Gaano karaming mga bahagi ang mayroon ng isang klasiko symphony? Symphony

Symphony (mula sa Greek "consonance") - isang piraso para sa orkestra, na binubuo ng ilang mga bahagi. Ang Symphony ay ang pinaka musikal na form sa mga musikang orkestra ng konsyerto.

Klasikong istraktura

Dahil sa kamag-anak na pagkakapareho ng istraktura sa sonata, ang symphony ay maaaring tawaging isang grand sonata para sa orkestra. Ang isang sonata at isang symphony, pati na rin ang isang trio, kuwarts, atbp, ay kabilang sa "sonata-symphonic cycle" - isang siklikanong pormang pangmusika ng isang akdang kung saan kaugalian na maipakita ang hindi bababa sa isa sa mga bahagi (karaniwang una) sa form ng sonata. Ang sonata-symphonic cycle ay ang pinakamalaking cyclical form na kabilang sa mga puro instrumental form.

Tulad ng sa sonata, ang klasiko symphony ay may apat na paggalaw:
- ang unang kilusan, sa isang mabilis na bilis, ay nakasulat sa sonata form;
- ang pangalawang kilusan, sa mabagal na paggalaw, ay nakasulat sa anyo ng isang rondo, mas madalas sa anyo ng isang sonata o isang form ng pagkakaiba-iba;
- ikatlong kilusan, scherzo o minuet sa tatlong-bahagi na form;
- ang ika-apat na kilusan, sa isang mabilis na tulin, sa sonata form o sa anyo ng rondo, rondo sonata.
Kung ang unang paggalaw ay nakasulat sa isang katamtamang tempo, kung gayon, sa kabaligtaran, maaari itong sundin ng isang mabilis na pangalawa at isang mabagal na ikatlong kilusan (halimbawa, ika-9 symphony ni Beethoven).

Isinasaalang-alang na ang symphony ay idinisenyo para sa mahusay na mga kapangyarihan ng orkestra, ang bawat bahagi nito ay nakasulat sa isang mas malawak at mas detalyadong paraan kaysa, halimbawa, sa isang ordinaryong sonata ng piano, dahil ang kayamanan ng nagpapahayag na mga paraan ng isang symphony orchestra ay nagbibigay para sa isang detalyadong pagtatanghal ng pag-iisip ng musikal.

Kasaysayan ng Symphony

Ang salitang symphony ay ginamit sa sinaunang Greece sa panahon ng Middle Ages at higit sa lahat upang ilarawan ang iba't ibang mga instrumento, lalo na ang mga may kakayahang gumawa ng higit sa isang tunog nang sabay-sabay. Kaya sa Alemanya, hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, ang isang symphony ay isang pangkalahatang termino para sa mga uri ng harpsichord - mga spinet at mga birhen, sa Pransya ang tinaguriang organ, harpsichord, two-head drums, atbp.

Ang salitang symphony upang magpahiwatig ng "tunog magkasama" mga piraso ng musika ay nagsimulang lumitaw sa mga pamagat ng ilang mga gawa ng ika-16 at ika-17 siglo, tulad ng Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597, at Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607 ), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) at Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

Ang symphony na nakuha sa ilalim ng Domenico Scarlatti sa pagtatapos ng ika-17 siglo ay maaaring isaalang-alang na isang prototype. Ang form na ito ay kahit na tinawag na symphony at binubuo ng tatlong magkakaibang mga bahagi: allegro, andante at allegro, na pinagsama sa isang buo. Ito ang form na ito na madalas na nakikita bilang direktang mangunguna ng orkestra ng orkestra. Ang mga salitang "umabot" at "symphony" ay ginamit nang palitan para sa karamihan ng ika-18 siglo.

Ang iba pang mahahalagang ninuno ng symphony ay ang orkestra suite, na binubuo ng ilang mga bahagi sa pinakasimpleng mga porma at karamihan sa parehong key, at ang ripieno concerto, isang form na nakapagpapaalaala sa isang concerto para sa mga string at Continuo, ngunit walang mga solo na instrumento. Sa form na ito, ang mga gawa ng Giuseppe Torelli ay nilikha at, marahil, ang pinakasikat na ripieno concert ay ang "Brandenburg Concerto No. 3" ni Johann Sebastian Bach.

Itinuturing ang tagapagtatag ng klasikal na modelo ng symphony. Sa isang klasiko symphony, tanging ang una at huling paggalaw ay may parehong susi, habang ang mga gitna ay nakasulat sa mga susi na katulad ng pangunahing, na tumutukoy sa susi ng buong symphony. Ang mga natitirang kinatawan ng klasiko symphony ay sina Wolfgang Amadeus Mozart at Ludwig van Beethoven. Ang Beethoven ay kapansin-pansing pinalawak ang symphony. Ang kanyang Symphony Blg 3 ("Bayani"), na may sukat at emosyonal na saklaw na higit sa lahat ng naunang mga gawa, ang kanyang Symphony Blg 5 ay marahil ang pinaka sikat na symphony na nakasulat. Ang kanyang Symphony Blg 9 ay nagiging isa sa mga unang "koro symphony" upang isama ang mga bahagi para sa mga soloista at koro sa huling kilusan.

Ang romantikong symphony ay naging isang pagsasanib ng klasikal na form na may romantikong expression. Ang ugali ng programmaticity ay umuunlad din. Lumitaw. Ang pangunahing nakikilala tampok ng romantismo ay ang paglaki ng form, komposisyon ng orkestra at density ng tunog. Ang pinakatanyag na komposisyon ng symphony sa panahong ito ay kinabibilangan ng Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, PI Tchaikovsky, A. Bruckner at Gustav Mahler.

Dahil ang ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo at lalo na sa ika-20 siglo, ang symphony ay sumailalim sa karagdagang pagbabagong-anyo. Ang apat na bahagi na istraktura ay naging opsyonal: ang mga symphony ay maaaring maglaman mula sa isa (7th Symphony) hanggang labing isang (14th Symphony ni D. Shostakovich) na mga bahagi o higit pa. Maraming mga kompositor ang nag-eksperimento sa laki ng symphonies, kaya nilikha ni Gustav Mahler ang kanyang ika-8 symphony na tinawag na Symphony ng isang Libong kalahok (dahil sa lakas ng orkestra at koro na kinakailangan upang maisagawa ito). Ang paggamit ng form ng sonata ay nagiging opsyonal.
Matapos ang ika-9 na symphony ni Beethoven, sinimulan ng mga kompositor na ipakilala ang mga bahagi ng boses sa mga symphony nang mas madalas. Gayunpaman, ang scale at nilalaman ng musikal na materyal ay nananatiling pare-pareho.

Listahan ng mga kilalang kompositor ng symphony
Joseph Haydn - 108 symphonies
Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) symphonies
Ludwig van Beethoven - 9 symphonies
Franz Schubert - 9 symphonies
Robert Schumann - 4 symphonies
Felix Mendelssohn - 5 symphonies
Hector Berlioz - maraming mga symphony ng programa
Antonín Dvořák - 9 symphonies
Johannes Brahms - 4 symphonies
Pyotr Tchaikovsky - 6 symphonies (pati na rin ang "Manfred" symphony)
Anton Bruckner - 10 symphonies
Gustav Mahler - 10 symphonies
- 7 symphonies
Sergei Rachmaninoff - 3 symphonies
Igor Stravinsky - 5 symphonies
Sergei Prokofiev - 7 symphonies
Dmitry Shostakovich - 15 symphonies (din ang ilang mga symphonies ng silid)
Alfred Schnittke - 9 symphonies

Kabilang sa maraming mga genre at pormula ng musikal, ang isa sa mga pinakaparangalan na lugar ay kabilang sa symphony. Ang pagkakaroon ng lumitaw bilang isang genre ng libangan, mula sa simula ng ika-19 na siglo hanggang sa kasalukuyan, ito ay pinaka-sensitibo at ganap, tulad ng walang iba pang anyo ng musikal na sining, ay sumasalamin sa oras nito. Ang mga Symphonies nina Beethoven at Berlioz, Schubert at Brahms, Mahler at Tchaikovsky, Prokofiev at Shostakovich ay mga malalaking pagsasalamin sa panahon at pagkatao, sa kasaysayan ng sangkatauhan at mga paraan ng mundo.

Ang siklo ng symphonic, tulad ng alam natin mula sa maraming klasikal at modernong mga halimbawa, ay humubog ng mga dalawang daan at limampung taon na ang nakalilipas. Gayunpaman, sa panahon ng maikling panahon ng kasaysayan na ito, ang genre ng symphony ay dumating na isang napakalaking paraan. Ang haba at kabuluhan ng landas na ito ay tinukoy nang tumpak sa pamamagitan ng katotohanan na ang symphony ay sumisipsip sa lahat ng mga problema sa oras nito, ay nakapagpakita ng kumplikado, nagkakasalungatan, na puno ng kaguluhan ng panahon, upang maipakita ang damdamin, pagdurusa, at pakikibaka ng mga tao. Ito ay sapat na upang isipin ang buhay ng lipunan sa gitna ng ika-18 siglo at maalala ang mga symphony ni Haydn; ang mahusay na kaguluhan sa huling bahagi ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo - at mga symphony ni Beethoven na sumasalamin sa kanila; reaksyon ng lipunan, pagkabigo - at romantikong symphony; sa wakas, ang lahat ng mga kakila-kilabot na pag-asa ng sangkatauhan sa ika-20 siglo - at ihambing ang mga symphony ni Beethoven sa mga symphony ni Shostakovich upang malinaw na makita ang napakalaking, kung minsan ay nakakalungkot na landas. Sa ngayon, kakaunti ang naaalala ng mga tao kung ano ang pasimula, ano ang mga pinanggalingan ng pinaka kumplikadong mga genre ng musikal na hindi nauugnay sa iba pang mga sining.

Tingnan natin nang mabilis ang musikal na Europa noong kalagitnaan ng ika-18 siglo.

Sa Italya, ang klasikal na bansa ng sining, ang tren ng lahat ng mga bansang Europa, ang opera ay naghahari sa kataas-taasang. Ang tinatawag na opera-seria ("seryoso") ay namamayani. Walang matingkad na indibidwal na mga imahe dito, walang tunay na dramatikong pagkilos. Ang opera-seria ay isang kahalili ng iba't ibang mga estado ng pag-iisip na nilagyan ng maginoo na mga character. Ang pinakamahalagang bahagi nito ay ang aria kung saan ipinapadala ang mga estadong ito. May mga arias ng galit at paghihiganti, arias ng mga reklamo (lamento), malungkot na mabagal na arias at masayang bravura. Ang mga arias na ito ay ginawang pangkalahatan upang mailipat mula sa isang opera papunta sa isa pang walang pinsala sa pagganap. Sa totoo lang, madalas gawin ito ng mga kompositor, lalo na kung kailangan nilang magsulat ng maraming mga opera bawat panahon.

Ang himig ay naging elemento ng opera-seria. Ang bantog na sining ng Italian bel canto ay natagpuan ang pinakamataas na expression dito. Sa arias, ang mga kompositor ay nakarating sa totoong taas ng katawan ng katawan o sa estado na ito. Ang pag-ibig at poot, kagalakan at kawalan ng pag-asa, galit at kalungkutan ay ipinarating ng musika nang malinaw at nakakumbinsi na ang isang tao ay hindi kailangang marinig ang lyrics upang maunawaan kung ano ang kinakanta ng mang-aawit. Ito ay mahalagang aspaltado ang paraan para sa walang text na musika na inilaan upang makintal ang mga damdamin at pananabik ng tao.

