นักเปียโนเป็นอัจฉริยะ นักเปียโนแจ๊สที่ดีที่สุดตลอดกาล

MSOPE "โรงเรียนศิลปะ Akimat อำเภอ Shemonaikha"

โครงการวิจัย

นักเปียโนผู้ยิ่งใหญ่ - นักแสดง

ศตวรรษที่ 19, 20, 21

จัดเตรียมโดย: Daria Tayurskikh เกรด 5

Podfatilov Denis เกรด 3

หัวหน้าคณะ:

ครูโรงเรียนศิลปะ

Dobzhanskaya Y.B.

จี. เชโมไนคา, 2016.

บทนำ ……………………………………………………………………………… ... 2

ศตวรรษที่ XIX …………………………………………………………… ..3

ศตวรรษที่ XX …………………………………………………………… ..13

ศตวรรษที่ XXI ………………………………………………………………………… .24

บทสรุป…………………………………………………..............

... "เปียโน - มันคือจุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุดของทุกสิ่ง ไม่มากเท่ากับเครื่องดนตรีเป็นวิถีชีวิต และความหมายไม่ได้อยู่ที่ดนตรีเพื่อประโยชน์ของดนตรี แต่ในดนตรีเพื่อเห็นแก่เปียโน "

เฮโรลด์ ชอนเบิร์ก

นักเปียโน– นี่คือ นักดนตรี เชี่ยวชาญการแสดงเปียโนในงานดนตรี

นักเปียโนที่ยอดเยี่ยม คุณเป็นนักเปียโนที่ยอดเยี่ยมได้อย่างไร? เป็นงานที่ยิ่งใหญ่เสมอ และทุกอย่างเริ่มต้นในวัยเด็ก นักเปียโนและนักแต่งเพลงหลายคนเริ่มเรียนดนตรีตั้งแต่อายุ 4 หรือ 3 ขวบจากนั้นเมื่อฝ่ามือมีรูปร่าง "กว้าง" ซึ่งในอนาคตจะช่วยให้เล่นได้อย่างเชี่ยวชาญ

ขึ้นอยู่กับยุคของการพัฒนาดนตรีเปียโน บางครั้งความต้องการที่ตรงกันข้ามกับไดอะเมทริกก็ถูกหยิบยกขึ้นมาสำหรับนักเปียโน นอกจากนี้อาชีพของนักดนตรีย่อมตัดกับอาชีพของนักแต่งเพลงอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ นักเปียโนส่วนใหญ่แต่งเพลงสำหรับเปียโนเอง และมีเพียงอัจฉริยะที่หายากเท่านั้นที่สามารถมีชื่อเสียงได้โดยการแสดงท่วงทำนองของคนอื่นโดยเฉพาะ
ไม่ว่าในกรณีใด นักเปียโนจะต้องมีความจริงใจและมีอารมณ์ เช่นเดียวกับนักดนตรีคนอื่นๆ สิ่งสำคัญคือต้องสามารถละลายในเพลงที่เขาแสดงได้

ประวัติดนตรีเปียโนค่อนข้างน่าสนใจ มีความโดดเด่นหลายขั้นตอนซึ่งแต่ละขั้นตอนมีประเพณีของตัวเอง บ่อยครั้ง ศีลของยุคนั้นถูกกำหนดโดยนักประพันธ์เพลงหนึ่งคน (น้อยกว่าหลายคน) ที่เชี่ยวชาญในการเล่นเครื่องดนตรี (ในตอนแรกมันเป็นฮาร์ปซิคอร์ดและต่อมาคือเปียโน)

ดังนั้นการแยกแยะสามยุคในประวัติศาสตร์ของเปียโนจึงได้รับการตั้งชื่อตามนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่ Mozart, Liszt และ Rachmaninoff หากเราใช้คำศัพท์ดั้งเดิมของนักประวัติศาสตร์ สิ่งเหล่านี้คือยุคของลัทธิคลาสสิก จากนั้นเป็นแนวโรแมนติกและสมัยใหม่ในยุคแรกตามลำดับ

พวกเขาแต่ละคนยังคงเป็นนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยมมานานหลายศตวรรษ แต่ครั้งหนึ่งแต่ละคนต่างก็กำหนดแนวโน้มที่สำคัญในวิชาเปียโน ได้แก่ คลาสสิก แนวโรแมนติก และความทันสมัยในยุคแรก ในเวลาเดียวกัน นักเปียโนผู้ยิ่งใหญ่คนอื่นๆ ก็แสดงพร้อมกันกับแต่ละคน บางคนก็เป็นนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมเช่นกัน ได้แก่ Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alcan, Robert Schumann และคนอื่นๆ

หากคุณเดินทางเข้าสู่ประวัติศาสตร์วิทยาศาสตร์เปียโน คุณจะได้เรียนรู้สิ่งที่น่าสนใจมากมาย ตัวอย่างเช่น ในช่วงเวลาที่ต่างกัน ยุคสมัยที่แตกต่างกัน ประเพณีสำคัญในการเล่นเปียโนนั้นถูกกำหนดโดยนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่คนหนึ่งหรือหลายคนที่เชี่ยวชาญในการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดอย่างสมบูรณ์แบบ และต่อมาด้วยการถือกำเนิดของเปียโน เป็นนักเปียโนที่ยอดเยี่ยม

นักเปียโนชื่อดังหลายคนสร้างความบันเทิงให้กับผู้ฟังและผู้รักเสียงเพลงตลอดประวัติศาสตร์ เปียโนได้กลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดนับตั้งแต่มีการประดิษฐ์ขึ้นเนื่องจากความเก่งกาจและเสียงที่ไพเราะ แม้ว่าประวัติศาสตร์จะรักษาชื่อนักเปียโนผู้ยิ่งใหญ่ไว้หลายชื่อ แต่การทบทวนนักเปียโนที่มีชื่อเสียงที่สุดก็เป็นเรื่องที่ขึ้นอยู่กับอัตวิสัยอย่างมาก และชื่อของนักแสดงดังกล่าวก็ยากที่จะรวมเป็นหนึ่งรายการ

อย่างไรก็ตาม ยังมีนักเปียโนที่สามารถก้าวขึ้นสู่จุดสูงสุดของชื่อเสียงและการยอมรับระดับโลกได้

XIXศตวรรษ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เครื่องดนตรีใหม่เข้าสู่ชีวิตดนตรี - เปียโนผู้ประดิษฐ์ "ฮาร์ปซิคอร์ดกับเปียโนและมือขวา" นี้เป็นปรมาจารย์ปาดัว

บาร์โตโลมีโอ คริสโตโฟรี.

การพัฒนาเปียโนอย่างค่อยเป็นค่อยไป มีบทบาทสำคัญในการฝึกฝนดนตรี เครื่องมือที่มีกลไกค้อนทำให้สามารถแยกเสียงที่มีจุดแข็งต่าง ๆ ออกมาและใช้เสียงทีละน้อย เครสเซนโดและดิมินูเอนโด. คุณสมบัติเหล่านี้ของเปียโนตอบสนองต่อความปรารถนาในการแสดงอารมณ์ของเสียง เพื่อถ่ายทอดการเคลื่อนไหวและการพัฒนาภาพ ความคิด และความรู้สึกที่ทำให้ผู้คนกังวล

ด้วยการถือกำเนิดของเปียโนและการฝึกฝนการแสดง ตัวแทนใหม่จึงถือกำเนิดขึ้น

ศตวรรษที่ 19นำเสนอทั้งกาแล็กซีของนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นซึ่งได้ขยายขอบเขตของวิธีการทางเทคนิคและการแสดงออกของเปียโนอย่างมีนัยสำคัญ ศูนย์วัฒนธรรมดนตรีและการแสดงของยุโรป โรงเรียนสอนเปียโนที่สำคัญ นี่คือ:

ลอนดอน(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);

เวียนนา(ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน, โยฮันน์ เนโปมุก ฮุมเมิล, คาร์ล เซอร์นี่, อิกนาซ มอสเชเลส, ซิกิสมุนด์ ทาลเบิร์ก, ฯลฯ);

ชาวปารีสต่อมารู้จักกันในชื่อ ภาษาฝรั่งเศส(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer เป็นต้น);

เยอรมัน(คาร์ล มาเรีย เวเบอร์, ลุดวิก เบอร์เกอร์, เฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น-บาร์โธลดี, โรเบิร์ต ชูมันน์, ฮันส์ บูโลว์ เป็นต้น);

รัสเซีย(Alexander Dubyuk, Mikhail Glinka, Anton และ Nikolai Rubinstein เป็นต้น)

สไตล์การแสดงในศตวรรษที่ 19

ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาเทคนิคเปียโนเป็นประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมและรูปแบบ ในบรรดาทักษะที่ขาดไม่ได้ของนักเปียโนในศตวรรษที่ 18-19 ควรจะเป็นการด้นสด นักเปียโนยังไม่ได้แยกตัวออกจากผู้ประพันธ์ และหากเขาเล่นเพลงของคนอื่น การปฏิบัติต่อข้อความดนตรีที่สร้างสรรค์และเป็นอิสระมากก็คือ เมื่อพิจารณาจากกฎแล้ว มีการฝึกฝนการลงสีและรูปแบบต่างๆ ซึ่งตอนนี้ถือว่าไม่ถูกต้อง

รูปแบบของปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 19 นั้นเต็มไปด้วยการแสดงเจตจำนงที่เราคิดว่าไร้รสและยอมรับไม่ได้ร้อยเปอร์เซ็นต์

บทบาทที่โดดเด่นในการพัฒนาดนตรีเปียโนและวัฒนธรรมเปียโนเป็นของ โรงเรียนในลอนดอนและเวียนนา

ผู้ก่อตั้ง London School เป็นอัจฉริยะ นักแต่งเพลง และอาจารย์ที่มีชื่อเสียง

มูซิโอ เคลเมนติ (1752 -1832)

Muzio Clementi และนักเรียนของเขาเล่นเปียโนภาษาอังกฤษซึ่งมีเสียงขนาดใหญ่และต้องการการกดแป้นที่ชัดเจนและหนักแน่น เนื่องจากเครื่องดนตรีนี้มีแป้นพิมพ์ที่แน่นมาก เปียโนเวียนนา ออกแบบโดยปรมาจารย์โยฮันเนส สไตน์ และเป็นที่รักของโมสาร์ท มีเสียงที่ไพเราะกว่า แม้จะทรงพลังน้อยกว่า และมีคีย์บอร์ดที่ค่อนข้างเบา ดังนั้น เมื่อได้เป็นผู้อำนวยการและเป็นเจ้าของร่วมของบริษัทเปียโนที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งในอังกฤษ Clementi ได้ปรับปรุงเครื่องดนตรีภาษาอังกฤษ ทำให้พวกเขามีความไพเราะยิ่งขึ้นและทำให้คีย์บอร์ดสว่างขึ้น แรงผลักดันสำหรับเรื่องนี้คือการประชุมส่วนตัวของ Clementi กับ Mozart ในปี ค.ศ. 1781 ที่กรุงเวียนนาซึ่งมีการแข่งขันในฐานะนักประพันธ์และนักเปียโนที่ราชสำนักของจักรพรรดิออสเตรีย Clementi ประทับใจในความสนิทสนมของการเล่นของ Mozart และ "การร้องเพลงเปียโน" ของเขา

Muzio Clementi - ผู้เขียนงานเปียโนมากมายและครูใหญ่ ได้สร้างโรงเรียนสอนเปียโนของตัวเองขึ้นมา เขาเป็นผู้เขียนแบบฝึกหัดทางเทคนิคที่ให้ความรู้ครั้งแรกและ etudes ในประวัติศาสตร์ของเปียโนโดยให้แนวคิดเกี่ยวกับหลักการของระเบียบวิธี

Clementi เองและนักเรียนของเขา (I. Kramer, D. Field - หนึ่งในนักเรียนที่มีพรสวรรค์มากที่สุด E. Brekr) - อัจฉริยะที่ยอดเยี่ยมของต้นศตวรรษที่ 19 - โดดเด่นด้วยเทคนิคการใช้นิ้วที่ยอดเยี่ยม Clementi ร่วมกับนักเรียนของเขาได้สร้างสรรค์วิธีการที่ก้าวหน้าขึ้นโดยมุ่งเน้นที่การพัฒนาวิธีการใหม่ในการตีความเครื่องดนตรี การใช้เสียง "คอนเสิร์ต" เต็มรูปแบบ และมุมมองที่นูนขึ้น งานสอนของ M. Clementi "ขั้นตอนสู่ Parnassus หรือศิลปะการเล่นเปียโน รวมอยู่ใน 100 แบบฝึกหัดในรูปแบบที่เข้มงวดและสง่างาม" งานนี้เป็นโรงเรียนพื้นฐานสำหรับการฝึกฝนทักษะการเล่นเปียโน แบบฝึกหัด 100 ท่าตื่นตาตื่นใจกับเนื้อหาที่หลากหลายและปริมาณงานการแสดงที่ได้รับมอบหมาย ตัวแทนของโรงเรียนในลอนดอนหลายคนเป็นนักประดิษฐ์ที่กล้าหาญในด้านเปียโน โดยใช้การเรียบเรียงของพวกเขา นอกเหนือไปจากทางเดินของนิ้ว โน้ตคู่ อ็อกเทฟ โครงสร้างคอร์ด การซ้อม และเทคนิคอื่นๆ ที่เพิ่มความสดใสและความหลากหลายให้กับเสียง

โรงเรียน Clementi ได้ก่อให้เกิดประเพณีบางอย่างในการสอนเปียโน:

หลักการฝึกเทคนิคหลายชั่วโมง

เล่นด้วยนิ้วเหมือนค้อน "โดดเดี่ยว" ด้วยมือที่ไม่ขยับเขยื้อน

ความรุนแรงของจังหวะและไดนามิกที่ตัดกัน

ผู้ก่อตั้งโรงเรียนเวียนนาคือนักประพันธ์เปียโนผู้ยิ่งใหญ่ ได้แก่ ไฮเดน โมสาร์ท และเบโธเฟน

ตัวแทนที่สำคัญของการสอนเปียโนโปรเกรสซีฟมีชื่อเสียงมาก

คาร์ล (คาเรล) เซอร์นี่ (1791-1857)

"โรงเรียนเปียโนเชิงทฤษฎีและปฏิบัติ" ของ Cerny มีความคล้ายคลึงกันมากกับ "คู่มือ" ของ Hummel พูดถึงรายละเอียดเกี่ยวกับเทคนิคการเล่น เกี่ยวกับวิธีการพัฒนาและการได้มาซึ่งทักษะที่จำเป็นสำหรับนักเปียโน เขาเน้นในส่วนที่สามของงานของเขาว่าสิ่งเหล่านี้เป็นเพียง "วิธีการบรรลุเป้าหมายที่แท้จริงของศิลปะ ซึ่งไม่ต้องสงสัยเลยคือการใส่จิตวิญญาณในการเล่นและจิตวิญญาณจึงมีอิทธิพลต่อความรู้สึกและความคิดของผู้ฟัง "

สรุปได้ว่าวิธีการสอนของศตวรรษที่ 19 ลดลงเหลือเพียงปัญหาทางเทคนิคล้วนๆ ซึ่งมีพื้นฐานมาจากความปรารถนาที่จะพัฒนาความแข็งแกร่งและความคล่องแคล่วของนิ้วมือผ่านการฝึกอบรมหลายชั่วโมง นอกจากนี้ ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 นักแสดงที่มีพรสวรรค์มากที่สุด ส่วนใหญ่เป็นนักเรียนของ Clementi, Adam, Czerny, Field และครูที่มีความโดดเด่นคนอื่นๆ ที่ประสบความสำเร็จอย่างสูง ได้พัฒนาเทคนิคใหม่ในการเล่นเปียโนอย่างกล้าหาญ พลังเสียงของเครื่องดนตรี ความสว่าง และความสว่างของข้อความที่ซับซ้อน สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษในเนื้อสัมผัสของงานคือโครงสร้างคอร์ด อ็อกเทฟ โน้ตคู่ การซ้อม เทคนิคการขยับมือ และเอฟเฟกต์อื่นๆ ที่ต้องใช้ทั้งมือ

ปารีส ศตวรรษที่ 19 - เป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรี ทักษะอัจฉริยะ ผู้สร้างโรงเรียนเปียโนแห่งปารีสถือเป็น นักแต่งเพลง นักเปียโน ครู

ฟรีดริช คาล์คเบรนเนอร์ (ค.ศ. 1785-1849)

ในงานของเขา "วิธีการสอนเปียโนด้วยความช่วยเหลือจากมือ" (พ.ศ. 2373) เขายืนยันการใช้อุปกรณ์ทางเทคนิคเพื่อพัฒนาเทคนิคประเภทต่างๆ (เทคนิคที่ดี การยืดกล้ามเนื้อ ฯลฯ ) จุดเด่น โรงเรียนประเภทนี้เป็นชุมชนแห่งการสอนแบบเผด็จการการติดตั้ง การเรียนรู้เริ่มต้นด้วยการพัฒนารูปแบบที่ถูกต้องสำหรับเครื่องดนตรีและการเรียนรู้สูตรเทคนิคยานยนต์ที่ง่ายที่สุด และหลังจากนั้นไม่นานนักเรียนก็เริ่มเรียนรู้ชิ้นดนตรี

การดิ้นรนเพื่อคุณธรรมนำไปสู่การเร่งความเร็วของการฝึกอบรม การใช้แบบฝึกหัดทางกลในทางที่ผิดซึ่งนำไปสู่โรคจากการทำงานและการควบคุมการได้ยินลดลง

