Ang mga pyanista ay mga virtuosos. Ang pinakamahusay na mga piano ng jazz sa lahat ng oras

MSOPE "Paaralan ng Sining ng Akimat ng Distrito ng Shemonaikha"

Proyekto sa pananaliksik

Mahusay na pianista - performers

Ika-19, ika-20, ika-21 siglo

Inihanda ni:Tayurskikh Daria Baitang 5

Podfatilov Denis Baitang 3

Pinuno ng pangkat:

guro ng paaralan ng sining

Dobzhanskaya Y.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Panimula ……………………………………………………… ... 2

XIX na siglo …………………………………………… ..3

XX siglo …………………………………………… ..13

XXI siglo ……………………………………………………… .24

Konklusyon ………………………………………………… ..

... "piano - ito ang pasimula at pagtatapos ng lahat, hindi gaanong isang instrumento sa musika bilang isang paraan ng pamumuhay, at ang kahulugan ay hindi sa musika para sa kapakanan ng musika, ngunit sa musika para sa kapakanan ng piano. "

Herold Schonberg

Mga pyanista– ito ay musikero, dalubhasa sa pagganap ng piano ng mga gawa sa musikal.

Mahusay na pianista. Paano ka maging mahusay na mga pianista? Ito ay palaging isang malaking trabaho. At lahat ito ay nagsisimula sa pagkabata. Maraming mga pianista at kompositor ang nagsimulang mag-aral ng musika sa edad na 4 o kahit 3.Pagkatapos, kapag ang "malawak" na hugis ng palad ay nabuo, na sa hinaharap ay nakakatulong upang mahusay na maglaro.

Nakasalalay sa panahon ng pag-unlad ng musika ng piano, kung minsan ang mga tali sa kabaligtaran ng mga kahilingan ay inaasahan para sa mga pianista. Bilang karagdagan, ang propesyon ng isang musikero ay hindi maiiwasang mag-overlay sa propesyon ng isang kompositor. Karamihan sa mga pianista ay bumubuo ng musika ng piano sa kanilang sarili. At ang mga bihirang mga virtuosos lamang ang pinamamahalaang maging sikat sa pamamagitan ng eksklusibong mga melodies ng ibang tao.
Sa anumang kaso, tulad ng anumang musikero, mahalaga para sa isang pianista na maging taos-puso at emosyonal, upang matunaw sa musika na kanyang ginagawa.

Ang kasaysayan ng musika ng piano ay medyo kawili-wili. Maraming mga yugto ay nakikilala sa loob nito, na ang bawat isa ay may sariling mga tradisyon. Kadalasan, ang mga canon ng panahon ay itinakda ng isa (hindi gaanong madalas) na mga kompositor na mahusay na pinagkadalubhasaan ang pag-play ng instrumento (sa una ito ang harpsichord, at kalaunan ang piano).

Samakatuwid, ang pagkilala sa tatlong panahon sa kasaysayan ng pianismo, sila ay pinangalanan pagkatapos ng pinaka sikat na kompositor - Mozart, Liszt at Rachmaninoff. Kung gagamitin natin ang tradisyunal na terminolohiya ng mga istoryador, ito ang mga yugto ng pagiging klasik, pagkatapos ay ang pagiging romantiko at maagang modernismo, ayon sa pagkakabanggit.

Ang bawat isa sa kanila ay nanatili sa loob ng maraming siglo bilang isang mahusay na kompositor, ngunit sa isang pagkakataon bawat natutukoy ang mga pangunahing mga uso sa pianismo: klasismo, romantismo at maagang pagiging makabago. Kasabay nito, ang iba pang mahusay na mga piano ay kumilos nang sabay-sabay sa bawat isa sa kanila. Ang ilan sa kanila ay mahusay na mga kompositor. Sila ay: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alcan, Robert Schumann at iba pa.

Kung maglakbay ka sa kasaysayan ng science sa piano, maaari kang malaman ang maraming mga kagiliw-giliw na bagay. Halimbawa, na sa iba't ibang oras, ang iba't ibang mga panahon, ang mga pangunahing tradisyon sa paglalaro ng piano ay tinutukoy ng isa o maraming magagaling na kompositor na perpektong pinagkadalubhasaan ang paglalaro ng harpsichord at kalaunan, kasama ang pagdating ng piano, ay mahusay na mga pianista.

Maraming mga sikat na pianista ang nakaaliw at nakaganyak na tagapakinig at mahilig sa musika sa buong kasaysayan. Ang piano ay naging isa sa mga pinaka-tanyag na mga instrumento mula nang ito ay umpisahan dahil sa kanyang kagalingan sa maraming bagay at kaaya-ayang tunog. Bagaman ang kasaysayan ay nagpanatili ng ilang mga pangalan ng mga magagaling na pianista, ang anumang pagsusuri sa pinakasikat na performer ng piano ay lubos na napapailalim, at ang mga pangalan ng naturang mga performer ay mahirap na magkasya sa isang listahan.

Gayunpaman, mayroon pa ring mga pianoista na nagawang tumaas sa pinakabantog na reputasyon at pagkilala sa buong mundo.

XIX siglo

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, isang bagong instrumento ang pumapasok sa buhay ng musikal piano. Ang tagagawa ng "harpsichord na may piano at forte" ay isang master ng Padua

Bartolomeo Cristofori.

Unti-unting pagpapabuti ng piano, ito ay kinuha ng isang nangingibabaw na lugar sa pagsasanay sa musika. Ang isang instrumento na may isang mekanismo ng martilyo ay posible upang kunin ang mga tunog ng iba't ibang mga lakas dito at mag-aplay nang unti-unti crescendo atdiminuendo. Ang mga katangiang ito ng piano ay tumugon sa pagnanais para sa emosyonal na pagpapahayag ng tunog, para sa paghahatid sa kanilang paggalaw at pag-unlad ng mga imahe, saloobin at damdamin na nababahala sa mga tao.

Sa pagdating ng piano at pagpapakilala nito sa pagsasagawa ng kasanayan, ipinanganak ang mga bagong kinatawan.

Ika-19 na siglo isulong ang isang buong kalawakan ng mga natatanging kompositor na makabuluhang pinalawak ang mga hangganan ng teknikal at nagpapahayag na paraan ng piano. European center ng musikal at pagganap ng kultura, pangunahing mga paaralan ng piano, ito ay:

London(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);

Vienna (Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg, atbp.);

Parisian, kalaunan na kilala bilang pranses(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer, atbp.);

Aleman(Karl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdi, Robert Schumann, Hans Bülow, atbp.);

Ruso(Alexander Dubyuk, Mikhail Glinka, Anton at Nikolai Rubinstein, atbp.).

Estilo ng ika-19 siglo

Ang kasaysayan ng pag-unlad ng pamamaraan ng pianistic ay ang kasaysayan ng mga kultura at estilo. Kabilang sa mga kailangang-kailangan na kasanayan ng isang pianista noong ika-18 na siglo ay dapat na maging improvisasyon, kung gayon ang pianista ay hindi pa nahihiwalay mula sa kompositor, at kung nagpatugtog siya ng musika ng ibang tao, kung gayon ang panuntunan ay itinuturing na isang napaka-libre, nang paisa-isa na malikhaing paghawak ng musikal na teksto, mayroong kasanayan sa pangkulay at pagkakaiba-iba, na ngayon itinuturing na hindi wasto.

Ang istilo ng mga masters ng ika-19 na siglo ay napuno ng tulad ng pagsasagawa ng sarili na nais nating isaalang-alang itong ganap na walang lasa at hindi katanggap-tanggap.

Ang isang natatanging papel sa pag-unlad ng musika ng piano at kultura ng piano ay nabibilang Mga paaralan sa London at Vienna.

Ang nagtatag ng London School ay ang tanyag na virtuoso, kompositor at guro

Muzio Clementi (1752 -1832)

Muzio Clementi at ang kanyang mga mag-aaral ay naglaro ng piano ng Ingles, na may malaking tunog at nangangailangan ng isang malinaw, matatag na keystroke, dahil ang instrumento na ito ay may isang masikip na keyboard. Ang piano ng Viennese, na idinisenyo ni master Johannes Stein at minamahal ni Mozart, ay nagkaroon ng mas malambing, kahit na hindi gaanong makapangyarihang tunog, at may medyo magaan na keyboard. Samakatuwid, ang naging direktor at pagkatapos ay co-may-ari ng isa sa mga pinakamalaking kumpanya ng piano sa Inglatera, pinabuti ni Clementi ang mga instrumento ng Ingles, na binibigyan sila ng higit na melodiousness at pinagaan ang keyboard. Ang impetus para sa ito ay ang personal na pagpupulong ni Clementi kasama ang Mozart noong 1781 sa Vienna, kung saan sa korte ng emperor ng Austrya ay mayroon silang isang uri ng kumpetisyon bilang mga kompositor at pianista. Humanga si Clementi sa pagpapalagayang-loob ng paglalaro ni Mozart at ang kanyang "piano singing".

Muzio Clementi - ang may-akda ng maraming mga gawa sa piano at isang pangunahing guro, ay lumikha ng kanyang sariling paaralan ng paglalaro ng piano. Siya ang may-akda ng unang nakapagtuturo na mga kasanayan sa teknikal at etudes sa kasaysayan ng piano, na nagbibigay ng isang ideya ng mga pamamaraan ng pamamaraan nito.

Si Clementi mismo at ang kanyang mga mag-aaral (I. Kramer, D. Field - isa sa mga pinaka-likas na likas na mag-aaral, E. Brekr) - mahusay na mga virtuosos noong unang bahagi ng ika-19 na siglo - ay nakilala sa kanilang mahusay na diskarte sa daliri. Si Clementi, kasama ang kanyang mga mag-aaral, ay lumikha ng isang progresibong pamamaraan na nakatuon sa pagbuo ng mga bagong paraan ng pagbibigay kahulugan sa instrumento, gamit ang buong "konsiyerto" na tunog at pananaw ng lunas. Ang gawaing pedagogical ni M. Clementi "Isang Hakbang sa Parnassus, o Art of Paglalaro ng Piano, Emododied sa 100 Mga Pagsasanay sa austere at Elegant Styles". Ang gawaing ito ay isang pangunahing paaralan para sa pag-aalaga ng mga kasanayan sa pianistic, 100 magsanay na humanga sa iba't ibang nilalaman at saklaw ng itinalagang mga gawain. Maraming mga kinatawan ng paaralan ng London ang mga naka-bold na tagabuo sa larangan ng pianismo, gamit sa kanilang mga komposisyon, bilang karagdagan sa mga taludtod ng daliri, dobleng tala, octaves, mga istruktura ng chord, mga pagsasanay at iba pang mga diskarte na nagdaragdag ng kasanayan at iba't ibang sa tunog.

Ang paaralan ng Clementi ay nagbigay ng ilang tradisyon sa piano pedagogy:

ang prinsipyo ng maraming oras ng mga teknikal na ehersisyo;

naglalaro gamit ang "nakahiwalay" na mga daliri na tulad ng martilyo na walang galaw na kamay;

kalubhaan ng ritmo at kabaligtaran na dinamika.

Ang mga tagapagtatag ng School ng Vienna ay ang mahusay na mga kompositor ng pianista: Haydn, Mozart at Beethoven.

Ang isang pangunahing kinatawan ng progresibong pedagogy ng piano ay napaka sikat

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

Ang "Theoretical and Practical School of Piano" ni Cerny ay maraming pagkakapareho sa "Manwal" ni Hummel. Sinasalita nang detalyado tungkol sa pamamaraan ng paglalaro, tungkol sa mga paraan ng pag-unlad nito at pagkuha ng mga kasanayan na kinakailangan para sa pianista, binibigyang diin niya sa ikatlong bahagi ng kanyang gawain na ang lahat ng ito ay "nangangahulugan lamang sa pagkamit ng totoong layunin ng sining, na, walang alinlangan, ay ilagay ang kaluluwa sa paglalaro. at espiritu at sa gayon maiimpluwensyahan ang mga damdamin at saloobin ng mga nakikinig. "

Dapat itong tapusin na ang pamamaraan ng pagtuturo ng ika-19 na siglo ay nabawasan sa pulos mga teknikal na gawain, na batay sa pagnanais na magkaroon ng lakas ng daliri at katamtaman sa pamamagitan ng maraming oras ng pagsasanay. Kasabay nito, sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang pinaka-likas na matalinong performers, karamihan sa kanila ay mga mag-aaral ng Clementi, Adam, Czerny, Field at iba pang mga natatanging guro, na nakamit ang mataas na birtud, matapang na binuo ng mga bagong pamamaraan para sa paglalaro ng piano, pagkamit ng lakas ng tunog ng instrumento, ang ningning at ningning ng mga komplikadong sipi. Ang partikular na kahalagahan sa texture ng kanilang mga gawa ay mga istraktura ng chord, octaves, dobleng tala, rehearsal, mga diskarte sa paglilipat ng kamay at iba pang mga epekto na nangangailangan ng pakikilahok ng buong kamay.

Ika-19 na siglo ng Paris ay ang sentro ng kulturang musikal, kagalingan ng virtuoso. Ang tagalikha ng paaralan ng Paris na naglalaro ng piano ay isinasaalang-alang kompositor, pianista, guro

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Sa kanyang akda na "Isang Paraan para sa Pagtuturo ng Piano sa Tulong ng isang Kamay-On" (1830), pinatunayan niya ang paggamit ng mga kagamitang pang-teknikal para sa pagbuo ng iba't ibang uri ng mga pamamaraan (pinong pamamaraan, pag-aayos ng mga kalamnan, atbp.). Maling tampok ang mga paaralan ng ganitong uri ay isang pamayanan ng panitikang panudlo pag-install. Ang pag-aaral ay nagsimula sa pagbuo ng tamang akma para sa instrumento at mastering ang pinakasimpleng mga motor-teknikal na mga formula, at kalaunan ay nagsimulang malaman ng mga mag-aaral ang mga piyesa ng musikal.

Ang pagnanais para sa kabanalan ay humantong sa pabilis na bilis ng pagsasanay, pag-abuso sa mga mekanikal na ehersisyo, na humantong sa mga sakit sa trabaho at sa pagbaba ng kontrol sa pandinig.

Ika-19 na siglo ng Alemanya Ang impluwensya ng mga akdang pampanitikan-kritikal at pedagogical sa romantikong aesthetics ng bansang ito ay makabuluhan

Robert Schumann (1810-1856)

Ang isang makabuluhang lugar sa mga akda ni Robert Schumann ay nasakop sa pamamagitan ng pag-unlad ng mga isyu ng pagiging isang musikero - isang tunay na artista ng isang bagong uri, na panimula na naiiba sa mga virtuosos ng fashion. Itinuturing ng kompositor na ito ang isa sa pinakamabisang paraan ng pagpapalaki ng kulturang musikal.

