Модульные картины в интерьере. Картина - это законченное, цельное произведение искусства Что такое картина в литературе

Главная / Ссоры

Занятие творчеством - прекрасная возможность выразить чувства и поднять себе настроение. Искусство помогает человеку разобраться в себе и увидеть прекрасное в окружающем мире. И не важно, есть у человека особые способности или нет. Главное, чтобы занятие каким-либо видом искусства доставляло удовольствие и было по душе. Это может быть музыка или пение, лепка или рисование. Живопись - популярное занятие, доступное сегодня не только профессиональным художникам, но и любителям. Любая картина начинается с основы. Холст -это замечательная основа для живописного произведения. Именно о нем пойдет речь в этой статье.

Что такое холст?

Основа для живописи может быть разной. Многое зависит от техники письма, задач мастера, его художественного замысла и предпочтений в изобразительном искусстве. Рисовать можно на деревянных досках, металле, бумаге, картоне, бетоне, кирпиче, стекле. То есть практически на любую поверхность при желании можно наносить краски.

Использование ткани как основы для создания художественных произведений практикуется очень давно. Еще в 15 веке художники начали экспериментировать с тканью. Многие знаменитые картины были написаны именно на этом материале. Холст - это особым образом закрепленная на деревянной раме ткань с различными качественными характеристиками, такими как прочность, фактура, структура, вес, тип нити. Все характеристики зависят от типа выбранного материала. Например, фактура холста может быть мелкозернистой, среднезернистой и крупнозернистой, а нить - натуральной и синтетической. Прочность и структура зависят от волокна, из которого изготовлена ткань.

Виды полотна

В качестве основы для живописи может быть использован шелк, джут, шерсть. В основном это натуральные ткани, изготовленные из растительного сырья: льна, хлопчатника, конопли, джута. Наиболее популярные виды холста в современной живописи: лен, хлопок, синтетика, бортовка, комбинированный холст. Есть еще пеньковый и джутовый варианты. Лен наиболее распространенный материал для изготовления холста. Волокно достаточно прочное и наиболее устойчивое к внешним воздействиям по сравнению с другими материалами.

Льняной холст имеет серо-желтый цвет, хорошую зернистость различного вида, по качеству нитей делится на несколько типов. Хлопчатобумажный менее прочный, чем льняной, легко впитывает влагу, достаточно хрупкий, подвержен провисанию на рамке, имеет бледно-желтый цвет. Бортовка - это грубое, суровое полотно, более пригодное для технического или хозяйственного использования. При этом ткань непрочная, легко рвется. На картине, написанной на холсте из бортовки, может очень быстро начать трескаться краска из-за слабого натяжения нитей. Также эта ткань часто имеет фабричные дефекты в виде узелков и утолщений нитей. Тем не менее именно бортовка очень популярна среди современных живописцев. Холст из синтетических нитей полиэстра прочен, не реагирует на изменения внешней среды, и в долгосрочной перспективе пока мало изучен. Этот вид наиболее часто применяется в цифровой печати изображений. Очень распространенный на сегодня вид холста среди любителей - комбинированный. Состоит он из натуральных и искусственных волокон. Джутовый и пеньковый варианты имеют низкие эксплуатационные характеристики, тем не менее тоже активно используются.

Преимущества холста

Преимущества использования холста заключаются прежде всего в удобстве обращения с ним, особенно при проведении выставок. Ткань легко скручивается, удобно перевозится, занимает мало места, меньше деформируется при транспортировке. Важна также и фактура холста. Благодаря естественной неровности поверхности картины приобретают дополнительные художественные свойства, усиливающие эстетический эффект. Это игра света и тени, изменение оттенков цвета.

Картина на холсте получается живой и глубокой.

Недостатки

Основной недостаток холста - это его сильная подверженность негативным воздействиям окружающей среды. Он чувствителен к влаге и изменениям температуры воздуха. Его легко повредить механически: порезать или случайно проткнуть. Некоторые виды тканевых холстов легко деформируются. Краски на холст могут ложиться неровно и начать течь, что может безнадежно испортить произведение. Со временем из-за деформации краски могут растрескаться. Истории известно много случаев потери великолепных полотен именно по этой причине. Из-за природной хрупкости тканевой основы многие мировые шедевры в музеях хранятся в особых условиях в закрытых стеклянных коробах.

Особенности живописи на холсте

Фактура холста обеспечивает хорошее сцепление краски с поверхностью. Тем не менее для получения прекрасного результата необходимо ответственно подойти к подготовке ткани к использованию. Во-первых, нужно правильно подобрать фактуру исходя из поставленных художником целей. От техники письма будет зависеть выбор зернистости холста: крупная, средняя или мелкая.

Это важно, потому что несоответствие зернистости манере письма может усложнить процесс написания и привести к быстрому последующему старению картины. Во-вторых, холст необходимо загрунтовать и укрепить в подрамнике. Если предполагается писать на холсте маслом, то лучше предпочесть крупное зерно, для акварели или других жидких красок опытные матсера кисти рекомендуют использовать мелкозернистое полотно.

К художественному холсту предъявляется ряд требований. Он обязательно должен быть небеленым. Отбеливатели, которые применяются перед подготовкой ткани к промышленному окрашиванию, содержат различные химические составляющие, которые негативно влияют на прочность ткани. Поверхность холста также должна быть ровной, без обрывов нитей, узелков и других дефектов. Плетение должно быть плотным, нити - одинаковой толщины и натяжения. При выборе ткани необходимо тщательно визуально оценить ее внешний вид.