เยอรมนี ศตวรรษที่ 19 อิทธิพลของกิจกรรมทางวรรณกรรมและการสอนเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์โรแมนติกของประเทศนี้มีความสำคัญ

โรเบิร์ต ชูมานน์ (ค.ศ. 1810-1856)

สถานที่สำคัญในงานเขียนของ Robert Schumann ถูกครอบครองโดยการพัฒนาคำถามเกี่ยวกับการก่อตัวของนักดนตรี - ศิลปินตัวจริงในรูปแบบใหม่ซึ่งแตกต่างจากผู้เชี่ยวชาญด้านแฟชั่นโดยพื้นฐาน นักแต่งเพลงถือว่าสิ่งนี้เป็นวิธีที่มีประสิทธิภาพมากที่สุดวิธีหนึ่งในการยกระดับวัฒนธรรมดนตรี

ปัญหาของการสอนดนตรีได้รับการกล่าวถึงในผลงานของ R. Schumann "กฎในครัวเรือนและชีวิตสำหรับนักดนตรี", "Supplement to the Album for Youth" ในคำนำของ Etudes โดย Caprice โดย Paganini, op.Z. เนื้อหาของ ปัญหาการสอนดนตรีหลักมีดังนี้: ปฏิสัมพันธ์ของการศึกษาด้านจริยธรรมและสุนทรียศาสตร์ การได้มาซึ่งความรู้ที่ลึกซึ้งและหลากหลายซึ่งเป็นพื้นฐานของการศึกษาใด ๆ การกำหนดหลักการของศิลปะที่จริงจังและการวิจารณ์ทิศทางร้านเสริมสวยและความหลงใหลใน " เทคโนโลยีเพื่อประโยชน์ของเทคโนโลยี" ในการแต่งและศิลปะการแสดงการต่อสู้กับมือสมัครเล่น

มุมมองทางดนตรีและการสอนของ Schumann รับใช้และยังคงเป็นพื้นฐานสำหรับวิธีการที่ทันสมัยขั้นสูง เพลงเปียโนของผู้แต่งยังคงใช้อย่างแข็งขันในโปรแกรมการศึกษาทุกระดับ

เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึงนักแต่งเพลงและนักเปียโนชาวโปแลนด์ผู้ยิ่งใหญ่เช่นนี้

เฟรเดริก โชแปง (ค.ศ. 1810-1849)

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เฟรเดอริก โชแปงกลายเป็นนักแต่งเพลงคนแรกที่เขียนเพลงสำหรับเปียโนโดยเฉพาะ ในฐานะเด็กที่มีพรสวรรค์ โชแปงเขียนเปียโนที่สวยงามและซับซ้อนหลายชิ้นซึ่งทำให้นักเรียนและนักเปียโนหลายคนพอใจในช่วงหลายปีที่ผ่านมา โชแปงพิชิตปารีสอย่างรวดเร็ว เขาสร้างความประทับใจให้ผู้ชมทันทีด้วยการแสดงที่แปลกประหลาดและแปลกประหลาดของเขา ในเวลานั้น ปารีสเต็มไปด้วยนักดนตรีจากทั่วทุกมุมโลก ที่นิยมมากที่สุดคือนักเปียโนอัจฉริยะ การแสดงของพวกเขาโดดเด่นด้วยความเป็นเลิศทางเทคนิคและความเฉลียวฉลาดซึ่งทำให้ผู้ชมตะลึง นั่นคือเหตุผลที่การแสดงคอนเสิร์ตครั้งแรกของโชแปงฟังดูแตกต่างอย่างชัดเจน ตามบันทึกความทรงจำของคนรุ่นเดียวกัน การแสดงของเขามีจิตวิญญาณและบทกวีที่น่าประหลาดใจ ความทรงจำของนักดนตรีชื่อดังชาวฮังการี Franz Liszt รอดชีวิตจากคอนเสิร์ตครั้งแรกของโชแปง นอกจากนี้เขายังเริ่มต้นอาชีพที่ยอดเยี่ยมในฐานะนักเปียโนและนักแต่งเพลง: “เราจำการแสดงครั้งแรกของเขาใน Pleyel Hall เมื่อเสียงปรบมือที่เติบโตขึ้นด้วยการแก้แค้นดูเหมือนจะไม่สามารถแสดงความกระตือรือร้นของเราได้เพียงพอเมื่อเผชิญกับพรสวรรค์ซึ่งพร้อมกับความสุข นวัตกรรมในสาขาศิลปะของเขาได้เปิดเฟสใหม่ในการพัฒนาความรู้สึกบทกวี " โชแปงพิชิตปารีส ในขณะที่โมสาร์ทและเบโธเฟนเคยพิชิตเวียนนา เช่นเดียวกับ Liszt เขาได้รับการยอมรับว่าเป็นนักเปียโนที่ดีที่สุดในโลก

นักแต่งเพลงชาวฮังการี นักเปียโน วาทยกร อาจารย์

ฟรานซ์ ลิสท์ (ค.ศ. 1811-1886)

เพื่อนและเพื่อนของเอฟโชแปง ครูสอนเปียโนของ Ferenc คือ K. Cerny

การแสดงคอนเสิร์ตตั้งแต่อายุเก้าขวบ Liszt กลายเป็นที่รู้จักในฐานะนักเปียโนอัจฉริยะเป็นครั้งแรก

ในปี พ.ศ. 2366-2478 เขาอาศัยและจัดคอนเสิร์ตในปารีส ซึ่งเขาได้พัฒนากิจกรรมการสอนและแต่งเพลงของเขาด้วย ที่นี่นักดนตรีได้พบปะและใกล้ชิดกับ G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand และบุคคลสำคัญอื่นๆ ในด้านศิลปะและวรรณคดี

ในปี พ.ศ. 2378-2582 Liszt เดินทางไปสวิตเซอร์แลนด์และอิตาลี และในช่วงเวลานี้ เขาได้พัฒนาทักษะการเล่นเปียโนของเขาให้สมบูรณ์แบบ

ในงานของเขาในฐานะนักแต่งเพลง Liszt ได้เสนอแนวคิดเรื่องการสังเคราะห์ศิลปะหลายอย่าง โดยส่วนใหญ่เป็นดนตรีและกวีนิพนธ์ ดังนั้นหลักการสำคัญของมันคือ - โปรแกรม (ดนตรีประกอบขึ้นสำหรับพล็อตหรือภาพบางอย่าง) ผลลัพธ์ของการเดินทางไปอิตาลีและความคุ้นเคยกับภาพวาดของอาจารย์ชาวอิตาลีคือวัฏจักรเปียโน "Years of Wanderings" เช่นเดียวกับแฟนตาซีโซนาตา "หลังจากอ่าน Dante"

Franz Liszt ยังมีส่วนร่วมอย่างมากในการพัฒนาดนตรีเปียโนคอนเสิร์ต

วัฒนธรรมดนตรีของรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ดูเหมือนจะเป็น "ไทม์แมชชีน" เป็นเวลากว่าร้อยปีที่รัสเซียได้ผ่านเส้นทางสามศตวรรษซึ่งไม่สามารถเทียบได้กับการพัฒนาโรงเรียนองค์ประกอบแห่งชาติที่ราบรื่นและค่อยเป็นค่อยไปในประเทศขนาดใหญ่ของยุโรปตะวันตก ในเวลานี้เท่านั้นที่นักแต่งเพลงชาวรัสเซียในความหมายที่แท้จริงของคำสามารถควบคุมความมั่งคั่งของศิลปะพื้นบ้านที่สะสมไว้และฟื้นความคิดของผู้คนในรูปแบบดนตรีคลาสสิกที่สวยงามและสมบูรณ์แบบ

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 การสอนดนตรีในรัสเซียกำลังดำเนินการขั้นแรก: โรงเรียนเปียโนของรัสเซียกำลังถูกก่อตั้ง เป็นลักษณะการพัฒนาอย่างแข็งขันของวิธีการสอนต่างประเทศและในเวลาเดียวกัน ความทะเยอทะยานของครูชาวรัสเซียชั้นนำในการสร้างโรงเรียนสอนเปียโนระดับชาติ

รัสเซียไม่รู้จักวัฒนธรรมการเล่นกลาเวียร์ที่พัฒนาอย่างสูง ต่างจากยุโรปตะวันตก แม้ว่าฮาร์ปซิคอร์ดจะรู้จักตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ผู้ฟังชาวรัสเซียแสดงความสนใจเป็นพิเศษในเพลงแกนนำเท่านั้น และเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่มีอยู่ในรัสเซียถูกนำมาใช้ในการร้องเพลงและเต้นรำ เฉพาะช่วงปลายศตวรรษที่ 18 เท่านั้น ความสนใจในการเรียนรู้การเล่นกลาเวียร์เพิ่มขึ้น Clavichord School of Simon Lelein และข้อความที่ตัดตอนมาจาก "Clavier School" โดย Daniel Gottlieb Türk ได้รับการตีพิมพ์เป็นภาษารัสเซีย

เมื่อต้นศตวรรษที่ 19 มีการตีพิมพ์บทความเรื่อง "กฎฮาร์มอนิกและไพเราะสำหรับการสอนดนตรีทั้งหมด" ของ Vincenzo Manfredini นอกจากนี้ ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 โรงเรียนสอนเปียโนของนักดนตรีต่างชาติหลายแห่งได้รับการตีพิมพ์เป็นภาษารัสเซีย: "School of Piano Playing" โดย M. Clementi (1816), "Complete Practical School for Piano" โดย D. Steibelt ( 1830), "School" โดย F. Günten (1838) และอื่น ๆ

ท่ามกลางนักดนตรีและครูที่มีชื่อเสียงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ได้แก่ I. Prach, John Field, Adolph Hanselt, A. Gerke, Alexander Villuan

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา โรงเรียนของนักเขียนชาวรัสเซียก็สำเร็จการศึกษาในรัสเซียเช่นกัน ซึ่งผู้เรียบเรียงพยายามที่จะนำวิธีการสอนมาใกล้กับงานให้ความรู้แก่นักดนตรีชาวรัสเซีย ละครของ "โรงเรียน" โดย I. Prach (เช็กชื่อจริง Jan Bohumir ไม่ทราบปีเกิดเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2361 นักแต่งเพลงที่ทำงานเป็นเวลานานในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในสถาบันการศึกษาต่างๆในฐานะครูสอนดนตรี) รวม ตัวอย่างเช่น ผลงานมากมายของนักเขียนชาวรัสเซีย

ในคู่มือเดิม I. ประชา"โรงเรียนเปียโนที่สมบูรณ์แบบ ... " (1806) คำนึงถึงลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมการแสดงของรัสเซีย คำถามเกี่ยวกับการศึกษาดนตรีของเด็กถูกหยิบยกขึ้นมา ปรัชญามีส่วนสำคัญในการพัฒนาการสอนเปียโน เขาสรุปบทบัญญัติทางทฤษฎีบนพื้นฐานของแนวทางระเบียบวิธีที่กำหนดวิธีการดำเนินการต่างๆ (ฟิกเกอร์ฮาร์โมนิก อาร์เพกจิโอและคอร์ด อ็อกเทฟหัก ฯลฯ) พร้อมตัวอย่างที่แสดงเทคนิคหรือการเคลื่อนไหวเฉพาะ

กิจกรรม เจ. ฟิลด์ในฐานะนักดนตรีและครูมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการสอนเปียโนของรัสเซีย เขานำกาแลคซี่ของนักดนตรีชื่อดังเช่น M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke และอีกหลายคน แน่นอนว่าโรงเรียนภาคสนามมีความสำคัญอย่างยิ่ง เขาถือได้ว่าเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนเปียโนชั้นนำ ในยุค 20-30 ศตวรรษที่ 19 ในการศึกษาของเขา Field พยายามที่จะทำงานด้านเทคนิครองให้ไปถึงเป้าหมายทางศิลปะ: การแสดงออกของการใช้ถ้อยคำ ความละเอียดอ่อนในการจบเสียงของโน้ตแต่ละอัน และการเปิดเผยเนื้อหาของงาน

A. HanseltและA. Gerke

พวกเขาสอนในสถาบันการศึกษาทั่วไปและที่ St. Petersburg Conservatory วิธีการสอนของพวกเขาสะท้อนถึงทิศทางที่ก้าวหน้าของโรงเรียนสอนเปียโนรัสเซีย กล่าวคือ: การพัฒนามุมมองตามการใช้ละครที่กว้างขวาง ความปรารถนาที่จะให้ความรู้แก่นักเรียนเป็นอิสระ พวกเขาเป็นฝ่ายตรงข้ามที่กระตือรือร้นของวิธี "การฝึกอบรม" "การเจาะ"

ก. วิลลวนเป็นครูที่มีความคิดก้าวหน้า บทบาททางประวัติศาสตร์ของเขาอยู่ในความจริงที่ว่าเขาคลี่คลายความสามารถทางดนตรีของ A. Rubinstein เมื่อตอนเป็นเด็กและสามารถให้ทิศทางที่ถูกต้องในการพัฒนาของเขา แง่มุมที่ดีที่สุดของวิธีการสอนของ Villuan ที่แสดงออกมาในกิจกรรมเชิงปฏิบัติของเขานั้นสะท้อนให้เห็นในโรงเรียนของเขา (1863) วิธีการผลิตเสียงที่เขาค้นพบ - "การร้องเพลง" บนเปียโน - กลายเป็นหนึ่งในวิธีการทางศิลปะอันทรงพลังของการเล่นของ A. Rubinstein "โรงเรียน" ครอบคลุมความรู้จำนวนมากเกี่ยวกับการฝึกอบรมด้านเทคนิคและการศึกษาด้านดนตรีของนักเปียโน มีค่าโดยเฉพาะอย่างยิ่งมุมมองของ Villuane เกี่ยวกับความสำเร็จของเสียงทุ้มลึกไพเราะของเปียโนในการพัฒนาของ legato ซึ่งใช้เทคนิคการใช้เหตุผลซึ่งไม่ได้สูญเสียความสำคัญไปในปัจจุบัน

ในประวัติศาสตร์ศิลปะก่อนการปฏิวัติและหลังการปฏิวัติของรัสเซีย บทบาทนำเป็นของ วิทยาลัยปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก

ศูนย์กลางวัฒนธรรมดนตรีที่ใหญ่ที่สุดของประเทศ กิจกรรมของเรือนกระจกทั้งสองพัฒนาขึ้นในการติดต่ออย่างใกล้ชิดซึ่งถูกกำหนดโดยไม่เพียง แต่จากความธรรมดาของงานเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความจริงที่ว่านักเรียนของ St. Petersburg Conservatory มักทำงานในมอสโกและ Muscovites กลายเป็นครูของ St. Petersburg Conservatory .

ดังนั้น PI Tchaikovsky จึงสำเร็จการศึกษาจาก St. Petersburg Conservatory จากนั้นจึงกลายเป็นหนึ่งในอาจารย์คนแรกของ Moscow Conservatory L. Nikolaev (นักเรียนของ V. Safonov ที่ Moscow Conservatory) - ต่อมาเป็นหนึ่งในตัวแทนชั้นนำของโรงเรียนเปียโนใน Leningrad; นักเรียนของ Nikolaev V. Sofronitsky และ M. Yudin ทำงานในมอสโกเป็นเวลาหลายปี

ผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนดนตรีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก พี่น้อง

แอนทอนและนิโคไล รูบินสตีนอฟ

ในช่วงหลายปีแห่งการเป็นผู้นำของโรงเรียนสอนดนตรี พวกเขาได้วางรากฐานพื้นฐานสำหรับการฝึกอบรมนักดนตรีรุ่นใหม่ ลูกศิษย์ของพวกเขา (A. Ziloti, E. Sauer - ลูกศิษย์ของ Nikolai; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drucker, I. Hoffman - ลูกศิษย์ของ Anton) กลายเป็นลูกคนหัวปีในกาแลคซีของนักแสดงรุ่นเยาว์ที่ได้รับการยอมรับ ชุมชนดนตรีโลก

ด้วยความพยายามของพี่น้อง Rubinstein การสอนเปียโนของรัสเซียจึงเกิดขึ้นในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 19 อำนาจมหาศาลและการยอมรับในระดับสากล สำหรับพวกเขาที่รัสเซียเป็นหนี้ว่าเป็นหนึ่งในสถานที่แรกในการสอนการเล่นเปียโน

สรุปได้ว่าทั้งครูสอนดนตรีขั้นสูงในยุโรปตะวันตกและรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ต่างมองหาวิธีที่สมเหตุสมผลและเป็นต้นฉบับในการมีอิทธิพลต่อนักเรียน พวกเขามองหาวิธีที่มีประสิทธิภาพในการปรับปรุงงานด้านเทคนิค สร้างสรรค์โดยใช้ประเพณีของดนตรีกลาเวียร์และแนวคิดที่พัฒนาขึ้นในศตวรรษก่อน ๆ เกี่ยวกับแก่นแท้ของกระบวนการสร้างเทคนิคการแสดงของนักเปียโน ซึ่งเป็นเทคนิคของศตวรรษที่ 19 มาถึงการพิสูจน์หลักการเล่นที่เหมาะสม - การใช้อุปกรณ์เปียโนแบบองค์รวม ในศตวรรษที่ 19 มีการสร้างฐานการศึกษาและแบบฝึกหัดที่ยิ่งใหญ่อย่างแท้จริง ซึ่งจนถึงทุกวันนี้ยังคงขาดไม่ได้ในการสอนเปียโน

การวิเคราะห์เนื้อหาดนตรีแสดงให้เห็นว่าผู้สร้างมีความปรารถนาที่จะค้นหาการเคลื่อนไหวตามธรรมชาติของการเล่น หลักการของนิ้วที่เกี่ยวข้องกับลักษณะโครงสร้างของมือมนุษย์

ในขณะเดียวกันก็ควรสังเกตว่าในคริสต์ศตวรรษที่ 19 ให้ระบบการสอนและการศึกษาด้านดนตรีของแนวคิดที่สดใสและเหนือสิ่งอื่นใด ความปรารถนาที่จะให้ความรู้แก่นักดนตรีที่มีการศึกษาดีผ่านการพัฒนาที่เหมาะสมของบุคลิกลักษณะเชิงสร้างสรรค์ของเขา

XXศตวรรษ

20 ศตวรรษ - ความมั่งคั่งของศิลปะเปียโน ช่วงเวลานี้เต็มไปด้วยนักเปียโนที่มีความสามารถและโดดเด่นเป็นพิเศษ

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 พวกเขามีชื่อเสียง ฮอฟแมนและ คอร์โต Schnabelและ พาเดเรวสกี้.และเป็นธรรมชาติ กับ. รัคมานินอฟอัจฉริยภาพแห่งยุคเงินซึ่งสร้างยุคใหม่ไม่เพียงแค่ดนตรีเปียโนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวัฒนธรรมโลกโดยทั่วไปด้วย

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เป็นยุคของนักเปียโนที่มีชื่อเสียงเช่น Svyatoslav Richter, เอมิล กิลส์, วลาดิเมียร์ โฮโรวิตซ์, อาเธอร์ รูบินสไตน์, วิลเฮล์ม เคมป์ฟ์.รายการดำเนินต่อไป ...

