ประเภทของชื่อเพลง งานดนตรีและแนวดนตรี

ต่อจากบทความชุดเกี่ยวกับทฤษฎีดนตรี เราอยากจะบอกคุณเกี่ยวกับวิธีการสร้างและพัฒนาแนวเพลง หลังจากบทความนี้ คุณจะไม่มีวันสับสนระหว่างแนวดนตรีกับสไตล์ดนตรีอีกต่อไป

ก่อนอื่น เรามาดูกันว่าแนวคิดของ "ประเภท" และ "สไตล์" แตกต่างกันอย่างไร ประเภทเป็นงานประเภทหนึ่งที่มีการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ หมายถึงรูปแบบ เนื้อหา และวัตถุประสงค์ของเพลง แนวดนตรีเริ่มก่อตัวตั้งแต่ระยะแรกในการพัฒนาดนตรีในระบบของชุมชนดึกดำบรรพ์ จากนั้นดนตรีก็มาพร้อมกับกิจกรรมของมนุษย์ในทุกขั้นตอน ไม่ว่าจะเป็นชีวิตประจำวัน การทำงาน การพูด และอื่นๆ ดังนั้นจึงมีการสร้างหลักการประเภทหลักขึ้นซึ่งเราจะวิเคราะห์ด้านล่าง

สไตล์มันยังหมายถึงผลรวมของวัสดุ (ความกลมกลืน ท่วงทำนอง จังหวะ โพลีโฟนี) วิธีที่พวกมันถูกใช้ในบทเพลง โดยทั่วไป สไตล์จะขึ้นอยู่กับอิทธิพลของยุคใดยุคหนึ่งหรือจัดประเภทโดยผู้แต่ง กล่าวอีกนัยหนึ่ง สไตล์ คือชุดของวิธีการแสดงออกทางดนตรีที่กำหนดภาพและแนวคิดของดนตรี อาจขึ้นอยู่กับบุคลิกภาพของผู้แต่ง โลกทัศน์และรสนิยมของเขา และแนวทางดนตรีของเขา นอกจากนี้ สไตล์ยังเป็นตัวกำหนดแนวโน้มของดนตรี เช่น แจ๊ส ป๊อป ร็อค สไตล์โฟล์ค และอื่นๆ

ตอนนี้ขอกลับไปที่แนวเพลง มีหลักการประเภทหลักห้าประการซึ่งดังที่เราได้กล่าวไปแล้วว่ามีต้นกำเนิดมาจากชุมชนดึกดำบรรพ์:

• กำลังมอเตอร์
• ปาฐกถา
• สวดมนต์
• การส่งสัญญาณ
• ภาพเสียง

พวกเขากลายเป็นพื้นฐานของแนวเพลงที่ตามมาทั้งหมดที่ปรากฏพร้อมกับการพัฒนาดนตรี

ไม่นานหลังจากการก่อตัวของหลักการประเภทหลัก แนวเพลงและสไตล์ก็เริ่มเชื่อมโยงกันเป็นระบบเดียว ระบบสไตล์แนวเพลงดังกล่าวถูกสร้างขึ้นขึ้นอยู่กับกรณีที่เพลงถูกสร้างขึ้น นี่คือลักษณะที่ปรากฏของระบบสไตล์ประเภทซึ่งใช้ในลัทธิโบราณบางอย่างสำหรับพิธีกรรมโบราณและในชีวิตประจำวัน แนวเพลงมีลักษณะที่ประยุกต์ใช้มากขึ้นซึ่งก่อให้เกิดภาพสไตล์และองค์ประกอบบางอย่างของดนตรีโบราณ

บนผนังของปิรามิดอียิปต์และปาปิริโบราณที่รอดตายพบแนวเพลงพิธีกรรมและเพลงสวดซึ่งส่วนใหญ่มักเล่าเกี่ยวกับเทพเจ้าอียิปต์โบราณ

เชื่อกันว่าดนตรีโบราณได้รับจุดสูงสุดของการพัฒนาอย่างแม่นยำในกรีกโบราณ ในดนตรีกรีกโบราณมีการค้นพบรูปแบบบางอย่างตามโครงสร้างของมัน

ด้วยวิธีการที่สังคมพัฒนาขึ้น ดนตรีก็เช่นกัน ในวัฒนธรรมยุคกลาง แนวเสียงร้องและเสียงร้องแบบใหม่ได้ก่อตัวขึ้นแล้ว ในยุคนี้ แนวเพลงเช่นเกิดในยุโรป:

• Organum เป็นเพลงโพลีโฟนิกรูปแบบแรกสุดในยุโรป ประเภทนี้ใช้ในโบสถ์และเจริญรุ่งเรืองในโรงเรียนปารีสของ Notre Dame
• โอเปร่าเป็นงานดนตรีและละคร
• การร้องเพลงประสานเสียง - การร้องเพลงคาทอลิกหรือโปรเตสแตนต์
• Motet เป็นแนวเสียงที่ใช้ทั้งในโบสถ์และกิจกรรมทางสังคม สไตล์ของเขาขึ้นอยู่กับข้อความ
• Condukt เป็นเพลงยุคกลาง เนื้อเพลงซึ่งส่วนใหญ่มักจะเกี่ยวกับจิตวิญญาณและศีลธรรม จนถึงขณะนี้ พวกเขาไม่สามารถถอดรหัสบันทึกความประพฤติในยุคกลางได้อย่างแม่นยำ เนื่องจากไม่มีจังหวะที่แน่นอน
• พิธีมิสซาเป็นพิธีในโบสถ์คาทอลิก บังสุกุลยังรวมอยู่ในประเภทนี้
• Madrigal เป็นผลงานเล็กๆ น้อยๆ เกี่ยวกับธีมความรักที่เป็นโคลงสั้น ๆ แนวเพลงนี้มีต้นกำเนิดในอิตาลี
• Chanson - แนวเพลงนี้มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสและเพลงร้องประสานเสียงของชาวนาในขั้นต้นเป็นของมัน
• Pavana - การเต้นรำที่ไหลลื่นที่เปิดงานฉลองในอิตาลี
• Galliarda เป็นการเต้นรำที่สนุกสนานและเป็นจังหวะที่มีพื้นเพมาจากอิตาลี
• Allemande - ขบวนแห่ที่มีต้นกำเนิดในประเทศเยอรมนี

วี XVII-XVIIIหลายศตวรรษในอเมริกาเหนือ ดนตรีชนบท - เพลงคันทรี่ - พัฒนาค่อนข้างแข็งขัน แนวเพลงนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากดนตรีโฟล์กไอริชและสก็อตแลนด์ เนื้อเพลงของเพลงดังกล่าวมักจะบอกเกี่ยวกับความรัก ชีวิตในชนบท และชีวิตคาวบอย

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 คติชนวิทยาได้พัฒนาอย่างแข็งขันในละตินอเมริกาและแอฟริกา ในชุมชนชาวอเมริกันเชื้อสายแอฟริกัน บลูส์กำลังเกิดขึ้น ซึ่งเดิมเป็น "เพลงทำงาน" ที่มาพร้อมกับการทำงานในสนาม เพลงบลูส์ยังอิงจากเพลงบัลลาดและบทสวดทางศาสนา เพลงบลูส์เป็นพื้นฐานของแนวเพลงใหม่ - แจ๊ส ซึ่งเป็นผลมาจากการผสมผสานระหว่างวัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรป แจ๊สเริ่มแพร่หลายและแพร่หลายมาก

แนวเพลงแจ๊สและบลูส์ ริทึมแอนด์บลูส์ (R'n'B) เป็นแนวเพลงและการเต้นรำ ปรากฏขึ้นในช่วงปลายยุค 40 เขาค่อนข้างเป็นที่นิยมในหมู่คนหนุ่มสาว ต่อจากนั้นความกลัวและจิตวิญญาณก็ปรากฏขึ้นภายในกรอบของประเภทนี้

เป็นเรื่องแปลกที่แนวเพลงป๊อปปรากฏในปี ค.ศ. 1920 ร่วมกับแนวเพลงแอฟริกันอเมริกันเหล่านี้ แนวเพลงนี้มีต้นกำเนิดมาจากดนตรีโฟล์ก สตรีทโรแมนซ์ และเพลงบัลลาด เพลงป๊อปมักจะผสมผสานกับแนวเพลงอื่นๆ เพื่อสร้างสไตล์ดนตรีที่น่าสนใจ ในยุค 70 สไตล์ดิสโก้กลายเป็นส่วนหนึ่งของเพลงป๊อป ซึ่งกลายเป็นเพลงแดนซ์ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในขณะนั้น โดยบดบังร็อคแอนด์โรล

ในยุค 50 ร็อคพุ่งขึ้นสู่อันดับของแนวเพลงที่มีอยู่แล้ว ซึ่งมีต้นกำเนิดอยู่ในเพลงบลูส์ โฟล์ค และคันทรี กลายเป็นที่นิยมอย่างรวดเร็วและขยายไปสู่รูปแบบต่างๆ มากมาย ผสมผสานกับแนวเพลงอื่นๆ

สิบปีต่อมา แนวเร้กเก้ก่อตั้งขึ้นในจาไมก้า ซึ่งแพร่หลายในช่วงทศวรรษ 70 เร้กเก้มีพื้นฐานมาจากเมนโต ซึ่งเป็นแนวเพลงพื้นบ้านจาเมกา

ในปี 1970 แร็พปรากฏตัวขึ้นซึ่งดีเจชาวจาเมกา "ส่งออก" ไปยังบรองซ์ ผู้ก่อตั้งแร็พคือ DJ Kool Herc ในขั้นต้น การอ่านแร็พเพื่อความเพลิดเพลินเพื่อระบายอารมณ์ พื้นฐานของแนวเพลงนี้คือจังหวะซึ่งกำหนดจังหวะของการท่อง

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ได้สร้างชื่อเสียงให้กับตัวเองเป็นแนวเพลง เป็นเรื่องแปลกที่ไม่ได้รับการยอมรับในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เมื่อเครื่องมืออิเล็กทรอนิกส์เครื่องแรกปรากฏขึ้น ประเภทนี้เกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์ดนตรีโดยใช้เครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ เทคโนโลยี และโปรแกรมคอมพิวเตอร์

แนวเพลงที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 20 มีหลายรูปแบบ ตัวอย่างเช่น:

แจ๊ส:

• นิวออร์ลีนส์ แจ๊ส
• Dixieland
• แกว่ง
• ชิงช้าตะวันตก
• ตะบัน
• ฮาร์ดบ็อบ
• Boogie Woogie
• แจ๊สสุดเท่
• โมดัลหรือโมดัลแจ๊ส
• แจ๊สเปรี้ยวจี๊ด
• โซลแจ๊ส
• ฟรีแจ๊ส
• Bossa nova หรือแจ๊สลาตินอเมริกา
• ซิมโฟนิกแจ๊ส
• ความก้าวหน้า
• ฟิวชั่นหรือแจ๊สร็อค
• แจ๊สไฟฟ้า
• กรดแจ๊ส
• ครอสโอเวอร์
• แจ๊สสมูท

• คาบาเร่ต์
• การแสดงของนักดนตรี
• หอดนตรี
• ดนตรี
• แร็กไทม์
• ห้องนั่งเล่น
• ครอสโอเวอร์สุดคลาสสิค
• ป๊อปประสาทหลอน
• อิตาโลดิสโก้
• ยูโรดิสโก้
• พลังงานสูง
• นูดิสโก้
• ดิสโก้อวกาศ
• เย้เย้
• เคป๊อป
• ยูโรป็อป
• เพลงป๊อปอาหรับ
• เพลงป๊อปรัสเซีย
• ริกซาร์
• ไลก้า
• เพลงป๊อปลาติน
• เจป๊อป

• ร็อคแอนด์โรล
• บิ๊กบิต
• อะบิลลี
• ไซโคบิลลี่
• Neorocabilly
• สคิฟเฟิล
• ดูวอป
• บิด
• อัลเทอร์เนทีฟร็อก (อินดี้ร็อก / คอลเลจร็อก)
• เสื่อร็อค
• แมดเชสเตอร์
• กรันจ์
• ดูรองเท้า
• บริตป็อป
• เสียงร็อค
• เสียงป๊อป
• โพสต์กรันจ์
• Lo-Fi
• อินดี้ป็อป
• ทวิป๊อป
• อาร์ท ร็อค (โปรเกรสซีฟ ร็อค)
• แจ๊สร็อค
• เคราท์ร็อค
• โรงรถร็อค
• Freakbeat
• แกลมร็อค
• คันทรีร็อค
• เมอร์ซิบิต
• โลหะ (ฮาร์ดร็อค)
• โลหะแนวหน้า
• โลหะทางเลือก
• โลหะดำ
• เมทัลสีดำไพเราะ
• โลหะสีดำไพเราะ
• ทรู แบล็ค เมทัล
• โลหะไวกิ้ง
• โลหะกอธิค
• ดูมเมทัล
• โลหะมรณะ
• เมโลดี้เดธเมทัล
• เมทัลคอร์
• โลหะใหม่
• พาวเวอร์เมทัล
• โลหะโปรเกรสซีฟ
• ความเร็วโลหะ
• สโตเนอร์ ร็อค
• แทรชเมทัล
• โลหะพื้นบ้าน
• โลหะหนัก
• คลื่นลูกใหม่
• ร็อครัสเซีย
• ผับร็อค
• พังค์ร็อก
• สกาพังค์
• ป๊อปพังก์
• พังค์เปลือกโลก
• ไม่ยอมใครง่ายๆ
• ครอสโอเวอร์
• ชาวบ้านจลาจล
• ป๊อปร็อค
• โพสต์พังก์
• กอธิคร็อค
• ไม่มีคลื่น
• เส้น
• ไซเคเดลิคร็อก
• ซอฟร็อค
• ร็อคพื้นบ้าน
• เทคโนร็อค

