จิตรกรรมเนเธอร์แลนด์ยุคแรก(ไม่ค่อย ภาพวาดดัตช์เก่า) เป็นหนึ่งในขั้นตอนของ Northern Renaissance ซึ่งเป็นยุคในภาษาดัตช์และโดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพวาดเฟลมิชซึ่งครอบคลุมประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรปประมาณหนึ่งศตวรรษโดยเริ่มตั้งแต่ไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 15 ศิลปะแบบโกธิกตอนปลายถูกแทนที่ด้วยยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น หากกอธิคตอนปลายปรากฏตัวในฝรั่งเศสสร้างภาษาศิลปะสากลซึ่งอาจารย์ชาวดัตช์หลายคนมีส่วนร่วมจากนั้นในช่วงเวลาที่อธิบายไว้ในดินแดนของเนเธอร์แลนด์โรงเรียนจิตรกรรมอิสระที่เป็นที่รู้จักอย่างชัดเจนก็ก่อตั้งขึ้นซึ่งมีลักษณะโดย ลักษณะการเขียนที่สมจริง ซึ่งเน้นที่การแสดงออกในประเภทภาพเหมือนเป็นหลัก

สารานุกรม YouTube

• 1 / 5

  ตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 การเปลี่ยนแปลงทางวัฒนธรรมและสังคมวิทยาได้เกิดขึ้นในพื้นที่เหล่านี้: คริสตจักรในฐานะลูกค้าหลักของงานศิลปะถูกแทนที่โดยผู้อุปถัมภ์ทางโลก เนเธอร์แลนด์เป็นศูนย์กลางของศิลปะเริ่มผลักดันศิลปะแบบโกธิกตอนปลายที่ศาลฝรั่งเศส

  เนเธอร์แลนด์เชื่อมโยงกับฝรั่งเศสโดยราชวงศ์ Burgundian ดังนั้นศิลปินชาวเฟลมิช Walloon และชาวดัตช์สามารถหางานทำในฝรั่งเศสได้อย่างง่ายดายที่ศาลของ Anjou, Orleans, Berry และกษัตริย์ฝรั่งเศสเอง พี่น้อง Limburg จาก Geldern ปรมาจารย์ด้านกอธิคระดับนานาชาติที่โดดเด่นเป็นศิลปินชาวฝรั่งเศสโดยพื้นฐานแล้ว ด้วยข้อยกเว้นที่ไม่ค่อยพบในบุคคลของ Melchior Bruderlam มีเพียงจิตรกรระดับล่างเท่านั้นที่ยังคงอยู่ในบ้านเกิดของพวกเขาในเนเธอร์แลนด์

  ที่จุดกำเนิดของภาพวาดเนเธอร์แลนด์ยุคแรก ซึ่งเข้าใจในความหมายที่แคบคือ แจน ฟาน เอคยืนกราน ซึ่งในปี 1432 ทำงานเสร็จในผลงานชิ้นเอกหลักของเขา - แท่นบูชาเกนต์ แม้แต่ผู้ร่วมสมัยยังพิจารณาผลงานของแจน ฟาน เอคและศิลปินชาวเฟลมิชคนอื่นๆ ว่าเป็น "ศิลปะใหม่" ซึ่งเป็นสิ่งใหม่โดยสิ้นเชิง ตามลำดับเวลา ภาพวาดเก่าของเนเธอร์แลนด์พัฒนาขึ้นในเวลาเดียวกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี

  ด้วยการถือกำเนิดของภาพเหมือน ธีมแบบฆราวาสและเป็นปัจเจกบุคคลได้กลายเป็นบรรทัดฐานหลักของการวาดภาพเป็นครั้งแรก ภาพวาดและสิ่งมีชีวิตประเภทต่างๆ ทำให้เกิดความก้าวหน้าทางศิลปะเฉพาะในยุคของเนเธอร์แลนด์บาโรกในศตวรรษที่ 17 ลักษณะของชนชั้นนายทุนในภาพวาดเนเธอร์แลนด์ยุคแรกๆ พูดถึงการมาถึงของนิวไทม์ นอกจากขุนนางและนักบวชแล้ว บรรดาขุนนางและพ่อค้าก็ทำหน้าที่เป็นลูกค้ามากขึ้นเรื่อยๆ บุคคลในภาพเขียนไม่อยู่ในอุดมคติอีกต่อไป คนจริงที่มีข้อบกพร่องทั้งหมดของมนุษย์ปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชม รอยย่น ถุงใต้ตา - ทุกอย่างที่ไม่มีการปรุงแต่งปรากฏอยู่ในภาพอย่างเป็นธรรมชาติ ธรรมิกชนไม่ได้อาศัยอยู่เฉพาะในโบสถ์อีกต่อไป พวกเขายังเข้าไปในบ้านของชาวเมืองด้วย

  จิตรกร

  หนึ่งในตัวแทนกลุ่มแรกๆ ของมุมมองทางศิลปะใหม่ ร่วมกับ Jan van Eyck ถือเป็นปรมาจารย์ Flemalsky ซึ่งปัจจุบันถูกระบุว่าเป็น Robert Campin งานหลักของเขาคือ Altarpiece (หรือ Triptych) ของ Annunciation (ชื่ออื่น: Merode Family Altarpiece; ประมาณ 1425) ปัจจุบันอยู่ในพิพิธภัณฑ์ Cloisters ในนิวยอร์ก

  เป็นเวลานานที่มีการตั้งคำถามถึงการมีอยู่ของพี่ชายของแจน ฟาน เอค ฮิวเบิร์ต การวิจัยล่าสุดแสดงให้เห็นว่า Hubert van Eyck ซึ่งถูกกล่าวถึงในแหล่งข่าวเพียงไม่กี่แห่ง เป็นเพียงศิลปินธรรมดาๆ ของโรงเรียน Ghent ซึ่งไม่มีความสัมพันธ์ในครอบครัวหรือความสัมพันธ์อื่นใดกับ Jan van Eyck

  Rogier van der Weyden ซึ่งอาจมีส่วนร่วมในงานเกี่ยวกับภาพอันมีค่าของ Merode ถือเป็นนักเรียนของ Kampen ในทางกลับกัน เขามีอิทธิพลต่อ Dirk Boats และ Hans Memling ผลงานร่วมสมัยของเมมลิงคือ Hugo van der Gus ซึ่งกล่าวถึงครั้งแรกในปี 1465

  ศิลปินที่ลึกลับที่สุดในยุคนี้ เฮียโรนีมัส บอช โดดเด่นจากซีรีส์นี้ ซึ่งผลงานยังไม่ได้รับการตีความที่ชัดเจน

  ถัดจากปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่เหล่านี้ ศิลปินชาวเนเธอร์แลนด์ในยุคแรกๆ เช่น Petrus Christus, Jan Provost, Colin de Koeter, Albert Bouts, Gosvin van der Weyden และ Quentin Masseys สมควรได้รับการกล่าวถึง

  ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นคือผลงานของศิลปินจากไลเดน: Cornelis Engelbrechtsen และลูกศิษย์ของเขา Artgen van Leiden และ Lucas van Leiden

  จนถึงปัจจุบัน มีเพียงเศษเสี้ยวของผลงานของศิลปินชาวเนเธอร์แลนด์ยุคแรกๆ ที่รอดชีวิตมาได้ ภาพวาดและภาพวาดจำนวนนับไม่ถ้วนตกเป็นเหยื่อของการเพ่งเล็งระหว่างการปฏิรูปและสงคราม นอกจากนี้ งานจำนวนมากได้รับความเสียหายอย่างหนักและจำเป็นต้องได้รับการบูรณะซึ่งมีค่าใช้จ่ายสูง ผลงานบางชิ้นรอดมาได้เพียงสำเนาเท่านั้น ขณะที่ส่วนใหญ่สูญหายไปตลอดกาล

  ผลงานของชาวเนเธอร์แลนด์และเฟลมิงส์ยุคแรกๆ จัดแสดงอยู่ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในโลก แต่แท่นบูชาและภาพเขียนบางส่วนยังคงอยู่ในที่เก่า - ในโบสถ์ วิหาร และปราสาท เช่น แท่นบูชา Ghent ในวิหาร St. Bavo ใน Ghent อย่างไรก็ตาม ตอนนี้คุณสามารถดูได้ผ่านกระจกหุ้มเกราะหนาเท่านั้น

  อิทธิพล

  อิตาลี

  ในบ้านเกิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในอิตาลี Jan van Eyck ได้รับความเคารพอย่างสูง ไม่กี่ปีหลังจากการเสียชีวิตของศิลปิน Bartolomeo Fazio นักมนุษยนิยมถึงกับเรียก Van Eyck "เจ้าชายในหมู่จิตรกรแห่งศตวรรษ".

  ในขณะที่ปรมาจารย์ชาวอิตาลีใช้เครื่องมือทางคณิตศาสตร์และเรขาคณิตที่ซับซ้อน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ระบบเปอร์สเปคทีฟ เฟลมมิ่งส์สามารถแสดง "ความเป็นจริง" ได้อย่างถูกต้องโดยไม่ต้องยุ่งยากมากนัก การกระทำในภาพวาดไม่ได้เกิดขึ้นอีกต่อไปในสไตล์โกธิกในเวลาเดียวกันบนเวทีเดียวกัน สถานที่นี้แสดงภาพตามกฎของมุมมอง และภูมิทัศน์ได้หยุดเป็นพื้นหลังแผนผังแล้ว แบ็คกราวด์ที่กว้างและมีรายละเอียดจะนำพาสายตาไปสู่ความไม่มีที่สิ้นสุด และเสื้อผ้าและเฟอร์นิเจอร์และของตกแต่งก็ถูกแสดงด้วยความแม่นยำในการถ่ายภาพ

  สเปน

  หลักฐานแรกเกี่ยวกับการแพร่กระจายของเทคนิคการวาดภาพทางตอนเหนือในสเปนพบได้ในอาณาจักรอารากอน ซึ่งรวมถึงบาเลนเซีย คาตาโลเนีย และหมู่เกาะแบลีแอริก เร็วเท่าที่ 1431 กษัตริย์อัลฟองส์ที่ 5 ได้ส่งจิตรกรของศาล Louis Dalmau ไปยังแฟลนเดอร์ส ในปี 1439 ศิลปินจาก Bruges, Louis Alimbrot ย้ายไปที่วาเลนเซียจากสตูดิโอของเขา ( Luis Alimbrot, Lodewijk Allyncbrood). ยาน ฟาน เอคอาจไปเยือนบาเลนเซียตั้งแต่ช่วงปี 1427 โดยเป็นส่วนหนึ่งของคณะผู้แทนเบอร์กันดี

  วาเลนเซียซึ่งเป็นศูนย์กลางที่สำคัญที่สุดแห่งหนึ่งของทะเลเมดิเตอร์เรเนียนในขณะนั้นดึงดูดศิลปินจากทั่วยุโรป นอกจากโรงเรียนสอนศิลปะดั้งเดิมของ "สไตล์นานาชาติ" แล้ว ยังมีเวิร์กช็อปที่ทำงานทั้งในเฟลมิชและสไตล์อิตาลี ที่นี่ทิศทางของศิลปะที่เรียกว่า "สเปน - เฟลมิช" พัฒนาขึ้นซึ่งตัวแทนหลักซึ่งถือเป็น Bartolome Bermejo

  กษัตริย์ Castilian เป็นเจ้าของผลงานที่มีชื่อเสียงหลายชิ้นโดย Rogier van der Weyden, Hans Memling และ Jan van Eyck นอกจากนี้ ฮวน เดอ ฟลานเดส (Jan of Flanders) ศิลปินที่มาเยี่ยมเยือน ("แจนแห่งแฟลนเดอร์ส" ไม่ทราบนามสกุล) กลายเป็นจิตรกรวาดภาพเหมือนในราชสำนักของควีน อิซาเบลลา ผู้วางรากฐานของโรงเรียนสอนวาดภาพเหมือนศาลในสเปนที่เหมือนจริง