Картина по номерам

Долгое время живопись была уделом избранных. Прежде всего необходимо обладать талантом или способностями к художественному письму. Затем необходимо долго учиться, практиковаться, испортить не один холст, прежде чем добиться результата. К счастью, сегодня для любого желающего существует прекрасная возможность заниматься живописью без подготовки и при этом получать прекрасные результаты. В специальных магазинах для творчества можно приобрести набор «Картина по номерам» (на холсте в том числе).

Техника работы с таким набором понятна, проста и доступна. Это занятие будет интересно и взрослым, и детям. В наборе есть все необходимое: краски, холст, кисти. На подготовленном холсте по номерам размечены границы деталей рисунка. Краски не надо специально разводить или смешивать. Они готовы к работе сразу. Один номер - один цвет краски. Следуя инструкции, нужно шаг за шагом покрывать краской соответствующий участок изображения. Такая работа требует внимательности, поэтому для начала можно выбрать холст с несложным рисунком с крупными элементами. При должном трудолюбии и аккуратности совершенно точно получится великолепное произведение искусства, которое не стыдно повесить на стену своего дома или подарить друзьям.

Холст для цифровой печати

Современные технологии позволяют сегодня создавать произведения искусства самыми разными способами. Одной из инновационных техник является цифровая печать на холсте.

Для этих целей используется синтетическое или комбинированное полотно, которое обладает высокими характеристиками прочности. Обычно с помощью цифровой печати изготавливаются высококачественные репродукции известных картин и фотографии. Изображение наносится с помощью сольвентной, латексной или ультрафиолетовой печати.

Стилизованный портрет

Еще одна современная техника цифровой печати, ставшая отдельным направлением современного искусства - создание стилизованного портрета на холсте по фотографии. Такая картина стала очень популярным подарком в настоящее время. Сочетание высоких технологий и традиционного холста позволяет получить портрет, мало отличный от рукотворного. При этом техника исполнения и стиль могут быть разными: от гранжа и поп-арта до шаржа и живописного портрета. Ключевое слово здесь - значит, что самая обычная фотография превращается с помощью этой технологии в произведение современного искусства.

Сделать дома холст - это просто

Профессиональные холсты стоят достаточно дорого. Поэтому при некоторой сноровке художник-любитель в состоянии изготовить холст для живописи своими руками. Для этого нужно будет изготовить деревянную рамку, натянуть на нее ткань (желательно льняную), закрепить. Затем загрунтовать и, дождавшись полного высыхания холста, приступать к работе. Есть еще одни маленький секрет. Перед тем как начать наносить грунтовку на основу, её нужно покрыть двумя слоями желатина, один за другим. Различные и подробные инструкции по изготовлению холста в домашних условиях, опубликованные на соответствующих тематических ресурсах, позволяют обеспечить себя материалом на нужное количество картин практически в любое время.

Качественный и правильно подобранный холст - это залог успешной и увлекательной работы, прекрасного результата и отличного настроения.

Мы привыкли видеть в музеях картины, написанные различными красками: темперными, масляными, акварелью. Но часто ли мы задумываемся над тем как они появились, и кто был их создателем? Впервые краской, которой послужила в действительности глина, воспользовался еще первобытный человек. Затем, он стал смешивать глину, уголь и другие природные красители с жиром, что можно считать уже первой настоящей краской. Прошли целые тысячелетия до появления краски, которую стали использовать художники повсеместно.

Яичная темпера

Такой краской стала яичная темпера. Особенно популярной она стала в эпоху Возрождения, когда ею работали такие великие мастера как Рафаэль, Леонардо да Винчи и Микеланджело. Темпера состояла из яичного желтка, воды и сухих пигментов. В те времена художники были вынуждены сами изготавливать краски. Они растирали глину, растительные минералы, ягоды и даже насекомых в мелкий порошок, затем смешивали с водой и яичным желтком. Темпера требовала от художников особых навыков работы. Эта водянистая красна на удивление быстро высыхала. Это вынуждало мастеров работать с очень большой скоростью, чтобы сохранить единство рисунка.

Масляные краски

Настоящую революцию в живописи произвело в 15 веке изобретение масляных красок Яном Ван Эйком.В качестве связующего вещества он использовал льняное масло, вместо привычного прежде яичного желтка. Строго говоря они были известны до нашей эры. Это подтверждают после разрушения Бамианских статуй Будды найденные остатки красок. Известно, что растительные масла для красочных составов использовали и античные живописцы. Различные трактаты 8-12 веков говорят об использовании льняного масла. Однако, вещественных подтверждений не сохранилось. Масляные краски во многом превосходили яичную темперу. Прежде всего, художников подкупала ее пластичность. Масляные краски легко смешивались, что позволяло создавать совершенно новые цвета. Краски стали накладывать тонкими слоями. Такая техника лучше всего передавала пространство, объем и глубину цвета.