สไตล์การแสดงในศตวรรษที่ 20

***

นี่เป็นการดิ้นรนเพื่อความเข้าใจอย่างลึกซึ้งในข้อความดนตรี และเพื่อการถ่ายโอนเจตนารมณ์ของผู้แต่งอย่างถูกต้อง และความเข้าใจในสไตล์และธรรมชาติของดนตรีเป็นพื้นฐานสำหรับการตีความภาพศิลปะที่มีอยู่ในงานอย่างสมจริง

***

ปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 - ช่วงเวลาสำคัญในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมศิลปะโลก การเผชิญหน้าระหว่างวัฒนธรรมประชาธิปไตยของมวลชนซึ่งต่อสู้ดิ้นรนเพื่อสิทธิทางสังคมของพวกเขาและวัฒนธรรมชนชั้นนายทุนอย่างแข็งขันมากขึ้นเรื่อย ๆ ได้ทวีความรุนแรงขึ้นอย่างมาก

ศิลปินที่ใหญ่ที่สุดในเวลานี้รับรู้ถึงลักษณะของวิกฤตในวิวัฒนาการของเพลงใหม่: "เราอยู่ในช่วงเวลาที่พื้นฐานของการดำรงอยู่ของมนุษย์กำลังตกตะลึง - I. Stravinsky กล่าว คนสมัยใหม่สูญเสียความรู้สึกถึงคุณค่าและความมั่นคง ... เนื่องจากวิญญาณป่วยดังนั้นเพลงในสมัยของเราและโดยเฉพาะอย่างยิ่งสิ่งที่สร้างขึ้นสิ่งที่ถือว่าถูกต้องมีสัญญาณของความไม่เพียงพอทางพยาธิวิทยา” คำสารภาพดังกล่าวสามารถได้ยินจากริมฝีปากของ นักดนตรีรายใหญ่อื่นๆ

แต่ถึงแม้จะได้รับผลกระทบจากวิกฤตในยุคนั้น ดนตรีก็มาถึงจุดสูงสุดใหม่อีกครั้ง การสอนเปียโนมีผลงานที่น่าสนใจมากมาย ความสนใจของผู้แต่งผลงานตีพิมพ์มุ่งไปที่ประเด็นทักษะทางศิลปะของนักเรียน

ครูเปียโนชื่อดัง G. Neuhaus, G. Hoffmann, I. Koganพัฒนาวิธีการสำหรับการเรียนรู้ของนักเรียนที่ประสบความสำเร็จ

ไฮน์ริช กุสตาโววิช นอยเฮาส์ (2431-2507) - นักเปียโน ครู นักเขียนเพลง ผู้ก่อตั้งโรงเรียนเปียโนโซเวียตที่ใหญ่ที่สุด ทุกสิ่งที่เขาเขียนถึงเต็มไปด้วยความรักในศิลปะ ดนตรีเปียโนและการแสดง

ที่น่าสนใจที่สุดสำหรับเราคือหนังสือเรื่อง "On the Art of Piano Playing"

หนังสือเล่มนี้เขียนด้วยภาษาเปรียบเทียบที่สดใส เต็มไปด้วยการตัดสินเกี่ยวกับนักแต่งเพลง นักแสดง และครูหลายคน มันก่อให้เกิดปัญหาและคำถามที่ตื่นเต้นนักเปียโนทุกคน มีหลายหน้าในนั้นที่มีลักษณะเป็นอัตชีวประวัติทางดนตรีซึ่งอุทิศให้กับความทรงจำในเส้นทางที่สร้างสรรค์ของพวกเขาเอง อย่างไรก็ตาม ในการแสดงด้นสดนี้ มุมมองของผู้เขียนเกี่ยวกับศิลปะของเปียโนและงานของครูจะมองเห็นได้ชัดเจน ในงานของเขา Neuhaus เขียนเกี่ยวกับภาพศิลปะ จังหวะ เสียง เทคนิค การใช้นิ้วและการถีบ เกี่ยวกับงานของครูและนักเรียน และกิจกรรมคอนเสิร์ตของนักดนตรี

ด้วยความมั่นใจอย่างยิ่ง เขาแสดงให้เห็นว่าวิธีการที่เรียกว่า "ตำราเรียน" ซึ่งให้สูตรเด่น - "กฎยาก" แม้ว่าจะถูกต้องและทดสอบแล้วก็ตาม - จะเป็นเพียงวิธีการเริ่มต้นที่เรียบง่ายและต้องการการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง ชี้แจงเมื่อต้องเผชิญกับชีวิตจริง นอกจากนี้ หรือในขณะที่เขากล่าวว่า "ในการเปลี่ยนแปลงวิภาษ." เขาคัดค้าน "วิธีการฝึกสอน" และ "การดูดงานเดียวกันอย่างไม่สิ้นสุด" อย่างฉุนเฉียวและอารมณ์ฉุนเฉียวในงานสอน โดยต่อต้านตำแหน่งเท็จที่ว่า "การกำกับสามารถทำทุกอย่างกับนักเรียนได้" เขาพยายามที่จะแก้ปัญหาทางภาษาไม่เพียง แต่ปัญหาการแสดงดนตรีทั่วไป แต่ยังรวมถึงคำถามทางเทคนิคที่แคบลงด้วย

การกำหนดบทบาทของครู Neuhaus เชื่อว่าครูควรมุ่งมั่นที่จะไม่เป็นครูสอนเปียโนมากนักในฐานะครูสอนดนตรี

Neuhaus ให้ความสนใจเป็นพิเศษในงานสอนของเขาเกี่ยวกับการเชื่อมโยงระหว่าง "ดนตรี" และ "เทคนิค" ดังนั้น เพื่อเอาชนะความไม่แน่นอนทางเทคนิค ข้อ จำกัด ของการเคลื่อนไหวของนักเรียน ก่อนอื่น เขาแสวงหาขอบเขตที่มีอิทธิพลต่อจิตใจของนักเรียน บนเส้นทางของดนตรี เขาทำเช่นเดียวกันเมื่อแนะนำวิธีการทำงานใน "สถานที่ยาก" ให้กับนักเรียน ในความเห็นของเขา ทุกสิ่งทุกอย่างที่ "ยาก", "ซับซ้อน", "ไม่คุ้นเคย" ควรลดลงเป็น "ง่าย", "ง่าย", "คุ้นเคย" หากเป็นไปได้ ในเวลาเดียวกัน เขาแนะนำอย่างยิ่งว่าอย่าละทิ้งวิธีการเพิ่มความยาก เนื่องจากด้วยความช่วยเหลือของวิธีนี้ ผู้เล่นจะได้รับทักษะเหล่านั้น ประสบการณ์ที่จะช่วยให้เขาสามารถแก้ปัญหาได้อย่างสมบูรณ์

ในที่สุด Neuhaus พยายามทำทุกอย่างเพื่อให้นักเรียนใกล้ชิดกับดนตรีมากขึ้นเพื่อเปิดเผยเนื้อหาของงานที่แสดงและไม่เพียง แต่สร้างแรงบันดาลใจให้เขาด้วยภาพบทกวีที่สดใส แต่ยังให้การวิเคราะห์รายละเอียดเกี่ยวกับรูปแบบและโครงสร้าง ของงาน - ท่วงทำนอง, ความกลมกลืน, จังหวะ, โพลีโฟนี, เนื้อสัมผัส - ในหนึ่งคำเพื่อเปิดเผยกฎของดนตรีและรูปแบบของศูนย์รวมให้กับนักเรียน

พูดคุยเกี่ยวกับ จังหวะ เป็นหนึ่งในองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดที่ประกอบขึ้นเป็นกระบวนการแสดง Neuhaus เน้นความสำคัญอย่างมากของ "ความรู้สึกโดยรวม" ความสามารถในการ "คิดนาน" โดยที่นักเปียโนไม่สามารถเล่นงานสำคัญใด ๆ ได้อย่างน่าพอใจจากจุด มุมมองของฟอร์ม

ผู้เขียนถือว่าการประเมินต่ำไปเป็นความผิดพลาดครั้งใหญ่ของนักเปียโน เสียง (ฟังเสียงไม่เพียงพอ) และการประเมินใหม่ นั่นคือ "การได้ลิ้มรสความงามตระการตา" ถามคำถามในลักษณะนี้ Neuhaus กำหนดแนวคิดของความงามของเสียงในรูปแบบใหม่ - ไม่เชิงนามธรรมโดยไม่เชื่อมต่อกับสไตล์และเนื้อหา แต่มาจากความเข้าใจในสไตล์และธรรมชาติของเพลงที่เล่น

ในเวลาเดียวกัน เขาเน้นว่างานดนตรีและ "ความมั่นใจทางดนตรี" เพียงอย่างเดียวไม่สามารถแก้ปัญหาเกี่ยวกับการเรียนรู้เทคนิคเปียโนได้ การฝึกทางกายภาพก็จำเป็นเช่นกัน ขึ้นกับการเล่นที่ช้าและแข็งแกร่ง “ด้วยงานดังกล่าว” เขากล่าวเสริม “ต้องปฏิบัติตามกฎต่อไปนี้: ตรวจสอบให้แน่ใจว่ามือ แขนทั้งหมด ตั้งแต่ข้อมือจนถึงข้อไหล่ เป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ ไม่ “แข็ง” ทุกที่ ไม่หนีบ ไม่“ แข็งตัว” ไม่สูญเสียความยืดหยุ่น (!) ในขณะที่ยังคงความสงบอย่างสมบูรณ์และใช้เฉพาะการเคลื่อนไหวที่ "จำเป็น" อย่างเคร่งครัดเท่านั้น

การกำหนดมุมมองของคุณเกี่ยวกับ นิ้ว, Neuhaus เขียนว่าการใช้นิ้วที่ดีที่สุดคือนิ้วที่ช่วยให้คุณถ่ายทอดความหมายของเพลงได้แม่นยำยิ่งขึ้น เขาเรียกนิ้วที่เกี่ยวข้องกับจิตวิญญาณ ตัวละคร และสไตล์ดนตรีของผู้แต่งว่าสวยงามและเหมาะสมที่สุด

ในทำนองเดียวกัน Neuhaus กำหนดปัญหา การเหยียบ เขากล่าวอย่างถูกต้องว่ากฎทั่วไปเกี่ยวกับวิธีการใช้แป้นเหยียบนั้นใช้กับศิลปะการถีบถีบเป็นส่วนหนึ่งของไวยากรณ์ในภาษาของกวี ในความคิดของเขาไม่มีแป้นเหยียบที่ถูกต้อง Art Pedal แยกจากภาพเสียงไม่ได้ ความคิดเหล่านี้ได้รับการสนับสนุนในหนังสือโดยตัวอย่างที่น่าสนใจจำนวนหนึ่งซึ่งเป็นที่ชัดเจนว่าผู้เขียนให้ความสำคัญกับวิธีการถีบแบบต่างๆ

เราสามารถพูดได้ว่า Neuhaus มองว่าเทคนิคของนักเปียโนเป็นสิ่งที่เชื่อมโยงกับความเข้าใจในดนตรีและแรงบันดาลใจทางศิลปะ อันที่จริงนี่เป็นพื้นฐานของโรงเรียนการแสดงของโซเวียตโดยทั่วไปและโดยเฉพาะอย่างยิ่งโรงเรียน Neuhaus ซึ่งให้การศึกษาแก่นักแสดงที่โดดเด่นเช่น S. Richter, E. Gilels, J. Zak และนักเปียโนที่โดดเด่นอื่น ๆ อีกมากมาย

บทความและหนังสือแสดงถึงการมีส่วนร่วมของโรงเรียนเปียโนของสหภาพโซเวียต

กริกอรี่ มิคาอิโลวิช โคแกน (1901-1979)

ในหนังสือ "At the Gates of Mastery" ผู้เขียนพูดถึงข้อกำหนดเบื้องต้นทางจิตวิทยาสำหรับความสำเร็จของงานเปียโน ในงานนี้ เขาระบุ "สามลิงก์หลัก": วิสัยทัศน์ที่ชัดเจนของเป้าหมาย มุ่งเน้นไปที่เป้าหมายนี้ และความตั้งใจแน่วแน่ที่จะบรรลุเป้าหมายนั้น เขาตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้องว่าข้อสรุปนี้ไม่ใช่เรื่องใหม่และไม่สามารถใช้ได้กับนักเปียโนเพียงคนเดียว แต่ใช้กับงานศิลปะและแรงงานมนุษย์ทุกแขนง

ในคำนำของหนังสือเล่มนี้ เขาพูดเกี่ยวกับความสำคัญของจิตใจของนักเปียโน เกี่ยวกับบทบาทในงานของเขาเกี่ยวกับการตั้งค่าทางจิตวิทยาที่ถูกต้อง ซึ่งเป็นข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับความสำเร็จของบทเรียน หัวข้อนี้เป็นที่สนใจอย่างมากไม่เพียงแต่สำหรับนักแสดงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงครูด้วย ซึ่งขึ้นอยู่กับการก่อตัวของจิตใจของนักเรียนและสภาพแวดล้อมทางจิตวิทยาของเขาด้วย

Kogan พูดถึงจุดมุ่งหมาย ความตั้งใจ ความสนใจ สมาธิ การควบคุมตนเอง จินตนาการ และองค์ประกอบอื่นๆ ที่กำหนดความสำเร็จในการทำงานของนักเปียโน Kogan ได้เพิ่มความต้องการความปรารถนาอันแรงกล้าที่จะแสดงออกมาในรูปแบบอุดมคติที่นึกขึ้นได้และชื่นชอบในดนตรี เขาให้ความสนใจเป็นพิเศษในเรื่อง "ความสงบที่สร้างสรรค์" และความตื่นเต้นของนักแสดงก่อนการแสดงและระหว่างการแสดงในคอนเสิร์ต

เมื่อพิจารณาถึงขั้นตอนต่างๆ ของงานของนักเปียโนเป็นชิ้นๆ Kogan ได้อธิบายรายละเอียดสามขั้นตอนของกระบวนการนี้โดยละเอียด: 1) ดูและเล่นเบื้องต้น 2) เรียนรู้เป็นชิ้น 3) "ประกอบ" ผลงานเป็นขั้นตอนสุดท้าย.

