भाई" है, इसलिए उसके अनुसार रवैया विकसित हुआ है। पेपर आस-पास की प्रकृति का एक हिस्सा है, जिसे जापानियों ने हमेशा तन्हाई के साथ माना है और खुद को वश में करने की कोशिश नहीं की है, बल्कि शांति से उसके साथ सहवास करने की कोशिश की है। कागज अतीत में एक पेड़ है जो एक निश्चित क्षेत्र में खड़ा था, एक निश्चित समय के लिए, इसके चारों ओर कुछ "देखा", और यह यह सब संग्रहीत करता है। यह एक जापानी कलाकार सामग्री को मानता है। अक्सर, काम शुरू करने से पहले, स्वामी ने लंबे समय तक कागज की एक खाली शीट (इस पर विचार किया) को देखा और उसके बाद ही पेंटिंग शुरू की। अब भी, समकालीन जापानी कलाकार जो निहोन-गा तकनीक (पारंपरिक जापानी पेंटिंग) का अभ्यास करते हैं, सावधानी से कागज का चयन करते हैं। वे इसे पेपर मिलों से ऑर्डर करने के लिए खरीदते हैं। एक निश्चित मोटाई, नमी पारगम्यता और बनावट के प्रत्येक कलाकार के लिए (कई कलाकार कारखाने के मालिक के साथ एक अनुबंध में भी प्रवेश करते हैं कि यह कागज दूसरे कलाकारों को न बेचा जाए) - इसलिए, प्रत्येक पेंटिंग को कुछ अनोखा और जीवित माना जाता है।

"बम्बू ग्रोव में पढ़ना" साइबुन, 1446।

इस सामग्री के महत्व के बारे में बात करते हुए, यह जापानी साहित्य के ऐसे प्रसिद्ध स्मारकों का उल्लेख करने के लायक है, जो मुरीसाकी शिबिबू द्वारा "शी हेडगन" और "जिंजी मोनोगोटरी" द्वारा "हेडबोर्ड पर नोट्स": "नोट्स" और "जिंजी" दोनों में आप कहानियां पा सकते हैं जब दरबारियों या प्रेमी संदेशों का आदान-प्रदान करते हैं। ... जिस कागज पर ये संदेश लिखे गए थे, वह उपयुक्त मौसम, छाया और पाठ लिखने के तरीके की बनावट के अनुरूप था।

"मुरासाकी शिकिबु इशिअमा श्राइन में" कसेन द्वारा

ब्रश - दूसरा घटक मास्टर के हाथ की निरंतरता है (फिर से, यह एक प्राकृतिक सामग्री है)। इसलिए, ब्रश को ऑर्डर करने के लिए भी बनाया गया था, लेकिन ज्यादातर कलाकार खुद से। उन्होंने आवश्यक लंबाई के बाल उठाए, ब्रश के आकार और सबसे आरामदायक पकड़ को चुना। मास्टर केवल अपने ब्रश के साथ लिखते हैं और कोई अन्य नहीं। (व्यक्तिगत अनुभव से: मैं चीनी कलाकार जियांग शिलुन के मास्टर वर्ग में था, दर्शकों को यह दिखाने के लिए कहा गया था कि मास्टर क्लास में मौजूद उनके छात्र क्या कर सकते हैं, और उनमें से प्रत्येक ने मास्टर ब्रश को उठाते हुए कहा कि इससे कोई फायदा नहीं होगा। , चूंकि ब्रश उनका नहीं है, इसलिए वे इसका उपयोग नहीं करते हैं और यह नहीं जानते कि इसका सही उपयोग कैसे किया जाए)।

कटुशिका होकुसाई द्वारा "फ़ूजी" इंक स्केच

काजल तीसरा महत्वपूर्ण तत्व है। काजल विभिन्न प्रकार के होते हैं: सूखने के बाद, यह एक चमकदार या मैट प्रभाव दे सकता है, इसे चांदी या गेरू रंगों के साथ मिलाया जा सकता है, इसलिए काजल का सही विकल्प भी महत्वहीन नहीं है।

यमामोटो बेत्सु, 18 वीं - 19 वीं सदी के अंत में।

मोनोक्रोम पेंटिंग के मुख्य विषय परिदृश्य हैं। उनमें कोई रंग क्यों नहीं है?

जुड़वां स्क्रीन "पाइंस", हसेगावा तोहाकू

सबसे पहले, जापानी कलाकार को स्वयं वस्तु में कोई दिलचस्पी नहीं है, लेकिन इसके सार में, एक निश्चित घटक जो सभी जीवित चीजों के लिए सामान्य है और मनुष्य और प्रकृति के बीच सद्भाव की ओर जाता है। इसलिए, छवि हमेशा एक संकेत है, यह हमारी इंद्रियों को संबोधित है, न कि देखने के लिए। अंडरस्टैमेंट संवाद के लिए एक उत्तेजना है, जिसका अर्थ है कनेक्शन। रेखाएं और धब्बे छवि में महत्वपूर्ण हैं - वे कलात्मक भाषा बनाते हैं। यह स्वामी की स्वतंत्रता नहीं है, जिसने एक मोटा निशान छोड़ दिया, जहां वह चाहता था, लेकिन दूसरी जगह, इसके विपरीत, पेंट नहीं किया - चित्र में सब कुछ का अपना अर्थ और अर्थ है, और एक यादृच्छिक चरित्र को सहन नहीं करता है।

दूसरे, रंग हमेशा किसी प्रकार के भावनात्मक रंग को वहन करता है और अलग-अलग राज्यों में अलग-अलग लोगों द्वारा अलग-अलग माना जाता है, इसलिए, भावनात्मक तटस्थता दर्शक को धारणा, चिंतन, विचार के लिए उसे संवाद करने के लिए सबसे पर्याप्त रूप से एक संवाद में प्रवेश करने की अनुमति देती है।

तीसरा, यह यिन और यांग की बातचीत है, किसी भी मोनोक्रोम तस्वीर स्याही और कागज के अछूते क्षेत्र के अनुपात के संदर्भ में सामंजस्यपूर्ण है।

अधिकांश पेपर स्पेस अप्रयुक्त क्यों है?

"लैंडस्केप" साइबुन, 15 वीं शताब्दी के मध्य में।

सबसे पहले, खाली स्थान दर्शक को छवि में डुबो देता है; दूसरी बात, चित्र बनाया जाता है जैसे कि यह क्षण भर में सतह पर आ गया है और गायब होने वाला है - यह विश्वदृष्टि और विश्वदृष्टि के कारण है; तीसरा, उन क्षेत्रों में जहां स्याही नहीं है, कागज की बनावट और छाया सामने आती है (यह हमेशा प्रजनन पर दिखाई नहीं देता है, लेकिन वास्तव में यह हमेशा दो सामग्रियों - कागज और स्याही की परस्पर क्रिया है)।

सेशु, 1446

क्यों परिदृश्य?

