เครื่องดนตรีอิตาลี. การเต้นรำของอิตาลี: ประวัติศาสตร์และความหลากหลาย

ต้นกำเนิดของดนตรีอิตาลีย้อนกลับไปสู่วัฒนธรรมดนตรีของกรุงโรมโบราณ (ดู ดนตรีโรมันโบราณ) ดนตรีบรรเลงสัตว์ บทบาทในสังคม. ชีวิตของจักรวรรดิโรมันในชีวิตประจำวันธันวาคม ส่วนของประชากร ดนตรีมีความหลากหลายและหลากหลาย เครื่องมือ ตัวอย่างเพลงโรมันโบราณยังไม่ถึงเรา แต่เก่าแล้ว องค์ประกอบของมันถูกเก็บรักษาไว้ในยุคกลาง คริสต์. เพลงสวดและพื้นบ้าน ดนตรี ประเพณี ในศตวรรษที่ 4 เมื่อคริสต์ศาสนาได้รับการประกาศให้เป็นรัฐ ศาสนา โรม ร่วมกับไบแซนเทียม กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของการพัฒนาพิธีกรรม ร้องเพลงต่อ vonach พื้นฐานของมันคือ psalmody ซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากซีเรียและปาเลสไตน์ อัครสังฆราชแห่งมิลาน แอมโบรส รวบรวมการขับร้องประสานเสียงของบทเพลงสรรเสริญ (ดู อันทิพร) นำทำนองของพวกเขามาใกล้นาร์มากขึ้น ต้นกำเนิด ประเพณีพิเศษของคริสต์ตะวันตกเกี่ยวข้องกับชื่อของเขา คริสตจักร การร้องเพลงที่เรียกว่า Ambrosian (ดู การร้องเพลงของ Ambrosian) ในคอน ในศตวรรษที่ 6 ภายใต้สมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 1 พระคริสต์ทรงมีรูปแบบที่มั่นคง สวดมนต์และสั่งรำพึง ด้านข้าง. สร้างขึ้นพร้อมกันในกรุงโรมนักร้อง โรงเรียน ("schola cantorum") กลายเป็นสถาบันการศึกษาของนักร้องในโบสถ์ คดีและสมาชิกสภานิติบัญญัติสูงสุด ผู้มีอำนาจในด้านนี้ เกรกอรี่ฉันให้เครดิตกับการรวมและการตรึงหลัก เพลงสวด อย่างไรก็ตามการศึกษาในภายหลังพบว่าไพเราะ ลักษณะและรูปแบบของสิ่งที่เรียกว่า บทสวดเกรกอเรียนในที่สุดก็มีรูปร่างเฉพาะในศตวรรษที่ 8-9 โรมันคาทอลิก คริสตจักรที่มุ่งมั่นเพื่อความสม่ำเสมอของการนมัสการได้ปลูกรูปแบบนี้แบบหัวเดียว คณะนักร้องประสานเสียง ร้องเพลงท่ามกลางบรรดาประชาชาติที่เปลี่ยนมานับถือพระคริสต์ ศรัทธา. กระบวนการนี้เสร็จสิ้นในตอนท้าย คริสต์ศตวรรษที่ 11 เมื่อทำพิธีสวดแบบเกรกอเรียนพร้อมบทสวดที่สอดคล้องกัน กฎระเบียบที่นำมาใช้ในประเทศแถบตะวันออกกลางและตะวันตก และยูจ ยุโรป. ในเวลาเดียวกัน การพัฒนาต่อไปของบทสวดเกรกอเรียนที่เยือกแข็งจนกลายเป็นสิ่งที่ไม่ใช่ลัทธิก็หยุดลงเช่นกัน แบบฟอร์ม

จากคอน สหัสวรรษที่ 1 สหัสวรรษ อันเป็นผลมาจากการรุกรานของศัตรูบ่อยครั้งในดินแดนของอิตาลีรวมถึงการกดขี่ข่มเหงของตำแหน่งสันตะปาปาที่ทวีความรุนแรงขึ้นซึ่งทำให้ไม่สามารถแสดงออกถึงความคิดสร้างสรรค์ได้ฟรี ความคิดริเริ่มใน I. ม. มายาวนาน ความซบเซาจะหยุดมีบทบาทสำคัญในดนตรีทั่วไป การพัฒนาของยุโรป ประเทศ. การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญที่สุดที่เกิดขึ้นในยุโรป ดนตรีในช่วงเปลี่ยนสหัสวรรษที่ 1 และ 2 พบภาพสะท้อนที่อ่อนแอและมักล่าช้าใน I. m. ในขณะที่นักวิทยาศาสตร์-นักดนตรีของ Zap และทิศตะวันตกเฉียงเหนือ ยุโรปอยู่แล้วในศตวรรษที่ 9 ให้เหตุผลสำหรับรูปแบบแรก ๆ ของพหุเสียง ซึ่งเป็นภาษาอิตาลีที่โดดเด่นที่สุด ดนตรี นักทฤษฎียุคกลาง Guido d'Arezzo (ศตวรรษที่ 11) ให้ความสนใจเป็นหลักในการร้องเพลงเกรกอเรียนแบบหัวเดียวเพียงสัมผัสออร์แกนสั้น ๆ เกี่ยวกับการมีส่วนร่วมอย่างอิสระของอิตาลีในการพัฒนาแนวเพลงโพลีโฟนิกของยุคนั้นการขึ้นใหม่ของ I ม. ในช่วงปลายศตวรรษที่ 13-14 มีความเกี่ยวข้องกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นซึ่งสะท้อนถึงการเติบโตของแนวโน้มที่เห็นอกเห็นใจการปลดปล่อยบุคลิกภาพของมนุษย์จากการกดขี่หลักคำสอนทางศาสนาการรับรู้โลกอย่างเสรีและตรงไปตรงมามากขึ้นใน ช่วงเวลาที่อำนาจของขุนนางศักดินาอ่อนแอลงและการก่อตัวของความสัมพันธ์ทุนนิยมยุคแรก แนวความคิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นสอดคล้องกับคำจำกัดความที่นำมาใช้ในประวัติศาสตร์ดนตรี Ars nova ศูนย์กลางหลักของขบวนการนี้คือเมืองแห่งภาคกลาง และอิตาลีตอนเหนือ - ฟลอเรนซ์ เวนิส ปาดัว - โครงสร้างทางสังคมและวัฒนธรรมของพวกเขาก้าวหน้ากว่าภาคใต้ซึ่งความสัมพันธ์เกี่ยวกับศักดินายังคงรักษาไว้อย่างแน่นหนา เมืองเหล่านี้ดึงดูดนักประพันธ์เพลงและรำพึงที่มีความสามารถมากที่สุด นักแสดง ประเภทใหม่และแนวโน้มโวหารเกิดขึ้นที่นี่

ความปรารถนาในการแสดงออกที่เพิ่มขึ้นปรากฏในเนื้อเพลง เพลงสวดเพื่อศาสนาที่ตีความได้อย่างอิสระ ธีม - laudakh ซึ่งร้องในชีวิตประจำวันและระหว่างศาสนา ขบวน อยู่แล้วในคอน ค. "ภราดรภาพแห่งผู้ยกย่อง" เกิดขึ้นซึ่งมีจำนวนเพิ่มขึ้นในศตวรรษที่ 13 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในศตวรรษที่ 14 เลาดาสได้รับการปลูกฝังในหมู่พระภิกษุในคณะฟรังซิสกัน ตรงข้ามกับเจ้าหน้าที่ คริสตจักรโรมันบางครั้งสะท้อนให้เห็นถึงแรงจูงใจของการประท้วงทางสังคม ทำนองเพลงสรรเสริญสัมพันธ์กับนาร์ ต้นกำเนิดจังหวะที่แตกต่างกัน ความชัดเจน ความชัดเจนของโครงสร้าง สีหลักเด่น บางคนมีความใกล้ชิดในการเต้น เพลง.

ในฟลอเรนซ์ รูปหลายเหลี่ยมทางโลกรูปแบบใหม่เกิดขึ้น กระทะ เพลงสำหรับการแสดงสมัครเล่นในบ้าน: madrigal, caccha, ballata มันเป็น 2 หรือ 3 ประตู strophic เพลงที่มีความเป็นอันดับหนึ่งไพเราะ เสียงบนซึ่งโดดเด่นด้วยจังหวะ ความคล่องตัว ทางเดินหลากสีสัน มาดริกาล - ขุนนาง ประเภทที่โดดเด่นด้วยความซับซ้อนของบทกวีและท่วงทำนอง อาคาร. เร้าอารมณ์อย่างละเอียดมีชัยในนั้น ธีมยังเป็นตัวเป็นตนเสียดสี แรงจูงใจบางครั้งก็มีสีสันทางการเมือง เนื้อหาของ caccia เดิมสร้างขึ้นจากรูปภาพการล่าสัตว์ (ด้วยเหตุนี้จึงชื่อ: caccia - การล่าสัตว์) แต่แล้วเนื้อหาสาระของมันก็ขยายและครอบคลุมฉากประเภทต่างๆ แนวเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของ Ars nova ทางโลกคือเพลงบัลลาตา (เพลงเต้นรำ เนื้อหาใกล้เคียงกับเพลง Madrigal)

การพัฒนาอย่างกว้างขวางในอิตาลีในศตวรรษที่ 14 ได้รับ instr ดนตรี. หลัก เครื่องมือในสมัยนั้นได้แก่ พิณ พิณ พิณ ไวโอลิน ขลุ่ย โอโบ ทรัมเป็ต อวัยวะเสื่อม ประเภท (บวก, พกพา) ใช้สำหรับร้องคลอและเล่นเดี่ยวหรือวงดนตรี

การเพิ่มขึ้นของอิตาลี Ars nova ตกหลุมรัก Ser ค. ในยุค 40 ความคิดสร้างสรรค์แผ่ออกไป กิจกรรมของปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุด - Giovanni จาก Florence และ Jacopo จาก Bologna นักเล่นออร์แกนและนักแต่งเพลงผู้เก่งกาจตาบอดมีชื่อเสียงเป็นพิเศษ F. Landino เป็นคนที่มีความสามารถหลากหลาย เป็นกวี นักดนตรี และนักวิทยาศาสตร์ ซึ่งเป็นที่ยอมรับในวงการของอิตาลี นักมนุษยนิยม ในผลงานการเชื่อมต่อกับพระนารายณ์ ต้นกำเนิด ท่วงทำนองได้รับอิสระในการแสดงออกมากขึ้น บางครั้งความประณีตประณีต ดอกไม้และจังหวะ ความหลากหลาย.

ในยุคของ High Renaissance (ศตวรรษที่ 16) I. m. เป็นผู้นำในกลุ่มยุโรป ดนตรี วัฒนธรรม ในบรรยากาศการยกระดับศิลปะทั่วไป วัฒนธรรมได้พัฒนาการทำดนตรีอย่างเข้มข้นในสภาพที่เสื่อมโทรม ชั้นของสังคม ศูนย์ของเขาอยู่ร่วมกับคริสตจักร โบสถ์หัตถกรรม สมาคมสมาคม, แวดวงคนรักวรรณกรรมและศิลปะที่รู้แจ้ง, บางครั้งก็เรียกตัวเองว่าโบราณ สถาบันการศึกษาแบบจำลอง ในหลาย ๆ เมืองสร้างโรงเรียนที่นำความเป็นอิสระ มีส่วนร่วมในการพัฒนา I. m. โรงเรียนที่ใหญ่ที่สุดและมีอิทธิพลมากที่สุดในหมู่พวกเขาคือโรงเรียนโรมันและเวนิส ในใจกลางของนิกายโรมันคาทอลิก - กรุงโรม มีรูปแบบศิลปะใหม่ๆ เกิดขึ้นโดยขบวนการเรเนสซองส์ ซึ่งมักถูกต่อต้านจากคริสตจักร เจ้าหน้าที่. แต่ถึงแม้จะมีข้อห้ามและการประณามตลอดศตวรรษที่ 15 ในนิกายโรมันคาธอลิก บริการอันศักดิ์สิทธิ์ mongogol ที่จัดตั้งขึ้นอย่างมั่นคง ร้องเพลง. สิ่งนี้อำนวยความสะดวกโดยกิจกรรมของตัวแทนของโรงเรียน Franco-Flemish ของ G. Dufay, Josquin Despres และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ซึ่งทำหน้าที่ในโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปาหลายครั้ง ในโบสถ์น้อยซิสทีน (มูลนิธิ 1473) และคณะนักร้องประสานเสียง โบสถ์ของมหาวิหารเซนต์ เปโตรรวบรวมผู้เชี่ยวชาญของคริสตจักรที่ดีที่สุด ไม่เพียงแต่ร้องเพลงจากอิตาลีแต่ยังมาจากประเทศอื่นๆด้วย ปัญหาคริสตจักร ร้องเพลงเป็นพิเศษ ความสนใจที่สภา Trent (1545-63) ในการตัดสินใจซึ่งความกระตือรือร้นที่มากเกินไปสำหรับโพลีโฟนิก "เป็นรูปเป็นร่าง" ถูกประณาม เพลงซึ่งทำให้เข้าใจยาก "คำศักดิ์สิทธิ์" และความต้องการความเรียบง่ายและความชัดเจนถูกหยิบยกขึ้นมา การนำท่วงทำนองของฆราวาสเข้ามาในพิธีกรรมเป็นสิ่งต้องห้าม ดนตรี. แต่ตรงกันข้ามกับความปรารถนาของคริสตจักร ผู้มีอำนาจในการขับไล่นวัตกรรมทั้งหมดจากการร้องเพลงลัทธิและหากเป็นไปได้ให้กลับไปเป็นประเพณีของบทสวดเกรกอเรียนผู้แต่งของโรงเรียนโรมันได้สร้างเสียงประสานที่พัฒนาขึ้นอย่างมาก ศิลปะซึ่งนำความสำเร็จที่ดีที่สุดของโพลีโฟนีฟรังโก - เฟลมิชมาใช้และคิดใหม่ด้วยจิตวิญญาณของสุนทรียศาสตร์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในการผลิต นักแต่งเพลงของการเลียนแบบที่ซับซ้อนของโรงเรียนนี้ เทคนิคผสมผสานกับคอร์ดฮาร์โมนิก โกดัง เหลี่ยม พื้นผิวได้รับลักษณะของความสามัคคีที่กลมกลืนกันการเริ่มต้นไพเราะกลายเป็นอิสระมากขึ้นเสียงบนมักจะมาก่อน ตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโรงเรียนโรมันคือปาเลสไตน์ ศิลปะที่กลมกลืนกันอย่างลงตัวของเขาบางครั้งเปรียบเทียบกับงานของราฟาเอล เป็นจุดสุดยอดของคอรัส โพลีโฟนีในรูปแบบที่เข้มงวดเพลงของ Palestrina มีองค์ประกอบของการคิดแบบ homophonic ในเวลาเดียวกัน ความปรารถนาในความสมดุลระหว่างหลักการแนวนอนและแนวตั้งก็เป็นลักษณะของนักประพันธ์เพลงคนอื่นในโรงเรียนเดียวกัน: K. Festa, G. Animucci (ซึ่งเป็นหัวหน้าของโบสถ์เซนต์. ปีเตอร์ใน 1555-71), Clemens-not-Papa, นักเรียนและผู้ติดตามของ Palestrina - J. Nanino, F. Anerio และคนอื่น ๆ ชาวสเปนก็ติดกับโรงเรียนโรมัน นักแต่งเพลงที่ทำงานในโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปา: K. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (ผู้ได้รับชื่อเล่น "Spanish Palestrina")

ผู้ก่อตั้งโรงเรียนเวนิสคือ A. Willaert (ชาวดัตช์โดยกำเนิด) ซึ่งในปี ค.ศ. 1527 เป็นหัวหน้าห้องสวดมนต์ของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มาร์คและเป็นผู้นำ 35 ปี ผู้สืบทอดของเขาคือ C. de Pope และชาวสเปน C. Merulo โรงเรียนนี้ถึงจุดสูงสุดของงานของ A. Gabrieli และ J. Gabrieli หลานชายของเขา ตรงกันข้ามกับรูปแบบการเขียนที่เข้มงวดและจำกัดโดยชาวปาเลสไตน์และนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ ของโรงเรียนโรมัน ศิลปะของชาวเวเนเชียนมีลักษณะเฉพาะด้วยจานเสียงที่โอ่อ่า สีสันสดใสมากมาย ผลกระทบ หลักการของการทำงานที่หลากหลายได้รับความสำคัญเป็นพิเศษจากพวกเขา ฝ่ายค้านของสองนักร้องประสานเสียง การจัด. ในส่วนต่าง ๆ ของโบสถ์ ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับพลวัต และสีสันที่ตัดกัน จำนวนเสียงที่แตกต่างกันอย่างต่อเนื่องของ G. Gabrieli ถึง 20 คอรัสที่ตัดกัน sonorities ถูกเสริมด้วยการเปลี่ยน instr เสียงทุ้มและเครื่องดนตรีไม่เพียง แต่เลียนแบบเสียงของคณะนักร้องประสานเสียงเท่านั้น แต่ยังแสดงอย่างอิสระในระหว่างการสลับฉาก และการเชื่อมต่อตอนต่างๆ ฮาร์โมนิก ภาษานั้นอิ่มตัวด้วยโครมาทิสติกจำนวนมากซึ่งมักจะเป็นตัวหนาในเวลานั้น ซึ่งทำให้คุณลักษณะของการแสดงออกเพิ่มขึ้น

ความคิดสร้างสรรค์ของอาจารย์ของโรงเรียน Venetian มีบทบาทสำคัญในการพัฒนารูปแบบใหม่ของ instr ดนตรี. ในศตวรรษที่ 16 องค์ประกอบของเครื่องมือได้รับการเสริมแต่งอย่างมากการแสดงออกของพวกเขาได้ขยายออกไป โอกาส. ความสำคัญของเครื่องดนตรีที่โค้งคำนับด้วยเสียงอันไพเราะอันอบอุ่นได้เพิ่มขึ้น มันเป็นช่วงเวลาที่คลาสสิกเกิดขึ้น ประเภทวิโอลา; ไวโอลิน ก่อนแพร่หลาย preim ในชีวิตพื้นบ้านกลายเป็นศ. ดนตรี เครื่องมือ. ในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยว กีตาร์และออร์แกนยังคงครองตำแหน่งผู้นำต่อไป ในปี ค.ศ. 1507-09 สำนักพิมพ์เพลง O. Petrucci publ. ของสะสม 3 ชิ้น สำหรับ พิณ ยังคงอยู่ อาการติดกระทะ โพลีโฟนีประเภทโมเท็ต ในอนาคตการพึ่งพาอาศัยกันนี้จะอ่อนแอลงและมีการพัฒนาเครื่องมือเฉพาะ วิธีการนำเสนอ ลักษณะของศตวรรษที่ 16 ประเภทของ instr เดี่ยว ดนตรี - ไรเซอร์คาร์, แฟนตาซี, แคนโซน, คาปริซิโอ ในปี ค.ศ. 1549 อ. รถเกี่ยวข้าวของวิลลาร์ท ตามเขา ประเภทนี้ได้รับการพัฒนาโดย J. Gabrieli รถยนต์บางคัน to-rogo เข้าใกล้ความทรงจำในการนำเสนอ ในองค์กร toccatas ของปรมาจารย์ชาวเวนิสสะท้อนให้เห็นถึงจุดเริ่มต้นที่ชาญฉลาดและความชอบในจินตนาการฟรี ในปี ค.ศ. 1551 มีการตีพิมพ์บทความชุดหนึ่งในเมืองเวนิส ชิ้นเต้นรำ clavier อักขระ.