Акварель

Несмотря на то, что ее появление относят ко 2 веку н.э., широкую популярность она получила лишь на рубеже 18-19 веков. В ее состав входят мелко растертый пигмент, и легко растворимые в воде клеи растительного происхождения. Эта краска разводится водой и наносится на бумагу. Специфика акварельной техники заключена в ее прозрачности. Акварелью создаются легкие, нежные, как будто наполненные воздухом картины. Но есть подвох: переделать рисунок или записать слой, как в масляной живописи, например, невозможно. При смешении цветов более двух, трех краска теряет яркость и чистоту, а при смывании красочного слоя деформируется бумага, что приводит к появлению грязи.

Начиная с тех далеких времен краски создавались на основе натуральных компонентов: растительных масел, древесной смолы и натуральных красителей. Но в начале 20 века химики, работающие для крупных производителей красок, начали изобретать новые формулы красок. Именно в 20 веке начинается история красок, которые можно видеть в магазинах сегодня. Многие из них содержат синтетические компоненты, но ничем не уступают натуральным.

Живопись масляными красками всегда было не из дешевых увлечений. Хороший холст средних размеров в магазине стоит приличные деньги, около 1000 рублей, поэтому многие начинающие художники, чтобы хоть как то сэкономить, делают их самостоятельно.

Для изготовления холста нам понадобятся такие инструменты и материалы:

Готовые деревянные рейки, сечением 20*50 мм. или 15*40 мм., либо сухая 50*100 мм. доска для самостоятельного изготовления реек.
Циркулярная пила (опционально).
Отрезок фанеры или ДВП для уголков.
Ткань для холста (желательно лён).
Клей по дереву (ПВА или др.)
Грунт для холста.
Пищевой желатин.
Кисть широкая, пила по дереву, угольник или «стусло», степлер для скоб со скобами или мелкие гвозди, ножницы.

Вариантов изготовления классического натянутого холста для живописи существует несколько, давайте сделаем самый простой из вариантов, а именно, без натяжных клиньев. Наш холст будет не больших размеров 600*400 мм, поэтому натяжные клинья не обязательны, если делать более большие холсты, то клинья будут обязательны.

Изготовление реек.

Если есть готовые рейки, то можно переходить ко второму пункту, а для самостоятельного изготовления реек потребуется циркулярная пила и хорошо высушенная древесина, желательно использовать старую, много лет полежавшую древесину. Хорошо подойдут толстые доски, брусья, которые лежали десяток лет в сарае или сваленные под навесом, они имеют старый, неприглядный вид, но внутренняя часть слежалась и очень твердая. Главное проверить, чтобы она не была гнилой, с чернотой.

На циркулярной пиле распускаем заготовку на бруски нужного размера, вынимая хорошую внутреннюю часть.

Изготовление рамки.

Рейки надо выбрать без сучков, ровные, с минимальным содержанием смолы.

Используя приспособление стусло, отпиливаем рейки под углом 45 гр. и длиной необходимой для сторон рамки, уменьшая длину каждой рейки на 2-3 мм., что бы при соединении не выйти за приделы нужного нам размера.

Полученные рейки по углам промазываем клеем и соединяем в прямоугольник, выставляем углы 90 гр. и диагонали, фиксируем жестко струбцинами.

Зассверливаем отверстия для стяжных саморезов, стягиваем углы, выступивший клей удаляем.

Из ДВП или тонкой фанеры выпиливаем крепежные уголки, размеры катетов по 10-12 см.

Обрабатываем края наждачной бумагой.

Наносим клей на контактные места.

Приклеиваем уголки по углам рамки.

Стазу пробиваем скобами.

Готовую рамку оставляем сохнуть в тени на 24 часа.

На следующие сутки обрабатываем рубанком и наждачной бумагой.

Стягивающие саморезы можно удалить или сточить торчащую головку и замазать сверху клеем или краской, чтобы ржавчина со временем не проступила наружу.

Рамка полностью готова для натяжки холста.

Натяжка холста.

Хорошим материал для холста считается лен, сейчас найти хороший лен тоже не просто, да и цена на него кусается. Так для меня лучшим вариантом стала покупка ткани в интернет магазине из Китая, отрез размерами 140*100 см. за $9 с доставкой (). По идеи его должно хватить на четыре 3-4 холста.

На отрез накладываем рамку.

Замеряем отступ 6-8 см. на загиб.

Отмечаем линии реза и отрезаем необходимый кусок ткани.

Приготовим степлер со скобами длиной 8-10 мм. Натяжку начинаем от средины противоположных сторон. Равномерно натягиваем и пристреливаем стань.

Минус тонкой ткани, во время сильной натяжке её можно порвать!

Дошли до углов, сворачиваем их конвертом или как у вас получится лучше и пристреливаем.

Проверяем ровность натяжки, при необходимости можно вынуть отверткой несколько скоб и поправить натяжку.

Проклейка и грунтование холста.

Для проклейки материи холста, в домашних условиях, применяют обычный пищевой желатин, нам примерно надо 8-10 гр.

Замачиваем желатин (по инструкции на пачке) в холодной воде на 1 час, затем медленно греем на огне, не давая подгорать и закипать, до полного растворения.

Охлаждаем до состояния холодца.

Наносим на ткань и втираем ложкой или ножом в волокна, лишнее удаляем обратно в тарелку.

Оставляем холст на пол дня лежать, сохнуть.

Шлифуем поверхность наждачной бумагой, не сильно, только удаляем неровности.

Теперь нагреваем оставшийся желатин до 40-50 гр. и широкой кисточкой вскрываем все вторым слоем.

Затем снова просушка, шлифовка и еще слой желатина.

