Maagang Renaissance artist at ang kanilang mga kuwadro na gawa. Pagpipinta ng Renaissance

Ang Renaissance ay isang kahanga-hangang kababalaghan sa kasaysayan ng tao. Hindi na kailanman nagkaroon ng tulad ng isang napakatalino na flash sa larangan ng sining. Ang mga eskultor, arkitekto at artista ng Renaissance (mayroong isang mahabang listahan ng mga ito, ngunit hahawakan namin ang mga pinakasikat na mga), na ang mga pangalan ay kilala sa lahat, ay nagbigay sa buong mundo ng walang kapani-paniwala at natatanging mga tao na ipinakita ang kanilang sarili hindi sa isang larangan, ngunit sa maraming sabay.

Maagang pagpipinta ng Renaissance

Ang Renaissance ay may relatibong time frame. Una itong nagsimula sa Italya - 1420-1500. Sa oras na ito, ang pagpipinta at lahat ng sining sa pangkalahatan ay hindi naiiba sa nakaraan. Gayunpaman, ang mga elemento na hiniram mula sa klasiko na antigo ay nagsisimula na lumitaw sa unang pagkakataon. At sa mga susunod na taon, ang mga eskultor, arkitekto at mga artista ng Renaissance (na ang listahan ay napakalaki), sa ilalim ng impluwensya ng mga modernong kondisyon ng pamumuhay at mga progresibong uso, sa wakas ay pinabayaan ang mga pundasyon ng medieval. Matapang nilang pinagtibay ang pinakamahusay na mga halimbawa ng sinaunang sining para sa kanilang mga gawa, kapwa sa pangkalahatan at sa mga indibidwal na detalye. Ang kanilang mga pangalan ay kilala sa marami, manatili tayo sa pinakamaliwanag na mga personalidad.

Masaccio - ang henyo ng pagpipinta ng Europa

Siya ang gumawa ng malaking kontribusyon sa pagbuo ng pagpipinta, naging isang mahusay na repormador. Ang panginoon ng Florentine ay ipinanganak noong 1401 sa isang pamilya ng mga masining na artista, kaya't ang pakiramdam ng panlasa at pagnanais na lumikha ay nasa kanyang dugo. Sa edad na 16-17, lumipat siya sa Florence, kung saan nagtatrabaho siya sa mga workshop. Si Donatello at Brunelleschi, mahusay na mga eskultor at arkitekto, ay nararapat na itinuturing na kanyang mga guro. Ang pakikipag-usap sa kanila at ang nakuha na mga kasanayan ay hindi maaaring makaapekto sa batang pintor. Mula sa una, hiniram ni Masaccio ang isang bagong pag-unawa sa pagkatao ng tao, na katangian ng iskultura. Ang pangalawang master - ang mga pundasyon Ang unang maaasahang gawain, isinasaalang-alang ng mga mananaliksik ang "Triptych ng San Giovenale" (sa unang larawan), na natuklasan sa isang maliit na simbahan malapit sa bayan kung saan ipinanganak si Masaccio. Ang pangunahing gawain ay ang mga frescoes na nakatuon sa kasaysayan ng buhay ni San Pedro. Ang artista ay lumahok sa paglikha ng anim sa kanila, na: "Himala na may isang statyr", "Pagpapalayas mula sa Paraiso", "Pagbibinyag ng mga neophyte", "Pamamahagi ng mga pag-aari at pagkamatay ni Ananias", "Pagkabuhay na muli ng anak na lalaki ni Theophilus", "St Peter ay nagpapagaling sa may sakit sa kanyang anino" at "Saint Peter sa pulpito".

Ang mga Italyanong artista ng Renaissance ay mga taong ganap at ganap na nakatuon sa kanilang sarili sa sining, na hindi binigyan ng pansin ang mga ordinaryong araw-araw na mga problema, na kung minsan ay humantong sa kanila sa isang mahirap na pag-iral. Ang Masaccio ay walang pagbubukod: ang master ng henyo ay namatay nang maaga, sa edad na 27-28, naiiwan ang mahusay na mga gawa at isang malaking bilang ng mga utang.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Ito ay isang kinatawan ng Padua paaralan ng mga pintor. Natanggap niya ang mga pangunahing kaalaman sa kanyang mga kasanayan mula sa kanyang amponadong ama. Ang estilo ay naiimpluwensyahan din ng mga gawa ng Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello at Venetian painting. Natukoy nito ang medyo malupit at malupit na pamamaraan ni Andrea Mantegna kumpara sa Florentines. Siya ay isang kolektor at connoisseur ng mga akdang pangkultura sa sinaunang panahon. Sa pamamagitan ng isang istilo na hindi katulad ng iba pa, naging sikat siya bilang isang tagabago. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay The Dead Christ, The Triumph of Caesar, Judith, The Battle of the Sea Gods, Parnassus (nakalarawan), atbp. Mula 1460 hanggang sa kanyang pagkamatay, nagtrabaho siya bilang isang pintor sa korte sa pamilya ng mga Dukes ng Gonzaga.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Ang Botticelli ay isang palalimbagan, ang tunay na pangalan ay Philippei. Hindi niya agad napili ang landas ng isang artista, ngunit sa una ay nag-aral ng sining ng alahas. Sa unang independiyenteng mga gawa (maraming "Madonnas"), nadarama ang impluwensya ng Masaccio at Lippi. Sa hinaharap, pinarangalan din niya ang kanyang sarili bilang isang pintor ng larawan, ang karamihan sa mga order ay nagmula sa Florence. Ang pino at pino na likas na katangian ng kanyang mga gawa na may mga elemento ng stylization (generalization ng mga imahe gamit ang mga maginoo na pamamaraan - pagiging simple ng form, kulay, dami) ay nagpapakilala sa kanya sa iba pang mga masters ng oras na iyon. Ang isang kontemporaryong Leonardo da Vinci at batang Michelangelo ay nag-iwan ng isang maliwanag na marka sa sining ng mundo ("Ang Kapanganakan ng Venus" (larawan), "Spring", "Adoration of the Magi", "Venus at Mars", "Christmas", atbp.). Ang kanyang pagpipinta ay taos-puso at sensitibo, at mahirap ang kanyang buhay. Ang romantikong pang-unawa sa mundo sa isang murang edad ay pinalitan ng mistisismo at kadakilaan ng relihiyon sa kapanahunan. Ang mga huling taon ng kanyang buhay, si Sandro Botticelli ay nabuhay sa kahirapan at kawalan.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Ang pintor ng Italya at isa pang kinatawan ng maagang Renaissance, na nagmula sa Tuscany. Ang estilo ng may-akda ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng paaralan ng Florentine ng pagpipinta. Bilang karagdagan sa talento ng artist, si Piero della Francesca ay may natatanging kakayahan sa larangan ng matematika, at itinalaga niya ang mga huling taon ng kanyang buhay, sinusubukan na ikonekta siya ng mataas na sining. Ang resulta ay dalawang pang-agham na treatises: "On Perspective in Painting" at "Ang Aklat ng Limang Tamang Mga Katawang." Ang kanyang estilo ay nakikilala sa pamamagitan ng solemne, pagkakasundo at kadakilaan ng mga imahe, compositional poise, tumpak na mga linya at konstruksiyon, isang malambot na hanay ng mga kulay. Si Piero della Francesca ay may kamangha-manghang kaalaman sa teknikal na bahagi ng pagpipinta at mga kakaibang pananaw para sa oras na iyon, na nakakuha siya ng isang mataas na prestihiyo sa kanyang mga kapanahon. Ang pinakatanyag na gawa: "Kasaysayan ng Queen of Sheba", "The Scourging of Christ" (nakalarawan), "Altar ng Montefeltro", atbp.