ด้วยชื่อของ A. และ J. Gabrieli มีความเกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นของอิสระครั้งแรก ตัวอย่างแชมเบอร์ทั้งมวลและวงออเคสตรา ดนตรี. การเรียบเรียงของพวกเขาสำหรับ instr. องค์ประกอบ (จาก 3 ถึง 22 ฝ่าย) รวมกันในวันเสาร์ "Canzones and sonatas" ("Canzoni e sonate ... " ตีพิมพ์ในปี ค.ศ. 1615 หลังจากการเสียชีวิตของคีตกวี) บทละครเหล่านี้อิงตามหลักการของการแยกย่อยที่ตัดกัน คำแนะนำ กลุ่ม (ทั้งแบบเป็นเนื้อเดียวกัน - โค้งคำนับ, ไม้, ทองเหลือง, และแบบผสม) ซึ่งได้รับแล้วตามมา การแสดงในประเภทคอนเสิร์ต

การแสดงออกทางดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่สมบูรณ์และชัดเจนที่สุดคือ Madrigal ซึ่งเจริญรุ่งเรืองอีกครั้งในศตวรรษที่ 16 ประเภทที่สำคัญที่สุดของการทำดนตรีทางโลกในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้รับความสนใจจากหลาย ๆ คน นักแต่งเพลง Madrigals เขียนโดยชาว Venetians A. Willart, K. de Pope, A. Gabrieli, อาจารย์ของโรงเรียนโรมัน K. Festus และ Palestrina โรงเรียนสอนมาดริกาลิสมีอยู่ในมิลาน ฟลอเรนซ์ เฟอร์รารา โบโลญญา และเนเปิลส์ มาดริกาลศตวรรษที่ 16 แตกต่างจากมาดริกาลของยุค Ars nova ด้วยความสมบูรณ์และความประณีตของบทกวีที่มากขึ้น เนื้อหาแต่ ทรงกลมของเขายังคงเนื้อเพลงรัก มักจะอภิบาล บวกกับการสวดมนต์ความงามของธรรมชาติอย่างกระตือรือร้น กวีนิพนธ์ของ F. Petrarch มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนา Madrigal (บทกวีของเขาหลายบทถูกแต่งขึ้นโดยผู้เขียนหลายคน) นักประพันธ์เพลง Madrigalist หันไปหางานของ L. Ariosto, T. Tasso และกวีคนสำคัญของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในเพลง Madrigals ของศตวรรษที่ 16 มีชัย 4 หรือ 5 ประตู โกดังที่รวมองค์ประกอบของพหุเสียงและพ้องเสียง นำไพเราะ เสียงนั้นบอบบาง เฉดสีการถ่ายโอนรายละเอียดบทกวีที่ยืดหยุ่น ข้อความ. องค์ประกอบโดยรวมนั้นฟรีและไม่เชื่อฟัง strophic หลักการ. ในบรรดาปรมาจารย์แห่งมาดริกาลแห่งศตวรรษที่ 16 Dutchman J. Arkadelt ซึ่งทำงานในกรุงโรมและฟลอเรนซ์มีความโดดเด่น Madrigals ของเขาซึ่งตีพิมพ์ในปี ค.ศ. 1538-44 (หนังสือ 6 เล่ม) ถูกตีพิมพ์ซ้ำและทำซ้ำหลายครั้งในฉบับต่างๆ พิมพ์และเขียนด้วยลายมือ การประชุม การออกดอกสูงสุดของประเภทนี้เกี่ยวข้องกับความคิดสร้างสรรค์ กิจกรรมของ L. Marenzio, C. Monteverdi และ C. Gesualdo di Venosa ใน con. 16 - ขอ ศตวรรษที่ 17 หาก Marenzio โดดเด่นด้วยขอบเขตของการปรับแต่ง เนื้อเพลง ภาพใน Gesualdo di Venosa และ Monteverdi ละครเพลง Madrigal ถูกสร้างเป็นละคร กอปรด้วยจิตวิทยาเชิงลึก การแสดงออกพวกเขาใช้วิธีการใหม่ที่ไม่ธรรมดาของความสามัคคี ภาษา น้ำเสียงที่คมชัด การแสดงออกของกระทะ ไพเราะ ชั้นที่อุดมไปด้วย I. ม. เป็นเตียงสองชั้น บทเพลงและการเต้นรำ โดดเด่นด้วยความไพเราะของท่วงทำนอง ความมีชีวิตชีวา จังหวะการก่อความไม่สงบ สำหรับอิตัล การเต้นรำมีลักษณะเฉพาะด้วยขนาด 6/8, 12/8 และจังหวะที่รวดเร็วและมักเร็ว: ซัลตาเรลโล (บันทึกของศตวรรษที่ 13-14 ได้รับการเก็บรักษาไว้) ลอมบาร์ดที่เกี่ยวข้อง (การเต้นรำลอมบาร์ด) และฟอร์ลานา (เวนิส, Friulian เต้นรำ), ทารันเทลล่า (การเต้นรำของอิตาลีตอนใต้ ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นของชาติ). นอกจากทารันเทลล่าแล้ว ซิซิลีอานายังได้รับความนิยม (ขนาดเท่ากัน แต่จังหวะอยู่ในระดับปานกลาง ลักษณะของท่วงทำนองนั้นแตกต่างกัน - อภิบาล) ชาวซิซิลีอยู่ใกล้กับบาร์คารอล (เพลงของเรือกอนโดลิเย่ของเวนิส) และแม่น้ำทัสคานี (เพลงสรรเสริญ คำสารภาพรัก) เพลงร้องเรียนเป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลาย - เพลงคร่ำครวญ (ประเภทการคร่ำครวญ) ความเป็นพลาสติกและความไพเราะของท่วงทำนอง บทเพลงที่สดใส และมักเน้นความอ่อนไหวเป็นเรื่องปกติของเพลงเนเปิลในอิตาลี

นาร์ ดนตรียังมีอิทธิพลต่อศาสตราจารย์ ดนตรี การสร้าง ความเรียบง่ายที่สุดและความใกล้ชิดกับเตียงสองชั้น ประเภทของ frottola และ villanella แตกต่างกันในต้นกำเนิด

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาดนตรีและทฤษฎี ความคิดในอิตาลี รากฐานของความทันสมัย J. Tsarlino วางหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี พ.ศตวรรษ เขาต่อต้านหลักคำสอนเรื่องความหงุดหงิดด้วยระบบโทนเสียงใหม่ที่มี 2 พื้นฐาน ความโน้มเอียงของกิริยา - ใหญ่และเล็ก ในการตัดสินของเขา Zarlino อาศัยการรับรู้การได้ยินโดยตรงเป็นหลัก ไม่ใช่การคำนวณเชิงวิชาการที่เป็นนามธรรมและการดำเนินการเชิงตัวเลข

เหตุการณ์ที่ใหญ่ที่สุดใน I. ม. ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 โอเปร่าเกิด โอเปร่าได้ปรากฏตัวขึ้นเมื่อสิ้นสุดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแล้ว อย่างไรก็ตาม โอเปร่ายังคงเชื่อมโยงกับแนวคิดและวัฒนธรรมโดยสิ้นเชิง โอเปร่าเป็นอิสระ ด้านหนึ่งประเภทเติบโตขึ้นจากโรงละคร การแสดงของศตวรรษที่ 16 ควบคู่ไปกับดนตรีจากละครเพลง Madrigal เพลงสำหรับ t-ra ถูกสร้างขึ้นโดยหลาย ๆ คน นักแต่งเพลงชื่อดังแห่งศตวรรษที่ 16 ดังนั้น A. Gabrieli จึงเขียนบทเพลงสำหรับโศกนาฏกรรมของ Sophocles "Oedipus" (1585, Vicenza) หนึ่งในบรรพบุรุษของโอเปร่าคือบทละครของ A. Poliziano เรื่อง The Tale of Orpheus (1480, Mantua) ใน Madrigal ได้มีการพัฒนาวิธีการแสดงออกที่ยืดหยุ่น ชาติกวี ข้อความในเพลง แนวปฏิบัติทั่วไปในการแสดงมาดริกาลส์โดยนักร้องคนหนึ่งที่มีอินสตราแกรม ต้านทาน. นำพวกเขาเข้าใกล้ประเภทของกระทะมากขึ้น monody ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของชาวอิตาลีคนแรก โอเปร่า ในคอน ศตวรรษที่ 16 ประเภทของหนังตลก Madrigal เกิดขึ้นซึ่งเลียนแบบ การแสดงมาพร้อมกับกระทะ ตอนมาดริกาล ตัวอย่างทั่วไปของประเภทนี้คือ Amphiparnassus โดย O. Vecchi (1594)

ในปี ค.ศ. 1581 มีการโต้เถียงเกิดขึ้น บทความโดย V. Galilee "การสนทนาเกี่ยวกับดนตรีโบราณและดนตรีใหม่" ("Dialogo della musica antica et délia moderna") ซึ่งเป็นบทสวดมนต์ การบรรยาย (ในรูปแบบโบราณ) ตรงกันข้ามกับ "ความป่าเถื่อน" ของยุคกลาง โพลีโฟนี ข้อความที่เขาเปิดเพลงจาก Divine Comedy ของ Dante เพื่อใช้เป็นตัวอย่างของกระทะนี้ สไตล์. ความคิดของกาลิลีพบการสนับสนุนในหมู่กวี นักดนตรี และนักวิทยาศาสตร์ด้านมนุษยศาสตร์ซึ่งรวมตัวกันในปี ค.ศ. 1580 ในการริเริ่มของเคานต์ชาวฟลอเรนซ์ผู้รู้แจ้ง เจ. บาร์ดี (หรือที่เรียกกันว่า ฟลอเรนทีน คาเมราตา) ผู้นำของแวดวงนี้สร้างโอเปร่าเรื่องแรก - "Daphne" (1597-98) และ "Eurydice" (1600) โดย J. Peri เป็นข้อความของ O. Rinuccini กระทะโซโล บางส่วนของโอเปร่าเหล่านี้กับ Op. บาซโซคอนติเนนโอยังคงอยู่ในการบรรยาย โกดังมาดริกาลจะถูกเก็บรักษาไว้ในคณะนักร้องประสานเสียง

หลาย หลายปีต่อมา เพลงสำหรับ "Eurydice" ถูกแต่งโดยนักร้องและคอมพ์อย่างอิสระ J. Caccini ซึ่งเป็นผู้แต่งส. เพลงแชมเบอร์เดี่ยวกับ op "เพลงใหม่" ("Le nuove musiche", 1601), osn. ในโวหารเดียวกัน หลักการ รูปแบบการเขียนนี้เรียกว่า "รูปแบบใหม่" (Stile nuovo) หรือ "รูปแบบที่ดี" (Stile rarpresentativo)

แยง. ชาวฟลอเรนซ์มีเหตุผลในระดับหนึ่งโดยมีค่านิยมเป็นหลัก ทดลอง ชีวิตที่แท้จริงได้สูดหายใจเข้าในเพลงโอเปร่าอัจฉริยะ นักเขียนบทละคร ศิลปินผู้มีความสามารถที่น่าเศร้า C. Monteverdi เขาหันไปหาแนวโอเปร่าในวัยผู้ใหญ่ซึ่งเป็นผู้แต่งหลายคนแล้ว ฝ่ายจิตวิญญาณ และฆราวาสฆราวาส อุปรากรเรื่องแรกของเขาคือ Orpheus (1607) และ Ariadne (1608) ถูกโพสต์ ในมันตัว หลังจากหยุดพักไปนาน มอนเตเวร์ดีก็ทำหน้าที่เป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าในเมืองเวนิสอีกครั้ง จุดสุดยอดของงานโอเปร่าของเขาคือ "The Coronation of Poppea" (1642), prod. พลังของเช็คสเปียร์อย่างแท้จริง โดดเด่นด้วยความลึกของละคร การแสดงออก การสร้างแบบจำลองตัวละครที่เชี่ยวชาญ ความเฉียบแหลมและความรุนแรงของสถานการณ์ความขัดแย้ง

ในเวนิส โอเปร่าได้ก้าวข้ามชนชั้นสูงที่คับแคบ วงกลมของนักเลงและกลายเป็นปรากฏการณ์สาธารณะ ในปี ค.ศ. 1637 โรงละครโอเปร่าสาธารณะแห่งแรก "San Cassiano" เปิดขึ้นที่นี่ (ระหว่างปี 1637-1800 มีการสร้างโรงละครอย่างน้อย 16 โรง) เป็นประชาธิปไตยมากขึ้น องค์ประกอบของผู้ชมยังมีอิทธิพลต่อลักษณะของงาน ตำนาน ผู้ทดลองได้หลีกทางให้สถานที่ที่โดดเด่นทางประวัติศาสตร์ เรื่องราวที่มีการดำเนินการจริง ใบหน้า ละคร และกล้าหาญ จุดเริ่มต้นเชื่อมโยงกับความตลกขบขันและบางครั้งก็เป็นเรื่องตลกอย่างไม่มีการลด วอก. ท่วงทำนองได้รับความไพเราะมากขึ้น ตอนของประเภทที่เกิดขึ้น คุณลักษณะเหล่านี้ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของโอเปร่าตอนปลายของ Monteverdi ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในผลงานของ F. Cavalli ผู้เขียนโอเปร่า 42 เรื่องซึ่งโอเปร่า Jason (1649) ได้รับความนิยมมากที่สุด

โรงอุปรากรในกรุงโรมได้รับสีสันแปลก ๆ ภายใต้อิทธิพลของคาทอลิกที่ปกครองที่นี่ แนวโน้ม พร้อมของเก่า ตำนาน พล็อต ("ความตายของออร์ฟัส" - "La morte d" Orfeo "S. Landi, 1619; "Chain of Adonis" - "La Catana d" Adone "D. Mazzocchi, 1626) เข้าสู่ศาสนาโอเปร่า หัวข้อที่ได้รับการปฏิบัติในพระคริสต์ แผนคุณธรรม ส่วนใหญ่หมายถึง แยง. โรงเรียนโรมัน - โอเปร่า "Saint Alexei" โดย Landi (1632) ซึ่งมีความไพเราะ ความสมบูรณ์และละครของดนตรี ความอุดมสมบูรณ์ของคณะนักร้องประสานเสียงที่พัฒนาขึ้นในเนื้อสัมผัส ตอน ในกรุงโรม ตัวอย่างตลกเรื่องแรกปรากฏขึ้น ประเภทโอเปร่า: "ผู้ที่ทนทุกข์ทรมานปล่อยให้เขามีความหวัง" ("Che soffre, speri", 1639) โดย V. Mazzocchi และ M. Marazzoli และ "ไม่มีความชั่วร้ายใดที่ปราศจากความดี" ("Dal male il bene", 1653) โดย AM Abbatini และ Marazzoli

เคเซอร์ ศตวรรษที่ 17 โอเปร่าเกือบหมดสิ้นจากหลักการของสุนทรียศาสตร์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งได้รับการปกป้องโดยกล้องฟลอเรนซ์ นี่เป็นหลักฐานจากผลงานของ M.A. Honor ที่เกี่ยวข้องกับโรงเรียนโอเปร่าเวนิส ในงานเขียนของเขาตื่นเต้นเร้าใจ ท่วงทำนองท่วงทำนองที่นุ่มนวลตรงข้ามกับการท่องจำ บทบาทของกระทะกลมเพิ่มขึ้น ตัวเลข (มักจะเป็นอันตรายต่อการแสดงเหตุผลอันน่าทึ่งของการกระทำ) โอเปร่าแห่งเกียรติยศ "The Golden Apple" ("Il porno d" oro ", 1667) ซึ่งจัดแสดงอย่างสง่างามในกรุงเวียนนาเนื่องในโอกาสแต่งงานของจักรพรรดิเลียวโปลด์ที่ 1 กลายเป็นต้นแบบของการแสดงในศาลซึ่งตั้งแต่เวลานั้นเป็นต้นมา แพร่หลายในยุโรป "นี่ไม่ใช่โอเปร่าอิตาลีอย่างหมดจดอีกต่อไป - เขียน R. Rolland - เป็นประเภทของโอเปร่าในศาลระหว่างประเทศ

จากคอน ศตวรรษที่ 17 บทบาทนำในการพัฒนา โอเปร่าย้ายไปเนเปิลส์ ตัวแทนหลักคนแรกของโรงเรียนโอเปร่าเนเปิลส์คือ F. Provencale แต่หัวหน้าที่แท้จริงคือ A. Scarlatti ผู้เขียนโอเปร่าจำนวนมาก (มากกว่า 100) เขาอนุมัติโครงสร้างทั่วไปของอิตาลี Opera seria ที่เก็บรักษาไว้โดยไม่มีสิ่งมีชีวิต เปลี่ยนเป็นคอน ศตวรรษที่ 18 อำนาจสูงสุด สถานที่ในโอเปร่าประเภทนี้เป็นของเพลงโดยปกติใน 3 ส่วน da capo; บทบรรยายได้รับมอบหมายบทบาทการบริการ ความสำคัญของคณะนักร้องประสานเสียงและวงดนตรีจะลดลงเหลือน้อยที่สุด แต่ท่วงทำนองที่สดใส ของขวัญจากสการ์ลัตติ งานฝีมือโพลีโฟนิก ตัวอักษร, ละครที่ไม่ต้องสงสัย ความมีไหวพริบทำให้ผู้แต่งได้รับอิทธิพลที่แข็งแกร่งและน่าประทับใจ แม้ว่าจะมีข้อจำกัดทั้งหมด สการ์ลัตติพัฒนาและเติมเต็มทั้งเสียงร้องและบทนำ แบบฟอร์มโอเปร่า เขาพัฒนาโครงสร้างตามแบบฉบับของอิตาลี โอเปร่าทาบทาม (หรือซิมโฟนี ตามคำศัพท์ที่ยอมรับในตอนนั้น) ที่มีส่วนอย่างรวดเร็วสุดขีดและตอนกลางที่ช้า ซึ่งกลายเป็นต้นแบบของซิมโฟนีที่เป็นอิสระ กระชับ ทำงาน

ในการเชื่อมต่ออย่างใกล้ชิดกับโอเปร่า แนวเพลงนอกพิธีกรรมรูปแบบใหม่ได้พัฒนาขึ้น เคร่งศาสนา คดี - oratorio มีที่มาจากศาสนา การอ่านพร้อมกับร้องเพลงหลายเป้าหมาย ดังเธอได้รับความพอเพียง เสร็จ ในรูปแบบผลงานของ G. Carissimi ใน oratorios ซึ่งเขียนส่วนใหญ่เกี่ยวกับธีมในพระคัมภีร์ไบเบิล เขาได้ปรับปรุงรูปแบบโอเปร่าที่พัฒนาขึ้นโดยคนกลาง ศตวรรษที่ 17 ความสำเร็จของคณะนักร้องประสานเสียง กระชับ สไตล์. ในบรรดานักประพันธ์เพลงที่พัฒนาแนวเพลงประเภทนี้หลังจาก Carissimi A. Stradella โดดเด่น (บุคลิกของเขากลายเป็นตำนานเพราะประวัติการผจญภัยของเขา) เขาแนะนำองค์ประกอบของละครใน oratorio สิ่งที่น่าสมเพชและลักษณะ นักประพันธ์เพลงของโรงเรียนเนเปิลส์เกือบทั้งหมดให้ความสนใจกับแนวเพลง oratorio แม้ว่าจะเปรียบเทียบกับโอเปร่าแล้ว Oratorio ก็ครองตำแหน่งรองในการทำงาน

