Ang pinakasikat na mga painting sa mundo. Ang pinakatanyag at makabuluhang mga pagpipinta ng mundo para sa kasaysayan ng sining na "Ang Huling Paghuhukom", Hieronymus Bosch

Si Leonardo di Ser Piero da Vinci (Abril 15, 1452 - Mayo 2, 1519) ay isang sikat na Italyano na pintor, arkitekto, pilosopo, musikero, manunulat, explorer, mathematician, inhinyero, anatomist, imbentor at geologist. Kilala siya sa kanyang mga pagpipinta, na ang pinakasikat ay ang "The Last Supper" at "Mona Lisa," pati na rin ang maraming imbensyon na nauna pa sa kanilang panahon, ngunit nanatili lamang sa papel. Bilang karagdagan, gumawa si Leonardo da Vinci ng mahahalagang kontribusyon sa pag-unlad ng anatomy, astronomy at teknolohiya.

Si Raphael Santi (Marso 28, 1483 - Abril 6, 1520) ay isang mahusay na Italyano na artista at arkitekto na aktibo sa panahon ng Renaissance, na sumasaklaw sa panahon mula sa huling bahagi ng ika-15 hanggang sa mga unang taon ng ika-16 na siglo. Ayon sa kaugalian, si Raphael ay itinuturing na isa sa tatlong dakilang masters ng panahong ito, kasama sina Michelangelo at Leonardo da Vinci. Marami sa kanyang mga gawa ay nasa Apostolic Palace sa Vatican, sa isang silid na tinatawag na Raphael's Stanzas. Sa iba pa, ang kanyang pinakatanyag na gawa, "The School of Athens," ay matatagpuan dito.

Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (Hunyo 6, 1599 - Agosto 6, 1660) - Pintor ng Espanyol, pintor ng portrait, pintor ng korte ni Haring Philip IV, ang pinakadakilang kinatawan ng ginintuang panahon ng pagpipinta ng Espanyol. Bilang karagdagan sa maraming mga pagpipinta na naglalarawan ng mga makasaysayang at kultural na mga eksena mula sa nakaraan, nagpinta siya ng maraming mga larawan ng maharlikang pamilya ng Espanya, pati na rin ang iba pang sikat na mga pigura sa Europa. Ang pinakatanyag na gawa ni Velázquez ay itinuturing na pagpipinta na "Las Meninas" (o "Ang Pamilya ni Philip IV") mula 1656, na matatagpuan sa Prado Museum sa Madrid.

Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso (Oktubre 25, 1881 - Abril 8, 1973) - sikat na artista sa buong mundo at iskultor ng Espanyol, tagapagtatag ng kilusan sa pinong sining - cubism . Itinuturing na isa sa mga pinakadakilang artista na nakaimpluwensya sa pag-unlad ng pinong sining noong ika-20 siglo. Kinilala siya ng mga eksperto bilang ang pinakamahusay na artista na nabuhay sa nakalipas na 100 taon, pati na rin ang pinaka "mahal" sa mundo. Sa kanyang buhay, lumikha si Picasso ng halos 20 libong mga gawa (ayon sa iba pang mga mapagkukunan, 80 libo).

Si Vincent Willem van Gogh (Marso 30, 1853 - Hulyo 29, 1890) ay isang sikat na Dutch artist na nakakuha ng katanyagan pagkatapos lamang ng kanyang kamatayan. Ayon sa maraming mga eksperto, si Van Gogh ay isa sa mga pinakadakilang artista sa kasaysayan ng European art, pati na rin ang isa sa mga pinakakilalang kinatawan ng post-impressionism. May-akda ng higit sa 2,100 mga gawa ng sining, kabilang ang 870 mga kuwadro na gawa, 1 libong mga guhit at 133 sketch. Ang kanyang maraming self-portraits, landscape at portrait ay kabilang sa mga pinakakilala at mamahaling gawa ng sining sa mundo. Ang pinakatanyag na gawa ni Vincent Van Gogh ay marahil ay itinuturing na isang serye ng mga kuwadro na tinatawag na "Sunflowers".

Si Michelangelo Buonarroti (Marso 6, 1475 - Pebrero 18, 1564) ay isang sikat na Italyano na iskultor, pintor, arkitekto, makata at palaisip na nag-iwan ng hindi mabuburang imprint sa buong kultura ng mundo. Ang pinakatanyag na gawa ng pintor ay marahil ang mga fresco sa kisame ng Sistine Chapel. Sa kanyang mga eskultura, ang pinakasikat ay ang "Pieta" ("Panahoy ni Kristo") at "David". Kabilang sa mga gawa ng arkitektura - ang disenyo ng simboryo ng St. Peter's Basilica. Kapansin-pansin na si Michelangelo ang naging unang kinatawan ng sining ng Kanlurang Europa na ang talambuhay ay isinulat sa kanyang buhay.

Nasa ika-apat na puwesto sa ranggo ng mga pinakasikat na artista sa mundo si Masaccio (Disyembre 21, 1401-1428), isang mahusay na artistang Italyano na nagkaroon ng malaking impluwensya sa iba pang mga masters. Si Masaccio ay nabuhay ng napakaikling buhay, kaya may kaunting biographical na ebidensya tungkol sa kanya. Apat lamang sa kanyang mga fresco ang nakaligtas, na walang alinlangan na gawa ni Masaccio. Ang iba ay pinaniniwalaang nawasak. Ang pinakatanyag na gawa ni Masaccio ay itinuturing na fresco ng Trinity sa Church of Santa Maria Novella sa Florence, Italy.

Si Peter Paul Rubens (Hunyo 28, 1577 - Mayo 30, 1640) ay isang pintor ng Flemish (South Dutch), isa sa mga pinakadakilang pintor ng panahon ng Baroque, na kilala sa kanyang maluho na istilo. Siya ay itinuturing na pinaka maraming nalalaman na artista sa kanyang panahon. Sa kanyang mga obra, binigyang-diin at isinama ni Rubens ang sigla at senswalidad ng kulay. Nagpinta siya ng maraming larawan, tanawin at makasaysayang mga kuwadro na may mga paksang mitolohiya, relihiyoso at alegoriko. Ang pinakasikat na gawa ni Rubens ay ang triptych na “The Descent from the Cross,” na ipininta sa pagitan ng 1610 at 1614 at nagdulot ng katanyagan sa artist sa buong mundo.

Si Michelangelo Merisi da Caravaggio (Setyembre 29, 1571 - Hulyo 18, 1610) ay isang mahusay na artistang Italyano noong unang bahagi ng panahon ng Baroque, ang nagtatag ng makatotohanang pagpipinta ng Europa noong ika-17 siglo. Sa kanyang mga gawa, mahusay na gumamit si Caravaggio ng mga contrast ng liwanag at anino, na nakatuon sa mga detalye. Madalas niyang ilarawan ang mga ordinaryong Romano, mga tao mula sa mga lansangan at pamilihan sa mga larawan ng mga santo at madonna. Kasama sa mga halimbawa ang "Mateo na Ebanghelista," "Bacchus," "Ang Pagbabalik-loob ni Saul," atbp. Ang isa sa pinakasikat na mga painting ng artist ay ang "The Lute Player" (1595), na tinawag ni Caravaggio na kanyang pinakamatagumpay na piraso ng pagpipinta.

Si Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) ay isang sikat na Dutch na pintor at engraver na itinuturing na pinakadakila at pinakasikat na pintor sa mundo. May-akda ng humigit-kumulang 600 mga kuwadro na gawa, 300 ukit at 2 libong mga guhit. Ang tampok na katangian nito ay ang mahusay na paglalaro na may mga light effect at malalim na anino. Ang pinakatanyag na gawa ni Rembrandt ay itinuturing na apat na metrong pagpipinta na "The Night Watch", na ipininta noong 1642 at ngayon ay itinatago sa Rijksmuseum sa Amsterdam.

Huwebes, Disyembre 08, 2016 11:56 + sa quote book

pahayagang British na The Times gumawa ng rating 200 pinakamahusay na mga artista na nabuhay mula sa simula ng ika-20 siglo hanggang sa kasalukuyan.

Bilang resulta, ayon sa mga mambabasa sa Britanya, unang lugar inookupahan ng dakilang artistang Espanyol Pablo Picasso.

Pangalawang pwesto ibinigay sa post-impressionist Paul Cezanne, ang pangatlo - ang nagtatag ng Austrian Art Nouveau Gustav Klimt. Ang huling linya ay inookupahan ng isang kontemporaryong Japanese artist Hiroshi Sujimoto.

Lumilitaw ang mga Pranses na artista sa nangungunang sampung Claude Monet, Henri Matisse, Marcel Duchamp at Amerikanong artista Jackson Pollock.
Ang nangungunang sampung ay nakumpleto ng alamat ng pop art Andy Warhole, kinatawan ng abstract art Willem de Kooning at sikat na modernista Piet Mondrian.
Imposibleng hindi mapansin ang labis na pagpapahalaga ng ilang mga artista at ang pagwawalang-bahala ng iba, walang gaanong talento. Ang mga editor ng The Times, na nagbubuod ng mga resulta ng survey, ay naguguluhan: “Ano ang ginagawa ni Martin Kippenberger sa nangungunang 20? Bakit mas mataas ang rating niya kaysa kina Rothko, Schiele at Klee? Mas malala ba si Munch (ika-46 na pwesto) kaysa kay Frida Kahlo? Malamang, ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng pagnanais ng mga kababaihan na ilagay ang patas na kasarian bilang mataas hangga't maaari sa ranggo.

Mula sa mga artistang Ruso lalabas sa ranking Basil Kandinsky(ika-15), lumikha ng "Black Square" "Si Casimir Malevich(ika-17). Ang Ukrainian-American artist na si Alexander ay ginawaran ng ika-95 Archipenko. Ika-135 - isa sa mga tagapagtatag ng constructivism Alexander Rodchenko. Kasama rin sa listahan ay Marc Chagall-ika-71, at Vladimir Tatlin- ika-145.

Dito 20 pinakamahusay na artista ng ika-20 siglo, ayon sa mga mahilig sa sining ng British

Dalawampung pinakamahusay na artista ng ika-20 at unang bahagi ng ika-21 siglo

1. Pablo Picasso

2. Paul Cezanne

3. Gustav Klimt

4. Claude Monet

5. Marcel Duchamp

6. Henri Matisse

7. Jackson Pollock

8. Andy Warhol

9. Willem de Kooning

10. Piet Mondrian

11. Paul Gauguin

12. Francis Bacon

13. Robert Rauschenberg

14. Georges Braque

15. Wassily Kandinsky

16. Constantin Brancusi

17. Kazimir Malevich

18. Jasper Johns

19. Frida Kahlo

20. Martin Kippenberger
………………
Oo, kung ang naturang survey ay ginawa dito, ang listahan ay ganap na naiiba. Katulad ng mga listahan ng pinakamahusay na akdang pampanitikan, malaki ang pagkakaiba ng mga ito sa bawat bansa.
Ngunit sa ngayon mayroon lamang kaming listahang ito, kung saan hindi namin kilala ang marami sa mga artista.
Samakatuwid, narito ang isang maikling kuwento tungkol sa unang dalawampung artista.
At ang kumpletong listahan 200 pinakamahusay na artist ng ika-20 at unang bahagi ng ika-21 siglo- sa dulo ng post.
...................
1.Picasso Pablo- Spanish artist, graphic artist

8. Andy Warhol(tunay na pangalan - Andrew Warhola, Rusyn. Andriy Vargola; 1928-1987) - Amerikanong artista at producer, isang kilalang tao sa kasaysayan ng pop art at modernong sining sa pangkalahatan. Nagtatag ng ideolohiyang "homo universale".
Gumawa si Warhol ng ilang mga painting na naging isang sensasyon sa mundo ng sining. Noong 1960, nilikha niya ang disenyo para sa mga lata ng Coca-Cola, na nagdala sa kanya ng katanyagan bilang isang artista na may pambihirang pananaw sa sining. At noong 1960-1962 lumitaw ang isang serye ng mga gawa na naglalarawan ng mga lata ng sabaw ni Campbell.


Warhol isa sa mga unang gumamit ng screen printing at silk-screen printing bilang paraan para sa paglikha ng mga painting.
Gumawa si Warhol ng isang bilang ng mga kuwadro na kung saan inilalarawan niya ang mga idolo ng modernong lipunan. Kabilang sa mga bituin na ipininta ni Andy: paulit-ulit na Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, The Beatles, Michael Jackson, Lenin at iba pa. Ang mga guhit na ito sa maliliwanag na kulay ay naging "calling card" ni Warhol. nililikha ang kapaligiran ng Amerika noong dekada 60.


Ayon sa mga kritiko, ang mga kuwadro na ito ay sumasalamin sa kabastusan ng kultura ng masa ng mamimili at ang kaisipan ng sibilisasyong Kanluranin. Ang Warhol ay itinuturing na isa sa mga kinatawan ng pop art at conceptual art, tulad nina Robert Rauschenberg, Jasper Johns at Roy Lichtenstein. Sa kasalukuyan, ang mga presyo para sa kanyang mga painting ay umaabot sa sampu-sampung milyong dolyar. Ang isang buong subculture ay natipon sa paligid ng pigura ng Warhol.

