Romanticism (romantisme Perancis), sebuah gerakan ideologi dan seni dalam budaya Eropah dan Amerika pada akhir abad ke-18 - awal abad ke-19. Dilahirkan sebagai reaksi terhadap rasionalisme dan mekanisme estetika klasikisme dan falsafah Pencerahan, yang ditubuhkan semasa pemecahan revolusi tatanan dunia lama, romantisme menentang utilitarianisme dan meratakan keperibadian dengan perjuangan untuk kebebasan dan infiniti yang tidak terbatas, kehausan untuk kesempurnaan dan pembaharuan, haluan kemerdekaan peribadi dan sivil.

Pertentangan yang menyakitkan antara ideal dan realiti menjadi asas pandangan dunia romantis; ciri khasnya penegasan nilai intrinsik kehidupan kreatif dan rohani seseorang, gambaran nafsu yang kuat, spiritualisasi alam, minat pada masa lalu negara, keinginan untuk bentuk seni sintetik digabungkan dengan motif kesedihan dunia, keinginan untuk belajar dan rekreasi sisi "bayangan", "malam" jiwa manusia, dengan "ironi romantis" yang terkenal, yang membolehkan romantik membandingkan dan menyamakan tinggi dan rendah, tragis dan komik, yang nyata dan hebat. Berkembang di banyak negara, romantisme di mana-mana memperoleh identiti nasional yang jelas, kerana tradisi dan keadaan sejarah tempatan.

Sekolah romantis yang paling konsisten terbentuk di Perancis, di mana para seniman, mereformasi sistem cara ekspresif, meng dinamis komposisi, menggabungkan bentuk dengan gerakan ribut, menggunakan warna kaya cerah dan gaya lukisan yang luas dan umum (lukisan oleh T. Gericault, E. Delacroix, O. Daumier, plastik - P.J. David d "Angers, A.L. Bari, F. Rud). Di Jerman dan Austria, romantisme awal dicirikan oleh perhatian yang mendalam terhadap segala-galanya yang sangat jelas, tononal yang melankolis-kontemplatif struktur kiasan-emosi, suasana mistik-pantheistik (potret dan kiasan) komposisi oleh F.O. Runge, lanskap oleh KD Friedrich dan J.A. Koch), keinginan untuk menghidupkan kembali semangat keagamaan lukisan Jerman dan Itali pada abad ke-15 (karya Nazarenes); sejenis gabungan prinsip-prinsip romantisme dan "realisme yang lebih terang" adalah seni Biedermeier (kreativiti L. Richter, K. Spitzweg, M. von Schwind, F.G. Waldmüller).

Di Great Britain, landskap oleh J. Constable dan R. Bonington ditandai dengan kesegaran lukisan yang romantis, gambar yang hebat dan cara ekspresif yang tidak biasa - karya W. Turner, G.I. Fuesli, keterikatan dengan budaya Abad Pertengahan dan Zaman Renaissance Awal - karya para tuan dari gerakan Romantik Zaman Pra-Raphaelites (D.G. Rossetti, E. Burne-Jones, W. Morris dan artis lain). Di banyak negara di Eropah dan Amerika, gerakan romantis diwakili oleh pemandangan (lukisan oleh J. Inness dan A.P. Ryder di AS), komposisi mengenai tema kehidupan dan sejarah rakyat (karya L. Halle di Belgia, J. Manes di Republik Czech, V. Madaras di Hungary, P. Michalovsky dan J. Matejko di Poland dan tuan lain).

Nasib sejarah romantisisme adalah kompleks dan tidak jelas. Satu atau lain kecenderungan romantis menandakan karya para sarjana Eropah utama abad ke-19 - para seniman sekolah Barbizon, C. Corot, G. Courbet, J.F. Millet, E. Manet di Perancis, A. von Menzel di Jerman dan pelukis lain. Pada masa yang sama, alegorisme yang kompleks, unsur-unsur mistik dan fantasi, kadang-kadang wujud dalam romantisme, menemukan kesinambungan dalam simbolisme, sebahagiannya dalam seni post-impresionisme dan gaya moden.

Data rujukan dan biografi "Galeri Lukisan Planet Teluk Kecil" disusun berdasarkan bahan dari "Sejarah Seni Asing" (ed. Oleh MT Kuzmina, NL Maltseva), "Ensiklopedia Seni Seni Klasik Asing", "Ensiklopedia Besar Rusia".

Pada akhir abad ke-18 dan awal abad ke-19, idea-idea klasikisme dan Pencerahan kehilangan daya tarikan dan kesesuaian mereka. Yang baru yang, sebagai tindak balas kepada kaedah kanonik klasik dan teori sosial moral Pencerahan, beralih kepada manusia, dunia batinnya, memperoleh kekuatan dan menguasai minda. Romantikisme sangat meluas dalam semua bidang kehidupan budaya dan falsafah. Pemuzik, seniman dan penulis dalam karya mereka berusaha untuk menunjukkan nasib tinggi manusia, dunia spiritualnya yang kaya, kedalaman perasaan dan pengalaman. Mulai sekarang, manusia dengan perjuangan dalamannya, pencarian dan pengalaman spiritual, dan bukan idea "kabur" tentang kesejahteraan dan kesejahteraan umum, telah menjadi tema dominan dalam karya seni.

Romantik dalam lukisan

Pelukis menyampaikan kedalaman idea dan pengalaman peribadi mereka melalui ciptaan dengan bantuan komposisi, warna, aksen. Negara-negara Eropah yang berbeza mempunyai keunikan tersendiri dalam penafsiran gambar romantis. Ini disebabkan oleh aliran falsafah, dan juga situasi sosio-politik, yang menjadikan seni sebagai tindak balas hidup. Lukisan tidak terkecuali. Terpecah menjadi kerajaan kecil dan bangsawan, Jerman tidak mengalami pergolakan sosial yang serius, para seniman tidak membuat lukisan monumental yang menggambarkan pahlawan-titan, di sini dunia rohani manusia yang mendalam, keindahan dan kehebatannya, pencarian moral menarik. Oleh itu, romantisme dalam lukisan Jerman paling banyak ditunjukkan dalam potret dan landskap. Karya-karya Otto Runge adalah contoh klasik genre ini. Dalam potret yang dibuat oleh pelukis, melalui penjelasan halus mengenai wajah, mata, melalui kontras cahaya dan bayangan, keinginan artis untuk menunjukkan sifat keperibadian yang bertentangan, kekuatan dan kedalaman perasaannya disampaikan. Melalui pemandangan, gambar pokok, bunga dan burung yang sedikit hebat dan berlebihan, artis juga berusaha menemui kepelbagaian keperibadian manusia, persamaannya dengan alam semula jadi, pelbagai dan tidak diketahui. Perwakilan romantisisme yang menonjol dalam lukisan adalah pelukis lanskap KD Friedrich, yang menekankan kekuatan dan kekuatan alam, pergunungan, pemandangan laut, sesuai dengan manusia.

Romantisisme dalam lukisan Perancis dikembangkan mengikut prinsip yang berbeza. Pergolakan revolusioner dan kehidupan sosial yang ribut menampakkan diri dalam lukisan oleh tarikan para seniman untuk menggambarkan plot sejarah dan fantastik, dengan keseronokan patos dan "gugup", yang dicapai dengan kontras warna terang, ekspresi pergerakan, kekacauan, komposisi spontan. Idea romantis yang paling lengkap dan jelas dikemukakan dalam karya T. Gericault, E. Delacroix. Seniman menggunakan warna dan cahaya dengan mahir, menciptakan kedalaman perasaan yang berdenyut, dorongan untuk perjuangan dan kebebasan.

Romantik dalam lukisan Rusia

Pemikiran sosial Rusia bertindak balas dengan jelas terhadap trend dan trend baru yang muncul di Eropah. dan kemudian perang dengan Napoleon - peristiwa sejarah penting yang paling serius mempengaruhi pencarian falsafah dan budaya kaum intelektual Rusia. Romantisisme dalam lukisan Rusia diwakili dalam tiga lanskap utama, seni monumental, di mana pengaruh klasikisme sangat kuat, dan idea-idea romantis saling berkaitan dengan kanun akademik.

Pada awal abad kesembilan belas, semakin banyak perhatian diberikan kepada penggambaran intelektual kreatif, penyair dan seniman Rusia, serta orang biasa dan petani. Kiprensky, Tropinin, Bryullov dengan penuh cinta cuba menunjukkan semua kedalaman dan keindahan keperibadian seseorang, melalui sekilas, putaran kepala, perincian kostum untuk menyampaikan pencarian rohani, sifat "kebebasan" yang mencintai kebebasan. Minat yang tinggi terhadap keperibadian manusia, tempat utamanya dalam seni menyumbang kepada berkembangnya genre potret diri. Lebih-lebih lagi, para seniman tidak melukis potret diri untuk dipesan, itu adalah dorongan kreatif, semacam laporan diri kepada sezaman.

Landskap dalam karya romantik juga dibezakan oleh keasliannya. Romantisisme dalam melukis mencerminkan dan menyampaikan suasana hati seseorang, pemandangan harus selaras dengannya. Itulah sebabnya para seniman berusaha untuk memperlihatkan sifat semula jadi yang memberontak, kekuatan dan spontaninya. Orlovsky, Shchedrin, yang menggambarkan elemen laut, pohon-pohon perkasa, pegunungan, di satu pihak, menyampaikan keindahan dan warna-warni landskap sebenar, di sisi lain, mereka menciptakan suasana emosi tertentu.

Seni romantisisme terbentuk dalam polemik dengan klasikisme. Dalam aspek sosial, kemunculan romantisme dikaitkan dengan Revolusi Perancis Besar abad ke-18, ia muncul sebagai reaksi semangat umum untuk permulaannya, tetapi juga sebagai kekecewaan mendalam terhadap kemampuan manusia ketika dikalahkan. Lebih-lebih lagi, romantisme Jerman kemudiannya dianggap sebagai versi Revolusi Perancis tanpa darah.

Sebagai aliran ideologi dan artistik, romantisme menjadikan dirinya terasa pada separuh pertama abad ke-19. Ia muncul terutamanya sebagai gerakan sastera - di sini aktiviti romantik adalah tinggi dan berjaya. Muzik pada masa itu tidak kurang pentingnya: vokal, muzik instrumental, teater muzikal (opera dan balet) romantisme masih menjadi asas repertoar hari ini. Namun, dalam seni visual dan spasial, romantisme menunjukkan dirinya kurang jelas baik dalam jumlah karya yang dibuat dan di peringkatnya. Lukisan romantisme mencapai tahap karya di Jerman dan Perancis, seluruh Eropah ketinggalan. Tidak biasa membincangkan seni bina romantisme. Beberapa keaslian di sini hanya memperlihatkan seni berkebun, dan bahkan ketika itu romantik mengembangkan idea landskap Inggeris, atau taman semula jadi. Terdapat juga tempat untuk beberapa kecenderungan neo-Gothic; romantik melihat seni mereka dalam urutan berikut: Gothic - Baroque - Romanticism. Terdapat banyak gaya neo-Gothik di negara-negara Slavia.

Seni visual romantisisme

Pada abad XVIII. istilah "romantis" bermaksud "pelik", "hebat", "indah". Sangat mudah untuk melihat bahawa perkataan "romance", "romance" (knightly) sangat dekat secara etimologi.

Pada abad XIX. istilah itu ditafsirkan sebagai nama gerakan sastera, yang bertentangan dengan sikapnya terhadap klasikisme.

Dalam seni visual, romantisme menampakkan diri dengan menarik dalam lukisan dan grafik, lebih jelas dalam arca. Mazhab romantisme yang paling konsisten muncul di Perancis, di mana perjuangan keras kepala dilakukan terhadap dogmatisme dan rasionalisme abstrak dalam seni rasmi dalam semangat klasikisme akademik. Pengasas sekolah lukisan romantik itu Theodore Gericault (1791-1824). Dia belajar dengan master klasikisme, tetapi mempertahankan dari klasikisme graviti terhadap gambar-gambar kepahlawanan umum, Gericault untuk pertama kalinya dinyatakan dalam melukis perasaan konflik di dunia, keinginan untuk ekspresif ekspresif peristiwa penting pada zaman kita. Sudah menjadi karya pertama seniman yang memperlihatkan emosi yang tinggi, "saraf" dari era perang Napoleon, di mana terdapat banyak keberanian ("Petugas penjaga kuda pengawal kekaisaran, akan menyerang", "Cuirassier yang cedera meninggalkan medan perang"). Mereka ditandai dengan sikap tragis dan rasa kebingungan. Pahlawan klasik tidak mengalami perasaan seperti itu atau tidak meluahkannya secara terbuka dan tidak menghayati rasa kecewa, kekeliruan, melankolis. Kanvas seni romantisisme yang indah ditulis secara dinamis, warnanya didominasi oleh nada gelap, yang dimeriahkan oleh aksen warna yang kuat, pukulan pasta yang cepat.

Gericault mencipta gambar yang sangat dinamik "The Free Horse Run di Rome". Di sini dia mengungguli semua artis sebelumnya dalam meyakinkan transmisi pergerakan. Salah satu karya utama Gericault adalah lukisan "The Raft of Medusa". Di dalamnya, ia menggambarkan fakta-fakta nyata, tetapi dengan kekuatan generalisasi yang seakan-akan sezaman dengannya tidak melihat satu gambar kapal karam tertentu, tetapi seluruh Eropah dalam keadaan putus asa. Dan hanya sebilangan kecil, orang yang paling gigih terus berjuang untuk bertahan. Artis menunjukkan pelbagai perasaan manusia yang kompleks - dari keputusasaan yang suram hingga ledakan harapan yang ribut. Dinamika kanvas ini ditentukan oleh pepenjuru komposisi, pengukiran isipadu yang berkesan, perubahan cahaya dan bayangan yang berbeza.

Gericault berjaya membuktikan dirinya sebagai penguasa genre potret. Di sini dia juga bertindak sebagai inovator, menentukan kekhususan kiasan genre potret. Dalam "Potret Dua Puluh Delacroix" dan dalam potret diri, idea artis romantis sebagai pencipta bebas, keperibadian emosi yang cerah dinyatakan. Dia meletakkan asas untuk potret romantis - kemudian menjadi salah satu genre romantis yang paling berjaya.

Gericault juga menyertai pemandangan. Mengembara di England, dia terpesona dengan penampilannya dan memberi penghormatan kepada keindahannya, membuat banyak lukisan landskap, dicat dengan minyak dan cat air. Mereka kaya warna, halus dalam pengamatan, dan tidak asing dengan kritikan sosial. Artis memanggil mereka "Suite Inggeris Besar dan Kecil". Betapa khasnya seorang romantis untuk memanggil kitaran bergambar sebagai istilah muzik!

Sayangnya, kehidupan Gericault tidak lama, tetapi dia meletakkan asas untuk tradisi yang mulia.

Sejak tahun 1820-an. ketua pelukis romantis menjadi Ferdinand Victor Eugene Delacroix (1798-1863). Mengalami pengaruh kuat Gericault, dengan siapa dia berkawan dari bangku pelajar. Dia belajar melukis oleh tuan lama, terutama Rubens. Mengembara di England, terpesona dengan lukisan Constable. Delacroix memiliki perangai penuh semangat, imaginasi kreatif yang kuat dan kecekapan tinggi. Dari langkah awal dalam bidang profesional, Delacroix dengan tegas mengikuti kisah romantik. Lukisan pertama yang dipamerkannya menggambarkan Dante dan Virgil di dalam kapal yang melintasi Styx (Dante's Boat). Gambarnya penuh dengan tragedi, patah suram. Kanvas seterusnya, "Pembunuhan di Chios", dia menanggapi peristiwa nyata yang berkaitan dengan penderitaan orang Yunani akibat kuk Turki. Di sini dia secara terbuka menyatakan kedudukan politiknya, memihak orang Yunani dalam konflik, yang dia simpati, sementara pemerintah Perancis menggoda Turki.

Lukisan itu menimbulkan kritikan politik dan seni, terutama setelah Delacroix, di bawah pengaruh karya Constable, menulis semula gambar dengan warna yang lebih terang. Sebagai tindak balas terhadap kritikan, artis membuat lukisan "Yunani di Reruntuhan Missolungi", di mana dia sekali lagi membahas tema pembakaran perjuangan Yunani untuk pembebasan dari kuk Turki. Lukisan oleh Delacroix ini lebih simbolik, sosok wanita dengan tangan terangkat memberi isyarat sama ada kutukan kepada penjajah, atau panggilan untuk berperang, mempersonifikasikan seluruh negara. Dia, seperti dulu, mengantisipasi gambaran Kebebasan dalam karya artis yang akan datang dan paling terkenal.

Dalam mencari pahlawan baru, keperibadian yang kuat, Delacroix sering beralih kepada gambar sastera Shakespeare, Goethe, Byron, Scott: "Tasso di rumah sakit jiwa", "Kematian Sardanapalus", "Pembunuhan Uskup Liege"; membuat litograf untuk "Faust", "Hamlet", menyatakan nuansa perasaan wira yang paling halus, yang mendapat pujian Goethe. Delacroix mendekati fiksyen dengan cara pendahulunya mendekati Kitab Suci, menjadikannya sumber subjek lukisan yang tidak berkesudahan.

Pada tahun 1830, di bawah kesan langsung Revolusi Juli, Delacroix melukis kanvas besar Liberty Leading the People (Liberty on the Barricades). Di atas tokoh-tokoh yang digambarkan secara realistis dari para peserta dalam perjuangan revolusi, orang-orang miskin, kebanyakannya orang muda, yang terinspirasi oleh perjuangan itu, menjulang seorang wanita hebat yang menyerupai "genius" Veronese. Dia mempunyai sepanduk di tangannya, wajahnya terinspirasi. Ini bukan sekadar alegori kebebasan dalam semangat klasikisme, tetapi juga simbol dorongan revolusi yang tinggi. Namun, mustahil untuk meninggalkan sosok wanita yang hidup dan sensual - dia sangat menarik. Gambar itu ternyata kompleks, menawan, dinamik.

Sebagai romantik sejati, Delacroix melancong ke negara-negara eksotik: Algeria, Maghribi. Dari perjalanan itu dia membawa lima lukisan, termasuk "The Lion Hunt in Morocco", nampaknya merupakan penghormatan kepada Rubens yang dicintainya.

Delacroix banyak berfungsi sebagai penghias, membuat karya monumental di istana Bourbon dan Luxembourg, gereja-gereja Paris. Dia terus bekerja dalam genre potret, mencipta gambar orang-orang dari era romantisme, misalnya, F. Chopin. Karya Delacroix tergolong dalam ketinggian lukisan pada abad ke-19.