После высыхания третьего слоя, приступаем к нанесению грунта, его лучше использовать покупной.

Грунт наносится как обычная белая краска, широкой кистью.

После сушки холст полностью готов для творчества.

Картина - произведение живописи, обладающее законченным характером (в отличие от эскиза и этюда) и самостоятельным художественным значением. Состоит из основы (холста, деревянной или металлической доски, картона, бумаги, камня, шелка и т.д.), грунта и красочного слоя. Картина - один из видов станкового искусства. Картины бывают различных жанров. Создавая картину, художник опирается на натуру, но в этом процессе большую роль играет творческое воображение. Конец 19 века во всей Европе отмечен новым, динамичным взглядом на мир. Художник рубежа веков должен был соответствовать постоянно меняющейся жизни: не столько отображать окружающий его мир (этим теперь занимаются фотография и кино), сколько суметь выразить в картине свою индивидуальность, свой внутренний мир, собственное видение. В картинах выдающихся живописцев достигнуты вершины искусства. В многообразных течениях модернизма происходит потеря сюжета и отказ от изобразительности, тем самым понятие картины значительно пересматривается. Некоторые художники, принадлежащие различным школам живописи, отошли от изображения мира (людей, животных, природы) таким, каким мы его видим. На их живописных полотнах мир предстает деформированным, иногда вовсе неузнаваемым, ибо художники руководствуются больше своим воображением, чем зрительным восприятием окружающих нас явлений.

В развитии живописи картина играет важнейшую роль.

Репродукцию также можно назвать картиной, если в соответствующем контексте не важно, копия это или оригинальное произведение.

Картина в переносном или более общем значении - любое законченное, цельное произведение искусства, в том числе - живое и яркое описание, устное или письменное, вид природы.

Живопись - это искусство плоскости и одной точки зрения, где пространство и объем существуют только в иллюзии. Живопись благодаря сложности изобразительных средств способна создать на плоскости такую глубину иллюзорного пространства и многомерность художественной реальности, которая неподвластна другим способам изображения. Каждая картина выполняет две функции - изобразительную и экспрессивно-декоративную. Язык живописца вполне понятен лишь тому, кто сознает декоративно-ритмические функции плоскости картины.

В эстетическом восприятии все функции картины (и декоративные, плоскостные, и изобразительные, пространственные) должны участвовать одновременно. Правильно воспринять и понять картину - это значит одновременно, неделимо увидеть и поверхность, и глубину, и узор, и ритм, и изображение.

Эстетическое восприятие картины во многом выигрывает, когда она заключается в соответствующую раму, отделяющую живопись от окружающего мира. Восточный тип картины сохраняет традиционную форму свободно висящего развернутого свитка (горизонтального или вертикального). Картина, в отличие от монументальной живописи, не связана жестко с определенным интерьером. Она может быть снята со стены и повешена по-другому.

Глубина иллюзорного пространства картин

Профессор Ричард Грегори описал "странные свойства картин": «Картины - уникальный класс предметов, потому что они одновременно видны и сами по себе, и как нечто совсем иное, чем просто лист бумаги, на котором они нарисованы. Картины парадоксальны. Никакой объект не может находиться в двух местах одновременно; никакой объект не может быть одновременно двумерным и трехмерным. А картины мы видим именно так. Картина имеет совершенно определенный размер, и в то же время она показывает истинную величину человеческого лица, здания или корабля. Картины - невозможные объекты.

Способность человека реагировать на отсутствующие, воображаемые ситуации, представленные в картинах, является важным этапом в развитии абстрактного мышления».

Как создаются картины

Картина – это духовный мир художника, его переживания и чувства выраженные на холсте или бумаге. Объяснить, как создаются картины, сложно - лучше это увидеть самому. Невозможно передать словами, как художник закрашивает полотно, какой кистью он касается холста, какие краски выбирает. Во время работы всё становятся одним целым: художник, кисть и холст. И уже после первого взмаха кистью в мастерской начинает действовать особое волшебство живописи.

Картины не просто раскрашенный холст, они воздействуют на чувства и мысли, оставляют след в душе, пробуждают предчувствия.

Как же создается картина?

Казалось бы, красками, кистями, на холсте. Может быть еще один универсальный ответ: по-разному.

Методы работы над картиной постоянно изменялись на протяжении истории искусства. Художники итальянского Возрождения работали совсем по-иному, чем Рембрандт или "маленькие голландцы" XVII века, романтики - иначе, чем импрессионисты, абстракционисты, современные нам художники-реалисты. Да и в рамках одной эпохи и даже одного направления можно встретить большое разнообразие.

Художников-реалистов прошлого и настоящего (если понимать реализм в широком смысле слова) объединяет следующее:

Создание полноценного произведения, в данном случае картины, портрета или пейзажа, невозможно без глубокого изучения жизни, активного отношения к ней автора. Средствами художественного познания жизни служат работа с натуры, зрительные впечатления, анализ и синтез жизненных явлений.

Создание картины - сложный, трудоемкий творческий процесс, результаты которого определяются не затраченным временем, а мерой таланта, мастерства художника, силой и действенностью оригинального образного решения. Важнейшими вехами этого процесса являются зарождение и конкретизация замысла, непосредственные наблюдения, эскизы, этюды с натуры, собственно написание картины с непременно творческой, активной переработкой жизненного материала.