Noong 2015, ang pagpipinta ay naibenta sa Qatar Museum Authority sa halagang $300 milyon. 287\237\225

12. Francis Bacon-(1909-1992) - English artist- ekspresyonista. Ang pagpipinta ni Bacon ay palaging nagpapahayag, ito ay isang uri ng pag-iyak na naghahatid ng trahedya ng pagkakaroon. Ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa ay ang katawan ng tao - pangit, pinahaba, nakapaloob sa mga geometric na hugis. Ang ilang mga gawa ay kasama sa listahan ng mga pinakamahal na pagpipinta.

Noong Mayo 14, 2008, ang 1976 Landmark ng Canonical 20th Century triptych ni Francis Bacon ay naibenta sa Sotheby's sa halagang $86.3 milyon. Ibinenta ng pamilyang Muy, mga may-ari ng produksyon ng alak ng Château Pétrus, sa bilyonaryo ng Russia na si Roman Abramovich. At ang pintor ay tumanggap ng pamagat ng pinakamahal na post-war artist at nakakuha ng ikatlong lugar sa nangungunang sampung pinakamahal na artista sa mundo sa pangkalahatan, sa likod lamang ng Picasso at Klimt. 180\122\96

13.Robert Rauschenberg(1925, Port Arthur -2008, Captiva Island, Florida) - Amerikanong artista. Isang kinatawan ng abstract expressionism, at pagkatapos ay conceptual art at pop art, sa kanyang mga gawa ay nahilig siya sa collage at readymade techniques, at gumamit ng basura.
Tulad ng iba pang mga kinatawan ng pop art, sinubukan niyang ipahayag ang kanyang pananaw sa mundo sa hindi pangkaraniwang, nakakagulat na mga anyo. Para sa layuning ito, ginamit ang mga canvase, collage, at installation.
Noong unang bahagi ng 50s, dumaan si Rauschenberg sa tatlong yugto ng paglikha ng mga pagpipinta:
"White painting" - ang mga itim na numero at ilang simbolo ay inilalarawan sa isang puting background.
"Itim na pagpipinta" - ang mga scrap ng mga pahayagan ay nakadikit sa canvas, at ang buong bagay ay natatakpan ng itim na enamel.
"Red painting" - abstract paintings sa red tones, partly with stickers made from newspapers, nails, photographs, etc.
Noong 1953, binura ni Rauschenberg ang isang drowing ni Willem de Kooning at ipinakita ito sa ilalim ng pamagat na "Erased De Kooning Drawing," na nagtataas ng mga tanong tungkol sa kalikasan ng sining.

Mula noong kalagitnaan ng 50s, si Rauschenberg ay gumagawa ng mga spatial na bagay na tinatawag niyang "pinagsamang mga kuwadro na gawa," halimbawa:
"Odalisque" (satin pillow, pinalamanan na manok, mga litrato at reproductions)
"Kamang" - isang kama na nabasag ng pintura at inilagay nang patayo...


Noong huling bahagi ng 50s, pinagkadalubhasaan niya ang pamamaraan ng frottage (pagkuskos, ipinakilala sa sining ni Max Ernst) upang ilipat ang mga litrato ng magazine sa papel. Ginamit ito ni Rauschenberg upang lumikha ng isang graphic na serye ng 34 na mga guhit para sa Inferno ni Dante sa istilong pop art. Noong 1962, pinagkadalubhasaan niya ang silk-screen printing technique at lumikha ng maraming malalaking gawa gamit ito. Isa sa mga painting sa seryeng ito " Landas sa Langit» ( Skyway, 1964). Dito, ang mga simbolo ng kulturang pop (halimbawa, mga American astronaut) ay magkatabi sa mga larawan ni Rubens.

Si Rauschenberg ang nagwagi ng maraming parangal, kabilang ang: ang pangunahing premyo sa Venice Biennale, Grammy, US National Medal, Japanese Imperial Prize at iba pa.
Noong 60s at 70s, si Rauschenberg ay kasangkot sa larangan ng performance art, mga pangyayari at iba pang mga theatrical na kaganapan.

1 Pablo Picasso 21587
2 Paul Cézanne 21098
3 Gustav Klimt 20823
4 Claude Monet 20684
5 Marcel Duchamp 20647
6 Henry Matisse 17096
7 Jackson Pollock 17051
8 Andy Warhol 17047
9 Willem de Kooning 17042
10 Piet Mondrian 17028
11 Paul Gauguin 17027
12 Francis Bacon 17018
13 Robert Rauschenberg 16956
14 Georges Braque 16788
15 Wassily Kandinsky 16055
16 Constantin Brancusi 14224
17 Kazimir Malevich 13609
18 Jasper Johns 12988
19 Frida Kahlo 12940
20 Martin Kippenberger 12784
21 Paul Klee
22 Egon Schiele
23 Donald Judd
24 Bruce Nauman
25 Alberto Giacometti
26 Salvador Dali
27 Auguste Rodin
28 Mark Rothko
29 Edward Hopper
30 Lucian Freud
31 Richard Serra
32 Rene Magritte
33 David Hockney
34 Philip Gaston
35 Gery Cartier-Bresson 8779
36 Pierre Bonnard
37 Jean-Michel Basquiat
38 Max Ernst
39 Diane Arbus
40 Georgia O'Keefe
41 Cy Twombly
42 Max Beckmann
43 Barnett Newman
44 Giorgio de Chirico
45 Roy Lichtenstein 7441
46 Edward Munch
47 Pierre August Renoir
48 Man Ray
49 Henry Moore
50 Cindy Sherman
51 Jeff Koons
52 Tracey Emin
53 Damien Hirst
54 Yves Klein
55 Henry Rousseau
56 Chaim Soutine
57 Archil Gorky
58 Amadeo Modigliani
59 Umberto Boccioni
60 Jean Dubuffet
61 Eva Hesse
62 Edward Willard
63 Carl Andre
64 Juan Gris
65 Lucio Fontana
66 Franz Klein
67 David Smith
68 Joseph Beuys
69 Alexander Calder
70 Louise Bourgeois
71 Marc Chagall
72 Gerhard Richter
73 Balthus
74 Joan Miró
75 Ernst Ludwig Kirchner
76 Frank Stella
77 Georg Baselitz
78 Francis Picabia
79 Jenny Saville
80 Dan Flavin
81 Alfred Stieglitz
82 Anselm Kiefer
83 Matthew Bernie
84 Georges Gros
85 Bernd at Hilla Becher
86 Sigmar Polke
87 Bryce Marden
88 Maurizio Catellan
89 Sol LeWitt
90 Chuck Close 2915
91 Edward Weston
92 Joseph Cornell
93 Karel Appel
94 Bridget Riley
95 Alexander Archipenko
96 Anthony Caro
97 Richard Hamilton
98 Clifford Pa rin
99 Luc Tuymans
100 Class Oldenburg
101 Eduardo Luigi Paolozzi
102 Frank Auerbach
103 Dinos at Jake Chapman
104 Marlene Dumas
105 Anton Tapies
106 Giorgio Morandi
107 Walker Evans
108 Nan Goldin
109 Robert Frank
110 Georges Rouault
111 Arp Hans
112 Agosto Nagpadala
113 James Rosenquist
114 Andreas Gursky
115 Eugene Atget
116 Jeff Wall
117 Ellsworth Kelly
118 Bill Brandt
119 Christo at Jean-Claude
120 Howard Hodgkin
121 Josef Albers
122 Piero Manzoni
123 Agnes Martin
124 Anish Kapoor
125 L. S. Lowry
126 Robert Motherwell
127 Robert Delaunay
128 Stuart Davis
129 Ed Ruscha
130 Gilbert at George 2729
131 Stanley Spencer
132 James Ensor
133 Ferdinand Ledger
134 Brassaï (Gyula Halas)
135 Alexander Rodchenko
136 Robert Ryman
137 Ed Reinhardt
138 Hans Bellmer
139 Isa Genzken
140 Kees van Dongen
141 Ouija
142 Paula Rego
143 Thomas Hart Benton
144 Hans Hoffman
145 Vladimir Tatlin
146 Odilon Redon
147 George Segal
148 Jörg Imendorf
149 Robert Smithson
150 Peter Doig 2324
151 Ed at Nancy Kienholz
152 Richard Prince
153 Ansel Adams
154 Naum Gabo 2256
155 Diego Rivera 2239
156 Barbara Hepworth 2237
157 Nicola de Stael 2237
158 Walter de Maria 2229
159 Felix Gonzalez-Torres 2228
160 Giacomo Balla 2225
161 Ben Nicholson 2221
162 Antony Gormley 2218
163 Lionel Feininger 2216
164 Emil Nolde 2213
165 Mark Wallinger 2211
166 Hermann Nietzsch 2209
167 Paul Signac 2209
168 Jean Tigli 2209
169 Kurt Schwitters 2209
170 Grayson Perry 2208
171 Julian Schnabel 2208
172 Raymond Duchamp-Villon 2208
173 Robert Gober 2208
174 Dwayne Hanson 2208
175 Richard Diebenkorn 2207
176 Apex Katz 2207
177 Alighiero Boetti 2206
178 Gaudier-Brzeska Henry 2206
179 Laszlo Moholy-Nagy 2205
180 Jacques-Henri Lartigue 2205
181 Robert Morris 2205
182 Sarah Lucas 2204
183 Jannis Kounellis 2204
184 Chris Barden 2204
185 Otto Dix 2203
186 David Bomberg 2203
187 Fischli at Weiss 2203
188 Augustus John 2203
189 Marsden Hartley 2203
190 Takashi Murakami 2203ratings

Binanggit
Nagustuhan: 5 mga gumagamit

"Ang bawat larawang ipininta nang may damdamin ay, sa esensya, isang larawan ng artista, at hindi ng isang nag-pose para sa kanya" Oscar Wilde

Ano ang kailangan upang maging isang artista? Ang simpleng imitasyon ng isang akda ay hindi maituturing na sining. Ang sining ay isang bagay na nagmumula sa loob. Ang ideya, pagsinta, paghahanap, pagnanasa at kalungkutan ng may-akda, na nakapaloob sa canvas ng artist. Sa buong kasaysayan ng sangkatauhan, daan-daang libo, at marahil milyon-milyong mga pintura ang naipinta. Ang ilan sa kanila ay tunay na obra maestra, kilala sa buong mundo, kahit na ang mga taong walang kinalaman sa sining ay kilala sila. Posible bang tukuyin ang 25 na pinakanamumukod-tangi sa mga naturang painting? Ang gawain ay napakahirap, ngunit sinubukan namin...

✰ ✰ ✰

"Ang Pagtitiyaga ng Memorya", Salvador Dali

Salamat sa pagpipinta na ito, naging sikat si Dali sa medyo murang edad, siya ay 28 taong gulang. Ang pagpipinta ay may ilang iba pang mga pamagat - "Soft Hours", "Hardness of Memory". Ang obra maestra na ito ay nakakuha ng atensyon ng maraming kritiko sa sining. Talaga, interesado sila sa interpretasyon ng pagpipinta. Sinasabi na ang ideya sa likod ng pagpipinta ni Dali ay nauugnay sa teorya ng relativity ni Einstein.

✰ ✰ ✰

"Sayaw", Henri Matisse

Si Henri Matisse ay hindi palaging isang artista. Natuklasan niya ang kanyang pagmamahal sa pagpipinta pagkatapos tumanggap ng isang degree sa batas sa Paris. Nag-aral siya ng sining nang masigasig na naging isa sa mga pinakadakilang artista sa mundo. Ang pagpipinta na ito ay may napakakaunting negatibong kritisismo mula sa mga kritiko ng sining. Sinasalamin nito ang kumbinasyon ng mga paganong ritwal, sayaw at musika. Sumasayaw ang mga tao sa kawalan ng ulirat. Tatlong kulay - berde, asul at pula, ay sumisimbolo sa Earth, Sky at Humanity.

✰ ✰ ✰

"Ang Halik", Gustav Klimt

Si Gustav Klimt ay madalas na pinupuna dahil sa kahubaran sa kanyang mga ipininta. Ang "The Kiss" ay napansin ng mga kritiko habang pinagsama nito ang lahat ng anyo ng sining. Ang pagpipinta ay maaaring isang paglalarawan ng mismong pintor at ng kanyang kasintahan, si Emilia. Ipininta ni Klimt ang pagpipinta na ito sa ilalim ng impluwensya ng Byzantine mosaic. Ginamit ng mga Byzantine ang ginto sa kanilang mga pagpipinta. Gayundin, pinaghalo ni Gustav Klimt ang ginto sa kanyang mga pintura upang lumikha ng kanyang sariling istilo ng pagpipinta.

✰ ✰ ✰

"Sleeping Gypsy", Henri Rousseau

Walang sinuman maliban kay Rousseau ang makapaglalarawan ng larawang ito nang mas mahusay. Narito ang kanyang paglalarawan - "isang nomadic gypsy na kumakanta ng kanyang mga kanta sa saliw ng isang mandolin, natutulog sa lupa mula sa pagod, ang kanyang pitsel ng inuming tubig ay nasa malapit. Isang leon na dumaan ang lumapit sa kanya upang singhutin siya, ngunit hindi siya hinawakan. Ang lahat ay naliligo sa liwanag ng buwan, isang napaka-makatang kapaligiran." Kapansin-pansin na si Henri Rousseau ay itinuro sa sarili.

✰ ✰ ✰

"Ang Huling Paghuhukom", Hieronymus Bosch

Nang walang karagdagang ado, ang larawan ay napakaganda. Ang triptych na ito ay ang pinakamalaking nakaligtas na pagpipinta ng Bosch. Ang kaliwang pakpak ay nagpapakita ng kuwento nina Adan at Eba. Ang gitnang bahagi ay ang "huling paghatol" sa bahagi ni Hesus - kung sino ang dapat pumunta sa langit at kung sino ang dapat pumunta sa impiyerno. Nasusunog ang lupang nakikita natin dito. Ang kanang pakpak ay naglalarawan ng isang kasuklam-suklam na larawan ng impiyerno.