อย่างที่คุณเห็นมีหลายสไตล์ จะใช้เวลามากในการแสดงรายการทั้งหมด ดังนั้นเราจะไม่ทำเช่นนี้ สิ่งสำคัญคือตอนนี้คุณรู้แล้วว่าแนวเพลงยอดนิยมสมัยใหม่ปรากฏขึ้นอย่างไร และคุณจะไม่สับสนระหว่างประเภทและสไตล์อีกต่อไป

เราเตือนคุณทันทีว่าเป็นเรื่องยากมากที่จะตอบคำถามว่าเพลงประเภทใดอยู่ในบทความเดียว ตลอดประวัติศาสตร์ของดนตรี แนวเพลงมากมายได้สะสมจนไม่สามารถวัดได้ด้วยปทัฏฐาน: ร้องประสานเสียง โรแมนติก คันทาทา วอลทซ์ ซิมโฟนี บัลเลต์ โอเปร่า โหมโรง ฯลฯ

เป็นเวลาหลายทศวรรษที่นักดนตรี "หอกหัก" ที่พยายามจัดประเภทแนวดนตรี (โดยธรรมชาติของเนื้อหา ตามหน้าที่ เป็นต้น) แต่ก่อนที่จะพูดถึงการจัดประเภท เรามาทำความเข้าใจแนวความคิดของประเภทกันก่อนดีกว่า

ประเภทของดนตรีคืออะไร?

ประเภทเป็นรูปแบบหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับดนตรีโดยเฉพาะ เขามีเงื่อนไขบางประการในการปฏิบัติงาน วัตถุประสงค์ รูปแบบ และลักษณะของเนื้อหา ดังนั้นเป้าหมายของเพลงกล่อมเด็กคือการทำให้ทารกสงบลง ดังนั้นเสียงสูงต่ำที่ "ไหว" และจังหวะที่เป็นลักษณะเฉพาะจึงเป็นเรื่องปกติสำหรับเธอ c - วิธีการแสดงดนตรีทั้งหมดได้รับการปรับให้เข้ากับขั้นตอนที่ชัดเจน

ประเภทของดนตรีคืออะไร: การจำแนกประเภท

การจำแนกประเภทที่ง่ายที่สุดนั้นเป็นไปตามวิธีการแสดง เหล่านี้เป็นสองกลุ่มใหญ่:

• เครื่องดนตรี (march, waltz, etude, sonata, ความทรงจำ, ซิมโฟนี)
• แนวเสียง (เพลง, เพลง, โรแมนติก, คันตา, โอเปร่า, ละครเพลง)

ประเภทของประเภทอื่นที่เกี่ยวข้องกับการตั้งค่าของการแสดง มันเป็นของ A. Sokhor นักวิทยาศาสตร์ที่อ้างว่าแนวดนตรีคือ:

• พิธีกรรมและลัทธิ (สดุดี, มวล, บังสุกุล) - มีลักษณะเป็นภาพทั่วไป, การครอบงำของหลักการร้องประสานเสียงและอารมณ์เดียวกันในหมู่ผู้ฟังส่วนใหญ่
• มวลครัวเรือน (ความหลากหลายของเพลง, การเดินขบวนและการเต้นรำ: polka, waltz, ragtime, ballad, anthem) - แตกต่างกันในรูปแบบที่เรียบง่ายและน้ำเสียงที่คุ้นเคย
• ประเภทคอนเสิร์ต (oratorio, sonata, quartet, symphony) - การแสดงทั่วไปในคอนเสิร์ตฮอลล์, โทนโคลงสั้น ๆ เป็นการแสดงออกของผู้เขียน;
• ประเภทละคร (ดนตรี, โอเปร่า, บัลเล่ต์) - พวกเขาต้องการการกระทำโครงเรื่องและฉาก

นอกจากนี้ ประเภทตัวเองยังสามารถแบ่งออกเป็นประเภทอื่นๆ ดังนั้นโอเปร่าซีเรีย (โอเปร่า "จริงจัง") และโอเปร่า - บัฟฟา (การ์ตูน) ก็เป็นประเภทเช่นกัน ในเวลาเดียวกัน ยังมีอีกหลายสายพันธุ์ที่สร้างแนวเพลงใหม่ๆ (โอเปร่า โอเปร่า โอเปร่า โอเปร่า ฯลฯ)

ชื่อประเภท

สามารถเขียนหนังสือทั้งเล่มเกี่ยวกับชื่อแนวเพลงและลักษณะที่ปรากฏ ชื่อสามารถบอกเกี่ยวกับประวัติของประเภท: ตัวอย่างเช่นการเต้นรำเป็นหนี้ชื่อ "kryzhachok" เนื่องจากนักเต้นอยู่ในไม้กางเขน (จาก "kryzh" เบลารุส - ไม้กางเขน) น็อคเทิร์น ("กลางคืน" - แปลจากภาษาฝรั่งเศส) แสดงตอนกลางคืนในที่โล่ง บางชื่อมาจากชื่อของเครื่องดนตรี (ประโคม, มูเซตต์), อื่น ๆ จากเพลง (Marseillaise, Kamarinskaya)

ดนตรีมักจะได้รับชื่อประเภทหนึ่งเมื่อถูกถ่ายโอนไปยังสภาพแวดล้อมอื่น เช่น การเต้นรำพื้นบ้าน - สู่บัลเล่ต์ แต่มันก็เกิดขึ้นในทางตรงกันข้าม: นักแต่งเพลงใช้ธีม Seasons และเขียนงาน จากนั้นธีมนี้จะกลายเป็นประเภทที่มีรูปแบบเฉพาะ (4 ซีซั่นเป็น 4 ส่วน) และลักษณะของเนื้อหา

แทนที่จะได้ข้อสรุป

เมื่อพูดถึงประเภทของดนตรี เราไม่สามารถพลาดที่จะพูดถึงข้อผิดพลาดทั่วไปได้ นี่เป็นความสับสนในแนวความคิดเมื่อเรียกว่าประเภทคลาสสิก ร็อค แจ๊ส ฮิปฮอป สิ่งสำคัญคือต้องจำไว้ว่าประเภทนั้นเป็นแบบแผนบนพื้นฐานของการสร้างผลงานและสไตล์ค่อนข้างบ่งบอกถึงลักษณะเฉพาะของภาษาดนตรีของการสร้างสรรค์

ดนตรีถือกำเนิดขึ้นในสมัยโบราณเป็นวิธีหนึ่งในการแสดงออกทางศิลปะของความรู้สึกของมนุษย์ การพัฒนามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับความต้องการของสังคมมนุษย์มาโดยตลอด ในตอนแรก ดนตรีมีฐานะยากจนและไม่มีการแสดงออก แต่ตลอดหลายศตวรรษของการดำรงอยู่ ดนตรีได้กลายเป็นหนึ่งในศิลปะที่ซับซ้อนและแสดงออกมากที่สุด โดยมีพลังพิเศษในการโน้มน้าวบุคคล

ดนตรีคลาสสิกมีผลงานหลากหลายประเภท โดยแต่ละงานมีลักษณะเฉพาะ เนื้อหา และจุดประสงค์ของตนเอง งานดนตรีประเภทดังกล่าวเป็นเพลง, เต้นรำ, ทาบทาม, ซิมโฟนีและอื่น ๆ เรียกว่าประเภทและ

แนวดนตรีประกอบเป็นสองกลุ่มใหญ่ โดดเด่นด้วยวิธีการแสดง: เสียงร้องและ เครื่องมือ

เพลงแกนนำมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับข้อความบทกวีกับคำ แนวเพลงของเธอ - เพลง, โรแมนติก, คอรัส, โอเปร่า - เป็นผลงานที่เข้าถึงได้มากที่สุดและเป็นที่นิยมสำหรับผู้ฟังทุกคน พวกเขาจะดำเนินการโดยนักร้องพร้อมกับเครื่องดนตรีและเพลงและคณะนักร้องประสานเสียงมักจะดำเนินการโดยไม่มีการบรรเลง

เพลงพื้นบ้านเป็นรูปแบบศิลปะดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดโดยกำเนิด ก่อนที่ดนตรีอาชีพจะเริ่มพัฒนาขึ้น ภาพดนตรีและบทกวีที่สดใสก่อตัวขึ้นในเพลงพื้นบ้าน ซึ่งสะท้อนชีวิตของผู้คนได้อย่างน่าเชื่อถือและมีศิลปะ สิ่งนี้ยังปรากฏอยู่ในลักษณะของเพลงด้วย ในความคิดริเริ่มที่สดใสของโครงสร้างไพเราะ นั่นคือเหตุผลที่นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ยกย่องเพลงพื้นบ้านว่าเป็นแหล่งพัฒนาศิลปะดนตรีแห่งชาติ MI Glinka ผู้ก่อตั้งโอเปร่าและดนตรีไพเราะของรัสเซียกล่าวว่าไม่ใช่เราที่สร้าง แต่คนต่างหากที่สร้าง "แต่เราจัดการเท่านั้น" (กระบวนการ)

คุณสมบัติที่สำคัญของเพลงใด ๆ คือการทำซ้ำท่วงทำนองซ้ำ ๆ ด้วยคำที่ต่างกัน ในขณะเดียวกัน ท่วงทำนองหลักของเพลงก็ยังคงอยู่ในรูปแบบเดียวกัน แต่ทุกครั้งที่ข้อความบทกวีที่เปลี่ยนไปเล็กน้อยจะทำให้ได้เฉดสีที่สื่อความหมายใหม่

แม้แต่การบรรเลงที่ง่ายที่สุด - การบรรเลงด้วยบรรเลง - ช่วยเพิ่มความชัดเจนทางอารมณ์ของท่วงทำนองเพลง ให้ความสมบูรณ์และความสดใสเป็นพิเศษแก่เสียงของมัน และ "ทำให้" ภาพของข้อความบทกวีสมบูรณ์ด้วยเครื่องดนตรีที่ไม่สามารถถ่ายทอดในทำนองเพลงได้ ดังนั้นการบรรเลงเปียโนในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ของ Glinka "Night Marshmallows" และ "The Blues Fell Asleep" จึงจำลองการเคลื่อนไหวของคลื่นที่หมุนเป็นจังหวะและในเพลง "Lark" ของเขา - เสียงนกร้องเจี๊ยก ๆ ในเพลงบัลลาด "The Forest Tsar" ของ Franz Schubert ที่บรรเลงคลอ เราจะได้ยินเสียงม้าควบม้าอย่างโกรธจัด

ในผลงานของนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ XIX ควบคู่ไปกับเพลงโรแมนติกกลายเป็นแนวเพลงที่ชื่นชอบ นี่เป็นเสียงสั้น ๆ พร้อมเครื่องดนตรีประกอบ

โรมานซ์มักจะซับซ้อนกว่าเพลงมาก ท่วงทำนองแห่งความรักไม่ได้เป็นเพียงการแต่งเพลงในวงกว้างเท่านั้น แต่ยังไพเราะและเสียดสี ("ฉันไม่โกรธ" โดย Robert Schumann) ในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ เราสามารถพบกับภาพดนตรีที่ตัดกัน ("Night Marshmallow" โดย MI Glinka และ AS Dargomyzhsky "The Sleeping Princess" โดย AP Borodin) และการพัฒนาที่น่าทึ่งอย่างเข้มข้น ("ฉันจำช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยม" โดย Glinka บน Pushkin's กวี)

แนวเพลงของนักร้องบางประเภทมีไว้สำหรับกลุ่มนักแสดง: ดูเอ็ท (นักร้องสองคน), ทริโอ (สามคน), ควอเตต (สี่), ควินเท็ต (ห้า) ฯลฯ รวมทั้งคอรัส (ร้องเพลงขนาดใหญ่ กลุ่ม). แนวเพลงประสานเสียงสามารถเป็นอิสระหรือเป็นส่วนหนึ่งของงานดนตรีและละครที่ใหญ่ขึ้น: โอเปร่า oratorio, cantata นั่นคือการประพันธ์เพลงประสานเสียงของนักประพันธ์เพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ Georg Friedrich Handel และ Johann Sebastian Bach คณะนักร้องประสานเสียงในโอเปร่าที่กล้าหาญโดย Christoph Gluck ในมหากาพย์อันยิ่งใหญ่และโอเปร่าที่กล้าหาญของนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซีย MIGlinka, AN Serov, AP Borodin, M P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, S. I. Taneyev ในตอนจบที่โด่งดังของ Ninth Symphony ของ Ludwig van Beethoven เชิดชูเสรีภาพ (ตามคำพูดของบทกวี "To Joy" โดย Friedrich Schiller) รูปภาพของเทศกาลอันงดงามของผู้คนนับล้านถูกทำซ้ำ ("Hug, Millions")