Mula sa mga interludes - naipasok na mga eksena na ginanap sa pagitan ng mga kilos ng opera-serial at hindi nauugnay na nilalaman - ang masayang kapatid na babae, ang comic opera-buff, ay bumangon. Demokratiko sa nilalaman (ang mga karakter nito ay hindi bayani, mga hari at mga kabalyero, ngunit mga ordinaryong tao mula sa mga tao), sinasadya niyang sumalungat sa sarili sa sining ng korte. Ang Opera buff ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging natural nito, buhay na pagkilos, at ang spontaneity ng wikang musikal, na madalas na direktang nauugnay sa alamat. Naglalaman ito ng mga tinig na tw twing ng wika, kulay ng komiks na parody color, buhay na buhay at magaan na mga melodong sayaw. Ang finals ng mga kilos ay nagbuka tulad ng mga ensembles kung saan ang mga character na minsan kumanta nang sabay-sabay. Minsan ang mga naturang finals ay tinawag na isang "bola" o "pagkalito", ang pagkilos na mabilis na gumulong sa kanila at ang intriga ay nakalilito.

Ang instrumental na musika ay binuo din sa Italya, at higit sa lahat ng genre na mas malapit na nauugnay sa opera - ang abot. Bilang isang pambungad na orkestra sa isang pagganap ng opera, hiniram niya mula sa maliwanag na opera, nagpapahayag ng mga tema ng musikal, na katulad ng mga melodies ng arias.

Ang pag-abot ng Italya sa oras na iyon ay binubuo ng tatlong mga seksyon - mabilis (Allegro), mabagal (Adagio o Andante) at muli mabilis, madalas na isang minuet. Tinawag nila itong sinfonia - sa pagsasalin mula sa Greek - katinig. Sa paglipas ng panahon, ang mga pag-agaw ay nagsimulang isagawa hindi lamang sa teatro bago ang pagbubukas ng kurtina, kundi pati na rin, bilang hiwalay na mga komposisyon ng orkestra.

Sa huling bahagi ng ika-17 at unang bahagi ng ika-18 siglo, isang napakatalino na kalawakan ng mga violin virtuosos, na sabay-sabay na mga likas na komposisyon, ay lumitaw sa Italya. Vivaldi, Iomelli, Locatelli, Tartini, Corelli at iba pa, na perpektong pinagkadalubhasaan ang biyolin - isang instrumento sa musika na sa pagpapahayag nito ay maihahambing sa tinig ng tao - lumikha ng isang malawak na repertoire ng violin, pangunahin mula sa mga piraso na tinawag na sonatas (mula sa sonang Italyano - tunog). Sa kanila, tulad ng sa clavier sonatas ni Domenico Scarlatti, Benedetto Marcello at iba pang mga kompositor, ang ilang mga karaniwang tampok na istruktura ay nabuo, na pagkatapos ay ipinasa sa symphony.

Ang musikal na buhay ng Pransya ay naiiba sa hugis. Matagal na nilang minamahal ang musika na nauugnay sa mga salita at kilos. Ang sining ng ballet ay lubos na binuo; ang isang espesyal na uri ng opera ay nilinang - isang liriko na trahedya, na katulad ng mga trahedya nina Corneille at Racine, na mayroong isang imahinasyon sa tiyak na buhay ng korte ng hari, pamatasan, pamantayan.

Ang mga kompositor ng Pransya ay may gravitated patungo sa balangkas, ang programa, ang pandiwang kahulugan ng musika kapag lumilikha ng mga instrumental na piraso. "Waving Cap", "Reapers", "Tambourine" - ito ang pangalan ng mga piraso ng harpsichord, na alinman sa mga genre ng sketsa o mga larawang pangmusika - "Mapalad", "Malumanay", "Hardworking", "Coquettish".

Ang mga mas malalaking gawa, na binubuo ng maraming bahagi, nagmula sa sayaw. Ang mahigpit na aleman ng Aleman, na gumagalaw tulad ng isang sliding French chime, ang magagandang Espanyol na sarabanda at ang matulin na gigue - ang nagniningas na sayaw ng mga mandaragat ng Ingles - matagal nang kilala sa Europa. Sila ang batayan ng instrumental na genre ng suite (mula sa pagkakasunud-sunod ng Pranses suite). Ang iba pang mga sayaw ay madalas na kasama sa suite: minuet, gavotte, polonaise. Ang isang pambungad na paunang salita ay maaaring tunog bago ang aliwan, sa gitna ng suite, ang isang sinusukat na kilusan ng sayaw ay minsang naputol ng isang libreng aria. Ngunit ang gulugod ng suite - apat na mga sayaw ng iba't ibang mga tao ng iba't ibang mga tao - ay tiyak na naroroon sa isang hindi nasasabik na pagkakasunud-sunod, na nagbabalangkas ng apat na magkakaibang mga mood, na nangunguna sa tagapakinig mula sa isang kalmadong kilusan ng simula hanggang sa isang nakakaakit na pagtatapos ng mabilis.

Ang mga suite ay isinulat ng maraming mga kompositor, at hindi lamang sa Pransya. Ang mahusay na Johann Sebastian Bach ay nagbigay din sa kanila ng isang malaking pagkilala, na kung saan ang pangalan, pati na rin sa kulturang musikal ng Aleman noong panahong iyon sa pangkalahatan, maraming mga genre ng musika ang nauugnay.

Sa mga bansa ng wikang Aleman, samakatuwid nga, sa maraming mga kaharian ng Aleman, punong-guro at episcopates (Prussian, Bavarian, Saxon, atbp.), Pati na rin sa iba't ibang mga rehiyon ng multinational Austrian emperador, na kung saan ay kasama ang "mga tao ng mga musikero" - ang inalipin na Czech Republic ng mga Habsburgs - matagal nang nilinang ang instrumental na musika. Sa anumang maliit na bayan, bayan o kahit na nayon ay mayroong mga violinist at cellists, sa mga gabi ng solo at mga ensemble na mga piraso na nilalaro ng sigasig ng mga amateurs na tunog. Ang mga sentro para sa paggawa ng musika ay karaniwang mga simbahan at mga paaralan na nakakabit sa kanila. Ang guro ay, bilang panuntunan, isang organista ng simbahan na nagsagawa ng mga pantasya sa musikal sa pista opisyal hanggang sa abot ng kanyang kakayahan. Sa mga malalaking sentro ng Protestante ng Aleman, tulad ng Hamburg o Leipzig, ang mga bagong anyo ng paggawa ng musika ay gumawa din ng hugis: mga konsyerto ng organ sa mga katedral. Itinampok sa mga konsyerto na ito ang mga preludes, fantasies, pagkakaiba-iba, pag-aayos ng choral at pinaka-mahalaga, mga fugues.

Ang Fugue ay ang pinaka-kumplikadong uri ng polyphonic na musika, na umabot sa rurok nito sa mga gawa ng I.S. Bach at Handel. Ang pangalan nito ay nagmula sa Latin fuga - tumatakbo. Ito ay isang piraso ng polyphonic batay sa isang solong tema na naglilipat (tumatakbo!) Mula sa boses sa boses. Ang bawat melodic na linya ay tinatawag na isang boses. Nakasalalay sa bilang ng mga ganoong linya, ang pugad ay maaaring tatlo, apat, limang tinig, atbp Sa gitnang bahagi ng pugad, matapos na mapuno ang tema nang buo sa lahat ng mga tinig, nagsisimula itong mabuo: kung gayon ang simula nito ay lilitaw at mawala muli, pagkatapos ito pinalawak (ang bawat isa sa mga tala na bumubuo nito ay magiging dalawang beses hangga't), pagkatapos ay pag-urong - ito ay tinatawag na isang tema sa isang pagtaas at isang tema sa isang pagbawas. Maaaring mangyari na, sa loob ng isang tema, ang pababang mga gumagalaw na melodic ay nagiging pataas at kabaligtaran (ang tema ay nasa sirkulasyon). Ang kilusang melodic ay gumagalaw mula sa isang susi patungo sa isa pa. At sa pangwakas na seksyon ng fugue - ang Reprise - ang tema ay muling nagbabago, tulad ng sa simula, bumalik sa pangunahing key ng pag-play.

Alalahanin nating muli: pinag-uusapan natin ang kalagitnaan ng ika-18 siglo. Ang pagsabog ay bumubulbos sa mga bituka ng aristokratikong Pransya, na sa lalong madaling panahon matanggal ang ganap na monarkiya. Darating ang isang bagong oras. Samantala, ang mga rebolusyonaryong sentimento ay tahimik lamang na inihahanda, ang mga nag-iisip ng Pransya ay tumututol sa umiiral na pagkakasunud-sunod. Hinihiling nila ang pagkakapantay-pantay ng lahat ng tao bago ang batas, ipinahayag ang mga ideya ng kalayaan at kapatiran.

Ang sining, na sumasalamin sa mga pagbabago sa buhay ng publiko, ay sensitibo sa mga pagbabago sa pampulitikang kapaligiran ng Europa. Ang isang halimbawa nito ay ang walang kamatayang komedya ni Beaumarchais. Nalalapat din ito sa musika. Ito ay ngayon, sa isang mahirap na panahon na puno ng mga kaganapan ng napakahalagang kabuluhan sa kasaysayan, sa kalaliman ng mga luma, matagal nang itinatag na mga genre at pormula ng musikal, isang bago, tunay na rebolusyonaryong genre ay ipinanganak - ang symphony. Ito ay nagiging husgado, naiiba sa panimula, sapagkat mayroon din itong bagong uri ng pag-iisip.

Siguro, hindi sinasadya na, sa pagkakaroon ng mga preconditions sa iba't ibang mga lugar ng Europa, ang genre ng symphony ay sa wakas nabuo sa mga bansa ng wikang Aleman. Ang Opera ay pambansang sining sa Italya. Sa Inglatera, ang diwa at kahulugan ng mga prosesong makasaysayang naganap doon ay lubos na naipakita sa mga oratorios ni Georg Handel, isang Aleman sa pagsilang na naging pambansang kompositor ng Ingles. Sa Pransya, ang iba pang mga sining ay nauna, lalo na, panitikan at teatro - mas konkreto, direkta at intelektwal na nagpapahayag ng mga bagong ideya na nasasabik sa mundo. Ang mga gawa ng Voltaire, "New Eloise" ni Rousseau, "Persian Letters" ni Montesquieu sa isang nabalot, ngunit lubos na matalinong form na iniharap sa mga mambabasa na may mapang-uyam na pintas ng umiiral na pagkakasunud-sunod, nag-aalok ng kanilang sariling mga bersyon ng istraktura ng lipunan.

Kapag, pagkaraan ng ilang dekada, dumating sa musika, isang kanta ang lumitaw sa hanay ng mga rebolusyonaryong tropa. Ang pinaka-kapansin-pansin na halimbawa nito ay ang Awit ng Rhine Army ng opisyal na si Rouge de Lisle, nilikha ng magdamag, na naging tanyag sa mundo sa ilalim ng pangalan ng Marseillaise. Ang kanta ay sinundan ng musika ng mga pagdiriwang ng masa at mga seremonya ng pagdadalamhati. At, sa wakas, ang tinaguriang "opera ng kaligtasan", na kung saan ay bilang nilalaman nito ang pagtugis ng bayani o pangunahing tauhan sa pamamagitan ng paniniil at ang kanilang kaligtasan sa katapusan ng opera.