✰ ✰ ✰

Ang lahat ay pamilyar kay Narcissus mula sa mitolohiyang Griyego - isang lalaking nahuhumaling sa kanyang hitsura. Sinulat ni Dali ang sarili niyang interpretasyon kay Narcissus.

Ito ang kwento. Ang magandang binata na si Narcissus ay madaling sinira ang puso ng maraming babae. Ang mga diyos ay namagitan at, upang parusahan siya, ipinakita sa kanya ang kanyang pagmuni-muni sa tubig. Ang narcissist ay umibig sa kanyang sarili at kalaunan ay namatay dahil hindi niya nagawang yakapin ang kanyang sarili. Pagkatapos ay pinagsisihan ng mga Diyos ang paggawa nito sa kanya at nagpasya na i-immortalize siya sa anyo ng isang bulaklak na narcissus.

Sa kaliwang bahagi ng larawan ay si Narcissus na nakatingin sa kanyang repleksyon. Pagkatapos ay nahulog siya sa kanyang sarili. Ipinapakita ng kanang panel ang mga kaganapang naganap pagkatapos, kasama ang nagresultang bulaklak, ang daffodil.

✰ ✰ ✰

Ang balangkas ng pelikula ay batay sa biblikal na masaker sa mga sanggol sa Bethlehem. Matapos ang kapanganakan ni Kristo ay nakilala mula sa mga pantas, iniutos ni Haring Herodes na patayin ang lahat ng maliliit na bata at mga sanggol sa Bethlehem. Sa larawan, ang masaker ay nasa tuktok nito, ang huling ilang mga bata, na kinuha mula sa kanilang mga ina, ay naghihintay sa kanilang walang awa na kamatayan. Nakikita rin ang mga bangkay ng mga bata, kung saan nasa likod na nila ang lahat.

Dahil sa kanyang paggamit ng mayayamang kulay, ang pagpipinta ni Rubens ay naging isang tanyag na obra maestra.

✰ ✰ ✰

Ang gawa ni Pollock ay ibang-iba sa ibang mga artista. Inilagay niya ang kanyang canvas sa lupa at nagpalipat-lipat sa canvas, tumutulo ang pintura mula sa itaas papunta sa canvas gamit ang mga stick, brush at syringe. Salamat sa kakaibang pamamaraan na ito, binansagan siyang "Sprinkler Jack" sa mga artistikong lupon. Sa loob ng ilang panahon, ang pagpipinta na ito ay nagtataglay ng pamagat ng pinakamahal na pagpipinta sa mundo.

✰ ✰ ✰

Kilala rin bilang "Pagsasayaw sa Le Moulin de la Galette". Ang pagpipinta na ito ay itinuturing na isa sa pinakamasayang mga painting ni Renoir. Ang ideya ng pelikula ay upang ipakita sa mga manonood ang masayang bahagi ng buhay Parisian. Sa mas malapit na pagsusuri sa pagpipinta, makikita mo na inilagay ni Renoir ang ilan sa kanyang mga kaibigan sa canvas. Dahil medyo malabo ang painting, una itong pinuna ng mga kasabayan ni Renoir.

✰ ✰ ✰

Ang balangkas ay kinuha mula sa Bibliya. Ang pagpipinta na "The Last Supper" ay naglalarawan sa huling hapunan ni Kristo bago siya arestuhin. Kakausap lang niya sa kaniyang mga apostol at sinabi sa kanila na isa sa kanila ang magkakanulo sa kaniya. Ang lahat ng mga apostol ay nalulungkot at sinabi sa kanya na ito ay, siyempre, hindi sila. Ito ang sandaling ito na magandang inilarawan ni Da Vinci sa pamamagitan ng kanyang matingkad na paglalarawan. Ang dakilang Leonardo ay tumagal ng apat na taon upang makumpleto ang pagpipinta na ito.

✰ ✰ ✰

Ang "Water Lilies" ni Monet ay matatagpuan sa lahat ng dako. Malamang na nakita mo na sila sa wallpaper, poster, at pabalat ng art magazine. Ang katotohanan ay nahumaling si Monet sa mga liryo. Bago niya simulan ang pagpipinta ng mga ito, pinarami niya ang hindi mabilang na bilang ng mga bulaklak na ito. Nagtayo si Monet ng isang Japanese-style na tulay sa kanyang hardin sa ibabaw ng lily pond. Tuwang-tuwa siya sa kanyang naabot kaya labing pitong beses niyang iginuhit ang plot na ito sa loob ng isang taon.

✰ ✰ ✰

May isang bagay na masama at misteryoso sa larawang ito; may aura ng takot sa paligid nito. Tanging ang master na tulad ni Munch ang nakapaglarawan ng takot sa papel. Gumawa si Munch ng apat na bersyon ng The Scream sa langis at pastel. Ayon sa mga entry sa diary ni Munch, malinaw na siya mismo ay naniniwala sa kamatayan at mga espiritu. Sa pagpipinta na "The Scream," inilarawan niya ang kanyang sarili sa sandaling isang araw, habang naglalakad kasama ang mga kaibigan, nakaramdam siya ng takot at kaguluhan, na nais niyang ipinta.

✰ ✰ ✰

Ang pagpipinta, na karaniwang binabanggit bilang simbolo ng pagiging ina, ay hindi dapat maging isa. Hindi umano sumipot ang modelo ni Whistler, na uupo sana para sa pagpipinta, at nagpasya siyang ipinta ang kanyang ina. Masasabi nating ang malungkot na buhay ng ina ng artista ay inilalarawan dito. Ang mood na ito ay dahil sa mga madilim na kulay na ginagamit sa pagpipinta na ito.

✰ ✰ ✰

Nakilala ni Picasso si Dora Maar sa Paris. Sinabi nila na mas malapit siya kay Picasso kaysa sa lahat ng kanyang mga naunang mistresses. Gamit ang Cubism, nagawang ihatid ni Picasso ang paggalaw sa kanyang trabaho. Tila lumingon ang mukha ni Maar sa kanan, patungo sa mukha ni Picasso. Ginawa ng artista ang presensya ng babae na halos totoo. Siguro gusto niyang maramdaman na nandiyan siya palagi.

✰ ✰ ✰

Isinulat ni Van Gogh ang Starry Night habang sumasailalim sa paggamot, kung saan pinapayagan lamang siyang magpinta habang bumuti ang kanyang kondisyon. Mas maaga sa parehong taon, pinutol niya ang kanyang kaliwang earlobe. Itinuring ng marami na baliw ang artista. Sa buong koleksyon ng mga gawa ni Van Gogh, ang Starry Night ang pinakasikat, marahil dahil sa hindi pangkaraniwang spherical na liwanag sa paligid ng mga bituin.

✰ ✰ ✰

Sa pagpipinta na ito, muling nilikha ni Manet ang Venus ng Urbino ni Titian. Ang artista ay may masamang reputasyon para sa paglalarawan ng mga patutot. Bagaman ang mga ginoo noong panahong iyon ay madalas na bumisita sa mga courtesan, hindi nila naisip na sinuman ang kukuha sa kanilang mga ulo upang ipinta sila. Noon, mas mainam para sa mga artista na magpinta ng mga larawan sa makasaysayang, mito o biblikal na mga tema. Gayunpaman, si Manet, laban sa pagpuna, ay ipinakita sa madla ang kanilang kontemporaryo.

✰ ✰ ✰

Ang pagpipinta na ito ay isang makasaysayang canvas na naglalarawan sa pananakop ni Napoleon sa Espanya.

Ang pagkakaroon ng isang order para sa mga pagpipinta na naglalarawan sa pakikibaka ng mga tao ng Espanya laban kay Napoleon, ang artista ay hindi nagpinta ng mga kabayanihan at kalunus-lunos na mga canvases. Pinili niya ang sandali nang ang mga rebeldeng Espanyol ay binaril ng mga sundalong Pranses. Nararanasan ng bawat Kastila ang sandaling ito sa kanilang sariling paraan, ang ilan ay nagbitiw na sa kanilang mga sarili, ngunit para sa iba ang pangunahing labanan ay dumating na. Digmaan, dugo at kamatayan, iyon talaga ang inilalarawan ni Goya.

✰ ✰ ✰

Ang babaeng inilalarawan ay pinaniniwalaang panganay na anak ni Vermeer, si Mary. Ang mga tampok nito ay naroroon sa marami sa kanyang mga gawa, ngunit mahirap ihambing ang mga ito. Isang aklat na may parehong pamagat ang isinulat ni Tracy Chevalier. Ngunit may ganap na kakaibang bersyon si Tracy kung sino ang inilalarawan sa larawang ito. Sinabi niya na kinuha niya ang paksang ito dahil napakakaunting impormasyon tungkol kay Vermeer at sa kanyang mga kuwadro na gawa, at ang partikular na pagpipinta na ito ay nagpapakita ng isang misteryosong kapaligiran. Nang maglaon, isang pelikula ang ginawa batay sa kanyang nobela.

✰ ✰ ✰

Ang eksaktong pamagat ng pagpipinta ay "Pagganap ng Rifle Company ni Kapitan Frans Banning Cock at Tenyente Willem van Ruytenburg." Ang Rifle Society ay isang sibilyang milisya na tinawag upang ipagtanggol ang lungsod. Bilang karagdagan sa milisya, nagdagdag si Rembrandt ng ilang dagdag na tao sa komposisyon. Kung isasaalang-alang na bumili siya ng isang mamahaling bahay habang pinipintura ang larawang ito, maaaring totoo na nakatanggap siya ng malaking bayad para sa The Night's Watch.

✰ ✰ ✰

Bagama't ang pagpipinta ay naglalaman ng imahe ni Velázquez mismo, hindi ito isang self-portrait. Ang pangunahing karakter ng canvas ay si Infanta Margarita, anak ni Haring Philip IV. Inilalarawan nito ang sandali nang si Velazquez, na gumagawa ng larawan ng hari at reyna, ay napilitang huminto at tumingin sa Infanta Margarita, na kakapasok lang sa silid kasama ang kanyang mga kasama. Ang pagpipinta ay mukhang halos buhay, na pumukaw ng kuryusidad sa madla.

✰ ✰ ✰

Ito ang tanging pagpipinta ni Bruegel na ipininta sa langis kaysa sa tempera. Mayroon pa ring mga pagdududa tungkol sa pagiging tunay ng pagpipinta, pangunahin sa dalawang kadahilanan. Una, hindi siya nagpinta sa mga langis, at pangalawa, ipinakita ng kamakailang pananaliksik na sa ilalim ng layer ng pagpipinta mayroong isang eskematiko na pagguhit ng mahinang kalidad na hindi kabilang sa Bruegel.

Inilalarawan ng pagpipinta ang kuwento ni Icarus at ang sandali ng kanyang pagkahulog. Ayon sa alamat, ang mga balahibo ni Icarus ay nakakabit sa waks, at dahil si Icarus ay tumaas nang napakalapit sa araw, ang waks ay natunaw at siya ay nahulog sa tubig. Ang tanawin na ito ay nagbigay inspirasyon kay W. H. Auden na isulat ang kanyang pinakatanyag na tula sa parehong paksa.

✰ ✰ ✰

Ang School of Athens ay marahil ang pinakasikat na fresco ng Italian Renaissance artist, si Raphael.

Sa fresco na ito sa School of Athens, lahat ng magagaling na matematiko, pilosopo at siyentipiko ay nagtipon sa iisang bubong, nagbabahagi ng kanilang mga teorya at natututo sa isa't isa. Ang lahat ng mga bayani ay nabuhay sa iba't ibang panahon, ngunit inilagay silang lahat ni Raphael sa isang silid. Ilan sa mga pigura ay sina Aristotle, Plato, Pythagoras at Ptolemy. Ang isang mas malapit na pagtingin ay nagpapakita na ang pagpipinta na ito ay naglalaman din ng isang self-portrait ni Raphael mismo. Ang bawat artista ay nais na mag-iwan ng kanilang marka, ang pagkakaiba lamang ay ang anyo. Bagaman marahil ay itinuturing niya ang kanyang sarili na isa sa mga dakilang pigura?

✰ ✰ ✰

Hindi kailanman itinuring ni Michelangelo ang kanyang sarili na isang artista, palagi niyang iniisip ang kanyang sarili bilang isang iskultor. Ngunit, nagawa niyang lumikha ng isang kamangha-manghang, katangi-tanging fresco na hinahangaan ng buong mundo. Ang obra maestra na ito ay nasa kisame ng Sistine Chapel sa Vatican. Si Michelangelo ay inatasan na magpinta ng ilang mga kuwento sa Bibliya, isa na rito ang paglikha kay Adan. Sa larawang ito ay malinaw na nakikita ang iskultor sa Michelangelo. Ang katawan ng tao ni Adan ay nai-render na may hindi kapani-paniwalang katumpakan gamit ang makulay na mga kulay at tumpak na mga anyo ng kalamnan. So, makakasundo natin ang author, kung tutuusin, mas sculptor siya.