คณะนักร้องประสานเสียงที่สวยงามถูกสร้างขึ้นโดยนักประพันธ์เพลงโซเวียต D. D. Shostakovich, M. V. Koval, A. A. Davidenko คณะนักร้องประสานเสียง Davidenko "ในตอนที่สิบจากเมืองหลวง" อุทิศให้กับผู้ที่ตกเป็นเหยื่อของการประหารชีวิตเมื่อวันที่ 9 มกราคม ค.ศ. 1905; นักร้องประสานเสียงอีกคนของเขาเต็มไปด้วยความกระตือรือร้น - "ถนนวุ่นวาย" - แสดงถึงความปีติยินดีของผู้คนที่ล้มล้างระบอบเผด็จการในปี 2460

Oratorio เป็นงานที่สำคัญสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง นักร้องเดี่ยว และวงดุริยางค์ซิมโฟนี มันคล้ายกับโอเปร่า แต่แสดงในคอนเสิร์ตโดยไม่มีการตกแต่งเครื่องแต่งกายและการแสดงบนเวที (oratorio "On the Guard of the World" โดยนักแต่งเพลงโซเวียต S. Prokofiev)

cantata มีเนื้อหาที่ง่ายกว่าและมีขนาดเล็กกว่า oratorio มีเพลงโคลงสั้น ๆ เคร่งขรึมต้อนรับและแสดงความยินดีที่สร้างขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่วันครบรอบหรืองานสาธารณะ (เช่น "Cantata สำหรับการเปิดนิทรรศการโพลีเทคนิค") ของไชคอฟสกี) นักประพันธ์เพลงชาวโซเวียตก็หันมาใช้แนวเพลงประเภทนี้เช่นกัน โดยสร้างเพลงแนวร่วมสมัยและแนวประวัติศาสตร์ ("ดวงอาทิตย์ส่องแสงเหนือมาตุภูมิของเรา" โดย Shostakovich, "Alexander Nevsky" โดย Prokofiev)

แนวเพลงเสียงร้องที่ร่ำรวยและซับซ้อนที่สุดคือโอเปร่า มันรวมบทกวีและการแสดงละคร เสียงร้องและดนตรีบรรเลง การแสดงออกทางสีหน้า ท่าทาง การเต้นรำ ภาพวาด และเอฟเฟกต์แสงเข้าไว้ด้วยกัน แต่ทั้งหมดนี้อยู่ภายใต้หลักการทางดนตรีในโอเปร่า

บทบาทของการพูดภาษาพูดธรรมดาในโอเปร่าส่วนใหญ่ทำได้โดยการร้องเพลงหรือสวดมนต์ - การท่องจำ ในประเภทโอเปร่าเช่นละครเพลงตลกและละครตลกการร้องเพลงสลับกับคำพูดธรรมดา ("White Acacia" โดย IO Dunaevsky "Arshin Mal Alan" โดย Uzeyir Hajibeyov "Hoffmann's Tales" โดย Jacques Offenbach)

การแสดงโอเปร่ามีการเปิดเผยในฉากร้องเป็นหลัก: arias, cavatina, เพลง, วงดนตรีและนักร้องประสานเสียง Solo arias พร้อมด้วยเสียงอันทรงพลังของวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตรา สร้างเฉดสีที่ละเอียดอ่อนที่สุดของประสบการณ์ทางอารมณ์ของตัวละครหรือลักษณะภาพเหมือนของพวกเขา (ตัวอย่างเช่น เพลงของ Ruslan ในโอเปร่า Ruslan และ Lyudmila โดย Glinka, Igor และเพลงของ Konchak ใน Prince Igor โดย บโรดิน). การปะทะกันอย่างน่าทึ่งของความสนใจของตัวละครแต่ละตัวถูกเปิดเผยในชุด - duets, tercets, quartets (คู่ของ Yaroslavna และ Galitsky ในโอเปร่า "Prince Igor" โดย Borodin)

ในโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย เราพบตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของวงดนตรี: ละครคู่ของนาตาชาและเจ้าชาย (จากละครเรื่องแรกของ Rusalka โอเปร่าของ Dargomyzhsky) ทั้งสามคนที่เต็มไปด้วยอารมณ์ Don't Tommy, Darling (จากโอเปร่า Ivan Susanin โดย Glinka) คณะนักร้องประสานเสียงผู้ยิ่งใหญ่ในโอเปร่าโดย Glinka, Mussorgsky, Borodin สร้างภาพลักษณ์ของมวลชนขึ้นใหม่อย่างซื่อสัตย์

บทบรรเลงมีความสำคัญมากในโอเปร่า: การเดินขบวน การเต้นรำ และบางครั้งทั้งภาพดนตรี มักจะวางไว้ระหว่างการกระทำ ตัวอย่างเช่นในโอเปร่าของ Rimsky-Korsakov เรื่อง The Legend of the Invisible City of Kitezh และ Maiden Fevronia การแสดงภาพอันไพเราะของการต่อสู้ของกองทัพรัสเซียโบราณกับทวยราษฎร์ตาตาร์ - มองโกล (The Slaughter at Kerzhenets) ละครโอเปร่าเกือบทุกเรื่องเริ่มต้นด้วยการทาบทาม ซึ่งเป็นบทนำไพเราะ โดยทั่วไปแล้วจะเปิดเผยเนื้อหาของการแสดงละครของโอเปร่า

ดนตรีบรรเลงมีการพัฒนาบนพื้นฐานของเสียงร้อง เธอเติบโตจากเพลงและการเต้นรำ ดนตรีบรรเลงที่เก่าแก่ที่สุดรูปแบบหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับศิลปะพื้นบ้านคือรูปแบบที่มีรูปแบบต่างๆ

ผลงานดังกล่าวมีพื้นฐานมาจากการพัฒนาและดัดแปลงแนวความคิดทางดนตรีหลัก - แก่นเรื่อง ในเวลาเดียวกัน การเปลี่ยนเมโลดี้ ท่วงทำนอง จังหวะ และลักษณะของการบรรเลงประกอบ (แตกต่างกันไป) ให้เราระลึกถึงความผันแปรของเปียโนในเพลงรัสเซีย "ฉันควรออกไปที่แม่น้ำ" โดยนักดนตรีชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 I. Ye. Khandoshkina (ดูบทความ "Guss Music of the 18th Century") ในจินตนาการอันไพเราะของ Glinka "Kamarinskaya" เพลงแต่งงานที่ไหลลื่นอย่างแรก "จากด้านหลังภูเขา ภูเขาสูง" จะแปรเปลี่ยนไป ตามด้วยเพลงเต้นรำที่รวดเร็วของ "Kamarinskaya"

รูปแบบดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดอีกรูปแบบหนึ่งคือห้องชุด ซึ่งเป็นการสลับการเต้นรำและชิ้นส่วนต่างๆ ในชุดเต้นรำเก่าจากศตวรรษที่ 17 การเต้นรำ ตรงข้ามกัน จังหวะและจังหวะ แทนที่กัน: ช้าปานกลาง (เยอรมัน allemand) เร็ว (ฝรั่งเศส chime) ช้ามาก เคร่งขรึม (สเปน sarabanda) และรวดเร็ว (gigue รู้จักในหลายประเทศ) ในศตวรรษที่สิบแปด การเต้นรำที่สนุกสนานถูกแทรกระหว่าง sarabanda และ gigue: gavotte, burré, minuet และอื่น ๆ คีตกวีบางคน (เช่น บาค) มักจะเปิดห้องชุดด้วยท่อนเกริ่นนำที่ไม่มีรูปแบบการเต้น เช่น โหมโรง บททาบทาม

ผลงานดนตรีที่ต่อเนื่องกันเป็นชุดเดียวเรียกว่าวัฏจักร ขอให้เราระลึกถึงวัฏจักรเพลงของชูเบิร์ต "Miller's Love" และ "Winter Way" วัฏจักรเสียงร้องของ Schumann "Poet's Love" กับคำพูดของ Heinrich Heine แนวเพลงบรรเลงหลายประเภท ได้แก่ วงรอบ: หลากหลาย, สวีท, บรรเลงเพลง, ซิมโฟนี, โซนาต้า, คอนเสิร์ต

แต่เดิมคำว่า sonata (จากภาษาอิตาลี "เสียง") หมายถึงเครื่องดนตรีชิ้นใดก็ตาม ภายในสิ้นศตวรรษที่ 17 เท่านั้น ในผลงานของนักไวโอลินชาวอิตาลี Corelli มีการพัฒนาแนวเพลงโซนาตาที่แปลกประหลาดซึ่งประกอบด้วยการเคลื่อนไหว 4-6 ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในความนิยมมากที่สุด ตัวอย่างคลาสสิกของโซนาตาในการเคลื่อนไหวสองหรือสามครั้งในศตวรรษที่ 18 สร้างโดยนักประพันธ์เพลง Karl Philipp Emanuel Bach (บุตรชายของ J.S.Bach), Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, I.E. Handoshkin โซนาตาของพวกเขาประกอบด้วยหลายส่วน แตกต่างกันในภาพดนตรี การเคลื่อนไหวครั้งแรกที่กระฉับกระเฉงและพัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็ว ซึ่งมักจะสร้างขึ้นจากการวางแนวดนตรีสองรูปแบบที่ตัดกัน ถูกแทนที่ด้วยการเคลื่อนไหวที่สอง - บทเพลงที่ไพเราะและไพเราะ โซนาต้าจบลงด้วยตอนจบ - เพลงเร็ว แต่มีลักษณะแตกต่างจากการเคลื่อนไหวครั้งแรก บางครั้งส่วนที่ช้าก็ถูกแทนที่ด้วยชิ้นเต้นรำ - นาที นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Beethoven เขียนเพลงโซนาตาหลายชุดของเขาในสี่ส่วน โดยวางระหว่างส่วนที่ช้าและตอนจบของตัวละครแอนิเมชัน - minuet หรือ scherzo (จาก "เรื่องตลก") ของอิตาลี

ชิ้นส่วนสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยว (โซนาตา, แบบแปรผัน, สวีท, พรีลูด, ทันควัน, น็อคเทิร์น) ร่วมกับวงดนตรีบรรเลงต่างๆ (ทริโอ, ควอเทต) ประกอบเป็นสาขาของแชมเบอร์มิวสิก (ตามตัวอักษรว่า "บ้าน") ที่ออกแบบให้แสดงหน้าห้องที่ค่อนข้างเล็ก วงกลมของผู้ฟัง ในชุดแชมเบอร์ ชิ้นส่วนของเครื่องดนตรีทั้งหมดมีความสำคัญเท่าเทียมกัน และจำเป็นต้องมีการตกแต่งอย่างระมัดระวังเป็นพิเศษจากผู้แต่ง

ดนตรีไพเราะเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่สดใสที่สุดของวัฒนธรรมดนตรีโลก ผลงานที่ดีที่สุดสำหรับวงดุริยางค์ซิมโฟนีนั้นโดดเด่นด้วยความลึกและความสมบูรณ์ของการสะท้อนความเป็นจริง ความยิ่งใหญ่ของขนาด และในขณะเดียวกันด้วยความเรียบง่ายและการเข้าถึงได้ของภาษาดนตรีซึ่งบางครั้งได้รับความหมายและความฉลาดของ ภาพที่มองเห็นได้ งานไพเราะที่ยอดเยี่ยมโดยนักประพันธ์เพลง Haydn, Mozart, Beethoven, Liszt, Glinka, Balakirev, Borodin, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky และผลงานอื่น ๆ ถูกสร้างขึ้นสำหรับผู้ชมที่เป็นประชาธิปไตยในห้องโถงขนาดใหญ่

ประเภทหลักของดนตรีไพเราะคือการทาบทาม (เช่นทาบทามของเบโธเฟนต่อโศกนาฏกรรม "Egmont" โดยเกอเธ่), จินตนาการไพเราะ ("Francesca da Rimini" โดย Tchaikovsky), บทกวีไพเราะ ("Tamara" โดย Balakirev), ห้องไพเราะ (" Scheherazade" โดย Rimsky-Korsakov) และซิมโฟนี

ซิมโฟนี เช่น โซนาตา ประกอบด้วยส่วนต่างๆ ที่ตัดกันอย่างสดใส โดยปกติแล้วจะมีสี่ส่วน พวกเขาสามารถเปรียบเทียบได้กับการแสดงละครหรือบทของนวนิยายแต่ละบท ด้วยการผสมผสานของภาพดนตรีและการเคลื่อนไหวที่ตัดกันอย่างไม่สิ้นสุด - เร็ว ช้า เต้นเบา และจังหวะเร็วอีกครั้ง - นักแต่งเพลงสร้างแง่มุมต่างๆ ของความเป็นจริงขึ้นมาใหม่