И когда в музее или на выставке зритель подходит к картине, то прежде чем вынести о ней своё суждение, он должен помнить, что за ней всегда стоит живой человек, художник, вложивший в работу кусок своей жизни, сердце, нервы, талант и мастерство. Можно сказать, что картина - это осуществленная мечта художника.

Г. С. ОСТРОВСКИЙ

Завершенность картины

В жизни многое бывает случайно - в картине таких случайностей быть не может, в ней все должно быть завершено, логично. В какой же момент картина считается завершенной?

Виртуозный рембрандтовский пастозный живописный мазок, столь высоко ценимый позднее и в наше время, вызывал у современников Рембрандта лишь недоумение и порождал насмешки и остроты на его счет. Возражая своим критикам, Рембрандт оспаривал правильность их понимания законченности живописного произведения, противопоставляя им свое понимание ее, которое он формулировал таким образом: картину должно считать законченной тогда, когда художник сказал в ней все, что он хотел. Чтобы не слышать надоедавших ему вопросов о «незаконченности» его картин, Рембрандт перестал позволять близко подходить к ним наивным посетителям своей мастерской, смотревшим с большим любопытством на бравурные мазки его живописи, пугая их тем, что к картинам не следует подходить слишком близко, так как нюхать их краски вредно для здоровья.

Матисс о своей живописи:

"Я просто стараюсь положить на холст те цвета, которые выражают мое ощущение. Необходимая пропорция тонов может заставить меня изменить форму фигуры или изменить композицию. Пока я этой пропорции не достиг во всех частях картины, я её ищу и продолжаю работу. Потом наступает момент, когда все части обретают окончательные соотношения, и тогда я не могу притронуться к картине, не переделывая её всю заново".

Начиная примерно с импрессионистов, категории рисунка, формы и колорита тесно связаны, срослись, кажутся непрерывным процессом: рисунок и колорит, лепка и композиция, тон и линия возникают и развиваются как бы в одно время. Процесс писания картины может, так сказать, продолжаться безгранично, момент окончания работы является несколько-условным: в любом месте холста художник может продолжать ее, накладывая новые мазки на подобные же, но ниже лежащие. Наиболее ярким и последовательным представителем этой системы является Сезанн. В письмах и записанных беседах он неоднократно формулировал этот смешанный или, правильнее, нерасчлененный метод живописи. В любой момент работа над картиной может быть прервана, но произведение не потеряет эстетической полноценности. В любой момент картина готова.

Связь изобразительного пространства картины с реальным пространством

Художник и теоретик искусства В. А. Фаворский в курсе теории композиции подчеркивал, что истинно художественному произведению от рождения присуще двойственное существование: как предмета в окружающем пространстве и как относительно замкнутого мира с собственными пространственно-временными отношениями. В живописи такая цель достигается согласованием внутренней конструкции картины с рамой, в скульптуре - с окружающим пространством (классический пример: статуя в нише).

Для связи изобразительного пространства с реальным пространством, в котором находится зритель, используется рама картины. Художники обыгрывают также многократное "репродуцирование рамы" в самом изображении, зрительные рифмы, повторы вертикалей и горизонталей. Одним из характерных приемов, позволяющих зрительно "укрепить" изображение в границах прямоугольного формата, является "скос угла". Обособление живописи от архитектуры породило определенную систему восприятия станковой картины. Основным содержанием картины становится выражение целостного представления пространства. Композиция претворяется в экспозицию, в которой зритель предстоит перед преображенным миром пространственно-временных отношений и видит себя в нем как в зеркале. Так прозрачное стекло эпохи Возрождения превратилось в зеркало эпохи Классицизма и Барокко. Для искусства постренессансной эпохи характерны обыгрывания отражений в зеркале, введение в композицию картины фигур-медиаторов, лиц, которые своим положением, взглядом или жестом руки указывают на действие, происходящее в глубине картины, как бы приглашают войти в нее. Помимо рамы в подобных композициях возникает проскениум - передняя часть сцены, кулисы, затем средний план, в котором совершается главное действие, и фон - "задник".

Главные фигуры художник обычно помещает в среднем плане картины, устанавливая их на мысленную горизонталь как на постамент. От положения этой опорной горизонтальной линии зависит глубина "пространственного слоя" (в планиметрическом отношении - выше или ниже относительно нижнего края рамы картины). Откладывая горизонталь многократно вверх, живописец создает определенный ритм движения в глубину воображаемого пространства. Благодаря этому даже на небольшом холсте можно изобразить пространство любой протяженности с любым количеством фигур и предметов. В подобной экспозиции приходится специально обращать внимание зрителя на то, что одни предметы находятся ближе, а другие дальше. Для этого применяются "указатели": перспективное уменьшение, введение масштабных ориентиров (маленькие фигурки людей на дальнем плане), перекрывание планов, тональный контраст, падающие тени от источника света внутри или вне картины. Другим ориентиром мысленного движения зрителя в пространстве картины являются диагонали, главная из них - "диагональ входа" (обычно слева направо).

Картина в картине

Изображение в изображении

«Изображение в изображении» может использоваться в специальной композиционной функции. Подобная иерархическая организация представлена в случае изображения картины в картине (а также фресок в стенных росписях и т.п.).

"Картина в картине" - композиционный прием, встречающийся в искусстве классической живописной картины XVI-XVII вв. Картина в картине может быть наделена особым скрытым смыслом.

