Jazz sa russia. Sobiyet na politika at ang pagbuo ng jazz sa Russia Aling Russian singer ang gumanap ng jazz

Oleg Lundstrem - Caravan

Hindi tinatanggap ng iyong browser ang tag ng audio!

Habang ang jazz ay aktibong umuunlad sa Estados Unidos, sa post-rebolusyonaryong Russia noong 1920s, sinimulan na lamang nito ang paggalaw nito. Hindi masasabi na ang ganitong genre ng musikal ay ipinagbawal na kategorya, ngunit ang katotohanan na ang pag-unlad ng jazz sa Russia ay hindi napunta nang walang pagpuna mula sa mga awtoridad. Ang pananalitang "Ngayon ay naglalaro siya ng jazz, at bukas ibebenta niya ang kanyang tinubuang-bayan" (o isa pang mas sikat na "Mula sa saxophone hanggang sa Finnish kutsilyo - isang hakbang") - malinaw na sumasalamin sa saloobin patungo sa jazz sa USSR.

Mayroong isang bersyon na ang jazz sa USSR ay nakaligtas dahil sa katotohanan na ito ay itinuturing na "musika ng mga Negro", at ang Negroes bilang isang inaapi na bansa, at samakatuwid ay palakaibigan sa estado ng Sobyet. Samakatuwid, ang jazz sa Unyong Sobyet ay hindi napigilan, kahit na sa maraming mga mahuhusay na jazzmen ay hindi "masira" sa pangkalahatang publiko. Hindi sila pinapayagan na gumanap at magrekord sa mga talaan ng grapophone. Ang Jazz sa Russia ay itinuturing pa ring isang sinasabing ideolohikal na armas kung saan inilaan ng Estados Unidos na alipinin ang USSR. Ang mga sanggunian sa media sa jazz ay walang bisa.

Ang unang orkestra ng jazz sa Sobiyet na Russia ay nilikha sa Moscow noong 1922 ng makata, tagasalin, mananayaw, at teatro na si Valentin Parnakh at tinawag na "Ang unang eccentric orchestra ng jazz band ng Valentin Parnakh sa RSFSR".

Ang unang propesyonal na banda ng jazz na lumitaw sa radyo at nagtala ng isang disc ay ang orkestra ng piano ng Moscow at kompositor na si Alexander Tsfasman - ang kanyang orkestra ng AMA-Jazz na ginanap sa radyo ng Moscow noong 1927 at naitala ang disc ng Hallelujah. Kasunod sa kanya, ang unang bahagi ng mga bandang jazz ng Sobyet na dalubhasa sa pagsasagawa ng mga naka-istilong sayaw - foxtrot a, charleston at iba pa.

Gayunpaman, ang Leonid Utesov ay maaaring ituring na "ama" ng Russian jazz. Sa kamalayan ng masa ng Sobyet, ang jazz ay nagsimulang makakuha ng malawak na katanyagan noong 30s, salamat sa ensemble ng Leningrad sa pamumuno ng aktor at mang-aawit na si Leonid Utyosov at ang trumpeta na si Y.B. Skomorovsky. Ang tanyag na pelikula ng komedya kasama ang kanyang pakikilahok na "Jolly Fellows" (1934, na orihinal na tinawag na "Jazz Comedy") ay inilaan sa kasaysayan ng isang musikero ng jazz at may kaukulang tunog ng tunog (isinulat ni Isaac Dunaevsky). Ang Utesov at Skomorovsky ay nabuo ang orihinal na istilo ng "tea-jazz" (theatrical jazz), na batay sa isang halo ng musika at teatro, operetta, iyon ay, mga numero ng tinig at isang elemento ng pagganap na gumanap ng malaking papel dito.

Leonid Utesov - Tumungo Odesit

Ang gawain ng kompositor at pinuno ng orkestra na si Eddie Rosner ay malaki ang nakakaimpluwensya sa pag-unlad ng Soviet jazz. Sinimulan niya ang kanyang karera sa Alemanya at Poland, at nang siya ay dumating sa USSR, siya ay naging isa sa mga payunir ng swing sa USSR. Ang mga banda ng Moscow noong 1930s at 1940s ay gumanap din ng isang mahalagang papel sa pag-popularization at mastering ng estilo ng swing. sa pamumuno nina Alexander Tsfasman at Alexander Varlamov a. Malawakang kilala ang Ole-Lundstrem's (bisitahin ang Tsina noong 1935 - 1947)

Ang "tunaw" ni Khrushchev ay pinagaan ang pag-uusig sa mga musikero. Ang VI World Youth Festival, na gaganapin sa Moscow, ay nagsilang ng isang bagong henerasyon ng mga jazzmen ng Sobyet. Pumasok ang Soviet jazz sa arena ng Europa. Ang II Moscow Jazz Festival ay bumaba sa kasaysayan - ang all-Union recording company na "Melodia" ay naglabas ng isang koleksyon ng pinakamahusay na mga musikal na numero ng pagdiriwang. Ang mga pangalan ng mga musikero ng jazz na sina Igor Bril, Boris Frumkin at iba pa ay kilala. Ang paglilibot ni Leonid Chizhik sa Estados Unidos ay nagdulot ng isang tunay na sensasyon sa mga pampublikong Amerikano, na nagpapakita ng pinakamataas na antas ng kasanayan ng mga pianista ng Russia.

Sa 50-60s. sa Moscow, ang mga orkestra nina Eddie Rosner at Oleg Lundstrem ay nagpatuloy sa kanilang mga aktibidad. Kasama sa mga bagong ensembles ang mga orkestra nina Joseph Weinstein (Leningrad) at Vadim Ludvikovsky (Moscow), pati na rin ang Riga Variety Orchestra (REO). Ang mga malalaking banda ay nagdala ng isang buong kalawakan ng mga mahuhusay na arranger at soloists-improviser. Kabilang sa mga ito ay sina Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin.

Sa panahong ito, ang kamara at club jazz ay aktibong umuunlad sa lahat ng pagkakaiba-iba ng estilo nito (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golstein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman , Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik, atbp. Marami sa nabanggit na masters ng Soviet jazz ang nagsimula ng kanilang karera sa entablado ng maalamat na jazz club ng Moscow "

Bilang isa sa pinaka pinarangalan na porma ng musikal na sining sa Amerika, inilatag ng jazz ang pundasyon para sa isang buong industriya, na inihayag sa mundo ang maraming mga pangalan ng mga henyo na kompositor, instrumentalista, at mga bokalista, at pag-spawning ng isang malawak na hanay ng mga genre. Ang 15 pinaka-maimpluwensyang musikero ng jazz ay responsable para sa isang pandaigdigang kababalaghan na naganap sa nakaraang siglo sa kasaysayan ng genre.

Bumuo si Jazz sa mga huling taon ng ika-19 na siglo at sa simula ng ika-20 bilang isang kalakaran na pinagsasama ang mga klasikal na European at Amerikano na mga motibo ng Africa. Ang mga kanta ay ginanap gamit ang isang naka-syncopated na ritmo, na nagbibigay ng impetus sa pag-unlad, at pagkatapos ay ang pagbuo ng malalaking orkestra para sa pagganap nito. Ang musika ay gumawa ng isang malaking hakbang pasulong mula sa oras ng pagtulog hanggang sa modernong jazz.