นักประพันธ์เพลงไพเราะสะท้อนให้เห็นถึงธรรมชาติที่กระฉับกระเฉงและกระฉับกระเฉงในดนตรีของพวกเขา การต่อสู้กับความทุกข์ยากและอุปสรรคในชีวิต ความรู้สึกที่สดใสของเขา ความฝันแห่งความสุขและความทรงจำที่น่าเศร้า ความงามอันน่าหลงใหลของธรรมชาติ และด้วยสิ่งนี้ - ขบวนการปลดปล่อยอันทรงพลังของ มวลชน ฉากชีวิตพื้นบ้านและเทศกาลพื้นบ้าน

คอนเสิร์ตบรรเลงคล้ายกับซิมโฟนีและโซนาตาในรูปแบบ นี่เป็นงานที่ซับซ้อนมากสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยว (เปียโน ไวโอลิน คลาริเน็ต ฯลฯ) ที่มีดนตรีประกอบจากวงออเคสตรา ดูเหมือนว่าศิลปินเดี่ยวและวงออเคสตราจะแข่งขันกัน: วงออเคสตราอาจนิ่งเงียบ หลงใหลในความรู้สึกและความสง่างามของรูปแบบเสียงในส่วนของเครื่องดนตรีเดี่ยว แล้วขัดจังหวะ โต้เถียงกับมัน หรือเลือกอย่างทรงพลัง ขึ้นธีมของมัน

คอนเสิร์ตประกอบด้วยนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นหลายคนของศตวรรษที่ 17 และ 18 (โคเรลลี, วิวัลดี, ฮันเดล, บาค, ไฮเดน). อย่างไรก็ตาม ผู้สร้างคอนเสิร์ตคลาสสิกคือ Mozart นักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Dvorak, Grieg, Tchaikovsky, Glazunov, Rachmaninov, นักแต่งเพลงชาวโซเวียต A. Khachaturyan, D. Kabalevsky เขียนคอนเสิร์ตที่ยอดเยี่ยมสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ (ส่วนใหญ่มักจะสำหรับเปียโนหรือไวโอลิน)

ประวัติศาสตร์ดนตรีที่มีอายุหลายศตวรรษบอกเราว่ารูปแบบและแนวดนตรีต่างๆ ถือกำเนิดและพัฒนาอย่างไรในช่วงหลายศตวรรษที่ผ่านมา บางคนมีอยู่ในช่วงเวลาสั้น ๆ คนอื่น ๆ ได้ผ่านการทดสอบของเวลา ตัวอย่างเช่น ในประเทศประเภทค่ายสังคมนิยมของดนตรีคริสตจักรกำลังจะหมดไป แต่นักแต่งเพลงของประเทศเหล่านี้สร้างแนวเพลงใหม่เช่นผู้บุกเบิกและเพลงคมโสมมเพลงของนักสู้เพื่อสันติภาพ

หากคุณพบข้อผิดพลาด โปรดเลือกข้อความและกด Ctrl + Enter.

รวบรวมโดย:

Solomonova N.A.

ในวรรณคดีดนตรี นักวิทยาศาสตร์มักหันมาพัฒนาแนวคิดเช่นรูปแบบและประเภทน้อยกว่าตัวอย่างเช่นในการวิจารณ์วรรณกรรมซึ่งนักวิจัยหลายคนชี้ให้เห็นซ้ำแล้วซ้ำอีก สถานการณ์นี้เองที่กระตุ้นให้เราหันไปเขียนเรื่องย่อนี้

แนวคิดของสไตล์สะท้อนถึงความสัมพันธ์ทางวิภาษระหว่างเนื้อหาและรูปแบบของงาน ความธรรมดาของสภาพทางประวัติศาสตร์ โลกทัศน์ของศิลปิน และวิธีการสร้างสรรค์ของพวกเขา

แนวคิดของ "สไตล์" เกิดขึ้นในช่วงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเมื่อปลายศตวรรษที่สิบหก และรวมถึงหลายแง่มุม:

ลักษณะเฉพาะของงานของนักแต่งเพลงโดยเฉพาะ

ลักษณะการเขียนทั่วไปของกลุ่มผู้แต่ง (แบบโรงเรียน);

คุณสมบัติของงานของคีตกวีของประเทศใดประเทศหนึ่ง (แบบประจำชาติ);

คุณสมบัติของผลงานที่รวมอยู่ในกลุ่มประเภทใด ๆ - สไตล์ประเภท (แนวคิดนี้แนะนำโดย A.N.Sokhor ในงานของเขา "ธรรมชาติที่สวยงามของแนวเพลง")

แนวคิดของ "สไตล์" ใช้กันอย่างแพร่หลายในความสัมพันธ์กับอุปกรณ์การแสดง (เช่น สไตล์เสียงร้องของมุสซอร์กสกี สไตล์เปียโนของโชแปง สไตล์ออร์เคสตราของแวกเนอร์ เป็นต้น) นักดนตรี วาทยกรยังนำการตีความที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเองมาสู่สไตล์ของงานที่ดำเนินการ และเรายังสามารถรับรู้ถึงนักแสดงที่มีพรสวรรค์และโดดเด่นเป็นพิเศษด้วยการตีความที่เป็นเอกลักษณ์ของพวกเขา โดยธรรมชาติของเสียงของงาน เหล่านี้เป็นนักดนตรีที่ยอดเยี่ยมเช่น Richter, Gilels, Sofronitsky, Oistrakh, Kogan, Kheifets, ผู้ควบคุมวง Mravinsky, Svetlanov, Klemperer, Nikish, Karoyan เป็นต้น

ในบรรดาการศึกษาที่มีชื่อเสียงที่สุดเกี่ยวกับปัญหาของสไตล์ดนตรีในหลอดเลือดดำนี้ควรตั้งชื่องานต่อไปนี้: "Beethoven and His Three Styles" โดย AN Serov "คุณสมบัติของสไตล์ Shostakovich" (รวบรวมบทความ) "สไตล์ของ ซิมโฟนีของ Prokofiev" โดย M.Ye. Tarakanov "เพื่อแก้ปัญหาสไตล์ I. Brahms" โดย EM Tsareva หรือ "หลักศิลปะของรูปแบบดนตรี" โดย S.S.Skrebkov "สไตล์คลาสสิกในดนตรีของХУ111 - ต้นХ1Хศตวรรษ; การตระหนักรู้ในตนเองของยุคสมัยและการฝึกฝนดนตรี "โดย LV Kirillina" การศึกษาเกี่ยวกับโชแปง "โดย LA Mazel ซึ่งเขาตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้องว่าการวิเคราะห์งานเฉพาะนั้นเป็นไปไม่ได้โดยไม่คำนึงถึงรูปแบบทางประวัติศาสตร์ทั่วไปของรูปแบบนี้และ การเปิดเผยเนื้อหาของงานเป็นไปไม่ได้หากไม่มีความเข้าใจที่ชัดเจนเกี่ยวกับความหมายที่แสดงออกของอุปกรณ์ที่เป็นทางการบางอย่างในรูปแบบนี้ การวิเคราะห์อย่างละเอียดถี่ถ้วนของเพลงที่อ้างว่าเป็นความสมบูรณ์แบบทางวิทยาศาสตร์ ควรมีข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับความคุ้นเคยอย่างลึกซึ้งและครอบคลุมเกี่ยวกับสไตล์นี้ ที่มาและความหมายทางประวัติศาสตร์ เนื้อหา และเทคนิคที่เป็นทางการ

นักวิทยาศาสตร์เสนอคำจำกัดความหลายประการ

สไตล์ดนตรีเป็นระบบของการคิดทางศิลปะ แนวความคิดเชิงอุดมการณ์และศิลปะ รูปภาพ และวิธีการของศูนย์รวมที่เกิดขึ้นบนพื้นฐานทางสังคมและประวัติศาสตร์บางอย่าง (แอล.เอ. มาเซล)

สไตล์ดนตรีเป็นคำศัพท์ในการวิจารณ์ศิลปะที่แสดงลักษณะของระบบวิธีการแสดงออกซึ่งทำหน้าที่เป็นศูนย์รวมของเนื้อหาเชิงอุดมคติหรือเป็นรูปเป็นร่าง (E.M. Tsareva)

สไตล์เป็นคุณสมบัติ (ตัวละคร) หรือคุณสมบัติหลักที่สามารถแยกแยะงานของนักแต่งเพลงคนหนึ่งจากอีกคนหนึ่งหรืองานในยุคประวัติศาสตร์หนึ่ง ... จากอีกคนหนึ่ง (B.V. Asafiev)

สไตล์เป็นคุณสมบัติพิเศษ หรือมากกว่า คุณภาพของปรากฏการณ์ทางดนตรี มันถูกครอบครองโดยงานหรือประสิทธิภาพการทำงาน การแก้ไข การตัดสินใจทางวิศวกรรมที่ดี หรือแม้แต่คำอธิบายของงาน แต่เมื่ออยู่ในงานหนึ่ง อีกงานหนึ่งในสาม ฯลฯ รับรู้ถึงความเป็นเอกเทศของนักแต่งเพลงนักแสดงล่ามที่อยู่เบื้องหลังดนตรีโดยตรง

สไตล์ดนตรีคือคุณภาพที่โดดเด่นของการสร้างสรรค์ดนตรีที่เป็นส่วนหนึ่งของชุมชนพันธุกรรมเฉพาะ (มรดกของนักแต่งเพลง โรงเรียน ทิศทาง ยุค ผู้คน ฯลฯ) ซึ่งช่วยให้คุณสัมผัส รับรู้ กำหนดกำเนิดได้โดยตรง และปรากฏให้เห็นในภาพรวมทั้งหมดโดยไม่มีข้อยกเว้น คุณสมบัติของดนตรีที่รับรู้ รวมอยู่ในระบบแบบองค์รวมรอบความซับซ้อนของลักษณะเฉพาะที่โดดเด่น (อี.วี. นาไซกินสกี้).

ตามที่นักวิทยาศาสตร์ระบุว่าโวหารและคุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของดนตรีมีความโดดเด่นและสามารถนำมาประกอบกับคุณลักษณะเฉพาะของสไตล์ได้

ผลงานของนักประพันธ์เพลงอินดี้วิดัลมักจะน่าสนใจที่สุดสำหรับนักวิจัย "สไตล์ในดนตรีเช่นเดียวกับในศิลปะประเภทอื่น ๆ เป็นการแสดงออกถึงลักษณะของคนที่มีความคิดสร้างสรรค์ที่สร้างดนตรีหรือตีความมัน" (EV Nazaikinsky) นักวิทยาศาสตร์ให้ความสนใจอย่างจริงจังกับวิวัฒนาการของสไตล์ผู้แต่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่ง รูปแบบของเบโธเฟนทั้งสามที่ดึงดูดความสนใจของ Serov ได้ระบุไว้ข้างต้น นักวิจัยกำลังศึกษารูปแบบ Scriabin ในระยะแรก เป็นผู้ใหญ่ และปลาย ฯลฯ อย่างรอบคอบ

"เอฟเฟกต์ของความแน่นอนของสไตล์" (E. Nazaikinsky) ให้ความหมายและคุณสมบัติของโวหารที่โดดเด่นที่สุดซึ่งมีความโดดเด่นและสามารถนำมาประกอบกับคุณลักษณะเฉพาะของสไตล์ จากพวกเขา ผู้ฟังจะรู้จักสไตล์ของงานนี้หรืองานนั้น ลายมือของผู้แต่ง สไตล์การแสดงของล่ามตัวนี้หรือตัวนั้น ตัวอย่างเช่นการเลี้ยวฮาร์มอนิกซึ่งเป็นลักษณะของ Grieg คือการเปลี่ยนเสียงเปิดไม่ใช่ยาชูกำลัง แต่เป็นระดับที่ห้าของขนาด (Concerto for Piano with Oskestr - คอร์ดเปิดเพลง "Solveig Song" ที่มีชื่อเสียงจากห้องชุด "Peer Gynt" หรือท่าจากมากไปน้อยที่ผู้แต่งมักใช้ในขั้นที่ห้าผ่านขั้นที่หก (Lyric pieces, "Waltz" in A minor) หรือ "Rachmaninov's Harmony" ที่มีชื่อเสียง - คอร์ดที่เกิดขึ้นจาก ขั้นตอนที่สี่หกเจ็ดยกและสามโดยอนุญาตให้ยาชูกำลังในตำแหน่งไพเราะที่สาม (วลีเริ่มต้นเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ที่โด่งดังของเขา "โอ้อย่าเศร้า!" - มีตัวอย่างมากมายพวกเขาสามารถดำเนินการต่อได้ อย่างไม่รู้จบ

คุณลักษณะที่สำคัญมากของสไตล์คือการตรึงและการแสดงออกของเนื้อหาบางอย่างตามที่ E.V. Nazaikinsky, M.K. Mikhailov, L.P. Kazantseva, A.Yu. Kudryashov ชี้ให้เห็น