ประเภทที่เกี่ยวข้องกับ oratorio คือห้อง cantata สำหรับหนึ่งเสียง บางครั้ง 2 หรือ 3 เสียงพร้อมการตอบสนอง บาสโซคอนติเนนโต แตกต่างจาก oratorio มันถูกครอบงำด้วยตำราทางโลก ปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุดของประเภทนี้คือ Carissimi และ L. Rossi (หนึ่งในตัวแทนของโรงเรียนโอเปร่าโรมัน) เช่นเดียวกับ oratorio cantata เล่นหมายถึง บทบาทในการพัฒนากระทะ รูปแบบที่กลายเป็นเรื่องปกติของโอเปร่าเนเปิลส์

ในวงการเพลงลัทธิในศตวรรษที่ 17 ความปรารถนาสำหรับความยิ่งใหญ่ภายนอกที่โอ้อวดซึ่งประสบความสำเร็จโดย Ch. ร. เนื่องจากปริมาณ ผล. หลักการของคณะนักร้องประสานเสียงที่พัฒนาโดยอาจารย์ของโรงเรียน Venetian ได้มาซึ่งเกินความจริง มาตราส่วน. ในการผลิตบางส่วน ใช้ไปมากถึง 12 ประตู 4 ประตู นักร้องประสานเสียง นักร้องประสานเสียงยักษ์ องค์ประกอบถูกเสริมด้วยมากมาย และเครื่องดนตรีกลุ่มต่างๆ สไตล์บาโรกที่หรูหรานี้ได้รับการพัฒนาโดยเฉพาะในกรุงโรม แทนที่ลักษณะที่เคร่งครัดและเคร่งครัดของชาวปาเลสไตน์และผู้ติดตามของเขา ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียนโรมันตอนปลายคือ G. Allegri (ผู้แต่ง "Miserere" ที่มีชื่อเสียงซึ่งบันทึกโดย W. A. ​​​​Mozart), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli ในขณะเดียวกันสิ่งที่เรียกว่า "รูปแบบการแสดงคอนเสิร์ต" ใกล้เคียงกับการขับขานบทเพลงบรรเลงของชาวอิตาลีในยุคต้นๆ โอเปร่า ตัวอย่างซึ่งเป็นคอนแชร์โตอันศักดิ์สิทธิ์ของ A. Bankieri (1595) และ L. Viadana (1602) (ปรากฏในภายหลังโดยไม่มีเหตุผลเพียงพอ Viadana ให้เครดิตกับการประดิษฐ์เบสดิจิตอล) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ที่ย้ายมาที่โบสถ์เขียนในสิ่งเดียวกัน มารยาท. องค์ประกอบดนตรีของโอเปร่าหรือห้อง cantata

การค้นหารูปแบบและวิธีการใหม่ๆ ของดนตรีอย่างเข้มข้น การแสดงออกซึ่งกำหนดโดยความปรารถนาที่จะรวบรวมความเห็นอกเห็นใจที่หลากหลายและหลากหลาย เนื้อหาได้ดำเนินการในด้าน instr. ดนตรี. หนึ่งในผู้เชี่ยวชาญที่ยิ่งใหญ่ที่สุดขององค์กร และดนตรีกลาเวียร์ในยุคก่อนบาคคือ J. Frescobaldi - นักแต่งเพลงที่สร้างสรรค์ที่สดใส บุคลิกภาพ ผู้มีพรสวรรค์ด้านออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ด ที่โด่งดังในบ้านเกิดและในประเทศอื่นๆ ในยุโรป ประเทศ. เขานำประเพณี รูปรถม้า, จินตนาการ, ทอกกาต้า, ลักษณะของการแสดงอารมณ์ที่เข้มข้นและอิสระในความรู้สึก, ไพเราะที่ไพเราะ. และฮาร์มอนิก ภาษาพัฒนาพหุภาคี ใบแจ้งหนี้. ในการผลิตของเขา คลาสสิกตกผลึก ประเภทของความทรงจำที่มีความสัมพันธ์ทางวรรณยุกต์ที่ชัดเจนและความสมบูรณ์ของแผนทั่วไป ความคิดสร้างสรรค์ Frescobaldi - จุดสุดยอดของอิตาลี องค์กร คดีความ ชัยชนะเชิงนวัตกรรมของเขาไม่พบผู้ติดตามที่โดดเด่นในอิตาลี พวกเขายังคงดำเนินต่อไปและพัฒนาโดยนักแต่งเพลงจากประเทศอื่น ๆ ในภาษาอิตาลี คำแนะนำ เพลงจากชั้น 2 ศตวรรษที่ 17 บทบาทนำส่งผ่านไปยังเครื่องดนตรีที่โค้งคำนับและเหนือสิ่งอื่นใดคือไวโอลิน นี่เป็นเพราะความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะการแสดงไวโอลินและการพัฒนาเครื่องดนตรีเอง ในศตวรรษที่ 17-18 ในอิตาลี ราชวงศ์ของผู้ผลิตไวโอลินที่มีชื่อเสียง (ตระกูล Amati, Stradivari, Guarneri) มาถึงเบื้องหน้าแล้ว ซึ่งเครื่องดนตรียังคงไม่มีใครเทียบได้ นักไวโอลินฝีมือดีที่โดดเด่นส่วนใหญ่เป็นนักแต่งเพลงด้วย เทคนิคการแสดงเดี่ยวบนไวโอลินใหม่ได้รับการแก้ไขในผลงานของพวกเขา มิวส์ใหม่ได้รับการพัฒนา แบบฟอร์ม

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 ในเวนิส ประเภทของโซนาต้าทั้งสามที่พัฒนาขึ้น - การผลิตหลายส่วน สำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยว 2 ชิ้น (บ่อยกว่า - ไวโอลิน แต่สามารถแทนที่ด้วยเครื่องดนตรีอื่น ๆ ของ tessitura ที่เกี่ยวข้อง) และเบส แนวเพลงนี้มี 2 แบบ (ทั้งคู่อยู่ในสาขาดนตรีแชมเบอร์ฆราวาส): "church sonata" ("sonata da chiesa") - วงจร 4 ส่วนซึ่งส่วนที่ช้าและเร็วสลับกัน และ "chamber sonata" ("โซนาตาดาคาเมร่า") ซึ่งประกอบด้วยหลายๆ ชิ้นเต้นรำ ตัวละครใกล้กับห้องชุด การพัฒนาเพิ่มเติมของประเภทเหล่านี้มีความสำคัญอย่างยิ่ง บทบาทนี้เล่นโดยโรงเรียนโบโลญญาซึ่งนำเสนอกลุ่มนักไวโอลินที่ยอดเยี่ยม ในบรรดาตัวแทนอาวุโส ได้แก่ M. Cazzati, J. Vitali, J. Bassani ยุคในประวัติศาสตร์ของดนตรีไวโอลินและแชมเบอร์เป็นผลงานของ A. Corelli (นักเรียนของ Bassani) ช่วงเวลาที่เติบโตเต็มที่ของกิจกรรมของเขาเกี่ยวข้องกับกรุงโรมซึ่งเขาสร้างโรงเรียนของตัวเองขึ้นโดยมีชื่อเช่น P. Locatelli, F. Geminiani, J. Somis ในงานของ Corelli การก่อตัวของโซนาตาทั้งสามเสร็จสมบูรณ์ เขาขยายและเพิ่มคุณค่าของนักแสดง ความเป็นไปได้ของเครื่องดนตรีโค้งคำนับ เขายังเป็นเจ้าของวงจรโซนาต้าสำหรับไวโอลินโซโลกับ Op. ฮาร์ปซิคอร์ด ประเภทใหม่นี้ซึ่งเกิดขึ้นในคอน ศตวรรษที่ 17 เป็นจุดสิ้นสุด การยืนยันแบบโมโน หลักการใน instr. ดนตรี. Corelli ร่วมกับ G. Torelli ร่วมสมัยของเขาได้สร้างคอนแชร์โตกรอสโซ ซึ่งเป็นรูปแบบที่สำคัญที่สุดของการทำดนตรีแชมเบอร์และออร์เคสตราจนถึงกลางศตวรรษที่ 18

เพื่อคอน 17 - ต้น ศตวรรษที่ 18 เพิ่มขึ้นในระดับสากล สง่าราศีและอำนาจ I. m. Mn. ต่างชาติ นักดนตรีถูกดึงดูดให้ไปอิตาลีเพื่อสำเร็จการศึกษาและได้รับการรับรองซึ่งทำให้เป็นที่ยอมรับในบ้านเกิดของพวกเขา ในฐานะครู นักดนตรีผู้รอบรู้มีชื่อเสียงเป็นพิเศษ และนักทฤษฎี G. B. Martini (รู้จักกันในชื่อ Padre Martini) คำแนะนำของเขาถูกใช้โดย K.V. Gluck, W.A. ​​Mozart, A. Gretry ขอบคุณเขาที่โบโลญญาฟิลฮาร์โมนิก สถาบันการศึกษาได้กลายเป็นศูนย์ดนตรีที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งในยุโรป การศึกษา.

ภาษาอิตาลี นักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 18 หลัก เน้นโอเปร่า มีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่อยู่ห่างจากโรงละครโอเปร่า ซึ่งดึงดูดผู้ชมจำนวนมากจากทุกสาขาอาชีพ ปริมาณการผลิตโอเปร่าขนาดมหึมาของศตวรรษนี้ถูกสร้างขึ้นโดยนักประพันธ์เพลงจากหลากหลาย ระดับความสามารถซึ่งมีศิลปินที่มีความสามารถมากมาย ความนิยมของโอเปร่าได้รับการส่งเสริมโดยกระทะในระดับสูง วัฒนธรรม. เหล่านักร้องเตรียมตัวให้พร้อม ร. ในเรือนกระจก - สถานเลี้ยงเด็กกำพร้าที่เกิดขึ้นเร็วเท่าศตวรรษที่ 16 ในเนเปิลส์และเวนิส - ศูนย์กลางหลักของอิตาลี ชีวิตโอเปร่าในศตวรรษที่ 18 มีเรือนกระจก 4 แห่งซึ่งรำพึง การศึกษานำโดยนักประพันธ์เพลงหลัก นักร้องและคอมพ์ F. Pistocchi ก่อตั้งขึ้นในเมืองโบโลญญา (ค.ศ. 1700) เป็นพิเศษ chanter โรงเรียน. กระทะที่โดดเด่น ครูคือ N. Porpora หนึ่งในนักประพันธ์เพลงโอเปร่าที่เก่งที่สุดในโรงเรียน Neapolitan ในบรรดาปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงด้านศิลปะ bel canto ในศตวรรษที่ 18 - นักแสดงชายหลัก ส่วนในโอเปร่า seria castrato นักร้อง A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (ชื่อเล่น Senesino), Farinelli, G. Cresentini ผู้ครอบครองกระทะอัจฉริยะ เทคนิคผสมผสานกับเสียงต่ำที่นุ่มนวล นักร้อง F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi

ภาษาอิตาลี โอเปร่าได้รับสิทธิพิเศษ ตำแหน่งในยุโรปส่วนใหญ่ เมืองหลวง เธอถูกดึงดูด ความแข็งแกร่งยังปรากฏอยู่ในความจริงที่ว่าหลายคน นักแต่งเพลงจากประเทศอื่นสร้างโอเปร่าเป็นภาษาอิตาลี ตำราในจิตวิญญาณและประเพณีของโรงเรียนเนเปิลส์ ชาวสเปน D. Perez และ D. Terradellas, ชาวเยอรมัน I.A. Hasse, ชาวเช็ก J. Myslivechek ได้เข้าร่วม สอดคล้องกับโรงเรียนเดียวกันไหลหมายถึง ส่วนหนึ่งของกิจกรรมของ G.F. Handel และ K.V. Gluck สำหรับอิตัล ฉากโอเปร่าเขียนโดยชาวรัสเซีย นักแต่งเพลง - M. S. Berezovsky, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky

อย่างไรก็ตามในช่วงชีวิตของหัวหน้าโรงเรียนโอเปร่าเนเปิลส์ A. Scarlatti ผู้สร้างโอเปร่าซีเรียลศิลปะที่มีอยู่ในนั้นถูกเปิดเผย ความขัดแย้ง to-rye ทำหน้าที่เป็นข้ออ้างสำหรับการวิจารณ์ที่เฉียบแหลม สุนทรพจน์ต่อต้านเธอ ในตอนเริ่มต้น. 20s ศตวรรษที่ 18 นักเสียดสีปรากฏตัว แผ่นพับเพลง นักทฤษฎี บี. มาร์เชลโล ซึ่งการเยาะเย้ยธรรมเนียมปฏิบัติที่ไร้สาระของโอเปร่าถูกเย้ยหยัน การละเลยของผู้แต่งละคร ความหมายของการกระทำ ความไม่รู้ที่เกินควรของพรีมาดอนน่าและนักร้องคาสตราติ เพราะขาดจรรยาบรรณอย่างลึกซึ้ง เนื้อหาและการใช้ผลภายนอกในทางที่ผิดวิพากษ์วิจารณ์สมัยใหม่ พวกเขาเป็นโอเปร่าอิตัล นักการศึกษา F. Algarotti ใน "Essay on Opera" ("Saggio sopra l" opera in musica ... ", 1754) และนักวิทยาศาสตร์สารานุกรม E. Arteaga ในงาน "The Revolution of the Italian Musical Theatre" ("Le rivoluzioni del โรงละครละครเพลง Italiano dalla sua origine fino al presente", v. 1-3, 1783-86)

กวีบรรณารักษ์กวี A. Zeno และ P. Metastasio พัฒนาโครงสร้างที่มั่นคงของประวัติศาสตร์และตำนาน ละครโอเปราซึ่งมีการควบคุมธรรมชาติของละครอย่างเคร่งครัด ความสนใจ จำนวนและความสัมพันธ์ของนักแสดง ประเภทของกระทะโซโล ห้องและที่ตั้งของพวกเขาในเวที หนังบู๊. ตามกฎของละครคลาสสิกพวกเขาให้ความสามัคคีและความกลมกลืนขององค์ประกอบโอเปร่าเป็นอิสระจากส่วนผสมของโศกนาฏกรรม องค์ประกอบที่มีความขบขันและเรื่องตลก ในเวลาเดียวกัน บทโอเปร่าของนักเขียนบทละครเหล่านี้มีลักษณะเด่นของชนชั้นสูง ความกล้าหาญเขียนด้วยภาษาเทียมและสุภาพอย่างมีมารยาท โอเปร่าซีรีส์, ไอเอสพี. ซึ่งมักถูกกำหนดเวลาให้ตรงกับการเสด็จมา การเฉลิมฉลองควรจะจบลงด้วยข้อไขข้อข้องใจที่ประสบความสำเร็จบังคับ ความรู้สึกของวีรบุรุษนั้นมีเงื่อนไขและไม่น่าเชื่อ

อาร์ทั้งหมด ศตวรรษที่ 18 มีแนวโน้มที่จะเอาชนะความคิดโบราณของซีรีส์โอเปร่าและความสัมพันธ์ที่ใกล้ชิดยิ่งขึ้นระหว่างดนตรีและละคร หนังบู๊. สิ่งนี้นำไปสู่การเสริมสร้างความเข้มแข็งของบทบาทของการบรรยายพร้อม ๆ กันการเพิ่มคุณค่าของ orc สี การขยาย และการแสดงละครของคอรัส ฉาก แนวโน้มที่เป็นนวัตกรรมเหล่านี้แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในงานของ N. Jommelli และ T. Traetta ผู้ซึ่งเตรียมการปฏิรูปโอเปร่าของ Gluck บางส่วน ในโอเปร่า "Iphigenia in Taurida" Traetta จัดการตาม G. Abert "เพื่อก้าวไปสู่ประตูแห่งละครเพลงของ Gluck" นักแต่งเพลงของสิ่งที่เรียกว่า "โรงเรียนเนเปิลส์ใหม่" G. Sarti, P. Guglielmi และคนอื่น ๆ A. Sacchini และ A. Salieri เป็นผู้สมัครพรรคพวกและผู้ติดตามการปฏิรูปของ Gluck อย่างแข็งขัน

ฝ่ายค้านที่แข็งแกร่งที่สุดคือวีรบุรุษตามเงื่อนไข ละครเป็นประชาธิปไตยใหม่ ประเภทควายโอเปร่า ตอน 17 และต้นๆ ศตวรรษที่ 18 การ์ตูน โอเปร่านำเสนอโดยตัวอย่างเดียวเท่านั้น อิสระแค่ไหน แนวเพลงมันเริ่มเป็นรูปเป็นร่างกับอาจารย์อาวุโสของโรงเรียนเนเปิลส์แอล. วินชีและแอล. ลีโอ คลาสสิกครั้งแรก ตัวอย่างของควายโอเปร่าคือ Maid-Madame ของ Pergolesi (แต่เดิมใช้เป็นการสลับฉากระหว่างการแสดงโอเปร่าของเขาเอง The Proud Captive, 1733) ความสมจริงของภาพ ความมีชีวิตชีวา และความคมชัดของมนต์สะกด ลักษณะเฉพาะมีส่วนทำให้เกิดความนิยมอย่างกว้างขวางที่สุดของการสลับฉากของ J. B. Pergolesi ในเรื่องอื่นๆ อีกมากมาย ประเทศต่างๆ โดยเฉพาะในฝรั่งเศส ที่เธอโพสต์ ในปี ค.ศ. 1752 ทำหน้าที่เป็นแรงผลักดันให้เกิดสุนทรียภาพที่รุนแรง การโต้เถียง (ดู "สงครามบุฟฟ่อน") และมีส่วนทำให้เกิดการก่อตัวของฝรั่งเศส แนท ประเภทการ์ตูน โอเปร่า

โดยไม่ขาดการติดต่อกับนาร์ ราก, อิตัล. อุปรากรควายพัฒนารูปแบบที่พัฒนามากขึ้น ต่างจากละครโอเปร่าซึ่งกระทะโซโลครอบงำ จุดเริ่มต้นในการ์ตูน ตระการตามีความสำคัญอย่างยิ่งในโอเปร่า วงดนตรีที่พัฒนาแล้วส่วนใหญ่อยู่ในรอบชิงชนะเลิศที่มีชีวิตชีวาและเปิดออกอย่างรวดเร็วซึ่งเป็นปมของการวางอุบายที่ตลกขบขัน N. Logroshino ถือเป็นผู้สร้างชุดสุดท้ายที่มีประสิทธิภาพประเภทนี้ เค. โกลโดนี ชาวอิตาลีที่ใหญ่ที่สุด มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาควายอุปรากร นักแสดงตลกแห่งศตวรรษที่ 18 ซึ่งสะท้อนความคิดของสัจนิยมการตรัสรู้ในงานของเขา เขาเป็นนักเขียนโอเปร่าหลายบท ซึ่งส่วนใหญ่เพลงนั้นเขียนขึ้นโดยหนึ่งในปรมาจารย์ที่โดดเด่นของอิตาลี การ์ตูน โอเปร่า Venetian B. Galuppi ในยุค 60s. ศตวรรษที่ 18 แนวโน้มอารมณ์อ่อนไหวปรากฏในโอเปร่าควาย (เช่นโอเปร่าของ N. Piccinni ตามข้อความของ Goldoni "Chekkina หรือ Good Daughter", 1760, Rome) ควายโอเปร่าเข้าใกล้ประเภทของ "ละครฟิลิปปินส์" หรือ "ตลกน้ำตา" ที่สะท้อนถึงศีลธรรม อุดมคติของอสังหาริมทรัพย์ที่สามในวันก่อนมหาชาวฝรั่งเศส การปฎิวัติ.

