คอนเสิร์ต (รูปแบบดนตรี). คอนเสิร์ตในรูปแบบดนตรี ใครเป็นผู้สร้างสรรค์คอนเสิร์ตบรรเลง

วัตถุประสงค์ของบทเรียน:

• เกี่ยวกับการศึกษา: เพื่อให้นักเรียนรู้จักที่มาและพัฒนาการของประเภทการแสดงดนตรีบรรเลงในตัวอย่างคอนเสิร์ต The Four Seasons โดย A. Vivaldi เพื่อรวบรวมแนวคิดเกี่ยวกับคอนเสิร์ตประเภทต่างๆ เพื่อขยายแนวคิดเกี่ยวกับรายการเพลง
• กำลังพัฒนา: ยังคงแนะนำตัวอย่างที่ดีที่สุดของดนตรีบาร็อค
• เกี่ยวกับการศึกษา: ส่งเสริมการตอบสนองทางอารมณ์ต่อการรับรู้ของดนตรีคลาสสิก พัฒนาความสนใจและความเคารพในมรดกทางดนตรีของนักแต่งเพลงจากประเทศอื่นๆ

อุปกรณ์:เครื่องฉายมัลติมีเดีย หนังสือเรียน โดย จี.พี. Sergeeva, ED Kritskaya "Music" สำหรับชั้นประถมศึกษาปีที่ 6, สมุดบันทึกที่สร้างสรรค์สำหรับตำรานี้, phono-chrestomatics สำหรับหนังสือเรียน "Music" สำหรับชั้นประถมศึกษาปีที่ 6, สมุดงาน, พจนานุกรมดนตรี

แผนการเรียน:

1. ช่วงเวลาขององค์กร
2. ยุคบาโรก - นักแต่งเพลงประเภทภาพดนตรี
2.1. การพัฒนาประเภทของคอนเสิร์ตในผลงานของ A. Vivaldi
2.2. ประวัติความเป็นมาของบัลเล่ต์ "The Four Seasons"
2.3. นักแสดงร่วมสมัยและกลุ่มการแสดง
3. การบ้าน.

ระหว่างเรียน

1. ช่วงเวลาขององค์กร

คำทักทายในรูปแบบของเสียงร้องโดยครู:

- สวัสดีทุกคนสวัสดี! (การเคลื่อนไหวขึ้นทีละน้อยจากที่หนึ่งไปยังที่ห้าในเสียงของยาชูกำลังสาม).
คำตอบของเด็ก:

- สวัสดีอาจารย์สวัสดี!” (ซ้ำเติมเพลงต้นฉบับ).

2. การเรียนรู้เนื้อหาใหม่

ดนตรีเป็นแรงบันดาลใจให้คนทั้งโลก มอบปีกให้วิญญาณ ช่วยให้จินตนาการโบยบิน
ดนตรีให้ชีวิตและความสนุกสนานกับทุกสิ่งที่มีอยู่ ...
เธอสามารถเรียกได้ว่าเป็นศูนย์รวมของทุกสิ่งที่สวยงามและประเสริฐ

เพลโต

ครู:ในบทเรียนแรกเกี่ยวกับดนตรีในชั้นประถมศึกษาปีที่ 6 เราได้พูดถึงความหลากหลายทางดนตรี: ดนตรีสามารถเป็นเสียงร้องและบรรเลงได้ หัวข้อของบทเรียนวันนี้คือ "Instrumental Concert" โปรดระบุประเภทของดนตรีบรรเลงและรายชื่อที่เป็นไปได้ (เด็ก ๆ ตั้งชื่อแนวเพลงซิมโฟนี, คอนเสิร์ต, เสียงร้อง, เพลงที่ไม่มีคำพูด, โซนาตา, สวีทและกลุ่มการแสดง - ดนตรีเดี่ยว, ดนตรีออเคสตราทั้งมวล)ค้นหาความหมายของคำว่า "คอนเสิร์ต" ในพจนานุกรมดนตรี

(เด็กค้นหาคำที่กำหนดและอ่านออกเสียงคำจำกัดความที่พบ)

นักเรียน:คอนเสิร์ต (อ. คอนแชร์โต้จากลาดพร้าว - คอนแชร์โต้- แข่งขัน) เรียกว่า:

1. การแสดงดนตรีในที่สาธารณะ
2. ประเภทของเพลงชิ้นสำคัญที่มีลักษณะอัจฉริยะสำหรับศิลปินเดี่ยวที่มีวงออเคสตรา ซึ่งเขียนบ่อยที่สุดในรูปแบบของวงจรโซนาตา
3. เพลง Polyphonic vocal หรือ vocal-instrumental โดยอิงจากการเปรียบเทียบตั้งแต่สองส่วนขึ้นไป คอนเสิร์ตแบ่งเป็น 3 ตอน (เร็ว-ช้า-เร็ว)
ในประวัติศาสตร์ของดนตรีมีคอนเสิร์ตสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวและวงออเคสตราสำหรับวงออเคสตราที่ไม่มีศิลปินเดี่ยวในดนตรีรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ประเภทของคอนเสิร์ตนักร้องประสานเสียงเกิดขึ้น

ครู:ในหนังสือเรียน (หน้า 108-110) ในชุดกราฟิก เราจะพิจารณาการทำซ้ำของภาพวาด "ฤดูใบไม้ผลิ" โดย S. Botticelli และภาพนูนต่ำนูนสูงโดย F. Goujon คุณจะใช้ดนตรีสไตล์ศิลปะใดในการถ่ายทอดผลงานศิลปะเหล่านี้ หัวข้อของบทเรียนวันนี้คือ "Instrumental Concert" คุณจะได้ทำความคุ้นเคยกับที่มาและการพัฒนาของแนวเพลงแชมเบอร์ - คอนเสิร์ตบรรเลง จดจำชื่อรูปแบบศิลปะในวัฒนธรรมและศิลปะของประเทศในยุโรปในช่วงระหว่างปี ค.ศ. 1600-1750 ผลงานของนักประพันธ์เพลงในยุคบาโรก (เด็กควรนิยามคำนี้จากหัวข้อ "Images of Sacred Music of Western Europe" ตั้งชื่อว่า JS Bach ตำราหน้า 66)คุณตั้งชื่อความหมายของคำนี้ถูกต้องแล้ว บาร็อคเป็นหนึ่งในรูปแบบศิลปะที่สวยงามและประณีตที่สุด น่าจะมาจากสำนวนภาษาโปรตุเกส pleurabarocco- ไข่มุกรูปทรงสวยงาม แท้จริงแล้ว บาร็อคเป็นไข่มุกในห่วงโซ่ของการเปลี่ยนแปลงคุณค่าทางศิลปะในการวาดภาพ สถาปัตยกรรม ประติมากรรม วรรณกรรม ดนตรี

เป็นสิ่งสำคัญสำหรับปรมาจารย์แบบบาโรกในการจับภาพความงามอันศักดิ์สิทธิ์ของชีวิต บาร็อคเป็นสไตล์ศิลปะที่โดดเด่นด้วยการแสดงออกความงดงามพลวัต ศิลปะบาโรกพยายามส่งอิทธิพลโดยตรงต่อความรู้สึกของผู้ชมและผู้ฟัง โดยเน้นที่ธรรมชาติอันน่าทึ่งของประสบการณ์ทางอารมณ์ของมนุษย์ ด้วยการเกิดขึ้นของบาโรกที่ดนตรีเป็นครั้งแรกที่แสดงให้เห็นถึงความสามารถอย่างเต็มที่ในการรวมเอาโลกแห่งประสบการณ์ทางอารมณ์ของมนุษย์ในเชิงลึกและหลากหลาย แนวดนตรีและการแสดงละคร อย่างแรกเลยคือโอเปร่า ซึ่งถูกกำหนดโดยความพยายามในการแสดงออกอย่างน่าทึ่งและการผสมผสานของศิลปะประเภทต่างๆ ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของบาโรก สิ่งนี้ยังแสดงออกในด้านดนตรีทางศาสนาด้วย โดยแนวเพลงชั้นนำ ได้แก่ oratorio, cantata และ passions ในเวลาเดียวกัน มีแนวโน้มที่จะแยกดนตรีออกจากคำ - ไปสู่การพัฒนาอย่างเข้มข้นของประเภทเครื่องมือมากมาย วัฒนธรรมบาโรกเป็นตัวแทนของความสำเร็จสูงสุดในทัศนศิลป์ (Rubens, Van Dyck, Velasquez, Ribera, Rembrandt) ในสถาปัตยกรรม (Bernini, Puget, Kuazevox) ในด้านดนตรี (A. Corelli, A. Vivaldi, JS Bach, G . ฟ. ฮันเดล). ยุคบาโรก ถือเป็นช่วงระหว่างปี ค.ศ. 1600-1750 ในช่วงหนึ่งศตวรรษครึ่งรูปแบบดนตรีดังกล่าวถูกประดิษฐ์ขึ้นซึ่งมีการเปลี่ยนแปลงอยู่ในปัจจุบัน

ในบทเรียนวันนี้ คุณจะได้ทำความคุ้นเคยกับวัฏจักรของคอนเสิร์ต "The Seasons" ซึ่งเป็นจุดสุดยอดของงานของ A. Vivaldi Antonio Vivaldi เป็นนักไวโอลิน นักแต่งเพลง และครูชาวอิตาลี

มรดกสร้างสรรค์ของวิวาลดีมีขนาดใหญ่มาก ครอบคลุมประมาณ 700 เรื่อง ในหมู่พวกเขามี 19 โอเปร่า แต่ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ที่สำคัญของงานของเขาคือการสร้างคอนเสิร์ตเดี่ยว มีการเขียนงานประมาณ 500 ชิ้นในประเภทนี้ คอนแชร์โตของเขาจำนวนมากถูกเขียนขึ้นสำหรับไวโอลินตั้งแต่หนึ่งตัวขึ้นไป คอนแชร์โตสองตัวสำหรับแมนโดลินสองตัว และอีกคอนแชร์โตสำหรับเครื่องดนตรีที่ผิดปกติ เช่น สำหรับไวโอลินสองตัวและออร์แกนสองออร์แกน เมื่อแต่งคอนแชร์โตสำหรับเครื่องสาย นักแต่งเพลงเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่หันมาแต่งเพลงสำหรับเครื่องดนตรีประเภทลม ซึ่งถือว่าเก่าแก่และไม่น่าสนใจสำหรับนักประพันธ์เพลง โอโบ ฮอร์นฝรั่งเศส ขลุ่ย ทรัมเป็ต ให้เสียงที่ไพเราะและกลมกลืนกันในคอนเสิร์ตของเขา คอนเสิร์ตสำหรับแตรสองตัว A. Vivaldi เขียนตามคำขอ เห็นได้ชัดว่านักแสดงต้องการพิสูจน์ว่าดนตรีที่ไพเราะและยอดเยี่ยมสามารถเล่นบนทรัมเป็ตได้ จนถึงปัจจุบัน การแสดงคอนเสิร์ตครั้งนี้เป็นการพิสูจน์ฝีมือสูงสุดของนักแสดง นักแต่งเพลงส่วนใหญ่แต่งเพลงบาสซูน - คอนแชร์โตมากกว่า 30 รายการสำหรับปี่และวงออเคสตรา Vivaldi ให้ความสำคัญกับเครื่องดนตรีประเภทลมเป็นพิเศษกับขลุ่ยที่มีเสียงต่ำและนุ่มนวล ในส่วนที่กำหนดให้กับขลุ่ย เป่าด้วยเสียงเต็ม แสดงคุณธรรมทั้งหมด

คอนแชร์โตกรอสโซ (การเปรียบเทียบทั้งวงดนตรีกับเครื่องดนตรีหลายชิ้น) ถูกสร้างขึ้นในผลงานของ A. Corelli A. Vivaldi ก้าวไปข้างหน้าเมื่อเทียบกับรุ่นก่อน: เขาสร้างประเภทของคอนเสิร์ตเดี่ยวซึ่งแตกต่างกันอย่างมีนัยสำคัญในระดับของการพัฒนา พลวัต และการแสดงออกของดนตรี องค์ประกอบของคอนเสิร์ตสลับไปมาระหว่างส่วนโซโล่และออเคสตราโดยอิงจาก "ความแตกต่างที่จัดเป็นอย่างดี" หลักการของคอนทราสต์กำหนดรูปแบบคอนเสิร์ตสามส่วน: การเคลื่อนไหวครั้งแรก - เร็วและกระฉับกระเฉง ที่ 2 - โคลงสั้น ๆ ไพเราะมีรูปร่างเล็ก การเคลื่อนไหวที่ 3 - ตอนจบ มีชีวิตชีวา และสดใส คอนเสิร์ตเดี่ยวได้รับการออกแบบสำหรับผู้ชมจำนวนมาก ซึ่งองค์ประกอบของความบันเทิง การแสดงละคร ปรากฏให้เห็นในการแข่งขันระหว่างศิลปินเดี่ยวและวงออเคสตรา - ในการสลับทุตติและโซโลอย่างไม่หยุดยั้ง นี่คือความหมายของคอนเสิร์ต ดนตรี อย่างแม่นยำ

วัฏจักรของคอนเสิร์ต "The Four Seasons" เป็นจุดสุดยอดของความคิดสร้างสรรค์ของ A. Vivaldi
ฉันแนะนำให้คุณฟังส่วนแรกของคอนเสิร์ต (ภาคแรกฟังครูไม่เอ่ยชื่อ).
- เพลงนี้สามารถเชื่อมโยงกับฤดูกาลใดได้บ้าง? ? (นักเรียนกำหนดน้ำเสียงเริ่มต้น, ลักษณะของดนตรี, การก้าวอย่างรวดเร็ว, ความแตกต่างของไดนามิก, ช่วงเวลาภาพ - การเลียนแบบเสียงนก, นี่คือฤดูใบไม้ผลิ)

โลกที่เราอาศัยอยู่เต็มไปด้วยเสียงทุกประเภท ใบไม้ที่ร่วงหล่น เสียงฟ้าร้อง เสียงคลื่น เสียงนกหวีด เสียงฟี้อย่างแมว เสียงไม้ที่ไหม้ในเตาผิง เสียงนกร้อง ...
ในอดีตกาล คนๆ หนึ่งตระหนักว่าเสียงต่างกัน: เสียงสูงและต่ำ สั้นและยาว เสียงอู้อี้และดัง แต่เสียงตัวเองยังไม่ใช่เพลง และเมื่อมีคนเริ่มจัดระเบียบเพื่อแสดงความรู้สึกและความคิด ดนตรีก็ปรากฏขึ้น
คุณจะกำหนดลักษณะของท่วงทำนองได้อย่างไร? (คำตอบที่เป็นไปได้ของเด็ก: คุณสามารถได้ยินได้ชัดเจนว่าวงออร์เคสตรากำลังเล่นอยู่ที่ไหน และที่ใดที่เสียงไวโอลินโซโลร้อง ท่วงทำนองที่บรรเลงโดยวงออเคสตรา ท่วงทำนองในระดับหลัก ชัดเจนมาก สดใส จดจำง่ายในจังหวะการเต้น ท่วงทำนองของศิลปินเดี่ยวนั้นซับซ้อนกว่ามาก มันเป็นอัจฉริยะ สวยงาม ตกแต่งด้วยบทเพลงคล้ายนกร้อง)

การเลียนแบบเสียงนกได้รับความนิยมในหมู่นักดนตรีมาโดยตลอด การร้องเพลงของนกได้รับการเลียนแบบในสมัยโบราณและจนถึงทุกวันนี้การเลียนแบบดังกล่าวพบได้ในนิทานพื้นบ้านทางดนตรีของชนชาติต่างๆ นักคิด นักวิทยาศาสตร์ นักดนตรี ต่างมองหาที่มาของดนตรีในการร้องเพลงของนก "ความไพเราะ" ของนกมากมายไม่เคยหยุดนิ่ง ไม่น่าแปลกใจเลยที่นกไนติงเกลได้กลายเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ของศิลปะโดยทั่วไป และการเปรียบเทียบกับมันถือเป็นคำชมสำหรับนักร้อง นักแต่งเพลงแห่งยุคบาโรกได้เขียนเพลง "นก" ที่สวยงามมากมาย - "Swallow" โดย K. Daken, "Calling over", "Chicken" โดย F. Rameau, "The Nightingale in Love" และ "The Winner Nightingale" โดย F. Couperin, "Cuckoos" มากมาย - โดย Couperin, A. Vivaldi, B. Pasquini ฯลฯ ธีมดนตรีของวงออเคสตราและศิลปินเดี่ยวเกี่ยวข้องกันหรือไม่? (ในธีมดนตรี หนึ่งจังหวะ ความตื่นเต้นแบบไดนามิกที่สดใส ลมหายใจของพื้นที่ในธรรมชาติ รู้สึกถึงความสุขของชีวิต)
- เครื่องดนตรีใดที่สมบูรณ์แบบที่สุดในยุคบาโรก?