ลักษณะเฉพาะของรูปแบบประจำชาติสามารถสืบย้อนได้ ประการแรก ที่มาของคติชนวิทยาและความคิดสร้างสรรค์ของนักประพันธ์เพลงมืออาชีพมีความสัมพันธ์กันภายในกรอบของรูปแบบประจำชาติอย่างไร ตามที่ E.V. Nazaikinsky บันทึกอย่างถูกต้อง - ทั้งเนื้อหาพื้นบ้านและหลักการของดนตรีพื้นบ้านและองค์ประกอบเฉพาะสามารถทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของความคิดริเริ่มของรูปแบบแห่งชาติทั่วไป การวัดและธรรมชาติของการตระหนักรู้ของการเป็นของชาติใดประเทศหนึ่ง รวมถึงการสะท้อนของสิ่งนี้ในความคิดสร้างสรรค์ ส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับปฏิสัมพันธ์ของวัฒนธรรมพื้นเมืองกับวัฒนธรรมต่างประเทศและองค์ประกอบของพวกเขาในสิ่งที่ประเทศและวัฒนธรรมอื่น ๆ เข้ามาติดต่อกับ. แม้แต่รูปแบบเฉพาะตัวที่แข็งแกร่งและสว่างที่สุดในกระบวนการของการก่อตัวและการพัฒนาก็ถูกสื่อกลางโดยรูปแบบของโรงเรียน ยุคสมัย วัฒนธรรมและผู้คน ฉันจำคำพูดที่ยอดเยี่ยมของ VG Belinsky - "ถ้ากระบวนการพัฒนาวัฒนธรรมของคนคนหนึ่งผ่านการยืมจากคนอื่น - อย่างไรก็ตามมันเกิดขึ้น n และ n al มิฉะนั้นจะไม่มีความคืบหน้า"

การวิเคราะห์ภาษาดนตรีของงาน - ลักษณะของท่วงทำนอง, ความกลมกลืน, จังหวะ, รูปแบบ, เนื้อสัมผัส - เป็นข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการกำหนดลักษณะเฉพาะของสไตล์

ในวรรณคดีดนตรี ทฤษฎีต่างๆ ได้พัฒนาทฤษฎีขึ้นมามากมายที่อธิบายขั้นตอนทางประวัติศาสตร์ของแต่ละบุคคลในการก่อตัวของรูปแบบต่างๆ - บาร็อค โรโกโก คลาสสิก แนวโรแมนติก อิมเพรสชั่นนิสม์ การแสดงออก ฯลฯ เนื้อหาของการศึกษาเหล่านี้เผยให้เห็นถึงหลักการพื้นฐานชั้นนำที่รวมงานดนตรีเข้าไว้ด้วยกัน หนึ่งยุคประวัติศาสตร์ สร้างขึ้นในประเทศต่าง ๆ โรงเรียนระดับชาติต่างกัน ฯลฯ ซึ่งให้แนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของเวทีประวัติศาสตร์ ภาษาดนตรี และยุคโดยรวม ในหนังสือที่มีชื่อเสียงของเขา "พงศาวดารแห่งชีวิตของฉัน" IF Stravinsky เขียนว่า: "หลักคำสอนทุกข้อต้องมีวิธีการแสดงออกพิเศษสำหรับการใช้งานและด้วยเหตุนี้เทคนิคพิเศษ ท้ายที่สุดไม่มีใครสามารถจินตนาการถึงเทคนิคในงานศิลปะที่จะไม่เป็นไปตามระบบความงามบางอย่าง "

แต่ละสไตล์มีคุณสมบัติพิเศษของตัวเอง ดังนั้น สำหรับ barok เกี่ยวกับความยิ่งใหญ่ของรูปแบบ รวมทั้งรูปแบบวงเวียนขนาดใหญ่ ความแตกต่างหลายแง่มุม การตีข่าวของหลักการเขียนดนตรีแบบโพลีโฟนิกและโฮโมโฟนิกนั้นมีอยู่โดยธรรมชาติ ชุดนาฏศิลป์แบบบาโรกตามที่ A.Yu. Kudryashov ระบุไว้ โดยทั่วไปแสดงถึงการเคลื่อนไหวพร้อมกันในสอง hypostases - เป็นศูนย์รวมของอารมณ์หลักสี่ประการของมนุษย์และเป็นขั้นตอนในการไหลของความคิดของมนุษย์ ( allemand เศร้า - "วิทยานิพนธ์" เจ้าอารมณ์ chime - "การพัฒนาวิทยานิพนธ์", sarabanda เฉื่อย - "การต่อต้านวิทยานิพนธ์", gigue ร่าเริง - "การพิสูจน์วิทยานิพนธ์"

ตามที่ระบุไว้โดย O. Zakharova การแสดงสาธารณะของศิลปินเดี่ยวเริ่มมีบทบาทสำคัญ การจัดสรรของพวกเขาไปยังสถานที่แรกที่มองเห็นได้ต่อสาธารณชนในขณะที่คณะนักร้องประสานเสียงและวงดนตรีซึ่งก่อนหน้านี้อยู่ต่อหน้าต่อตาผู้ชมโดยตรง พื้นหลัง.

ในยุคบาโรกประเภทโอเปร่าพัฒนาอย่างรวดเร็วและในขณะที่ V. Martynov บันทึกอย่างถูกต้องโอเปร่าได้กลายเป็นวิธีการดำรงอยู่ของดนตรีเนื้อหา ... และเมื่อนักประพันธ์เพลงบาโรกเขียนมวลชนและโมเต็ตฝูงและโมเท็ตของพวกเขาก็เหมือนกัน อุปรากรหรือเศษเสี้ยวของโอเปร่าที่มีความแตกต่างเพียงอย่างเดียวคืออิงตามตำราศักดิ์สิทธิ์ซึ่งกลายเป็นเป้าหมายของ "การแสดงดนตรี"

แก่นของดนตรีบาโรกคือเอฟเฟกต์ที่เข้าใจในยุคนั้นว่าเป็นการแสดงออกถึงความรู้สึกที่มีแนวคิดเรื่องนิรันดร์ “จุดประสงค์ของดนตรีคือเพื่อให้เรามีความสุขและกระตุ้นความรู้สึกต่างๆ ในตัวเรา” R. Descartes เขียนไว้ในบทความเรื่อง “The Compendium of Music” A. Kircher จำแนกประเภทของผลกระทบ - ความรัก, ความเศร้า, ความกล้าหาญ, ความสุข, ความพอประมาณ, ความโกรธ, ความยิ่งใหญ่, ความศักดิ์สิทธิ์, จากนั้น - I. Walter - ความรัก, ความทุกข์, ความสุข, ความโกรธ, ความเห็นอกเห็นใจ, ความกลัว, ความร่าเริง, ความประหลาดใจ

นักแต่งเพลงในยุคบาโรกให้ความสนใจอย่างมากกับการออกเสียงคำในภาษาพื้นเมืองตามกฎหมายของ r และ t o r และ k และ ตามคำกล่าวของ Yu. Lotman “วาทศาสตร์ของข้อความแบบบาโรกมีลักษณะเฉพาะด้วยการชนกันภายในพื้นที่ทั้งหมดที่มีเครื่องหมายสัญศาสตร์ที่แตกต่างกัน ในการปะทะกันของภาษา หนึ่งในนั้นมักจะปรากฏเป็น "ธรรมชาติ" (ไม่ใช่ภาษา) และอีกส่วนหนึ่งมักจะเน้นย้ำว่า "เทียม" "

ต่อไปนี้คือบุคคลที่มีชื่อเสียงด้านดนตรีและวาทศิลป์ในศิลปะบาโรก:

การเคลื่อนที่ขึ้นของท่วงทำนอง (เป็นสัญลักษณ์ของการเสด็จขึ้นสู่สวรรค์, การฟื้นคืนพระชนม์);

การเคลื่อนไหวลงของท่วงทำนอง (เป็นสัญลักษณ์ของความบาปหรือการเปลี่ยนไปสู่ ​​"โลกเบื้องล่าง");

การเคลื่อนไหวเป็นวงกลมของท่วงทำนอง (เป็นสัญลักษณ์ของ "พายุหมุนนรก" (ดันเต้) หรือในทางตรงกันข้ามการตรัสรู้ของพระเจ้า);

การเคลื่อนไหวขึ้นหรือลงเหมือนสเกลของท่วงทำนองที่ก้าวอย่างรวดเร็ว (ในฐานะสัญลักษณ์ของแรงบันดาลใจในด้านหนึ่งหรือความโกรธในอีกด้านหนึ่ง);

การเคลื่อนไหวของท่วงทำนองตามช่วงสีที่แคบ (เป็นสัญลักษณ์ของความสยองขวัญความชั่วร้าย);

เส้นทางของท่วงทำนองสำหรับช่วงสีที่กว้าง ช่วงเวลาที่เพิ่มขึ้นหรือลดลง หรือหยุดในทุกเสียง (เป็นสัญลักษณ์แห่งความตาย)

สไตล์โรโคโคมีลักษณะเฉพาะด้วยโลกแห่งภาพที่เปราะบาง สง่า หรือน่ากลัวของตัวละครที่กล้าหาญและซาลอน และภาษาดนตรีก็เต็มไปด้วยการกระจายตัวของรูปแบบไพเราะ เมลิสสา และความโปร่งใสของพื้นผิว นักแต่งเพลงพยายามที่จะรวบรวมอารมณ์ที่ไม่สงบ แต่การพัฒนาของพวกเขาไม่ได้ส่งผลกระทบอย่างสงบ แต่เป็นความรู้สึกที่มีการเปลี่ยนแปลงอย่างกะทันหันของความตึงเครียดและการปลดปล่อย สำหรับพวกเขา ความชัดเจนในการพูดของการแสดงออกทางความคิดทางดนตรีกลายเป็นนิสัย ภาพนิ่งที่ไม่สั่นคลอนทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลง ความสงบ - ​​ต่อการเคลื่อนไหว

คลาสสิก - ตามนักวิชาการ D. Likhachev - เป็นหนึ่งใน "รูปแบบที่ยอดเยี่ยมของยุค" ที่เป็นไปได้ ในด้านสุนทรียศาสตร์ของสไตล์คลาสสิก สิ่งสำคัญคือต้องเน้นถึงความสมดุลที่ปรับเทียบอย่างระมัดระวังของอารมณ์-ตรง มีเหตุผล-ตรรกะ และอุดมการณ์-ประเสริฐ ซึ่งมีอยู่ในผลงาน ความประหม่าแบบคลาสสิกของศิลปิน เอาชนะ "อำนาจ" ของพลังชีวิตอันมืดมิด" และกลายเป็น "แสงงามตระการตา" (อี เคิร์ต) ดังนั้นจึงสอดคล้องกับตัวอย่างคลาสสิกของศิลปะในอดีต อย่างแรกเลย - โบราณวัตถุ ความสนใจที่เข้มข้นขึ้นซึ่งเป็นหนึ่งในตัวบ่งชี้ สัญญาณของการก่อตัวของคลาสสิกใด ๆ (A.Yu. Kudryashov) สิ่งสำคัญอย่างยิ่งในยุคของคลาสสิกคือการก่อตัวของวงจรโซนาต้าและซิมโฟนิกสี่ส่วน อย่างที่ M.G. Aranovsky เชื่อ เขาให้คำจำกัดความความหมายของสี่ hypostases หลักของบุคลิกภาพของมนุษย์: คนที่กระตือรือร้น คนคิด คนเล่น บุคคลในสังคม โครงสร้างสี่ส่วนทำหน้าที่ดังที่ N. Zhirmunskaya เขียนว่าเป็นแบบจำลองสากลของโลก - เชิงพื้นที่และชั่วขณะ สังเคราะห์มหภาค - จักรวาล - และพิภพเล็ก - ของมนุษย์ “การหักเหแบบต่างๆ ของแบบจำลองนี้รวมกันเป็นหนึ่งโดยการเชื่อมต่อเชิงสัญลักษณ์และเชิงสัญลักษณ์ บางครั้งแปลเป็นภาษาของภาพและโครงเรื่องในตำนานที่คุ้นเคย: องค์ประกอบต่างๆ สะท้อนถึงฤดูกาล วัน ช่วงเวลาของชีวิตมนุษย์ ประเทศต่างๆ ในโลก (เช่น ฤดูหนาว - กลางคืน - แก่ - เหนือ - ดิน ฯลฯ ) NS.)"