Ang mga problema ng musikal na pedagogy ay nahahawakan sa mga akda ng R. Schumann "Household and Life Rules for Musicians", "Suplemento sa Album para sa Kabataan", sa paunang salita sa Etudes ni Caprices ni Paganini, op.Z. Ang nilalaman ng pangunahing mga musikal na pedagogical na isyu ay ang mga sumusunod: ang pakikipag-ugnay ng etikal at aesthetic na edukasyon , ang pagkuha ng malalim at maraming nalalaman na kaalaman na bumubuo ng batayan ng anumang edukasyon, ang pagbabalangkas ng mga prinsipyo ng malubhang sining at pintas sa direksyon ng salon at pagnanasa sa "teknolohiya para sa kapakanan ng teknolohiya" sa pagbubuo at pagganap ng sining, ang paglaban sa amateurism.

Ang mga pananaw sa musikal at pedagogical ni Schumann ay nagsilbi at patuloy na nagsisilbi bilang batayan para sa mga advanced na modernong pamamaraan. Ang musika ng piano ng kompositor ay aktibong ginagamit sa mga programang pang-edukasyon ng lahat ng mga antas.

Imposibleng hindi sabihin ang tungkol sa tulad ng isang mahusay na kompositor at virtuoso, pianista ng Poland

Frederic Chopin (1810-1849)

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, si Frederic Chopin ay naging unang kompositor na sumulat ng musika ng eksklusibo para sa piano. Bilang isang likas na matalino na bata, si Chopin ay nagsulat ng maraming magaganda at kumplikadong mga piraso ng piano na nasiyahan sa maraming mga mag-aaral at manlalaro ng piano sa mga nakaraang taon. Mabilis na sinakop ni Chopin ang Paris. Agad niyang nabigla ang madla sa kanyang kakaiba at hindi pangkaraniwang pagganap. Sa oras na iyon, ang Paris ay napuno ng mga musikero mula sa buong mundo. Ang pinakapopular ay mga piano pianista. Ang pagganap ng kung saan ay nakikilala sa pamamagitan ng teknikal na pagiging perpekto at katalinuhan, nakamamanghang madla. Iyon ang dahilan kung bakit ang pinakaunang pagganap ng konsiyerto ni Chopin ay tunog ng isang matalim na kaibahan. Ayon sa mga paggunita ng kanyang mga kontemporaryo, ang kanyang pagganap ay nakakagulat na ispiritwal at makata. Ang memorya ng bantog na musikero ng Hungarian na si Ferenc Liszt ay nakaligtas sa unang konsiyerto ng Chopin. Sinimulan din niya ang kanyang napakatalino na karera bilang isang pianista at kompositor: "Natatandaan namin ang kanyang unang pagganap sa Pleyel Hall, nang ang palakpakan, lumalaki na may paghihiganti, ay tila hindi sapat na maipahayag ang aming sigasig sa harap ng talento, na, kasama ang mga maligayang pagbabago sa larangan ng kanyang sining. binuksan ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng pakiramdam ng poetic. " Sinakop ni Chopin ang Paris, tulad ng sinakop ng Mozart at Beethoven sa Vienna. Tulad ng Liszt, kinilala siya bilang pinakamahusay na pianista sa buong mundo.

Ang kompositor ng Hungarian, pianista, conductor, guro

Franz Liszt (1811-1886)

Mga kaibigan at kaibigan ni F. Chopin. Ang guro ng piano ni Ferenc ay si K. Cerny.

Gumaganap sa mga konsyerto mula sa edad na siyam, unang naging sikat si Liszt bilang isang pianista na virtuoso.

Noong 1823-1835. siya ay nabuhay at nagbigay ng mga konsyerto sa Paris, kung saan nabuo rin niya ang kanyang aktibidad sa pagtuturo at pagkakasulat. Dito nakilala ang musikero at naging malapit kay G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand, at iba pang kilalang mga pigura ng sining at panitikan.

Noong 1835-1839. Naglakbay si Liszt sa Switzerland at Italya at sa panahong ito ay pinerpekto niya ang kanyang mga kasanayan sa pianista.

Sa gawa ng kanyang kompositor, ipinasa ng Liszt ang ideya ng isang synthesis ng maraming sining, lalo na ang musika at tula. Samakatuwid ang pangunahing prinsipyo nito - programmatic (musika ay binubuo para sa isang tiyak na balangkas o imahe). Ang resulta ng isang paglalakbay sa Italya at isang kakilala sa mga kuwadro na gawa ng mga masters ng Italyano ay ang pag-ikot ng piano na "Year of Wanderings", pati na rin ang pantasya sonata "Pagkatapos basahin ang Dante".

Naging malaking kontribusyon din si Franz Liszt sa pag-unlad ng music piano ng konsiyerto.

Kulturang musikal ng Russia noong ika-19 na siglo parang isang uri ng "time machine". Sa loob ng isang daang taon, ang Russia ay pumasa sa isang tatlong siglo na landas, na hindi maihahambing sa maayos at unti-unting pag-unlad ng mga pambansang paaralan ng komposisyon sa malalaking bansa ng Kanlurang Europa. Ito ay sa oras na ito na ang mga kompositor ng Russia, sa totoong kahulugan ng salita, ay nagtagumpay sa pag-master ng naipon na kayamanan ng katutubong sining at muling binuhay ang mga iniisip ng mga tao sa magaganda at perpektong anyo ng musikang klasikal.

Sa huling bahagi ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 siglo. ang musikal na pedagogy sa Russia ay gumagawa ng mga unang hakbang nito: nabuo ang paaralan ng piano ng Russia. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng aktibong pag-unlad ng mga pamamaraan sa pagtuturo ng dayuhan at sa parehong oras hangarin ng mga nangungunang guro ng Russia na lumikha ng isang pambansang paaralan ng pianismo.

Hindi tulad ng Kanlurang Europa, hindi alam ng Russia ang isang lubos na binuo na kultura ng clavier, bagaman ang harpsichord ay kilala mula pa noong ika-16 na siglo. Ang mga tagapakinig ng Russia ay nagpakita ng malaking interes eksklusibo sa mga tinig na musika, at ang mga keyboard na mayroon sa Russia ay ginamit upang samahan ang pag-awit at sayawan. Sa pagtatapos lamang ng ika-18 siglo. lumalaki ang interes sa pag-aaral na maglaro ng clavier. Ang Clavichord School ni Simon Lelein at mga sipi mula sa "Clavier School" ni Daniel Gottlieb Türk ay nai-publish sa Russian.

Sa simula ng ika-19 na siglo, nai-publish ang paglalathala ng treatise ni Vincenzo Manfredini "Harmonic at melodic rules para sa pagtuturo ng lahat ng musika". Kasabay nito, sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, iba't ibang mga paaralan ng piano ng mga dayuhang musikero ang nai-publish sa Russian: "Paaralan ng pagtugtog ng piano" ni M. Clementi (1816), "Kumpletong praktikal na paaralan para sa piano" ni D. Steibelt (1830), "Paaralan" ni F. Günten (1838) at iba pa.

Kabilang sa mga kilalang musikero at guro sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. mayroong I. Prach, John Field, Adolph Hanselt, A. Gerke, Alexander Villuan.

Sa mga taon na ito, ang mga paaralan ng mga may-akda ng Russia ay nagtapos din sa Russia, ang mga compiler kung saan nagpilit na dalhin ang paraan ng pagtuturo na malapit sa mga gawain ng pagtuturo ng mga musikero ng Russia. Ang repertoire ng "Paaralan" ni I. Prach (Czech, tunay na pangalan na Jan Bohumir, taon ng kapanganakan na hindi kilala, namatay noong 1818; kompositor, na nagtatrabaho nang mahabang panahon sa St.

Sa orihinal na manu-manong I. Pracha Ang Kumpletong Paaralan para sa Piano ... (1806) ay isinasaalang-alang ang pagiging tiyak ng kultura ng Russia na gumaganap; ang mga tanong ng edukasyon sa musikal ng mga bata ay nakataas. Ang Prach ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa pag-unlad ng piano pedagogy. Kinokonekta niya ang mga teoretikal na probisyon sa batayan ng mga pamamaraan ng pamamaraan na matukoy ang iba't ibang mga paraan ng pagpatay (harmonic figurations, arpeggios at chord, broken octaves, atbp.) na may mga halimbawa na naglalarawan ng isang partikular na pamamaraan o paggalaw.

Mga Aktibidad J. Field bilang isang musikero at guro ay may kahalagahan para sa pedagogy piano ng Russia. Nagdala siya ng isang kalawakan ng mga kilalang musikero tulad ng M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke at marami pang iba. Siyempre, ang Field School ay napakahalaga. Maaari siyang ituring na tagapagtatag ng nangungunang paaralan ng piano. Sa 20-30s. Ika-19 na siglo Sa kanyang pag-aaral, hinahangad ng Field na ibagsak ang gawaing panteknikal sa mga layunin ng artistikong: nagpapahayag ng pagbigkas, pagtatapos ng filigree ng tunog ng bawat tala, at paghahayag ng nilalaman ng akda.

A. HanseltatA. Gerke

Nagturo sila sa mga pangkalahatang institusyong pang-edukasyon at sa St. Petersburg Conservatory. Ang kanilang pamamaraan ng pedagogical ay sumasalamin sa progresibong direksyon ng paaralan ng piano ng Russia, lalo na: pag-unlad ng pananaw batay sa paggamit ng isang malawak na repertoire, ang pagnanais na turuan ang kalayaan ng mag-aaral. Sila ay masigasig na kalaban ng paraan ng "pagsasanay", "drill".

A. Villuanay isang guro na may progresibong pag-iisip. Ang kanyang makasaysayang papel ay nakasalalay sa katotohanan na binura niya ang talento ng musikal ng A. Rubinstein bilang isang bata at nagawang magbigay ng tamang direksyon sa kanyang pag-unlad. Ang pinakamagandang aspeto ng pamamaraan ng pedagogical ni Villuan, na ipinakita sa kanyang praktikal na aktibidad, ay naipakita sa kanyang Paaralan (1863). Ang pamamaraan ng tunog ng tunog na natagpuan niya - "pagkanta" sa piano - ay naging isa sa malakas na artistikong paraan ng paglalaro ni A. Rubinstein. Ang "Paaralan" ay sumasaklaw sa isang malaking halaga ng kaalaman na may kaugnayan sa teknikal na pagsasanay at edukasyon sa musikal ng pianista. Lalo na mahalaga ang pananaw ni Villuane sa pagkamit ng malambing na malalim na tunog ng piano, sa pagbuo ng legato, kung saan ginagamit ang mga pangangatuwiran na pamamaraan, na hindi nawawala ang kanilang kabuluhan sa kasalukuyang panahon.

Sa kasaysayan ng pre-rebolusyonaryo at post-rebolusyonaryong sining ng Russia, ang nangungunang papel ay kabilang sa Petersburg at Moscow Conservatories

ang pinakamalaking sentro ng musikal na kultura ng bansa. Ang mga aktibidad ng parehong mga conservatories na binuo sa malapit na pakikipag-ugnay, na natukoy hindi lamang sa pagkakapareho ng kanilang mga gawain, kundi pati na rin sa katotohanan na madalas na mga mag-aaral ng St. Petersburg Conservatory ay nagtrabaho sa Moscow, at ang mga Muscovites ay naging mga guro ng St. Petersburg Conservatory.

Sa gayon, si PI Tchaikovsky ay nagtapos mula sa Conservatory ng St. Petersburg, pagkatapos ay naging isa sa mga unang propesor ng Moscow Conservatory; L. Nikolaev (mag-aaral ng V. Safonov sa Moscow Conservatory) - kalaunan ang isa sa mga nangungunang kinatawan ng paaralan ng piano sa Leningrad; Ang mga estudyante ng Nikolaev na sina V. Sofronitsky at M. Yudina ay nagtrabaho sa Moscow sa loob ng maraming taon.

Ang mga tagapagtatag ng Petersburg at Moscow Conservatories, mga kapatid

Anton at Nikolay Rubinsteinov,

Sa mga taon ng pamumuno ng mga conservatories, inilatag nila ang mga pangunahing pundasyon para sa pagsasanay ng mga batang musikero. Ang kanilang mga mag-aaral (A. Ziloti, E. Sauer - mga mag-aaral ni Nikolai; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drucker, I. Hoffman - mga mag-aaral ni Anton) ay naging panganay sa isang kalawakan ng mga batang tagapalabas na nanalo ng pagkilala sa pandaigdigang pamayanan ng musikal.

Sa pamamagitan ng mga pagsisikap ng mga kapatid na Rubinstein, nakuha ang pedagogy ng piano ng Russia noong huling ikatlo ng ika-19 na siglo. malaking awtoridad at pagkilala sa internasyonal. Ito ay sa kanila na ang Russia ay may utang na kinuha nito ang isa sa mga unang lugar sa pagtuturo ng paglalaro ng piano.

Maaari itong tapusin na kapwa ang mga advanced na musikero ng Western European at Ruso-guro ng ika-19 na siglo ay naghahanap ng makatuwiran, orihinal na paraan ng pag-impluwensya sa mag-aaral. Naghanap sila ng mga epektibong paraan upang i-streamline ang teknikal na gawain. Malikhaing gumagamit ng mga tradisyon ng musika ng clavier at mga ideya na binuo noong nakaraang mga siglo tungkol sa kakanyahan ng proseso ng pagbuo ng pagganap na pamamaraan ng piano, ang pamamaraan ng ika-19 na siglo. dumating upang patunayan ang napakahusay na prinsipyo sa paglalaro - ang holistic na paggamit ng pianistic apparatus. Ito ay noong ika-19 na siglo na ang isang tunay na kaakit-akit na base ng etudes at ehersisyo ay nilikha, na hanggang sa araw na ito ay nananatiling kailangang-kailangan sa pagsasanay sa piano.

Ang pagtatasa ng musikal na materyal ay nagpapakita na ang mga tagalikha nito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagnanais na maghanap para sa natural na mga paggalaw sa paglalaro, mga prinsipyo ng palasingsingan na nauugnay sa mga istrukturang tampok ng kamay ng tao.