Ang impluwensya ng kulturang musikal ng West Africa ay maliwanag sa kung anong nakasulat ng musika at kung paano ito ginanap. Polyrhythm, improvisation at pag-syncopation kung ano ang nagpapakilala sa jazz. Sa nakaraang siglo, ang estilo na ito ay nagbago sa ilalim ng impluwensya ng mga kontemporaryo ng genre, na nag-ambag ng kanilang pagganap sa kakanyahan ng improvisasyon. Ang mga bagong direksyon ay nagsimulang lumitaw - bebop, pagsasanib, Latin American jazz, libreng jazz, funk, acid jazz, hard bop, makinis na jazz, at iba pa.

15 Art Tatum

Ang Art Tatum ay isang jazz pianist at virtuoso na halos bulag. Kilala siya bilang isa sa mga pinakadakilang pianista sa lahat ng oras, na nagbago sa papel ng piano sa ensakto ng jazz. Tumayo si Tatum upang makalikha ng kanyang sariling natatanging istilo ng paglalaro, pagdaragdag ng ritmo ng swing at hindi kapani-paniwala na improvisasyon Ang kanyang pag-uugali sa musika ng jazz ay radikal na nagbago ang kahulugan ng grand piano sa jazz bilang isang instrumento sa musika kumpara sa mga nakaraang katangian.

Ang Tatum ay nag-eksperimento sa mga pinsala ng melody, na nakakaimpluwensya sa istraktura ng chord at pinalawak ito. Ang lahat ng ito ay nailalarawan ang estilo ng bebop, na kung saan ay kilala na maging tanyag na sampung taon mamaya, nang lumitaw ang unang pag-record sa ganitong genre. Nabanggit din ng mga kritiko ang kanyang hindi magagawang diskarte sa paglalaro - nagawa ni Art Tatum ang pinakamahirap na mga sipi na may ganoong kadalian at bilis na tila ang kanyang mga daliri ay bahagyang naantig ang itim at puting mga susi.

14 Thelonious Monk

Ang ilan sa mga pinaka-kumplikado at iba't-ibang mga tunog ay matatagpuan sa repertoire ng pianista at kompositor, isa sa pinakamahalagang kinatawan ng panahon ng paglitaw ng bebop at ang kasunod na pag-unlad nito. Ang kanyang napaka pagkatao bilang isang masayang musika musikero ay nakatulong sa pamamahagi ng jazz. Ang monghe, laging nakasuot ng suit, sumbrero at salaming pang-araw, hayag na ipinahayag ang kanyang malayang pag-uugali patungo sa improvisational na musika. Hindi siya tumanggap ng mahigpit na mga patakaran at nabuo ang sariling pamamaraan sa pagsulat ng mga sanaysay. Ang ilan sa kanyang pinaka-napakatalino at sikat na mga gawa ay ang Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I mean You and Well, Hindi mo Kailangan.

Ang estilo ng paglalaro ng monghe ay batay sa isang makabagong diskarte sa improvisasyon. Ang kanyang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng mga talakay sa talakay at biglang pag-pause. Madalas, sa panahon ng kanyang pagtatanghal, tumalon siya mula sa piano at sumayaw habang ang iba pang mga miyembro ng banda ay patuloy na naglalaro ng himig. Ang Thelonious Monk ay nananatiling isa sa mga pinaka-maimpluwensyang musikero ng jazz sa kasaysayan ng genre.

13 Charles Mingus

Ang kinikilala na dobleng bass virtuoso, kompositor at pinuno ng banda ay isa sa mga pinaka pambihirang musikero sa tanawin ng jazz. Bumuo siya ng isang bagong istilo ng musikal, pinagsasama ang ebanghelyo, matigas na bop, libreng jazz at klasikal na musika. Ang mga kontemporaryo ay tinawag na Mingus "ang tagapagmana ng Duke Ellington" para sa kanyang kamangha-manghang kakayahang sumulat ng mga gawa para sa mga maliliit na jazz ensembles. Sa kanyang mga komposisyon, ipinakita ng lahat ng mga miyembro ng koponan ang kasanayan ng laro, na ang bawat isa ay hindi lamang talento, ngunit nailalarawan sa pamamagitan ng isang natatanging istilo ng pag-play.

Maingat na pinili ni Mingus ang mga musikero na bumubuo sa kanyang banda. Ang maalamat na dobleng manlalaro ng bass ay kapansin-pansin sa kanyang kawalang-galang, at sa sandaling sinuntok pa niya ang mukha ng trombonist na si Jimmy Knepper, na pinatok ang kanyang ngipin. Nagdusa si Mingus mula sa isang nalulumbay na karamdaman, ngunit hindi pa handa na makatiis sa katotohanan na nakakaapekto ito sa kanyang malikhaing aktibidad. Sa kabila ng karamdaman na ito, si Charles Mingus ay isa sa mga pinaka-impluwensyang numero sa kasaysayan ng jazz.

12 Art Blakey

Si Art Blakey ay isang kilalang Amerikanong drummer at pinuno ng banda na gumawa ng isang splash sa istilo ng drum at pamamaraan. Pinagsama niya ang swing, blues, funk at hard bop - isang istilo na naririnig ngayon sa bawat modernong komposisyon ng jazz. Kasama sina Max Roach at Kenny Clark, nag-imbento siya ng isang bagong paraan ng paglalaro ng bebop sa mga tambol. Sa loob ng higit sa 30 taon, ang kanyang banda na Ang Jazz Mess messenger ay nagbigay ng isang pagsisimula sa malaking jazz ng maraming mga artist ng jazz: Benny Golson, Wayne Shorter, Clifford Brown, Curtis Fuller, Horace Silver, Freddie Hubbard, Keith Jarrett, atbp.

Ang Jazz Ambassadors ay hindi lamang lumikha ng nakamamanghang musika - sila ay isang uri ng ground training ground para sa mga batang may talento na musikero tulad ng band ni Miles Davis '. Ang istilo ng Art Blakey ay nagbago ng napaka tunog ng jazz, na naging isang bagong milestone ng musikal.

11 Nahihilo na Gillespie

Ang manlalaro ng trumpeta ng jazz, mang-aawit, kompositor at pinuno ng banda ay naging isang kilalang pigura sa mga araw ng bebop at modernong jazz. Naimpluwensyahan ng kanyang istilo ng trumpeta ang estilo nina Miles Davis, Clifford Brown at Fats Navarro. Matapos ang kanyang oras sa Cuba, sa pagbabalik sa Estados Unidos, si Gillespie ay isa sa mga musikero na aktibong nagsusulong ng Afro-Cuban jazz. Bilang karagdagan sa kanyang hindi maihahalagang pagganap sa isang natatanging hubog na trumpeta, si Gillespie ay nakilala sa pamamagitan ng kanyang sungay-rimmed na baso at hindi kapani-paniwalang malaking pisngi habang naglalaro.

Ang mahusay na jazz improviser na si Dizzy Gillespie, tulad ng Art Tatum, ay nagbago ng pagkakaisa. Ang mga komposisyon ng Salt Peanuts at Goovin 'High ay ganap na naiiba sa ritwal mula sa mga nakaraang gawa. Manatiling matapat sa bebop sa buong kanyang karera, si Gillespie ay naalala bilang isa sa mga pinaka-maimpluwensyang mga jazz trumpeta.