Lukisan dan grafik romantikisme Jerman sebahagian besarnya cenderung ke arah sentimentalisme. Dan jika kesusasteraan romantis Jerman benar-benar membentuk keseluruhan era, maka ini tidak dapat dikatakan mengenai seni visual: dalam kesusasteraan terdapat "Badai dan Serangan", dan dalam seni visual - idealisasi kehidupan keluarga patriarki. Dalam pengertian ini, kreativiti adalah signifikan Ludwig Richter (1803-1884): "Mata air hutan dekat Aricci", "Perarakan perkahwinan pada musim bunga", dll. Dia juga memiliki banyak gambar mengenai tema dongeng dan lagu rakyat, dibuat dengan cara kering.

Tetapi ada satu tokoh besar dalam romantisme Jerman yang tidak dapat diabaikan. ia Caspar David Friedrich (1774-1840). Dia adalah pelukis landskap, belajar di Academy of Arts di Copenhagen. Kemudian dia menetap di Dresden dan mengajar.

Gaya lanskapnya asli, lukisan-lukisan itu dikenang dari kenalan pertama, seseorang merasakan di dalamnya bahawa ini adalah pemandangan seniman romantis: mereka secara konsisten mengekspresikan spesifik pandangan dunia romantis. Dia melukis lanskap Jerman selatan dan pantai Baltik, tebing liar yang ditumbuhi hutan, bukit pasir, laut beku. Orang-orang kadang-kadang hadir dalam lukisannya, tetapi kita jarang melihat wajah mereka: angka-angka itu, biasanya, dipusingkan ke arah pemirsa dengan punggung mereka. Frederick berusaha untuk menyampaikan unsur unsur alam. Dia mencari dan menemui konsonan kekuatan semula jadi dan sentimen dan pencarian manusia. Dan walaupun dia mencerminkan kehidupan dengan cukup tepat, seni Frederick tidak realistik. Sejak kebelakangan ini, pengkritik seni Soviet yang menakutkan ini, sedikit yang ditulis mengenai artis itu, hampir tidak ada reproduksi dirinya. Sekarang situasinya telah berubah, dan kita dapat menikmati kerohanian lukisannya yang mendalam, perenungan terasing dari pemandangan Friedrich. Irama komposisi yang jelas, keparahan gambar digabungkan dalam karya-karyanya dengan kontras chiaroscuro, kaya dengan kesan cahaya. Tetapi kadang-kadang Frederick dalam perasaannya mencapai melankolis yang sakit, rasa kelemahan dari segala sesuatu di bumi, hingga mati rasa trans mistik. Hari ini kita mengalami lonjakan minat terhadap karya Frederick. Karya-karyanya yang paling berjaya adalah "Kematian" Harapan "di Es", "Pemakaman Monastik di bawah Salji", "Misa dalam Runtuhan Gothik", "Matahari terbenam di Laut", dll.

DALAM romantikisme Rusia terdapat banyak kontroversi dalam melukis. Di samping itu, selama bertahun-tahun dipercayai bahawa artis yang baik adalah seorang realis. Ini mungkin mengapa pendapat itu disahkan bahawa O. Kiprensky dan A. Venetsianov, V. Tropinin dan juga A. Kuindzhi adalah realis, yang menurut kami tidak betul, mereka romantik.

Romantisisme sebagai arah dalam lukisan dibentuk di Eropah Barat pada akhir abad ke-18. Romantisisme berkembang dalam seni kebanyakan negara Eropah Barat pada tahun 1920-an dan 1930-an. abad ke-19.

Istilah "romantisme" itu sendiri berasal dari kata "novel" (pada abad ke-17, novel digunakan untuk merujuk kepada karya sastera yang ditulis bukan dalam bahasa Latin, tetapi dalam bahasa yang berasal daripadanya - Perancis, Inggeris, dll.). Kemudian, semua yang tidak difahami dan misteri mula disebut romantis.

Sebagai fenomena budaya, romantisme dibentuk dari pandangan dunia khusus yang dihasilkan oleh hasil Revolusi Perancis Besar. Kecewa dengan cita-cita Pencerahan, golongan romantik, berusaha untuk harmoni dan integriti, mencipta cita-cita estetika baru dan nilai seni. Objek utama perhatian mereka adalah watak yang luar biasa dengan semua pengalaman dan keinginan mereka untuk kebebasan. Wira karya romantis adalah orang luar biasa yang, dengan kehendak takdir, mendapati dirinya dalam keadaan hidup yang sukar.

Walaupun romantisme muncul sebagai protes terhadap seni klasikisme, namun dalam banyak hal hampir sama dengan seni klasik. Sebahagiannya, orang-orang Romantik merupakan wakil klasikisme seperti N. Poussin, C. Lorrain, J. OD Ingres.

Orang-orang romantik memperkenalkan ciri-ciri nasional yang khas ke dalam lukisan, iaitu sesuatu yang kurang dalam seni klasik.
Wakil terbesar romantisisme Perancis ialah T. Gericault.

Theodore Gericault

Théodore Gericault, pelukis, pemahat dan seniman grafik Perancis yang hebat, dilahirkan pada tahun 1791 di Rouen menjadi keluarga kaya. Bakat artis itu terserlah dalam dirinya sejak awal. Selalunya, bukannya menghadiri kelas di sekolah, Gericault akan duduk di kandang kuda dan menarik kuda. Walaupun begitu, dia berusaha bukan hanya untuk memindahkan ciri luaran haiwan ke kertas, tetapi juga untuk menyampaikan sifat dan watak mereka.

Setelah lulus dari Lyceum pada tahun 1808, Gericault menjadi pelajar master lukisan Karl Verne yang terkenal ketika itu, yang terkenal dengan kemampuannya menggambarkan kuda di atas kanvas. Namun, artis muda itu tidak menyukai gaya Vernet. Tidak lama kemudian, dia meninggalkan studio dan masuk untuk belajar dengan pelukis yang lain, tidak kurang berbakat daripada Vernet, P.N. Gehren. Belajar dengan dua seniman terkenal, namun Gericault tidak menjadi penerus tradisi mereka dalam melukis. Guru sebenarnya, kemungkinan besar, dianggap JA Gros dan JL David.

Karya-karya awal Gericault dibezakan oleh fakta bahawa mereka sedekat mungkin dengan kehidupan. Gambar seperti itu sangat ekspresif dan menyedihkan. Mereka menunjukkan semangat pengarang ketika menilai dunia di sekelilingnya. Contohnya ialah lukisan yang bertajuk "Officer of the Imperial Horse Rangers semasa Attack", yang dibuat pada tahun 1812. Lukisan ini pertama kali dilihat oleh pengunjung ke Paris Salon. Mereka menerima karya artis muda dengan rasa kagum, menghargai bakat tuan muda.

Karya ini dibuat dalam tempoh sejarah Perancis ketika Napoleon berada di puncak kemasyhurannya. Orang sezamannya mengidolakannya, maharaja agung yang berjaya menakluki sebahagian besar Eropah untuk dirinya sendiri. Dalam suasana inilah, di bawah kesan kemenangan tentera Napoleon gambar itu dilukis. Kanvas menunjukkan seorang askar berlari ke atas kuda untuk menyerang. Wajahnya menunjukkan tekad, keberanian dan rasa takut dalam menghadapi kematian. Komposisi keseluruhan
sangat dinamik dan beremosi. Penonton mempunyai perasaan bahawa dia sendiri menjadi peserta sebenar dalam acara yang digambarkan di kanvas.

Tokoh seorang askar yang berani akan muncul lebih dari sekali dalam karya Gericault. Di antara gambar seperti itu, pahlawan lukisan "Pegawai Carabinieri", "Pegawai Cuirassier sebelum Serangan", "Potret Carabinieri", "The Coundir Cuirassier", yang dibuat pada tahun 1812-1814, sangat menarik. Karya terakhir sangat luar biasa kerana ia dipersembahkan pada pameran seterusnya yang diadakan di Salon pada tahun yang sama. Walau bagaimanapun, ini bukan kelebihan utama komposisi. Lebih penting lagi, ia menunjukkan perubahan yang berlaku dalam gaya kreatif artis. Walaupun perasaan patriotik yang tulus tercermin dalam kanvas pertamanya, dalam karya-karyanya sejak tahun 1814, pathos dalam penggambaran pahlawan digantikan oleh drama.

Perubahan yang serupa dalam mood artis kembali dikaitkan dengan peristiwa yang berlaku di Perancis pada masa itu. Pada tahun 1812 Napoleon dikalahkan di Rusia, sehubungan dengan dia, yang pernah menjadi pahlawan yang cemerlang, memperoleh di antara sezamannya kemasyhuran seorang pemimpin tentera yang tidak bernasib baik dan seorang yang sombong sombong. Sebaik-baiknya, Gericault mewujudkan kekecewaan dalam lukisan "The Wounded Cuirassier". Kanvas itu menggambarkan seorang pejuang yang cedera berusaha meninggalkan medan perang secepat mungkin. Dia bersandar pada pedang - senjata yang mungkin dia pegang beberapa minit yang lalu, memegangnya tinggi.

Ini adalah ketidakpuasan Gericault dengan kebijakan Napoleon yang menentukan masuknya ke dalam perkhidmatan Louis XVIII, yang mengambil takhta Perancis pada tahun 1814. Setelah penyitaan kedua kuasa di Perancis oleh Napoleon (tempoh Seratus Hari), artis muda itu meninggalkan negara asalnya bersama dengan sentimen pesimis. Bourbon. Tetapi di sini juga, dia kecewa. Pemuda itu tidak dapat memerhatikan dengan tenang ketika raja menghancurkan semua yang dicapai semasa pemerintahan Napoleon. Di samping itu, di bawah Louis XVIII terdapat peningkatan reaksi feodal-Katolik, negara itu semakin mundur dan kembali ke struktur negara yang lama. Orang muda yang berfikiran progresif tidak dapat menerima ini. Tidak lama kemudian, pemuda itu, setelah kehilangan kepercayaan pada cita-cita itu, meninggalkan tentera yang dipimpin oleh Louis XVIII, dan sekali lagi mengambil kuas dan cat. Tahun-tahun ini tidak boleh disebut cerah dan sesuatu yang luar biasa dalam karya artis.

Pada tahun 1816 Gericault memulakan perjalanan ke Itali. Setelah mengunjungi Rom dan Florence dan mempelajari karya-karya master terkenal, artis ini gemar lukisan monumental. Lukisan dinding Michelangelo yang menghiasi Kapel Sistina sangat menarik perhatiannya. Pada masa ini, Gericault membuat karya yang, dalam skala dan keagungan mereka, dalam banyak hal menyerupai kanvas pelukis High Renaissance. Antaranya, yang paling menarik adalah "Penculikan Nimfa oleh seorang Centaur" dan "The Man Who Plays the Bull."

Ciri-ciri yang serupa dengan cara para tuan lama dapat dilihat dalam lukisan "The Run of the Free Horses in Rome", yang ditulis sekitar tahun 1817 dan mewakili pertandingan penunggang kuda di salah satu karnival yang diadakan di Rom. Keistimewaan komposisi ini adalah bahawa ia disusun oleh artis dari gambar berskala penuh yang telah dibuat sebelumnya. Lebih-lebih lagi, sifat lakarannya berbeza dengan gaya keseluruhan karya. Sekiranya yang pertama adalah pemandangan yang menggambarkan kehidupan orang Rom - sezaman seniman, maka dalam komposisi umum gambar pahlawan kuno yang berani diberikan, seolah-olah mereka keluar dari narasi kuno. Dalam hal ini, Gericault mengikuti jalan J.L. David, yang, untuk memberikan gambaran tentang kepahlawanan kepahlawanan, mengenakan pahlawannya dalam bentuk antik.

Tidak lama selepas menulis lukisan ini, Gericault kembali ke Perancis, di mana dia menjadi anggota lingkaran pembangkang yang telah terbentuk di sekitar pelukis Horace Vernet. Setibanya di Paris, artis tersebut sangat meminati grafik. Pada tahun 1818, dia membuat sejumlah litograf dengan tema ketenteraan, di antaranya yang paling penting ialah Return from Russia. Litograf menggambarkan tentera yang dikalahkan tentera Perancis mengembara melintasi ladang yang diliputi salji. Tokoh orang yang dimutilasi dan diseksa oleh perang digambarkan dengan cara yang hidup dan benar. Komposisi ini tidak mempunyai kesedihan dan kepahlawanan, yang merupakan tipikal karya awal Gericault. Artis berusaha untuk menggambarkan keadaan sebenar, semua bencana yang ditanggung oleh tentera Perancis yang ditinggalkan oleh komandan mereka di negeri asing.

Dalam karya "Kembali dari Rusia", untuk pertama kalinya, tema perjuangan seseorang dengan kematian terdengar. Walau bagaimanapun, di sini motif ini belum dinyatakan dengan jelas seperti karya Gericault yang kemudian. Contoh kanvas seperti itu adalah lukisan yang disebut "The Raft of the Medusa". Ia ditulis pada tahun 1819 dan dipamerkan di Paris Salon pada tahun yang sama. Kanvas menggambarkan orang yang memerangi elemen air yang mengamuk. Artis ini tidak hanya memperlihatkan penderitaan dan penderitaan mereka, tetapi juga keinginan mereka untuk muncul dalam pertempuran melawan kematian dengan segala cara.

Plot komposisi ditentukan oleh peristiwa yang berlaku pada musim panas tahun 1816 dan menggembirakan seluruh Perancis. Frigat yang terkenal ketika itu "Medusa" terbang ke terumbu dan tenggelam di pesisir Afrika. Dari 149 orang di kapal, hanya 15 yang dapat melarikan diri, di antaranya adalah pakar bedah Savigny dan jurutera Correar. Setibanya di tanah air, mereka menerbitkan sebuah buku kecil yang menceritakan pengembaraan dan keselamatan mereka. Dari kenangan inilah orang Perancis mengetahui bahawa musibah itu disebabkan oleh kesalahan seorang kapten kapal yang tidak berpengalaman yang datang ke kapal berkat perlindungan seorang sahabat mulia.

Gambar yang dihasilkan oleh Gericault sangat dinamik, fleksibel dan ekspresif, yang dicapai oleh artis melalui karya yang panjang dan susah payah. Untuk menggambarkan dengan benar peristiwa mengerikan di atas kanvas, untuk menyampaikan perasaan orang mati di laut, artis bertemu dengan saksi mata dari tragedi itu, untuk sekian lama mengkaji wajah pesakit kurus yang dirawat di salah satu hospital di Paris, serta pelaut yang berjaya melarikan diri dari bangkai kapal. Pada masa ini, pelukis membuat sebilangan besar karya potret.

Laut yang bergelora juga dipenuhi dengan makna yang mendalam, seolah-olah berusaha menelan rakit kayu rapuh dengan orang. Imej ini sangat ekspresif dan dinamik. Dia, seperti tokoh-tokoh, dihapus dari alam: artis itu membuat beberapa lakaran yang menggambarkan laut semasa ribut. Mengusahakan komposisi monumental, Gericault lebih dari sekali beralih kepada lakaran yang disiapkan lebih awal untuk mencerminkan sepenuhnya sifat elemen. Itulah sebabnya gambar itu memberi kesan yang besar kepada penonton, meyakinkannya tentang realisme dan kebenaran dari apa yang berlaku.

The Raft of Medusa mempersembahkan Gericault sebagai pengarang komposisi yang luar biasa. Untuk masa yang lama, artis merenungkan bagaimana menyusun gambar-gambar dalam gambar agar dapat menyatakan hasrat pengarang sepenuhnya. Dalam perjalanan kerja, beberapa perubahan dilakukan. Sketsa sebelum gambar menunjukkan bahawa pada awalnya Gericault ingin menggambarkan perjuangan orang-orang di atas rakit antara satu sama lain, tetapi kemudian menolak tafsiran peristiwa itu. Dalam versi terakhir, kanvas mewakili saat ketika orang yang sudah putus asa melihat kapal "Argus" di kaki langit dan menghulurkan tangan mereka ke sana. Penambahan terakhir pada gambar adalah sosok manusia yang diletakkan di bawah, di sebelah kanan kanvas. Dialah yang merupakan sentuhan terakhir komposisi, yang setelah itu memperoleh watak yang sangat tragis. Perlu diperhatikan bahawa perubahan ini dilakukan ketika lukisan itu sudah dipamerkan di Salon.

Dengan monumentalitas dan emosi yang tinggi, lukisan Gericault banyak mengingatkan kepada penciptaan master High Renaissance (kebanyakan Penghakiman Terakhir Michelangelo), yang bertemu dengan artis itu semasa perjalanan ke Itali.

Lukisan "The Raft of Medusa", yang menjadi karya seni lukisan Perancis, merupakan kejayaan besar dalam kalangan pembangkang, yang melihat di dalamnya cerminan cita-cita revolusioner. Atas sebab yang sama, karya itu tidak diterima di kalangan bangsawan tertinggi dan wakil rasmi seni rupa Perancis. Itulah sebabnya pada masa itu kanvas itu tidak dibeli oleh negara dari pengarang.

Kecewa dengan penerimaan yang diberikan untuk ciptaannya di tanah airnya, Gericault pergi ke England, di mana dia mempersembahkan karya kegemarannya ke mahkamah orang Inggeris. Di London, para penikmat seni menerima kanvas terkenal dengan penuh semangat.

Gericault menjadi dekat dengan seniman Inggeris yang menakluknya dengan kemampuan mereka untuk menggambarkan realiti dengan ikhlas dan benar. Gericault menumpukan satu kitaran litograf untuk kehidupan dan kehidupan seharian ibu kota England, di antaranya yang paling menarik adalah karya-karya yang mendapat nama "The Great English Suite" (1821) dan "The Old Beggar Dying at the Door of the Bakery" (1821). Pada yang terakhir, artis itu menggambarkan sebuah tramp London, di mana gambarnya kesan yang diterima oleh pelukis itu tercermin dalam proses mempelajari kehidupan orang-orang di kawasan kelas pekerja di kota itu.

Kitaran ini juga merangkumi litograf seperti "The Blacksmith of Flanders" dan "At the Gates of the Adelphin Shipyard", memberikan gambaran mengenai kehidupan orang biasa di London. Menarik dalam karya ini adalah gambar kuda, berat dan berat badan berlebihan. Mereka berbeza dengan haiwan yang anggun dan anggun yang dilukis oleh seniman lain - sezaman dengan Gericault.