Mataas na Renaissance painting

Kung ang Proto-Renaissance at ang unang panahon ay tumagal ng halos isang siglo at kalahati at isang siglo, ayon sa pagkakabanggit, pagkatapos ng panahong ito ay sumasaklaw lamang ng ilang mga dekada (sa Italya mula 1500 hanggang 1527). Ito ay isang maliwanag, nakasisilaw na flash na nagbigay sa mundo ng isang buong kalawakan ng mahusay, maraming nalalaman at henyo. Ang lahat ng mga sanga ng sining ay magkasama, maraming mga masters ay siyentipiko, iskultor, imbentor, at hindi lamang mga artista ng Renaissance. Mahaba ang listahan, ngunit ang tuktok ng Renaissance ay minarkahan ng mga gawa ni L. da Vinci, M. Buanarotti at R. Santi.

Hindi pangkaraniwang henyo ni Da Vinci

Marahil ito ang pinaka pambihirang at natitirang personalidad sa kasaysayan ng kulturang sining ng mundo. Siya ay isang unibersal na tao sa buong kahulugan ng salita at nagmamay-ari ng pinaka maraming nalalaman kaalaman at talento. Isang artista, eskultor, teorista sa sining, matematiko, arkitekto, anatomista, astronomer, pisiko at engineer - lahat ito ay tungkol sa kanya. Bukod dito, sa bawat isa sa mga rehiyon, si Leonardo da Vinci (1452-1519) ay napatunayan na isang makabagong tagagawa. Sa ngayon, 15 lamang sa kanyang mga kuwadro ang nakaligtas, pati na rin ang maraming mga sketch. Ang pagkakaroon ng matinding sigla at pagkauhaw sa kaalaman, siya ay walang tiyaga, dinala siya ng mismong proseso ng pag-unawa. Sa murang edad (20 taong gulang) natanggap niya ang kwalipikasyon ng isang Master ng Guild of Saint Luke. Ang kanyang pinakamahalagang gawa ay ang fresco na "Ang Huling Hapunan", mga pintura na "Mona Lisa", "Madonna Benoit" (nakalarawan sa itaas), "Lady with an Ermine", atbp.

Ang mga larawan ng Renaissance artist ay bihirang. Mas gusto nilang iwanan ang kanilang mga imahe sa mga kuwadro na may maraming mga mukha. Kaya, sa paligid ng sariling larawan ni da Vinci (nakalarawan), ang kontrobersya ay patuloy hanggang sa araw na ito. Inaalok ang mga teorya na ginawa niya ito sa edad na 60. Ayon sa biographer, artist at manunulat na si Vasari, ang dakilang master ay namamatay sa mga bisig ng kanyang malapit na kaibigan na si King Francis I sa kanyang kastilyo na Clos-Luce.

Raphael Santi (1483-1520)

Ang artista at arkitekto ay nagmula sa Urbino. Ang kanyang pangalan sa sining ay walang tigil na nauugnay sa ideya ng kahanga-hangang kagandahan at likas na pagkakatugma. Sa isang medyo maikling buhay (37 taon), nilikha niya ang maraming mga kuwadro na gawa sa mundo, mga fresco at larawan. Ang mga larawang kanyang inilarawan ay iba-iba, ngunit siya ay palaging naaakit sa imahe ng Ina ng Diyos. Talagang tama na si Raphael ay tinawag na "Master of Madonnas", lalo na ang mga isinulat niya sa Roma ay sikat. Nagtrabaho siya sa Vatican mula 1508 hanggang sa katapusan ng kanyang buhay bilang isang opisyal na artista sa korte ng papal.

Malawakang likas na matalino, tulad ng maraming iba pang mahusay na mga pintura ng Renaissance, si Raphael ay isang arkitekto at kasangkot din sa mga paghukay ng arkeolohiko. Ayon sa isa sa mga bersyon, ang huli na libangan ay nasa direktang kaugnayan sa nauna nang kamatayan. Siguro, nagkontrata siya ng Roman fever sa panahon ng paghuhukay. Ang dakilang master ay inilibing sa Pantheon. Sa larawan ay ang kanyang sariling larawan.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Ang mahabang 70 taong gulang ng taong ito ay maliwanag, naiwan niya sa mga inapo na hindi nabubunga ng mga nilikha hindi lamang ng pagpipinta, kundi pati na rin sa iskultura. Tulad ng iba pang mahusay na Renaissance painter, nabuhay si Michelangelo sa mga oras na puno ng mga makasaysayang kaganapan at kaguluhan. Ang kanyang sining ay ang perpektong pagtatapos ng paghawak sa buong Renaissance.

Ang master ay naglalagay ng iskultura higit sa lahat ng iba pang mga sining, ngunit sa kalooban ng kapalaran siya ay naging isang natitirang pintor at arkitekto. Ang pinaka-ambisyoso at pambihirang gawain niya ay ang pagpipinta (nakalarawan) sa palasyo sa Vatican. Ang lugar ng fresco ay lumampas sa 600 metro kuwadrado at naglalaman ng 300 mga numero ng mga tao. Ang pinaka-kahanga-hanga at pamilyar ay ang tanawin ng Huling Paghuhukom.

Ang mga pintor ng Renaissance ng Italya ay nagmamay-ari ng maraming talento. Kaya, kakaunti ang nakakaalam na si Michelangelo ay isa ring mahusay na makata. Ang facet ng kanyang henyo ay ganap na naipakita sa pagtatapos ng kanyang buhay. Halos 300 na tula ang nakaligtas hanggang ngayon.

Huling Renaissance pagpipinta

Sakop ang pangwakas na tagal ng panahon mula 1530 hanggang 1590-1620. Ayon kay Encyclopaedia Britannica, ang Renaissance bilang isang makasaysayang panahon ay natapos sa pagbagsak ng Roma noong 1527. Sa paligid ng parehong oras, ang Counter-Reform ay nagtagumpay sa katimugang Europa. Ang kilusang Katoliko ay tumingin nang may pag-aalala sa anumang malayang pag-iisip, kasama na ang pagluwalhati ng kagandahan ng katawan ng tao at ang muling pagkabuhay ng sining ng sinaunang panahon - iyon ay, ang lahat na naging mga haligi ng Renaissance. Nagresulta ito sa isang espesyal na takbo - Ang Mannerismo, na nailalarawan sa pagkawala ng pagkakaisa sa pagitan ng ispiritwal at pisikal, tao at kalikasan. Ngunit kahit na sa mahirap na panahong ito, ang ilang mga kilalang artist ng Renaissance ay lumikha ng kanilang mga obra maestra. Kabilang sa mga ito ay sina Antonio da Correggio (itinuturing na tagapagtatag ng Classicism at Palladianism) at Titian.

Titian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Nararapat siyang itinuturing na titan ng Renaissance, kasama sina Michelangelo, Raphael at da Vinci. Kahit na bago siya 30 taong gulang, si Titian ay naging sikat bilang "ang hari ng mga pintor at pintor ng mga hari." Karaniwan, pininturahan ng artist ang mga larawan sa mitolohiya at Bibliya na tema, bukod dito, naging sikat siya bilang isang mahusay na pintor ng larawan. Ang mga kontemporaryo ay naniniwala na ang nakunan gamit ang brush ng isang mahusay na master ay nangangahulugang pagkakaroon ng imortalidad. At sa katunayan ito ay. Ang mga utos kay Titian ay nagmula sa mga pinaka-iginagalang at marangal na tao: mga papa, hari, kardinal at dukes. Narito ang ilan, ang pinakatanyag, sa kanyang mga gawa: "Venus of Urbino", "The Abduction of Europa" (nakalarawan), "Carrying the Cross", "Crowning with Thorns", "Madonna of Pesaro", "Woman with a Mirror", atbp.

