นักดนตรียุคกลาง ต้นฉบับของศตวรรษที่สิบสามเพลงของยุคกลางของการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีครอบคลุมช่วงเวลาตั้งแต่ประมาณ 5 ถึงศตวรรษที่สิบสี่ ... Wikipedia

รวมแนวดนตรีสดและประวัติศาสตร์ที่หลากหลายของดนตรีพื้นบ้าน ยอดนิยม ป๊อป และคลาสสิก ดนตรีคลาสสิกของอินเดียแสดงโดยประเพณีของ Karnataka และ Hindustani ย้อนหลังไปถึง Sama Veda และอธิบายว่าซับซ้อนและหลากหลาย ... Wikipedia

กลุ่มนักดนตรีในดนตรีฝรั่งเศสของมงต์มาตร์เป็นหนึ่งในวัฒนธรรมดนตรียุโรปที่น่าสนใจและมีอิทธิพลมากที่สุด โดยมีต้นกำเนิดมาจาก ... Wikipedia

เนื้อหา 1 ดนตรีพื้นบ้าน 2 ดนตรีคลาสสิก โอเปร่า และบัลเล่ต์ 3 เพลงยอดนิยม ... Wikipedia

บทความนี้เกี่ยวกับสไตล์ดนตรี เกี่ยวกับกลุ่มมุมมองทางปรัชญาดูบทความ New Age ดูเพิ่มเติมที่หมวดหมู่: New Age Music New Age (ยุคใหม่) ทิศทาง: ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ ต้นกำเนิด: แจ๊ส, ชาติพันธุ์, ความเรียบง่าย, ดนตรีคลาสสิก, เพลงเฉพาะ ... Wikipedia

I Music (จากภาษากรีก musike แท้จริงแล้วศิลปะแห่งดนตรี) เป็นรูปแบบศิลปะที่สะท้อนความเป็นจริงและส่งผลกระทบต่อบุคคลผ่านลำดับเสียงที่มีความหมายและจัดเป็นพิเศษ ซึ่งประกอบด้วยโทนเสียงเป็นหลัก ... ... สารานุกรมแห่งสหภาพโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่

- (กรีก moysikn จาก mousa muse) ศิลปะชนิดหนึ่งที่สะท้อนความเป็นจริงและส่งผลกระทบต่อบุคคลผ่านความหมายและจัดเป็นพิเศษในลำดับเสียงของ pitch และ time ซึ่งประกอบด้วยโทนเสียงเป็นหลัก ... ... สารานุกรมดนตรี

ชุดบทความเกี่ยวกับโครเอเชีย ... Wikipedia

ดนตรีเบลเยียมมีต้นกำเนิดมาจากประเพณีดนตรีของชาวเฟลมิงส์ซึ่งอาศัยอยู่ทางตอนเหนือของประเทศ และประเพณีของชาววัลลูนซึ่งอาศัยอยู่ทางตอนใต้และได้รับอิทธิพลจากประเพณีฝรั่งเศส การก่อตัวของดนตรีเบลเยียมเกิดขึ้นในประวัติศาสตร์ที่ซับซ้อน ... ... Wikipedia

หนังสือ

• ภาพประกอบประวัติศาสตร์ศิลปะ สถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม ดนตรี ว. ลอบเก ฉบับตลอดชีพ. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2427 จัดพิมพ์โดย อ.สุวรินทร์ รุ่น 134 ตัวเลข ปกเจ้าของมีสันหนังและมุม ผ้าพันแผลกระดูกสันหลัง เก็บรักษาเป็นอย่างดี ...
• ภาพประกอบประวัติศาสตร์ศิลปะ สถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม ดนตรี (สำหรับโรงเรียน ศึกษาเองและข้อมูล) ลับเกะ ฉบับตลอดชีพ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2427 จัดพิมพ์โดย อ.สุวรินทร์ จองพร้อมภาพวาด 134 แบบ ปกพิมพ์. การเก็บรักษาเป็นอย่างดี น้ำตาเล็กน้อยบนหน้าปก มีภาพประกอบเพียบ ...

การฟื้นฟู.

เพลงบาร็อคตอนต้น (1600-1654)

เพลงบาร็อคผู้ใหญ่ (1654-1707)

ดนตรียุคบาโรกตอนปลาย (ค.ศ. 1707-1760)

เหตุผลก็ครอบงำงานศิลปะเช่นกัน เดนิส ดีเดอโรต์ นักปรัชญาและนักการศึกษาชาวฝรั่งเศสต้องการเน้นย้ำถึงจุดประสงค์อันสูงส่งของศิลปะ บทบาททางสังคมและพลเมืองของศิลปะว่า "งานประติมากรรมหรือภาพวาดทุกชิ้นต้องแสดงออกถึงกฎเกณฑ์อันยิ่งใหญ่ของชีวิต จะต้องสอน"

โรงละครเป็นตำราแห่งชีวิตและชีวิตในเวลาเดียวกัน นอกจากนี้ ในโรงละคร การกระทำนั้นได้รับคำสั่งและวัดผลอย่างสูง มันถูกแบ่งออกเป็นการกระทำและฉากซึ่งในทางกลับกันถูกแยกชิ้นส่วนเป็นแบบจำลองแยกกันสร้างอุดมคติของศิลปะที่เป็นที่รักของศตวรรษที่ 18 ที่ทุกอย่างอยู่ในสถานที่และอยู่ภายใต้กฎหมายเชิงตรรกะ
ดนตรีคลาสสิกเป็นการแสดงละครมาก ดูเหมือนว่าจะเป็นการลอกเลียนศิลปะการละคร เลียนแบบมัน
การแบ่งโซนาตาคลาสสิกและซิมโฟนีออกเป็นส่วนใหญ่ - ส่วนต่างๆ ซึ่งในแต่ละเหตุการณ์จะมี "เหตุการณ์" ทางดนตรีเกิดขึ้น คล้ายกับการแบ่งการแสดงออกเป็นการกระทำและฉาก
ในดนตรีแห่งยุคคลาสสิก โครงเรื่องมักจะถูกบอกเป็นนัย เป็นการกระทำประเภทหนึ่งที่เปิดเผยต่อผู้ชมในลักษณะเดียวกับการแสดงละครที่เปิดเผยต่อผู้ชม
ผู้ฟังเพียงต้องการเปิดจินตนาการและรับรู้ใน "ชุดดนตรี" ของตัวละครตลกคลาสสิกหรือโศกนาฏกรรม
ศิลปะการละครยังช่วยอธิบายการเปลี่ยนแปลงครั้งยิ่งใหญ่ในการแสดงดนตรีที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 ก่อนหน้านี้ สถานที่หลักที่มีเสียงเพลงคือวัด: ในนั้นมีคนอยู่ด้านล่าง ในพื้นที่ขนาดใหญ่ ที่ซึ่งดนตรีดูเหมือนจะช่วยให้เขาเงยหน้าขึ้นมองและอุทิศความคิดของเขาให้กับพระเจ้า ปัจจุบัน ในศตวรรษที่ 18 มีการบรรเลงดนตรีในร้านเสริมสวยของชนชั้นสูง ในห้องบอลรูมของคฤหาสน์ชั้นสูง หรือในจัตุรัสกลางเมือง ผู้ฟังในยุคแห่งการตรัสรู้ดูเหมือนจะจัดการกับดนตรีที่ "อยู่กับคุณ" และไม่ได้สัมผัสกับความสุขและความขี้ขลาดที่เธอเป็นแรงบันดาลใจให้เขาอีกต่อไปเมื่อเธอฟังในวัด
เสียงออร์แกนอันทรงพลังและเคร่งขรึมไม่ได้อยู่ในดนตรีอีกต่อไป บทบาทของคณะนักร้องประสานเสียงลดลง เพลงสไตล์คลาสสิกฟังดูง่าย มีเสียงน้อยกว่ามาก ราวกับว่า "มีน้ำหนักน้อยกว่า" กว่าเพลงหนักที่มีหลายชั้นในอดีต เสียงของออร์แกนและคณะนักร้องประสานเสียงถูกแทนที่ด้วยเสียงซิมโฟนีออร์เคสตรา เพลงบรรเลงที่ไพเราะทำให้ดนตรีเบา จังหวะ และน่าเต้นได้
ต้องขอบคุณความเชื่อที่ไร้ขอบเขตในความเป็นไปได้ของจิตใจมนุษย์และพลังแห่งความรู้ ศตวรรษที่ 18 เริ่มถูกเรียกว่ายุคแห่งเหตุผลหรือยุคแห่งการตรัสรู้
ความมั่งคั่งของลัทธิคลาสสิคมาในยุค 80 ของศตวรรษที่สิบแปด ในปี ค.ศ. 1781 J. Haydn ได้สร้างผลงานที่เป็นนวัตกรรมใหม่ ๆ รวมทั้ง String Quartet, op. 33; รอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าโดย V.A. โมสาร์ทเรื่อง The Abduction from the Seraglio; ละครของ F. Schiller เรื่อง "The Robbers" และ "Critique of Pure Reason" โดย I. Kant ได้รับการตีพิมพ์

ตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของยุคคลาสสิกคือนักประพันธ์เพลงของ Vienna Classical School Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart และ Ludwig van Beethoven... งานศิลปะของพวกเขาชื่นชมความสมบูรณ์แบบของเทคนิคการแต่งเพลง การวางแนวความคิดสร้างสรรค์แบบเห็นอกเห็นใจ และความปรารถนา โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่จับต้องได้ในดนตรีของ W.A.Mozart เพื่อแสดงความงามที่สมบูรณ์แบบด้วยดนตรี

แนวความคิดของโรงเรียนเวียนนาคลาสสิกเกิดขึ้นไม่นานหลังจากการเสียชีวิตของแอล. เบโธเฟน ศิลปะคลาสสิกมีความโดดเด่นด้วยความสมดุลที่ละเอียดอ่อนระหว่างความรู้สึกและเหตุผล รูปแบบและเนื้อหา ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสะท้อนจิตวิญญาณและลมหายใจแห่งยุคนั้น ในยุคบาโรก รัฐของมนุษย์กลายเป็นหัวข้อของการแสดงดนตรี ดนตรีแห่งยุคคลาสสิกเชิดชูการกระทำและการกระทำของบุคคลอารมณ์และความรู้สึกที่ได้รับจากเขาจิตใจของมนุษย์ที่เอาใจใส่และเป็นองค์รวม

ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน (1770-1827)
นักแต่งเพลงชาวเยอรมันซึ่งมักถูกมองว่าเป็นผู้สร้างที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล
งานของเขาเป็นของทั้งความคลาสสิคและความโรแมนติก
Beethoven มีปัญหาในการเขียนไม่เหมือนกับ Mozart รุ่นก่อนของเขา สมุดบันทึกของเบโธเฟนแสดงให้เห็นว่า ทีละขั้นตอน องค์ประกอบที่ยิ่งใหญ่ปรากฏขึ้นจากภาพร่างที่ไม่แน่นอน โดดเด่นด้วยตรรกะที่น่าเชื่อถือของการก่อสร้างและความงามที่หายาก ตรรกะเป็นที่มาหลักของความยิ่งใหญ่ของเบโธเฟน ความสามารถที่หาตัวจับยากของเขาในการจัดระเบียบองค์ประกอบที่ตัดกันให้กลายเป็นเสาหินทั้งหมด เบโธเฟนลบ caesuras แบบดั้งเดิมระหว่างส่วนของแบบฟอร์ม หลีกเลี่ยงความสมมาตร รวมส่วนของวัฏจักร พัฒนาโครงสร้างเพิ่มเติมจากลวดลายเฉพาะเรื่องและจังหวะ ซึ่งในแวบแรกไม่มีอะไรน่าสนใจ กล่าวอีกนัยหนึ่ง Beethoven สร้างพื้นที่ดนตรีด้วยพลังแห่งความคิดของเขาเอง เขาคาดการณ์และสร้างกระแสศิลปะเหล่านั้นที่กลายเป็นตัวชี้ขาดสำหรับศิลปะดนตรีของศตวรรษที่ 19

ยวนใจ.
ครอบคลุมตามเงื่อนไข 1800-1910
นักประพันธ์เพลงโรแมนติกพยายามแสดงความลึกและความสมบูรณ์ของโลกภายในของบุคคลด้วยความช่วยเหลือทางดนตรี ดนตรีมีความสดใสและเป็นส่วนตัวมากขึ้น แนวเพลงรวมถึงเพลงบัลลาดกำลังพัฒนา
ตัวแทนหลักของแนวโรแมนติกในดนตรีคือ:ออสเตรีย - ฟรานซ์ ชูเบิร์ต ; ในประเทศเยอรมนี - เออร์เนสต์ ธีโอดอร์ ฮอฟฟ์มันน์, คาร์ล มาเรีย เวเบอร์, ริชาร์ด วากเนอร์, เฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น, โรเบิร์ต ชูมันน์, ลุดวิก สปอร์; วี
ฯลฯ.................