Kasabay nito, dapat pansinin na noong ika-19 na siglo. nagbigay ng musika pedagogy at edukasyon ng isang sistema ng mga napakahusay na mga promising na ideya at, higit sa lahat, ang pagnanais na turuan ang isang mahusay na edukado na musikero sa pamamagitan ng napakahusay na pag-unlad ng kanyang malikhaing pagkatao.

XX siglo

20 siglo - ang heyday ng piano art. Ang panahong ito ay hindi pangkaraniwang mayaman sa pambihirang talino at natitirang pianista.

Sa simula ng ika-20 siglo, naging sikat sila Hoffmanat Corto, Schnabelat Paderewski. At natural MULA. Rachmaninov, ang henyo ng Panahon ng Pilak, na minarkahan ng isang bagong panahon hindi lamang sa musika ng piano, kundi pati na rin sa kultura ng mundo sa pangkalahatan.

Ang ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay ang panahon ng mga sikat na pianista na tulad ng Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.Nagpapatuloy ang listahan ...

Estilo ng ika-20 siglo

***

Ito ay isang pagsusumikap para sa isang malalim na pag-unawa sa teksto ng musikal, at para sa isang tumpak na paghahatid ng hangarin ng tagasulat, at isang pag-unawa sa estilo at likas na katangian ng musika bilang batayan para sa isang makatotohanang interpretasyon ng mga masining na imahe na naka-embed sa gawain.

***

Late 19 - unang bahagi ng ika-20 siglo - isang napakalaking kaganapan sa kasaysayan ng kultura ng sining ng mundo. Ang paghaharap sa pagitan ng demokratikong kultura ng tanyag na masa, na mas at mas aktibong pumasok sa pakikibaka para sa kanilang mga karapatang panlipunan, at ang piling kultura ng burgesya, ay naging labis na pinalala.

Kinilala ng mga pangunahing artista sa panahong ito ang mga tampok ng krisis sa ebolusyon ng bagong musika: "Nabubuhay tayo sa isang panahon kung saan ang batayan ng pagkakaroon ng tao ay sumasailalim sa isang pagkabigla, - sinabi ni I. Stravinsky, ang modernong tao ay nawalan ng isang kahalagahan at katatagan ... Dahil ang espiritu mismo ay may sakit. kung gayon ang musika sa ating panahon at lalo na kung ano ang lumilikha, kung ano ang itinuturing na tama, ay may dalang mga palatandaan ng kabiguang pathological. ”Ang ganitong mga pag-amin ay marinig nang higit sa isang beses mula sa mga labi ng iba pang mga pangunahing musikero.

Ngunit, sa kabila ng mga epekto ng krisis sa panahon, ang musika ay umabot sa mga bagong makikinang na taas. Ang Piano pedagogy ay pinayaman ng maraming mga kagiliw-giliw na gawa. Ang pansin ng mga may-akda ng nai-publish na mga akda ay nakadirekta sa mga isyu ng masining na kasanayan ng mga mag-aaral.

Kilalang mga guro ng piano G. Neuhaus, G. Hoffmann, I. Koganbinuo pamamaraan para sa matagumpay na pag-aaral ng mag-aaral.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - pianista, guro, manunulat ng musika. Ang nagtatag ng pinakamalaking paaralan ng piano ng Sobyet. Ang lahat ng isinusulat niya tungkol sa ay nasasabik sa isang masidhing pag-ibig sa sining, para sa musika ng piano at pagganap.

Sa pinakadakilang interes para sa amin ay ang librong pinamagatang "On the Art of Piano Paglalaro".

Ang libro ay nakasulat sa isang matingkad na makasagisag na wika, na puno ng mga paghuhusga tungkol sa maraming mga kompositor, performers at guro. Nagdudulot ito ng mga bagong problema at mga katanungan ng pag-aalala sa bawat pianista. Maraming mga pahina sa loob nito na may katangian ng isang musikal na autobiography, na nakatuon sa mga alaala ng kanilang sariling landas ng malikhaing. Gayunpaman, sa impormasyong ito, ang mga pananaw ng may-akda sa sining ng piano at ang mga gawain ng isang guro ay malinaw na nakikita. Sa kanyang mga gawa, isinusulat ni Neuhaus ang tungkol sa masining na imahe, ritmo, tunog, trabaho sa diskarte, palasingsingan at pedalization, tungkol sa mga gawain ng isang guro at mag-aaral, at tungkol sa aktibidad ng konsiyerto ng isang musikero.

Sa pamamagitan ng mahusay na panghihikayat, ipinakita niya na ang tinatawag na pamamaraan ng "aklat-aralin", na nagbibigay ng pangunahing resipi - "mahirap na mga patakaran", kahit na tama at napatunayan, - palaging magiging isang paunang, pinasimple na pamamaraan, na palaging nangangailangan ng pag-unlad, paglilinaw, kapag nahaharap sa totoong buhay. Bilang karagdagan, o, tulad ng sinabi niya mismo, "sa pagbabagong dialectical." Matindi at mahinhin siyang sumasalungat sa "paraan ng pagtuturo" at "walang katapusang pagsuso sa parehong mga gawa" sa gawaing pedagogical, laban sa maling posisyon na "ang pagdidirekta ay maaaring gawin ang lahat sa mga mag-aaral." Nilalayon niyang lutasin ang dialectically hindi lamang sa pangkalahatang mga problema sa pagganap ng musikal, kundi pati na rin mas makitid na mga katanungan sa teknikal.

Ang pagtukoy sa tungkulin ng guro, naniniwala si Neuhaus na dapat magsikap ang guro na hindi gaanong guro ng piano bilang isang guro ng musika.

Napansin ni Neuhaus ang partikular na pansin sa kanyang gawaing pedagogical upang magkakaugnay ng "musikal" at "teknikal". Kaya, upang malampasan ang kawalan ng katiyakan sa teknikal, ang pagpilit ng mga paggalaw ng mag-aaral, siya, una sa lahat, ay hiningi sa globo ng pag-impluwensya sa psyche ng mag-aaral, sa mga landas ng musika mismo. Siya ay kumilos nang katulad nang inirerekomenda sa mga mag-aaral ang mga pamamaraan ng paggawa sa "mahirap na mga lugar." Sa kanyang palagay, lahat ng "mahirap", "kumplikado", "hindi pamilyar" ay dapat, kung posible, nabawasan sa mas "madali", "simple", "pamilyar"; nang sabay-sabay, mariing ipinayo niya na huwag iwanan ang pamamaraan ng pagtaas ng kahirapan, dahil sa tulong ng pamamaraang ito nakuha ng manlalaro ang mga kasanayang iyon, ang karanasan na iyon na hahayaan siyang ganap na malutas ang problema.

Sa wakas, pinagsikapan ni Neuhaus ang lahat upang mapalapit ang mag-aaral sa musika, upang maihayag sa kanya ang nilalaman ng ipinakita na gawa, at hindi lamang upang magbigay ng inspirasyon sa kanya ng isang matingkad na imahe ng patula, ngunit din upang bigyan siya ng isang detalyadong pagsusuri ng anyo at istraktura ng akda - melody, pagkakaisa, ritmo, polyphony, texture - sa isang salita, upang maihayag sa mag-aaral ang mga batas ng musika at mga paraan ng paglalagay nito.

Pinag-uusapan ritmo bilang isa sa mga pinakamahalagang elemento na bumubuo sa proseso ng pagsasagawa, binibigyang diin ni Neuhaus ang napakalaking kahalagahan ng "pakiramdam ng buong", ang kakayahang "mahabang pag-iisip", nang wala kung saan ang pianista ay hindi magagawang i-play ang anumang pangunahing gawain sa mga tuntunin ng form.

Itinuturing ng may-akda na ang underestimation ay isang malaking pagkakamali ng pianista tunog (hindi sapat na pakikinig sa tunog) at ang muling pagsusuri nito, iyon ay, "nakatikim ng nakakatawang kagandahan nito." Ang paglalagay ng katanungang ito sa ganitong paraan, tinukoy ni Neuhaus ang konsepto ng kagandahan ng tunog sa isang bagong paraan - hindi abstractly, walang koneksyon sa estilo at nilalaman, ngunit nakukuha ito mula sa pag-unawa sa estilo at katangian ng musika na nilalaro.

Kasabay nito, binibigyang diin niya na ang gawaing pangmusika at ang "kumpiyansa sa musikal" lamang ay hindi malulutas ang tanong ng mastering piano technique. Kailangan din ang pisikal na pagsasanay, hanggang sa mabagal at malakas na pag-play. "Sa ganitong gawain," idinagdag niya, "ang mga sumusunod na patakaran ay dapat sundin: tiyakin na ang kamay, ang buong braso, mula sa pulso hanggang sa magkasanib na balikat, ay walang bayad, hindi" pinalamig "kahit saan, hindi pinaputot, hindi" tumigas ", hindi mawawala ang kanilang potensyal (!) kakayahang umangkop habang pinapanatili ang kumpletong kalmado at ginagamit lamang ang mga paggalaw na mahigpit na "kinakailangan".

Tinukoy ang iyong pananaw sa palasingsingan, Sinusulat ni Neuhaus na ang pinakamahusay na daliri ay ang nagbibigay-daan sa iyo upang mas tumpak na ihatid ang kahulugan ng isang naibigay na musika. Tinawag niya ang palasingsingan na nauugnay sa espiritu, karakter at istilo ng musikal ng may-akda ang pinaka maganda at aesthetically nabigyang-katwiran.

Katulad nito, tinukoy ni Neuhaus ang problema pedaling peding. Tama na sinabi niya na ang pangkalahatang mga patakaran para sa kung paano kumuha ng pedal ay nalalapat sa artistikong pedalization, bilang ilang seksyon ng syntax sa wika ng makata. Sa kakanyahan, walang tamang pedal, sa kanyang opinyon. Ang art pedal ay hindi mapaghihiwalay mula sa imahe ng tunog. Ang mga kaisipang ito ay suportado sa libro sa pamamagitan ng maraming mga kagiliw-giliw na halimbawa, kung saan makikita ng isa kung ano ang kahalagahan ng may-akda na nakakabit sa iba't ibang mga pamamaraan ng pedaling.

Masasabi lamang natin na tinuring ni Neuhaus ang pamamaraan ng pianista bilang isang bagay na may kaugnayan sa pang-unawa sa musika at mga hangarin sa sining. Ito, sa katunayan, ay ang batayan ng Sobyet na gumaganap na paaralan sa pangkalahatan at, sa partikular, ang Neuhaus na paaralan, na nagturo sa mga kapansin-pansin na tagagawa tulad ng S. Richter, E. Gilels, J. Zak at maraming iba pang mga natitirang pianista.

Ang mga artikulo at libro ay kumakatawan sa isang uri ng kontribusyon sa paaralan ng piano ng Sobyet

Grigory Mikhailovich Kogan (1901-1979)

Sa aklat na "Sa Gates of Mastery" pinag-uusapan ng may-akda ang tungkol sa sikolohikal na mga kinakailangan para sa tagumpay ng gawaing pianistic. Sa gawaing ito, kinikilala niya ang "tatlong pangunahing mga link": isang malinaw na pananaw ng layunin, nakatuon sa layunin na ito at patuloy na nais na makamit ito. Tama na itinala niya na ang konklusyon na ito ay hindi bago at hindi nalalapat sa mga pianista, ngunit sa anumang larangan ng sining at paggawa ng tao.

Sa paunang salita sa libro, pinag-uusapan niya ang kahalagahan ng piano ng piano, tungkol sa papel sa kanyang gawain ng tamang sikolohikal na setting, na isang kinakailangang kondisyon para sa tagumpay ng mga aralin. Ang paksang ito ay napakahusay na interes hindi lamang para sa mga gumaganap, kundi pati na rin para sa mga guro, na kung saan higit na nakasalalay sa pagbuo ng psyche ng isang mag-aaral at kanyang sikolohikal na setting.

Nagsasalita ng layunin, kalooban, pansin, konsentrasyon, pagpipigil sa sarili, imahinasyon at iba pang mga elemento na matukoy ang tagumpay sa gawain ng isang pianista, idinagdag ni Kogan sa kanila ang pangangailangan para sa isang madamdaming hangaring ipahayag sa isang perpektong porma na ipinaglihi at mahal sa mga larawang musikal. Nagbabayad siya ng espesyal na pansin sa isyu ng "creative kalmado" at kaguluhan ng tagapalabas bago ang pagganap at sa panahon ng pagganap sa konsiyerto.

Isinasaalang-alang ang iba't ibang mga yugto ng gawain ng isang pianista sa isang piraso, kinakatawan ni Kogan nang detalyado ang tatlong yugto ng prosesong ito: 1) pagtingin at pag-preview, 2) pag-aaral ng mga piraso, 3) "pagtitipon" ang piraso bilang pangwakas na yugto.

Si Kogan ay nanirahan sa partikular na detalye tungkol sa pagbibigkas, palasingsingan, pag-aayos ng teknikal at representasyon ng kaisipan ng mga paghihirap. Halos lahat ng nasuri sa kanya ay batay sa mga prinsipyo ng pianistic ni Busoni.

Kasama rin sa libro ang isang pagsusuri ng ilang mga aspeto ng gumaganap na sining, na nakatanggap ng medyo kaunting pansin sa metodolohiyang panitikan. Kabilang dito, halimbawa, ang tanong ng verbal subtext ng iba't ibang mga episode sa mga gawa sa piano, na maaaring magsilbing isang "pantulong na sangguniang intonasyon", na ginagawang posible na "mas madaling mahanap ang natural na pamamahagi ng paghinga, isang nakakumbinsi na" pagbigkas "ng mga indibidwal na intonasyon.

Ang pagkakaroon ng pag-aralan ang pedagogical na pamana ng Kogan, maaari nating tapusin na ang mga gawa ni Kogan ay higit sa lahat ay nailalarawan sa mga pangunahing pamamaraan ng mga pamamaraan ng moderno na paaralan ng Sobyet na pianistic sa piano na gumaganap ng sining.

Ang isa sa mga pinakadakilang pianista sa simula ng ating siglo, ay gumagawa ng kaluwalhatian ng gumaganap na sining ng ikadalawampu siglo

Joseph Hoffman (1876-1957)

Ang kapalaran ng isang artista sa paglilibot - isang kababalaghan na sa isang sibilisadong anyo ay pinapanatili ang mga tradisyon ng mga naglalakihang musikero - sa mahabang panahon ay naging maraming Hoffmann. Si Hoffman ay nakikibahagi rin sa pagtuturo, ngunit hindi ito maliwanag na tulad ng pagganap.