Композиционный прием «картина в картине» может выполнять несколько задач:

выражать идею
разъяснять сюжет
противопоставлять или создавать гармонию
быть деталью обстановки (интерьера)

Очень часто изображение фона в живописном произведении может быть понято как своего рода картина в картине, то есть самостоятельное изображение, построенное по своим специальным закономерностям. При этом изображение фона в большей степени, чем изображение фигур на основном плане, подчиняется чисто декоративным задачам, можно сказать, что здесь часто изображается не самый мир, но декорация этого мира, то есть представлено не само изображение, а изображение этого изображения.

У голландцев географическая карта, шпалера, картина, открытое окно как включенный в картину образ расширяют границы мира или же служат развитию иносказательного смысла основного сюжета. Вермеер, приоткрывая завесу мастерской, становится поводырем по трем уровням реальности: пространству зрителя, пространству своей мастерской, пространству художественного произведения (холста, что стоит на мольберте), уподобляя эти метаморфозы плаванию по океанам, нанесенным на географическую карту или полету над нанесенной на карту землей.

Перетекание реальности – искусства – мифа можно наблюдать и у Веласкеса, который охотно прибегает к приему «картина в картине», примером чему могут служить «Менины» и «Пряхи».

«Картина в картине» есть и в «Венере перед зеркалом» Веласкеса, но туманное зеркало лишь отражает тень богини любви.

Картина и рама

Любое изображение, созданное художником, за исключением только древних наскальных рисунков, имеет обрамление. Обрамление - необходимая и важная часть композиции, оно завершает ее, придает единство. Обрамление может находиться на той же плоскости, на которой выполнена и сама живописная или графическая композиция. Оно же может быть создано специально как некая рельефная форма при помощи декоративных, скульптурных и архитектурных элементов. Чаще всего встречаются обрамления прямоугольной формы, несколько реже - круглой и овальной.

Рама помогает выделить живописное произведение из окружающей среды как нечто особенное и достойное внимания, не вместе с тем и связывает его с окружением. Так, если стиль рамы совпадает с художественным обликом, строем и характером интерьера, где находится картина, это способствует цельности ансамбля. В зависимости от цвета, насыщенности декоративными и скульптурными деталями рама значительно влияет на общее впечатление от живописного образа. Все это и позволяет говорить о единстве картины и рамы, где обрамление выполняет, конечно, не главную, но очень нужную функцию.

Пути развития станковой живописи были сложными. Какой яркой вехой в ее истории стал переход от средних веков к Ренессансу! Наиболее существенным в нем явилось стремление уйти от застылости и отвлеченности иконного изображения, господствовавшего в средневековье. Примерно в XIV столетии рождается картина в современном смысле этого слова, а вместе с ней появляется и рама, одетая пока еще в кружево готической декорации.

Первые рамы не противопоставлялись полностью всему изображению и не отделялись от него; материалы обоих были сходны, условная позолота фона, например, древнерусской иконы или византийской переходила на обрамление, да и само изображение нередко "выплескивалось" на него. Затем границы между картиной и рамой стали сознаваться все определеннее. Все же как некая память о предшествующих веках у рамы сохранился ее золотой цвет. Когда из живописи исчез золотой фон, обозначавший мир божественного, позолоченность рамы стала восприниматься условно, иными словами - как необходимый атрибут обрамления, помогавший выделять в помещении картину, привлекать к ней взор зрителя.

В эпоху Ренессанса господствовало представление о живописи как о взгляде в мир через окно, рама своими формами весьма ясно намекала на бытовавшее представление и отвечала ему. Эти пышные, торжественные рамы изготовлялись по рисункам художников в специальных мастерских или же помощниками художника, работавшими в его мастерской.

В эпоху Возрождения живопись постоянно сравнивали с зеркалом, в котором отражается действительность, и рама, созданная наподобие орнаментальной оправы зеркала, еще сильнее подчеркивала такое сравнение. Эта рама могла изготавливаться не только из деревянных реек и гипса, но и из драгоценных материалов, включая серебро, слоновую кость, перламутр и т.п. Драгоценность материалов словно соответствовала драгоценности живописи, усиливала ее.

Старые мастера были очень внимательны к раме, учитывали ее воздействие в процессе работы, иногда даже писали в готовом обрамлении, считаясь с определенным тоном и декоративным ритмом рамы. Поэтому композиции старых мастеров часто очень выигрывают в первоначальных рамах.

Наблюдения над рамами старых мастеров позволяют установить еще один принцип - соответствие между профилем и шириной рамы и размером картины: так, голландские живописцы имели обыкновение вставлять свои небольшие картины в крупные рамы с глубокой, отвесной профилировкой, которая как бы уводит глаз к центру картины и изолирует ее от всякого воздействия окружения

В начале XX века стали раздаваться голоса, призывающие вообще отказаться от рам, как от чего-то слишком материального, "заземляющего" духовность искусства. Различные художники авангардистских направлений, восприняв такие призывы, начали выставлять свои произведения без рам. Однако в результате такого новшества сами их произведения уже переставали быть картинами в тесном смысле этого слова. Это были какие-то "объекты","пятна", зачастую лишенные ясного смысла.

Хотя теперь нет одного стиля в оформлении рам, как было когда-то, но зато есть большее, чем прежде, соответствие рамы индивидуальной манере художника.