ในสภาพของยุคกลางตอนต้น วัฒนธรรมทางดนตรีทั้งหมดถูกลดเหลือ "องค์ประกอบ" หลักสองประการ ที่เสาแห่งหนึ่ง มีดนตรีพิธีกรรมระดับมืออาชีพที่โบสถ์รับรอง โดยหลักการแล้วเหมือนกันสำหรับทุกคนที่รับเอาศาสนาคริสต์ (เอกภาพของภาษาคือภาษาละติน ความสามัคคีของการร้องเพลงคือบทสวดเกรกอเรียน) อีกด้านหนึ่งมีดนตรีพื้นบ้านข่มเหงโดยคริสตจักรในภาษาท้องถิ่นต่างๆที่เกี่ยวข้องกับชีวิตพื้นบ้านกับกิจกรรมของนักดนตรีที่หลงทาง

แม้จะมีความไม่เท่าเทียมกันอย่างสมบูรณ์ของกองกำลัง (ในแง่ของการสนับสนุนจากรัฐ สภาพวัสดุ ฯลฯ ) ดนตรีพื้นบ้านพัฒนาอย่างเข้มข้นและแม้แต่บางส่วนก็แทรกซึมเข้าไปในโบสถ์ในรูปแบบของการแทรกต่าง ๆ ในบทสวดเกรกอเรียนที่เป็นที่ยอมรับ ในหมู่พวกเขา เช่น เส้นทางและลำดับที่สร้างขึ้นโดยนักดนตรีที่มีพรสวรรค์

เส้นทาง - เป็นข้อความและส่วนเสริมดนตรีที่แทรกอยู่ตรงกลางของการร้องประสานเสียง ประเภทของเส้นทางคือลำดับ ยุคกลางลำดับ - สิ่งเหล่านี้เป็นนัยของการเปล่งเสียงที่ซับซ้อน หนึ่งในสาเหตุของการเกิดขึ้นคือความยากลำบากที่สำคัญในการจดจำท่วงทำนองยาว ๆ ที่ร้องด้วยสระเดียว เมื่อเวลาผ่านไป ลำดับก็เริ่มมีพื้นฐานมาจากเพลงพื้นบ้าน

พระมีชื่อในหมู่ผู้แต่งลำดับแรกน็อตเกอร์ ชื่อเล่น Zaika จากอาราม St. Gallen (ในสวิตเซอร์แลนด์ใกล้ทะเลสาบ Constance) Notker (840-912) เคยเป็นนักแต่งเพลง, กวี, นักทฤษฎีดนตรี, นักประวัติศาสตร์, นักเทววิทยา เขาสอนที่โรงเรียนอารามและแม้จะพูดติดอ่าง เขาก็ชื่นชมชื่อเสียงของครูที่ยอดเยี่ยม สำหรับซีเควนซ์ของเขา Notker ได้ใช้ท่วงทำนองที่รู้จักกันดีบางส่วน แต่งเองบางส่วน

ตามพระราชกฤษฎีกาของสภาเมืองเทรนต์ (ค.ศ. 1545-63) ลำดับเหตุการณ์เกือบทั้งหมดถูกขับออกจากงานบริการของโบสถ์ ยกเว้นสี่กลุ่ม ในหมู่พวกเขา ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือซีเควนซ์ตายอีแร ("วันแห่งพระพิโรธ") เล่าถึงวันพิพากษา ... ต่อมา ลำดับที่ 5 ได้เข้าใช้คริสตจักรคาทอลิกวัสดุ Stabat ("มีมารดาผู้โศกเศร้า")

จิตวิญญาณของศิลปะฆราวาสถูกนำมาใช้ในคริสตจักรและเพลงสวด - บทสวดจิตวิญญาณใกล้กับเพลงพื้นบ้านในข้อความบทกวี

จากตอนจบ XIศตวรรษ ความคิดสร้างสรรค์รูปแบบใหม่และการสร้างสรรค์ดนตรีที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมอัศวินได้รวมอยู่ในชีวิตดนตรีของยุโรปตะวันตก อัศวินนักร้องวางรากฐานสำหรับดนตรีฆราวาส ศิลปะของพวกเขาได้สัมผัสกับประเพณีดนตรีพื้นบ้าน (การใช้น้ำเสียงสูงต่ำของเพลงลูกทุ่งการฝึกความร่วมมือกับนักดนตรีพื้นบ้าน) ในหลายกรณี คณะนักร้องประสานเสียงอาจเลือกท่วงทำนองพื้นบ้านทั่วไปสำหรับข้อความของพวกเขา

ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางคือการกำเนิดของมืออาชีพชาวยุโรปโพลีโฟนี ... จุดเริ่มต้นของมันหมายถึงทรงเครื่องศตวรรษที่เมื่อการแสดงพร้อมกันของบทสวดเกรกอเรียนบางครั้งถูกแทนที่ด้วยสองส่วน เสียงสองส่วนแรกสุดเป็นแบบคู่ขนานอวัยวะ ซึ่งทำนองเพลงเกรกอเรียนถูกขนานนามว่าเป็นอ็อกเทฟ ที่สี่หรือห้า จากนั้นออร์แกนที่ไม่ขนานก็ปรากฏขึ้นโดยอ้อม (เมื่อเคลื่อนไหวเพียงเสียงเดียว) และการเคลื่อนไหวตรงกันข้าม เสียงร้องประกอบบทสวดเกรกอเรียนค่อยๆ เป็นอิสระมากขึ้นเรื่อยๆ ลักษณะสองส่วนนี้เรียกว่าเสียงแหลม (แปลว่า "ร้องเพลงออกจากกัน")

เป็นครั้งแรกที่อวัยวะดังกล่าวเริ่มเขียนเลโอนิน , นักประพันธ์ประสานเสียงที่มีชื่อเสียงคนแรก (XIIศตวรรษ). เขาทำหน้าที่เป็นผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ที่มหาวิหารนอเทรอดามอันโด่งดัง ซึ่งเป็นที่ก่อตั้งโรงเรียนโพลีโฟนิกขนาดใหญ่

งานของเลโอนินเกี่ยวข้องกับars โบราณ (ars antiqua ซึ่งแปลว่า "ศิลปะโบราณ") ชื่อนี้มอบให้กับลัทธิโพลีโฟนีXII- สิบสามศตวรรษ, นักดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาต้น, ต่อต้านมันอาส โนวา ("ศิลปะใหม่")

ที่จุดเริ่มต้น สิบสามศตวรรษแห่งประเพณีของเลโอนินยังคงดำเนินต่อไปPerotin โดยพระนามพระองค์ผู้ยิ่งใหญ่ เขาไม่ได้แต่งสองส่วนอีกต่อไป แต่3 x และ 4 x - อวัยวะเสียง เสียงบนของ Perotin บางครั้งสร้างเสียงสองส่วนที่ตัดกัน บางครั้งเขาก็ใช้การเลียนแบบอย่างชำนาญ

ในช่วงเวลาของ Perotin โพลีโฟนีรูปแบบใหม่ก็เกิดขึ้นเช่นกัน -ท่อร้อยสาย พื้นฐานของการที่ไม่ได้เป็นเพลงเกรกอเรียนอีกต่อไป แต่เป็นท่วงทำนองยอดนิยมในชีวิตประจำวันหรือทำนองที่แต่งขึ้นอย่างอิสระ

รูปแบบโพลีโฟนิกที่โดดเด่นยิ่งขึ้นคือโมเท็ต - การผสมผสานของท่วงทำนองที่มีจังหวะและข้อความต่างกัน มักจะเป็นภาษาที่แตกต่างกัน Motet เป็นแนวดนตรีประเภทแรกที่แพร่หลายอย่างเท่าเทียมกันในคริสตจักรและในชีวิตในราชสำนัก

พัฒนาการของพหุเสียง การออกจากการออกเสียงพร้อมกันของแต่ละพยางค์ของข้อความในทุกเสียง (ในโมเท็ต) จำเป็นต้องมีการปรับปรุงในสัญกรณ์ การกำหนดระยะเวลาที่แม่นยำ ปรากฏสัญกรณ์ประจำเดือน (จากภาษาละติน mensura - การวัด; ตามตัวอักษร - สัญกรณ์ที่วัดได้) ซึ่งทำให้สามารถแก้ไขทั้งระดับเสียงและระยะเวลาสัมพัทธ์ของเสียง

ควบคู่ไปกับการพัฒนาโพลีโฟนีมีกระบวนการกลายเป็นมวลชน - งานโพลีโฟนิกไซเคิลเกี่ยวกับข้อความของบริการหลักอันศักดิ์สิทธิ์ของคริสตจักรคาทอลิก พิธีมิสซาได้ก่อตัวขึ้นเป็นเวลาหลายศตวรรษ ได้มาซึ่งรูปแบบสุดท้ายโดย .เท่านั้นXIve-ku ในฐานะที่เป็นองค์ประกอบทางดนตรีที่สำคัญ มวลได้ก่อตัวขึ้นในภายหลังในXIVศตวรรษที่กลายเป็นแนวดนตรีชั้นนำของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ตั้งแต่ศตวรรษที่สิบสอง ในงานศิลปะลักษณะตรงกันข้ามของสุนทรียศาสตร์ของยุคกลางนั้นสะท้อนออกมาเมื่อเพลงศักดิ์สิทธิ์ - "เพลงใหม่" ตรงกันข้ามกับ "เก่า" นั่นคือเพลงนอกรีต ในเวลาเดียวกัน ดนตรีบรรเลงในประเพณีคริสเตียนตะวันตกและตะวันออกขึ้นชื่อว่ามีค่าควรน้อยกว่าการร้องเพลง

"Maastricht Book of Hours" พิธีกรรมมาสทริชต์ ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 14 เนเธอร์แลนด์, ลีแอช. หอสมุดอังกฤษ. Stowe MS 17, f.160r / รายละเอียดของหุ่นจำลองจาก Maastricht Hours, เนเธอร์แลนด์ (Liège), ไตรมาสที่ 1 ของศตวรรษที่ 14, Stowe MS 17, f.160r

ดนตรีเป็นสิ่งที่แยกออกจากวันหยุด นักแสดงที่หลงทางเกี่ยวข้องกับวันหยุดในสังคมยุคกลาง - นักแสดงมืออาชีพและผู้ให้ความบันเทิง ผู้คนในงานฝีมือนี้ซึ่งได้รับความรักจากสาธารณชนนั้นถูกเรียกต่างกันในอนุเสาวรีย์ที่เป็นลายลักษณ์อักษร ผู้เขียนคริสตจักรมักใช้ชื่อโรมันคลาสสิก: mime / mimus, pantomim / pantomimus, histrion / histrio joculator ศัพท์ภาษาละตินเป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไป - โจ๊กเกอร์, ความบันเทิง, โจ๊กเกอร์ ตัวแทนของชั้นเรียนบันเทิงถูกเรียกว่านักเต้น / ผู้ทำเกลือ ตัวตลก / balatro, scurra; นักดนตรี / musicus. นักดนตรีมีความโดดเด่นด้วยประเภทของเครื่องดนตรี: citharista, cymbalista ฯลฯ ชื่อภาษาฝรั่งเศส "นักเล่นกล" / jongleur แพร่หลายมาก ในสเปนคำว่า "huglar" / junglar สอดคล้องกับมัน ในเยอรมนี - "สปีลแมน" / สปีลมันน์ ในรัสเซีย - "ตัวตลก" ชื่อทั้งหมดเหล่านี้เป็นคำพ้องความหมายในทางปฏิบัติ

เกี่ยวกับนักดนตรีและดนตรีในยุคกลาง - โดยสังเขปและบางส่วน

2.

หนังสือชั่วโมงแห่งมาสทริชต์ BL Stowe MS 17, f.269v

ภาพประกอบมาจากต้นฉบับภาษาดัตช์ในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 14 "หนังสือ Maastricht Book of Hours" ของหอสมุดแห่งชาติอังกฤษ ภาพของเส้นขอบทำให้สามารถตัดสินโครงสร้างของเครื่องดนตรีและสถานที่ของดนตรีในชีวิตได้

นับตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 นักดนตรีที่เดินทางท่องเที่ยวต่างมุ่งหมายไปยังปราสาทและเมืองต่างๆ มากขึ้น เมื่อร่วมกับอัศวินและตัวแทนของคณะสงฆ์ นักดนตรีในราชสำนักก็ล้อมผู้อุปถัมภ์ศิลปะที่ได้รับสวมมงกุฎ นักดนตรีและนักร้องเป็นผู้มีส่วนร่วมที่ขาดไม่ได้ในความบันเทิงของชาวปราสาทอัศวิน สหายของสุภาพบุรุษและสุภาพสตรีที่รัก

3.

f.192v

มีเสียงแตรและทรอมโบนดังสนั่นเหมือนฟ้าร้อง
และขลุ่ยและไปป์ก็ฟังเหมือนเงิน
เสียงพิณและไวโอลินมาบรรจบกัน
และนักร้องได้รับชุดใหม่มากมายสำหรับความกระตือรือร้น

[คุดรูนา บทกวีมหากาพย์เยอรมันในศตวรรษที่ 13]

4.

f.61v

ดนตรีเชิงทฤษฎีและปฏิบัติถูกรวมอยู่ในโปรแกรมการฝึกของอัศวินในอุดมคติ ซึ่งได้รับการยกย่องว่าเป็นความบันเทิงอันสูงส่งอันสูงส่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งพวกเขาชอบวิโอลาไพเราะด้วยคอร์ดที่ละเอียดอ่อนและพิณไพเราะ นักร้องเดี่ยวมาพร้อมกับการเล่นวิโอลาและพิณไม่เพียง แต่นักเล่นปาหี่ - นักแสดงมืออาชีพ แต่ยังรวมถึงกวีและนักร้องชื่อดังด้วย:

“ทริสแทรมเป็นนักเรียนที่มีความสามารถมากและในไม่ช้าก็เชี่ยวชาญศิลปะที่สำคัญทั้งเจ็ดและหลายภาษาจนสมบูรณ์แบบ จากนั้นเขาก็ศึกษาดนตรีเจ็ดประเภทและกลายเป็นที่รู้จักในฐานะนักดนตรีที่มีชื่อเสียงที่ไม่เท่าเทียมกัน "

[เทพนิยายของ Tristram และ Isonda, 1226]

5.


f.173v

Tristan และ Isolde ในการตรึงตราวรรณกรรมทั้งหมดของตำนานเป็นฮาร์เปอร์ที่มีทักษะ:

เมื่อเขาร้องเพลง เธอเล่น
แล้วเธอก็เข้ามาแทนที่เขา...
และถ้าคนหนึ่งร้องเพลงอีกคนหนึ่ง
เขาตีพิณด้วยมือของเขา
และเพลงที่เต็มไปด้วยความปรารถนา
และเสียงเครื่องสายจากใต้วงแขน
มาบรรจบกันในอากาศและที่นั่น
เราไปสวรรค์ด้วยกัน

[ก็อทฟรีดแห่งสตราสบูร์ก ทริสตัน. ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 13]

6.


f.134r

เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วจาก "ชีวประวัติ" ของศิลปินโปรวองซ์ว่าบางคนใช้เครื่องดนตรีด้นสดและถูกเรียกว่า "วิโอลาร์"

7.


f.46r

จักรพรรดิโรมันอันศักดิ์สิทธิ์แห่งประเทศเยอรมัน Frederick II Staufen (1194-1250) "เล่นเครื่องดนตรีต่าง ๆ และได้รับการฝึกฝนให้ร้องเพลง"

8.

f.103r

ผู้หญิงก็เล่นพิณพิณและเครื่องดนตรีอื่น ๆ ตามกฎ - นักเล่นปาหี่บางครั้ง - เด็กผู้หญิงจากตระกูลผู้สูงศักดิ์และบุคคลที่สูงกว่า

ดังนั้นกวีศาลฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่สิบสอง ร้องเพลงราชินีผู้คลั่งไคล้: “ราชินีร้องเพลงไพเราะ เพลงของเธอผสานเข้ากับเครื่องดนตรี เพลงเพราะดี มือก็สวย เสียงก็นุ่ม เสียงก็เบา"

9.


f.169v

เครื่องดนตรีมีความหลากหลายและค่อยๆ พัฒนาขึ้น เครื่องมือที่เกี่ยวข้องของตระกูลเดียวกันนั้นมีหลากหลายรูปแบบ ไม่มีการรวมกันที่เข้มงวด: รูปร่างและขนาดส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับความต้องการของผู้ผลิตหลัก ในแหล่งข้อมูลที่เป็นลายลักษณ์อักษร เครื่องดนตรีที่เหมือนกันมักมีชื่อต่างกัน หรือในทางกลับกัน ประเภทต่างๆ ถูกซ่อนไว้ภายใต้ชื่อเดียวกัน

รูปภาพของเครื่องดนตรีไม่เกี่ยวข้องกับข้อความ - ฉันไม่ใช่ผู้เชี่ยวชาญในเรื่องนี้

10.


f.178v

กลุ่มเครื่องสายแบ่งออกเป็นตระกูลเครื่องคำนับ พิณ และพิณ สายทำมาจากไส้แกะบิด ขนม้า หรือเส้นไหม ตั้งแต่ศตวรรษที่สิบสาม พวกมันทำมาจากทองแดง เหล็กกล้า และแม้กระทั่งเงินมากขึ้นเรื่อยๆ

สายธนูซึ่งมีข้อได้เปรียบของเสียงเลื่อนที่มีครึ่งเสียงทั้งหมด เหมาะที่สุดที่จะใช้ร่วมกับเสียง

Johann de Groheo / Groceio ปรมาจารย์แห่งดนตรีชาวปารีสแห่งศตวรรษที่ XIII วางวิโอลาไว้ในที่แรกในบรรดาเครื่องสาย: ในนั้น "รูปแบบดนตรีทั้งหมดมีการทำซ้ำอย่างละเอียดยิ่งขึ้น" รวมถึงการเต้นรำ

11.

f.172r

ภาพวาดการเฉลิมฉลองในศาลในมหากาพย์ Wilhelm von Wenden (1290) กวีชาวเยอรมัน Ulrich von Eschenbach แยกแยะ viela:

จากทั้งหมดที่ฉันได้ยินมาจนถึงตอนนี้
วิเอลาควรแก่การสรรเสริญเท่านั้น
เป็นประโยชน์แก่ทุกคนในการฟัง
หากหัวใจของคุณได้รับบาดเจ็บ
ความทรมานนี้จะหาย
จากความอ่อนหวานของเสียง

สารานุกรมดนตรี [M.: สารานุกรมโซเวียต, นักแต่งเพลงโซเวียต. เอ็ด ยู. วี. เคลดิช. 2516-2525]รายงานว่าวิเอลาเป็นหนึ่งในชื่อสามัญของเครื่องสายแบบโค้งคำนับในยุคกลาง ฉันไม่รู้ว่า Ulrich von Eschenbach หมายถึงอะไร

12.

ฉ.219v. โดยคลิกที่ภาพ - เครื่องมือมีขนาดใหญ่ขึ้น

14.

f.216v

ในความคิดของคนในยุคกลาง ดนตรีบรรเลงมีหลายแง่มุม มีลักษณะขั้ว และทำให้เกิดอารมณ์ตรงข้ามโดยตรง

"เธอย้ายบางอย่างไปสู่ความร่าเริงที่ว่างเปล่า อื่น ๆ ไปสู่ความปิติยินดีที่บริสุทธิ์และบ่อยครั้งเพื่อน้ำตาอันศักดิ์สิทธิ์" [พีทราร์ช].

15.

f.211v

เป็นที่เชื่อกันว่าดนตรีที่มีมารยาทและถูก จำกัด ศีลธรรมที่อ่อนลงแนะนำจิตวิญญาณให้รู้จักความสามัคคีของพระเจ้าอำนวยความสะดวกในการทำความเข้าใจความลับของศรัทธา

16.


f.236v

ในทางตรงข้าม ท่วงทำนองที่ไพเราะน่าดึงดูดใจทำให้เผ่าพันธุ์มนุษย์เสื่อมทราม นำไปสู่การละเมิดพระบัญญัติของพระคริสต์และการประณามครั้งสุดท้าย ผ่านดนตรีที่ไร้การควบคุม ความชั่วร้ายมากมายเข้าสู่หัวใจ

17.


f.144v

ลำดับชั้นของคริสตจักรปฏิบัติตามคำสอนของเพลโตและโบเอเธียส ผู้ซึ่งแยกความแตกต่างอย่างชัดเจนถึง "ความกลมกลืนของสวรรค์" ในอุดมคติอันสูงส่ง และดนตรีที่หยาบคายและลามกอนาจาร

18.


f.58r

นักดนตรีขนาดมหึมาที่มีสาขาของต้นฉบับแบบโกธิกมากมาย รวมถึงหนังสือ Maastricht Book of Hours เป็นศูนย์รวมของความบาปของงานฝีมือฮิสทรีออง ซึ่งเป็นทั้งนักดนตรี นักเต้น นักร้อง ครูฝึกสัตว์ นักเล่าเรื่อง ฯลฯ ประวัติศาสตร์ถูกประกาศว่าเป็น "ผู้รับใช้ของซาตาน"

19.


f.116r

สัตว์ประหลาดเล่นเครื่องดนตรีจริงหรือไร้สาระ โลกที่ไร้เหตุผลของดนตรีลูกผสมที่ได้รับแรงบันดาลใจนั้นน่ากลัวและไร้สาระในเวลาเดียวกัน วิญญาณชั่วร้าย "เหนือจริง" สวมหน้ากากนับไม่ถ้วน ดึงดูดใจและหลอกหลอนด้วยเพลงหลอกลวง

20.


f.208v

ในตอนต้นของศตวรรษที่สิบเอ็ด Notker Lipped ติดตามอริสโตเติลและโบเธียส ชี้ให้เห็นคุณสมบัติสามประการของมนุษย์: สิ่งมีชีวิตที่มีเหตุผล มนุษย์ที่รู้วิธีหัวเราะ Notker ถือว่าเป็นคนที่ทั้งหัวเราะและทำให้เกิดเสียงหัวเราะได้

21.


f.241r

ในงานเทศกาล ผู้ชมและผู้ฟังได้รับความบันเทิงจากคนนอกรีตทางดนตรีที่ล้อเลียนและด้วยเหตุนี้จึงกำหนดตัวเลขที่ "จริงจัง"

ในมือของเสียงหัวเราะนักเรียนใน "โลกภายใน" ซึ่งความสัมพันธ์ตามปกติกลับหัวกลับหาง ดูเหมือนว่าไม่เหมาะสมที่สุดสำหรับการเล่นดนตรีวัตถุเริ่ม "เสียง" เป็นเครื่องมือ

22.


ฉ.92v. ร่างของมังกรโผล่ออกมาจากใต้เสื้อผ้าของนักดนตรีที่กำลังเล่นไก่

การใช้วัตถุในบทบาทที่ผิดปกติสำหรับพวกเขาเป็นหนึ่งในเทคนิคของการ์ตูนตัวตลก

23.


f.145v

การทำดนตรีที่ยอดเยี่ยมสอดคล้องกับแนวโน้มของงานเฉลิมฉลองกลางแจ้ง เมื่อขอบเขตปกติระหว่างวัตถุถูกลบไป ทุกสิ่งทุกอย่างก็ไม่คงที่ สัมพันธ์กัน

24.

f.105v

ในมุมมองของปัญญาชนจากศตวรรษที่ XII-XIII ความสามัคคีเกิดขึ้นระหว่างวิญญาณศักดิ์สิทธิ์ที่แยกตัวออกมากับความร่าเริงที่ปลดปล่อยออกมา "ความปิติยินดีทางจิตวิญญาณ" อันเงียบสงบและตรัสรู้ บัญญัติของ "ความปิติยินดีในพระคริสต์" อย่างไม่หยุดยั้ง เป็นลักษณะเฉพาะของสาวกของฟรานซิสแห่งอัสซีซี ฟรานซิสเชื่อว่าความเศร้าโศกอย่างต่อเนื่องไม่ได้ทำให้พระเจ้าพอพระทัย แต่สำหรับมาร ในกวีนิพนธ์โปรวองซ์เก่า ความปิติเป็นหนึ่งในคุณธรรมสูงสุดของราชสำนัก ลัทธิของเธอเกิดจากโลกทัศน์ที่ยืนยันชีวิตของคณะนักร้อง "ในวัฒนธรรมที่มีโทนเสียงที่หลากหลาย โทนที่จริงจังก็ให้เสียงที่ต่างกันออกไป: ปฏิกิริยาตอบสนองของโทนเสียงหัวเราะจะตกอยู่กับพวกเขา พวกเขาสูญเสียความพิเศษเฉพาะตัวและเอกลักษณ์ เสริมด้วยด้านที่หัวเราะ"

25.

f.124v

ความจำเป็นในการทำให้เสียงหัวเราะและเรื่องตลกถูกกฎหมายไม่ได้กีดกันการต่อสู้กับพวกเขา ผู้ศรัทธาในความศรัทธาตราหน้านักเล่นปาหี่เป็น "สมาชิกของชุมชนปีศาจ" ในเวลาเดียวกัน พวกเขาตระหนักดีว่าถึงแม้การเล่นกลเป็นงานฝีมือที่น่าเศร้า เนื่องจากทุกคนต้องมีชีวิตอยู่และมันจะต้องเป็นเช่นนั้น หากมีการสังเกตความเหมาะสม

26.

f.220r

“ดนตรีมีพลังและอิทธิพลอย่างมากต่อความปรารถนาของจิตวิญญาณและร่างกาย ตามนี้ เพลงหรือโหมดดนตรีมีความโดดเด่น ท้ายที่สุดแล้วบางคนก็เป็นเช่นนั้นโดยปกติพวกเขาชักจูงผู้ฟังให้ใช้ชีวิตอย่างซื่อสัตย์ไร้ที่ติ ถ่อมตนและเคร่งศาสนา "

[นิโคไล โอเรม. บทความเกี่ยวกับการกำหนดค่าคุณภาพ ศตวรรษที่สิบสี่.]