Ang symphony ay nangangailangan ng ganap na magkakaibang mga kondisyon pareho para sa pagbuo nito at para sa buong pag-unawa. Ang "sentro ng grabidad" ng pag-iisip ng pilosopikal, na lubos na sumasalamin sa malalim na kakanyahan ng mga pagbabago sa lipunan ng panahong iyon, natapos sa Alemanya, malayo sa mga unos sa lipunan.

Doon, nauna nang lumikha sina Kant at kalaunan Hegel ng kanilang bagong mga sistemang pilosopikal. Tulad ng mga sistemang pilosopikal, ang symphony - ang pinaka-pilosopiko, dialectical-pamamaraan na pamamaraan ng pagkamalikhain ng musikal - ay sa wakas nabuo kung saan ang malayong mga tunog ng darating na mga bagyo. Kung saan, bukod dito, isang matatag na tradisyon ng instrumental na musika ang binuo.

Ang isa sa mga pangunahing sentro para sa paglitaw ng isang bagong genre ay Mannheim - ang kabisera ng Bavarian Elector Palatinate. Dito, sa napakatalino na korte ni Elector Karl Theodor, noong 40-50s ng ika-18 siglo, isang napakahusay na orkestra, marahil ang pinakamahusay sa Europa sa oras na iyon, ay pinanatili.

Sa oras na iyon, ang symphony orchestra ay humuhubog lamang. At sa mga kapilya ng korte at sa mga katedral, ang mga orkestra ng orkestra na may matatag na komposisyon ay hindi umiiral. Ang lahat ay nakasalalay sa mga paraan sa pagtatapon ng pinuno o mahistrado, sa panlasa ng mga maaaring magbigay ng mga order. Sa una, ang orkestra ay gumaganap lamang ng isang inilalapat na papel, kasama ang alinman sa mga palabas sa korte, o mga pagdiriwang at solemne na seremonya. At ito ay itinuturing, una sa lahat, bilang isang opera o ensemble sa simbahan. Sa una, ang orkestra ay binubuo ng mga viols, lute, alpa, flauta, oboes, Pranses na mga sungay, tambol. Unti-unting lumawak ang line-up, tumaas ang bilang ng mga stringed na instrumento. Sa paglipas ng panahon, ang mga violin ay nagtustos sa sinaunang viola at sa lalong madaling panahon ay nakakuha ng isang nangungunang posisyon sa orkestra. Ang mga instrumento ng kahoy na kahoy - flauta, baluktot, bassoon - pinagsama sa isang hiwalay na grupo, at lumitaw ang mga instrumento ng tanso - mga tubo, trombones. Ang isang sapilitan instrumento sa orkestra ay ang harpsichord, na lumilikha ng isang maharmonya na batayan para sa tunog. Sa likuran niya ay karaniwang pinuno ng orkestra, na, naglalaro, sa parehong oras ay nagbigay ng mga tagubilin para sa pagpapakilala.

Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, ang instrumental na ensembles na umiiral sa Courts of the Nobles ay naging laganap. Ang bawat isa sa maraming maliliit na prinsipe ng nagkalat na Alemanya ay nais na magkaroon ng sariling kapilya. Ang mabilis na pag-unlad ng mga orkestra ay nagsimula, lumitaw ang mga bagong pamamaraan ng paglalaro ng orkestra.

Ang Mannheim Orchestra ay binubuo ng 30 mga instrumento ng string, 2 plauta, 2 oboes, clarinet, 2 bassoon, 2 trumpeta, 4 French sungay, timpani. Ito ang gulugod ng modernong orkestra, ang komposisyon kung saan maraming kompositor ng susunod na panahon ang lumikha ng kanilang mga gawa. Ang orkestra ay pinangunahan ng isang natatanging musikero, kompositor at violin virtuoso Czech Jan Vaclav Stamitz. Kabilang sa mga artista ng orkestra ay din ang pinakadakilang musikero sa kanilang panahon, hindi lamang mga instrumento na virtuoso, kundi pati na rin mga mahuhusay na kompositor na si Franz Xaver Richter, Anton Filz at iba pa. Natukoy nila ang isang mahusay na antas ng mga kasanayan sa pagganap ng orkestra, na naging sikat sa mga kamangha-manghang katangian nito - ang hindi maipakikitang pagkakatulog ng mga stroke ng violin, ang mga subtlest gradations ng mga dynamic na lilim na hindi dati ginagamit.

Ayon sa isang kontemporaryong kritiko na si Bossler, "ang eksaktong pagsubaybay sa piano, forte, rinforzando, ang unti-unting paglaki at pagpapalakas ng tunog at pagkatapos ay muling pagbaba ng lakas nito hanggang sa isang halos naririnig na tunog - lahat ng ito ay maririnig lamang sa Mannheim." Si Bernie, isang mahilig sa musika sa Ingles na nagbiyahe patungong Europa sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, binigyang-sigla siya: "Ang pambihirang orkestra na ito ay may sapat na espasyo at facet upang ipakita ang lahat ng mga kakayahan nito at gumawa ng isang malaking epekto. Narito na ang Stamitz, na inspirasyon ng mga gawa ni Yomelli, sa kauna-unahang pagkakataon ay lumampas sa karaniwang mga operatic na naabutan ... lahat ng mga epekto na maaaring gawin ng isang tunog ng tunog ay sinubukan. Dito ipinanganak ang mga crescendos at diminuendos, at ang piano, na dating ginamit pangunahin bilang isang echo at karaniwang magkasingkahulugan nito, at ang forte ay kinikilala bilang mga musikal na kulay na may sariling mga shade ... "

Sa orkestra na ito ang tunog ng apat na bahagi symphony sa unang pagkakataon - mga komposisyon na itinayo alinsunod sa parehong uri at may mga pangkalahatang batas na sumisipsip ng maraming mga tampok ng dati nang umiiral na mga genre ng musikal at mga form at natunaw ito sa isang husay na naiiba; bagong pagkakaisa.

Ang mga unang chord ay mapagpasyahan, puspos, na parang tumatawag ng atensyon. Pagkatapos ay malapad, nagwawalis ng mga sipi. Muli, ang mga kuwerdas, na sinusundan ng isang arpeggiated na kilusan, at pagkatapos - isang buhay na buhay, nababanat, na parang nagbabadya ng tagsibol, malambing na tunog. Tila ito ay maaaring magbukas nang walang hanggan, ngunit ito ay umalis nang mas mabilis kaysa sa tsismis na nais ito: tulad ng isang panauhin na ipinakita sa mga may-ari ng bahay sa panahon ng isang malaking pagtanggap, lumilipat mula sa kanila, na nagbibigay daan sa iba na sumunod. Matapos ang isang sandali ng pangkalahatang kilusan, lumilitaw ang isang bagong tema - mas malambot, pambabae, liriko. Ngunit hindi ito tunog ng mahaba, natutunaw sa mga sipi. Pagkalipas ng ilang oras, muli kaming nagkaroon ng unang tema, bahagyang nagbago, sa isang bagong key. Ang isang stream ng musika ay mabilis na dumadaloy, bumalik sa orihinal, pangunahing susi ng symphony; ang pangalawang tema na organiko ay dumadaloy sa stream na ito, na ngayon ay mas malapit sa character at kalooban sa una. Ang unang kilusan ng symphony ay nagtatapos sa buong tunog ng magagandang chord.

Ang pangalawang kilusan, atante, ay nagbagal nang dahan-dahan, malambing, na inilalantad ang ekspresyon ng mga stringed na mga instrumento. Ito ay isang uri ng aria para sa orkestra, na pinamamahalaan ng lyrics, elegiac meditation.

Ang ikatlong kilusan ay isang eleganteng galante minuet. Lumilikha ito ng isang pakiramdam ng pagpapahinga, pagpapahinga. At pagkatapos, tulad ng isang nagniningas na buhawi, isang incendiary finale na sumabog. Ito ay, sa pangkalahatang mga term, ang symphony ng oras na iyon. Ang mga pinanggalingan nito ay maaaring masubaybayan nang malinaw. Ang unang kilusan na higit sa lahat ay kahawig ng isang opera. Ngunit kung ang pag-abot ay bisperas lamang ng pagganap, pagkatapos dito ang aksyon mismo ay magbubunyag sa mga tunog. Karaniwang nagpapatakbo ng mga imahe ng musikal ng pag-abot - kabayanihan ng pakikipagsapalaran, paghawak sa mga lamentos, bagyo na mga buffoon - ay hindi nauugnay sa mga tukoy na yugto ng entablado at hindi nagdadala ng mga katangian ng mga indibidwal na katangian (alalahanin kahit na ang sikat na pag-abot sa Rossini's Barber of Seville ay walang kinalaman sa nilalaman ng opera at sa pangkalahatan ay orihinal na isinulat para sa isa pang opera!), napalayo sa pagganap ng opera at nagsimula ng isang malayang buhay. Madali silang nakikilala sa maagang symphony - ang mapagpasyang matapang na intonasyon ng mga bayani na arias sa mga unang tema, na tinawag na mga pangunahing, ang malambot na mga buntong-hininga ng lyric arias sa pangalawa - ang tinatawag na pangalawang - mga tema.

Ang mga prinsipyo ng operatic ay makikita rin sa texture ng symphony. Kung ang naunang polyphony ay nagtagumpay sa instrumental na musika, iyon ay, polyphony, kung saan maraming mga independiyenteng melodies, intertwining, tunog nang sabay-sabay, pagkatapos dito nagsimula ang polyphony ng isang iba't ibang uri: isang pangunahing melody (madalas madalas na biyolin), nagpapahayag, makabuluhan, sinamahan ng isang saliw na nagtatakda nito , binibigyang diin ang kanyang pagkatao. Ang ganitong uri ng polyphony, na tinatawag na homophonic, ay namumuno sa maagang symphony. Nang maglaon sa symphony ay may mga pamamaraan na hiniram mula sa fugue. Gayunpaman, sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, mas malamang na tutol ito sa isang pugad. Nagkaroon, bilang isang patakaran, isang tema (mayroong doble, triple at higit pang mga fugues, ngunit sa kanila ang mga tema ay hindi tutol, ngunit juxtaposed). Naulit ito nang maraming beses, ngunit walang sumasalungat dito. Ito ay, sa kakanyahan, isang axiom, isang tesis na paulit-ulit na iginiit nang hindi nangangailangan ng patunay. Ang kabaligtaran sa symphony: sa hitsura at karagdagang mga pagbabago ng iba't ibang mga tema at imahe ng musikal, maaaring marinig ng isang tao ang mga hindi pagkakaunawaan at pagkakasalungatan. Marahil, ito ay kung saan ang tanda ng mga oras ay pinaka-malinaw na ipinapakita. Ang katotohanan ay hindi na ipinagkaloob. Kailangang hinahangad, napatunayan, napagtibay, paghahambing ng iba't ibang mga opinyon, paglilinaw ng iba't ibang mga pananaw. Ito ang ginagawa ng mga encyclopedia sa Pransya. Ito ang batayan ng pilosopong Aleman, lalo na, ang pamamaraan ng dialectical ni Hegel. At ang mismong diwa ng panahon ng paghahanap ay makikita sa musika.

Kaya, ang symphony ay kumuha ng maraming mula sa pag-abut sa opera. Sa partikular, ang pang-akit ay nagbabalangkas din sa prinsipyo ng mga alternatibong mga bahagi ng magkakaibang, na sa symphony ay naging malayang bahagi. Sa unang bahagi nito - magkakaibang panig, magkakaibang mga damdamin ng isang tao, buhay sa paggalaw nito, pag-unlad, pagbabago, kaibahan at salungatan. Sa pangalawang bahagi - pagmuni-muni, konsentrasyon, minsan - lyrics. Sa pangatlo - pagpapahinga, libangan. At, sa wakas, ang finale - mga larawan ng kasiyahan, jubilation, at sa parehong oras - ang resulta ng pag-unlad ng musikal, ang pagkumpleto ng symphonic cycle.