ผลงานของ N. Piccinni, G. Paisiello และ D. Cimarosa เป็นขั้นตอนสุดท้ายและสูงที่สุดในการพัฒนาโอเปร่าควายในศตวรรษที่ 18 ผลงานของพวกเขาผสมผสานองค์ประกอบที่ตลกขบขันกับความอ่อนไหว น่าสงสาร ไพเราะ ความสมบูรณ์ด้วยรูปแบบที่หลากหลาย ความมีชีวิตชีวา ความสง่างาม และความคล่องตัวของดนตรีได้รับการเก็บรักษาไว้ในละครโอเปร่า นักแต่งเพลงเหล่านี้เข้าหา Mozart และเตรียมงานของหนึ่งในชาวอิตาลีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในหลาย ๆ ด้าน นักแต่งเพลงโอเปร่าแห่งศตวรรษหน้า G. Rossini คุณลักษณะบางอย่างของควายอุปรากรถูกนำมาใช้โดยละครซีเรียตอนปลาย ซึ่งส่งผลให้รูปแบบมีความยืดหยุ่นมากขึ้น ความเรียบง่ายและความฉับไวของท่วงทำนอง นิพจน์

วิธี. มีการบริจาคของอิตาลี นักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 18 ในการพัฒนา ประเภท instr. ดนตรี. ในสาขาศิลปะไวโอลิน ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดหลังจาก Corelli คือ J. Tartini ต่อเนื่องตามรุ่นก่อนของเขา ในการฝึกฝนแนวโซนาต้าไวโอลินโซนาต้าและโซนาตาทรีโอ เขาได้เติมเต็มพวกเขาด้วยการแสดงออกที่สดใส เสริมวิธีการเล่นไวโอลิน และขยายช่วงของเสียง ซึ่งปกติสำหรับเวลานั้น Tartini สร้างโรงเรียนของตัวเองขึ้นชื่อ Padua (หลังจากเมือง Padua ซึ่งเขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในชีวิต) ลูกศิษย์ของเขาคือ พี. นาร์ดินี, พี. อัลเบอร์กี, ดี. เฟอร์รารี ในชั้นที่ 2 ศตวรรษที่ 18 ประสิทธิภาพอัจฉริยะที่เปิดเผยออกมา และสร้างสรรค์ กิจกรรมของ G. Pugnani ซึ่งเป็นชาวอิตาลีที่ใหญ่ที่สุด นักไวโอลินคลาสสิก ยุค. ท่ามกลางจำนวนมากมายของเขา G. B. Viotti มีชื่อเสียงเป็นพิเศษสำหรับนักเรียนของเขาซึ่งบางครั้งพวกเขาก็รู้สึกโรแมนติก แนวโน้ม

ประเภทออร์ค คอนแชร์โต้ กรอสโซ โดดเด่นและไม่เหมือนใคร A. Vivaldi ทำหน้าที่เป็นศิลปินที่มีนวัตกรรม เขาแสดงแบบฟอร์มนี้ นำเสนอพร้อมกับไดนามิก เครื่องดนตรีกลุ่มใหญ่และกลุ่มเล็ก (ทุตติและคอนแชร์ติโน) ที่ตัดกันตามหัวข้อ ตรงกันข้ามภายใน ชิ้นส่วน สร้างโครงสร้างวงจร 3 ส่วน เก็บรักษาไว้ในแบบคลาสสิก คำแนะนำ คอนเสิร์ต. (คอนแชร์โตไวโอลินของ Vivaldi ได้รับความชื่นชมอย่างสูงจาก J.S. Bach ซึ่งจัดการบางส่วนสำหรับกลาเวียร์และสำหรับออร์แกน)

ในสามโซนาตาของ J. B. Pergolesi ลักษณะของพรีคลาสสิกนั้นสังเกตเห็นได้ชัดเจน สไตล์ "กล้าหาญ" เนื้อสัมผัสที่บางเบาและโปร่งใสของพวกมันเกือบจะเป็นเสียงเดียวกันทั้งหมด ท่วงทำนองมีความโดดเด่นด้วยความไพเราะและความสง่างามที่นุ่มนวล หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่เตรียมความรุ่งเรืองของเพลงคลาสสิกโดยตรง คำแนะนำ ดนตรีคือ G. Sammartini (ผู้แต่ง 78 ซิมโฟนีโซนาตาและคอนแชร์โตมากมายสำหรับเครื่องดนตรีต่าง ๆ ) โดยธรรมชาติของงานของเขาใกล้กับตัวแทนของ Mannheim และโรงเรียนเวียนนาตอนต้น L. Boccherini ผสมผสานองค์ประกอบการทำงานของเขาด้วยไหวพริบที่กล้าหาญกับความโรแมนติก สิ่งที่น่าสมเพชตื่นเต้นและความใกล้ชิดกับเตียงสองชั้น แหล่งที่มา สังเกต. นักเชลโล เขาเสริมคุณค่าวรรณกรรมเชลโลเดี่ยว เป็นหนึ่งในผู้สร้างคลาสสิก ประเภทเครื่องสาย

ศิลปินมีชีวิตและสร้างสรรค์มากมาย แฟนตาซี, D. Scarlatti ขยายและปรับปรุงโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างและวิธีการในการแสดงออกของดนตรีกลาเวียร์ ฮาร์ปซิคอร์ดโซนาตาของเขา (ผู้เขียนเรียกพวกเขาว่า "การออกกำลังกาย" - "Essercizi per gravicembalo") ซึ่งโดดเด่นด้วยความหลากหลายของลักษณะนิสัยและเทคนิคการนำเสนอ เป็นสารานุกรมชนิดหนึ่งของศิลปะกลาเวียร์ในยุคนั้น ในรูปแบบที่ชัดเจนและรัดกุม โซนาตาของ Scarlatti ได้รับการปรับให้คมขึ้นตามธีม มีการกำหนดความแตกต่างอย่างชัดเจน ส่วนของนิทรรศการโซนาตา หลังจาก Scarlatti โซนาต้า clavier ได้รับการพัฒนาในผลงานของ B. Galuppi, D. Alberti (ซึ่งมีชื่อเกี่ยวข้องกับคำจำกัดความของเบส Albertian), J. Rutini, P. Paradisi, D. Cimarosa M. Clementi ซึ่งเชี่ยวชาญมารยาทบางอย่างของ D. Scarlatti (ซึ่งแสดงออกโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการสร้างโซนาตา 12 ตัว "ในสไตล์ของ Scarlatti") จากนั้นจึงขยับเข้าใกล้ปรมาจารย์ของคลาสสิกที่พัฒนาแล้ว สไตล์และบางครั้งก็มาถึงจุดกำเนิดของความโรแมนติก ความเก่งกาจ

ยุคใหม่ในประวัติศาสตร์ศิลปะไวโอลินถูกเปิดโดย N. Paganini ในฐานะนักแสดงและนักแต่งเพลง เขาเป็นจิตรกรที่โรแมนติก คลังสินค้า. การเล่นของเขาทำให้เกิดการผสมผสานที่ไม่อาจต้านทานได้ระหว่างคุณธรรมที่ยอดเยี่ยมกับจินตนาการอันร้อนแรงและความหลงใหล มิน แยง. ปากานินี ("24 Caprices" สำหรับไวโอลินเดี่ยว คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา ฯลฯ) ยังคงเป็นตัวอย่างที่ไม่มีใครเทียบได้ของวรรณกรรมเกี่ยวกับไวโอลินที่มีพรสวรรค์ พวกเขามีอิทธิพลไม่เพียง แต่ต่อการพัฒนาดนตรีไวโอลินในศตวรรษที่ 19 เท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานของตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ Romantic เปียโน - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt

ปากานินีเป็นคนสุดท้ายของชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ ช่างฝีมือที่ทำงานด้าน instr. ดนตรี. ในศตวรรษที่ 19 ความสนใจของนักประพันธ์เพลงและสาธารณชนนั้นถูกตรึงไว้กับโอเปร่าเกือบทั้งหมด ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 โรงอุปรากรในอิตาลีกำลังประสบกับช่วงชะงักงันที่รู้จักกันดี แบบดั้งเดิม ประเภทของโอเปร่าซีเรียและควายโอเปร่าในเวลานั้นได้หมดความเป็นไปได้แล้วและไม่สามารถพัฒนาได้ ความคิดสร้างสรรค์ของอิตาลีที่ใหญ่ที่สุด นักแต่งเพลงโอเปร่าในเวลานี้ G. Spontini ดำเนินการนอกอิตาลี (ในฝรั่งเศสและเยอรมนี) ความพยายามของ S. Mayr (ชาวเยอรมันตามสัญชาติ) ในการรักษาประเพณีของโอเปร่าซีเรีย (โดยการปลูกถ่ายองค์ประกอบที่ยืมมาบางอย่าง) กลายเป็นเรื่องผสมผสาน F. Paer ผู้ซึ่งหลงใหลในโอเปร่าบัฟฟา ไม่ได้แนะนำอะไรใหม่ ๆ ในประเภทนี้โดยพื้นฐานแล้วเมื่อเทียบกับงานของ Paisiello และ Cimarosa (ชื่อของแพร์ได้รับการอนุรักษ์ไว้ในประวัติศาสตร์ดนตรีในฐานะผู้ประพันธ์โอเปร่าตามข้อความของ เจ. บูลลี "ลีโอโนราหรือความรักคอนจูกัล" ซึ่งใช้เป็นที่มาของบทเพลง "ฟิเดลิโอ" ของเบโธเฟน)

อิตาลีเฟื่องฟู. โอเปร่าในศตวรรษที่ 19 มีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของ G. Rossini นักแต่งเพลงที่มีท่วงทำนองที่ไม่รู้จักเหนื่อย ความเฉลียวฉลาด มีชีวิตชีวา อารมณ์ดี และความดราม่าที่แน่วแน่ ไหวพริบ ผลงานของเขาสะท้อนให้เห็นถึงการเพิ่มขึ้นโดยทั่วไปของชาวอิตาลี วัฒนธรรมที่เกิดจากการเติบโตของความรักชาติ แนท.-ปลดปล่อย. ความทะเยอทะยาน ประชาธิปไตยอย่างล้ำลึก. ในต้นกำเนิด ผลงานโอเปร่าของ Rossini ได้ส่งไปยังผู้ฟังที่หลากหลาย ทรงชุบชีวิตชาติ ประเภทของควายอุปรากรและเติมชีวิตชีวาให้กับมัน ขัดเกลาและทำให้ลักษณะของการกระทำลึกซึ้งยิ่งขึ้น บุคคลต่างๆ ให้เข้าใกล้ความเป็นจริงมากขึ้น "ช่างตัดผมแห่งเซบียา" (1816) ของเขาเป็นจุดสุดยอดของชาวอิตาลี การ์ตูน โอเปร่า Rossini ผสมผสานจุดเริ่มต้นที่ตลกขบขันเข้ากับการเสียดสี libre อุปรากรของเขาบางเรื่องมีการพาดพิงถึงสังคมโดยตรง และการเมือง สถานการณ์ในครั้งนั้น ในโอเปร่าละครวีรสตรี ตัวละครเขาเอาชนะความคิดโบราณที่เยือกเย็นของโอเปร่าซีเรียโดยเฉพาะอย่างยิ่งโดยให้ความสำคัญเป็นพิเศษกับคณะนักร้องประสานเสียง จุดเริ่มต้น. ผู้คนมีการพัฒนาอย่างกว้างขวาง ฉากในโอเปร่าสุดท้ายของ Rossini "William Tell" (1829) ในการปลดปล่อยชาติ พล็อตตีความในความโรแมนติก วางแผน.

การแสดงออกที่สดใสให้กับความโรแมนติก แนวโน้มในการทำงานของ V. Bellini และ G. Donizetti ซึ่งมีกิจกรรมเกิดขึ้นในยุค 30 ศตวรรษที่ 19 เมื่อความเคลื่อนไหวของแนท ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (Risorgimento) ในอิตาลีได้เข้าสู่ขั้นตอนชี้ขาดในการต่อสู้เพื่อความสามัคคีและการเมือง ความเป็นอิสระของประเทศ ในโอเปร่าของ Bellini "Norma" (1831), "Puritans" (1835) เราได้ยินอย่างชัดเจนถึงการปลดปล่อยแห่งชาติ แรงจูงใจแม้ว่าผู้แต่งจะเน้นไปที่ละครส่วนตัวของตัวละคร เบลลินีเป็นผู้เชี่ยวชาญในการแสดงออก โรแมนติก cantilena ชื่นชมโดย M. I. Glinka และ F. Chopin Donizetti มีความปรารถนาสำหรับละครที่แข็งแกร่ง ผลกระทบและสถานการณ์เฉียบพลันบางครั้งส่งผลให้เกิดการประโลมโลก ดังนั้นความโรแมนติกที่ยิ่งใหญ่ของเขา โอเปร่า ("Lucretia Borgia" ตาม V. Hugo, 1833; "Luciadi Lammermoor" ตาม V. Scott, 1835) กลับกลายเป็นว่ามีประสิทธิภาพน้อยกว่าการผลิต ประเภทตลก ("Love Potion", 1832; "Don Pasquale", 1843) ซึ่งในประเพณี ประเภทอิตาลี โอเปร่าบัฟฟาได้รับคุณสมบัติใหม่: ความสำคัญของพื้นหลังประเภทเพิ่มขึ้น ท่วงทำนองที่อุดมไปด้วยน้ำเสียงของความรักและเพลงในชีวิตประจำวัน

ผลงานของ J. S. Mercadante, G. Pacini และนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ ในยุคเดียวกันไม่มีความเป็นอิสระแตกต่างกัน ลักษณะเฉพาะของแต่ละคน แต่สะท้อนถึงแนวโน้มทั่วไปที่มีต่อการแสดงละครรูปแบบโอเปร่าและการเพิ่มคุณค่าของการแสดงออกทางดนตรี กองทุน ในแง่นี้พวกเขาเกิดขึ้นเอง รุ่นก่อนของ G. Verdi - หนึ่งในนักเขียนบทละครโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดไม่เพียง แต่ในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีโลกด้วย ที-รา

โอเปร่าต้นของ Verdi ซึ่งปรากฏบนเวทีในยุค 40 ศตวรรษที่ 19 ยังไม่เป็นอิสระอย่างสมบูรณ์โวหาร ("Nabucco", "Lombards in the First Crusade", "Ernani") กระตุ้นความกระตือรือร้นอย่างกระตือรือร้นของผู้ชมด้วยความรักชาติ น่าสงสาร โรแมนติก ความอิ่มเอมของความรู้สึก จิตวิญญาณของความกล้าหาญ และความรักในอิสรภาพ ในการผลิต 50s ("Rigoletto", "Troubadour", "La Traviata") เขาประสบความสำเร็จทางจิตวิทยาอย่างมาก ความลึกของภาพ ความแข็งแกร่ง และความจริงของศูนย์รวมของความขัดแย้งทางวิญญาณที่รุนแรงและรุนแรง วอก. จดหมายของแวร์ดีเป็นอิสระจากความสามารถภายนอก การประดับประดาทาง กลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของความไพเราะ สายด่วนที่ได้มา ความหมาย. ในโอเปร่าของยุค 60 และ 70 ("ดอน คาร์ลอส", "ไอด้า") เขาพยายามที่จะเปิดเผยชั้นละครกว้างๆ ต่อไป การกระทำทางดนตรีเสริมสร้างบทบาทของวงออเคสตราเพิ่มคุณค่าให้กับท่วงทำนอง ภาษา. หนึ่งในโอเปร่าครั้งสุดท้ายของเขา - "Otello" (1886) Verdi มาถึงการสร้างเสร็จแล้ว ดนตรี ละครซึ่งดนตรีเชื่อมโยงกับการกระทำอย่างแยกไม่ออกและสื่อถึงจิตวิทยาทั้งหมดได้อย่างยืดหยุ่น เฉดสี

ผู้ติดตามของ Verdi รวมถึง A. Ponchielli ผู้เขียนโอเปร่ายอดนิยม Gioconda (1876) ล้มเหลวในการเสริมสร้างหลักการโอเปร่าของเขาด้วยสิ่งมีชีวิตใหม่ ความสำเร็จ ในเวลาเดียวกัน งานของ Verdi พบกับการต่อต้านจากผู้สนับสนุนละครเพลง Wagerian การปฏิรูป อย่างไรก็ตาม Wagnerism ไม่ได้หยั่งรากลึกในอิตาลี อิทธิพลของ Wagner สะท้อนให้เห็นในนักแต่งเพลงบางคนไม่มากในหลักการของการแสดงละครโอเปร่า แต่ในเทคนิคออร์แกน และออร์ค ตัวอักษร แนวโน้มของแว็กเนอร์สะท้อนให้เห็นในโอเปร่า "หัวหน้าปีศาจ" โดย Boito (1868) ซึ่งต่อมาได้ย้ายออกจากความกระตือรือร้นของ Wagner

ในคอน ศตวรรษที่ 19 Verismo แพร่หลายในอิตาลี ความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ของ Rural Honor (1890) ของ Mascagni และ Pagliacci ของ Leoncavallo (1892) มีส่วนทำให้แนวโน้มนี้โดดเด่นในภาษาอิตาลี งานปฏิบัติการ U. Giordano (ในบรรดาผลงานของเขา, โอเปร่า Andre Chenier, 2439), F. Cilea ติดกับ verismo

ผลงานของศิลปินชาวอิตาลีที่ใหญ่ที่สุดก็เกี่ยวข้องกับแนวโน้มนี้เช่นกัน นักแต่งเพลงโอเปร่าหลังจาก Verdi - G. Puccini การผลิตของเขา มักจะศักดิ์สิทธิ์ ละครของคนธรรมดาที่แสดงพื้นหลังที่มีสีสันในชีวิตประจำวัน ในเวลาเดียวกัน โอเปร่าของปุชชีนีก็ปราศจากลักษณะที่เป็นธรรมชาติที่มีอยู่ใน verismo นรก พวกมันมีจิตใจที่ละเอียดอ่อนกว่า การวิเคราะห์ บทกวีที่เจาะลึก และความสง่างามของการเขียน เป็นจริงตามประเพณีที่ดีที่สุดของอิตาลี bel canto, Puccini ได้เหลาการบรรยาย การแสดงออกของกระทะ ท่วงทำนอง พยายามสร้างรายละเอียดเพิ่มเติมของความแตกต่างของคำพูดในการร้องเพลง หีบเพลงที่มีสีสัน และออร์ค ภาษาของโอเปร่าของเขามีองค์ประกอบบางอย่างของอิมเพรสชั่นนิสม์ ในการผลิตที่ครบกำหนดครั้งแรกของเขา ("โบฮีเมีย", 2439; "Tosca", 1900) ปุชชีนียังคงมีความเกี่ยวข้องกับอิตาลี ประเพณีโอเปร่าของศตวรรษที่ 19 ต่อมารูปแบบของเขามีความซับซ้อนมากขึ้นวิธีการแสดงออกได้รับความคมชัดและความเข้มข้นมากขึ้น ปรากฏการณ์ประหลาดในอิตาลี opera art-ve - ผลงานของ E. Wolf-Ferrari ผู้พยายามปรับปรุงความคลาสสิกให้ทันสมัย ประเภทของควายอุปรากรที่ผสมผสานขนบธรรมเนียมประเพณี รูปแบบที่มีโวหาร หมายถึงแนวโรแมนติกตอนปลาย ("Curious Women", 1903; "Four Tyrants", 1906 ตามแผนการของ Goldoni) R. Zandonai เดินตามวิถีแห่งสัจธรรม ได้เข้าใกล้มโนธรรมใหม่บางตน กระแสแห่งศตวรรษที่ 20