27.


f.249v

“ไทมแพน พิณ พิณ พิณ และ citaras
พวกเขาร้อนแรงและคู่รักก็พันกัน
ในการเต้นรำบาป
เกมทั้งคืน
กินและดื่มจนถึงเช้า
ทรัพย์ศฤงคารจึงถูกขบขันเป็นหมู
และในพระวิหารพวกเขาขี่ซาตาน "

[ชอเซอร์. นิทานแคนเทอเบอรี่]

28.


f.245v

ท่วงทำนองของฆราวาสที่ว่า “จั๊กจี้หู ลวงจิต นำพาเราจากความดี” [จอห์น คริสซอสทอม]ถือได้ว่าเป็นผลผลิตของรูปธรรมที่เป็นบาป การสร้างมารอันแยบยล อิทธิพลที่เสื่อมทรามของพวกเขาต้องต่อสู้ด้วยความช่วยเหลือจากข้อจำกัดและข้อห้ามที่ร้ายแรง ดนตรีที่วุ่นวายขององค์ประกอบนรกเป็นส่วนหนึ่งของโลก

29.


f.209r

Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) เป็นพยานถึงความมีชีวิตชีวาของมุมมองดังกล่าว โดยระลึกถึงหัวหน้าบาทหลวงของโบสถ์ Khlynovsk เมืองเล็ก ๆ ในจังหวัด Saratov

“ สำหรับเราผู้สำเร็จการศึกษาเขาได้ทัศนศึกษาในสาขาศิลปะโดยเฉพาะด้านดนตรี: - แต่เธอจะเล่น - และปีศาจจะอยู่ใต้ฝ่าเท้าและเริ่มกวน ... และถ้าคุณเริ่มร้องเพลง - ดังนั้นจากคอของคุณปีศาจพวกเขาจะปีนและพวกเขาจะปีนขึ้นไป "

30.


f.129r

และอีกขั้วหนึ่ง เพลงที่ปลุกเร้าของอุดมคติอันสูงส่งที่มาจากพระวิญญาณบริสุทธิ์ ดนตรีของทรงกลมถือเป็นศูนย์รวมของความกลมกลืนอย่างน่าพิศวงของจักรวาลที่สร้างขึ้นโดยผู้สร้าง - ดังนั้นเสียงแปดเสียงของบทสวดเกรกอเรียนและเป็นภาพของ ความสามัคคีในคริสตจักรคริสเตียน การผสมผสานที่สมเหตุสมผลและเหมาะสมของเสียงต่างๆ เป็นพยานถึงความเป็นน้ำหนึ่งใจเดียวกันของเมืองของพระเจ้าที่มีอุปกรณ์ครบครัน ความสอดคล้องที่กลมกลืนกันของพยัญชนะเป็นสัญลักษณ์ของความสัมพันธ์ที่กลมกลืนกันขององค์ประกอบ ฤดูกาล ฯลฯ

ท่วงทำนองที่ถูกต้องชื่นชื่นและปรับปรุงวิญญาณ ก็คือ "การเรียกสู่วิถีชีวิตอันสูงส่ง สอนผู้อุทิศตนเพื่อคุณธรรม ไม่ให้สิ่งผิดดนตรี ขัดแย้ง ไม่สอดคล้องในศีลธรรม" [Gregory of Nyssa ศตวรรษที่สี่]

เชิงอรรถ / วรรณกรรม:
คุดรัน / เอ็ด. เตรียมตัว อาร์.วี.เฟรนเคิล M. , 1983.S. 12.
The Legend of Tristan and Isolde / เอ็ด เตรียมตัว เอ.ดี. มิคาอิลอฟ M. , 1976.S. 223; น. 197, 217.
เพลงของ Nibelungs / Per. ยู บี. คอร์นีวา L. , 1972. S. 212. "เพลงที่ไพเราะที่สุด" ของนักร้องดังในสวนและวังของปราสาท
สุนทรียภาพทางดนตรีของยุโรปตะวันตกยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา / Comp. ตำราโดย V.P. Shestakov ม., พ.ศ. 242
Struve B. A. กระบวนการสร้างวิโอลาและไวโอลิน ม., 2502, น. 48.
CülkeP. เมินเช่, เบอร์เกอร์, มินเนซองเกอร์. ไลป์ซิก, 1975. S. 131
Darkevich V.P. วัฒนธรรมพื้นบ้านของยุคกลาง: ชีวิตรื่นเริงทางโลกในศิลปะแห่งศตวรรษที่ 9-16 - M.: Nauka, 1988.S. 217; 218; 223.
สุนทรียศาสตร์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา / Comp. วี.พี. เชสตาคอฟ ม., 1981.T. 1.P. 28.
Gurevich A. Ya. ปัญหาของวัฒนธรรมพื้นบ้านยุคกลาง. หน้า 281.
Bakhtin M. สุนทรียศาสตร์ของความคิดสร้างสรรค์ทางวาจา ม., 1979.ส. 339.
Petrov-Vodkin K. S. Khlynovsk. พื้นที่ยุคลิด ซามาร์คันด์. L., 1970.S. 41.
Averintsev S.S. กวีนิพนธ์ของวรรณกรรมไบแซนไทน์ยุคแรก ม., 1977. 24, 25.

ที่มาของข้อความ:
ดาร์กวิช วลาดิสลาฟ เปโตรวิช ชีวิตรื่นเริงทางโลกของยุคกลาง IX-XVI ศตวรรษ ฉบับที่สอง ขยาย; M.: สำนักพิมพ์ "Indrik", 2549
ดาร์กวิช วลาดิสลาฟ เปโตรวิช วัฒนธรรมพื้นบ้านในยุคกลาง: ชีวิตงานรื่นเริงทางโลกในศิลปะแห่งศตวรรษที่ 9-16 - ม.: เนาคา, 1988.
วี.พี.ดาร์เควิช นักดนตรีล้อเลียนในรูปแบบย่อของต้นฉบับกอธิค // "ภาษาศิลปะของยุคกลาง", M. , "Science", 1982
โบติอุส คำแนะนำสำหรับดนตรี (ข้อความที่ตัดตอนมา) // "สุนทรียศาสตร์ทางดนตรีของยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของยุโรปตะวันตก" M.: "Music", 1966
+ ลิงก์ภายในข้อความ

รายการอื่นๆพร้อมภาพประกอบจาก Maastricht Book of Hours:

ป.ล. Marginalia - ภาพวาดในทุ่งนา คงจะแม่นยำกว่าถ้าจะเรียกภาพประกอบบางส่วนว่าเป็นภาพย่อสำหรับส่วนหนึ่งของหน้า

ศิลปะดนตรีของยุคกลาง เนื้อหาเป็นรูปเป็นร่างและความหมาย บุคลิกภาพ

วัยกลางคน- การพัฒนามนุษย์มาช้านาน ครอบคลุมกว่าพันปี

หากเราหันไปหาสภาพแวดล้อมที่เป็นรูปเป็นร่างและอารมณ์ของยุค "ยุคกลางที่มืดมิด" ตามที่มักเรียกกันว่า เราจะเห็นว่าเต็มไปด้วยชีวิตฝ่ายวิญญาณที่เข้มข้น ความปีติยินดีเชิงสร้างสรรค์ และการค้นหาความจริง คริสตจักรคริสเตียนมีผลอย่างมากต่อจิตใจและจิตใจ เนื้อหา โครงเรื่อง และภาพของพระคัมภีร์เป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นเรื่องราวที่เปิดเผยตั้งแต่การทรงสร้างโลกผ่านการเสด็จมาของพระคริสต์จนถึงวันแห่งการพิพากษาครั้งสุดท้าย ชีวิตบนโลกถูกมองว่าเป็นการต่อสู้อย่างต่อเนื่องระหว่างพลังความมืดและแสงสว่าง และเวทีของการต่อสู้นี้คือจิตวิญญาณมนุษย์ ความคาดหวังถึงวันสิ้นโลกได้แทรกซึมเข้าสู่โลกทัศน์ของคนในยุคกลาง ทำให้ศิลปะของยุคนี้เต็มไปด้วยน้ำเสียงอันน่าทึ่ง ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ วัฒนธรรมดนตรีได้พัฒนาเป็นสองชั้นที่ทรงพลัง ด้านหนึ่งมีดนตรีคริสตจักรระดับมืออาชีพซึ่งได้ผ่านเส้นทางการพัฒนาอันยิ่งใหญ่ตลอดช่วงยุคกลางทั้งหมด ในทางกลับกัน ดนตรีพื้นบ้านซึ่งถูกข่มเหงโดยตัวแทนของคริสตจักร "ทางการ" และดนตรีฆราวาสซึ่งมีอยู่ในฐานะมือสมัครเล่นตลอดเกือบยุคกลางทั้งหมด แม้จะมีความเป็นปรปักษ์กันของสองทิศทางนี้ แต่พวกเขาก็ได้รับอิทธิพลซึ่งกันและกัน และเมื่อสิ้นสุดช่วงเวลานี้ ผลของการแทรกแซงของดนตรีฆราวาสและดนตรีของคริสตจักรก็สังเกตเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษ จากมุมมองของเนื้อหาทางอารมณ์และความหมาย ลักษณะเฉพาะที่สุดของดนตรียุคกลางคือการครอบงำของการเริ่มต้นในอุดมคติ จิตวิญญาณ และการสอน ทั้งในประเภทฆราวาสและคริสตจักร

เนื้อหาทางอารมณ์และความหมายของดนตรีของคริสตจักรคริสเตียนมุ่งเป้าไปที่การสรรเสริญพระเจ้า การปฏิเสธสิ่งของทางโลกเพื่อเห็นแก่รางวัลหลังความตาย การเทศนาเรื่องการบำเพ็ญตบะ ดนตรีจดจ่ออยู่กับตัวเองซึ่งเกี่ยวข้องกับการแสดงออกของ "บริสุทธิ์" ปราศจาก "ร่างกาย" ใด ๆ รูปแบบทางวัตถุของการดิ้นรนเพื่ออุดมคติ ผลกระทบของดนตรีได้รับการขยายโดยอะคูสติกของโบสถ์ที่มีห้องใต้ดินสูง สะท้อนเสียงและการสร้างผลกระทบของการปรากฏตัวของพระเจ้า การผสมผสานของดนตรีกับสถาปัตยกรรมมีความชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับการเกิดขึ้นของสไตล์กอธิค เพลงโพลีโฟนิกที่พัฒนาขึ้นในเวลานี้ทำให้เกิดเสียงที่พุ่งสูงขึ้นอย่างอิสระ ทำซ้ำแนวสถาปัตยกรรมของวัดแบบโกธิกสร้างความรู้สึกของความไม่มีที่สิ้นสุดของพื้นที่ ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของดนตรีกอธิคถูกสร้างขึ้นโดยนักแต่งเพลงของวิหาร Notre Dame - Master Leonin และ Master Perotin ชื่อเล่นมหาราช

ศิลปะดนตรีของยุคกลาง ประเภท คุณสมบัติของภาษาดนตรี

การก่อตัวของประเภทฆราวาสในช่วงเวลานี้จัดทำโดยการทำงานของนักดนตรีที่เดินทาง - นักเล่นปาหี่ นักดนตรี และนักเล่นสปีลแมนที่เป็นนักร้อง นักแสดง นักแสดงละครสัตว์ และนักบรรเลงเพลง ล้วนหลอมรวมเป็นหนึ่งเดียว นักเล่นปาหี่ สปีลแมน และนักดนตรีก็เข้าร่วมด้วย คนจรจัดและโกลิอาร์ด- นักเรียนที่โชคร้ายและพระภิกษุที่หลบหนีซึ่งนำการรู้หนังสือและความรู้บางอย่างมาสู่สภาพแวดล้อม "ศิลปะ" เพลงพื้นบ้านร้องไม่เพียง แต่ในภาษาประจำชาติที่เกิดขึ้นใหม่ (ฝรั่งเศส, เยอรมัน, อังกฤษและอื่น ๆ ) แต่ยังเป็นภาษาละตินด้วย นักเรียนที่เดินทางและเด็กนักเรียน (คนเร่ร่อน) มักมีทักษะที่ดีในการพิสูจน์อักษรละติน ซึ่งทำให้มีความเฉียบแหลมเป็นพิเศษต่อเพลงที่กล่าวหาพวกเขาซึ่งต่อต้านขุนนางศักดินาทางโลกและคริสตจักรคาทอลิก ศิลปินเร่ร่อนเริ่มจัดเวิร์กช็อปและตั้งรกรากในเมืองต่างๆ ทีละน้อย

ในช่วงเวลาเดียวกันนั้น ประเภทของชั้น "อัจฉริยะ" ก็ปรากฏขึ้น - ความกล้าหาญ ซึ่งความสนใจในงานศิลปะ (ในช่วงพักรบ) ก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน ปราสาทกำลังกลายเป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมอัศวิน รวบรวมชุดกฎสำหรับพฤติกรรมอัศวินที่ต้องการพฤติกรรม "สุภาพ" (สุภาพและสุภาพ) ในศตวรรษที่ 12 ศิลปะถือกำเนิดขึ้นในโพรวองซ์ที่ราชสำนักของขุนนางศักดินา นักร้องซึ่งเป็นการแสดงออกถึงลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมอัศวินฆราวาสใหม่ที่ประกาศลัทธิแห่งความรักทางโลก ความเพลิดเพลินของธรรมชาติ ความสุขทางโลก ในวงกลมของภาพ ดนตรีและศิลปะกวีนิพนธ์ของคณะนักร้องต่างรู้ดีถึงความหลากหลายที่เกี่ยวข้องกับเนื้อเพลงรักหรือการทหาร เพลงประกอบการ ซึ่งสะท้อนถึงทัศนคติของข้าราชบริพารที่มีต่อเจ้านายของเขา บ่อยครั้ง เนื้อเพลงรักของนักร้องนำมักแต่งในรูปแบบของการบริการศักดินา นักร้องรับรู้ว่าตัวเองเป็นข้าราชบริพารของผู้หญิงคนหนึ่ง ซึ่งมักจะเป็นภรรยาของเจ้านายของเขา เขายกย่องศักดิ์ศรี ความงาม และความสูงส่งของเธอ ยกย่องการครอบงำของเธอ และ "ปรารถนา" สำหรับเป้าหมายที่ไม่สามารถบรรลุได้ แน่นอนว่ามีเงื่อนไขมากมายในเรื่องนี้ ซึ่งกำหนดโดยมารยาทของศาลในสมัยนั้น อย่างไรก็ตาม มักมีความรู้สึกที่แท้จริงที่ซ่อนอยู่เบื้องหลังรูปแบบธรรมเนียมของการรับราชการของอัศวิน ซึ่งแสดงออกอย่างชัดเจนและน่าประทับใจในรูปแบบบทกวีและดนตรี ศิลปะของนักปราชญ์มีความก้าวหน้าในหลาย ๆ ด้านในช่วงเวลานั้น การให้ความสนใจกับประสบการณ์ส่วนตัวของศิลปิน การเน้นที่โลกภายในของบุคลิกภาพที่มีความรักและความทุกข์ยาก แสดงให้เห็นว่าคณะนักร้องประสานเสียงต่อต้านตนเองอย่างเปิดเผยต่อแนวโน้มการบำเพ็ญตบะของอุดมการณ์ยุคกลาง คณะนักร้องเชิดชูความรักทางโลกที่แท้จริง ในนั้นเขาเห็น "ที่มาและที่มาของสินค้าทั้งหมด"