जॉर्जियाई, 1478 द्वारा "फॉल्स का योगदान"

जापानी विश्वदृष्टि के अनुसार, प्रकृति मनुष्य की तुलना में अधिक परिपूर्ण है, इसलिए उसे उससे सीखना चाहिए, हर संभव तरीके से इसका ध्यान रखना चाहिए, और नष्ट या अधीन नहीं करना चाहिए। इसलिए, कई परिदृश्यों में आप लोगों की छोटी छवियां देख सकते हैं, लेकिन वे हमेशा नगण्य होते हैं, परिदृश्य के संबंध में छोटे होते हैं, या झोपड़ियों की छवियां जो आसपास के स्थान में अंकित होती हैं और हमेशा ध्यान देने योग्य नहीं होती हैं - ये सभी विश्वदृष्टि के प्रतीक हैं।

"सीज़न्स: ऑटम एंड विंटर" सेशु। "लैंडस्केप" सेशु, 1481

अंत में, मैं कहना चाहता हूं कि मोनोक्रोम जापानी पेंटिंग पूरी तरह से टूटी हुई स्याही नहीं है, यह कलाकार के आंतरिक अहंकार की एक सनकी नहीं है - यह छवियों और प्रतीकों की एक पूरी प्रणाली है, यह दार्शनिक विचार का भंडार है, और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि अपने आप को और अपने आसपास की दुनिया और संचार का एक तरीका है।

यहाँ, मुझे लगता है कि, मोनोक्रोम जापानी चित्रकला के साथ सामना करने पर दर्शक के सामने आने वाले मुख्य प्रश्नों के उत्तर हैं। मुझे उम्मीद है कि वे इसे सही ढंग से समझने में मदद करेंगे और मिलने पर इसे महसूस करेंगे।

जापानी शास्त्रीय चित्रकला का एक लंबा और दिलचस्प इतिहास है। जापानी ललित कलाओं को विभिन्न शैलियों और शैलियों में दर्शाया जाता है, जिनमें से प्रत्येक अपने तरीके से अद्वितीय है। प्राचीन चित्रित मूर्तियों और ज्यामितीय रूपांकनों का पता कांस्य डॉटाकू घंटियों और मिट्टी के बर्तनों की शार्प्स से 300 ईस्वी पूर्व का है।

बौद्ध कला अभिविन्यास

जापान में, दीवार पेंटिंग की कला अच्छी तरह से विकसित हुई थी, 6 वीं शताब्दी में, बौद्ध धर्म के दर्शन के विषय पर छवियां विशेष रूप से लोकप्रिय थीं। उस समय, देश में बड़े मंदिर बनाए जा रहे थे, और उनकी दीवारों को हर जगह बौद्ध मिथकों और किंवदंतियों के विषयों पर चित्रित भित्ति चित्रों से सजाया गया था। जापानी शहर नारा के पास होरुजी मंदिर में अभी भी दीवार पेंटिंग के प्राचीन उदाहरण हैं। होरुजी के भित्ति चित्र बुद्ध और अन्य देवताओं के जीवन के दृश्यों को दर्शाते हैं। इन भित्ति चित्रों की कलात्मक शैली सांग राजवंश के दौरान चीन में प्रचलित चित्रात्मक अवधारणा के बहुत करीब है।

तांग राजवंश की चित्रकला शैली ने नारा काल के मध्य में विशेष लोकप्रियता प्राप्त की। ताकामात्सुका मकबरे में पाए जाने वाले भित्तिचित्र इस अवधि और 7 वीं शताब्दी ईस्वी के आसपास के हैं। तांग राजवंश के प्रभाव में गठित कलात्मक तकनीक ने बाद में करा-ए की पेंटिंग शैली का आधार बनाया। यह शैली तब तक लोकप्रिय रही जब तक यमातो-ए शैली में पहला काम नहीं हुआ। ज्यादातर भित्ति चित्र और पेंटिंग मास्टरपीस अज्ञात लेखकों के ब्रश से संबंधित हैं, आज उस अवधि के कई कार्यों को सेसोइन ट्रेजरी में रखा गया है।

तेंदुए जैसे नए बौद्ध स्कूलों के बढ़ते प्रभाव ने 8 वीं और 9 वीं शताब्दी में जापानी दृश्य कला के व्यापक धार्मिक अभिविन्यास को प्रभावित किया। 10 वीं शताब्दी में, जिसने जापानी बौद्ध धर्म में एक विशेष प्रगति देखी, रैगोडज़ू की शैली, "स्वागत चित्रों", पश्चिमी स्वर्ग में बुद्ध के आगमन को दर्शाती है। 1053 से रायगोडज़ू के प्रारंभिक उदाहरण बेदो-इन मंदिर में देखे जा सकते हैं, जो उजी सिटी, क्योटो प्रान्त में संरक्षित है।

बदलती शैलियों

हीयन काल के मध्य में, करा-ए की चीनी शैली को यामाटो-ए की शैली से बदल दिया गया था, जो लंबे समय तक जापानी चित्रकला की सबसे लोकप्रिय और मांग वाली शैलियों में से एक बन गई। नई पेंटिंग शैली मुख्य रूप से तह स्क्रीन और स्लाइडिंग दरवाजों की पेंटिंग पर लागू की गई थी। समय के साथ, यामातो-ए भी क्षैतिज एमाकिमोनो स्क्रॉल में चली गई। इमकी की शैली में काम करने वाले कलाकारों ने अपने काम में चुने हुए कथानक की सभी भावनात्मकता को व्यक्त करने की कोशिश की। जेनजी मोनोगेटरी स्क्रॉल में कई एपिसोड शामिल थे, जिसमें तेज स्ट्रोक और चमकीले, स्पष्ट रंगों का उपयोग करते हुए समय के कलाकार शामिल थे।

ई-माकी पुरुषों के चित्रण की शैली ओटोको-ई के सबसे पुराने और सबसे प्रमुख उदाहरणों में से एक है। महिलाओं के चित्रों को एक अलग शैली के रूप में एकना-ए-एकल किया जाता है। इन शैलियों के बीच, वास्तव में, साथ ही पुरुषों और महिलाओं के बीच, काफी महत्वपूर्ण अंतर हैं। ओना-ए शैली को रंगीन रूप से जेनजी के टेल के डिजाइन में दर्शाया गया है, जहां चित्रों के मुख्य विषयों में रोमांटिक भूखंड, अदालत के जीवन के दृश्य शामिल हैं। पुरुष ओटोको-ई शैली मुख्य रूप से साम्राज्य के जीवन में ऐतिहासिक लड़ाइयों और अन्य महत्वपूर्ण घटनाओं का एक कलात्मक चित्रण है।