В последние время на художественных выставках можно заметить, что инертность в отношении оформления рам (пусть, мол, будет, а какая - не столь важно), которая проявлялась в прошлом и у наших художников, начинает преодолеваться. Рамы окрашивают в различные тона, на них нередко помещаются небольшие дополнительные изображения и надписи, живописцам помогают скульпторы - появляются рамы с богатыми пластическими мотивами.

Формат картин

Существуют, однако, два специфических элемента картины, которые как бы создают переход от плоскости к изображению, одновременно принадлежа и к реальности картины, и к ее фикции - формат и рама. Может показаться, что формат картины - только инструмент художника, но не непосредственное выражение его творческой концепции: ведь художник только выбирает формат. А между тем характер формата самым тесным образом связан со всей внутренней структурой художественного произведения и часто даже указывает правильный путь к пониманию замысла художника. Как правило, формат избирается до начала работы живописца. Но известен ряд художников, которые любили во время работы менять формат картины, то отрезая от нее куски, то прибавляя новые (особенно охотно этот делал Веласкес).

Самым распространенным форматом для картины является четырехугольный, причем чистый квадрат встречается значительно реже, чем четырехугольник, более или менее вытянутый вверх или вширь. Некоторые эпохи ценят круглый формат (tondo) или овал. Выбор формата не имеет случайного характера, формат обычно обнаруживает глубокую, органическую связь как с содержанием художественного произведения, с его эмоциональным тоном, так и с композицией картины, в нем одинаково ярко отражается и индивидуальный темперамент художника, и вкус целой эпохи. Скрытую причинную связь между форматом и замыслом художника мы ощущаем перед каждой картиной, от которой исходит очарование истинного художественного произведения. Есть картины, содержание которых настолько срослось с характером формата, что малейшее перемещение пропорций, кажется, должно было бы нарушить стилистическое и идейное равновесие картины.

Горизонтальный, вытянутый формат, в общем, безусловно более пригоден для повествовательной композиции, для последовательного развертывания движения мимо зрителя. Поэтому к такому формату охотно обращаются художники, настроенные эпически, стремящиеся к активной композиции, к действию,- например итальянские живописцы XIV и первой половины XV века (особенно во фресковых композициях). Напротив, формат квадратный или такой, в котором вышина несколько преобладает над шириной, как бы сразу останавливает динамику действия и придает композиции характер торжественной репрезентации - именно этот вид формата предпочитали для своих алтарных картин мастера Высокого Возрождения ("Сикстинская мадонна"). В свою очередь, при значительном преобладании вышины над шириной композиция опять приобретает динамику, сильную тягу, но на этот раз вверх или вниз; такой узкий формат был особенно по душе художникам аристократическим, декоративным (Кривелли) или настроенным мистически (маньеристы, Греко), стремящимся воплотить определенные эмоции, настроения.

Несомненна также связь формата с индивидуальным темпераментом художника: чувственная, динамическая фантазия Рубенса требует более крупного формата, чем сдержанная и одухотворенная фантазия Рембрандта. Наконец, формат находится в прямой зависимости от живописной техники. Чем шире, свободнее мазок художника, тем естественнее его стремление к крупному формату.

Люди, всегда испытывают потребность в декорировании помещения в котором они живут либо трудятся. Это помогает улучшать атмосферу, добавить уюта и поднять настроение. В статье рассмотрим такие варианты декора, как картины, которые издавна считаются одним из оптимальных вариантов решения подобной проблемы.

Современный декор. Модульные картины

Модульными являются те картины, изображения на которых разделены на две либо более частей, а части эти наносятся на отдельные холсты. Модули либо фрагменты могут иметь любые формы, расположение и ориентацию относительно друг друга. При их помощи можно декорировать помещения любого назначения.

Актуальность модульных картин в интерьере: когда и где применяется

Модульные картины – это достаточно универсальный предмет, который даёт возможность обновлять интерьер квартиры исходя из индивидуальных пожеланий и предпочтений её обитателей. Востребованность подобных картин дополнительно обуславливается тем, что они способы внести весомые изменения во внешний вид помещений без затрат и усилий. Единственным недостатком и одновременно преимуществом является немалый размер картин состоящих из трёх, четырех и более кусков.

Модульные картины дают возможность закрывать большие пустующие пространства в жилых и вспомогательных помещениях. В зависимости от общей цветовой гаммы и стиля комнаты, будет отличаться и сама картина, однако же, зачастую модульные картины изображают пейзажи.

Какие есть модельные картины для стен

Среди базовых разновидностей картин можно выделить:

Диптих . Это модульные картины, состоящие из двух частей и представляющие собой простейший тип таких картин.
Триптих . Картина, состоящая из трёх элементов.
Пенаптих . Модульные картины, разбитые на пять частей.
Полинаптих . Шесть и больше.

Количество модулей непосредственно влияет на декоративные свойства и габариты, но не на содержимое самой картины. Независимо от того, на сколько частей разбивается изображение, каждый из фрагментов одинаково важен и даёт возможность составить полноценную картинку.

Модульные картины, как правило, выполняются на холстах и имеют массу преимуществ: универсальность применения, оригинальность стиля, масштабность, ненавязчивость дизайна.

Для того чтобы модульная композиция была уместной в том или ином помещении, её следует правильно выбрать. Следует руководствоваться такими критериями выбора: цветовая палитра, тематика, геометрические формы, интерьер помещения.