  โปรตุเกส

  โรงเรียนจิตรกรรมอิสระเกิดขึ้นในโปรตุเกสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 ในการประชุมเชิงปฏิบัติการของลิสบอนของจิตรกรในศาล Nuño Gonçalves ผลงานของศิลปินคนนี้โดดเดี่ยวโดยสิ้นเชิง: ดูเหมือนว่าเขาจะไม่มีทั้งรุ่นก่อนและผู้ติดตาม อิทธิพลของเฟลมิชรู้สึกได้โดยเฉพาะใน polyptych . ของเขา "นักบุญวินเซนต์" แจน ฟาน เอค und seine Zeit Flamische Meister und der Süden 1430-1530. Ausstellungskatalog Brügge, Stuttgart 2002. ดาร์มสตัดท์ 2002

• โบโด บริงค์มันน์: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs และตาย Miniaturisten seiner Zeitผลงานปี 2540 ISBN 2-503-50565-1
• Birgit Franke, Barbara Welzel (ปรอท): Die Kunst der burgundischen นีเดอร์ลันเด Eine Einführung.เบอร์ลิน 1997. ISBN 3-496-01170-X
• แม็กซ์ ยาคอบ ฟรีดแลนเดอร์: อัลท์นีเดอร์แลนดิเช มาเลเร 14 บ. เบอร์ลิน 2467-2480
• เออร์วิน พานอฟสกี้: ตาย altniederländische Malerei Ihr Ursprung und Wesen.Übersetzt และ ชม. ฟอน โจเชน แซนเดอร์ และสเตฟาน เคมเพอร์ดิก โคล์น 2001. ISBN 3-7701-3857-0 (ต้นฉบับ: จิตรกรรมเนเธอร์แลนด์ตอนต้น 2 บ. เคมบริดจ์ (มวลชน) 2496)
• อ็อตโต แพชท์: Van Eyck ตาย Begründer der altniederländischen Malereiมิวนิก 1989 ISBN 3-7913-1389-4
• อ็อตโต แพชท์: อัลท์นีเดอร์แลนดิเช มาเลเร Von Rogier van der Weyden bis Gerard Davidชั่วโมง ฟอน โมนิกา โรเซนาวเออร์ มิวนิก 1994 ISBN 3-7913-1389-4
• โยเชน แซนเดอร์, สเตฟาน เคมเพอร์ดิก: Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: Eine Ausstellung des Städel Museums, แฟรงก์เฟิร์ต อันเดอร์ Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin Ostfildern: Hatje Cantz Verlag, 2008
• นอร์เบิร์ตหมาป่า: Trecento und Altniederländische Malerei. Kunst-Epochen, บีดี. 5 (Reclams Universal Bibliothek 18172)

06.05.2014

เส้นทางชีวิตของ Frans Hals นั้นสดใสและเข้มข้นเหมือนกับภาพวาดของเขา จนถึงปัจจุบัน โลกรู้เรื่องราวเกี่ยวกับการทะเลาะวิวาทที่เมามายของฮัลส์ ซึ่งเขาจัดการแล้วหลังจากวันหยุดใหญ่ ศิลปินที่มีนิสัยร่าเริงและร่าเริงเช่นนี้ไม่สามารถได้รับความเคารพในประเทศที่ลัทธิคาลวินเป็นศาสนาประจำชาติ Frans Hals เกิดที่ Antwerp ในต้นปี 1582 อย่างไรก็ตาม ครอบครัวของเขาออกจากเมืองแอนต์เวิร์ป ในปี ค.ศ. 1591 พวกคาลมาถึงฮาร์เลม น้องชายของฟรานส์เกิดที่นี่...

10.12.2012

Jan Steen เป็นหนึ่งในตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของโรงเรียนจิตรกรรมดัตช์ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 ในผลงานของศิลปินคนนี้ คุณจะไม่พบทั้งผืนผ้าใบที่ใหญ่โตหรือสง่างาม หรือภาพที่สดใสของผู้คนผู้ยิ่งใหญ่หรือรูปเคารพทางศาสนา อันที่จริง แจน สตีนเป็นเจ้าแห่งฉากในชีวิตประจำวันที่เต็มไปด้วยความสนุกสนานและอารมณ์ขันที่เปล่งประกายในยุคของเขา ภาพวาดของเขาพรรณนาถึงเด็ก คนขี้เมา คนธรรมดา คนนอกคอก และอื่นๆ อีกมากมาย แจนเกิดที่จังหวัดทางใต้ของฮอลแลนด์ เมืองไลเดน เมื่อประมาณปี 1626...

07.12.2012

ผลงานของศิลปินชื่อดังชาวดัตช์ Hieronymus Bosch ยังคงเป็นที่คลุมเครือของทั้งนักวิจารณ์และคนรักศิลปะ สิ่งที่ปรากฎบนผืนผ้าใบของ Bosch: ปีศาจแห่งนรกหรือเพียงแค่คนที่เสียโฉมด้วยบาป? Hieronymus Bosch เป็นใครกันแน่ โรคจิตที่หมกมุ่น นักนิกาย ผู้หยั่งรู้ หรือเพียงแค่ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ นักสถิตยศาสตร์โบราณอย่าง Salvador Dali ที่ดึงความคิดจากจิตไร้สำนึก? บางทีเส้นทางชีวิตของเขา...

24.11.2012

ศิลปินชื่อดังชาวดัตช์ Pieter Brueghel the Elder ได้สร้างรูปแบบการเขียนที่มีสีสัน ซึ่งแตกต่างจากจิตรกรยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอื่นๆ อย่างมาก ภาพวาดของเขาเป็นภาพมหากาพย์เสียดสีพื้นบ้าน ภาพธรรมชาติ และวิถีชีวิตของหมู่บ้าน งานบางชิ้นมีเสน่ห์ดึงดูดใจในการจัดองค์ประกอบ - คุณต้องการดูและดูพวกเขา โต้เถียงว่าศิลปินต้องการสื่อถึงผู้ชมอย่างไร ลักษณะเฉพาะของงานเขียนและวิสัยทัศน์ของโลกของ Brueghel นั้นชวนให้นึกถึงงานของ Hieronymus Bosch แนวเซอร์เรียลลิสต์ยุคแรก...

26.11.2011

Han van Meegeren (ชื่อเต็ม - Henrikus Antonius van Meegeren) เกิดเมื่อวันที่ 3 พฤษภาคม พ.ศ. 2432 ในครอบครัวของครูโรงเรียนธรรมดา เด็กชายใช้เวลาว่างทั้งหมดในห้องทำงานของครูที่รักซึ่งชื่อ Korteling พ่อไม่ชอบสิ่งนี้ แต่เป็น Korteling ที่สามารถพัฒนารสนิยมและความสามารถในการเลียนแบบลักษณะการเขียนของสมัยโบราณในตัวเด็ก Van Meegeren ได้รับการศึกษาที่ดี เขาเข้าเรียนที่สถาบันเทคโนโลยีเดลฟท์ ซึ่งเขาเรียนหลักสูตรสถาปัตยกรรมศาสตร์เมื่ออายุได้ 18 ปี ขณะเดียวกันก็เรียนที่...

13.10.2011

Johannes Jan Vermeer ศิลปินชื่อดังชาวดัตช์หรือที่เรารู้จักในชื่อ Vermeer of Delft ถือว่าเป็นหนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดในยุคทองของศิลปะดัตช์ เขาเป็นปรมาจารย์ด้านการถ่ายภาพบุคคลและสิ่งที่เรียกว่าการวาดภาพในชีวิตประจำวัน ศิลปินในอนาคตเกิดในเดือนตุลาคม ค.ศ. 1632 ในเมืองเดลฟต์ แจนเป็นลูกคนที่สองในครอบครัวและเป็นลูกชายคนเดียว พ่อของเขาเป็นพ่อค้างานศิลปะและช่างทอผ้าไหม พ่อแม่ของเขาเป็นเพื่อนกับศิลปิน Leonart Breimer ซึ่ง...

18.04.2010

วลีที่เข้าใจผิดแล้วที่อัจฉริยะทุกคนคลั่งไคล้เพียงเล็กน้อยที่เข้ากันได้ดีกับชะตากรรมของจิตรกรโพสต์อิมเพรสชันนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่และฉลาด Vincent van Gogh เมื่อมีชีวิตอยู่เพียง 37 ปีเขาทิ้งมรดกอันล้ำค่าไว้ - ภาพวาดประมาณ 1,000 ภาพและภาพวาดจำนวนเท่ากัน ตัวเลขนี้น่าประทับใจยิ่งกว่าเมื่อคุณพบว่า Van Gogh อุทิศชีวิตน้อยกว่า 10 ปีในการวาดภาพ ค.ศ. 1853 30 มีนาคม ที่หมู่บ้าน Grot-Zundert ทางตอนใต้ของฮอลแลนด์ เด็กชาย Vincent ถือกำเนิดขึ้น หนึ่งปีก่อนในตระกูลของนักบวชที่เขาเกิด ...

ฮอลแลนด์. ศตวรรษที่ 17 ประเทศกำลังประสบกับความเจริญรุ่งเรืองที่ไม่เคยมีมาก่อน ที่เรียกว่า "วัยทอง" ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 หลายจังหวัดของประเทศได้รับเอกราชจากสเปน

ตอนนี้เนเธอร์แลนด์โปรเตสแตนต์ไปตามทางของพวกเขาเอง และคาธอลิกแฟลนเดอร์ส (ปัจจุบันคือเบลเยี่ยม) ภายใต้ปีกของสเปน-ของตัวเอง

ในฮอลแลนด์ที่เป็นอิสระ แทบไม่มีใครต้องการภาพวาดทางศาสนา คริสตจักรโปรเตสแตนต์ไม่เห็นด้วยกับการตกแต่งที่หรูหรา แต่เหตุการณ์นี้ "เล่นอยู่ในมือ" ของการวาดภาพทางโลก

แท้จริงแล้วผู้อยู่อาศัยในประเทศใหม่ทุกคนต่างตื่นขึ้นด้วยความรักในงานศิลปะประเภทนี้ ชาวดัตช์ต้องการเห็นชีวิตของตัวเองในรูป และศิลปินก็เต็มใจไปพบพวกเขา

ไม่เคยมีการแสดงภาพความเป็นจริงโดยรอบมากเท่านี้มาก่อน คนธรรมดา ห้องธรรมดา และอาหารเช้าที่ธรรมดาที่สุดของชาวเมือง

ความสมจริงเจริญรุ่งเรือง จนถึงศตวรรษที่ 20 มันจะเป็นคู่แข่งที่คู่ควรกับวิชาการด้วยนางไม้และเทพธิดากรีก

ศิลปินเหล่านี้ถูกเรียกว่า "เล็ก" ดัตช์ ทำไม? ภาพวาดมีขนาดเล็กเพราะถูกสร้างขึ้นสำหรับบ้านหลังเล็ก ดังนั้น ภาพเขียนเกือบทั้งหมดของแจน เวอร์เมียร์จึงสูงไม่เกินครึ่งเมตร

แต่ผมชอบรุ่นอื่นมากกว่า ในเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 17 ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ชาวดัตช์ "ใหญ่" อาศัยและทำงาน และคนอื่น ๆ ทั้งหมดนั้น "เล็ก" เมื่อเปรียบเทียบกับเขา

เรากำลังพูดถึงแรมแบรนดท์ มาเริ่มกันที่

1. แรมแบรนดท์ (1606-1669)

แรมแบรนดท์. ภาพเหมือนตนเองในวัย 63 ปี 1669 หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน

แรมแบรนดท์มีโอกาสได้สัมผัสกับอารมณ์ที่หลากหลายที่สุดในช่วงชีวิตของเขา ดังนั้นในงานแรกของเขาจึงมีความสนุกสนานและความองอาจมาก และความรู้สึกที่ซับซ้อนมากมายในภายหลัง

ที่นี่เขายังเด็กและไร้กังวลในภาพวาด "The Prodigal Son in the Tavern" ภรรยาสุดที่รักของ Saskia คุกเข่าลง เขาเป็นศิลปินยอดนิยม ออเดอร์เข้ารัวๆๆๆ



แรมแบรนดท์. ลูกชายสุรุ่ยสุร่ายในโรงเตี๊ยม 1635 Old Masters Gallery, เดรสเดน

แต่ทั้งหมดนี้จะหายไปในอีก 10 ปีข้างหน้า Saskia จะตายจากการบริโภค ความนิยมจะหายไปเหมือนควัน บ้านหลังใหญ่ที่มีคอลเล็กชั่นที่ไม่เหมือนใครจะถูกนำไปเป็นหนี้

