Pangunahing pinag-uusapan nila ang tungkol sa isang pangmatagalang pag-aaral, na nagsasangkot ng isang malalim na pag-aaral ng hugis ng mga bagay na may kulay, na isinasaalang-alang ang hanay ng kulay ng buhay na buhay, mga kondisyon sa kapaligiran - liwanag, ang nakapalibot na espasyo, ang kanilang mga impluwensya sa isa't isa.

Ngunit sa mga kurso sa pagpipinta sa paaralan ng sining Bagong Art Intentions tinuturuan namin ang mga baguhang artista na mabilis na isulat ang isang guhit, upang makuha sa isang sketch lamang ang pangunahing bagay, ang pinakamahalaga, o isang bahagi lamang ng kabuuan - isang fragment. Samakatuwid, kasama ang mga gawa na tumatagal ng buong aralin ng pagpipinta, may iba pang mga anyo ng etude. Ito ay mga etudes-sketch, etudes ng mga fragment, sketch mula sa memorya.

Ang lahat ng mga form na ito ay may karapatang umiral. Ang tanging tanong ay kung paano pagsamahin ang mga ito nang matalino. Ang pagtatrabaho lamang sa mga pangmatagalang pag-aaral na may malalim at detalyadong pagguhit ng mga bagay, hindi namin makukuha ang mga kasanayan sa mabilis na trabaho at hindi agad na makuha ang pinakamahalaga at mahahalagang tampok sa pag-aaral, hindi namin matutunang sinasadya. isakripisyo ang isa o ibang detalye para sa kapakanan ng pangunahing bagay.

Sa gayong etude, kasama ang kahulugan ng compositional structure, nalaman natin para sa ating sarili ang scheme ng kulay, kabisaduhin ang paghahalo ng mga kulay, sa tulong kung saan nakamit natin ang nais na mga kumbinasyon. Ang ganitong etude ay ginaganap sa loob ng kalahating oras - isang oras.

Nasa ibaba ang isang serye ng mga mabilisang sketch at sketch ng mga indibidwal na fragmentary na solusyon ng mga still life mula sa mga prutas, berry at gamit sa bahay. Gumawa ng isang serye ng mga pagsasanay upang makakuha ng ilang mga kasanayan sa pagguhit ng maikling pag-aaral.

Pag-aaral na gumuhit ng mga sketch.

Sa tagsibol o tag-araw, gumawa ng isang palumpon ng mga pare-parehong bulaklak, isama ang isa o dalawang bulaklak ng ibang uri dito. Ilagay muna ang gayong palumpon sa diffused light sa isang malaking silid na puno ng liwanag, sa isang veranda o sa isang hardin, at magsulat ng isang sketch sa loob ng isa at kalahati hanggang dalawang oras. Subukang isulat ang pareho o isa pang palumpon sa maliwanag na liwanag, sa isang maaraw na araw, paglalagay ng mga bulaklak sa isang bintana o sa isang hardin. Sa bawat isa sa mga gawaing ito matutugunan mo ang mga bagong kundisyon para sa iyo. Sa ilalim ng impluwensya ng malakas na direktang liwanag (sa kasong ito, sikat ng araw), nagbabago ang kulay ng mga bagay kumpara sa mga kondisyon ng silid. Dahil sa mga umuusbong na kaibahan, ang kasaganaan ng mga pagmuni-muni, liwanag na nakasisilaw, dahil sa kumbinasyon at pakikipag-ugnayan ng lahat ng mga salik na ito, ang mga bagay ay tila nawawala ang kanilang konkreto. Ang parehong liwanag, at anino, at penumbra ay hindi nakikita bilang malinaw na nalilimitahan mula sa isa't isa, ngunit pagyamanin ang bawat isa sa isang masa ng mga bagong lilim, nuances, at mga paglipat. Sa isang salita, ang solusyon ng mga problema sa liwanag at lilim ay nakakakuha ng napakalaking kahalagahan sa kasong ito.

Para sa pintor, ang pag-iilaw ay kasinghalaga ng mismong motif, o sa halip, ang isa sa isa ay hindi mapaghihiwalay. Kaya, kapag nagtatrabaho sa isang etude sa hangin, gaya ng sinasabi nila sa plein air*, ang mga espesyal na problema ay lumitaw na lubhang interesado. * (Mula sa French plein air - sa ilalim ng open sky. Ang termino ay ginagamit sa visual arts na may kaugnayan sa imahe sa open air).

Ang pag-aaral ng mga field bell ay ginagawa sa direktang sikat ng araw. Madali, na may mga transparent na pintura, ang kanilang kabuuang masa ay nakabalangkas. Ngunit, gayunpaman, ito ay itinuturing na napakalaki. Sa panlabas na gilid ng bouquet, ang mga kampana ay tila transparent at walang timbang. Ang ilan sa kanila ay halos mawala sa background, ang iba ay mas malinaw, ngunit hindi matalim.

Ang etude ay kawili-wili para sa amin sa teknikal na bahagi ng pagganap. Ang kadalisayan ng mga kulay, ang pangkalahatang impresyon ng pagiging bago at juiciness ay nakamit sa pamamagitan ng ang katunayan na ang trabaho ay ginagawa sa mamasa-masa na basa-basa na papel, abundantly puspos ng isang solusyon sa pintura. Sa mga kurso sa pagpipinta sa ating paaralan, mas malalim ang pinag-uusapan natin tungkol sa mga katangian ng naturang pagsulat.

Hindi tulad ng nakaraang ehersisyo - isang palumpon ng mga unipormeng bulaklak, gumawa din ng isang maliit na palumpon ng mga bulaklak ng iba't ibang kulay at hugis. Ilagay ito sa nakakalat na liwanag sa isang silid na nakaharap sa isang maliwanag at hindi pattern na dingding. Ang palumpon ay, na may kaugnayan sa background, ay bubuo ng isang silweta ng isang tiyak na lakas.