ตัวเลขเชิงความหมายทั้งกลุ่มที่มีความหมายของ Masonic ปรากฏขึ้นซึ่ง E. Chigareva เปิดเผยในงานของ Mozart“ Youth: ขึ้นสู่อันดับที่หก - ความหวังความรักความสุข การกักขัง, บันทึกย่อเช่าหนึ่งคู่ - พันธบัตรของภราดรภาพ; gruppeto - ความสุขของอิฐ; จังหวะ: จังหวะประ, ... เน้นคอร์ด staccato ตามด้วยการหยุดชั่วคราว - ความกล้าหาญและความมุ่งมั่น; ความสามัคคี: สามคู่ขนาน, คอร์ดที่หกและหก - ความสามัคคีความรักและความสามัคคี คอร์ด "Modal" (ระดับรอง - VI ฯลฯ ) - ความรู้สึกเคร่งขรึมและเคร่งศาสนา chromaticisms, คอร์ดที่เจ็ดลดลง, ความไม่ลงรอยกัน - ความมืด, ไสยศาสตร์, chlo และความบาดหมางกัน "

ความซับซ้อนของเนื้อหาศูนย์กลางของโลกศิลปะของเบโธเฟนคือความงามและความสมดุลของรูปแบบ การจัดวางอย่างเข้มงวดของวาทศิลป์ทางวาทศิลป์ ความคิดที่มีจริยธรรมสูง บทบาทที่ตรงกันข้ามอย่างมาก - ทั้งในระดับไวยากรณ์ดนตรีและในระดับของรูปแบบ

ความโรแมนติกเป็นรูปแบบที่ครอบงำในศตวรรษที่สิบเก้า Y. Gabay หนึ่งในนักวิจัยด้านดนตรีแนวโรแมนติกได้เปิดเผยสามวิธีในการตีความแนวโรแมนติกของศตวรรษที่ 19: ตรงกันข้ามกับคลาสสิก หมายถึงศิลปะของคริสเตียน ประการที่สอง มีความเกี่ยวข้องกับประเพณีภาษาโรมาเนสก์ กล่าวคือ นวนิยายกวีนิพนธ์ฝรั่งเศสแบบเก่า ประการที่สาม กำหนดบทประพันธ์เชิงกวีอย่างแท้จริง สิ่งที่ทำให้กวีนิพนธ์ที่ยิ่งใหญ่มีชีวิตอยู่ได้เสมอ (ในกรณีหลัง โรแมนติก มองประวัติศาสตร์เหมือนในกระจกเงาของ อุดมคติของพวกเขาพบในเชคสเปียร์และในเซร์บันเตสและในดันเต้และในโฮเมอร์และในคาลเดอรอน)

ในภาษาดนตรี นักวิจัยสังเกตเห็นการเพิ่มขึ้นของบทบาทที่แสดงออกและมีสีสันของความกลมกลืน ทำนองแบบสังเคราะห์ การใช้รูปแบบอิสระ การดิ้นรนเพื่อการพัฒนาแบบ end-to-end เปียโนรูปแบบใหม่และเนื้อสัมผัสของวงออร์เคสตรา ความคิดของ Novalis เกี่ยวกับร้อยแก้วที่โรแมนติก การเปลี่ยนแปลงอย่างมาก ยอดเยี่ยม พร้อมการเลี้ยวพิเศษ การกระโดดอย่างรวดเร็ว - สามารถคาดการณ์ได้ว่าเป็นดนตรี วิธีที่สำคัญที่สุดในการแสดงออกทางดนตรีของแนวคิดในการกลายเป็นและการเปลี่ยนแปลงซึ่งเป็นสากลสำหรับแนวโรแมนติกคือการร้องเพลงที่เพิ่มขึ้นการแต่งเพลง cantilence ซึ่งมีอยู่ใน Schubert, Chopin, Brahms, Wagner และอื่น ๆ

การเขียนโปรแกรมเป็นปรากฏการณ์ทางความคิดทางดนตรี

ยุคโรแมนติก ความหมาย และวิธีการพิเศษในการแสดงออกทางดนตรี เราควรคำนึงถึงความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนระหว่างเพลงที่ตั้งโปรแกรมไว้และไม่ใช่โปรแกรม เนื่องจากตามคำกล่าวของโชแปง "ไม่มีดนตรีที่แท้จริงที่ไม่มีความหมายที่ซ่อนอยู่" และโหมโรงของโชแปงตามคำแถลงของนักเรียนของเขาคือคำสารภาพของผู้สร้าง Sonata ใน B-flat minor พร้อม "งานศพ" ที่มีชื่อเสียงในคำพูดของ Schumann "ไม่ใช่ดนตรี แต่เป็นสิ่งที่มีวิญญาณที่น่าสะพรึงกลัว" ในคำพูดของ A. Rubinstein - "ลมกลางคืนพัดโลงศพ ในสุสาน” ...

ในดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 เราสังเกตเทคนิคพิเศษต่างๆ ของการแต่งเพลง: โทนเสียงที่อิสระ, โทนเสียงที่ไม่แตกต่างกัน, เอฟเฟกต์เสียงต่ำ, aleatorics เช่นเดียวกับระบบสิบสองโทน, นีโอโมดัลลิตี้, ความต่อเนื่อง, ความต่อเนื่อง . การเปิดกว้างขององค์ประกอบแต่ละส่วนของดนตรีของศตวรรษที่ยี่สิบเป็นลักษณะเด่นของวัฒนธรรมสมัยใหม่โดยรวมตามที่นักวัฒนธรรมชาวฝรั่งเศส A. Moll กล่าวอย่างถูกต้องว่า: "วัฒนธรรมสมัยใหม่คือภาพโมเสค ... แนวคิดทั่วไปอย่างแท้จริง แต่มี หลากหลายแนวคิดที่มีน้ำหนักมาก "

ในดนตรี ใจความที่ร่ายมนต์ได้ถูกทำลาย การปลดปล่อยวิธีการแสดงออกทางดนตรีอื่น ๆ (Stravinsky, Bartok, Debussy, Schoenberg, Messiaen, Webern ฯลฯ ) ก็ปรากฏลักษณะการแสดงที่ผิดปกติซึ่งทำให้คนรุ่นเดียวกันตกใจเช่นใน G. บทละครของโคเวล " Harmonious Adventures "- การใช้คลัสเตอร์ (คอร์ดประกอบด้วยวินาที) เทคนิคการดึงเปียโนด้วยกำปั้น ฝ่ามือหรือปลายแขนทั้งหมด ...

แนวความคิดสมัยใหม่ปรากฏในดนตรี ซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากภาพวาดและศิลปะอื่นๆ ดังนั้นที่ต้นกำเนิดของปรากฏการณ์เช่น bryu และ tism หรือศิลปะแห่งเสียง (จากคำภาษาฝรั่งเศส bruit - noise) เป็นจิตรกรชาวอิตาลี Luigi Russolo ซึ่งในแถลงการณ์ของเขา "The Art of Noises" เขียนว่า "ศิลปะดนตรี แสวงหาการผสมผสานของเสียงที่ไม่ลงรอยกัน แปลกประหลาดที่สุด และรุนแรงที่สุด ... เราจะสร้างความสนุกสนานให้กับตัวเองด้วยการประสานประตูร้านที่ลั่นดังเอี๊ยดบนบล็อก เสียงอึกทึกของฝูงชน เสียงต่างๆ ของสถานีรถไฟ โรงตีเหล็ก โรงงานปั่นด้าย โรงพิมพ์ ไฟฟ้า การประชุมเชิงปฏิบัติการและรถไฟใต้ดิน ... เราไม่ควรลืมเสียงใหม่อย่างสมบูรณ์ สงครามสมัยใหม่ ... เปลี่ยนให้เป็นเพลงและควบคุมอย่างกลมกลืนและเป็นจังหวะ "

เทรนด์สมัยใหม่อีกอย่างหนึ่ง - dada และ zm สาระสำคัญสมัยใหม่ของ Dadaism สามารถติดตามได้ในงบของศิลปิน G. Gross:“ Dadaism เป็นความก้าวหน้าที่เราทำขึ้นร้องตะโกนเยาะเย้ยและหัวเราะเพื่อแยกตัวออกจากความจองหอง และเราชื่นชมวงกลมที่อยู่เหนือห้องเรียนมากเกินไปและรู้สึกผิดต่อความรับผิดชอบและการมีส่วนร่วมในชีวิตประจำวัน นักแต่งเพลงและศิลปินชาวรัสเซีย Efim Golyshev มีส่วนร่วมในงานของสโมสรเบอร์ลิน "Dada" ซึ่งเป็นหนึ่งในตัวแทนของวิธีการจัดองค์ประกอบสิบสองโทนของศตวรรษที่ยี่สิบ ในบรรดาผลงานเพลงและละครเวทีของเขา - "Dadaistic dance with masks", "Gasping maneuver", "Rubber" สำหรับกลองสองลำ, เขย่าแล้วมีเสียงสิบครั้ง, ผู้หญิงสิบคนและบุรุษไปรษณีย์หนึ่งคน การแต่งเพลงแนว Urbanistic โดย Honegger (Pacific 231), Prokofiev (บัลเล่ต์ The Steel Skok), Mosolov (ตอนไพเราะ Factory. Music of the Machines from the ballet Steel), Varese (Ionization for forty-one percussion sirens) - แนวโน้มเหล่านี้ต่อไปคือ หักเหไปในทิศทางของเปรี้ยวจี๊ดหลังสงครามดนตรี สิ่งเหล่านี้คือดนตรีที่เป็นรูปธรรมและอิเล็กทรอนิกส์ วงดนตรีที่เกิดขึ้นและบรรเลงบรรเลง โซโนริสติกส์ กระบวนการมัลติมีเดีย (ผลงานของ P. Scheffer, K. Stockhausen, M. Kagel, S. Slonimsky, A. Schnittke, S. Gubaidullina, J. Cage เป็นต้น )

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 เงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับการเกิดขึ้นของ neoclassicism ซึ่งตาม L. Raben เป็นระบบสากลที่สุดของดนตรีใหม่ของศตวรรษที่ 20

แนวโน้ม Polystylist ในดนตรีก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน P o l และ s t และ -

l และ s t และ k และ - การผสมผสานที่ใส่ใจในงานเดียวของคุณสมบัติโวหารต่างๆ “คำจำกัดความของ polystylists หมายถึงการผสมผสานโดยเจตนาของปรากฏการณ์โวหารต่าง ๆ ในงานเดียว ความหลากหลายทางโวหารที่เกิดจากการใช้เทคนิคจำนวนหนึ่ง (หนึ่งในกรณีพิเศษคือการจับแพะชนแกะ)” - (สารานุกรมดนตรี vol. 3, p. 338) หนึ่งในกรณีที่น่าสนใจของการใช้โพลีสไตลิสติกแนวตั้งพบได้ใน Serenade สำหรับเครื่องดนตรีห้าชิ้นโดย A. Schnittke: ในคะแนนที่ 17 การปรับแต่งไวโอลินคอนแชร์โต้ของไชคอฟสกีจะดังขึ้นพร้อมกันและเป็นจุดเริ่มต้นของส่วนหลักของเปียโนคอนแชร์โต้ตัวแรกของเขาและ หมายเลข 19 รวมเพลงของ Shemakhan Queen จาก The Golden Cockerel »โดย Rimsky-Korsakov เปิดคอร์ดของ Pathetique Sonata ของ Beethoven และข้อความจาก Bach's Chaconne สำหรับไวโอลินเดี่ยว

แนวดนตรีเป็นประเภทและประเภทของงานดนตรีที่มีการพัฒนาในอดีตที่เกี่ยวข้องกับการทำงานบางอย่างของดนตรี วัตถุประสงค์ในชีวิต เงื่อนไขสำหรับการแสดงและการรับรู้ E. Nazaykinsky ให้คำจำกัดความมากมาย:“ ผู้หญิงได้รับการจัดตั้งขึ้นในอดีตประเภทที่ค่อนข้างคงที่ชั้นเรียนเพศและประเภทของงานดนตรีซึ่งแตกต่างกันตามเกณฑ์หลายประการซึ่งหลักคือ: a) จุดประสงค์ชีวิตที่เฉพาะเจาะจง ( ฟังก์ชั่นทางสังคม, ครัวเรือน, ศิลปะ), b) เงื่อนไขและวิธีการปฏิบัติ, c) ลักษณะของเนื้อหาและรูปแบบของศูนย์รวม ประเภทคือโครงสร้างที่มีหลายองค์ประกอบและพันธุกรรมสะสม (อาจถึงกับเรียกว่ายีน) ซึ่งเป็นเมทริกซ์ชนิดหนึ่งตามซึ่งสิ่งนี้หรือศิลปะทั้งหมดถูกสร้างขึ้น หากรูปแบบคำอ้างถึงแหล่งที่มาของเราถึงผู้ที่ให้กำเนิดการสร้างสรรค์ดังนั้นประเภทคำหมายถึงรูปแบบทางพันธุกรรมตามที่งานเกิดขึ้นเกิดและสร้างขึ้น ประเภทเป็นโปรเจ็กต์ทั่วไป แบบจำลอง เมทริกซ์ แคนนอน ซึ่งเกี่ยวข้องกับดนตรีโดยเฉพาะ "

ในงานของ T.V. Popova การจำแนกประเภทขึ้นอยู่กับสองเกณฑ์: เงื่อนไขสำหรับการดำรงอยู่ของดนตรีและลักษณะเฉพาะของการแสดง V.A. Tsukkerman ระบุประเภทหลักสามกลุ่ม: ประเภทเนื้อเพลง, ประเภทการเล่าเรื่องและมหากาพย์ และประเภทยนต์ที่เกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหว ก.ศ.น. ใช้เป็นเกณฑ์หลักในเงื่อนไขของการดำรงอยู่ การตั้งค่าของประสิทธิภาพ นักวิทยาศาสตร์ระบุประเภทหลักสี่กลุ่ม: ประเภทลัทธิหรือพิธีกรรม ประเภทมวลชน ประเภทคอนเสิร์ต และประเภทการแสดง การจัดระบบของแนวเพลงที่สร้างโดย O.V. Sokolov ขึ้นอยู่กับการเชื่อมต่อของดนตรีกับศิลปะอื่น ๆ หรือส่วนประกอบที่ไม่ใช่ดนตรีตลอดจนหน้าที่ของมัน นี่คือดนตรีล้วนๆ เพลงโต้ตอบ เพลงประยุกต์ เพลงโต้ตอบประยุกต์