A. Vivaldi ใช้เครื่องสายกี่เครื่องเมื่อเปรียบเทียบกับออร์เคสตราสมัยใหม่ ในเวอร์ชั่นดั้งเดิมตามความคิดของผู้แต่ง มีเพียงห้าสายเท่านั้น วงดนตรีเครื่องสายสมัยใหม่เริ่มต้นด้วยออร์เคสตราขนาดเล็ก ซึ่งประกอบด้วยเครื่องดนตรีห้า สิบ สิบสอง สิบสี่เครื่อง ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีที่สำคัญที่สุดของวงออเคสตรา Cinderella ของวงซิมโฟนีออร์เคสตราสมัยใหม่ ยังคงเป็นเครื่องดนตรีที่สมบูรณ์แบบที่สุดในบรรดาเครื่องสายทั้งหมด มันมีเสียงที่ยอดเยี่ยมและช่วงที่เหลือเชื่อ ในช่วงเวลาของ Vivaldi และ Bach มีการสร้างเครื่องดนตรีที่ดีที่สุดในประวัติศาสตร์ ในเมืองเล็ก ๆ ของ Cremona ของอิตาลี ไวโอลินที่สวยงามและมีเอกลักษณ์ถูกสร้างขึ้นมา มาจำชื่อ Stradivari, Amati, Guarneri กันเถอะ เมืองเล็กๆ แห่งนี้มีชื่อเสียงด้านช่างฝีมือ ตลอดสามร้อยปีที่ผ่านมา ไม่มีใครทำไวโอลินได้ดีไปกว่าปรมาจารย์แห่งเครโมนา ในงานของเขา A. Vivaldi ได้แสดงให้เห็นความสดใสและความสวยงามของเสียงไวโอลินในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยว

ดนตรีเป็นศิลปะรูปแบบหนึ่ง เช่นเดียวกับภาพวาด ละคร บทกวี มันเป็นภาพสะท้อนโดยนัยของชีวิต ศิลปะแต่ละชิ้นพูดภาษาของตัวเอง ดนตรี - ภาษาของเสียงและน้ำเสียง - มีความลึกทางอารมณ์เป็นพิเศษ นี่คือด้านอารมณ์ที่คุณรู้สึกเมื่อฟังเพลงของ A. Vivaldi

ดนตรีมีผลอย่างมากต่อโลกภายในของบุคคล มันสามารถทำให้เกิดความเพลิดเพลินหรือทำให้เกิดความวิตกกังวลทางจิตอย่างรุนแรง ทำให้เกิดการไตร่ตรองและเปิดรับผู้ฟังในด้านต่างๆ ของชีวิตที่ไม่เคยรู้จักมาก่อน เป็นเพลงที่แต่งขึ้นเพื่อแสดงความรู้สึกที่ซับซ้อนจนบางครั้งไม่สามารถบรรยายออกมาเป็นคำพูดได้

คิดว่าเป็นไปได้ไหมที่จะเล่นบัลเล่ต์ด้วยเพลงนี้? เมื่อศิลปินเดี่ยวและวงออเคสตราแข่งขันกันด้วยทักษะ พวกเขาต้องเล่นเพื่อผู้ชมอย่างแน่นอน มันอยู่ในการสลับกันอย่างไม่หยุดยั้งของเสียงของวงออเคสตราและไวโอลินเดี่ยวที่เปล่งเสียงสดใส ในความรู้สึกของโรงละครและการอภิปราย ในความกลมกลืนและความกลมกลืนของรูปแบบดนตรี รู้สึกถึงลักษณะเฉพาะของดนตรีบาโรก เมื่อได้ฟังคอนเสิร์ตช่วงที่ 1 อีกครั้ง ให้ฟังเสียงเพลงที่ไพเราะ เสียงไพเราะถูกรวมเข้ากับดนตรีประกอบที่ต่อเนื่องและกำหนดไว้อย่างเคร่งครัด ซึ่งตรงกันข้ามกับการแต่งเพลงของยุคก่อนๆ ที่โพลีโฟนีเล่นบทบาทนำ - การเปล่งเสียงหลายท่วงทำนองที่มีความสำคัญเท่าเทียมกัน

ดังนั้นคอนเสิร์ตของ A. Vivaldi "The Four Seasons" ประกอบด้วยสี่ส่วน ชื่อของแต่ละส่วนสอดคล้องกับชื่อของฤดูกาล การพัฒนาภาพดนตรีของการเคลื่อนไหวแต่ละครั้งไม่ได้ขึ้นอยู่กับการวางเคียงกันของเสียงไวโอลินโซโลและทุตติของวงออเคสตราเท่านั้น ในคอนเสิร์ต ดนตรีจะติดตามภาพของบทกวีโคลง ซึ่งผู้แต่งได้เปิดเผยเนื้อหาของแต่ละคอนเสิร์ตของวัฏจักรเช่น มีโปรแกรมบางอย่าง มีข้อเสนอแนะว่าโคลงเขียนโดยผู้แต่งเอง ให้เราหันไปที่การแปลโคลงซึ่งกลายเป็นรายการคอนเสิร์ต หนังสือเรียนในหน้า 110- 111 มีตัวเลือกการแปลสองแบบ ในความคิดของคุณ อันไหนที่ตรงกับภาพดนตรีของคอนเสิร์ต "Spring" ช่วงแรกๆ มากกว่ากัน? ข้อความวรรณกรรมสื่อถึงอารมณ์ของบุคคล สภาพจิตใจและอารมณ์ที่เกี่ยวข้องกับการมาถึงของฤดูใบไม้ผลิด้วยวิธีใด A. Vivaldi ใช้รายการวรรณกรรมในคอนเสิร์ตของเขาเป็นผู้ก่อตั้งโปรแกรมเพลง ในศตวรรษที่ 19 โปรแกรมเพลงได้เกิดขึ้น - ชิ้นส่วนที่มีพื้นฐานมาจากวรรณกรรม

โปรแกรมเพลงเป็นเพลงบรรเลงชนิดหนึ่ง งานเหล่านี้เป็นงานดนตรีที่มีรายการทางวาจาและมักจะเป็นบทกวีและเปิดเผยเนื้อหาที่ตราตรึงอยู่ในนั้น รายการอาจเป็นชื่อที่แสดง เช่น ปรากฏการณ์ของความเป็นจริงที่ผู้แต่งมีในใจ ("เช้า" โดย E. Grieg ถึงละครโดย G. Ibsen "Peer Gynt") หรืองานวรรณกรรมที่เป็นแรงบันดาลใจให้เขา (" โรมิโอและจูเลียต" โดย P. Tchaikovsky - ทาบทาม - แฟนตาซีตามโศกนาฏกรรมที่มีชื่อเดียวกันโดย W. Shakespeare)
มาดูการทำงานกับบทช่วยสอนกัน ในหน้า 109 คุณจะได้รับการนำเสนอหัวข้อหลักของคอนเสิร์ตช่วงแรก "ฤดูใบไม้ผลิ" ฉันจะเตือนคุณถึงเสียงของมันเมื่อฉันเล่นเครื่องดนตรี เมโลดี้นี้ร้องได้มั้ยคะ? มาร้องเพลงกัน เมื่อรู้วิธีการแสดงออกทางดนตรีแล้ว ให้อธิบายธีมดนตรีนี้ (นักเรียนให้คำอธิบายเกี่ยวกับท่วงทำนอง สเกล ระยะเวลา จังหวะ รีจิสเตอร์ ทุ้ม) ธีมนี้เป็นธีมที่เกิดซ้ำหรือไม่ ในรูปแบบดนตรีใด (rondo, การเปลี่ยนแปลง) ส่วนที่ 1 ของคอนเสิร์ตเขียนขึ้น? หลักการพัฒนาอะไร (ซ้ำหรือตรงกันข้าม) ที่ผู้แต่งใช้ในเพลงของการเคลื่อนไหวที่ 1? มีภาพตอนใด ๆ หรือไม่? หากมี ให้กำหนดความต้องการและยืนยันด้วยตัวอย่างจากข้อความวรรณกรรม คุณฮัมเพลงของศิลปินเดี่ยวได้ไหม (ปฏิบัติยาก ธรรมะ เหมือนลมกระโชก ฝูงนก) เปรียบเทียบกับการแสดงกราฟิกของท่วงทำนอง (การเคลื่อนไหวขึ้น, ระยะเวลาสั้น ๆ ฯลฯ ) ความจำเป็นในการสร้างดนตรีบรรเลงที่ตั้งโปรแกรมได้ปรากฏขึ้นในอิตาลีในศตวรรษที่ 17 ในช่วงเวลาที่ภาพของวีรกรรมและไอดีลของอภิบาล รูปภาพของนรกและพลังธรรมชาติ - ทะเลที่โหมกระหน่ำ ใบไม้ที่ร่วงหล่น กลายเป็นแฟชั่นในโอเปร่า วงออเคสตรามีบทบาทสำคัญในฉากดังกล่าว เมื่อเปรียบเทียบกับนักแต่งเพลงและนักบรรเลงเพลงในยุคบาโรก A. Vivaldi ค้นพบพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยมในด้านนี้ เป็นเวลานานที่ Vivaldi เป็นที่จดจำขอบคุณ J.S. Bach ผู้ซึ่งทำการถอดความงานของเขาหลายครั้ง คอนแชร์โตของ Vivaldi หกรายการสำหรับเปียโนและออร์แกนถูกถอดความซึ่งบาคคิดว่าตัวเองเขียนมาเป็นเวลานาน ความคิดสร้างสรรค์ของ A. Vivaldi มีอิทธิพลอย่างมากต่อการสร้างรูปแบบการสร้างสรรค์ของ J.S. Bach โดยเฉพาะอย่างยิ่งการบรรเลงไวโอลินคอนแชร์โตครั้งแรกโดย Vivaldi

คุณจะอ้างถึงเพลงของส่วนแรกของคอนเสิร์ต "Spring" อีกครั้ง แต่การออดิชั่นจะผิดปกติ: คุณทั้งคู่จะฟังและดูชิ้นส่วนของบัลเล่ต์ "The Seasons" กับเพลงของ A. Vivaldi ที่จัดแสดงโดย นักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศสที่โดดเด่น R. Petit บัลเลต์ดำเนินการโดยคณะมาร์เซย์

ละครเรื่อง "The Four Seasons" จัดแสดงโดยนักออกแบบท่าเต้นต่างๆ ไปจนถึงดนตรีที่แตกต่างกัน นักแต่งเพลงหลายคนเขียนเพลงในหัวข้อนี้ ได้แก่ A. Vivaldi, P. Tchaikovsky, A. Glazunov และอื่น ๆ การแสดงมีหลายรูปแบบ: สี่ฤดูกาลสี่ครั้งของชีวิตสี่ครั้งต่อวัน การแสดงของวันนี้โดยนักออกแบบท่าเต้น R. Petit จัดแสดงในธีม Balanchine มาดูสารานุกรมบัลเล่ต์กันเถอะ

George Balanchine เกิดปี 1904 เป็นนักออกแบบท่าเต้นชาวอเมริกัน งานของเขามีส่วนทำให้เกิดทิศทางใหม่ในการออกแบบท่าเต้น การแสดงบัลเลต์ดราม่า ตลก ขบขัน มักอิงจากโครงเรื่องง่ายๆ ที่ซึ่งการกระทำถูกเปิดเผยด้วยการเต้นรำและละครใบ้ รูปแบบของบัลเล่ต์ส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยการออกแบบตกแต่งซึ่งมีความหมายบางอย่าง ทิศทางนี้ในงานของเขาได้รับการพัฒนามากที่สุดหลังปี 2477 Balanchine เริ่มสร้างบัลเลต์ให้เป็นเพลงที่ไม่ได้มีไว้สำหรับการเต้น (ห้องชุด ซิมโฟนี รวมถึงคอนเสิร์ต Four Seasons) ไม่มีโครงเรื่องในบัลเล่ต์เหล่านี้เนื้อหาถูกเปิดเผยในการพัฒนาภาพดนตรีและการออกแบบท่าเต้น

แนวคิดในการสร้างบัลเล่ต์ในหัวข้อ Balanchine, บัลเล่ต์ที่ไม่มีโครงเรื่อง, นีโอคลาสซิซิสซึ่ม, การเต้นรำเพื่อการเต้นรำ, เยี่ยมชมนักออกแบบท่าเต้น ผลลัพธ์ของความปรารถนานี้คือการสร้างบัลเล่ต์ The Four Seasons โรแลนด์เป็นชายอิมเพรสชันนิสม์ที่ตอบสนองต่อความประทับใจ ด้วยดนตรีอันยอดเยี่ยมของ A. Vivaldi และจินตนาการที่สร้างสรรค์ของนักออกแบบท่าเต้น การแสดงในวันนี้จึงถูกจัดฉากขึ้น ลักษณะเด่นอย่างหนึ่งของ R. Peti ในฐานะนักออกแบบท่าเต้นคือความเรียบง่ายและความชัดเจนของข้อความออกแบบท่าเต้น R. Peti เป็นคนที่สามารถสร้างได้อย่างเต็มที่ในทุกทิศทางและในทุกประเภท: เขาแสดงการเต้นรำในภาพยนตร์, การแสดงละครเพลง, การแสดงละครมากมาย เขาแสดงการแสดงที่การเต้นรำเป็นสิ่งที่ศักดิ์สิทธิ์ เป็นสิ่งที่นำความสุขและความสุขมาสู่ผู้ที่อยู่ในกลุ่มผู้ชม R.Pety เป็นคนที่ชอบทุกสิ่งที่สวยงาม สำหรับการออกแบบท่าเต้นของเขา เขามีหลักเกณฑ์เพียงเกณฑ์เดียวเท่านั้น - ความงาม การผสมผสานที่กลมกลืนกันของดนตรีและความงาม