Ang nasabing symphony ay bubuo sa pagsisimula ng ika-19 na siglo, tulad ng, sa mga pinaka-pangkalahatang termino, ito ay magiging, halimbawa, sa pamamagitan ng Brahms o Bruckner. At sa oras ng kanyang kapanganakan, tila hiniram niya ang maraming bahagi mula sa suite.

Allemand, Courante, Sarabande at Gigue - apat na sapilitan na pagsayaw, apat na magkakaibang mga mood, na madaling masubaybayan sa mga unang symphony. Ang mga sayaw sa mga ito ay ipinahayag nang malinaw, lalo na sa finals, na kadalasang kahawig ng isang jig sa pamamagitan ng likas na himig, tempo, kahit na ang sukatan ng panukala. Totoo, kung minsan ang katapusan ng isang symphony ay mas malapit sa sparkling finale ng isang opera buffa, ngunit kahit na ang relasyon nito sa sayaw, halimbawa, ang tarantella, ay walang alinlangan. Tulad ng para sa ikatlong bahagi, ito ay tinatawag na minuet. Sa gawain lamang ni Beethoven ay papalitan ng scherzo ang sayaw - ang gallant courtier o ang bastos na karaniwang tao -.

Sa gayon, ang bagong ipinanganak na symphony ay sumisipsip sa mga tampok ng maraming mga genre ng musikal, at mga genre, na ipinanganak sa iba't ibang mga bansa. At ang pagbuo ng symphony ay naganap hindi lamang sa Mannheim. Nariyan ang Vienna School, na kinakatawan, lalo na, ni Wagenzeil. Sa Italya, sinulat ni Giovanni Battista Sammartini ang mga gawa ng orkestra, na tinawag niyang symphony at inilaan para sa pagganap ng konsiyerto na hindi nauugnay sa isang pagganap ng opera. Sa Pransya, ang isang batang kompositor, ang taga-Belgian na nagmula, si François-Joseph Gossek, ay lumipat sa bagong genre. Ang kanyang mga symphony ay hindi nakamit sa pagtugon at pagkilala, dahil ang programmaticity ay nanaig sa musika ng Pransya, ngunit ang kanyang gawain ay gumaganap ng isang papel sa pagbuo ng symphonism ng Pransya, sa pag-renew at pagpapalawak ng symphony orchestra. Ang Czech kompositor na si Frantisek Micha, na dating naglingkod sa Vienna, ay nag-eksperimento nang malawakan at matagumpay sa kanyang paghahanap para sa symphonic form. Ang kanyang tanyag na kababayan na si Josef Myslevichka ay nagkaroon ng kawili-wiling mga eksperimento. Gayunpaman, ang lahat ng mga kompositor na ito ay loners, at isang buong paaralan ay nabuo sa Mannheim, na mayroon ding pagtatapon ng isang "class" na instrumento - ang sikat na orkestra. Salamat sa masuwerteng okasyon na ang Palatinate Elector ay isang mahusay na mahilig sa musika at may sapat na pondo upang mabigyan ang malaking gastos sa ito, sa kabisera ng Palatinate, ang mga magagaling na musikero mula sa iba't ibang mga bansa na nagtipon - Austrian at Czechs, Italians at Prussians - bawat isa ay nag-ambag ng kanyang sariling kontribusyon sa paglikha ng isang bagong genre. Sa mga gawa ni Jan Stamitz, Franz Richter, Carlo Toeschi, Anton Filz at iba pang mga masters, ang symphony ay lumitaw sa mga pangunahing tampok na iyon, na pagkatapos ay ipinasa sa gawain ng mga klasiko ng Vienna - Haydn, Mozart, Beethoven.

Kaya, sa unang kalahating siglo ng pagkakaroon ng bagong genre, isang malinaw na istruktura at dramatikong modelo ang binuo, na may kakayahang mapaunlakan ang isang magkakaibang at napaka makabuluhang nilalaman. Ang batayan ng modelong ito ay ang form, na tinatawag na sonata, o sonata allegro, dahil madalas na ito ay isinulat sa tempo na ito, at pangkaraniwan sa hinaharap kapwa para sa isang symphony at para sa instrumental na sonata at konsiyerto. Ang kakaiba nito ay ang juxtaposition ng iba't ibang, madalas na magkakaibang mga tema ng musikal. Ang tatlong pangunahing seksyon ng form ng sonata - paglalantad, pag-unlad at pag-unlad - ay kahawig ng pagbubukas, pag-unlad ng aksyon at pagtanggi ng isang klasikal na drama. Matapos ang isang maikling pagpapakilala o kaagad sa simula ng paglalantad, ang "character" ng play pass sa madla.

Ang unang tema ng musikal na tunog sa pangunahing susi ng akda ay tinatawag na pangunahing. Mas madalas - ang pangunahing tema, ngunit mas tama - ang pangunahing bahagi, dahil sa loob ng pangunahing bahagi, iyon ay, isang tiyak na segment ng musikal na form, na pinagsama ng isang tonality at figurative na komunidad, sa paglipas ng panahon, hindi isa, ngunit maraming iba't ibang mga melodies ay nagsimulang lumitaw. Matapos ang pangunahing batch, sa mga unang halimbawa sa pamamagitan ng direktang paghahambing, at sa mga susunod na mga sa pamamagitan ng isang maliit na batch na nag-uugnay, nagsisimula ang isang batch sa gilid. Ang kanyang tema o dalawa o tatlong magkakaibang mga tema ay naiiba sa pangunahing. Kadalasan, ang bahagi na bahagi ay mas liriko, malambot, pambabae. Naririnig ito sa ibang susi kaysa sa pangunahing, pangalawa (samakatuwid ang pangalan ng bahagi) key. Ang isang pakiramdam ng kawalang-katatagan at kung minsan ang salungatan ay ipinanganak. Nagtatapos ang paglalantad sa pangwakas na bahagi, na sa mga unang symphony alinman ay wala, o gumaganap ng isang purong papel na ginagampanan bilang serbisyo, isang kurtina pagkatapos ng unang kilos ng pag-play, at kalaunan, na nagsisimula sa Mozart, nakakakuha ng kahulugan ng isang independiyenteng ikatlong imahe, kasama ang pangunahing at pangalawa.

Ang gitnang seksyon ng sonata form ay pag-unlad. Tulad ng ipinapakita ng pangalan, sa loob nito ang mga temang pangmusika na nakilala ng mga tagapakinig sa paglalantad (iyon ay, ang mga ipinakita kanina) ay binuo, napapailalim sa mga pagbabago at pag-unlad. Kasabay nito, ipinapakita ang mga ito mula sa bago, kung minsan ay hindi inaasahang panig, ay binago, ang hiwalay na motibo ay nakahiwalay sa kanila - ang mga pinaka-aktibo, na kalaunan ay nabangga. Ang pag-unlad ay isang mabisang seksyon na epektibo. Sa pagtatapos nito ay dumating ang kasukdulan, na humahantong sa isang reprise - ang pangatlong seksyon ng form, isang uri ng pagtanggi ng dula.

Ang pangalan ng seksyong ito ay nagmula sa salitang Pranses na reprendre - upang ipagpatuloy. Ito ay isang pag-renew, isang pag-uulit ng paglalantad, ngunit binago: ang parehong mga bahagi ngayon tunog sa pangunahing susi ng symphony, na parang dinala sa isang kasunduan ng mga kaganapan sa pag-unlad. Minsan mayroong iba pang mga pagbabago sa reprise. Halimbawa, maaari itong mai-truncated (nang walang anuman sa mga tema na tunog sa paglalantad), naka-salamin (una ang tunog ng bahagi ng bahagi, at pagkatapos lamang ang pangunahing bahagi). Ang unang paggalaw ng symphony ay karaniwang nagtatapos sa isang coda - isang konklusyon na iginiit ang pangunahing tonality at pangunahing imahe ng sonata allegro. Sa mga unang symphonies, maliit ang coda at, sa esensya, isang medyo binuo panghuling bahagi. Nang maglaon, halimbawa, sa gawain ni Beethoven, nakakakuha ito ng mga makabuluhang proporsyon at nagiging isang uri ng pangalawang pag-unlad, kung saan ang assertion ay nakamit muli sa pakikibaka.

Ang form na ito ay naging tunay na unibersal. Mula sa mga araw ng pag-umpisa ng symphony hanggang sa kasalukuyan, matagumpay itong sumisimot sa pinakamalalim na nilalaman, naghahatid ng isang hindi masayang kayamanan ng mga imahe, ideya, problema.

Ang ikalawang kilusan ng symphony ay mabagal. Ito ay karaniwang ang lyrical center ng ikot. Iba ang hugis nito. Karamihan sa mga madalas na ito ay tatlong bahagi, iyon ay, may katulad na matinding mga seksyon at isang gitnang paghahambing sa isa, ngunit maaari itong isulat sa anyo ng mga pagkakaiba-iba o ilang iba pa, hanggang sa isang sonata, na naiiba sa istruktura mula sa unang alegro lamang sa isang mabagal na tempo at hindi gaanong mabisang pag-unlad.

Ang ikatlong kilusan - sa mga unang symphony ng minuet, at mula sa Beethoven hanggang sa kasalukuyan - ang scherzo - ay karaniwang isang kumplikadong three-parteng form. Ang nilalaman ng bahaging ito ay binago at kumplikado sa mga dekada mula sa araw-araw o sayaw ng korte hanggang sa napakalakas na makapangyarihang scherzos noong ika-19 na siglo at lampas pa, sa mga nakakapangyarihang mga imahe ng kasamaan at karahasan sa mga symphonic cycle ng Shostakovich, Honegger at iba pang symphonist noong ika-20 siglo. Dahil ang ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ang scherzo ay lalong nagbabago ng mga lugar na may mabagal na kilusan, na, alinsunod sa bagong konsepto ng symphony, ay nagiging isang uri ng emosyonal na reaksyon hindi lamang sa mga kaganapan ng unang kilusan, kundi pati na rin sa makasagisag na mundo ng scherzo (lalo na, sa mga symphony ni Mahler).

Ang katapusan, na kung saan ay ang resulta ng pag-ikot, sa mga unang symphony ay madalas na nakasulat sa anyo ng isang rondo sonata. Ang kahalili ng masayang, sparkling na may mga masasayang episode na may isang hindi maipakitang pagsayaw ng sayaw - ang istraktura na ito ay natural na sinundan mula sa likas na katangian ng mga imahe ng finale, mula sa mga semantika. Sa paglipas ng panahon, sa pagpapalalim ng mga problema ng symphony, ang mga pattern ng istraktura ng finale nito ay nagsimulang magbago. Ang mga finals ay nagsimulang lumitaw sa form ng sonata, sa anyo ng mga pagkakaiba-iba, sa libreng form, at sa wakas - kasama ang mga tampok ng oratorio (kasama ang pagsasama ng isang koro). Nagbago rin ang kanyang mga imahe: hindi lamang ang pagpapatunay sa buhay, ngunit kung minsan ay isang kalunus-lunos na kinalabasan (Ika-anim na Symphony ng Tchaikovsky), ang pagkakasundo sa malupit na katotohanan o pag-alis mula sa mundo ng mga pangarap, ang mga maling haka-haka ay naging nilalaman ng katapusan ng siklo ng symphonic sa huling daang taon.