ความเป็นเลิศของอิตาลี โอเปร่าที่ 19 - ขอ ศตวรรษที่ 20 เกี่ยวข้องกับความรุ่งเรืองของกระทะ วัฒนธรรม. ประเพณีของอิตาลี bel canto ซึ่งเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในศตวรรษที่ 19 ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในงานศิลปะหลายชิ้น นักร้องรุ่นต่อรุ่นที่ชื่นชอบชื่อเสียงไปทั่วโลก ในเวลาเดียวกัน การแสดงของพวกเขาได้รับคุณลักษณะใหม่ ๆ กลายเป็นโคลงสั้น ๆ และแสดงออกอย่างมาก ตัวแทนที่โดดเด่นคนสุดท้ายที่มีคุณธรรมอย่างบริสุทธิ์ใจเสียสละละคร เนื้อหาเพื่อความสวยงามของเสียงและเทคนิค ความคล่องตัวของเสียงคือ A. Catalani ในบรรดาปรมาจารย์ของอิตาลี กระทะ โรงเรียนชั้น 1 ศตวรรษที่ 19 เกิดขึ้นจากผลงานโอเปร่าของ Rossini, Bellini และ Donizetti - นักร้อง Giuditta และ Giulia Grisi, G. Pasta, นักร้อง G. Mario, J. B. Rubini ในชั้นที่ 2 ศตวรรษที่ 19 กาแล็กซี่ของนักร้อง "แวร์ดี" ถูกหยิบขึ้นมาซึ่งเป็นนักร้อง A. Bosio, B. และ C. Marchisio, A. Patti, นักร้อง M. Battistini, A. Masini, J. Anselmi, F. Tamagno, E . ตัมเบอร์ลิกและอื่น ๆ . ในศตวรรษที่ 20. ความรุ่งโรจน์ของอิตาลี โอเปร่าได้รับการสนับสนุนจากนักร้อง A. Barbi, G. Bellinchoni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. และ L. Tetrazzini นักร้อง G. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. สกิปา, ติตต้า รัฟโฟ และคนอื่นๆ

จากคอน ศตวรรษที่ 19 ความสำคัญของโอเปร่าในการทำงานของอิตาลี คีตกวีกำลังอ่อนลงและมีแนวโน้มที่จะย้ายศูนย์กลางของความสนใจไปยังขอบเขตของ instr ประเภท การฟื้นตัวของความคิดสร้างสรรค์ที่กระตือรือร้น สนใจ instr. ดนตรีได้รับการส่งเสริมโดยกิจกรรมของ J. Sgambati (เป็นที่รู้จักในยุโรปในฐานะนักเปียโนและวาทยกร) และ J. Martucci แต่งานของนักประพันธ์เพลงทั้งสองซึ่งพัฒนาภายใต้อิทธิพลของ F. Liszt และ R. Wagner นั้นไม่เป็นอิสระเพียงพอ

ในฐานะที่เป็นข่าวของสุนทรียศาสตร์ใหม่ แนวความคิดและรูปแบบมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาทั่วทั้งยุโรป ดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 แสดงโดย F. Busoni - หนึ่งในนักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา นักแต่งเพลงหลักและนักทฤษฎีศิลปะ เขาหยิบยกแนวความคิดของ "ลัทธิคลาสสิคใหม่" ซึ่งเขาตรงกันข้ามกับอิมเพรสชั่นนิสม์ ความลื่นไหลของภาพ ความไม่ชัดเจนของเฉดสี ในทางกลับกัน "อนาธิปไตย" และ "ความลำเอียง" ของ Atonalism ของ Schoenberg ความคิดสร้างสรรค์ของคุณ หลักการของ Busoni ถูกนำมาใช้ในงานเช่น "Counterpoint Fantasy" (1921), "Improvisation on a Bach Choral" สำหรับ 2 fp (1916) เช่นเดียวกับโอเปร่า "Harlequin หรือ Window", "Turandot" (ทั้งคู่สร้างในปี 1917) ซึ่งเขาละทิ้งกระทะที่พัฒนาแล้ว สไตล์อิตาเลี่ยนของพวกเขา รุ่นก่อนและพยายามที่จะเข้าใกล้ประเภทของเตียงไม้กระดานเก่า ตลกหรือเรื่องตลก

สอดคล้องกับนีโอคลาสซิซิสซึ่มซึ่งเป็นผลงานของอิตาลี นักแต่งเพลงบางครั้งรวมกันภายใต้ชื่อ "กลุ่มแห่งยุค 1880", - I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella พวกเขาพยายามที่จะรื้อฟื้นประเพณีของแนทผู้ยิ่งใหญ่ ดนตรี ที่ผ่านมาหมายถึงรูปแบบและโวหาร แผนกต้อนรับของอิตาลี บทสวดเกรกอเรียนแบบบาร็อคและไพเราะ นักโฆษณาชวนเชื่อและนักวิจัยในยุคแรก สำนักพิมพ์ Malipiero คอล ผลงานของ C. Monteverdi, instr. แยง. A. Vivaldi และมรดกที่ถูกลืมของคนอื่นอีกมากมาย อิตัล คีตกวีแห่งศตวรรษที่ 17 และ 18 ในงานของเขา เขาใช้รูปแบบของบาโรกโซนาต้าแบบเก่า ไรเซอร์คาร์ ฯลฯ อุปรากรของเขา osn เพื่อแสดง กระทะ การบรรยายและตระหนี่หมายถึงองค์กร ศ. สะท้อนการโจมตีในยุค 20 ปฏิกิริยาต่อต้าน verism แนวโน้มนีโอคลาสสิกของงานของ Casella ปรากฏใน "Partita" สำหรับเปียโน กับวงออเคสตรา (1925), ชุด "Scarlattiana" (1926), โรงละครดนตรีบางแห่ง แยง. (ตัวอย่างเช่น โรงละครโอเปร่า The Tale of Orpheus, 1932) อย่างไรก็ตามเขาหันไปหาอิตาลี คติชนวิทยา (แรพโซดีสำหรับวงออเคสตรา "อิตาลี", 1909) ออร์คที่มีสีสันของเขา จดหมายได้รับการพัฒนาในระดับมากภายใต้อิทธิพลของรัสเซีย และภาษาฝรั่งเศส โรงเรียน (บรรณาการให้กับความหลงใหลในดนตรีรัสเซียคือการประสานเสียงของ "Islamey" โดย Balakirev) Pizzetti นำองค์ประกอบที่มีศีลธรรมทางศาสนามาใส่ในโอเปร่าของเขาและนั่งรำพึงรำพัน เสียงสูงต่ำของบทสวดเกรกอเรียนโดยไม่ขัดกับประเพณีของอิตาลี โรงเรียนโอเปร่าในศตวรรษที่ 19 หลาย สถานที่พิเศษในกลุ่มนักประพันธ์เพลงนี้ถูกครอบครองโดยงานของ O. Respighi ปรมาจารย์แห่ง orc ภาพวาดเสียง (การก่อตัวของงานของเขาได้รับอิทธิพลจากชั้นเรียนกับ N. A. Rimsky-Korsakov) ในความเห็นอกเห็นใจ บทกวีของ Respighi ("น้ำพุโรมัน", 1916; "ต้นสนแห่งกรุงโรม", 2467) ให้ภาพที่สดใสของเตียงสองชั้น ชีวิตและธรรมชาติ แนวโน้มนีโอคลาสสิกสะท้อนให้เห็นเพียงบางส่วนในงานของเขาในภายหลัง บทบาทที่เห็นได้ชัดเจนใน And.m. ชั้น 1 ศตวรรษที่ 20 พวกเขาเล่น F. Alfano ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของทิศทาง veristic (การฟื้นคืนชีพของโอเปร่าตามนวนิยายโดย L. N. Tolstoy, 1904) ซึ่งต่อมาได้พัฒนาไปสู่อิมเพรสชั่นนิสม์ M. Castelnuovo-Tedesco และ V. Rieti, to-rye ในตอนแรก สงครามโลกครั้งที่ 2 ค.ศ. 1939-45 โดยการเมือง แรงจูงใจจากบ้านเกิดและตั้งรกรากในสหรัฐอเมริกา

ในช่วงเปลี่ยนผ่านของยุค 40 ศตวรรษที่ 20 การเปลี่ยนแปลงโวหารที่เห็นได้ชัดเจนเกิดขึ้นใน I. m. แนวโน้มของ neoclassicism ถูกแทนที่ด้วยกระแสที่พัฒนาในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งตามหลักการของโรงเรียนเวียนนาใหม่ บ่งบอกถึงความคิดสร้างสรรค์ในแง่นี้ วิวัฒนาการของ G. Petrassi ผู้ซึ่งเคยประสบกับอิทธิพลของ A. Casella และ I. F. Stravinsky ได้ย้ายมาอยู่ในตำแหน่งที่มีความโลภอย่างอิสระก่อน และจากนั้นก็ไปที่ dodecaphony ที่เข้มงวด นักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดในยุคนี้คือ L. Dallapikkola ซึ่งงานของเขาได้รับความสนใจอย่างกว้างขวางหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 ในการผลิตของเขา 40s และ 50s คุณสมบัติของการแสดงออกทางเครือญาติเป็นที่ประจักษ์ ความคิดสร้างสรรค์ของ A. Berg สิ่งที่ดีที่สุดของพวกเขาคือนักมนุษยนิยม ประท้วงต่อต้านการปกครองแบบเผด็จการและความโหดร้าย (คณะนักร้องประสานเสียง "เพลงของนักโทษ", 2481-2484; โอเปร่า "นักโทษ", 1944-48) ทำให้พวกเขาได้รับการปฐมนิเทศต่อต้านฟาสซิสต์

ในบรรดานักแต่งเพลงรุ่นน้องที่มาก่อนหลังสงครามโลกครั้งที่สอง L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderna, R. Malipiero และคนอื่น ๆ มีชื่อเสียง งานของพวกเขาเกี่ยวข้องกับ ย่อยสลาย กระแสของเปรี้ยวจี๊ด - อนุกรมหลัง Weberian, sonoristics (ดู Serial music, Sonorism), aleatorics และเป็นเครื่องบรรณาการให้กับการค้นหาอย่างเป็นทางการสำหรับวิธีการเสียงใหม่ เบริโอและมาเดอร์นา osn. ในปี 1954 ในมิลาน "Studio of Phonology" ซึ่งทำการทดลองในด้านดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ ในเวลาเดียวกัน คีตกวีเหล่านี้บางคนพยายามที่จะรวมสิ่งที่เรียกว่า วิธีใหม่ในการแสดงออกของดนตรี เปรี้ยวจี๊ดด้วยรูปแบบแนวเพลงและเทคนิคดนตรีแห่งศตวรรษที่ 16-17

สถานที่พิเศษในความทันสมัย I. m. เป็นของนักแต่งเพลงคอมมิวนิสต์นักสู้เพื่อสันติภาพ L. Nono เขาเปลี่ยนงานของเขาเป็นหัวข้อที่เฉียบแหลมที่สุดในยุคของเรา พยายามรวบรวมความคิดของนานาชาติ ภราดรภาพและความสามัคคีของคนทำงานต่อต้านจักรวรรดินิยม การกดขี่และการรุกราน แต่วิธีการของศิลปะแนวหน้าซึ่ง Nono ใช้นั้นมักจะขัดแย้งกับความปรารถนาของเขาโดยตรง ความปั่นป่วน ส่งผลกระทบต่อประชาชนทั่วไป

ห่างจากแนวโน้มเปรี้ยวจี๊ดยืน J.K. Menotti - ภาษาอิตาลี นักแต่งเพลงที่อาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกา ในงานของเขาซึ่งส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับโอเปร่า องค์ประกอบของ verism ได้รับการระบายสีสำหรับการแสดงออกในขณะที่การค้นหาน้ำเสียงของคำพูดที่เป็นจริงนำเขาไปสู่การสร้างสายสัมพันธ์บางส่วนกับ M. P. Mussorgsky

ในเสียงเพลง โรงละครโอเปร่ายังคงมีบทบาทสำคัญในชีวิตของอิตาลี บริษัทโอเปร่าที่โดดเด่นที่สุดแห่งหนึ่งของโลกคือ La Scala ในมิลานซึ่งมีมาตั้งแต่ปี 1778 โรงอุปรากรที่เก่าแก่ที่สุดในอิตาลีรวมถึง San Carlo ในเนเปิลส์ (ก่อตั้งขึ้นในปี 1737), Fenice ในเวนิส (ก่อตั้งขึ้นในปี 1792) ศิลปะขนาดใหญ่ โรมโอเปร่าเฮาส์ได้รับความสำคัญ (เปิดในปี 1880 ภายใต้ชื่อห้างสรรพสินค้า Costanzi ตั้งแต่ปี 1946 - โรงละครโอเปร่าโรม) ท่ามกลางความร่วมสมัยที่โดดเด่นที่สุด อิตัล ศิลปินโอเปร่า - นักร้อง G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; นักร้อง G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano

อิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาโอเปร่าและซิมโฟนี วัฒนธรรมในอิตาลีเป็นกิจกรรมของ A. Toscanini ซึ่งเป็นหนึ่งในตัวนำที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ตัวแทนที่โดดเด่นของการแสดงดนตรี ตัวนำคือ P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Cecchi; นักเปียโน A. Benedetti Michelangeli; นักไวโอลิน J. DeVito; นักเชลโล E. Mainardi

ตั้งแต่แรก ศตวรรษที่ 20 การพัฒนาอย่างเข้มข้นได้รับในอิตาลี muz.-issledovat และวิพากษ์วิจารณ์ คิด. วิธี. มีส่วนร่วมในการศึกษาดนตรี มรดกถูกสร้างขึ้นโดยนักดนตรี G. Barblan (ประธานสมาคมดนตรีอิตาลี), A. Bonaventure, J. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, J. Radiciotti, L. Torchi, F. Torrefranca และคนอื่น ๆ M. Dzafred และ M. Mila ทำงานเป็นส่วนใหญ่ ในด้านดนตรี วิจารณ์. มิวส์จำนวนหนึ่งได้รับการตีพิมพ์ในอิตาลี นิตยสาร รวมทั้ง "Rivista Musicale italiana" (ตูริน, มิลาน, 2437-2475, 2479-2486, 2489-), "Musica d" oggi" (มิลาน, 2462-40, 2501-), "La Rassegna Musicale" (ตูริน, 2471-40 โรม, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Milan, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Turin, 1964-) และอื่นๆ

มีการเผยแพร่สารานุกรมจำนวนหนึ่งซึ่งอุทิศให้กับ เพลงและ t-ru รวม "Enciclopedia della musica" (v. 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (v. 1-9, Roma, 1954-62)

ท่ามกลางความพิเศษ ดนตรี อุ๊ย สถาบันที่ใหญ่ที่สุดคือโรงเรียนสอนดนตรี: "Santa Cecilia" ในกรุงโรม (ก่อตั้งขึ้นในปี 2419 เป็นสถานศึกษาดนตรีตั้งแต่ปี 2462 - เรือนกระจก); ชื่อของ G. B. Martini ใน Bologna (ตั้งแต่ 1942 ก่อตั้งขึ้นในปี 1804 เป็นสถานศึกษาดนตรีตั้งแต่ปี 1914 ได้รับสถานะของเรือนกระจก); พวกเขา. Benedetto Marcello ในเมืองเวนิส (ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2483 ก่อตั้งเมื่อปีพ. ศ. 2420 เป็นสถานศึกษาด้านดนตรีตั้งแต่ปีพ. ศ. 2459 เป็นต้นมา) Milanskaya (ก่อตั้งขึ้นในปี 2351 ตั้งชื่อตาม G. Verdi ในปี 1901); พวกเขา. L. Cherubini ในฟลอเรนซ์ (ก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2392 ในฐานะสถาบันดนตรีจากนั้นเป็นโรงเรียนดนตรี Academy of Music ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2455 - เรือนกระจก) ศ. นักดนตรียังได้รับการฝึกฝนจากสถาบันประวัติศาสตร์ดนตรีในมหาวิทยาลัย สถาบันสังฆราชแห่งสังฆราช ฯลฯ ในหนังสือเรียนเหล่านี้ สถาบันเช่นเดียวกับในสถาบันเพื่อการศึกษามรดก Verdi นักดนตรีกำลังดำเนินการอยู่ งาน. The International ก่อตั้งขึ้นในเมืองเวนิส ศูนย์โฆษณาชวนเชื่อของอิตาลี ดนตรีซึ่งจัดหลักสูตรภาคฤดูร้อนเป็นประจำทุกปี ("Musical Holidays") เพื่อการศึกษาภาษาอิตาลีโบราณ ดนตรี. คอลเล็กชั่นโน้ตและหนังสือเกี่ยวกับดนตรีมีให้เลือกมากมายที่ห้องสมุด Amvrosian ซึ่งเป็นห้องสมุดของ Milan Conservatory คลังเก็บเครื่องมือ โน้ต และหนังสือโบราณเป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลาย (มีการรวบรวมไว้ในห้องสมุดของ Bologna Philharmonic Academy ในห้องสมุดของ G. B. Martini และในหอจดหมายเหตุของโบสถ์ San Petronio ในเมืองโบโลญญา) วัสดุที่ร่ำรวยที่สุดในประวัติศาสตร์ของอิตาลี ดนตรีมีชาติ ห้องสมุด Marciana ห้องสมุดมูลนิธิ D. Cini และพิพิธภัณฑ์ดนตรี เครื่องมือที่เรือนกระจกในเวนิส

ในอิตาลีมีมากมาย ดนตรี องค์กรและนักแสดง ทีม อาการปกติ คอนเสิร์ตมอบให้โดย: วงออเคสตราของ "La Scala" และ "Fenice" t-ditch, Nat สถาบันการศึกษา "Santa Cecilia" ประเทศอิตาลี วิทยุและโทรทัศน์ในกรุงโรม วงออเคสตราของสังคม "การทำดนตรียามบ่าย" ("Рommerigi musici") ซึ่งแสดงระดับพรีเมียร์ จากภาษาสเปน ทันสมัย ดนตรี, วงออเคสตราแชมเบอร์ "Angelicum" และ "Virtuosi of Rome", สังคม "Ambrose Polyphony" ซึ่งส่งเสริมดนตรีของยุคกลาง, ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและบาร็อคเช่นเดียวกับวงออเคสตราของ Bologna t-ra "Comunale", Bologna Chamber Orchestra และกลุ่มอื่นๆ

มีการจัดกิจกรรมมากมายในอิตาลี ดนตรี เทศกาลและการแข่งขัน: ฝึกงาน. เทศกาลสมัยใหม่ ดนตรี (ตั้งแต่ 1930 เวนิส), "Florentine Musical May" (ตั้งแต่ปี 1933), "Festival of Two Worlds" ใน Spoleto (ตั้งแต่ปี 1958 ก่อตั้งโดย J.C. Menotti), "สัปดาห์แห่งดนตรีใหม่" (ตั้งแต่ 1960, Palermo), เปียโน การแข่งขัน. F. Busoni ในโบลซาโน (ตั้งแต่ปี 1949 ทุกปี) การแข่งขันดนตรีและการเต้นรำ G. B. Viotti ใน Vercelli (ตั้งแต่ปี 1950 ทุกปี) แข่งขันกับพวกเขา A. Casella ในเนเปิลส์ (ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2495 ทุก 2 ปีจนถึงปีพ. ศ. 2503 นักเปียโนเข้าร่วมตั้งแต่ปีพ. ศ. 2505 - นักแต่งเพลงด้วย) การแข่งขันไวโอลิน N. Paganini ในเจนัว (ตั้งแต่ปี 1954 ทุกปี) การแข่งขันวงออเคสตรา วาทยกรในกรุงโรม (ตั้งแต่ปี 1956 ทุกๆ 3 ปี ก่อตั้งโดย National Academy "Santa Cecilia") ซึ่งเป็นการแข่งขันเปียโน อี. ปอซโซลีในเซเรโญ (ตั้งแต่ปี 2502 ทุก 2 ปี) การแข่งขันสำหรับวาทยกรรุ่นเยาว์ G. Cantelli ในโนวารา (ตั้งแต่ปี 2504 ทุก 2 ปี) การแข่งขันร้องเพลง "Verdi Voices" ใน Busseto (ตั้งแต่ปี 2504 ทุกปี) การแข่งขันนักร้องประสานเสียง ทีมกับพวกเขา Guido d "Arezzo in Arezzo (ก่อตั้งขึ้นในปี 2495 ในฐานะชาติตั้งแต่ปี 2496 - ระดับนานาชาติ ทุกปีหรือที่รู้จักภายใต้ชื่อ "Polyfonico") การแข่งขัน G. Casado เชลโลในฟลอเรนซ์ (ตั้งแต่ปี 2512 ทุก 2 ปี)

ท่ามกลางชาวอิตาลี ดนตรี ob-in - Corporation of New Music (ส่วนของ International Society of Contemporary Music ก่อตั้งขึ้นในปี 1917 ในฐานะสมาคมดนตรีแห่งชาติในปี 1919 ได้เปลี่ยนเป็นสมาคมดนตรีร่วมสมัยของอิตาลีตั้งแต่ 1923 - Corporation) สมาคมดนตรี ห้องสมุด Society for Musicology และอื่นๆ ดนตรี สำนักพิมพ์และบริษัทการค้า "Ricordi and Co." (ก่อตั้งขึ้นในปี 1808) ซึ่งมีสาขาในหลายสาขา ประเทศ.