บัลเล่ต์ Four Seasons ดำเนินการในจัตุรัสที่สวยที่สุดแห่งหนึ่งในโลก - จัตุรัส St. Mark ในเมืองเวนิส สถาปัตยกรรมอันศักดิ์สิทธิ์ของจัตุรัสเป็นฉากหลังของการแสดงนี้ ศิลปินที่แสดงการแสดงได้กลายเป็นตำนานตั้งแต่พวกเขาเป็นดาราในยุค 70-80 นี่คือ โดเมนิก โคลฟูนี, เดนิส กาโญ, หลุยส์ เกบานิโน R. Petit ชื่นชมความคิดสร้างสรรค์และความสามารถของพวกเขาเป็นอย่างมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Domenik Kolfuni เป็นหนึ่งในนักบัลเล่ต์ที่รักมากที่สุดของ Petit D. Colfuni เป็นนักบัลเล่ต์ของ Paris National Opera แต่ตามคำร้องขอของ R. Peti ออกจาก Marseille สำหรับเธอ R. Petti ได้สร้างการแสดงมากมาย โดยเฉพาะละครเรื่อง "My Pavlova" เช่นเดียวกับที่ A. Pavlova เคยเป็นในอุดมคติของนักออกแบบท่าเต้น M. Fokin D. Colfuni ก็กลายเป็น “Pavlova” แบบเดียวกันสำหรับ R. Peta (ดูส่วนของบัลเล่ต์ "Seasons", "Spring")

ความสนใจของนักดนตรีมืออาชีพในดนตรีแห่งยุคบาโรกไม่เสื่อมคลาย วงออร์เคสตรา Venetian Baroque Orchestra ก่อตั้งขึ้นในปี 1997 โดย Andrea Marcon นักเปียโนชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียงและนักปราชญ์สไตล์บาโรก ในช่วงสี่ปีที่ผ่านมากลุ่มนี้มีชื่อเสียงในฐานะหนึ่งในวงดนตรีบรรเลงบาโรกที่ดีที่สุด โดยหลักแล้วในฐานะผู้แปลที่น่าเชื่อถือของดนตรีของ Antonio Vivaldi คอนเสิร์ตและการแสดงโอเปร่าของวงออเคสตราในหลายประเทศในยุโรปได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางไม่เพียงแค่ในหมู่ผู้ชมจำนวนมากเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักวิจารณ์ดนตรีด้วย วงออเคสตราพร้อมการแสดงนำเสนอให้ผู้ชมได้อ่านผลงานใหม่ของ A. Vivaldi, F. Cavalli, B. Marcello

ในฤดูกาลคอนเสิร์ตที่แล้ว คอนเสิร์ตจัดขึ้นใน 28 เมืองของสหรัฐอเมริกากับ Robert McDuffy นักไวโอลิน ทัวร์ในญี่ปุ่นและเกาหลีกับนักไวโอลิน Giuliano Carminiolo โปรแกรมผลงานของ Antonio Vivaldi ได้ดำเนินการในคอนเสิร์ตฮอลล์ที่ดีที่สุดแห่งหนึ่งในอัมสเตอร์ดัม คอนแชร์โทเก้บูว์. วงออร์เคสตราได้แสดงร่วมกับศิลปินเดี่ยวชื่อดังอย่าง Magdalena Kozhena, Cecilia Aartoli, Vivica Geno, Anna Netrebko, Victoria Mullova มีส่วนร่วมในเทศกาลต่างๆ ในออสเตรีย สวิตเซอร์แลนด์ และเยอรมนี
รายชื่อจานเสียงที่กว้างขวางของวงออเคสตราได้รับรางวัลอันทรงเกียรติมากมาย ประกอบด้วยการบันทึกคอนแชร์โตไวโอลินโดย Vivaldi และ Locatelli อัลบั้มซิมโฟนีและคอนเสิร์ตสำหรับเครื่องสายโดย Vivaldi ผลงานมากมายโดยนักประพันธ์เพลงในยุคบาโรกที่แสดงโดยนักดนตรีที่มีชื่อเสียงในยุคของเรา

ความสนใจในดนตรีของ A. Vivaldi ไม่แห้งแล้ง สไตล์ของเขาเป็นที่จดจำสำหรับผู้ฟังที่หลากหลาย เพลงที่สดใสและไม่เสียสีสัน ตัวอย่างของสิ่งนี้คือความดึงดูดใจของนักออกแบบท่าเต้นสมัยใหม่ R. Peti ที่มีต่อดนตรีของ Vivaldi และการผลิตบัลเลต์ที่ยอดเยี่ยมของเขา "The Four Seasons" ซึ่งเป็นการสร้างสรรค์วงดนตรีบรรเลงใหม่

ความลับของความนิยมในดนตรีของ A. Vivaldi คืออะไร? ฟังเพลงของนักแต่งเพลงจากอดีตอันไกลโพ้น อะไรทำให้คนมีความสุขและเศร้า? เขาดิ้นรนเพื่ออะไร เขาคิดอย่างไร และเขามองโลกอย่างไร? ดนตรีโดย ก. วิวาลดี ดนตรีแห่งอดีตมีความชัดเจน ความรู้สึก ความคิด ประสบการณ์ของคนสมัยใหม่ไม่เปลี่ยนแปลงเลยเมื่อเทียบกับอดีต นี่คือความสุขของชีวิต การรับรู้ถึงโลกรอบตัวเรา ซึ่งในเพลงของ Vivaldi นั้นเป็นไปในเชิงบวกและยืนยันชีวิต คอนเสิร์ตในผลงานของ A. Vivaldi เป็นความต่อเนื่องของการพัฒนาประเภทของคอนเสิร์ตบรรเลงโดยได้รับรูปแบบที่สมบูรณ์ซึ่งกลายเป็นแบบอย่างสำหรับนักประพันธ์เพลงชาวยุโรปรุ่นต่อ ๆ ไป

3. การบ้าน:การมอบหมายในสมุดบันทึกสร้างสรรค์ในหัวข้อ "คอนเสิร์ตบรรเลง"

ผู้เข้าชมงาน Philharmonic จะคุ้นเคยกับบรรยากาศที่พิเศษและสนุกสนานในห้องโถงที่มีการแสดงดนตรีบรรเลง สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือการแข่งขันระหว่างศิลปินเดี่ยวกับทั้งวง - วงออเคสตรา อันที่จริง คอนเสิร์ตเป็นหนึ่งในประเภทเครื่องดนตรีที่ยากที่สุด ความจำเพาะของมันอยู่ที่ความจริงที่ว่าศิลปินเดี่ยวอยู่ในสภาวะที่ยากลำบากที่สุดที่มีอยู่ในดนตรี เขาจะต้องพิสูจน์ความเหนือกว่าของเครื่องดนตรีของเขาในการแข่งขันกับเครื่องดนตรีอื่นๆ อีกหลายสิบชิ้น

ไม่ใช่เพื่ออะไรที่นักประพันธ์แต่งให้คอนเสิร์ตมีบุคลิกที่ยอดเยี่ยมและมีพรสวรรค์ มุ่งมั่นที่จะเปิดเผยความเป็นไปได้ทางเทคนิคและศิลปะทั้งหมดของเครื่องดนตรีที่พวกเขาได้เลือกไว้ โดยทั่วไปแล้ว คอนเสิร์ตจะเขียนขึ้นเพื่อเครื่องดนตรีที่ล้ำสมัยและอุดมด้วยทรัพยากร เช่น เปียโน ไวโอลิน เชลโล

ในเวลาเดียวกัน คอนเสิร์ตไม่ได้เป็นเพียงการแข่งขันของผู้เข้าร่วมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการประสานงานสลับกันของโซโลและชิ้นส่วนประกอบในศูนย์รวมของแนวคิดทั่วไปขององค์ประกอบ

ดังนั้น คอนเสิร์ตบรรเลงจึงมีแนวโน้มที่ดูเหมือนจะขัดแย้งกัน:

• ในด้านหนึ่ง มันถูกออกแบบให้เปิดเผยความสามารถของเครื่องดนตรีชิ้นหนึ่งเมื่อเปรียบเทียบกับวงออเคสตราทั้งหมด
• ในทางกลับกัน มันต้องมีวงดนตรีที่สมบูรณ์และสมบูรณ์แบบ

และเห็นได้ชัดว่าคำว่าคอนเสิร์ตมีที่มาสองที่: จากภาษาละติน "คอนเสิร์ต" ซึ่งหมายถึง "การแข่งขัน" และจาก "คอนเสิร์ต" ของอิตาลีนั่นคือ "ความยินยอม" ความหมายสองประการนี้คือความหมายและความเฉพาะเจาะจงของประเภทนี้

คอนเสิร์ตบรรเลง. ประวัติความเป็นมาของประเภท

ประวัติของคอนเสิร์ตในรูปแบบการแสดงทั้งมวลย้อนกลับไปในสมัยโบราณ การเล่นร่วมกันในเครื่องดนตรีหลายชิ้นที่ได้รับการเสนอชื่อให้เป็นศิลปินเดี่ยวนั้นพบได้ในวัฒนธรรมดนตรีของหลายประเทศ

แต่คำนี้ปรากฏขึ้นในปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาปลายศตวรรษที่ 16 ในอิตาลี นี่คือชื่องานโพลีโฟนิกแกนนำที่แสดงในโบสถ์ งานดังกล่าวมีพื้นฐานมาจากการเปรียบเทียบ (การแข่งขัน) ของการร้องเพลงตั้งแต่สองส่วนขึ้นไป พร้อมด้วยออร์แกน และบางครั้งก็เป็นวงดนตรีบรรเลง

ต่อมาชื่อนี้ส่งต่อไปยังองค์ประกอบห้องสำหรับเครื่องดนตรีหลายชิ้น คอนเสิร์ตที่คล้ายคลึงกันนี้พบได้ในต้นศตวรรษที่ 17 แต่เมื่อถึงกลางศตวรรษ คอนเสิร์ตจะกลายเป็นงานออเคสตราและได้ชื่อใหม่ว่า "Concerto Grosso"

คอนแชร์โต้ กรอสโซ

ผู้สร้างแนวเพลงใหม่ คอนแชร์โต้ กรอสโซ ("คอนเสิร์ตใหญ่") เป็นนักไวโอลินและนักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่โดดเด่นในช่วงศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 18 Arcangelo Corelli ในคอนแชร์โต้ กรอสโซ มีการแบ่งแยกเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวและเครื่องดนตรีประกอบ และมีเครื่องดนตรีชิ้นแรกๆ อยู่หลายชิ้นเสมอ และเรียกว่าคอนแชร์ติโน

การพัฒนารูปแบบนี้ในภายหลังเกี่ยวข้องกับ Corelli รุ่นน้องร่วมสมัย ในงานของ Vivaldi คอนเสิร์ตมีรูปแบบ 3 ส่วน โดยส่วนที่เร็วสุดขีดจะอยู่ตรงกลางและส่วนที่ช้า เขายังสร้างคอนแชร์โตครั้งแรกด้วยเครื่องดนตรีเดี่ยวอย่างไวโอลิน คอนเสิร์ตดังกล่าวเขียนโดย Bach และ Handel

ต่อมา ฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งเดิมใช้ประกอบในคอนแชร์โต้ กรอสโซ ได้เริ่มนำมาใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว บทของเขาค่อยๆ ซับซ้อนขึ้น และเมื่อเวลาผ่านไป ฮาร์ปซิคอร์ดและวงออเคสตราก็เปลี่ยนบทบาท

โครงสร้างคอนเสิร์ตโดย Wolfgang Amadeus Mozart

ในที่สุดโครงสร้าง 3 ส่วนของคอนเสิร์ตก็กลายเป็นรูปแบบหลักในที่สุด ในเวลาเดียวกัน การเคลื่อนไหวครั้งแรกเขียนในรูปแบบโซนาตาด้วยการเปิดรับสองครั้ง (ครั้งแรกที่นำเสนอโดยวงออเคสตราครั้งที่สองโดยมีการเปลี่ยนแปลงบางอย่าง - โดยศิลปินเดี่ยว) ในตอนท้ายของการเคลื่อนไหวเป็นจังหวะอัจฉริยะ - ตอนที่ดำเนินการโดยศิลปินเดี่ยวคนหนึ่ง

ตามกฎแล้วในขณะนั้นผู้แต่งไม่ได้บันทึกจังหวะจังหวะ แต่ถูกทำเครื่องหมายด้วยตราพิเศษในส่วนของเครื่องดนตรีเดี่ยว ศิลปินเดี่ยวได้รับอิสระอย่างเต็มที่ในการด้นสดเพื่อแสดงความสามารถอัจฉริยะของเขา ประเพณีนี้คงอยู่เป็นเวลานานและในยุคหลังเบโธเฟนเท่านั้นที่ผู้เขียนเริ่มบันทึกจังหวะการเต้นซึ่งมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาแนวคิดขององค์ประกอบ

แต่ถ้า cadenza ในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งรวมอยู่ในคอนแชร์โต้บรรเลงในวันนี้ การแสดงสองครั้งของธีมหลักก็ค่อยๆ หายไป

II, การเคลื่อนไหวช้า, ไม่มีรูปแบบที่มั่นคง แต่การเคลื่อนไหว III, ตอนจบอย่างรวดเร็ว, เขียนในรูปแบบโซนาตาหรือรอนโด

พัฒนาการของการแสดงดนตรีบรรเลงในศตวรรษที่ 19-20

ประเภทของคอนเสิร์ตมีรูปแบบและการพัฒนาที่ยาวนาน โดยเป็นไปตามแนวโน้มโวหารของช่วงเวลาหนึ่งๆ ขอทราบเฉพาะประเด็นสำคัญที่สำคัญที่สุดเท่านั้น

คอนเสิร์ตนี้ประสบกับการเกิดใหม่ในผลงานของเบโธเฟน หากในโมสาร์ทเขายังคงมีคุณสมบัติด้านความบันเทิงอยู่เบโธเฟนก็สนับสนุนเขาอย่างเฉียบขาดในงานด้านอุดมการณ์ทำให้เขาใกล้ชิดกับซิมโฟนีมากขึ้น

การประสานกันของคอนเสิร์ตยังคงดำเนินต่อไปโดยนักประพันธ์เพลงแห่งยุคโรแมนติก ภายใต้อิทธิพลของบทกวีไพเราะ ส่วนของคอนเสิร์ตได้รวมเป็นหนึ่งเดียวที่พัฒนาอย่างต่อเนื่อง ผู้สร้างคอนเสิร์ต 1 ส่วนตัวดังกล่าวคือ เขาทำให้เขาดูฉลาดเฉลียว