Semasa di ibu kota England, Gericault terlibat dalam penciptaan bukan hanya litograf, tetapi juga lukisan. Salah satu karya yang paling mencolok pada zaman ini adalah kanvas "Races in Epsom", yang dibuat pada tahun 1821. Dalam gambar itu, artis itu menggambarkan kuda-kuda bergegas dengan laju, dan kaki mereka sama sekali tidak menyentuh tanah. Tuan menggunakan teknik licik ini (foto tersebut membuktikan bahawa kuda tidak dapat memiliki posisi kaki seperti itu ketika berlari, ini adalah khayalan artis) untuk memberikan dinamisme komposisi, untuk mewujudkan kesan pergerakan kuda yang sepantas kilat di dalam penonton. Sensasi ini ditingkatkan dengan penghasilan semula keplastikan (postur, gerak tubuh) sosok manusia yang tepat, serta penggunaan kombinasi warna yang terang dan kaya (merah, teluk, kuda putih; jaket joki biru tua, merah tua, putih-biru dan kuning keemasan) ...

Tema perlumbaan kuda, yang telah lama menarik perhatian pelukis untuk ekspresi khasnya, diulang lebih dari sekali dalam karya-karya yang diciptakan oleh Gericault setelah selesainya karya Lumba Kuda di Epsom.

Menjelang tahun 1822, seniman itu meninggalkan England dan kembali ke negara asalnya Perancis. Di sini dia terlibat dalam pembuatan kanvas besar, mirip dengan karya tuan Renaissance. Antaranya adalah "Perdagangan orang kulit hitam", "Membuka pintu penjara Inkuisisi di Sepanyol." Lukisan-lukisan ini masih belum selesai - kematian menghalang Gericault menyiapkan kerja.

Yang menarik perhatian adalah potret, penciptaan yang dikaitkan oleh para sarjana seni untuk tempoh dari 1822 hingga 1823. Sejarah penulisan mereka memerlukan perhatian khusus. Faktanya adalah bahawa potret ini ditugaskan oleh seorang rakan artis, yang bekerja sebagai psikiatri di sebuah klinik di Paris. Mereka seharusnya menjadi semacam gambaran yang menunjukkan pelbagai penyakit mental seseorang. Ini adalah bagaimana lukisan "The Crazy Old Woman", "The Crazy", "The Crazy, Membayangkan Diri sebagai Pemimpin" dilukis. Bagi pengarang lukisan, penting di sini untuk tidak menunjukkan tanda-tanda dan gejala-gejala penyakit luar, tetapi untuk menyampaikan keadaan mental seseorang yang sakit. Di kanvas, gambar tragis orang muncul di hadapan penonton, yang matanya dipenuhi dengan rasa sakit dan sedih.

Di antara potret Gericault, tempat istimewa diduduki oleh potret Negro, yang kini berada di koleksi Muzium Rouen. Orang yang tegas dan berkeinginan kuat memandang penonton dari kanvas, bersedia untuk bertarung hingga akhir dengan kekuatan yang memusuhi dia. Imejnya sangat terang, emosional dan ekspresif. Orang dalam gambar ini sangat mirip dengan pahlawan berkehendak kuat yang ditunjukkan oleh Gericault sebelumnya dalam komposisi besar (misalnya, di kanvas "The Raft of Medusa").

Gericault bukan sahaja mahir melukis, tetapi juga pengukir yang sangat baik. Karya-karyanya dalam bentuk seni ini pada awal abad ke-19 adalah contoh pertama arca romantis. Di antara karya-karya tersebut, komposisi "Nymph and Satyr" yang sangat ekspresif sangat menarik. Gambar yang dibekukan dalam gerakan dengan tepat menyampaikan keplastikan tubuh manusia.

Théodore Gericault meninggal secara tragis pada tahun 1824 di Paris, jatuh ketika jatuh dari seekor kuda. Kematian awalnya mengejutkan semua sezaman artis terkenal.

Karya Gericault menandakan tahap baru dalam pengembangan lukisan bukan hanya di Perancis, tetapi juga dalam seni dunia - zaman romantisme. Dalam karya-karyanya, master mengatasi pengaruh tradisi klasik. Karya-karyanya luar biasa berwarna dan mencerminkan semua kepelbagaian alam semula jadi. Memperkenalkan tokoh-tokoh manusia ke dalam komposisi, artis berusaha untuk mengungkapkan pengalaman dan emosi dalaman seseorang dengan sepenuhnya dan jelas.

Selepas kematian Gericault, tradisi seni romantiknya diambil oleh kontemporari artis muda, E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, seniman dan seniman grafik Perancis yang terkenal, penerus tradisi romantisme yang berkembang dalam karya Gericault, dilahirkan pada tahun 1798. Tanpa menyelesaikan pendidikannya di lyceum kekaisaran, pada tahun 1815 Delacroix mendaftar dalam kajian tuan terkenal Guerin. Walau bagaimanapun, kaedah seni pelukis muda tidak memenuhi kehendak guru, oleh itu, tujuh tahun kemudian, pemuda itu meninggalkannya.

Semasa belajar dengan Guerin, Delacroix meluangkan banyak masa untuk mengkaji karya David dan penguasa lukisan Renaissance. Budaya kuno, tradisi yang juga diikuti oleh David, dia menganggap penting untuk pengembangan seni dunia. Oleh itu, cita-cita estetika untuk Delacroix adalah karya penyair dan pemikir Yunani Kuno, di antaranya artis tersebut sangat menghargai karya Homer, Horace dan Marcus Aurelius.

Karya-karya pertama Delacroix adalah kanvas yang belum selesai, di mana pelukis muda berusaha untuk mencerminkan perjuangan orang Yunani dengan orang Turki. Walau bagaimanapun, artis itu tidak mempunyai kemahiran dan pengalaman untuk membuat lukisan ekspresif.

Pada tahun 1822 Delacroix mempamerkan karyanya dengan judul "Dante and Virgil" di Paris Salon. Kanvas ini, yang sangat emosional dan berwarna cerah, dalam banyak hal mengingatkan karya Gericault "The Raft of the Medusa"

Dua tahun kemudian, satu lagi lukisan oleh Delacroix - "Pembunuhan di Chios" dipersembahkan kepada penonton Salon. Di dalamnya rancangan lama artis itu diwujudkan untuk menunjukkan perjuangan orang Yunani dengan orang Turki. Komposisi keseluruhan gambar terdiri daripada beberapa bahagian, yang membentuk sekumpulan orang yang diletakkan secara berasingan, yang masing-masing mempunyai konflik dramatiknya sendiri. Secara umum, karya tersebut memberikan kesan tragedi yang mendalam. Perasaan ketegangan dan dinamisme ditingkatkan dengan gabungan garis halus dan tajam yang membentuk sosok watak, yang membawa kepada perubahan bahagian orang yang digambarkan oleh artis. Walau bagaimanapun, berkat gambar ini memperoleh watak yang realistik dan keyakinan yang penting.

Kaedah kreatif Delacroix, yang sepenuhnya dinyatakan dalam "Pembantaian di Chios", jauh dari gaya klasik yang kemudian diadopsi di kalangan rasmi Perancis dan di antara wakil-wakil seni rupa. Oleh itu, gambar artis muda itu mendapat kritikan keras di Salon.

Walaupun gagal, pelukis tetap setia pada cita-citanya. Pada tahun 1827, karya lain muncul pada tema perjuangan rakyat Yunani untuk kemerdekaan - "Yunani mengenai runtuhan Missolonghi." Tokoh wanita Yunani yang tegas dan bangga, yang digambarkan di atas kanvas, di sini menggambarkan Yunani yang tidak tenang.

Pada tahun 1827, Delacroix menyelesaikan dua karya yang mencerminkan pencarian kreatif artis dalam bidang cara dan kaedah ekspresi artistik. Ini adalah lukisan "Death of Sardanapalus" dan "Marino Faliero". Pada yang pertama, tragedi situasi dinyatakan dalam pergerakan tokoh-tokoh manusia. Hanya gambaran Sardanapalus sendiri yang statik dan tenang. Dalam komposisi "Marino Faliero" hanya sosok watak utama yang dinamik. Wira-wira yang lain sepertinya dibekukan dengan rasa ngeri memikirkan apa yang harus berlaku.

Pada tahun 20-an. Abad XIX. Delacroix melakukan sejumlah karya, subjeknya diambil dari karya sastera terkenal. Pada tahun 1825, seniman itu mengunjungi England, tanah air William Shakespeare. Pada tahun yang sama, di bawah kesan perjalanan ini dan tragedi penulis drama terkenal Delacroix, litograf "Macbeth" dibuat. Dalam kurun waktu 1827 hingga 1828 ia membuat litograf "Faust", yang didedikasikan untuk karya dengan nama yang sama oleh Goethe.

Sehubungan dengan peristiwa yang berlaku di Perancis pada tahun 1830, Delacroix melakukan lukisan "Liberty Leading the People". Revolutionary France disajikan dalam gambar wanita muda, kuat, dominan, tegas dan bebas, dengan berani memimpin orang ramai, di mana tokoh pekerja, pelajar, askar yang cedera, gamine Paris menonjol (gambar yang menantikan Gavroche, yang muncul kemudian di Les Miserables oleh V. Hugo ).

Karya ini sangat berbeza dengan karya seniman lain yang serupa, yang hanya berminat dengan penyebaran acara ini atau yang benar. Kanvas yang dicipta oleh Delacroix dicirikan oleh kepahlawanan yang tinggi. Gambar-gambar tersebut adalah simbol umum kebebasan dan kemerdekaan rakyat Perancis.

Dengan kedatangan Louis Philippe - raja borjuis - kepahlawanan dan perasaan tinggi yang diberitakan oleh Delacroix, tidak ada tempat dalam kehidupan moden. Pada tahun 1831 seniman itu melakukan perjalanan ke negara-negara Afrika. Dia mengunjungi Tangier, Meknes, Oran dan Algeria. Pada masa yang sama, Delacroix mengunjungi Sepanyol. Kehidupan Timur secara harfiah menyihir artis dengan arus pesatnya. Dia membuat lakaran, gambar dan sejumlah cat air.

Setelah mengunjungi Maghribi, Delacroix menulis kanvas yang dikhaskan untuk Timur. Lukisan di mana artis menunjukkan perlumbaan atau pertempuran penunggang kuda Moor sangat dinamik dan ekspresif. Berbanding dengan mereka, komposisi "Wanita Algeria di Kamar Mereka", yang dibuat pada tahun 1834, tampak tenang dan statis. Ia tidak mempunyai dinamisme dan ketegangan yang pesat yang terdapat pada karya-karya seniman sebelumnya. Delacroix muncul di sini sebagai tuan warna. Skema warna yang digunakan oleh pelukis sepenuhnya mencerminkan warna palet yang terang yang berkaitan dengan warna Timur pada pandangan.

Ketenangan dan keteraturan yang sama adalah ciri lukisan "Perkahwinan Yahudi di Maghribi", yang dilukis sekitar tahun 1841. Suasana oriental yang misterius diciptakan di sini berkat karya seni yang tepat dari segi keaslian dalaman negara. Komposisi itu kelihatan sangat dinamik: pelukis menunjukkan bagaimana orang naik tangga dan memasuki bilik. Cahaya yang masuk ke dalam bilik menjadikan gambar kelihatan realistik dan meyakinkan.

Motif Oriental masih ada dalam karya Delacroix sejak sekian lama. Oleh itu, pada pameran yang diadakan di Salon pada tahun 1847, dari enam karya yang dikemukakannya, lima dikhaskan untuk kehidupan dan kehidupan sehari-hari di Timur.

Pada 30-40an. Pada abad ke-19, tema baru muncul dalam karya Delacroix. Pada masa ini, tuan membuat karya bertema sejarah. Antaranya, kanvas "protes Mirabeau terhadap pembubaran jeneral negara" dan "Boissy d'Angla" layak mendapat perhatian khusus. Sketsa yang terakhir, yang ditunjukkan pada tahun 1831 di Salon, adalah contoh komposisi yang jelas mengenai tema pemberontakan yang popular.

Lukisan "Battle of Poitiers" (1830) dan "Battle of Taibur" (1837) didedikasikan untuk penggambaran orang-orang. Dinamika pertempuran, pergerakan orang, kemarahan, kemarahan dan penderitaan mereka ditunjukkan di sini dengan semua realisme. Artis berusaha untuk menyampaikan emosi dan hasrat seseorang yang disita dengan hasrat untuk menang dengan segala cara. Tokoh-tokoh yang menjadi tokoh utama dalam menyampaikan sifat peristiwa yang dramatik.

Selalunya dalam karya Delacroix, pemenang dan yang kalah saling bertentangan. Ini dapat dilihat dengan jelas di kanvas "Penangkapan Konstantinopel oleh tentera salib", yang dilukis pada tahun 1840. Di latar depan terdapat sekumpulan orang yang bersedih. Di belakang mereka adalah pemandangan indah dan mempesona. Terdapat juga sosok penunggang kuda yang menang, yang siluetnya sangat hebat berbeza dengan tokoh-tokoh berkabung di latar depan.

"Pengambilan Konstantinopel oleh tentera Salib" mempersembahkan Delacroix sebagai pewarna yang luar biasa. Namun, warna-warna terang dan kaya tidak menguatkan awal tragis, yang dinyatakan oleh tokoh-tokoh sedih yang terletak dekat dengan penonton. Sebaliknya, palet kaya menimbulkan rasa perayaan yang diadakan untuk menghormati para pemenang.

Tidak kurang berwarna adalah komposisi "Trajan's Justice", yang dibuat pada tahun 1840 yang sama. Orang-orang seniman mengenali gambar ini sebagai salah satu yang terbaik di antara semua kanvas pelukis. Yang menarik perhatian adalah hakikat bahawa semasa kerjanya master melakukan eksperimen dalam bidang warna. Bahkan bayangan itu mengambil pelbagai warna darinya. Semua warna komposisi sesuai dengan alam semula jadi. Karya ini didahului oleh pemerhatian panjang pelukis mengenai perubahan warna alam. Artis memasukkannya ke dalam buku hariannya. Kemudian, menurut catatan, saintis mengesahkan bahawa penemuan yang dibuat oleh Delacroix dalam bidang tonality sepenuhnya sesuai dengan teori warna yang lahir pada masa itu, yang mana pengasasnya adalah E. Chevreuil. Sebagai tambahan, artis membandingkan penemuannya dengan palet yang digunakan oleh sekolah Venesia, yang merupakan contoh kemahiran bergambar untuknya.

Di antara lukisan Delacroix, potret menempati tempat yang istimewa. Tuan jarang beralih kepada genre ini. Dia melukis hanya orang-orang yang sudah lama dikenalnya, yang perkembangan kerohaniannya berlaku di hadapan artis. Oleh itu, gambar dalam potret sangat ekspresif dan mendalam. Ini adalah potret Chopin dan Georges Sand. Kanvas, yang dikhaskan untuk penulis terkenal (1834), menggambarkan seorang wanita yang mulia dan berkeinginan kuat yang menggembirakan sezamannya. Potret Chopin, yang ditulis empat tahun kemudian, pada tahun 1838, mewakili gambaran puitis dan rohani komposer hebat.

Potret menarik dan luar biasa dari pemain biola terkenal dan komposer Paganini, yang ditulis oleh Delacroix sekitar tahun 1831. Gaya muzik Paganini dalam banyak hal serupa dengan kaedah melukis pelukis. Karya Paganini dicirikan oleh ekspresi yang sama dan emosi yang kuat yang menjadi ciri karya pelukis.

Landskap menempati tempat kecil dalam karya Delacroix. Namun, ia ternyata sangat penting untuk pengembangan lukisan Perancis pada separuh kedua abad ke-19. Lanskap Delacroix ditandai dengan keinginan untuk menyampaikan kehidupan alam yang terang dan sukar difahami. Contoh yang jelas dari ini adalah kanvas "Langit", di mana perasaan dinamika diciptakan berkat awan putih salji yang melayang di langit, dan "Laut yang dilihat dari tebing Dieppe" (1854), di mana pelukis dengan mahir menyampaikan pelayaran kapal layar ringan di permukaan laut.

Pada tahun 1833, seniman tersebut menerima perintah dari raja Perancis untuk melukis sebuah balai di Istana Bourbon. Kerja penciptaan karya monumental itu berlangsung selama empat tahun. Semasa menyelesaikan pesanan, pelukis dipandu terutamanya oleh fakta bahawa gambarnya sangat sederhana dan laconic, dapat difahami oleh penonton.
Karya terakhir Delacroix adalah lukisan kapel Malaikat Suci di Gereja Saint-Sulpice di Paris. Ia dilaksanakan dalam kurun waktu 1849 hingga 1861. Dengan menggunakan warna-warna cerah dan kaya (merah jambu, biru terang, ungu, diletakkan di latar belakang abu-abu dan kuning-coklat), artis itu menciptakan suasana gembira dalam komposisi yang membuat penonton merasa riang gembira. Pemandangan yang termasuk dalam lukisan "Pengusiran Iliodor dari Kuil" sebagai semacam latar belakang secara visual memperbesar ruang komposisi dan kapel. Sebaliknya, seolah-olah ingin menekankan kedekatan ruang, Delacroix memperkenalkan tangga dan langkan ke dalam komposisi. Tokoh-tokoh orang yang diletakkan di belakangnya kelihatan seperti siluet yang hampir rata.

Eugene Delacroix meninggal pada tahun 1863 di Paris.

Delacroix adalah pelukis yang paling berpendidikan pada separuh pertama abad ke-19. Banyak subjek lukisannya diambil dari karya sastera sarjana pen terkenal. Fakta menarik ialah selalunya artis melukis wataknya tanpa menggunakan model. Dia cuba mengajar perkara yang sama kepada pengikutnya. Menurut Delacroix, melukis adalah sesuatu yang lebih kompleks daripada penyalinan garis primitif. Artis percaya bahawa seni terutama terletak pada kemampuan untuk menyatakan perasaan dan niat kreatif tuan.

Delacroix adalah pengarang beberapa karya teori mengenai masalah warna, kaedah dan gaya artis. Karya-karya ini berfungsi sebagai mercusuar bagi pelukis generasi seterusnya dalam mencari kaedah seni mereka sendiri yang digunakan untuk membuat komposisi.

Romantikisme.