ความคิดสร้างสรรค์พัฒนาภายใต้อิทธิพลของกวีนิพนธ์ของคณะนักร้องประสานเสียง trouversซึ่งเป็นประชาธิปไตยมากกว่า (นักร้องส่วนใหญ่มาจากชาวกรุง) ธีมเดียวกันนี้ได้รับการพัฒนาขึ้นที่นี่ และรูปแบบศิลปะของเพลงก็คล้ายคลึงกัน ในประเทศเยอรมนี หนึ่งศตวรรษต่อมา (ศตวรรษที่ 13) โรงเรียนได้ก่อตั้งขึ้น คนขุดแร่ซึ่งมักจะพัฒนาเพลงที่มีคุณธรรมและจรรโลงใจมากกว่าในหมู่นักร้องและนักร้อง แรงจูงใจในความรักมักได้รับความหมายแฝงทางศาสนาซึ่งเกี่ยวข้องกับลัทธิของพระแม่มารี โครงสร้างอารมณ์ของเพลงโดดเด่นด้วยความจริงจังและลึกซึ้งยิ่งขึ้น Minnesingers ส่วนใหญ่เสิร์ฟที่สนามซึ่งพวกเขาจัดการแข่งขัน ชื่อของ Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, Tannhäuser วีรบุรุษแห่งตำนานที่มีชื่อเสียงเป็นที่รู้จัก ในโอเปร่าของ Wagner ที่มีพื้นฐานมาจากตำนานนี้ ฉากสำคัญคือการแข่งขันระหว่างนักร้อง โดยที่ฮีโร่จะเชิดชูความรู้สึกทางโลกและความพึงพอใจต่อความขุ่นเคืองของทุกคน บทเพลงของ "Tannhäuser" ที่เขียนโดย Wagner เป็นตัวอย่างของการเจาะลึกเข้าไปในโลกทัศน์ของยุคสมัยที่เชิดชูอุดมคติทางศีลธรรม ความรักที่ลวงตา และการต่อสู้อันน่าทึ่งอย่างต่อเนื่องกับกิเลสตัณหาในบาป

ประเภทของคริสตจักร

บทสวดเกรกอเรียนในคริสตจักรคริสเตียนยุคแรก มีเพลงของคริสตจักรและข้อความภาษาละตินหลากหลายรูปแบบ ความต้องการเกิดขึ้นเพื่อสร้างพิธีกรรมลัทธิเดียวและดนตรีพิธีกรรมที่เกี่ยวข้อง กระบวนการนี้เสร็จสิ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 6 และ 7 บทสวดของพระสันตปาปาเกรกอรีที่ 1 ของโบสถ์, เลือก, ถวายเป็นนักบุญ, เผยแพร่ภายในปีคริสตจักร, ประกอบเป็นรหัสอย่างเป็นทางการ - แอนตี้โฟนารี ท่วงทำนองประสานเสียงที่รวมอยู่ในนั้นได้กลายเป็นพื้นฐานของการร้องเพลงพิธีกรรมของคริสตจักรคาทอลิกและถูกเรียกว่าบทสวดเกรกอเรียน มันถูกแสดงในเสียงเดียวโดยคณะนักร้องประสานเสียงหรือกลุ่มเสียงผู้ชาย การพัฒนาท่วงทำนองเกิดขึ้นช้า ๆ และขึ้นอยู่กับทำนองเพลงเริ่มต้นที่แตกต่างกันไป จังหวะอิสระของท่วงทำนองนั้นอยู่ภายใต้จังหวะของคำ ตำราเป็นภาษาลาตินที่น่าเบื่อหน่ายซึ่งเป็นเสียงที่สร้างการแยกตัวออกจากทุกสิ่งทางโลก การเคลื่อนไหวที่ไพเราะนั้นราบรื่นหากมีการกระโดดเล็ก ๆ พวกมันจะถูกชดเชยทันทีโดยการเคลื่อนไหวในทิศทางตรงกันข้าม ท่วงทำนองของบทสวดเกรกอเรียนเองแบ่งออกเป็นสามกลุ่ม: การท่อง โดยที่แต่ละพยางค์ของข้อความสอดคล้องกับเสียงหนึ่งของทำนองเพลง บทเพลงสดุดี ซึ่งอนุญาตให้สวดมนต์บางพยางค์และวันครบรอบ เมื่อพยางค์ถูกร้องในรูปแบบไพเราะที่ซับซ้อน ส่วนใหญ่ มักจะ "ฮาเลลูยา" ("สรรเสริญพระเจ้า") สัญลักษณ์เชิงพื้นที่ (ในกรณีนี้ "ขึ้น" และ "ลง") มีความสำคัญอย่างยิ่ง เช่นเดียวกับในงานศิลปะรูปแบบอื่นๆ สไตล์ของการร้องเพลงแบบโมโนโฟนิกทั้งหมดนี้ ไม่มี "แผนที่สอง" "มุมมองด้านเสียง" อยู่ในนั้น ทำให้นึกถึงหลักการของการแสดงเครื่องบินในภาพวาดยุคกลาง
เพลงสวด ... ความเจริญรุ่งเรืองของเพลงสวดมีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 6 เพลงสวดซึ่งมีลักษณะเป็นธรรมชาติทางอารมณ์มากกว่า นำจิตวิญญาณของศิลปะทางโลก พวกเขาอยู่บนพื้นฐานของท่วงทำนองของคลังเพลงใกล้กับพื้นบ้าน ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 5 พวกเขาถูกไล่ออกจากโบสถ์ แต่เป็นเวลาหลายศตวรรษที่พวกเขาถูกใช้เป็นเพลงพิเศษ การกลับไปใช้คริสตจักรของพวกเขา (ศตวรรษที่ 9) เป็นการยอมจำนนต่อความรู้สึกทางโลกของผู้เชื่อ เพลงสวดต่างจากบทร้องประสานเสียง ยิ่งกว่านั้น เพลงสวดที่แต่งขึ้นเป็นพิเศษ (และไม่ได้ยืมมาจากหนังสือศักดิ์สิทธิ์) สิ่งนี้กำหนดโครงสร้างที่ชัดเจนของท่วงทำนอง เช่นเดียวกับอิสระที่มากขึ้นของท่วงทำนอง ไม่ใช่อยู่ใต้คำทุกคำในข้อความ
มวล. พิธีมิสซาได้ก่อตัวขึ้นเป็นเวลาหลายศตวรรษ ลำดับของชิ้นส่วนในโครงร่างหลักถูกกำหนดโดยศตวรรษที่ 9 ในขณะที่มวลได้รับรูปแบบสุดท้ายภายในศตวรรษที่ 11 เท่านั้น กระบวนการปรับแต่งเพลงของเธอก็ใช้เวลานานเช่นกัน ประเภทที่เก่าแก่ที่สุดของการร้องเพลงพิธีกรรมคือ psalmody; เกี่ยวข้องกับพิธีกรรมโดยตรง ซึ่งฟังตลอดการรับใช้และขับร้องโดยนักบวชและนักร้องในโบสถ์ การแนะนำเพลงสวดเสริมสไตล์ดนตรีของมิสซา เพลงสวดดังขึ้นในช่วงเวลาหนึ่งของพิธีกรรม แสดงถึงความรู้สึกร่วมกันของผู้เชื่อ ในตอนแรกพวกเขาร้องเพลงโดยนักบวชเอง ต่อมาโดยคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์มืออาชีพ ผลกระทบทางอารมณ์ของเพลงสวดนั้นรุนแรงมากจนพวกเขาค่อยๆ เริ่มแทนที่เพลงสดุดี ครอบครองตำแหน่งที่โดดเด่นในดนตรีของมิสซา มันอยู่ในรูปของเพลงสวดที่ห้าส่วนหลักของมิสซาเป็นรูปเป็นร่าง (ที่เรียกว่าสามัญ)
I. "ไครี เอลิสัน"("พระองค์ท่านทรงเมตตา") - คำอธิษฐานเพื่อการให้อภัยและความเมตตา
ครั้งที่สอง “กลอเรีย”("Glory") - เพลงสวดขอบคุณผู้สร้าง;
สาม. "เครโด"("ฉันเชื่อ") - ภาคกลางของพิธีกรรมซึ่งกำหนดหลักคำสอนของหลักคำสอนของคริสเตียน
IV. "ศักดิ์สิทธิ์"("ศักดิ์สิทธิ์") - อุทานที่สดใสอย่างเคร่งขรึมซ้ำสามครั้งตามด้วยคำทักทายของ "Osanna" ซึ่งเป็นกรอบตอนกลาง "เบเนดิกตัส" ("ความสุขคือผู้ที่มา");
ก. "แอ็กนัส เดอิ"("ลูกแกะของพระเจ้า") - อีกคำอธิษฐานเพื่อความเมตตาที่ส่งถึงพระคริสต์ผู้เสียสละตัวเอง ส่วนสุดท้ายลงท้ายด้วยคำว่า "Dona nobis pacem" ("Grant us peace")
ประเภทฆราวาส