10 Max Roach

Kabilang sa nangungunang sampung 15 pinaka-impluwensyang musikero ng jazz sa kasaysayan ng genre ay si Max Roach, isang drummer na kilala bilang isa sa mga pioneer ng bebop. Siya, tulad ng ilang iba pa, naimpluwensyahan ang mga modernong tambol. Si Roach ay isang aktibista ng karapatang sibil at nakipagtulungan kay Oscar Brown Jr. at Coleman Hawkins sa album na We Insist! - Kalayaan Ngayon ("Pinipilit namin! - Kalayaan ngayon"), na nakatuon sa ika-100 anibersaryo ng pag-sign ng Proklamasyon ng Emancipation. Si Max Roach ay isang tao ng estilo ng paglalaro na hindi nagkakamali, na may kakayahang maglaro ng mahabang solong sa buong konsiyerto. Ganap na ang anumang tagapakinig ay nasisiyahan sa kanyang hindi malubhang kasanayan.

9 Billie Holiday

Ang Lady Day ay ang paborito ng milyon-milyong. Nagsulat lamang si Billie Holiday ng ilang mga kanta, ngunit kapag kumanta siya, ibinalot niya ang tinig mula sa mga unang tala. Ang kanyang pagganap ay malalim, personal at kahit na intimate. Ang kanyang estilo at intonasyon ay inspirasyon ng mga tunog ng mga instrumentong pangmusika na narinig niya. Tulad ng halos lahat ng mga musikero na inilarawan sa itaas, siya ay naging tagalikha ng isang bago, ngunit estilo ng boses, batay sa mahabang mga parirala ng musikal at ang tempo ng kanilang pagkanta.

Ang sikat na Strange Fruit ay hindi lamang ang pinakamahusay sa karera ni Billie Holiday, ngunit sa buong kasaysayan ng jazz dahil sa kaluluwa ng pagganap ng mang-aawit. Siya ay pinarangalan ng prestihiyosong mga parangal at pinasok sa Grammy Hall of Fame.

8 John Coltrane

Ang pangalan ni John Coltrane ay nauugnay sa diskarte sa paglalaro ng virtuoso, napakahusay na talento para sa pagbubuo ng musika at isang pagnanasa sa paggalugad ng mga bagong facet ng genre. Sa cusp ng pinagmulan ng matigas na bop, nakamit ng saksoponista ang matinding tagumpay at naging isa sa mga pinaka-impluwensyang musikero sa kasaysayan ng genre. Ang musika ng Coltrane ay malupit at naglaro siya ng may mataas na intensity at dedikasyon. Nagawa niyang i-play ang nag-iisa at hindi maayos sa isang ensemble, na lumilikha ng mga solo na bahagi ng hindi maisip na tagal. Nagpe-play ng tenor at soprano saxophone, nagawa ng Coltrane na lumikha ng melodic compositions sa estilo ng makinis na jazz.

Si John Coltrane ay may-akda ng isang uri ng "reboot ng bebop", na isinasama ang mga kapahamakan ng modal. Nananatili ang pangunahing aktibong pigura sa avant-garde, siya ay isang napaka-praktikal na kompositor at hindi tumigil sa paglabas ng mga disc, na naitala ang tungkol sa 50 mga album bilang isang pinuno ng banda sa buong kanyang karera.

7 Bilangin ang Basie

Ang rebolusyonaryong pianista, organista, kompositor at pinuno ng banda na si Count Basie ang nanguna sa isa sa mga pinakamatagumpay na banda sa kasaysayan ng jazz. Sa 50 taon, ang Count Basie Orchestra, kabilang ang hindi kapani-paniwalang mga musikero tulad ng Sweets Edison, Buck Clayton at Joe Williams, ay nagkamit ng isang reputasyon bilang isa sa mga pinaka-hinahangad na malaking banda ng Amerika. Ang nagwagi ng siyam na mga parangal ng Grammy na si Count Basie ay nagtanim ng isang pag-ibig ng tunog ng orkestra sa higit sa isang henerasyon ng mga tagapakinig.

Maraming mga komposisyon ang isinulat ni Basie na naging mga pamantayan ng jazz, tulad ng Abril sa Paris at One O'Clock Jump. Ang mga kolehiyo ay nagsalita tungkol sa kanya bilang mataktika, katamtaman at buong sigasig. Kung hindi ito sa kasaysayan ng bilang ng Basie orchestra jazz, ang panahon ng mga malalaking banda ay magkakaiba ang tunog at marahil ay hindi naging maimpluwensyang dahil ito ay naging may natatanging pinuno ng banda na ito.

6 Coleman Hawkins

Ang tenor saxophone ay isang simbolo ng bebop at lahat ng musika ng jazz sa pangkalahatan. At nagpapasalamat sa maaari naming maging Coleman kay Hawkins. Ang makabagong pagbabago ng Hawkins ay mahalaga sa pag-unlad ng bebop sa kalagitnaan ng mga forties. Ang kanyang mga kontribusyon sa pagiging popular ng instrumento na ito ay maaaring magkaroon ng hugis sa hinaharap na mga karera nina John Coltrane at Dexter Gordon.

Ang komposisyon ng Katawan at Kaluluwa (1939) ay naging pamantayan ng paglalaro ng tenor saxophone para sa maraming mga saksoponista. Ang iba pang mga instrumentalista ay naiimpluwensyahan ni Hawkins - pianist Thelonious Monk, trompeta Miles Davis, drummer na si Max Roach. Ang kanyang kakayahan para sa pambihirang improvisasyon ay humantong sa pagtuklas ng mga bagong panig ng jazz ng genre, na hindi baliw sa kanyang mga kontemporaryo. Ito ay bahagyang nagpapaliwanag kung bakit ang tenor saxophone ay naging isang mahalagang bahagi ng modernong jazz ensemble.

5 Benny Goodman

Binubuksan ang lima sa 15 pinaka-impluwensyang musikero ng jazz sa kasaysayan ng genre. Pinangunahan ng sikat na King of Swing ang halos pinakapopular na orkestra noong unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang kanyang 1938 Carnegie Hall concert ay kinikilala bilang isa sa pinakamahalagang live na konsiyerto sa kasaysayan ng musika ng Amerika. Ipinapakita ng palabas na ito ang pagdating ng panahon ng jazz, ang pagkilala sa genre na ito bilang isang malayang form ng sining.

Sa kabila ng katotohanan na si Benny Goodman ay ang nangungunang mang-aawit ng isang malaking orkestra sa swing, nakibahagi rin siya sa pagbuo ng bebop. Ang kanyang orkestra ay naging isa sa una upang makapagsama ng mga musikero ng iba't ibang karera. Si Goodman ay isang matapang na kalaban ng Jim Crow Law. Ibinagsak pa niya ang isang southern tour bilang suporta sa pagkakapantay-pantay ng lahi. Si Benny Goodman ay isang aktibong aktibista at repormador hindi lamang sa jazz, kundi pati na rin sa mga sikat na musika.

4 Miles Davis

Ang isa sa mga sentral na figure ng jazz noong ika-20 siglo, si Miles Davis, ay nagmula sa maraming mga kaganapan sa musikal at pinangasiwaan ang kanilang pag-unlad. Siya ay kredito sa pagpapayunir ng mga genre ng bebop, hard bop, cool jazz, libreng jazz, pagsasanib, funk at musika ng musika. Sa kanyang patuloy na paghahanap para sa isang bagong estilo ng musikal, palagi siyang matagumpay at napapalibutan ng mga makikinang na musikero, kasama sina John Coltrane, Cannoball Adderly, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter at Chick Corea. Sa kanyang buhay, si Davis ay iginawad ng 8 mga Grammy na parangal at pinasok sa Rock and Roll Hall of Fame. Si Miles Davis ay isa sa mga pinaka-aktibo at maimpluwensyang musikero ng jazz noong huling siglo.