Wala nang paulit-ulit. Ang panahon ng Renaissance na ibinigay sa sangkatauhan ay napakatalino, pambihirang mga personalidad. Ang kanilang mga pangalan ay nakasulat sa kasaysayan ng mundo ng sining sa mga liham na ginto. Mga arkitekto at sculptors, manunulat at pintor ng Renaissance - ang listahan ay napakahaba. Hinawakan lamang namin ang mga titano na gumawa ng kasaysayan, nagdala ng mga ideya ng paliwanag at humanismo sa mundo.

Ang mga pangalan ng mga artista ng Renaissance ay matagal nang napapaligiran ng pagkilala sa unibersal. Maraming mga paghuhusga at pagtatasa tungkol sa kanila ay naging mga axiom. Gayunpaman ito ay hindi lamang isang karapatan, ngunit din ng isang tungkulin ng kasaysayan ng sining na maging kritikal sa kanila. Pagkatapos lamang ang kanilang sining ay nagpapanatili ng tunay na kahulugan nito para sa salinlahi.

Piero della Francesca

Si Piero della Francesca ay, hanggang kamakailan lamang, ang hindi gaanong kilala at kinikilala. Ang impluwensya ng mga panginoon ng Florentine noong unang bahagi ng ika-labinlimang siglo kay Piero della Froncesca, pati na rin ang kanyang salin na impluwensya sa kanyang mga kontemporaryo at mga kahalili, lalo na sa paaralan ng Venetian, wastong nabanggit. Gayunpaman, ang pambihirang, kilalang posisyon ng Piero della Francesca sa pagpipinta ng Italyano ay hindi pa lubusang nauunawaan. Siguro, sa paglipas ng panahon, ang kanyang pagkilala ay lalago lamang.

Si Piero della Francesca (c. 1420-1492) Ang pintor at teoristang Italyano, na kinatawan ng Early Renaissance

Ang kanyang pinakamalaking at pinakamagagandang gawain ay ang pag-ikot ng mga frescoes sa temang "History of the Cross" sa Arezzo (1452-1466). Ang gawain ay isinasagawa alinsunod sa pinakakilanlan ng lokal na mangangalakal na Bachchi. Marahil ang isang klero, isang tagapagpatupad ng kalooban ng namatay, ay nakibahagi sa pagbuo ng programa. Si Piero della Francesca ay umasa sa tinatawag na "Golden Legend" ni J. da Vorajina. Nauna rin siya sa mga artista. Ngunit ang pangunahing ideya, malinaw naman, ay pag-aari niya. Malinaw na ipinapakita nito ang karunungan, kapanahunan at pagiging sensitibo ng patula ng artist.

Bahagya ang nag-iisang pictorial cycle sa Italya ng panahong iyon "The History of the Cross" ay may dobleng kahulugan. Sa isang banda, ang lahat ng sinabi sa alamat tungkol sa kung paano lumaki ang puno mula kung saan ang krus ng Kalbaryo ay ipinakita dito, kung paano ang milagrong kapangyarihan nito ay nagpakita ng kanyang sarili. Ngunit dahil ang mga indibidwal na larawan ay wala sa sunud-sunod na pagkakasunud-sunod, ang literal na kahulugan na ito ay tila lumala sa background. Inayos ng artista ang mga kuwadro na gawa sa isang paraan na nagbibigay sila ng isang ideya ng iba't ibang mga anyo ng buhay ng tao: tungkol sa patriarchal - sa tanawin ng pagkamatay ni Adan at sa paglipat ng krus ni Heraclius, tungkol sa sekular, hukuman, lungsod - sa mga eksena ng Queen of Sheba at sa Paghahanap ng Krus, at sa wakas tungkol sa militar, labanan - sa "The Victory of Constantine" at sa "The Victory of Heraclius". Sa katunayan, niyakap ni Piero della Francesca ang halos lahat ng aspeto ng buhay. Kasama sa kanyang ikot: kasaysayan, alamat, pang-araw-araw na buhay, paggawa, larawan ng kalikasan at larawan ng kanyang mga kapanahon. Sa lungsod ng Arezzo, sa simbahan ng San Francesco, sa pamamahalang pampulitika kay Florence, ay natagpuan ang pinaka-kapansin-pansin na siklo ng fresco ng Renaissance ng Italya.

Ang sining ni Piero della Francesca ay tunay kaysa sa perpekto. Ang isang makatuwirang prinsipyo ay naghahari sa kanya, ngunit hindi makatuwiran, na may kakayahang malunod ang tinig ng puso. At sa paggalang na ito Piero della Francesca ay nagpapakilala sa pinakamaliwanag, pinaka mabunga na puwersa ng Renaissance.

Andrea Mantegna

Ang pangalan ni Mantegna ay nauugnay sa ideya ng isang humanist artist, sa pag-ibig sa Roman noong unang panahon, na armado ng malawak na kaalaman sa sinaunang arkeolohiya. Sa buong buhay niya ay naglingkod siya sa Mantuan dukes d'Este, ang pintor ng kanilang hukuman, isinasagawa ang kanilang mga utos, pinaglingkuran sila nang matapat (kahit na hindi nila palaging ibinibigay sa kanya ang nararapat). Ngunit napakalalim ng kanyang kaluluwa at sa sining na siya ay malaya, na nakatuon sa kanyang mataas Ang sining ng Mantegna ay malubhang, kung minsan malupit hanggang sa punto ng walang awa, at sa ito ay naiiba ito sa sining ng Piero della Francesca at lumapit kay Donatello.

Andrea Mantegna. Sariling larawan sa Ovetari Chapel

Pinupuri niya ang katapangan ng Roma, na halos mas mahusay kaysa sa mga Romano mismo ang gumawa nito. Ang kanyang mga bayani ay nakasuot ng sandata at estatwa. Ang kanyang mabatong bundok ay tiyak na kinatay gamit ang pait ng eskultor. Maging ang mga ulap na lumulutang sa kalangitan ay tila itinatapon mula sa metal. Kabilang sa mga fossil at casting na ito ay mga bayani na pinalakas ng labanan, matapang, matigas, matipid, nakatuon sa isang pakiramdam ng tungkulin, katarungan, handa na magsakripisyo sa sarili. Ang mga tao ay malayang gumagalaw sa espasyo, ngunit, lining up sa isang hilera, bumubuo ng isang uri ng mga kaluwagan sa bato. Ang mundong ito ng Mantegna ay hindi kaakit-akit sa mata, pinapagaan nito ang puso. Ngunit hindi maaaring umamin ng isang tao na nilikha ito ng espiritwal na salpok ng artista. At samakatuwid, ang pagkagalit ng tao ng artista, hindi ang payo ng kanyang mga natutunan na kaibigan, ngunit ang kanyang malakas na imahinasyon, ang kanyang pagnanasa na napipilit ng kalooban at tiwala na kasanayan, ay tiyak na kahalagahan dito.

Bago sa amin ay isa sa mga pinaka makabuluhang mga kababalaghan sa kasaysayan ng sining: mahusay na mga panginoon, sa pamamagitan ng lakas ng kanilang intuwisyon, tumayo sa linya kasama ang kanilang malalayong mga ninuno at gawin kung ano ang hindi nagawa ng mga artista na nag-aral sa nakaraan, ngunit hindi magagawang patas.

Sandro Botticelli

Ang Botticelli ay natuklasan ng English Pre-Raphaelites. Gayunpaman, kahit na sa simula ng ika-20 siglo, sa lahat ng paghanga sa kanyang talento, hindi siya "pinatawad" para sa mga paglihis mula sa karaniwang tinatanggap na mga panuntunan - pananaw, chiaroscuro, anatomy. Kasunod nito, napagpasyahan na ang Botticelli ay bumalik sa Gothic. Ang sosyal na Vulgar ay nagbigay ng kabuuan ng paliwanag nito para sa: "feudal reaksyon" sa Florence. Ang mga interpretasyon ng Iconological ay nagtatag ng mga koneksyon sa Botticelli sa isang bilog ng Florentine Neoplatonists, lalo na maliwanag sa kanyang nakamamanghang mga pinturang "Spring" at "Ang Kapanganakan ng Venus".