शास्त्रीय जापानी कला स्कूल आधुनिक जापानी कला के विचारों के विकास और संवर्धन के लिए एक उपजाऊ जमीन बन गया है, जिसमें पॉप संस्कृति और एनीमे का प्रभाव काफी स्पष्ट रूप से पता लगाया जाता है। हमारे समय के सबसे प्रसिद्ध जापानी कलाकारों में से एक को ताकाशी मुराकामी कहा जा सकता है, जिसका काम युद्ध के बाद की अवधि में जापानी जीवन के दृश्यों के चित्रण और ललित कला और अधिकतम मुख्यधारा के संलयन की अवधारणा को समर्पित है।

शास्त्रीय स्कूल के प्रसिद्ध जापानी कलाकारों में निम्नलिखित शामिल हैं।

तनाव शुबुन

शुबुन ने 15 वीं शताब्दी की शुरुआत में काम किया, गाने के वंश के चीनी स्वामी के कार्यों का अध्ययन करने के लिए बहुत समय समर्पित किया, यह आदमी जापानी ललित कला शैली के मूल में था। शुबुन को सुमी-ई शैली, मोनोक्रोम इंक पेंटिंग का संस्थापक माना जाता है। उन्होंने नई शैली को लोकप्रिय बनाने के लिए बहुत प्रयास किए, इसे जापानी चित्रकला की अग्रणी दिशाओं में से एक में बदल दिया। शुबुन के छात्रों में कई लोग शामिल थे जो बाद में प्रसिद्ध कलाकार बन गए, जिनमें सेशु और प्रसिद्ध कला विद्यालय के संस्थापक कानो मसानोबू शामिल थे। कई परिदृश्यों को स्यूबुन के लेखकत्व के लिए जिम्मेदार ठहराया गया है, लेकिन उनके सबसे प्रसिद्ध काम को पारंपरिक रूप से एक बांस ग्रोव में पढ़ना माना जाता है।

ओगाटा कोरिन (1658-1716)

ओगाता कोरिन जापानी चित्रकला के इतिहास में सबसे महान कलाकारों में से एक है, जो संस्थापक और रिंपल शैली के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक है। अपने कार्यों में, कोरिन ने साहसपूर्वक पारंपरिक रूढ़ियों से दूर चले गए, अपनी शैली का निर्माण किया, जिनमें से मुख्य विशेषताएं छोटे रूप और कथानक की विशद छाप थी। कोरिन प्रकृति को चित्रित करने और अमूर्त रंग रचनाओं के साथ काम करने में अपने विशेष कौशल के लिए जाने जाते हैं। "प्लम ब्लॉसम रेड एंड व्हाइट" ओगाटा कोरिन की सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक है, उनके चित्रों "क्रिसेंटेन्थम्स", "वाट्स ऑफ मत्सुशिमा" और कई अन्य लोगों को भी जाना जाता है।

हसेगावा तोकू (1539-1610)

तोखू जापानी कला विद्यालय हसेगावा के संस्थापक हैं। Tohaku के काम की शुरुआती अवधि जापानी चित्रकला के प्रसिद्ध स्कूल के प्रभाव की विशेषता है कानो, लेकिन समय के साथ कलाकार ने अपनी अनूठी शैली बनाई है। कई मायनों में, टोहकू का काम मान्यता प्राप्त गुरु सेशु के कार्यों से प्रभावित था, होसगावा ने खुद को इस महान मास्टर का पांचवां उत्तराधिकारी भी माना था। हसेगावा तोहाकू की पेंटिंग "पाइंस" विश्व प्रसिद्ध हो गई है, उनकी रचनाएं "मेपल", "पाइंस और फूलों के पौधे" और अन्य भी ज्ञात हैं।

कानो इटकू (1543-1590)

कानो स्कूल की शैली लगभग चार शताब्दियों के लिए जापान में दृश्य कला पर हावी है, और कानो इटकू शायद इस कला स्कूल के सबसे प्रसिद्ध और प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक है। ईटोकू को अधिकारियों द्वारा दयालुता से व्यवहार किया गया था, अभिजात और धनाढ्य संरक्षकों का संरक्षण, लेकिन अपने स्कूल की मजबूती और इस के कार्यों की लोकप्रियता में योगदान नहीं कर सका, निस्संदेह, एक बहुत ही प्रतिभाशाली कलाकार। साइतोस आठ-पैनल स्लाइडिंग स्क्रीन, जिसे इटकू कानो द्वारा चित्रित किया गया है, एक सच्ची कृति है और मोनॉयमा शैली के दायरे और शक्ति का एक ज्वलंत उदाहरण है। मास्टर के अन्य कार्य कम दिलचस्प नहीं दिखते हैं, जैसे कि "बर्ड्स एंड ट्रीज़ ऑफ द फोर सीजन्स", "चाइनीज लॉयन्स", "हर्मिट्स एंड फेयरी" और कई अन्य।

कटुशिका होकुसाई (1760-1849)

होकुसाई यूकेयो-ई (जापानी वुडकट) शैली का सबसे बड़ा स्वामी है। होकुसाई के काम को दुनिया भर में पहचान मिली है, अन्य देशों में उनकी प्रसिद्धि अधिकांश एशियाई कलाकारों की लोकप्रियता के साथ तुलना नहीं है, उनका काम "द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा" विश्व कला परिदृश्य पर जापानी ललित कलाओं का विजिटिंग कार्ड बन गया है। अपने रचनात्मक पथ पर, होकुसाई ने तीस से अधिक छंदों का इस्तेमाल किया, साठ के बाद कलाकार ने खुद को पूरी तरह से कला के लिए समर्पित कर दिया और यह वह समय था जो उनके काम का सबसे फलदायी दौर माना जाता है। होकुसाई के काम ने पश्चिमी प्रभाववादी और पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट स्वामी के काम को प्रभावित किया, जिसमें रेनॉयर, मोनेट और वैन गॉग के काम शामिल हैं।

प्रत्येक देश की समकालीन कला के अपने नायक हैं, जिनके नाम सुविख्यात हैं, जिनकी प्रदर्शनियों में प्रशंसकों और उत्सुक लोगों की भीड़ जमा होती है और जिनके काम निजी संग्रह में बिखरे हुए हैं।

इस लेख में, हम आपको जापान के कुछ सबसे लोकप्रिय समकालीन कलाकारों से मिलवाएंगे।

कीको तानबे

क्योटो में जन्मी केइको ने एक बच्चे के रूप में कई कला प्रतियोगिताएं जीतीं, लेकिन उन्होंने कला में स्नातक नहीं किया। उसने टोक्यो में एक जापानी स्व-सरकारी व्यापार संगठन, सैन फ्रांसिस्को में एक बड़ी कानूनी फर्म और सैन डिएगो में एक निजी परामर्शदाता फर्म के अंतरराष्ट्रीय संबंध विभाग में काम किया है और बड़े पैमाने पर यात्रा की है। उसने 2003 में अपनी नौकरी छोड़ दी और सैन डिएगो में वॉटरकलर पेंटिंग की मूल बातें सीख लीं, खुद को विशेष रूप से कला के लिए समर्पित कर दिया।