คอนเสิร์ตบรรเลงในผลงานของ Mendelssohn, Chopin, Schumann, Grieg เผยให้เห็นถึงความปรารถนาในบทเพลง ในทางกลับกัน ทำให้บทบาทขององค์ประกอบอัจฉริยะในคอนเสิร์ตลดลง หากเครื่องดนตรีเดี่ยวของเบโธเฟนและวงออเคสตรามีสิทธิเท่าเทียมกัน อดีตก็มีอิทธิพลเหนือความโรแมนติก และส่วนหลังได้รับมอบหมายให้ทำหน้าที่ประกอบที่พอประมาณ

ในขณะเดียวกัน ประเพณีการแสดงดนตรีไพเราะของเบโธเฟนยังคงพัฒนาต่อไปในผลงานของบราห์มส์ อิทธิพลของบทเพลงซิมโฟนีบทละครส่งผลต่อคอนเสิร์ตของไชคอฟสกีและโดยเฉพาะอย่างยิ่งรัคมานินอฟ

เขาพูดคำใหม่ในการฟื้นคืนชีพของโชแปงคอนแชร์โต้ คอนเสิร์ตเปียโนของเขามีระดับอัจฉริยะและทำให้แกรนด์เปียโนสามารถแข่งขันกับวงดนตรีออร์เคสตราที่ได้รับการพัฒนามาอย่างดีได้สำเร็จ คอนแชร์โตไวโอลินของ Prokofiev เป็นโคลงสั้น ๆ และดึงดูดโดยการตีความไพเราะของเครื่องดนตรีเดี่ยวเป็นหลัก

ในงานของคีตกวีแห่งศตวรรษที่ 20 แนวโน้มของการฟื้นคืนชีพของคอนเสิร์ตเก่าก็ถูกติดตามเช่นกัน ดังนั้น "บาโรก" ผู้มีพรสวรรค์อันงดงามจึงเฟื่องฟูในผลงานของ Gershwin และ Khachaturian การฟื้นฟูรูปแบบโบราณสามารถตรวจสอบได้ในผลงานของ Hindemith, Bartok และ Stravinsky

บรรเลงคอนเสิร์ต

แน่นอนว่าคำนี้คุ้นเคยกับคุณโดยเฉพาะในความหมายแรก "คอนเสิร์ต" พจนานุกรมเพลงกล่าว "เป็นการแสดงผลงานสาธารณะตามโปรแกรมที่รวบรวมไว้ล่วงหน้า"

แต่ความจริงก็คือคำนี้มีความหมายอื่นด้วย: นี่คือชื่อของเครื่องดนตรี (หรือเสียง) ที่มาพร้อมกับวงออเคสตรา แต่ทำไมถึงเรียกว่าอย่างนั้น? และทำไมผู้เข้าร่วมการแข่งขันจึงต้องเล่นคอนเสิร์ต?

คำนี้สามารถแปลว่า "การแข่งขัน" "ดังนั้น" คอนแชร์โต้สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา "เป็นการแข่งขันระหว่างนักเปียโนกับวงดุริยางค์ซิมโฟนี

คุณสนใจดูกีฬาเมื่อใด เมื่อ "ฝ่ายตรงข้าม" มีความแข็งแกร่งและทักษะเท่ากัน จริงไหม? เพราะหากทีมที่อ่อนแอและแข็งแกร่งหรือเจ้าแห่งกีฬากำลังแข่งขันกับมือสมัครเล่นมือใหม่ ก็เป็นที่ชัดเจนว่าใครจะชนะ และนี่ก็ไม่น่าสนใจเลย

เครื่องดนตรีบางประเภทและ ... วงดุริยางค์ซิมโฟนีทั้งวงแข่งขันกันในคอนเสิร์ต นั่นแหล่ะ นั่นแหล่ะ! แต่มันเป็นไปได้จริง ๆ ไหมที่ขลุ่ยเล็ก ๆ หรือไวโอลินที่เปราะบางและสง่างามบางตัวจะชนะหรืออย่างน้อยก็ในแง่ของกีฬา "เสมอ" ด้วยจำนวนมากเช่นนี้? นี่คือการแข่งขันประเภทใด?

เยี่ยมมาก เพื่อนของฉัน การแข่งขันที่ยอดเยี่ยม! เนื่องจากความแข็งแกร่ง พลัง และความเฉลียวฉลาดของวงดุริยางค์ซิมโฟนีนั้นตรงกันข้ามกับพรสวรรค์ของนักแสดงเดี่ยว ทักษะของเขาซึ่งทำได้โดยการทำงานหนักหลายปีและหลายปี ฉันจะบอกความลับให้คุณฟังว่าผู้ชนะมักจะเป็นคนที่ดูอ่อนแอที่สุดในแวบแรก ศิลปินเดี่ยวปราบปรามวงออเคสตรา แน่นอน เฉพาะในกรณีที่เขาเป็นนักดนตรีตัวจริง นักแสดงที่มีความสามารถ เพราะนี่เป็นการทดสอบที่จริงจังมากสำหรับเขา และเมื่อไม่มีทักษะและพรสวรรค์ วงออเคสตราก็ชนะ แต่ช่างเป็นชัยชนะที่น่าเศร้าอะไรเช่นนี้ มีชัยชนะ แต่ไม่มีดนตรี

เพลงคอนเสิร์ต. คุณจะไม่พบความยากลำบากอะไรในนั้น! ยากที่จะไขปริศนา, คอร์ดที่แข็งแกร่ง, ตาชั่งหมุนเร็ว ... สิ่งเหล่านี้เรียกว่าปัญหาทางเทคนิค, การทดสอบความคล่องแคล่วของนิ้ว, แรงกระแทก, ในหนึ่งคำ, ทักษะของนักดนตรีนักแสดง และนักแต่งเพลงที่สร้างคอนเสิร์ตมักคิดว่านักดนตรีสามารถแสดงความสามารถทั้งหมดของเขาในงานนี้ได้

อย่างไรก็ตาม หากผู้แต่งคิดเพียงแค่เรื่องนี้ หากคอนเสิร์ตมีแต่ปัญหาและปริศนาอันแยบยล ไม่อาจเรียกได้ว่าเป็นงานศิลปะที่แท้จริง ในงานดังกล่าวจะไม่มีสิ่งสำคัญที่สุด - ความคิด เนื้อหา

นี่คือสิ่งที่ Tchaikovsky เขียนเกี่ยวกับคอนเสิร์ต: “มีสองกองกำลังที่เท่าเทียมกันนั่นคือวงออเคสตราสีที่ทรงพลังและไม่มีวันหมดซึ่งคู่ต่อสู้ตัวเล็ก ๆ อึมครึม แต่ใจแข็งต่อสู้และชนะ (หากนักแสดงมีความสามารถ ). ในการต่อสู้ครั้งนี้มีบทกวีมากมายและก้นบึ้งของการผสมผสานที่เย้ายวนใจสำหรับผู้แต่ง "

หากหน้าหนังสือฟังตามคำเหล่านี้ได้ เราจะได้ยินเสียงประสานของวงออร์เคสตราที่สดใสและเต็มไปด้วยเสียงในทันที ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของ First Piano Concerto ด้วยเสียงแรกของเพลงนี้ ราวกับว่าความสุขพุ่งเข้ามาในห้องโถง นักเปียโนตัวเล็กและอ่อนแอแค่ไหนที่นั่งอยู่ที่เปียโน เสียงอันทรงพลังของวงออร์เคสตราดูเหมือนจะกั้นมันออกจากห้องโถงด้วยกำแพงหนาทึบ

และเสียงใหม่ก็หลั่งไหลเข้ามาในมวลเสียงอันน่ายินดีนี้ราวกับระฆังอันทรงพลัง "ฟัง! - ราวกับว่าพวกเขาบอกเราวัดคอร์ดเคร่งขรึม - ฟัง! คุณช่วยไม่ได้ แต่ได้ยินฉัน " และเราได้ยิน เราได้ยินเสียงเปียโนที่ดังก้องกังวานอย่างสมบูรณ์ ไวโอลินบรรเลงเป็นทำนองกว้าง วงออเคสตราก็ค่อยๆสงบลง

ตอนนี้เสียงเปียโนแกรนด์หนึ่งเสียง ... คอร์ดอัจฉริยะและเนื้อเรื่องเปลี่ยนกัน แต่งทำนองด้วยเครื่องแต่งกายที่เปล่งประกายระยิบระยับ แต่วงออเคสตรายังไม่บรรลุข้อตกลง เขาจะไม่ยอมแพ้ง่ายๆ เขาจะไม่ยอมแพ้โดยไม่มีการต่อสู้ การโต้เถียงที่กระตือรือร้นแตกออก ธีมหลักได้ยินในวงออเคสตราแล้วตอนนี้อยู่ในส่วนเปียโน ... ใช่แล้วนี่คือเพลงที่ยอดเยี่ยมก่อนอื่นเลย ดนตรีที่แท้จริง ไม่ใช่แค่ทำให้งง ทริคอัจฉริยะ

โดยปกติเพลงของคอนเสิร์ตจะเบา สนุกสนาน และสง่างาม ฉันต้องบอกคุณว่าคำว่า "คอนเสิร์ต" ไม่ได้แปลว่า "การแข่งขัน" เท่านั้น แต่ยังเป็น "ข้อตกลง" ด้วย ซึ่งหมายความว่าการแข่งขันเป็นมิตรเสมอ

แต่แน่นอนว่า การฟังคอนเสิร์ต บางครั้งคุณรู้สึกเศร้า ฝัน และคิดถึงบางสิ่ง บางครั้งเพลงก็มืดมนมาก แม้แต่เรื่องน่าเศร้า ตัวอย่างเช่น ในคอนแชร์โต้ไวโอลินของโชสตาโควิช หรือในคอนแชร์โต้เปียโนที่สาม ซึ่งเราจะพูดถึงในภายหลัง อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้เกิดขึ้นน้อยกว่ามาก

รสชาติทางดนตรีที่ละเอียดอ่อนและแสดงออกของไวโอลินคอนแชร์โต้ของเฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น ถูกรวมเข้ากับความรุนแรงของรูปแบบ นักแต่งเพลงประสบความสำเร็จอย่างสูงในเรื่องนี้ ซึ่งทำให้เราสามารถพูดถึงความเชื่อมโยงของเขากับประเพณีไพเราะของเบโธเฟนได้ ในขณะเดียวกัน คอนเสิร์ตก็เต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งความโรแมนติก ตั้งแต่ตัวแรกจนถึงตัวสุดท้าย มันรวมเอาคุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของงานของ Mendelssohn - เนื้อเพลง, เพลง, ความสง่างาม, ความรู้สึกของความงามและความกลมกลืนของโลกรอบข้าง

คอนเสิร์ตเป็นงานขนาดใหญ่ที่มีหลายส่วน (แม้ว่าจะมีคอนเสิร์ตเพียงส่วนเดียวด้วยก็ตาม) ตามกฎแล้วจะมีสามส่วน อย่างแรกคือมีประสิทธิภาพมากที่สุด "พื้นที่หลักของการต่อสู้" ประการที่สองคือช้าโคลงสั้น ๆ บ่อยครั้งที่ภาพของเธอเกี่ยวข้องกับธรรมชาติ ส่วนที่สามเป็นครั้งสุดท้าย ดนตรีในตอนสุดท้ายมักจะร่าเริง รวดเร็ว และไพเราะเป็นพิเศษ

โครงสร้างดังกล่าวมีลักษณะอย่างไร? แน่นอนว่าซิมโฟนี! ซิมโฟนีน้อย. เฉพาะกับตัวละครใหม่ - ศิลปินเดี่ยว

คอนเสิร์ตมีสิ่งที่เรียกว่า cadenza ซึ่งแตกต่างจากซิมโฟนีซึ่งเป็นตอนใหญ่ที่ดำเนินการโดยศิลปินเดี่ยวโดยไม่มีวงออเคสตรา เป็นที่น่าสนใจว่าในสมัยโบราณเมื่อรูปแบบของคอนเสิร์ตเพิ่งเริ่มปรากฏ cadenza ไม่ได้แต่งขึ้นโดยนักแต่งเพลง แต่โดยตัวนักแสดงเอง นักแต่งเพลงระบุเฉพาะสถานที่ที่ควรจะเป็น (โดยปกติในการเคลื่อนไหวครั้งแรก) จากนั้น cadenza ก็เหมือนกับหมายเลขปลั๊กอินซึ่งศิลปินเดี่ยวแสดงทักษะทั้งหมดของเขาแสดงให้เห็นถึงความสามารถของเครื่องดนตรี เป็นเรื่องง่ายที่จะเดาว่าข้อดีทางดนตรีของจังหวะดังกล่าวส่วนใหญ่ไม่ค่อยดีนักและไม่ได้มีบทบาทสำคัญในเนื้อหาของงาน

เขาเป็นคนแรกที่เขียนบทเพลงสำหรับนักเปียโนในเปียโนคอนแชร์โต้ที่สี่ของเขา ตั้งแต่นั้นมาก็กลายเป็นกฎ Cadenzas หยุดเป็น "คนแปลกหน้า" ในดนตรีทั่วไปของคอนเสิร์ตแม้ว่าจนถึงทุกวันนี้พวกเขายังคงรักษาความมีคุณธรรมและความเฉลียวฉลาดไว้และยังคงให้โอกาสในการแสดงความเชี่ยวชาญที่แท้จริงแก่นักแสดงเพื่อแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ทั้งหมดของเครื่องดนตรีไม่ว่าจะเป็น เปียโนหรือขลุ่ย ไวโอลินหรือทรอมโบน

เราบอกว่าคอนเสิร์ตคือการแข่งขัน แต่เหนือสิ่งอื่นใด แน่นอน มันคือการทดสอบที่จริงจังที่สุดสำหรับศิลปินเดี่ยว การทดสอบอย่างจริงจังสำหรับตำแหน่งนักดนตรี-นักแสดงตัวจริง

ตอนนี้คุณคงเข้าใจแล้วว่าเหตุใดการแสดงคอนเสิร์ตจึงรวมอยู่ในโปรแกรมการแข่งขันเสมอ

และถ้าศิลปินเดี่ยวเป็นนักดนตรีที่มีพรสวรรค์อย่างแท้จริงแล้วล่ะก็ ...

ข้อความโดย Galina Levasheva

การนำเสนอ

รวมอยู่ด้วย:
1. การนำเสนอ - 10 สไลด์, ppsx;
2. เสียงเพลง:
ไชคอฟสกี คอนแชร์โต้สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา №1 I. Allegro ไม่ใช่ troppo e molto maestoso (ส่วน), mp3;
รัคมานีนอฟ. คอนแชร์โต้สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา №3. I. Allegro (ส่วน), mp3;
เมนเดลโซห์น. คอนแชร์โต้สำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา I. Allegro molto appassionato (ส่วน), mp3;
เบโธเฟน. คอนแชร์โต้สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา №4. I. อัลเลโกร โมเดอราโต คาเดนซ่า, mp3;
3. บทความร่วม docx.