Paglarawan sa sarili ni Sandro Botticelli, fragment ng komposisyon ng altar na "Adoration of the Magi" (mga 1475)

Ang pagbabasa ng mga modernong komentaryo ng scholar sa larawang ito, mahirap paniwalaan na ang artista mismo ay maaaring napunta nang malalim sa mismong balangkas bilang makabuo ng lahat ng mga uri ng subtleties sa pagpapakahulugan ng mga figure, na kahit na sa araw na ito ay hindi maiintindihan nang isang sulyap, at sa mga unang araw, tila, naintindihan lamang nila. ang tabo ng Medici. Ito ay mas malamang na sila ay iminungkahi sa artist ng ilang erudite, at pinamamahalaang niya upang makamit na ang artista ay nagsimulang mag-interline na isalin ang verbal series sa isang visual. Ang pinaka-kasiya-siyang bagay tungkol sa pagpipinta ni Botticelli ay ang mga indibidwal na numero at grupo, lalo na ang grupo ng tatlong mga biyaya. Sa kabila ng katotohanan na ito ay nilalaro ng isang walang katapusang bilang ng mga beses, hindi nawala ang kagandahan nito hanggang sa araw na ito. Sa tuwing nakikita mo siya, nakakaranas ka ng isang bagong pag-atake ng paghanga. Totoo, nagawa ni Botticelli na ibigay ang walang hanggang kabataan sa kanyang mga nilalang. Ang isa sa mga komentaryo ng scholar sa pagpipinta ay iminungkahi na ang sayaw ng biyaya ay nagpahayag ng ideya ng pagkakaisa at hindi pagkakasundo, na madalas na pinag-uusapan ng Florentine Neoplatonists.

Ang Botticelli ay kabilang sa mga hindi malalayong mga guhit sa "Banal na Komedya". Ang mga nakakita sa kanyang mga sheet ay palaging maaalala ang mga ito kapag binabasa si Dante. Siya, tulad ng walang ibang tao, ay naaliw sa diwa ng tula ni Dante. Ang ilan sa mga guhit ni Dante ay nasa likas na katangian ng isang tumpak na linya ng graphic para sa tula. Ngunit ang pinaka maganda ay ang mga kung saan ang mga artista ay nag-iisip at sumasama sa diwa ni Dante. Ito ang higit sa lahat sa mga guhit para sa paraiso. Tila ang pagpipinta na paraiso ay ang pinakamahirap na bagay para sa mga artista ng Renaissance, na gustung-gusto ng mabangong lupa, lahat ng tao. Hindi tinatanggihan ng Botticelli ang pananaw ng Renaissance, ang spatial na mga impression na nakasalalay sa anggulo ng viewer. Ngunit sa paraiso, bumangon siya sa paglipat ng di-pananaw na kakanyahan ng mga bagay mismo. Ang kanyang mga numero ay walang timbang, nawawala ang mga anino. Ang ilaw ay tumagos sa kanila, mayroong puwang sa labas ng mga coordinate sa mundo. Ang mga katawan ay magkasya sa isang bilog, tulad ng sa simbolo ng celestial na globo.

Leonardo da Vinci

Si Leonardo ay isa sa mga kinikilalang henyo ng Renaissance. Marami ang itinuturing siyang unang artista ng oras na iyon, sa anumang kaso, ang kanyang pangalan una sa lahat ay nasa isipan pagdating sa mga magagandang tao ng Renaissance. Iyon ang dahilan kung bakit napakahirap na lumihis mula sa karaniwang mga opinyon at isaalang-alang ang kanyang artistikong pamana na may bukas na kaisipan.

Sariling larawan kung saan inilalarawan ni Leonardo ang kanyang sarili bilang isang matandang sambong. Ang pagguhit ay itinatago sa Royal Library of Turin. 1512 g.

Si Leonardo ay isang mahusay na siyentipiko, isang matalinong nag-iisip, manunulat, may-akda ng "Treatise", isang imbentong engineer. Ang kanyang kakayahang magamit na kakayahan ay nagpataas sa kanya sa itaas ng antas ng karamihan sa mga artista ng oras na iyon at sa parehong oras ay naghabol ng isang mahirap na gawain para sa kanya - upang pagsamahin ang isang diskarte sa pang-agham na pang-agham sa kakayahan ng artist na makita ang mundo at direktang sumuko sa pakiramdam. Ang gawaing ito kasunod na sinakop ang maraming mga artista at manunulat. Sa Leonardo, nakuha nito ang katangian ng isang hindi malulutas na problema.

Kalimutan natin sandali ang lahat na binulong sa amin ng magagandang mitolohiya tungkol sa artist-scientist, at hahatulan namin ang kanyang pagpipinta sa paraan ng paghatol natin sa pagpipinta ng iba pang mga masters ng kanyang oras. Ano ang ginagawang tumayo sa kanilang trabaho? Una sa lahat, pag-iingat sa paningin at mataas na kasining sa pagganap. Dinala nila ang kahanga-hangang kagalingan ng paggawa at ang pinakamahusay na panlasa. Sa pagpipinta ng kanyang guro na si Verrocchio "The Baptism" na batang si Leonardo ay nagpinta ng isang anghel kaya kahanga-hanga at sopistikado na sa tabi niya ang magandang anghel na si Verrocchio ay tila simple at base. Sa paglipas ng mga taon, sa sining ni Leonardo, ang "aesthetic aristocracy" ay naging mas malakas. Hindi ito nangangahulugan na sa mga korte ng mga soberano, ang kanyang sining ay naging magalang, magalang. Sa anumang kaso, hindi mo maaaring tawagan ang kanyang mga kababaihan na magsasaka sa Madonna.

Siya ay kabilang sa parehong henerasyon ng Botticelli, ngunit sinabi niya tungkol sa kanya na hindi sumasang-ayon, kahit na nakutya, na isinasaalang-alang na siya ay nasa likod ng mga oras. Si Leonardo mismo ay nagpilit na ipagpatuloy ang paghahanap para sa kanyang mga nauna sa sining. Hindi nililimitahan ang kanyang sarili sa espasyo at lakas ng tunog, inilalagay niya ang kanyang sarili sa gawain ng mastering ang light-air environment na envelops object. Nangangahulugan ito ng susunod na hakbang sa masining na pag-unawa sa totoong mundo, sa isang tiyak na lawak na binuksan ang daan para sa kulay ng mga taga-Venice.

Mali na sabihin na ang isang pag-akit sa agham ay nakagambala sa masining na gawa ni Leonardo. Ang henyo ng taong ito ay napakalaking, ang kanyang kasanayan ay napakataas, na kahit isang pagtatangka na "kunin ang lalamunan ng kanyang kanta" ay hindi maaaring patayin ang kanyang pagkamalikhain. Ang kanyang regalo bilang isang artist ay patuloy na sinira ang lahat ng mga paghihigpit. Sa kanyang mga likha, ang hindi maikakailang katapatan ng mata, ang kalinawan ng kamalayan, ang pagsunod sa brush, ang diskarte ng virtuoso. Sinakop nila kami ng kanilang mga anting-anting, tulad ng isang kinahuhumalingan. Kung sino man ang nakakita ng "La Gioconda" ay naaalala kung gaano kahirap ang lumayo dito. Sa isa sa mga bulwagan ng Louvre, kung saan natagpuan niya ang kanyang sarili sa tabi ng mga pinakamahusay na obra maestra ng paaralan ng Italya, siya ay nanalo at buong kapurihan na naghahari sa lahat ng bagay na nakabitin sa paligid niya.