इकेनागा यासुनरी

जापानी कलाकार इकेनागा यासुनारी ने प्राचीन जापानी चित्रकला परंपरा में समकालीन महिलाओं के चित्रों को आधार के रूप में मेंसो ब्रश, मिनरल पिगमेंट, कार्बन ब्लैक, इंक और लिनन का उपयोग करते हुए चित्रित किया है। उनके पात्र हमारे समय की महिलाएं हैं, लेकिन निहॉन्गा शैली के लिए धन्यवाद, किसी को यह महसूस होता है कि वे पुराने समय से हमारे पास आए थे।

अबे तोषियुकी

आबे तोशीयुकी एक यथार्थवादी कलाकार हैं, जिन्हें जल रंग तकनीक में पूरी तरह से महारत हासिल है। आबे को एक कलाकार-दार्शनिक कहा जा सकता है: वह मूल रूप से प्रसिद्ध स्थलों को चित्रित नहीं करते हैं, व्यक्तिपरक आंतरिक रचनाओं को पसंद करते हैं जो उन्हें देखने वाले व्यक्ति की आंतरिक स्थितियों को दर्शाते हैं।

हिरोको सकई

एक कलाकार के रूप में हिरोको सकाई का करियर फुकुओका में 90 के दशक की शुरुआत में शुरू हुआ। सीनन गाकुइन विश्वविद्यालय और निहोन फ्रेंच स्कूल ऑफ इंटीरियर डिज़ाइन इन डिज़ाइन एंड विज़ुअलाइज़ेशन से स्नातक होने के बाद, उन्होंने एटेलियर यूम-त्सुमुगी लिमिटेड की स्थापना की। और 5 वर्षों के लिए इस स्टूडियो का सफलतापूर्वक प्रबंधन किया। उनके कई काम जापान में अस्पतालों, बड़े निगमों और कुछ नगरपालिका भवनों के लॉबी को सजाते हैं। यूएसए जाने के बाद, हिरोको तेलों में पेंट करना शुरू कर दिया।

रियासुके फुकाहोरी

Riusuki Fukahori का त्रि-आयामी कार्य होलोग्राम के समान है। उन्हें ऐक्रेलिक पेंट के साथ बनाया गया है, कई परतों में लगाया गया है, और राल का एक पारदर्शी तरल - यह सब, पारंपरिक तरीकों को छोड़कर नहीं है जैसे कि छाया बनाना, किनारों को नरम करना, पारदर्शिता को नियंत्रित करना, Riusuki को मूर्तिकला चित्रों को बनाने की अनुमति देता है और काम को गहराई और यथार्थवाद देता है।

नत्सुकी ओटानी

नत्सुकी ओटानी इंग्लैंड में रहने और काम करने वाले प्रतिभाशाली जापानी चित्रकार हैं।

मकोतो मुरामत्सु

Makoto मुरामात्सु ने अपनी कला के आधार के रूप में एक जीत-जीत थीम को चुना - वह बिल्लियों को खींचता है। उनकी तस्वीरें दुनिया भर में लोकप्रिय हैं, खासकर पहेली के रूप में।

ततसुया मिशिमा

समकालीन जापानी कलाकार मिशिमा की अधिकांश पेंटिंग तेल में बनी हैं। वह पेशेवर रूप से 90 के दशक से पेंटिंग में लगी हुई है, उसके पास कई एकल प्रदर्शनियां हैं और बड़ी संख्या में सामूहिक प्रदर्शनियां हैं, दोनों जापानी और विदेशी।

नमस्कार प्रिय पाठकों - ज्ञान और सत्य के साधक!

जापानी कलाकारों को उनकी अनूठी शैली द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, कलाकारों की पीढ़ियों द्वारा सम्मानित किया जाता है। आज हम जापानी चित्रकला के सबसे प्रमुख प्रतिनिधियों और उनके चित्रों के बारे में बात करेंगे, प्राचीन काल से आधुनिक समय तक।

अच्छा, चलो उगते सूरज की भूमि की कला में डुबकी लगाते हैं।

कला की उत्पत्ति

जापानी चित्रकला की प्राचीन कला मुख्य रूप से लेखन की ख़ासियतों से जुड़ी है और इसलिए सुलेख की नींव पर आधारित है। पहले नमूनों में कांस्य घंटियाँ, व्यंजन और खुदाई के दौरान पाए जाने वाले घरेलू सामान शामिल हैं। उनमें से कई को प्राकृतिक रंगों से चित्रित किया गया था, और शोध से पता चलता है कि उत्पादों को 300 ईसा पूर्व से पहले बनाया गया था।

कला के विकास में एक नया चरण जापान में आने के साथ शुरू हुआ। इमाकिमोनो पर - कागज से बने विशेष स्क्रॉल - बौद्ध धर्म के देवताओं के चित्र, शिक्षक के जीवन से भूखंड और उनके अनुयायियों के चित्र लगाए गए।

चित्रकला में धार्मिक विषयों की प्रधानता का पता मध्ययुगीन जापान में लगाया जा सकता है, अर्थात् 10 वीं से 15 वीं शताब्दी तक। काश, उस युग के कलाकारों के नाम आज तक नहीं बचे होते।

15 वीं से 18 वीं शताब्दी की अवधि में, एक नया युग शुरू होता है, जिसमें एक विकसित व्यक्तिगत शैली के साथ कलाकारों का उदय होता है। उन्होंने ललित कला के आगे विकास के लिए वेक्टर को चिह्नित किया।

अतीत के उज्ज्वल प्रतिनिधि

तनाव शुबुन (15 वीं शताब्दी की शुरुआत)

एक प्रतिष्ठित गुरु बनने के लिए, शीबुन ने चीन के गीत कलाकारों की लेखन तकनीक और उनके काम का अध्ययन किया। इसके बाद, वह जापान में चित्रकला के संस्थापक और सुमी-ई के निर्माता बन गए।

सुमी-ई एक कला शैली है जो स्याही चित्रकला पर आधारित है, जिसका अर्थ है एक रंग।

शुबुन ने यह सुनिश्चित करने के लिए बहुत कुछ किया कि नई शैली ने कला मंडलियों में जड़ें जमा लीं। उन्होंने अन्य प्रतिभाओं को कला सिखाई, जिनमें भविष्य के प्रसिद्ध चित्रकार भी शामिल हैं, जैसे सेशु।

शुबुन की सबसे लोकप्रिय पेंटिंग को रीडिंग इन द बम्बू ग्रोव कहा जाता है।

"टशन शुबुन द्वारा" बम्बू ग्रोव में पढ़ना "

हसेगावा तोकू (1539-1610)