Romanticism (romantisme Perancis), sebuah gerakan ideologi dan seni dalam budaya Eropah dan Amerika pada akhir abad ke-18 - awal abad ke-19. Dilahirkan sebagai reaksi terhadap rasionalisme dan mekanisme estetika klasikisme dan falsafah Pencerahan, yang ditubuhkan pada era pemecahan revolusi masyarakat feudal, yang sebelumnya, tatanan dunia yang seolah-olah tidak tergoyahkan, romantisme (baik sebagai pandangan khas dunia dan sebagai arah artistik) telah menjadi salah satu fenomena yang paling kompleks dan bertentangan dalaman dalam sejarah budaya. Kekecewaan dalam cita-cita Pencerahan, dalam hasil Revolusi Perancis Besar, penolakan utilitarianisme realiti moden, prinsip-prinsip praktik borjuis, yang menjadi korbannya adalah keperibadian manusia, pandangan pesimis mengenai prospek pembangunan sosial, mentaliti "kesedihan dunia" digabungkan dalam romantisme dengan keinginan untuk keharmonian ketertiban dunia, integriti rohani individu , dengan tarikan ke arah "tak terhingga", dengan pencarian cita-cita baru, mutlak dan tanpa syarat. Perbedaan tajam antara cita-cita dan realiti yang menindas muncul dalam benak banyak orang romantik, perasaan duniawi ganda yang fatalistik atau marah, ejekan pahit mengenai perbezaan antara mimpi dan realiti, yang meningkat dalam sastera dan seni dengan prinsip "ironi romantis." Minat yang paling mendalam terhadap keperibadian manusia yang wujud dalam romantisme, yang difahami oleh romantika sebagai kesatuan ciri luaran individu dan kandungan dalaman yang unik, menjadi semacam pembelaan diri terhadap peningkatan keperibadian. Menembus ke dalam kehidupan rohani seseorang, kesusasteraan dan seni romantisisme secara serentak memindahkan sensasi akut ini dari sifat, asli, unik kepada nasib bangsa dan bangsa, ke realiti sejarah itu sendiri. Pergeseran sosial yang luar biasa yang berlaku di depan mata romantik menjadikan perjalanan sejarah yang progresif dapat dilihat dengan jelas. Dalam karya terbaiknya, romantisme berkembang menjadi penciptaan simbolik dan pada masa yang sama imej penting yang berkaitan dengan sejarah moden. Tetapi gambar-gambar masa lalu, yang diambil dari mitologi, sejarah kuno dan abad pertengahan, diwujudkan oleh banyak romantik sebagai cerminan konflik sebenar masa kita.

Romanticism menjadi arah artistik pertama di mana kesedaran tentang keperibadian kreatif sebagai subjek aktiviti artistik jelas ditunjukkan. Romantik secara terbuka menyatakan kemenangan selera individu, kebebasan kreativiti sepenuhnya. Dengan mementingkan tindakan kreatif itu sendiri, menghancurkan halangan yang menghalang kebebasan artis, mereka dengan berani menyamakan tinggi dan dasar, tragis dan komik, yang biasa dan yang tidak biasa. Romantikisme merangkumi semua bidang budaya rohani: sastera, muzik, teater, falsafah, estetika, filologi dan kemanusiaan lain, seni plastik. Tetapi pada masa yang sama, dia bukan lagi gaya universal yang klasik. Tidak seperti yang terakhir, romantisisme hampir tidak memiliki bentuk ekspresi negara (oleh itu, ia tidak mempengaruhi seni bina secara signifikan, mempengaruhi terutamanya seni bina taman dan taman, seni bina bentuk kecil dan arah yang disebut pseudo-Gothic). Karena tidak begitu gaya sebagai gerakan seni sosial, romantisme membuka jalan untuk pengembangan seni lebih lanjut pada abad ke-19, yang terjadi bukan dalam bentuk gaya yang komprehensif, tetapi dalam bentuk aliran dan tren yang terpisah. Juga, untuk pertama kalinya dalam romantisme, bahasa bentuk seni tidak dipikirkan semula: hingga tahap tertentu, asas-asas gaya klasikisme telah dipelihara, diubah secara signifikan dan difikirkan ulang di negara-negara tertentu (misalnya, di Perancis). Pada masa yang sama, dalam kerangka arah gaya tunggal, gaya artis masing-masing mendapat kebebasan pembangunan yang besar.

Berkembang di banyak negara, romantisme di mana-mana memperoleh identiti nasional yang jelas, kerana keadaan sejarah dan tradisi nasional yang sebenarnya. Tanda-tanda romantisisme pertama muncul hampir serentak di pelbagai negara. Pada akhir abad ke-18 - awal abad ke-19. ciri-ciri romantisme sudah ada pada tahap yang berbeza-beza: di Great Britain - lukisan dan karya grafik Swiss I. G. Füsli, di mana gelap dan canggih canggih menerobos kejelasan gambar klasik, dan kreativiti penyair dan seniman W. Blake dipenuhi dengan visi mistik; di Sepanyol - karya akhir-akhir F. Goya, penuh dengan fantasi yang tidak terkawal dan patos tragis, protes bersemangat menentang penghinaan nasional; di Perancis - potret J.L. David yang penuh kegembiraan yang diciptakan pada tahun-tahun revolusi, komposisi dramatik awal dan potret A.J. Gros, yang dipenuhi dengan lirik yang mimpi, agak tinggi oleh P.P. Prudon, dan juga menggabungkan kecenderungan romantis dengan kontradiktif kaedah akademik kepada karya F. Gerard.

Sekolah romantisme yang paling konsisten dikembangkan di Perancis semasa Pemulihan dan Monarki Julai dalam perjuangan keras kepala terhadap dogmatisme dan rasionalisme abstrak klasikisme akademik. Menyatakan protes mereka terhadap penindasan dan reaksi, banyak wakil romantisme Perancis, secara langsung atau tidak langsung, dikaitkan dengan gerakan sosial pada separuh pertama abad ke-19. dan sering menjadi semangat revolusi sejati, yang menentukan sifat romantisisme jurnalistik yang berkesan di Perancis. Seniman Perancis mereformasi cara bergambar dan ekspresif: mereka memodifikasi komposisi, menggabungkan bentuk dengan pergerakan pantas, menggunakan warna tepu terang berdasarkan kontras cahaya dan bayangan, nada hangat dan sejuk, menggunakan gaya penulisan yang berkilau dan terang, sering digeneralisasikan. Dalam karya-karya pengasas sekolah romantis, T. Gericault, yang masih mengekalkan graviti terhadap gambar-gambar klasik klasik yang digeneralisasikan, untuk pertama kalinya dalam seni Perancis, memprotes kenyataan di sekelilingnya dan keinginan untuk bertindak balas terhadap peristiwa-peristiwa luar biasa pada zaman kita, yang dalam karya-karyanya mewujudkan nasib tragis Perancis moden, dinyatakan. Pada tahun 1820-an. E. Delacroix menjadi ketua sekolah romantik yang diiktiraf. Rasa penglibatan dalam peristiwa bersejarah yang hebat yang mengubah wajah dunia, tarikan kepada tema-tema yang memuncak dan memilukan secara dramatik menimbulkan semangat dan intensiti karya-karya terbaiknya. Dalam potret, perkara utama bagi romantik adalah pengenalan watak-watak yang jelas, ketegangan kehidupan rohani, pergerakan perasaan manusia yang sekejap; di lanskap - kekaguman terhadap kekuatan alam semula jadi, unsur alam semesta yang bersifat spiritual. Untuk grafik romantisme Perancis, penciptaan bentuk baru yang besar dalam litografi dan xilografi buku (N.T. Charlet, A. Deveria, J. Gigou, kemudian Granville, G. Dore) adalah penting. Kecenderungan romantis juga wujud dalam karya seniman grafik terhebat O. Daumier, tetapi ia sangat ketara dalam lukisannya. Sarjana patung romantik (P.J.David d "Angers, A. L. Bari, F. Rud) beralih dari komposisi tektonik yang ketat ke tafsiran bentuk yang bebas, dari kehebatan dan keagungan plastik klasik yang tenang hingga pergerakan yang ribut.

Kecenderungan konservatif romantisisme (idealisasi, individualisme persepsi, berubah menjadi keputusasaan yang tragis, permintaan maaf pada Abad Pertengahan, dll.), Yang menyebabkan pengaruh agama dan pemujaan terbuka terhadap monarki (E. Deveria, A. Schaeffer, dll.) ... Prinsip formalisme romantis individu juga banyak digunakan oleh wakil seni rasmi, yang menggabungkannya secara eklektik dengan kaedah akademik (lukisan sejarah melodramatik oleh P. Delaroche, karya istiadat dan karya pertempuran yang luar biasa oleh O. Vernet, E. Mesonier, dan lain-lain).

Nasib sejarah romantisme di Perancis adalah kompleks dan samar-samar. Dalam karya wakil-wakil terhebatnya, kecenderungan realistik jelas ditunjukkan, sebahagiannya tertanam dalam konsep yang sangat romantis mengenai ciri yang nyata. Sebaliknya, karya awal perwakilan realisme dalam seni Perancis - C. Corot, tuan sekolah Barbizon, G. Courbet, J. F. Millet, E. Manet, ditangkap oleh pengaruh romantis hingga tahap yang berbeza-beza. Mistik dan alegorisme yang kompleks, kadang-kadang wujud dalam romantisme, menemukan kesinambungan dalam simbolisme (G. Moreau dan lain-lain); beberapa ciri khas estetika romantisme muncul kembali dalam seni "moden" dan pasca-impresionisme.

Perkembangan romantisme di Jerman dan Austria bahkan lebih kompleks dan bertentangan. Romantisisme awal Jerman, yang dicirikan oleh perhatian terhadap segala sesuatu yang tajam, tononal melankolis-kontemplatif struktur figuratif-emosi, suasana mistik-pantheistik, terutama berkaitan dengan pencarian dalam bidang potret dan komposisi kiasan (F.O. Runge), serta landskap (K. D. Friedrich, I. A. Koch). Idea keagamaan dan patriarki, keinginan untuk menghidupkan kembali semangat keagamaan dan ciri-ciri gaya lukisan Itali dan Jerman pada abad ke-15. menyuburkan kreativiti kaum Nazaren (F. Overbeck, J. Schnorr von Karolsfeld, P. Cornelius dan lain-lain), yang kedudukannya menjadi sangat konservatif pada pertengahan abad ke-19. Bagi para seniman sekolah Düsseldorf, sampai batas tertentu dengan romantisme, selain pemuliaan idilis abad pertengahan dalam semangat puisi romantis moden, sentimen dan hiburan plot adalah ciri. Karya kreatif perwakilan Biedermeier (F. Waldmüller, I. P. Hasenklever, F. Kruger) dan K. Blechen menjadi sejenis gabungan prinsip-prinsip romantisme Jerman, yang sering cenderung untuk memuitiskan realisme "burgher" biasa dan khusus. Dari sepertiga kedua abad XIX. garis romantisisme Jerman berlanjutan, di satu pihak, dalam lukisan salon-akademik sombong V. Kaulbach dan K. Piloti, dan di sisi lain, dalam karya epik dan kiasan L. Richter dan karya genre-naratif, karya-karya yang dibunyikan oleh K. Spitzweg dan M. von Schwind. Estetika romantis sebahagian besarnya menentukan pembentukan karya A. von Menzel, yang kemudian menjadi wakil realisme Jerman terbesar pada abad ke-19. Sama seperti di Perancis, romantisme Jerman akhir (pada tahap yang lebih besar daripada bahasa Perancis, yang menyerap ciri-ciri naturalisme, dan kemudian "moden") pada akhir abad ke-19. ditutup dengan simbolisme (H. Thoma, F. von Stuck dan M. Klinger, Swiss A. Böcklin).

Di Great Britain pada separuh pertama abad ke-19. Lanskap J. Constable dan R. Bonington ditandai dengan kedekatan tertentu dengan romantisme Perancis dan pada masa yang sama keaslian, kecenderungan realistik yang jelas, pemandangan oleh W. Turner ditandai dengan fantasi romantis dan pencarian cara ekspresif segar. Aspirasi keagamaan dan mistik, keterikatan dengan budaya Zaman Pertengahan dan Zaman Renaissance Awal, serta harapan untuk kebangkitan semula buruh kraftangan, dibezakan oleh pergerakan romantis Pra-Raphaelites (D.G. Rossetti, J.E. Milles, H. Hunt, E. Burne-Jones, dll.) ...

Di Amerika Syarikat, sepanjang abad ke-19. arah romantis diwakili terutamanya oleh landskap (T. Cole, J. Inness, A. P. Ryder). Landskap romantis berkembang di negara-negara lain juga, tetapi kandungan utama romantisme di negara-negara Eropah di mana kesadaran nasional terbangun adalah minat terhadap warisan budaya dan seni tempatan, tema kehidupan rakyat, sejarah kebangsaan dan perjuangan pembebasan. Begitulah karya G. Wappers, L. Galle, H. Leys dan A. Wirtz di Belgium, F. Ayes, D. dan J. Induno, J. Carnevali dan D. Morelli di Itali, D. A. Siqueira di Portugal, wakil costumbrism di Amerika Latin, I. Manes dan I. Navratila di Republik Czech, M. Barabash dan V. Madaras di Hungary, A.O. Orlovsky, P. Michalovsky, H. Rodakovsky dan J. Matejko yang romantis di Poland. Pergerakan romantis nasional di negara-negara Slavia, Scandinavia, negara-negara Baltik menyumbang kepada pembentukan dan pengukuhan sekolah seni tempatan.

Di Rusia, romantisme muncul dengan pelbagai peringkat dalam karya banyak tuan - dalam lukisan dan grafik A.O. Orlovsky yang berpindah ke St. Petersburg, di potret O. A. Kiprensky, dan sebahagiannya di V.A.Tropinin. Romantikisme mempunyai pengaruh yang signifikan terhadap pembentukan landskap Rusia (karya Silv. F. Shchedrin, Vorobyov MN, MI Lebedev; karya IK Aivazovsky muda). Ciri-ciri romantisme bercanggah digabungkan dengan klasikisme dalam karya K. P. Bryullov, F. A. Bruni, F. P. Tolstoy; pada masa yang sama, potret Bryullov memberikan salah satu ungkapan paling jelas mengenai prinsip-prinsip romantisme dalam seni Rusia. Pada tahap tertentu, romantisme mempengaruhi lukisan P. A. Fedotov dan A. A. Ivanov.

Romantik dalam Senibina.

Salah satu peristiwa terhebat dalam sejarah dunia - Hebat perancis revolusi - menjadi momen yang menentukan bukan hanya dalam politik, tetapi juga dalam kehidupan budaya di seluruh dunia. Pada akhir abad ke-18 - ke-1 abad ke-19, romantisme menjadi trend gaya dominan dalam seni di Amerika dan Eropah.

Zaman Pencerahan berakhir dengan Revolusi Borjuasi Besar. Bersama dengannya, perasaan kestabilan, ketenteraman dan ketenangan hilang. Idea persaudaraan, kesetaraan, dan kebebasan yang baru diisytiharkan menanamkan rasa optimis dan iman yang tak terbatas di masa depan, dan pergolakan yang begitu dramatis - ketakutan dan rasa tidak selamat. Masa lalu sepertinya adalah pulau yang menyelamatkan di mana kebaikan, kesopanan, ketulusan, dan yang paling penting, keteguhan memerintah. Oleh itu, dalam idealisasi masa lalu dan pencarian seseorang untuk tempatnya di dunia yang luas, lahirlah romantisme.

Peningkatan romantisme dalam seni bina dikaitkan dengan penggunaan reka bentuk, kaedah dan bahan binaan baru. Pelbagai struktur logam muncul, jambatan didirikan. Teknologi untuk pengeluaran besi dan keluli yang murah telah dikembangkan.

Romantikisme menafikan kesederhanaan bentuk seni bina, yang menawarkan pelbagai, kebebasan dan siluet yang kompleks. Simetri semakin penting.

Gaya itu merealisasikan lapisan budaya terkaya dari negara asing, yang sejak sekian lama berjauhan dengan orang Eropah. Bukan hanya seni bina kuno Yunani dan Rom yang diakui berharga, tetapi juga budaya lain. Senibina Gothic menjadi asas romantisme. Perhatian khusus diberikan kepada seni bina oriental. Terdapat kesedaran tentang perlunya melindungi dan menghidupkan kembali monumen budaya zaman lampau.

Romantisisme dicirikan oleh pengaburan batas antara semula jadi dan buatan: taman, takungan buatan dan air terjun dirancang. Bangunan-bangunannya dikelilingi oleh lengkungan, gazebo, tiruan menara kuno. Romanticism lebih suka warna pastel.

Romantisisme menyangkal peraturan dan peraturan; ia tidak mempunyai pantang larang atau unsur wajib. Kriteria utama adalah kebebasan bersuara, perhatian yang meningkat kepada manusia, kelonggaran kreatif.

Di pedalaman moden, romantisme difahami sebagai daya tarik terhadap bentuk cerita rakyat dan bahan semula jadi - penempaan, batu liar, kayu kasar, tetapi penataan ini tidak ada kaitan dengan arah seni bina pergantian abad ke-18 - ke-19.

Romantik dalam Lukisan.

Sekiranya nenek moyang klasikisme adalah Perancis, maka "untuk mencari akar ... sekolah romantis," tulis salah seorang sezamannya, "kita harus pergi ke Jerman. Dia dilahirkan di sana, dan di sana romantik Itali dan Perancis moden mengembangkan selera mereka ”.

Jerman yang berpecah tidak mengetahui peningkatan revolusi. Sebilangan besar romantik Jerman asing dengan patologi idea sosial yang maju. Mereka mengidealkan Zaman Pertengahan. Mereka menyerahkan diri kepada dorongan mental yang tidak dapat dipertanggungjawabkan, berbicara tentang pengabaian kehidupan manusia. Seni banyak dari mereka adalah pasif dan kontemplatif. Mereka mencipta karya terbaik mereka dalam bidang lukisan potret dan lanskap.

Pelukis potret yang luar biasa adalah Otto Runge (1777-1810). Potret tuan ini, dengan ketenangan luaran, memukau dengan kehidupan dalaman mereka yang sengit dan tegang.

Imej penyair romantis dilihat oleh Runge di " Potret diri". Dia dengan teliti memeriksa dirinya sendiri dan melihat seorang lelaki muda berambut gelap, bermata gelap, serius, penuh tenaga, pemikir dan berkeinginan kuat. Seorang artis romantis ingin mengenali dirinya. Cara potret itu dilaksanakan dengan pantas dan menyeluruh, seolah-olah tenaga rohani pencipta harus disampaikan dalam tekstur karya; dalam skala warna gelap kontras cahaya dan gelap muncul. Kontras adalah teknik bergambar khas dari tuan romantik.