แต่แรมแบรนดท์คนเดิมจะปรากฏขึ้นซึ่งจะคงอยู่นานหลายศตวรรษ ความรู้สึกเปลือยเปล่าของตัวละคร ความคิดที่เป็นความลับที่สุดของพวกเขา

2. ฟรานส์ ฮาลส์ (1583-1666)



ฟรานส์ ฮาลส์. ภาพเหมือนตนเอง. 1650 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก

Frans Hals เป็นหนึ่งในจิตรกรภาพเหมือนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล ดังนั้นฉันจะจัดอันดับให้เขาในหมู่ชาวดัตช์ "ใหญ่" ด้วย

ในฮอลแลนด์ในขณะนั้น เป็นธรรมเนียมที่จะต้องจ้างกลุ่มภาพเหมือน ดังนั้นจึงมีงานที่คล้ายกันจำนวนมากที่แสดงภาพผู้คนที่ทำงานร่วมกัน: มือปืนจากกิลด์เดียวกัน แพทย์ในเมืองเดียวกัน การจัดการบ้านพักคนชรา

ในประเภทนี้ Hals โดดเด่นที่สุด ท้ายที่สุดแล้ว ภาพบุคคลเหล่านี้ส่วนใหญ่ดูเหมือนสำรับไพ่ ผู้คนนั่งที่โต๊ะด้วยสีหน้าแบบเดียวกันและเพียงแค่มอง Hals แตกต่างออกไป

ดูภาพกลุ่มของเขา "Arrows of the Guild of St. จอร์จ"



ฟรานส์ ฮาลส์. ลูกศรของสมาคมเซนต์ จอร์จ. 1627 พิพิธภัณฑ์ Frans Hals, Haarlem, เนเธอร์แลนด์

ที่นี่คุณจะไม่พบการทำซ้ำเพียงครั้งเดียวในท่าทางหรือการแสดงออกทางสีหน้า ในขณะเดียวกันก็ไม่มีความโกลาหลที่นี่ มีตัวละครมากมาย แต่ไม่มีใครดูเหมือนฟุ่มเฟือย ต้องขอบคุณการจัดเรียงตัวเลขที่ถูกต้องอย่างน่าประหลาดใจ

ใช่ และในภาพเดียว Hals ก็มีศิลปินมากมาย โมเดลของเขาเป็นธรรมชาติ ผู้คนจากสังคมชั้นสูงในภาพวาดของเขาปราศจากความยิ่งใหญ่ที่เกินจริง และนางแบบจากด้านล่างก็ไม่ได้ดูถูกเหยียดหยาม

และตัวละครของเขามีอารมณ์ร่วมมาก พวกเขายิ้ม หัวเราะ เยาะเย้ย อย่างเช่น "ยิปซี" ที่ดูเจ้าเล่ห์นี้



ฟรานส์ ฮาลส์. ยิปซี. 1625-1630

Hals เช่น Rembrandt จบชีวิตด้วยความยากจน ด้วยเหตุผลเดียวกัน ความสมจริงของเขาขัดกับรสนิยมของลูกค้า ที่ต้องการจะเสริมแต่งรูปลักษณ์ของตน Hals ไม่ได้ไปเพื่อเยินยอทันที และด้วยเหตุนี้จึงลงนามในประโยคของเขาเอง - "การลืมเลือน"

3. เจอราร์ด เทอร์บอร์ช (1617-1681)



เจอราร์ด เทอร์บอร์ช. ภาพเหมือนตนเอง. 1668 Mauritshuis Royal Gallery, The Hague, เนเธอร์แลนด์

Terborch เป็นปรมาจารย์ประเภทในประเทศ เศรษฐีและนักเลงไม่ค่อยพูดช้า ผู้หญิงอ่านจดหมาย และพ่อค้าหาบเร่ดูเกี้ยวพาราสี สองหรือสามร่างที่เว้นระยะอย่างใกล้ชิด

เป็นอาจารย์ผู้นี้ที่พัฒนาศีลของประเภทในประเทศ ซึ่งจากนั้นจะยืมโดย Jan Vermeer, Pieter de Hooch และชาวดัตช์ "เล็ก" อื่น ๆ อีกมากมาย



เจอราร์ด เทอร์บอร์ช. น้ำมะนาวหนึ่งแก้ว ปีค.ศ.1660 พิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

A Glass of Lemonade เป็นหนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงของ Terborch แสดงให้เห็นถึงข้อดีอีกอย่างของศิลปิน ภาพที่สมจริงอย่างไม่น่าเชื่อของผ้าของชุด

Terborch ยังมีผลงานที่ไม่ธรรมดาอีกด้วย ซึ่งพูดถึงความปรารถนาของเขาที่จะก้าวไปไกลกว่าความต้องการของลูกค้า

"เครื่องบด" ของเขาแสดงให้เห็นถึงชีวิตของชาวฮอลแลนด์ที่ยากจนที่สุด เราเคยเห็นสนามหญ้าแสนสบายและห้องพักสะอาดในรูปของชาวดัตช์ "ตัวเล็ก" แต่ Terborch กล้าอวดฮอลแลนด์ที่ไม่น่าดู



เจอราร์ด เทอร์บอร์ช. เครื่องบด 1653-1655 พิพิธภัณฑ์รัฐเบอร์ลิน

ตามที่คุณเข้าใจงานดังกล่าวไม่ต้องการ และเป็นเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นได้ยากแม้แต่ใน Terborch

4. แจน เวอร์เมียร์ (1632-1675)



แจน เวอร์เมียร์. การประชุมเชิงปฏิบัติการของศิลปิน 1666-1667 พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches เวียนนา

สิ่งที่ Jan Vermeer ดูเหมือนไม่เป็นที่รู้จักอย่างแน่นอน เห็นได้ชัดว่าในภาพวาด "Artist's Workshop" เขาวาดภาพตัวเอง จริงจากด้านหลัง

ดังนั้นจึงเป็นเรื่องที่น่าแปลกใจที่ความจริงใหม่จากชีวิตของอาจารย์เพิ่งเป็นที่รู้จัก มีความเกี่ยวข้องกับผลงานชิ้นเอกของเขา "Street of Delft"



แจน เวอร์เมียร์. ถนนเดลฟท์ 1657 Rijksmuseum ในอัมสเตอร์ดัม

ปรากฎว่า Vermeer ใช้เวลาในวัยเด็กของเขาบนถนนสายนี้ บ้านในรูปเป็นของป้าของเขา เธอเลี้ยงลูกห้าคนของเธอที่นั่น เธออาจจะนั่งเย็บผ้าอยู่ที่หน้าประตูขณะที่ลูกสองคนของเธอกำลังเล่นอยู่บนทางเท้า Vermeer ตัวเองอาศัยอยู่ในบ้านตรงข้าม

แต่บ่อยครั้งที่เขาวาดภาพการตกแต่งภายในของบ้านเหล่านี้และผู้อยู่อาศัย ดูเหมือนว่าโครงเรื่องของภาพเขียนจะง่ายมาก นี่คือหญิงสาวสวย ชาวเมืองผู้มั่งคั่ง กำลังตรวจตราชั่งของตน



แจน เวอร์เมียร์. ผู้หญิงที่มีน้ำหนัก 1662-1663 หอศิลป์แห่งชาติ วอชิงตัน

Vermeer โดดเด่นกว่าชาวดัตช์ "ตัวเล็ก" อีกหลายพันคนอย่างไร

เขาเป็นจ้าวแห่งแสงที่ไม่มีใครเทียบได้ ในภาพวาด "Woman with Scales" แสงจะปกคลุมใบหน้าของนางเอก ผ้า และผนังอย่างอ่อนโยน ทำให้ภาพมีจิตวิญญาณที่ไม่รู้จัก

และองค์ประกอบของภาพวาดของ Vermeer ก็ได้รับการตรวจสอบอย่างรอบคอบ คุณจะไม่พบรายละเอียดเพิ่มเติมเพียงอย่างเดียว ก็เพียงพอที่จะลบหนึ่งในนั้นรูปภาพจะ "พัง" และความมหัศจรรย์จะหายไป

ทั้งหมดนี้ไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับเวอร์เมียร์ คุณภาพที่น่าทึ่งเช่นนี้ต้องใช้ความอุตสาหะ ปีละ 2-3 ภาพเท่านั้น ส่งผลให้ไม่สามารถเลี้ยงดูครอบครัวได้ Vermeer ยังทำงานเป็นตัวแทนจำหน่ายงานศิลปะ โดยขายผลงานของศิลปินคนอื่นๆ

5. ปีเตอร์ เดอ ฮูช (1629-1684)



ปีเตอร์ เดอ ฮูช. ภาพเหมือนตนเอง. 1648-1649 Rijksmuseum, อัมสเตอร์ดัม

Hoch มักถูกเปรียบเทียบกับ Vermeer พวกเขาทำงานพร้อมกัน มีช่วงเวลาหนึ่งในเมืองเดียวกัน และในประเภทเดียว - ครัวเรือน ใน Hoch เรายังเห็นร่างหนึ่งหรือสองร่างในสนามหญ้าหรือห้องพักแบบดัตช์ที่แสนสบาย

ประตูและหน้าต่างที่เปิดอยู่ทำให้พื้นที่ของภาพวาดของเขามีหลายชั้นและให้ความบันเทิง และตัวเลขก็เข้ากับพื้นที่นี้อย่างกลมกลืนกันมาก ตัวอย่างเช่นในภาพวาดของเขา "Servant with a girl in the yard"



ปีเตอร์ เดอ ฮูช. แม่บ้านกับหญิงสาวในสนาม 1658 หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน

จนถึงศตวรรษที่ 20 Hoch มีมูลค่าสูง แต่มีเพียงไม่กี่คนที่สังเกตเห็นผลงานไม่กี่ชิ้นของ Vermeer คู่แข่งของเขา

แต่ในศตวรรษที่ 20 ทุกอย่างเปลี่ยนไป ความรุ่งโรจน์ของ Hoch จางหายไป อย่างไรก็ตาม เป็นการยากที่จะไม่รู้จักความสำเร็จของเขาในการวาดภาพ ไม่กี่คนที่สามารถรวมสิ่งแวดล้อมและผู้คนเข้าด้วยกันได้อย่างมีประสิทธิภาพ



ปีเตอร์ เดอ ฮูช. ผู้เล่นการ์ดในห้องอาบแดด 1658 Royal Art Collection, ลอนดอน

โปรดทราบว่าในบ้านเจียมเนื้อเจียมตัวบนผ้าใบ "ผู้เล่นการ์ด" มีรูปภาพในกรอบราคาแพง

นี่เป็นอีกครั้งที่พูดถึงว่าภาพวาดที่เป็นที่นิยมในหมู่ชาวดัตช์ทั่วไปเป็นอย่างไร รูปภาพประดับบ้านทุกหลัง: บ้านของเศรษฐีผู้มั่งคั่ง ชาวเมืองเจียมเนื้อเจียมตัว และแม้แต่ชาวนา



6. แจน สตีน (1626-1679)



แจน สแตน. ภาพเหมือนตนเองกับพิณ 1670s พิพิธภัณฑ์ Thyssen-Bornemisza, มาดริด

แจน สตีนอาจเป็นชาวดัตช์ "ตัวเล็ก" ที่ร่าเริงที่สุด แต่รักธรรม เขามักจะวาดภาพโรงเตี๊ยมหรือบ้านยากจนที่พบรอง

ตัวละครหลักของมันคือผู้ชื่นชอบและผู้หญิงที่มีคุณธรรมง่าย ๆ เขาต้องการสร้างความบันเทิงให้ผู้ชม แต่เตือนเขาโดยปริยายเกี่ยวกับชีวิตที่ชั่วร้าย



แจน สแตน. ความวุ่นวาย. 1663 พิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์ศิลป์ เวียนนา

สแตนยังมีงานที่เงียบกว่า เช่น "เข้าห้องน้ำตอนเช้า" แต่ที่นี่เช่นกัน ศิลปินทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยรายละเอียดที่ตรงไปตรงมาเกินไป มีร่องรอยของหมากฝรั่งและไม่ใช่หม้อเปล่า และมันก็ไม่ได้อยู่ที่สุนัขนอนอยู่บนหมอนเลย