Ang mga kuwadro na gawa ni Leonardo ay hindi bumubuo ng mga kadena tulad ng maraming iba pang mga Renaissance artist. Sa kanyang maagang mga gawa, tulad ng "Madonna Benoit", mayroong higit na init at spontaneity, ngunit sa kanya ang eksperimento ay ginagawang din ang sarili. Ang "Pagsamba" sa Uffizi ay isang napakahusay na underpainting, isang matipid, masiglang na paglalarawan ng mga taong magalang na tumatalakay sa isang maligayang babae na may isang sanggol sa kanyang kandungan. Sa "Madonna of the Rocks" mayroong isang kaakit-akit na anghel, isang batang may buhok na kulot, na nakikita ang larawan, ngunit siya ay tinanggihan ng kakaibang ideya ng paglilipat ng iddilia sa kadiliman ng kuweba. Ang pinaluwalhating "Huling Hapunan" ay palaging nalulugod sa mahusay na minarkahang katangian ng mga character: banayad na John, stern Peter, ang kontrabida na si Judas. Gayunpaman, ang katotohanan na ang gayong buhay at nabagabag na mga numero ay nakaayos ng tatlo sa isang hilera, sa isang panig ng talahanayan, ay mukhang isang hindi patas na kombensiyon, karahasan laban sa kalikasan na nabubuhay. Gayunpaman, ito ang dakilang Leonardo da Vinci, at dahil pininturahan niya ang larawan na tulad nito, nangangahulugan ito na ipinaglihi niya ito, at ang sakramentong ito ay mananatili sa loob ng maraming siglo.

Pagmamasid at pagbabantay, kung saan tinawag ni Leonardo ang mga artista sa kanyang "Treatise", huwag limitahan ang kanyang mga posibilidad ng malikhaing. Sinadya niyang subukan ang kanyang imahinasyon sa pamamagitan ng pagsusuri sa mga dingding na basag mula sa katandaan, kung saan maaaring isipin ng manonood ang anumang balangkas. Sa sikat na pagguhit ng Windsor ng sanguine "Thunderstorm" ni Leonardo, kung ano ang ipinahayag sa kanyang mga mata mula sa isang rurok ng bundok. Ang serye ng mga guhit ng Windsor sa tema ng Baha ay katibayan ng isang tunay na napakatalino na pananaw ng artist-thinker. Ang artista ay lumilikha ng mga palatandaan na walang bakas, ngunit kung saan pinukaw ang isang pakiramdam ng pagkamangha na may halong panginginig sa takot. Ang mga guhit ay nilikha ng dakilang master sa ilang uri ng makahulugang paghihirap. Ang lahat ay sinabi sa kanila sa madilim na wika ng mga pangitain ni Juan.

Ang panloob na pagtatalo ng Leonardo sa mga pagtanggi sa araw ay nakakaramdam mismo sa dalawa sa kanyang mga gawa: ang Louvre na "Juan Bautista", ang sariling larawan ng Turin. Sa isang huling larawan ng sarili na Turin, ang artist, na umabot sa pagtanda, ay lantad na nakatingin sa kanyang sarili sa salamin dahil sa mga nakasimangot na kilay - nakikita niya ang mga tampok ng pagkukulang sa kanyang mukha, ngunit nakikita rin niya ang karunungan, isang palatandaan ng "taglagas ng buhay".

Ang Renaissance ay napagtanto na may kapunuan ng klasikal sa Italya, na kung saan ang mga panahon ng kultura ng Renaissance ay nakikilala: Proto-Renaissance o mga oras ng pre-Renaissance phenomena, ("ang panahon ng Dante at Giotto", circa 1260-1320), bahagyang magkakasabay sa panahon ng Ducento (ika-13 siglo), at Trecento (14 siglo), Quattrocento (ika-15 siglo) at Cinquecento (ika-16 siglo). Ang mas maraming mga pangkalahatang panahon ay ang Maagang Renaissance (14-15 siglo), kapag ang mga bagong uso ay aktibong nakikipag-ugnay sa Gothic, pagtagumpayan at malikhaing pagbabago nito.

Pati na rin ang High and Late Renaissance, isang espesyal na yugto ng kung saan ay ang Mannerism. Sa panahon ng Quattrocento, ang paaralan ng Florentine, arkitekto (Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Bernardo Rossellino at iba pa), mga eskultor (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio), pintor , Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli) na lumikha ng isang plastik na mahalagang konsepto ng mundo, na nagkakaroon ng isang panloob na pagkakaisa, na unti-unting kumalat sa buong Italya (ang gawain ni Piero della Francesca sa Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa sa Ferrara Mantegna sa Mantua, Antonello da Messina at mga kapatid na Gentile at Giovanni Bellini sa Venice).

Ito ay natural na ang oras, na nakadikit sa kahalagahan ng tao na "pantay-pantay na Diyos" na pagkamalikhain, ay ipinapasa sa mga indibidwal na sining na - sa lahat ng kasaganaan ng mga talento - ay naging personipikasyon ng buong panahon ng pambansang kultura ("titan" personalities, dahil sila ay romantiko na tinawag mamaya). Si Giotto ay naging personipikasyon ng Proto-Renaissance, ang kabaligtaran na mga aspeto ng Quattrocento - nakabubuo ng mahigpit at masiglang lyricism - ay ayon sa pagkakabanggit nina Masaccio at Angelico at Botticelli. Ang "Titans" ng Gitnang (o "Mataas") na sina Renaissance Leonardo da Vinci, Raphael at Michelangelo ay mga artista - mga simbolo ng mahusay na hangganan ng Bagong Panahon na tulad nito. Ang pinakamahalagang yugto ng arkitektura ng Renaissance ng Italya - maaga, gitna at huli - ay monumentalized sa mga gawa ni F. Brunelleschi, D. Bramante at A. Palladio.

Sa Renaissance, ang hindi pagkakilala sa medieval ay pinalitan ng indibidwal, pagkamalikhain ng may-akda. Ang teorya ng linear at aerial na pananaw, proporsyon, mga problema ng anatomya at cut-off na pagmomolde ay may malaking praktikal na kahalagahan. Ang sentro ng mga makabagong Renaissance, isang masining na "salamin ng kapanahunan" ay isang hindi kilalang-likas na likas na likas na larawan, sa sining ng relihiyon na inilipat nito ang icon, at sa sekular na sining ay nagbibigay ng pagtaas sa mga independiyenteng genre ng tanawin, pang-araw-araw na pagpipinta, larawan (ang huli ay gumaganap ng pangunahing papel sa visual na kumpirmasyon ng mga mithiin ng makataong katangian). Ang sining ng nakalimbag na kahoy at pag-ukit ng metal, na naging tunay na laganap sa panahon ng Repormasyon, ay nakakakuha ng pangwakas na halaga ng intrinsic. Ang pagguhit mula sa isang gumaganang sketso ay nagiging isang hiwalay na uri ng pagkamalikhain; ang indibidwal na istilo ng stroke, stroke, pati na rin ang texture at epekto ng hindi natapos (non-finito) ay nagsisimulang pahalagahan bilang independiyenteng mga masining na epekto. Ang napakalaking pagpipinta ay nagiging kaakit-akit, hindi maipaliwanag-three-dimensional, nakakakuha ng higit pa at mas visual na kalayaan mula sa masa ng pader. Ang lahat ng mga uri ng visual arts ngayon, sa isang paraan o sa iba pa, ay lumalabag sa synthesis ng monolithic medieval (kung saan nanaig ang arkitektura), nakakakuha ng paghahambing na kalayaan. Ang mga uri ng ganap na pag-ikot ng mga estatwa, monumento ng Equestrian, bust bust (na sa maraming aspeto ay muling nabubuhay ang sinaunang tradisyon) ay nabuo, at isang ganap na bagong uri ng solemne iskultura at arkitektura na bato ay nabuo.