Sa pagguhit, madaling balangkasin ang mga bulaklak na nakausli mula sa kabuuang masa ng palumpon. Magiiba sila sa kanilang balangkas, hugis at sukat. Pagkatapos, sa lahat ng oras na paghahambing ng lakas ng tono, simulan upang masakop ang mga bahagi na may nais na kulay ng ilang mga grupo ng mga kulay, sinusubukang ihatid ang kanilang karakter. Kasabay nito, hindi kinakailangang kunin ang pintura nang buong lakas, upang kasunod na palakasin ang ilang bahagi. Kapag gumuhit ng mga bulaklak, iwasan ang mga matutulis na balangkas sa paghawak ng ilang mga kulay sa iba o sa mga halaman. Kung hindi, magbibigay sila ng impresyon ng katigasan at tila mas artipisyal kaysa sa buhay. Ang mga bulaklak, lalo na ang mga ligaw na bulaklak, ay palaging malambot, marupok, nanginginig, at sa isang sketch ay dapat magsikap na ihatid ang mga katangiang ito.

Tingnan ang atensyon at pagmamahal kung saan ang elderberry brush, dilaw na mga bulaklak ng flax, sa tabi ng mga ito ay chamomile at fern dahon. Siguraduhin na ang imahe ay hindi nagbibigay ng impresyon ng pagiging flat, na parang ginupit at idinikit sa papel na parang appliqué. Upang maiwasan ito, kinakailangan upang matukoy sa pamamagitan ng paghahambing ng mga tampok ng pagpindot ng palumpon sa background. Sa ilang mga bahagi, ang mga bulaklak ay sumanib dito sa magaan o maging mas magaan kaysa dito, sa iba ay bubuo sila ng mga silhouette ng iba't ibang lakas ng tabas. Sa kabila ng iba't ibang mga shade na bumubuo ng isang palumpon ng mga bulaklak, hindi ito dapat mukhang sari-saring kulay, ngunit mapanatili ang kalmado, integridad ng isang solong tonality. Kapag natutong gumuhit sa isang paaralan ng sining, inirerekomenda namin na ang mga baguhan ay minsang duling ang kanilang mga mata habang nagtatrabaho at tumingin sa bouquet o sa kanilang sketch. Nakakatulong ito na makita ang mga pagkakamaling nagawa sa tonal solution.

Ang susunod na ehersisyo sa aralin sa pagpipinta na ito ay idinisenyo upang palalimin ang iyong mga kasanayan sa pagtatrabaho sa isang mabilis na pag-aaral. Ang ehersisyo ay nagtatakda ng gawain, gamit ang mga dating nakuhang kasanayan sa a la prima technique, upang makamit ang kayamanan at makulay sa pagpipinta. Kapaki-pakinabang na maglaan ng isa hanggang dalawang oras para sa bawat isa sa mga pagsasanay na ito.

Upang magsimula, maaari mong kumpletuhin ang isang gawain na katulad ng sketch na may mga strawberry. Dito, tulad ng sa nakaraang pag-aaral, ginagamit ng may-akda ang mga kakayahan ng isang brush na puspos ng solusyon sa pintura, o naglalagay ng magaan, transparent na mga stroke ng mga purong pintura, na nagpapahintulot sa isang minimum na paghahalo ng mga ito. Bilang isang resulta, ang paglipat ng juiciness at lambot ng mga malalaking berry ay nakamit, ang impresyon ng kanilang permeation na may liwanag.

Ang pag-aaral gamit ang mug ay ginawa din sa anyo ng isang mabilis na sketch. Ang pagganap ay kawili-wili na may kumbinasyon ng iba't ibang mga paksa. Ang artist ay nahaharap sa isang bagong gawain - upang ipakita ang kinang ng metal sa tabi ng makintab na ibabaw ng balat ng kamatis. Ang mga kulay ay malinis, magaan, transparent, ang pangkalahatang kulay ay magaan. Samakatuwid, ang gawain ay nagbibigay ng impresyon ng pagiging bago, kamadalian.

Dahil dito, sa mga pag-aaral na mabilis ang pagpapatupad, ang gawain ay magtatag ng mga pangunahing ugnayan ng kulay, mga pangunahing kaibahan, at maghatid ng liwanag. Sa ganitong mga etudes, hindi kinakailangan ang detalyadong pagdedetalye sa lahat ng bahagi. Halimbawa, sa isang palumpon na may mga kampanilya, na may isang pangkalahatang solusyon ng buong masa ng palumpon, nakikita natin ang isang camomile at ang mga katangian ng mga balangkas ng mga kampanilya mismo na nakabalangkas sa silweta.

Ang ganitong mga etudes ay maaaring magkaroon ng parehong subordinate at independiyenteng kahalagahan. Subordinate - kapag nagsasagawa ng isang paunang sketch bago ang isang mahabang sketch; independyente - kapag nilulutas ang mga espesyal na problema sa larawan (paglilipat ng mga kondisyon ng liwanag, mga kumbinasyon ng kulay) at, sa wakas, kapag kailangan mong makuha ang ilang uri ng motibo para sa iyong sarili, ngunit walang oras upang makumpleto ito nang mas detalyado.

Sa kursong pagpipinta Bagong Art Intentions nagbabala kami laban sa labis na pagpapakalabis sa gayong mabilis na mga pangyayari. Sa paglalahat ng solusyon, hindi dapat mawala sa pag-aaral ang mga katangian ng paksa nito. Sa isang salita, ang generalization ay hindi dapat maging isang wakas sa sarili nitong pagguhit para sa mga nagsisimula. Sa kabaligtaran, sa tulong nito sinusubukan naming ipahayag ang pinaka-katangian at tipikal na mga katangian para sa isang naibigay na bagay o kababalaghan.