वह खुद के नाम पर एक स्कूल के संस्थापक बने - हसेगावा। पहले तो उन्होंने कानो स्कूल के विद्यालयों का अनुसरण करने की कोशिश की, लेकिन धीरे-धीरे उनके काम में व्यक्तिगत "लिखावट" का पता लगाया जाने लगा। सेशू के ग्राफिक्स द्वारा टहाकू को निर्देशित किया गया था।

कार्य सरल, लेकोनिक पर आधारित थे, लेकिन अपूर्ण नामों के साथ यथार्थवादी परिदृश्य:

• "पाइंस";
• "मेपल";
• "पाइन एंड फ्लावरिंग प्लांट्स"।

"द पाइंस", हसेगावा तोहाकू

ब्रदर्स ओगाटा कोरिन (1658-1716) और ओगाटा केनज़ान (1663-1743)

भाई 18 वीं शताब्दी के उत्कृष्ट कारीगर थे। सबसे बड़ी, ओगाता कोरिन ने खुद को पूरी तरह से पेंटिंग के लिए समर्पित किया और रिम्प शैली की स्थापना की। उन्होंने प्रभाववादी शैली को तरजीह देते हुए रूढ़िवादी छवियों से परहेज किया।

ओगाटा कोरिन ने विशेष रूप से अमूर्तता की चमक के रूप में प्रकृति को सामान्य रूप से और फूलों में चित्रित किया। उनके ब्रश चित्रों के हैं:

• "प्लम खिलना लाल और सफेद";
• "वात ऑफ़ मात्सुशिमा";
• "Chrysanthemums"।

ओगाता कोरिन द्वारा "वाट्स ऑफ मत्सुशिमा"

छोटे भाई, ओगाटा केनज़ेन के पास कई छद्म शब्द थे। हालाँकि वे पेंटिंग में लगे हुए थे, लेकिन वे एक अद्भुत समारोह के रूप में अधिक प्रसिद्ध थे।

ओगाटा केनजेन कई मिट्टी के बर्तनों की तकनीक में कुशल थी। वह एक गैर-मानक दृष्टिकोण से प्रतिष्ठित था, उदाहरण के लिए, उसने एक वर्ग के रूप में प्लेटें बनाईं।

उनकी खुद की पेंटिंग वैभव से प्रतिष्ठित नहीं थी - यह उनकी विशेषता भी थी। उन्हें कविता से स्क्रॉल या अंश जैसे उत्पादों के लिए सुलेख लागू करना पसंद था। कभी-कभी वे अपने भाई के साथ मिलकर काम करते थे।

कटुशिका होकुसाई (1760-1849)

उन्होंने ukiyo-e शैली में काम किया - एक प्रकार का लकड़बग्घा, दूसरे शब्दों में, पेंटिंग उकेरा। रचनात्मकता के सभी समय के लिए, उन्होंने लगभग 30 नामों को बदल दिया। सबसे प्रसिद्ध काम - "द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा", जिसके लिए वह अपनी मातृभूमि के बाहर प्रसिद्ध हो गया।

होकुसाई कटुशिका द्वारा द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा

होकुसाई ने 60 वर्षों के बाद विशेष रूप से कड़ी मेहनत करना शुरू कर दिया, जिससे अच्छे परिणाम आए। वान गाग, मोनेट, रेनॉइर अपने काम से परिचित थे, और एक निश्चित सीमा तक इसने यूरोपीय स्वामी के कार्यों को प्रभावित किया।

एंडो हिरोशिगे (1791-1858)

19 वीं शताब्दी के महानतम चित्रकारों में से एक। जन्मे, रहते थे, एडो में काम किया, होकुसाई का काम जारी रखा, उनके कार्यों से प्रेरित थे। जिस तरह से उन्होंने प्रकृति को चित्रित किया है वह लगभग खुद की संख्या के अनुसार हड़ताली है।

एदो टोक्यो का पूर्व नाम है।

यहां उनके काम के बारे में कुछ आंकड़े हैं, जो चित्रों के एक चक्र द्वारा दर्शाए गए हैं:

• 5.5 हजार - सभी उत्कीर्णन की संख्या;
• “ईदो के 100 दृश्य;
• "फूजी के 36 विचार";
• "किस्कोकेडो के 69 स्टेशन";
• "टोकेडो के 53 स्टेशन"।

अंडो हिरोशिगे द्वारा पेंटिंग

दिलचस्प बात यह है कि, उत्कृष्ट वान गाग ने अपने प्रिंट की कुछ प्रतियों को चित्रित किया।

आधुनिकता

तकाशी मुराकामी

पेंटर, मूर्तिकार, फैशन डिजाइनर, उन्होंने 20 वीं शताब्दी के अंत में एक नाम कमाया। अपने काम में, वह क्लासिक्स के तत्वों के साथ फैशन के रुझान का पालन करता है, और एनीमे और मंगा कार्टून से प्रेरणा लेता है।

तकाशी मुराकामी द्वारा पेंटिंग

ताकाशी मुराकामी की कृतियों को उपसंस्कृति के रूप में वर्गीकृत किया गया है, लेकिन वे अविश्वसनीय रूप से लोकप्रिय हैं। उदाहरण के लिए, 2008 में, उनके एक काम को नीलामी में $ 15 मिलियन से अधिक में खरीदा गया था। एक समय में, आधुनिक निर्माता ने फैशन हाउस मार्क जैकब्स और लुई वुइटन के साथ मिलकर काम किया।

तिच्चो असीमा

पिछले कलाकार की साथी, वह आधुनिक असली पेंटिंग बनाती है। वे शहरों के दृश्य, मेगालोपोलिज़ की सड़कों और प्राणियों को दर्शाते हैं जैसे कि एक और ब्रह्मांड से - भूत, बुरी आत्माएं, विदेशी लड़कियां। चित्रों की पृष्ठभूमि में, आप अक्सर प्राचीन देख सकते हैं, कभी-कभी भयावह प्रकृति भी।

उसके चित्र बड़े आकार तक पहुँचते हैं और शायद ही कभी मीडिया तक सीमित होते हैं। उन्हें चमड़े, प्लास्टिक सामग्री में स्थानांतरित किया जाता है।

2006 में, ब्रिटिश राजधानी में एक प्रदर्शनी के एक हिस्से के रूप में, एक महिला ने लगभग 20 धनुषाकार संरचनाएं बनाईं, जो दिन और रात में ग्रामीण इलाकों और शहर की सुंदरता को दर्शाती थीं। उनमें से एक मेट्रो स्टेशन सजी।

अरे अरकावा

शब्द के शास्त्रीय अर्थ में युवा को केवल एक कलाकार नहीं कहा जा सकता है - वह ऐसे प्रतिष्ठान बनाता है जो 21 वीं सदी की कला में इतने लोकप्रिय हैं। उनकी प्रदर्शनियों के विषय वास्तव में जापानी हैं और मैत्रीपूर्ण संबंधों पर स्पर्श करते हैं, साथ ही पूरी टीम द्वारा काम किया जाता है।