T.V. Popova จัดประเภทหลักของดนตรีคลาสสิกดังนี้:

ประเภทเสียงร้อง (เพลง, เพลงชาติ, คอรัส, บทบรรยาย, โรแมนติก, บัลลาด, อาเรีย, arietta, arioso, cavatina, vocalise, ทั้งมวล);

เพลงแดนซ์. ชุดเต้นรำเก่า

แนวเพลงบรรเลง (โหมโรง, ประดิษฐ์, etude, toccata, impromptu, ช่วงเวลาดนตรี, น็อคเทิร์น, บาร์คาโรล, เซเรเนด, scherzo, yumoresque, capriccio, rhapsody, ballad, noveletta);

ดนตรีไพเราะและแชมเบอร์;

Sonata and Symphony Cycles, คอนเสิร์ต, Symphonic Suite แห่งศตวรรษที่ 19 - 20;

ประเภทหนึ่งส่วน (ไม่ใช่วัฏจักร) ของศตวรรษที่ 19-20 (ทาบทาม, แฟนตาซี, บทกวีไพเราะ, ภาพไพเราะ, โซนาตาส่วนเดียว;

งานดนตรีและละคร. โอเปร่าและบัลเล่ต์

Cantata, oratorio, บังสุกุล

วรรณกรรม

หลัก

1. Bonfeld M. Sh. การวิเคราะห์งานดนตรี โครงสร้างเพลงโทน:

เวลา 14.00 น. มอสโก: Vlados, 2003

2. Bonfeld M. Sh. ดนตรีวิทยาเบื้องต้น ม.: วลาดอส, 2001.

3. Berezovchuk L. แนวดนตรีเป็นระบบการทำงาน: ด้านจิตวิทยาและสัญญะ // แง่มุมของดนตรีเชิงทฤษฎี. ปัญหาของดนตรีวิทยา ฉบับที่ 2 L., 1989.S. 95-122.

4. Gusev V. สุนทรียศาสตร์ของคติชนวิทยา ล., 1967.

5. Kazantseva LP พื้นฐานของทฤษฎีเนื้อหาดนตรี: ตำราเรียน คู่มือสำหรับนักศึกษามหาวิทยาลัยดนตรี แอสตราคาน, 2001.

6. Kazantseva LP Polystylists ในดนตรี: บรรยายในหลักสูตร "การวิเคราะห์ผลงานดนตรี" คาซาน, 1991.

7. Kolovsky OP การวิเคราะห์งานแกนนำ: ตำราเรียน คู่มือสำหรับนักศึกษามหาวิทยาลัยดนตรี / OP Kolovsky [และอื่น ๆ ] L.: ดนตรี, 1988.

8. Konen V.D. ชั้นที่สาม: แนวเพลงใหม่ในยุคศตวรรษที่ยี่สิบ ม., 1994.

9. Mazel L. , Zuckerman V. การวิเคราะห์งานดนตรี: ตำราเรียน เบี้ยเลี้ยง. มอสโก: ดนตรี 2510

10. พจนานุกรมสารานุกรมดนตรี ม., 1998.

11. Nazaikinsky EV สไตล์และแนวเพลง: ตำราเรียน คู่มือสำหรับนักศึกษาสถาบันอุดมศึกษา ม.: วลาดอส, 2546.

12. โปโปวาทีวี แนวเพลงและรูปแบบ ฉบับที่ 2 ม., 2497.

13. Reutersstein M. พื้นฐานของการวิเคราะห์ดนตรี: ตำราเรียน ม.: วลาดอส, 2544.

14. Ruchevskaya EA ดนตรีคลาสสิก เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: นักแต่งเพลง, 1998.

15. Sokolov AS บทนำสู่องค์ประกอบทางดนตรีของศตวรรษที่ XX: ตำราเรียน คู่มือสำหรับมหาวิทยาลัย ม.: วลาดอส, 2004.

16. Sokolov O.V. ว่าด้วยปัญหาการจำแนกประเภทดนตรี // ปัญหาดนตรีแห่งศตวรรษที่ XX กอร์กี, 1977.

17. Tyulin Yu. N. รูปแบบดนตรี: ตำราเรียน. เบี้ยเลี้ยง / Yu. N. Tyulin [และอื่น ๆ ] ล.: ดนตรี 2517

18. Kholopova V. N. รูปแบบของงานดนตรี SPb.: Lan, 2001.

เพิ่มเติม

1. Aleksandrova LV Order และสมมาตรในศิลปะดนตรี: ด้านตรรกะและประวัติศาสตร์ โนโวซีบีสค์, 1996.

2. Grigorieva G. V. การวิเคราะห์งานดนตรี Rondo ในเพลงศตวรรษที่ 20 ม.: ดนตรี, 1995.

4. Kazantseva LP การวิเคราะห์เนื้อหาดนตรี: วิธีการ เบี้ยเลี้ยง. แอสตราคาน, 2002.

5. ปัญหาการก่อตัว Krapivina IV ในดนตรี Minimalism. โนโวซีบีสค์, 2003.

6. Kudryashov A.Yu ทฤษฎีเนื้อหาดนตรี ม., 2549.

7. Mazel L. รูปแบบอิสระของ F. Chopin มอสโก: ดนตรี 2515

8. สารานุกรมดนตรี ม., 2517-2522. ต. 1-6

9. Ovsyankina G. P. วัฏจักรเปียโนในดนตรีรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ยี่สิบ: โรงเรียนของ D. D. Shostakovich เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: นักแต่งเพลง 2546

10. Zuckerman V. การวิเคราะห์งานดนตรี รูปแบบต่างๆ: หนังสือเรียน. สำหรับสตั๊ด นักดนตรี ป. รำพึง มหาวิทยาลัย มอสโก: ดนตรี 2530