Sa panahon ng Mataas na Renaissance, kapag ang pakikibaka para sa makataong mga ideolohiyang Renaissance ay tumagal sa isang panahunan at kabayanihan na karakter, arkitektura at visual arts ay minarkahan ng lapad ng panlipunang resonansya, synthetic generalization at ang kapangyarihan ng mga imahe na puno ng ispiritwal at pisikal na aktibidad. Sa mga gusali ng Donato Bramante, si Raphael, Antonio da Sangallo, ang perpektong pagkakaisa, monumento at malinaw na proporsyon ay nakarating sa kanilang apogee; pagiging makataong buo, isang matapang na paglipad ng masining na imahinasyon, saklaw ng saklaw ng katotohanan ay katangian ng mga gawa ng pinakadakilang masters ng visual arts ng panahong ito - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian. Mula noong ikalawang quarter ng ika-16 siglo, nang pumasok ang Italya sa isang krisis sa pampulitika at pagkadismaya sa mga ideya ng humanismo, ang gawain ng maraming mga masters ay nakakuha ng isang kumplikado at dramatikong karakter. Sa arkitektura ng Late Renaissance (Giacomo da Vignola, Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi), interes sa spatial na pag-unlad ng komposisyon, ang subordination ng gusali sa isang malawak na konsepto sa pagpaplano ng lunsod, ay nadagdagan; sa mayaman at kumplikadong pag-unlad ng mga pampublikong gusali, templo, villa, palazzo, ang malinaw na tektika ng Maagang Renaissance ay pinalitan ng isang matinding salungatan ng mga puwersa ng tektoniko (mga gusali ni Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). Ang pagpipinta at iskultura ng Late Renaissance ay pinayaman ng isang pag-unawa sa magkakasalungat na likas na katangian ng mundo, isang interes sa paglalarawan ng dramatikong pagkilos ng masa, sa spatial dynamics (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); ang sikolohikal na katangian ng mga imahe sa mga huling gawa nina Michelangelo at Titian ay nakarating sa isang hindi pa naganap na kalaliman, pagiging kumplikado, trahedya sa loob.

Paaralang Venice

Ang Venetian School, isa sa mga pangunahing paaralan ng pagpipinta sa Italya na may isang sentro sa lungsod ng Venice (bahagyang din sa maliit na bayan ng Terraferma - mga lugar ng mainland na katabi ng Venice). Ang paaralan ng Venetian ay nailalarawan sa kalakhan ng nagsisimula ng nakalarawan, espesyal na pansin sa mga problema ng kulay, ang pagnanais na maisama ang katangi-tanging pagkakumpleto at katalinuhan ng pagiging. Malapit na konektado sa mga bansa ng Kanlurang Europa at Silangan, inilabas ni Venice mula sa dayuhang kultura ang lahat na maaaring magsilbing palamuti nito: ang kagandahan at gintong ningning ng mga Byzantine mosaics, ang mga paligid ng bato ng mga gusaling Moorish, ang kamangha-manghang likas na katangian ng mga templo ng Gothic. Kasabay nito, ang sariling orihinal na istilo sa sining ay binuo dito, tending patungo sa ceremonial brilliance. Ang paaralan ng Venetian ay nailalarawan sa isang sekular, nagpapatunay na buhay na prinsipyo, patula na pang-unawa sa mundo, tao at kalikasan, banayad na kulay.

Ang paaralan ng Venetian ay nakarating sa pinakadakilang kasaganaan sa panahon ng Maaga at Mataas na Renaissance, sa gawain ni Antonello da Messina, na nagbukas para sa kanyang mga kontemporaryo ang nagpapahayag ng mga posibilidad ng pagpipinta ng langis, ang mga tagalikha ng mga perpektong magkabagay na imahe ng Giovanni Bellini at Giorgione, ang pinakadakilang colorist na Titian, na sumali sa makulay na kasayahan at kaligayahan na nagmula sa pagpipinta ng Venetian sa kanyang maaaring plethora. Sa mga gawa ng masters ng paaralan ng Venetian sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo, ang kabanalan sa paghahatid ng multicolor ng mundo, ang pag-ibig para sa maligaya na mga paningin at isang maraming tao na magkasama ay magkatabi na may tahasang at nakatagong drama, isang nakababahala na kahulugan ng dinamika at kawalang-hanggan ng uniberso (mga pintura nina Paolo Veronese at Jacopo Tintoretto). Noong ika-17 siglo, ang tradisyunal na paaralan ng Venetian na interes sa mga problema ng kulay sa mga gawa ni Domenico Fetti, Bernardo Strozzi at iba pang mga artista ay pinagsama sa mga pamamaraan ng baroque painting, pati na rin ang makatotohanang mga tendencies sa diwa ng caravaggism. Ang pagpipinta ng Venetian ng ika-18 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-unlad ng napakalaking at pandekorasyon na pagpipinta (Giovanni Battista Tiepolo), genre ng genre (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), dokumentaryo na tumpak na arkitektura ng arkitektura - tingga (Giovanni Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) at isang liriko ang pang-araw-araw na buhay ng Venice cityscape (Francesco Guardi).

Florentine paaralan

Ang Paaralan ng Florence, isa sa mga nangungunang mga paaralan ng sining ng Italya ng Renaissance, na nakasentro sa lungsod ng Florence. Ang pagbuo ng paaralan ng Florentine, na sa wakas ay nabuo sa ika-15 siglo, ay pinadali ng pag-unlad ng pag-iisip ng humanistic (Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola, atbp.), Na bumaling sa pamana ng unang panahon. Ang nagtatag ng paaralan ng Florentine sa panahon ng Proto-Renaissance ay si Giotto, na nagbigay ng kanyang komposisyon na plastik na panghihikayat at kasiglahan.
Noong ika-15 siglo, ang mga tagapagtatag ng Renaissance art sa Florence ay ang arkitekto na si Filippo Brunelleschi, ang iskultor na Donatello, ang pintor na Masaccio, na sinundan ng arkitekto na si Leon Battista Alberti, ang mga eskultor na Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano at iba pang mga panginoon. Sa arkitektura ng paaralan ng Florentine noong ika-15 siglo, nilikha ang isang bagong uri ng Renaissance palazzo, ang paghahanap ay nagsimula para sa isang perpektong uri ng gusali ng templo na tutugunan ang mga ideolohiyang makataong panahon.

Ang pinong sining ng paaralan ng Florentine noong ika-15 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kaakit-akit sa mga problema ng pananaw, ang pagnanais para sa isang malinaw na malinaw na pagtatayo ng pigura ng tao (gawa ni Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno), at para sa marami sa mga masters nito - isang espesyal na ispiritwalidad at intimate lyrical pagmumuni-muni (pagpipinta ni Benozzo Gozzoli) , Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi,). Noong ika-17 siglo, ang paaralan ng Florentine ay nahulog.

Ang sanggunian at talambuhay na datos ng "Maliit na Bay Planet Painting Gallery" ay inihanda batay sa mga materyales mula sa History of Foreign Art (ed. Ni MT Kuzmina, NL Maltseva), ang Art Encyclopedia ng Foreign Classical Art, at ang Great Russian Encyclopedia.

Ang pagpipinta ng Renaissance ay ang gintong pondo ng hindi lamang European, kundi pati na rin sa sining sa buong mundo. Ang panahon ng Renaissance ay pinalitan ang madilim na Middle Ages, nasasakop sa utak ng mga canon ng simbahan, at nauna sa kasunod na Enlightenment at New Age.