अरे अराकावा अक्सर विभिन्न द्विवार्षिक में भाग लेता है, उदाहरण के लिए, वेनिस में, अपनी मातृभूमि में आधुनिक कला के संग्रहालय में प्रदर्शित किया जाता है, और विभिन्न प्रकार के पुरस्कार प्राप्त करता है।

इकेनागा यासुनरी

समकालीन चित्रकार इकेनागा यसुनारी दो प्रतीत होता है कि असंगत चीजों को संयोजित करने में कामयाब रहे: आज की लड़कियों का जीवन चित्र रूप में और प्राचीनता से जापान की पारंपरिक तकनीक। अपने काम में, चित्रकार विशेष ब्रश, प्राकृतिक रंजित पेंट, स्याही और कोयले का उपयोग करता है। सामान्य लिनन के बजाय - लिनन कपड़े।

इकेनागा यसुनारी द्वारा चित्रकारी

चित्रित युग और नायिकाओं की उपस्थिति के बीच विपरीत की यह तकनीक यह धारणा बनाती है कि वे अतीत से हमारे पास लौट आए हैं।

मगरमच्छ के जीवन की जटिलताओं के बारे में चित्रों की एक श्रृंखला, जो हाल ही में इंटरनेट समुदाय में लोकप्रिय रही है, जापानी कार्टूनिस्ट कीगो द्वारा भी बनाई गई थी।

निष्कर्ष

इसलिए, ईसा पूर्व तीसरी शताब्दी के आसपास जापानी चित्रकला शुरू हुई और तब से बहुत कुछ बदल गया है। पहले चित्र चीनी मिट्टी की चीज़ें पर लागू होते थे, फिर कला में बौद्ध मकसद प्रबल होने लगे, लेकिन लेखकों के नाम आज तक नहीं बचे हैं।

आधुनिक समय के युग में, ब्रश के आकाओं ने अधिक से अधिक वैयक्तिकता हासिल कर ली, विभिन्न दिशाओं, स्कूलों का निर्माण किया। आज की ललित कला केवल पारंपरिक चित्रकला तक सीमित नहीं है - स्थापना, नक्काशी, कलात्मक मूर्तियां और विशेष संरचनाओं का उपयोग किया जाता है।

आपके ध्यान के लिए बहुत बहुत धन्यवाद, प्रिय पाठकों! हमें उम्मीद है कि आप हमारे लेख को उपयोगी पाएंगे, और कला के प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों के जीवन और कार्यों के बारे में कहानियों ने आपको उन्हें बेहतर तरीके से जानने की अनुमति दी।

बेशक, प्राचीनता से लेकर वर्तमान तक के सभी कलाकारों के बारे में एक लेख में बताना मुश्किल है। इसलिए, जापानी चित्रकला के ज्ञान की दिशा में यह पहला कदम है।

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यदि आपको लगता है कि सभी महान कलाकार अतीत में हैं, तो आपको पता नहीं है कि आप कितने गलत हैं। इस लेख में, आप हमारे समय के सबसे प्रसिद्ध और प्रतिभाशाली कलाकारों के बारे में जानेंगे। और, मेरा विश्वास करो, उनके काम आपकी यादों में चिपके रहेंगे, अतीत के युगों से उस्ताद के कामों से कम गहराई से नहीं।

वोज्शिएक बाबस्की

Wojciech Babski एक समकालीन पोलिश कलाकार है। उन्होंने सिलेसियन पॉलिटेक्निक संस्थान से स्नातक किया, लेकिन खुद को इसके साथ जोड़ा। हाल ही में उन्होंने मुख्य रूप से महिलाओं को आकर्षित किया है। भावनाओं की अभिव्यक्ति पर ध्यान केंद्रित करता है, सरल साधनों द्वारा सबसे बड़ा संभव प्रभाव प्राप्त करना चाहता है।

रंग पसंद करता है, लेकिन अक्सर सर्वश्रेष्ठ अनुभव के लिए काले और भूरे रंग के रंगों का उपयोग करता है। विभिन्न नई तकनीकों के साथ प्रयोग करने से नहीं डरते। हाल ही में, यह विदेशों में अधिक से अधिक लोकप्रियता प्राप्त कर रहा है, मुख्य रूप से यूके में, जहां यह सफलतापूर्वक अपने कार्यों को बेचता है, जो पहले से ही कई निजी संग्रह में पाया जा सकता है। कला के अलावा, वह ब्रह्मांड विज्ञान और दर्शन में रुचि रखते हैं। जैज़ सुनता है। वह वर्तमान में काटोविस में रहता है और काम करता है।

वारेन चंग

वारेन चांग एक समकालीन अमेरिकी कलाकार हैं। 1957 में जन्मे और कैलिफोर्निया के मोंटेरे में पले-बढ़े, उन्होंने 1981 में पसादेना आर्ट सेंटर कॉलेज ऑफ़ डिज़ाइन से सह प्रशंसा प्राप्त की, जहाँ उन्होंने क्षेत्र में बैचलर ऑफ़ फाइन आर्ट्स अर्जित किया। अगले दो दशकों में, उन्होंने 2009 में पेशेवर कलाकार के रूप में करियर शुरू करने से पहले कैलिफोर्निया और न्यूयॉर्क में विभिन्न कंपनियों के लिए एक इलस्ट्रेटर के रूप में काम किया।

उनके यथार्थवादी चित्रों को दो मुख्य श्रेणियों में विभाजित किया जा सकता है: जीवनी आंतरिक चित्र और चित्रण जो काम करने वाले लोगों को दर्शाते हैं। चित्रकला की इस शैली में उनकी रुचि 16 वीं शताब्दी के कलाकार जन वर्मी के काम में निहित है, और यह वस्तुओं, स्व-चित्रों, परिवार के सदस्यों, दोस्तों, छात्रों, स्टूडियो, कक्षा और घर के अंदरूनी हिस्सों तक फैली हुई है। उनका लक्ष्य प्रकाश का हेरफेर और म्यूट रंगों का उपयोग करके अपने यथार्थवादी चित्रों में मनोदशा और भावना पैदा करना है।

पारंपरिक दृश्य कलाओं पर स्विच करने के बाद चांग प्रसिद्ध हो गया। पिछले 12 वर्षों में, उन्होंने कई पुरस्कार और सम्मान अर्जित किए हैं, जिनमें से सबसे प्रतिष्ठित ऑयल पेंटर्स एसोसिएशन ऑफ अमेरिका से मास्टर सिग्नेचर है, जो संयुक्त राज्य अमेरिका में तेल चित्रकारों का सबसे बड़ा समुदाय है। 50 में से केवल एक व्यक्ति को यह पुरस्कार प्राप्त करने के अवसर से सम्मानित किया जाता है। वारेन वर्तमान में मोंटेरे में रहते हैं और अपने स्टूडियो में काम करते हैं और सैन फ्रांसिस्को एकेडमी ऑफ आर्ट्स में एक प्रतिभाशाली शिक्षक के रूप में जाना जाता है।