3 Charlie Parker

Kapag nag-iisip ka ng jazz, nag-iisip ka ng isang pangalan. Kilala rin bilang Bird Parker, siya ay isang payunir ng jazz alto saxophone, musikero ng bebop at kompositor. Ang kanyang mabilis na paglalaro, malinaw na tunog at talento bilang isang improviser ay may malaking epekto sa mga musikero ng panahong iyon at sa ating mga kontemporaryo. Bilang isang kompositor, binago niya ang mga pamantayan para sa pagsulat ng jazz. Si Charlie Parker ay naging musikero na linangin ang ideya na ang mga jazzmen ay mga artista at intelektuwal, hindi lamang mga showmen. Sinubukan ng maraming artista na kopyahin ang estilo ni Parker. Ang kanyang tanyag na mga diskarte sa paglalaro ay maaaring masubaybayan sa paraan ng marami sa mga baguhan na musikero ngayon, na nagsasabing batayan ng komposisyon ng Bird, na katugma sa palayaw ng alt-sacosophist.

2 Duke Ellington

Siya ay isang mahusay na pianista, kompositor at isa sa mga pinakahusay na pinuno ng orkestra. Kahit na siya ay kilala bilang isang payunir ng jazz, siya ay higit sa iba pang mga genre, kabilang ang ebanghelyo, blues, klasikal at tanyag na musika. Ito ay si Ellington na na-kredito sa paggawa ng jazz ng isang hiwalay na form ng sining. Sa hindi mabilang na mga parangal at mga premyo, ang unang mahusay na kompositor ng jazz ay hindi tumigil sa pagpapabuti. Naging inspirasyon niya ang mga susunod na henerasyon ng mga musikero kabilang ang Sonny Stitt, Oscar Peterson, Earl Hines, Joe Pass. Si Duke Ellington ay nananatiling isang kilalang jazz grand piano genius, instrumentalist at kompositor.

1 Louis Armstrong

Hindi mapag-aalinlanganan ang pinaka-maimpluwensyang musikero ng jazz sa kasaysayan ng genre - na kilala bilang Sachmo - isang trumpeta player at mang-aawit mula sa New Orleans. Kilala siya bilang tagalikha ng jazz at gumanap ng isang pangunahing papel sa pag-unlad nito. Ang kapansin-pansin na mga kakayahan ng performer na ito ay posible upang mabuo ang trumpeta sa isang solo na instrumento ng jazz. Siya ang unang musikero na kumanta at pamilyar sa estilo ng pagkalat. Ang kanyang mababang "kulog" timbre ng tinig ay imposible na hindi makilala.

Ang pagsunod sa Armstrong sa kanyang sariling mga ideal ay naiimpluwensyahan ang gawain nina Frank Sinatra at Bing Crosby, Miles Davis at Dizzy Gillespie. Naimpluwensyahan ni Louis Armstrong hindi lamang ang jazz, kundi ang buong kultura ng musika, na nagbibigay sa mundo ng isang bagong genre, natatanging istilo ng pag-awit at istilo ng paglalaro ng trumpeta.

Ang isang bagong kalakaran sa musikal na tinawag na jazz ay lumitaw sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo bilang resulta ng pagsasanib ng kultura ng European at Africa. Siya ay nailalarawan sa pamamagitan ng improvisasyon, pagpapahayag at isang espesyal na uri ng ritmo.

Sa pinakadulo simula ng ikadalawampu siglo, ang mga bagong ensemble ng musikal ay nagsimulang nilikha, tinawag. Kasama nila ang hangin (trumpeta, clarinet trombone), double bass, piano at percussion na mga instrumento.

Ang mga kilalang musikero ng jazz, salamat sa kanilang talento para sa improvisasyon at kakayahang subtly na maramdaman ang musika, nagbigay impetus sa pagbuo ng maraming mga direksyon sa musikal. Si Jazz ay naging pangunahing mapagkukunan ng maraming mga kontemporaryong genre.

Kaya, na ang pagganap ng mga komposisyon ng jazz ay gumawa ng labis na kasiyahan sa tagapakinig ng tagapakinig?

Louis Armstrong

Para sa maraming mga mahilig sa musika, ang kanyang pangalan ay nauugnay sa jazz. Ang nakasisilaw na talento ng musikero ay nabighani mula sa mga unang minuto ng pagganap. Ang pagsasama-sama kasama ang isang instrumento ng musika - isang trumpeta - inilagay niya ang kanyang mga tagapakinig sa euphoria. Si Louis Armstrong ay nagpunta sa mahirap na paraan mula sa isang maliksing maliit na batang lalaki mula sa isang mahirap na pamilya hanggang sa sikat na Hari ng Jazz.

Duke Ellington

Isang hindi masasayang taong malikhaing. Isang kompositor na ang musika ay nilalaro sa pag-apaw ng maraming mga estilo at mga eksperimento. Ang isang may talento na pianista, tagapag-ayos, kompositor, pinuno ng orkestra ay hindi napapagod sa pagkagulat sa kanyang pagiging makabago at pagka-orihinal.

Ang kanyang natatanging mga gawa ay nasubok nang may labis na sigasig ng pinakasikat na orkestra ng oras na iyon. Ito ay si Duke na may ideya na gamitin ang tinig ng tao bilang isang instrumento. Mahigit sa isang libong ng kanyang mga gawa, na tinawag ng mga connoisseurs "ang gintong pondo ng jazz", ay naitala sa 620 disc!

Ella Fitzgerald

Ang "Unang Ginang ng Jazz" ay may natatanging tinig, ang pinakamalawak na hanay ng tatlong octaves. Mahirap na mabilang ang mga parangal na parangal ng may talento na Amerikanong babae. Ang 90 mga album ni Ella na nakakalat sa buong mundo sa hindi kapani-paniwala na mga numero. Mahirap isipin! Para sa 50 taong pagkamalikhain, halos 40 milyong mga album sa kanyang pagganap ay naibenta. Pamamahala sa talento ng improvisasyon, madali siyang nagtulungan sa isang duet kasama ang iba pang mga sikat na performer ng jazz.

Ray Charles

Isa sa mga pinakatanyag na musikero, na tinawag na "ang tunay na henyo ng jazz." Ang 70 mga album ng musika ay naibenta sa maraming mga kopya sa buong mundo. Mayroon siyang 13 mga parangal Grammy. Ang kanyang mga komposisyon ay naitala sa Library of Congress. Ang sikat na magazine na Rolling Stone ay niraranggo si Ray Charles bilang numero 10 sa daan-daang magagaling na artista sa lahat ng oras sa The List of Immortals.

Miles Davis

Isang Amerikanong manlalaro ng trumpeta na inihambing sa pintor na Picasso. Ang kanyang musika ay lubos na naiimpluwensyahan ang paghubog ng musika ng ika-20 siglo. Si Davis ay isang kagalingan ng maraming mga estilo sa jazz, ang lawak ng mga interes at kakayahang magamit para sa isang madla ng iba't ibang edad.

Frank Sinatra

Ang sikat na jazz player hails mula sa isang mahirap na pamilya, maikli sa tangkad at hindi naiiba sa anumang panlabas. Ngunit nabihag niya ang mga tagapakinig sa kanyang mabulok na baritone. Ang may talento na bokalista ay naka-star sa mga musikal at pelikulang drama. Nakatanggap siya ng maraming mga parangal at mga espesyal na parangal. Nakatanggap ng isang Oscar para sa The House I Live In

Billie Holiday

Isang buong panahon sa pagbuo ng jazz. Ang mga kanta na isinagawa ng mang-aawit ng Amerikano ay nakakuha ng sariling katangian at ningning, na ginampanan ng mga pag-apaw ng pagiging bago at bago-bago. Ang buhay at gawain ng "Lady Day" ay maikli, ngunit matingkad at natatangi.