Kogan อาศัยรายละเอียดเป็นพิเศษเกี่ยวกับการใช้ถ้อยคำ การใช้นิ้ว การจัดกลุ่มใหม่ทางเทคนิค และการแสดงปัญหาทางจิตใจ เกือบ ทุกอย่างที่เขาวิเคราะห์เป็นไปตามหลักการเปียโนของ Busoni

หนังสือเล่มนี้ยังมีบทวิเคราะห์บางแง่มุมของศิลปะการแสดง ซึ่งได้รับความสนใจค่อนข้างน้อยในวรรณคดีระเบียบวิธี ซึ่งรวมถึงตัวอย่างเช่นคำถามเกี่ยวกับคำบรรยายด้วยวาจาของตอนต่าง ๆ ในงานเปียโนซึ่งสามารถทำหน้าที่เป็น "คู่มือการเติมน้ำเสียงเสริม" ซึ่งทำให้สามารถ "ค้นหาการกระจายของการหายใจตามธรรมชาติได้ง่ายขึ้น น่าเชื่อ" การออกเสียง "ของ น้ำเสียงเฉพาะบุคคล"

หลังจากศึกษามรดกการสอนของ Kogan แล้ว เราสามารถสรุปได้ว่าผลงานของ Kogan นั้นมีลักษณะเด่นเป็นส่วนใหญ่โดยหลักเกณฑ์วิธีการพื้นฐานของโรงเรียนสอนเปียโนโซเวียตสมัยใหม่ในศิลปะการแสดงเปียโน

นักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งของต้นศตวรรษของเรา สร้างความรุ่งโรจน์ของศิลปะการแสดงของศตวรรษที่ยี่สิบ

โจเซฟ ฮอฟฟ์แมน (1876-1957)

ชะตากรรมของศิลปินท่องเที่ยว - ปรากฏการณ์ที่ในรูปแบบอารยะรักษาประเพณีของนักดนตรีที่เดินทาง - ฮอฟฟ์มันน์จำนวนมากเป็นเวลานาน ฮอฟฟ์แมนก็มีส่วนร่วมในการสอนด้วย แต่ก็ไม่ได้ฉลาดเท่าการแสดง

Hoffmann ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับระยะเวลาการฝึกอบรม ความจำเป็นสำหรับครู ข้อกำหนดในการไว้วางใจเขา ความสำคัญของเขาสำหรับการก่อตัวของนักแสดง - สิ่งเหล่านี้เป็นแรงจูงใจที่ปรากฏซ้ำ ๆ ในหน้าหนังสือของ Hoffmann ฮอฟฟ์มันน์เองโชคดีกับครูของเขา - พวกเขาเป็นนักเปียโนและนักแต่งเพลงชื่อดัง Moritz Moszkowski (ผู้แต่ง etudes อัจฉริยะและการเล่นซาลอนที่ยอดเยี่ยม) และ Anton Rubinstein ที่มีชื่อเสียงซึ่งกลายเป็นหนึ่งในกิจกรรมหลักในชีวิตสร้างสรรค์ของ Hoffmann

เหตุการณ์สำคัญอีกเหตุการณ์หนึ่งในชีวิตของฮอฟฟ์มันน์ซึ่งส่งผลกระทบอย่างรุนแรงต่อโชคชะตาที่สร้างสรรค์ วิธีคิด วิถีชีวิต คือการย้ายไปอเมริกา (และต่อมา - การยอมรับสัญชาติอเมริกัน) ดังนั้น - ทัศนคติที่จริงจังและใช้ได้จริงในชีวิต แนวทางเชิงธุรกิจสำหรับปัญหาใดๆ รวมถึงปัญหาที่สร้างสรรค์ การปฏิบัติจริงแบบอเมริกันล้วนมีให้เห็นในหนังสือและบทความ

ในหนังสือของเขาในปี 1914 ชื่อ The Piano Playing Answers to Questions about Piano Playing เป็นสิ่งสำคัญที่ Hoffmann ได้สรุปหลักการทั่วไปที่เอื้อต่อการเล่นเปียโนที่ดี เขาเน้นย้ำข้อดีของการเรียนในตอนเช้า ไม่ควรฝึกเกินหนึ่งชั่วโมง ไม่เกินสองชั่วโมงติดต่อกัน ทุกอย่างควรขึ้นอยู่กับสภาพร่างกาย เขายังแนะนำให้เปลี่ยนเวลาและลำดับของงานที่ศึกษา จุดสนใจของนักเปียโนคือวาทกรรมเกี่ยวกับ "เทคโนโลยี" ของการเล่นเปียโน ซึ่งเขาเข้าใจอย่างยอดเยี่ยม ฮอฟฟ์มันน์พิจารณางานสำคัญที่ไม่มีเครื่องมือ (ทั้งที่มีและไม่มีโน้ต)

สิ่งสำคัญอย่างยิ่งคือความคิดของ Hoffmann เกี่ยวกับ "เทคนิคทางจิต" - ความจำเป็นที่จะเริ่มวิเคราะห์การเล่นด้วยการวิเคราะห์รูปแบบและพื้นผิว นอกจากนี้ ในกระบวนการวิเคราะห์ แต่ละตอน "ต้องเตรียมจิตใจให้ดีก่อนที่จะทดสอบบนเปียโน"

ฮอฟฟ์มันน์ ฟีเจอร์มากมายของสไตล์นั้นทันสมัยมาก มันอยู่ใกล้กับเราในทางปฏิบัติ - ทุกอย่างโดยพื้นฐานแล้วไม่มีอะไรฟุ่มเฟือย

อัจฉริยะแห่งยุคเงิน นักเปียโนผู้ยิ่งใหญ่ นักแต่งเพลง ผู้ควบคุมวง

Sergei Rachmaninoff (2416-2486)

เริ่มเรียนดนตรีอย่างเป็นระบบตั้งแต่อายุห้าขวบ อายุ. ในปี 1882 Sergei เข้าสู่ปีเตอร์สเบิร์กเรือนกระจก ในปี 1885 เขาย้ายไปมอสโคว์และกลายเป็นนักเรียนของมอสโก Conservatory ซึ่งเขาเรียนครั้งแรกกับนักเปียโน - ครูที่มีชื่อเสียง NS Zverev (ซึ่งนักเรียนยังเป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียและนักเปียโน Alexander Nikolayevich Scriabin) และตั้งแต่ปี 1888 - กับนักเปียโนและ ตัวนำ Alexander Ilyich Ziloti (เปียโน); นักแต่งเพลงนักเปียโนและผู้ควบคุมวง Anton Stepanovich Arensky (องค์ประกอบ, เครื่องมือวัด, ความสามัคคี); นักแต่งเพลงนักเปียโนและนักดนตรีและบุคคลสาธารณะ Sergei Ivanovich Taneyev (ตรงกันข้ามกับการเขียนที่เข้มงวด)

Rachmaninoff เป็นหนึ่งในนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ศิลปะของเขาโดดเด่นด้วยความจริงใจที่สำคัญ การวางแนวประชาธิปไตย ความจริงใจและความสมบูรณ์ทางอารมณ์ของการแสดงออกทางศิลปะ Rachmaninov ปฏิบัติตามประเพณีดนตรีคลาสสิกที่ดีที่สุดโดยเฉพาะรัสเซีย เขาเป็นนักร้องที่เต็มไปด้วยอารมณ์ของรัสเซีย

ในงานของเขา การระเบิดอย่างเร่าร้อนของการประท้วงที่เข้ากันไม่ได้และการไตร่ตรองอย่างเงียบ ๆ การเตรียมพร้อมที่สั่นสะเทือนและความมุ่งมั่นอย่างแรงกล้า โศกนาฏกรรมที่มืดมนและเพลงสวดที่กระตือรือร้นมีอยู่ร่วมกันอย่างใกล้ชิด ดนตรีของรัคมานินอฟซึ่งมีความไพเราะไม่สิ้นสุดและความสมบูรณ์ของเสียงโพลีโฟนิก ซึมซับแหล่งที่มาของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย และคุณลักษณะบางอย่างของบทสวด znamenny หนึ่งในรากฐานดั้งเดิมของสไตล์ดนตรีของรัคมานินอฟคือการผสมผสานระหว่างความกว้างและอิสระของการหายใจอันไพเราะกับพลังงานจังหวะ ธีมของบ้านเกิดซึ่งเป็นศูนย์กลางของงานผู้ใหญ่ของรัชมานินอฟ ชื่อของรัคมานินอฟในฐานะนักเปียโนนั้นเทียบเท่ากับชื่อของ F. Liszt และ A. G. Rubinstein เทคนิคที่มหัศจรรย์ ท่วงทำนองไพเราะ จังหวะที่ยืดหยุ่นและทรงพลัง ล้วนเป็นไปตามการเล่นของรัคมานินอฟ

ความรุ่งโรจน์ของรัชมานินอฟในฐานะนักเปียโนนั้นยิ่งใหญ่เพียงพอและในไม่ช้าก็กลายเป็นตำนานอย่างแท้จริง การตีความดนตรีและผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก - Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt - ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ กิจกรรมคอนเสิร์ตของรัชมานินอฟในฐานะนักเขียนอัจฉริยะที่เดินเตร่ไปทั่วเมืองและประเทศต่างๆ ดำเนินไปอย่างไม่ขาดสายเป็นเวลาเกือบ 25 ปี

ในอเมริกาที่เขาย้ายไปอยู่โดยบังเอิญ เขาประสบความสำเร็จอย่างน่าทึ่งที่นักแสดงต่างชาติเคยมาที่นี่ ผู้ชมไม่เพียงได้รับความสนใจจากทักษะการแสดงระดับสูงของรัคมานินอฟเท่านั้น แต่ยังรวมถึงลักษณะการเล่นของเขาและการบำเพ็ญตบะจากภายนอกด้วย ซึ่งเบื้องหลังลักษณะอันสดใสของนักดนตรีที่เก่งกาจถูกซ่อนไว้ “ บุคคลที่สามารถแสดงความรู้สึกของเขาในลักษณะดังกล่าวและด้วยพลังดังกล่าว ก่อนอื่นต้องเรียนรู้ที่จะเชี่ยวชาญพวกเขาอย่างสมบูรณ์เพื่อที่จะเป็นเจ้านายของพวกเขา ... ” - มันถูกเขียนในบทวิจารณ์

การบันทึกแผ่นเสียงของการเล่นของรัชมานินอฟให้แนวคิดเกี่ยวกับเทคนิคที่มหัศจรรย์ของเขา ความรู้สึกของรูปแบบ ทัศนคติที่มีความรับผิดชอบเป็นพิเศษต่อรายละเอียด นักเปียโนของรัคมานินอฟมีอิทธิพลต่อปรมาจารย์ด้านการแสดงเปียโนที่โดดเด่นเช่น Vladimir Vladimirovich Sofronitsky, Vladimir Samoilovich Horowitz, Svyatoslav Teofilovich Richter, Emil Grigorievich Gilels

นักเปียโนชาวอเมริกัน - อัจฉริยะของแหล่งกำเนิดยูเครน - ยิว หนึ่งในนักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ

วลาดีมีร์ ซาโมโลวิช โฮโรวิตซ์

(1903-1989)

เกิดในรัสเซียตั้งแต่ปี พ.ศ. 2471 ในสหรัฐอเมริกา ตัวแทนของการแสดงสไตล์โรแมนติก (ผลงานโดย F. Liszt รวมถึงการถอดความของเขาเองโดย Fryderyk Chopin นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย ฯลฯ )

Vladimir Horowitz ศึกษา V. Pukhalsky, S. V. Tarnovsky และ F. M. Blumenfeld ที่ Kiev School of Music ซึ่งเปลี่ยนจากกันยายน 1913 เป็น Kiev Conservatory เมื่อสำเร็จการศึกษาในปี 1920 V. Horowitz ไม่ได้รับประกาศนียบัตรเนื่องจากเขาไม่มีใบรับรองการสำเร็จการศึกษาจากโรงยิม เขาแสดงคอนเสิร์ตเดี่ยวครั้งแรกของเขาในคาร์คอฟในปี 1920 (แต่การแสดงคอนเสิร์ตสาธารณะครั้งแรกที่บันทึกไว้เกิดขึ้นในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2464 ในเคียฟ) จากนั้นเขาก็แสดงคอนเสิร์ตในเมืองต่าง ๆ ของรัสเซียพร้อมกับนักไวโอลินโอเดสซา Nathan Milstein ซึ่งพวกเขามักจะจ่ายเป็นขนมปังมากกว่าเงินเนื่องจากสถานการณ์ทางเศรษฐกิจที่ยากลำบากในประเทศ

ตั้งแต่ปี 1922 Horowitz ได้จัดคอนเสิร์ตในเมืองต่างๆ ของรัสเซีย ยูเครน จอร์เจีย อาร์เมเนีย ได้รวบรวมเพลงขนาดมหึมาในแง่ของปริมาณ ตัวอย่างเช่น ภายในสามเดือน (พฤศจิกายน 2467 - มกราคม 2468) เขาแสดงมากกว่า 150 งานใน "ซีรีส์เลนินกราด" ที่มีชื่อเสียงประกอบด้วย 20 คอนเสิร์ต แม้ว่าเขาจะประสบความสำเร็จในช่วงแรกในฐานะนักเปียโน แต่ Horowitz อ้างว่าเขาต้องการเป็นนักแต่งเพลง แต่เลือกอาชีพนักเปียโนเพื่อช่วยเหลือครอบครัวที่สูญเสียทรัพย์สมบัติทั้งหมดระหว่างการปฏิวัติปี 1917 ความสำเร็จของ "ลูกของการปฏิวัติ" (ตามที่ Lunacharsky เรียกพวกเขาในบทความของเขา) นั้นล้นหลาม ในหลายเมือง มีแฟนคลับของนักดนตรีรุ่นเยาว์เหล่านี้เกิดขึ้น

ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2468 วลาดิมีร์ Horowitz มีโอกาสเดินทางไปเยอรมนี (เขาไปเรียนอย่างเป็นทางการ) ก่อนออกเดินทางเขาเรียนรู้และเล่นคอนเสิร์ตครั้งแรกของ PI Tchaikovsky ในเลนินกราด ด้วยองค์ประกอบนี้ เขาจึงมีชื่อเสียงในยุโรป คอนเสิร์ตนี้มีบทบาท "ถึงตาย" ในชีวิตของนักเปียโน: ทุกครั้งที่ประสบความสำเร็จในประเทศแถบยุโรปและอเมริกา Horowitz ได้แสดงคอนเสิร์ตครั้งแรกของ PI Tchaikovsky อย่างแน่นอน Milstein ติดตามนักเปียโนไปยังประเทศเยอรมนีในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2468 ในยุโรป นักดนตรีทั้งสองได้รับชื่อเสียงอย่างรวดเร็วในฐานะอัจฉริยะที่ยอดเยี่ยม Horowitz ได้รับเลือกจากทางการโซเวียตให้เป็นตัวแทนของยูเครนในการแข่งขันโชแปงนานาชาติครั้งแรกในปี 1927 แต่นักเปียโนตัดสินใจที่จะอยู่ทางตะวันตกและไม่ได้เข้าร่วมการแข่งขัน จนถึงปี 1940 เขาเดินทางไปพร้อมกับคอนเสิร์ตไปเกือบทุกประเทศในยุโรปและทุกที่ก็ประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม ในปารีส เมื่อ V. Horowitz กำลังเล่น ทหารถูกเรียกเข้ามาเพื่อทำให้ผู้ชมสงบลง ซึ่งกำลังทุบเก้าอี้ด้วยความปีติยินดี ในปีพ.ศ. 2471 วลาดิมีร์ ฮอโรวิตซ์แสดงได้อย่างยอดเยี่ยมที่คาร์เนกีฮอลล์ในนิวยอร์ก และเดินทางด้วยความสำเร็จดังก้องไปยังหลายเมืองในอเมริกา

นักเปียโนชาวรัสเซียที่มีรากภาษาเยอรมัน

Svyatoslav Teofilovich Richter

(1915 – 1997)

เขาใช้ชีวิตในวัยเด็กและวัยรุ่นในโอเดสซา ซึ่งเขาเรียนกับบิดา นักเปียโนและนักเล่นออร์แกนที่ได้รับการศึกษาในเวียนนา และทำงานเป็นนักดนตรีคลอที่โรงอุปรากร เขาแสดงคอนเสิร์ตครั้งแรกในปี 2477 เมื่ออายุได้ 22 ปี เขาได้เรียนรู้ด้วยตนเองอย่างเป็นทางการ เขาเข้าไปในมอสโก Conservatory ซึ่งเขาเรียนกับไฮน์ริช นอยเฮาส์ ในปีพ.ศ. 2483 เขาได้ปรากฏตัวต่อหน้าสาธารณชนเป็นครั้งแรกในมอสโกโดยแสดง Sonata ที่ 6 ของ Prokofiev; ต่อมาได้กลายเป็นนักแสดงคนแรกของโซนาต้าที่ 7 และ 9 ของเขา (หลังอุทิศให้กับริกเตอร์) ในปี 1945 เขาชนะการแข่งขัน All-Union ของนักดนตรี

จากก้าวแรกในสายอาชีพ เขาถูกมองว่าเป็นอัจฉริยะและเป็นนักดนตรีที่มีสเกลพิเศษ

สำหรับนักดนตรีและนักดนตรีโซเวียตและรัสเซียหลายชั่วอายุคน Richter ไม่เพียง แต่เป็นนักเปียโนที่โดดเด่นเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้มีอำนาจทางศิลปะและศีลธรรมสูงสุดซึ่งเป็นตัวตนของนักดนตรีและการศึกษาสากลสมัยใหม่ ละครที่ยิ่งใหญ่ของ Richter ซึ่งขยายไปถึงปีสุดท้ายของชีวิตที่กระฉับกระเฉงของเขารวมถึงดนตรีจากยุคต่าง ๆ จาก Bach's Well-Tempered Clavier และห้องสวีทของ Handel ไปจนถึง Concerto ของ Gershwin, Webern Variations และ Stravinsky's Movements

ในทุกวงการละคร ริกเตอร์ได้รับการพิสูจน์แล้วว่าเป็นศิลปินที่มีเอกลักษณ์ โดยผสมผสานความเที่ยงธรรมของวิธีการของเขาที่มีต่อข้อความดนตรี (การปฏิบัติตามคำแนะนำของผู้เขียนอย่างระมัดระวัง การควบคุมรายละเอียดอย่างมั่นใจ ของการตีความ

ริกเตอร์มีความตระหนักในความรับผิดชอบต่องานศิลปะมากขึ้น และความสามารถในการเสียสละตัวเองได้แสดงออกในความมุ่งมั่นพิเศษของเขาในการแสดงทั้งมวล ในช่วงเริ่มต้นอาชีพของริกเตอร์ คู่หูหลักของเขาคือนักเปียโน นักเรียนของ Neuhaus Anatoly Vedernikov นักร้อง Nina Dorliak (นักร้องเสียงโซปราโน ภรรยาของ Richter) นักไวโอลิน Galina Barinova นักเชลโล Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich (ผลงานของพวกเขาคือ สมบูรณ์แบบในแบบของตัวเอง โซนาตาเชลโลอย่างแท้จริงโดยเบโธเฟน) ในปี 1966 ความร่วมมือระหว่าง Richter และ David Oistrakh เริ่มต้นขึ้น ในปี 1969 พวกเขาเปิดตัว Violin Sonata ของ Shostakovich ริกเตอร์เป็นคู่หูของวง Quartet บ่อยๆ Borodin และร่วมมือกับนักดนตรีรุ่นน้องอย่างเต็มใจรวมถึง Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kochish นักเปียโน Vasily Lobanov และ Andrei Gavrilov ศิลปะของริกเตอร์ในฐานะศิลปินเดี่ยวและนักแสดงทั้งมวลได้รับการปรับปรุงให้เป็นอมตะในสตูดิโอและการบันทึกคอนเสิร์ตมากมาย