Acrylic sketch na ipininta ng mga mag-aaral sa panahon ng mga aralin sa pagpipinta sa Artintenstudio.

Paano magpinta ng oil sketch

(sa website, isang libreng panonood ng video na "Mga aralin ng pagpipinta gamit ang mga pintura ng langis" ay pinlano sa lalong madaling panahon)

Gusto kong ilarawan kung paano ko isinasabuhay ang mga materyales at pamamaraan ng trabaho sa itaas. Halimbawa, napili ang landscape na "End of Summer".

Sa huling bahagi ng tag-araw - unang bahagi ng taglagas, ang mga dahon sa mga puno ay nagiging dilaw, ang damo ay kumukuha ng iba't ibang kulay. Ang mga anino mula sa mga puno ay nagiging mas malamig, na may isang lilang tint. Mas malapit sa abot-tanaw, dahil sa asul na kalangitan, ang mga puno at mga halaman ay tila mas malamig kaysa sa mainit na tag-araw. Ang taglagas ay ang oras kung kailan hindi mo makaligtaan ang isang araw nang walang pagpipinta sa bukas na hangin. Ang dalawa o tatlong oras na pagtatrabaho sa mga pintura ng langis sa isang araw para sa akin ay personal na nagiging minuto ng kumpletong kapayapaan ng isip, kapayapaan at pagkakaisa sa kalikasan.

Upang maisulat ang pag-aaral na ito, kailangan ko ng canvas na ginagamot sa gelatin at acrylic primer, na dati nang na-paste sa isang tablet. Nagpasya akong gawin ang underpainting gamit ang tempera paints, kaya nag-stock ako ng mga kinakailangang materyales para sa oil at tempera painting. Gumawa ako ng viewfinder mula sa itim na papel ayon sa laki ng inihandang canvas. Bilang karagdagan sa sketchbook, para sa kumpletong kaginhawaan, kumuha ako ng isang folding chair at isang payong sa akin.

Ang pagkakaroon ng napili ang pinaka-kaakit-akit na view ng landscape sa tulong ng viewfinder, sinusuri ang komposisyon at tonal na relasyon ng hinaharap na pag-aaral, ako ay nagsimulang magtrabaho.

Upang magsulat ng isang oil portrait mula sa isang larawan (), kailangan mo ng isang paunang, tumpak na pagguhit ng lapis. Sa aking kaso, ang pagtatayo ng komposisyon at ang paunang pagguhit sa canvas ay maaaring gawin gamit ang isang manipis na kolinsky brush No. 2 at transparent, ocher tempera na pintura. Sa tulong ng viewfinder, natukoy ko na ang mga halaman ang magiging pangunahing bagay sa sketch. Batay dito, ang horizon line ay matatagpuan sa itaas ng gitna ng canvas. Upang bigyang-diin ang pananaw ng tanawin, pati na rin ang balanse ng komposisyon, binalangkas niya ang isang kalsada na humahantong sa malayo.

Bago magpatuloy sa underpainting na may tempera paint, isinagawa ko sa isip ang gawaing paghahanda.

1. Maingat na sinuri ang tonal na relasyon ng landscape.

2. Naka-install ang pinakamagaan at pinaka-puspos sa mga lugar ng tono.

3. Natukoy kung aling mga kulay ang mangingibabaw sa sketch sa foreground, gitna at background.

Upang maiwasan ang mga pagkakamali sa karagdagang tonal na pagtatayo ng trabaho, sinimulan ko ang underpainting na may pinaka-puspos na mga fragment ng larawan, hindi alintana kung ito ay isang buhay na buhay o isang pigura ng tao. Pagkatapos ay nagsusulat ako mula sa pinakamadilim hanggang sa pinakamaliwanag. Madalas na nangyayari na ang puting lupa ng canvas ay ang pinakakaunting lugar sa saturation sa pag-aaral. Sa ganitong mga kaso, binibigyan ko ang lupa ng isang mainit o malamig na lilim, depende sa mga pangyayari at lugar ng pagpipinta (sa madla o sa open air).

Sa landscape na "End of Summer", ang pinakamahusay na solusyon ay ang magsagawa ng underpainting, na nagsimula sa mga puno sa background. Ang katotohanan ay ang mga halaman at ang ibabaw ng lupa sa background ay malinaw na nakikilala sa pamamagitan ng isang kulay-lila-asul na guhit at may magaan na tono malapit sa kalangitan. Mga pintura na ginamit: sky blue, cadmium violet, Neapolitan red-violet, zinc at titanium white sa ratio na 1:1.

Sa itaas ng mga puno malapit sa abot-tanaw, ang kalangitan ay may ocher-reddish na kulay at naging pinakamagaan na elemento sa tono sa larawan. Mga pintura na ginamit: ginintuang Moscow ocher, light cadmium red, whitewash. Ang gayong kaibahan ng mainit at malamig na lilim sa abot-tanaw ay minarkahan ang hangganan sa pagitan ng mga puno at kalangitan.

Narito ang mga sipi mula sa mga tala ni D. Constable sa langit: Ang pintor ng landscape, kung kanino ang langit ay hindi isa sa pinakamahalagang bahagi ng komposisyon, ay nagpapabaya sa kanyang pinakamahusay na katulong ... Ang kalangitan ay isang napakahirap na gawain, kapwa sa mga tuntunin ng komposisyon at sa mga tuntunin ng pagpapatupad. Sa buong ningning nito, hindi ito dapat nakausli, ngunit dapat lamang pukawin ang ideya ng walang katapusang distansya. Hindi ito, siyempre, nalalapat sa mga bihirang natural na phenomena o hindi sinasadyang mga epekto ng pag-iilaw, na palaging nakakaakit ng espesyal na atensyon ... "

Sa paglipat sa medium shot, gumamit ako ng mas maraming contrasting at saturated na tono para sa mga puno at iba pang mga halaman. Isinasaalang-alang ang aerial perspective, nagpinta ako ng anino at liwanag na may mas maiinit na kulay. Mga kulay ng anino na ginamit: Cadmium Violet, Sky Blue, Umber nasunog, pulang ilaw ng cadmium. Mga pintura na ginagamit para sa liwanag: dilaw na okre, ginintuang Moscow okre, kadmyum pula, kadmyum dilaw na lemon, titanium puti.