ऑरेलियो ब्रुनी

ऑरेलियो ब्रूनी एक इतालवी कलाकार हैं। 15 अक्टूबर 1955 को ब्लेयर में पैदा हुए। Spoleto में कला संस्थान से स्टेज डिजाइन में डिग्री प्राप्त की। एक कलाकार के रूप में, उन्हें स्व-शिक्षा दी जाती है, क्योंकि उन्होंने स्कूल में रखी गई नींव पर स्वतंत्र रूप से "ज्ञान का घर बनाया"। उन्होंने 19 साल की उम्र में तेलों में पेंटिंग करना शुरू कर दिया था। वह वर्तमान में उम्ब्रिया में रहता है और काम करता है।

ब्रूनी की शुरुआती पेंटिंग अतियथार्थवाद में निहित है, लेकिन समय के साथ वह अपने पात्रों के परिष्कृत परिष्कार और पवित्रता के साथ इस संयोजन को बढ़ाते हुए गेय रोमांटिकतावाद और प्रतीकवाद की निकटता पर ध्यान देना शुरू करते हैं। एनिमेटेड और निर्जीव वस्तुएं समान गरिमा प्राप्त करती हैं और देखो, लगभग, अतिसक्रिय, लेकिन, एक ही समय में, वे एक पर्दे के पीछे नहीं छिपते हैं, लेकिन आपको अपनी आत्मा का सार देखने की अनुमति देते हैं। बहुमुखी प्रतिभा और परिष्कार, कामुकता और एकाकीपन, विचारशीलता और फलप्रदता औरेलियो ब्रूनी की भावना है, जिसे कला के वैभव और संगीत के सामंजस्य द्वारा खिलाया जाता है।

अलेसरसैंडर बालोस

अल्कसेंडर बालोस एक समकालीन पोलिश चित्रकार है जो तेल चित्रकला में विशेषज्ञता रखता है। 1970 में पोलैंड के ग्लिविस में जन्मे, लेकिन 1989 से कैलिफोर्निया के शास्ता में यूएसए में रह रहे हैं और काम कर रहे हैं।

एक बच्चे के रूप में, उन्होंने अपने पिता जान, एक स्वयं-सिखाया कलाकार और मूर्तिकार के मार्गदर्शन में कला का अध्ययन किया, इसलिए, कम उम्र से, कलात्मक गतिविधियों को दोनों माता-पिता का पूरा समर्थन मिला। 1989 में, अठारह वर्ष की आयु में, बालोस ने संयुक्त राज्य अमेरिका के लिए पोलैंड छोड़ दिया, जहां उनके स्कूल के शिक्षक और अंशकालिक कलाकार केटी गागलियार्डी ने अलकसांद्रा को कला विद्यालय जाने के लिए प्रोत्साहित किया। बालोस को तब मिल्वौकी विस्कॉन्सिन विश्वविद्यालय से पूरी छात्रवृत्ति मिली, जहाँ उन्होंने दर्शनशास्त्र के प्रोफेसर हैरी रोज़िन के साथ चित्रकला का अध्ययन किया।

1995 में अपनी पढ़ाई पूरी करने और अपनी स्नातक की डिग्री हासिल करने के बाद, बालोस स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में अध्ययन करने के लिए शिकागो चले गए, जिनके तरीके जैक्स-लुई डेविड के काम पर आधारित हैं। 90 के दशक और 2000 के दशक के शुरुआती दिनों में बल्कोस के काम के लिए यथार्थवादी यथार्थवाद और चित्रांकन ने बहुत कुछ बनाया। आज बालोस किसी भी समाधान की पेशकश के बिना, अजीबताओं को उजागर करने और मानव अस्तित्व की खामियों को दिखाने के लिए मानव आकृति का उपयोग करता है।

उनके चित्रों की कथानक रचनाओं का उद्देश्य दर्शक द्वारा स्वतंत्र रूप से व्याख्या किया जाना है, तभी कैनवस अपने वास्तविक लौकिक और व्यक्तिपरक अर्थ को प्राप्त करेगा। 2005 में, कलाकार उत्तरी कैलिफ़ोर्निया में चले गए, तब से उनके काम का दायरा काफी बढ़ गया है और अब इसमें पेंटिंग के अधिक मुक्त तरीके शामिल हैं, जिसमें अमूर्त और विभिन्न मल्टीमीडिया शैलियों शामिल हैं जो पेंटिंग के माध्यम से विचारों और आदर्शों को व्यक्त करने में मदद करती हैं।

एलिसा भिक्षु

एलिसा मोंक्स एक समकालीन अमेरिकी कलाकार हैं। उनका जन्म 1977 में न्यू जर्सी के रिडवुड में हुआ था। वह पेंटिंग में दिलचस्पी लेने लगी जब वह अभी भी एक बच्चा था। उन्होंने न्यूयॉर्क में न्यू स्कूल और मोंटक्लेयर स्टेट यूनिवर्सिटी से पढ़ाई की और 1999 में बोस्टन कॉलेज से स्नातक की उपाधि प्राप्त की। इसके साथ ही, उन्होंने फ्लोरेंस में लोरेंजो मेडिसी अकादमी में पेंटिंग का अध्ययन किया।

फिर उसने न्यूयॉर्क कला विभाग में मास्टर डिग्री प्रोग्राम पर अपनी पढ़ाई जारी रखी, डिपार्टमेंट ऑफ़ फिगेटिव आर्ट में, 2001 में स्नातक की उपाधि प्राप्त की। उसने 2006 में फुलर्टन कॉलेज से स्नातक किया। कुछ समय के लिए उसने देश भर के विश्वविद्यालयों और शिक्षण संस्थानों में व्याख्यान दिया, न्यूयॉर्क एकेडमी ऑफ आर्ट, साथ ही मोंटक्लेयर स्टेट यूनिवर्सिटी और लाइम एकेडमी ऑफ आर्ट्स कॉलेज में पेंटिंग सिखाई।

“ग्लास, विनाइल, पानी और भाप जैसे फिल्टर का उपयोग करके, मैं मानव शरीर को विकृत करता हूं। ये फ़िल्टर आपको अमूर्त डिजाइन के बड़े क्षेत्रों को बनाने की अनुमति देते हैं, जिनके माध्यम से रंग के द्वीपों को मानव शरीर के कुछ हिस्सों से देखा जाता है।