นักเปียโนโซเวียต ศิลปินประชาชนแห่งสหภาพโซเวียต

เอมิล กริกอรีเยวิช กิลส์ (2459-2528)

Emil เริ่มเล่นเปียโนเมื่ออายุได้ 5 ขวบครึ่ง ครูคนแรกของเขาคือ Yakov Tkach หลังจากประสบความสำเร็จอย่างรวดเร็ว Gilels ได้ปรากฏตัวครั้งแรกในที่สาธารณะในเดือนพฤษภาคม 1929 โดยแสดงผลงานของ Liszt, Chopin, Scarlatti และนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ ในปี 1930 Gilels เข้าสู่ Odessa Institute of Music (ปัจจุบันคือ Odessa Conservatory)

และปีหน้าเขาชนะการแข่งขันเปียโน All-Ukrainian และอีกหนึ่งปีต่อมาเขาได้พบกับ Arthur Rubinstein ผู้ซึ่งพูดถึงการแสดงของเขาอย่างเห็นด้วย

ชื่อเสียงมาถึงนักดนตรีหลังจากชัยชนะของเขาในปี 2476 ในการแข่งขันนักดนตรีและนักแสดง All-Union ครั้งแรกซึ่งตามมาด้วยคอนเสิร์ตมากมายในสหภาพโซเวียต หลังจากจบการศึกษาจาก Odessa Conservatory ในปี 1935 Gilels ได้เข้าเรียนที่บัณฑิตวิทยาลัยของ Moscow Conservatory ในชั้นเรียนของ Heinrich Neuhaus

ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1930 นักเปียโนประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติ: เขาขึ้นอันดับสองในการแข่งขันระดับนานาชาติที่กรุงเวียนนา (1936) แพ้เพียง Jacob Flier เท่านั้นและอีกสองปีต่อมาเขาแก้แค้นจากเขาและชนะการแข่งขัน Izaya ใน บรัสเซลส์ ซึ่งนักบินยังคงอยู่ในอันดับที่สาม เมื่อกลับมาที่มอสโคว์ Gilels เริ่มสอนที่เรือนกระจกในฐานะผู้ช่วยของ Neuhaus

ในช่วงสงครามปี Gilels เข้ามามีส่วนร่วมในการอุปถัมภ์ทางทหารในฤดูใบไม้ร่วงปี 2486 เขาได้แสดงคอนเสิร์ตในเลนินกราดที่ถูกปิดล้อมหลังจากสิ้นสุดสงครามเขากลับไปแสดงคอนเสิร์ตและกิจกรรมการสอน เขามักจะแสดงร่วมกับน้องสาวของเขา นักไวโอลิน Elizaveta Gilels และกับ Jacob Zak ในปี 1950 เขาก่อตั้งเปียโนทรีโอร่วมกับ Leonid Kogan (ไวโอลิน) และ Mstislav Rostropovich (เชลโล) และในปี 1945 เขาได้แสดงคอนเสิร์ตในต่างประเทศเป็นครั้งแรก (กลายเป็นหนึ่งในนักดนตรีโซเวียตคนแรกที่ได้รับอนุญาตให้ทำเช่นนี้) ได้ไปเที่ยว อิตาลี สวิตเซอร์แลนด์ ฝรั่งเศส และประเทศสแกนดิเนเวีย ในปี 1954 เขาเป็นนักดนตรีโซเวียตคนแรกที่แสดงที่ Pleyel Hall ในปารีส ในปี 1955 นักเปียโนกลายเป็นนักดนตรีโซเวียตคนแรกที่แสดงคอนเสิร์ตในสหรัฐอเมริกา โดยเขาได้แสดงคอนแชร์โต้เปียโนตัวแรกของไชคอฟสกีและคอนแชร์โต้ที่สามของรัคมานินอฟร่วมกับฟิลาเดลเฟียออร์เคสตราภายใต้กระบองของยูจีน ออร์ม็องดี และในไม่ช้าก็บรรยายที่คาร์เนกีฮอลล์ ประสบความสำเร็จอย่างมาก ในช่วงทศวรรษ 1960-1970 Gilels เป็นหนึ่งในนักดนตรีโซเวียตที่มีผู้เรียกร้องมากที่สุดในโลก โดยใช้เวลาประมาณเก้าเดือนต่อปีในการแสดงคอนเสิร์ตและทัวร์ต่างประเทศ

สรุปแล้ว ฉันต้องการจะสังเกตว่าหลักการของระเบียบวิธีและหนังสือของตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของนักเปียโนชาวโซเวียตแสดงให้เห็นว่ามุมมองของนักดนตรีเหล่านี้ กับวิธีการเล่นเปียโนและการสอนของแต่ละคน มีความเหมือนกันมาก นี่คือความปรารถนาที่จะเข้าใจข้อความดนตรีอย่างลึกซึ้งและเพื่อการถ่ายโอนเจตนาของผู้แต่งอย่างถูกต้องและความเข้าใจในสไตล์และธรรมชาติของดนตรีเป็นพื้นฐานสำหรับการตีความภาพศิลปะที่มีอยู่ในงานอย่างสมจริง

โดยทั่วไปแล้ว ในแง่นี้ หนึ่งในถ้อยแถลง จี จี นอยเฮาส์: "เรากำลังพูดถึงสิ่งเดียวกัน แต่ในคำพูดต่างกัน" นี่เป็นเรื่องปกติและกำหนดหลักการของโรงเรียนเปียโนโซเวียตซึ่งนำนักเปียโนที่โดดเด่นและครูที่โดดเด่นขึ้นมา

XXIศตวรรษ

ศิลปะการแสดงเปียโนคืออะไรและเกิดขึ้นได้อย่างไรในช่วงศตวรรษที่ 20?

มีอะไรใหม่ในตอนต้นของศตวรรษที่ 21?

เป็นเรื่องปกติที่จะเล่นเปียโนในทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 21 ได้อย่างไร?

สไตล์การแสดงแห่งศตวรรษที่ 21

***

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 21 ทิศทางหลักสองประการของศิลปะการแสดงดนตรียังคงมีอยู่ - ความสามารถเหนือธรรมชาติและการตีความที่มีความหมาย ในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 พื้นที่เหล่านี้มีความเข้มข้นมากขึ้นเรื่อยๆ โดยแยกออกจากกัน อย่างไรก็ตาม ปรากฏการณ์ใหม่ก็เกิดขึ้นเมื่อนักเปียโนสามารถให้บริการศิลปะการแสดงทั้งแบบเดียวและแบบอื่นๆ ได้พร้อมกัน

***

ประเพณีการแสดงได้รับอิทธิพลจาก ความคลั่งไคล้การแข่งขันทั้งหมด ใน ในกรณีนี้ ระดับการแข่งขันที่โดดเด่นของผลงานดนตรีกลายเป็นรูปแบบทั่วไปที่ต้องปฏิบัติตามมากขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งรวมถึงบนเวทีคอนเสิร์ตด้วย

อุดมคติของการบันทึกและระดับการแข่งขันของการแสดง ซึ่งส่งผลต่อประเพณีการแสดงคอนเสิร์ต จำเป็นต้องมีการเพิ่มขึ้นอย่างมากในคุณภาพของการเล่นเปียโน โปรแกรมแต่ละชิ้น ไม่ใช่แค่ "อังกอร์" เท่านั้น ควรให้เสียงที่ระดับผลงานชิ้นเอกของศิลปะการแสดง สิ่งที่สตูดิโอสามารถทำได้เนื่องจากวิศวกรรมเสียงและการตัดต่อด้วยคอมพิวเตอร์จากตัวเลือกการแสดงต่างๆ ควรเกิดขึ้นบนเวทีในนาทีนี้ ที่นี่ และเดี๋ยวนี้

การแข่งขันและเทศกาลระดับนานาชาติมีส่วนทำให้เกิดโลกาภิวัตน์ของศิลปะเปียโน

เรามักพบชื่อของพวกเขาหลังจากการแข่งขัน PI Tchaikovsky การแข่งขันนี้นำผู้มีชื่อเสียงมาสู่นักเปียโนเช่น: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazi, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeniy Kissin, Denis Matsuev, Zhania Aubakirova ...

นักเปียโนชาวอเมริกันผู้พิชิตใจรัสเซีย

ผู้ชนะคนแรกของการแข่งขัน International Tchaikovsky Competition (1958)

แวน คลิเบิร์น (1934-2013)

นักเปียโนชาวอเมริกัน Van Cliburn (หรือที่รู้จักในนาม Harvey Levan Cliburn) อาจเป็นนักดนตรีต่างชาติที่เป็นที่รักมากที่สุดในประเทศของเรา เป็นผู้ชมชาวรัสเซียที่ชื่นชมทักษะการแสดงของ Van Cliburn เป็นครั้งแรก หลังจากที่เขาไปเยือนรัสเซียแล้วเขาก็กลายเป็นนักดนตรีที่มีชื่อเสียงระดับโลก

เขาได้รับบทเรียนเปียโนครั้งแรกเมื่ออายุได้สามขวบจากแม่ของเขา เมื่อ Cliburn อายุได้ 6 ขวบ ครอบครัวย้ายไปเท็กซัส ซึ่งเขาชนะการแข่งขันเมื่ออายุ 13 ปี และในไม่ช้าก็เปิดตัว Carnegie Hall ของเขา

ในปี 1951 เขาเข้าเรียนที่โรงเรียน Juilliard ในชั้นเรียนของ Rosina Levina และในอีกไม่กี่ปีข้างหน้าเขาได้รับรางวัลมากมายจากการแข่งขันอันทรงเกียรติของอเมริกาและระดับนานาชาติ

ชื่อ Cliburn ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลกหลังจากชัยชนะอันน่าตื่นเต้นในการแข่งขัน International Tchaikovsky Competition ครั้งแรกที่กรุงมอสโกในปี 1958 นักเปียโนรุ่นเยาว์ได้รับความเห็นใจจากทั้งคณะลูกขุนและสาธารณชน ทั้งหมดนี้เป็นเรื่องที่น่าประหลาดใจยิ่งกว่าเดิม เนื่องจากการกระทำดังกล่าวเกิดขึ้นที่จุดสูงสุดของสงครามเย็น เมื่อกลับมายังบ้านเกิด Cliburn ได้รับการต้อนรับอย่างกระตือรือร้น นักดนตรีได้รับความรักและความเคารพต่อสหภาพโซเวียตและหลังจากการแข่งขันเขาก็มาแสดงคอนเสิร์ตซ้ำแล้วซ้ำอีก

Van Cliburn ไปเที่ยวทั้งในประเทศบ้านเกิดและต่างประเทศ ได้พูดคุยกับราชวงศ์และประมุขแห่งรัฐกับประธานาธิบดีสหรัฐทุกคน เขากลายเป็นนักดนตรีคลาสสิกคนแรกที่ได้รับอัลบั้มแพลตตินั่ม การแสดงเปียโนคอนแชร์โต้ครั้งแรกของไชคอฟสกีมีการขายไปแล้วกว่าล้านชุด

ตั้งแต่ปี 1962 การแข่งขันเปียโน Van Cliburn ได้จัดขึ้นที่เมืองฟอร์ตเวิร์ธ รัฐเท็กซัส

นักเปียโนชาวรัสเซีย ครูสอนดนตรี บุคคลสาธารณะ

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

ความสามารถทางดนตรีของ Vladimir Krainev ปรากฏตัวในโรงเรียนดนตรีพิเศษระดับมัธยมศึกษาใน Kharkov ซึ่งเขาเข้าเรียนเมื่ออายุได้ 5 ขวบ อีกสองปีต่อมา การแสดงครั้งแรกของเขาบนเวทีใหญ่เกิดขึ้น พร้อมกับวงออเคสตราที่เขาแสดงคอนแชร์โต้ของ Haydn และคอนแชร์โต้แรกของเบโธเฟน

ด้วยการสนับสนุนของครูคาร์คอฟ Krainev เข้าสู่โรงเรียนดนตรีมอสโกเซ็นทรัลที่ Conservatory ตั้งชื่อตาม ไชคอฟสกีถึงชั้นเรียนของ Anaida Sumbatyan ในปีพ.ศ. 2505 เขาได้เข้าไปยังเรือนกระจก ไชคอฟสกีถึงชั้นเรียนของไฮน์ริช นอยเฮาส์ และหลังจากที่เขาเสียชีวิต เขาได้ศึกษากับสแตนนิสลาฟ นอยเฮาส์ ลูกชายของเขา ซึ่งเขาจบการศึกษาจากบัณฑิตวิทยาลัยในปี 2512 ด้วย

ชื่อเสียงระดับโลกมาถึง Vladimir Krainev ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 เมื่อเขาได้รับรางวัลใหญ่ในการแข่งขันระดับนานาชาติที่สำคัญในลีดส์ (บริเตนใหญ่, 2506) และลิสบอน (โปรตุเกส, 2507) หลังจากแสดงที่ลีดส์ นักเปียโนรุ่นเยาว์ได้รับเชิญให้ไปทัวร์ที่สหรัฐอเมริกา ในปี 1970 เขาได้รับชัยชนะที่ยอดเยี่ยมจาก IV International P.I. ไชคอฟสกีในมอสโก

ตั้งแต่ปี 1966 Vladimir Krainev เป็นศิลปินเดี่ยวของสมาคมดนตรีแห่งรัฐมอสโก ตั้งแต่ปี 1987 - ศาสตราจารย์แห่งมอสโก Conservatory ตั้งแต่ปี 1992 - ศาสตราจารย์ที่โรงเรียนดนตรีและโรงละครระดับสูงในฮันโนเวอร์ (ประเทศเยอรมนี)

Vladimir Krainev ออกทัวร์อย่างกว้างขวางในยุโรป สหรัฐอเมริกา โดยแสดงร่วมกับวาทยากรที่โดดเด่นเช่น Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Mazur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondetskis

Krainev เป็นผู้จัดงาน "Vladimir Krainev ขอเชิญ" ในยูเครนและการแข่งขันระดับนานาชาติสำหรับนักเปียโนรุ่นเยาว์ใน Kharkov (ตั้งแต่ปี 1992) ได้รับการตั้งชื่อตามเขา

ในปี 1994 นักเปียโนได้ก่อตั้งมูลนิธิ International Charitable Foundation for Young Pianists มูลนิธิให้ความช่วยเหลือและสนับสนุนนักดนตรีมืออาชีพในอนาคต สร้างเงื่อนไขสำหรับความคิดสร้างสรรค์ในรัสเซียและต่างประเทศ จัดทัวร์และคอนเสิร์ตของนักดนตรีรุ่นเยาว์ สนับสนุนสถาบันการศึกษาด้านวัฒนธรรมและศิลปะ

วาทยกรและนักเปียโนชื่อดัง ศิลปิน People's of the RSFSR ผู้ก่อตั้งและผู้นำตั้งแต่ปี 1990 ถึง 1999 และตั้งแต่ปี 2003 จนถึงปัจจุบัน Russian National Orchestra ผู้ชนะเหรียญทองในการแข่งขัน Tchaikovsky นานาชาติปี 1978 และรางวัลแกรมมี่ปี 2004

Mikhail Vasilievich Pletnev เกิดที่ปี 2500

Pletnev ใช้เวลาในวัยเด็กของเขาใน Saratov และ Kazan ตั้งแต่อายุ 7 ขวบเขาเริ่มเข้าเรียนที่โรงเรียนดนตรีที่ Kazan Conservatory ในชั้นเรียนเปียโน ตั้งแต่อายุ 13 เขาเรียนที่ Central Music School ที่ Moscow Tchaikovsky Conservatory ในปี 1973 Pletnev วัย 16 ปีได้รับรางวัล Grand Prix ในการแข่งขันเยาวชนระดับนานาชาติที่ปารีสและในปีหน้าเขาเข้าสู่มอสโก Conservatory ศึกษาภายใต้อาจารย์ Yakov Flier และ Lev Vlasenko

ในปี 1977 Pletnev ได้รับรางวัลชนะเลิศในการแข่งขันเปียโน All-Union ในเลนินกราด และในปี 1978 เขาได้รับรางวัลเหรียญทองและรางวัลที่หนึ่งจากการแข่งขันมอสโคว์อินเตอร์เนชั่นแนลไชคอฟสกี ในปี 1979 Pletnev จบการศึกษาจากเรือนกระจกและในปี 1981 - บัณฑิตวิทยาลัยหลังจากนั้นเขาก็กลายเป็นผู้ช่วยของ Vlasenko ต่อมาก็เริ่มสอนในชั้นเรียนเปียโนของเขาเอง

การเป็นศิลปินเดี่ยวของ State Concert ในปี 1981 Pletnev ได้รับชื่อเสียงในฐานะนักเปียโนอัจฉริยะ สื่อมวลชนได้กล่าวถึงการตีความงานของ Tchaikovsky ของเขา แต่ยังรวมถึงการแสดงของเขาโดย Bach, Beethoven, Rachmaninoff และนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ Pletnev ได้ร่วมงานกับวาทยกรชื่อดังอย่าง Vladimir Ashkenazi, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai และวงซิมโฟนีออร์เคสตราที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก รวมถึง London Symphony และ Los Angeles Philharmonic