Seorang seniman romantis akan selalu berusaha untuk melihat perubahan suasana hati seseorang, untuk melihat ke dalam jiwanya. Dan dalam hal ini, potret kanak-kanak akan berfungsi sebagai bahan subur untuknya. DALAM " Potret kanak-kanak Hulsenbeck” (1805) Runge tidak hanya menyampaikan keaktifan dan spontan watak anak, tetapi juga menemukan teknik khas untuk suasana yang cerah. Latar belakang dalam gambar adalah lanskap, yang tidak hanya memberi kesaksian kepada pemberian warna-warni dari artis, sikap yang mengagumkan terhadap alam, tetapi juga munculnya masalah-masalah baru dalam pembuatan semula hubungan spasial yang mahir, cahaya objek di udara terbuka. Tuan romantis, ingin menggabungkan "I" miliknya dengan luasnya Alam Semesta, berusaha untuk menangkap rupa alam yang nyata. Tetapi dengan kepekaan gambar ini, dia lebih suka melihat simbol dunia besar, "idea artis".

Runge, salah seorang seniman romantis pertama, menetapkan tugasnya untuk mensintesis seni: melukis, arca, seni bina, muzik. Artis berkhayal, mengukuhkan konsep falsafahnya dengan idea-idea pemikir Jerman yang terkenal pada separuh pertama abad ke-17. Jacob Boehme. Dunia adalah sejenis keseluruhan mistik, setiap bahagiannya menyatakan keseluruhannya. Idea ini berkaitan dengan romantik dari seluruh benua Eropah.

Pelukis romantis Jerman yang lain Caspar Daud Frederick (1774-1840) lebih menyukai pemandangan daripada semua genre lain dan dilukis sepanjang hidupnya hanya gambar alam. Motif utama karya Frederick adalah idea penyatuan manusia dan alam.

"Dengarkan suara alam yang berbicara dalam diri kita," artis memberi arahan kepada murid-muridnya. Dunia dalaman seseorang melambangkan tak terhingga alam semesta, oleh itu, setelah mendengar dirinya sendiri, seseorang dapat memahami kedalaman spiritual dunia.

Kedudukan mendengar menentukan bentuk asas "komunikasi" manusia dengan alam dan imejnya. Inilah kehebatan, misteri atau pencerahan alam dan keadaan sedar dari pemerhati. Benar, seringkali Friedrich tidak membenarkan seorang tokoh "memasuki" ruang lanskap lukisannya, tetapi dalam penembusan halus struktur imajinatif hamparan penyebaran, kehadiran perasaan, pengalaman seseorang dirasakan. Subjektivisme dalam penggambaran lanskap hanya menjadi seni dengan kreativiti romantik, yang memperlihatkan pengungkapan lirik tentang alam oleh para tuan pada separuh kedua abad ke 19. Peneliti mencatat dalam karya Friedrich "pengembangan repertoar" motif lanskap. Penulis berminat dengan laut, gunung, hutan dan pelbagai warna keadaan semula jadi pada waktu yang berlainan dalam setahun dan hari.

1811-1812 ditandai dengan penciptaan rangkaian lanskap gunung sebagai hasil perjalanan artis ke pergunungan. ” Pagi dalam gunung” bergambar menggambarkan realiti semula jadi baru yang lahir di sinar matahari terbit. Nada lembut menyelimuti dan menghilangkan kelantangan dan kelantangan material. Tahun-tahun pertempuran dengan Napoleon (1812-1813) menjadikan Frederick menjadi tema patriotik. Menggambarkan, diilhamkan oleh drama Kleist, dia menulis “ Kubur Arminia” - pemandangan dengan kuburan pahlawan Jerman kuno.

Frederick adalah tuan laut yang halus: “ Umur” , “ Matahari Terbit bulan berakhir melalui laut” , ” Kiamat “ Harapan” dalam ais” .

Karya terakhir artis - “ Rekreasi pada bidang” , “ Besar paya” dan “ Ingatan kira-kira Gergasi gunung” , ” Raksasa pergunungan” - serangkaian rabung dan batu di latar depan yang gelap. Ini, nampaknya, adalah kembali kepada perasaan yang dialami seseorang atas kemenangannya, kegembiraan naik ke "puncak dunia", yang berusaha untuk mencapai ketinggian yang tidak dapat ditakluki. Perasaan seniman menyusun massa gunung ini dengan cara yang istimewa, dan sekali lagi pergerakan dari kegelapan langkah pertama ke cahaya masa depan dibaca. Puncak gunung di latar belakang disorot sebagai pusat aspirasi rohani tuan. Lukisan ini sangat mengaitkan, seperti ciptaan romantik mana pun, dan menunjukkan tahap bacaan dan tafsiran yang berbeza.

Friedrich sangat tepat dalam melukis, muzikal dan harmoni dalam pembinaan irama lukisannya, di mana dia cuba bercakap dengan emosi warna dan kesan cahaya. "Banyak yang diberikan sedikit, hanya sedikit yang diberikan. Jiwa alam terbuka untuk semua orang dengan cara yang berbeza. Oleh itu, tidak ada yang berani memindahkan pengalaman dan peraturannya kepada yang lain sebagai undang-undang tanpa syarat yang mengikat. Tiada siapa yang menjadi tolok ukur untuk semua orang. Setiap orang mempunyai ukuran hanya untuk dirinya sendiri dan untuk sifat yang lebih kurang sama dengan dirinya sendiri ”- refleksi tuan ini membuktikan integriti kehidupan dan kreativiti dalamannya yang luar biasa. Keunikan artis hanya dapat dilihat dalam kebebasan karyanya - inilah yang dimaksudkan oleh Friedrich yang romantis.

Nampaknya lebih formal untuk membezakan dengan artis - "klasik" - wakil klasikisme cabang lukisan romantis lain di Jerman - nazaren... Ditubuhkan di Vienna dan menetap di Rom (1809-1810), Kesatuan St Luke menyatukan para tuan dengan idea untuk menghidupkan semula seni monumental dari masalah agama. Zaman Pertengahan adalah zaman kegemaran dalam sejarah untuk romantik. Tetapi dalam pencarian seni mereka, orang-orang Nasrani beralih ke tradisi melukis pada zaman Renaissance awal di Itali dan Jerman. Overbeck dan Geforr adalah pemula perikatan baru, yang kemudian bergabung dengan Cornelius, Schnoff von Karolsfeld, Faith Fürich.

Gerakan Nazarene mempunyai bentuk penentangannya sendiri terhadap ahli akademik klasik di Perancis, Itali, dan Inggeris. Sebagai contoh, di Perancis, seniman primitivis yang disebut muncul dari bengkel David, di England, Pra-Raphaelites. Dalam semangat tradisi romantis, mereka menganggap seni sebagai "ungkapan masa," "semangat rakyat," tetapi preferensi tematik atau formal mereka, yang pada awalnya terdengar seperti slogan penyatuan, setelah beberapa saat berubah menjadi prinsip doktrin yang sama dengan prinsip Akademi, yang mereka tolak.

Seni romantisisme di Perancis berkembang dengan cara yang istimewa. Perkara pertama yang membezakannya dengan gerakan serupa di negara lain adalah wataknya yang aktif, menyinggung (“revolusioner”). Penyair, penulis, pemuzik, seniman mempertahankan kedudukan mereka tidak hanya dengan menciptakan karya baru, tetapi juga dengan berpartisipasi dalam polemik majalah dan surat khabar, yang digambarkan oleh penyelidik sebagai "pertempuran romantis". V. Hugo, Stendhal, Georges Sand, Berlioz dan banyak penulis lain, komposer, wartawan Perancis yang terkenal "mengasah pena" mereka dalam polemik romantis.

Lukisan romantis di Perancis muncul sebagai penentangan terhadap sekolah klasik David, seni akademik, yang disebut "sekolah" pada umumnya. Tetapi ini perlu dipahami secara lebih luas: itu adalah penentangan terhadap ideologi rasmi era reaksi, protes terhadap pemikiran sempit borjuisnya. Oleh itu sifat menyedihkan karya romantis, kegembiraan mereka, daya tarikan terhadap motif eksotik, plot sejarah dan sastera, kepada semua perkara yang dapat menjauhkan diri dari "kehidupan sehari-hari yang membosankan", oleh itu permainan khayalan ini, dan kadang-kadang, sebaliknya, melamun dan kekurangan aktiviti sepenuhnya.

Wakil-wakil "sekolah", ahli akademik, memberontak, pertama sekali, menentang bahasa romantik: warna panas teruja mereka, pemodelan bentuk mereka, tidak seperti yang biasa untuk "klasik", plastik patung, tetapi dibina berdasarkan kontras bintik warna yang kuat; reka bentuk ekspresif mereka, dengan sengaja meninggalkan ketepatan; komposisi mereka yang berani, kadang-kadang kacau, tanpa keagungan dan ketenangan yang tidak tergoyahkan. Ingres, musuh romantik yang tidak dapat dilupakan, hingga akhir hayatnya mengatakan bahawa Delacroix "menulis dengan sapu gila", dan Delacroix menuduh Ingres dan semua seniman "sekolah" itu kesejukan, rasional, kekurangan pergerakan, bahawa mereka tidak menulis, tetapi "cat" lukisan anda. Tetapi itu bukan pertembungan sederhana dua individu yang terang dan sama sekali berbeza, ini adalah pertarungan antara dua pandangan dunia seni yang berbeza.

Perjuangan ini berlangsung hampir setengah abad, romantisme dalam seni meraih kemenangan tidak mudah dan tidak segera, dan artis pertama ke arah ini adalah Theodore Gericault (1791-1824) - penguasa bentuk monumental kepahlawanan, yang menggabungkan dalam karyanya baik ciri-ciri klasik dan ciri-ciri romantisme itu sendiri, dan, akhirnya, prinsip realistik yang kuat, yang memberi kesan besar pada seni realisme pertengahan abad ke-19. Tetapi sepanjang hayatnya, dia hanya dihargai oleh beberapa orang rakan karib.

Kejayaan romantisisme pertama yang cemerlang dikaitkan dengan nama Theodore Zhariko. Sudah dalam lukisan awalnya (potret tentera, gambar kuda), cita-cita kuno surut di hadapan persepsi langsung mengenai kehidupan.

Di salun pada tahun 1812 Gericault menunjukkan sebuah lukisan “ pegawai itu empayar penunggang kuda penjaga permainan dalam masa serangan”. Ini adalah tahun puncak kemuliaan Napoleon dan kekuatan tentera Perancis.

Komposisi gambar menyajikan penunggang dalam perspektif yang tidak biasa mengenai momen "tiba-tiba", ketika kuda itu berdiri, dan penunggang itu, menjaga kedudukan kuda hampir menegak, menoleh ke arah penonton. Gambaran momen ketidakstabilan, ketidakmungkinan postur ini meningkatkan kesan pergerakan. Kuda itu mempunyai satu titik sokongan, dia mesti jatuh ke tanah, mengacukan dirinya ke pertarungan yang membawanya ke keadaan seperti itu. Banyak yang disatukan dalam karya ini: Kepercayaan tanpa syarat Gericault mengenai kemungkinan memiliki seseorang dengan sendirinya, cinta yang kuat terhadap imej kuda dan keberanian seorang master pemula dalam menunjukkan apa yang sebelumnya hanya dapat disampaikan oleh muzik atau bahasa puisi - kegembiraan pertempuran, permulaan serangan, ketegangan utama kekuatan makhluk hidup ... Penulis muda itu membangun citranya pada penyebaran dinamika pergerakan, dan penting baginya untuk menyesuaikan penonton untuk "menduga" apa yang ingin digambarkannya.

Tradisi dinamika penceritaan romansa bergambar di Perancis praktis tidak ada, kecuali pada relief candi Gothic, kerana ketika Gericault pertama kali datang ke Itali, dia terpegun dengan kekuatan tersembunyi komposisi Michelangelo. "Saya gemetar," tulisnya, "Saya meragui diri sendiri dan untuk masa yang lama tidak dapat pulih dari pengalaman ini." Tetapi Stendhal telah menunjukkan Michelangelo sebagai pelopor aliran gaya baru dalam seni bahkan lebih awal dalam artikel polemiknya.

Lukisan Gericault mengumumkan bukan hanya kelahiran bakat seni baru, tetapi juga memberi penghormatan kepada semangat dan kekecewaan penulis dengan idea-idea Napoleon. Beberapa lagi karya berkaitan dengan topik ini: “ pegawai itu carabinieri”, “ pegawai itu cuirassier sebelum ini serang”, “ Potret carabinieri”, “ Terluka cuirassier”.

Dalam risalah "Refleksi tentang keadaan lukisan di Perancis" dia menulis bahawa "kemewahan dan seni telah menjadi ... suatu keperluan dan, sebagaimana adanya, makanan untuk khayalan, yang merupakan kehidupan kedua orang yang bertamadun ... Tanpa menjadi keperluan asas, seni hanya muncul ketika keperluan dipenuhi ketika banyaknya tiba. Seorang lelaki, dibebaskan dari kebimbangan setiap hari, mulai mencari kesenangan untuk menghilangkan kebosanan, yang pasti akan mengalahkannya di tengah-tengah kepuasan. "

Pemahaman tentang peranan pendidikan dan humanistik seni ini ditunjukkan oleh Gericault setelah kembali dari Itali pada tahun 1818 - dia mula terlibat dalam litografi, meniru pelbagai topik, termasuk kekalahan Napoleon ( “ Kembali daripada Dari Rusia” ).

Pada masa yang sama, seniman beralih ke penggambaran kematian frigat "Medusa" di luar pesisir Afrika, yang sangat mengganggu masyarakat. Musibah itu adalah kesalahan kapten yang tidak berpengalaman, yang dilantik ke jawatan tersebut di bawah naungan. Penumpang kapal yang masih hidup, pakar bedah Savigny dan jurutera Correar, bercakap secara terperinci mengenai kemalangan itu.

Kapal yang mati berjaya melemparkan rakit, di mana segelintir orang yang diselamatkan sampai. Selama dua belas hari mereka dibawa ke laut yang bergelora sehingga mereka diselamatkan oleh kapal "Argus".

Gericault tertarik dengan situasi ketegangan kekuatan spiritual dan fizikal manusia. Lukisan itu menggambarkan 15 penumpang yang masih hidup di atas rakit ketika mereka melihat Argus di kaki langit. “ Rakit “ Ubur-ubur” adalah hasil kerja persiapan yang panjang oleh artis. Dia membuat banyak sketsa laut yang bergelora, potret orang yang diselamatkan di hospital. Pada mulanya, Gericault ingin memperlihatkan perjuangan orang-orang yang berselisih antara satu sama lain, tetapi kemudian dia memutuskan tingkah laku kepahlawanan para pemenang elemen laut dan kelalaian negara. Orang-orang dengan berani menanggung musibah itu, dan harapan keselamatan tidak meninggalkan mereka: setiap kumpulan di atas rakit itu mempunyai ciri tersendiri. Dalam membina komposisi, Gericault memilih sudut pandang dari atas, yang memungkinkannya menggabungkan liputan panorama ruang (jarak laut) dan menggambarkan, sangat membawa semua penduduk rakit lebih dekat ke latar depan. Kejelasan irama pertumbuhan dinamika dari kumpulan ke kumpulan, keindahan badan telanjang, pewarnaan gelap gambar menetapkan catatan tertentu mengenai konvensionaliti gambar. Tetapi ini tidak penting bagi penonton yang melihat, yang konvensyen bahasa malah membantu memahami dan merasakan perkara utama: kemampuan seseorang untuk bertarung dan menang.

Inovasi Gericault membuka peluang baru untuk menyampaikan pergerakan yang mengasyikkan romantik, perasaan terpendam seseorang, dan ekspresi bertekstur berwarna.

Pewaris Gericault dalam pencariannya adalah Eugene Delacroix... Benar, Delacroix dibebaskan dua kali sepanjang hayatnya, dan dia tidak hanya dapat membuktikan kebenaran romantisme, tetapi juga memberkati arah baru dalam melukis pada paruh kedua abad ke-19. - impresionisme.

Sebelum mula menulis sendiri, Eugene belajar di sekolah Lerain: dia melukis dari kehidupan, menyalin karya hebat Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian di Louvre ... Artis muda itu bekerja 10-12 jam sehari. Dia teringat kata-kata Michelangelo yang hebat: "Lukisan adalah perempuan simpanan yang cemburu, ia memerlukan seluruh orang ..."

Delacroix, selepas pidato demonstrasi Gericault, menyedari bahawa masa pergolakan emosi yang kuat telah datang dalam seni. Pertama, dia cuba memahami era baru untuknya melalui plot sastera terkenal. Gambarnya “ Dante dan Virgil” dipersembahkan di salun pada tahun 1822 adalah percubaan melalui gambaran bersejarah dua penyair: zaman kuno - Virgil dan Renaissance - Dante - untuk melihat kuali mendidih, "neraka" era moden. Pernah dalam "Komedi Ilahi" Dante mengambil Virgil sebagai panduannya untuk semua bidang (syurga, neraka, penyucian api). Dalam karya Dante, dunia kebangkitan baru muncul melalui pengalaman Zaman Pertengahan dalam ingatan zaman kuno. Simbol romantis sebagai sintesis kuno, Zaman Renaissance dan Abad Pertengahan muncul dalam "seram" penglihatan Dante dan Virgil. Tetapi kiasan falsafah yang kompleks ternyata menjadi gambaran emosional yang baik dari era pra-Renaissance dan karya sastera abadi.