Naglakip ng malaking kahalagahan si Hoffmann sa panahon ng pagsasanay. Ang pangangailangan ng Guro, ang kahilingan na magtiwala sa kanya, ang kanyang kahalagahan para sa pagbuo ng tagapalabas - ito ang mga motibo na paulit-ulit na lumilitaw sa mga pahina ng mga libro ni Hoffmann. Si Hoffmann mismo ay masuwerteng kasama ang kanyang mga guro - sila ang tanyag na pianista at kompositor na Moritz Moszkowski (may-akda ng makikinang na virtuoso etudes at salon play) at ang sikat na Anton Rubinstein, na ang pagpupulong ay naging isa sa mga pangunahing kaganapan sa malikhaing buhay ni Hoffmann.

Ang isa pang mahalagang kaganapan sa buhay ni Hoffmann, na radikal na naiimpluwensyahan ang kanyang malikhaing kapalaran, paraan ng pag-iisip, paraan ng pamumuhay, ay ang paglipat sa Amerika (at kalaunan - ang pag-ampon ng American citizenship). Samakatuwid - isang matino, praktikal na pananaw sa buhay, isang diskarte na tulad ng negosyo sa anuman, kabilang ang malikhaing, mga problema; ang praktikal na praktikal na Amerikano na ito ay maliwanag sa mga libro at artikulo.

Sa kanyang 1914 na libro, Ang Piano Nagpe-play ng Mga Sagot sa Mga Tanong tungkol sa Pag-play ng Piano, mahalaga na tinukoy ni Hoffmann ang mga pangkalahatang prinsipyo na nag-aambag sa mahusay na paglalaro ng piano. Binigyang diin niya ang kalamangan ng klase sa umaga. Pinapayuhan na huwag mag-ehersisyo ng higit sa isang oras, sa halos dalawang oras sa isang hilera. Ang lahat ay dapat na nakasalalay sa pisikal na kondisyon. Nagpapayo rin siya na baguhin ang oras at pagkakasunud-sunod ng mga gawa na pinag-aralan. Ang pokus ng atensyon ng pianista ay ang diskurso sa "teknolohiya" ng paglalaro ng piano, kung saan napagtanto niya nang mararangal. Itinuturing ni Hoffmann ang mahalagang gawain nang walang isang instrumento (kasama din at walang mga tala).

Lalo na mahalaga ang mga iniisip ni Hoffmann sa "pamamaraan sa kaisipan" - ang pangangailangan upang simulan ang pagsusuri ng pag-play na may isang pagsusuri ng form at texture; sa karagdagan, sa proseso ng pagsusuri, ang bawat daanan "ay dapat na maging perpektong handa sa pag-iisip bago ito masuri sa piano."

Hoffmann, maraming mga tampok ng estilo ay napaka-moderno. Malapit ito sa amin sa pagiging praktiko nito - ang lahat ay mahalagang, walang labis.

Genius ng Panahon ng Pilak, mahusay na pianista, kompositor, conductor

Sergei Rachmaninoff (1873-1943)

Sinimulan niyang pag-aralan ang musika nang sistematikong sa edad na lima edad. Noong 1882 pinasok ni Sergei ang Petersburg konserbatibo. Noong 1885 ay lumipat siya sa Moscow at naging isang mag-aaral ng Conservatory ng Moscow, kung saan siya unang nag-aral kasama ang sikat na pianist-guro na si N. S. Zverev (na ang mag-aaral ay din ang kompositor ng Rusya at pianista na si Alexander Nikolayevich Scriabin), at mula pa noong 1888 - kasama ang pianista at conductor na si Alexander Ilyich Ziloti (piano); kompositor, pianista at conductor na si Anton Stepanovich Arensky (komposisyon, kasangkapan, pagkakaisa); kompositor, pianista at musikal at pampublikong pigura na si Sergei Ivanovich Taneyev (counterpoint sa mahigpit na pagsulat).

Ang Rachmaninov ay isa sa mga pinakadakilang musikero sa oras ng ika-19 at ika-20 siglo. Ang kanyang sining ay nakikilala sa pamamagitan ng mahahalagang katotohanan, demokratikong oryentasyon, katapatan at kapuspusan ng emosyon ng ekspresyong artistikong. Sinundan ni Rachmaninov ang pinakamahusay na tradisyon ng mga klasiko ng musikal, higit sa lahat ng Ruso. Siya ay isang malulugod na mang-aawit ng kalikasan ng Russia.

Sa kanyang mga gawa, ang masidhing pag-aalab ng hindi mapagkakasundo na protesta at tahimik na pagmumuni-muni, matindi na alerto at malakas na pagpapasya, malungkot na trahedya at masigasig na mga himno ay malapit na magkakasabay. Ang musika ni Rachmaninoff, na nagtataglay ng hindi masasayang melodic at sub-boses-polyphonic na kayamanan, hinihigop ang mga mapagkukunan ng kanta ng Russian folk at ilang mga tampok ng znamenny chant. Ang isa sa mga orihinal na pundasyon ng istilo ng musikal ni Rachmaninoff ay ang organikong kumbinasyon ng lawak at kalayaan ng melodic na paghinga na may ritmo na enerhiya. Ang tema ng tinubuang-bayan ay sentro ng matandang gawain ni Rachmaninov. Ang pangalan ni Rachmaninoff bilang isang pianista ay nasa isang par na may mga pangalan nina F. Liszt at A. G. Rubinstein. Ang pamamaraan ng malaswa, malalim na kalaliman ng tono, nababaluktot at hindi kilalang ritmo na ganap na sumunod sa paglalaro ni Rachmaninoff.

Ang kaluwalhatian ni Rachmaninoff bilang isang pianista, ay sapat na mahusay, sa lalong madaling panahon ay naging tunay na maalamat. Ang kanyang mga interpretasyon ng kanyang sariling musika at mga gawa ng romantikong kompositor - Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt - nasiyahan sa partikular na tagumpay. Ang aktibidad ng konsiyerto ni Rachmaninoff bilang isang gumagala na virtuoso na tagasulat sa mga lungsod at bansa ay nagpatuloy nang walang pagkagambala sa halos 25 taon.

Sa Amerika, kung saan sa pamamagitan ng pagkakaisa ay lumipat siya upang mabuhay, nakamit niya ang nakamamanghang tagumpay na sinamahan dito ng isang dayuhan. Ang madla ay naaakit hindi lamang ng mataas na kasanayan sa pagganap ni Rachmaninov, kundi pati na rin sa paraan ng kanyang paglalaro, at panlabas na asceticism, sa likod kung saan nakatago ang maliwanag na likas na katangian ng napakatalino na musikero. "Ang isang tao na may kakayahang ipahayag ang kanyang mga damdamin sa paraang isang paraan at sa gayong puwersa ay dapat munang malaman ang lahat upang lubos na makabisado sila, upang maging kanilang panginoon ..." - isinulat sa isa sa mga pagsusuri.

Ang mga pag-record ng gramophone ng pag-play ni Rachmaninoff ay nagbibigay ng isang ideya ng kanyang kamangha-manghang pamamaraan, pakiramdam ng form, natatanging responsableng saloobin sa detalye. Naimpluwensyahan ng piano ni Rachmaninoff ang gayong mga natitirang masters ng pagganap ng piano bilang Vladimir Vladimirovich Sofronitsky, Vladimir Samoilovich Horowitz, Svyatoslav Teofilovich Richter, Emil Grigorievich Gilels.

American pianist - virtooz ng Ukrainian-Jewish pinanggalingan, isa sa mga pinakadakilang pianista sa ikadalawampu siglo

Vladimir Samoilovich Horowitz

(1903-1989)

Ipinanganak sa Russia mula noong 1928 sa USA. Ang kinatawan ng romantikong istilo ng pagganap (gawa ni F. Liszt, kasama ang kanyang sariling mga transkrip, ni Frederic Chopin, mga kompositor ng Russia, atbp.).

Pinag-aralan ni Vladimir Horowitz si V. Pukhalskiy, S. V. Tarnovsky at F. M. Blumenfeld sa Kiev School of Music, na binago mula Setyembre 1913 sa Kiev Conservatory. Sa pagtatapos noong 1920, si V. Horowitz ay hindi nakatanggap ng diploma, dahil wala siyang sertipiko ng pagtatapos mula sa gymnasium. Ginawa niya ang kanyang unang solo na konsiyerto sa Kharkov noong 1920 (ngunit ang unang dokumentado na pampublikong konsiyerto ay naganap noong Disyembre 1921 sa Kiev). Pagkatapos ay nagbigay siya ng mga konsyerto sa iba't ibang mga lungsod ng Russia kasama ang isang batang mamamayan ng Odessa - violinist na si Nathan Milstein, na kung saan madalas silang nagbabayad ng tinapay kaysa sa pera, dahil sa mahirap na pang-ekonomiyang sitwasyon sa bansa.

Mula noong 1922, si Horowitz, na nagbibigay ng mga konsyerto sa mga lungsod ng Russia, Ukraine, Georgia, Armenia, ay nagtitipon ng isang napakalaking repertoire sa mga tuntunin ng dami. Halimbawa, sa loob ng tatlong buwan (Nobyembre 1924 - Enero 1925), nagsagawa siya ng higit sa 150 na gawa sa sikat na "serye ng Leningrad", na binubuo ng 20 konsiyerto. Sa kabila ng kanyang unang mga tagumpay bilang isang pianista, inangkin ni Horowitz na nais niyang maging isang kompositor, ngunit pinili ang isang karera bilang isang pianista upang matulungan ang isang pamilya na nawala ang kanilang buong kapalaran sa panahon ng 1917 Revolution. Ang tagumpay ng "mga anak ng Rebolusyon" (tulad ng tawag sa kanila ng Lunacharsky sa isa sa kanyang mga artikulo) ay labis na labis. Sa maraming mga lungsod, lumitaw ang mga fan club ng mga batang musikero na ito.

Noong Setyembre 1925, nakuha ni Vladimir Horowitz ang pagkakataon na umalis para sa Alemanya (opisyal na nagpunta siya upang mag-aral). Bago umalis, nalaman niya at nilaro ang 1st concert ng PI Tchaikovsky sa Leningrad. Salamat sa komposisyong ito, naging sikat siya sa Europa. Ang konsiyerto na ito ay gumaganap ng isang "nakamamatay" na papel sa buhay ng pianista: sa bawat oras, pagkamit ng tagumpay sa mga bansa ng Europa at Amerika, ginanap ni Horowitz ang eksaktong 1st concert ng PI Tchaikovsky. Kasunod ng pianista sa Alemanya noong Disyembre 1925, umalis din si Milstein. Sa Europa, ang parehong mga musikero ay mabilis na nakakuha ng katanyagan bilang napakatalino na mga virtuosos. Si Horowitz ay pinili ng mga awtoridad ng Sobyet upang kumatawan sa Ukraine sa inaugural International Chopin Competition noong 1927, ngunit nagpasya ang pianista na manatili sa West at samakatuwid ay hindi lumahok sa kumpetisyon. Hanggang sa 1940, naglalakbay siya kasama ang mga konsyerto sa halos lahat ng mga bansa sa Europa at saanman ay isang napakatinding tagumpay. Sa Paris, noong naglalaro si V. Horowitz, ang mga gendarm ay tinawag upang pakalmahin ang madla, na sumisira sa mga upuan sa kaligayahan. Noong 1928, si Vladimir Horowitz ay gumanap sa Carnegie Hall sa New York at naglakbay na may tagumpay sa maraming mga lungsod sa Amerika.

Russian pianist na may mga ugat ng Aleman

Svyatoslav Teofilovich Richter

(1915 – 1997)

Ginugol niya ang kanyang pagkabata at kabataan sa Odessa, kung saan nag-aral siya kasama ang kanyang ama, isang pianista at organista na pinag-aralan sa Vienna, at nagtrabaho bilang isang accompanist sa opera house. Ibinigay niya ang kanyang unang konsiyerto noong 1934. Sa edad na 22, na pormal na nagturo sa sarili, pinasok niya ang Moscow Conservatory, kung saan siya ay nag-aral kasama si Heinrich Neuhaus. Noong 1940, ginawa niya ang kanyang unang pampublikong hitsura sa Moscow, na gumaganap ng ika-6 na sonata ni Prokofiev; pagkatapos ay naging unang tagapalabas ng kanyang ika-7 at ika-9 na anak na lalaki (ang huli ay nakatuon kay Richter). Noong 1945, nanalo siya ng All-Union Competition of Music Performers.

Mula sa pinakaunang mga hakbang sa larangan ng propesyonal, siya ay napansin bilang isang banal at musikero ng pambihirang sukat.

Para sa maraming henerasyon ng mga musikero ng Soviet at Ruso at mga mahilig sa musika, si Richter ay hindi lamang isang natitirang pianista, kundi pati na rin ang nagdadala ng pinakamataas na awtoridad sa artistikong at moral, ang pagkatao ng modernong unibersal na musikero-tagapagturo. Ang malaking repertoire ni Richter, na lumawak hanggang sa mga huling taon ng kanyang aktibong buhay, ay nagsasama ng musika mula sa iba't ibang mga erya, mula sa Bach's Well-Tempered Clavier at mga suite ni Handel sa Gershwin's Concerto, Webern Variations at Stravinsky's Kilusan.

Sa lahat ng spheres ng repertoire, napatunayan ni Richter na isang natatanging artista, pinagsasama ang ganap na pagiging aktibo ng kanyang diskarte sa musikal na teksto (maingat na pagsunod sa mga tagubilin ng may-akda, kumpiyansa na kontrol sa mga detalye, pag-iwas sa retorical na pagmamalabis) na may isang hindi pangkaraniwang mataas na dramatikong tono at espirituwal na pokus ng interpretasyon.

Ang likas na pagtaas ng kamalayan ni Richter ng pananagutan sa sining at ang kakayahang mag-alay ay naipakita sa kanyang espesyal na pangako upang mag-ensemble ng pagganap. Sa unang yugto ng karera ni Richter, ang kanyang pangunahing kasosyo sa ensemble ay ang pianista, ang mag-aaral ng Neuhaus na si Anatoly Vedernikov, ang mang-aawit na si Nina Dorliak (soprano, asawa ni Richter), ang violinist na si Galina Barinova, ang cellist na si Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich (ang kanilang gawain ay perpekto sa sarili nitong paraan, tunay na tunay Beethoven's cello sonatas). Noong 1966 nagsimula ang pakikipagtulungan sa pagitan nina Richter at David Oistrakh; noong 1969 pinangunahan nila ang Violin Sonata ni Shostakovich. Si Richter ay isang madalas na kasosyo ng Quartet. Si Borodin at kusang nakipagtulungan sa mga musikero ng mga nakababatang henerasyon, kasama sina Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kochish, mga pianist na sina Vasily Lobanov at Andrei Gavrilov. Ang sining ni Richter bilang isang soloista at performer na performer ay walang kamatayan sa isang malaking bilang ng mga pag-record ng studio at konsiyerto.