Ang mga bantog na musikero ng jazz ay nagpayaman sa sining ng musika na may senswal at emosyonal na ritmo, pagpapahayag at kalayaan ng improvisasyon.

Ang kasaysayan ng Sobyet (pagkatapos ng 1991 - Ruso) jazz ay wala sa pagka-orihinal at naiiba mula sa pag-uugali ng American at European jazz.

Hinahati ng mga istoryador ng musika ang American jazz sa tatlong panahon:

• tradisyonal na jazz, kabilang ang estilo ng New Orleans (kabilang ang Dixieland), istilo at pag-ugoy sa Chicago - mula sa huling bahagi ng ika-19 na siglo. hanggang sa 1940s;
• moderno (modernong jazz), kabilang ang mga bebop, cool, progresibo at mahirap na labanan - mula noong unang bahagi ng 40s. at hanggang sa katapusan ng 50s. XX siglo;
• vanguard (libreng jazz, modal style, pagsasanib at libreng improvisasyon) - mula noong unang bahagi ng 1960.

Dapat pansinin na ang mga temporal na hangganan ng pagbabagong-anyo ng isang partikular na istilo o direksyon ay ipinahiwatig sa itaas, bagaman lahat sila ay nagkakasamang at patuloy na umiiral hanggang sa araw na ito.

Sa lahat ng nararapat na paggalang sa Soviet jazz at mga masters nito, dapat itong matapat na aminin na ang Soviet jazz sa mga taong Sobyet ay palaging pangalawang, batay sa mga ideya na orihinal na bumangon sa Estados Unidos. At pagkatapos lamang ng Russian jazz ay umalis na sa mahabang panahon, sa pagtatapos ng XX siglo. maaari naming pag-usapan ang tungkol sa pagka-orihinal ng jazz na ginanap ng mga musikero ng Russia. Gamit ang yaman ng jazz na naipon sa loob ng isang siglo, lumipat sila ng kanilang sariling paraan.

Ang pagsilang ng jazz sa Russia ay naganap sa isang quarter ng isang siglo mamaya kaysa sa counterpart nito sa ibang bansa, at ang panahon ng archaic jazz na napasa ng mga Amerikano ay hindi sa kasalukuyan sa kasaysayan ng Russian jazz. Sa oras na iyon, nang sa mga batang Russia ay narinig lamang nila ang isang bagong karanasan sa musika, ang Amerika ay nagsasayaw na may lakas at pangunahing sa jazz, at napakaraming mga orkestra na imposible na mabilang ang kanilang bilang. Sinakop ng musika ng Jazz ang isang mas malaking tagapakinig, mga bansa at mga kontinente. Ang pampublikong European ay mas masuwerte. Nasa 1910s, at lalo na sa Unang Digmaang Pandaigdig (1914-1918), ang mga Amerikanong musikero ay humanga sa Old World sa kanilang sining, at ang industriya ng pag-record ay nag-ambag din sa pagkalat ng musika ng jazz.

Ang kaarawan ng Soviet jazz ay itinuturing na Oktubre 1, 1922, nang ang unang sira-sira na jazz band sa RSFSR ay nagbigay ng isang konsiyerto sa Great Hall of the State Institute of Theatre Arts. Ito ay kung paano isinulat ang salita - bandang jazz. Ang orkestra na ito ay inayos ng isang makata, tagasalin, travel geographer at dancer Valentin Parnakh(1891-1951). Noong 1921, bumalik siya sa Russia mula sa Paris, kung saan siya nakatira mula pa noong 1913 at pamilyar sa mga natitirang artista, manunulat at makata. Ito ay sa Pransya na ang pambihirang at mataas na edukado na tao na ito, bahagyang mahiwaga, na nagmamahal sa lahat ng avant-garde, ay nakilala ang unang performers ng jazz panauhin mula sa Amerika at, dinala ng musika na ito, ay nagpasya na makilala ang mga tagapakinig ng Russia na may musika exoticism. Ang bagong orkestra ay nangangailangan ng hindi pangkaraniwang mga instrumento, at dinala ni Parnakh sa Moscow isang banjo, mga hanay ng mga mute para sa isang trumpeta, tomtom na may foot pedal, cymbals at mga instrumento sa ingay. Si Parnach, na hindi isang musikero, ay gumamot sa musika ng jazz sa isang utilitarian na paraan. "Naakit siya sa musikang ito sa pamamagitan ng hindi pangkaraniwang, sirang mga ritmo at bago, tulad ng sinabi niya," sira-sira "na mga sayaw," ang bantog na manunulat, tagapaglarawan, tagasulat ng screen na si Yevgeny Gabrilovich na naalaala, kalaunan ay nagtrabaho bilang isang pianista sa orkestra ng Valentin Parnakh.

Ang musika, ayon kay Parnach, ay dapat na isang saliw sa mga paggalaw ng plastik, naiiba sa klasikal na ballet. Mula sa pinakadulo simula ng pagkakaroon ng orkestra, iginiit ng konduktor na ang isang grupo ng jazz ay dapat na isang "gayahin na orkestra", kaya sa kasalukuyan nitong kahulugan ang gayong orkestra ay bahagya na matatawag na jazz nang buo. Malamang ito ay isang banda sa ingay. Marahil sa kadahilanang ito, ang una na jazz sa Russia ay nag-ugat sa teatro na kapaligiran, at sa loob ng tatlong taon ang Parnakh Orchestra ay gumanap sa mga palabas na direktor ng teatro director na Vsevolod Meyerhold. Bilang karagdagan, ang orkestra kung minsan ay nakibahagi sa mga pagdiriwang ng karnabal, na ginanap sa House of the Press, kung saan nagtipon ang mga intelligentsia ng Moscow. Sa konsiyerto na nakatuon sa pagbubukas ng 5th Kongreso ng Comintern, ang mga miyembro ng orkestra ay nagsagawa ng mga sipi mula sa musika ni Darius Millau hanggang sa ballet na "Bull on the Roof" - isang gawa na medyo mahirap gawin. Ang jazz band ni Parnakh ay ang unang pangkat na inanyayahan sa State Academic Drama Theatre, ngunit pagkaraan ng ilang sandali ang inilapat na kahulugan ng orkestra ay naging maliit upang umangkop sa pinuno, at si Vsevolod Meyerhold ay inis na sa sandaling magsimulang maglaro ang orchestra, ang lahat ng atensyon ng madla ay nai-rive sa mga musikero. at hindi sa pag-aksyon sa entablado. Sa kabila ng katotohanan na napansin ng press ang matagumpay na paggamit ng musika para sa "pagpapakita ng isang dramatikong ritmo, ang pagbugbog ng pulso ng pagganap," ang direktor na si Meyerhold ay nawalan ng interes sa orkestra, at ang pinuno ng unang jazz band sa Russia, pagkatapos ng mahusay at maingay na tagumpay, ay bumalik sa tula. Si Valentin Parnakh ay ang unang akda ng mga artikulo ng Ruso sa bagong musika, kahit na nagsulat ng tula tungkol sa jazz. Walang mga pagrekord ng Parnakhov ensemble, dahil ang pag-record ay lumitaw sa USSR lamang noong 1927, nang ang kolektibo ay na-disband. Sa oras na ito, higit pang mga propesyonal na tagapalabas ang lumitaw sa bansa kaysa sa "Ang unang sira-sira na orkestra sa RSFSR - jazz band ni Valentin Parnakh". Mga orkestra sila Teplitsky, Landsberg, Utesov, Tsfasman.