แจน สแตน. ห้องน้ำตอนเช้า. 1661-1665 Rijksmuseum, อัมสเตอร์ดัม

แต่ถึงแม้จะเป็นเรื่องเล็กน้อย แต่โทนสีของสแตนก็เป็นมืออาชีพมาก ในเรื่องนี้เขาแซงหน้า "ชาวดัตช์ตัวเล็ก" หลายคน ดูว่าถุงน่องสีแดงเข้ากันได้ดีกับแจ็กเก็ตสีน้ำเงินและพรมสีเบจสดใสได้อย่างไร

7. จาค็อบส์ ฟาน รุยส์เดล (1629-1682)



ภาพเหมือนของรุยส์ดาเอล ภาพพิมพ์หินจากหนังสือศตวรรษที่ 19

ศิลปินชาวดัตช์มีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อผลงานของปรมาจารย์ที่เริ่มทำงานในศตวรรษที่ 17 และไม่เคยหยุดนิ่งมาจนถึงทุกวันนี้ อย่างไรก็ตาม พวกเขามีอิทธิพลไม่เพียงแต่กับเพื่อนร่วมงาน แต่ยังรวมถึงมืออาชีพด้านวรรณกรรม (Valentin Proust, Donna Tartt) และการถ่ายภาพ (Ellen Cooy, Bill Gekas และคนอื่นๆ)

จุดเริ่มต้นของการพัฒนา

ในปี ค.ศ. 1648 ฮอลแลนด์ได้รับเอกราช แต่สำหรับการก่อตัวของรัฐใหม่ เนเธอร์แลนด์ต้องทนต่อการแก้แค้นจากสเปน ซึ่งทำลายผู้คนประมาณ 10,000 คนในเมืองเฟลมิชแห่งแอนต์เวิร์ปในขณะนั้น อันเป็นผลมาจากการสังหารหมู่ ชาวแฟลนเดอร์สอพยพออกจากดินแดนที่ควบคุมโดยทางการสเปน

จากสิ่งนี้ คงจะสมเหตุสมผลที่จะยอมรับว่าแรงผลักดันสำหรับศิลปินอิสระชาวดัตช์นั้นมาจากความคิดสร้างสรรค์ของเฟลมิชอย่างแม่นยำ

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 มีทั้งสาขาของรัฐและศิลปะซึ่งนำไปสู่การก่อตั้งโรงเรียนศิลปะสองแห่งโดยคั่นด้วยสัญชาติ พวกเขามีต้นกำเนิดร่วมกัน แต่ในสัญญาณพวกเขาแตกต่างกันมากทีเดียว ในขณะที่แฟลนเดอร์สยังคงอยู่ภายใต้ปีกของนิกายโรมันคาทอลิก ฮอลแลนด์ก็ประสบกับผลิดอกใหม่ทั้งหมด โดยเริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 17

วัฒนธรรมดัตช์

ในศตวรรษที่ 17 รัฐใหม่เริ่มดำเนินการบนเส้นทางของการพัฒนาเท่านั้น โดยทำลายการเชื่อมโยงกับศิลปะแห่งยุคที่ล่วงเลยไปอย่างสิ้นเชิง

การต่อสู้กับสเปนค่อยๆ ลดลง อารมณ์ของชาติเริ่มถูกติดตามในแวดวงที่ได้รับความนิยมเมื่อออกจากศาสนาคาทอลิกที่ทางการกำหนดไว้ก่อนหน้านี้

การปกครองแบบโปรเตสแตนต์มีมุมมองที่ขัดแย้งกันในเรื่องการประดับตกแต่ง ซึ่งนำไปสู่การลดงานในวิชาศาสนา และต่อมาก็เล่นโดยฝีมือของศิลปะฆราวาสเท่านั้น

ไม่เคยมีการแสดงความเป็นจริงโดยรอบในภาพมาก่อน ในผลงานของพวกเขา ศิลปินชาวดัตช์ต้องการแสดงชีวิตประจำวันที่ธรรมดาๆ โดยไม่มีการตกแต่ง รสนิยมที่ประณีต และความมีเกียรติ

การระเบิดทางศิลปะแบบฆราวาสก่อให้เกิดกระแสนิยมมากมาย เช่น ภูมิทัศน์ ภาพบุคคล ประเภทในชีวิตประจำวัน และภาพชีวิต (ซึ่งแม้แต่ศูนย์กลางที่พัฒนาแล้วที่สุดของอิตาลีและฝรั่งเศสก็ไม่ทราบ)

วิสัยทัศน์ของตนเองเกี่ยวกับความสมจริงของศิลปินชาวดัตช์ ซึ่งแสดงออกมาในรูปคน ทิวทัศน์ งานภายใน และภาพวาดภาพนิ่ง ก่อให้เกิดความสนใจจากทุกภาคส่วนของสังคมในทักษะนี้

ดังนั้นศิลปะดัตช์ของศตวรรษที่ 17 จึงถูกเรียกว่า "ยุคทองของจิตรกรรมดัตช์" เพื่อรักษาสถานะเป็นยุคที่โดดเด่นที่สุดในภาพวาดของเนเธอร์แลนด์

สิ่งสำคัญคือต้องรู้: มีความคิดเห็นที่ผิดพลาดว่าโรงเรียนดัตช์บรรยายถึงความธรรมดาของการดำรงอยู่ของมนุษย์เท่านั้น แต่ผู้เชี่ยวชาญในสมัยนั้นได้ทำลายกรอบการทำงานอย่างโจ่งแจ้งด้วยความช่วยเหลือจากผลงานที่ยอดเยี่ยมของพวกเขา (เช่น "ภูมิทัศน์กับ John the Baptist " โดย Bloomart)

ศิลปินชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 แรมแบรนดท์

Rembrandt Harmensz van Rijn ถือเป็นหนึ่งในบุคคลที่มีผลงานศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในฮอลแลนด์ นอกจากกิจกรรมของศิลปินแล้ว เขายังมีส่วนร่วมในการแกะสลักและได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้เชี่ยวชาญของ chiaroscuro

มรดกของเขาอุดมไปด้วยความหลากหลายส่วนบุคคล: ภาพบุคคล ฉากประเภท สิ่งมีชีวิต ทิวทัศน์ ตลอดจนภาพวาดเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ ศาสนา และตำนาน

ความสามารถของเขาในการควบคุม chiaroscuro ทำให้สามารถเพิ่มการแสดงออกทางอารมณ์และจิตวิญญาณของบุคคลได้

เขาทำงานกับการแสดงออกทางสีหน้าของมนุษย์

ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับเหตุการณ์โศกนาฏกรรมที่ทำให้เสียใจ ผลงานของเขาในเวลาต่อมาเต็มไปด้วยแสงสลัวที่เผยให้เห็นความรู้สึกลึกๆ ของผู้คน อันเป็นผลมาจากผลงานที่ยอดเยี่ยมไม่มีใครสนใจ

ในเวลานั้น ความงามภายนอกอยู่ในแฟชั่นโดยไม่ต้องพยายามเจาะลึก เช่นเดียวกับธรรมชาตินิยม ซึ่งขัดแย้งกับความสมจริงโดยสิ้นเชิง

ภาพวาด "The Return of the Prodigal Son" สามารถมองเห็นได้โดยคนรักศิลปะชาวรัสเซียทุกคนเนื่องจากงานนี้อยู่ในอาศรมแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก



Frans Hals

Frans Hals เป็นศิลปินชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่และเป็นจิตรกรวาดภาพคนสำคัญที่ช่วยแนะนำประเภทของการเขียนอิสระในงานศิลปะรัสเซีย

ผลงานที่ทำให้เขาโด่งดังคือภาพเขียนชื่อ "งานเลี้ยงของเจ้าหน้าที่ของบริษัทปืนไรเฟิลแห่งเซนต์จอร์จ" ซึ่งเขียนขึ้นในปี ค.ศ. 1616



ภาพเหมือนของเขาในเวลานั้นเป็นธรรมชาติเกินไป ซึ่งไม่เป็นไปตามยุคปัจจุบัน เนื่องจากความจริงที่ว่าศิลปินยังคงเข้าใจผิดอยู่เขาจึงจบชีวิตด้วยความยากจนเช่นเดียวกับแรมแบรนดท์ "ยิปซี" (1625-1630) เป็นหนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา



แจน สตีน

แจน สตีนเป็นหนึ่งในศิลปินชาวดัตช์ที่มีไหวพริบและเฮฮาที่สุดในแวบแรก เยาะเย้ยความชั่วร้ายทางสังคม เขาชอบใช้ทักษะเสียดสีสังคม เขาสร้างความบันเทิงให้ผู้ชมด้วยภาพตลกที่ไม่เป็นอันตรายของผู้ชื่นชอบและคุณธรรมง่าย ๆ เตือนให้ระวังวิถีชีวิตเช่นนี้



ศิลปินยังมีภาพวาดที่สงบกว่าเช่นงาน "Morning Toilet" ซึ่งในแวบแรกดูเหมือนจะเป็นการกระทำที่ไร้เดียงสาอย่างแน่นอน แต่ถ้าคุณดูรายละเอียดอย่างใกล้ชิด คุณอาจประหลาดใจมากกับการเปิดเผยของพวกเขา: นี่คือร่องรอยของถุงน่องที่บีบขาของคุณก่อนหน้านี้และหม้อที่เต็มไปด้วยสิ่งที่ไม่เหมาะสมในเวลากลางคืนเช่นเดียวกับสุนัขที่ช่วยให้ตัวเองถูกต้อง บนหมอนของปฏิคม



ในผลงานที่ดีที่สุดของเขา ศิลปินนำหน้าเพื่อนร่วมงานของเขาด้วยการผสมผสานจานสีและความเชี่ยวชาญด้านเงาอย่างมีความชำนาญ

ศิลปินชาวดัตช์คนอื่นๆ

ในบทความนี้ มีเพียงสามคนที่สดใสจากหลายสิบคนเท่านั้นที่ถูกเสนอชื่อ ซึ่งคู่ควรที่จะยืนเคียงข้างพวกเขาในรายการเดียวกัน:




ดังนั้น ในบทความนี้ คุณจะได้รู้จักกับศิลปินชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 และผลงานของพวกเขา

บันทึก. รายชื่อนี้รวมถึงศิลปินชาวเนเธอร์แลนด์และจิตรกรแห่งแฟลนเดอร์สด้วย

ศิลปะดัตช์ศตวรรษที่ 15
การสำแดงครั้งแรกของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในเนเธอร์แลนด์เกิดขึ้นตั้งแต่ช่วงต้นศตวรรษที่ 15 ภาพเขียนแรกๆ ที่จัดว่าเป็นอนุสรณ์สถานยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุคแรกๆ ได้ถูกสร้างขึ้นโดยพี่น้อง Hubert และ Jan van Eyck ทั้งสองคน - ฮิวเบิร์ต (เสียชีวิตในปี ค.ศ. 1426) และแจน (ประมาณ ค.ศ. 1390-1441) - มีบทบาทสำคัญในการก่อตัวของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดัตช์ แทบไม่มีอะไรเป็นที่รู้จักเกี่ยวกับฮิวเบิร์ต เห็นได้ชัดว่าแจนเป็นคนมีการศึกษาสูง ศึกษาเรขาคณิต เคมี การทำแผนที่ ปฏิบัติภารกิจทางการทูตของดยุคแห่งเบอร์กันดีฟิลิปเดอะกู๊ดซึ่งให้บริการโดยเดินทางไปโปรตุเกส ขั้นตอนแรกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในเนเธอร์แลนด์สามารถตัดสินได้จากผลงานภาพของพี่น้องซึ่งสร้างขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 15 และในหมู่พวกเขาเช่น "Myrrh-Bearing Women at the Tomb" (อาจเป็นส่วนหนึ่งของ polyptych; Rotterdam, พิพิธภัณฑ์ Boijmans-van Beiningen), “ Madonna in the Church" (เบอร์ลิน), "Saint Jerome" (ดีทรอยต์, สถาบันศิลปะ)