Delacroix akan berusaha mencari tindak balas langsung di hati sezamannya melalui sakit hatinya sendiri. Terbakar dengan kebebasan dan kebencian terhadap penindas, orang muda pada masa itu bersimpati dengan perang pembebasan Yunani. Kumpulan romantik England - Byron pergi ke sana untuk bertarung. Delacroix melihat makna era baru dalam penggambaran peristiwa sejarah yang lebih konkrit - perjuangan dan penderitaan Yunani yang mencintai kebebasan. Dia memikirkan plot kematian penduduk pulau Chios Yunani, yang ditawan oleh orang Turki. Di Salon tahun 1824, Delacroix menunjukkan sebuah lukisan “ Pembunuhan beramai-ramai pada pulau Chios”. Dengan latar belakang kawasan berbukit yang tidak berkesudahan, yang masih menjerit dari asap perapian dan pertempuran yang tidak henti-hentinya, artis menunjukkan beberapa kumpulan wanita dan kanak-kanak yang cedera dan keletihan. Mereka ditinggalkan dengan minit kebebasan terakhir sebelum pendekatan musuh. Seorang lelaki Turki dengan kuda yang dipelihara di sebelah kanan nampaknya menggantung di seluruh latar depan dan banyak penderita yang berada di sana. Tubuh yang cantik, wajah orang yang penuh. Ngomong-ngomong, Delacroix kemudiannya akan menulis tentang bagaimana patung Yunani itu diubah oleh para seniman menjadi hieroglif yang menyembunyikan keindahan wajah dan sosok Yunani yang sebenarnya. Tetapi, dengan mengungkapkan "keindahan jiwa" di wajah orang-orang Yunani yang kalah, pelukis itu menggerakkan peristiwa yang berlaku sehingga untuk mengekalkan satu ketegangan dinamis tunggal, dia pergi ke ubah bentuk sudut angka. "Kesalahan" ini sudah "diselesaikan" oleh karya Gericault, tetapi Delacroix sekali lagi menunjukkan kepercayaan romantis bahawa melukis adalah "bukan kebenaran situasi, tetapi kebenaran perasaan".

Pada tahun 1824 Delacroix kehilangan rakan dan gurunya - Gericault. Dan dia menjadi pemimpin lukisan baru.

Tahun-tahun berlalu. Satu persatu gambar muncul: “ Yunani pada runtuhan Missalungi”, “ Kematian Sardanapala” dan lain-lain.Pelukis menjadi orang buangan di kalangan pelukis. Tetapi Revolusi Julai 1830 mengubah keadaan. Dia membakar artis dengan kisah kemenangan dan prestasi. Dia melukis gambar “ kebebasan pada penghadang”.

Pada tahun 1831, di Salon Paris, orang Perancis pertama kali melihat gambar ini, yang dikhaskan untuk "tiga hari gemilang" Revolusi Julai tahun 1830. Kanvas memberikan kesan yang menakjubkan pada sezaman dengan kekuatan, demokrasi dan keberaniannya dalam penyelesaian artistik. Menurut legenda, seorang borjuasi yang terhormat berseru: “Anda katakan - ketua sekolah? Lebih baik katakan - ketua pemberontakan! " Setelah Salon ditutup, pemerintah, yang ketakutan dengan rayuan hebat dan inspirasi dari lukisan itu, bergegas mengembalikannya kepada pengarangnya. Semasa revolusi 1848, ia sekali lagi dipamerkan di Istana Luxembourg. Dan mereka mengembalikannya kepada artis. Hanya setelah kanvas dipamerkan di Pameran Dunia di Paris pada tahun 1855, ia sampai ke Louvre. Ini adalah salah satu ciptaan terbaik romantisme Perancis, kesaksian saksi mata yang terinspirasi dan monumen kekal perjuangan rakyat untuk kebebasan mereka.

Bahasa seni apa yang ditemui oleh romantis muda Perancis untuk menggabungkan kedua-dua prinsip yang kelihatan bertentangan ini - satu generalisasi yang luas dan realiti konkrit, kejam dalam keadaan telanjang?

Paris pada bulan Julai yang terkenal pada tahun 1830. Di kejauhan, hampir tidak dapat dilihat, tetapi dengan bangga menaiki menara Katedral Notre Dame - simbol sejarah, budaya, semangat rakyat Perancis. Dari sana, dari kota berasap, di atas reruntuhan barikade, di atas mayat rakan-rakan mereka yang mati, para pemberontak dengan nekad dan tegas melangkah ke hadapan. Masing-masing dari mereka boleh mati, tetapi langkah pemberontak tidak tergoyahkan - mereka terinspirasi oleh kehendak untuk kemenangan, kebebasan.

Kekuatan inspirasi ini terwujud dalam gambar seorang wanita muda yang cantik, dalam dorongan yang penuh semangat untuknya. Dengan tenaga yang tidak habis-habisnya, pergerakan bebas dan awet muda, dia seperti dewi kemenangan Yunani Nike. Tokohnya yang kuat mengenakan gaun chiton, wajahnya dengan ciri-ciri sempurna, dengan mata yang terbakar, diarahkan kepada pemberontak. Di satu tangan dia memegang sepanduk tiga warna Perancis, di tangan lain - pistol. Di kepala terdapat topi Phrygian - simbol kuno pembebasan dari perhambaan. Langkahnya pantas dan ringan - begini cara para dewi melangkah. Pada masa yang sama, imej seorang wanita adalah nyata - dia adalah anak perempuan orang Perancis. Dia adalah kekuatan penunjuk pergerakan pergerakan barikade. Daripadanya, seperti dari sumber cahaya di pusat tenaga, sinar memancar, mengisi dengan dahaga dan kehendak menuju kemenangan. Mereka yang dekat dengannya, masing-masing dengan cara mereka sendiri, menyatakan penglibatan mereka dalam daya tarikan yang penuh inspirasi ini.

Di sebelah kanan ada seorang budak lelaki, seorang pemain Paris yang melambaikan pistol. Dia adalah orang yang paling dekat dengan Freedom dan agak terangsang oleh semangat dan kegembiraannya terhadap dorongan bebas. Dalam pergerakan yang cepat dan tidak sabar, dia bahkan sedikit lebih maju daripada inspirasinya. Inilah pendahulunya dari Gavroche yang legendaris, yang digambarkan dua puluh tahun kemudian oleh Victor Hugo dalam Les Miserables: “Gavroche, penuh inspirasi, bersinar, memaksakan dirinya untuk menggerakkan semuanya. Dia bergegas bolak-balik, naik, turun, naik lagi, membuat suara, bersinar gembira. Nampaknya dia datang ke sini untuk menghiburkan semua orang. Adakah dia mempunyai alasan yang memotivasi untuk ini? Ya, tentu saja, kemiskinannya. Adakah dia mempunyai sayap? Ya, tentu saja, keceriaannya. Itu adalah semacam angin puyuh. Dia seolah-olah memenuhi udara, hadir di mana-mana pada masa yang sama ... Sekatan besar merasakan dia berada di jurang mereka. "

Gavroche dalam lukisan Delacroix adalah keperibadian pemuda, "dorongan yang luar biasa", penerimaan gembira atas idea Kebebasan yang cerah. Dua gambar - Gavroche dan Svoboda - nampaknya saling melengkapi: satu adalah api, yang lain adalah obor yang dinyalakan olehnya. Heinrich Heine menceritakan bagaimana sosok Gavroche membangkitkan sambutan yang meriah dari orang Paris. "Neraka! - seru beberapa orang runcit. - Anak-anak lelaki ini berperang seperti raksasa! "

Di sebelah kiri adalah seorang pelajar dengan pistol. Sebelum ini, ia dilihat sebagai potret diri artis. Pemberontak ini tidak secepat Gavroche. Pergerakannya lebih terkawal, lebih pekat, bermakna. Tangan dengan yakin memegang tong senapang, wajah menyatakan keberanian, tekad yang teguh untuk berdiri hingga akhir. Ini adalah gambaran yang sangat tragis. Pelajar itu menyedari akan kerugian yang tidak dapat dielakkan yang akan ditanggung oleh pemberontak, tetapi mangsa tidak takut - kehendak kebebasan lebih kuat. Pekerja yang sama berani dan tekun dengan pedang berdiri di belakangnya. Seorang lelaki yang cedera berada di kaki Kebebasan. Dia bangkit dengan susah payah untuk sekali lagi melihat, di Freedom, melihat dan dengan sepenuh hatinya merasakan keindahan yang dia binasakan. Tokoh ini membawa permulaan yang dramatik untuk bunyi kanvas Delacroix. Sekiranya gambar Gavroche, Svoboda, seorang pelajar, seorang pekerja hampir menjadi simbol, perwujudan kehendak pejuang kebebasan yang tidak terkawal - memberi inspirasi dan memanggil penonton, maka yang terluka itu meminta belas kasihan. Manusia mengucapkan selamat tinggal kepada Freedom, mengucapkan selamat tinggal kepada hidup. Dia masih merupakan dorongan, pergerakan, tetapi sudah menjadi dorongan yang semakin pudar.

Tokohnya bersifat peralihan. Pandangan pemirsa, yang masih terpesona dan terbawa-bawa oleh tekad revolusi para pemberontak, turun ke kaki barikade, ditutup dengan mayat tentera yang jatuh. Kematian dipersembahkan oleh artis dalam semua keadaan telanjang dan jelas dari fakta itu. Kami melihat wajah biru orang mati, tubuh telanjang mereka: perjuangan tanpa ampun, dan kematian adalah pendamping pemberontak yang tidak dapat dielakkan sama, seperti inspirasi Kebebasan yang indah.

Dari pemandangan yang mengerikan di tepi bawah gambar, kami kembali menatap mata dan melihat sosok cantik muda - tidak! hidup menang! Idea kebebasan, terkandung begitu jelas dan nyata, diarahkan ke masa depan sehingga kematian dalam namanya tidak mengerikan.

Artis itu hanya menggambarkan sekumpulan kecil pemberontak, yang masih hidup dan mati. Tetapi para pembela barikade kelihatan luar biasa banyak. Komposisi ini dibina sedemikian rupa sehingga kumpulan pejuang tidak terbatas, tidak tertutup dengan sendirinya. Dia hanya sebahagian daripada longsoran orang yang tidak berkesudahan. Artis memberikan, seperti yang ada, sekeping kumpulan: bingkai gambar memotong angka dari kiri, kanan, bawah.

Biasanya, warna dalam karya Delacroix memperoleh suara emosi yang tajam, memainkan peranan yang dominan dalam mewujudkan kesan dramatik. Cat, kadang-kadang mengamuk, kadang-kadang pudar, disenyapkan, menimbulkan suasana tegang. DALAM « Kebebasan pada penghadang» Delacroix bertolak dari prinsip ini. Dengan tepat, memilih cat dengan jelas, menerapkannya dengan pukulan lebar, artis menyampaikan suasana pertempuran.

Tetapi skema warna dikekang. Delacroix memberi tumpuan kepada pemodelan lega bentuk. Ini diperlukan oleh penyelesaian kiasan gambar. Lagipun, menggambarkan peristiwa semalam yang spesifik, artis mencipta monumen untuk acara ini. Oleh itu, angka-angka itu hampir berbentuk arca. Oleh itu, setiap watak, menjadi sebahagian daripada keseluruhan gambar, juga merupakan sesuatu yang tertutup dengan sendirinya, mewakili simbol yang dilemparkan ke dalam bentuk yang lengkap. Oleh itu, warna tidak hanya mempengaruhi perasaan penonton secara emosional, tetapi membawa beban simbolik. Di ruang kelabu kecoklatan, di sana sini, segitiga merah, biru, putih - warna bendera Revolusi Perancis 1789 - menyala. Pengulangan warna-warna ini berulang kali menyokong kord bendera tricolor yang kuat yang terbang di atas barikade.

Lukisan oleh Delacroix « kebebasan pada penghadang» - karya yang kompleks dan mulia dalam skopnya. Ia menggabungkan kebolehpercayaan fakta yang dilihat secara langsung dan simbolisme gambar; realisme, mencapai naturalisme yang kejam, dan keindahan yang sempurna; kasar, mengerikan dan luhur, suci.

Gambar “ kebebasan pada penghadang” menggabungkan kemenangan romantisisme dalam lukisan Perancis. Pada 30-an, dua lagi lukisan bersejarah dilukis: “ Pertempuran di Poitiers” dan “ Pembunuhan uskup Liege”.

Pada tahun 1822 artis tersebut mengunjungi Afrika Utara, Maghribi, Algeria. Perjalanan itu memberikan kesan yang tidak terhapuskan kepadanya. Pada tahun 50-an, lukisan muncul dalam karyanya, yang diilhami oleh kenangan perjalanan ini: ” Memburu pada singa”, “ Maghribi, pelana kuda” dll. Warna kontras yang terang menghasilkan bunyi romantis untuk gambar-gambar ini. Teknik pukulan lebar muncul di dalamnya.

Delacroix, sebagai seorang romantik, mencatat keadaan jiwanya bukan hanya dengan bahasa gambar yang indah, tetapi juga secara harfiah membingkai pemikirannya. Dia menggambarkan dengan baik proses kreatif artis romantis, eksperimennya dalam warna, refleksi mengenai hubungan antara muzik dan bentuk seni yang lain. Buku hariannya menjadi bacaan kegemaran para seniman generasi seterusnya.

Sekolah romantis Perancis membuat perubahan ketara dalam bidang arca (Rude dan kelegaannya "Marseillaise"), lukisan landskap (Camille Corot dengan gambar-gambarnya yang ringan dari alam Perancis).

Berkat romantisisme, visi subjektif artis mengambil bentuk undang-undang. Impresionisme akan menghancurkan sepenuhnya penghalang antara artis dan alam, menyatakan seni sebagai kesan. Romantik bercakap tentang fantasi artis, "suara perasaannya," yang membolehkan anda berhenti bekerja apabila tuan menganggapnya perlu, dan bukan seperti yang diperlukan oleh standard kelengkapan akademik.

Sekiranya fantasi Gericault tertumpu pada perpindahan pergerakan, Delacroix - pada kekuatan warna yang ajaib, dan orang Jerman menambahkan ini "semangat melukis" tertentu, maka romantisme Sepanyol mewakili Francisco Goya (1746-1828) menunjukkan asal-usul cerita rakyat, gaya khayalan dan wataknya yang aneh. Goya sendiri dan karyanya kelihatan jauh dari kerangka gaya, terutama kerana seniman sangat sering harus mematuhi undang-undang bahan pelaksanaan (ketika, misalnya, dia membuat lukisan untuk permaidani permaidani anyaman) atau keperluan pelanggan.

Fantasmagoriya diterbitkan dalam siri etsa “ Caprichos” (1797-1799), “ Bencana perang” (1810-1820), “ Tidak bertanggungjawab (“ Kegilaan”) (1815-1820), mural di Rumah Orang Pekak dan Gereja San Antonio de la Florida di Madrid (1798). Penyakit serius pada tahun 1792 mengakibatkan pekak sepenuhnya. Setelah mengalami trauma fizikal dan rohani, seni master menjadi lebih fokus, bijaksana, dinamik dalaman. Dunia luar, ditutup kerana tuli, mengaktifkan kehidupan rohani dalaman Goya.

Dalam ukiran “ Caprichos” Goya mencapai kekuatan yang luar biasa dalam penularan reaksi segera, perasaan tidak sedap hati. Persembahan hitam-putih, berkat gabungan titik besar yang berani, ketiadaan ciri garis lurus grafik, memperoleh semua sifat lukisan.

Lukisan Gereja St. Anthony di Madrid Goya mencipta, nampaknya, dalam satu nafas. Perangai strok, lakonisme komposisi, ekspresi ciri watak, jenis yang diambil oleh Goya langsung dari orang ramai, memukau. Artis menggambarkan keajaiban Anthony Florida, yang membuat lelaki yang dibunuh itu bangkit dan bercakap, yang menamakan pembunuh itu dan dengan itu menyelamatkan narapidana yang tidak bersalah dari hukuman mati. Dinamisme orang ramai yang bereaksi dengan jelas disampaikan dalam bentuk isyarat dan mimikri wajah yang digambarkan. Dalam skema komposisi penyebaran mural di ruang gereja, pelukis mengikuti Tiepolo, tetapi reaksi yang ditimbulkannya pada penonton bukanlah barok, tetapi murni romantis, mempengaruhi perasaan setiap penonton, memanggilnya untuk berpaling kepada dirinya sendiri.

Yang paling penting, matlamat ini dicapai dalam lukisan Conto del Sordo ("House of the Deaf"), di mana Goya hidup sejak tahun 1819. Dinding bilik ditutup dengan lima belas komposisi yang bersifat fantastik dan kiasan. Memahami mereka memerlukan empati yang mendalam. Imej muncul sebagai beberapa pemandangan bandar, wanita, lelaki, dan lain-lain. Warna, berkelip, mengeluarkan satu angka, dan yang lain. Lukisan secara keseluruhan berwarna gelap, putih, kuning, bintik-bintik merah jambu berlaku di dalamnya, mengganggu perasaan dalam sekelip mata. Grafik yang selari dengan House of the Pekak boleh dianggap sebagai ukiran siri ini “ Tidak bertanggungjawab” .

Goya menghabiskan 4 tahun terakhir di Perancis. Tidak mungkin dia tahu bahawa Delacroix tidak pernah berpisah dengan Caprichosnya. Dan saya tidak dapat meramalkan bagaimana Hugo dan Baudelaire akan terbawa oleh ukiran ini, apa kesan besar lukisannya terhadap Manet, dan bagaimana pada tahun 80-an abad XIX. V. Stasov akan mengundang seniman Rusia untuk mempelajari "Bencana Perang"

Tetapi kita, dengan mengambil kira hal ini, tahu betapa besarnya kesan seni "romantis" realis berani dan inspirasi romantis ini pada budaya seni abad ke-19 dan ke-20.

Dunia impian yang luar biasa direalisasikan dalam karya-karyanya oleh artis romantis Inggeris William Blake(1757-1827). Inggeris adalah tanah klasik sastera romantis. Byron, Shelley menjadi panji gerakan ini jauh dari "Albion yang kelam kabut". Di Perancis, dalam majalah kritikan terhadap "pertempuran romantis" romantik disebut "Shakespeare." Ciri utama lukisan Inggeris selalu menjadi minat orang manusia, yang membolehkan genre potret berkembang dengan baik. Romantisisme dalam seni lukis sangat berkaitan dengan sentimentalisme. Minat romantik pada Abad Pertengahan menimbulkan kesusasteraan sejarah yang besar, yang terkenal diantaranya adalah W. Scott. Dalam lukisan, tema Zaman Pertengahan menentukan penampilan apa yang disebut Pra-Raphaelites.

William Blake adalah jenis romantis yang luar biasa dalam pemandangan budaya Inggeris. Dia menulis puisi, menggambarkan buku sendiri dan orang lain. Bakatnya berusaha merangkul dan mengekspresikan dunia dalam kesatuan yang holistik. Karya-karyanya yang paling terkenal dianggap sebagai ilustrasi kepada Kitab Pekerjaan alkitabiah, Komedi Ilahi Dante, dan Milton's Paradise Lost. Dia menghuni komposisinya dengan tokoh-tokoh pahlawan titanik, yang sesuai dengan lingkungan mereka dari dunia yang tercerahkan atau khayalan. Rasa kebanggaan atau keharmonian yang sukar diciptakan daripada ketidakcocokan memenuhi ilustrasinya.