✰ ✰ ✰

"Mona Lisa", Leonardo da Vinci

Kahit na ito ang pinaka-pinag-aralan na pagpipinta, ang Mona Lisa ay nananatiling pinaka misteryoso. Sinabi ni Leonardo na hindi siya tumigil sa paggawa nito. Tanging ang kanyang kamatayan, gaya ng sinasabi nila, ang nakakumpleto ng trabaho sa canvas. Ang "Mona Lisa" ay ang unang Italian portrait kung saan ang modelo ay inilalarawan mula sa baywang pataas. Lumilitaw na kumikinang ang balat ni Mona Lisa dahil sa paggamit ng ilang layer ng transparent na mga langis. Bilang isang siyentipiko, ginamit ni Leonardo da Vinci ang lahat ng kanyang kaalaman upang maging makatotohanan ang imahe ni Mona Lisa. Kung sino talaga ang inilalarawan sa painting, nananatili pa rin itong misteryo.

✰ ✰ ✰

Ang pagpipinta ay nagpapakita kay Venus, ang diyosa ng pag-ibig, na lumulutang sa isang shell sa hangin, na tinatangay ng hangin ni Zephyr, ang diyos ng hanging kanluran. Siya ay nakilala sa baybayin ni Ora, ang diyosa ng mga panahon, na handang bihisan ang bagong silang na diyos. Ang modelo para sa Venus ay itinuturing na Simonetta Cattaneo de Vespucci. Namatay si Simonetta Cattaneo sa edad na 22, at nais ni Botticelli na mailibing siya sa tabi niya. Siya ay nakatali ng walang kapalit na pagmamahal sa kanya. Ang pagpipinta na ito ay ang pinakakatangi-tanging gawa ng sining na nilikha.

✰ ✰ ✰

Konklusyon

Ito ay isang artikulo TOP 25 pinakasikat na painting sa mundo. Salamat sa iyong atensyon!

Sipi ng mensahe Ang pinakasikat at makabuluhang mga pagpipinta ng mundo para sa kasaysayan ng sining. | 33 obra maestra ng pagpipinta sa mundo.

Sa ibaba ng mga larawan ng mga artistang kinabibilangan nila ay may mga link sa mga post.

Ang walang kamatayang mga pagpipinta ng mga magagaling na pintor ay hinahangaan ng milyun-milyong tao. Ang sining, klasiko at moderno, ay isa sa pinakamahalagang mapagkukunan ng inspirasyon, panlasa at kultural na edukasyon ng sinumang tao, at higit pa sa pagiging malikhain.
Tiyak na mayroong higit sa 33 sikat na mga painting sa mundo. Mayroong ilang daang mga ito, at lahat ng mga ito ay hindi magkakasya sa isang pagsusuri. Samakatuwid, para sa kadalian ng pagtingin, pumili kami ng ilang mga pagpipinta na pinakamahalaga para sa kultura ng mundo at madalas na kinopya sa advertising. Ang bawat gawain ay sinamahan ng isang kawili-wiling katotohanan, isang paliwanag ng masining na kahulugan o ang kasaysayan ng paglikha nito.

Itinago sa Old Masters Gallery sa Dresden.

Ang pagpipinta ay may isang maliit na lihim: ang background, na mula sa malayo ay tila mga ulap, ay lumalabas na ang mga ulo ng mga anghel sa mas malapit na pagsusuri. At ang dalawang anghel na inilalarawan sa larawan sa ibaba ay naging motif ng maraming mga postkard at poster.

Rembrandt "Night Watch" 1642
Itinago sa Rijksmuseum sa Amsterdam.

Ang tunay na pamagat ng pagpipinta ni Rembrandt ay "The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Tenyente Willem van Ruytenburg." Ang mga istoryador ng sining na nakatuklas ng pagpipinta noong ika-19 na siglo ay nag-isip na ang mga pigura ay nakatayo sa isang madilim na background, at ito ay tinawag na "Night Watch." Nang maglaon ay natuklasan na ang isang layer ng soot ay nagpapadilim sa larawan, ngunit ang aksyon ay aktwal na nagaganap sa araw. Gayunpaman, ang pagpipinta ay naisama na sa kaban ng sining ng mundo sa ilalim ng pangalang "Night Watch".

Leonardo da Vinci "Ang Huling Hapunan" 1495-1498
Matatagpuan sa monasteryo ng Santa Maria delle Grazie sa Milan.

Sa mahigit 500-taong kasaysayan ng gawain, ang fresco ay nawasak nang higit sa isang beses: isang pintuan ay pinutol sa pagpipinta at pagkatapos ay hinarangan, ang refectory ng monasteryo kung saan matatagpuan ang imahe ay ginamit bilang isang taguan ng mga armas, isang bilangguan. , at binomba. Ang sikat na fresco ay naibalik nang hindi bababa sa limang beses, na ang huling pagpapanumbalik ay tumagal ng 21 taon. Ngayon, upang tingnan ang sining, ang mga bisita ay dapat magpareserba ng mga tiket nang maaga at maaari lamang gumugol ng 15 minuto sa refectory.

Salvador Dali "Ang Pagtitiyaga ng Memorya" 1931

Ayon sa may-akda mismo, ang pagpipinta ay ipininta bilang isang resulta ng mga asosasyon na mayroon si Dali sa paningin ng naprosesong keso. Pagbalik mula sa sinehan, kung saan siya nagpunta noong gabing iyon, tama ang hula ni Gala na walang sinuman, kapag nakita nila ang The Persistence of Memory, ay makakalimutan ito.

Pieter Bruegel ang Elder "Tore ng Babel" 1563
Itinago sa Kunsthistorisches Museum sa Vienna.

Ayon kay Bruegel, ang kabiguan na nangyari sa pagtatayo ng Tore ng Babel ay hindi dahil sa mga hadlang sa wika na biglang lumitaw ayon sa kuwento ng Bibliya, ngunit sa mga pagkakamaling nagawa sa proseso ng pagtatayo. Sa unang sulyap, ang malaking istraktura ay tila medyo malakas, ngunit sa mas malapit na pagsusuri ay malinaw na ang lahat ng mga tier ay inilatag nang hindi pantay, ang mga mas mababang palapag ay hindi natapos o gumuho na, ang gusali mismo ay tumagilid patungo sa lungsod, at ang mga prospect para sa ang buong proyekto ay napakalungkot.

Kazimir Malevich "Black Square" 1915

Ayon sa artist, ipininta niya ang larawan sa loob ng ilang buwan. Kasunod nito, gumawa si Malevich ng maraming kopya ng "Black Square" (ayon sa ilang mga mapagkukunan, pito). Ayon sa isang bersyon, hindi nakumpleto ng artist ang pagpipinta sa oras, kaya kailangan niyang takpan ang trabaho ng itim na pintura. Kasunod nito, pagkatapos ng pagkilala sa publiko, pininturahan ni Malevich ang mga bagong "Black Squares" sa mga blangkong canvases. Ipininta din ni Malevich ang "Red Square" (sa dalawang kopya) at isang "White Square".

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin "Pagliligo sa Pulang Kabayo" 1912
Matatagpuan sa State Tretyakov Gallery sa Moscow.

Ipininta noong 1912, ang pagpipinta ay naging visionary. Ang pulang kabayo ay nagsisilbing Fate of Russia o Russia mismo, na hindi kayang hawakan ng marupok at batang sakay. Kaya, simbolikong hinulaang ng artista sa kanyang pagpipinta ang "pula" na kapalaran ng Russia noong ika-20 siglo.

Peter Paul Rubens "Ang Panggagahasa ng mga Anak na Babae ni Leucippus" 1617-1618
Itinago sa Alte Pinakothek sa Munich.

Ang pagpipinta na "The Rape of the Daughters of Leucippus" ay itinuturing na personipikasyon ng pagnanasa ng lalaki at pisikal na kagandahan. Ang malalakas at matipunong bisig ng mga kabataang lalaki ay kumukuha ng mga batang hubad na babae para ilagay sa mga kabayo. Ninakaw ng mga anak nina Zeus at Leda ang mga nobya ng kanilang mga pinsan.

Paul Gauguin "Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?" 1898
Itinago sa Museum of Fine Arts sa Boston.

Ayon kay Gauguin mismo, ang pagpipinta ay dapat basahin mula kanan hanggang kaliwa - tatlong pangunahing grupo ng mga pigura ang naglalarawan ng mga tanong na ibinabanta sa pamagat. Tatlong babaeng may anak ang kumakatawan sa simula ng buhay; ang gitnang grupo ay sumisimbolo sa pang-araw-araw na pagkakaroon ng kapanahunan; sa pangwakas na grupo, ayon sa plano ng artista, "ang matandang babae, na papalapit sa kamatayan, ay tila nagkakasundo at ibinigay sa kanyang mga iniisip," sa kanyang paanan "isang kakaibang puting ibon ... ay kumakatawan sa kawalang-silbi ng mga salita."

Eugene Delacroix "Liberty Leading the People" 1830
Itinago sa Louvre sa Paris

Gumawa si Delacroix ng isang pagpipinta batay sa Rebolusyong Hulyo ng 1830 sa France. Sa isang liham sa kanyang kapatid noong Oktubre 12, 1830, isinulat ni Delacroix: “Kung hindi ako nakipaglaban para sa aking Inang Bayan, kahit papaano ay susulat ako para dito.” Ang hubad na dibdib ng isang babaeng namumuno sa mga tao ay sumisimbolo sa dedikasyon ng mga Pranses noong panahong iyon, na hubad ang dibdib laban sa kaaway.

Claude Monet "Impresyon. Rising Sun" 1872
Itinago sa Marmottan Museum sa Paris.

Ang pamagat ng akda na "Impression, soleil levant", salamat sa magaan na kamay ng mamamahayag na si L. Leroy, ay naging pangalan ng kilusang artistikong "impressionism". Ang pagpipinta ay ipininta mula sa buhay sa lumang outport ng Le Havre sa France.

Jan Vermeer "Girl with a Pearl Earring" 1665
Itinago sa Mauritshuis Gallery sa The Hague.

Ang isa sa mga pinakatanyag na pagpipinta ng Dutch artist na si Jan Vermeer ay madalas na tinatawag na Nordic o Dutch Mona Lisa. Napakakaunting nalalaman tungkol sa pagpipinta: ito ay walang petsa at ang pangalan ng batang babae na inilalarawan ay hindi kilala. Noong 2003, batay sa nobela ng parehong pangalan ni Tracy Chevalier, ang tampok na pelikulang "Girl with a Pearl Earring" ay kinunan, kung saan ang kasaysayan ng paglikha ng pagpipinta ay hypothetically na naibalik sa konteksto ng talambuhay at buhay ng pamilya ni Vermeer .

Ivan Aivazovsky "The Ninth Wave" 1850
Itinago sa St. Petersburg sa State Russian Museum.

Si Ivan Aivazovsky ay isang sikat na pintor sa dagat na Ruso na itinalaga ang kanyang buhay sa paglalarawan ng dagat. Lumikha siya ng halos anim na libong mga gawa, na ang bawat isa ay nakatanggap ng pagkilala sa buhay ng artist. Ang pagpipinta na "The Ninth Wave" ay kasama sa aklat na "100 Great Paintings".

Andrey Rublev "Trinity" 1425-1427

Ang Icon ng Holy Trinity, na ipininta ni Andrei Rublev noong ika-15 siglo, ay isa sa mga pinakatanyag na icon ng Russia. Ang icon ay isang board sa vertical na format. Ang mga hari (Ivan the Terrible, Boris Godunov, Mikhail Fedorovich) ay "tinakpan" ang icon na may ginto, pilak at mahalagang bato. Ngayon ang suweldo ay itinatago sa Sergiev Posad State Museum-Reserve.

Mikhail Vrubel "Nakaupo na Demonyo" 1890
Itinago sa Tretyakov Gallery sa Moscow.

Ang balangkas ng pelikula ay inspirasyon ng tula ni Lermontov na "The Demon". Ang demonyo ay isang imahe ng lakas ng espiritu ng tao, panloob na pakikibaka, pagdududa. Kalunos-lunos na nakadakip ang kanyang mga kamay, ang Demonyo ay nakaupo na may malungkot, malalaking mata na nakadirekta sa malayo, napapaligiran ng mga hindi pa nagagawang bulaklak.

William Blake "Ang Dakilang Arkitekto" 1794
Itinago sa British Museum sa London.

Ang pamagat ng painting na "The Ancient of Days" ay literal na isinalin mula sa English bilang "Ancient of Days." Ang pariralang ito ay ginamit bilang pangalan ng Diyos. Ang pangunahing katangian ng larawan ay ang Diyos sa sandali ng paglikha, na hindi nagtatatag ng kaayusan, ngunit nililimitahan ang kalayaan at nagmamarka ng mga limitasyon ng imahinasyon.

Edouard Manet "Bar at the Folies Bergere" 1882
Itinago sa Courtauld Institute of Art sa London.

Ang Folies Bergere ay isang variety show at kabaret sa Paris. Madalas bumisita si Manet sa Folies Bergere at natapos ang pagpipinta ng pagpipinta na ito, ang kanyang huling bago ang kanyang kamatayan noong 1883. Sa likod ng bar, sa gitna ng maraming nag-iinuman, kumakain, nakikipag-usap at naninigarilyo, isang barmaid ang nakatayo na natulala sa sarili niyang mga iniisip, pinapanood ang trapeze acrobat, na makikita sa kaliwang sulok sa itaas ng larawan.

Titian "Pag-ibig sa Lupa at Pag-ibig sa Langit" 1515-1516
Itinago sa Galleria Borghese sa Roma.