เพลงร้อง
ศิลปะดนตรีและกวียุคกลางส่วนใหญ่เป็นมือสมัครเล่นในธรรมชาติ มันบ่งบอกถึงความเป็นสากลที่เพียงพอ: คนเดียวและคนเดียวกันเป็นนักแต่งเพลง กวี นักร้องและนักบรรเลงเพลง เนื่องจากเพลงนี้มักจะบรรเลงพร้อมกับพิณหรือวิโอลา สิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือบทกวีของเพลงโดยเฉพาะตัวอย่างศิลปะอัศวิน ส่วนดนตรีนั้นได้รับอิทธิพลจากบทสวดเกรกอเรียน ดนตรีของนักดนตรีที่เดินทางตลอดจนดนตรีของชาวตะวันออก บ่อยครั้งที่นักแสดงและบางครั้งผู้แต่งเพลงของเพลงของนักร้องเป็นนักเล่นปาหี่ที่เดินทางไปกับอัศวินพร้อมกับร้องเพลงและทำหน้าที่ของคนรับใช้และผู้ช่วย ด้วยความร่วมมือนี้ ขอบเขตระหว่างความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีพื้นบ้านและความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของอัศวินจึงเลือนลาง
เพลงแดนซ์ ด้านที่เน้นความสำคัญของดนตรีบรรเลงโดยเฉพาะอย่างยิ่งคือดนตรีเต้นรำ ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 11 มีแนวดนตรีและนาฏศิลป์เกิดขึ้นมากมาย มีไว้สำหรับการแสดงบนเครื่องดนตรีโดยเฉพาะ ไม่มีเทศกาลเก็บเกี่ยว งานแต่งงานหรืองานเฉลิมฉลองของครอบครัวใด ๆ ที่เสร็จสมบูรณ์โดยไม่ต้องเต้นรำ การเต้นรำมักจะทำขึ้นเพื่อร้องเพลงของนักเต้นเองหรือกับแตร ในบางประเทศ - ไปยังวงออเคสตราซึ่งประกอบด้วยทรัมเป็ต กลอง ระฆัง ฉาบ
แบรนเล่ การเต้นรำพื้นบ้านฝรั่งเศส ในช่วงยุคกลาง เป็นที่นิยมมากที่สุดในเมืองและหมู่บ้านต่างๆ ไม่นานหลังจากการปรากฏตัวของมัน มันดึงดูดความสนใจของขุนนางและกลายเป็นการเต้นรำบอลรูม ด้วยการเคลื่อนไหวที่เรียบง่าย ทุกคนสามารถร่ายคำสาปได้ ผู้เข้าร่วมจับมือกันเป็นวงกลมปิดซึ่งสามารถแตกเป็นเส้นและเปลี่ยนเป็นซิกแซกได้ มีการสบถได้หลายแบบ: ธรรมดา, สองครั้ง, ตลก, ม้า, การสบถของซักรีด, การสบถด้วยคบเพลิง ฯลฯ กาโวตต์ ปาสเปียร์ และเบอร์เรถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของการเคลื่อนไหวของคำสบถ
สเตลล่า การเต้นรำดำเนินการโดยผู้แสวงบุญที่มาวัดเพื่อบูชารูปปั้นของพระแม่มารี เธอยืนอยู่บนยอดเขาที่ส่องแสงจากดวงอาทิตย์ และดูเหมือนว่ามีแสงประหลาดส่องออกมาจากเธอ นี่คือที่มาของชื่อการเต้นรำ (stella - จาก Latin star) ผู้คนเต้นรำกันอย่างเร่งรีบ เต็มไปด้วยความงดงามและความบริสุทธิ์ของพระมารดาแห่งพระเจ้า
Karol เป็นที่นิยมในศตวรรษที่ 12 Karol เป็นวงเปิด ในระหว่างการแสดง karol นักเต้นร้องเพลงจับมือกัน ข้างหน้านักเต้นเป็นนักร้องนำ คณะนักร้องประสานเสียงถูกขับร้องโดยสมาชิกทุกคน จังหวะการเต้นบางครั้งราบรื่นและช้า จากนั้นก็เร่งความเร็วและเปลี่ยนเป็นการวิ่ง
การเต้นรำแห่งความตาย ในช่วงปลายยุคกลาง หัวข้อเรื่องความตายได้รับความนิยมอย่างมากในวัฒนธรรมยุโรป กาฬโรคซึ่งคร่าชีวิตผู้คนจำนวนมาก ส่งผลต่อทัศนคติต่อความตาย หากก่อนหน้านี้เป็นการปลดปล่อยจากความทุกข์ทรมานทางโลกแล้วในศตวรรษที่สิบสาม เธอถูกรับรู้ด้วยความสยดสยอง ความตายปรากฎในภาพวาดและการแกะสลักในรูปแบบของภาพที่น่ากลัวซึ่งกล่าวถึงในเนื้อเพลง การเต้นรำจะดำเนินการเป็นวงกลม นักเต้นเริ่มเคลื่อนไหวราวกับว่าพวกเขาถูกดึงดูดโดยพลังที่ไม่รู้จัก พวกเขาค่อยๆ ถูกดนตรีบรรเลงโดยผู้ส่งสารแห่งความตาย พวกเขาเริ่มเต้นรำและในที่สุดพวกเขาก็ตาย
บาสแดนซ์ ขบวนแห่เต้นรำ. พวกเขาเคร่งขรึมและไม่ซับซ้อนในทางเทคนิค บรรดาผู้ที่รวมตัวกันเพื่องานเลี้ยงในชุดที่ดีที่สุดของพวกเขาเดินผ่านหน้าเจ้าของราวกับว่ากำลังแสดงตัวเองและเครื่องแต่งกายของพวกเขา - นี่คือความหมายของการเต้นรำ ขบวนการร่ายรำได้รับการสถาปนาขึ้นอย่างมั่นคงในชีวิตในราชสำนัก ไม่มีเทศกาลใดที่สามารถทำได้โดยปราศจากพวกเขา
เอสตัมปี้ (ภาพพิมพ์) รำคู่พร้อมดนตรีบรรเลง บางครั้ง "การพิมพ์" ดำเนินการโดยสามคน: ชายคนหนึ่งนำผู้หญิงสองคน ดนตรีมีบทบาทสำคัญ ประกอบด้วยหลายส่วนและกำหนดลักษณะของการเคลื่อนไหวและจำนวนการวัดต่อส่วน

ปัญหา:

Giraut Riquiere 1254-1292

Guiraut Riquier เป็นกวีชาวโปรวองซ์ที่มักเรียกกันว่า "นักร้องคนสุดท้าย" ปรมาจารย์ผู้มากความสามารถ (48 ท่วงทำนองของเขารอดชีวิตมาได้) แต่ไม่ต่างจากธีมทางจิตวิญญาณและทำให้การร้องของเขาซับซ้อนอย่างมาก โดยเปลี่ยนจากการแต่งเพลง เป็นเวลาหลายปีที่เขาอยู่ที่ศาลในบาร์เซโลนา ได้เข้าร่วมในสงครามครูเสด ตำแหน่งของเขาเกี่ยวกับศิลปะก็เป็นที่สนใจเช่นกัน เป็นที่รู้จักจากการติดต่อกับผู้อุปถัมภ์ศิลปะที่มีชื่อเสียง Alphonse the Wise ราชาแห่ง Castile และ Leon ในเรื่องนี้ เขาคร่ำครวญว่าคนที่ไม่ซื่อสัตย์ "ทำให้ชื่อนักเล่นปาหี่เสื่อมเสีย" มักสับสนกับนักปราชญ์ที่มีความรู้ นี่เป็น "ความอัปยศและเป็นอันตราย" สำหรับตัวแทนของ "ศิลปะชั้นสูงแห่งกวีนิพนธ์และดนตรี ผู้รู้วิธีแต่งบทกวีและสร้างสรรค์ผลงานที่ให้ความรู้และยั่งยืน" ภายใต้หน้ากากของคำตอบของกษัตริย์ Riquiere เสนอการจัดระบบของเขา: 1) "แพทย์แห่งกวีนิพนธ์" - ที่สุดของคณะนักร้อง "ส่องสว่างเส้นทางของสังคม" ผู้เขียน "บทกวีและศีลที่เป็นแบบอย่างเรื่องสั้นที่สง่างามและงานการสอน " ในภาษาพูด 2) นักร้องที่แต่งเพลงและดนตรีสำหรับพวกเขาสร้างท่วงทำนองการเต้น, บัลลาด, อัลบัสและเซอร์เวนท์; 3) นักเล่นปาหี่ที่จัดไว้เพื่อรสนิยมของขุนนาง: พวกเขาเล่นเครื่องดนตรีต่าง ๆ บอกเล่าเรื่องราวและเทพนิยายร้องเพลงบทกวีและศีลของคนอื่น 4) buffons (ตัวตลก) "แสดงศิลปะต่ำของพวกเขาบนถนนและสี่เหลี่ยมและนำไปสู่วิถีชีวิตที่ไม่คู่ควร" พวกเขาเพาะพันธุ์ลิง สุนัข และแพะ สาธิตหุ่น เลียนเสียงนกร้อง สำหรับเอกสารแจกย่อย บุฟฟ่อนเล่นหรือบ่นต่อหน้าคนทั่วไป ... เดินทางจากศาลไปที่ศาลโดยปราศจากความละอายเขาอดทนอดกลั้นต่อความอัปยศอดสูทุกชนิดและดูถูกอาชีพที่น่ารื่นรมย์และมีเกียรติ

Riquiere ก็เหมือนกับนักปราชญ์หลายคนกังวลเกี่ยวกับคุณธรรมของอัศวิน ศักดิ์ศรีสูงสุดเขาถือว่าความเอื้ออาทร "ฉันไม่ได้พูดถึงความกล้าหาญและสติปัญญาในทางใด แต่ความเอื้ออาทรเหนือทุกสิ่ง"

ความรู้สึกขมขื่นและความขุ่นเคืองรุนแรงขึ้นอย่างมากในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 เมื่อการล่มสลายของสงครามครูเสดกลายเป็นความจริงที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ซึ่งไม่สามารถละเลยได้และเป็นไปไม่ได้ที่จะไม่คิด “ได้เวลาจบเพลงแล้ว!” - ในโองการเหล่านี้ (มีอายุย้อนไปถึงปี 1292) Giraut Riquiere แสดงความผิดหวังของเขากับผลลัพธ์อันหายนะของวิสาหกิจที่ทำสงครามครูเสด:
"ถึงเวลาแล้วสำหรับพวกเรา - สำหรับกองทัพมนุษย์ - ที่จะออกจากดินแดนศักดิ์สิทธิ์!" บทกวี "It's time for me to end with songs" (1292) ถือเป็นเพลงสุดท้ายของ Troubadour

นักแต่งเพลง นักดนตรี

Guillaume de Machaut ประมาณ 1300 - 1377

Machaut เป็นกวี นักดนตรี และนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส เขารับใช้ที่ราชสำนักของกษัตริย์เช็ก ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1337 เขาเป็นนักบุญของมหาวิหารแร็งส์ นักดนตรีที่โด่งดังที่สุดคนหนึ่งในยุคกลางตอนปลาย ซึ่งเป็นบุคคลที่ใหญ่ที่สุดในฝรั่งเศส Ars nova เขาเป็นที่รู้จักในฐานะนักประพันธ์เพลงหลากหลายประเภท: โมเต็ต บัลลาด ไวรัล เลอ รอนโด แคนนอน และรูปแบบเพลงอื่นๆ (เพลงและการเต้นรำ) ได้มาถึงเราแล้ว ดนตรีของเขาโดดเด่นด้วยการแสดงออกที่ละเอียดอ่อนความเย้ายวนที่ละเอียดอ่อน นอกจากนี้ Machaut ได้สร้างมิสซาของผู้แต่งคนแรกในประวัติศาสตร์ (สำหรับพิธีราชาภิเษกของ King Charles V ใน Reims ในปี 1364 .. เป็นพิธีมิสซาของผู้แต่งคนแรกในประวัติศาสตร์ดนตรี - ผลงานที่สมบูรณ์และครบถ้วนของนักแต่งเพลงชื่อดังในครั้งเดียว จากวัฒนธรรมทางดนตรีและกวีนิพนธ์ของนักร้องและนักร้องประสานเสียงในพื้นฐานเพลงที่มีมายาวนาน ในทางกลับกัน จากโรงเรียนภาษาฝรั่งเศสแห่งโพลีโฟนีแห่งศตวรรษที่ 12-13

เลโอนิน (กลางศตวรรษที่ 12)

Leonin เป็นนักแต่งเพลงที่โดดเด่น พร้อมด้วย Perotin เป็นสมาชิกของ School of Notre Dame ประวัติศาสตร์ได้เก็บรักษาชื่อของผู้สร้าง "Big Book of Organums" ที่ครั้งหนึ่งเคยโด่งดังไว้ให้เรา ซึ่งออกแบบมาสำหรับวงร้องเพลงประจำปีของโบสถ์ ออร์แกนของลีโอนินแทนที่การร้องเพลงประสานเสียงพร้อมกันด้วยการร้องเพลงของศิลปินเดี่ยวสองส่วน ออร์แกนสองส่วนของเขาโดดเด่นด้วยความประณีตบรรจง "ความสอดคล้อง" ของเสียง ซึ่งเป็นไปไม่ได้หากปราศจากการคิดและการบันทึกเบื้องต้น: ในงานศิลปะของเลโอนิน มันไม่ใช่นักร้องด้นสดที่อยู่เบื้องหน้า แต่เป็นนักแต่งเพลง นวัตกรรมหลักของ Leonin คือการบันทึกเสียงตามจังหวะ ซึ่งทำให้สามารถสร้างจังหวะที่ชัดเจนของเสียงบนแบบเคลื่อนที่ส่วนใหญ่ได้ ลักษณะของเสียงบนนั้นโดดเด่นด้วยความเอื้ออาทรไพเราะ

เปโรเตน

Perotin, Perotinus - นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 12 - 1 ใน 3 ของศตวรรษที่ 13 ในบทความร่วมสมัยเขาถูกเรียกว่า "ปรมาจารย์ Perotin ผู้ยิ่งใหญ่" (ไม่ทราบแน่ชัดว่าเขาหมายถึงใครเนื่องจากมีนักดนตรีหลายคนที่สามารถอ้างชื่อนี้ได้) Perotin พัฒนารูปแบบการร้องเพลงโพลีโฟนิกที่พัฒนาขึ้นในผลงานของ Leonin รุ่นก่อนของเขาซึ่งเป็นของโรงเรียนที่เรียกว่า Parisian หรือ Notre Dame Perotin ได้สร้างตัวอย่างอวัยวะอันสูงส่งสูง เขาไม่เพียงแต่เขียนเรียงความที่มีเสียง 2 เสียงเท่านั้น (เช่น Leonin) แต่ยังเขียนองค์ประกอบที่เปล่งเสียง 3 และ 4 เสียง และเห็นได้ชัดว่าเขาแต่งประสานเสียงประสานกันอย่างซับซ้อนและสมบูรณ์ตามจังหวะและพื้นผิว ออร์แกนเสียง 4 เสียงของเขายังไม่เป็นไปตามกฎที่มีอยู่ของโพลิโฟนี (เลียนแบบ แคนนอน ฯลฯ) ในงานของ Perotin ประเพณีการร้องเพลงโพลีโฟนิกของคริสตจักรคาทอลิกได้พัฒนาขึ้น