Sa pinakamalapit na plano sa manonood, ang damo at ang kalsada ay medyo mas magaan at mas mainit kaysa sa tono ng mga puno. Narito ang mga pintura tulad ng okre dilaw, ginintuang Moscow okre, kadmyum pula, kadmyum dilaw na lemon, carmine, Ingles pula, puti.

Ang nasabing underpainting ay nagbigay na sa future sketch ng aerial perspective at natukoy ang kulay ng gawa.

Matapos matuyo ang tempera paint, nagsimula akong magpinta sa mga langis.

Sa yugtong ito ng trabaho, kailangan kong:

1. "Bigyang-diin" ang dami ng mga dahon at putot ng mga kalapit na puno.

2. Ihanda ang unang plano bilang batayan para sa susunod.

3. Ilarawan nang detalyado ang pangalawang plano ng sketch.

4. Idagdag, sa tulong ng mga glaze, iba't ibang mga kulay sa mga tamang lugar ng sketch.

Kasunod ng underpainting na may tempera paints, nagpatuloy siya sa isang oil sketch mula sa mga puno sa background. Ang mga anino ng mga puno ay binigyan ng malabong tabas na may pinaghalong kulay. Mga pintura na ginamit: ubas itim, puti, asul na langit; nagpakita ang liwanag sa tulong ng lemon-yellow, whitewash at sky-blue na mga pintura.

Gamit ang isang #16 bristle brush, ipininta ko ang kalangitan, inilapat ang tinatawag na stretching mula sa mainit-init (sa abot-tanaw) na tono hanggang sa malamig at mula sa liwanag hanggang sa madilim, upang bigyan ito ng lakas ng tunog. Mga pintura na ginamit: sky blue, blue - "FC", cadmium violet, grape black, white. Inireseta ang kalangitan, inilapat ang isang makulay na layer sa isang dayagonal na direksyon.

Gaya ng inilarawan sa itaas, hindi dapat magkaroon ng dalawang magkaparehong stroke sa isang painting (tingnan ang oil painting techniques). Samakatuwid, gumamit ako ng mga brush na may iba't ibang laki (ayon sa mga fragment ng trabaho).

Ang liwanag sa foreground at background ng pag-aaral ay napuno ng mga pasty stroke, gamit ang isang palette knife.

Ang pagkakaroon ng pagbibigay ng lakas ng tunog sa mga putot ng mga puno at mga halaman sa background, nagpatuloy ako sa mga detalye.

Sa huling yugto ng trabaho, ang kailangan ko lang gawin ay pintura nang mas maingat ang manipis na mga sanga ng mga puno, damo at mga seksyon ng kalsada na may manipis na kolinsky brush (No. 2).

Ang tagumpay sa malikhaing aktibidad ay tinitiyak, una sa lahat, sa artistang iyon na, sa kanyang matigas na pagnanais na lumikha ng isang gawa ng sining, nagtagumpay, sa kabila ng iba't ibang mga paghihirap, anumang mga hadlang at hadlang sa kanyang landas sa buhay. Alalahanin si Vincent van Gogh... Kung tutuusin, pinatunayan ng artist na ito (at hindi lamang siya) na ang isang tao sa kanyang tiyaga at pagnanais na makamit ang kanyang layunin ay may kakayahan ng maraming.

Minsan ang sikat na iskultor na si Michelangelo ay tinanong ng tanong: "Paano ka makakakuha ng gayong kahanga-hangang mga eskultura?" Kung saan siya ay sumagot: "Kumuha ako ng isang bato at pinutol ang lahat ng hindi kailangan dito." Ganoon din sa pagpipinta. Sa pamamagitan ng pagkakatulad, kailangan mo lamang ilagay ang nais na tono ng pintura sa kaukulang lugar sa canvas ... Kaya't maiparating ng artist ang kanyang mga damdamin at mga iniisip, na nagbubukas ng isang bagong katotohanan sa manonood. Ngunit upang malaman kung paano, ano at saan ilalagay ang tono ng pintura, kailangan mong magtrabaho nang husto at bumuo, mag-aral at mahalin ang pagpipinta.

Ang pinakamahusay na guro para sa isang pintor ay kalikasan, at walang makapagtuturo ng higit pa sa kanya. Ang mga guro, guro ay gumagabay lamang, nagmumungkahi at nagtuturo sa nagsisimulang pintor ng mga pangunahing kaalaman sa pagpipinta, nagbabahagi ng kanilang sariling mga obserbasyon. Nasaan ka man, anuman ang iyong nararamdaman, at anuman ang iyong kalooban, laging subukan na mapansin sa katotohanan sa paligid mo na, sa unang tingin, ay tila hindi kawili-wili sa isang ordinaryong tao. Obserbahan at ihambing ang tonal na relasyon ng langit at lupa, ang mga kulay ng background at foreground. Gumawa ng mabilis na mga sketch mula sa kalikasan araw-araw at huwag na huwag sirain ang mga ito pagkatapos. Kahit na ang ilan sa kanila ay hindi naging tulad ng nakikita mo sa kanila.

Subukang isipin ang iyong sarili sa papel ng isang naturalista na nag-aaral ng mga phenomena ng kalikasan, ang mga gawi ng mga hayop; isang physiognomist na nag-aaral ng mga tampok ng istraktura at mga ekspresyon ng mukha ng mga mukha ng mga tao sa pagtatangkang hulaan, matukoy ang mga tampok ng kanilang pagkatao.