Piano ng Sobyet, People's Artist ng USSR

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Nagsimulang maglaro ng piano si Emil sa edad na lima at kalahati, ang una niyang guro ay si Yakov Tkach. Ang pagkakaroon ng mabilis na nakamit ang makabuluhang tagumpay, ang Gilels ay unang lumitaw sa publiko noong Mayo 1929, na gumaganap ng mga gawa ni Liszt, Chopin, Scarlatti at iba pang mga kompositor. Noong 1930, pinasok ng Gilels ang Odessa Institute of Music (ngayon ang Odessa Conservatory).

At sa susunod na taon nanalo siya ng All-Ukrainian Piano Competition, at sa isang taon pagkaraan ay nakilala niya si Arthur Rubinstein, na nagsalita nang aprubado ng kanyang pagganap.

Dumating ang katanyagan sa musikero pagkatapos ng kanyang tagumpay noong 1933 sa First All-Union Competition ng Musicians-Performers, na sinundan ng maraming mga konsyerto sa USSR. Matapos makapagtapos mula sa Odessa Conservatory noong 1935, pumasok ang Gilels sa graduate school ng Moscow Conservatory sa klase ng Heinrich Neuhaus.

Sa ikalawang kalahati ng 1930s, nakamit ng pianista ang pangunahing tagumpay sa internasyonal: naganap siya sa pangalawang lugar sa internasyonal na kumpetisyon sa Vienna (1936), natalo lamang kay Jacob Flier, at dalawang taon pagkatapos ay naghihiganti siya mula sa kanya, na nanalo sa Izaya Competition sa Brussels, kung saan nanatili si Flier. sa pangatlong lugar. Pagbalik sa Moscow, ang Gilels ay nagsimulang magturo sa conservatory bilang isang katulong kay Neuhaus.

Sa panahon ng mga digmaan, ang Gilels ay nakibahagi sa gawaing pang-patron ng militar, sa taglagas ng 1943 ay nagbigay siya ng mga konsyerto sa kinubkob si Leningrad, matapos ang digmaan ay bumalik siya sa mga aktibong konsiyerto at pagtuturo. Madalas siyang gumanap sa kanyang nakababatang kapatid na babae, ang violinist na si Elizaveta Gilels, pati na rin kay Jacob Zak. Noong 1950] nabuo ang isang piano trio kasama sina Leonid Kogan (violin) at Mstislav Rostropovich (cello), at noong 1945 ay nagbigay siya ng mga konsyerto sa ibang bansa sa kauna-unahang pagkakataon (naging isa sa mga unang musikero ng Sobyet na pinapayagan na gawin ito), nilibot ang Italya. Switzerland, Pransya at mga bansa sa Scandinavia. Noong 1954, siya ang unang musikero ng Sobyet na gumanap sa Pleyel Hall sa Paris. Noong 1955, ang pianista ay naging unang musikero ng Sobyet na nagbigay ng mga konsyerto sa Estados Unidos, kung saan isinagawa niya ang Tchaikovsky's First Piano Concerto at ang Ikatlong Concerto ng Rachmaninoff kasama ang Philadelphia Orchestra sa ilalim ng baton ni Eugene Ormandy, at sa lalong madaling panahon ay nagbigay ng isang recital sa Carnegie Hall, na isang malaking tagumpay. Noong 1960s-1970, ang Gilels ay isa sa mga pinaka hinahangad na mga musikero ng Sobyet sa buong mundo, na ginugol ang halos siyam na buwan sa isang taon sa mga konsyerto at dayuhang paglilibot.

Pagtitipon, nais kong tandaan na ang mga pamamaraan ng mga pamamaraan at mga libro ng pinaka kilalang mga kinatawan ng pianismo ng Sobyet ay nagpapakita na ang mga pananaw ng mga musikero na ito, kasama ang lahat ng kanilang indibidwal na diskarte sa pagganap ng piano at pedagogy, ay pangkaraniwan. Ito ang pagnanais na lubos na maunawaan ang tekstong musikal, at upang tumpak na maiparating ang hangarin ng kompositor, at maunawaan ang estilo at likas na katangian ng musika bilang batayan para sa isang makatotohanang interpretasyon ng mga masining na imahe na likas sa akda.

Karaniwan sa paggalang na ito, isa sa mga pahayag G. G. Neuhaus: "Lahat tayo ay pinag-uusapan ang parehong bagay, ngunit sa iba't ibang mga salita." Karaniwan ito at tinutukoy ang mga alituntunin ng paaralan ng pianist ng Sobyet, na nagdulot ng mga kapansin-pansin na mga pianista at mga natatanging guro.

XXI siglo

Ano ang at ano ang naging sining ng piano na gumaganap sa buong XX siglo?

Ano ang bago sa simula ng ika-21 siglo?

Paano kaugalian na maglaro ng piano ngayon, sa ikalawang dekada ng ika-21 siglo?

Estilo ng ika-21 siglo

***

Sa simula ng ika-21 siglo, ang dalawang pangunahing direksyon ng museo na gumaganap ng sining ay patuloy na umiiral - transcendental virtuosity at makabuluhang interpretasyon. Sa pagtatapos ng ika-20 siglo, ang mga direksyon na ito ay naging higit na mas puro, na ihiwalay ang kanilang mga sarili mula sa bawat isa. Gayunpaman, lumitaw din ang isang bagong kababalaghan kapag ang mga pianista ay maaaring sabay na maglingkod sa pareho at sa iba pang kasalukuyang ng gumaganap na sining.

***

Ang pagsasagawa ng mga tradisyon ay naiimpluwensyahan ng kabuuang kahibangan sa kumpetisyon, sa Sa kasong ito, ang katangi-tanging antas ng kompetisyon ng pagganap ng mga gawa sa musikal ay nagiging isang pangkaraniwang pattern na dapat sundin, kabilang ang yugto ng konsiyerto.

Ang mga mithiin ng pag-record at ang mapagkumpitensyang antas ng pagganap na nakakaimpluwensya sa mga tradisyon ng konsiyerto ay nangangailangan ng isang makabuluhang pagtaas sa kalidad ng paglalaro ng piano. Ang bawat piraso ng programa, hindi lamang "encores", ay dapat tunog sa antas ng isang obra maestra ng pagganap ng sining. Ano ang nagawa ng studio dahil sa tunog engineering at pag-edit ng computer mula sa maraming mga pagpipilian sa pagganap ay dapat mangyari sa entablado ngayong minuto, dito at ngayon.

Ang mga internasyonal na kumpetisyon at festival ay nag-aambag sa globalisasyon ng sining ng piano.

Madalas naming nalaman ang kanilang mga pangalan pagkatapos ng kumpetisyon sa PI Tchaikovsky. Ang kumpetisyon na ito ay nagdala ng tanyag na tao sa mga tulad ng mga piano tulad ng: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazi, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeniy Kissin, Denis Matsuev, Zhania Aubakirova ...

Ang pianistang Amerikano na nasakop ang mga puso ng Ruso

Una na nagwagi sa Kumpetisyon sa Tchaikovsky International (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Ang pianistang Amerikano na si Van Cliburn (aka Harvey Levan Cliburn) ay marahil ang pinakamamahal na dayuhang musikero sa ating bansa. Ito ang tagapakinig ng Russia na unang pinahahalagahan ang mga kasanayan sa pagganap ng Van Cliburn, pagkatapos ng kanyang pagbisita sa Russia na siya ay naging isang tanyag na musikero sa mundo.

Natanggap niya ang kanyang unang aralin sa piano sa edad na tatlo mula sa kanyang ina. Kapag si Cliburn ay anim, ang pamilya ay lumipat sa Texas, kung saan nanalo siya ng isang kumpetisyon sa labintatlo at sa lalong madaling panahon ay ginawa ang kanyang debut na Carnegie Hall.

Noong 1951 pinasok niya ang Juilliard School, sa klase ng Rosina Levina, at sa mga darating na taon ay nakatanggap ng maraming mga parangal sa prestihiyosong mga kumpetisyon ng Amerikano at internasyonal.

Ang pangalang Cliburn ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo matapos ang isang kamangha-manghang tagumpay sa unang International Tchaikovsky Competition sa Moscow noong 1958. Ang batang pianista ay nagwagi ng simpatiya ng kapwa hurado at ng publiko. Ito ay ang lahat ng nakakagulat dahil ang aksyon na naganap sa taas ng Cold War. Sa kanyang pag-uwi sa kanyang tinubuang-bayan, si Cliburn ay binigyan ng isang kamangha-manghang masiglang pagtanggap. Ang musikero ay pinuno ng pag-ibig at paggalang sa USSR at pagkatapos ng kumpetisyon ay paulit-ulit siyang dumating upang magbigay ng mga konsyerto.

Si Van Cliburn ay naglibot sa kanyang sariling bansa at sa ibang bansa. Ay nagsalita sa kaharian at pinuno ng estado, at sa lahat ng mga pangulo ng US. Siya ang naging unang klasikal na tagapalabas ng musika na tumanggap ng isang platinum album. Mahigit sa isang milyong kopya ng kanyang pagganap ng Unang Piano Concerto ng Tchaikovsky naibenta.

Mula noong 1962 ang Paligsahan ng Van Cliburn Piano ay ginanap sa Fort Worth, Texas.

Russian pianist, guro ng musika, figure ng publiko

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

Ang talento ng musikal ni Vladimir Krainev ay nagpakita ng sarili sa pangalawang espesyal na paaralan ng musika sa Kharkov, kung saan siya nagpasok sa edad na 5. Pagkalipas ng dalawang taon, naganap ang kanyang unang pagganap sa malaking yugto - kasama ang orkestra na isinagawa niya ang Concerto ni Haydn at ang First Concerto ni Beethoven.

Sa suporta ng mga guro ng Kharkov, pumasok si Krainev sa Moscow Central Music School sa Conservatory na pinangalanan Tchaikovsky sa klase ni Anaida Sumbatyan. Noong 1962 pinasok niya ang Conservatory na pinangalanang A. Si Tchaikovsky sa klase ni Heinrich Neuhaus, at pagkatapos ng kanyang kamatayan ay nag-aral siya sa kanyang anak na si Stanislav Neuhaus, kung saan nagtapos siya sa pagtatapos ng paaralan noong 1969.

Ang pagkilala sa mundo ay dumating kay Vladimir Krainev noong unang bahagi ng 1960, nang manalo siya ng mga pangunahing premyo sa mga pangunahing internasyonal na kumpetisyon sa Leeds (Great Britain, 1963) at Lisbon (Portugal, 1964). Matapos magtanghal sa Leeds, nakatanggap ng paanyaya ang batang pianista na maglakbay sa Estados Unidos. Noong 1970 ay nanalo siya ng isang mahusay na tagumpay sa IV International P.I. Tchaikovsky sa Moscow.

Mula noong 1966, si Vladimir Krainev ay naging soloista ng Moscow State Philharmonic. Mula noong 1987 - Propesor ng Moscow Conservatory. Mula noong 1992 - Propesor sa Higher School of Music and Theatre sa Hannover (Germany).

Si Vladimir Krainev ay naglibot nang malawakan sa Europa at USA, na gumaganap kasama ang mga natatanging conductor na sina Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Mazur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondetskis.

Si Krainev ay ang tagapag-ayos ng "Vladimir Krainev inanyayahan" na pagdiriwang sa Ukraine at ang International Competition for Young Pianists sa Kharkov (mula noong 1992) na pinangalanan sa kanya.

Noong 1994 ang pianista ay lumikha ng International Charitable Foundation para sa mga Young Pianists. Ang Foundation ay nagbigay ng tulong at suporta sa mga propesyonal na musikero sa hinaharap, nilikha ang mga kondisyon para sa kanilang pagkamalikhain sa Russia at sa ibang bansa, ay nag-aayos ng mga paglilibot at konsyerto ng mga batang musikero, at sumusuporta sa mga institusyong pang-edukasyon ng kultura at sining.

Sikat na conductor at pianista, People Artist ng RSFSR, tagapagtatag at pinuno mula 1990 hanggang 1999 at mula 2003 hanggang sa kasalukuyan ng Russian National Orchestra. Nagwagi ng Gintong Medalya sa 1978 International Tchaikovsky Competition at 2004 Grammy Prize.

Si Mikhail Vasilievich Pletnev ay ipinanganak sa1957 taon

Ginugol ni Pletnev ang kanyang pagkabata sa Saratov at Kazan, mula sa edad na 7 nagsimula siyang mag-aral sa isang paaralan ng musika sa Kazan Conservatory sa klase ng piano. Mula sa edad na 13 siya ay nag-aral sa Central Music School sa Moscow Tchaikovsky Conservatory. Noong 1973, ang 16-taong-gulang na Pletnev ay nanalo ng Grand Prix sa International Youth Competition sa Paris at sa susunod na taon ay pinasok niya ang Moscow Conservatory, pinag-aralan sa ilalim ng mga propesor na sina Yakov Flier at Lev Vlasenko.

Noong 1977, nanalo ng unang gantimpala si Pletnev sa All-Union Piano Competition sa Leningrad, at noong 1978 ay nanalo siya ng gintong medalya at unang gantimpala sa Moscow International Tchaikovsky Competition. Noong 1979, nagtapos si Pletnev mula sa conservatory, at noong 1981 - nagtapos ng paaralan, pagkatapos nito ay naging isang katulong kay Vlasenko, nagsimulang magsimulang magturo sa kanyang sariling klase sa piano.

Naging isang soloista ng Konsiyerto ng Estado noong 1981, nanalo si Pletnev ng katanyagan ng isang pianista na virtuoso, napansin ng press ang kanyang mga interpretasyon sa gawa ni Tchaikovsky, ngunit pati na rin ang kanyang mga pagtatanghal nina Bach, Beethoven, Rachmaninov at iba pang mga kompositor. Si Pletnev ay nakipagtulungan sa mga sikat na conductor na sina Vladimir Ashkenazi, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai at ang pinakatanyag na symphony orchestras sa mundo, kasama ang London Symphony at Los Angeles Philharmonic.