วรรณกรรม: Ivanov-Boretsky M.V. ผู้อ่านดนตรีและประวัติศาสตร์ vol. 1-2, ม., 2476-36; ของเขาเอง, วัสดุและเอกสารเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ดนตรี, เล่ม 2, M. , 1934; Kuznetsov K. A. ละครเพลงและประวัติศาสตร์ ser. 1, ม., 2480; Livanova T. , ประวัติดนตรียุโรปตะวันตกจนถึง 1789, M. - L. , 1940; Gruber R. I. ประวัติทั่วไปของดนตรีตอนที่หนึ่ง M. , 1956, 1965; Khokhlovkina A. โอเปร่ายุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 บทความ, M. , 1962; ประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรปศึกษา: ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปลายศตวรรษที่ 18, M. , 1963; ประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป ประวัติศาสตร์ ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19, มอสโก, 2508

มีผู้คนมากมายในโลกที่สื่อสารด้วยภาษาต่างๆ แต่ไม่ใช่แค่คำพูดเท่านั้นที่พูดผู้คนตลอดประวัติศาสตร์ เพื่อที่จะสร้างจิตวิญญาณและความคิดของพวกเขาในสมัยโบราณ เพลงและการเต้นรำถูกนำมาใช้

ศิลปะการเต้นรำกับฉากหลังของการพัฒนาวัฒนธรรม

วัฒนธรรมอิตาลีมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อฉากหลังของความสำเร็จระดับโลก จุดเริ่มต้นของการเติบโตอย่างรวดเร็วเกิดขึ้นพร้อมกับการกำเนิดของยุคใหม่ - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา อันที่จริง ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกิดขึ้นได้อย่างแม่นยำในอิตาลีและบางครั้งพัฒนาภายในโดยไม่แตะต้องประเทศอื่น ความสำเร็จครั้งแรกของเขาตกอยู่ในศตวรรษที่ XIV-XV ต่อมาจากอิตาลีแพร่กระจายไปทั่วยุโรป การพัฒนาคติชนวิทยาก็เริ่มขึ้นในศตวรรษที่สิบสี่เช่นกัน จิตวิญญาณแห่งศิลปะที่สดใหม่ ทัศนคติที่แตกต่างต่อโลกและสังคม การเปลี่ยนแปลงค่านิยมสะท้อนออกมาโดยตรงในการเต้นรำพื้นบ้าน

อิทธิพลยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: New Pas and Balls

ในยุคกลาง การเคลื่อนไหวทางดนตรีของอิตาลีดำเนินไปอย่างเป็นขั้นเป็นตอน ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเปลี่ยนทัศนคติต่อพระเจ้าซึ่งสะท้อนให้เห็นในนิทานพื้นบ้าน การเต้นรำของอิตาลีได้รับพลังและการเคลื่อนไหวที่มีชีวิตชีวา ดังนั้น "เต็มเท้า" จึงเป็นสัญลักษณ์ของการกำเนิดของมนุษย์ การเชื่อมต่อกับของขวัญจากธรรมชาติ และการเคลื่อนไหว "ด้วยนิ้วเท้า" หรือ "ด้วยการกระโดด" ระบุความปรารถนาของบุคคลที่มีต่อพระเจ้าและการสรรเสริญของเขา มรดกการเต้นรำของอิตาลีขึ้นอยู่กับพวกเขา การรวมกันของพวกเขาเรียกว่า "balli" หรือ "ballo"

เครื่องดนตรีพื้นบ้านอิตาลีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

มีการแสดงนิทานพื้นบ้านควบคู่ไปด้วย เครื่องมือต่อไปนี้ถูกใช้สำหรับสิ่งนี้:

• ฮาร์ปซิคอร์ด (ภาษาอิตาลี "เคมบาโล") กล่าวถึงครั้งแรก: อิตาลี ศตวรรษที่สิบสี่
• กลอง (กลองชนิดหนึ่งซึ่งเป็นบรรพบุรุษของกลองสมัยใหม่) นักเต้นยังใช้มันในระหว่างการเคลื่อนไหว
• ไวโอลิน (เครื่องดนตรีโค้งคำนับมีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 15) วาไรตี้ของอิตาลีคือวิโอลา
• ลูท (เครื่องสายดึง)
• ท่อ ขลุ่ย และโอโบ

วาไรตี้เต้นรำ

โลกดนตรีของอิตาลีได้รับความหลากหลาย การปรากฏตัวของเครื่องดนตรีและท่วงทำนองใหม่กระตุ้นการเคลื่อนไหวที่กระฉับกระเฉงตามจังหวะ นาฏศิลป์อิตาลีระดับชาติถือกำเนิดและพัฒนา ชื่อของพวกเขาถูกสร้างขึ้นซึ่งมักมีพื้นฐานมาจากหลักการของอาณาเขต มีหลายพันธุ์ การเต้นรำหลักของอิตาลีที่รู้จักในปัจจุบัน ได้แก่ เบอร์กามัสก้า แกลเลียร์ด ซัลตาเรลลา ปาวาเน ทารันเตลลาและพิซซ่า

Bergamasca: คะแนนคลาสสิก

Bergamasca เป็นการเต้นรำพื้นบ้านอิตาลีที่ได้รับความนิยมในศตวรรษที่ 16-17 ซึ่งกลายเป็นแฟชั่นหลังจากนั้น แต่ทิ้งมรดกทางดนตรีที่สอดคล้องกัน ภูมิภาคบ้านเกิด: ทางตอนเหนือของอิตาลี จังหวัดแบร์กาโม ดนตรีในการรำครั้งนี้มีความไพเราะเป็นจังหวะ ขนาดของมาตรวัดนาฬิกาเป็นสี่เท่าที่ซับซ้อน การเคลื่อนไหวนั้นง่าย ราบรื่น จับคู่ การเปลี่ยนแปลงระหว่างคู่เป็นไปได้ในกระบวนการ ในขั้นต้นการเต้นรำพื้นบ้านตกหลุมรักศาลในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

วรรณกรรมเรื่องแรกที่กล่าวถึงเรื่องนี้มีให้เห็นในบทละครของวิลเลียม เชคสเปียร์เรื่อง A Midsummer Night's Dream ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 Bergamasque ผ่านจากนิทานพื้นบ้านไปสู่มรดกทางวัฒนธรรมได้อย่างราบรื่น นักประพันธ์เพลงหลายคนใช้รูปแบบนี้ในกระบวนการเขียนผลงานของพวกเขา ได้แก่ Marco Uccellini, Solomon Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 การตีความ bergamaska ​​​​ที่แตกต่างกันปรากฏขึ้น มันโดดเด่นด้วยขนาดผสมที่ซับซ้อนของมิเตอร์ดนตรีซึ่งเป็นจังหวะที่เร็วขึ้น (A. Piatti, C. Debussy) จนถึงปัจจุบันเสียงสะท้อนของนิทานพื้นบ้าน bergamask ได้รับการอนุรักษ์ไว้ซึ่งพวกเขาพยายามรวบรวมไว้ในบัลเล่ต์และการแสดงละครโดยใช้ดนตรีประกอบโวหารที่เหมาะสม

Galliard: การเต้นรำที่ร่าเริง

Galliard เป็นการเต้นรำแบบอิตาลีโบราณซึ่งเป็นหนึ่งในการเต้นรำพื้นบ้านประเภทแรก ปรากฏในศตวรรษที่สิบห้า แปลว่า "ร่าเริง" ในการแปล อันที่จริงเขาเป็นคนร่าเริง กระฉับกระเฉงและเป็นจังหวะ เป็นการผสมผสานที่ซับซ้อนระหว่างห้าขั้นตอนและการกระโดด เป็นการเต้นรำพื้นบ้านคู่ที่ได้รับความนิยมจากลูกขุนนางในอิตาลี ฝรั่งเศส อังกฤษ สเปน เยอรมนี

ในศตวรรษที่ XV-XVI เรือใบกลายเป็นแฟชั่นเนื่องจากรูปแบบการ์ตูนที่ร่าเริงและจังหวะที่เกิดขึ้นเอง เสียความนิยมไปเนื่องจากการวิวัฒนาการและการเปลี่ยนแปลงไปสู่รูปแบบการเต้นแบบไพรม์คอร์ทมาตรฐาน ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 เธอเปลี่ยนไปใช้ดนตรีโดยสิ้นเชิง

เรือใบหลักมีลักษณะเป็นฝีเท้าปานกลางความยาวหนึ่งเมตรเป็นแบบไตรภาคีที่เรียบง่าย ในระยะต่อมาจะมีการแสดงตามจังหวะที่เหมาะสม ในเวลาเดียวกันความยาวที่ซับซ้อนของมิเตอร์ดนตรีก็เป็นลักษณะของแกลเลียร์ งานสมัยใหม่ที่รู้จักกันดีในสไตล์นี้โดดเด่นด้วยจังหวะที่ช้ากว่าและสงบกว่า นักแต่งเพลงที่ใช้ดนตรีแกลเลียร์ในงานของพวกเขา: V. Galilei, V. Break, B. Donato, W. Byrd และคนอื่นๆ

Saltarella: ความสนุกในงานแต่งงาน

ซัลตาเรลลา (saltarello) เป็นการเต้นรำแบบอิตาลีที่เก่าแก่ที่สุด มันค่อนข้างร่าเริงและเป็นจังหวะ ควบคู่ไปกับขั้นตอน การกระโดด การเลี้ยว และการโค้งคำนับ ที่มา: จาก Saltare ของอิตาลี "กระโดด" การกล่าวถึงศิลปะพื้นบ้านประเภทนี้ครั้งแรกเกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 เดิมทีเป็นการเต้นรำเข้าสังคมพร้อมกับดนตรีประกอบในเครื่องวัดจังหวะสองหรือสามจังหวะ ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 เป็นต้นมา ได้เกิดใหม่อย่างราบรื่นในโรงเกลือที่ร้อนระอุพร้อมกับเสียงเพลงของเมตรที่ซับซ้อน สไตล์นี้รอดมาได้จนถึงทุกวันนี้

ในศตวรรษที่ XIX-XX มันกลายเป็นการเต้นรำงานแต่งงานของอิตาลีจำนวนมากซึ่งเต้นในงานเฉลิมฉลองเนื่องในโอกาสแต่งงาน อย่างไรก็ตาม ในเวลานั้นพวกเขามักถูกกำหนดเวลาให้ตรงกับฤดูเก็บเกี่ยว ใน XXI - แสดงในงานรื่นเริงบางแห่ง ดนตรีในรูปแบบนี้ได้รับการพัฒนาในการแต่งเพลงของผู้แต่งหลายคน: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov

ภาวนา : สง่า สง่า สง่า

Pavane เป็นการเต้นรำบอลรูมแบบเก่าของอิตาลีซึ่งแสดงที่ศาลเท่านั้น เป็นที่รู้จักอีกชื่อหนึ่ง - padovana (จากชื่อ Padova; จากภาษาละติน pava - นกยูง) ท่ารำนี้ช้า สง่า เคร่งขรึม หรูหรา การรวมกันของการเคลื่อนไหวประกอบด้วยขั้นตอนเดียวและสองขั้นตอน curtsey และการเปลี่ยนแปลงเป็นระยะในตำแหน่งของพันธมิตรที่สัมพันธ์กัน เธอเต้นไม่เพียงแค่ที่งานบอลเท่านั้น แต่ยังเต้นในตอนต้นของขบวนหรือพิธีกรด้วย

ปาวาเน่ของอิตาลีได้เข้าสู่สนามบอลของประเทศอื่น ๆ ได้เปลี่ยนไปแล้ว มันกลายเป็น "ภาษาถิ่น" การเต้นรำชนิดหนึ่ง ดังนั้นอิทธิพลของสเปนจึงนำไปสู่การเกิดขึ้นของ "ปาวานิลา" และชาวฝรั่งเศส - สู่ "ปาสซาเมซโซ" เพลงที่ใช้แสดงพาสนั้นช้าสองจังหวะ เน้นจังหวะและช่วงเวลาสำคัญขององค์ประกอบ การเต้นรำค่อยๆหลุดออกจากแฟชั่นเก็บรักษาไว้ในผลงานของมรดกทางดนตรี (P. Attenyan, I. Shein, C. Saint-Saens, M. Ravel)

Tarantella: ตัวตนของอารมณ์อิตาลี

Tarantella เป็นการเต้นรำพื้นบ้านของอิตาลีที่รอดตายมาจนถึงทุกวันนี้ เขาเป็นคนที่หลงใหล, มีพลัง, เป็นจังหวะ, ร่าเริง, ไม่เหน็ดเหนื่อย การเต้นรำทารันเทลล่าของอิตาลีเป็นจุดเด่นของคนในท้องถิ่น ประกอบด้วยการกระโดดแบบผสมผสาน (รวมทั้งไปด้านข้าง) โดยสลับการเหวี่ยงขาไปข้างหน้าและข้างหลัง มันถูกตั้งชื่อตามเมืองทารันโต ยังมีอีกรุ่นหนึ่ง ว่ากันว่าคนที่ถูกกัดต้องติดโรค - ความทารุณ โรคนี้คล้ายกับโรคพิษสุนัขบ้ามากซึ่งพวกเขาพยายามรักษาในกระบวนการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วไม่หยุด

ดนตรีบรรเลงด้วยเครื่องวัดสามเท่าหรือแบบผสม เธอรวดเร็วและสนุกสนาน ลักษณะเฉพาะ:

1. การรวมกันของเครื่องดนตรีหลัก (รวมถึงคีย์บอร์ด) กับเครื่องดนตรีเพิ่มเติมที่อยู่ในมือของนักเต้น (แทมบูรีนและคาสทาเนต)
2. ขาดมาตรฐานดนตรี
3. การด้นสดของเครื่องดนตรีในจังหวะที่รู้จัก

จังหวะที่มีอยู่ในการเคลื่อนไหวถูกนำมาใช้ในองค์ประกอบของพวกเขาโดย F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Tchaikovsky ทารันเทลลายังคงเป็นการเต้นรำพื้นบ้านที่มีสีสันซึ่งเป็นพื้นฐานของผู้รักชาติทุกคน และในศตวรรษที่ 21 มันยังคงเต้นกันอย่างต่อเนื่องในวันหยุดของครอบครัวที่สนุกสนานและงานแต่งงานที่งดงาม

Pizzica: Clockwork Dance Clash

Pizzica เป็นการเต้นรำแบบเร็วของอิตาลีที่ได้มาจากทารันเทลล่า มันกลายเป็นทิศทางการเต้นของนิทานพื้นบ้านอิตาลีเนื่องจากมีลักษณะเฉพาะของตัวเอง หากทารันเทลลาเป็นส่วนใหญ่เต้นรำ พิซซ่าก็กลายเป็นคู่กันโดยเฉพาะ เขาได้รับโน้ตที่เหมือนทำสงครามมากยิ่งขึ้นไปอีก การเคลื่อนไหวของนักเต้นทั้งสองคล้ายกับการดวลที่คู่ต่อสู้ร่าเริงต่อสู้กัน

มักจะดำเนินการโดยผู้หญิงกับสุภาพบุรุษหลายคน ในเวลาเดียวกันด้วยการเคลื่อนไหวที่กระฉับกระเฉงหญิงสาวได้แสดงความสร้างสรรค์ความเป็นอิสระความเป็นผู้หญิงที่มีพายุเป็นผลให้ปฏิเสธพวกเขาแต่ละคน นตะลึงยอมจำนนต่อแรงกดดัน แสดงความชื่นชมต่อผู้หญิงคนนั้น ลักษณะพิเศษเฉพาะบุคคลดังกล่าวมีลักษณะเฉพาะกับพิซซ่าเท่านั้น ในทางใดทางหนึ่ง มันแสดงถึงธรรมชาติที่หลงใหลในอิตาลี พิซซ่าได้รับความนิยมในศตวรรษที่ 18 มาจนถึงทุกวันนี้ ยังคงมีการแสดงต่อไปในงานแสดงสินค้า งานคาร์นิวัล งานเฉลิมฉลองของครอบครัว และการแสดงละครและบัลเล่ต์

การเกิดขึ้นของเพลงใหม่นำไปสู่การสร้างดนตรีประกอบที่เหมาะสม ปรากฏว่า "pizzicato" - วิธีการทำงานบนสายธนู แต่ไม่ใช่ด้วยคันธนู แต่ใช้ปลายนิ้ว เป็นผลให้เสียงและท่วงทำนองที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงปรากฏขึ้น

การเต้นรำของอิตาลีในประวัติศาสตร์การออกแบบท่าเต้นโลก

กำเนิดเป็นศิลปะพื้นบ้าน เจาะเข้าไปในห้องบอลรูมชนชั้นสูง การเต้นรำตกหลุมรักกับสังคม มีความจำเป็นต้องจัดระบบและกระชับบัตรเพื่อวัตถุประสงค์ในการฝึกมือสมัครเล่นและสายอาชีพ นักออกแบบท่าเต้นตามทฤษฎีกลุ่มแรกคือชาวอิตาลี: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI) งานเหล่านี้ควบคู่ไปกับการสร้างเสริมการเคลื่อนไหวและสไตล์ที่ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาบัลเล่ต์ทั่วโลก

ในขณะเดียวกันที่ต้นกำเนิดกำลังเต้นรำ Saltarella หรือ Tarantella ร่าเริงเรียบง่ายในชนบทและในเมือง อารมณ์ของชาวอิตาลีมีความหลงใหลและมีชีวิตชีวา ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความลึกลับและสง่างาม คุณลักษณะเหล่านี้แสดงถึงลักษณะการเต้นรำของอิตาลี มรดกของพวกเขาเป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนานาฏศิลป์ในโลกโดยรวม คุณลักษณะเหล่านี้สะท้อนให้เห็นถึงประวัติศาสตร์ ลักษณะนิสัย อารมณ์ และจิตวิทยาของคนทั้งประเทศตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา

การเย็บปะติดปะต่อกันทางวัฒนธรรมของอิตาลีทำให้โลกนี้กลายเป็นปรมาจารย์ด้านศิลปะที่ไม่มีใครเทียบได้ แต่ผู้สร้างอัจฉริยะชาวอิตาลีเองก็ได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมพื้นบ้านรวมถึง เพลงอิตาลีไพเราะ เกือบทั้งหมดมีผู้แต่งซึ่งไม่ได้ป้องกันพวกเขาจากการถูกเรียกว่าพื้นบ้าน

อาจเป็นเพราะความรักตามธรรมชาติของชาวอิตาลีในการทำดนตรี คำชี้แจงนี้ใช้กับทุกภูมิภาคของอิตาลีตั้งแต่ตอนใต้ของเนเปิลส์ไปจนถึงเวนิสตอนเหนือ ซึ่งได้รับการยืนยันจากเทศกาลเพลงมากมายที่จัดขึ้นในประเทศ เพลงอิตาลีเป็นที่รู้จักและเป็นที่รักไปทั่วโลก: พ่อแม่ของเรายังจำ "Bella Chao" และ "On the Road" - เพลงลูกทุ่งอิตาลีที่ขับร้องโดยชาวมุสลิม Magomayev ซึ่งได้รับการยอมรับว่าเป็นเพลงที่ดีที่สุดในประเทศนี้

เพลงพื้นบ้านอิตาลีจากกาลเวลา

หากภาษาอิตาลีพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 10 นักวิจัยระบุว่าการปรากฏตัวของเพลงลูกทุ่งอิตาลีเป็นจุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 13 เพลงเหล่านี้เป็นเพลงที่นักเล่นปาหี่และนักดนตรีที่เร่ร่อนร้องเพลงในจัตุรัสกลางเมืองในช่วงวันหยุด หัวข้อสำหรับพวกเขาคือเรื่องความรักหรือเรื่องครอบครัว สไตล์ของพวกเขาค่อนข้างหยาบ ซึ่งค่อนข้างเป็นธรรมชาติสำหรับยุคกลาง

เพลงที่โด่งดังที่สุดที่ลงมาให้เราเรียกว่า "Contrasto" ("Love Dispute") โดย Sicilian Chullo d'Alcamo เป็นเรื่องเกี่ยวกับบทสนทนาระหว่างเด็กสาวและชายหนุ่มที่รักเธอ นอกจากนี้ยังรู้จักบทสนทนาเพลงที่คล้ายกัน: "ข้อพิพาทระหว่างวิญญาณกับร่างกาย", "ข้อพิพาทระหว่างผมสีน้ำตาลกับสาวผมบลอนด์", "ข้อพิพาทระหว่างคนไม่สำคัญกับคนฉลาด", "ข้อพิพาทระหว่างฤดูหนาวและฤดูร้อน ”

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แฟชั่นสำหรับการทำดนตรีในชีวิตประจำวันได้แพร่หลายในหมู่ชาวอิตาลี ชาวเมืองธรรมดารวมตัวกันเป็นวงกลมของคนรักดนตรีที่พวกเขาเล่นเครื่องดนตรีต่าง ๆ แต่งคำและท่วงทำนอง ตั้งแต่นั้นมา เพลงก็แพร่หลายในหมู่ประชากรทุกกลุ่มและฟังทุกหนทุกแห่งในอิตาลี

เครื่องดนตรีและเพลงพื้นบ้านอิตาลี

เมื่อพูดถึงนิทานพื้นบ้านแล้ว เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึงเครื่องดนตรีประกอบที่พวกเขาแสดง นี่คือบางส่วนของพวกเขา:

• ไวโอลินที่มีรูปลักษณ์ทันสมัยในศตวรรษที่ 15 เครื่องดนตรีประจำชาตินี้เป็นที่ชื่นชอบของชาวอิตาลี
• พิณและวิฮูเอลารุ่นพิเรเนียน เครื่องดนตรีที่ดึงออกมาได้แพร่หลายไปทั่วอิตาลีในศตวรรษที่ 14
• แทมบูรีน. แทมบูรีนชนิดหนึ่งที่มาถึงอิตาลีจากโพรวองซ์ นักเต้นพาพวกเขาไปด้วยตัวเองระหว่างการแสดงทารันเทลล่า
• ขลุ่ย. แพร่หลายในศตวรรษที่สิบเอ็ด มักใช้โดยนักแสดงร่วมกับแทมบูรีน
• hurdy-gurdy เป็นเครื่องมือลมแบบกลไกที่ได้รับความนิยมในอิตาลีในศตวรรษที่ 17 เป็นที่รักของนักดนตรีที่เดินทางโดยเฉพาะอย่างยิ่งจำได้ว่า Papa Carlo

เพลงลูกทุ่งอิตาลี "Santa Lucia" - กำเนิดดนตรีเนเปิลส์

เนเปิลส์เป็นเมืองหลวงของภูมิภาคกัมปาเนีย ซึ่งเป็นเมืองที่มีชื่อเสียงที่สุดในภาคใต้ของอิตาลี และเป็นแหล่งกำเนิดของเพลงพื้นบ้านเนเปิลส์อันไพเราะอย่างเพลง "ซานตา ลูเซีย" ที่สวยงาม

ธรรมชาติที่สวยงามผิดปกติ ภูมิอากาศที่ไม่รุนแรง และทำเลที่สะดวกสบายบนชายฝั่งอ่าวที่มีชื่อเดียวกัน ทำให้เมืองนี้และบริเวณโดยรอบมีความน่าสนใจเป็นอย่างยิ่งสำหรับผู้พิชิตและผู้ตั้งถิ่นฐานทั่วไปจำนวนมาก เป็นเวลากว่า 2,500 ปีที่เมืองนี้ได้นำเอาและคิดใหม่เกี่ยวกับวัฒนธรรมมากมายที่ไม่สามารถส่งผลกระทบต่อประเพณีดนตรีของภูมิภาค

การกำเนิดของเพลงลูกทุ่งชาวเนเปิลส์ถือเป็นจุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 13 เมื่อเพลง "The Sun Rises" ได้รับความนิยมอย่างมาก นี่คือรุ่งอรุณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี เวลาของการพัฒนาอย่างรวดเร็วของเมืองอิตาลีและจุดเริ่มต้นของการเกิดขึ้นของจิตสำนึกของมนุษย์จากยุคมืด มาถึงช่วงนี้ ผู้คนเลิกคิดว่าการเต้นรำและเพลงเป็นบาป เริ่มปล่อยให้ตัวเองสนุกกับชีวิต

ในศตวรรษที่ XIV-XV กลอนตลกเป็นที่นิยมในหมู่ผู้คนซึ่งแต่งขึ้นในหัวข้อของวันนั้น ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 วิลาเนลลา (เพลงหมู่บ้านชาวอิตาลี) ถือกำเนิดขึ้นที่เนเปิลส์ โดยมีการแสดงโคลงกลอนหลายเสียงควบคู่กับพิณ

อย่างไรก็ตาม ความมั่งคั่งของเพลงลูกทุ่งชาวเนเปิลส์ที่เรารู้จักนั้นเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 19 ในช่วงเวลานี้เพลงอิตาลีที่โด่งดังที่สุด "Santa Lucia" ได้รับการเผยแพร่โดย Teodoro Cottrau มันถูกเขียนในประเภทของ barcarolle (จากคำว่า barka) ซึ่งหมายถึง "เพลงของคนพายเรือ" หรือ "เพลงบนน้ำ" เพลงนี้แสดงเป็นภาษาถิ่นของเนเปิลส์และอุทิศให้กับความงามของเมืองชายฝั่งซานตาลูเซีย นี่เป็นงานเนเปิลส์งานแรกที่แปลจากภาษาถิ่นเป็นภาษาอิตาลี แสดงโดย Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti และศิลปินที่มีชื่อเสียงระดับโลกอีกมากมาย

ข้อความเนเปิลส์ต้นฉบับ

Comme fr?cceca la luna chiena…
lo mare ride, ll'aria ? เซเรน่า…
Vuje che facite 'mmiez'a la via?
ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v?’ spassarse j?nno pe’ mare…
E’ pronta e lesta la varca mia… ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย! III ลาแทนนา? โพสต์ pe'f? นา ซีน่า…
e quanno stace la panza chiena, ไม่ใช่ c'? la m?nema melanconia!

ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!
P?zzo accostare la varca mia?
ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!…

ข้อความภาษาอิตาลีคลาสสิก (Enrico Kossovich, 1849)

ซูล มาเร ลุกซิกา ลาสโตร ดาร์เจนโต

ซูล มาเร ลุกซิกา ลาสโตร ดาร์เจนโต
พลาซิด้า? l'onda, prospero? ฉันระบาย

ซานตา ลูเซีย! Venite all'agile barchetta mia, ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!

Con questo zeffiro เพราะเหตุใด โซโล คอม'? เบลโล สตาร์ ซัลลา เนฟ!
Su passegieri, venite ผ่าน!
ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!

Su passegieri, venite ผ่าน!
ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!

ใน fra le tende, bandir la cena In una sera cos? เซเรน่า,

ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!
ชี นอน ดิมันดา, ชี นอน เดเซีย.
ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!


มาเรส? พลาซิดา, เวนโตส? คาโร
สกอร์ดาร์ ฟา อี ทริโบลี อัล มารินาโร
อี วา กริดดันโด คอน อัลเลเกรีย
ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!

อี วา กริดดันโด คอน อัลเลเกรีย
ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!


โอ โดลเช่ นาโปลี โอ ซูล บีอาโต
Ove sorridere volle il creato,
Tu sei l'impero dell'armonia,
ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!

Tu sei l'impero dell'armonia,
ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!


หรือเช ทาร์ดาต? เบลล่า? ลาซีร่า
สไปรา อุนอูเรตตา เฟรสกา อี เลกจิเอรา
Venite all'agile barchetta mia, ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!

Venite all'agile barchetta mia, ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!

ข้อความภาษารัสเซีย

ทะเลหายใจได้นิดหน่อย
ในยามง่วงนอน
เสียงกระซิบของคลื่นได้ยินจากระยะไกล
ดาวดวงใหญ่สว่างไสวบนท้องฟ้า ซานตา ลูเซีย ซานตา ลูเซีย!
อา ช่างเป็นค่ำคืนที่วิเศษจริงๆ - ดวงดาวและท้องทะเล!
ลมอ่อนๆ พัดมาจากเชิงเขา

เขานำความฝันสีทอง
ซานตา ลูเซีย ซานตา ลูเซีย!
เรืออย่างหงส์
ลอยออกไป
ดวงดาวบนท้องฟ้า
พวกเขาส่องแสงเจิดจ้า

เพลงมหัศจรรย์
ได้ยินตอนกลางคืน
ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!
เที่ยวทะเลยามเย็น
อิ่มหนำสำราญ
เงียบ ๆ เราก้อง
เป็นเพลงที่คุ้นเคย

โอ้ มายเนเปิลส์
มอบให้โดยญาติ
ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!
แสงจันทร์
ทะเลเป็นประกาย

ลมพัดดี
แล่นเรือขึ้น
เรือฉันเบา
พายก็ใหญ่...
ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!

หลังม่าน
เรือที่เงียบสงบ
หลีกเลี่ยงได้
ตาไม่เจียมตัว
วิธีนั่ง
กลางคืนแบบนี้?

ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!
เนเปิลส์ที่ยอดเยี่ยมของฉัน
โอ้ ดินแดนที่น่ารัก
ยิ้มที่ไหน
เราเป็นหลุมฝังศพของสวรรค์

ความกระตือรือร้นในจิตวิญญาณ
เทอย่างพิสดาร ...
ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!
พวกเราคือมาร์ชเมลโล่เบาๆ
รีบวิ่งไปให้ไกลกันเถอะ
และเราจะลุกขึ้นเหมือนนกนางนวลเหนือน้ำ

โอ้ ไม่แพ้
นาฬิกาทอง...
ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!

ทะเลสงบ
ใครๆก็ชื่นชม
และวิบัติแก่กะลาสีเรือ
ลืมทันที
พวกเขาร้องเพลงเท่านั้น
เพลงกำลังห้าว

ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย
คุณจะรออะไรอีก?
เงียบสงบที่ทะเล
พระจันทร์ส่องแสง
ในห้วงอวกาศ
เรือฉันเบา
พายก็ใหญ่...

ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!
***

ฟังเพลงพื้นบ้านอิตาลี Santa Lucia ที่ดำเนินการโดย Anastasia Kozhukhova:

นอกจากนี้ เพลง Neapolitan อีกเพลงหนึ่ง "Dicitencello vuie" ก็โด่งดังในประเทศของเราเช่นกัน เรารู้จักกันดีในชื่อ "Tell the girl to your girlfriend" เพลงนี้แต่งขึ้นในปี 1930 โดยนักแต่งเพลง Rodolfo Falvo และเนื้อเพลงโดย Enzo Fusco เวอร์ชันภาษารัสเซียดำเนินการโดยศิลปินในประเทศส่วนใหญ่ตั้งแต่ Sergei Lemeshev ถึง Valery Leontiev นอกจากภาษารัสเซียแล้ว เพลงนี้ได้รับการแปลเป็นภาษาอื่นๆ อีกหลายภาษา

เพลงเนเปิลส์เป็นที่รู้จักและชื่นชอบทั่วโลกอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน นี่เป็นหลักฐานจากเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในการแข่งขันกีฬาโอลิมปิกที่เมือง Antwerp ในปี 1920 ในระหว่างการมอบรางวัลให้กับทีมอิตาลี ปรากฏว่าวงออเคสตราเบลเยียมไม่มีโน้ตเพลงสำหรับเพลงชาติอิตาลี แล้ววงออเคสตราก็ระเบิดออกมา "โอ้ พระอาทิตย์ของฉัน" ("O sole mio") เมื่อเสียงเมโลดี้ดังขึ้นครั้งแรก ผู้ชมที่สนามกีฬาเริ่มร้องเพลงพร้อมกับเนื้อเพลง

เมื่อพูดถึงประเพณีเพลงของเนเปิลส์และพื้นที่โดยรอบ ไม่อาจลืมพูดถึงเทศกาล Piedigrotta ซึ่งจัดขึ้นทุกปีในต้นเดือนกันยายน ปิเอดิกรอตตาเป็นถ้ำที่ตั้งอยู่ใกล้กับเนเปิลส์ ซึ่งครั้งหนึ่งเคยเป็นสถานที่ศักดิ์สิทธิ์ของคนป่าเถื่อน ในปี ค.ศ. 1200 เพื่ออุทิศให้กับสถานที่แห่งนี้ โบสถ์เซนต์แมรีจึงถูกสร้างขึ้นที่นี่ ซึ่งต่อมาเป็นที่รู้จักในชื่อ Piedigrotta ซึ่งแปลว่า "ที่เชิงถ้ำ"

เมื่อเวลาผ่านไป การบูชาพระแม่มารีและงานเฉลิมฉลองเพื่อเป็นเกียรติแก่เธอ ได้กลายเป็นเทศกาลประกวดร้องเพลง ในช่วงเทศกาลดนตรีนี้ กวีและนักร้องพื้นบ้านที่เก่งที่สุดของเนเปิลส์จะแข่งขันกัน บางครั้งมันเกิดขึ้นที่สองเพลงได้รับคะแนนเท่ากัน จากนั้นผู้ชมจะถูกแบ่งออกเป็นสองค่ายซึ่งแต่ละค่ายพร้อมที่จะปกป้องท่วงทำนองที่พวกเขาชอบด้วยหมัดของพวกเขา ถ้าทั้งสองเพลงดีจริง ๆ มิตรภาพก็ชนะ และคนทั้งเมืองก็ฮัมเพลงโปรดเหล่านี้

เพลงพื้นบ้านอิตาลี "ความสุข"

งานนี้เป็นเนื้อเพลงรัก แต่คำพูดของข้อความสังเกตเห็นการทรยศหักหลังและลมแรงของเยาวชน เรื่องนี้เล่าจากมุมมองของหญิงสาวที่หันไปถามเพื่อนของเธอว่า: เขารู้หรือไม่ว่ามีอะไรซ่อนอยู่หลังการชำเลืองมองของสาวๆ ที่งานบอล? หญิงสาวเองยังไม่ได้รักใครเลย ดังนั้นเธอจึงคิดว่าตัวเองมีความสุขที่สุดและ "มีเสน่ห์มากกว่าราชินี" เด็กสาวชาวอิตาลีเดินท่ามกลางดอกเดซี่และดอกไวโอเล็ต ฟังเสียงนกร้องเจี๊ยก ๆ และร้องเพลงให้พวกมันฟังว่าเธอมีความสุขเพียงใดและเธอต้องการจะรักเพียงพวกเขาคนเดียวตลอดไป

แท้จริงแล้ว มีการระบุไว้อย่างถูกต้องว่าตราบใดที่ความรักที่คุณมีต่อบุคคลอื่นไม่กลายเป็นความผูกพันที่เจ็บปวด มีเวลาสำหรับเพลิดเพลินกับชีวิต ธรรมชาติ และทุกคนรอบตัวคุณ ทั้งหมดนี้ควรสังเกตที่ไหนเมื่อคุณรู้สึกอิจฉาริษยาและวิตกกังวล

ฟังเพลงลูกทุ่งอิตาลี "Happy" ในภาษารัสเซียที่แสดงโดย Anastasia Teplyakova:

อารมณ์ขันในเพลงลูกทุ่งอิตาลี: ร้องเพลงเกี่ยวกับ "พาสต้า"

ตัวละครอิตาลีที่เบาและร่าเริงมีส่วนทำให้เกิดการใช้เพลงตลกอย่างแพร่หลาย ในบรรดาผลงานดังกล่าว คุณควรสังเกตเพลง "พาสต้า" ที่อุทิศให้กับอาหารอิตาเลียนแท้ๆ จานนี้ ร้องเพลงนี้ เด็กกำพร้าและเด็กจากครอบครัวที่ยากจนหาเลี้ยงชีพด้วยการขอทานจากคนที่เดินผ่านไปมา มีข้อความในเวอร์ชันชายและหญิงทั้งนี้ขึ้นอยู่กับเพศของนักแสดง เพลงนี้ถูกสร้างขึ้นในจังหวะของทารันเทลล่า

Tarantella เป็นการเต้นรำพื้นบ้านที่มีการแสดงตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 ตามกฎแล้วทารันเทลลาจะขึ้นอยู่กับบรรทัดฐานการทำซ้ำเป็นจังหวะ ที่น่าสนใจคือ การเต้นเพลงนี้ถือเป็นเครื่องมือรักษาผู้ที่ถูกทารันทูล่ากัด เป็นเวลานานที่นักดนตรีได้เดินไปตามถนนในอิตาลีเพื่อแสดงทำนองนี้โดยเฉพาะสำหรับผู้ป่วยที่ "ทารุณ"

มักกะโรนี (เวอร์ชั่นชาย) แปลโดย M. Ulitsky

1. ฉันอาศัยอยู่ท่ามกลางซากปรักหักพัง
สุขใจมากกว่าเศร้า.
ฉันอาศัยอยู่ท่ามกลางซากปรักหักพัง
สุขใจมากกว่าเศร้า.

ฉันยินดีที่จะให้โต๊ะเตียงและบ้านที่มีระเบียงสำหรับพาสต้า

2. อาหารอร่อยนี้เป็นเพื่อนที่ดีของคนทั่วไป
อาหารอร่อยนี้เป็นเพื่อนที่ดีของคนทั่วไป

แต่คนสำคัญก็กินพาสต้ากับซอสด้วย

3. คุณต้องการที่จะรู้ว่าตัวตลกสีแดงที่กำลังจะตายรอดชีวิตได้อย่างไร?
คุณต้องการที่จะรู้ว่าตัวตลกสีแดงที่กำลังจะตายรอดชีวิตมาได้อย่างไร?