Большие модульные из нескольких частей

Большие модульные конструкции из нескольких частей — это то, с чем ассоциируется это понятие у большинства людей. Модульные картины уже давно не новинка, и находят широкое применение как в квартирах, так и в гостиницах, ресторана.

Изображение, раздробленное на множество частей, отличается оригинальностью и необычностью, а потому именно на них зачастую обращается внимание при выборе. Можно выделить ряд видов модульных картин состоящих из нескольких фрагментов.

Раздельные из 4 частей

Как уже было указано выше, картины, состоящие из четырех частей, называются полиптихами. Они являются современным дизайнерским решением, как для обычных потребителей, так и для декораторов. Ансамбль, создаваемый из четырех композиций, даёт возможность произвести неповторимый эффект, как на хозяев, так и на гостей. Панно на холсте из четырех частей занимает большой участок стены, но благодаря своей масштабности, изображение как будто бы оживает перед глазами наблюдателя.

Модульные картины из 4 частей объединяются единой сюжетной, цветовой и тематической составляющей. А вот размеры фрагментов могут быть совершенно неравноценными. Они могут быть одинаковы по размеры, спускаться каскадом либо и вовсе идти зубцами.

Как правило, в отличие от традиционных холстов, изображения на модульных картинах просты и незамысловаты. Их задачей является подарить положительные впечатления, как простому обывателю, так и ценителю объектов искусства.

Наборные из 3 частей

Модульные картины из трёх сегментов называемые триптихами, являются одними из максимально смелых и оригинальных дизайнерских решений в истории. При их помощи можно интересно и необычно декорировать любой интерьер. Изображения на таких холстах могут быть расположены относительно вертикали либо горизонтали и разбиты на три части, но они будут объединены единой тематикой и стилем.

Но, непосредственно сами фрагменты могут сильно отличаться друг от друга по расположению и размерам. Известно немалое количество вариаций расположения сегментов триптихов, а потому каждый, даже искушенный пользователь сможет подобрать вариант по собственному вкусу.

Трансформеры из 5-ти и более частей

Многие ошибочно полагают, что подобного рода картины занимают крайне много места, и при выборе игнорируют их. Однако сегментные картины также отличаются необычным расположением фрагментов, которое может быть не только горизонтальным, но также вертикальным, произвольным.

Одним из примечательных преимуществ таких изображений является как раз то, что многие считают главным недостатком – их размер. Благодаря большому масштабированию, качественно изготовленные холсты дают возможность получать максимально крупное, красочное и детализированное украшение на свою стену.

Как правильно вешать модульные картины на стены

Прежде чем начать украшать стену, следует понять, как это делается правильно. Существует ряд рекомендаций:

В случае, когда взаимосвязь между сегментами носит композиционный характер, то фрагменты на стену вешать следует с небольшими промежутками.
Сложные изображения, которые создают визуальный эффект, должны размещаться согласно авторскому замыслу, который можно отыскать в сопутствующей документации.
В случае, когда взаимосвязь сегментов осуществляется только за счет оттенков либо сюжета, то расположением частей можно варьировать по собственному желанию.
Нижний край полотна должен располагаться на уровне глаз наблюдателей.
Тематическая и смысловая составляющая не должны быть нарушены.
Все части должны равномерно освещаться.
Массивные и тяжелые фрагменты следует надежно закреплять на стене.

Какое выбрать крепление для картин из нескольких составных частей

Простой и очевидный вариант крепления – гвозди, а также дрель и шурупы. Впрочем, это далеко не единственные возможные варианты:

Легкие полотна можно аккуратно закрепить булавками, иглами и кнопками. В случае, если стена не из гипсокартона, то понадобится предварительно закрепить на ней, к примеру, деревянную рейку.
Полотна с фрагментами средних габаритов и массы можно крепить двухсторонним скотчем. Однако такое крепление отличается минусом, выражаемым в его перманентности – невозможно снять такое крепление не повредив покрытие поверхности стены.
С тяжелыми полотнами справятся не только традиционные, но и «жидкие» гвозди.
В качестве альтернативы скотчу и булавкам может выступать липучка из швейного магазина.

Не стоит забывать и о специализированных системах крепления модульных картин, которые зачастую можно приобрести в комплекте. Возможно, это не очень выгодный вариант, но наверняка наиболее действенный, особенно, если украшение не планируется передвигать.

Как повесить модульную картину из 5 частей

Выбор крепления для такого вида осуществляется исходя из материала стены, веса и размеров частей, а также учета возможности передвижения украшения в дальнейшем. Независимо от выбранного варианта, крепление должно быть надежным.

Как крепить модульные большие конструкции

Конструкции с большими фрагментами, особенно, если они растянуты по горизонтали, могут требовать, и пару креплений для каждого из них. Здесь важно соблюдать равномерность и правила расположения частей, а также рекомендуется обратить внимание на специальные крепежи, предлагаемые к покупке в комплекте.

Какой уход

В случае, когда конструкция закреплена надежно, то последующий уход потребует только проверки состояния крепежей, а также очищения поверхности изделия от пыли. Для того, чтобы не нанести ущерба, очистку можно производить при помощи: фланели, перьевой метелки либо же синтетическим веничком.

Модульные картины это универсальный способ придать уюта помещению, создать нужную атмосферу, а также подчеркнуть вкус и статус владельца.