Ito ay nagkakahalaga ng pagkalkula ng haba ng panahon depende sa bansa. Ang panahon ng pag-unlad ng kultura, tulad ng karaniwang tinatawag na, nagsimula sa Italya noong ika-14 na siglo, at pagkatapos ay kumalat sa buong Europa at naabot ang kasukdulan nito sa pagtatapos ng ika-15 siglo. Hinahati ng mga mananalaysay ang panahong ito sa sining sa apat na yugto: Protorenessan, maaga, mataas at huli na Renaissance. Sa partikular na halaga at interes ay, siyempre, ang pagpipinta ng Italya ng Renaissance, ngunit ang isang tao ay hindi dapat mawala sa paningin ng mga masters ng Pranses, Aleman, Dutch. Ito ay tungkol sa kanila sa konteksto ng mga oras ng panahon ng Renaissance na ang artikulo ay tatalakayin pa.

Proto-renaissance

Ang panahon ng Proto-Renaissance ay tumagal mula sa ikalawang kalahati ng siglo XIII. sa XIV siglo. Ito ay malapit na nauugnay sa Middle Ages, sa bandang huli yugto kung saan ito ipinanganak. Ang Proto-Renaissance ay ang nangunguna sa Renaissance at pinagsasama ang mga tradisyon ng Byzantine, Romanesque at Gothic. Una sa lahat, ang mga uso ng bagong panahon ay nagpakita ng kanilang sarili sa iskultura, at pagkatapos lamang sa pagpipinta. Ang huli ay kinakatawan ng dalawang paaralan ng Siena at Florence.

Ang pangunahing pigura ng panahon ay ang pintor at arkitekto na Giotto di Bondone. Ang kinatawan ng paaralan ng Florentine ng pagpipinta ay naging repormador. Binalangkas niya ang landas kung saan siya ay lalong umunlad. Ang mga tampok ng pagpipinta ng Renaissance ay nagmula nang tumpak sa panahong ito. Karaniwang tinatanggap na pinamunuan ni Giotto sa kanyang mga gawa ang estilo ng pagpipinta ng icon na karaniwang sa Byzantium at Italya. Ginawa niya ang puwang na hindi two-dimensional, ngunit three-dimensional, gamit ang chiaroscuro upang lumikha ng ilusyon ng lalim. Sa larawan ay ang pagpipinta na "Halik ni Judas".

Ang mga kinatawan ng paaralan ng Florentine ay tumayo sa pinagmulan ng Renaissance at ginawa ang lahat upang ilabas ang pagpipinta mula sa matagal na pagwawalang medyebal.

Ang panahon ng Proto-Renaissance ay nahahati sa dalawang bahagi: bago at pagkatapos ng kanyang kamatayan. Hanggang sa 1337, nagniningning ang pinakamaliwanag na mga panday at naganap ang pinakamahalagang tuklas. Matapos ang Italy ay saklaw ng isang epidemya ng salot.

Pagpipinta ng Renaissance: isang maikling pangkalahatang-ideya ng maagang panahon

Ang Maagang Renaissance ay sumasaklaw sa isang panahon ng 80 taon: mula 1420 hanggang 1500. Sa oras na ito hindi pa ito ganap na umalis mula sa mga nakaraang tradisyon at nakaugnay pa rin sa sining ng Gitnang Panahon. Gayunpaman, ang hininga ng mga bagong uso ay naramdaman na, ang mga masters ay nagsisimula na lumiliko nang mas madalas sa mga elemento ng klasikal na karamdaman. Sa huli, ganap na pinabayaan ng mga artista ang istilo ng medyebal at nagsimulang matapang na gamitin ang pinakamahusay na mga halimbawa ng sinaunang kultura. Tandaan na ang proseso ay sa halip mabagal, hakbang-hakbang.

Maliwanag na mga kinatawan ng unang Renaissance

Ang gawain ng artist ng Italyano na si Piero della Francesca ay nabibilang sa unang panahon ng Renaissance. Ang kanyang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng kadakilaan, marilag na kagandahan at pagkakatugma, katumpakan ng pananaw, malambot na kulay, puno ng ilaw. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, bilang karagdagan sa pagpipinta, pinag-aralan niya ang matematika nang malalim at kahit na nagsulat ng dalawa sa kanyang sariling mga treatise. Ang kanyang mag-aaral ay isa pang tanyag na pintor, si Luca Signorelli, at ang estilo ay naipakita sa mga gawa ng maraming mga masters ng Umbrian. Sa larawan sa itaas ay isang fragment ng fresco sa Church of San Francesco sa Arezzo na "Ang Kwento ng Queen of Sheba".

Si Domenico Ghirlandaio ay isa pang kilalang kinatawan ng paaralan ng Florentine ng maagang pagpipinta ng Renaissance. Siya ang nagtatag ng isang sikat na artistikong dinastiya at pinuno ng workshop kung saan nagsimula ang batang si Michelangelo. Si Ghirlandaio ay isang sikat at matagumpay na master na nakikibahagi hindi lamang sa pagpipinta ng fresco (Tornabuoni Chapel, Sistine), kundi pati na rin sa pagpipinta ng makina (Adoration of the Magi, Christmas, Old Man with Grandson, Portrait of Giovanna Tornabuoni - nakalarawan sa ibaba).

Mataas na Renaissance

Ang panahong ito, kung saan nagkaroon ng isang kahanga-hangang pag-unlad ng estilo, ay nahulog sa 1500-1527. Sa oras na ito, ang sentro ng sining ng Italyano ay inilipat sa Roma mula sa Florence. Ito ay dahil sa pag-akyat sa trono ng papal ng mapaglunggati, ang nag-apruba na si Julius II, na nakakaakit ng pinakamahusay na mga artista ng Italya sa kanyang korte. Ang Roma ay naging isang bagay ng Athens sa panahon ng Pericles at nakaranas ng isang hindi kapani-paniwala na pag-aalsa at pagtaas ng konstruksiyon. Kasabay nito, may pagkakaisa sa pagitan ng mga sanga ng sining: iskultura, arkitektura at pagpipinta. Ang panahon ng Renaissance ay nagkakaisa sa kanila. Tila magkasama silang magkasama, magkakasama sa bawat isa at nakikipag-ugnay.

Ang Antiquity ay pinag-aralan nang mas lubusan sa panahon ng Mataas na Renaissance at muling nabuo nang may maximum na katumpakan, mahigpit at pagkakapare-pareho. Ang dignidad at katahimikan ay pinalitan ang nakagugulat na kagandahan, at ang mga tradisyon sa medyebal ay ganap na nakalimutan. Ang pinnacle ng Renaissance ay minarkahan ng gawain ng tatlo sa mga pinakadakilang masters ng Italya: Rafael Santi (larawan "Donna Velata" sa imahe sa itaas), Michelangelo at Leonardo da Vinci ("Mona Lisa" - sa unang larawan).

Late Renaissance

Ang kalaunan ang Renaissance sa Italya ay sumasakop sa panahon mula 1530 hanggang 1590-1620. Ang mga kritiko sa sining at istoryador ay binabawasan ang mga gawa ng oras na ito sa isang pangkaraniwang denominador na may mahusay na kombensiyon. Ang Timog Europa ay nasa ilalim ng impluwensya ng Counter-Reformation na nagtagumpay sa loob nito, na may mahusay na pagkaunawa na napansin ang anumang malayang pag-iisip, kasama na ang muling pagkabuhay ng mga mithiin ng dating panahon.

Sa Florence, ang pangingibabaw ng Mannerism ay sinusunod, na nailalarawan sa pamamagitan ng mga artipisyal na kulay at basag na linya. Gayunpaman, sa Parma, kung saan nagtatrabaho si Correggio, nakarating lamang siya pagkatapos ng pagkamatay ng master. Ang pagpipinta ng Venetian ng Renaissance ng huli na panahon ay may sariling paraan ng pag-unlad. Ang Palladio at Titian, na nagtrabaho doon hanggang sa mga 1570s, ay ang pinakamaliwanag na mga kinatawan nito. Ang kanilang trabaho ay walang kinalaman sa mga bagong uso sa Roma at Florence.