Josquin des Pré c. 1440-1524

นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส-เฟลมิช ตั้งแต่อายุยังน้อย คณะนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ เขารับใช้ในเมืองต่าง ๆ ในอิตาลี (ในปี ค.ศ. 1486-99 ในฐานะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปาในกรุงโรม) และฝรั่งเศส (คองเบร ปารีส) เขาเป็นนักดนตรีในราชสำนักของ Louis XII; ได้รับการยอมรับในฐานะอาจารย์ไม่เพียง แต่เพลงลัทธิเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเพลงฆราวาสที่คาดว่าจะเป็นชานสันของฝรั่งเศส ปีสุดท้ายของชีวิต ท่านอธิการโบสถ์ใน Conde-sur-Esco Josquin Despres เป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ซึ่งมีอิทธิพลหลายแง่มุมในการพัฒนาศิลปะยุโรปตะวันตกในเวลาต่อมา โดยการสรุปความสำเร็จของโรงเรียนดัตช์อย่างสร้างสรรค์ เขาได้สร้างผลงานที่เป็นนวัตกรรมของประเภทจิตวิญญาณและฆราวาส (ฝูง, โมเท็ต, สดุดี, ฟรอตโตล) ที่เต็มไปด้วยมุมมองที่เห็นอกเห็นใจซึ่งอยู่ภายใต้เทคนิคโพลีโฟนิกระดับสูงกับงานศิลปะใหม่ ท่วงทำนองของผลงานของเขาที่เกี่ยวข้องกับต้นกำเนิดของประเภทนั้นมีความสมบูรณ์และหลากหลายกว่าของอาจารย์ชาวดัตช์รุ่นก่อน ๆ สไตล์โพลีโฟนิกที่ "ชัดเจน" ของ Josquin Despres ปราศจากปัญหาแทรกซ้อน เป็นจุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์ของการเขียนประสานเสียง

ประเภทเสียงร้อง

ยุคทั้งหมดโดยรวมมีลักษณะเด่นที่ชัดเจนของแนวเสียงร้องและโดยเฉพาะอย่างยิ่งเสียงร้อง โพลีโฟนี... ความเชี่ยวชาญที่ซับซ้อนผิดปกติของการประสานเสียงในรูปแบบที่เข้มงวด ทุนการศึกษาของแท้ เทคนิคอัจฉริยะอยู่ร่วมกับศิลปะที่สดใสและสดใหม่ของการเผยแพร่ทุกวัน ดนตรีบรรเลงได้รับความเป็นอิสระบางส่วน แต่การพึ่งพาอาศัยโดยตรงของรูปแบบเสียงร้องและแหล่งที่มาในชีวิตประจำวัน (การเต้นรำ, เพลง) จะเอาชนะได้ในภายหลังเท่านั้น แนวดนตรีที่สำคัญยังคงเชื่อมโยงกับข้อความด้วยวาจา สาระสำคัญของมนุษยนิยมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสะท้อนให้เห็นในการแต่งเพลงประสานเสียงในสไตล์ Frottol และ Vilanell
ประเภทการเต้นรำ

ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการเต้นรำทุกวันมีความสำคัญอย่างยิ่ง มีรูปแบบการเต้นใหม่ๆ เกิดขึ้นมากมายในอิตาลี ฝรั่งเศส อังกฤษ สเปน ชั้นต่าง ๆ ของสังคมมีการฟ้อนรำของตนเอง พัฒนาลักษณะการแสดง กฎของพฤติกรรมระหว่างงานบอล ตอนเย็น งานฉลอง การเต้นรำแบบเรอเนซองส์มีความซับซ้อนมากกว่าคำสาปธรรมดาๆ ของยุคกลางตอนปลาย การเต้นรำด้วยการเต้นรำแบบกลมและองค์ประกอบลำดับเชิงเส้นจะถูกแทนที่ด้วยการเต้นรำคู่ (ดูเอต) ซึ่งสร้างขึ้นจากการเคลื่อนไหวและรูปร่างที่ซับซ้อน
โวลตา - การเต้นรำคู่ของแหล่งกำเนิดอิตาลี ชื่อของมันมาจากคำภาษาอิตาลี voltare ซึ่งแปลว่า "หัน" ขนาดเป็นสามจังหวะจังหวะเร็วปานกลาง รูปแบบหลักของการเต้นรำคือสุภาพบุรุษหันหลังให้ผู้หญิงที่เต้นรำกับเขาในอากาศอย่างว่องไวและทันใด ปีนนี้มักจะทำสูงมาก ต้องใช้พละกำลังและความคล่องแคล่วอย่างมากจากสุภาพบุรุษ เนื่องจากถึงแม้จะเคลื่อนไหวได้เฉียบขาดและคล่องแคล่ว แต่การยกต้องแสดงได้อย่างชัดเจนและสวยงาม
Galliard - การเต้นรำแบบเก่าที่มีต้นกำเนิดจากอิตาลีแพร่หลายในอิตาลี อังกฤษ ฝรั่งเศส สเปน เยอรมนี จังหวะของ Galliards ในช่วงต้นนั้นเร็วปานกลางขนาดสามจังหวะ Galliarda มักจะแสดงต่อจากปาวานา ซึ่งบางครั้งก็มีความเกี่ยวข้องกันเฉพาะเรื่อง Galliards ศตวรรษที่ 16 คงไว้ซึ่งเนื้อสัมผัสที่ไพเราะ-ฮาร์โมนิกพร้อมท่วงทำนองในเสียงบน เพลง Galliard เป็นที่นิยมในหมู่สังคมฝรั่งเศสในวงกว้าง ระหว่างการแสดงดนตรี นักเรียนออร์ลีนส์เล่นเพลงแกลเลียร์ด้วยลูทและกีตาร์ เช่นเดียวกับเสียงกริ่ง แกลเลียร์มีลักษณะเป็นบทสนทนาการเต้น ขุนนางเดินไปรอบ ๆ ห้องโถงกับผู้หญิงของเขา เมื่อชายคนนั้นแสดงเดี่ยว ผู้หญิงคนนั้นก็อยู่กับที่ โซโลชายประกอบด้วยการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนหลากหลาย หลังจากนั้นเขาก็เข้าหาหญิงสาวอีกครั้งและเต้นรำต่อไป
ภาวนา - การเต้นรำด้านข้างของศตวรรษที่ 16-17 จังหวะช้าปานกลาง 4/4 หรือ 2/4 บีต แหล่งข้อมูลต่าง ๆ ไม่เห็นด้วยกับที่มาของมัน (อิตาลี สเปน ฝรั่งเศส) รุ่นที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือการเต้นรำแบบสเปนที่เลียนแบบการเคลื่อนไหวของนกยูงที่เดินด้วยหางที่พลิ้วไหวอย่างสวยงาม ได้ใกล้ชิดกับการเต้นเบส ดนตรีของชาวปาปามีการจัดขบวนพิธีการต่างๆ: การเข้ามาของเจ้าหน้าที่เข้าไปในเมืองโดยเห็นเจ้าสาวผู้สูงศักดิ์ไปที่โบสถ์ ในฝรั่งเศสและอิตาลี การแสดงปาวาน่าเป็นการเต้นรำในราชสำนัก ลักษณะที่เคร่งขรึมของภาวนาทำให้สังคมในราชสำนักส่องแสงด้วยความสง่างามและสง่างามในกิริยาท่าทางและการเคลื่อนไหวของพวกเขา ประชาชนและชนชั้นนายทุนไม่ทำการเต้นรำนี้ Pavane เช่นเดียวกับ minuet ได้รับการปฏิบัติอย่างเคร่งครัดตามอันดับ ราชาและราชินีเริ่มงานเต้นรำ จากนั้นโดฟินและสตรีผู้สูงศักดิ์ก็เข้าสู่การเต้นรำ จากนั้นเจ้าชาย ฯลฯ นตะลึงแสดงปาวาน่าด้วยดาบและสวมผ้าม่าน ผู้หญิงเหล่านี้สวมชุดที่เป็นทางการซึ่งมีร่องลึกยาว ซึ่งต้องใช้ความชำนาญขณะเคลื่อนไหวโดยไม่ต้องยกขึ้นจากพื้น การเคลื่อนไหวของรถไฟทำให้การเคลื่อนไหวสวยงาม ทำให้ปาเวนมีความสง่างามและเคร่งขรึม สำหรับราชินี บริวารของสตรีได้บรรทุกรถไฟ ก่อนเริ่มรำควรไปรอบ ๆ ห้องโถง ในตอนท้ายของการเต้นรำ ทั้งคู่เดินไปรอบ ๆ ห้องโถงอีกครั้งด้วยคันธนูและ curtsies แต่ก่อนจะสวมหมวก สุภาพบุรุษต้องเอามือขวาแตะไหล่สตรี มือซ้าย (จับหมวก) ที่เอวและหอมแก้มเธอ ในระหว่างการเต้นรำ ดวงตาของหญิงสาวก็ลดต่ำลง เธอมองดูความงามของเธอเป็นครั้งคราวเท่านั้น ปาวาน่าได้รับการอนุรักษ์ไว้เป็นเวลานานที่สุดในอังกฤษ ซึ่งเป็นที่นิยมอย่างมาก
Allemande - ท่าเต้นช้าของชาวเยอรมันใน 4 จังหวะ เขาเป็นนักเต้นที่ "ต่ำ" และไม่กระโดด นักแสดงกลายเป็นคู่กัน จำนวนคู่ไม่จำกัด สุภาพบุรุษจับมือหญิงสาวไว้ เสาเคลื่อนไปรอบๆ ห้องโถง และเมื่อเดินจนสุดทางเดิน ผู้เข้าร่วมก็หันกลับเข้าที่ (โดยไม่แยกมือออก) และเต้นรำต่อไปในทิศทางตรงกันข้าม
Courant - การเต้นรำของศาลที่มีต้นกำเนิดจากอิตาลี เสียงระฆังนั้นเรียบง่ายและซับซ้อน ขั้นตอนแรกประกอบด้วยขั้นตอนการวางแผนที่เรียบง่ายและดำเนินการไปข้างหน้าเป็นหลัก เสียงกริ่งที่ซับซ้อนมีลักษณะเหมือนละครใบ้: สุภาพบุรุษสามคนเชิญผู้หญิงสามคนเข้าร่วมการเต้นรำ พวกผู้หญิงถูกพาไปที่มุมตรงข้ามของห้องโถงและขอเต้นรำ ฝ่ายหญิงปฏิเสธ สุภาพบุรุษได้รับการปฏิเสธจากไป แต่แล้วกลับมาอีกครั้งและคุกเข่าต่อหน้าผู้หญิง หลังจากฉากละครใบ้เท่านั้นที่การเต้นรำเริ่มต้นขึ้น มีความแตกต่างระหว่างเสียงระฆังของประเภทอิตาลีและฝรั่งเศส ระฆังอิตาลีเป็นการเต้นรำที่มีชีวิตชีวา 3/4 หรือ 3/8 เมตรพร้อมจังหวะที่เรียบง่ายในเนื้อสัมผัสที่ไพเราะ ฝรั่งเศส - การเต้นรำที่เคร่งขรึม ("การเต้นรำตามมารยาท") ขบวนที่ราบรื่นและภาคภูมิใจ ขนาด 3/2 จังหวะปานกลาง เนื้อโพลีโฟนิกที่พัฒนามาอย่างดี
สราบันเด - การเต้นรำยอดนิยมของศตวรรษที่ 16 - 17 ที่ได้มาจากการเต้นรำของหญิงชาวสเปนที่มีคาสทาเนต ตอนแรกก็ร้องตาม นักออกแบบท่าเต้นและครูที่มีชื่อเสียง Carlo Blazis ในผลงานชิ้นหนึ่งของเขาให้คำอธิบายสั้น ๆ เกี่ยวกับ sarabanda: "ในการเต้นรำนี้ทุกคนเลือกผู้หญิงที่เขาไม่แยแส ดนตรีให้สัญญาณและคู่รักสองคนแสดงการเต้นรำผู้สูงศักดิ์ อย่างไรก็ตามการวัดความสำคัญของการเต้นรำนี้ไม่ได้รบกวนความสุขแม้แต่น้อยและความสุภาพเรียบร้อยก็ให้ความสง่างามมากขึ้น ดวงตาของทุกคนมีความสุขที่จะติดตามนักเต้นที่แสดงร่างต่าง ๆ แสดงออกด้วยการเคลื่อนไหวทุกขั้นตอนของความรัก " ในขั้นต้น ฝีพระหัตถ์นั้นเร็วพอประมาณ ต่อมา (ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17) ศราบันดาของฝรั่งเศสที่เชื่องช้าก็ปรากฏตัวขึ้นพร้อมกับรูปแบบจังหวะที่มีลักษณะเฉพาะ: …… ในประเทศบ้านเกิด โสราบันดาตกอยู่ในประเภทของการเต้นรำลามกอนาจารในปี ค.ศ. 1630 ถูกห้ามโดยสภา Castilian
Gigue - การเต้นรำที่มาจากอังกฤษ เร็วที่สุด แฝดสาม กลายเป็นแฝดสาม ในขั้นต้น การแสดงเป็นการเต้นรำคู่ แต่มันแพร่กระจายไปในหมู่กะลาสีเป็นการแสดงเดี่ยวที่เต้นเร็วมากของตัวการ์ตูน ต่อมาปรากฏในดนตรีบรรเลงเป็นส่วนสุดท้ายของชุดเต้นรำแบบเก่า

ประเภทเสียงร้อง

ลักษณะของบาโรกแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในประเภทที่ดนตรีเชื่อมโยงกับศิลปะอื่น ๆ ประการแรกคือโอเปร่า oratorio และประเภทของเพลงศักดิ์สิทธิ์เช่นความสนใจและ cantatas ดนตรีประกอบกับคำพูดและในโอเปร่า - ด้วยเครื่องแต่งกายและของประดับตกแต่ง นั่นคือด้วยองค์ประกอบของการวาดภาพ ศิลปะประยุกต์ และสถาปัตยกรรม ถูกเรียกให้แสดงโลกแห่งจิตที่ซับซ้อนของบุคคล เหตุการณ์ที่ซับซ้อนและหลากหลายที่เขาประสบ บริเวณใกล้เคียงของวีรบุรุษ, เทพเจ้า, การกระทำที่แท้จริงและเหนือจริง, เวทมนตร์ทุกประเภทเป็นธรรมชาติสำหรับรสนิยมบาโรก, เป็นการแสดงออกสูงสุดของการเปลี่ยนแปลง, พลวัต, การเปลี่ยนแปลง, ปาฏิหาริย์ไม่ใช่ภายนอก, องค์ประกอบการตกแต่งล้วนๆ, แต่ประกอบด้วยส่วนที่ขาดไม่ได้ของ ระบบศิลปะ

โอเปร่า.