พี่น้อง Van Eyck ครอบครองสถานที่พิเศษในศิลปะร่วมสมัย แต่พวกเขาไม่ได้อยู่คนเดียว ในเวลาเดียวกัน จิตรกรคนอื่นๆ ได้ร่วมงานกับพวกเขา ทั้งในรูปแบบและปัญหาที่เกี่ยวข้องกับพวกเขา ในหมู่พวกเขาสถานที่แรกนั้นเป็นของ Flemal Master อย่างไม่ต้องสงสัย มีการพยายามอย่างแยบยลหลายครั้งเพื่อกำหนดชื่อและที่มาที่แท้จริงของเขา เหล่านี้เป็นรุ่นที่น่าเชื่อถือที่สุดตามที่ศิลปินคนนี้ได้รับชื่อ Robert Campin และชีวประวัติที่พัฒนาอย่างเป็นธรรม เดิมเรียกว่า Master of the Altar (หรือ "Annunciation") Merode นอกจากนี้ยังมีมุมมองที่ไม่น่าเชื่อถือเกี่ยวกับผลงานของเขาที่มีต่อเด็กหนุ่ม Rogier van der Weyden

เป็นที่ทราบกันดีเกี่ยวกับ Kampin ว่าเขาเกิดในปี 1378 หรือ 1379 ใน Valenciennes ได้รับตำแหน่งปรมาจารย์ใน Tournai ในปี 1406 อาศัยอยู่ที่นั่นทำงานตกแต่งมากมายนอกเหนือจากภาพวาดเป็นครูของจิตรกรหลายคน (รวมถึง Rogier van der Weyden ซึ่งจะกล่าวถึงด้านล่างตั้งแต่ปี 1426 และ Jacques Dare จากปี 1427) และเสียชีวิตในปี 1444 ศิลปะของกัมปินยังคงรักษาคุณลักษณะในชีวิตประจำวันไว้ในรูปแบบ "ลัทธิพระเจ้า" ทั่วไป และด้วยเหตุนี้จึงกลายเป็นว่าใกล้เคียงกับจิตรกรชาวเนเธอร์แลนด์รุ่นต่อไป ผลงานยุคแรกๆ ของ Rogier van der Weyden และ Jacques Dare นักเขียนผู้พึ่งพา Campin อย่างมาก (เช่น Adoration of the Magi and Meeting of Mary and Elizabeth, 1434-1435; Berlin) เผยให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความสนใจในงานศิลปะ ของอาจารย์ท่านนี้ซึ่งแนวโน้มเวลาปรากฏขึ้นอย่างแน่นอน

Rogier van der Weyden เกิดในปี 1399 หรือ 1400 และเสียชีวิตในปี 1464 ศิลปินที่ใหญ่ที่สุดบางคนของ Dutch Renaissance (เช่น Memling) ศึกษากับเขาและเขาเป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลายไม่เพียง แต่ในบ้านเกิดของเขาเท่านั้น แต่ยังอยู่ในอิตาลีด้วย (นักวิทยาศาสตร์และปราชญ์ที่มีชื่อเสียง Nicholas of Cusa เรียกเขาว่าศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุด; ต่อมาDürerสังเกตเห็นงานของเขา ) ผลงานของ Rogier van der Weyden ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานการบำรุงสำหรับจิตรกรรุ่นต่อไปที่หลากหลาย พอเพียงที่จะบอกว่าการประชุมเชิงปฏิบัติการของเขา - การประชุมเชิงปฏิบัติการครั้งแรกที่มีการจัดอย่างกว้างขวางในเนเธอร์แลนด์ - มีอิทธิพลอย่างมากต่อการแพร่กระจายของรูปแบบของอาจารย์คนเดียวที่ไม่เคยมีมาก่อนในศตวรรษที่ 15 ในที่สุดก็ผลักไสรูปแบบนี้ให้เป็นผลรวมของเทคนิคลายฉลุและ แม้จะเล่นบทบาทของเบรกในการวาดภาพเมื่อปลายศตวรรษ และถึงกระนั้นศิลปะของกลางศตวรรษที่ 15 ก็ไม่สามารถลดลงเป็นประเพณีของ Rogier ได้แม้ว่าจะมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดก็ตาม อีกทางหนึ่งคืองานของ Dirik Bouts และ Albert Ouwater เป็นหลัก พวกเขาเช่นเดียวกับ Rogier ค่อนข้างต่างจากความชื่นชมยินดีในชีวิตสำหรับพวกเขา และสำหรับพวกเขาแล้ว ภาพลักษณ์ของบุคคลกำลังสูญเสียการติดต่อกับคำถามของจักรวาลมากขึ้นเรื่อย ๆ - คำถามเชิงปรัชญา เทววิทยา และศิลปะ การได้มาซึ่งความเป็นรูปธรรมและความมั่นคงทางจิตใจมากขึ้น แต่ Rogier van der Weyden ปรมาจารย์ด้านเสียงอันน่าทึ่ง ศิลปินที่มุ่งมั่นเพื่อภาพลักษณ์ของแต่ละคนและในขณะเดียวกันก็ให้ความสนใจกับคุณสมบัติทางจิตวิญญาณของมนุษย์เป็นหลัก ความสำเร็จของ Bouts และ Ouwater อยู่ที่การยกระดับความสมจริงของภาพในทุกๆ วัน ในบรรดาปัญหาที่เป็นทางการ พวกเขาสนใจประเด็นที่เกี่ยวข้องกับการแก้ปัญหามากกว่าปัญหาทางสายตามากกว่า (ไม่ใช่ความคมชัดของภาพและการแสดงออกของสี แต่เป็นการจัดพื้นที่ของภาพและความเป็นธรรมชาติ ความเป็นธรรมชาติของแสงและ อากาศ)

ภาพเหมือนของหญิงสาว, 1445, หอศิลป์, เบอร์ลิน


นักบุญอีโว ค.ศ. 1450 หอศิลป์แห่งชาติ ลอนดอน


นักบุญลูกาวาดภาพมาดอนน่า ค.ศ. 1450 พิพิธภัณฑ์โกรนิงเกน เมืองบรูจส์

แต่ก่อนที่จะพิจารณาผลงานของจิตรกรสองคนนี้ จำเป็นต้องอาศัยปรากฏการณ์ที่มีขนาดเล็กกว่า ซึ่งแสดงให้เห็นว่าการค้นพบศิลปะในกลางศตวรรษนั้น เป็นความต่อเนื่องของ ประเพณีและการละทิ้งความเชื่อของฟาน เอค-คัมเปน อยู่ในคุณสมบัติทั้งสองนี้ที่สมเหตุสมผลอย่างยิ่ง เพทรุส คริสตัส จิตรกรสายอนุรักษ์นิยมแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความหลีกเลี่ยงไม่ได้ในทางประวัติศาสตร์ของการละทิ้งความเชื่อนี้ แม้แต่กับศิลปินที่ไม่ชอบการค้นพบที่รุนแรง ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1444 คริสตัสได้เป็นพลเมืองของบรูจส์ (เขาเสียชีวิตที่นั่นในปี 1472/1473) นั่นคือเขาเห็นผลงานที่ดีที่สุดของ Van Eyck และก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลของประเพณีของเขา โดยไม่ต้องอาศัยคำพังเพยที่เฉียบคมของ Rogier van der Weyden คริสตัสบรรลุลักษณะเฉพาะตัวและแตกต่างมากกว่าที่ Van Eyck ทำ อย่างไรก็ตาม ภาพเหมือนของเขา (อี. กริมสตัน - 1446, ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ; พระคาร์ทูเซียน - ค.ศ. 1446, นิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน) ในเวลาเดียวกันเป็นพยานถึงการลดลงของภาพในงานของเขา ในงานศิลปะ ความอยากเป็นรูปธรรม ปัจเจกบุคคล ส่วนตัวถูกทำเครื่องหมายมากขึ้นเรื่อยๆ บางทีแนวโน้มเหล่านี้อาจปรากฏชัดที่สุดในผลงานของศึก อายุน้อยกว่า Rogier van der Weyden (เกิดระหว่างปี 1400 ถึง 1410) เขาอยู่ไกลจากธรรมชาติที่น่าทึ่งและการวิเคราะห์ของอาจารย์ท่านนี้ และต้นไฟต์ส่วนใหญ่มาจาก Rogier แท่นบูชาที่มี "Descent from the Cross" (กรานาดา, อาสนวิหาร) และภาพเขียนอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง เช่น "The Entombment" (ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) เป็นพยานถึงการศึกษาผลงานของศิลปินท่านนี้อย่างลึกซึ้ง แต่ความคิดริเริ่มนั้นชัดเจนอยู่แล้ว - การแข่งขันทำให้ตัวละครของเขามีพื้นที่มากขึ้น เขาไม่สนใจสภาพแวดล้อมทางอารมณ์มากนักเหมือนในการกระทำ ในกระบวนการของมัน ตัวละครของเขามีความกระตือรือร้นมากขึ้น เช่นเดียวกับการถ่ายภาพบุคคล ในภาพเหมือนที่ยอดเยี่ยมของชายคนหนึ่ง (1462; ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) ยกขึ้นอธิษฐาน - แม้ว่าจะไม่มีความสูงส่ง - ดวงตา, ​​ปากพิเศษและมือที่พับไว้อย่างเรียบร้อยมีสีเฉพาะตัวที่ Van Eyck ไม่รู้ แม้ในรายละเอียด คุณก็สามารถสัมผัสได้ถึงความเป็นส่วนตัวนี้ การไตร่ตรองที่ค่อนข้างธรรมดา แต่จริง ๆ ที่แยบยลอยู่ในผลงานทั้งหมดของอาจารย์ เขาโดดเด่นที่สุดในองค์ประกอบหลายร่างของเขา และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา - แท่นบูชาของโบสถ์ Louvain แห่ง St. Peter (ระหว่าง 1464 ถึง 1467) หากผู้ชมมองว่างานของ Van Eyck เป็นปาฏิหาริย์แห่งความคิดสร้างสรรค์การสร้างสรรค์อยู่เสมอความรู้สึกอื่น ๆ จะเกิดขึ้นก่อนงานของ Bouts งานประพันธ์ของ Bouts พูดถึงเขาในฐานะผู้กำกับมากขึ้น คำนึงถึงความสำเร็จของวิธีการ "ผู้กำกับ" ดังกล่าว (นั่นคือวิธีการที่งานของศิลปินคือการจัดตัวละครที่มีลักษณะเฉพาะอย่างที่นำมาจากชีวิตเพื่อจัดฉาก) ในศตวรรษต่อ ๆ ไปควรให้ความสนใจ ปรากฏการณ์นี้ในผลงานของ Dirk Bouts