Hilagang Renaissance

Ang terminong ito ay ginagamit upang makilala ang Renaissance sa buong Europa, sa labas ng Italya sa pangkalahatan, at sa partikular sa mga bansang nagsasalita ng Aleman. Mayroon itong isang bilang ng mga tampok. Ang Northern Renaissance ay hindi homogenous at nailalarawan sa mga tiyak na tampok sa bawat bansa. Hinahati ito ng mga kritiko ng sining sa maraming direksyon: Pranses, Aleman, Dutch, Espanyol, Polish, Ingles, atbp.

Ang paggising sa Europa ay nagpatuloy sa dalawang paraan: ang pag-unlad at pagkalat ng isang humanistic secular worldview, at ang pagbuo ng mga ideya para sa pagpapanibago ng mga tradisyon ng relihiyon. Pareho silang nahipo, kung minsan ay pinagsama, ngunit sa parehong oras sila ay mga antagonista. Pinili ng Italya ang unang landas, at ang Hilagang Europa ang pangalawa.

Ang Renaissance ay halos walang impluwensya sa sining ng hilaga, kabilang ang pagpipinta, hanggang 1450. Mula noong 1500, kumalat ito sa buong kontinente, ngunit sa ilang mga lugar ang impluwensya ng huli na Gothic ay nanatili hanggang sa pagsisimula ng Baroque.

Ang Northern Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng makabuluhang impluwensya ng estilo ng Gothic, hindi gaanong pansin ang pag-aaral ng antigong at anatomya ng tao, detalyado at maingat na diskarte sa pagsulat. Ang Repormasyon ay may mahalagang impluwensya sa ideolohiya sa kanya.

French Northern Renaissance

Ang pinakamalapit sa pagpipinta ng Italyano ay ang pagpipinta ng Pransya. Ang Renaissance ay isang mahalagang yugto para sa kulturang Pranses. Sa oras na ito, ang mga ugnayan ng monarkiya at burges ay aktibong nagpapatibay, ang mga ideya sa relihiyon ng Middle Ages ay lumilipas sa background, na nagbibigay daan sa mga pagkamakatao. Mga Kinatawan: François Quesnel, Jean Fouquet (ang larawan ay nagpapakita ng isang piraso ng Melen diptych ng master), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, François Clouet.

Aleman at Olandes na Northern Renaissance

Ang mga natitirang gawa ng Northern Renaissance ay nilikha ng mga panginoon ng Aleman at Flemish-Dutch. Ang relihiyon ay patuloy na gumaganap ng isang mahalagang papel sa mga bansang ito, at malakas na naimpluwensyahan ang pagpipinta. Ang Renaissance ay kumuha ng ibang landas sa Netherlands at Alemanya. Hindi tulad ng mga gawa ng mga masters ng Italya, ang mga artista ng mga bansang ito ay hindi naglalagay ng isang tao sa gitna ng uniberso. Sa halos halos buong siglo ng XV. inilarawan nila siya sa estilo ng Gothic: ilaw at ethereal. Ang pinakatanyag na kinatawan ng Dutch Renaissance ay ang Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Kampen, Hugo van der Goes, Aleman - Albert Durer, Lucas Cranach Sr., Hans Holbein, Matthias Grunewald.

Sa larawan, autoporter ni A. Durer noong 1498

Sa kabila ng katotohanan na ang mga gawa ng mga hilagang masters ay naiiba nang malaki mula sa mga gawa ng mga pintor ng Italyano, sila ay sa anumang kaso na kinikilala bilang hindi galang-galang na mga eksibit ng pinong sining.

Ang pagpipinta ng Renaissance, tulad ng buong kultura nang buo, ay nailalarawan ng isang sekular na karakter, humanismo at tinatawag na anthropocentrism, o, sa madaling salita, isang pangunahing interes sa tao at sa kanyang mga aktibidad. Sa panahong ito, mayroong isang tunay na araw ng interes sa sinaunang sining, at naganap ang muling pagkabuhay. Ang panahon ay nagbigay sa buong mundo ng isang buong kalawakan ng mga makikinang na eskultor, arkitekto, manunulat, makatang at artista. Hindi kailanman bago at pagkatapos ay naging napakalaki ng kultura.

Ang Renaissance ay isang oras ng intelektwal na pag-unlad sa Italya, na nakakaimpluwensya sa pag-unlad ng sangkatauhan. Ang kahanga-hangang oras na ito ay nagsimula sa XIV siglo at nagsimulang bumagsak sa siglo XVI. Imposibleng makahanap ng isang solong lugar ng aktibidad ng tao na hindi maaapektuhan ng Renaissance. Ang pag-unlad ng kultura ng tao, pagkamalikhain, sining, agham. Politika, pilosopiya, panitikan, arkitektura, pagpipinta - lahat ng ito ay naganap sa isang bagong hininga at nagsimulang umunlad sa isang hindi pangkaraniwang mabilis na bilis. Karamihan sa mga pinakadakilang artista, na nag-iwan ng walang hanggang alaala sa kanilang mga sarili sa kanilang mga gawa at binuo ang karamihan sa mga prinsipyo at batas ng pagpipinta, nabuhay at nagtrabaho sa oras na ito. Ang panahon ng Renaissance ay isang hininga ng sariwang hangin para sa mga tao at simula ng isang bagong buhay, isang tunay na rebolusyon sa kultura. Ang mga prinsipyo ng buhay ng Middle Ages ay gumuho at nagsimulang magsikap ang tao para sa mataas, na parang napagtanto ang kanyang tunay na kapalaran sa Earth - upang lumikha at umunlad.

Ang pagsilang muli ay hindi nangangahulugang iba, kundi ang pagbabalik sa mga kahalagahan ng nakaraan. Ang mga kahalagahan ng nakaraan, kabilang ang tulad ng pananampalataya at taimtim na pagmamahal sa sining, paglikha, paglikha, ay naiisip muli. Ang kamalayan ng tao sa uniberso: ang tao bilang korona ng kalikasan, ang korona ng banal na nilikha, siya mismo ang tagalikha.

Ang pinakasikat na Renaissance painter ay sina Alberti, Michelangelo, Raphael, Albrecht Durer at marami pang iba. Sa kanilang gawain, ipinahayag nila ang pangkalahatang konsepto ng uniberso, ang konsepto ng pinagmulan ng tao, na batay sa relihiyon at mitolohiya. Masasabi natin na pagkatapos ay bumangon ang pagnanais ng mga artista upang malaman kung paano lumikha ng isang makatotohanang imahe ng isang tao, kalikasan, mga bagay, pati na rin hindi nasasalat na mga kababalaghan - damdamin, damdamin, kalooban, atbp. Sa una, ang Florence ay itinuturing na sentro ng Renaissance, ngunit noong ika-16 na siglo nasakop nito ang Venice. Nasa Venice na ang pinakamahalagang benefactors o patron ng Renaissance, tulad ng Medici, ang mga papa at iba pa, ay matatagpuan.

Walang alinlangan na ang panahon ng Renaissance ay naiimpluwensyahan ang kurso ng pag-unlad ng lahat ng sangkatauhan sa bawat kahulugan ng salita. Ang mga gawa ng sining ng panahong iyon ay kabilang pa sa pinakamahal, at iniwan ng kanilang mga may-akda ang kanilang mga pangalan sa kasaysayan magpakailanman. Ang mga painting at sculpture ng Renaissance ay itinuturing na hindi mabibili ng mga masterpieces at gabay pa rin at halimbawa para sa anumang artista. Ang natatanging sining ay kapansin-pansin sa kagandahan at lalim ng disenyo nito. Ang bawat tao ay obligadong malaman ang tungkol sa pambihirang oras na ito, na kung saan ay sa kasaysayan ng ating nakaraan, nang walang pamana kung saan imposibleng isipin ang ating kasalukuyan at hinaharap.

Leonardo da Vinci - Mona Lisa (La Gioconda)

Raphael Santi - Madonna