Dapat ipakita ng artist ang kanyang oras sa canvas at sa parehong oras ay maipahayag ang kanyang sarili, na nangangailangan ng kanyang patuloy na pagiging bukas sa labas ng mundo.

Bigyang-pansin ang mga tao sa paligid mo: pantomime, ekspresyon ng mukha, istilo ng pananamit (gumawa ng mabilisang sketch).

Upang palawakin ang iyong sariling mga propesyonal na abot-tanaw, subukang bisitahin ang maraming mga eksibisyon at museo hangga't maaari, pag-aralan ang mga reproduksyon ng mahusay na mga pintor, basahin ang iba't ibang panitikan.

Ang Etude ay isang gawa ng pagpipinta na may pantulong na kalikasan at may limitadong sukat, na ganap na ginawa mula sa buhay.

Nagtatrabaho sa bukas na hangin sa isang pag-aaral, itinakda ng artist ang kanyang sarili ang gawain ng isang tunay at buhay na sagisag ng kalikasan sa pagpipinta.

Ang mga sketch ay maaaring isang paraan ng pag-aaral ng kalikasan, mga pagsasanay sa pagsasanay para sa artist, isang paraan ng pagpapabuti ng kanyang mga kasanayan. Kadalasan sila ay nagsisilbing materyal para sa paghahanda ng isang larawan, halimbawa, mga sketch ng mga indibidwal na lugar, mga plot, mga puno, mga dahon, at iba pang mga detalye ng interes sa pintor. Ang patuloy na trabaho sa kanila sa kalikasan ay nakakatulong sa paglikha ng mga landscape.

Ginagawang posible ng pagpipinta ng Etude na magkaroon ng mata, palakasin ang katigasan ng kamay, at pagbutihin ang mga kasanayan sa pagpipinta.

Ang isang etude ay nangangailangan ng isang maingat na ginawang pagguhit, na dapat ay tumpak at totoo hindi lamang sa sukat, kundi pati na rin sa mga indibidwal na detalye at ang mga ugnayan sa pagitan nila. Para sa kanya, ang isang pangkalahatang eskematiko na pagguhit mula sa buhay na walang labis na detalye, katapatan at katumpakan ng mga pangunahing linya at balangkas ng mga bagay ay mahalaga. Sa pagguhit, kailangang maiparating ng pintor ang kanyang naobserbahan at pinag-aaralan sa kalikasan. Gayunpaman, hindi lamang nakikita, ngunit din pangkalahatan - mahalaga, ang pangunahing bagay, nang walang pangalawang detalye.

Ang pagguhit para sa pag-aaral ay ginagawa sa papel, karton o direkta sa primed surface ng canvas na may lapis, uling, ngunit pinakamaganda sa lahat gamit ang isang brush, na may isang pintura.

Sa gawain ng aming mga masters ng landscape, ang pag-aaral ay sumasakop at sumasakop sa isang napakahalagang lugar. Ang mga hindi maunahang masters ng sketch painting ay A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I. I. Shishkin, N. K. Roerich, M. V. Nesterov, K. A. Korovin. Sa mga tuntunin ng pagiging kumpleto at nakalarawan na mastery ng pagpapatupad, marami sa kanilang mga pag-aaral ay maaaring ituring na mga gawa ng independiyenteng kahalagahan.

Kapag lumilikha ng mga sketch, karaniwang itinatakda ng mga artista ang kanilang sarili ng ilang mga gawain, nilulutas ang mga ito sa pamamagitan ng iba't ibang mga pamamaraan, depende sa mga indibidwal na katangian ng pintor mismo.

Ang kakilala sa gawain sa mga sketch ng mga indibidwal na pintor ng landscape, ang kanilang mga pamamaraan ng pagsasagawa ng mga gawaing ito, ang mga teknikal na tampok ng pagtatrabaho sa mga ito ay walang alinlangan na interes sa isang bata, baguhan na artist, at makakatulong sa kanya na maiwasan ang maraming mga pagkakamali.

Ang natitirang master ng landscape na si N. K. Roerich ay nagtalaga ng isang malaking lugar upang mag-sketch ng pagpipinta sa kanyang trabaho. Tulad ng nabanggit na, ibinatay ni Roerich ang malikhaing paraan ng paglikha ng isang akda sa malapit, maalalahanin na pagmamasid at patuloy, matalim na pag-aaral ng kalikasan. Nagsisimulang magsulat ng isang sketch, una sa lahat ay itinakda niya ang kanyang sarili ng isang napaka-tiyak na gawain, ang solusyon na hinahangad niya. Ang ideya ng komposisyon ng trabaho, na nagmula sa kaluluwa ng artist bilang isang resulta ng kanyang mga obserbasyon at pag-aaral ng kalikasan, ay naisip niya bago ang simula ng kanyang pagpipinta. Kapag ang komposisyonal na istraktura ng pag-aaral ay napagpasyahan sa isip, kapag ang balangkas ng komposisyon ay natukoy at ang pangunahing coloristic na desisyon ay nakabalangkas, si Roerich ay nagpatuloy sa pag-sketch ng mga guhit, at pagkatapos ay sa pagpipinta.

Sa proseso ng mahabang pag-aaral ng kalikasan, ang sandaling natagpuan ng pintor at paghampas sa kanya ang naging batayan ng impresyon tungkol sa kanya; ang malikhaing kamalayan at naproseso sa isip na impresyon at ang masining na imahe na lumitaw batay dito ay patuloy na napanatili sa memorya habang nagtatrabaho sa sketch.

Alam na lubos na sa sandaling naobserbahan sa kalikasan ay hindi mo na makikita muli, isinulat ni Roerich ang kanyang pag-aaral nang mabilis, sa loob ng ilang oras. Kung hindi man, pagkatapos ng lahat, imposibleng ihatid sa lahat ng orihinal na pagiging bago at kamadalian ng unang impresyon na ito o ang estado ng kalikasan, dahil sa isang araw, at kung minsan sa ilang oras, ito ay magiging ganap na naiiba.