Kapansin-pansin na ang modernong pangalan ng pagpipinta ay hindi ibinigay ng artist mismo, ngunit nagsimulang gamitin lamang pagkalipas ng dalawang siglo. Hanggang sa oras na ito, ang pagpipinta ay may iba't ibang mga pamagat: "Kagandahan, Pinalamutian at Hindi Pinalamutian" (1613), "Tatlong Uri ng Pag-ibig" (1650), "Banal at Sekular na Babae" (1700), at, sa huli, "Pag-ibig sa Mundo at Makalangit na Pag-ibig. Pag-ibig" "(1792 at 1833).

Mikhail Nesterov "Vision to the youth Bartholomew" 1889-1890
Itinago sa State Tretyakov Gallery sa Moscow.

Ang una at pinakamahalagang gawain mula sa cycle na nakatuon kay Sergius ng Radonezh. Hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw, ang artista ay kumbinsido na ang "Vision to the Youth Bartholomew" ay ang kanyang pinakamahusay na gawa. Sa kanyang katandaan, gusto ng artista na ulitin: "Hindi ako ang mabubuhay. Mabubuhay ang “The Youth Bartholomew”. Ngayon, kung tatlumpu, limampung taon pagkatapos ng aking kamatayan ay may sinasabi pa rin siya sa mga tao, ibig sabihin ay buhay siya, at nangangahulugan iyon na buhay ako."

Pieter Bruegel ang Matatanda "Parabula ng Bulag" 1568
Itinago sa Capodimonte Museum sa Naples.

Ang iba pang mga pamagat ng pagpipinta ay ang "The Blind", "Parabola of the Blind", "The Blind Leading the Blind". Ito ay pinaniniwalaan na ang balangkas ng pelikula ay batay sa biblikal na talinghaga ng bulag: "Kung ang isang bulag ay umakay sa isang bulag, silang dalawa ay mahuhulog sa hukay."

Victor Vasnetsov "Alyonushka" 1881
Itinago sa Tretyakov Gallery ng Estado.

Ito ay batay sa fairy tale na "Tungkol kay Sister Alyonushka at Brother Ivanushka." Sa una, ang pagpipinta ni Vasnetsov ay tinawag na "Fool Alyonushka." Noong panahong iyon, ang mga ulila ay tinatawag na "mga hangal." "Alyonushka," ang sabi mismo ng artist, "tila matagal nang nabubuhay sa aking isipan, ngunit sa katotohanan ay nakita ko siya sa Akhtyrka, nang makilala ko ang isang simpleng buhok na batang babae na nakakuha ng aking imahinasyon. Napakaraming mapanglaw, kalungkutan, at puro Ruso na kalungkutan sa kanyang mga mata... Ilang espesyal na espiritung Ruso ang naalis sa kanya.”

Vincent van Gogh "Starry Night" 1889
Itinago sa Museum of Modern Art sa New York.

Hindi tulad ng karamihan sa mga pagpipinta ng artist, ang "Starry Night" ay ipininta mula sa memorya. Si Van Gogh ay nasa ospital ng Saint-Rémy noong panahong iyon, pinahihirapan ng mga pag-atake ng kabaliwan.

Karl Bryullov "Ang Huling Araw ng Pompeii" 1830-1833
Itinago sa State Russian Museum sa St. Petersburg.

Ang pagpipinta ay naglalarawan sa sikat na pagsabog ng Mount Vesuvius noong 79 AD. e. at ang pagkawasak ng lungsod ng Pompeii malapit sa Naples. Ang larawan ng pintor sa kaliwang sulok ng pagpipinta ay isang self-portrait ng may-akda.

Pablo Picasso "Girl on a Ball" 1905
Naka-imbak sa Pushkin Museum, Moscow

Ang pagpipinta ay natapos sa Russia salamat sa industriyalistang si Ivan Abramovich Morozov, na binili ito noong 1913 sa halagang 16,000 francs. Noong 1918, ang personal na koleksyon ng I. A. Morozov ay nasyonalisado. Sa kasalukuyan ang pagpipinta ay nasa koleksyon ng State Museum of Fine Arts na pinangalanang A.S. Pushkin.

Leonardo da Vinci "Madonna Litta" 1491

Itinago sa Ermita sa St. Petersburg.

Ang orihinal na pamagat ng pagpipinta ay "Madonna at Bata." Ang modernong pangalan ng pagpipinta ay nagmula sa pangalan ng may-ari nito - Count Litta, may-ari ng family art gallery sa Milan. May isang palagay na ang pigura ng sanggol ay hindi ipininta ni Leonardo da Vinci, ngunit kabilang sa brush ng isa sa kanyang mga estudyante. Ito ay pinatunayan ng pose ng sanggol, na hindi karaniwan para sa estilo ng may-akda.

Jean Ingres "Mga Paligo sa Turkey" 1862
Itinago sa Louvre sa Paris.

Natapos ni Ingres ang pagpipinta ng larawang ito noong siya ay mahigit 80 taong gulang na. Sa pagpipinta na ito, ibinubuod ng pintor ang imahe ng mga naliligo, ang tema na matagal nang naroroon sa kanyang gawa. Sa una, ang canvas ay nasa hugis ng isang parisukat, ngunit isang taon pagkatapos ng pagkumpleto nito ang artist ay ginawa itong isang bilog na pagpipinta - isang tondo.

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky "Umaga sa isang pine forest" 1889
Naka-imbak sa Tretyakov Gallery sa Moscow

Ang "Morning in a Pine Forest" ay isang pagpipinta ng mga Russian artist na sina Ivan Shishkin at Konstantin Savitsky. Ipininta ni Savitsky ang mga oso, ngunit ang kolektor na si Pavel Tretyakov, nang makuha niya ang pagpipinta, ay tinanggal ang kanyang pirma, kaya ngayon si Shishkin lamang ang ipinahiwatig bilang may-akda ng pagpipinta.

Mikhail Vrubel "The Swan Princess" 1900
Naka-imbak sa State Tretyakov Gallery

Ang pagpipinta ay batay sa imahe ng entablado ng pangunahing tauhang babae ng opera ni N. A. Rimsky-Korsakov na "The Tale of Tsar Saltan" batay sa balangkas ng fairy tale ng parehong pangalan ni A. S. Pushkin. Gumawa si Vrubel ng mga sketch para sa tanawin at kasuotan para sa premiere ng opera noong 1900, at kinanta ng kanyang asawa ang papel ng Swan Princess.

Giuseppe Arcimboldo "Larawan ni Emperador Rudolf II bilang Vertumnus" 1590
Matatagpuan sa Skokloster Castle sa Stockholm.

Isa sa ilang nabubuhay na gawa ng artista, na gumawa ng mga larawan mula sa mga prutas, gulay, bulaklak, crustacean, isda, perlas, musikal at iba pang instrumento, aklat, at iba pa. Ang "Vertumnus" ay isang larawan ng emperador, na kinakatawan bilang sinaunang Romanong diyos ng mga panahon, halaman at pagbabago. Sa larawan, si Rudolph ay ganap na binubuo ng mga prutas, bulaklak at gulay.

Edgar Degas "Blue Dancers" 1897
Matatagpuan sa Museo ng Sining. A. S. Pushkin sa Moscow.

Sandro Botticelli "Kapanganakan ni Venus" 1486
Itinago sa Florence sa Uffizi Gallery

Ang pagpipinta ay naglalarawan ng alamat ng kapanganakan ni Aphrodite. Isang hubad na diyosa ang lumalangoy sa baybayin sa isang bukas na shell, na hinihimok ng hangin. Sa kaliwang bahagi ng pagpipinta, si Zephyr (ang hanging kanluran), sa mga bisig ng kanyang asawang si Chloris, ay humihip sa isang shell, na lumilikha ng hangin na puno ng mga bulaklak. Sa pampang, ang diyosa ay sinalubong ng isa sa mga grasya. Ang Kapanganakan ni Venus ay mahusay na napanatili dahil sa ang katunayan na ang Botticelli ay naglapat ng isang proteksiyon na layer ng pula ng itlog sa pagpipinta.

100 Magagandang Pagpinta (Bahagi 1)

Ang mga magagandang pagpipinta ay palaging salamin ng panahon, anuman ang masalimuot na alegorikong anyo na ilagay sa kanila ng pintor. Hindi lahat ng larawan ay malinaw sa manonood sa unang tingin; ang ilan sa mga ito ay nangangailangan ng malapit na atensyon, pag-unawa, at tiyak na paghahanda at kaalaman.

Nais naming sa aming website hindi lamang pag-usapan ang tungkol sa pinakasikat na mga gawa ng pagpipinta sa mundo, ngunit upang bigyan ang lahat ng pagkakataon na mag-order ng isang de-kalidad na pagpaparami sa natural na canvas ng kanilang paboritong obra maestra.

Jan van Eyck(1390-1441) ay itinuturing na pinakamalaking pintor ng Dutch noong ika-15 siglo, na naglatag ng pundasyon para sa makatotohanang tradisyon sa pagpipinta ng altar. Mula sa isang maliit na bayan ng Dutch sa Ilog Meuse, noong 1422, isa nang respetadong master, pumasok siya sa serbisyo ni Count John ng Bavaria at hanggang 1424 ay lumahok siya sa dekorasyon ng palasyo ng count sa The Hague. Noong 1425, lumipat si Van Eyck sa Lille, kung saan siya ay naging pintor ng korte ng Burgundian Duke na si Philip III the Good. Sa korte ng Duke, na lubos na pinahahalagahan ang artista, hindi lamang siya nagpinta ng mga larawan, ngunit nagsagawa din ng maraming mga diplomatikong takdang-aralin, paulit-ulit na naglalakbay sa Espanya at Portugal.

Noong 1431, lumipat si Van Eyck sa Bruges, kung saan siya nanirahan hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw, nagtatrabaho kapwa bilang pintor ng korte at bilang isang pintor ng lungsod. Ang pinakamalaking bilang ng mga gawa na dumating sa amin ay isinulat ng master noong panahon na siya ay nasa serbisyo ng Duke ng Burgundy.

Ang isa sa mga pinakatanyag na gawa ni Van Eyck, Portrait of the Arnolfini Couple, ay nasa koleksyon ng London National Gallery. Sa pagpipinta na naglalarawan sa seremonya ng kasal ng dalawang mayayamang kabataan, ang artista ay nakakita ng isang lugar para sa ilang mga simbolo - halimbawa, para sa isang aso na matatagpuan sa paanan ng bagong kasal, isang simbolo ng katapatan. Sa bilog na salamin na nakasabit sa dingding sa likod ng komposisyon, dalawang tao ang naaaninag - malinaw naman, mga saksi sa kasal. Sa isa sa kanila, inilarawan ng artist ang kanyang sarili, tulad ng nakasaad sa inskripsyon sa itaas ng salamin. Inilarawan ng artista ang mga bagong kasal sa buong taas. Ang pintor ay buong pagmamahal na naglalarawan ng mga bagay na nakapalibot sa bagong kasal. Ang mga bagay na ito ay nagsasabi ng maraming tungkol sa pamumuhay ng kanilang mga may-ari, na nagbibigay-diin sa kanilang mga birtud ng burgher - pagtitipid, kahinhinan, pagmamahal sa kaayusan.

Ang nilalaman ng pagpipinta na inilarawan sa itaas ay ang pinakakaraniwang bersyon lamang, ngunit para sa ilang mga mananaliksik ay isa pang kaakit-akit: Ito ay isang self-portrait ng artist. Noong 1934, iminungkahi ng sikat na kritiko ng sining ng Austrian na si Erwin Panofsky na ang pagpipinta ay hindi naglalarawan ng kasal, ngunit isang pakikipag-ugnayan. Bilang karagdagan, itinatag na si Giovanni Arnolfini at ang kanyang asawa ay wala, at ang babaeng inilalarawan sa larawan ay malinaw na naghihintay para sa pagdaragdag ng pamilya. At si Margaret van Eyck (kapatid na babae ng artist) ay nagsilang ng isang anak na lalaki noong Hunyo 30 , 1434.

Kaya sino ang bayani ng larawan? O ito ba ay talagang isang eksena ng pamilya, at hindi isang kinomisyon na larawan sa lahat? Ang tanong ay nananatiling bukas ...

Ipinakilala ni Van Eyck ang manonood sa pribadong buhay ng mga tao, na nagpapakita ng kagandahan ng pang-araw-araw na buhay. Sa ganitong paraan nagbukas siya ng bago, makatotohanang mga posibilidad para sa pinong sining, na ganap na natanto lamang noong ika-17 siglo, nang maraming katulad na mga pagpipinta ang nilikha sa Holland.

Ang pinakadakilang paglikha ng artist, tulad ng kanyang "Spring," ay nasa malalim na limot sa loob ng higit sa tatlong daang taon sa tahimik na Villa Castello sa labas ng Florence. Napansin lamang ang pagpipinta noong kalagitnaan ng huling siglo, nang muling natuklasan ng mga Pre-Raphaelite na pintor na sina Milles at Rossetti si Botticelli bilang isa sa mga bihirang talento ng ika-15 siglong Italya.

Ang Kapanganakan ni Venus ay isinulat para kay Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, pinsan ni Lorenzo the Magnificent at pinakamahalagang patron ni Botticelli. Ang Florence, kung saan ginugol ng artista ang halos buong buhay niya, ay pinasiyahan ng makapangyarihang pamilyang Medici. Ang balangkas ng larawan ay konektado sa kultura ng hukuman ng Lorenzo de' Medici, na puno ng pilosopiya ng Neoplatonism. Sa oras na ito ng mga stanza ni Poliziano at mga sonnet ni Lorenzo the Magnificent, ang panahon ng mga paligsahan at prusisyon ng karnabal ay ang kasagsagan ng Botticelli.