Noong 1980, ginawa ni Pletnev ang kanyang debut bilang isang conductor, at sampung taon na ang lumipas, noong 1990, sa gastos ng mga dayuhang donasyon, nilikha niya ang independiyenteng Russian National Symphony Orchestra (kalaunan ay pinalitan ng pangalan ng Russian National Orchestra, RNO) at hanggang noong 1999 ay ang artistikong direktor nito, punong conductor at pangulo. pondo. Noong 2008, si Pletnev ay naging isang Guest konduktor kasama ang Orchestra della Svizzera italiana (Symphony Orchestra ng Italya Switzerland). Noong 2006, nilikha ni Pletnev ang National Culture Support Fund. Mula 2006 hanggang 2010, si Pletnev ay isang miyembro ng Council for Culture and Arts sa ilalim ng Pangulo ng Russian Federation, at mula 2007 hanggang 2009 siya ay isang miyembro ng Komisyon ng Russian Federation para sa UNESCO.

Ang pianist ng Kazakhstani, guro, propesor at rektor ng Kurmangazy Kazakh National Conservatory,

Ang Artist ng Tao ng Kazakhstan, pinuri ng mga internasyonal na kumpetisyon, propesor

Si Zhania Yakhiyaevna Aubakirova ay ipinanganak noong 1957

Nagtapos mula sa Alma-Ata State Conservatory na pinangalanan pagkatapos Kurmangazy, Moscow State Conservatory. Ang mga pag-aaral ng PI Tchaikovsky at postgraduate (kasama si Propesor L.N. Vlasenko).

Mula noong 1979 - kasama ang kasabay ng Akademikong Opera at Ballet Theatre ng Estado. Abai at katulong na tagapagsanay ng Moscow State Conservatory na pinangalanan P. I. Tchaikovsky. 1981 - senior teacher, associate professor, pinuno ng special piano department ng Alma-Ata State Conservatory na pinangalanan Kurmangazy. Mula noong 1983 siya ay naging isang soloista ng Kazakh State Philharmonic na pinangalanan sa akin. Jambula. Mula noong 1993 - Propesor ng Almaty State Conservatory na pinangalanan sa akin. Kurmangazy. 1994 - itinatag ang "Paaralan ng Awtor ng Zhania Aubakirova", na nagtatrabaho alinsunod sa mga modernong pamamaraan at teknolohiya sa edukasyon. Mula noong 1997 - Rektor ng Kurmangazy Kazakh National Conservatory. Sa ilalim ng kanyang pamumuno, ang conservatory ay naging nangungunang musika sa unibersidad ng musika at sentro ng kultura at pang-edukasyon ng republika, noong 2001 ay iginawad ito sa Pambansang katayuan.

1998 - Sa inisyatiba ni Zhania Aubakirova, ang "Classics" na ahensya ng musika ay naayos, na may mahusay na tagumpay na gaganapin "Kazakh season sa Pransya", inayos ang mga konsiyerto sa higit sa 18 mga bansa, naitala ng higit sa 30 mga CD, higit sa 20 mga musikal na pelikula tungkol sa mga performer ng Kazakh. 2009 - noong Nobyembre, ang Student Symphony Orchestra ng Kazakh National Conservatory. Si Kurmangazy ay naglibot ng limang pangunahing lungsod ng US: Los Angeles, San Francisco, Washington, Boston at New York. Ang mga batang musikero, kasama ang kanilang rektor, People Artist ng Republika ng Kazakhstan Zhania Aubakirova, ay gumanap sa pinakasikat na mga bulwagan sa buong mundo - ang Kennedy Center at Carnegie Hall.

Ang mga solo na konsiyerto at pagtatanghal ng Zhania Aubakirova na may bantog na mga orkestra, na nagtataguyod ng mga klasikal na pang-musika ng mundo at mga gawa ng mga kompanyang Kazakh, ay regular na gaganapin sa Kazakhstan, ang pinakamalaking konsiyerto ng konsiyerto sa Pransya, England, Germany, Japan, Russia, Poland, Italy, USA, Israel, Greece, Hungary. Ang Mahusay na Hall ng Moscow Tchaikovsky Conservatory at ang St. Petersburg Philharmonic, ang Moscow House of Music.

Natitirang pianista ng ating oras

Boris Berezovsky ipinanganak noong 1969

Pumasok siya sa Moscow Conservatory sa klase ng pambihirang pianista na Eliso Virsaladze. Pagkaraan ng ilang sandali, ang Berezovsky ay naging "cramped" sa klase ng Eliso Virsaladze, kung saan nilalaro lamang ang tradisyonal na repertoire, kaya nagsisimula siyang kumuha ng mga pribadong aralin mula kay Alexander Sats. Binubuksan ng mga sats ang mga bagong horon para sa klasikal na musika ng Ruso para kay Boris Berezovsky. Sa kanya, nagsimulang maglaro si Berezovsky sa Medtner, maraming Rachmaninov at marami pang iba. Ngunit si Boris Berezovsky ay hindi namamahala upang makumpleto ang kanyang pag-aaral sa Moscow Conservatory, siya ay pinalayas para sa pakikilahok sa Tchaikovsky Competition sa panahon ng pangwakas na pagsusulit. Ngunit ang sitwasyong ito ay hindi maiwasan ang lahat na siya ay maging pinaka-birtud at humiling ng tagapalabas ng ating oras.

Sa loob ng higit sa sampung taon, ang Boris Berezovsky ay gumanap sa pinakasikat na orkestra sa mundo: ang BBC Orchestra, ang London at New York Philharmonic, ang New Japanese Philharmonic Orchestra, ang Birmingham at Philadelphia Symphony. Regular na nakikibahagi si Berezovsky sa iba't ibang mga kapistahan ng musika sa silid, at ang kanyang mga recital ay maaaring marinig sa Berlin at New York, Amsterdam at London. Nagsasalita matatas Ingles at Pranses.

Ang pianista ay may isang medyo malawak na diskograpiya. Ang pinakabagong mga pag-record ng kanyang mga konsyerto ay nakatanggap ng pinakamataas na pagsusuri mula sa mga kritiko. Ang Aleman ng Pagrekord ng Aleman ay nagbibigay ng isang mataas na parangal sa sonata ni Rachmaninov na binigyan ng kahulugan ni Boris Berezovsky. Ang mga pag-record ng mga gawa ni Ravel ay nakapasok sa mga klasikal na tsart na Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, Independent.

Si Boris Berezovsky ay ang nagwagi ng gintong medalya ng ika-9 na International Tchaikovsky Competition, tinawag siyang "bagong Richter", tunog ni Berezovsky, na may transparent na pianissimo at ang pinakamayamang spectrum ng mga dynamic na lilim, ay kinikilala bilang pinaka perpekto sa mga pianista ng kanyang henerasyon. Ngayon ang Boris Berezovsky ay maaaring marinig nang madalas at mas madalas sa mga pangunahing yugto ng konsiyerto sa Russia.

Isa sa nakasisigla, marunong gumaganap, ruso pianista , guro, soloista Moscow State Philharmonic , Artist ng Tao ng Russia

NikolaikaLeoń hivMga Meadowś nsk ay ipinanganak sa1972 taon

Ang kanyang paglalaro ay pinamamahalaang upang makuha ang lahat ng makakaya na maaaring mag-alok ng sentral na paaralan ng musika at conservatory sa Moscow.

Ang inspiradong tagasalin na ito, na nagtataglay ng isang napakatalino na diskarte sa paglalaro, ngayon ay may isang bihirang regalo para sa isang malikhaing diskarte sa materyal, isa sa ilang, nagawa niyang dalhin ang spark ng Diyos na magaan sa mga gawa ng Beethoven, upang maihayag ang bihirang "infernal tunog" ng Mozart, upang i-play ang anumang karapat-dapat na materyal upang ang isang jaded viewer Ang muling natuklasang mga melodies ay naglaro ng libu-libong beses sa isang ganap na magkakaibang embodiment.

Ngayon sa Russia maraming mga propesyonal na may kakayahang magpakita ng isang mataas na klase. Gayunpaman, sa anumang paraan ay mas mababa sa mga kilalang kasamahan, si Lugansky ay nananatiling isang natatanging kababalaghan sa musika ng Russia.

Maaari kang maglaro ng mga klasiko sa iba't ibang paraan: bawat paaralan - Pranses, Aleman, Italyano - nag-aalok ng sariling solusyon sa mataas na mga hamon ng natatanging tunog.

Ngunit ang anumang tunay na pianist na virtuoso "ay lumilikha ng kanyang sariling mga klasiko", na katibayan ng henyo. Si Nikolai Lugansky, sa madaling araw ng kanyang karera sa musika, ay tinawag na "Richter pianist", kung gayon siya ay inihambing din kay Alfred Corto.

Si Nikolai Lugansky ay nananatiling isang natatanging kababalaghan sa musika ng Russia.

Sikat na pianista ng Russia, klasikal na musikero

Si Evgeny Igrevich Kisin ay ipinanganak noong 1971

Sa edad na 6 siya ay pumasok sa Gnessin Music School. Ang una at nag-iisang guro ay si Anna Pavlovna Kantor.

Sa una, bilang isang prodyus sa bata, nagsagawa siya sa ilalim ng pangalang Zhenya Kisin. Sa edad na 10 siya ay gumanap sa unang pagkakataon kasama ang orkestra, na gumaganap ng 20 konsiyerto ng Mozart. Pagkalipas ng isang taon binigyan niya ang kanyang unang solo concert. Noong 1984 (sa edad na 12) gumanap siya ng Chopin Concerts 1 at 2 para sa piano at orkestra sa Great Hall ng Moscow Conservatory.

Noong 1985, nagpunta si Evgeny Kissin sa ibang bansa ng mga konsiyerto sa kauna-unahang pagkakataon, noong 1987 ginawa niya ang kanyang pasinaya sa Kanlurang Europa sa Berlin Festival. Noong 1988 ay gumanap siya kasama si Herbert von Karajan sa Konsiyerto ng Bagong Taon ng Berlin Philharmonic Orchestra, na gumaganap ng 1st Concerto ng Tchaikovsky.

Noong Setyembre 1990, ginawa ni Kissin ang kanyang debut sa US, kung saan isinagawa niya ang Chopin Concertos 1 at 2 kasama ang New York Philharmonic Orchestra sa ilalim ng baton ni Zubin Meta. Makalipas ang isang linggo, ang musikero ay nagbibigay ng isang recital sa Carnegie Hall. Noong Pebrero 1992, si Kissin ay nakikilahok sa Grammy Awards sa New York, sa telebisyon sa isang madla na tinatayang anim na daang milyong manonood. Noong Agosto 1997 ay nagbigay siya ng isang muling pagsasalaysay sa Proms Festival sa Albert Hall ng London - ang unang piano ng gabi sa higit sa 100 taon ng kasaysayan ng pagdiriwang.

Nagsasagawa si Kissin ng masinsinang mga aktibidad sa konsiyerto sa Europa, Amerika at Asya, na nangongolekta ng palagiang ibinebenta; gumanap sa mga nangungunang orkestra ng mundo sa ilalim ng baton ng naturang mga conductor tulad nina Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazi, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozava, Yevgeny Svetyrtropov , Georg Solti at Maris Jansons; Kasama sa mga kasosyo sa musika ng silid ni Kissin sina Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalya Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern at iba pa.

Si Yevgeny Kissin ay nagsasagawa rin ng mga gabi ng tula sa Yiddish at Russian. Ang isang compact disc na may mga pag-record ng mga kontemporaryong tula sa Yiddish na ginanap ni E. Kissin "Af di keyboard masaya yidischer na tula" (Sa mga susi ng panulaang Hudyo) ay inilabas noong 2010. Ayon kay Kissin mismo, mayroon siyang isang malakas na pagkakakilanlan ng mga Hudyo mula sa pagkabata at nag-post ng mga materyales na pro-Israel sa kanyang personal na website.

Russian pianist, pampublikong pigura, Artist ng Tao ng Russia

Si Denis Leonidovich Matsuev ay ipinanganak noong 1975

Ginugol ni Denis Matsuev ang kanyang pagkabata sa kanyang katutubong Irkutsk. Ipinanganak sa isang malikhaing pamilya, pinag-aralan ng batang lalaki ang musika mula sa murang edad. Una, nagpunta siya sa lungsod na komprehensibong paaralan No. 11 na pinangalanan ng V.V. Mayakovsky at kasabay nito ay nagsimulang dumalo sa lokal na paaralan ng sining. Sa edad na labing-anim, pumasok si Denis Matsuev sa Irkutsk Music College. Gayunpaman, mabilis niyang napagtanto na ang kanyang talento ay nangangailangan ng mas malalim na hiwa. Sa konseho ng pamilya, napagpasyahan na lumipat sa kapital. Naunawaan ng mga magulang na ang kanilang may talento na anak ay maaaring magkaroon ng isang napaka-matagumpay na malikhaing talambuhay. Si Denis Matsuev ay lumipat sa Moscow noong 1990.

Noong 1991 siya ay naging isang papuri sa International Public Charitable Foundation na tinawag na "New Names". Salamat sa sitwasyong ito, na noong kanyang kabataan, binisita niya ang higit sa apatnapung bansa sa mundo na may mga pagtatanghal ng konsiyerto. Ang mga pinakamahalagang tao ay dumating upang makinig sa kanyang virtuoso na naglalaro: ang Ingles na reyna, ang Papa at iba pa. Noong 1993 ay pinamamahalaang pinasok ni Denis Matsuev ang Moscow State Conservatory. Kaayon, nagsagawa siya sa mga programa ng pampublikong pundasyon ng Bagong Pangalan, na gaganapin sa ilalim ng pangangasiwa ng patron ni Denis na si Svyatoslav Belz. Noong 1995, ang artist ay tinanggap bilang isang soloista sa Moscow State Philharmonic. Pinayagan nito si Denis Leonidovich na mapalawak ang saklaw ng kanyang aktibidad sa konsiyerto.

Kasama ang tagumpay sa Eleventh International Competition na pinangalanang Pyotr Ilyich Tchaikovsky, ang musikero ay naging sikat sa buong mundo. Ang kanyang talambuhay ay pinalamutian ng nakamamatay na pangyayaring ito noong 1998. Si Denis Matsuev ay naging isa sa mga pinakasikat na pianista sa buong mundo. Ang kanyang birtoso na pagtatanghal ay nagdulot ng isang mahusay na resonans sa mundo. Ang artista ay nagsimulang inanyayahan sa mga pinaka-prestihiyosong mga kaganapan. Halimbawa, nagsagawa siya sa pagsasara ng seremonya ng Sochi Olympics.