ประเภทโอเปร่าได้รับความนิยมมากที่สุดในอิตาลี มีการเปิดโรงอุปรากรจำนวนมาก ซึ่งเป็นปรากฏการณ์ที่น่าตื่นตาตื่นใจและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว กล่องจำนวนนับไม่ถ้วน ห่อด้วยผ้ากำมะหยี่หนา ล้อมรั้วด้วยกำแพงกั้น (ซึ่งพวกเขายืนในเวลานั้นไม่ได้นั่ง) มารวมตัวกันในช่วงการแสดงโอเปร่า 3 ฤดูกาล ประชากรเกือบทั้งหมดของเมืองนี้ บ้านพักถูกซื้อตลอดทั้งฤดูกาลโดยใช้ชื่อผู้ดี คนธรรมดาแออัดในแผงขายของ บางครั้งเข้ารับการรักษาฟรี แต่ทุกคนรู้สึกสบายใจในบรรยากาศของการเฉลิมฉลองอย่างต่อเนื่อง ในกล่องมีบุฟเฟ่ต์, โซฟา, โต๊ะไพ่สำหรับเกม "ฟาโรห์"; แต่ละคนเชื่อมต่อกับห้องพิเศษที่เตรียมอาหาร ผู้ชมไปที่กล่องที่อยู่ใกล้เคียงราวกับว่าพวกเขาเป็นแขก มีคนรู้จักที่นี่ เริ่มเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ข่าวล่าสุดมีการแลกเปลี่ยนมีเกมไพ่สำหรับเงินก้อนใหญ่ ฯลฯ และการแสดงบนเวทีที่สวยงามตระการตาได้รับการออกแบบมาเพื่อให้มีอิทธิพลต่อจิตใจและความรู้สึกของผู้ชม การมองเห็นและการได้ยิน ความกล้าหาญและความกล้าหาญของวีรบุรุษแห่งสมัยโบราณ การผจญภัยอันน่าทึ่งของตัวละครในตำนานปรากฏขึ้นต่อหน้าผู้ฟังที่ชื่นชมในความงดงามของการออกแบบทางดนตรีและการตกแต่งที่ทำได้ในช่วงเกือบ 100 ปีของโรงละครโอเปร่า

โอเปร่าถือกำเนิดขึ้นในปลายศตวรรษที่ 16 ในเมืองฟลอเรนซ์ ("กล้อง") ในกลุ่มนักวิชาการด้านมนุษยนิยม กวี และนักประพันธ์เพลง ในไม่ช้าโอเปร่าก็กลายเป็นแนวดนตรีชั้นนำในอิตาลี K. Monteverdi ซึ่งทำงานใน Mantua และ Venice มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาโอเปร่า ผลงานละครเวทีที่โด่งดังที่สุดสองชิ้นของเขาคือ Orpheus และ The Coronation of Poppea มีชื่อเสียงในด้านความเป็นเลิศอันน่าทึ่งในละครเพลง ในช่วงชีวิตของ Monteverdi โรงเรียนโอเปร่าแห่งใหม่ได้เกิดขึ้นในเมืองเวนิส นำโดย F. Cavalli และ M. Chesti ด้วยการเปิดโรงละครสาธารณะแห่งแรกของ San Cassiano ในเมืองเวนิสในปี 1637 ใครก็ตามที่ซื้อตั๋วก็สามารถเห็นโอเปร่าได้ ทีละน้อยในการแสดงบนเวที ความสำคัญของช่วงเวลาที่น่าตื่นเต้นและน่าตื่นเต้นภายนอกค่อยๆ เพิ่มขึ้นสู่ความเสียหายต่ออุดมคติในสมัยโบราณของความเรียบง่ายและความเป็นธรรมชาติ ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจให้ผู้ค้นพบประเภทโอเปร่า เทคนิคการจัดฉากกำลังอยู่ในระหว่างการพัฒนาอย่างมาก ซึ่งทำให้สามารถรวบรวมการผจญภัยที่น่าอัศจรรย์ที่สุดของเหล่าฮีโร่บนเวทีได้ จนถึงเรืออับปาง เที่ยวบินทางอากาศ ฯลฯ การตกแต่งอันโอ่อ่าตระการตาด้วยสีสันที่สร้างภาพลวงตาของมุมมอง (เวทีใน โรงละครอิตาลีเป็นรูปวงรี) ส่งผู้ชมไปยังพระราชวังในเทพนิยายและไปยังทะเล ไปยังดันเจี้ยนลึกลับและสวนที่มีมนต์ขลัง

ในเวลาเดียวกัน ในดนตรีของโอเปร่า เน้นมากขึ้นเรื่อย ๆ ที่จุดเริ่มต้นของเสียงร้องเดี่ยว ซึ่งอยู่ภายใต้องค์ประกอบที่เหลือของการแสดงออก; ภายหลังสิ่งนี้ย่อมนำไปสู่ความหลงใหลในความสามารถทางเสียงที่เพียงพอในตัวเองอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้และความตึงเครียดของการแสดงละครที่ลดลง ซึ่งมักจะกลายเป็นเพียงข้ออ้างในการแสดงให้เห็นถึงความสามารถด้านเสียงร้องอันมหัศจรรย์ของนักร้องเดี่ยว ตามธรรมเนียม นักร้อง Castrati ได้แสดงทั้งชายและหญิงในฐานะศิลปินเดี่ยว การแสดงของพวกเขาผสมผสานความแข็งแกร่งและความสดใสของเสียงผู้ชายเข้ากับความเบาและความคล่องตัวของเสียงผู้หญิง การใช้เสียงสูงในงานปาร์ตี้ที่แต่งหน้าอย่างกล้าหาญและกล้าหาญนั้นเป็นประเพณีในเวลานั้นและไม่ถูกมองว่าผิดธรรมชาติ เป็นที่แพร่หลายไม่เฉพาะในกรุงโรมของสมเด็จพระสันตะปาปาที่ซึ่งผู้หญิงไม่ได้รับอนุญาตให้แสดงในโอเปร่า แต่ยังรวมถึงในเมืองอื่น ๆ ของอิตาลีด้วย

ตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 บทบาทนำในประวัติศาสตร์ของโรงละครดนตรีอิตาลีส่งผ่านไปยังโอเปร่าเนเปิลส์ หลักการของละครโอเปร่าที่พัฒนาโดยนักประพันธ์ชาวเนเปิลส์กลายเป็นสากล และโอเปร่าของเนเปิลส์ถูกระบุด้วยประเภทโอเปร่าอิตาลีทั่วประเทศ เรือนกระจกมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาโรงเรียนโอเปร่าเนเปิลส์ซึ่งเติบโตจากสถานเลี้ยงเด็กกำพร้าไปจนถึงสถาบันการศึกษาดนตรีพิเศษ พวกเขาให้ความสนใจเป็นพิเศษกับชั้นเรียนกับนักร้อง ซึ่งรวมถึงการฝึกในอากาศ บนน้ำ ในสถานที่ที่มีผู้คนพลุกพล่าน และที่ซึ่งเสียงสะท้อนดูเหมือนจะควบคุมนักร้อง นักร้องที่มีพรสวรรค์เป็นแถวยาว - ลูกศิษย์ของโรงเรียนสอนดนตรี - แผ่รัศมีแห่งดนตรีอิตาลีและ "การร้องเพลงที่สวยงาม" ไปทั่วโลก (bel canto) สำหรับโอเปร่าแบบเนเปิลส์ โรงเรือนสร้างสำรองบุคลากรมืออาชีพอย่างถาวร เป็นกุญแจสำคัญในการฟื้นฟูความคิดสร้างสรรค์ ในบรรดานักประพันธ์โอเปร่าชาวอิตาลีในยุคบาโรก ผลงานของ Claudio Monteverdi ที่โดดเด่นที่สุดคือ ผลงานต่อมาของเขาได้พัฒนาหลักการพื้นฐานของละครโอเปร่าและการขับร้องเดี่ยวโอเปร่าในรูปแบบต่างๆ ซึ่งตามมาด้วยนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 17

Henry Purcell ผู้สร้างอุปรากรอังกฤษระดับชาติและดั้งเดิมเพียงคนเดียว เขาได้เขียนงานละครเป็นจำนวนมาก โดยในจำนวนนี้มีโอเปร่าเพียงเรื่องเดียวคือ Dido และ Aeneas "Dido and Aeneas" เกือบจะเป็นอุปรากรภาษาอังกฤษเพียงเรื่องเดียวที่ไม่มีคำพูดแทรกและบทสนทนา ซึ่งการแสดงละครถูกตั้งค่าเป็นเพลงตั้งแต่ต้นจนจบ งานดนตรีและการแสดงละครอื่นๆ ทั้งหมดของ Purcell มีบทสนทนาเชิงสนทนา (ในสมัยของเรา งานดังกล่าวเรียกว่า "ดนตรี")

“โอเปร่าเป็นที่พำนักอันน่ารื่นรมย์ เป็นดินแดนแห่งการเปลี่ยนแปลง ในชั่วพริบตา ผู้คนกลายเป็นเทพเจ้า และเทพเจ้าก็กลายเป็นผู้คน ที่นั่นผู้เดินทางไม่จำเป็นต้องเดินทางไปทั่วประเทศ เพราะประเทศต่างๆ ก็เดินทางต่อหน้าเขา คุณเบื่อในทะเลทรายอันน่ากลัวไหม ทันใดนั้น เสียงนกหวีดก็พาคุณไปยังสวนของ Idylls อีกคนหนึ่งนำคุณจากนรกไปยังที่พำนักของเหล่าทวยเทพ: อีกเรื่องหนึ่ง - และคุณพบว่าตัวเองอยู่ในแคมป์ของนางฟ้า Opera แฟรี่หลงใหลเพียง เหมือนนางฟ้าในเทพนิยายของเรา แต่ศิลปะของพวกเขานั้นเป็นธรรมชาติมากกว่า ... "(Dufreni)

"โอเปร่าเป็นการแสดงที่แปลกและงดงาม ที่ตาและหูพอใจมากกว่าจิตใจ ที่การยอมจำนนต่อดนตรีทำให้เกิดความไร้สาระที่ไร้สาระ ที่ซึ่งเพลงบรรเลงในระหว่างการทำลายเมืองและพวกเขาก็เต้นรำไปรอบ ๆ หลุมศพ ที่ซึ่งสามารถมองเห็นวังของดาวพลูโตและดวงอาทิตย์ได้ และเทพเจ้า ปีศาจ พ่อมด สัตว์ประหลาด คาถา วังสร้างและทำลายในพริบตา ความแปลกประหลาดดังกล่าวเป็นที่ยอมรับและชื่นชมสำหรับโอเปร่าคือดินแดนแห่งนางฟ้า " (วอลแตร์, 1712).

Oratorio

Oratorio รวมทั้งจิตวิญญาณซึ่งมักถูกมองว่าเป็นโอเปร่าโดยไม่มีเครื่องแต่งกายและของประดับตกแต่ง อย่างไรก็ตาม ลัทธิ oratorio และความหลงใหลฟังในโบสถ์ ซึ่งทั้งตัววัดและเครื่องแต่งกายของนักบวชทำหน้าที่เป็นเครื่องตกแต่งและเครื่องแต่งกาย

ประการแรก oratorio เป็นประเภทจิตวิญญาณ คำว่า oratorio เอง (มัน. Oratorio) มาจากภาษาละติน oratorium - "ห้องละหมาด" และ oratorium ละติน - "ฉันพูด ฉันภาวนา" oratorio เกิดพร้อมกันกับโอเปร่าและคันทา แต่ในวัด บรรพบุรุษของมันคือละครพิธีกรรม พัฒนาการของการกระทำของคริสตจักรนี้ดำเนินไปในสองทิศทาง ในอีกด้านหนึ่ง เมื่อได้มาซึ่งตัวละครทั่วไปมากขึ้นเรื่อยๆ มันก็ค่อยๆ กลายเป็นการแสดงตลก ในทางกลับกัน ความปรารถนาที่จะรักษาความจริงจังของการสื่อสารการอธิษฐานกับพระเจ้าตลอดเวลาได้ผลักดันไปสู่การแสดงที่นิ่ง แม้จะอยู่ในโครงเรื่องที่พัฒนาแล้วและน่าทึ่งที่สุดก็ตาม ในที่สุดสิ่งนี้ก็นำไปสู่การถือกำเนิดของ oratorio ในฐานะที่เป็นอิสระ ครั้งแรกคือวัดล้วนๆ และต่อมาเป็นประเภทคอนเสิร์ต