Sa pagtatapos ng 1920s. sa USSR mayroong mga mahilig, lumitaw ang mga musikero na naglaro kung ano ang "narinig", na kahit papaano ay nagmula sa jazz Mecca, mula sa Amerika, kung saan sa oras na iyon ay nagsimulang lumitaw ang malalaking orkestra. Noong 1926 sa Moscow isang nagtapos ng Conservatory at isang napakatalino na pianista ng virtuoso Alexander Tsfasman(1906-1971) isinaayos ang "AMA-jazz" (sa kooperatiba ng paglalathala ng Samahan ng mga May-akda ng Moscow). Ito ang unang propesyonal na jazz orchestra sa Soviet Russia. Ginawa ng mga musikero ang mga komposisyon ng pinuno mismo, ang kanyang pag-aayos ng mga pag-play ng Amerikano at ang unang musikal na opus ng mga kompositor ng Sobyet na nagsulat ng musika sa isang genre na bago sa kanila. Ang orkestra ay matagumpay na gumanap sa entablado ng mga malalaking restawran, sa mga foyer ng pinakamalaking mga sinehan. Sa tabi ng pangalan ni Alexander Tsfasman, maaari mong paulit-ulit na ulitin ang salitang "una". Noong 1928, ang orkestra na gumanap sa radyo - sa kauna-unahang pagkakataon ang tunog ng jazz ng Soviet ay tumunog sa hangin, at pagkatapos ay lumitaw ang mga unang tala ng jazz music (Hallelujah ni Vincent Humans at Seminole ni Harry Warren). Si Alexander Tsfasman ay ang may-akda ng unang jazz radio show sa ating bansa. Noong 1937, ang mga talaan ng mga gawa ni Tsfasman ay ginawa: "Sa Isang Mahabang Paglalakbay", "Sa Dagat ng Dagat", "Hindi matagumpay na Petsa" (tandaan lamang ang mga linya: "Pareho kaming: Nasa parmasya ako, at hinahanap kita sa sinehan, kaya, bukas - sa parehong lugar, sa parehong oras! "). Ang paggamot ni Tsfasman sa pagkuha ng Polish, na karaniwang kilala bilang "The Burnt Sun", ay nasiyahan sa hindi nagbabago na tagumpay. Noong 1936 A. Ang orkestra ni Tsfasman ay kinilala bilang pinakamahusay sa pagpapakita ng mga orkestra ng jazz. Sa kakanyahan, maaari itong tawaging isang festival ng jazz na inayos ng Moscow Club of Artists.

Noong 1939, ang orkestra ni Tsfasman ay inanyayahan upang gumana sa All-Union Radio, at sa panahon ng Great Patriotic War, ang mga musikero ng orkestra ay nagtungo sa unahan. Ang mga konsiyerto ay ginanap sa front-line at sa harap na linya, sa mga glades ng kagubatan at sa mga dugout. Sa oras na iyon, ang mga kanta ng Sobyet ay ginanap: "Madilim na Gabi", "Dugout", "Aking Paboritong". Tumulong ang musika sa mga sundalo upang makatakas mula sa kakila-kilabot na pang-araw-araw na buhay sa isang maikling panahon, nakatulong na alalahanin ang kanilang tahanan, pamilya, at mga mahal sa buhay. Mahirap na magtrabaho sa mga ospital ng militar, ngunit kahit dito narito ang mga musikero ay nagdala ng kagalakan ng pagpupulong sa totoong sining. Ngunit ang pangunahing gawain para sa orkestra ay nanatili sa trabaho sa radyo, mga palabas sa mga pabrika, pabrika at mga recruiting center.

Ang kamangha-manghang Tsfasman Orchestra, na binubuo ng mga mahuhusay na musikero ng jazz, ay umiral hanggang 1946.

Noong 1947-1952. Pinangunahan ni Tsfasman ang symphonic jazz ng iba't ibang teatro ng Hermitage. Sa panahon ng isang mahirap na oras para sa jazz (ito ang mga 1950s), sa panahon ng Cold War kasama ang Estados Unidos at West, nang ang mga pahayagan na naninirang-puri at nakikilala ang jazz ay nagsimulang lumitaw sa pindutin ng Sobyet, ang pinuno ng orchestra ay nagtrabaho sa yugto ng konsiyerto bilang isang piano ng jazz. Pagkatapos ay pinagsama ng maestro ang isang instrumental na kuwarts para sa trabaho sa studio, ang mga hit na kung saan ay kasama sa pondo ng musika ng Sobyet:

"Masayang gabi", "Naghihintay", "Laging kasama mo." Kilala at mahal ang mga romansa at tanyag na mga kanta ni Alexander Tsfasman, musika para sa mga pag-play at pelikula.

Noong 2000, sa seryeng "Antolohiya ng Jazz", ang album ni Tsfasman na "Burnt Sun" ay pinakawalan, naitala sa CD, na kasama ang pinakamahusay na instrumento at bokabularyo ng kompositor. Si G. Skorokhodov ay sumulat tungkol kay Tsfasman sa kanyang aklat na "Soviet Pop Stars" (1986). Si A. N. Batashev, ang may-akda ng isa sa mga pinaka-makapangyarihang mga pahayagan - "Soviet Jazz" (1972) - ay sinabi sa kanyang libro tungkol sa buhay at gawain ni Alexander Tsfasman. Noong 2006, inilathala ang librong "Alexander Tsfasman: The Coryphaeus of Soviet Jazz" ni Doctor of Philosophy, manunulat at musikologo na si A. N. Golubev ay nai-publish.

Kasabay ng "AMA-jazz" Tsfasman sa Moscow, noong 1927, isang pangkat ng jazz ang lumitaw sa Leningrad. Ito ay "Ang unang banda jazz band"pianista Leopold Teplitsky(1890-1965). Mas maaga, noong 1926, dumalaw si Teplitsky sa New York at Philadelphia, kung saan siya ay ipinadala ng People's Commissariat for Education. Ang layunin ng paglalakbay ay pag-aralan ang musika para sa mga guhit para sa mga tahimik na pelikula. Sa loob ng maraming buwan ang musikero ay hinihigop ang lahat ng mga ritmo ng musika na bago sa kanya, nag-aral sa mga jazzmen ng Amerikano. Pagbalik sa Russia, inayos ni L. Teplitsky ang isang orkestra ng mga propesyonal na musikero (mga guro ng conservatory, mga paaralan ng musika), na, sa kasamaang palad, ay hindi nadama ang mga detalye ng jazz ng musika na kanilang ginanap. Ang mga musikero, na palaging naglalaro lamang sa pamamagitan ng sheet ng musika, ay hindi maiisip na ang parehong himig ay maaaring i-play sa isang bagong paraan sa bawat oras, iyon ay, ang improvisasyon ay wala sa tanong. Ito ay merito ni Teplitsky na sa kauna-unahang pagkakataon na ang mga musikero ay gumanap sa mga bulwagan ng konsiyerto, at kahit na ang tunog ng orkestra ay malayo sa isang tunay na banda ng jazz, hindi na ito ang kakaibang arte ng ingay ng orkestra ng Valentin Parnakh. Ang repertoire ng orkestra ng Leopold Teplitsky na binubuo ng mga pag-play ng mga Amerikanong may-akda (ang konduktor ay nagdala ng napakahalagang bagahe sa kanyang sariling bayan - isang salansan ng mga talaan ng jazz at isang buong folder ng orkestra ng orkestra Paul Whiteman)... Ang jazz band ni Teplitsky ay hindi nagtagal, ilang buwan lamang, ngunit kahit na sa maikling oras na ito, ipinakilala ng mga musikero ang madla sa modernong musikang sayaw ng Amerika, sa magagandang himig ng Broadway. Pagkaraan ng 1929, ang kapalaran ni Leopold Teplitsky ay naging kapansin-pansin: ang pag-aresto sa maling pagtuligsa, pagkondena ng NKVD na tropa sa sampung taon sa mga kampo, ang pagtatayo ng White Sea-Baltic Canal. Matapos ang kanyang pagkakulong, si Leopold Yakovlevich ay pinilit na manirahan sa Petrozavodsk ("tulad" ay hindi pinapayagan sa Leningrad). Ang nakaraan ng musikal ay hindi nakalimutan. Si Teplitsky ay nag-organisa ng isang symphony orchestra sa Karelia, na nagturo sa conservatory, sumulat ng musika, nagsagawa ng mga broadcast sa radyo. Ang International Jazz Festival na "Mga Bituin at Tayo" (naayos noong 1986 sa Petrozavodsk) mula noong 2004 ay pinangalanan matapos ang payunir ng Russian jazz na si Leopold Teplitsky.