ขั้นตอนต่อไปในงานศิลปะของเนเธอร์แลนด์รวบรวมสามหรือสี่ทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 15 ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่ยากลำบากอย่างยิ่งสำหรับชีวิตของประเทศและวัฒนธรรมของประเทศ ช่วงนี้เปิดฉากด้วยผลงานของ Jos van Wassenhove (หรือ Joos van Gent ระหว่างปี 1435-1440 - หลัง 1476) ศิลปินที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาภาพวาดใหม่ แต่ทิ้งให้อิตาลีในปี 1472 เคยชินกับสภาพที่นั่นและ รวมอยู่ในศิลปะอิตาลี แท่นบูชาของเขาที่มี "การตรึงกางเขน" (Ghent, St. Bavo's Church) เป็นพยานถึงความดึงดูดใจในการเล่าเรื่อง แต่ในขณะเดียวกันเกี่ยวกับความปรารถนาที่จะกีดกันเรื่องราวของความเร่าร้อน สิ่งหลังที่เขาต้องการบรรลุด้วยความช่วยเหลือจากความสง่างามและการตกแต่ง แท่นบูชาของเขามีลักษณะแบบฆราวาส ด้วยโทนสีสว่างที่สร้างขึ้นจากโทนสีรุ้งอันวิจิตรงดงาม
ช่วงเวลานี้ยังคงดำเนินต่อไปด้วยผลงานของ Hugo van der Goes ผู้เชี่ยวชาญด้านความสามารถพิเศษ เขาเกิดเมื่อราวปี 1435 เป็นอาจารย์ที่ Ghent ในปี 1467 และเสียชีวิตในปี 1482 ผลงานแรกสุดของ Hus ได้แก่ ภาพมาดอนน่าและพระกุมารหลายภาพ ซึ่งแตกต่างกันในด้านความไพเราะของภาพ (ฟิลาเดลเฟีย พิพิธภัณฑ์ศิลปะและบรัสเซลส์ พิพิธภัณฑ์) และภาพวาด "นักบุญอันนา พระแม่มารีพร้อมพระบุตรและผู้บริจาค" (บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์). การพัฒนาผลการวิจัยของ Rogier van der Weyden นั้น Hus มองว่าการจัดองค์ประกอบภาพนั้นไม่ใช่วิธีการจัดระเบียบที่กลมกลืนกันของภาพที่วาดเป็นวิธีการในการจดจ่อและเปิดเผยเนื้อหาทางอารมณ์ของฉากมากนัก บุคคลนั้นโดดเด่นสำหรับกัสด้วยความแข็งแกร่งของความรู้สึกส่วนตัวเท่านั้น ในขณะเดียวกัน กัสก็ถูกดึงดูดด้วยความรู้สึกโศกนาฏกรรม อย่างไรก็ตาม ภาพของนักบุญเจเนเวียฟ (ด้านหลังเพลงคร่ำครวญ) เป็นพยานว่า ในการแสวงหาอารมณ์ที่เปลือยเปล่า อูโก ฟาน เดอร์ โกส์ เริ่มให้ความสนใจกับความสำคัญทางจริยธรรมด้วยเช่นกัน ในแท่นบูชา Portinari Hus พยายามแสดงศรัทธาในความสามารถทางจิตวิญญาณของมนุษย์ แต่งานศิลปะของเขาเริ่มประหม่าและตึงเครียด เทคนิคทางศิลปะของกัสมีหลากหลาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเขาต้องการสร้างโลกแห่งจิตวิญญาณของบุคคลขึ้นมาใหม่ บางครั้ง ในการถ่ายทอดปฏิกิริยาของคนเลี้ยงแกะ เขาได้วางความรู้สึกใกล้ชิดไว้เป็นลำดับหนึ่ง บางครั้งเช่นเดียวกับในภาพลักษณ์ของแมรี่ ศิลปินจะร่างลักษณะทั่วไปของประสบการณ์ตามที่ผู้ดูเติมเต็มความรู้สึกโดยรวม บางครั้ง - ในรูปของนางฟ้าตาแคบหรือมาร์การิต้า - เขาใช้วิธีถอดรหัสภาพโดยใช้เทคนิคการจัดองค์ประกอบภาพหรือจังหวะ บางครั้งการแสดงออกทางจิตวิทยาที่เข้าใจยากกลายเป็นวิธีการแสดงลักษณะเฉพาะของเขา - เช่นเดียวกับการสะท้อนรอยยิ้มที่เล่นบนใบหน้าที่แห้งและไม่มีสีของ Maria Baroncelli และการหยุดเล่นมีบทบาทอย่างมากในการแก้ปัญหาเชิงพื้นที่และในการดำเนินการ พวกเขาทำให้สามารถพัฒนาจิตใจได้ เติมเต็มความรู้สึกที่ศิลปินระบุไว้ในภาพ ธรรมชาติของภาพของ Hugo van der Goes นั้นขึ้นอยู่กับบทบาทที่พวกเขาควรจะเล่นในภาพรวมเสมอ คนเลี้ยงแกะคนที่สามนั้นเป็นธรรมชาติจริงๆ โจเซฟมีจิตใจที่สมบูรณ์ ทูตสวรรค์ทางด้านขวาของเขาเกือบจะเหมือนจริง และภาพของมาร์กาเร็ตและมักดาลานั้นซับซ้อน สังเคราะห์ และสร้างขึ้นจากการไล่ระดับทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนเป็นพิเศษ

Hugo van der Goes ต้องการแสดงออกถึงความนุ่มนวลทางจิตวิญญาณของบุคคลในภาพของเขา ความอบอุ่นภายในของเขา แต่โดยพื้นฐานแล้วภาพบุคคลสุดท้ายของศิลปินเป็นพยานถึงวิกฤตที่เพิ่มขึ้นในงานของ Hus เพราะโครงสร้างทางจิตวิญญาณของเขาไม่ได้ถูกสร้างขึ้นมากนักจากการตระหนักรู้ถึงคุณสมบัติส่วนบุคคลของแต่ละบุคคล แต่จากการสูญเสียความเป็นอันหนึ่งอันเดียวกันของมนุษย์และ โลกสำหรับศิลปิน ในงานสุดท้าย - "The Death of Mary" (Bruges, Museum) - วิกฤตครั้งนี้ส่งผลให้เกิดการล่มสลายของแรงบันดาลใจสร้างสรรค์ทั้งหมดของศิลปิน ความสิ้นหวังของอัครสาวกนั้นหมดหวัง ท่าทางของพวกเขาไร้ความหมาย ลอยอยู่ในรัศมีของพระคริสต์ด้วยความทุกข์ทรมานของเขาดูเหมือนว่าจะแสดงให้เห็นถึงความทุกข์ทรมานของพวกเขาและฝ่ามือที่เจาะของเขาถูกเปิดออกสู่ผู้ชมและรูปร่างขนาดไม่แน่นอนละเมิดโครงสร้างขนาดใหญ่และความรู้สึกของความเป็นจริง นอกจากนี้ยังเป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจการวัดความเป็นจริงของประสบการณ์ของอัครสาวกเพราะทุกคนมีความรู้สึกเดียวกัน และมันก็ไม่มากเท่ากับของศิลปิน แต่ผู้ถือครองยังคงมีอยู่จริงและน่าเชื่อถือทางจิตใจ ภาพที่คล้ายคลึงกันจะฟื้นคืนชีพในภายหลัง เมื่อปลายศตวรรษที่ 15 ในวัฒนธรรมดัตช์ ประเพณีเก่าแก่นับศตวรรษ (กับ Bosch) มาถึงจุดสิ้นสุด ซิกแซกแปลก ๆ สร้างพื้นฐานขององค์ประกอบของภาพและจัดระเบียบ: อัครสาวกนั่งอยู่เพียงนิ่งเฉยมองผู้ชมเอียงจากซ้ายไปขวาพระแม่มารีกราบจากขวาไปซ้ายพระคริสต์ลอยมาจาก ซ้ายไปขวา และซิกแซกเดียวกันในโทนสี: ร่างของสีที่นั่งนั้นสัมพันธ์กับมารีย์ผู้ที่นอนอยู่บนผ้าสีน้ำเงินหม่นในเสื้อคลุมก็สีน้ำเงิน แต่สีน้ำเงินสุดยอดแล้วก็เป็นสีน้ำเงินที่ไม่มีตัวตนของพระคริสต์ . และรอบ ๆ สีของอาภรณ์ของอัครสาวก: เหลือง เขียว น้ำเงิน - เย็นเฉียบไร้ขอบเขต ชัดเจน ไม่เป็นธรรมชาติ ความรู้สึกใน "อัสสัมชัญ" นั้นเปลือยเปล่า มันไม่เหลือที่ว่างสำหรับความหวังหรือมนุษยชาติ ในบั้นปลายชีวิต Hugo van der Goes ไปอารามแห่งหนึ่ง ปีสุดท้ายของเขาถูกบดบังด้วยอาการป่วยทางจิต เห็นได้ชัดว่าในข้อเท็จจริงชีวประวัติเหล่านี้ เราสามารถมองเห็นภาพสะท้อนของความขัดแย้งอันน่าเศร้าที่กำหนดศิลปะของปรมาจารย์ ผลงานของ Hus เป็นที่รู้จักและชื่นชม และได้รับความสนใจแม้นอกประเทศเนเธอร์แลนด์ Jean Clouet ผู้เฒ่า (ปรมาจารย์แห่ง Moulin) ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากงานศิลปะของเขา Domenico Ghirlandaio รู้จักและศึกษาแท่นบูชา Portinari อย่างไรก็ตาม ผู้ร่วมสมัยของเขาไม่เข้าใจเขา ศิลปะเนเธอร์แลนด์โน้มเอียงไปทางอื่นอย่างต่อเนื่อง และร่องรอยของผลกระทบของงานของ Hus เพียงเล็กน้อยก็ทำให้เกิดความแข็งแกร่งและความแพร่หลายของแนวโน้มอื่นๆ เหล่านี้เท่านั้น พวกเขาแสดงออกด้วยความสมบูรณ์และสม่ำเสมอที่สุดในผลงานของ Hans Memling


โต๊ะเครื่องแป้งทางโลก, อันมีค่า, แผงกลาง,



นรกแผงด้านซ้ายของอันมีค่า "Earthly Vanity"
1485, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์, สตราสบูร์ก

Hans Memling ซึ่งเกิดใน Seligenstadt ใกล้แฟรงค์เฟิร์ตอัมไมน์ในปี 1433 (เสียชีวิต 1494) ศิลปินได้รับการฝึกอบรมที่ยอดเยี่ยมจาก Rogier และเมื่อย้ายไปบรูจส์ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางที่นั่น งานที่ค่อนข้างเร็วเผยให้เห็นทิศทางการค้นหาของเขา จุดเริ่มต้นของแสงสว่างและความประเสริฐได้รับความหมายทางโลกและทางโลกที่มากขึ้นและทุกอย่างในโลกนี้ - ความอิ่มเอมใจในอุดมคติบางอย่าง ตัวอย่างคือแท่นบูชาที่มีมาดอนน่า นักบุญ และผู้บริจาค (ลอนดอน หอศิลป์แห่งชาติ) เมมลิงพยายามที่จะรักษารูปลักษณ์ในชีวิตประจำวันของฮีโร่ตัวจริงของเขาและนำฮีโร่ในอุดมคติเข้ามาใกล้พวกเขามากขึ้น จุดเริ่มต้นอันสูงส่งสิ้นสุดลงเป็นการแสดงออกถึงพลังของโลกทั่วไปที่เข้าใจในพระเจ้าและกลายเป็นสมบัติทางจิตวิญญาณตามธรรมชาติของบุคคล หลักการทำงานของเมมลิงนั้นชัดเจนยิ่งขึ้นในส่วนที่เรียกว่า Floreins-Altar (1479; Bruges, Memling Museum) เวทีหลักและปีกขวาซึ่งโดยพื้นฐานแล้วจะเป็นสำเนาฟรีของชิ้นส่วนที่เกี่ยวข้องของแท่นบูชาในมิวนิกของ Rogier . เขาลดขนาดของแท่นบูชาลงอย่างมาก ตัดส่วนบนและด้านข้างขององค์ประกอบของ Rogier ออก ลดจำนวนร่างและทำให้การกระทำเข้าใกล้ผู้ชมมากขึ้น เหตุการณ์สูญเสียขอบเขตอันน่าเกรงขาม ภาพของผู้เข้าร่วมถูกกีดกันจากความเป็นตัวแทนและได้รับคุณลักษณะที่เป็นส่วนตัว การจัดองค์ประกอบเป็นเฉดสีแห่งความกลมกลืนที่นุ่มนวล และสี ในขณะที่ยังคงรักษาความบริสุทธิ์และความโปร่งใส สูญเสียความเยือกเย็นและเฉียบคมของ Rogier ไปโดยสิ้นเชิง ดูเหมือนตัวสั่นด้วยแสงสีที่ชัดเจน ลักษณะเฉพาะยิ่งกว่านั้นคือการประกาศ (ประมาณ 1482; New York, Leman collection) ซึ่งใช้แผนงานของ Rogier; ภาพของแมรี่ได้รับคุณสมบัติของการทำให้เป็นอุดมคติที่นุ่มนวลนางฟ้ามีการจัดประเภทอย่างมีนัยสำคัญและรายการภายในเขียนด้วยความรักของ Van Eyckian ในเวลาเดียวกัน ลวดลายของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี - มาลัย พุตติ ฯลฯ - ได้แทรกซึมเข้าไปในงานของเมมลิงมากขึ้นเรื่อยๆ และโครงสร้างการจัดองค์ประกอบก็มีการวัดและชัดเจนมากขึ้นเรื่อยๆ (อันมีค่ากับมาดอนน่าและเด็ก เทวดาและผู้บริจาค เวียนนา ). ศิลปินพยายามเบลอเส้นแบ่งระหว่างจุดเริ่มต้นที่เป็นรูปธรรม เหมือนคนเมือง กับจุดเริ่มต้นที่กลมกลืนกันในอุดมคติ