ADAGIO- 1) ก้าวช้า; 2) ชื่อของชิ้นส่วนหรือส่วนขององค์ประกอบแบบวนรอบที่จังหวะ adagio; 3) โซโลหรือเต้นคู่ช้าในบัลเล่ต์คลาสสิก
อุปกรณ์เสริม- ดนตรีประกอบสำหรับศิลปินเดี่ยว วงดนตรี วงออเคสตรา หรือนักร้องประสานเสียง
คอร์ด- การรวมกันของเสียงหลาย ๆ (อย่างน้อย 3) ที่มีความสูงต่างกันซึ่งถือเป็นความสามัคคีที่ดี เสียงในคอร์ดถูกจัดเรียงเป็นสามส่วน
สำเนียง- การแยกเสียงใดเสียงหนึ่งที่แรงกว่าและกระทบกระเทือนเมื่อเทียบกับเสียงอื่น
อัลเลโกร- 1) ก้าวที่สอดคล้องกับขั้นตอนที่เร็วมาก; 2) ชื่อของชิ้นส่วนหรือส่วนของวงจรโซนาตาที่จังหวะอัลเลโกร
อัลเลเกรตโต- 1) ก้าวช้ากว่าอัลเลโกร แต่เร็วกว่าโมเดอราโต 2) ชื่อของชิ้นหรือส่วนของชิ้นที่จังหวะของ allegretto.
การเปลี่ยนแปลง- ยกและลดขั้นของเฟรตสเกลโดยไม่เปลี่ยนชื่อ สัญญาณการเปลี่ยนแปลง - คม, แบน, คมสองเท่า, แบนสองเท่า; สัญญาณของการยกเลิกคือเบการ์
อันดันเต้- 1) ก้าวปานกลางซึ่งสอดคล้องกับขั้นตอนที่สงบ 2) ชื่อเรื่องของงานและส่วนหนึ่งของวงจรโซนาตาในจังหวะอันดันเต้
อันดันติโน- 1) ก้าวมีชีวิตชีวากว่าอันดันเต้; 2) ชื่อของชิ้นส่วนหรือส่วนของวงจรโซนาตาที่จังหวะอันอันติโน
ENSEMBLE- กลุ่มนักแสดงที่ทำหน้าที่เป็นกลุ่มศิลปะกลุ่มเดียว
การจัดเตรียม- การประมวลผลเพลงเพื่อการแสดงบนเครื่องดนตรีอื่นหรือองค์ประกอบอื่น ๆ ของเครื่องดนตรีเสียง
ARPEGGIO- การแสดงเสียงตามลำดับโดยปกติจะเริ่มด้วยเสียงต่ำที่สุด
เบส- 1) เสียงผู้ชายต่ำสุด; 2) เครื่องดนตรีของรีจิสเตอร์ต่ำ (ทูบา, คอนทราเบส); 3) เสียงด้านล่างของคอร์ด
เบลแคนโต- สไตล์เสียงร้องที่เกิดขึ้นในอิตาลีในศตวรรษที่ 17 โดดเด่นด้วยความสวยงามและความง่ายของเสียง ความสมบูรณ์แบบของ cantilena ความมีคุณธรรมของ coloratura
รูปแบบต่างๆ- บทเพลงที่นำเสนอหัวข้อหลายครั้งโดยมีการเปลี่ยนแปลงเนื้อสัมผัส โทนเสียง เมโลดี้ ฯลฯ
อัจฉริยะ- นักแสดงที่คล่องแคล่วในน้ำเสียงหรือศิลปะการเล่นเครื่องดนตรี
VOCALISE- เพลงสำหรับร้องเพลงโดยไม่มีคำในเสียงสระ มักจะเป็นการออกกำลังกายเพื่อพัฒนาเทคนิคการร้อง การเปล่งเสียงสำหรับการแสดงคอนเสิร์ตเป็นที่รู้จัก
VOCALเพลง - ใช้ได้กับหนึ่งเสียง หลายเสียงหรือหลายเสียง (มีหรือไม่มีเครื่องดนตรีประกอบ) โดยมีข้อยกเว้นบางประการที่เกี่ยวข้องกับข้อความบทกวี
ความสูงเสียง - คุณภาพของเสียงที่กำหนดโดยบุคคลและเกี่ยวข้องกับความถี่เป็นหลัก
แกมม่า- การต่อเนื่องของเสียงของเฟรตทั้งหมดที่อยู่จากโทนเสียงหลักในลำดับจากน้อยไปมากหรือจากมากไปน้อยมีโวลุ่มอ็อกเทฟสามารถต่อในอ็อกเทฟที่อยู่ติดกันได้
ความสามัคคี- วิธีการแสดงดนตรีโดยอิงจากการผสมผสานของโทนเสียงในความสอดคล้องกันบนการเชื่อมต่อของพยัญชนะในการเคลื่อนไหวตามลำดับ มันถูกสร้างขึ้นตามกฎของความสามัคคีในเพลงโพลีโฟนิก องค์ประกอบของความสามัคคีคือจังหวะและการปรับ หลักคำสอนเรื่องความสามัคคีเป็นหนึ่งในสาขาหลักของทฤษฎีดนตรี
VOICE- ชุดเสียงที่มีความสูง ความแรง และเสียงต่ำต่างกัน ซึ่งเกิดจากการสั่นของสายเสียงที่ยืดหยุ่นได้
พิสัย- ระดับเสียง (ช่วงเวลาระหว่างเสียงต่ำสุดและสูงสุด) ของเสียงร้อง, เครื่องดนตรี
ไดนามิกส์- ความแตกต่างของระดับพลังเสียง ความดัง และการเปลี่ยนแปลง
การดำเนิน- การจัดการกลุ่มการแสดงดนตรีระหว่างการเรียนรู้และการแสดงดนตรีในที่สาธารณะ ดำเนินการโดยผู้ควบคุมวง (ผู้ควบคุมวง นักร้องประสานเสียง) โดยใช้ท่าทางพิเศษและการแสดงออกทางสีหน้า
เสียงแหลม- 1) รูปแบบของการร้องเพลงสองส่วนในยุคกลาง; 2) เสียงเด็กสูง (เด็กผู้ชาย) รวมถึงส่วนที่เขาแสดงในชุดนักร้องประสานเสียงหรือนักร้อง
ความไม่ลงรอยกัน- ให้เสียงที่แตกต่างกันอย่างไม่ประจบประแจงและเข้มข้น
ระยะเวลา- เวลาที่ใช้โดยเสียงหรือหยุดชั่วคราว
ที่เด่น- หนึ่งในหน้าที่ของวรรณยุกต์ในหลักและรอง โดยมีแรงดึงดูดที่รุนแรงต่อยาชูกำลัง
วิญญาณ INSTRUMENTS - กลุ่มของเครื่องดนตรีซึ่งแหล่งกำเนิดเสียงคือการสั่นสะเทือนของคอลัมน์อากาศในกระบอกสูบ (หลอด)
ประเภท- แผนกย่อยที่จัดตั้งขึ้นในอดีตประเภทของงานในความสามัคคีของรูปแบบและเนื้อหา พวกเขาแตกต่างกันในวิธีการแสดง (เสียงร้อง เสียงร้อง เดี่ยว) วัตถุประสงค์ (ประยุกต์ ฯลฯ) เนื้อหา (โคลงสั้น ๆ มหากาพย์ ละคร) สถานที่และเงื่อนไขของการแสดง (ละคร คอนเสิร์ต แชมเบอร์ เพลงภาพยนตร์ ฯลฯ .)
เพลง- ส่วนเบื้องต้นของเพลงประสานเสียงหรือมหากาพย์
เสียง- โดดเด่นด้วยระดับเสียงและระดับเสียงที่แน่นอน
การเลียนแบบ- ในงานดนตรีโพลีโฟนิก การทำซ้ำที่ถูกต้องหรือแก้ไขในเสียงใด ๆ ของท่วงทำนองที่เคยฟังในเสียงอื่น
ปฏิภาณโวหาร- การแต่งเพลงระหว่างการแสดงโดยไม่ต้องเตรียมการ
เครื่องมือดนตรี - มีไว้สำหรับการแสดงบนเครื่องดนตรี: เดี่ยว, ทั้งมวล, วงออเคสตรา
INSTRUMENTATION- การนำเสนอดนตรีในรูปแบบของบทเพลงสำหรับแชมเบอร์ทั้งมวลหรือวงออเคสตรา
INTERVAL- อัตราส่วนของเสียงสองเสียงในระดับเสียง มันสามารถไพเราะ (เสียงจะถูกนำมาสลับกัน) และฮาร์มอนิก (เสียงจะถูกนำมาพร้อมกัน)
การแนะนำ- 1) บทนำสั้นๆ เกี่ยวกับส่วนแรกหรือตอนจบของเพลงบรรเลงแบบวนซ้ำ 2) ชนิดของการทาบทามสั้นๆ ของโอเปร่าหรือบัลเลต์ บทนำเกี่ยวกับการแสดงโอเปร่าที่แยกจากกัน 3) คณะนักร้องประสานเสียงหรือคณะนักร้องประสานเสียงตามการทาบทามและการเปิดฉากการแสดงโอเปร่า
จังหวะ- 1) การหมุนเวียนฮาร์มอนิกหรือไพเราะทำให้โครงสร้างดนตรีสมบูรณ์และให้ความสมบูรณ์ไม่มากก็น้อย 2) ตอนเดี่ยวอัจฉริยะในคอนเสิร์ตบรรเลง
ห้อง MUSIC - เพลงบรรเลงหรือเสียงร้องสำหรับนักแสดงรุ่นเล็ก
ส้อม- อุปกรณ์พิเศษที่ส่งเสียงความถี่ที่แน่นอน เสียงนี้ใช้เป็นข้อมูลอ้างอิงสำหรับการปรับแต่งเครื่องดนตรีและการร้องเพลง
คลาเวียร์- 1) ชื่อทั่วไปของเครื่องสายคีย์บอร์ดในศตวรรษที่ 17-18 2) ตัวย่อของคำว่า claviraustsug - การจัดเรียงโน้ตโอเปร่า oratorio ฯลฯ สำหรับการร้องเพลงด้วยเปียโนเช่นเดียวกับเปียโนหนึ่งตัว
ลูกคอ- บทร้องที่เร็ว ยากในทางเทคนิค เก่งกาจ
องค์ประกอบ- 1) การก่อสร้างงาน; 2) ชื่อผลงาน; 3) แต่งเพลง; 4) วิชาทางวิชาการในสถาบันการศึกษาด้านดนตรี
CONSONANCE- ประสานเสียงประสานกันของโทนเสียงที่แตกต่างกันซึ่งเป็นหนึ่งในองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของความสามัคคี
คอนทรัลโต- เสียงผู้หญิงต่ำ
การเพาะปลูก- ช่วงเวลาที่ตึงเครียดสูงสุดในโครงสร้างดนตรี ส่วนของงานดนตรี งานทั้งหมด
LAD- หมวดหมู่ความงามที่สำคัญที่สุดของดนตรี: ระบบการเชื่อมต่อระดับเสียงที่รวมเป็นหนึ่งโดยเสียงกลาง (ความสอดคล้อง) ความสัมพันธ์ของเสียง
LITMOTIVE- เทิร์นดนตรีที่ทำซ้ำในงานที่เป็นลักษณะหรือสัญลักษณ์ของตัวละคร, วัตถุ, ปรากฏการณ์, ความคิด, อารมณ์
LIBRETTO- ข้อความวรรณกรรมซึ่งใช้เป็นพื้นฐานสำหรับการสร้างสรรค์ผลงานเพลง
เมโลดี้- ความคิดทางดนตรีแบบโมโนโฟนิกซึ่งเป็นองค์ประกอบหลักของดนตรี จำนวนของเสียงที่จัดเป็นกิริยาช่วย-น้ำเสียงและจังหวะ สร้างโครงสร้างบางอย่าง
เมตร- ลำดับการสลับของจังหวะที่แรงและอ่อน ระบบการจัดจังหวะ
เครื่องเมตรอนอม- เครื่องมือที่ช่วยกำหนดจังหวะการทำงานที่ถูกต้อง
เมซโซ่ โซปราโน- เสียงผู้หญิง ตรงกลางระหว่างโซปราโนกับคอนทราลโต
โพลีโฟนี- คลังเพลงที่ผสมผสานเสียงหลายเสียงพร้อมกัน
MODERATO- จังหวะปานกลาง เฉลี่ยระหว่าง andantino และ allegretto
MODULATION- เปลี่ยนไปใช้คีย์ใหม่
ดนตรีแบบฟอร์ม - 1) ความซับซ้อนของความหมายในการแสดงออกซึ่งรวบรวมเนื้อหาเชิงอุดมคติและศิลปะบางอย่างไว้ในงานดนตรี
จดหมายหมายเหตุ- ระบบป้ายกราฟิกสำหรับบันทึกเพลงเช่นเดียวกับการบันทึกเสียงเอง ในโน้ตดนตรีสมัยใหม่มีการใช้สิ่งต่อไปนี้: พนักงาน 5 บรรทัด, โน้ต (สัญญาณแสดงถึงเสียง), โน๊ต (กำหนดระดับเสียงของโน้ต) เป็นต้น
OVERTONES- เสียงหวือหวา (เสียงบางส่วน) ให้เสียงสูงหรือเบากว่าเสียงหลักรวมเข้ากับมัน การมีอยู่และความแข็งแกร่งของแต่ละคนเป็นตัวกำหนดเสียงต่ำ
การจัดวงดนตรี- การเรียบเรียงเพลงสำหรับวงออเคสตรา
เครื่องประดับ- วิธีการตกแต่งท่วงทำนองเสียงร้องและบรรเลง ของประดับประดาไพเราะขนาดเล็กเรียกว่าเมลิสมา
ออสตินาโต- การทำซ้ำจังหวะที่ไพเราะหลายครั้ง
คะแนน- โน้ตดนตรีของชิ้นดนตรีโพลีโฟนิกซึ่งเหนือสิ่งอื่นใดฝ่ายของเสียงทั้งหมดจะได้รับในลำดับที่แน่นอน
การส่งมอบ- ส่วนประกอบของงานโพลีโฟนิก ตั้งใจให้แสดงด้วยเสียงเดียวหรือกับเครื่องดนตรีเฉพาะ ตลอดจนโดยกลุ่มของเสียงและเครื่องดนตรีที่เป็นเนื้อเดียวกัน
ทางเดิน- การสืบเนื่องของเสียงในการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วมักจะทำได้ยาก
หยุดชั่วคราว- หยุดเสียงหนึ่ง หลายเสียง หรือทั้งหมดในเพลง เครื่องหมายในโน้ตดนตรีที่บ่งบอกถึงการหยุดพักนี้
พิซซ่า- การรับเสียงของเครื่องดนตรีที่โค้งคำนับ (โดยการถอน) ให้เสียงที่กระทันหัน เงียบกว่าเมื่อเล่นกับคันธนู
PLECTRUM(เลือก) - อุปกรณ์สำหรับการผลิตเสียงบนเครื่องสายซึ่งส่วนใหญ่ดึงออกมาเป็นเครื่องดนตรี
พนักพิงศีรษะ- ในเพลงลูกทุ่งเป็นเสียงประกอบกับเพลงหลักที่ฟังพร้อมกัน
โหมโรง- ชิ้นเล็ก ๆ รวมทั้งบทนำของเพลง
ซอฟต์แวร์ MUSIC - ดนตรีที่ผู้แต่งจัดเตรียมโปรแกรมด้วยวาจาที่รวบรวมการรับรู้
รีไพรส์- การทำซ้ำแรงจูงใจของเพลงหนึ่งเช่นเดียวกับโน้ตซ้ำ
จังหวะ- การสลับเสียงของระยะเวลาและความแรงต่างกัน
ซิมโฟนีส- การเปิดเผยแนวความคิดทางศิลปะด้วยความช่วยเหลือจากการพัฒนาดนตรีตามจุดประสงค์ของตนเองอย่างสม่ำเสมอ รวมถึงการเผชิญหน้าและการเปลี่ยนแปลงของธีมและองค์ประกอบเฉพาะเรื่อง
ซิมโฟนีดนตรี - ดนตรีที่ตั้งใจให้บรรเลงโดยวงดุริยางค์ซิมโฟนี (ชิ้นใหญ่ ชิ้นใหญ่ ชิ้นเล็ก)
เชอร์โซ- 1) ในศตวรรษที่ XV1-XVII การกำหนดเสียงร้องและงานบรรเลงสำหรับข้อความตลกๆ และบทเพลงบรรเลง; 2) ส่วนหนึ่งของห้องชุด; 3) ส่วนหนึ่งของวงจรโซนาต้า - ไพเราะ; 4) จากศตวรรษที่ 19 เครื่องดนตรีอิสระ ใกล้กับ capriccio
การฟังดนตรี- ความสามารถของบุคคลในการรับรู้คุณสมบัติบางอย่างของเสียงดนตรีเพื่อให้รู้สึกถึงการเชื่อมต่อระหว่างกัน
SOLFEGGIO- แบบฝึกหัดเสียงเพื่อพัฒนาทักษะการได้ยินและการอ่าน
โซปราโน- 1) เสียงร้องเพลงสูงสุด (ส่วนใหญ่เป็นผู้หญิงหรือเด็ก) พร้อมการลงทะเบียนเสียงที่พัฒนาแล้ว 2) ส่วนบนของคณะนักร้องประสานเสียง; 3) เครื่องมือที่มีการลงทะเบียนสูง
STRINGเครื่องมือ - ตามวิธีการผลิตเสียงพวกเขาจะแบ่งออกเป็นคำนับ, ถอน, กระทบ, แป้นพิมพ์เคาะ, แป้นพิมพ์ที่ดึงออกมา
แทค- รูปแบบเฉพาะและหน่วยของมิเตอร์ดนตรี
ธีม- โครงสร้างที่เป็นพื้นฐานของเพลงหรือส่วนต่างๆ
TIMBRE- สีของลักษณะเสียงของเสียงหรือเครื่องดนตรี
ก้าว- ความเร็วของหน่วยนับเมตริก เครื่องเมตรอนอมใช้สำหรับการวัดที่แม่นยำ
อุณหภูมิ- การปรับอัตราส่วนช่วงเวลาระหว่างขั้นตอนของระบบเสียง
โทนิค- ระดับหลักของความหงุดหงิด
ถอดความ- เรียบเรียงหรืออิสระ มักจะเก่ง การประมวลผลชิ้นของเพลง
TRILL- เสียงสีรุ้งที่เกิดจากการทำซ้ำอย่างรวดเร็วของสองโทนที่อยู่ติดกัน
OVERTURE- วงดนตรีออเคสตราที่แสดงก่อนการแสดงละคร
กลองเครื่องมือ - เครื่องมือที่มีเมมเบรนหนังหรือทำจากวัสดุที่สามารถทำให้เกิดเสียงได้
UNISON- การเปล่งเสียงดนตรีหลายเสียงพร้อมกันในระดับเสียงเดียวกัน
พื้นผิว- ลักษณะเสียงเฉพาะของงาน
FALSETTO- หนึ่งในทะเบียนเสียงร้องชาย
เฟอร์มาต้า- หยุดจังหวะตามกฎในตอนท้ายของเพลงหรือระหว่างส่วน แสดงในระยะเวลาที่เพิ่มขึ้นของเสียงหรือหยุดชั่วคราว
สุดท้าย- ส่วนสุดท้ายของเพลงวัฏจักร
CHORAL- บทสวดทางศาสนาในภาษาละตินหรือภาษาพื้นเมือง
โครมาติสม์- ระบบช่วงฮาล์ฟโทนของสองประเภท (กรีกโบราณและยุโรปใหม่)
จังหวะ- วิธีการสกัดเสียงบนเครื่องดนตรีโค้งให้เสียงมีลักษณะและสีต่างกัน
EXPOSITION- 1) ส่วนเริ่มต้นของแบบฟอร์มโซนาต้าซึ่งกำหนดธีมหลักของงาน 2) ส่วนแรกของความทรงจำ
เวที- ประเภทของศิลปะการแสดงดนตรี