Sa "Kapanganakan" inilarawan ni Sandro Botticelli ang imahe ni Aphrodite Urania - makalangit na Venus, anak ni Uranus, na ipinanganak mula sa dagat na walang ina. Ang pagpipinta ay hindi gaanong nakukuha ang kapanganakan mismo bilang ang sandali na sumunod, nang si Venus, na hinimok ng hininga ng mga henyo ng hangin, ay umabot sa ipinangakong baybayin. Ang kagandahan ng hubad na pigura ay kinoronahan ng nimpa na si Ora, na siyang sagisag ng kalikasan; handa siyang takpan siya ng balabal. Ang Ora ay isa sa tatlong Bundok, mga nimpa ng mga panahon. Ang Bundok na ito, ayon sa mga bulaklak na tumatakip sa mga damit nito, ay tumatangkilik sa oras ng taon kung kailan ang kapangyarihan ng Venus ay umabot sa tuktok nito. Marahil ang pagpipinta na ito ay inspirasyon ng isa sa mga himno ni Homer, na naglalarawan kung paano dinala ni Zephyr, ang diyos ng hanging kanluran, si Venus sa isla ng Cyprus, kung saan siya tinanggap ng mga Bundok.

Ayon sa mga ideya ng bilog ni Lorenzo de' Medici, si Venus, ang diyosa ng pag-ibig, ay ang diyosa din ng sangkatauhan. Siya ang nagtuturo sa mga tao ng katwiran, kagitingan, siya ang ina ng Harmony, ipinanganak mula sa pagkakaisa ng bagay at espiritu, kalikasan at ideya, pag-ibig at kaluluwa.

Ang pinakasikat na pagpipinta sa mundo, ang Mona Lisa, ang likha ni Leonardo da Vinci, ay nasa Louvre.

Ang Mona Lisa ay nilikha sa pagitan ng 1503 at 1506 at natapos noong 1510. Ito ay nananatiling hindi malinaw kung sino ang eksaktong nag-pose para sa mahusay na master. Nakatanggap ang artist ng isang order para sa pagpipinta mula kay Francesco del Giocondo, isang mangangalakal ng sutla ng Florentine, at karamihan sa mga istoryador at kritiko ng sining ay naniniwala na ang larawan ay naglalarawan kay Lisa Gherardini, ang asawa ni Giocondo, na nag-utos ng larawan bilang parangal sa pagsilang ng kanilang pangalawang anak na lalaki. , ipinanganak noong Disyembre 1502. Gayunpaman, sa loob ng 500 taon na ngayon, ang mga pagtatalo ay hindi humupa tungkol sa kung sino talaga ang inilalarawan sa sikat na pagpipinta na ito.

Ang salitang "Mona" ay malamang na isang pinaikling anyo ng "monna" o "mia donna", iyon ay, "milady" o "madame". Sa Pranses ito ay tinatawag na "La Joconde", at sa Italyano - "La Gioconda" (ang masayahin), ngunit ito ay isang paglalaro lamang ng mga salita, isang pagkakataon sa apelyido ng isa na nagsilbing prototype para sa larawan.

Ang portrait ay isang mahusay na halimbawa ng paboritong diskarte ni Leonard, ang tinatawag na sfumato - "smoky chiaroscuro", isang banayad na kalahating liwanag na may malambot na hanay ng mga tono na tila bahagyang nabahiran at maayos na lumipat sa isa't isa. Kasabay nito, itinalaga ni Leonardo ang mga sulok ng bibig at mga mata nang may katumpakan at kagandahan na ang larawan ay nakakuha ng isang tunay na kamangha-manghang kalidad.

Ang ilang mga mananaliksik ay nagtalo na ang pagpipinta ay isang self-portrait ni Leonardo mismo, na nagbigay sa kanyang hitsura ng mga tampok na pambabae o kahit na mga tampok ng isang hermaphrodite. Sa katunayan, kung aalisin mo ang buhok mula sa imahe ng Mona Lisa, makakakuha ka ng kakaibang mukha na walang seks. Ang hypothesis na ito ay kinumpirma ng gawaing ginawa ng mga independiyenteng mananaliksik - si Lillian Schwartz mula sa Bell Labs at Digby Questi mula sa Maudsley Clinic sa London, na nakumpirma ang hypothesis na maaaring ilarawan ni Leonardo ang kanyang sarili sa imahe ng Mona Lisa. Gamit ang mga espesyal na programa sa computer, inihambing ng mga mananaliksik ang Mona Lisa at isang self-portrait ni Leonardo, na kinunan noong siya ay nasa isang advanced na edad. Kahanga-hanga ang resulta. Ang "Mona Lisa" ay naging halos isang salamin na imahe ng mukha ng dakilang master. Halos lahat ng facial features ay ganap na tumugma, kabilang ang dulo ng ilong, labi at mata.

Noong 1911, ang Mona Lisa ay ninakaw mula sa Louvre ng Italyano na si Vincenzo Perugia, na nagtrabaho bilang isang karpintero sa museo. Pasimple niyang kinuha ang painting sa gallery, itinago sa ilalim ng kanyang damit. Ang sikat na pagpipinta ay natagpuan lamang noong 1913, nang sinubukan ng magnanakaw na ibenta ito sa isang tiyak na kolektor. Dati, ang obra maestra ni Leonardo ay nakaimbak sa isang maleta na may double bottom. Ipinaliwanag ng attacker kung ano ang ginawa niya sa pagsasabing gusto niyang bumalik sa Italy ang isang painting na iligal na na-export ni Napoleon Bonaparte.

Mula sa aklat ni Robert Cumming na "Great Artists":
"Malawakang kilala bilang" Dresden Venus, "ang pagpipinta na ito ay napaka-orihinal, na walang mga analogue sa sining ng klasikal na sinaunang panahon. Ang akda ay nagpapakita ng interes ng artist sa isang bagong ideyal ng kagandahan, kung saan ang mala-tula na mood ay nangingibabaw sa nakapangangatwiran na nilalaman.
Ang nakahigang hubo't hubad na ito ay naging isa sa mga pinakasikat na larawan sa European painting. Inilalarawan ni Giorgione ang pigura na natutulog sa ilalim ng puno na nakapikit, naliligaw sa panaginip at walang kamalay-malay na siya ay binabantayan. Halos lahat ng mga susunod na variation sa temang ito ay naglalarawan sa kanya bilang gising. Sa partikular, inilarawan ni Manet sa kanyang "Olympia" ang "Venus" na nag-aalok ng mga serbisyong sekswal.
Ang mga malambot na lilim at bilugan na hugis ng Venus ay nagsasalita ng impluwensya ni Leonardo da Vinci, na makikita rin sa disenyo ng mga fold ng mga kurtina. Ang "The Dresden Venus" ay ipininta sa parehong dekada sa "Mona Lisa" - at pareho agad na nagbunga ng maraming kopya at imitasyon.
Ang mahusay na nai-render na chiaroscuro at mga highlight sa marangyang drapery ay nagpapakita ng mahusay na kasanayan ni Giorgione sa oil painting technique.
Ang makinis na mga tabas ng katawan ay nagpapahusay sa pakiramdam ng mahimbing na pagtulog at, parang, nag-aanyaya sa iyo na haplos ang pigura sa iyong titig.
Ang erotikong katangian ng imahe ay nagpapahiwatig na ang pagpipinta ay kinomisyon para sa isang pribadong silid-tulugan.
Ang mga X-ray at mga tala mula sa mga restorer noong ika-19 na siglo ay nagpapahiwatig na unang inilarawan ni Giorgione (o nilayon na ilarawan) ang pigura ni Cupid sa kanang bahagi ng canvas.
Ayon sa mga alingawngaw, si Giorgione ay walang oras upang makumpleto ang pagpipinta sa panahon ng kanyang buhay, at karaniwang tinatanggap na ang utos upang makumpleto ang tanawin ay ibinigay kay Titian. Ang "multi-layered" na tanawin at mga asul na burol sa abot-tanaw ay katangian ng maagang istilo ng Titian. Ang maagang pagkamatay ng isang karibal ay nag-ambag sa pagsikat ng bituin ni Titian."