งานศิลปะของเมมลิงได้รับความสนใจอย่างใกล้ชิดจากปรมาจารย์ของจังหวัดทางภาคเหนือ แต่พวกเขาก็สนใจคุณสมบัติอื่นๆ ด้วยเช่นกัน ซึ่งเกี่ยวข้องกับอิทธิพลของ Hus จังหวัดทางตอนเหนือ รวมทั้งฮอลแลนด์ ล้าหลังจังหวัดทางใต้ในช่วงเวลานั้นทั้งในด้านเศรษฐกิจและจิตวิญญาณ โดยทั่วไปแล้ว ภาพวาดของชาวดัตช์ในยุคแรกไม่ได้ไปไกลกว่าแบบแม่พิมพ์ของจังหวัดในยุคกลางตอนปลาย และฝีมือของจิตรกรรมก็ไม่เคยเพิ่มขึ้นถึงระดับของศิลปะของจิตรกรชาวเฟลมิช เฉพาะในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 15 เท่านั้นที่สถานการณ์เปลี่ยนไปด้วยงานศิลปะของ Hertgen tot sint Jans เขาอาศัยอยู่ในฮาร์เล็มกับพระสงฆ์ของเซนต์จอห์น (ซึ่งเขาเป็นหนี้ชื่อเล่นของเขา - ซินต์แจนส์ในการแปลหมายถึงเซนต์จอห์น) และเสียชีวิตเมื่ออายุยังน้อย - อายุยี่สิบแปดปี (เกิดในไลเดน (?) ประมาณ 1460/65 เสียชีวิตในฮาเล็มในปี ค.ศ. 1490-1495 ) Gertgen รู้สึกกังวลเล็กน้อยซึ่งทำให้ Hus กังวล แต่โดยปราศจากความเข้าใจอันน่าเศร้าของเขา เขาได้ค้นพบเสน่ห์อันนุ่มนวลของความรู้สึกธรรมดาของมนุษย์ เขาสนิทกับกัสด้วยความสนใจในโลกแห่งจิตวิญญาณภายในของมนุษย์ ผลงานชิ้นสำคัญของ Hertgen คือแท่นบูชาที่เขียนขึ้นสำหรับ Harlem Johnites ทางขวาซึ่งขณะนี้เลื่อยวงกบสองหน้าตัดไว้แล้ว ด้านในเป็นฉากไว้ทุกข์ขนาดใหญ่ที่มีหลายร่าง Gertgen บรรลุเป้าหมายทั้งสองตามเวลาที่กำหนด: ถ่ายทอดความอบอุ่น ความเป็นมนุษย์ของความรู้สึก และสร้างการเล่าเรื่องที่น่าเชื่ออย่างยิ่ง ด้านหลังเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษที่ด้านนอกของใบไม้ ซึ่งแสดงให้เห็นการเผาซากศพของยอห์นผู้ให้รับบัพติสมาโดยจูเลียนผู้ละทิ้งความเชื่อ ผู้เข้าร่วมในการดำเนินการมีคุณสมบัติที่เกินจริง และการดำเนินการแบ่งออกเป็นฉากอิสระจำนวนหนึ่ง ซึ่งแต่ละฉากนำเสนอด้วยการสังเกตที่มีชีวิตชีวา ระหว่างทาง อาจารย์ได้สร้างภาพเหมือนกลุ่มแรกในกลุ่มศิลปะยุโรปยุคใหม่ สร้างขึ้นบนหลักการของการผสมผสานอย่างเรียบง่ายของลักษณะภาพเหมือน เขาคาดหวังถึงงานของศตวรรษที่ 16 เพื่อให้เข้าใจงานของ Gertgen จึงมีการนำเสนอ "Family of Christ" (Amsterdam, Rijksmuseum) ภายในโบสถ์ ซึ่งตีความว่าเป็นสภาพแวดล้อมเชิงพื้นที่อย่างแท้จริง บุคคลเบื้องหน้ายังคงมีความสำคัญโดยไม่แสดงความรู้สึกใด ๆ โดยยังคงรักษารูปลักษณ์ในชีวิตประจำวันของพวกเขาไว้อย่างมีศักดิ์ศรี ศิลปินสร้างภาพ บางทีอาจเป็นตัวละครที่ดุร้ายที่สุดในศิลปะของเนเธอร์แลนด์ ในเวลาเดียวกัน เป็นสิ่งสำคัญที่ Gertgen เข้าใจถึงความอ่อนโยน หน้าตาดี และความไร้เดียงสาบางอย่าง ไม่ใช่ลักษณะภายนอก แต่เป็นคุณสมบัติบางอย่างของโลกฝ่ายวิญญาณของมนุษย์ และการผสมผสานระหว่างความรู้สึกของชีวิตชาวเมืองกับอารมณ์ที่ลึกซึ้งนี้เป็นคุณลักษณะที่สำคัญของงานของ Hertgen ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เขาไม่ได้ทำให้การเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณของวีรบุรุษของเขามีลักษณะสากลอันสูงส่ง เขาจงใจป้องกันไม่ให้ตัวละครของเขากลายเป็นคนพิเศษ ด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงดูไม่เป็นรายบุคคล พวกเขามีความอ่อนโยนและไม่มีความรู้สึกอื่น ๆ หรือความคิดที่ไม่เกี่ยวข้อง ความชัดเจนและความบริสุทธิ์ของประสบการณ์ทำให้พวกเขาห่างไกลจากกิจวัตรประจำวัน อย่างไรก็ตาม ความสมบูรณ์แบบของภาพที่เกิดจากการนี้ไม่เคยดูเหมือนนามธรรมหรือประดิษฐ์ คุณสมบัติเหล่านี้ยังแยกแยะหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของศิลปินอย่าง "Nativity" (ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) ซึ่งเป็นภาพเล็กๆ ที่เต็มไปด้วยความรู้สึกตื่นเต้นและประหลาดใจ
Gertgen เสียชีวิตตั้งแต่เนิ่นๆ แต่หลักการของงานศิลปะของเขาไม่ได้อยู่ในความมืดมน อย่างไรก็ตาม ปรมาจารย์แห่ง Braunschweig diptych ยืนอยู่ใกล้เขามากขึ้น (“St. Bavo”, Braunschweig, Museum; “Christmas”, Amsterdam, Rijksmuseum) และปรมาจารย์นิรนามคนอื่นๆ ไม่ได้พัฒนาหลักการของ Hertgen มากนักเนื่องจากพวกเขาให้ลักษณะของ มาตรฐานทั่วไป บางทีสิ่งที่สำคัญที่สุดในหมู่พวกเขาคือ Master Virgo inter virgines (ตั้งชื่อตามภาพวาดของ Amsterdam Rijksmuseum ซึ่งเป็นภาพวาดของ Mary ท่ามกลางหญิงพรหมจารีผู้ศักดิ์สิทธิ์) ซึ่งไม่ค่อยให้ความสำคัญกับเหตุผลทางจิตวิทยาของอารมณ์มากนักถึงความคมชัดของการแสดงออกในขนาดเล็ก ค่อนข้างทุกวันและบางครั้งร่างที่น่าเกลียดเกือบจะจงใจ (Entombment, St. Louis, Museum; Lamentation, Liverpool; Annunciation, Rotterdam) แต่ยัง. งานของเขาเป็นหลักฐานของความอ่อนล้าของประเพณีเก่าแก่มากกว่าการแสดงออกถึงการพัฒนา

ระดับศิลปะที่ลดลงอย่างรวดเร็วยังสังเกตเห็นได้ชัดเจนในงานศิลปะของจังหวัดทางใต้ซึ่งอาจารย์มีแนวโน้มที่จะถูกมองข้ามโดยรายละเอียดเล็ก ๆ น้อย ๆ ในชีวิตประจำวันมากขึ้นเรื่อย ๆ ที่น่าสนใจกว่าคนอื่น ๆ คือปรมาจารย์ด้านการเล่าเรื่องของ St. Ursula ซึ่งทำงานใน Bruges ในยุค 80-90 ของศตวรรษที่ 15 (“The Legend of St. Ursula”; Bruges, the Monastery of the Black Sisters) ผู้เขียนภาพเหมือนของคู่สมรส Baroncelli (Florence, Uffizi) ที่ไม่รู้จักซึ่งไม่ได้ไร้ความสามารถ แต่ยังเป็น Bruges Master ในตำนานของ St. Lucia ("Altar of St. Lucia", 1480, Bruges, St. . โบสถ์เจมส์และยังมี polyptych, ทาลลินน์, พิพิธภัณฑ์). การก่อตัวของงานศิลปะที่ว่างเปล่าและเล็ก ๆ น้อย ๆ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับภารกิจของ Huss และ Hertgen อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ มนุษย์สูญเสียเสาหลักของโลกทัศน์ของเขา - ศรัทธาในระเบียบที่กลมกลืนและเอื้ออำนวยของจักรวาล แต่ถ้าผลที่ตามมาอย่างกว้างขวางของสิ่งนี้เป็นเพียงความยากจนของแนวคิดเดิม เมื่อมองใกล้ ๆ ก็เผยให้เห็นลักษณะที่เป็นอันตรายและลึกลับในโลก เพื่อตอบคำถามที่แก้ไม่ตกในสมัยนั้น มีการใช้สัญลักษณ์เปรียบเทียบยุคกลางตอนปลาย อสูรวิทยา และการทำนายอันมืดมนของพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ ในบริบทของความขัดแย้งทางสังคมที่รุนแรงและความขัดแย้งที่รุนแรง งานศิลปะของ Bosch เกิดขึ้น