Ngunit bumalik sa simula ng maluwalhating landas ng ganitong genre. Ang pagkakaroon ng arisen sa gitna ng ika-18 siglo, naabot nito ang klasikal na pagkumpleto sa gawain ng dakilang Haydn.

mula sa Greek. symponia - katinig

Ang isang piraso ng musika para sa orkestra, higit sa lahat symphonic, karaniwang sa sonata-cyclical form. Karaniwan ay binubuo ng 4 na bahagi; mayroong S. na higit pa at mas kaunting mga bahagi, hanggang sa isang bahagi. Minsan sa S., bilang karagdagan sa orkestra, ipinakilala ang isang koro at solo wok. tinig (samakatuwid ang landas patungo sa S.-cantata). Mayroong mga marka para sa string, kamara, hangin, at iba pang mga komposisyon ng orkestra, para sa orkestra na may solo na instrumento (S.-konsiyerto), organ, koro (choral S.) n vok. ensemble (istasyon C). Konsiyerto Symphony - S. kasama ang mga instrumento ng konsyerto (solo) (mula 2 hanggang 9), na may istruktura na nauugnay sa konsiyerto. Madalas na lumalapit si S. sa iba pang mga genre: S. suite, S. rhapsody, S. pantasya, S. ballad, S. alamat, S. tula, S. cantata, S. requiem, S.-ballet, S.-drama (isang uri ng cantata), teatro. S. (genus honer). Sa pamamagitan ng karakter S. maihahalintulad din sa trahedya, dula, tula ng liriko. tula, bayani. mahabang tula, lumapit sa ikot ng mga muses ng genre. gumaganap, ay ilalarawan ang isang serye. kalamnan. mga larawan. Sa tipikal Pinagsasama niya ang kaibahan ng mga bahagi sa pagkakaisa ng disenyo, ang pagdami ng magkakaibang mga imahe na may integridad ng mga muses. drama. Sinakop ng S. ang parehong lugar sa musika bilang isang drama o isang nobela sa panitikan. Bilang pinakamataas na uri ng tool. ang musika ay higit pa sa lahat ng iba pang mga uri nito sa pinakamalawak na posibilidad ng paglalagay ng katawan. mga ideya at isang kayamanan ng estado ng emosyonal.

Orihinal na, sa Dr. Greece, ang salitang "S." ay nangangahulugang magkabagay na kumbinasyon ng mga tono (ikaapat, ikalima, oktaba), pati na rin ang magkasanib na pag-awit (ensemble, koro) nang hindi nagkakaisa. Pagkaraan, sa Dr. Roma, ito ay naging pangalan ng instr. ensemble, orkestra. Sa Miyerkules. naintindihan ng siglo S. isang sekular na tagapagturo. musika (sa kahulugan na ito, ginamit ang termino sa Pransya nang unang bahagi ng ika-18 siglo), kung minsan ang musika sa pangkalahatan; bilang karagdagan, ang ilang mga muses ay tinawag sa gayon. mga tool (halimbawa, isang ligid na lyre). Noong ika-16 siglo. ang salitang ito ay ginagamit sa pamagat. koleksyon ng mga motet (1538), madrigal (1585), boses-tagapagturo. mga komposisyon ("Sacrae symphoniae" - "Sagradong symphonyes" G. Gabrieli, 1597, 1615) at pagkatapos ay magturo. polyphonic gumaganap (unang bahagi ng ika-17 siglo). Ito ay itinalaga sa mga polygons. (madalas na chordal) na mga episode tulad ng isang wok intro o interlude. at instr. gumagana, lalo na para sa intros (naabutan) sa mga suite, cantatas at operas. Kabilang sa operatic S. (naabutan), ang dalawang uri ay nakabalangkas: Venetian - ng dalawang mga seksyon (mabagal, solido at mabilis, takbo), na binuo mamaya sa Pranses. naabutan, at ang Neapolitan - ng tatlong mga seksyon (mabilis - mabagal - mabilis), na ipinakilala noong 1681 ni A. Scarlatti, na, gayunpaman, ay gumagamit ng iba pang mga kumbinasyon ng mga bahagi. Sonata cyclic ang form ay unti-unting nagiging nangingibabaw sa S. at tumatanggap ng isang partikular na pag-unlad na multifaceted dito.

Nakatayo bukod sa tinatayang 1730 mula sa opera kung saan ang orc. ang pagpapakilala ay napanatili sa anyo ng isang pag-agaw, naging malaya ang pahina. uri ng orc. musika. Noong ika-18 siglo. matutupad ito bilang batayan. komposisyon ay mga string. mga instrumento, oboes at Pranses na mga sungay. Ang pag-unlad ni S. ay naiimpluwensyahan ng decomp. uri ng orc. at musika ng silid - isang konsiyerto, suite, trio-sonata, sonata, atbp., pati na rin ang opera kasama ang mga ensembles, choir, at arias, na ang impluwensya sa melody, pagkakaisa, istraktura, at imahinasyon ay lubos na napansin. Paano tiyak. genre S. matured dahil ito ay dissociating mismo mula sa iba pang mga genre ng musika, sa partikular theatrical, pagkakaroon ng kalayaan sa nilalaman, form, pag-unlad ng mga tema, at ang paglikha ng paraan ng komposisyon, na kalaunan ay natanggap ang pangalan ng symphonism at, sa turn, ay nagkaroon ng isang malaking epekto sa maraming mga lugar kalamnan. pagkamalikhain.

Ang istraktura ni S. ay sumailalim sa ebolusyon. Ang batayan ng S. ay ang 3-bahagi na cycle ng Neapolitan type. Madalas na sumusunod sa halimbawa ng Venetian at Pranses. Ang mga Overture sa S. ay may kasamang mabagal na pagpapakilala sa unang kilusan. Nang maglaon, isang minuet ang pumasok sa S. - una bilang pagtatapos ng isang 3-bahagi na cycle, kung gayon bilang isa sa mga bahagi (karaniwang pangatlo) ng isang 4 na bahagi na siklo, sa pangwakas na, bilang panuntunan, ginamit ang anyo ng isang rondo o rondo sonata. Dahil sa oras ni L. Beethoven, ang minuet ay pinalitan ng isang scherzo (ika-3, kung minsan ay 2nd movement), mula pa kay H. Berlioz - at isang waltz. Ang pinakamahalaga para sa form na S. sonata ay pangunahing ginagamit sa ika-1 kilusan, kung minsan din sa mabagal at huling paggalaw. Noong ika-18 siglo. Maraming nilinang ang S.. panginoon. Kabilang sa mga ito ay ang Italyano na si J. B. Sammartini (85 S., c. 1730-70, kung saan ang 7 ay nawala), ang mga kompositor ng Mannheim school, kung saan sinakop ng mga Czech ang isang nangungunang posisyon (F.K. Richter, J. Stamitz, atbp. .), mga kinatawan ng tinatawag na. preclassical (o maaga) paaralan ng Vienna (M. Monne, G.K. Wagenzeil at iba pa), ang Belgian F. J. Gossek, na nagtrabaho sa Paris, ang nagtatag ng Pranses. S. (29 p., 1754-1809, kasama ang "Pangangaso", 1766; bilang karagdagan, 3 pp. Para sa isang orkestra ng espiritu). Klasiko. uri C. ay nilikha ni Austr. comp. J. Haydn at W.A. Mozart. Sa gawa ni Haydn, ang "ama ng symphony" (104 p., 1759-95), natapos ang pagbuo ng C. Mula sa uri ng nakakaaliw na pang-araw-araw na musika, ito ay naging nangingibabaw na uri ng malubhang instrumento. musika. Itinatag at itinatag. mga tampok ng istraktura nito. Ang S. ay nabuo bilang isang pagkakasunud-sunod ng paghahalintulad sa loob, may layunin na pagbuo at pinagsama ng isang karaniwang ideya ng mga bahagi. Ipinakilala ni Mozart ang drama sa S. pag-igting at madamdamin na lyricism, kadakilaan at biyaya, ay nagbigay sa kanya ng higit na higit na pangkakanyahan na pagkakaisa (c. 50 C, 1764 / 65-1788). Ang kanyang huling S.- Es-major, g-menor at C-major ("Jupiter") - ang pinakamataas na tagumpay ng symphony. demanda noong ika-18 siglo Ang malikhaing karanasan ni Mozart ay naipakita sa kalaunan ay gumagana. Haydn. Ang papel na ginagampanan ni L. Beethoven, na nakumpleto ang awtomatikong paaralan ng Vienna (9 p. 1800-24), ay lalong mahusay sa kasaysayan ng S .. Ang kanyang ika-3 ("Bayani", 1804), ika-5 (1808) at ika-9 (na may tinig na kuwarts at koro sa finale, 1824) S. ay mga halimbawa ng kabayanihan. symphony, na kinausap sa masa, na naglalagay ng rebolusyon. bunk ng pathos labanan. Ang kanyang ika-6 S. ("Pastoral", 1808) ay isang halimbawa ng programmatic symphony (tingnan ang Programmikong musika), at ang ika-7 S. (1812), sa mga salita ni R. Wagner, ay "ang apotheosis ng sayaw". Pinalawak ni Beethoven ang saklaw ng S., dinamikong drama nito, at pinalalim ang dialectic ng pampakay. pag-unlad, pinayaman int. sistema at kahulugan ng ideolohiya S.

Para kay Austr. at ito. romantikong kompositor 1st floor. Ika-19 na siglo mga tipikal na genre ng liriko ("Hindi Tapos na" symphony ng Schubert, 1822) at epiko (ang huling isa ay ang ika-8 symphony ni Schubert) S, pati na rin ang tanawin at pang-araw-araw na musika na may makulay na nat. pangkulay ("Italyano", 1833, at "Scottish", 1830-42, Mendelssohn-Bartholdi). Ang sikolohiya ay lumago din. Ang kayamanan ni S. (4 symphonies ni R. Schumann, 1841-51, kung saan ang mabagal na paggalaw at scherzo ay pinaka nagpapahayag). Ang pagkahilig ng spontaneity, na lumitaw na kasama ng mga klasiko. paglipat mula sa isang bahagi patungo sa isa pa at pagtaguyod ng pampakay. ang koneksyon sa pagitan ng mga paggalaw (halimbawa, sa ika-5 symphony ni Beethoven) ay tumindi sa mga romantiko, at lumitaw si C, kung saan ang mga paggalaw ay sumunod sa isa't isa nang walang pag-pause ("Scottish" Symphony ni Mendelssohn-Bartholdi, ika-4 na symphony ni Schumann).