รูปแบบเครื่องดนตรีของคอนเสิร์ตถือได้ว่าเป็นผลงานที่แท้จริงของศิลปะบาโรก ซึ่งรวมเอาอุดมคติด้านสุนทรียะของยุคที่มีการเปลี่ยนแปลงอย่างกะทันหัน ความวิตกกังวล และความคาดหวังที่ตึงเครียด คอนเสิร์ตคือการแสดงดนตรีที่มีแสงและเงา เป็นโครงสร้าง โดยแต่ละส่วนจะตรงกันข้ามกับส่วนที่เหลือ ด้วยลักษณะที่ปรากฏของคอนเสิร์ต แนวโน้มจึงเกิดขึ้นจากการบรรยายทางดนตรี ต่อการพัฒนาท่วงทำนองเป็นภาษาประเภทหนึ่งที่สามารถถ่ายทอดความรู้สึกลึกล้ำของมนุษย์ได้ ในความเป็นจริง นิรุกติศาสตร์ของคำว่า "คอนเสิร์ต" มาจากคำว่า "แข่งขัน", "ต่อสู้" แม้ว่าการเข้าใจความหมายของรูปแบบดนตรีนี้จะเชื่อมโยงกับ "consertus" หรือ "conserere" ซึ่งหมายถึง "ประสานงาน" "จัดระเบียบ", "รวมเป็นหนึ่ง" ... ความหมายทางนิรุกติศาสตร์สอดคล้องเป็นอย่างดีกับเป้าหมายของนักประพันธ์เพลงซึ่งผ่านรูปแบบใหม่มีส่วนทำให้ภาษาดนตรีแห่งยุคนั้นก้าวหน้าอย่างน่าทึ่ง

นักประวัติศาสตร์ถือว่ายุค 70 ของศตวรรษที่ 17 เป็นช่วงกำเนิดของคอนแชร์โตกรอสโซ และลำดับวงศ์ตระกูลของมันคือทั้งจากเสียงร้องและดนตรีบรรเลง และในหลาย ๆ ด้านออร์เคสตราและ canzone ของศตวรรษที่ 16-17 ซึ่งใกล้เคียงกับ มันหรือจากโซนาต้าทั้งมวลที่ก่อตัวขึ้นในศตวรรษที่ 17 แนวเพลงเหล่านี้ควบคู่ไปกับโอเปร่าได้รวมเอาคุณลักษณะหลักของรูปแบบดนตรีใหม่ - บาโรก

L. Viadana ในคำนำของการรวบรวมคอนเสิร์ตของเขา (Frankfurt, 1613) เน้นว่าทำนองในคอนเสิร์ตนั้นฟังดูแตกต่างกว่าใน motet มาก คำพูดไม่ได้ถูกบดบังด้วยความแตกต่างและความกลมกลืนซึ่งได้รับการสนับสนุนจากเสียงเบสทั่วไป ของอวัยวะนั้นสมบูรณ์ยิ่งขึ้นและสมบูรณ์ยิ่งขึ้นอย่างนับไม่ถ้วน อันที่จริงปรากฏการณ์เดียวกันนี้อธิบายไว้ในปี ค.ศ. 1558 โดย G. Tsarlino: "มันเกิดขึ้นที่เพลงสดุดีบางบทเขียนในลักษณะของ choros pezzato (เกี่ยวข้องกับการแสดงของ" นักร้องประสานเสียงที่ถูกแบ่งแยก "- N. 3.) ดังกล่าว คณะนักร้องประสานเสียงมักร้องเพลงประสานเสียงในเมืองเวนิสในช่วงสายเวสเปอร์และในช่วงเวลาสำคัญอื่นๆ และจัดหรือแบ่งออกเป็นคณะนักร้องประสานเสียงสองหรือสามคณะ โดยแต่ละคณะมีเสียงสี่เสียง

คณะนักร้องประสานเสียงร้องเพลงสลับกันและบางครั้งพร้อมกัน ซึ่งดีมากในตอนท้าย และเนื่องจากคณะนักร้องประสานเสียงดังกล่าวตั้งอยู่ค่อนข้างไกลจากกัน เพื่อหลีกเลี่ยงความไม่ลงรอยกันระหว่างเสียงของแต่ละคน นักแต่งเพลงต้องเขียนเพื่อให้แต่ละคณะนักร้องประสานเสียงออกมาดี ... เบสของคณะนักร้องประสานเสียงต่างๆ จะต้องเคลื่อนไหวพร้อมกันหรืออ็อกเทฟเสมอ ที่สาม แต่ไม่เคย - ที่ห้า “ การเคลื่อนไหวของเสียงเบสของคณะนักร้องประสานเสียงต่าง ๆ พร้อมกันเป็นพยานถึงการก่อตัวของ homophony ทีละน้อย ในแบบคู่ขนานการเลียนแบบที่เป็นของแข็งของโพลีโฟนีแบบเก่าจะถูกแทนที่ด้วยหลักการของไดนามิกเอคโค่ที่เกี่ยวข้องกับ แต่ได้นำไปสู่ยุคใหม่แล้ว ซึ่งเป็นหนึ่งในหลักการสร้างรูปร่างแบบ non-polyphonic

อย่างไรก็ตาม การเลียนแบบยังคงมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาดนตรี - มักจะตรงไปตรงมา เช่นเดียวกับในรูปแบบเก่า มีรูปแบบพื้นฐานที่มองเห็นได้ซึ่งจะกลายเป็นลักษณะของคอนแชร์โตกรอสโซในอนาคต การแสดงสองครั้งจะพบได้บ่อยโดยเฉพาะในคอนเสิร์ตตามธีมการเต้น และในขณะที่นิทรรศการครั้งแรกของ Corelli มักจะเป็นการแสดงเดี่ยว ในคอนเสิร์ตช่วงหลังๆ การเริ่มต้นของ tutti นั้นเป็นที่นิยมมากกว่า โดยทั่วไป การเปิดรับแสงสองครั้งเป็นเรื่องปกติสำหรับคอนแชร์โต้ กรอสโซ เนื่องจากผู้ฟังต้องนำเสนอมวลเสียงทั้งสองตั้งแต่เริ่มต้น วิธีการพัฒนาที่ง่ายที่สุดก็ชัดเจนเช่นกัน - การเรียกร้องของมวลชนทั้งสอง และสุดท้าย tutti ควรสรุป "ข้อโต้แย้งเกี่ยวกับคอนเสิร์ต": ดังนั้นกับ Pretorius ดังนั้นมันจะเป็นกับ Bach, Handel, Vivaldi ตัวอย่างจากพิธีมิสซาของเบเนโวลีคาดว่าจะมีการจัดคอนเสิร์ตหรือรูปแบบพิธีกรรมที่ครอบงำดนตรีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 จนถึงขณะนี้ยังไม่มีความเห็นเป็นเอกฉันท์เกี่ยวกับที่มาของแบบฟอร์มนี้

ผู้ค้นพบ H. Riemann เชื่อมโยงกับความทรงจำและพิธีกรรมที่เปรียบเสมือนกับธีมและการใช้งานเดี่ยวเพื่อสลับฉาก ในทางตรงกันข้าม Schering อ้างถึงคำให้การของ A. Scheibe (ค.ศ. 1747) โต้แย้งความสัมพันธ์ของรูปแบบการแสดงคอนเสิร์ตกับความทรงจำและได้มาจากเพลง aria กับ riturnel โดยตรง A. ในทางกลับกัน Hutchings ไม่เห็นด้วยกับสิ่งนี้: เขาถือว่าแหล่งที่มาของแบบฟอร์มนี้เป็นโซนาตาสำหรับทรัมเป็ตและวงออร์เคสตราเครื่องสายซึ่งมีอยู่ในโบโลญญาเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 และในความเห็นของเขามีผลกระทบโดยตรง ในการบรรยาย Hutchings เน้นย้ำว่าหลังจากคอนเสิร์ตแพร่กระจายออกไปเท่านั้นที่โอเปร่าโอเปร่ากับ riturnel เข้าสู่รูปแบบที่เสร็จสิ้น

มีเพียงสิ่งเดียวที่เถียงไม่ได้: ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 คอนเสิร์ตพบได้ในเกือบทุกประเภท และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักวิจัยมองว่าเป็นรูปแบบหลักของเวลา (เช่น รูปแบบโซนาตาในช่วงครึ่งหลังของ ศตวรรษที่ 18) เนื่องจากเป็น "รูปแบบที่เป็นอิสระระหว่างความเป็นเอกภาพเดี่ยวกับความคลาสสิกแบบคู่" รูปแบบการแสดงคอนเสิร์ตทำให้ทั้งความเป็นเอกภาพเฉพาะเรื่องและระดับความเปรียบต่างที่จำเป็น และยิ่งกว่านั้น ยังทำให้นักแสดงสามารถแสดงให้เห็นถึงความเชี่ยวชาญของเขาในทางเดินเดี่ยว และสำหรับความแปลกใหม่ทั้งหมด ตัวอย่างที่ถอดประกอบได้ติดตามโดยตรงจากดนตรีของศตวรรษที่ 16 อันดับแรกจากทั้งหมดมาจาก canzona ซึ่งเป็นบรรพบุรุษของแนวเพลงบรรเลงเกือบทั้งหมดในภายหลัง มันอยู่ใน canzon ที่มีประโยชน์ (canzonada โซนาร์) ที่วงจรโซนาตาในอนาคตเกิดขึ้น รูปแบบเช่นความทรงจำหรือประเภทการแก้แค้นสามส่วนของกรอบเริ่มตกผลึก (canzons จำนวนมากจบลงด้วยธีมเริ่มต้น); canzones เป็นครั้งแรกของการประพันธ์เพลงบรรเลงที่พิมพ์ออกมาและในที่สุดที่นี่เป็นครั้งแรกที่มีการเปรียบเทียบกลุ่มออร์เคสตราอย่างหมดจดโดยไม่ต้องมีส่วนร่วมของเสียง

เป็นที่เชื่อกันว่าขั้นตอนนี้ไปสู่การบรรเลงคอนแชร์โตกรอสโซใหม่ทำโดย G. Gabrieli นักออร์แกนของ St. มาร์คในเวนิส (1584-1612) ค่อยๆ ใน canzones และ sonatas ของเขา ไม่เพียงแต่จำนวนของเครื่องดนตรีและคณะนักร้องประสานเสียงจะเพิ่มขึ้นเท่านั้น แต่ยังมีความแตกต่างกันในหัวข้ออีกด้วย ตัวอย่างเช่น คอร์ดที่เคร่งขรึมของ tutti นั้นตรงกันข้ามกับการสร้างเลียนแบบของหนึ่งในคณะนักร้องประสานเสียง บนความแตกต่างนี้จะมีการสร้างบาโรกช่วงต้นและกลางหลายรูปแบบ: วัฏจักรเครื่องมือทั้งหมดจะเติบโตขึ้นจากมัน และในบางส่วนความแตกต่างดังกล่าวซึ่งเป็นลักษณะของ canzona จะยังคงอยู่จนถึงยุค Corelli และแม้กระทั่งในภายหลัง

ผ่าน canzona วิธีการสร้างซึ่งเป็นลักษณะของโมเท็ตยังแทรกซึมเข้าไปในเพลงบรรเลงของบาร็อค - การร้อยของตอนที่มืดมิด

โดยทั่วไปแล้ว ท่วงทำนองของบาโรก - ไม่ว่าจะเป็น "โมเสค" ของแคนโซนาและโซนาตาตอนต้นหรือ "ท่วงทำนองที่ไม่มีที่สิ้นสุด" ของบาคและโคตรของเขา - มักมีลักษณะของความก้าวหน้าจากแรงกระตุ้นบางอย่าง แรงกระตุ้นที่แตกต่างกันจะกำหนดระยะเวลาในการใช้งานที่แตกต่างกัน แต่เมื่อความเฉื่อยหมดลง จังหวะน่าจะเกิดขึ้น ดังที่เกิดขึ้นในแคนโซนของศตวรรษที่ 17 หรือในแบบจำลองโพลีโฟนิกของบาโรกที่โตเต็มที่ BV Asafiev สะท้อนรูปแบบนี้ในสูตรที่มีชื่อเสียง i: m: t. การปรับใช้คอนเสิร์ตเอาชนะลักษณะปิดของสูตรนี้ คิดทบทวนจังหวะ เปลี่ยนเป็นแรงกระตุ้นสำหรับการปรับใช้ใหม่ หรือการล่าช้าไม่รู้จบด้วยความช่วยเหลือของแรงกระตุ้นในท้องถิ่นและการปรับระดับของโครงสร้าง motivic (การปรับโครงสร้าง - ระยะของ A. Milky ).

บ่อยครั้งที่มีการใช้ความคมชัดอย่างกะทันหันเพื่อถ่ายโอนการพัฒนาไปยังระนาบอื่น ดังนั้นในโซนาตาของมารินีแล้ว ลักษณะ "เทคนิคการเปลี่ยนแปลงอย่างค่อยเป็นค่อยไป" ของบาโรกจึงเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง: การพัฒนาที่ตามมาตามมาโดยตรงจากอันก่อนหน้า แม้ว่าจะมีองค์ประกอบที่ตัดกันอยู่ก็ตาม บาโรกยุคแรกสืบทอดหลักการอีกประการหนึ่งของการสร้างรูปร่างจากดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: การพึ่งพาสูตรการเต้นรำยอดนิยมที่เป็นจังหวะและสากลซึ่งพัฒนาขึ้นในดนตรีประจำวันของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ควรกล่าวถึงโซนาตา "ห้อง" และ "โบสถ์" ด้วย ตามประวัติศาสตร์แล้ว ทั้งสองประเภทได้ก่อตัวขึ้นอย่างแม่นยำในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 เมื่อ Lehrenzi ทำงาน ชื่อของประเภทมีความเกี่ยวข้องกับทฤษฎีของ "รูปแบบ" (ต่อไปนี้เรียกว่า "รูปแบบ" ในความเข้าใจของศตวรรษที่ 18 เราให้เครื่องหมายคำพูด) ซึ่งในทางกลับกันก็เป็นส่วนหนึ่งของสุนทรียศาสตร์ของ "เหตุผลเชิงวาทศิลป์" เป็นเรื่องธรรมดาสำหรับศิลปะบาโรกทั้งหมด (คำนี้เสนอโดย A. Morozov ในบทความ "Problems of the European Baroque")

วาทศาสตร์พัฒนาขึ้นในการปฏิบัติวาทศิลป์ของกรีกโบราณและได้อธิบายไว้ในบทความของอริสโตเติลและซิเซโร สถานที่สำคัญในวาทศาสตร์ได้รับมอบหมายในประการแรกคือ "locitopici" - "commonplaces" ซึ่งช่วยให้นักพูดค้นหาพัฒนาหัวข้อและนำเสนออย่างชัดเจนและน่าเชื่อแนะนำอย่างเป็นกันเองและน่าสัมผัสและประการที่สอง "ทฤษฎีรูปแบบ " ตามที่ธรรมชาติของคำพูดเปลี่ยนไปขึ้นอยู่กับสถานที่ หัวข้อ องค์ประกอบของผู้ชม ฯลฯ สำหรับนักดนตรีในยุคบาโรก locitopici กลายเป็นชุดของวิธีการแสดงออกทางศิลปะของพวกเขาซึ่งเป็นวิธีที่จะคัดค้านความรู้สึกของแต่ละบุคคลเช่นกัน- เป็นที่รู้จักและเป็นแบบฉบับ และหมวดหมู่ของ "สไตล์" ช่วยให้เข้าใจความหลากหลายของประเภทและรูปแบบของยุคปัจจุบัน นำเกณฑ์ของ Historicalism เข้าสู่สุนทรียศาสตร์ทางดนตรี (มักอยู่ภายใต้หน้ากากของคำว่า "แฟชั่น") อธิบายความแตกต่างระหว่างดนตรีของประเทศต่างๆ , แยกแยะคุณลักษณะส่วนบุคคลในผลงานของนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งยุค, สะท้อนให้เห็นถึงการก่อตัวของโรงเรียนการแสดง ...