मेरी पेंटिंग में पहले से स्थापित, पारंपरिक आसन और स्नान करने वाली महिलाओं के हाव-भाव का आधुनिक दृष्टिकोण बदल जाता है। वे इस तरह के प्रतीत होने वाले स्व-स्पष्ट चीजों के बारे में एक चौकस दर्शक को बहुत कुछ बता सकते हैं जैसे कि तैराकी, नृत्य, और इसी तरह के लाभ। मेरे पात्रों को शावर स्टाल की खिड़की के कांच के खिलाफ दबाया जाता है, अपने स्वयं के शरीर को विकृत करते हुए, यह महसूस करते हुए कि वे एक नग्न महिला को कुख्यात पुरुष रूप को प्रभावित करते हैं। पेंट की मोटी परतों को कांच, भाप, पानी और मांस से दूर से मिश्रित किया जाता है। हालांकि, करीब, तेल पेंट के अद्भुत भौतिक गुण स्पष्ट हो जाते हैं। पेंट और रंग की परतों के साथ प्रयोग करके, मुझे एक ऐसा क्षण मिलता है जहां अमूर्त स्ट्रोक कुछ और ही बन जाते हैं।

जब मैंने पहली बार मानव शरीर को पेंट करना शुरू किया, तो मैं तुरंत मोहित हो गया और यहां तक \u200b\u200bकि इसके साथ जुनून सवार हो गया और माना कि मुझे अपनी पेंटिंग को यथासंभव यथार्थवादी बनाना था। जब तक यह अपने आप में विरोधाभासों को उजागर करने और प्रकट करने के लिए मैंने "यथार्थवाद" को स्वीकार नहीं किया। अब मैं पेंटिंग शैली की संभावनाओं और संभावनाओं की खोज कर रहा हूं, जहां प्रतिनिधित्वात्मक पेंटिंग और अमूर्त मिलते हैं - यदि दोनों शैलियों को एक ही समय में सह-अस्तित्व में रखा जा सकता है, तो मैं करूंगा। ”

एंटोनियो फिनेली

इतालवी कलाकार - " समय पर नजर रखने वाला"- एंटोनियो फिनेली का जन्म 23 फरवरी 1985 को हुआ था। वह वर्तमान में रोम और कैंपोबासो के बीच इटली में रहता है और काम करता है। उनके कार्यों को इटली और विदेशों में कई दीर्घाओं में प्रदर्शित किया गया है: रोम, फ्लोरेंस, नोवारा, जेनोआ, पलेर्मो, इस्तांबुल, अंकारा, न्यूयॉर्क, और वे निजी और सार्वजनिक संग्रह में भी पाए जा सकते हैं।

पेंसिल ड्राइंग " समय पर नजर रखने वाला"एंटोनियो फिनेली ने हमें मानव अस्थाईता की आंतरिक दुनिया और इस दुनिया के संबद्ध सावधानीपूर्वक विश्लेषण के माध्यम से एक शाश्वत यात्रा पर भेजा, जिसका मुख्य तत्व समय के माध्यम से मार्ग है और यह त्वचा पर बना निशान है।

फिनेली पेंट किसी भी उम्र, लिंग और राष्ट्रीयता के लोगों को चित्रित करता है, जिनके चेहरे के भाव समय के साथ बीतने की गवाही देते हैं, कलाकार भी अपने पात्रों के शरीर पर समय की बेरुखी का सबूत खोजने की उम्मीद करता है। एंटोनियो अपने कामों को एक सामान्य शीर्षक से परिभाषित करता है: "सेल्फ-पोर्ट्रेट", क्योंकि उनकी पेंसिल ड्रॉइंग में वे न केवल एक व्यक्ति को दर्शाते हैं, बल्कि दर्शक को एक व्यक्ति के अंदर समय बीतने के वास्तविक परिणामों पर विचार करने की अनुमति देते हैं।

फ्लमिनिया कार्लोनी

फ्लमिनिया कार्लोनी एक राजनयिक की बेटी, 37 साल की एक इतालवी कलाकार है। उसके तीन बच्चे हैं। वह तीन साल रोम में, तीन साल इंग्लैंड और फ्रांस में रहीं। बीडी स्कूल ऑफ आर्ट से कला इतिहास में डिग्री प्राप्त की। फिर उसे कला के कामों के विशेषज्ञ पुनर्स्थापना में डिप्लोमा प्राप्त हुआ। अपने वोकेशन को खोजने और खुद को पेंटिंग के लिए पूरी तरह समर्पित करने से पहले, उन्होंने एक पत्रकार, रंगकर्मी, डिजाइनर और अभिनेत्री के रूप में काम किया।

चित्रकला के लिए फ़्लमिनिया के जुनून की शुरुआत बचपन में हुई। उसका मुख्य माध्यम तेल है क्योंकि वह "कॉफ़ीफर ला पटे" से प्यार करती है और सामग्री के साथ भी खेलती है। उसने कलाकार पास्कल टोरुआ के कामों में एक समान तकनीक सीखी। फ्लमिनिया बाल्थस, हॉपर और फ्रांकोइस लेग्रैंड जैसे महान चित्रकारों से प्रेरित है, साथ ही साथ विभिन्न कलात्मक आंदोलनों: सड़क कला, चीनी यथार्थवाद, अतियथार्थवाद और पुनर्जागरण यथार्थवाद। उनके पसंदीदा कलाकार कारवागियो हैं। उसका सपना कला की चिकित्सीय शक्ति की खोज करना है।

डेनिस चेरनोव

डेनिस चेर्नोव एक प्रतिभाशाली यूक्रेनी कलाकार हैं, जो 1978 में सांबिर, लविवि क्षेत्र, यूक्रेन में पैदा हुए थे। 1998 में खार्कोव आर्ट स्कूल से स्नातक करने के बाद, वह खरकॉव में रहे, जहां वह वर्तमान में रहता है और काम करता है। उन्होंने खार्कोव स्टेट एकेडमी ऑफ डिजाइन एंड आर्ट्स, ग्राफिक्स विभाग में भी अध्ययन किया, 2004 में इससे स्नातक किया।

वह नियमित रूप से कला प्रदर्शनियों में भाग लेते हैं, फिलहाल यूक्रेन और विदेश दोनों में साठ से अधिक हो चुके हैं। डेनिस चेरनोव के अधिकांश कार्यों को यूक्रेन, रूस, इटली, इंग्लैंड, स्पेन, ग्रीस, फ्रांस, अमेरिका, कनाडा और जापान में निजी संग्रह में रखा गया है। कुछ काम क्रिस्टी को बेचे गए थे।

डेनिस ग्राफिक और पेंटिंग तकनीकों की एक विस्तृत श्रृंखला में काम करता है। पेंसिल ड्राइंग उनकी पसंदीदा पेंटिंग विधियों में से एक है, उनकी पेंसिल ड्राइंग के लिए विषयों की सूची भी बहुत विविध है, वह परिदृश्य, चित्र, जुराब, शैली रचनाएं, पुस्तक चित्र, साहित्यिक और ऐतिहासिक पुनर्निर्माण और कल्पनाएं लिखते हैं।