Naniniwala si Roerich na, siyempre, napakahalaga na mailarawan kung ano ang nakikita mo sa kalikasan, ngunit pare-parehong mahalaga na makita kung ano ang gusto mong ilarawan. Ito, ayon kay Roerich, ang pangunahing kalidad ng artista, na binubuo sa katotohanan na ang isang tao ay dapat tumingin sa kalikasan hindi sa walang malasakit na tingin ng isang tagamasid, ngunit sa isang mapagmahal, matalim na tingin, pagpili sa isip at pagpuna sa kung ano ang gusto ng isang tao. Kung hindi ka mamuhunan sa pag-aaral ng kalikasan ang lahat ng simbuyo ng damdamin ng iyong kaluluwa, ang lahat ng pag-ibig para dito, hindi na kailangang ipinta ito.

Sa etude, dapat na makahanap ng simple, tila hindi kumplikadong mga solusyon sa mga gawaing itinakda para sa sarili. Ang mga desisyong ito, parehong komposisyon at sa mga tuntunin ng kulay at pattern, ay dapat na maigsi. Gayunpaman, nangangailangan ito hindi lamang ng karanasan, kundi pati na rin ng isang malakas na paniniwala sa pangunahing layunin na itinakda sa gawaing ito. Ang artist ay dapat na makapag-focus sa paglutas at pagkamit ng layuning ito, sa pangunahing bagay, at hindi sa pangalawa, gamit ang lahat ng kanyang mga posibilidad sa komposisyon at pagpipinta. Konsentrasyon, kalmado, ang kakayahang makita at i-highlight ang pangunahing bagay, bilis at katumpakan sa trabaho - ito ang susi sa tagumpay sa paglikha ng isang etude.

Kinakailangang isulat ito, na nakalkula ang iyong mga lakas at kakayahan, na tinutukoy nang may mas malaki o mas kaunting katumpakan kung gaano katagal ang estado ng kalikasan, na kinagigiliwan ng artist, ay magtatagal. Kung hindi ginagawa ito, madaling mahulog sa pagkakamali - pagkatapos ng lahat, ang pag-iilaw ay nagbabago sa lahat ng oras. Maaari rin itong mangyari tulad nito: nagsimula kang magpinta ng sketch sa ilalim ng ilang mga kundisyon, halimbawa, pininturahan mo ang lupa - ang araw ay nasa kaliwa, pagkatapos ay lumipat ka sa pagpipinta sa kalangitan, at ang araw ay tumawid na sa kabilang panig, na hindi mo napansin at naging hindi kapani-paniwala. Imposibleng magsulat ng isang sketch para sa isang labis na mahabang panahon - ang unang impression ng kalikasan ay mapurol, ang artist ay napapagod, unti-unting nawawala ang pagiging bago at talas ng pang-unawa.

Ang mga sketch ni Roerich ay palaging humanga sa kanilang orihinal na komposisyon, na tumutulong upang ipakita ang natatanging pagka-orihinal ng kalikasan na may pambihirang kapunuan.

Ang hindi maliit na kahalagahan para sa matagumpay na gawain ng artist ay ang laki ng pag-aaral. Samakatuwid, napakahalaga, na isinasaalang-alang ang mga lakas at kakayahan ng isang tao, na pumili para sa mga sketch ng laki ng canvas na pinaka magaan at maginhawa para sa trabaho sa medyo maikling panahon at sa parehong oras ay ginagawang posible upang makamit ang pagkakumpleto ng trabaho. Karaniwang ginagamit ni Roerich ang karton na may sukat na 35.5x45.8 cm; para sa mga sketch, gumamit siya ng mas maliit na karton.

Sa mga sketch, si Roerich, bilang panuntunan, ay kinuha ang mga tono ng mga pintura na hindi buong lakas, ngunit medyo mas pinigilan kaysa sa aktwal na mga ito, at hindi ganap na ginamit ang buong hanay ng kanyang palette. Sa paggawa nito, isinasaalang-alang ng artist: kung agad kang kumuha ng mga sonorous, matinding tono, kung gayon kapag kailangan mong mag-apply ng isang color strike, lumalabas na ang buong saklaw ay nagamit na at wala nang magagawa.

Habang nagtatrabaho sa pag-aaral, nilimitahan ni Roerich ang kanyang palette, hindi pinupunan ito ng labis na mga kulay, tama ang paniniwala na ang labis ay palaging humahantong sa malaking kahirapan sa pagsasama-sama ng kulay gamut sa isang solong kabuuan at inaalis ang katotohanan sa paglipat ng mga relasyon sa kulay na sinusunod sa kalikasan.

Sa mga sketch ni Roerich, na may napakatalino na kasanayan, ang epekto ng pagsasama-sama ng tila hindi magkatugma na mga tono sa isa't isa, na bumubuo ng panloob na pagkakaisa, at ang espesyal na pagiging simple at tapang na likas sa artist sa mga kaibahan ng kulay ay nakakamit. Ang mga skillfully found juxtapositions ng light and dark tones, bright at dull-sounding, ay nagbibigay sa kanyang pagpipinta ng kakaibang ningning. Ang mga makukulay na tono nito ay tila napupuno at nababalot ng liwanag. Ang ningning ng kulay ay isa sa mga kamangha-manghang katangian ni Roerich na pintor, na nagmumula sa isang matalim na pag-aaral at pagmamasid sa kalikasan.