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 คำว่า sonata da camera, dachiesa ไม่ได้หมายถึงสถานที่แสดงเท่านั้นและไม่มากตามลักษณะของวัฏจักร ซึ่งบันทึกในปี 1703 โดย de Brossard ผู้เขียนพจนานุกรมดนตรีเล่มแรกๆ เล่มหนึ่ง . สอดคล้องกับคำอธิบายของ Brossard สี่สิบแปดรอบของ Corelli ซึ่งรวมอยู่ในสี่บทประพันธ์: op. 1 และ 3 - โซนาตาคริสตจักร op. 2 และ 4 ถูกบรรจุไว้<...>หลักการพื้นฐานของการสร้างวงจรทั้งสองประเภทคือ จังหวะ และมักเป็นเมตริกคอนทราสต์ อย่างไรก็ตาม ในโซนาต้าของโบสถ์ ส่วนที่ช้ามักจะมีความเป็นอิสระน้อยกว่า: เป็นส่วนแนะนำและเชื่อมโยงไปยังส่วนที่เร็ว ดังนั้นแผนวรรณยุกต์จึงมักเปิดอยู่

ส่วนที่ช้าเหล่านี้ประกอบด้วยการวัดเพียงเล็กน้อยหรือเข้าใกล้เครื่องดนตรี arioso ซึ่งสร้างขึ้นจากการเต้นของคอร์ดเปียโนอย่างต่อเนื่อง โดยมีการคงไว้ซึ่งแสดงออกหรือเลียนแบบ ในบางครั้งอาจรวมถึงส่วนที่แยกจากกันหลายส่วนซึ่งถูกตัดโดย Caesuras ส่วนที่รวดเร็วของโซนาตาของโบสถ์มักจะเป็นภาพจำลองหรือคอนเสิร์ตฟรีที่มีองค์ประกอบของการเลียนแบบ ต่อมาในรูปแบบความทรงจำและคอนเสิร์ตของอัลเลโกรสามารถนำมารวมกันได้ ในแชมเบอร์ โซนาตา เช่นเดียวกับในวงออเคสตราหรือชุดคลาเวียร์ ชิ้นส่วนส่วนใหญ่จะมีโทนเสียงและโครงสร้างที่สมบูรณ์ ในรูปแบบของมัน สามารถติดตามการพัฒนาเพิ่มเติมของสองส่วนและสามส่วนระดับประถมศึกษาได้

ใจความของเสียงกริ่ง และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง saraband และ gavotte มักเป็นเสียงเดียวกัน มักจะสมมาตร พื้นฐานของรูปแบบโซนาต้าจะสังเกตเห็นได้ชัดเจน ในทางตรงกันข้าม allemandes และ gigues มักจะเคลื่อนไหวโดยไม่หยุดและทำซ้ำ องค์ประกอบโพลีโฟนิกเป็นเรื่องธรรมดาใน allemandes คอนเสิร์ตมักจะเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของคอนเสิร์ต dachiesa และ dacamera sonatas ไม่ได้เชื่อมโยงกันด้วยรูปแบบการจัดองค์ประกอบที่เข้มงวด

แชมเบอร์คอนเสิร์ตทั้งหมดเริ่มต้นด้วยโหมโรง ตามด้วยท่อนเต้นรำ บางครั้ง "แทนที่" ด้วยอินโทรช้าๆ หรือคอนเสิร์ตอัลเลโกรเท่านั้น คอนเสิร์ตในโบสถ์มีความเคร่งขรึมและจริงจังมากขึ้น แต่จังหวะของกิ๊ก กาโวตต์ หรือมินูเอตจะได้ยินในธีมของพวกเขาเป็นระยะๆ คอนเสิร์ตที่เรียกว่าแชมเบอร์ซึ่งไม่มีอะไรเหมือนกันกับ dacamera sonata ที่เหมือนชุดและตามที่นักวิจัยไม่ได้เกิดขึ้นจากแชมเบอร์มิวสิค แต่ในดนตรีคริสตจักรของโรงเรียน Bologna ทำให้เกิดความสับสนอย่างมากในการแบ่งประเภทของยุคแรก ศตวรรษที่ 18.

เรากำลังพูดถึงร่วมสมัยและ "สองเท่า" ของสิ่งที่เรียกว่าทาบทามอิตาลี - คอนแชร์โตสามส่วนโดย Torelli, Albinoni และ Vivaldi คำอธิบายตำราเรียนที่ I.-I ทิ้งไว้ให้เรา ควอนซ์ ส่วนแรกของ "แชมเบอร์คอนแชร์โต้" มักจะแต่งในสี่จังหวะเมตร ในรูปแบบคอนเสิร์ต; พิธีกรรมของเธอจะต้องโดดเด่นด้วยความเอิกเกริกและความสมบูรณ์ของโพลีโฟนิก ในอนาคตจำเป็นต้องมีความแตกต่างระหว่างตอนที่ยอดเยี่ยมและกล้าหาญกับตอนที่เป็นโคลงสั้น ๆ การเคลื่อนไหวอย่างช้าๆ อย่างที่สองมีจุดมุ่งหมายเพื่อกระตุ้นและสงบอารมณ์ ตรงกันข้ามกับครั้งแรกในหน่วยเมตรและโทน ซึ่งเสียงอื่น ๆ ทั้งหมดเชื่อฟัง

ในที่สุด การเคลื่อนไหวครั้งที่สามก็เร็วขึ้นอีกครั้ง แต่ไม่เหมือนกับครั้งแรกเลย: มันไม่ค่อยจริงจังมากนัก มักจะเต้นในสามจังหวะ พิธีกรรมของเธอสั้นและเต็มไปด้วยไฟ แต่ไม่ปราศจากความเจ้าชู้ตัวละครทั่วไปมีชีวิตชีวาขี้เล่น แทนที่จะเป็นการพัฒนาแบบโพลีโฟนิกที่มั่นคงในการเคลื่อนไหวครั้งแรก มีเสียงประกอบแบบโฮโมโฟนิกแบบเบา Kvants ยังระบุระยะเวลาที่เหมาะสมที่สุดของคอนเสิร์ตดังกล่าว: การเคลื่อนไหวครั้งแรกคือ 5 นาที วินาทีคือ 5-6 นาที และครั้งที่สามคือ 3-4 นาที ในบรรดาวงจรทั้งหมดในดนตรีบาโรก ทั้งสามส่วนเป็นรูปแบบปิดที่เสถียรและสร้างสรรค์ที่สุด อย่างไรก็ตาม แม้แต่ "บิดา" ของแบบฟอร์มนี้ วีวัลดี มักจะแตกต่างกันไปตามประเภทของแต่ละส่วน ตัวอย่างเช่นใน "เดรสเดน" คอนแชร์โต้ A-major สองเขา (ในผลงานที่รวบรวมของ Vivaldi แก้ไขโดย F. Malipiero - เล่มที่ XII หมายเลข 48) เขาเปิดการเคลื่อนไหวแรกของรอบสามส่วนเพิ่ม Allegro a กรอบช้าในลักษณะของการทาบทามฝรั่งเศส และในคอนแชร์โต้ที่แปดจากเล่มที่ XI ของคอลเล็กชั่นของมาลิปิเอโร การเคลื่อนไหวครั้งที่สามซึ่งตรงกันข้ามกับคำอธิบายของควอนตซ์คือความทรงจำ

บาคบางครั้งทำในลักษณะเดียวกัน: ในบรันเดนบูร์กคอนแชร์โต้หมายเลข 2 รูปแบบของวัฏจักร "ปรับเปลี่ยน" จากสามส่วนเป็นโบสถ์สี่ส่วน ปิดด้วยความทรงจำ บ่อยครั้ง ชิ้นส่วนที่ยืมมาจากห้องชุด โซนาตาของโบสถ์ หรือบทอุปรากรจะถูกเพิ่มเข้าไปในวงจรสามส่วน ใน "บรันเดนบูร์กคอนแชร์โต้" หมายเลข 1 เป็นเพลงสั้นและโปโลเนซ และในไวโอลินคอนแชร์โต้ของ GF Telemann ใน F major รูปแบบพิธีกรรมของการเคลื่อนไหวครั้งแรกตามมาด้วยความต่อเนื่องของชุดปกติ: corsicana, allegrezza ("gaiety"), scherzo, rondo, polonaise และ minuet การมอดูเลตที่ระดับของวัฏจักรนั้นดำเนินการผ่านลิงก์ทั่วไป - Corsicana: ไปใน 3/2, Unpocograve แต่ด้วยความแปลกประหลาดและมุมที่ไพเราะของมัน มันทำให้ห่างจากประเภทดั้งเดิมของส่วนที่ช้าของคอนเสิร์ต ดังนั้นจึงสามารถสังเกตความสำคัญที่เพิ่มขึ้นของ "ด้นสด" ได้

ในขณะเดียวกัน Quantz ก็เหมือนกับนักทฤษฎีอื่น ๆ ในยุคนั้นถือเป็นหนึ่งในคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของคอนแชร์โตกรอสโซ "การผสมผสานของเลียนแบบอย่างชาญฉลาดในเสียงคอนเสิร์ต" เพื่อให้หูดึงดูดเครื่องดนตรีอย่างใดอย่างหนึ่ง แต่ในขณะเดียวกันศิลปินเดี่ยวทั้งหมด จะยังคงเท่าเทียม ดังนั้นในช่วงเวลาของ Corelli คอนแชร์โตกรอสโซจึงได้รับอิทธิพลจากกลุ่มเพื่อน - คอนเสิร์ตเดี่ยวและคอนเสิร์ตที่สุกงอม (ไม่มีศิลปินเดี่ยว) ในทางกลับกันในการแสดงเดี่ยวบางครั้งศิลปินเดี่ยวเพิ่มเติมจากวงออเคสตราก็โดดเด่นเช่นในส่วนแรกของคอนเสิร์ต "Spring" op 8 Vivaldi ในตอนแรกแสดงภาพนกร้อง ไวโอลินอีก 2 ตัวจากวงออเคสตราเข้าร่วมกับไวโอลินโซโล และเมื่อสิ้นสุดคอนเสิร์ต ไวโอลินเดี่ยวตัวที่สองจะถูกนำเสนอโดยไม่มีเจตนาทางภาพใดๆ เพื่อเพิ่มพื้นผิว

ประเภทนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยการผสมผสานของเครื่องดนตรีต่างๆ ในคอนเสิร์ตตั้งแต่สองถึงแปดและอื่น ๆ อีกมากมาย เพื่อนร่วมชาติของ Kvantsa แมตเตสันถือว่าจำนวนปาร์ตี้ในคอนแชร์โตกรอสโซมากเกินไปและเปรียบการแสดงคอนเสิร์ตดังกล่าวกับโต๊ะที่ตั้งขึ้นเพื่อสนองความหิว แต่เพื่อประโยชน์ของเอิกเกริกและความโอ่อ่า "ใครๆ ก็เดาได้" แมตเตสันกล่าวเสริมอย่างครุ่นคิด "ว่าในข้อพิพาทเกี่ยวกับเครื่องมือ ... ไม่มีการพรรณนาถึงความหึงหวงและความอาฆาตพยาบาท แสร้งทำเป็นอิจฉาและความเกลียดชัง" ทั้ง Quantz และ Matteson มาจากประเพณีคอนแชร์โตกรอสโซของเยอรมัน เชอริงเชื่อมโยงความรักของชาวเยอรมันเข้ากับการประพันธ์ดนตรีแบบผสมผสานในประเภทนี้กับประเพณีการเล่นเครื่องดนตรีลม: แม้แต่ในเยอรมนียุคกลางก็มีการประชุมเชิงปฏิบัติการ Stadtpfeifer (นักดนตรีประจำเมือง) ที่เล่นในโบสถ์ ในพิธีการ งานแต่งงาน และยังให้ สัญญาณจากป้อมปราการหรือหอศาลากลาง ...

คอนแชร์ติโนทองเหลือง อ้างอิงจากสเชริง ปรากฏเร็วมาก เกือบจะพร้อมกันกับเครื่องสาย นางแบบที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของเขาคือปี่สามของโอโบสองตัวและบาสซูน "เบส" ที่พร้อมเพรียงกัน บางครั้งโอโบก็ถูกแทนที่ด้วยขลุ่ย การกระจายอย่างกว้างขวางขององค์ประกอบดังกล่าว (ในไม่ช้าจะมีแตรสองตัวที่มี "เบส" timpani) ไม่เพียง แต่มาจากข้อดีทางเสียงและความคล้ายคลึงกันของสตริงทรีโอเท่านั้น แต่ยังรวมถึงอำนาจของ Lully ซึ่งในยุค 70 ของ 17 ศตวรรษย้ายพวกเขาจากวงดนตรีทหารฝรั่งเศสไปยังโอเปร่า การวางเคียงกันของเสียงสามและห้าเสียง - ไดนามิกล้วนๆ ไม่ใช่เสียงต่ำ - จัดระเบียบและแบ่งย่อยรูปแบบได้อย่างสมบูรณ์แบบ อันที่จริงนี่คือการพัฒนาเพิ่มเติมของเทคนิคของคอนเสิร์ตมัลติคอรัสแบบเก่า

ตามตัวอย่างของ Lully จอร์จ มัฟฟัตจะใช้เสียงสะท้อนของมวลปิดในส่วนพัฒนาการของคอนแชร์ทิกรอสซีของเขา Corelli และผู้ติดตามของเขาจะไม่ละเลยเทคนิคนี้ อย่างไรก็ตาม ในศตวรรษที่ 18 วีวัลดี "ปฏิเสธความเข้าใจแบบเก่าของคอนแชร์ติโน ซึ่งเรียกร้องความเป็นเอกภาพของโวหารของเสียงทั้งสองเรื่อง และนำเสนอโปรแกรมใหม่ที่มีสีสันและเป็นโปรแกรมซึ่งกำหนดโดยจิตวิญญาณแห่งยุคสมัย หลักการนี้เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้ว ให้กับนักประพันธ์โอเปร่าชาวเวนิส Torelli และ Corelli ค่อยๆ พัฒนามันในคอนเสิร์ตอภิบาลของพวกเขา Vivaldi ผสมผสานกับบทกวีของการบรรยาย " ดังที่มักเกิดขึ้นในประวัติศาสตร์ดนตรี การตีความแบบเป็นโปรแกรมที่มีสีสันของวงออร์เคสตรามาถึงสไตล์ไพเราะจากโรงละคร ในทางกลับกัน การแสดงโอเปร่า โอราโทริโอ และคันตาตามากมายในช่วงต้นศตวรรษที่ 18 กลับกลายเป็นการบรรเลงคอนแชร์โตกรอสโซ หนึ่งใน "ทาบทามอิตาลี" ครั้งแรก - ถึงโอเปร่า "Eraclea" (1700) โดย A. Scarlatti - วงจร "Vivaldian" สามส่วน

หลักการของการวางมวลเสียงเข้าด้วยกันเป็นหนึ่งในหลักการพื้นฐานของวงออเคสตราบาโรก และไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่รูปแบบพิธีกรรมตามการวางเคียงกันเหล่านี้เข้ากันได้ดีกับทุกประเภท อิทธิพลของมันสามารถสืบย้อนไปถึงการแสดงซิมโฟนีคลาสสิกยุคแรก (การทำให้พื้นผิวบางลงในส่วนด้านข้าง การรุกรานของทุตตี - "ริเทิร์นเนล" ฯลฯ) ในโอเปร่าของกลัค ราโม และพี่น้องเกรน และซิมโฟนีสำหรับวงออเคสตราสองวง ซึ่งได้เพิ่มการตีข่าวของคอนแชร์ทินีที่แยกออกมาจากพวกเขา ถูกเขียนขึ้นในอิตาลีตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ในเพลงประจำวันและรายการเพลง บางครั้ง Haydn และ Mozart ก็ใช้โพลีคอรัส

หัวข้อบทเรียน: "คอนเสิร์ตบรรเลง".