ในปี 1980 Pletnev เปิดตัวในฐานะวาทยกร และสิบปีต่อมา ในปี 1990 ด้วยค่าใช้จ่ายในการบริจาคจากต่างประเทศ เขาได้สร้าง Russian National Symphony Orchestra ที่เป็นอิสระ (ภายหลังเปลี่ยนชื่อ Russian National Orchestra, RNO) และจนถึงปี 1999 เป็นผลงานศิลปะ กรรมการ หัวหน้าผู้ควบคุมวง และประธานกองทุน ในปี 2008 เพลตเนฟได้เป็นวาทยากรรับเชิญของวงออร์เคสตรา della Svizzera italiana (วงซิมโฟนีออร์เคสตราแห่งอิตาลีสวิตเซอร์แลนด์) ในปี 2549 Pletnev ได้ก่อตั้งกองทุนสนับสนุนวัฒนธรรมแห่งชาติ ตั้งแต่ปี 2549 ถึงปี 2553 Pletnev เป็นสมาชิกสภาวัฒนธรรมและศิลปะภายใต้ประธานาธิบดีแห่งสหพันธรัฐรัสเซียและตั้งแต่ปี 2550 ถึง 2552 เขาเป็นสมาชิกของคณะกรรมาธิการสหพันธรัฐรัสเซียเพื่อยูเนสโก

นักเปียโนชาวคาซัคสถาน ครู ศาสตราจารย์และอธิการบดีแห่ง Kurmangazy Kazakh National Conservatory

ศิลปินประชาชนคาซัคสถาน ผู้ได้รับรางวัลการแข่งขันระดับนานาชาติ ศาสตราจารย์

Zhania Yakhiyaevna Aubakirova เกิดในปี 2500

สำเร็จการศึกษาจาก Alma-Ata State Conservatory ตั้งชื่อตาม Kurmangazy เรือนกระจกแห่งรัฐมอสโก PI Tchaikovsky และการศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา (กับศาสตราจารย์ L.N. Vlasenko)

ตั้งแต่ปี 1979 - นักดนตรีของ State Academic Opera and Ballet Theatre ได้รับการตั้งชื่อตาม V.I. Abai และผู้ช่วยผู้ฝึกงานของ Conservatory แห่งรัฐมอสโกได้รับการตั้งชื่อตาม ป.ป.ช. พ.ศ. 2524 - ครูอาวุโส รองศาสตราจารย์ หัวหน้าแผนกเปียโนพิเศษของ Alma-Ata State Conservatory ตั้งชื่อตาม คูร์มังกาซี ตั้งแต่ปี 1983 เธอเป็นศิลปินเดี่ยวของวง Kazakh State Philharmonic ซึ่งตั้งชื่อตาม I. จัมบูลา ตั้งแต่ปี 1993 - ศาสตราจารย์แห่ง Almaty State Conservatory ตั้งชื่อตาม I. คูร์มังกาซี 1994 - ก่อตั้ง "Author's School of Zhania Aubakirova" โดยทำงานตามวิธีการและเทคโนโลยีการศึกษาที่ทันสมัย ตั้งแต่ปี 1997 - อธิการบดี Kurmangazy Kazakh National Conservatory ภายใต้การนำของเธอ เรือนกระจกกลายเป็นมหาวิทยาลัยดนตรีชั้นนำของประเทศและศูนย์วัฒนธรรมและการศึกษาของสาธารณรัฐ ในปี 2544 วิทยาลัยแห่งนี้ได้รับสถานะระดับชาติ

1998 - ตามความคิดริเริ่มของ Zhania Aubakirova หน่วยงานเพลง "Classics" ได้จัดขึ้นซึ่งจัด "ฤดูกาลคาซัคในฝรั่งเศส" ด้วยความสำเร็จอย่างมากจัดคอนเสิร์ตในกว่า 18 ประเทศบันทึกซีดีมากกว่า 30 แผ่นภาพยนตร์เพลงมากกว่า 20 เรื่องเกี่ยวกับ นักแสดงคาซัค 2552 - ในเดือนพฤศจิกายน Student Symphony Orchestra ของ Kazakh National Conservatory Kurmangazy ได้ไปเที่ยวห้าเมืองที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา: ลอสแองเจลิส ซานฟรานซิสโก วอชิงตัน บอสตัน และนิวยอร์ก นักดนตรีรุ่นเยาว์ร่วมกับอธิการบดี ศิลปินประชาชนแห่งสาธารณรัฐคาซัคสถาน Zhania Aubakirova ได้แสดงในห้องโถงที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก - Kennedy Center และ Carnegie Hall

การแสดงและการแสดงของ Zhania Aubakirova ร่วมกับวงออเคสตราที่มีชื่อเสียง ส่งเสริมดนตรีคลาสสิกระดับโลกและผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวคาซัคสถาน จัดขึ้นเป็นประจำในคาซัคสถาน ซึ่งเป็นห้องแสดงคอนเสิร์ตที่ใหญ่ที่สุดในฝรั่งเศส อังกฤษ เยอรมนี ญี่ปุ่น รัสเซีย โปแลนด์ อิตาลี สหรัฐอเมริกา อิสราเอล กรีซ ฮังการี. ห้องโถงใหญ่ของ Conservatory Moscow Tchaikovsky Conservatory และ St. Petersburg Philharmonic, Moscow House of Music

นักเปียโนที่โดดเด่นในยุคของเรา

บอริส เบเรซอฟสกีเกิดในปี พ.ศ. 2512

เขาเข้าสู่มอสโก Conservatory ในชั้นเรียนของนักเปียโนที่โดดเด่น Eliso Virsaladze หลังจากนั้นไม่นาน Berezovsky ก็กลายเป็น "คับแคบ" ในชั้นเรียนของ Eliso Virsaladze ซึ่งมีการเล่นเฉพาะละครแบบดั้งเดิมเท่านั้น ดังนั้นเขาจึงเริ่มเรียนบทเรียนส่วนตัวจาก Alexander Sats Sats เปิดโลกทัศน์ใหม่สำหรับดนตรีคลาสสิกรัสเซียสำหรับ Boris Berezovsky กับเขา Berezovsky เริ่มเล่น Medtner, Rachmaninov มากมายและอื่น ๆ อีกมากมาย แต่บอริส เบเรซอฟสกีไม่สามารถเรียนจบที่โรงเรียนสอนดนตรีมอสโกได้ เขาถูกไล่ออกจากโรงเรียนเนื่องจากเข้าร่วมการแข่งขันไชคอฟสกีระหว่างการสอบปลายภาค แต่เหตุการณ์นี้ไม่ได้ขัดขวางไม่ให้เขากลายเป็นนักแสดงที่เก่งที่สุดและเป็นที่ต้องการของพวกเราในยุคของเรา

เป็นเวลากว่าสิบปีแล้วที่บอริส เบเรซอฟสกีได้แสดงร่วมกับวงออร์เคสตราที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก ได้แก่ BBC Orchestra, London และ New York Philharmonic, Japanese Philharmonic Orchestra, เบอร์มิงแฮม และฟิลาเดลเฟียซิมโฟนี เบเรซอฟสกีมีส่วนร่วมในเทศกาลดนตรีแชมเบอร์ต่างๆ เป็นประจำ และสามารถฟังการบรรยายของเขาได้ในเบอร์ลิน นิวยอร์ก อัมสเตอร์ดัม และลอนดอน พูดภาษาอังกฤษและฝรั่งเศสได้อย่างคล่องแคล่ว

นักเปียโนมีรายชื่อจานเสียงที่ค่อนข้างกว้างขวาง การบันทึกคอนเสิร์ตครั้งล่าสุดของเขาได้รับการวิจารณ์สูงสุดจากนักวิจารณ์ German Recording Association มอบรางวัลอันสูงส่งให้กับเพลงโซนาตาของรัคมานินอฟที่ตีความโดยบอริส เบเรซอฟสกี บันทึกผลงานของ Ravel เข้าสู่ชาร์ตคลาสสิก Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, Independent

Boris Berezovsky เป็นผู้ชนะเหรียญทองจากการแข่งขัน International Tchaikovsky Competition ครั้งที่ 9 เขาถูกเรียกว่า "the new Richter" ซึ่งเป็นเสียงของ Berezovsky ที่มีเปียโนโปร่งใสและเฉดสีไดนามิกที่เข้มข้นที่สุด ได้รับการยอมรับว่าสมบูรณ์แบบที่สุดในหมู่นักเปียโนของ รุ่นของเขา ทุกวันนี้ บอริส เบเรซอฟสกีสามารถได้ยินบ่อยขึ้นเรื่อยๆ ที่เวทีคอนเสิร์ตใหญ่ในรัสเซีย

หนึ่งในนักแสดงที่มีแรงบันดาลใจและชาญฉลาด รัสเซีย นักเปียโน , ครู , ศิลปินเดี่ยว มอสโก สเตท ฟิลฮาร์โมนิก , ศิลปินประชาชนรัสเซีย

นิโคลาNSสิงโต́ เอชไอวีทุ่งหญ้า́ nskiy เกิดในปี 2515

การเล่นของเขาสามารถดูดซับสิ่งที่ดีที่สุดที่โรงเรียนดนตรีกลางและเรือนกระจกในมอสโกสามารถให้ได้

ล่ามที่ได้รับแรงบันดาลใจคนนี้มีเทคนิคการเล่นที่ยอดเยี่ยม ตอนนี้มีของขวัญหายากสำหรับวิธีการสร้างสรรค์ในเนื้อหา หนึ่งในไม่กี่ชิ้นนี้ เขาสามารถนำประกายไฟของพระเจ้ามาสู่งานของเบโธเฟนเพื่อเผยให้เห็นสิ่งที่หายาก " เสียงนรก" ของ Mozart เพื่อเล่นเนื้อหาที่คุ้มค่าเพื่อให้ผู้ชมที่เบื่อหน่ายค้นพบท่วงทำนองที่เล่นเป็นพัน ๆ ครั้งในศูนย์รวมที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

ตอนนี้ในรัสเซียมีผู้เชี่ยวชาญจำนวนมากที่สามารถแสดงระดับสูงได้ อย่างไรก็ตาม ไม่ด้อยกว่าเพื่อนร่วมงานที่มีชื่อเสียง Lugansky ยังคงเป็นปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครในดนตรีรัสเซีย

คุณสามารถเล่นคลาสสิกได้หลายวิธี: แต่ละโรงเรียน - ฝรั่งเศส เยอรมัน อิตาลี - เสนอวิธีแก้ปัญหาสูงของเสียงที่เป็นเอกลักษณ์

แต่นักเปียโนที่เก่งกาจอย่างแท้จริงทุกคน "สร้างคลาสสิกของตัวเอง" ซึ่งเป็นหลักฐานของอัจฉริยะ Nikolai Lugansky ในช่วงเริ่มต้นอาชีพนักดนตรีของเขาถูกเรียกว่า "นักเปียโน Richter" จากนั้นเขาก็ถูกเปรียบเทียบกับ Alfred Corto

Nikolai Lugansky ยังคงเป็นปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครในดนตรีรัสเซีย

นักเปียโนชื่อดังชาวรัสเซีย นักดนตรีคลาสสิก

Evgeny Igrevich Kisin เกิดในปี 1971

ตอนอายุ 6 ขวบเขาเข้าเรียนที่โรงเรียนดนตรีกเนสซิน ครูคนแรกและคนเดียวคือ Anna Pavlovna Kantor

ในขั้นต้น เมื่อเป็นเด็กอัจฉริยะ เขาแสดงภายใต้ชื่อ Zhenya Kisin ตอนอายุ 10 ขวบ เขาปรากฏตัวครั้งแรกกับวงออเคสตรา แสดงคอนแชร์โต้ครั้งที่ 20 ของโมสาร์ท หนึ่งปีต่อมาเขาได้แสดงคอนเสิร์ตเดี่ยวครั้งแรกของเขา ในปี 1984 (อายุ 12 ปี) เขาได้แสดง Chopin Concerts 1 และ 2 สำหรับเปียโนและวงออเคสตราที่ Great Hall of the Moscow Conservatory

ในปี 1985 Evgeny Kissin เดินทางไปต่างประเทศด้วยคอนเสิร์ตครั้งแรกในปี 1987 เขาได้เดบิวต์ในยุโรปตะวันตกที่เทศกาลเบอร์ลิน ในปี 1988 เขาได้แสดงร่วมกับ Herbert von Karajan ในคอนเสิร์ตปีใหม่ของ Berlin Philharmonic Orchestra โดยแสดงคอนแชร์โต้ที่ 1 ของไชคอฟสกี

ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2533 คิสซินเปิดตัวในสหรัฐฯ ซึ่งเขาได้แสดงโชแปงคอนแชร์โตส 1 และ 2 ร่วมกับวงออร์เคสตรานิวยอร์กฟิลฮาร์โมนิกภายใต้กระบองของซูบินเมตา หนึ่งสัปดาห์ต่อมา นักดนตรีบรรยายที่ Carnegie Hall ในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2535 คิสซินมีส่วนร่วมในรางวัลแกรมมี่อวอร์ดในนิวยอร์ก ออกอากาศแก่ผู้ชมประมาณหกร้อยล้านคน ในเดือนสิงหาคม 1997 เขาได้แสดงบรรยายในเทศกาล Proms ใน Albert Hall ของลอนดอน ซึ่งเป็นการบรรเลงเปียโนยามเย็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์กว่า 100 ปีของเทศกาล

คิสซินจัดกิจกรรมคอนเสิร์ตอย่างเข้มข้นในยุโรป อเมริกา และเอเชีย สะสมยอดจำหน่ายจนหมด แสดงร่วมกับวงออเคสตราชั้นนำของโลกภายใต้การดูแลของวาทยกร เช่น Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazi, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seidzi Ozava, Yevgeny Svetyrtropov , Georg Solti และ มาริส แจนสันส์; พันธมิตรเพลงแชมเบอร์ของคิสซิน ได้แก่ Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalia Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern และอื่น ๆ

Yevgeny Kisin ยังแสดงบทกวีตอนเย็นในภาษายิดดิชและรัสเซีย คอมแพคดิสก์ที่มีการบันทึกงานกวีนิพนธ์ร่วมสมัยในภาษายิดดิชแสดงโดยอี. คิสซิน "Af di keyboard fun yidischer กวีนิพนธ์" (บนกุญแจของกวีนิพนธ์ยิว) ออกจำหน่ายในปี พ.ศ. 2553 ตามที่คิสซินบอก เขามีอัตลักษณ์ที่เข้มแข็งของชาวยิวมาตั้งแต่เด็ก และโพสต์เนื้อหาที่สนับสนุนอิสราเอลบนเว็บไซต์ส่วนตัวของเขา

นักเปียโนชาวรัสเซีย บุคคลสาธารณะ ศิลปินประชาชนรัสเซีย

Denis Leonidovich Matsuev เกิดในปี 1975

Denis Matsuev ใช้เวลาในวัยเด็กของเขาในบ้านเกิดของอีร์คุตสค์ เด็กชายเกิดในครอบครัวที่มีความคิดสร้างสรรค์ เรียนดนตรีตั้งแต่อายุยังน้อย ก่อนอื่นเขาไปที่โรงเรียนรวมของเมืองหมายเลข 11 ซึ่งตั้งชื่อตาม V.V. Mayakovsky และในเวลาเดียวกันก็เริ่มเข้าเรียนที่โรงเรียนศิลปะท้องถิ่น ตอนอายุสิบหก Denis Matsuev เข้าเรียนที่วิทยาลัยดนตรีอีร์คุตสค์ อย่างไรก็ตาม เขาตระหนักได้อย่างรวดเร็วว่าพรสวรรค์ของเขาจำเป็นต้องได้รับการฝึกฝนให้ละเอียดยิ่งขึ้น ที่สภาครอบครัวตัดสินใจย้ายไปเมืองหลวง ผู้ปกครองเข้าใจว่าลูกชายที่มีความสามารถอาจมีชีวประวัติที่สร้างสรรค์ที่ประสบความสำเร็จอย่างมาก Denis Matsuev ย้ายไปมอสโคว์ในปี 1990

ในปี 1991 เขาได้รับรางวัลจากมูลนิธิการกุศลสาธารณะระหว่างประเทศที่เรียกว่า "ชื่อใหม่" ด้วยเหตุนี้ ในวัยหนุ่มของเขา เขาได้ไปเยือนมากกว่าสี่สิบประเทศทั่วโลกด้วยการแสดงคอนเสิร์ต บุคคลที่สำคัญที่สุดมาฟังการละเล่นของผู้มีพรสวรรค์ ได้แก่ ราชินีอังกฤษ สมเด็จพระสันตะปาปา และคนอื่นๆ ในปีพ. ศ. 2536 Denis Matsuev สามารถเข้าสู่มอสโกได้ ควบคู่ไปกับการแสดงในรายการของมูลนิธิสาธารณะชื่อใหม่ซึ่งอยู่ภายใต้การดูแลของ Svyatoslav Belz ผู้อุปถัมภ์ของเดนิส ในปี 1995 ศิลปินได้รับการยอมรับว่าเป็นศิลปินเดี่ยวที่ Moscow State Philharmonic สิ่งนี้ทำให้ Denis Leonidovich สามารถขยายขอบเขตของกิจกรรมคอนเสิร์ตของเขาได้

เมื่อรวมกับชัยชนะในการแข่งขันระดับนานาชาติครั้งที่ 11 ซึ่งตั้งชื่อตาม Pyotr Ilyich Tchaikovsky นักดนตรีก็กลายเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ชีวประวัติของเขาประดับประดาด้วยเหตุการณ์ที่เป็นเวรเป็นกรรมในปี 2541 Denis Matsuev ได้กลายเป็นหนึ่งในนักเปียโนที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโลก การแสดงอัจฉริยะของเขาทำให้เกิดเสียงก้องกังวานอย่างมากในโลก ศิลปินเริ่มได้รับเชิญให้เข้าร่วมงานอันทรงเกียรติที่สุด ตัวอย่างเช่น เขาแสดงในพิธีปิดการแข่งขันกีฬาโอลิมปิกโซซี

ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2547 Denis Matsuev ได้นำเสนอการสมัครสมาชิกส่วนบุคคลเป็นประจำทุกปี วงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราที่ดีที่สุดของรัสเซียและต่างประเทศแสดงร่วมกับนักดนตรี

เขาทำอะไรมากมายเพื่อประเทศของเขา ในความพยายามที่จะปลูกฝังให้ผู้คนรักในเสียงดนตรี ศิลปินได้จัดงานเทศกาลและการแข่งขันทุกประเภท นอกจากนี้ เขาพยายามที่จะถือพวกเขาในภูมิภาคต่าง ๆ ของรัสเซียเพื่อให้ผู้อยู่อาศัยในประเทศสามารถสัมผัสศิลปะชั้นสูง ได้ยินการแสดงที่ยอดเยี่ยมของผลงานดนตรีที่ดีที่สุด

โดยสรุป เราสรุปทิศทางหลักและแนวโน้มในการพัฒนาศิลปะเปียโนของศตวรรษที่ XXI ในทิศทางอัจฉริยะและมีความหมายของศิลปะเปียโน พบปัจจัยต่อไปนี้ที่มาพร้อมกับการพัฒนา: การวางแนวไปสู่คุณภาพและสุนทรียศาสตร์ของการบันทึกเสียง การเพิ่มการแสดงออกของการผันโทนเสียง การขยายความเป็นไปได้ในด้านของ agogics และเสียงต่ำ จังหวะที่ช้าลง และระดับไดนามิกเฉลี่ยของประสิทธิภาพที่ลดลง การโพลิโฟไนเซชันของเท็กซ์เจอร์ ปัจจัยเหล่านี้มีส่วนทำให้ความลึกและการต่ออายุด้านเนื้อหาของการแสดงมีความทันสมัย นอกจากนี้ การแสดงคอนเสิร์ตเปียโนยังได้รับการปรับปรุงเนื่องจากมีการค้นพบผลงานศิลปะชั้นสูงใหม่ๆ ที่ไม่เคยมีใครชื่นชมมาก่อน

อย่างไรก็ตาม มันเป็นลักษณะทั่วไปและความหมายของน้ำเสียงที่เป็นกระแสหลักในการพัฒนาศิลปะเปียโนของศตวรรษที่ 21

รายชื่อนักเปียโนที่แสดงเปียโนให้แรงบันดาลใจแทบไร้ขีดจำกัด เป็นเวลาสามศตวรรษแล้วที่นักดนตรีเปียโนสร้างความสุขให้ผู้ฟังและเป็นแรงบันดาลใจให้พวกเขาหาประโยชน์ในโลกแห่งดนตรี

ไม่ว่านักดนตรีจะอยู่ในช่วงเวลาไหน ไม่ใช่แค่พรสวรรค์ของเขาเท่านั้นที่ทำให้เขายอดเยี่ยม แต่ยังรวมไปถึงการละลายของดนตรีด้วย !!!

PSหลังจากศึกษาวรรณกรรมในประเด็นนี้แล้ว เราได้ข้อสรุปว่าการพัฒนาโรงเรียนสอนเปียโนตั้งแต่เริ่มก่อตั้งจนถึงยุคของเรานั้นเกิดจากความเก่งกาจทางจิตวิญญาณของบุคลิกภาพของอาจารย์ และการค้นหาการสอนเป็นพื้นฐานที่สร้างสรรค์และอันที่จริงแล้ว แรงจูงใจในการสร้างสรรค์ นักการศึกษานักดนตรีที่ก้าวหน้าสนับสนุนทุกสิ่งที่พวกเขาเห็นว่ามีค่าในงานศิลปะ อุดมการณ์ของพลเมืองสูง อนาคตมิชชันนารีของความคิดสร้างสรรค์

ความคิดของนักดนตรี-นักแสดงและครูผู้สอนหลักมักมุ่งเป้าไปที่การพัฒนาหลักการสอนที่สอดคล้องกับแนวคิดของงานการแสดง สิ่งนี้กำหนดเนื้อหาของงานทางวิทยาศาสตร์ที่อุทิศให้กับการเล่นเครื่องดนตรีเป็นส่วนใหญ่

บทความเก่าของยุค clavier พูดถึงการแต่งเพลง เทคนิคการด้นสดและการเรียบเรียงดนตรี การนั่งที่เครื่องดนตรี การใช้นิ้ว และกฎของเกม ทั้งหมดนี้อธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่านักแสดงเป็นนักแต่งเพลงในยุคพรีเปียโน โดยแนะนำให้ผู้ฟังรู้จักงานของเขาเองและมีทักษะในการด้นสด อาชีพนักแสดง-ล่าม (แต่ไม่ใช่นักแต่งเพลง) ในช่วงหลายปีที่ผ่านมายังไม่ถูกแยกออกเป็นกิจกรรมสร้างสรรค์ของนักดนตรีรูปแบบพิเศษ เฉพาะในศตวรรษที่ 19 พร้อมกับการขึ้นสู่สวรรค์ของเครื่องดนตรีใหม่บนเวทีคอนเสิร์ต - เปียโน - และความกระตือรือร้นในความสามารถพิเศษในการเล่น นักดนตรี นักแต่งเพลง นักแสดง และครูผู้สอนก็ค่อยๆ สอนให้เล่นเครื่องดนตรีนี้

เนื้อหาของผลงานทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับศิลปะดนตรีก็เปลี่ยนแปลงไปในหลายๆ ด้านเช่นกัน ในการศึกษา ตำรา และงานเกี่ยวกับวิธีการสอนต่างๆ จะไม่มีการพิจารณาประเด็นทั้งหมดที่เกี่ยวข้องกับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรี การแสดง และการสอนอีกต่อไป ธีมของแต่ละงานเป็นเพียงสาขาวิชาดนตรีเท่านั้น ผู้เขียนหนังสือเกี่ยวกับศิลปะของเปียโนส่วนใหญ่สนใจประเด็นของการเรียนรู้เทคนิคการเล่นเปียโนเป็นหลัก และงานระเบียบวิธีและสื่อการสอนส่วนใหญ่ก็ทุ่มเทให้กับหัวข้อเหล่านี้ ดังนั้น เป็นเวลาหลายปีแล้วที่งานเชิงทฤษฎีเกี่ยวกับการแสดงเปียโนจึงลดลงเหลือเพียงปัญหาในการสร้างวิธีการเล่นที่มีเหตุผล ทำให้สามารถบรรลุเทคนิคอัจฉริยะได้ เฉพาะในปลายศตวรรษที่ 19 และ 20 เท่านั้นที่นักดนตรีที่มีชื่อเสียงได้หันไปใช้ประเด็นทางศิลปะของศิลปะการแสดง ซึ่งกำหนดงานการตีความ การทำความเข้าใจสไตล์และเนื้อหาของงานดนตรี คำถามเกี่ยวกับเทคนิคการเล่นเปียโนก็เกี่ยวข้องกับปัญหาเหล่านี้เช่นกัน เป้าหมายที่สำคัญที่สุดของครูคือการศึกษาของนักดนตรีซึ่งศิลปะการแสดงไม่ใช่การสาธิตทักษะทางเทคนิค แต่เป็นความสามารถในการถ่ายทอดความหมายภายในสุดของงานศิลปะในรูปแบบการแสดงออกที่เป็นรูปเป็นร่าง

คนรักดนตรีคลาสสิกทุกคนสามารถตั้งชื่อเพลงโปรดของเขาได้

การแสดงเดี่ยวของ Alfred Brendel ได้รับการประกาศในวันที่ 30 มิถุนายนที่คอนเสิร์ตฮอลล์ของโรงละคร Mariinsky ไม่พบคอนเสิร์ตนี้บนเว็บไซต์ทางการของนักเปียโน แต่มีวันที่สำหรับคอนเสิร์ตมอสโกที่จะเกิดขึ้นซึ่งจะจัดขึ้นในวันที่ 14 พฤศจิกายน อย่างไรก็ตาม Gergiev โดดเด่นด้วยความสามารถของเขาในการแก้ปัญหาที่แก้ไม่ได้

อ่านเพิ่มเติม:

Martha Argerich จะใช้เวลาในเดือนมิถุนายนนี้ตามปกติในเมือง Lugano ของสวิส ซึ่งจะจัดงานเทศกาลดนตรีของเธอเอง โปรแกรมและผู้เข้าร่วมเปลี่ยนไป สิ่งหนึ่งที่ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง: ทุกเย็น Argerich เองก็มีส่วนร่วมในการแสดงผลงานชิ้นหนึ่ง ในเดือนกรกฎาคม Argerich ยังแสดงในยุโรป: ไซปรัส เยอรมนี และสวิตเซอร์แลนด์

ในมอสโก Marc-André Hamen ดำเนินการเมื่อเดือนมีนาคมปีนี้โดยเป็นส่วนหนึ่งของการสมัครรับข้อมูลเดียวกันกับ Maurizio Pollini ในเดือนมิถุนายน Amlen ได้ไปเที่ยวยุโรป ตารางงานของเขารวมถึงการบรรยายในโคเปนเฮเกนและบอนน์และการแสดงในงานเทศกาลในนอร์เวย์

ในเดือนมิถุนายน Evgeny Kissin ได้ไปเที่ยวสวิตเซอร์แลนด์ ออสเตรีย และเยอรมนีกับ Kremerata Baltica Orchestra โดยเล่นคอนเสิร์ตครั้งที่ 20 และ 27 ของ Mozart ทัวร์ครั้งต่อไปมีกำหนดในเดือนตุลาคม: ในแฟรงค์เฟิร์ตมิวนิกปารีสและลอนดอน Kissin จะมาพร้อมกับ Dmitry Hvorostovsky

มิถุนายน Arkady Volodos เริ่มต้นด้วยการแสดงในปารีส ในฤดูร้อนเขาสามารถได้ยินใน Salzburg, Rheingau, Bad Kissingen และ Oslo รวมถึงในเมือง Dusniki เล็ก ๆ ของโปแลนด์ในเทศกาล Chopin แบบดั้งเดิม

ในปี 1999 Pogorelich หยุดแสดง ว่ากันว่าเหตุผลนี้เป็นอุปสรรคที่นักเปียโนถูกบังคับในฟิลาเดลเฟียและลอนดอนโดยผู้ฟังที่ไม่พอใจ ตามเวอร์ชั่นอื่นการตายของภรรยาของเขากลายเป็นสาเหตุของภาวะซึมเศร้าของนักดนตรี Pogorelich เพิ่งกลับมาที่เวทีคอนเสิร์ต แต่เขาไม่ค่อยได้แสดงมากนัก

ตำแหน่งสุดท้ายในรายการคือตำแหน่งที่กรอกยากที่สุด ท้ายที่สุด ยังมีนักเปียโนที่เก่งกาจเหลืออยู่มากมาย: ชาวโปแลนด์ คริสเตียน ซิมเมอร์แมน, อเมริกัน เมอร์เรย์ เพอราเอีย, มิทสึโกะ อุชิดะ ชาวญี่ปุ่น, คุน วู เป็ก ชาวเกาหลี หรือหล่าวหลางของจีน Vladimir Ashkenazy และ Daniel Barenboim ดำเนินอาชีพต่อไป คนรักดนตรีทุกคนจะตั้งชื่อเพลงที่พวกเขาชื่นชอบ ดังนั้นให้ว่างหนึ่งในสิบอันดับแรก

คุณสามารถอยู่กับดนตรีได้ แต่อย่าสร้างโชคจากความสามารถของคุณ แต่คนเหล่านี้ - นักเปียโนที่ร่ำรวยที่สุดในโลก - สามารถบุกเข้าไปในกลุ่มชนชั้นสูงได้ นอกจากนี้ ทุนของพวกเขาอยู่ที่ประมาณหลายล้านดอลลาร์ เหล่านี้เป็นดาราที่แท้จริง เชี่ยวชาญในการเล่นเปียโน การแสดงในการแสดงและการจัดคอนเสิร์ตที่ยิ่งใหญ่ การเขียนเพลงด้วยตัวเองหรือเพียงแค่ใส่จิตวิญญาณทั้งหมดลงในเครื่องดนตรี

นักดนตรีและนักแสดง

Briton Jules Holland (ชื่อเต็ม - Julian Miles Holland) ผสมผสานอาชีพนักดนตรีกับงานในวงการโทรทัศน์ได้อย่างลงตัว นักแต่งเพลงและนักแสดง เขาทำงานที่ผับในลอนดอนและได้รับเงินของตัวเอง นอกจากนี้ เขายังแสดงเสียงที่ดีและสไตล์การร้องเพลงของเขาเอง ดังนั้นนี่จึงกลายเป็นข้อได้เปรียบเพิ่มเติมของนักแสดงรุ่นเยาว์ เขาได้ออกอัลบั้มหลายอัลบั้ม โดยร่วมมือกับ Sting และ George Harrison, David Gilmour และ Eric Clapton, Bono และ Mark Knopfler การแสดงทั่วโลกทำให้ Jules มีมูลค่าสุทธิ 2 ล้านเหรียญ

Michael Feinstein นักร้องและนักเปียโนชาวอเมริกันมอบการแสดงมากกว่าสองร้อยรายการต่อปี ความหลงใหลในเปียโนเกิดขึ้นในวัยเด็ก พ่อแม่ของเขาส่งลูกชายไปเรียนดนตรี จากนั้นเขาก็พบว่าเขาสามารถเล่นได้โดยไม่ต้องจดโน้ตต่อหน้าต่อตา เมื่ออายุ 20 ปี เขาก็เหมือน Jules ที่ให้ความบันเทิงกับผู้คนในบาร์ และจากนั้นเขาก็โชคดีที่ได้เข้าร่วมโครงการที่ยิ่งใหญ่ เขาบันทึกคอลเลกชันแผ่นเสียงมากมาย (ผลงานของ Ira Gershwin) งานนี้ใช้เวลา 6 ปี ในเวลาเดียวกันนักดนตรีแสดงที่บรอดเวย์ ต่อมาคือ Carnegie Hall, Sydney Opera House, White House และ Buckingham Palace - ทุกที่ที่ Michael แสดงคอนเสิร์ตครั้งใหญ่ เป็นผลให้โชคลาภของ Feinstein เท่ากับ 10 ล้านเหรียญ

นักเปียโนที่มีพรสวรรค์ - "นักเปียโนหลายคน"

รายชื่อนักเปียโนที่ร่ำรวยที่สุดยังรวมถึงชาวสหภาพโซเวียต - Regina Spektor เธอเกิดที่มอสโคว์ในครอบครัวนักดนตรี ต่อมาพ่อแม่ (ที่ให้บทเรียนแรกกับเด็กผู้หญิง) ย้ายไปอเมริกา ที่นั่นเธอเริ่มเล่นเปียโนในธรรมศาลา Regina ศึกษากับ Sonya Vargas เขียนเพลงและจบการศึกษาจากเรือนกระจกในภายหลัง ในปี 2544 อัลบั้มแรกของหญิงสาวได้รับการปล่อยตัวเมื่อสามปีต่อมาเธอได้ทำสัญญากับ Sire Records แล้ว ความสนใจของ Regina มีความหลากหลาย: ไม่เพียงแต่ดนตรีคลาสสิกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีพื้นบ้าน, พังค์, ฮิปฮอป, ร็อค, แจ๊ส, รัสเซียและยิวด้วย ทัวร์และการบันทึกนำนักเปียโนมา 12 ล้านเหรียญ

Sara Barellis อายุ 35 ปีของ Spector เริ่มต้นจากการเป็นสมาชิกคณะนักร้องประสานเสียงของโรงเรียน จากนั้นจึงย้ายไปยังกลุ่มนักดนตรีที่เชี่ยวชาญด้านการร้องเพลงแคปเปลลา ในฐานะนักเรียน Sarah ทำงานในไนท์คลับและบาร์ และต่อมาก็เริ่มแสดงในงานเทศกาลและสถานที่ขนาดใหญ่ แผ่นดิสก์เปิดตัวของ Barellis ได้รับการยอมรับ ในไม่ช้าเธอก็เซ็นสัญญากับ Epic Records อาชีพของเธอขึ้นเขา - และตอนนี้ Sarah ได้เดินทางไปทั่วอเมริกา สไตล์ของเธอคือเปียโนร็อคที่ได้รับอิทธิพลจากแจ๊สและโซล เธอไม่เพียงแต่เป็นเจ้าของเปียโนเท่านั้น แต่ยังเป็นเจ้าของกีตาร์ ฮาร์โมเนียม และอูคูเลเล่อีกด้วย คอนเสิร์ต คลอคู่กับเชอร์ริล โครว์และนอราห์ โจนส์ การแสดงให้กับครอบครัวโอบามา แขกรับเชิญในรายการทีวี อัลบั้ม และซิงเกิ้ลทำเงินได้ 16 ล้านดอลลาร์ซาร่าห์