Si V. N. Baksheev ay nagtalaga ng maraming pansin at oras upang magtrabaho sa mga sketch. Ang bawat isa sa kanyang mga pintura ay pininturahan ayon sa mga sketch. Nasa kanila na, sinubukan ng artista na hanapin ang pinaka katangian ng napiling paksa, na nakamit hindi lamang ang panlabas na pagkakahawig sa kalikasan, kundi pati na rin ang panloob na kapunuan. Siyempre, tinulungan siya ng Etudes sa paglikha ng malalaking canvases - pinag-aralan niya ang anyo, kulay, liwanag. Gayunpaman, ang artista ay hindi kailanman walang isip na kinopya mula sa isang sketch, na naniniwala na ang pagtatrabaho sa isang pagpipinta ay isang malikhaing proseso kung saan ipinapahayag mo ang panloob na buhay, sikolohiya.

Narito ang sinabi ni Baksheev sa isa sa kanyang mga pag-uusap sa may-akda ng aklat na ito tungkol sa mga kinakailangan para sa isang etude: " Una sa lahat, ang mga sketch ay dapat na mahigpit na iguguhit at totoo sa mga kulay. Kailangan mong pag-aralan nang mabuti ang kalikasan. Mahalagang malaman muna ang lahat: mga proporsyon, mga relasyon sa kulay, liwanag at mga anino, at pagkatapos lamang na magpatuloy sa pagpipinta. At pagkatapos, kapag nagsimula kang magtrabaho sa mga pintura, kumbinsihin ang iyong sarili na ito ang iyong pinakamahusay na bagay, na isusulat mo ito nang maayos; itakda ito at pagkatapos ay magsimula! Pinayuhan ako ni Polenov na maglagay muna ng maliwanag, tiyak na mga tono sa canvas, pagkatapos ay ang pinakamadilim at pinakamaliwanag; ihambing ang mga halftone parehong may kaugnayan sa liwanag at madilim, at may kaugnayan sa mainit at malamig. Kinakailangang magsulat nang walang underpainting, sa mga bahagi at, kung maaari, sa buong puwersa ng kulay. Ang etude ay dapat na maayos, ginawa nang detalyado ... Hindi ka rin maaaring magsulat nang mas mahusay kaysa sa likas na katangian, kung hindi, ito ay lalabas na mali» .

Si Baksheev ay gumugol ng iba't ibang oras sa mga sketch: pinamamahalaang niyang isulat ang ilan sa mga ito upang makumpleto ang pagkumpleto sa araw, nakumpleto niya ang iba sa mas mahabang panahon. Sa bahay, hindi siya gumawa ng anumang mga pagwawasto at pagwawasto, dahil, bilang isang patakaran, ang pagpipinta ay naging mali mula dito.

Seryosong nakikibahagi sa pagpipinta ng etude na si SV Malyutin. Ang kanyang mga sketch ay maaaring nahahati sa dalawang uri. Mahaba ang ilan: nilikha ang mga ito sa kalikasan, na may maingat na pag-aaral ng mga form sa loob ng dalawa hanggang apat na oras, at inilaan pangunahin para sa mga gawa sa genre. Kasama sa pangalawang uri ang 15-20 minutong etudes-blotches, na ginawa ng artist sa lokasyon sa kanyang madalas na paglalakbay sa rehiyon ng Moscow, sa Hilaga ng Russia, sa Crimea at iba pang mga lugar sa ating bansa. Sa mga pag-aaral na ito ng mga karaniwang sukat (9x15 cm), na ginawa sa mga plato ng tatlong-layer, mahusay na tuyo at napapanahong playwud, hinabol ni Malyutin ang dalawang beses na layunin. Para sa kanya, ito ay, una, isang patuloy na pagsasanay ng mata at kamay sa kalikasan, at pangalawa, sa etudes, natagpuan ng artist ang kulay at tonal na relasyon na kailangan niya.

M. V. Nesterov ay napaka-matulungin sa pagpipinta ng etude. Sa kanyang mga sketch, makikita natin ang isang pinag-isipang paraan ng pagganap na ganap na tumutugma sa kanyang saloobin sa ganitong uri ng pagkamalikhain. Sinabi ni Nesterov sa kanyang mga mag-aaral: Ang Etude ay isang seryosong bagay! Ang mga sketch ay dapat na maingat na isulat. Hindi sila dapat basta-basta, ngunit pinag-isipang mabuti nang maaga, natagpuan at ganap na naaayon sa malikhaing layunin ng artist. Kung nagsisinungaling ka sa sketch, magkakaroon ng higit pang mga kasinungalingan sa larawan» .

Ang salitang "etude" ay isang eksaktong transkripsyon ng Ruso ng terminong Pranses na "étude", na sa pagsasalin mula sa wikang ito ay nangangahulugang "pagsasanay" o "pananaliksik". Ang salitang ito sa Russian ay may maraming iba't ibang kahulugan mula sa bawat isa, at ang mga ito ay pangunahing nakatuon sa larangan ng sining. Gayunpaman, ang imprint ng orihinal na kahulugan ng orihinal na Pranses ay kapansin-pansin sa bawat kahulugan ng salita.

Pag-aaral sa pagpipinta

Sa larangan ng pagpipinta, ang salitang "pag-aaral" ay mayroon ding karagdagang kahulugan, na higit na nauugnay sa orihinal na kahulugan ng orihinal na Pranses. Kaya, kung minsan ang isang pag-aaral ay nauunawaan bilang isang sesyon ng pagsasanay, ang layunin nito ay lumikha ng isang artistikong sketch para sa isang pagpipinta sa hinaharap.

Pag-aaral sa musika at teatro

Ang salitang "etude" ay may katulad na kahulugan sa theatrical environment: ito ay isang maliit na produksyon kung saan limitado ang bilang ng mga aktor ang dapat na lumahok, at ginagamit upang bumuo ng acting technique. Kasabay nito, ang isang etude sa theatrical na kapaligiran ay kadalasang kinabibilangan ng isang makabuluhang bahagi batay sa improvisasyon, na ginagawang posible upang mapabuti ang pag-arte ng mga aktor.