วัตถุประสงค์ในการสอน: เพื่อให้แนวคิดเกี่ยวกับประเภทของคอนเสิร์ตบรรเลงว่าเกิดขึ้นเมื่อไหร่และอย่างไรการพัฒนาอย่างไร

ตามวัตถุประสงค์ของบทเรียน มีการตั้งค่าดังต่อไปนี้ งาน:

เกี่ยวกับการศึกษา: เพื่อให้นักเรียนรู้จักที่มาและพัฒนาการของประเภทการแสดงดนตรีบรรเลงในตัวอย่างคอนเสิร์ต The Four Seasons โดย A. Vivaldi เพื่อรวบรวมแนวคิดเกี่ยวกับคอนเสิร์ตประเภทต่างๆ เพื่อขยายแนวคิดเกี่ยวกับรายการเพลง

กำลังพัฒนา: ยังคงแนะนำตัวอย่างที่ดีที่สุดของดนตรีบาร็อค

เกี่ยวกับการศึกษา: ส่งเสริมการตอบสนองทางอารมณ์ต่อการรับรู้ของดนตรีคลาสสิก พัฒนาความสนใจและความเคารพในมรดกทางดนตรีของนักแต่งเพลงจากประเทศอื่นๆ

ผลลัพธ์ตามแผน:

ส่วนตัว : นักเรียนจะได้รับแรงจูงใจในการเรียนดนตรีความสามารถในการประเมินตนเองในกระบวนการไตร่ตรอง นักเรียนจะมีโอกาสสร้างการยึดมั่นในบรรทัดฐานทางศีลธรรมและข้อกำหนดทางจริยธรรมในพฤติกรรมอย่างมั่นคง

เรื่อง: นักเรียนจะได้เรียนรู้ รับรู้อย่างมีสติและดำเนินการรำพึง งาน; เพื่อนำทางในแนวดนตรี รูปภาพ แบบฟอร์ม; อ้างถึงแหล่งวรรณกรรมเบื้องต้น เน้นปัญหาทางศีลธรรมของตำราวรรณกรรมเป็นพื้นฐานในการพัฒนาแนวคิดเกี่ยวกับอุดมคติทางศีลธรรม เพื่อให้เข้าใจถึงความเฉพาะเจาะจงของดนตรีและวรรณกรรมว่าเป็นศิลปะรูปแบบหนึ่ง

เมตาหัวเรื่อง

ส่วนตัว: นักเรียนจะได้เรียนรู้ แสดงการตอบสนองทางอารมณ์ ทัศนคติส่วนตัวเมื่อรับรู้ดนตรี นักเรียนจะมีโอกาสได้เรียนรู้ อธิบายความหมายของการประเมินแรงจูงใจเป้าหมาย

ความรู้ความเข้าใจ: จะได้เรียนรู้ วิเคราะห์ เปรียบเทียบ ผลงานเพลงและภาพ ของงานชิ้นหนึ่ง พบว่า ธรรมดาและแตกต่าง ประเมินและเชื่อมโยงคุณสมบัติของงานของผู้แต่ง ได้รับโอกาสในการเรียนรู้ เป็นเจ้าของคำศัพท์พิเศษเฉพาะบุคคลภายในหลักสูตรที่ศึกษา ใช้แหล่งข้อมูลต่าง ๆ พยายามสื่อสารกับศิลปะอย่างอิสระ

ระเบียบข้อบังคับ: จะได้เรียนรู้ การแสดงดนตรีที่สื่อความหมายทางศิลปะ ได้รับโอกาสในการเรียนรู้ กำหนดและกำหนดหัวข้อและปัญหาของบทเรียน ประเมินผลงานดนตรีจากมุมมองของความงามและความจริง

การสื่อสาร: จะได้เรียนรู้ จัดระเบียบงานเป็นคู่กลุ่ม แสดงความคิดเห็น โต้แย้ง และยืนยันด้วยข้อเท็จจริง NS ได้รับโอกาสในการเรียนรู้ ร่วมงานกับเพื่อนๆ ในการแสดงเพลงและการทำงานเป็นกลุ่ม

ประเภทบทเรียน:บทเรียนของ "การค้นพบ" ความรู้ใหม่

ประเภทบทเรียน:บทเรียนสะท้อน

อุปกรณ์:แล็ปท็อป phono-chrestomatics สำหรับหนังสือเรียน "Music" สำหรับ 6 คลาส, วงจร "The Seasons" โดย A. Vivaldi, คำพิมพ์ของเพลงโดย A. Ermolov "The Seasons" เป็นต้น

ระหว่างเรียน

องค์กร ช่วงเวลา. ทัศนคติทางอารมณ์

ทักทาย;

สวัสดีที่รัก ยินดีที่ได้พบคุณ

เจอกันอีกแล้ววันนี้
เพลงให้ฟังอีกแล้ว
และศิลปะที่สวยงาม
จะทำให้เราหลงเสน่ห์อีกครั้ง
ทุกดวงใจมีปณิธานเดียว
ดนตรีจะรวมเป็นหนึ่ง
และเคร่งขรึมและมหัศจรรย์
มันจะดังในจิตวิญญาณของเรา!

ฉันหวังว่าคุณจะมีส่วนร่วมในบทเรียน ในทางกลับกัน ฉันจะพยายามทำให้บทเรียนน่าสนใจและให้ข้อมูลแก่คุณ

2. หัวข้อของบทเรียน ตั้งเป้าหมาย.

1) ในหลายบทเรียน เราได้พูดคุยเกี่ยวกับแชมเบอร์มิวสิค บอกฉันทีว่า "เพลงแชมเบอร์" คืออะไร?

หอการค้าคือ ดนตรีในห้องที่ออกแบบมาเพื่อแสดงในห้องเล็กสำหรับผู้ชมกลุ่มเล็กๆ (คำตอบของเด็ก)

เพื่อให้เข้าใจถึงสิ่งที่จะกล่าวถึงในบทเรียนในวันนี้ เราขอแนะนำให้คุณไขปริศนาอักษรไขว้ คำถูกซ่อนในแนวตั้ง เราทำงานเป็นคู่

กลุ่มนักดนตรีบรรเลงบรรเลงร่วมกัน (ORCHESTRA)

งานหลายส่วนสำหรับคอรัส นักร้องเดี่ยว และวงออเคสตรา (กันทาทา)

การแสดงดนตรีที่การร้องเพลงเป็นสื่อหลักในการแสดงออก (OPERA)

วงดนตรีแนะนำโอเปร่า การแสดง หรืองานไพเราะอิสระ (OVERTURE)

กลุ่มนักแสดงสี่คน (นักร้องหรือนักบรรเลง) (QUARTET)

(แนวตั้ง) ดนตรีชิ้นเอกสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตราและเครื่องดนตรีเดี่ยวใด ๆ ซึ่งประกอบด้วย 3 ส่วน (CONCERT)

- การทวนสอบ การประเมิน;

2) - กำหนดหัวข้อของบทเรียน

- หัวข้อของบทเรียนคือ "Instrumental Concert" (เขียนบนกระดาน)

เราสามารถกำหนดเป้าหมายอะไรได้บ้าง?

3) การทำซ้ำและการแนะนำวัสดุใหม่.

ให้จำว่าคอนเสิร์ตคืออะไร?

- คอนเสิร์ต -(แปลจากภาษาอิตาลีแปลว่าข้อตกลงจากภาษาละติน - การแข่งขัน) คอนเสิร์ต - ดนตรีสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตราและเครื่องดนตรีเดี่ยว มักจะประกอบด้วยสามส่วน มีคอนเสิร์ตสำหรับเครื่องดนตรีชิ้นเดียวโดยไม่มีวงออเคสตรา สำหรับวงออเคสตราที่ไม่มีศิลปินเดี่ยว, คอนเสิร์ตสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง ในดนตรีรัสเซีย ประเภทของคอนเสิร์ตนักร้องประสานเสียงศักดิ์สิทธิ์ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย

บรรเลงคอนเสิร์ต - คอนเสิร์ตเครื่องดนตรีคนเดียวไม่มีเสียงร้อง

- ประเภทของคอนเสิร์ตเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17 โดยเกี่ยวข้องกับการพัฒนาไวโอลินอย่างเข้มข้น

อันโตนิโอ วีวัลดีเป็นนักไวโอลิน วาทยกร และครูผู้เก่งกาจ ซึ่งเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 17 - 18 อาศัยและทำงานในยุคสมัย พิสดาร
เป็นผู้สร้างประเภท - คอนเสิร์ตบรรเลง

นิยามในหนึ่งคำ ยุคบาโรก? ( ความแปลก)

รู้จักคอนเสิร์ต Vivaldi ประมาณ 450 รายการ ละครในดนตรี ความแตกต่างระหว่างคอรัสกับศิลปินเดี่ยว เสียงและเครื่องดนตรีทำให้ผู้ชมประหลาดใจ: ความอิ่มตัวทำให้เกิดความสงบ ความอ่อนโยนต่อพลัง โซโลถูกขัดจังหวะโดยวงออเคสตรา
ในการประพันธ์คอนเสิร์ตของ Vivaldi ส่วนเดี่ยวและวงออเคสตราสลับกัน

สุดยอดความคิดสร้างสรรค์ของ Vivaldi รอบนี้รวมกัน สี่คอนเสิร์ตสำหรับไวโอลินเดี่ยวและวงเครื่องสาย ในการพัฒนาภาพดนตรีนั้นขึ้นอยู่กับการเปรียบเทียบของเสียง * ไวโอลิน - โซโล * วงออเคสตรา - tutti (แปลจากภาษาอิตาลีแปลว่า ทั้งหมด).

หลักการของคอนทราสต์กำหนดรูปแบบคอนเสิร์ตสามส่วน: การเคลื่อนไหวครั้งแรก - เร็วและกระฉับกระเฉง ที่ 2 - โคลงสั้น ๆ ไพเราะมีรูปร่างเล็ก การเคลื่อนไหวที่ 3 - ตอนจบ มีชีวิตชีวา และสดใส

ธรรมชาติสร้างความสุขให้กับนักดนตรี กวี และศิลปินมาโดยตลอด ความงดงามของธรรมชาติ การเปลี่ยนแปลงของฤดูกาล: ฤดูใบไม้ร่วง ฤดูหนาว ฤดูใบไม้ผลิ ฤดูร้อน - มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในแบบของตัวเอง

คุณคิดอย่างไร ศิลปินกวีหันมาใช้ธีมของฤดูกาล?

คุณรู้จักงานดังกล่าวหรือไม่?

กวีได้เขียนบทกวีเกี่ยวกับธรรมชาติไว้มากมาย ศิลปินได้เขียนภาพเกี่ยวกับธรรมชาติไว้มากมาย และนักประพันธ์ได้แต่งเพลงมากมายที่พรรณนาถึงภาพธรรมชาติ

วันนี้เราจะเปรียบเทียบว่าแต่ละฤดูกาลเป็นอย่างไรในบทกวี ภาพวาด และดนตรี และบทกวีของกวีชาวรัสเซีย การทำสำเนาภาพวาดโดยศิลปินชาวรัสเซียและดนตรีมหัศจรรย์ของนักประพันธ์ชาวอิตาลี อันโตนิโอ วีวัลดี ผู้ซึ่งสามารถสะท้อนความงามของธรรมชาติพื้นเมืองของเขาด้วยดนตรีของเขาได้ จะช่วยเราได้ในเรื่องนี้

บทกวี ภาพวาด และดนตรี จะช่วยให้เรามองเห็น ได้ยิน และรู้สึกได้ในทุกฤดูกาล

(ภาคแรกฟังครูไม่เอ่ยชื่อ).

เพลงนี้แสดงความรู้สึกอย่างไร?

เพลงนี้สามารถเชื่อมโยงกับฤดูกาลใดได้บ้าง ?

นักเรียนกำหนดน้ำเสียงเริ่มต้น, ธรรมชาติของดนตรี, จังหวะเร็ว, ความแตกต่างของไดนามิก, ช่วงเวลาที่มองเห็น - เลียนแบบเสียงนก - นี่คือฤดูใบไม้ผลิ

เพลงที่ฟังแล้วสดใส ร่าเริง เบิกบาน คุณสามารถสัมผัสได้ถึงการบิน การเคลื่อนไหว เสียงนกร้องอยู่ในนั้น ท่วงทำนองนั้นเบา รู้สึกถึงการมาถึงของฤดูใบไม้ผลิในเสียงเพลง

เมโลดี้หลักของคอนเสิร์ตช่วงแรกมีเสียงอย่างไร?

ภาคนี้เริ่มด้วยเมโลดี้ที่ร่าเริง ไร้กังวล เบาๆ เบาๆ ใสๆ สบายๆ

นักแต่งเพลงแสดงให้เห็นอะไรในตอนต่างๆ?

เสียงนกร้อง ลำธารที่ส่งเสียงพึมพำ เสียงฟ้าร้อง และฟ้าแลบ

เมื่อพายุฝนฟ้าคะนองผ่านไป อีกครั้งในทุกเสียงคือความสุขของการมาถึงของฤดูใบไม้ผลิ นกกำลังร้องเพลงอีกครั้ง ประกาศการมาถึงของฤดูใบไม้ผลิ

นักเรียน: คำตอบที่เป็นไปได้สำหรับเด็ก: คุณสามารถได้ยินได้ชัดเจนว่าวงออร์เคสตรากำลังเล่นอยู่ที่ใด และที่ใดที่เสียงไวโอลินโซโล ท่วงทำนองที่บรรเลงโดยวงออเคสตราในระดับเมเจอร์นั้นชัดเจนมาก สดใส จดจำง่ายในจังหวะการเต้น ท่วงทำนองของศิลปินเดี่ยวนั้นซับซ้อนกว่ามาก มันเป็นอัจฉริยะ สวยงาม แต่งด้วยบทเพลง คล้ายกับเสียงนกร้อง)

แล้วคุณรู้สึกอย่างไร ลองจินตนาการถึง?