Romantisisme Blake cuba mencari formula artistik dan bentuk kewujudan dunia sendiri.

William Blake, setelah menjalani kehidupan dalam kemiskinan dan ketidakjelasan yang melampau, setelah kematiannya digolongkan sebagai antara seni klasik Inggeris.

Dalam karya pelukis landskap Inggeris pada awal abad ke-19. hobi romantis digabungkan dengan pemandangan alam yang lebih objektif dan tenang.

Lanskap bertingkat romantik mencipta William Pusing (1775-1851). Dia suka menggambarkan ribut petir, hujan lebat, ribut di laut, matahari terbenam yang cerah dan berapi. Turner sering membesar-besarkan kesan pencahayaan dan memperhebatkan bunyi warna, walaupun ketika melukis keadaan semula jadi yang tenang. Untuk kesan yang lebih besar, dia menggunakan teknik cat air dan mengaplikasikan cat minyak pada lapisan yang sangat tipis dan menulis secara langsung di tanah, mencapai limpahan warna-warni. Contohnya ialah gambar “ Hujan, wap dan kepantasan” (1844). Tetapi pengkritik terkenal ketika itu Thackeray tidak dapat memahami gambarannya dengan betul, mungkin inovatif dalam reka bentuk dan pelaksanaannya. "Hujan ditunjukkan oleh bintik-bintik dempul kotor," tulisnya, "ditaburkan di kanvas dengan pisau palet, cahaya matahari berkilau redup dari bawah gumpalan krom kuning kotor yang sangat tebal. Bayang-bayang disampaikan oleh nuansa merah merah tua dan bintik-bintik cinnabar dari nada yang tidak bersuara. Dan walaupun api di tungku lokomotif kelihatan merah, saya tidak menganggapnya tidak dicat dengan kobalt atau warna kacang polong ”. Seorang pengkritik lain mendapati skema warna Turner "telur hancur dan bayam". Warna-warna mendiang Turner pada umumnya kelihatan tidak dapat difikirkan dan hebat untuk sezamannya. Perlu lebih dari satu abad untuk melihat butiran pemerhatian sebenar di dalamnya. Tetapi seperti dalam kes lain, ia ada di sini. Kisah pelik seorang saksi mata, atau lebih tepatnya saksi kelahiran

Seni Inggeris pada pertengahan abad ke-19. dikembangkan dalam arah yang sama sekali berbeza daripada lukisan Turner. Walaupun kemahirannya diakui secara umum, tidak ada seorang pun pemuda yang mengikutinya.

II. Romantik dalam lukisan Rusia

Romantikisme di Rusia berbeza dari Eropah Barat kerana latar belakang sejarah dan tradisi budaya yang berbeza. Revolusi Perancis tidak dapat dikira antara sebab berlakunya, kerana lingkaran orang yang sangat sempit menaruh harapan pada transformasi dalam perjalanannya. Dan hasil revolusi benar-benar kecewa di dalamnya. Persoalan kapitalisme di Rusia pada awal abad XIX. tidak berdiri. Oleh itu, tidak ada alasan seperti itu. Sebab sebenarnya adalah Perang Patriotik tahun 1812, di mana semua kekuatan inisiatif rakyat ditunjukkan. Tetapi setelah perang, rakyat tidak mendapat kehendak. Golongan bangsawan terbaik, tidak berpuas hati dengan kenyataan, datang ke Senat Square pada bulan Disember 1825. Perbuatan ini juga tidak berlaku tanpa jejak kecerdasan kreatif. Tahun-tahun pasca perang yang bergolak menjadi latar di mana romantisme Rusia terbentuk.

Dalam kanvas mereka, pelukis romantis Rusia menyatakan semangat cinta akan kebebasan, tindakan aktif, bersemangat dan bersemangat menarik minat manifestasi humanisme. Kanvas pelukis Rusia setiap hari dibezakan oleh kesesuaian dan psikologi mereka, ungkapan yang belum pernah terjadi sebelumnya. Lanskap rohani dan melankolis sekali lagi merupakan percubaan yang sama oleh golongan romantik untuk menembusi dunia manusia, untuk menunjukkan bagaimana seseorang hidup dan bermimpi di dunia sublunari. Lukisan romantis Rusia berbeza dengan lukisan asing. Ini ditentukan oleh latar sejarah dan tradisi.

Ciri-ciri lukisan romantis Rusia:

Ideology ideologi pendidikan melemah, tetapi tidak gagal, seperti di Eropah. Oleh itu, romantisme tidak diucapkan;

Ÿ romantisme berkembang selari dengan klasikisme, selalunya saling berkaitan dengannya;

Painting lukisan akademik di Rusia belum habis;

Ÿ Romantikisme di Rusia bukanlah fenomena yang stabil, romantisme tertarik dengan akademik. Menjelang pertengahan abad XIX. tradisi romantis hampir pupus.

Karya-karya yang berkaitan dengan romantisme mulai muncul di Rusia pada tahun 1790-an (karya Feodosiy Yanenko " Pengembara, tertangkap ribut" (1796), " Potret diri dalam topi keledar" (1792). Mereka mempunyai prototaip yang jelas - Salvator Rosa, yang sangat popular pada abad ke-18 dan ke-19. Kemudian, pengaruh artis pro-romantis ini akan dapat dilihat dalam karya Alexander Orlovsky. Perompak, adegan kebakaran, pertempuran mengiringi seluruh kariernya. Seperti di negara-negara lain, seniman yang tergolong dalam romantisme Rusia membawa suasana emosi yang sama sekali baru kepada genre klasik pemandangan, pemandangan dan pemandangan.

Di Rusia, romantisme mula muncul dalam potret pertama. Pada pertiga pertama abad ke-19, sebahagian besarnya kehilangan hubungannya dengan golongan bangsawan. Potret penyair, seniman, pelindung seni, penggambaran petani biasa mulai mendapat tempat yang penting. Kecenderungan ini ditunjukkan dengan jelas dalam karya O.A. Kiprensky (1782 - 1836) dan V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Vasiliy Andreevich Tropinin berusaha untuk mencirikan seseorang yang hidup dan mudah, dinyatakan melalui potretnya. « Potret anak lelaki» (1818), « Potret DAN. DARI. Pushkin» (1827), « Potret diri» (1846) mencolok bukan dengan kemiripan potret mereka dengan yang asli, tetapi oleh penembusan mereka yang luar biasa halus ke dalam dunia seseorang.

Sejarah penciptaan sangat menarik “ Potret Pushkin”. Seperti biasa, untuk kenalan pertama dengan Pushkin, Tropinin datang ke rumah Sobolevsky, tempat penyair itu tinggal ketika itu. Artis itu menemuinya di pejabat bermain-main dengan anak anjing. Pada masa yang sama, nampaknya, ditulis sesuai dengan kesan pertama, yang sangat dihargai oleh Tropinin, sebuah lakaran kecil. Untuk masa yang lama dia tetap tidak dapat dilihat oleh pengejar. Hanya hampir seratus tahun kemudian, menjelang tahun 1914, ia diterbitkan oleh P.M. Shchekotov, yang menulis bahawa dari semua potret Alexander Sergeevich dia "paling menyampaikan ciri-cirinya ... mata biru penyair dipenuhi dengan kehebatan istimewa di sini, giliran kepala cepat, dan wajahnya ekspresif dan mudah alih. Tidak dinafikan, berikut adalah gambaran sebenar wajah Pushkin, yang secara individu kita dapati dalam satu atau beberapa potret yang ada pada kita. Masih perlu bingung, - tambah Schekotov, - mengapa kajian menarik ini tidak mendapat perhatian sewajarnya dari penerbit dan penikmat penyair. Ini dijelaskan oleh kualiti etude kecil: tidak ada warna yang indah, atau keindahan gaya sikat, atau "bulatan" yang ditulis dengan mahir. Dan Pushkin di sini bukan rakyat "keputihan" bukan "genius", tetapi di atas semua lelaki. Dan hampir tidak dapat dianalisis mengapa kandungan manusia yang begitu hebat ini terkandung dalam skala zaitun-hijau monokromatik, skala zaitun, dalam keadaan tergesa-gesa, seolah-olah sebatan berus dari lakaran yang hampir tidak berbentuk skrip.

Pada awal abad ke-19, Tver merupakan pusat kebudayaan Rusia yang ketara. Di sini masih muda Orestes Kiprensky bertemu A.S. Pushkin, yang potretnya, dilukis kemudian, menjadi mutiara potret dunia. " Potret Pushkin» Berus O. Kiprensky adalah keperibadian hidup genius puitis. Dalam giliran kepala yang tegas, di lengan yang disilangkan dengan kuat di dada, perasaan kebebasan dan kebebasan tercermin dalam keseluruhan penampilan penyair. Tentang dia, Pushkin berkata: "Saya melihat diri saya seperti di cermin, tetapi cermin ini menyanjung saya." Dalam karya potret Pushkin, Tropinin dan Kiprensky bertemu untuk kali terakhir, walaupun pertemuan ini tidak berlaku dengan mata mereka sendiri, tetapi bertahun-tahun kemudian dalam sejarah seni, di mana, sebagai peraturan, dua potret penyair Rusia terhebat dibandingkan, dibuat secara serentak, tetapi di tempat yang berbeza - satu di Moscow, yang lain di Petersburg. Sekarang ini adalah pertemuan tuan yang sangat penting bagi seni Rusia. Walaupun pengagum Kiprensky berpendapat bahawa kelebihan artistik berada di sisi potret romantisnya, di mana penyair itu digambarkan tenggelam dalam pemikirannya sendiri, bersendirian dengan muse, kewarganegaraan dan demokratik gambar itu pasti berada di sisi "Pushkin" Tropinin.

Oleh itu, dua potret mencerminkan dua arah seni Rusia, tertumpu di dua ibu kota. Dan pengkritik kemudian akan menulis bahawa Tropinin adalah untuk Moscow apa yang Kiprensky bagi Petersburg.

Ciri khas potret Kiprensky adalah bahawa mereka menunjukkan daya tarikan rohani dan bangsawan dalaman seseorang. Potret seorang pahlawan, berani dan kuat dalam perasaan, semestinya merangkumi suasana hati yang suka mencintai kebebasan dan patriotik dari orang Rusia yang maju.

Di hadapan “ Potret E. DALAM. Davydova” (1809) menunjukkan sosok seorang pegawai yang secara langsung memperlihatkan ekspresi kultus keperibadian yang kuat dan berani yang begitu tipikal untuk romantisme pada tahun-tahun itu. Landskap yang dipaparkan secara serpihan, di mana sinar cahaya melawan kegelapan, mengisyaratkan kegelisahan emosional pahlawan, tetapi di wajahnya terdapat bayangan kepekaan yang melamun. Kiprensky mencari "manusia" dalam diri seseorang, dan yang ideal tidak membayangi sifat peribadi model dari dirinya.

Potret Kiprensky, jika anda melihatnya di mata fikiran anda, tunjukkan kekayaan rohani dan semula jadi seseorang, kekuatan intelektualnya. Ya, dia mempunyai cita-cita keperibadian yang harmoni, yang juga dibincangkan oleh orang-orang sezamannya, tetapi Kiprensky tidak berusaha memproyeksikan ideal ini secara harfiah ke dalam gambar seni. Dalam membuat gambar seni, dia bergerak dari alam semula jadi, seolah-olah mengukur sejauh mana atau dekatnya dengan ideal itu. Sebenarnya, banyak yang digambarkan olehnya berada di ambang cita-cita, berusaha ke arah itu, ideal itu sendiri, menurut idea estetika romantis, hampir tidak dapat dicapai, dan semua seni romantis hanyalah jalan menuju ke arah itu.

Dengan memperhatikan percanggahan jiwa pahlawannya, memperlihatkannya pada saat-saat kegelisahan dalam hidup, ketika nasib berubah, idea sebelumnya pecah, daun pemuda, dan lain-lain, Kiprensky sepertinya mengalami bersama modelnya. Oleh itu - penglibatan khas potret dalam penafsiran gambar artistik, yang memberikan bayangan "penuh jiwa" kepada potret.

Pada masa awal kerja Kiprensky, anda tidak akan melihat orang yang dijangkiti skeptis, analisis yang menghakis jiwa. Ini akan datang kemudian, ketika waktu romantis menjelang musim luruh, memberi jalan kepada suasana hati dan perasaan lain, ketika mengharapkan kemenangan cita-cita keperibadian harmoni. Dalam semua potret tahun 1800-an dan potret yang dibuat di Tver, Kiprensky mempunyai berus tebal yang dengan mudah dan bebas membina bentuk. Kerumitan teknik, watak tokoh berubah dari sekeping ke kepingan.

Perlu diperhatikan bahawa di wajah watak-wataknya anda tidak akan melihat kegembiraan yang gagah berani, sebaliknya, kebanyakan wajahnya agak sedih, mereka memancarkan refleksi. Nampaknya orang-orang ini prihatin terhadap nasib Rusia, mereka lebih memikirkan masa depan daripada sekarang. Dalam watak wanita yang mewakili isteri, saudara perempuan peserta dalam acara penting, Kiprensky juga tidak berusaha keras untuk bersemangat. Perasaan senang, keindahan berlaku. Lebih-lebih lagi, dalam semua potret terdapat banyak bangsawan jiwa. Imej wanita menarik dengan martabat yang sederhana, integriti alam; di wajah lelaki, pemikiran yang ingin tahu, kesediaan untuk pertapaan dapat ditebak. Gambar-gambar ini bertepatan dengan idea etika dan estetika yang semakin matang dari Decembrists. Fikiran dan cita-cita mereka kemudian dikongsi oleh banyak orang, artis mengetahui tentang mereka, dan oleh itu kita dapat mengatakan bahawa potret peserta dalam peristiwa 1812-1814, gambar petani yang diciptakan pada tahun yang sama adalah sejenis artistik yang sejajar dengan konsep Decembrism yang baru muncul.

Orang asing memanggil Kiprensky sebagai Van Dyck Rusia, potretnya terdapat di banyak muzium di seluruh dunia. Pengganti karya Levitsky dan Borovikovsky, pendahulu L. Ivanov dan K. Bryullov, Kiprensky, dengan karyanya, memberi kemasyhuran kepada sekolah seni Rusia di Eropah. Dalam kata-kata Alexander Ivanov, "dia adalah orang pertama yang membawa nama Rusia ke Eropah ...".

Peningkatan minat terhadap keperibadian seseorang, ciri romantisme, telah menentukan berkembangnya genre potret pada separuh pertama abad ke-19, di mana potret diri menjadi ciri dominan. Sebagai peraturan, penciptaan potret diri bukanlah episod rawak. Artis berulang kali menulis dan melukis diri mereka sendiri, dan karya-karya ini menjadi semacam buku harian, yang menggambarkan pelbagai keadaan jiwa dan tahap kehidupan, dan pada masa yang sama adalah manifesto yang ditujukan kepada sezaman. Potret diri bukan genre yang ditugaskan, artis menulis untuk dirinya sendiri dan di sini, seperti tidak pernah sebelumnya, bebas dalam ekspresi diri. Pada abad ke-18, seniman Rusia jarang melukis gambar pengarang, hanya romantisme dengan pemujaan individu, yang eksklusif menyumbang kepada kemunculan genre ini. Pelbagai jenis potret diri menggambarkan persepsi artis itu sendiri sebagai keperibadian kaya dan pelbagai aspek. Mereka kemudian muncul dalam peranan biasa dan semula jadi pencipta ( " Potret diri dalam baldu ambil" A.G. Varnek, 1810-an), kemudian mereka terjun ke masa lalu, seolah-olah mencubanya sendiri ( " Potret diri dalam topi keledar dan baju besi" F.I. Yanenko, 1792), atau, lebih sering, muncul tanpa sifat profesional, yang menegaskan kepentingan dan nilai setiap orang, dibebaskan dan terbuka ke dunia, seperti, misalnya, A.A. Bruni dan O. A. Orlovsky di potret diri pada tahun 1810-an. Kesediaan untuk dialog dan keterbukaan, ciri penyelesaian kiasan karya-karya tahun 1810-1820-an, secara beransur-ansur digantikan oleh keletihan dan kekecewaan, perendaman, penarikan diri ke dalam diri sendiri ( " Potret diri" M.I. Terebeneva). Trend ini tercermin dalam perkembangan genre potret secara umum.

Potret diri Kiprensky muncul, yang perlu diperhatikan, pada saat-saat genting dalam hidup, mereka memberi kesaksian tentang peningkatan atau penurunan kekuatan mental. Melalui seninya, artis itu melihat dirinya sendiri. Pada masa yang sama, dia tidak menggunakan cermin, seperti kebanyakan pelukis; dia terutama melukis dirinya berdasarkan representasi, ingin menyatakan semangatnya, tetapi bukan penampilannya.

“Potret diri dari berus di belakang telinga” dibina berdasarkan penolakan, dan jelas menunjukkan, dari pemuliaan luaran gambar, normativiti klasik dan pembinaan yang ideal. Ciri-ciri wajah digariskan secara kasar. Pantulan cahaya yang terpisah jatuh pada sosok artis, dipadamkan pada kain tirai yang hampir tidak dapat dibezakan yang mewakili latar belakang potret. Segala-galanya di sini tunduk pada ekspresi kehidupan, perasaan, suasana hati. Ini adalah melihat seni romantis melalui seni potret diri.

Hampir serentak dengan potret diri ini ditulis dan “ Potret diri dalam merah jambu serviks selendang” di mana gambar lain diwujudkan. Tanpa merujuk langsung kepada profesion pelukis. Imej seorang pemuda yang merasa selesa, secara semula jadi, bebas telah diciptakan semula. Permukaan kanvas yang indah dibina dengan halus. Berus artis menggunakan cat dengan yakin, meninggalkan pukulan besar dan kecil. Warnanya dikembangkan dengan hebat, warnanya kusam, disatukan secara harmoni antara satu sama lain, pencahayaannya tenang: cahaya perlahan-lahan mengalir ke wajah pemuda itu, menguraikan ciri-cirinya, tanpa ekspresi dan ubah bentuk yang tidak perlu.