Mag-aral sa chess

Ang proseso ng pagkamalikhain at ang resulta ay malapit na nauugnay sa pananaw sa mundo ng artist. Ang kanyang mga saloobin, damdamin, pantasya, kasanayan, saloobin sa inilalarawan ay nakikilahok sa larawan na kanyang nilikha. Ang artista ay palaging naghahanap ng pinaka-nagpapahayag na solusyon sa kanyang ideya, pinag-iisipan ang balangkas, ang komposisyon. Ang mga imahe na lumitaw sa kanyang imahinasyon ay may layunin na pinagmulan, ay ipinanganak ng mga nakikitang katangian ng katotohanan at may sariling mga tiyak na anyo. Samakatuwid, ang pintor, na naglalaman ng kanyang ideya, ay tumutukoy sa mga katangian ng mga bagay at phenomena na nakikita niya sa paningin. Kung mayroong visual authenticity ng imahe na inilalarawan, posible na ipahayag ang ilang mga damdamin, mga saloobin, upang magdulot ng mga naaangkop na karanasan sa manonood, na ang mga nauugnay na representasyon ay nauugnay sa layunin ng mundo. Sa magandang tanawin, makikita ng manonood hindi lamang ang mga materyal na bagay, kundi pati na rin ang natural na paglalaro ng liwanag at kulay, ang kulay-pilak na kinang ng hamog o paglalaro ng mga kulay sa kalangitan ng umaga. Ang ganitong imahe ay nagbubunga ng mga nakalimutang impresyon sa memorya, nagpapagana ng imahinasyon, nagpapakilos ng mga kaisipan at damdaming nauugnay sa mga nakaraang karanasan, sa nakaraang karanasan. Ang emosyonal at aesthetic na epekto ng mga pagpipinta ay konektado sa mga kakaibang ito ng associative perception.

Hindi dapat isipin na ang may-akda ng larawan, na nagsusumikap na makamit ang visual na pagiging tunay ng pagpipinta, ay dapat na mekanikal na kopyahin ang hitsura ng inilalarawan. Ang gawaing pang-edukasyon ay pangunahing nailalarawan sa pamamagitan ng katalusan, malalim at komprehensibong pag-aaral ng kalikasan. Kadalasan, ang mga sketch na pang-edukasyon ay masyadong "tuyo", "fractional", "protocol", katulad ng bawat isa hindi lamang sa mga balangkas at pampakay na termino, kundi pati na rin sa teknikal na pagpapatupad. Ang lahat ng ito ay medyo natural, at ang "pagkatuyo", pagkamahiyain ng gawaing pang-akademiko ay hindi maituturing na mga palatandaan ng kahinaan nito o ang kakulangan ng may-akda ng malikhaing talento.

Kasabay nito, ang malayang saloobin ng mag-aaral sa mga gawain ng etude, ang isang tiyak na "pagkamatapang" ay hindi mga palatandaan ng pagkamalikhain, tulad ng kung minsan ay pinaniniwalaan. Ang mga gawaing pang-edukasyon ay hindi sapat na emosyonal, sariwa at orihinal, dahil ang mga ito ay hindi perpekto sa sining, dahil ang mga mag-aaral ay wala pang karanasan, kasanayan, hindi alam ang buong iba't ibang paraan para sa paglutas ng isang problemang pang-edukasyon o paglalagay ng isang ideya. Ang libreng creative mastery ng kalikasan at mga batas nito, pati na rin ang teknikal na pagiging perpekto, ay darating lamang sa karanasan.

Pinag-uusapan natin ang katotohanan na sa gawaing pang-edukasyon ang nakatakdang mga gawaing pang-edukasyon at pang-edukasyon ay pare-pareho at malinaw na nalutas at, kasabay nito, ang mga mag-aaral ay pinalaki at nabuo ang mga malikhaing talento.

Pangunahing bahagi

Ang kakayahang makita at maihatid ang mga three-dimensional na hugis at kulay ng mga bagay sa isang eroplano ay ang kakanyahan ng pagpipinta. Ang diploma na ito ay nakuha pangunahin sa mga pagsasanay mula sa kalikasan. Kung mas nagpinta ang artist ng mga sketch mula sa kalikasan, nagiging mas matalas ang kanyang pakiramdam ng kulay, pagkakatugma ng mga kulay at ritmo ng mga linya. Bilang isang resulta ng patuloy na pagsasanay sa paglalarawan ng mga buhay na buhay, mga tanawin, ang ulo at pigura ng isang tao mula sa kalikasan, nabubuo ang pagmamasid, ang kakayahang bigyang-diin ang mahalaga, itapon ang pangalawa, ipahayag ang sariling damdamin na dulot ng kagandahan ng nakapaligid na kalikasan, ang nabubuo ang pagkakaiba-iba ng buhay.

Ang landas sa mastery ay nagsisimula sa pag-aaral ng mga teoretikal na pundasyon ng pagpipinta at ang sistematikong pagpapatupad ng mga praktikal na pagsasanay. Kung walang kaalaman sa mga batas ng pagpipinta, ang praktikal na gawain ng mga mag-aaral ay bulag at ang propesyonal na pagpapabuti ay bumabagal.

Ang paglalarawan ay, una sa lahat, pangangatwiran. Kapag nagsimula kang magpinta, kailangan mong pag-isipang mabuti ang iyong gawain, malinaw na tukuyin ang iyong layunin.

Maging si Leonardo da Vinci ay nagsabi na “ang mga umiibig sa pagsasanay nang walang agham ay parang mga manliligaw na naglalayag na walang timon at kumpas, dahil hindi nila matiyak kung saan sila pupunta. Ang pagsasanay ay dapat palaging binuo sa mabuting teorya, at kung wala ito walang magagawa nang maayos sa mga kaso ng pagpipinta."