Hieronymus van Aken ชื่อเล่น Bosch เกิดใน Hertogenbosch (เขาเสียชีวิตที่นั่นในปี 1516) นั่นคือห่างจากศูนย์ศิลปะหลักของเนเธอร์แลนด์ งานแรก ๆ ของเขาไม่ได้ปราศจากสัมผัสของความดึกดำบรรพ์ แต่แล้วพวกเขาก็ผสมผสานความรู้สึกที่เฉียบแหลมและน่าวิตกเกี่ยวกับชีวิตของธรรมชาติเข้ากับความแปลกประหลาดที่เย็นชาในการพรรณนาผู้คนอย่างแปลกประหลาด บ๊อชตอบสนองต่อกระแสของศิลปะสมัยใหม่ - ด้วยความกระหายในความจริง ด้วยการสร้างภาพบุคคลให้กระชับ และจากนั้น - บทบาทและความสำคัญของมันลดลง เขานำเทรนด์นี้ไปสู่ขีดจำกัด ในศิลปะของ Bosch ภาพเสียดสีหรือดีกว่าประชดประชันของเผ่าพันธุ์มนุษย์ปรากฏขึ้น นี่คือ "การดำเนินการสกัดหินแห่งความโง่เขลา" ของเขา (มาดริด, ปราโด) การผ่าตัดดำเนินการโดยพระภิกษุสงฆ์ และที่นี่มีคนเห็นรอยยิ้มชั่วร้ายที่พระสงฆ์ แต่คนที่พวกเขาทำให้ดูตั้งใจที่ผู้ชม รูปลักษณ์นี้ทำให้เรามีส่วนร่วมในการดำเนินการ การเสียดสีเติบโตขึ้นในงานของ Bosch เขานำเสนอผู้คนในฐานะผู้โดยสารบนเรือโง่เขลา (ภาพวาดและภาพวาดสำหรับพิพิธภัณฑ์ลูฟร์) เขาหันไปใช้อารมณ์ขันพื้นบ้าน - และอยู่ภายใต้ร่มเงามืดมนและขมขื่นภายใต้มือของเขา
บ๊อชได้ยืนยันถึงธรรมชาติแห่งชีวิตที่มืดมน ไร้เหตุผล และเป็นพื้นฐานของชีวิต เขาไม่เพียงแต่แสดงออกถึงโลกทัศน์ของเขา ความรู้สึกของชีวิตเท่านั้น แต่ยังให้การประเมินทางศีลธรรมและจริยธรรมอีกด้วย กองหญ้าเป็นงานที่สำคัญที่สุดชิ้นหนึ่งของ Bosch ในแท่นบูชานี้ ความรู้สึกที่เปลือยเปล่าของความเป็นจริงผสมผสานกับการเปรียบเทียบ กองหญ้าพาดพิงถึงสุภาษิตเฟลมิชเก่า: "โลกคือกองหญ้า: และทุกคนใช้สิ่งที่พวกเขาสามารถคว้าจากมันได้"; ผู้คนในสายตาธรรมดาจูบกันและเล่นดนตรีระหว่างทูตสวรรค์กับสิ่งมีชีวิตที่โหดร้าย สิ่งมีชีวิตที่น่าอัศจรรย์ดึงเกวียนและสมเด็จพระสันตะปาปาจักรพรรดิคนธรรมดาติดตามมันอย่างสนุกสนานและเชื่อฟัง: บางคนวิ่งไปข้างหน้าวิ่งระหว่างล้อและตายถูกบดขยี้ ภูมิทัศน์ในระยะไกลนั้นไม่วิเศษหรือวิเศษ และเหนือสิ่งอื่นใด - บนก้อนเมฆ - พระคริสต์ตัวน้อยยกมือขึ้น อย่างไรก็ตาม คงจะผิดที่จะคิดว่า Bosch โน้มเอียงไปทางวิธีการเปรียบเทียบเชิงเปรียบเทียบ ในทางตรงกันข้าม เขาพยายามทำให้แน่ใจว่าความคิดของเขาถูกรวบรวมไว้ในแก่นแท้ของการตัดสินใจทางศิลปะ เพื่อให้มันปรากฏต่อหน้าผู้ชมไม่ใช่เป็นสุภาษิตหรือคำอุปมาที่เข้ารหัส แต่เป็นวิถีชีวิตทั่วไปที่ไม่มีเงื่อนไข ด้วยความซับซ้อนของจินตนาการที่ไม่คุ้นเคยกับยุคกลาง Bosch เติมภาพวาดของเขาด้วยสิ่งมีชีวิตที่รวมรูปสัตว์ต่าง ๆ หรือรูปสัตว์เข้ากับวัตถุของโลกที่ไม่มีชีวิตทำให้พวกเขาอยู่ในความสัมพันธ์ที่ไม่น่าจะเป็นไปได้อย่างชัดเจน ท้องฟ้าเปลี่ยนเป็นสีแดง นกที่มีใบเรือบินไปในอากาศ สัตว์ร้ายคลานไปทั่วพื้นโลก ปลาขาม้าอ้าปาก และหนูก็อยู่ติดกับพวกมัน โดยแบกหลังของมันเพื่อชุบชีวิตอุปสรรค์ไม้ที่ผู้คนจะฟักออกมา กลุ่มม้ากลายเป็นเหยือกขนาดยักษ์และหัวหางย่องไปที่ไหนสักแห่งบนขาเปล่าบาง ๆ ทุกสิ่งคลานไปและทุกสิ่งมีรูปแบบที่แหลมคมเป็นรอยขีดข่วน และทุกสิ่งติดเชื้อด้วยพลังงาน: สิ่งมีชีวิตทุกชนิด - ตัวเล็ก เจ้าเล่ห์ ดื้อรั้น - ถูกจับด้วยการเคลื่อนไหวที่ชั่วร้ายและเร่งรีบ บ๊อชทำให้ฉากแฟนตาซีเหล่านี้มีความโน้มน้าวใจมากที่สุด เขาปฏิเสธที่จะพรรณนาถึงการกระทำที่เกิดขึ้นในเบื้องหน้าและแพร่กระจายไปทั่วโลก เขาถ่ายทอดมหกรรมอันน่าทึ่งที่มีหลายร่างของเขาให้เป็นสีสันที่น่าขนลุกโดยทั่วไป บางครั้งเขาแนะนำการแสดงละครสุภาษิตในภาพ - แต่ไม่มีอารมณ์ขันเหลืออยู่ในนั้น และตรงกลางเขาวางร่างเล็ก ๆ ของเซนต์แอนโธนีที่ป้องกันไม่ได้ ตัวอย่างเช่น เป็นแท่นบูชาที่มี "สิ่งล่อใจของนักบุญแอนโธนี" บนปีกกลางจากพิพิธภัณฑ์ลิสบอน แต่ที่นี่ Bosch แสดงให้เห็นถึงความเป็นจริงที่เปลือยเปล่าและคมชัดอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน (โดยเฉพาะในฉากที่ประตูด้านนอกของแท่นบูชาที่กล่าวถึง) ในงานที่โตเต็มที่ของ Bosch โลกนั้นไร้ขอบเขต แต่พื้นที่ของมันแตกต่างกัน - ใจร้อนน้อยกว่า อากาศดูชัดเจนขึ้นและชื้นขึ้น นี่คือวิธีการเขียน "John on Patmos" ที่ด้านหลังของภาพนี้ ซึ่งเป็นฉากของการพลีชีพของพระคริสต์เป็นวงกลม มีการนำเสนอภูมิทัศน์ที่น่าตื่นตาตื่นใจ: โปร่งใส สะอาด มีที่โล่งกว้างของแม่น้ำ ท้องฟ้าสูงและอื่น ๆ - โศกนาฏกรรมและรุนแรง (" การตรึงกางเขน") แต่ยิ่ง Bosch คิดเกี่ยวกับผู้คนมากขึ้นเท่านั้น เขาพยายามหาการแสดงออกที่เหมาะสมในชีวิตของพวกเขา เขาหันไปใช้รูปแบบของแท่นบูชาขนาดใหญ่และสร้างภาพมหัศจรรย์ที่แปลกประหลาดและน่าอัศจรรย์ของชีวิตคนบาป - "สวนแห่งความยินดี"

ผลงานล่าสุดของศิลปินผสมผสานจินตนาการและความเป็นจริงของผลงานก่อนหน้าของเขาอย่างแปลกประหลาด แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็มีความสมานฉันท์ที่น่าเศร้า ฝูงสัตว์ร้ายกระจัดกระจาย ก่อนหน้านี้แผ่ขยายไปทั่วพื้นที่ของภาพอย่างมีชัย แยกจากกัน ขนาดเล็ก พวกมันยังคงซ่อนตัวอยู่ใต้ต้นไม้ ปรากฏขึ้นจากกระแสน้ำอันเงียบสงบของแม่น้ำ หรือวิ่งผ่านเนินเขารกร้างที่ปกคลุมไปด้วยหญ้า แต่พวกเขาลดขนาดลง สูญเสียกิจกรรม พวกเขาไม่โจมตีมนุษย์อีกต่อไป และเขา (ยังคงเป็นเซนต์แอนโธนี) นั่งระหว่างพวกเขา - อ่านคิด ("เซนต์แอนโธนี", ปราโด) Bosch ไม่สนใจความคิดเกี่ยวกับตำแหน่งในโลกของคนคนเดียว นักบุญแอนโธนีในผลงานก่อนหน้านี้ของเขาไม่มีที่พึ่ง น่าสงสาร แต่ไม่ได้อยู่คนเดียว อันที่จริง เขาขาดความเป็นอิสระที่จะทำให้เขารู้สึกโดดเดี่ยว ตอนนี้ภูมิทัศน์มีความเกี่ยวข้องกับบุคคลเพียงคนเดียว และประเด็นเรื่องความเหงาของมนุษย์ในโลกก็เกิดขึ้นในงานของ Bosch ด้วย Bosch ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 15 สิ้นสุดลง งานของ Bosch เสร็จสิ้นขั้นตอนของข้อมูลเชิงลึกที่บริสุทธิ์ จากนั้นจึงค้นหาอย่างเข้มข้นและความผิดหวังที่น่าเศร้า
แต่แนวโน้มที่เป็นตัวเป็นตนจากงานศิลปะของเขาไม่ใช่เพียงสิ่งเดียวเท่านั้น แนวโน้มอีกอย่างหนึ่งก็คืออาการที่ไม่ปกติ ซึ่งเชื่อมโยงกับงานของปรมาจารย์ที่มีขนาดเล็กกว่าอย่างนับไม่ถ้วน - เจอราร์ด เดวิด เขาเสียชีวิตในช่วงปลายปี - ในปี ค.ศ. 1523 (เกิดประมาณ 1460) แต่เช่นเดียวกับ Bosch เขาปิดศตวรรษที่ 15 งานแรกของเขา ("The Annunciation"; Detroit) เป็นโกดังที่ดูธรรมดา ผลงานในช่วงปลายทศวรรษ 1480 (ภาพเขียนสองภาพบนพล็อตของ Court of Cambyses; Bruges, Museum) เผยให้เห็นความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับ Bouts; ดีกว่าองค์ประกอบอื่นๆ ที่มีลักษณะเป็นโคลงสั้น ๆ ที่มีสภาพแวดล้อมภูมิทัศน์ที่พัฒนาแล้วและกระตือรือร้น (“Rest on the Flight to Egypt”; Washington, National Gallery) แต่ที่ชัดเจนว่าเป็นไปไม่ได้ที่อาจารย์จะก้าวข้ามศตวรรษนั้นสามารถเห็นได้ในอันมีค่าของเขาด้วย "การรับบัพติศมาของพระคริสต์" (ต้นศตวรรษที่ 16; เมืองบรูจส์, พิพิธภัณฑ์) ความใกล้ชิด การย่อขนาดภาพดูเหมือนจะขัดแย้งโดยตรงกับภาพขนาดใหญ่ ความจริงในการมองเห็นของเขานั้นไร้ชีวิต เบื้องหลังความเข้มของสีนั้นไม่มีทั้งความตึงเครียดทางวิญญาณหรือความรู้สึกของความล้ำค่าของจักรวาล เคลือบฟันของรูปแบบการวาดภาพนั้นเย็นชา มีในตัวเอง และปราศจากการเน้นทางอารมณ์

ศตวรรษที่ 15 ในเนเธอร์แลนด์เป็นช่วงเวลาแห่งศิลปะที่ยิ่งใหญ่ เมื่อถึงปลายศตวรรษ ตัวมันเองก็หมดสิ้นไป สภาพประวัติศาสตร์ใหม่ การเปลี่ยนผ่านของสังคมไปสู่อีกขั้นของการพัฒนาทำให้เกิดเวทีใหม่ในวิวัฒนาการของศิลปะ เกิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 16 แต่ในประเทศเนเธอร์แลนด์ด้วยหลักธรรมทางโลกที่ผสมผสานแต่เดิมซึ่งยังคงมาจากฟาน เอคส์ อัตลักษณ์ทางศิลปะของตน มีเกณฑ์ทางศาสนาในการประเมินปรากฏการณ์ชีวิต ขาดความสามารถในการรับรู้บุคคลในความยิ่งใหญ่แบบพอเพียงของตนภายนอก คำถามเกี่ยวกับการมีส่วนร่วมทางจิตวิญญาณกับโลกหรือพระเจ้า - ในเนเธอร์แลนด์ยุคใหม่ต้องเกิดขึ้นอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้หลังจากวิกฤตที่แข็งแกร่งและรุนแรงที่สุดของโลกทัศน์ก่อนหน้าทั้งหมดเท่านั้น หากในอิตาลียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงเป็นผลสืบเนื่องมาจากศิลปะของ Quattrocento แสดงว่าในเนเธอร์แลนด์ไม่มีความเชื่อมโยงดังกล่าว การเปลี่ยนผ่านไปสู่ยุคใหม่กลายเป็นความเจ็บปวดโดยเฉพาะอย่างยิ่ง เนื่องจากในหลาย ๆ ด้านมันนำไปสู่การปฏิเสธงานศิลปะก่อนหน้านี้ ในอิตาลี การแบ่งแยกประเพณีในยุคกลางเกิดขึ้นตั้งแต่ช่วงต้นศตวรรษที่ 14 และศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลียังคงรักษาความสมบูรณ์ของการพัฒนาไว้ตลอดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในเนเธอร์แลนด์ สถานการณ์ต่างออกไป การใช้มรดกยุคกลางในศตวรรษที่ 15 ทำให้ยากต่อการนำประเพณีที่เป็นที่ยอมรับในศตวรรษที่ 16 ไปใช้ สำหรับจิตรกรชาวดัตช์ เส้นแบ่งระหว่างศตวรรษที่ 15 และ 16 กลับกลายเป็นว่ามีความเกี่ยวข้องกับการแตกสลายของโลกทัศน์