Ang pintas ng musika noong huli 1920s hindi mapahalagahan ang bagong pangkaraniwang pangkaraniwang bagay. Narito ang isang sipi mula sa oras na iyon mula sa isang pangkaraniwang pagsusuri ng jazz: "Bilang isang paraan ng cartoon at parody ... bilang isang magaspang, ngunit nakagagalit at nakagagalit na ritmo at timbre apparatus, na angkop para sa sayaw ng musika at para sa murang" musikal na underpainting "sa teatro na paggamit, - isang jazz band may sariling dahilan. Sa labas ng mga limitasyong ito, ang halaga ng masining ay hindi mahusay. "

Ang Russian Association of Proletarian Musicians (RAPM) ay nagdagdag din ng gasolina sa apoy, na iginiit ang "linya ng proletaryado" sa musika, na tinanggihan ang lahat na hindi naaayon sa kanilang madalas na pananaw sa dogmatiko sa sining. Noong 1928, inilathala ng pahayagan na Pravda ang isang artikulo na pinamagatang "On the Music of the Fat" ng sikat na manunulat ng Sobyet na si Maxim Gorky. Ito ay isang galit na pamplet na kinutuban ang "mundo ng mga mandaragit", "ang lakas ng taba." Ang proletaryong manunulat ay nanirahan sa oras na iyon sa Italya, sa isla ng Capri, at pamilyar, malamang, sa tinatawag na "musika ng restawran", malayo sa totoong jazz. Ang ilang mga tuso na mananalaysay ng jazz ay nagtaltalan na ang manunulat ay "pinapakain" lamang ng mga foxtrot na ang hindi mapakali na hakbang ni Gorky ay naglalaro sa lahat ng oras sa unang palapag ng villa. Isang paraan o iba pa, ngunit ang pahayag ng proletaryong manunulat ay agad na napili ng mga pinuno ng RAPM. At sa loob ng mahabang panahon, ang jazz sa ating bansa ay tinawag na "ang musika ng taba", nang hindi nalalaman kung sino ang tunay na may-akda ng musika ng jazz, kung saan walang kapangyarihan na mga layer ng lipunang Amerikano ay ipinanganak ito.

Sa kabila ng mahirap na kritikal na kapaligiran, ang jazz sa USSR ay patuloy na umunlad. Maraming mga tao na itinuring ang jazz bilang isang sining. Masasabi tungkol sa kanila na mayroon silang isang "likas na kahulugan ng jazz," na hindi maiuunlad sa pamamagitan ng ehersisyo: ito man o hindi. Tulad ng sinabi ng kompositor Gia Kancheli(ipinanganak noong 1935), "imposibleng ipataw ang pakiramdam na ito, walang silbi na turuan ito, dahil ang isang bagay na primordial, natural ay naka-embed dito".

Sa Leningrad, sa apartment ng isang mag-aaral ng Agricultural Institute Heinrich Terpilovsky(1908-1989) sa pagtatapos ng 1920s. nagkaroon ng isang home jazz club kung saan nakinig ang mga musikero ng musika sa jazz, nagtalo ng maraming at masigasig tungkol sa bagong musika at pinaglaruan upang maunawaan ang pagiging kumplikado ng jazz bilang isang masining na kababalaghan. Ang mga batang musikero ay ganoon dinala ng mga ideya ng jazz na sa lalong madaling panahon isang ensemble ay nabuo, na sa kauna-unahang pagkakataon ay lumikha ng isang jazz repertoire. Ang ensemble ay tinawag na Leningrad Jazz Capella, ang mga musikal na direktor na kung saan Georgy Landsberg(1904-1938) at Boris Krupyshev.Landsberg bumalik noong 1920s. nanirahan sa Czechoslovakia, kung saan nagtatrabaho ang tatay ni George sa misyon ng pangangalakal. Ang binata ay nag-aral sa Prague Polytechnic Institute, nagpunta para sa palakasan, wikang banyaga at musika. Ito ay sa Prague na narinig ni Landsberg ang American jazz - "The Chocolate Boys" Sam Wooding.Ang Prague ay palaging isang lungsod ng musika: jazz orchestras at ensembles ay pamilyar na sa bagong karanasan sa ibang bansa. Kaya si Georgy Landsberg, na bumalik sa kanyang tinubuang-bayan, ay "armado" na may higit sa isang dosenang pamantayan ng jazz at isinulat ang karamihan sa mga pag-aayos sa kanyang sarili. Tinulungan siya N. Minhat S. Kagan.Ang isang kapaligiran ng malikhaing kumpetisyon ay naghari sa kolektibo: inaalok din ng mga musikero ang kanilang sariling mga bersyon ng pag-aayos, ang bawat panukala ay mainit na tinalakay. Ang proseso ng pagsasanay, kung minsan, ang mga interesadong batang musikero ay higit pa sa mga pagtatanghal sa kanilang sarili. Ang Jazz Capella na gumanap ay hindi lamang gumagana ng mga banyagang kompositor, kundi pati na rin mga orihinal na piraso ng mga may akda ng Sobyet: Jazz Suite ni A. Zhivotov, pag-play ng liriko ni N. Minh "Ako ay malungkot", "Jazz Fever" ni G. Terpilovsky. Kahit na sa Leningrad press, ang pag-apruba ng mga review ay lumitaw tungkol sa ensemble, kung saan napakahusay na mga tagapalabas ay napansin na naglalaro nang maayos, rhythmically matatag at pabago-bago. Matagumpay na nag-tour ang Leningrad Jazz Capella sa Moscow, Murmansk, Petrozavodsk, inayos ang "pagtingin" na mga konsyerto, ipinakilala ang madla sa "uri ng kamara ng kulturang pang-kultura". Ang repertoire ay napili nang mabuti, isinasaalang-alang ang aktibidad ng konsiyerto, ngunit ang "akademikong" ay hindi nagdala ng komersyal na tagumpay, ang tagapakinig ay hindi handa na makinig sa mahirap na musika. Ang mga tagapangasiwa ng mga sinehan at club ay mabilis na nawalan ng interes sa ensemble, at ang mga musikero ay nagsimulang lumipat sa ibang mga orkestra. Nagtrabaho si Georgy Landsberg kasama ang ilang mga musikero sa restawran sa Astoria, kung saan, sa madaling araw ng Russian jazz, ang mga sesyon ng jam ay ginanap kasama ang mga dayuhang jazzmen na dumating sa lungsod sa mga barko ng cruise.