Si I. Bosch ay naging isang napakahirap na artista, kahit na ngayon ay walang itinatag na pananaw sa interpretasyon ng mga paksa at indibidwal na mga imahe ng kanyang mga kuwadro na gawa.
Para sa mga medieval artist (pati na rin para sa kanilang mga manonood), ang lahat ng mga bagay at phenomena ay may simbolikong kahulugan, ang bawat bagay ay nakatanggap ng sarili nitong simbolikong interpretasyon batay sa mga teksto ng Bibliya. Halimbawa, batay sa parirala: "Ang Salita ng Diyos ay malakas na parang leon," ang leon ay itinuturing na isang simbolo ng omnipotence ng pananampalatayang Kristiyano, kaya naman pinalamutian ng mga figure ng leon ang mga portal ng maraming Romanesque cathedrals sa France, at sa Italya, ang mga iskultor noong ika-13-14 na siglo ay naglagay ng mga leon sa paanan ng mga pulpito ng simbahan . Ang gawain ni Bosch, marahil, ay mahirap din sa ating panahon para sa direktang pang-unawa, dahil ang artista, bilang karagdagan sa mga tradisyonal na mga simbolo ng medieval (kilala sa lahat), ay gumamit din ng iba pang mga simbolo - hindi gaanong pinag-aralan at mahirap maintindihan.
Ang masining na wika ng Bosch ay hindi ganap na umaangkop sa mga simbolikong interpretasyon sa medieval. Ang artist ay madalas na gumamit ng ilang mga simbolo sa isang kahulugan na kabaligtaran sa karaniwang tinatanggap, at nag-imbento din ng mga bagong simbolo. Marahil iyon ang dahilan kung bakit siya tinawag na "malungkot na manunulat ng science fiction", "honorary professor of nightmares", ngunit nakita ng mga modernong surrealist sa Bosch ang kanilang espirituwal na ama at tagapagpauna. Narito, halimbawa, ang isang ganoong eksena. Isang mapagmahal na mag-asawa ang naghiwalay sa kanilang sarili sa isang transparent na bula. Medyo mas mataas, ang isang binata ay nakayakap sa isang malaking kuwago, sa kanan ng bula sa gitna ng pool, sa tubig, isa pang lalaki ang nakatayo sa kanyang ulo, ang mga binti ay nakabuka nang malawak, kung saan ang mga ibon ay gumawa ng pugad. . Sa hindi kalayuan sa kanya, isang binata, na nakahilig sa isang kulay-rosas na guwang na mansanas kasama ang kanyang minamahal, ay nagpapakain ng napakalaking bungkos ng mga ubas sa mga taong nakatayo hanggang leeg sa tubig. Ito ang "The Garden of Earthly Delights" - isa sa mga pinakasikat na painting ni Hieronymus Bosch.
Nilikha ni Hieronymus Bosch ang kanyang triptych na "The Garden of Earthly Joys", o "The Garden of Delights" (ito ay madalas na tinatawag na pinaka "Boschian" na gawain) noong 1503, at dito ang kanyang natatanging pangitain sa mundo ay ganap na nahayag. Ang pangalan ng pagpipinta ay naibigay na sa modernong panitikan, at sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo, nang ito ay naging pag-aari ni Haring Philip II, tinawag itong "Pagkakaiba-iba ng Mundo"; noong ika-17 siglo ay nagkaroon ito ng pangalang "Vanity and Glory".
Sa kaliwang bahagi ng triptych na ito ay inilalarawan ang Paraiso, sa kanan - Impiyerno, at sa pagitan nila ay inilagay ang imahe ng makalupang pag-iral. Ang kaliwang bahagi ng "Hardin ng mga Kasiyahan" ay naglalarawan ng tanawin ng "Paglikha ni Eba", at Ang paraiso mismo ay kumikinang at kumikinang na may matingkad at kumikinang na mga kulay. Laban sa backdrop ng kamangha-manghang tanawin ng Paradise. puno ng sari-saring hayop at halaman, ipinakita ng panginoon ang gising na si Adan.Bumangon sa lupa ang bagong gising na si Adan at namamangha kay Eba, na ipinakita sa kanya ng Diyos. Binanggit ng sikat na kritiko ng sining na si C. de Tolnay na ang gulat na tingin na ipinakita ni Adan sa unang babae ay isang hakbang na sa landas ng kasalanan. At si Eba, na kinuha mula sa tadyang ni Adan, ay hindi lamang isang babae, kundi isang instrumento din ng pang-aakit. Ang pagkakasalungatan sa pagitan ng isang kalmado at walang kasalanan na lalaki at isang babae na nagdadala ng mga binhi ng kasalanan ay muling ginawa sa kalikasan sa kanilang paligid. Ang isang bansot na puno ng palma na tumutubo sa isang misteryosong orange na bato ay pahilis sa tapat ng isang namumulaklak na puno ng palma. Maraming mga insidente ang nagbigay ng madilim na anino sa mapayapang buhay ng mga hayop: nilalamon ng leon ang usa, hinahabol ng baboy-ramo ang isang misteryosong hayop. At higit sa lahat ay tumataas ang Pinagmulan ng Buhay - isang hybrid ng halaman at marmol na bato, isang napakataas na Gothic na istraktura na nakalagay sa madilim na asul na mga bato ng isang maliit na isla. Sa pinakatuktok nito ay mayroon pa ring halos hindi kapansin-pansing gasuklay, ngunit mula sa loob nito, tulad ng isang uod, isang kuwago ang sumisilip - ang mensahero ng kasawian.
Ang gitnang bahagi ng triptych - ang "Hardin ng Earthly Joys" mismo - ay naglalarawan ng isang napakagandang tanawin na natatakpan ng mga hubad na pigura ng mga lalaki at babae. Ang mga hayop na hindi likas na sukat, ibon, isda, butterflies, algae, malalaking bulaklak at prutas ay halo-halong tao Sa komposisyon ng "Hardin ng Earthly Joys", ang mga sumusunod ay namumukod-tangi: tatlong mga plano: ang foreground ay nagpapakita ng "iba't ibang kagalakan", ang pangalawa ay inookupahan ng isang cavalcade ng maraming mga mangangabayo na sumakay sa iba't ibang mga hayop, ang pangatlo (ang pinakamalayong ) ay nakoronahan ng asul na kalangitan, kung saan lumilipad ang mga tao sa may pakpak na isda at sa tulong ng kanilang sariling mga pakpak. Tila na sa background ng gayong tanawin, walang mas malinis kaysa sa mga laro ng pag-ibig ng mga mag-asawa. Ngunit, tulad ng psychoanalysis (iminungkahi pa ng psychiatrist na si R. Khaikin na magsagawa ng psychopathological analysis ng gawain ng I. Bosch), ang mga libro ng panaginip noong panahong iyon ay nagbubunyag ng tunay na kahulugan ng mga makalupang kasiyahan na ito: seresa, ligaw na strawberry, strawberry at ubas , kinakain ng mga taong may tulad na kagalakan, sumasagisag sa makasalanang sekswalidad, walang liwanag ng banal na pag-ibig; ang apple boat kung saan nagretiro ang mga mahilig ay hugis dibdib ng babae; ang mga ibon ay nagiging personipikasyon ng pagnanasa at kahalayan, isda - isang simbolo ng hindi mapakali na pagnanasa, ang shell ay ang pambabae na prinsipyo.
Sa ilalim ng larawan, niyakap ng isang binata ang isang malaking strawberry. Ang kahulugan ng imaheng ito ay magiging malinaw sa atin kung naaalala natin na sa Western European art, ang mga strawberry ay nagsilbing simbolo ng kadalisayan at pagkabirhen. Ang tanawin na may isang bungkos ng mga ubas sa pool ay isang pakikipag-isa, at ang isang higanteng pelican, na nakapulot ng isang cherry sa kanyang mahabang tuka (isang simbolo ng kahalayan), ay tinutukso kasama nito ang mga taong nakaupo sa usbong ng isang kamangha-manghang bulaklak. Ang pelican mismo ay sumisimbolo ng pagmamahal sa kapwa. Ang artist ay madalas na nagbibigay ng isang partikular na sensual na tunog sa mga simbolo ng Kristiyanong sining, na binabawasan ang mga ito sa materyal at pisikal na eroplano
Lumilikha si Hieronymus Bosch ng isang nakamamanghang mundo ng panandaliang pagnanasa at kasiyahan: ang aloe ay naghuhukay sa hubad na laman, ang coral ay mahigpit na nakakapit sa mga katawan, ang isang shell ay sumara at ginagawang bihag ang isang mapagmahal na mag-asawa. Sa Tore ng Pangangalunya, na tumataas mula sa Lawa ng Lust at ang dilaw-kahel na mga dingding ay kumikinang na parang kristal, ang mga nalinlang na asawa ay natutulog sa gitna ng mga sungay. Ang kulay bakal na glass sphere kung saan ang mga mahilig ay nagpapakasawa sa mga haplos ay nilagyan ng crescent moon crown at pink na marble horns. Ang sphere at glass bell na kumukulong sa tatlong makasalanan ay naglalarawan ng kasabihang Dutch. "Kaligayahan at salamin - gaano kaikli ang buhay nila!" Sila rin ay mga simbolo ng ereheng kalikasan ng kasalanan at ang mga panganib na dulot nito sa mundo.
Ang kanang pakpak ng triptych - Impiyerno - ay madilim, madilim, nakababahala, na may mga indibidwal na kislap ng liwanag na tumatagos sa kadiliman ng gabi, at sa mga makasalanan na pinahihirapan ng ilang uri ng higanteng mga instrumentong pangmusika. Sa gitna ng Impiyerno mayroong isang napakalaking pigura ni Satanas, ito ay isang uri ng "gabay" patungo sa Impiyerno - ang pangunahing "kuwento" na may nakamamatay na maputlang mukha at isang ironic na ngiti sa kanyang manipis na labi. Ang kanyang mga binti ay mga guwang na puno ng kahoy, at sila ay nakapatong sa dalawang barko. Ang katawan ni Satanas ay isang bukas na balat ng itlog; sa labi ng kanyang sumbrero, ang mga demonyo at mangkukulam ay lumalakad o sumasayaw kasama ang makasalanang mga kaluluwa... O inaakay nila ang mga tao na nagkasala ng hindi likas na kasalanan sa paligid ng isang malaking bagpipe (isang simbolo ng pagkalalaki). Nagaganap ang kaparusahan sa paligid. ang pinuno ng Impiyerno.mga kasalanan: isang makasalanan ang ipinako sa krus sa pamamagitan ng pagtusok sa kanya ng mga kuwerdas ng alpa; sa tabi niya, isang demonyong may pulang katawan ang nagsasagawa ng mala-impyernong orkestra na umaawit mula sa mga nota na nakasulat sa puwitan ng isa pang makasalanan. Sa isang mataas na upuan ay nakaupo ang isang demonyo, na nagpaparusa sa mga matakaw at matakaw. Ipinasok niya ang kanyang mga paa sa mga pitsel ng beer, at naglagay ng bowler na sumbrero sa ulo ng kanyang ibon. At pinarurusahan niya ang mga makasalanan sa pamamagitan ng paglamon sa kanila.
Ang Pinto ng Impiyerno ay kumakatawan sa ikatlong yugto ng Pagkahulog, nang ang lupa mismo ay naging impiyerno. Ang mga bagay na dating nagsilbi sa kasalanan ay naging instrumento na ng kaparusahan. Ang mga chimera na ito ng isang nagkasalang budhi ay mayroong lahat ng mga tiyak na kahulugan ng mga sekswal na simbolo ng mga panaginip. Ang liyebre (sa larawan ay mas malaki kaysa sa isang lalaki) sa Kristiyanismo ay isang simbolo ng imortalidad ng kaluluwa. Sa Bosch, tumutugtog siya ng sungay at ibinaba ang ulo ng makasalanan sa apoy ng impiyerno. Ang mga higanteng tainga ay isang tanda ng kasawian. Ang malaking susi na nakakabit sa baras ng monghe ay nagpapakita ng pagnanais ng huli para sa kasal, na ipinagbabawal para sa mga miyembro ng klero. Sa loob ng halimaw mayroong isang tavern, sa itaas kung saan ang isang banner ay kumakaway - ang parehong mga bagpipe. Sa ilang distansya, isang lalaki ang nakaupo sa isang estado ng mapanglaw, yumuko sa kaguluhan. Kung nakikita mo dito ang mga tampok ni Hieronymus Bosch mismo, kung gayon ang buong larawan ay maaaring lumitaw sa harap ng manonood sa ibang liwanag: ang artist mismo ang nag-imbento ng bangungot na ito, ang lahat ng mga paghihirap at pagdurusa na ito ay nagaganap sa kanyang kaluluwa. Iginigiit ito ng ilang art historian, halimbawa ang nabanggit na C. de Tolnay. Gayunpaman, si Bosch ay isang malalim na relihiyoso na tao, at hindi niya maisip na ilagay ang kanyang sarili sa Impiyerno. Malamang, ang artista ay dapat hanapin sa mga larawang iyon na naghahatid ng Liwanag at Kabutihan sa kanyang mga pagpipinta; ito ay hindi para sa wala na siya ay kabilang sa Kapatiran ng Birheng Maria.
Sa ating mga kontemporaryo, ang mga aksyon ng mga karakter sa "The Garden of Pleasures" ay sa maraming paraan ay hindi maintindihan, ngunit para sa mga kontemporaryo ni Bosch (tulad ng nabanggit sa itaas), sila ay napuno ng malalim na simbolikong kahulugan. Ang kanyang mga kuwadro na gawa (kabilang ang "The Garden of Earthly Joys") ay madalas na nakakatakot sa manonood na may hindi likas na pagkakatugma ng tao at hayop, buhay at patay, sa isang karakter, at sa parehong oras maaari silang magpatawa. Ang kanyang mga karakter ay kahawig ng mga bangungot na imahe ng Apocalypse at, sa parehong oras, ang mga masasayang demonyo ng isang karnabal. Gayunpaman, sa lahat ng maraming interpretasyon ng kahulugan ng "Hardin ng Makalupang Kagalakan", wala ni isa sa kanila ang maaaring
ganap na yakapin ang lahat ng mga larawan ng larawan.

Ang altarpiece na ito ay ang huli sa mga pangunahing gawa ni Raphael na nakatuon sa kanyang paboritong tema. Kahit na sa unang bahagi ng kanyang pagkamalikhain, lumingon siya sa imahe ng Madonna at Bata, sa bawat oras na naghahanap ng isang bagong diskarte. Ang nangingibabaw na katangian ng henyo ni Raphael ay ipinahayag sa pagnanais para sa pagka-diyos, para sa pagbabago ng makalupa, tao sa walang hanggang, banal.
Tila kagagaling lang ng kurtina at isang makalangit na pangitain ang nahayag sa mga mata ng mga mananampalataya - ang Birheng Maria na naglalakad sa ulap kasama ang sanggol na si Hesus sa kanyang mga bisig. Hawak ng Madonna si Hesus, na buong pagtitiwalaang dumikit sa kanya, nang may pangangalaga at pagmamalasakit sa ina. Ang henyo ni Raphael ay tila pinalibutan ang banal na bata sa isang magic circle na nabuo ng kaliwang kamay ng Madonna, ang kanyang dumadaloy na belo at ang kanang kamay ni Jesus. Ang kanyang titig, na nakadirekta sa manonood, ay puno ng nakababahala na pag-asam sa malagim na kapalaran ng kanyang anak. Ang mukha ng Madonna ay ang sagisag ng sinaunang ideyal ng kagandahan na sinamahan ng espirituwalidad ng huwarang Kristiyano.
Pope Sixtus II, na naging martir noong 258 AD. at canonized, humihingi kay Maria ng pamamagitan para sa lahat ng nananalangin sa kanya sa harap ng altar. Ang pose ni Saint Barbara, ang kanyang mukha at malungkot na tingin ay nagpapahayag ng pagpapakumbaba at paggalang. Sa kaibuturan ng larawan, sa background, halos hindi nakikita sa ginintuang manipis na ulap, ang mga mukha ng mga anghel ay malabo na nakikita, na nagpapahusay sa pangkalahatang kahanga-hangang kapaligiran. Ang mga pananaw at kilos ng dalawang anghel sa harapan ay nakadirekta patungo sa Madonna. Ang pagkakaroon ng mga lalaking may pakpak na ito, na mas nakapagpapaalaala sa mga mythological cupids, ay nagbibigay sa canvas ng isang espesyal na init at sangkatauhan.
Ang Sistine Madonna ay inatasan mula kay Raphael noong 1512 bilang isang altarpiece para sa kapilya ng Monasteryo ng Saint Sixtus sa Piacenza. Si Pope Julius II, noong panahong iyon ay kardinal pa, ay nangolekta ng mga pondo para sa pagpapatayo ng isang kapilya kung saan nakalagak ang mga labi ng St. Sixtus at St. Barbara.
Sa Russia, lalo na sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang "Sistine Madonna" ni Raphael ay lubos na iginagalang; ang mga masigasig na linya mula sa iba't ibang mga manunulat at kritiko tulad ng V. A. Zhukovsky, V. G. Belinsky, N. P. Ogarev ay nakatuon dito. Sumulat si Belinsky mula Dresden hanggang V.P. Botkin, na ibinahagi sa kanya ang kanyang mga impresyon sa "Sistine Madonna": "Anong maharlika, anong biyaya ng brush! Hindi mo maiwasang tumingin dito! Hindi ko sinasadyang naalala si Pushkin: ang parehong maharlika, ang parehong biyaya ng pagpapahayag, na may parehong kalubhaan ng balangkas! Hindi para sa wala na mahal na mahal ni Pushkin si Raphael: likas na kamag-anak niya ito." Dalawang mahusay na manunulat na Ruso, sina L. N. Tolstoy at F. M. Dostoevsky, ay nagkaroon ng mga reproduksyon ng "Sistine Madonna" sa kanilang mga tanggapan. Ang asawa ni F. M. Dostoevsky ay sumulat sa kanyang talaarawan: "Niraranggo ni Fyodor Mikhailovich ang mga gawa ni Raphael higit sa lahat sa pagpipinta at kinilala ang Sistine Madonna bilang kanyang pinakamataas na gawa."
Ipinahayag ni Carlo Maratti ang kanyang pagkagulat kay Raphael: "Kung ipinakita nila sa akin ang isang pagpipinta ni Raphael at wala akong alam tungkol sa kanya, kung sasabihin nila sa akin na ito ay nilikha ng isang anghel, maniniwala ako."
Ang mahusay na isip ni Goethe ay hindi lamang pinahahalagahan si Raphael, ngunit nakahanap din ng angkop na ekspresyon para sa kanyang pagtatasa: "Palagi niyang nilikha ang pinangarap lamang na likhain ng iba."
Ito ay totoo, dahil isinama ni Raphael sa kanyang mga gawa hindi lamang ang pagnanais para sa isang ideyal, ngunit ang napakahusay na naa-access sa isang mortal.