Shutovskaya ถอดมงกุฎและเปลี่ยนเป็นพาสต้า

4. ทารันเทลล่าของเราร้อง ฉันควรไปทานอาหารเย็นกับใคร
ทารันเทลล่าของเราร้อง ฉันควรไปทานอาหารเย็นกับใคร

แค่ตะโกน: "พาสต้า!" - สหายจะปรากฏขึ้นทันที

พาสต้า (เวอร์ชั่นผู้หญิง)

ฉันดำกว่ามะกอก
ฉันอยู่คนเดียวเร่ร่อนเร่ร่อน
และเสียงกลอง
ฉันพร้อมเต้นทั้งวัน
ฉันจะร้องเพลงทารันเทลล่าให้เธอ
ขอแค่มีเมตตา
ให้ขายและซื้อ
มักกะโรนี, พาสต้า.

เพื่อนของฉัน ปุลซิเนลโล
บาดแผลในใจคือลูกธนู
มีเพียงฉันเท่านั้นที่ไม่ต้องการให้ปุลซิเนลโลเป็นภรรยา
เกือบยิงตัวเอง
เกือบโดดระเบียง
แต่เขาหายจากกิเลสตัณหา
แค่กลืนพาสต้า

ฉันพาน้องชายไปเที่ยว
หลังจากเขาผู้เป็นที่รักจากไป
วิธีทำทหาร
ทุกคนไม่เป็นอันตรายหรือไม่?
เพื่อที่ปืนจะไม่ยิง
คุณต้องนำตลับหมึกทั้งหมดออก
แทนที่จะกระสุนบินออกไป
มักกะโรนี, พาสต้า.

หากคุณรู้สึกเศร้าเล็กน้อย
หากคุณถูกกดขี่ด้วยโรคภัยไข้เจ็บ
หรือบางครั้งท้องว่าง
พาสต้าเป็นสิ่งที่ดีสำหรับคุณ!
ลาก่อนซิกโนริทัส
ลาก่อน สุภาพบุรุษดอนน่า
คงจะอิ่มมากสินะ
และฉันกำลังรอพาสต้า!

มักเชโรนี

1. Io mi sono un poveretto senza casa e senza เลตโต
Io mi sono un poveretto senza casa e senza เลตโต

Venderei i miei canzoni per un sol piatto da maccheroni.

2. Pulcinella mezzo ใช้จ่ายเงินเป็นหลักฐาน
Pulcinella mezzo ใช้จ่ายเงินเป็นหลักฐาน

ซื้อ avesse dai padroni un grosso piatto di maccheroni

3. โฮ เวดูโต อุน บวน Tenente che cambiava col Sergente.
โฮ เวดูโต อุน บวน เตเนนเต เช แคมเบียวา กอล เซร์เกนเต

Le spalline pe'galloni per un sol piatto di maccheroni.

4. Tarantella si e cantata,
เนื่องจาก carlini si e pagata
ทารันเทลลา si e cantata,
เนื่องจาก carlini si e pagata
โซโน อัลเลโกร โอ คอมปาโญนี
เน คอมเปเรโม เด มักเชโรนี
โซโน อัลเลโกร โอ คอมปาโญนี
เน คอมเปเรโม เด มักเชโรนี
***

ฟังเพลงลูกทุ่งอิตาลี "พาสต้า" ในภาษารัสเซียที่แสดงโดย Anna Zhikhalenko:

เพลงเวนิสบนน้ำ

นอกจากเนเปิลส์ทางตอนใต้แล้ว เวนิส ไข่มุกทางเหนือของอิตาลี ยังโดดเด่นด้วยประเพณีเพลงที่งดงามและน่าทึ่ง เรากำลังพูดถึงเพลงของเรือแจวอย่างแรกเลย ลวดลายความรักเหล่านี้เป็นของประเภทบาร์คารอล พวกเขาไพเราะและไม่เร่งรีบ

เสียงที่ดังและไพเราะของเรือกอนโดเลียดูเหมือนจะสะท้อนกับฝีพายช้าๆ ในน้ำ น่าแปลกที่บาร์คาโรลไม่ได้รับความสนใจจากนักดนตรีมืออาชีพจนถึงศตวรรษที่ 18 จนถึงศตวรรษที่ 18 อย่างไรก็ตาม ในศตวรรษหน้า การละเลยนี้มีมากกว่าการชดเชย Tchaikovsky, Mendelssohn, Chopin, Glinka เป็นเพียงอัจฉริยะทางดนตรีจำนวนน้อยที่หลงใหลในเพลงพื้นบ้านของชาวเวนิสและรวมเอาลวดลายของมันไว้ในผลงานอมตะของพวกเขา

น่าเสียดายที่ความทันสมัยส่งผลกระทบในทางลบต่อประเพณีของชาวเวนิส รวมทั้งบาร์คารอล ตัวอย่างเช่น ตามคำร้องขอของนักท่องเที่ยว นักเดินเรือกอนโดเลียมักจะร้องเพลง "O Sole Mio" ของชาวเนเปิลส์ แม้ว่าสมาคมกระเช้าลอยฟ้าจะขัดต่อการแสดง เนื่องจากไม่ใช่ชาวเวนิส

เพลงของพรรคพวกอิตาลี "Bella Chao"

นอกจากนี้เพลงของพรรคพวกที่มีชื่อเสียง "Bella Chao" ("Goodbye Beauty") ยังได้รับความนิยมอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน มันถูกร้องโดยสมาชิกของกลุ่มต่อต้านในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง จริงอยู่ไม่ได้เผยแพร่ไปทั่วอิตาลี แต่อยู่ทางเหนือของประเทศใน Apennines เท่านั้น

เชื่อกันว่าเนื้อร้องของเพลงแต่งโดยแพทย์หรือแพทย์ และท่วงทำนองก็ชัดเจนจากเพลง "Sleeping Potion" ของเด็กโต แม้ว่าตามคำกล่าวของ Luciano Granozzi ศาสตราจารย์ด้านประวัติศาสตร์สมัยใหม่ที่มหาวิทยาลัย Catania "Bella ciao" จนถึงปี 1945 จะทำการแสดงโดยกลุ่มพรรคพวกบางกลุ่มในบริเวณใกล้เคียงกับเมืองโบโลญญาเท่านั้น

อี ปิกเคีย ปิกเคีย
ลา porticella
อี ปิกเคีย ปิกเคีย

อี ปิกเคีย ปิกเคีย
la porticella dicendo: "Oi bella, mi vieni a เมษายน"
Con una มโนเมษายน?
ลาปอร์ตาเอคอนลาบอคคา
ลาเหิน? อันบาซิน
La gh'ha dato un bacio cos? ตันโต ฟอร์เต เช
la suoi mamma la l'ha ส่ง?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
เช ตุตโต อิล มอนโด ปาร์ลา มัล ดิ เต?
มาลาสเซียเพียวเช
il mondo 'l diga: io voglio amare chi mi ama ฉัน.
Io voglio amare quel giovanotto ch'l'ha
fatt sett'anni di Prigion ต่อฉัน
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e setette จอร์นี ดิ พรีเจียน ต่อฉัน
เอ ลา ปรีจิโอเน
ฉัน? แทนโตสคูรา,
มิฟาเปาร่า,
ลามิฟาโมริ

เบลล่า เจ้า (หนึ่งในตัวเลือก)

เช้านี้ฉันตื่นแล้ว

เช้านี้ฉันตื่นแล้ว
และฉันเห็นศัตรูผ่านหน้าต่าง!
โอ้ พวกพ้อง เอาข้าไป
Oh bella ciao, bella ciao, เบลล่า ciao, ciao, ciao!
โอ้พวกพ้องพาฉัน
ฉันรู้สึกว่าความตายของฉันใกล้เข้ามา!
หากฉันถูกลิขิตให้ตายในการต่อสู้
Oh bella ciao, bella ciao, เบลล่า ciao, ciao, ciao!
ถ้าฉันถูกลิขิตให้ตายในสนามรบ - ฝังฉันไว้
ฝังอยู่ในภูเขาสูง?
Oh bella ciao, bella ciao, เบลล่า ciao, ciao, ciao!
ฝังอยู่ในภูเขาสูง?
ภายใต้ร่มเงาของดอกไม้สีแดง!

Oh bella ciao, bella ciao, เบลล่า ciao, ciao, ciao!
สัญจรผ่านไป จะเห็นดอกไม้
"สวย - เขาจะพูด - ดอกไม้!"
นั่นจะเป็นความทรงจำของพรรคพวก
Oh bella ciao, bella ciao, เบลล่า ciao, ciao, ciao!
นั่นจะเป็นความทรงจำของพรรคพวก
เสรีภาพที่ตกต่ำอย่างกล้าหาญ!
***

ฟังเพลงของพรรคพวกชาวอิตาลี "Bella, ciao" ที่ขับร้องโดย Pyatnitsky Choir:

เพลงของพรรคพวกที่ทุกคนชื่นชอบคือ "Fischia il vento" ("The wind is blowing") มีบุคลิกที่เด่นชัดของคอมมิวนิสต์ ดังนั้น หลังจากสิ้นสุดสงคราม รัฐบาลอิตาลีจึงเริ่มโปรโมตเพลง "Bella Chao" เพื่อจุดประสงค์ทางอุดมการณ์ ซึ่งเขาสามารถขอบคุณได้เท่านั้น ไม่ว่าในกรณีใด เพลงดังกล่าวโด่งดังไปทั่วโลกในวัยสี่สิบปลายหลังเทศกาลเยาวชนและนักศึกษานานาชาติครั้งที่ 1 ซึ่งจัดขึ้นที่กรุงปรากในฤดูร้อนปี 2490 หลังจากนั้นก็มีนักร้องที่มีชื่อเสียงและนักร้องไม่ดังจากทั่วโลกมาคุมอยู่หลายครั้ง

แก่นของดนตรีโฟล์กอิตาลีนั้นกว้างใหญ่จนเป็นไปไม่ได้ที่จะถ่ายทอดออกมาภายในกรอบของบทความเดียว นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าประวัติศาสตร์ทั้งหมดของอิตาลีได้สะท้อนให้เห็นในเพลงพื้นบ้าน ภาษาที่ไพเราะอย่างไม่น่าเชื่อ ธรรมชาติที่หรูหรา และประวัติศาสตร์ที่ปั่นป่วนของการพัฒนาประเทศทำให้โลกนี้มีปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมเช่นเพลงพื้นบ้านอิตาลี

← ←อยากได้ยินเพื่อนๆ พูดว่าขอบคุณที่แบ่งปันสิ่งที่น่าสนใจและมีค่ากับพวกเขาไหม?? จากนั้นคลิกปุ่มโซเชียลมีเดียปุ่มใดปุ่มหนึ่งทางด้านซ้ายทันที!
สมัครสมาชิก RSS หรือรับบทความใหม่ทางอีเมล

แมนโดลินเป็นเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสาย ลักษณะที่ปรากฏย้อนหลังไปถึงศตวรรษที่ 16 และอิตาลีที่มีสีสันก็กลายเป็นบ้านเกิดของตน พิณเป็นเครื่องดนตรีที่มีลักษณะคล้ายพิณมาก เนื่องจากมีรูปร่างคล้ายลูกแพร์ มันแตกต่างจากพิณตรงที่มีสายน้อยกว่าและมีคอที่สั้นกว่า

โดยพื้นฐานแล้ว แมนโดลินมักมีสายคู่สี่สาย (เรียกว่าเนเปิลส์แมนโดลิน) และพิณจะมีหกสายหรือมากกว่านั้นขึ้นอยู่กับยุคนั้น นอกจากแมนโดลินประเภทนี้แล้วยังมีประเภทอื่น ๆ อีกด้วย:

• ซิซิลี - มีพื้นด้านล่างแบนและสามสาย
• Milanese - มีหกสายสร้างอ็อกเทฟที่สูงกว่ากีตาร์หนึ่ง
• Genoese - แมนโดลินห้าสาย;
• ฟลอเรนซ์

วิธีการเล่นแมนโดลิน

โดยปกติแล้ว แมนโดลินจะเล่นกับแผ่นเสียง หรือมากกว่า โดยใช้แผ่นกรองเสียง แม้ว่ามันจะเกิดขึ้นที่พวกเขาเล่นด้วยนิ้วของพวกเขา เสียงของแมนโดลินมีเอกลักษณ์เฉพาะ - การทำซ้ำอย่างรวดเร็วและซ้ำ ๆ ของเสียง (ลูกคอ) นั้นอธิบายโดยข้อเท็จจริงที่ว่าเมื่อคุณสัมผัสสตริงเสียงจะสลายอย่างรวดเร็วนั่นคือกลายเป็นเสียงสั้น นั่นคือเหตุผลที่เพื่อยืดเวลาเสียงและรับโน้ตที่ถูกกล่าวหาว่าใช้ลูกคอ

แมนโดลินกลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางนอกอิตาลีหนึ่งศตวรรษหลังจากการก่อตั้ง เครื่องดนตรีนี้เป็นที่ชื่นชอบและได้รับสถานะของเครื่องดนตรีพื้นบ้านอย่างรวดเร็ว จวบจนปัจจุบัน เธอเดินไปบนโลกใบนี้ โดยมีรากฐานมาจากวัฒนธรรมสมัยใหม่มากขึ้นเรื่อยๆ

เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่านักแต่งเพลงชื่อดังอย่าง Mozart ในโอเปร่า Don Giovanni ของเขาใช้แมนโดลินในการขับกล่อม

นอกจากนี้ วงดนตรี นักแต่งเพลง และนักร้องในปัจจุบันหลายๆ คนยังใช้เครื่องดนตรีนี้เพื่อสร้าง "ความสนุก" บางอย่าง กับองค์ประกอบของพวกเขา

ด้วยความช่วยเหลือของแมนโดลิน คุณสามารถเล่นและเล่นบทเดี่ยวได้อย่างสมบูรณ์แบบ ตัวอย่างเช่น ออเคสตราชาวเนเปิลส์เป็นที่รู้จัก ซึ่งเป็นเสียงที่ผสานจากแมนโดลินหลายขนาดที่แตกต่างกัน แมนโดลินยังใช้ในวงซิมโฟนีและโอเปร่าออร์เคสตรา นอกจากแบนโจแล้ว แมนโดลินยังใช้ในเพลงบลูแกรสอเมริกันและดนตรีพื้นบ้านอีกด้วย

ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว แมนโดลินเป็นเครื่องดนตรีที่แปลกมาก และเป็นที่ชื่นชอบของใครหลายคนอย่างแม่นยำเพราะว่าทรัมป์การ์ดของมันคือลูกคอ ซึ่งคุณอาจจะไม่พบในเครื่องดนตรีอื่น ๆ

แมนโดลินเป็นเครื่องดนตรีชนิดหนึ่งที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในหมวดเครื่องดนตรีพื้นบ้าน บางทีเครื่องดนตรีไม่กี่ชิ้นก็สามารถอวดความนิยมดังกล่าวได้ ในทางกลับกัน แมนโดลินถือเป็นประเพณีพื้นบ้าน แม้ว่านักประพันธ์เพลงหลายคนจะใช้มันในผลงานของพวกเขา ทำให้พวกเขามีเสน่ห์และมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว แม้ว่าแมนโดลินมักใช้ในวงออเคสตรา แต่ก็ให้เสียงที่ยอดเยี่ยมในฐานะที่เป็นดนตรีอิสระ มีการบรรเลงบทเพลงและบทละครต่างๆ พร้อมด้วยเครื่องดนตรีอื่นๆ

แมนโดลินมีชื่อเสียงที่ไหนอีกบ้าง

ค่อนข้างเร็ว แมนโดลินอพยพจากอิตาลีไปทางเหนือของสหรัฐอเมริกาและตั้งมั่นในดนตรีท้องถิ่นอย่างมั่นคง ในยุโรป เครื่องมือนี้พิชิตชาวสแกนดิเนเวีย ซึ่งทำให้แมนโดลินมีเสียงที่เข้มงวดเป็นพิเศษ

แมนโดลินมีเครื่องดนตรีประจำตระกูล เหล่านี้คือ mandala, bouzouki และ octave mandolin ความกลมกลืนของร็อกแอนด์โรลในสมัยของเรานั้นคล้ายคลึงกับแมนโดลินตัวเดียวกันมาก

เป็นที่ทราบกันดีว่าสมาชิกของกลุ่ม Led Zeppelin ชื่นชอบเสียงของแมนโดลินมากและใช้มันในทำนองของพวกเขา แม้แต่จิมมี่ เพจ สมาชิกของวงดนตรีก็ยังเสริมแมนโดลินด้วยคอมันดาลาและกีตาร์ แม้แต่ Paul McCartney ก็ชอบเครื่องดนตรีที่ยากนี้

นอกจากเสียงที่ยอดเยี่ยมแล้ว แมนโดลินยังมีข้อดีที่ปฏิเสธไม่ได้หลายประการ:

• โครงสร้างที่กลมกลืนกัน
• ความเป็นปึกแผ่น;
• ใช้ร่วมกับแมนโดลินอื่น ๆ หรือเครื่องดนตรีอื่น ๆ โดยทั่วไป - กีตาร์, ขลุ่ยบล็อก

การจูนของแมนโดลินค่อนข้างคล้ายกับการจูนของไวโอลิน:

• สายคู่แรกถูกปรับเป็นไมล์ของอ็อกเทฟที่ 2
• คู่ที่สองอยู่ในลาของอ็อกเทฟที่ 1
• อีกครั้ง 1 อ็อกเทฟ;
• สายคู่ที่สี่คือเกลือของอ็อกเทฟขนาดเล็ก

ความนิยมของแมนโดลินเพิ่มมากขึ้นเรื่อยๆ ตัวอย่างเช่น Vadimir Kholstinin สมาชิกของกลุ่ม Aria ใช้แมนโดลินในการแต่งเพลง Paradise Lost มันยังใช้ในโอเปร่าโลหะของกลุ่มโรคระบาด (เพลง Walk Your Way) และโดย Sergei Mavrin (Makadash)

และเพลงดัง “สูญเสียศาสนา” โดย R.E.M. ด้วยเสียงอันเป็นเอกลักษณ์ของแมนโดลิน? ดูเหมือนว่าจะเป็นที่รู้จักในเกือบทุกประเทศทั่วโลก

แมนโดลินเป็นเครื่องดนตรีที่ค่อนข้างลึกลับ ความลับแห่งความสำเร็จของเธอยังไม่เปิดเผยอย่างสมบูรณ์ แม้ว่าจะผ่านไปมากกว่าสี่ร้อยปีนับตั้งแต่การปรากฏตัวของมัน มันไม่สูญเสียความนิยมอย่างแน่นอน แต่ในทางกลับกัน มันกลับดึงดูดแฟนๆ มากขึ้นเรื่อยๆ ในยุคปัจจุบันมีการใช้กันอย่างแพร่หลายในแนวดนตรีที่หลากหลาย

น่าทึ่งมากที่แมนโดลินสามารถปรับให้เข้ากับองค์ประกอบ แรเงา หรือเน้นเสียงของเครื่องดนตรีเกือบทุกชนิดได้อย่างลงตัว เมื่อได้ยินเสียงของเครื่องดนตรีที่มีมนต์ขลังนี้ ดูเหมือนว่าคุณจะเข้าสู่ยุคโบราณของอัศวินผู้กล้าหาญ ผู้หญิงที่มีเสน่ห์ และราชาผู้ภาคภูมิ

วิดีโอ: แมนโดลินมีเสียงอย่างไร