Ang heyday ng Pranses. Ang S. ay tumutukoy sa 1830-40, kapag may mga makabagong gawa. G. Berlioz, ang tagalikha ng romantiko. software C batay sa lit. balangkas (5-bahagi "Fantastic" C, 1830), S.-konsiyerto ("Harold in Italy", para sa viola at orchestra, ni J. Byron, 1834), S.-oratorio ("Romeo at Juliet", dram. S. sa 6 na bahagi, kasama ang mga soloista at koro, pagkatapos ng W. Shakespeare, 1839), "Funeral at triumphal symphony" (funeral march, "oratorical" trombone solo at apotheosis - para sa isang orkestra ng espiritu o symph. Orchestra, sa kalooban - at koro, 1840). Ang Berlioz ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang napakagandang sukat ng paggawa, isang napakaraming komposisyon ng orkestra, makulay na instrumento na may banayad na mga nuances. Pilosopikal at etikal. ang problema ay naipakita sa symphonies ni F. Liszt (Faust Symphony, ngunit ni J. V. Goethe, 1854, na may isang pagtatapos na koro, 1857; S. sa Banal na Komedya Dante, 1856). Bilang isang antipoda sa programmatic na direksyon nina Berlioz at Liszt, nagsalita siya. komi. I. Brahms, na nagtrabaho sa Vienna. Sa kanyang 4 S. (1876-85), nabuo ang mga tradisyon ng Beethoven at romantiko. symphony, pinagsama klasikal. pagkakasundo at iba’t ibang emosyonal na estado. Katulad sa estilo. mga adhikain at sa parehong oras ay mga indibidwal na Pranses. S. ng parehong panahon - Ika-3 S. (na may organ) ni C. Saint-Saens (1887) at S. d-moll ni S. Frank (1888). Sa S. "Mula sa Bagong Mundo" ni A. Dvorak (huling, magkakasunod na ika-9, 1893), hindi lamang sa Czech, kundi pati na rin ang mga muses ng Negro at India. mga elemento. Ang mga makabuluhang konseptong pang-ideolohiya ng Austr. symphonists A. Bruckner at G. Mahler. Gumagawa ng napakalaking gawa Bruckner (8 p., 1865-1894, ika-9 hindi natapos, 1896) likas na yaman ng polyphonic. tela (ang impluwensya ng sining ng organisasyon, pati na rin, marahil, mga musikal na drama ni R. Wagner), ang tagal at lakas ng emosyonal na build-up. Para sa symphony ni Mahler (9 C., 1838-1909, kung saan 4 kasama ang pag-awit, kasama ang ika-8 - "symphony ng isang libong kalahok", 1907; ang ika-10 ay hindi natapos, isang pagtatangka upang makumpleto ito ayon sa mga sketch ay isinagawa ni D. Cook noong 1960; S.-cantata "Awit ng Daigdig" kasama ang 2 mang-aawit-soloista, 1908) na nailalarawan sa pamamagitan ng pagiging matindi ng mga salungatan, mga banal na landas at trahedya, nagpapahayag ng bagong bagay. pondo. Para bang bilang isang bilang ng timbang sa kanilang malaking komposisyon gamit ang mayaman na gumaganap. patakaran ng pamahalaan, isang silid symphony at isang symphonietta lilitaw.

Kilalang mga may-akda ng ika-20 siglo sa Pransya - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (Swiss ng nasyonalidad, 5 S., 1930-50, kabilang ang ika-3 - "Liturgical", 1946, ika-5 - S. "three re", 1950), D. Millau (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila", sa 10 bahagi, 1948); sa Alemanya - R. Strauss ("Home", 1903, "Alpine", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58, kasama ang 1st - "Artist Matis", 1934, 3- Ako - "Harmony of the World", 1951), K. A. Hartman (8 S., 1940-62), at iba pa.Ang kontribusyon sa pagbuo ng S. ay ginawa ng Swiss H. Huber (8 S., 1881-1920, incl. Ika-7 - "Swiss", 1917), mga taga-Norway K. Sinding (4 S., 1890-1936), H. Severud (9 S., 1920-1961, kabilang ang anti-pasista sa pamamagitan ng disenyo na 5-7- i, 1941-1945), K. Egge (5 S., 1942-69), Dane K. Nielsen (6 S., 1891-1925), Finn J. Sibelius (7 S., 1899-1924), Romanian J. Enescu (3 S., 1905-19), Dutch B. Peiper (3 S., 1917-27) at H. Badings (10 S., 1930-1961), Swede H. Rosenberg (7 S., 1919- 69, at S. para sa mga instrumento ng espiritu at pagtambulin, 1968), ang Italyano na J.F. Malipiero (11 S., 1933-69), ang English R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S. Requiem, 1940, "Spring" S. para sa mga solo na mang-aawit, halo-halong koro, koro ng lalaki at symphonic orchestra, 1949), Amerikano C. Ives (5 S., 1898-1913), W. Piston ( 8 S., 1937-65) at R. Harris (12 C, 1933-69), braz ilets E. Vila Lobos (12 C., 1916-58) at iba pa. Isang malawak na iba't ibang uri ng C. ika-20 siglo. dahil sa pagkakapareho ng malikhaing. direksyon, nat. mga paaralan, koneksyon sa alamat. Modern Iba rin ang S. sa istraktura, porma, katangian: pagpunta sa pagkahilig at, sa kabaligtaran, patungo sa monumento; hindi nahahati sa mga bahagi at binubuo ng maramihan. mga bahagi; mangangalakal. bodega at libreng komposisyon; para sa karaniwang symphony. orkestra at para sa hindi pangkaraniwang mga komposisyon, atbp. Isa sa mga uso sa musika ng ika-20 siglo. nauugnay sa pagbabago ng luma - pre-classical at early classical - muses. mga genre at anyo. Binigyan siya ng parangal kay S. Prokofiev sa kanyang Classical Symphony (1907) at I. Stravinsky sa kanyang symphony sa C at Symphony sa tatlong paggalaw (1940-45). Sa bilang ng S. ika-20 siglo. ang pag-alis mula sa mga naunang kaugalian ay ipinahayag sa ilalim ng impluwensya ng pagbabayad-sala, athematism, at iba pang mga bagong prinsipyo ng komposisyon. A. Itinayo ni Webern ang S. (1928) sa isang serye na 12-tono. Kabilang sa mga kinatawan ng "avant-garde" S. ay inilalaan ng iba't-ibang. bagong mga pang-eksperimentong genre at anyo.

Ang una sa mga Ruso. ang mga kompositor ay bumaling sa uri ng S. (maliban sa DS Bortnyansky, na ang "Concert Symphony", 1790, ay isinulat para sa isang silid ng silid). Y. Vielgorsky (ang kanyang ika-2 S. ay ginanap noong 1825) at A. A. Alyabyev (ang kanyang isang bahagi C. sa e-moll, 1830, at isang undated na 3-bahagi C. Es-dur suite type, na may 4 na konsiyerto ng konsiyerto) , kalaunan A. G. Rubinshtein (6 S., 1850-86, kabilang ang ika-2 - "Karagatan", 1854, ang ika-4 - "Dramatic", 1874). MI Glinka, may-akda ng hindi natapos na S.-overture sa ilalim ng Ruso. mga tema (1834, na natapos noong 1937 ni V. Ya. Shebalin), nagkaroon ng isang tiyak na epekto sa pagbuo ng stylistic. mapahamak si rus. S. kasama ang lahat ng kanyang symphony. pagkamalikhain, kung saan ang mga komposisyon ng iba pang mga genre ay nangingibabaw. Sa S. rus. binibigkas ng mga may-akda ang nat. character, ang mga larawan ng mga buwig ay nakuha. buhay, mananalaysay. mga kaganapan, makikita ang mga motibo ng tula. Kabilang sa mga kompositor ng The Mighty Handful, si N. A. Rimsky-Korsakov ang una bilang may-akda ng S. (3 S., 1865-74). Ang tagalikha ng Ruso. mahabang tula. Ang S. ay A.P. Borodin (2 S., 1867-76; hindi natapos ang ika-3, 1887, na bahagyang naitala mula sa memorya ni A.K. Glazunov). Sa kanyang trabaho, lalo na sa "Bayani" (ika-2) S., isinama ng Borodin ang mga imahe ng isang higanteng plank bed. lakas. Kabilang sa pinakamataas na tagumpay ng symphonism sa mundo - tao. PI Tchaikovsky (6 S., 1800-93, at programa ng S. "Manfred", ni J. Byron, 1885). Ika-4, ika-5 at lalo na sa ika-6 ("Pathetic", na may mabagal na pagtatapos) S., lyric-dramatiko sa kalikasan, nakakamit ang trahedya na kapangyarihan sa pagpapahayag ng mga banggaan ng buhay; kasama sila ng isang malalim na sikolohikal. na may pagtagos ihatid ang isang mayamang gamut ng mga karanasan sa tao. Epikong linya. Ang S. ay ipinagpatuloy ni A. K. Glazunov (8 S., 1881-1906, kasama ang ika-1 - "Slavyanskaya"; hindi natapos noong ika-9, 1910, - isang bahagi, na isinagawa ni G. Ya. Yudin noong 1948) , 2 S. isinulat ni M. A. Balakirev (1898, 1908), 3 S. - R. M. Glier (1900-11, ika-3 - "Ilya Muromets"). Ang mga symphony ay nakakaakit sa iyo ng taos-pusong lyrics. S. Kalinnikov (2 S., 1895, 1897), malalim na konsentrasyon ng pag-iisip - S. c-moll S. I. Taneyev (ika-1, sa katunayan ika-4, 1898), dula. nakamamatay - symphonies ni S. V. Rachmaninov (3 S., 1895, 1907, 1936) at A. N. Scriabin, ang tagalikha ng 6-bahagi 1st (1900), 5-bahagi 2nd (1902) at 3-bahagi Ika-3 ("Ang Banal na Tula", 1904), nakikilala sa pamamagitan ng isang espesyal na dramatista. integridad at kapangyarihan ng pagpapahayag.

Sinakop ng S. ang isang mahalagang lugar sa mga kuwago. musika. Sa gawain ng mga kuwago. Tumanggap ang mga tagagawa ng isang partikular na mayaman at matingkad na pag-unlad ng mataas na tradisyon ng musikang klasikal. symphony. Ang mga kuwago ay bumaling sa S. mga kompositor ng lahat ng henerasyon, na nagsisimula sa mga matatandang masters - N. Ya.Myaskovsky, ang tagalikha ng 27 S. (1908-50, kabilang ang ika-19 - para sa isang orkestra ng hangin, 1939), at S. S. Prokofiev, may akda ng 7 S. (1917- 1952), at nagtatapos sa mga mahuhusay na kompositor ng kabataan. Ang nangungunang pigura sa larangan ng mga kuwago. S. - D. D. Shostakovich. Sa kanyang 15 na pahina (1925-71), ipinahayag ang kalaliman ng kamalayan ng tao at ang pagiging matatag ng moralidad. pwersa (ika-5 - 1937, ika-8 - 1943, ika-15 - 1971), na naglalagay ng kapana-panabik na mga tema ng pagiging moderno (ika-7 - ang tinaguriang Leningrad, 1941) at kasaysayan (ika-11 - "1905", 1957; ika-12 - "1917", 1961), mataas na humanistic. ang mga mithiin ay kaibahan sa madilim na mga imahe ng karahasan at kasamaan (5-bahagi 13th, sa mga salita ni E. A. Evtushenko, para sa bass, koro at orkestra, 1962). Pagbuo ng tradisyon. at moderno mga uri ng istraktura S., ang kompositor, kasama ang isang malayang kahulugan ng sonata cycle (isang bilang ng kanyang S. ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pagkakasunud-sunod: mabagal - mabagal - mabagal), ay gumagamit ng iba pang mga istraktura (halimbawa, sa ika-11 - "1905"), nakakaakit boses ng tao (soloista, koro). Sa ika-11 bahagi ng ika-14 S. (1969), kung saan ipinahayag ang tema ng buhay at kamatayan laban sa isang malawak na background sa lipunan, ang dalawang tinig ng pagkanta ay soloed, suportado ng mga string. at pumutok. mga tool.

Sa lugar ng S., ang mga kinatawan ng maraming manggagawa ay produktibo. nat. mga sanga ng mga kuwago. musika. Kabilang sa mga ito ay mga kilalang masters ng mga kuwago. musika, tulad ng A. I. Khachaturian - ang pinakamalaking braso. symphonist, may-akda ng makulay at ugat na S. (1st - 1935, ika-2 - "S. na may isang kampanilya", 1943, ika-3 - S.-tula, na may organ at 15 karagdagang mga trumpeta, 1947); sa Azerbaijan - K. Karaev (kanyang ika-3 S., 1965), sa Latvia - J. Ivanov (15 C, 1933-72), atbp Tingnan ang musika ng Sobyet.