Mula noong 2004, taun-taon na ipinakikita ni Denis Matsuev ang kanyang personal na subscription. Ang pinakamahusay na symphony orchestras ng Russia at sa ibang bansa ay gumanap kasama ang musikero.

Marami siyang ginagawa para sa kanyang bansa. Sa isang pagsisikap na ma-instill sa mga tao ang isang pag-ibig ng musika, inayos ng artista ang lahat ng mga uri ng mga kapistahan at kumpetisyon. Bukod dito, hinahangad niyang isagawa ang mga ito sa iba't ibang mga rehiyon ng Russia, upang ang lahat ng mga residente ng bansa ay maaaring hawakan ang mataas na sining, pakinggan ang napakatalino na pagganap ng pinakamahusay na mga gawaing pangmusika.

Sa konklusyon, ibubuod namin ang pangunahing mga direksyon at mga uso sa pagbuo ng sining ng piano ng siglo XXI. Sa virtuoso at makabuluhang direksyon ng art sa piano, ang mga sumusunod na kadahilanan ay natagpuan na kasama ang pag-unlad: isang orientation tungo sa kalidad at aesthetics ng tunog recording, isang pagtaas sa pagpapahayag ng tono ng pag-uugali, isang pagpapalawak ng mga posibilidad sa larangan ng agogics at tunog timbre, isang pagbagal ng mga tempos at pagbaba sa average na dinamikong antas ng pagganap, polyphonization ng texture. Ang mga salik na ito ay nag-aambag sa paglago ng lalim at modernong pag-update ng bahagi ng nilalaman ng pagganap. Kasabay nito, ang repertoire ng piano concert ay na-update dahil sa pagbubukas ng mga bagong highly artistic works na hindi pinahahalagahan noon.

Gayunpaman, ito ay ang paggunita at pagiging makabuluhan ng intonasyon na siyang pangunahing mga uso sa pagbuo ng piano art noong ika-XX siglo.

Ang listahan ng mga gumaganap na piano ay nagpapakita na ang piano ay nag-aalok ng halos walang limitasyong inspirasyon. Sa loob ng tatlong siglo, ang mga musikero ng piano ay nasisiyahan sa mga tagapakinig at binigyan sila ng inspirasyon sa kanilang sariling pagsasamantala sa mundo ng musika.

Hindi mahalaga kung anong oras ang musikero na pag-aari, hindi lamang ang kanyang talento na gumawa sa kanya ng mahusay, ngunit kumpleto din ang pagkabulok sa musika !!!

PSAng pagkakaroon ng pag-aralan ang panitikan hinggil sa isyung ito, napagpasyahan namin na ang pagbuo ng mga paaralan ng piano mula sa sandali ng kanilang pagbuo hanggang sa ating panahon ay dahil sa espirituwal na kakayahang umangkop sa personalidad ng panginoon, at ang mga paghahanap ng pedagogical ay nagsilbi bilang isang batayang malikhaing at talagang isang insentibo sa pagkamalikhain. Sinusuportahan ng mga progresibong musikero-guro ang lahat na itinuturing nilang mahalaga sa sining; mataas na civic ideals, misyonaryong predestinasyon ng pagkamalikhain.

Ang pag-iisip ng mga pangunahing musikero-performers at guro ay palaging naglalayon sa pagbuo ng mga alituntunin sa pagtuturo na naaayon sa mga ideya ng mga gawain ng pagsasagawa. Ito ay higit na tinutukoy ang nilalaman ng mga gawaing pang-agham na nakatuon sa paglalaro ng instrumento.

Sa mga sinaunang treatises ng panahon ng clavier, sinabi tungkol sa komposisyon ng musika, ang pamamaraan ng improvisasyon at pag-aayos ng mga komposisyon ng musika, nakaupo sa instrumento, palasingsingan at mga patakaran ng laro. Ang lahat ng ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng ang katunayan na sa panahon ng pre-piano, ang tagapalabas ay isang kompositor, na nagpapakilala sa mga tagapakinig sa kanyang sariling mga gawa at sa kanyang kasanayan ng improvisasyon. Ang propesyon ng isang tagasalin-tagasalin (ngunit hindi isang kompositor ng musika) sa mga taong iyon ay hindi pa nakahiwalay bilang isang espesyal na anyo ng isang malikhaing aktibidad ng isang musikero. Noong ika-19 na siglo lamang, kasama ang pag-akyat ng isang bagong instrumento sa entablado ng konsyerto - ang piano - at ang sigasig para sa kabanalan ng paglalaro, mayroong isang unti-unting pagkakaiba ng mga musikero, kompositor, performers at guro na nagtuturo upang i-play ang instrumento na ito.

Ang nilalaman ng mga akdang pang-agham sa sining ng musika ay nagbago din sa maraming paraan. Iba't ibang mga pag-aaral, aklat-aralin at gumagana sa pamamaraan ng pagtuturo ay hindi na isinasaalang-alang ang lahat ng mga isyu na may kaugnayan sa pagkamalikhain ng musika, pagganap at pedagogy. Ang tema ng bawat gawain ay lamang ng isang partikular na lugar ng musicology. Ang mga may-akda ng mga libro sa sining ng piano ay higit na interesado sa mga isyu ng mastering technique ng pianistic, at ang karamihan sa mga gawaing pamamaraan at mga pantulong sa pagtuturo ay nakatuon sa mga paksang ito. Kaya, sa loob ng maraming taon, ang teoretikal na gawa sa pagganap ng piano ay nabawasan sa mga problema sa pagtaguyod ng mga nakapangangatwiran na pamamaraan ng paglalaro, na ginagawang posible upang makamit ang virtuoso technique. Tanging sa huling bahagi ng ika-19 at ika-20 siglo ay ang mga kilalang musikero ay bumaling sa mga isyu sa pansining ng pagganap ng sining, na tinukoy ang mga gawain ng pagpapakahulugan, pag-unawa sa estilo at nilalaman ng mga gawaing pangmusika. Ang mga katanungan ng diskarte sa paglalaro ng piano ay nauugnay din sa mga problemang ito. Ang pinakamahalagang layunin ng guro ay ang edukasyon ng isang musikero, na ang pagganap ng sining ay hindi isang pagpapakita ng kasanayang pang-teknikal, ngunit ang kakayahang maiparating ang pinakaloob na kahulugan ng isang gawa ng sining sa pamumuhay, matalinghagang anyo ng pagpapahayag.

Ang bawat klaseng mangingibig ng musika ay maaaring pangalanan ang kanyang paboritong.

Ang solo na pagganap ni Alfred Brendel ay inihayag para sa Hunyo 30 sa Concert Hall ng Mariinsky Theatre. Hindi posible na matagpuan ang konsiyerto na ito sa opisyal na website ng pianista. Ngunit mayroong isang petsa para sa paparating na konsiyerto sa Moscow, na magaganap sa Nobyembre 14. Gayunpaman, ang Gergiev ay kapansin-pansin sa kanyang kakayahan na malutas ang mga hindi malulutas na mga problema.

BASAHIN DIN:

Ngayong Hunyo, si Martha Argerich ay, tulad ng dati, sa Switzerland na lungsod ng Lugano, kung saan magaganap ang kanyang sariling pagdiriwang ng musika. Nagbabago ang mga programa at kalahok, isang bagay ang nananatiling hindi nagbabago: tuwing gabi Argerich mismo ay nakikilahok sa pagganap ng isa sa mga gawa. Noong Hulyo, gumaganap din ang Argerich sa Europa: Cyprus, Germany at Switzerland.

Sa Moscow, si Marc-André Hamen ay gumanap kamakailan bilang Marso ng taong ito bilang bahagi ng parehong subscription sa Maurizio Pollini. Noong Hunyo, nilibot ni Amlen ang Europa. Kasama sa kanyang iskedyul ang mga pag-alaala sa Copenhagen at Bonn at mga pagtatanghal sa isang pagdiriwang sa Norway.

Noong Hunyo, nilibot ni Evgeny Kissin ang Switzerland, Austria at Alemanya kasama ang Kremerata Baltika Orchestra, na naglalaro ng ika-20 at ika-27 ng Concertos ng Mozart. Ang susunod na paglilibot ay naka-iskedyul para sa Oktubre: sa Frankfurt, Munich, Paris at London, sasamahan ni Kissin si Dmitry Hvorostovsky.

Nagsimula si June Arkady Volodos sa isang pagganap sa Paris, sa tag-araw maaari siyang marinig sa Salzburg, Rheingau, Bad Kissingen at Oslo, pati na rin sa maliit na bayan ng Dusniki ng Poland sa tradisyonal na pagdiriwang ng Chopin.

Noong 1999, tumigil sa pagganap ang Pogorelich. Sinasabing ang dahilan para dito ay ang hadlang kung saan ang pianista ay sumailalim sa Philadelphia at London ng mga hindi nakontento na tagapakinig. Ayon sa isa pang bersyon, ang pagkamatay ng kanyang asawa ay naging sanhi ng pagkalungkot ng musikero. Kamakailan lamang ay bumalik si Pogorelich sa yugto ng konsiyerto, ngunit hindi siya gumanap ng gana.

Ang huling posisyon sa listahan ay ang pinakamahirap na punan. Pagkatapos ng lahat, mayroon pa ring napakaraming mahusay na mga pianista na naiwan: isang katutubong ng Poland Christian Zimmerman, isang Amerikanong Murray Peraia, isang Hapon na Mitsuko Ushida, isang Korean Kun Wu Peck o isang Chinese Lang Lang. Sina Vladimir Ashkenazi at Daniel Barenboim ay nagpapatuloy sa kanilang karera. Ang sinumang mahilig sa musika ay tatawagin ang kanyang paboritong. Kaya hayaan ang isang lugar sa tuktok na sampung mananatiling bakante.

Maaari kang mabuhay ng musika, ngunit hindi kailanman gumawa ng isang kapalaran mula sa iyong talento. Ngunit ang mga taong ito - ang pinakamayamang pianista sa buong mundo - pinamamahalaang masira sa mga piling tao, bukod, ang kanilang kapital ay tinatayang milyun-milyong dolyar. Ito ay mga tunay na bituin, na marunong maglaro ng piano, gumaganap sa mga palabas at pagbibigay ng magagandang konsyerto, pagsulat ng musika sa kanilang sarili o simpleng inilalagay ang kanilang buong kaluluwa sa instrumento.

Mga musikero at showmen

Ang Briton na si Jules Holland (buong pangalan - Julian Miles Holland) perpektong pinagsasama ang isang karera ng musikero sa trabaho sa industriya ng telebisyon. Isang kompositor at showman, habang bata pa, nagtatrabaho siya sa mga pub sa London at kumita ng sariling pera. Bilang karagdagan, nagpakita siya ng isang mahusay na tinig at ang kanyang sariling istilo ng pag-awit, kaya't ito ay naging karagdagang kalamangan ng batang performer. Nagpalabas siya ng maraming mga album, nakipagtulungan kina Sting at George Harrison, David Gilmour at Eric Clapton, Bono at Mark Knopfler. Ang pagsasagawa sa buong mundo ay nakakuha ng malaking halaga ng $ 2 milyon si Jules.

Mahigit sa dalawang daang palabas sa isang taon ang ibinigay ng American singer at pianist na si Michael Feinstein. Ang isang pagnanasa sa piano ay lumitaw sa kanyang pagkabata - ipinadala ng kanyang mga magulang ang kanyang anak na lalaki upang kumuha ng mga aralin sa musika, pagkatapos ay natuklasan niya na maaaring maglaro nang walang mga tala sa harap ng kanyang mga mata. Sa edad na 20, siya, tulad ni Jules, ay inaliw ang mga tao sa mga bar, at pagkatapos ay masuwerte siyang makapasok sa isang malaking proyekto. Naitala niya ang isang malawak na koleksyon ng mga talaan ng gramophone (gawa ni Ira Gershwin). Ang gawain ay tumagal ng 6 na taon, sa parehong oras ang musikero ay gumanap sa Broadway, kalaunan Carnegie Hall, ang Sydney Opera House, ang White House at Buckingham Palace na isinumite sa kanya - kahit saan ay nagbigay ng malaking konsiyerto si Michael. Bilang resulta, ang kapalaran ni Feinstein ay katumbas ng $ 10 milyon.

Regalo ng mga pianista - "multi-station"

Ang listahan ng mga pinakamayamang pianista ay nagsasama ng isang katutubong ng Unyong Sobyet - Regina Spektor. Ipinanganak siya sa Moscow, sa isang musikal na pamilya, kalaunan ang mga magulang (na nagbigay sa batang babae ng kanyang unang mga aralin) ay lumipat sa Amerika. Doon siya nagsimulang maglaro ng piano sa sinagoga. Nag-aral si Regina kasama si Sonya Vargas, nagsulat ng mga kanta, at kalaunan ay nagtapos mula sa conservatory. Noong 2001, pinakawalan ang unang album ng batang babae, makalipas ang tatlong taon na mayroon na siyang kontrata sa Sire Records. Ang mga interes ni Regina ay magkakaiba: hindi lamang klasikal na musika, kundi pati na rin ang katutubong, punk, hip-hop, rock, jazz, Russian at musikang Hudyo. Dinala ng mga paglilibot at pag-record ang pianista na $ 12 milyon.

Ang edad ng Spector, 35 taong gulang na si Sara Barellis, ay nagsimula bilang isang miyembro ng koro ng paaralan, pagkatapos ay lumipat sa isang pangkat ng musikal na nag-specialize sa isang cappella na kumakanta. Bilang isang mag-aaral, si Sarah ay nagtatrabaho sa mga nightclub at bar, at nang maglaon ay nagsimulang magsagawa sa mga pista at malalaking lugar. Ang debut disc ng Barellis ay nakakuha ng pagkilala, sa lalong madaling panahon ay naka-sign siya ng isang kontrata sa Epic Records, ang kanyang karera ay umakyat - at ngayon si Sarah ay naglibot sa buong Amerika. Ang kanyang estilo ay piano-rock na may impluwensya ng jazz at kaluluwa, nagmamay-ari siya hindi lamang sa piano, kundi pati na rin ang gitara, harmonium at ukulele. Ang mga konsiyerto, duet kasama sina Sherrill Crow at Norah Jones, ang mga palabas para sa pamilyang Obama, mga panauhin sa panauhin sa mga palabas sa TV, album at mga walang kapareha ay nakakuha ng $ 16,000,000 si Sarah.