Pelukis potret lain yang luar biasa adalah TENTANG. DAN. Orlovsky. Menjelang tahun 1809, terdapat lembaran potret kaya emosi seperti “ Potret diri” ... Dengan sentuhan bebas dari sabun asli dan arang (diterangi dengan kapur) “ Potret diri” Orlovsky menarik dengan integriti seninya, watak imej, seni persembahan. Pada masa yang sama, ini membolehkan kita mengetahui beberapa aspek khas seni Orlovsky. “ Potret diri” Tentu saja, Orlovsky tidak mempunyai tujuan untuk memperbetulkan semula penampilan khas artis pada tahun-tahun itu. Sebelum kita dalam banyak hal adalah gambaran “seniman” yang sengaja dan berlebihan yang menentang “I” sendiri terhadap kenyataan di sekitarnya. Dia tidak peduli dengan "kesopanan" penampilannya: sisir dan sikat tidak menyentuh rambutnya yang rimbun, di bahunya ada tepi jubah kotak-kotak tepat di atas kemeja rumahnya dengan kerah terbuka. Putaran kepala yang tajam dengan pandangan "suram" dari bawah alis yang dipindahkan, gambar jarak dekat dari potret di mana wajah digambarkan dalam jarak dekat, kontras cahaya - semua ini bertujuan untuk mencapai kesan utama menentang orang yang digambarkan ke persekitaran (dan dengan itu kepada penonton).

Jalur menegaskan keperibadian - salah satu ciri paling progresif dalam seni masa itu - membentuk nada ideologi dan emosi utama potret, tetapi muncul dalam aspek aneh yang hampir tidak terdapat dalam seni Rusia pada masa itu. Penegasan keperibadian tidak banyak berlaku melalui pengungkapan kekayaan dunia batinnya, tetapi melalui penolakan segala sesuatu di sekelilingnya. Dalam kes ini, gambarnya pasti kelihatan miskin, terhad.

Penyelesaian seperti itu sukar dicari dalam potret Rusia pada masa itu, di mana pada pertengahan abad ke-18 motif sipil dan humanistik terdengar dengan kuat dan keperibadian seseorang tidak pernah memutuskan hubungan yang kuat dengan alam sekitar. Memimpikan tatanan demokratik sosial yang lebih baik, orang-orang di Rusia pada zaman itu sama sekali tidak melepaskan diri dari kenyataan, secara sedar menolak kultus individualistik "kebebasan peribadi" yang berkembang di Eropah Barat, dihidupkan kembali oleh revolusi borjuasi. Ini jelas kelihatan dalam potret Rusia. Kita hanya boleh membandingkan “ Potret diri” Orlovsky dengan “ Potret diri” Kiprensky, supaya perbezaan dalaman yang serius antara kedua pelukis potret itu segera kelihatan.

Kiprensky juga "pahlawan" keperibadian seseorang, tetapi dia menunjukkan nilai dalamannya yang sebenarnya. Di wajah artis, penonton membezakan ciri-ciri minda, watak, kemurnian moral yang kuat.

Keseluruhan penampilan Kiprensky ditutupi dengan bangsawan dan kemanusiaan yang luar biasa. Dia dapat membezakan antara "baik" dan "jahat" di dunia di sekelilingnya dan, menolak yang kedua, mencintai dan menghargai yang pertama, suka dan menghargai orang yang berpikiran sama. Pada masa yang sama, kita pasti, mempunyai keperibadian yang kuat, bangga dengan kesedaran akan nilai kualiti peribadi mereka. Konsep gambar potret yang hampir sama mendasari potret kepahlawanan terkenal D. Davydov oleh Kiprensky.

Orlovsky, jika dibandingkan dengan Kiprensky, secara lebih terbatas, lebih langsung dan luaran menyelesaikan gambaran "keperibadian yang kuat", dengan jelas memfokuskan pada seni borjuasi Perancis. Apabila anda melihat dia “ Potret diri” , potret A. Gro, Gericault secara tidak sengaja terlintas di fikiran. Kedekatan dalam seni potret Perancis juga ditunjukkan oleh profil “ Potret diri” Orlovsky pada tahun 1810, dengan pemujaannya terhadap "kekuatan dalaman" yang individualistik, bagaimanapun, sudah tanpa bentuk "lakaran" yang tajam “ Potret diri” 1809 atau “ Potret Dupor”. Pada yang terakhir, Orlovsky, seperti dalam Potret Diri, menggunakan pose "heroik" yang spektakuler dengan pergerakan kepala dan bahu yang tajam dan hampir melintang. Dia menekankan struktur wajah Duport yang tidak teratur, rambutnya yang kusut, dengan tujuan untuk membuat gambar potret yang mandiri dengan ciri khasnya yang unik dan rawak.

"Landskap harus menjadi potret", - menulis K. N. Batyushkov. Sebilangan besar seniman yang beralih ke genre lanskap berpegang pada sikap ini dalam karya mereka. Antara pengecualian yang jelas yang menarik ke arah pemandangan yang hebat adalah A.O. Orlovsky ( " Nautikal pandangan" , 1809); A. G. Varnek ( " Pandangan dalam persekitaran Rom" , 1809); Lembangan P.V (" Langit di matahari terbenam dalam persekitaran Rom" , " Petang pemandangan" , kedua - 1820an). Dengan membuat jenis tertentu, mereka mengekalkan kesegaran sensasi, ketepuan emosi, mencapai suara monumental dengan teknik gubahan.

Muda Orlovsky melihat di alam hanya kekuatan titanik, tidak tunduk pada kehendak manusia, yang mampu menyebabkan malapetaka, bencana. Perjuangan manusia dengan unsur laut yang berkobar-kobar adalah salah satu tema kegemaran artis pada zaman romantisnya yang "memberontak". Ini menjadi isi lukisan, cat air dan lukisan minyaknya dari tahun 1809 hingga 1810. adegan tragis ditunjukkan dalam gambar “ Kapal karam” (1809 (?)). Dalam kegelapan di padang yang turun ke tanah, di antara ombak yang mengamuk, nelayan yang tenggelam panik memanjat tebing pantai di mana kapal mereka terhempas. Warnanya, dikekalkan dalam warna merah yang teruk, meningkatkan perasaan cemas. Serangan ombak besar, yang membayangkan ribut, mengancam, dan dalam gambar lain - “ Pada pantai laut” (1809). Ini juga memainkan peranan emosi yang besar di langit ribut, yang merangkumi sebahagian besar komposisi. Walaupun Orlovsky tidak mengetahui seni perspektif udara, peralihan rancangan secara beransur-ansur diselesaikan di sini dengan harmoni dan lembut. Warnanya menjadi lebih terang. Tompok merah pakaian nelayan bermain dengan indah di latar belakang coklat kemerahan. Unsur laut yang gelisah dan mengganggu dalam cat air “ Pelayaran bot” (sekitar tahun 1812). Dan walaupun angin tidak melayang layar dan tidak riak permukaan air, seperti pada cat air “ Nautikal pemandangan dari kapal” (sekitar tahun 1810), penonton tidak meninggalkan firasat bahawa ribut akan mengikuti ketenangan.

Lanskap mempunyai watak yang berbeza DARI. F. Shchedrin... Mereka dipenuhi dengan keharmonian hidup bersama antara manusia dan alam. (" Teres pada pantai laut. Cappuccini berhampiran Sorrento" , 1827). Banyak pandangan Naples dengan kuasnya mendapat kejayaan luar biasa.

Dalam gambar yang cemerlang DAN. KE. Aivazovsky cita-cita romantis pengangkatan dengan perjuangan dan kekuatan kekuatan semula jadi, ketekunan semangat manusia dan kemampuan untuk berjuang hingga akhir terwujud dengan jelas. Walaupun begitu, tempat yang besar di warisan tuan diduduki oleh pemandangan laut yang didedikasikan untuk tempat-tempat tertentu di mana ribut memberi jalan kepada keajaiban malam, masa yang, menurut pandangan romantik, dipenuhi dengan kehidupan dalaman yang misterius, dan di mana pencarian bergambar artis ditujukan untuk cara mengeluarkan kesan cahaya yang luar biasa. ( " Pandangan Odessa dalam lunar malam" , " Pandangan Konstantinopel di lunar pencahayaan" , kedua - 1846).

Tema unsur-unsur semula jadi dan orang yang terkejut - tema kegemaran seni romantis, ditafsirkan dengan cara yang berbeza oleh para seniman tahun 1800-1850-an. Karya-karya tersebut berdasarkan peristiwa nyata, tetapi makna gambar tidak sesuai dengan objektif mereka. Contoh biasa ialah lukisan oleh Pyotr Basin " Gempa Bumi dalam Rocca di Ayah berhampiran Rom" (1830). Hal ini tidak banyak dikhaskan untuk perihal peristiwa tertentu sehingga menggambarkan ketakutan dan ketakutan seseorang yang berhadapan dengan manifestasi unsur-unsur.

Romantisisme di Rusia sebagai persepsi dunia wujud dalam gelombang pertamanya dari akhir abad ke-18 hingga tahun 1850-an. Garis romantis dalam seni Rusia tidak berakhir pada tahun 1850-an. Tema keadaan, yang ditemui oleh romantics untuk seni, dikembangkan kemudian oleh para seniman Blue Rose. Pewaris langsung Romantik tidak diragukan lagi adalah simbolis. Tema romantis, motif, teknik ekspresif telah memasuki seni gaya, tren, pergaulan kreatif yang berbeza. Pandangan romantis atau pandangan dunia ternyata menjadi salah satu yang paling meriah, kuat dan bermanfaat.

Romantikisme sebagai trend dalam kesusasteraan

Romantikisme, pertama-tama, adalah pandangan dunia yang istimewa berdasarkan keyakinan akan keunggulan "semangat" daripada "perkara". Prinsip kreatif, menurut romantik, dimiliki oleh segala sesuatu yang benar-benar rohani, yang mereka kenal dengan manusia sejati. Dan, sebaliknya, segala sesuatu yang material, menurut pemikiran mereka, bergerak ke depan, mencacatkan sifat manusia yang sebenarnya, tidak membiarkan esensinya terserlah, dalam keadaan realiti borjuis yang memecahbelahkan orang, menjadi sumber permusuhan di antara mereka, menyebabkan situasi tragis. Seorang pahlawan positif dalam romantisme, sebagai peraturan, meningkat pada tahap kesedarannya di atas dunia kepentingan diri di sekelilingnya, tidak sesuai dengannya, dia melihat matlamat hidup bukan dalam membuat kerjaya, bukan dalam pengumpulan kekayaan, tetapi dalam melayani cita-cita tinggi manusia - manusia -Kekurangan, kebebasan, persaudaraan. Perwatakan romantis negatif, berbanding watak positif, selaras dengan masyarakat, negatifnya terletak pada hakikatnya mereka hidup menurut undang-undang lingkungan borjuasi yang mengelilinginya. Akibatnya (dan ini sangat penting), romantisme tidak hanya memperjuangkan cita-cita dan puitis dari segala sesuatu yang indah secara rohani, tetapi pada masa yang sama juga merupakan pendedahan tentang hodoh dalam bentuk sosio-sejarahnya yang konkrit. Lebih-lebih lagi, kritikan terhadap kurangnya kerohanian diberikan kepada seni romantis sejak awal, ini adalah susulan dari inti pati sikap romantis terhadap kehidupan masyarakat. Sudah tentu, tidak semua penulis dan tidak semua genre menunjukkannya dengan luas dan intensiti yang betul. Tetapi pathos kritikal jelas tidak hanya dalam drama Lermontov atau dalam "kisah sekular" V. Odoevsky, ia juga dirasakan di elegan Zhukovsky, yang memperlihatkan penderitaan dan kesedihan seseorang yang kaya secara rohani dalam keadaan serfom Rusia.

Pandangan dunia yang romantis, kerana dualisme (keterbukaan "semangat" dan "ibu"), menentukan gambaran kehidupan dalam kontras yang tajam. Kehadiran kontras adalah salah satu ciri khas jenis kreativiti romantis dan, oleh itu, gaya. Kerohanian dan kebendaan dalam karya romantik saling bertentangan. Wira romantis positif biasanya digambarkan sebagai makhluk kesepian, apalagi, ditakdirkan menderita dalam masyarakat kontemporari (Gyaur, Corsair di Byron, Chernets di Kozlov, Voinarovsky di Ryleev, Mtsyri di Lermontov, dan lain-lain). Dalam penggambaran yang jelek, romantik sering mencapai konkrit seharian sehingga sukar untuk membezakan karya mereka dari yang realistik. Berdasarkan pandangan romantis, adalah mungkin untuk membuat bukan sahaja gambar individu, tetapi juga keseluruhan karya, yang realistik dalam jenis kreativiti.

Romantisisme tanpa belas kasihan kepada mereka yang, memperjuangkan peningkatan mereka sendiri, memikirkan pengayaan atau merana dengan kehausan untuk menikmati, melanggar undang-undang moral sejagat atas nama ini, menginjak nilai-nilai kemanusiaan sejagat (kemanusiaan, cinta kebebasan, dan lain-lain).

Dalam sastera romantis, terdapat banyak gambar pahlawan yang dijangkiti individualisme (Manfred, Lara in Byron, Pechorin, Demon in Lermontov dan lain-lain), tetapi mereka kelihatan seperti makhluk yang sangat tragis, menderita kesepian, rindu untuk bergabung dengan dunia orang biasa. Mengungkap tragedi seorang lelaki individualis, romantisme memperlihatkan hakikat kepahlawanan sejati, yang menampakkan dirinya dalam melayani tanpa pamrih kepada cita-cita umat manusia. Keperibadian dalam estetika romantis tidak berharga dengan sendirinya. Nilainya bertambah dengan peningkatan faedah yang diberikan kepada masyarakat. Penegasan dalam romantisme seseorang terdiri, pertama-tama, dalam pembebasannya dari individualisme, dari pengaruh merosakkan psikologi harta benda persendirian.

Di pusat seni romantis adalah keperibadian manusia, dunia spiritualnya, cita-cita, kegelisahan dan penderitaannya dalam keadaan susunan kehidupan borjuasi, kehausan untuk kebebasan dan kemerdekaan. Pahlawan Romik menderita keterasingan, kerana tidak dapat mengubah kedudukannya. Oleh itu, genre sastera romantis yang popular, yang paling mencerminkan intipati pandangan dunia romantis, adalah tragedi, puisi dramatis, lirik-epik dan lirik, cerpen, elegy. Romanisme memperlihatkan ketidaksesuaian segala sesuatu yang benar-benar manusia dengan prinsip pemilikan kehidupan peribadi, dan ini adalah kepentingan sejarahnya yang besar. Dia memperkenalkan ke dalam sastera seorang pejuang manusia yang, walaupun ditakdirkan, bertindak bebas, kerana dia menyedari bahawa perjuangan perlu dilakukan untuk mencapai tujuan.

Romantik dicirikan oleh luas dan skala pemikiran artistik. Untuk mewujudkan idea-idea penting manusia sejagat, mereka menggunakan legenda Kristian, legenda alkitabiah, mitologi kuno, tradisi rakyat. Penyair trend romantis menggunakan khayalan, simbolisme dan kaedah konvensional penggambaran artistik lain, yang memungkinkan mereka menunjukkan realiti dalam penyebaran luas yang sama sekali tidak dapat difikirkan dalam seni realistik. Tidak mungkin, misalnya, anda dapat menyampaikan keseluruhan isi Lermontov's The Demon, mematuhi prinsip menaip realistik. Penyair merangkul seluruh alam semesta dengan pandangannya, membuat sketsa kosmik, dalam pembuatan semula konkrit yang realistik, yang biasa dalam keadaan realiti duniawi, tidak sesuai:

Di lautan udara

Tidak ada kemudi dan tidak ada layar

Terapung dengan tenang di dalam kabut

Koir pencahayaan yang langsing.

Dalam hal ini, watak puisi lebih konsisten bukan dengan ketepatan, tetapi, sebaliknya, dengan tidak tentu gambar, pada tahap yang lebih besar tidak menyampaikan idea seseorang tentang alam semesta, tetapi perasaannya. Dengan cara yang sama, "landasan", konkretisasi gambar Iblis akan menyebabkan penurunan pemahamannya sebagai makhluk titanik yang memiliki kekuatan super.

Minat dalam teknik konvensional penggambaran artistik dijelaskan oleh fakta bahawa romantika sering meletakkan pertanyaan falsafah dan pandangan dunia untuk diselesaikan, walaupun, seperti yang telah disebutkan, mereka tidak menjauhkan diri dari gambaran duniawi, prosaic-sehari-hari, segala sesuatu yang tidak sesuai dengan rohani, manusia. Dalam kesusasteraan romantis (dalam puisi dramatik), konflik biasanya dibangun berdasarkan pertembungan bukan watak, tetapi idea, konsep keseluruhan pandangan dunia ("Manfred", "Kain" oleh Byron, "Prometheus Freed" oleh Shelley), yang, secara semula jadi, memimpin seni had konkrit realistik.

Keintelektualan pahlawan romantis, kecenderungannya untuk merenung banyak disebabkan oleh kenyataan bahawa dia bertindak dalam keadaan yang berbeza daripada watak novel pendidikan atau drama "filistin" abad ke-18. Yang terakhir ini bertindak dalam bidang hubungan sehari-hari yang tertutup, tema cinta menduduki salah satu tempat terpenting dalam kehidupan mereka. Romantik membawa seni ke sebilangan besar sejarah. Mereka melihat bahawa nasib orang, sifat kesadaran mereka tidak ditentukan oleh persekitaran sosial tetapi oleh zaman secara keseluruhan, proses politik, sosial, spiritual yang berlaku di dalamnya, mempengaruhi masa depan semua umat manusia dengan cara yang paling menentukan. Oleh itu, idea tentang nilai diri keperibadian, ketergantungan pada dirinya sendiri, kehendaknya runtuh, dan ketergantungannya pada dunia sosio-sejarah keadaan yang kompleks dinyatakan.

Romantisisme sebagai pandangan dan jenis kreativiti tertentu tidak boleh dikelirukan dengan percintaan, mis. impian matlamat yang indah, dengan berusaha untuk mencapai cita-cita yang ideal dan bersemangat untuk mencapainya. Percintaan, bergantung pada pandangan seseorang, boleh menjadi revolusioner, bersuara maju, atau konservatif, mengasyikkan masa lalu. Ia boleh tumbuh secara realistik dan menjadi utopia.

Melangkah dari kedudukan variabel sejarah dan konsep manusia, romantik menentang peniruan zaman kuno, mempertahankan prinsip seni asli berdasarkan reproduksi sebenar kehidupan kebangsaan mereka, cara hidup, adat istiadat, kepercayaan, dll.

Romantik Rusia mempertahankan idea "warna tempatan", yang melibatkan menggambarkan kehidupan dalam keunikan-sejarah nasional. Ini adalah permulaan penembusan konkrit nasional-sejarah ke dalam seni, yang akhirnya membawa kepada kemenangan kaedah realistik dalam kesusasteraan Rusia.