Panitikan: Glebov Igor (Asafiev B.V.), Konstruksyon ng isang modernong symphony, "Contemporary Music", 1925, Hindi 8; Asafiev B.V., Symphony, sa libro: Mga sanaysay tungkol sa pagkamalikhain ng musika ng Sobyet, vol. 1, M.-L., 1947; 55 symphony ng Sobyet, L., 1961; Popova T., Symphony, M.-L., 1951; B. Yarustovsky, Symphonies tungkol sa Digmaan at Kapayapaan, M., 1966; Symphony ng Sobyet sa loob ng 50 taon, (comp.), Otv. ed. G. G. Tigranov, L., 1967; Konen V., Theatre at Symphony ..., M., 1968, 1975; Tigranov G., Sa pambansa at internasyonal sa symphony ng Sobyet, sa libro: Music sa isang sosyalistang lipunan, vol. 1, L., 1969; Rytsarev S., Symphony sa Pransya bago Berlioz, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie isang orchester depuis ses originines jusqu "isang Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, B. 1898 . Lpz., 1926; ego, Ratschläge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (pagsasalin ng Russian - P. Weingartner, Pagganap ng mga klasiko symphony. Mga tip para sa mga conductors, vol. . 1, M., 1965); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg. 33, No. 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefranca F., Le originini della sinfonia, "RMI", 1913, v. 20, p. 291-346, 1914, v. 21, p. 97-121, 278-312, 1915, v 22, p. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (pagsasalin ng Russian - Becker P., Symphony mula sa Beethoven hanggang Mahler, ed. At panimulang artikulo ni I. Glebov, L., 1926 ); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg. 4, H. 1, ego, Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr., Die opera buffa-Sinfonie und ihre Beziehungen zur klassis 1927, Jahrg. 8, no.4; ego, Die Durchführungsfrage sa der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, B., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Carse A., XVIII siglo symphonies, L., 1951; Vorrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B. S., La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII siècle, v. 1-3, P., 1962; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964.

B.S.Steinpress

Longread " Symphonic musika "sa serbisyo ng Tilda

http: //proyekto134743. tilda. ws/ pahina 621898.html

Symphonic musika

Ang mga gawaing pangmusika na inilaan upang maisagawa ng isang symphony orkestra.

Mga hangin ng tanso: Trumpeta, Tuba, Trombone, Voltorn.

Mga Woodwinds: Oboe, Clarinet, Flute, Bassoon.

Mga string: Violin, Viola, Cello, Counterbass

Mga Drums: Bass Drum, Snare Drum, Tamtam, Timpani, Celesta, Tambourine, Cymbals, Castanets, Maracas, Gong, Triangle, Bells, Xylophone

Iba pang mga instrumento ng symphony orchestra: Organ, Celesta, Harpsichord, Harp, Guitar, Piano (Grand piano, Pianano).

Mga katangian ng timbre ng instrumento

Violin: Maselan, magaan, maliwanag, malambing, malinaw, mainit-init

Viola: Matte, malambot

Cello: Mayaman, makapal

Contrabass: Mapurol, malupit, madilim, makapal

Flute: Bumubulong, malamig

Oboe: Nasal, ilong

Clarinet: Matte, bow

Bassoon: Pinutok, makapal

Trumpeta: Makintab, Maliwanag, Liwanag, Metallic

French Horn: Masungit, malambot

Trombone: Metallic, matalim, malakas.

Tuba: Malakas, makapal, mabigat

Pangunahing genresymphonic musika:

Symphony, suite, abot, symphonic tula

Symphony

- (mula sa Greek. symphonia - "Consonance", "pahintulot")
ang nangungunang genre ng orkestra ng musika, isang kumplikadong sagana na binuo ng maraming bahagi na gawa.

Mga tampok ng Symphony

Ito ay isang pangunahing genre ng musika.
- Oras ng tunog: mula sa 30 minuto hanggang isang oras.

Ang pangunahing karakter at tagapalabas ay isang symphony orkestra

Symphony istraktura (klasikal na form)

Binubuo ng 4 na bahagi na naglalaman ng iba't ibang mga aspeto ng buhay ng tao

1 bahagi

Ang pinakamabilis at pinaka-dramatikong, minsan ay nauna sa isang mabagal na intro. Nakasulat sa form ng sonata, sa isang mabilis na tulin (allegro).

Bahagi 2

Mapayapa, maalalahanin, nakatuon sa mapayapang mga larawan ng kalikasan, liriko; nagdadalamhati o malungkot sa kalagayan.
Mga tunog sa mabagal na paggalaw, na nakasulat sa anyo ng isang rondo, mas madalas sa anyo ng isang sonata o anyo ng pagkakaiba-iba.

Bahagi 3

Narito ang isang laro, masaya, larawan ng buhay ng mga tao. Ito ay isang scherzo o minuet sa three-part form.

Bahagi 4

Mabilis na pagtatapos. Bilang isang resulta, ang lahat ng mga bahagi ay nakikilala sa pamamagitan ng isang matagumpay, solemne, maligaya na karakter. Nasusulat ito sa form ng sonata o sa anyo ng rondo, rondo sonata.

Ngunit may mga symphony na may mas kaunting (o higit pa) na mga bahagi. Mayroon ding isang bahagi na symphony.

Symphony sa mga gawa ng mga banyagang kompositor

• • Franz Joseph Haydn (1732 - 1809)

108 symphonies

Symphony Blg 103 "Sa Tremolo Timpani"

Ang pangalan nito " na may tremolo timpani»Ang symphony ay tumanggap ng pasasalamat sa unang bar, kung saan ang timpani ay gumaganap ng isang tremolo (Italian tremolo - nanginginig), nakapagpapaalaala sa malayong thunderclaps,
sa tonic na tunog sa E flat. Ito ay kung paano nagsisimula ang mabagal na pagkakaisa ng unison (Adagio) sa unang kilusan, na kung saan ay may malalim na pagkokonsensya.

• • Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

56 symphonies

Symphony Blg. 40

Isa sa mga pinaka sikat sa huling symphony ng Mozart. Ang symphony ay nakakuha ng mahusay na katanyagan salamat sa hindi pangkaraniwang taimtim na musika, naintindihan sa pinakamalawak na bilog ng mga tagapakinig.
Ang unang kilusan ng symphony ay walang isang pagpapakilala, ngunit nagsisimula kaagad sa pagtatanghal ng tema ng pangunahing bahagi allegro. Ang paksa na ito ay nabalisa; sa parehong oras, siya ay nakikilala sa pamamagitan ng melodiousness at katapatan.

• • Ludwig van Beethoven (1770—1827)

9 symphonies

Symphony Blg. 5

Ang symphony welga sa kanyang laconic presentasyon, compactness ng mga form, nagsusumikap para sa kaunlaran, tila ipinanganak sa isang solong malikhaing salpok.
"Ito ay kung paano ang kapalaran ay kumatok sa aming pintuan," sabi ni Beethoven
tungkol sa pagbubukas ng mga bar ng piraso na ito. Ang maliwanag na nagpapahayag ng musika ng pangunahing motibo ng symphony ay posible upang bigyang-kahulugan ito bilang isang larawan ng pakikibaka ng isang tao sa mga suntok ng kapalaran. Ang apat na paggalaw ng symphony ay ipinakita bilang mga yugto ng pakikibaka.

• • Franz Schubert(1797—1828)

9 symphonies

Symphony Blg 8 "Hindi Tapos na"

Isa sa mga pinaka-patula na pahina sa kabang-yaman ng mundo symphony, isang bagong naka-bold na salita sa pinaka kumplikadong mga genre ng musikal, na binuksan ang daan para sa romantismo. Ito ang unang drama sa liriko at sikolohikal sa symphonic genre.
Wala itong 4 na bahagi, tulad ng symphonies ng mga klasikal na kompositor, ngunit dalawa lamang. Gayunpaman, ang dalawang bahagi ng symphony na ito ay nag-iiwan ng impresyon ng isang kamangha-manghang kaputian, pagkapagod.

Symphony sa mga gawa ng mga kompositor ng Russia

• • Sergei Sergeevich Prokofiev (1891— 1953)

7 symphonies

Symphony No. 1 "Klasikal"

Pinangalanang "klasikong", dahil pinapanatili nito ang kalubhaan at lohika ng klasikal na anyo ng ika-18 siglo, at sa parehong oras ay nakikilala ito ng modernong wikang pangmusika.
Ang musika ay puno ng matalim at "prickly" na mga tema, walang katapusang mga sipi Gamit ang mga kakaibang uri ng mga genre ng sayaw (polonaise, minuet, gavotte, gallop). Hindi sinasadya na ang mga komposisyon ng choreographic ay nilikha sa musika ng symphony.

• • Dmitry Dmitrievich Shostakovich(1906—1975)

15 symphonies

Symphony Blg 7 "Leningradskaya"

Noong 1941, na may symphony Blg. 7, tumugon ang kompositor sa kakila-kilabot na mga kaganapan ng World War II, na nakatuon sa pagbara ng Leningrad (Leningrad Symphony)
"Ang Ikapitong Symphony ay isang tula tungkol sa aming pakikibaka, tungkol sa darating na tagumpay," isinulat ni Shostakovich. Ang symphony ay nakatanggap ng pagkilala sa buong mundo bilang isang simbolo ng paglaban sa pasismo.
Ang dry biglaang melody ng pangunahing tema, walang tigil na drumbeat ay lumikha ng isang pakiramdam ng pagkaalerto, pagkabalisa sa pag-asa.

• • Vasily Sergeevich Kalinnikov (1866-1900)

2 symphonies

Symphony Blg

Sinimulan ni Kalinnikov ang pagsulat ng kanyang unang symphony noong Marso 1894 at natapos nang eksaktong isang taon mamaya, noong Marso 1895
Ang symphony na pinaka-malinaw na naka-embodied ng mga tampok ng talento ng kompositor - taimtim na pagiging bukas, spontaneity, kayamanan ng lyrical na damdamin. Sa kanyang symphony, ang kompositor ay niluluwalhati ang kagandahan at kadakilaan ng kalikasan, buhay ng Russia, na nagpapakilala sa imahe ng Russia, ang kaluluwa ng Russia, sa pamamagitan ng musika ng Russia.

• • Peter Ilyich Tchaikovsky (1840—1893)

7 symphonies

Symphony Blg. 5

Ang pagpapakilala sa symphony ay isang martsa ng libing. "Ang lubos na paghanga para sa kapalaran ... para sa isang hindi maipaliwanag na kapalaran," isinulat ni Tchaikovsky sa kanyang mga draft.
Sa napakahirap na paraan ng pagtagumpayan at panloob na pakikibaka, ang tagabuo ay nagtatagumpay sa tagumpay sa kanyang sarili, sa kanyang mga pagdududa, pagkakagulo ng kaisipan at pagkalito ng damdamin.
Ang nagdadala ng pangunahing ideya ay isang naka-compress, maindayog na nababanat na tema na may isang hindi nasasabik na akit sa orihinal na tunog, na dumadaan sa lahat ng mga bahagi ng pag-ikot.

"Ang layunin ng musika ay hawakan ang mga puso"
(Johann Sebastian Bach).

"Ang musika ay dapat sumabog ng apoy mula sa mga puso ng tao"
(Ludwig van Beethoven).

"Ang musika kahit na sa mga kahila-hilakbot na nakakaintriga na sitwasyon ay dapat palaging maakit ang tainga, palaging mananatiling musika."
(Wolfgang Amadeus Mozart).