Kababalaghan sa Asya

At narito ang klasikal na pianista - isa sa mga pinakamayamang pianista sa aming "hit parade" - ang kinatawan ng China Lan Lan. Siya - ang bunso sa ranggo - nakamit ang katanyagan (at $ 20 milyon) nang maaga. Ang kanyang unang nakatagpo sa musika ng Kanluran ay isang snippet mula sa seryeng kulto na sina Tom at Jerry (kung saan ang mga bayani ay nagsasagawa ng Hungarian Rhapsody No. 2 ni Franz Liszt). Nagtapos siya mula sa conservatory at pagkatapos ng maraming mga tagumpay sa mga kumpetisyon ay itinuturing na pinakamahusay na pianista sa bansa. Sa edad na 14, lumipat si Lang Lang sa Philadelphia at pumasok sa Curtis Institute of Music. Ang isang 3 milyong kontrata sa Sony, mga konsyerto para sa mga pinuno ng mundo, mga paglilibot sa Europa, ang USA at Asya ay gumawa sa kanya ng isang pangkalahatang paborito at pinayagan siyang makapasok sa 100 pinaka-impluwensyang tao sa planeta ayon sa Forbes.

Arranger, improviser, tagagawa

Ang kompositor, tagapalabas, tagagawa ng musika, tagapag-ayos, tagapag-ayos ng banda ng kanyang sariling pangalan, si Yanni Chrysomallis ay ipinanganak sa Greece, ngunit ngayon ay nakatira sa USA. Hindi niya agad napagpasyahan na ang musika ang pangunahing bagay sa kanyang buhay. Sa una, pinasok ni Yanni ang Faculty of Psychology sa University of Minnesota, at doon na siya nagsimulang matutong maglaro ng keyboard. Ang unang pagkilala ay dumating sa kanya noong 1988-1989 na paglilibot, kapag siya ay gumanap sa Dallas Symphony Orchestra. Pagkatapos nito ay gumawa si Yanni ng isang kamangha-manghang karera na may isang malaking bilang ng mga konsyerto, mga parangal ng musika, natatanging pag-record. Ang kapital ni Chrysomallis ngayon ay $ 40 milyon.

Pinuno ng La Scala

Ang musikal na direktor ng maalamat na Teatro alla Scala, na 72 taong gulang na si Daniel Barenboim, ay mayroong mga ugat ng Russia. Ang kanyang mga magulang ay lumipat mula sa USSR patungo sa Argentina, kung saan lumaki si Daniel. Ang binigyan ng regalong batang lalaki ay nagbigay ng kanyang unang konsiyerto sa edad na 7 (ang kanyang ama at ina ay mga pianista, tinuruan nila ang kanyang anak). Ang kamangha-manghang malikhaing landas ng musikero ay kamangha-manghang: itinuro niya ang Chicago Symphony Orchestra, ang Paris Orchestra, ang Berlin State Opera, siya ay isang Honorary Knight Commander ng Order of the British Empire, ang Order of the Legion of Honor, at iginawad ng isang Grammy ng pitong beses. Ang kapalaran ng pianista ay tinatayang $ 50 milyon.

Karamihan sa iginawad na kompositor ng pelikula

Ang pinakatanyag at may titulong kompositor ng pelikula na si John Williams ay isa rin sa pinakamayamang pianista sa buong mundo. 100 milyong kapital, limang Academy Awards (at 49 mga nominasyon), 21 Grammys, 4 Golden Globes at maraming iba pang mga parangal - ito ay napaka makabuluhan! Sumulat si Williams ng musika para sa lahat ng mga pelikula ni Steven Spielberg at para sa mga obra maestra ni George Lucas, kasama ang Star Wars at serye ng Indiana Jones. Nagsimula si John bilang isang piano ng jazz na gumaganap sa mga club sa New York. Nagsimula siyang sumulat ng musika para sa mga pelikula noong 1960, mula noon ay nakuha niya ang pamagat ng pinakasikat na kompositor ng pelikula sa lahat ng oras.

Mga alamat ng musika

Ang pangalawang linya ng aming ranggo ng pinakamayamang pianista ay nararapat na sakupin ni Billy Joel. Ang "net worth" nito ay $ 160 milyon. Musician, mang-aawit, songwriter na si William Martin Joel ay lumaki sa isang pamilyang musikal: ang kanyang ama ay isang klasiko na pianista, naging guro siya para sa kanyang anak. Si Billy ay nagtatrabaho ng part-time na paglalaro ng piano habang nasa paaralan pa rin upang matulungan ang kanyang ina sa pera. Pumasok siya sa Columbia University. Ang unang solo na album na "Cold Spring Harbour" ay isang kumpletong kalamidad, ngunit ang ilang mga kanta ay nagsimulang mag-play sa radyo, at nagawa si Joel na mag-sign ng isang kontrata sa Columbia Records, pagkatapos nito ang mga bagay ay maayos.

Ang pinuno ng rating ay hindi kapani-paniwala mayaman - $ 440 milyon. Naging interesado siya sa piano sa edad na tatlo at kumuha ng mga aralin sa edad na pitong. Sa lalong madaling panahon, ang batang lalaki ay nagtagumpay upang manalo ng isang iskolar sa Royal Academy of Music, sa panahon ng kanyang pag-aaral na isinagawa niya sa isang malapit na pub. Ang mga tao mula sa lahat ng nakapaligid na mga kalye ay naka-flocked dito upang makinig sa batang lalaki. Ang batang pianista ay naging isang rock star, nakakuha ng isang dagat ng mga tagahanga, nasakop ang libu-libong yugto, kumanta ng isang duet kasama ang pinakadakilang mang-aawit sa lahat ng oras, naitala ang mga album, nanalo ng maraming mga parangal. Hindi mo pa nahulaan kung sino pa ito? Ang pinakamayaman (at pinaka-may talino) na pianista sa buong mundo, si Elton John.

Dalubhasa sa pagganap ng piano ng mga gawa sa musika.

Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay para sa propesyon ng piano lalo na mahalaga na simulan ang paggawa ng musika sa isang maagang edad, mga tatlo hanggang apat na taong gulang. Pagkatapos ang isang "malawak" na hugis ng palad ay nabuo, na sa hinaharap ay nakakatulong upang mahusay na maglaro.

Nakasalalay sa panahon ng pag-unlad ng musika ng piano, kung minsan ang mga tali sa kabaligtaran ng mga kahilingan ay inaasahan para sa mga pianista. Bilang karagdagan, ang propesyon ng isang musikero ay hindi maiiwasang intersect sa. Karamihan sa mga pianista ay bumubuo ng musika ng piano sa kanilang sarili. At ang mga bihirang mga virtuosos lamang ang nagawang maging sikat sa pamamagitan ng eksklusibo na mga melodies ng ibang tao.

Sa anumang kaso, tulad ng anumang musikero, mahalaga para sa isang pianista na maging taos-puso at emosyonal, upang matunaw sa musika na kanyang ginagawa. Ayon kay Harold Schonberg, isang sikat na kritiko ng musika, hindi lamang ito instrumento, ito ay isang paraan ng buhay, na nangangahulugang ang kahulugan ng buhay ng isang pianista ay hindi lamang musika, ngunit ang musika para sa kapakanan ng piano.

Mozart, Liszt at Rachmaninoff - mga klasiko ng art sa piano

Ang kasaysayan ng musika ng piano ay medyo kawili-wili. Maraming mga yugto ay nakikilala sa loob nito, na ang bawat isa ay may sariling mga tradisyon. Kadalasan, ang mga canon ng panahon ay itinakda ng isa (hindi gaanong madalas) na may kagalang-galang na nagpatugtog ng instrumento (sa una ito ang harpsichord, at kalaunan ay ang piano).

Samakatuwid, ang pagkilala sa tatlong panahon sa kasaysayan ng pianismo, sila ay pinangalanan pagkatapos ng pinaka sikat na kompositor - Mozart, Liszt at Rachmaninoff. Kung gagamitin natin ang tradisyunal na terminolohiya ng mga istoryador, ito ang mga yugto ng pagiging klasik, pagkatapos ay ang pagiging romantiko at maagang modernismo, ayon sa pagkakabanggit.

Mga kilalang pianista noong ika-18 na siglo

Sa bawat isa sa mga panahong ito, nagtrabaho din ang iba pang mga pianista, na marami sa kanila ay mga kompositor ng mga gawaing pang-musika at nag-iwan ng isang hindi mailalayong marka sa kasaysayan ng musika ng piano. Ito ang dalawa sa tatlong "Viennese classics" Schubert at Beethoven, Germans Brahms at Schumann, Pole Chopin at Frenchman Charles Valentin Alcan.

Si Johannes Brahms

Sa panahong ito, ang mga pianista ay pangunahing kinakailangan upang makapag-improvise. Ang propesyon ng pianista ay malapit na nauugnay sa pagsulat. At kahit na ang pagsasagawa ng mga gawa ng ibang tao, ang kanyang sariling interpretasyon, isang libreng interpretasyon, ay itinuturing na tama. Ngayon tulad ng isang pagganap ay isinasaalang-alang walang lasa, mali, kahit na hindi sanay.

Mga kilalang pianista noong ika-20 at ika-21 siglo

Ika-20 siglo - ang heyday ng piano art. Ang panahong ito ay hindi pangkaraniwang mayaman sa pambihirang talino at natitirang pianista.

Sa simula ng ika-20 siglo, sina Hoffmann at Korto, Schnabel at Paderewski ay naging sikat. At natural, si Rachmaninov, ang henyo ng Panahon ng Pilak, ay minarkahan ng isang bagong panahon hindi lamang sa musika ng piano, kundi pati na rin sa kultura ng mundo sa pangkalahatan.

Ang ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay ang panahon ng mga sikat na pianista tulad ng Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff ...

Svyatoslav Richter

Ang nasabing mga natatanging pianista bilang American Van Cliburn, na naging unang pagpuri ng International Tchaikovsky Competition noong 1958, ay nagpapatuloy sa kanilang pagiging malikhaing pangmusika sa simula ng ika-21 siglo. Ito ay nagkakahalaga ng pagbanggit sa musikero na nanalo ng parehong kumpetisyon sa susunod na taon - ang pinakasikat na pop pianista na si Vladimir Ashkenazi.

Ang pinaka sikat na pianista ay hindi Mozart

Kung poll mo kung sino ang pinaka sikat na pianista sa kasaysayan, marahil sasagot ang karamihan sa mga tao - Mozart. Gayunpaman, hindi lamang pinagkadalubhasaan ni Wolfgang Amadeus ang instrumento, ngunit naging isang kompositor din na likas na matalino.

Ito ay kilala na ang natatanging memorya, hindi kapani-paniwalang kakayahan para sa improvisasyon at talento ng mahusay na pianista na binuo lamang salamat sa ama ng maliit na henyo. Bilang resulta ng pang-araw-araw na gawain sa ilalim ng banta na mai-lock sa isang aparador, ang isang bata na nasa 4 na taong gulang ay madaling gumanap sa masalimuot na mga gawa, nakakagulat sa iba. Hindi gaanong sikat ay si Salieri, na walang spark ng henyo, ang walang hanggang kalaban ng Mozart, hindi makatarungan na inakusahan ng kanyang mga inapo ng kanyang nauna nang pagpatay.

Sa pamamagitan ng paraan, sa karamihan ng mga kaso ang isang musikero ay nagiging isang kompositor at sa gayon nakamit ang katanyagan. Samakatuwid, hindi dapat magtaka ang isa na halos lahat ng musikero ng henyo ay nagiging pantay na kilalang manunulat. Sobrang bihira ang sinuman ang namamahala upang makamit ang katanyagan lamang bilang isang tagapalabas.

Mga pianist sa tahanan

Alam ng kasaysayan ng musika ang maraming mga halimbawa kapag ang isang sikat na pianista ay naging mas sikat dahil sa hindi kapani-paniwalang tagumpay ng kanyang mga likha. Masarap malaman na maraming tulad ng mga henyo ay ipinanganak sa Russia. Ang Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Tchaikovsky, Stravinsky, Shostakovich ay isang maliit na bahagi lamang ng kalawakan ng mahusay na mga musikero ng Russia. Kabilang sa mga modernong sikat na performer, si Denis Matsuev ay maaaring pansinin lalo na - isang karapat-dapat na kahalili sa mga tradisyon ng paaralan ng musika ng Russia.

Ang sinumang ipinanganak sa Unyong Sobyet marahil ay naaalala ang tagumpay ng sikat at bantog na performer na si Van Cliburn na nakuha noong Cold War. Ang nagwagi ng unang International Tchaikovsky Competition, ang batang Amerikanong pianista ay hindi natatakot na dumating sa isang bansa na sarado sa lipunan ng Kanluran. Ang kanyang unang piano concerto ni Tchaikovsky ay naging unang platinum album sa mga klasikal na musikero.

Sa pamamagitan ng paraan, mayroong tatlong mga eras sa kasaysayan ng pianismo, na pinangalanan pagkatapos ng mahusay na mga pianista: Mozart, Liszt at Rachmaninoff. Ang panahon ng Mozart ay klasiko, ang panahon ng Liszt ay nailalarawan sa pino na romantiko, at ang panahon ng Rachmaninoff, nang naaayon, ay naging simula ng modernismo. Hindi dapat nakalimutan na ang mga magagaling na pianista tulad ng Schubert, Bach, Beethoven, Brahms, si Chopin ay sabay-sabay na nagtrabaho sa mga kilalang musikero na ito.

Mga kontemporaryong pianista

Ang ilang mga tao ay naniniwala na ang pag-unlad ng pianismo ay tapos na, at ang mga kontemporaryong tagapalabas at kompositor ay halos wala nang iharap sa korte ng isang nasirang publiko. Gayunpaman, ang napakatalino na Svyatoslav Richter ay nagtrabaho sa pagtatapos ng huling siglo. Sa pangkalahatan, ang ika-20 siglo ay isinasaalang-alang ng mga eksperto na maging heyday ng piano art. Ang simula ng siglo ay minarkahan ng hitsura ng mga kahanga-hangang pianista na sina Schnabel, Hoffmann, Paderewski, Karto at, siyempre, Rachmaninoff. Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ang mga pangalan tulad ng Richter, Horowitz, Gilels, Kempff, Rubinstein ay tumunog.

Sina Vladimir Ashkenazi at Denis Matsuev, piano virtuosos, natutuwa ang mga tagahanga sa kanilang talento ngayon. Hindi malamang na ang ika-21 siglo ay magiging mahirap sa mga talento ng musikal sa hinaharap.