ปรากฏการณ์เอเชีย

และนี่คือนักเปียโนคลาสสิก - หนึ่งในนักเปียโนที่ร่ำรวยที่สุดใน "ขบวนพาเหรดฮิต" ของเรา - ตัวแทนของ China Lan Lan เขาที่อายุน้อยที่สุดในการจัดอันดับได้รับชื่อเสียง (และ 20 ล้านดอลลาร์) ค่อนข้างเร็ว การเผชิญหน้าครั้งแรกของเขากับดนตรีตะวันตกนั้นเป็นส่วนหนึ่งของซีรีส์ลัทธิ Tom and Jerry (ที่ซึ่งเหล่าฮีโร่ทำการแสดง Hungarian Rhapsody No. 2 โดย Franz Liszt) เขาจบการศึกษาจากโรงเรียนสอนดนตรีและหลังจากชัยชนะหลายครั้งในการแข่งขันก็ถือเป็นนักเปียโนที่ดีที่สุดในประเทศ เมื่ออายุ 14 ปี Lang Lang ย้ายไปฟิลาเดลเฟียและเข้าเรียนที่สถาบันดนตรีเคอร์ติส สัญญา 3 ล้านฉบับกับ Sony, คอนเสิร์ตสำหรับผู้นำระดับโลก, ทัวร์ในยุโรป, สหรัฐอเมริกา และเอเชีย ทำให้เขาเป็นที่ชื่นชอบในระดับสากลและอนุญาตให้เขาเข้าสู่บุคคลที่ทรงอิทธิพลที่สุดหลายร้อยคนบนโลกใบนี้ตามข้อมูลของ Forbes

ผู้เรียบเรียง ด้นสด โปรดิวเซอร์

นักแต่งเพลง, นักแสดง, โปรดิวเซอร์เพลง, ผู้เรียบเรียง, ผู้จัดงานวงดนตรีในชื่อของเขาเอง, Yanni Chrysomallis เกิดในกรีซ แต่ตอนนี้อาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกา เขาไม่ได้ตัดสินใจทันทีว่าดนตรีคือสิ่งสำคัญในชีวิตของเขา ในขั้นต้น Yanni เข้าสู่คณะจิตวิทยาที่มหาวิทยาลัยมินนิโซตาและที่นั่นเขาเริ่มเรียนรู้ที่จะเล่นคีย์บอร์ดที่นั่น การรับรู้ครั้งแรกเกิดขึ้นกับเขาในการทัวร์ปี 2531-2532 เมื่อเขาแสดงร่วมกับดัลลัสซิมโฟนีออร์เคสตรา หลังจากนั้น Yanni ได้สร้างอาชีพที่น่าทึ่งด้วยการแสดงคอนเสิร์ต รางวัลเพลง และการบันทึกที่ไม่ซ้ำใครมากมาย ทุนของ Chrysomallis วันนี้คือ 40 ล้านเหรียญ

หัวหน้าทีมลา สกาลา

Daniel Barenboim ผู้กำกับละครเพลงในตำนาน Teatro alla Scala วัย 72 ปี มีเชื้อสายรัสเซีย พ่อแม่ของเขาย้ายจากสหภาพโซเวียตไปอาร์เจนตินาซึ่งแดเนียลเติบโตขึ้นมา เด็กชายที่มีพรสวรรค์แสดงคอนเสิร์ตครั้งแรกเมื่ออายุ 7 ขวบ (พ่อและแม่ของเขาเป็นนักเปียโนและสอนลูกชาย) อาชีพที่สร้างสรรค์ของนักดนตรีนั้นน่าทึ่งมาก: เขากำกับ Chicago Symphony Orchestra, Paris Orchestra, Berlin State Opera เขาเป็น Chevalier กิตติมศักดิ์ของ Order of the British Empire, Order of the Legion of Honor เจ็ดครั้งได้รับรางวัลแกรมมี่ . โชคลาภของนักเปียโนอยู่ที่ประมาณ 50 ล้านดอลลาร์

นักแต่งเพลงภาพยนตร์ที่ได้รับรางวัลมากที่สุด

จอห์น วิลเลียมส์ นักแต่งเพลงภาพยนตร์ที่มีชื่อเสียงและโด่งดังที่สุดก็เป็นหนึ่งในนักเปียโนที่ร่ำรวยที่สุดในโลก ทุน 100 ล้าน, รางวัลออสการ์ 5 รางวัล (และ 49 รางวัล), 21 แกรมมี่, 4 รางวัลลูกโลกทองคำ และรางวัลอื่นๆ อีกมากมาย - นี่สำคัญมาก! วิลเลียมส์เขียนเพลงให้กับภาพยนตร์ของสตีเวน สปีลเบิร์กทุกเรื่องและผลงานชิ้นเอกของจอร์จ ลูคัส รวมถึงสตาร์ วอร์สและซีรีส์อินเดียนา โจนส์ จอห์นเริ่มต้นจากการเป็นนักเปียโนแจ๊สในคลับนิวยอร์ก เขาเริ่มเขียนเพลงสำหรับภาพยนตร์ในปี 1960 ตั้งแต่นั้นมาเขาก็ได้รับตำแหน่งนักแต่งเพลงภาพยนตร์ที่โด่งดังที่สุดตลอดกาล

ตำนานเพลง

บรรทัดที่สองของการจัดอันดับนักเปียโนที่ร่ำรวยที่สุดของเรานั้นถูกครอบครองโดย Billy Joel "มูลค่าสุทธิ" ของมันคือ 160 ล้านเหรียญ นักดนตรี นักร้อง นักแต่งเพลง วิลเลียม มาร์ติน โจเอล เติบโตขึ้นมาในครอบครัวนักดนตรี พ่อของเขาเป็นนักเปียโนคลาสสิก และเขาก็กลายเป็นครูของลูกชาย บิลลี่เล่นเปียโนในขณะที่ยังเรียนอยู่เพื่อช่วยแม่หาเงิน หลังจากนั้นเขาก็ลงทะเบียนเรียนที่มหาวิทยาลัยโคลัมเบีย อัลบั้มเดี่ยวชุดแรก "Cold Spring Harbor" เป็นหายนะอย่างสมบูรณ์ แต่มีบางเพลงที่เล่นทางวิทยุ และ Joel สามารถเซ็นสัญญากับ "Columbia Records" หลังจากนั้นทุกอย่างก็ราบรื่น

ผู้นำของการจัดอันดับนั้นรวยมาก - 440 ล้านดอลลาร์ เขาเริ่มสนใจเปียโนตั้งแต่อายุสามขวบและเรียนเปียโนตอนอายุเจ็ดขวบ ในไม่ช้าเด็กชายก็สามารถได้รับทุนการศึกษาจาก Royal Academy of Music ในระหว่างการศึกษาเขาได้แสดงในผับใกล้เคียง ผู้คนจากถนนรอบๆ ทั้งหมดต่างพากันมาที่นี่เพื่อฟังเด็กชาย นักเปียโนรุ่นเยาว์กลายเป็นร็อคสตาร์ ได้รับแฟนเพลงมากมาย พิชิตเวทีนับพัน ร้องเพลงคู่กับนักร้องที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล อัลบั้มที่บันทึกไว้ ได้รับรางวัลมากมาย ยังไม่ได้เดาเลยว่าใคร? นักเปียโนที่ร่ำรวยที่สุด (และมีความสามารถมากที่สุดในโลก) เอลตัน จอห์น

เชี่ยวชาญการแสดงเปียโนในงานดนตรี

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจคือสำหรับอาชีพนักเปียโน สิ่งสำคัญอย่างยิ่งคือต้องเริ่มทำดนตรีตั้งแต่อายุยังน้อย ซึ่งก็คืออายุประมาณสามถึงสี่ขวบ จากนั้นฝ่ามือจะมีรูปร่าง "กว้าง" ซึ่งในอนาคตจะช่วยให้เล่นได้อย่างเชี่ยวชาญ

ขึ้นอยู่กับยุคของการพัฒนาดนตรีเปียโน บางครั้งความต้องการที่ตรงกันข้ามกับไดอะเมทริกก็ถูกหยิบยกขึ้นมาสำหรับนักเปียโน นอกจากนี้อาชีพของนักดนตรีย่อมตัดกับอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ นักเปียโนส่วนใหญ่แต่งเพลงสำหรับเปียโนเอง และมีเพียงอัจฉริยะที่หายากเท่านั้นที่สามารถมีชื่อเสียงได้โดยการแสดงท่วงทำนองของคนอื่นโดยเฉพาะ

ไม่ว่าในกรณีใด นักเปียโนจะต้องมีความจริงใจและมีอารมณ์ เช่นเดียวกับนักดนตรีคนอื่นๆ สิ่งสำคัญคือต้องสามารถละลายในเพลงที่เขาแสดงได้ ตามที่ Harold Schonberg นักวิจารณ์ดนตรีชื่อดังกล่าว นี่ไม่ใช่เพียงเครื่องดนตรี แต่เป็นวิถีชีวิต ซึ่งหมายความว่าความหมายของชีวิตของนักเปียโนไม่ใช่แค่ดนตรี แต่เป็นดนตรีเพื่อเห็นแก่เปียโน

Mozart, Liszt และ Rachmaninoff - คลาสสิกของศิลปะเปียโน

ประวัติดนตรีเปียโนค่อนข้างน่าสนใจ มีความโดดเด่นหลายขั้นตอนซึ่งแต่ละขั้นตอนมีประเพณีของตัวเอง บ่อยครั้งที่ศีลของยุคนั้นถูกกำหนดโดยหนึ่ง (น้อยกว่าหลายฉบับ) ซึ่งเชี่ยวชาญในการเล่นเครื่องดนตรี (ในตอนแรกมันเป็นฮาร์ปซิคอร์ดและต่อมาคือเปียโนเท่านั้น)

ดังนั้นการแยกแยะสามยุคในประวัติศาสตร์ของเปียโนจึงได้รับการตั้งชื่อตามนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่ Mozart, Liszt และ Rachmaninoff หากเราใช้คำศัพท์ดั้งเดิมของนักประวัติศาสตร์ สิ่งเหล่านี้คือยุคของลัทธิคลาสสิก จากนั้นเป็นแนวโรแมนติกและสมัยใหม่ในยุคแรกตามลำดับ

นักเปียโนชื่อดังแห่งศตวรรษที่ 18-19

ในแต่ละช่วงเวลา นักเปียโนคนอื่นๆ ก็ทำงานเช่นกัน หลายคนยังเป็นนักแต่งเพลงและทิ้งร่องรอยที่ลบไม่ออกในประวัติศาสตร์ดนตรีเปียโน เหล่านี้เป็นสองในสาม "คลาสสิกแบบเวียนนา" ชูเบิร์ตและเบโธเฟน, ชาวเยอรมันบราห์มส์และชูมันน์, ขั้วโลกโชแปงและชาวฝรั่งเศส Charles Valentin Alcan

โยฮันเนส บราห์มส์

ในช่วงเวลานี้ นักเปียโนส่วนใหญ่จำเป็นต้องสามารถด้นสดได้ อาชีพนักเปียโนเกี่ยวข้องกับการแต่งเพลงอย่างใกล้ชิด และแม้ในขณะที่แสดงผลงานของผู้อื่น การตีความของเขาเอง การตีความโดยเสรี ก็ถือว่าถูกต้อง วันนี้การแสดงดังกล่าวจะถือว่าไร้รสชาติ ไม่ถูกต้อง แม้จะไม่เหมาะสม

นักเปียโนชื่อดังแห่งศตวรรษที่ 20 และ 21

ศตวรรษที่ 20 - ความมั่งคั่งของศิลปะเปียโน ช่วงเวลานี้เต็มไปด้วยนักเปียโนที่มีความสามารถและโดดเด่นเป็นพิเศษ

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 Hoffmann และ Korto, Schnabel และ Paderewski กลายเป็นที่รู้จัก และโดยธรรมชาติแล้ว รัคมานินอฟ อัจฉริยะแห่งยุคเงิน ซึ่งสร้างยุคใหม่ไม่เพียงแค่ดนตรีเปียโนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวัฒนธรรมโลกโดยทั่วไปด้วย

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เป็นยุคของนักเปียโนที่มีชื่อเสียงเช่น Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff ...

Svyatoslav Richter

นักเปียโนที่โดดเด่นเช่น American Van Cliburn ซึ่งได้รับรางวัลคนแรกของการแข่งขัน International Tchaikovsky Competition ในปี 1958 ยังคงสร้างสรรค์ดนตรีต่อไปในตอนต้นของศตวรรษที่ 21 เป็นมูลค่าการกล่าวขวัญนักดนตรีที่ชนะการแข่งขันเดียวกันในปีหน้า - นักเปียโนป๊อปยอดนิยม Vladimir Ashkenazi

นักเปียโนที่มีชื่อเสียงที่สุดไม่ใช่ Mozart

หากคุณสำรวจว่าใครคือนักเปียโนที่มีชื่อเสียงที่สุดในประวัติศาสตร์ คนส่วนใหญ่มักจะตอบว่า - โมสาร์ท อย่างไรก็ตาม โวล์ฟกัง อมาเดอุสไม่เพียงแต่เชี่ยวชาญในเครื่องดนตรีนี้เท่านั้น แต่ยังเป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์อีกด้วย

เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าความทรงจำอันเป็นเอกลักษณ์ ความสามารถในการด้นสดอย่างไม่น่าเชื่อ และความสามารถของนักเปียโนผู้ยิ่งใหญ่ได้พัฒนาเพียงเพราะพ่อของอัจฉริยะตัวน้อยเท่านั้น อันเป็นผลมาจากกิจกรรมประจำวันภายใต้การคุกคามของการถูกขังอยู่ในตู้เสื้อผ้าเด็กที่อายุ 4 ขวบสามารถทำงานที่ค่อนข้างซับซ้อนได้อย่างง่ายดายและทำให้คนอื่นประหลาดใจ ไม่น้อยที่มีชื่อเสียงคือ Salieri ปราศจากประกายไฟของอัจฉริยะ คู่ต่อสู้นิรันดร์ของ Mozart ถูกกล่าวหาอย่างไม่ยุติธรรมโดยลูกหลานของเขาในเรื่องการฆาตกรรมที่ไตร่ตรองไว้ล่วงหน้า

ในกรณีส่วนใหญ่นักดนตรีจะกลายเป็นนักแต่งเพลงและประสบความสำเร็จ ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่นักดนตรีอัจฉริยะแทบทุกคนจะกลายเป็นนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงเท่าเทียมกัน แทบไม่มีใครประสบความสำเร็จในการมีชื่อเสียงในฐานะนักแสดงเท่านั้น

นักเปียโนในประเทศ

ประวัติศาสตร์ของดนตรีรู้ตัวอย่างมากมายเมื่อนักเปียโนชื่อดังกลายเป็นที่นิยมมากขึ้นเนื่องจากความสำเร็จอันน่าทึ่งของการสร้างสรรค์ของเขา เป็นเรื่องดีที่รู้ว่าอัจฉริยะเช่นนี้หลายคนเกิดในรัสเซีย Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Tchaikovsky, Stravinsky, Shostakovich เป็นเพียงส่วนเล็ก ๆ ของกาแลคซี่ของนักดนตรีชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ ในบรรดานักแสดงที่มีชื่อเสียงสมัยใหม่ Denis Matsuev สามารถสังเกตได้โดยเฉพาะอย่างยิ่ง - ผู้สืบทอดที่คู่ควรกับประเพณีของโรงเรียนดนตรีรัสเซีย

ใครก็ตามที่เกิดในสหภาพโซเวียตคงจำความสำเร็จของนักแสดงชื่อดังและอัจฉริยะอย่าง Van Cliburn ที่ได้รับในช่วงสงครามเย็น ผู้ชนะการแข่งขัน International Tchaikovsky Competition ครั้งแรก นักเปียโนหนุ่มชาวอเมริกันไม่กลัวที่จะเดินทางมายังประเทศที่ปิดล้อมสังคมตะวันตก คอนแชร์โต้เปียโนครั้งแรกของเขาโดยไชคอฟสกีกลายเป็นอัลบั้มแพลตตินัมชุดแรกในหมู่นักดนตรีคลาสสิก

อย่างไรก็ตาม ประวัติศาสตร์ของนักเปียโนมีสามยุค ซึ่งตั้งชื่อตามนักเปียโนผู้ยิ่งใหญ่ ได้แก่ Mozart, Liszt และ Rachmaninoff ยุคของ Mozart เป็นแบบคลาสสิก ยุคของ Liszt โดดเด่นด้วยแนวโรแมนติกที่ประณีต และยุคของ Rachmaninov จึงเป็นจุดเริ่มต้นของความทันสมัย ไม่ควรลืมว่านักเปียโนผู้ยิ่งใหญ่เช่น Schubert, Bach, Beethoven, Brahms, Chopin ทำงานพร้อมกันกับนักดนตรีที่มีชื่อเสียงเหล่านี้

นักเปียโนร่วมสมัย

บางคนเชื่อว่าความเฟื่องฟูของเปียโนสิ้นสุดลงแล้ว และนักแสดงและนักประพันธ์เพลงร่วมสมัยแทบไม่มีอะไรจะนำเสนอต่อศาลของสาธารณชนที่เอาแต่ใจ อย่างไรก็ตาม Svyatoslav Richter ที่ยอดเยี่ยมทำงานเมื่อปลายศตวรรษที่ผ่านมา โดยทั่วไป ศตวรรษที่ 20 ถือเป็นยุครุ่งเรืองของศิลปะเปียโนโดยผู้เชี่ยวชาญ จุดเริ่มต้นของศตวรรษโดดเด่นด้วยการปรากฏตัวของนักเปียโนผู้ยิ่งใหญ่เช่น Schnabel, Hoffmann, Paderewski, Karto และแน่นอน Rachmaninoff ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ฟังชื่อเช่น Richter, Horowitz, Gilels, Kempff, Rubinstein

Vladimir Ashkenazi และ Denis Matsuev นักเปียโนอัจฉริยะ สร้างความสุขให้แฟนๆ ด้วยความสามารถของพวกเขาในวันนี้ ไม่น่าเป็นไปได้ที่ความสามารถทางดนตรีในศตวรรษที่ 21 จะยากจนในอนาคต