Mula sa aklat na "100 Great Paintings" ni N.A. Ionina:

Augsburg, kung saan noong panahong iyon ay nagtipon ang buong korte ng Espanya at maraming prinsipeng Aleman. Sa Augsburg, ipininta ni Titian ang isang malaking equestrian portrait ni Charles V sa umaga bago ang labanan, kung saan nanalo ang monarch sa isa sa kanyang pinakamatalino na tagumpay. Ang larawang ito ay nagulat sa mga kontemporaryo ni Titian: kakaibang makita ang emperador - isang banayad na armchair diplomat at mapanglaw - sa anyo ng isang kabalyero at bayani na may sibat sa kanyang kamay, na may nakataas na visor, na tumatakbong mag-isa sa mga bukid. Ngunit iyon ang kalooban ng monarko.
Sa labanan sa Mühlberg, ang panatikong ito ng Katolisismo ay tila naantig ng ilang uri ng lubos na kaligayahan: hindi niya pinangunahan ang labanan mula sa malayo, nakaupo sa isang stretcher sa ilalim ng proteksyon ng mga kuta. Siya ay sumugod sa unahan ng kanyang mga tropa upang sumalakay at kahit na tumawid sa mapanganib na tawiran ng Elbe, kinaladkad ang kanyang mga koronel kasama niya. Ang di-malilimutang araw na ito at ang tanging kabayanihan ng emperador ay ang imortalidad ni Titian. Ang larawan ay hindi naglalarawan ng madilim, tahimik at may sakit na si Charles V, tulad ng inilarawan siya sa mga salaysay ng kanyang mga kontemporaryo. Hindi ito si Karl, na inilalarawan ng parehong Titian sa larawan na matatagpuan ngayon sa Munich Pinakothek. Ito ay hindi isang kalunus-lunos na pagkawasak, hindi isang tusong tuso, hindi isang malungkot na "panginoon ng sansinukob", hindi ang anak ng baliw na si Joanna at ang marangyang Philip... Ito ang apo ng "huling kabalyero" - Maximilian, at samakatuwid ang Titian ay naglalarawan ng isang hiwalay na flash sa portrait, at hindi isang buong sikolohikal na karakter.
Ito ay kahanga-hanga at ang pinakapangahas sa lahat ng mga gawa ni Titian. Sa mapula-pula na ambon ng umaga ng tagsibol, nag-iisa sa malawak na kapatagan na umaabot sa mga burol ng Elbe, ang emperador, na nakasuot ng hinabol at ginintuang bakal, na may nakataas na bunton sa itaas ng kanyang maputla at determinadong mukha, ay tumakbo palabas ng kagubatan kasama ang kanyang sibat na nakaharap sa harap. Napakaganda at kahanga-hangang hitsura ng rider! Ngunit gaano siya nag-iisa sa larangang ito. At saan siya sumugod sa isang napakagandang kabayong tumatakbo? Nag-uutos sa mga bansa, pinarurusahan ang mga mapanghimagsik ng apoy at tabak, pinabagsak ang mga armadas ng mga tropa sa mga kaaway, isang tao na kahit tamad na kilos ay maaaring itaas o sirain - siya ay inilalarawan na pagod at nag-iisa sa larawan.
Tinitingnan ng manonood ang kanyang katangian, malakas ang loob na mukha na may matalim na nakausli na baba, at biglang malinaw na nakikilala sa mga tingin ng emperador ang isang walang pag-iisip na kalungkutan, isang uri ng panloob na pagkapagod, na naililipat sa kanyang buong pigura at makikita kahit sa sinukat ang pagtakbo ng kanyang kabayo. Ang kanyang hitsura ay nagbibigay ng impresyon ng isang masamang espiritu, at ang pangitaing ito ay nagulat at natakot sa kanya. Maging ang mga kulay ng larawan ay naglalaman ng isang bagay na masama at parang pandigma. Sa harap ni Charles V ay may nakikitang kakila-kilabot, "makamulto": nag-iisa sa bukid, nag-iisa sa mundo, nag-iisa na may sirang kaluluwa. Ganito ang pagkakaunawa at paglalarawan ni Titian sa emperador. Marahil siya mismo ay hindi pa alam ang kanyang labis na pagkapagod, at ipinakita sa kanya ng artista ang kanyang sariling kaluluwa - nang walang pagpapaganda.
Sa larawang ito, hindi pinahintulutan ni Titian ang kanyang pagnanasa, ang kanyang saklaw ng solemnidad na lumaganap, ngunit kinulong ang kanyang sarili sa loob ng mga hangganan ng mga kinakailangan ng customer, na tinatrato ang gawain sa isang pambihirang lamig. Marahil iyon ang dahilan kung bakit napansin ng ilang mga mananaliksik ang isang tiyak na hindi likas sa parehong larawan at pose ng emperador, tulad ng sa mga mannequin sa isang arsenal ng mga lumang armas. Ngunit ang sikolohikal na pagtagos ni Titian ay umabot sa pinakamataas na limitasyon sa larawang ito. Sa mga tuntunin ng kumpiyansa ng mga artistikong pamamaraan, ang larawang ito ay kamangha-manghang, sa mga tuntunin ng pagpapahayag ng karakter at diwa ng panahon - walang maihahambing dito. Tila si Clio mismo, ang muse ng History, ang nanguna sa kamay ng artista noong mga panahong iyon.

Si Perseus ay nasa mitolohiyang Griyego na anak ni Danae, na dinala ni Jupiter nang siya ay naging isang daloy ng ginintuang ulan. Kasama sa kanyang mga kabayanihan ang pagpugot kay Medusa, isa sa mga Gorgon na may buhok na ahas, at pagliligtas sa magandang Andromeda mula sa isang halimaw sa dagat. Ang huling paksa ay isang madalas na nakakaharap na hindi katutubong alamat. Si Perseus ay inilalarawan alinman bilang isang tipikal na bayani ng klasikal na sinaunang panahon o bilang isang nakabaluti na mandirigma. Hawak niya ang isang bilugan na espada - isang regalo mula kay Mercury - at isang nagniningning na kalasag na ibinigay sa kanya ni Minerva, ang kanyang tagapagtanggol.
Isinalaysay ni Ovid sa Metamorphoses kung paano ikinadena si Andromeda, ang anak ng haring Ethiopian sa isang bato sa baybayin bilang isang sakripisyo sa isang halimaw sa dagat. Si Perseus, na lumilipad sa kalangitan, ay umibig sa kanya sa unang tingin. Mabilis siyang bumaba, pinatay ang halimaw at pinalaya si Andromeda. Nilikha ni Rubens ang pagpipinta na "Perseus at Andromeda" sa panahon na ang kanyang trabaho ay lalong emosyonal at masayahin. Sa mga tuntunin ng pagiging perpekto ng pagpipinta at mataas na pagkakayari, ang gawaing ito ay isa sa mga obra maestra ng pintor. At dito para kay Rubens ang pangunahing bagay ay nananatili kung para saan ipinanganak ang tao: pakikibaka, tagumpay at pag-ibig.

Ang interesado kay Rubens ay hindi ang gawa mismo ni Perseus, hindi ang pakikibaka at paglaban, ngunit ang pagsasaya sa tagumpay na nakamit na, nang ang masayang hiyaw ay umalingawngaw mula sa dalampasigan at pinuri ng lahat ang makapangyarihang bayani. Sa larawang ito, lumilitaw si Perseus bilang isang matagumpay, ang may pakpak na diyosa na si Victoria (Kaluwalhatian) na may isang sanga ng palma at isang laurel wreath sa kanyang mga kamay ay nagpuputong sa nagwagi. Ang apotheosis ng Perseus ay nagiging isang tagumpay ng buhay, hindi na natatabunan ng anumang bagay, maganda at masaya. At nilulutas ni Rubens ang masining na gawain na ito nang may ganoong pagkakumpleto, na may ganitong kapana-panabik na kapangyarihan, na halos hindi pa nakatagpo noon. Ang matinding panloob na dinamika ng bawat linya, bawat anyo, ang kanilang pagtaas ng ritmo ay nakakamit ng pambihirang pagpapahayag dito. Ang isang hindi mapaglabanan na puwersa, na nagmamadaling pumasok tulad ng isang ipoipo mula sa isang lugar sa labas, ay nagbibigay sa buong komposisyon at sa mga umiikot na paggalaw, tulad ng sa isang whirlpool, ng isang direksyon.

S.M. Sandomirsky

Robert Wallace sa aklat mundo ni Leonardo, M., 1997 ay sumulat: “Sa dalawang suliranin na hinarap ng mga may-akda ng “The Last Supper” sa loob ng maraming siglo, nilutas ni Leonardo ang problema ng pagbibigay-diin kay Judas nang may pinakamadaling paraan. Inilagay niya si Judas sa parehong gilid ng mesa tulad ng iba, ngunit inihiwalay siya sa sikolohikal na paraan mula sa iba sa isang kalungkutan na higit na nakadurog kaysa sa pisikal na pag-alis lamang. Malungkot at puro, si Hudas ay umatras kay Kristo. Parang may isang siglong lumang selyo ng pagkakasala at kalungkutan sa kanya."
Si Judas ay nakaupo kasama ng lahat, tulad ng isang apostol sa mga apostol. Si Kristo ay nag-iisa, at iyon ang dahilan kung bakit siya ay malungkot, ngunit kung sino ang hindi gaanong nag-iisa ay si Judas. Kaya naman ang lakas ng loob niya. At hindi siya masisi, dahil ang pag-uusap sa pelikula ay hindi tungkol sa pagtataksil, ngunit tungkol sa pagliligtas sa mga kaluluwa ng mga taong hindi gaanong nababahala tungkol dito.
Isaalang-alang natin ang mga apostol, bagaman pagkatapos ng sinabi ay wala na silang pagpapasya.

12 11 10 9 8 7 Kristo 1 2 3 4 5 6
Bartholomew John Thomas Philip Matthew
Peter Jacob Simeon
Hudas

1. Thomas sa pintuan sa isang maliwanag na background. Nakakuyom ang kanang kamay, nakataas ang hintuturo: “Hindi papayagan ng Diyos ang ganitong krimen.”
2. Si Jacob ay tumitingin nang may takot sa dugo ng bagong tipan na bumubulwak mula sa kanyang pulso. Ang malawak na nakaunat na mga braso at kamay ay pinipigilan ang mga salita ni Kristo at sinisikap na protektahan ang mga nasa likuran niya.
3. Idiniin ni Philip ang kanyang mga daliri sa kanyang dibdib at may pagsusumamo sa kanyang mukha: "Magtiwala ka sa akin, imposible ito sa aking bahagi."
4. Tinanggap ng magkabilang kamay ang mga salita ni Kristo at sabay tingin sa ika-6: “Posible ba ang sinasabi niya.”
5. Tinanggap ni Simeon ang mga salita ni Kristo gamit ang kanyang kanang palad at tinanong ang ika-6.
6. Mateo, ang dalawang palad ay nakatutok kay Kristo - ibinalik niya ang kanyang mga salita: "Imposible ito!"
7. Juan. Ang mga daliri ay nakakapit at nakahiga sa mesa, na nagpapakita ng sakit at panghihina. Mabilis na lumingon sa kaliwa, nakapikit ang mga mata. Nakapatong ang ulo sa balikat.
8. Pedro. Ang kaliwang kamay ay tinatanggap ang mga salita ni Kristo at pinapakalma ang ika-7. Sa kanang kamay ay may kutsilyo - handa siyang patayin ang taksil.
9. Judas: matatag na mababang lakas, katuwiran sa sarili, determinasyon, lakas.
10. Nakataas ang mga palad sa antas ng dibdib: "Sino ang taksil?" Napasilip siya sa gilid ng kutsilyo.
11. Kanang kamay sa balikat ng ika-10: sumasang-ayon siya sa kanya. Tinatanggap niya ang mga salita ni Kristo.
12. Si Bartholomew ay tumayo nang mapagpasyang at handang kumilos.
Sa pangkalahatan, hindi pinapayagan ng tamang grupo ng mga apostol ang pagkakanulo; inamin ng kaliwa ang posibilidad na ito at determinadong parusahan ang taksil.
Sa kung gaano kalakas na umindayog si Juan sa kaliwa, ganap na pinalaya ang bintana, naroon ang liwanag ng katotohanan ni Kristo, at si Tomas, na nasa bintana sa antas ni Kristo, ngunit umaasa hindi para sa kanyang sarili, ngunit para sa Diyos; kung paano itinapon sa kanan ang ika-2 apostol, kung paano nalito, nalito, at nalilito ang iba pang mga disipulo, na ipinagkanulo ang kaisipan ni Leonardo da Vinci na ang mga ideya ng sakripisyo at kaligtasan, ang mga utos ng bagong tipan ni Kristo sa pamamagitan ng mga apostol - ang mahihinang mga taong ito - ay hindi isasagawa at ang kanyang sakripisyo ay magiging walang kabuluhan. Ito ang dahilan ng kawalang-pag-asa ni Kristo. Bukod dito, ang artist mismo ay nagbibigay pugay sa mataas na adhikain at sakripisyo ng makalupang Diyos.