มันเป็นต้นฤดูใบไม้ผลิหรือปลาย?

ใช่. ในช่วงต้นเป็นเพลงที่แสดงถึงการตื่นขึ้นของธรรมชาติ

เพลงที่สื่อถึงสถานะนี้เป็นอย่างไร (อย่างรวดเร็ว, กระฉับกระเฉง, หุนหันพลันแล่น ... )

คำตอบของนักเรียน

คุณเคยได้ยินว่าเครื่องดนตรีเลียนแบบเสียงของธรรมชาติอย่างไร? (สไลด์โชว์)

เสียงนกร้องครวญคราง เสียงลำธารอันร่าเริง ลมพัดแผ่วเบา แทนที่ด้วยพายุฝนฟ้าคะนอง

หรือบางทีนี่อาจเป็นสภาวะของคนที่เฝ้าดูการตื่นขึ้นแห่งฤดูใบไม้ผลิของชีวิต?

คุณรู้สึกอย่างไรในฤดูใบไม้ผลิ?

คุณมีความรู้สึกใหม่ๆ อะไรบ้าง?

คำตอบของนักเรียน

ครูเติมเต็ม: ความรู้สึกของความสุข, แสงสว่าง, ความอบอุ่น, ชัยชนะของธรรมชาติ

นักเรียนระบุว่าเป็นฤดูใบไม้ผลิ เรากำลังโพสต์การทำซ้ำเกี่ยวกับฤดูใบไม้ผลิ

วัฏจักรของคอนเสิร์ต "Seasons" - เรียงความโปรแกรม ซึ่งมีพื้นฐานมาจากบทกวีบทกวีโดยผู้แต่งได้เปิดเผยเนื้อหาของแต่ละคอนเสิร์ตของวัฏจักร สันนิษฐานว่าบทกวีเขียนโดยผู้แต่งเอง

- ข้อความวรรณกรรมคล้ายกับดนตรี และศิลปะแต่ละชิ้นสร้างสภาพของบุคคล ความรู้สึกของเขาที่เกิดจากการมาถึงของฤดูใบไม้ผลิด้วยวิธีการของตนเอง

ธีมของฤดูกาลได้รับความนิยมในงานศิลปะมาโดยตลอด สิ่งนี้อธิบายได้จากปัจจัยหลายประการ

ในตอนแรก, มันทำให้เป็นไปได้ด้วยวิธีการของศิลปะเฉพาะนี้ในการจับภาพเหตุการณ์และการกระทำที่มีลักษณะเฉพาะที่สุดของฤดูกาลใดฤดูกาลหนึ่ง

ประการที่สอง มีความหมายทางปรัชญาอยู่เสมอว่า การเปลี่ยนแปลงของฤดูกาลถือเป็นการเปลี่ยนแปลงของช่วงเวลาของชีวิตมนุษย์

ฤดูใบไม้ผลิ, นั่นคือการตื่นขึ้นของพลังธรรมชาติเป็นตัวเป็นตนในการเริ่มต้นและเป็นสัญลักษณ์ของเยาวชน

ฤดูหนาว - ปลายทางคือวัยชรา

ได้ยิน "ฤดูหนาว" (2 ชม. Largo) A. Vivaldi

(เฉลยคำตอบ). ดนตรีสงบ, ไพเราะ, เต็มไปด้วยอารมณ์, ครุ่นคิด, โคลงสั้น ๆ

เหตุใดดนตรีที่เขียนขึ้นเมื่อกว่าสามศตวรรษก่อนมักถูกนำมาแสดงในยุคของเรา

(เฉลยคำตอบ).

แล้วความประทับใจของคุณล่ะ?

ช่วงเวลาของปีคืออะไร?

คุณจินตนาการถึงอะไรขณะฟังเพลงนี้

และสิ่งนี้สื่อถึงเสียงในการแสดงได้อย่างไร?

(เรื่อง ทำนอง ทำนอง พลังเสียง)

ใช่. มีความรู้สึกถึงความหนาวเย็นที่แผ่ซ่านไปทั่วหน้าหนาวราวกับ "ภายใต้ลมกระโชกแรง สิ่งมีชีวิตทั้งหมดสั่นสะท้านในหิมะ" (สไลด์โชว์)

คุณคิดว่าดนตรีมีเพียงแค่ภาพธรรมชาติ ฤดูหนาว หรือความรู้สึกของนักแต่งเพลงที่ถ่ายทอดออกมาเป็นมนุษย์?

ใช่. ท้ายที่สุดแล้ว บุคคลเป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติ และในเพลงนี้ เรารู้สึกสงบ ความตั้งใจ ความพร้อมของบุคคลที่จะเอาชนะความยากลำบากของฤดูหนาว: ความหนาวเย็น ความหนาวเย็น

4) นาทีทางกายภาพ;

หากมีเวลาในขณะเดียวกันเราก็กำหนดลักษณะส่วน "ฤดูร้อน" ส่วน "ฤดูใบไม้ร่วง"

ครู ร่วมกับเด็กกำหนดหลักการคอนทราสต์ ผลงาน

ส่วนที่ 1 - Allegro (ฤดูใบไม้ผลิมาแล้ว)

รวดเร็ว กระฉับกระเฉง ปกติไม่มีอินโทรช้า

ส่วนที่ 2 - Largo e pianissimo semper (คนเลี้ยงแกะนอนหลับ) ไพเราะ ไพเราะ ขนาดพอประมาณ

ส่วนที่ 3 - Allegro danza pastorale (การเต้นรำของประเทศ) ตอนจบ ปราดเปรียว ปราดเปรียว

- ให้คะแนนงานนี้ในใบบันทึกคะแนนของคุณ

4) การรวบรวม syncwines (ในกลุ่ม);

SYNQUEINE (5 บรรทัด)

เส้นแรก- คำนาม;

บรรทัดที่สอง- สองคำคุณศัพท์;

บรรทัดที่สาม- สามกริยา;

บรรทัดที่สี่-

บรรทัดที่ห้า-

1. มาเบ่งบานตื่นขึ้น

   เกรซ!

การให้คะแนน

เอาท์พุท:ในคอนเสิร์ต นักแต่งเพลงได้แสดงการรับรู้ถึงโลกรอบตัวเขา ดนตรีสื่อถึงความรู้สึกของบุคคลความสัมพันธ์ของเขากับธรรมชาติโลก พวกเขาไม่เปลี่ยนแปลงคงที่โดยไม่คำนึงถึงยุคที่บุคคลอาศัยอยู่

คอนเสิร์ตของ Vivaldi วางรากฐานสำหรับการพัฒนาประเภทคอนเสิร์ตบรรเลง

4. งานแกนนำ

แบบฝึกหัดการหายใจ

พรีคอรัส;

การได้ยิน;

ร้องเพลงโดย Y. Antonov "ความงามมีอยู่ทุกที่";

4. ผลลัพธ์ การสะท้อนกลับ.

คุณได้เรียนรู้อะไร

คุณชอบอะไร?

(กรอกในแผ่นอารมณ์).

ใบประเมินตนเอง แผ่นประเมินตนเอง

ใบประเมินตนเอง แผ่นประเมินตนเอง

ใบประเมินตนเอง แผ่นประเมินตนเอง

ใบประเมินตนเอง แผ่นประเมินตนเอง

ใบประเมินตนเอง แผ่นประเมินตนเอง

สปริง (ลาพริมาเวรา)

ฤดูใบไม้ผลิกำลังจะมา! และบทเพลงแห่งความสุข

ธรรมชาติเต็มไปหมด แดดร้อน

สตรีมบ่น และข่าววันหยุด

Zephyr อุ้ม ราวกับเวทมนตร์

ทันใดนั้นเมฆกำมะหยี่ก็มาถึง

ฟ้าร้องสวรรค์ฟังดูเหมือนพระกิตติคุณ

แต่ลมบ้าหมูก็เหือดแห้งไปอย่างรวดเร็ว

และร้องเจี๊ยก ๆ อีกครั้งลอยอยู่ในพื้นที่สีฟ้า

ลมหายใจของดอกไม้ เสียงกรอบแกรบของสมุนไพร

ธรรมชาติของความฝันเต็มไปด้วย

คนเลี้ยงแกะนอนหลับเหนื่อยในหนึ่งวัน

และสุนัขก็เห่าแทบไม่ได้ยิน

เสียงปี่ของคนเลี้ยงแกะ

เสียงพึมพำเหนือทุ่งหญ้า,

และนางไม้รำวงเวทย์

ฤดูใบไม้ผลิถูกแต่งแต้มด้วยรัศมีอันน่าพิศวง

ฤดูร้อน (L "เอสเตท)

ฝูงแกะเดินอย่างเกียจคร้านในทุ่งนา

จากความร้อนที่หนักหนาจนหายใจไม่ออก

ทุกสิ่งในธรรมชาติทนทุกข์แห้งแล้ง

สิ่งมีชีวิตทุกชนิดกระหายน้ำ

ได้ยินจากป่า. บทสนทนาเบาๆ

โกลด์ฟินช์และนกเขาเต่านำทางอย่างช้าๆ

และท้องทุ่งก็เต็มไปด้วยลมอันอบอุ่น

จู่ ๆ ก็มีความกระตือรือร้นและถ่อมตัวลง

Boreas ระเบิดความสงบของความเงียบ

รอบตัวมืดมิด มีหมู่เมฆาโกรธา

และเด็กเลี้ยงแกะก็ร้องไห้พร้อมกับพายุฝนฟ้าคะนอง

จากความกลัวจนตัวแข็ง:

ฟ้าแลบ ฟ้าร้องลั่น

และหูที่สุกก็ถอนออก

พายุอยู่รอบตัวอย่างไร้ความปราณี

ฤดูใบไม้ร่วง (L "Autunno)

เทศกาลเก็บเกี่ยวของชาวนาส่งเสียงดัง

สนุกสนาน เสียงหัวเราะ ริงโทน ระทึก!

และน้ำแบคคัสที่จุดไฟเลือด

ผู้อ่อนแอทั้งหมดล้มลงมอบความฝันอันแสนหวาน

และที่เหลือก็กระตือรือร้นที่จะดำเนินการต่อ

แต่การร้องเพลงและการเต้นนั้นทนไม่ไหวแล้ว

และเติมเต็มความสุขแห่งความสุข

กลางคืนทำให้ทุกคนหลับลึกที่สุด

และในตอนเช้าพวกเขากระโดดไปที่ป่า

นายพรานและนายพรานด้วย

และเมื่อพบทาง พวกเขาก็ลดฝูงหมาลง

พวกเขาขับสัตว์ร้ายโดยประมาทเป่าแตร

ตกใจกลัวดิน

ได้รับบาดเจ็บอ่อนแอผู้ลี้ภัย

วิ่งอย่างดื้อดึงจากสุนัขที่ทรมาน

แต่บ่อยครั้งที่มันตายในที่สุด

ฤดูหนาว (L "อินเวอร์โน)

ตัวสั่น เยือกแข็ง ท่ามกลางหิมะที่เย็นยะเยือก

และคลื่นพัดมาจากทิศเหนือของลม

คุณเคาะฟันจากความหนาวเย็นในการวิ่ง

กระทืบเท้า อุ่นไม่ได้

จะหวานสักแค่ไหนในความสบาย ความอบอุ่น และความเงียบ

หลบภัยจากสภาพอากาศเลวร้ายในฤดูหนาว

เตาผิงไฟ ภาพลวงตาครึ่งหลับใหล

และวิญญาณที่เยือกแข็งก็เต็มไปด้วยความสงบสุข

ผู้คนชื่นชมยินดีในฤดูหนาวที่กว้างใหญ่

ล้มแล้วกลิ้งอีก

และมีความสุขที่ได้ยินการตัดน้ำแข็ง

ใต้สันเขาแหลมที่พันด้วยเหล็ก

และบนท้องฟ้า Cirocco และ Boreus ได้พบกัน

การต่อสู้เกิดขึ้นระหว่างพวกเขา

แม้ว่าความหนาวเย็นและพายุหิมะจะยังไม่ยอมแพ้

ฤดูหนาวทำให้เรา

SYNQUEINE (5 บรรทัด)

เส้นแรก- คำนาม;

บรรทัดที่สอง- สองคำคุณศัพท์;

บรรทัดที่สาม- สามกริยา;

บรรทัดที่สี่- วลี 4 คำที่สื่อถึงทัศนคติ อารมณ์ ของตนเอง

บรรทัดที่ห้า- บทสรุปในหนึ่งคำหรือวลี

นักเรียนยกตัวอย่างของ syncwine แล้วเปรียบเทียบกับตัวอย่างของครู

1. เร็ว แดดจัด รอคอยมานาน

   มาเบ่งบานตื่นขึ้น

   วิญญาณเต็มไปด้วยความสุข

   เกรซ!

SYNQUEINE (5 บรรทัด)

เส้นแรก- คำนาม;

บรรทัดที่สอง- สองคำคุณศัพท์;

บรรทัดที่สาม- สามกริยา;

บรรทัดที่สี่- วลี 4 คำที่สื่อถึงทัศนคติ อารมณ์ ของตนเอง

บรรทัดที่ห้า- บทสรุปในหนึ่งคำหรือวลี

นักเรียนยกตัวอย่างของ syncwine แล้วเปรียบเทียบกับตัวอย่างของครู

1. เร็ว แดดจัด รอคอยมานาน

   มาเบ่งบานตื่นขึ้น

   วิญญาณเต็มไปด้วยความสุข

   เกรซ!

SYNQUEINE (5 บรรทัด)

เส้นแรก- คำนาม;

บรรทัดที่สอง- สองคำคุณศัพท์;

บรรทัดที่สาม- สามกริยา;

บรรทัดที่สี่- วลี 4 คำที่สื่อถึงทัศนคติ อารมณ์ ของตนเอง

บรรทัดที่ห้า- บทสรุปในหนึ่งคำหรือวลี

นักเรียนยกตัวอย่างของ syncwine แล้วเปรียบเทียบกับตัวอย่างของครู

1. เร็ว แดดจัด รอคอยมานาน

   มาเบ่งบานตื่นขึ้น

   วิญญาณเต็มไปด้วยความสุข

   เกรซ!

SYNQUEINE (5 บรรทัด)

เส้นแรก- คำนาม;

บรรทัดที่สอง- สองคำคุณศัพท์;

บรรทัดที่สาม- สามกริยา;

บรรทัดที่สี่- วลี 4 คำที่สื่อถึงทัศนคติ อารมณ์ ของตนเอง

บรรทัดที่ห้า- บทสรุปในหนึ่งคำหรือวลี

นักเรียนยกตัวอย่างของ syncwine แล้วเปรียบเทียบกับตัวอย่างของครู

1. เร็ว แดดจัด รอคอยมานาน

   มาเบ่งบานตื่นขึ้น

   วิญญาณเต็มไปด้วยความสุข

   เกรซ!