"Ang musikal na materyal, iyon ay, himig, pagkakatugma at ritmo, ay tiyak na hindi masasayang.
Ang musika ay isang kayamanan, kung saan ang bawat nasyonalidad ay nag-aambag ng sarili nitong, para sa pangkaraniwang kabutihan "
(Peter Ilyich Tchaikovsky).

Pag-ibig at pag-aralan ang mahusay na sining ng musika. Magbubukas ito sa iyo ng isang buong mundo ng mataas na damdamin, pananabik, mga saloobin. Ito ay gagawa ka sa espirituwal na yaman. Salamat sa musika, makikita mo sa iyong sarili ang mga bagong puwersa na hindi mo kilala. Makikita mo ang buhay sa mga bagong tono at kulay "
(Dmitry Dmitrievich Shostakovich).

ANO

S I M F O N I Z

ISA SA PINAKA MAHALAGA NA PAGKAKATAON NG SYMPHONY MUSIKA AY SYMPHONY.

Symphony (mula sa Greek symphonía - katinig, mula sýn - magkasama at tunog ng telepono),

isang piraso ng musika sa isang sonata cyclical form, dinisenyo upang maisagawa ng isang symphony orchestra .

Sa mga napiling Symphonies

ay kasangkot din

koro at soloista.

Ang Symphony ay nilikha

para sa orkestra ng string,

banda ng tanso,

orkestra ng mga katutubong instrumento

at iba pang mga komposisyon.

Malaking simonya multipart

orkestra na piraso.

Sa kahulugan na ito, ang symphony ay lumitaw sa paligid ng 1730,

kapag ang pambungad na orkestra sa opera ay naghiwalay sa opera mismo at naging isang independiyenteng gawain ng orkestra.

Ang Symphony ay ang pinaka-napakalaking anyo ng instrumental na musika. Bukod dito, ang pahayag na ito ay totoo para sa anumang panahon - para sa gawain ng mga klasiko ng Vienna, at para sa mga romantika, at para sa mga kompositor ng mga susunod na mga uso.

Dahil ang symphony ay isang gawaing maraming bahagi (tatlo, mas madalas na apat-, at kung minsan kahit lima-bahagi, halimbawa ng "Pastoral" ni Beethoven o "Fantastic"), malinaw na ang gayong form ay dapat na lubos na binuo upang maibukod ang monotony at monotony.

Ang isang symphony ay laging naglalaman ng maraming mga larawang musikal, ideya at tema.

Ang mga ito ay kahit na ipinamamahagi sa pagitan ng mga bahagi, na, naman, sa isang banda - kaibahan sa bawat isa, sa kabilang dako - bumubuo ng isang uri ng mas mataas na integridad, kung wala ang symphony ay hindi malalaman bilang isang solong gawain.

Mga masterpieces ng symphonic genre.

Alexander Borodin

Mozart. Symphony Blg. 41

Jupiter sa C major

Beethoven. Symphony Blg 3

e flat major,

"Bayani")

Schubert. Symphony

№ 8 sa B menor de edad (kaya

tinawag

"Hindi natapos")

Berlioz.

Hindi kapani-paniwala symphony

Borodin. Symphony Blg. 2

"Bogatyrskaya"

L.V. Beethoven.

Hector Berlioz

Franz Schubert

Napakagandang mga CREATORS NG SYMPHONIES

Joseph Haydn

Sa lahat ng ito, si Haydn ay isang payunir.

Kadalasan - kahit na hindi sapat na tama - tinawag siyang "ama ng symphony."

Kinuha ni Haydn ang form na ito sa isang mas mataas na antas at ipinakita ang paraan sa hinaharap.

Kakayahan, pagkakaiba-iba, hindi mapag-aalinlanganan, katatawanan, talino sa paglikha - ito ang dahilan kung bakit ginawang hiwa si Haydn (o kahit, bilang isang witty ilagay ito, hanggang sa kanyang mga balikat) sa itaas ng antas ng kanyang mga kapanahon.

Marami sa symphony ni Haydn ay pinangalanan.

Ang sikat na symphony Blg 45 ay pinangalanan na "FAREWELL"

(o "Symphony ni Candlelight"):

sa huling mga pahina ng finals ng symphony, ang mga musikero isa-isa na huminto sa paglalaro at umalis sa entablado, dalawa lamang ang mga violin na natitira, na nagtatapos sa symphony na may isang interogative chord.

Joseph Haydn

Naglalaro ng Gaidan.

Symphony Blg. 94

"Sa pamamagitan ng matalo ng timpani, o Surprise" nakuha ang pangalan nito dahil sa nakakatawang epekto sa mabagal na bahagi - ang mapayapang kalagayan ay nabalisa ng isang matalim na suntok ng timpani.

Symphony Blg 96

« Himala " naging tinatawag na dahil sa mga pangyayari sa pagkakataon. Sa konsiyerto kung saan dapat na isagawa ni Haydn ang symphony na ito, ang madla sa kanyang hitsura ay nagmamadali mula sa gitna ng bulwagan hanggang sa mga libreng linya ng harapan, at ang gitna ay walang laman. Sa sandaling iyon, sa gitna lamang ng bulwagan, isang chandelier ay gumuho, dalawa lamang ang nakikinig ay bahagyang nasugatan. May mga libing sa bulwagan: "Himala! Himala! " Si Haydn mismo ay labis na humanga sa kanyang kusang pagliligtas ng maraming tao.

Pamagat ng symphony Blg. 100

"Militar", sa kabaligtaran, hindi ito sinasadya - ang mga matinding bahagi nito na may mga signal ng militar at ritmo na malinaw na nagpinta ng musikal na larawan ng kampo; ang pagsasama ng mga instrumento ng percussion ng Turko sa puntos ng symphony ay natutuwa sa mga mahilig sa musika sa London.

Wolfgang Amadeus Mozart

Sinulat ni Mozart ang kanyang unang symphony nang siya ay walong taong gulang, at ang huli ay tatlumpu't dalawa.

Ang kanilang kabuuang bilang ay higit sa limampung, ngunit maraming mga kabataan ay hindi nakaligtas o hindi pa natuklasan.

Sa mga huling tatlong symphonies, ang gitnang isa, Hindi. 40, ang pinakatanyag.

Tanging ang "Little Night Serenade" at ang Overture sa opera na "The Marriage of Figaro" ay maaaring makipagkumpetensya sa kanya sa katanyagan.

Ang symphony na ito ay nakasulat sa G menor de edad - isang pambihira para sa Mozart, na mas gusto ang masayang at masayang pangunahing mga susi.

Ludwig van Beethoven

Ang Beethoven ay lumikha ng siyam na symphony.

Ang pinakadakila sa kanyang symphony ay ang Pangatlo (E-flat major, "Bayani"), Fifth (C menor de edad), Ika-anim (F major, "Pastoral"), Pang-siyam (D menor de edad).

Ang mga nakaligtas na dokumento ay nagpapatotoo sa nangyari noon.

Si Beethoven mismo ang nagsagawa ng symphony.

Ngunit paano ito nangyari?

Sa katunayan, sa oras na iyon, si Beethoven ay bingi na.

Bumaling tayo sa mga account sa nakasaksi.

"Isinagawa ni Beethoven ang kanyang sarili, o sa halip, tumayo siya sa harap ng panindigan ng conductor at gestured tulad ng isang baliw," sulat ni Josef Boehm, ang violinist ng orchestra na nakibahagi sa makasaysayang konsiyerto. - Umunat siya, pagkatapos ay halos magkamali, waving his arm at stamping ang kanyang mga paa, na parang siya mismo ang nais na i-play ang lahat ng mga instrumento nang sabay-sabay at kumanta para sa buong koro. Sa katunayan, si Umlauf ang namamahala sa lahat, at kami, ang mga musikero, pinapanood lamang ang kanyang wand. Labis ang gulo ni Beethoven kaya't hindi niya lubos na napansin ang nangyayari sa paligid niya at hindi niya pinansin ang bagyong palakpakan, na bahagya umabot sa kanyang kamalayan dahil sa pagkawala ng pandinig. Sa pagtatapos ng bawat bilang ay kailangan niyang sabihin sa kanya nang eksakto kung kailan lumingon at pasalamatan ang madla sa palakpakan, na ginawa niyang napaka-awkward.

Sa pagtatapos ng symphony, nang ang daloy ay humahampas, lumapit si Carolina Unger sa Beethoven, marahang pinigilan ang kanyang kamay - nagsasagawa pa rin siya, hindi napagtanto na ang pagganap ay tapos na! - at lumingon sa mukha ng madla. Pagkatapos ito ay naging malinaw sa lahat na ang Beethoven ay ganap na bingi ...

Ang tagumpay ay napakalaking. Kinuha ng interbensyon ng pulisya upang wakasan ang pagkalugi.

Peter Ilyich Tchaikovsky

Sa genre ng isang symphony ni P.I. Lumikha si Tchaikovsky ng anim na gawa.

Huling Symphony - Pang-anim sa B menor de edad, Op. 74 - pinangalanan sa kanya na "Pathetic".

Ang unang pagganap ng Anim na Symphony ay naganap sa St. Petersburg noong Oktubre 16, 1893 sa ilalim ng direksyon ng may-akda.

Sumulat si Tchaikovsky pagkatapos ng pangunahin:

"Isang bagay na kakaiba ang nangyayari sa symphony na ito! Hindi niya gusto ito, ngunit nagdulot ito ng ilang pagkalito. Tulad ng para sa akin, ipinagmamalaki ko ito nang higit sa anumang iba pang komposisyon ng akin. " Ang mga karagdagang kaganapan ay malungkot: siyam na araw pagkatapos ng pangunahin ng symphony, namatay si P. Tchaikovsky.

Hall of the Nobility Assembly sa St. Petersburg (ngayon ang Great Hall ng St. Petersburg Philharmonic), kung saan unang ginampanan ang Ika-anim na Symphony.

Tula ng Symphonic. Suite.

Ang dakilang tagasulat ng Hungarian at pianista na si Ferenc Liszt ay itinuturing na tagalikha ng tula ng symphonic.

na nagsulat ng isang bilang ng mga pangunahing instrumental na gawa sa ganitong genre.

Sa maraming mga tula niya, inilarawan ni Liszt ang mga bayani at sikat na tao, bilang, halimbawa, sa symphonic tula na Prometheus.

Ang mga kompositor ng Russia ay bumaling din sa ganitong genre sa kanilang trabaho.

M. A. Balakirev ("Rus", "Tamara"),

N. A. Rimsky-Korsakov ("Kwento"),

A. K. Glazunov ("Stenka Razin"),

A. N. Scriabin ("Tula ng Ecstasy", "Prometheus o Tula ng Apoy").

Ang genre ng symphonic tula ay nagsasama rin ng mga instrumental na piraso ng iba't ibang mga character. Maaari silang maging parehong maliit sa laki at malalaking piraso ng konsiyerto.

Ang "Suite" na isinalin mula sa Pranses ay nangangahulugang pagkakasunud-sunod, hilera.

Ito ay isang multi-part cycle na binubuo ng independiyenteng, magkakahiwalay na mga piraso, na pinagsama ng isang karaniwang ideya sa sining.

Sikat na sikat:

symphonic suite

Rimsky - Korsakov "Scheherazade".

Prokofiev "Romeo at Juliet",

Ang Pag-ibig sa Tatlong Dalaga.

"Ang Tale ng Jester", atbp.

Ang pagtatanghal ay ginawa ni S. G. Kirilova.