Noong 1930, maraming mga musikero ng G. Landsberg ang lumipat sa mas matagumpay na orkestra ng Leonid Utesov, at tinanggal ni Landsberg ang kanyang orkestra at nagtrabaho bilang isang engineer sa loob ng ilang oras (ang edukasyon na natanggap niya sa Polytechnic Institute ay kapaki-pakinabang). Ang Jazz Capella bilang isang grupo ng konsiyerto ay muling nabuhay sa pagdating ng mga mahuhusay na pianista at tagapag-ayos na si Simon Kagan, at nang muling lumitaw si G. Landsberg sa ensemble noong 1934, nagsimulang tumunog ang Capella sa isang bagong paraan. Ang pianista ay gumawa ng mga kaayusan para sa Bond na may isang mahusay na imbensyon Leonid Andreevich Diederichs(1907-?). Gumawa siya ng mga instrumental na pag-aayos ng mga kanta ng mga kompositor ng Sobyet, malikhaing nagpayaman sa bawat puntos. Ang orihinal na mga piraso ng instrumental ni L. Diederichs - "Puma" at "Sa ilalim ng Roofs ng Paris" ay kilala rin. Ang malaking tagumpay ay nagdala ng sama-samang paglilibot sa buong Unyong Sobyet, na tumagal ng sampung buwan. Noong 1935 ang termino ng kontrata sa Leningrad Radio, ang regular na orkestra na kung saan ay ang Jazz Capella, natapos. Ang mga musikero ay muling nakakalat sa iba pang mga orkestra. Noong 1938, inaresto si G. Landsberg, inakusahan ng espiya at pagbaril (na-rehab noong 1956). Ang Capella ay tumigil na umiiral, ngunit nanatili sa kasaysayan ng musika bilang isa sa mga unang propesyonal na ensembles na nag-ambag sa pagbuo ng Soviet jazz, na gumaganap ng mga gawa ng mga may-akda ng Russia. Si Georgy Landsberg ay isang kamangha-manghang guro na nagdala ng mahusay na mga musikero, na pagkatapos ay nagtrabaho sa pop at jazz orchestras.

Ang Jazz ay kilala na hindi praktikal na musika. Sa Russia, 20-30s. XX siglo. kakaunti ang mga musikero na bihasa sa kusang paggawa ng solo. Ang mga pag-record ng mga taong iyon ay higit sa lahat ay kinakatawan ng mga malalaking orkestra, na ang mga musikero ay naglaro ng kanilang mga bahagi mula sa sheet ng musika, kasama ang mga solo na "improvisations". Ang mga instrumental na piraso ay bihirang, na may pangunahing pag-iisa sa boses. Halimbawa, ang Tea Jazz, naayos noong 1929. Leonid Utesov(1895-1982) at trumpeta-soloista ng orkestra ng Maly Opera House Yakov Skomorovsky(1889-1955) ay isang punong halimbawa ng gayong orkestra. At sa pangalan nito ay naglalaman ito ng isang pag-decode: theatrical jazz. Sapat ito upang alalahanin ang komedya ni Grigory Alexandrov "Merry Guys", kung saan ang pangunahing mga tungkulin ay nilalaro nina Lyubov Orlova, Leonid Utesov at ang kanyang tanyag na orkestra. Pagkaraan ng 1934, nang mapanood ng buong bansa ang "jazz comedy" (bilang unang inilarawan ng direktor ang genre ng kanyang pelikula), ang kasikatan ni Leonid Utesov bilang isang artista sa pelikula ay naging hindi kapani-paniwala. Si Leonid Osipovich ay kumilos sa mga pelikula bago, ngunit sa "Merry Fellows" ang kalaban ng kalaban - ang pastol na si Kostya Potekhin - naintindihan ng pangkalahatang publiko: kumakanta siya ng magagandang awit na kinasihan ng kompositor na si IO Dunaevsky, nagbibiro nang walang kabuluhan, at gumanap ng mga tipikal na Hollywood trick. Ang lahat ng ito ay nasisiyahan ang madla, kahit na ilang tao ang nakakaalam na ang gayong estilo ng mga pelikula ay matagal nang naimbento sa Hollywood. Ang direktor na si Grigory Alexandrov ay kailangan lamang ilipat ito sa lupa ng Sobyet.

Noong 1930s. ang pangalang Tea Jazz ay naging napakapopular. Ang mga nagpopropusong artista ay madalas na itinalaga ang pangalang ito sa kanilang mga orkestra para sa mga komersyal na layunin, ngunit ang mga ito ay malayo sa tunay na mga pagtatanghal ng teatro ng orkestra ni Leonid Utyosov, na nagpumilit na lumikha ng mga musikal na rebolusyon na gaganapin ng isang hakbang na aksyon. Ang nasabing theatricalization ay mahusay na nakikilala ang libangan ng orkestra ng Utesov mula sa nakatulong kalikasan ng orkestra nina L. Teplitsky at G. Landsberg, at mas nauunawaan ng publiko sa Sobyet. Bukod dito, para sa magkasanib na pagkamalikhain Leonid Utyosov ay nakakaakit ng sikat at may talento na kompositor ng mga Soviet-songwriter, tulad ng Isaac Dunaevsky,mga kapatid Dmitryat Daniil Pokrassy, \u200b\u200bKonstantin Listov, Matvey Blanter, Evgeny Zharkovsky.Ang mga kanta na tunog sa mga programa ng orkestra, maganda ang naayos, ay naging napakapopular at sikat na mahal.

Ang mga napakahusay na musikero ay nagtrabaho sa orkestra ng Leonid Utyosov, na kailangang makabisado ng isang bagong genre ng musikal. Kasunod nito, nilikha ng mga artista ng Tea-Jazz ang pambansang yugto at jazz. Kabilang sa mga ito ay at Nikolay Minkh(1912-1982). Siya ay isang kahanga-hangang pianista na dumaan sa "kanyang hindi malilimutan na mga unibersidad", tulad ng pag-alaala ng musikero, sa tabi ni Isaac Dunaevsky. Ang karanasan na ito pagkatapos ay nakatulong sa Minhu na pamunuan ang orkestra sa Moscow Variety Theatre, at noong 1960s. makisali sa pagbubuo ng mga aktibidad, lumikha ng mga comedies ng musikal at operettas.

Isang tampok ng Soviet jazz noong 1930-1940. maaari itong isaalang-alang na ang jazz sa oras na iyon ay "song jazz" at nauugnay, sa halip, na may isang uri ng orkestra kung saan ang mga saksopon at tambol ay kailangang-kailangan ng mga kalahok, bilang karagdagan sa mga pangunahing instrumento. Ito ay sinabi tungkol sa mga musikero ng naturang mga orkestra na "naglalaro sila sa jazz", hindi jazz. Ang form ng kanta, na binigyan ng malaking kahalagahan, ay marahil ang form, ang paraan na nagbukas ng musika ng jazz sa milyon-milyong mga tagapakinig. Gayunpaman, ang musika na ito - awit, sayaw, heterogenous at mestiso - ay malayo sa totoong Amerikano na jazz. At hindi ito makapag-ugat sa Russia sa "purong anyo" nito. Kahit na si Leonid Osipovich Utyosov mismo ay nagtalo na ang tunay na maagang Amerikanong jazz para sa nakararami sa publiko ng Sobyet ay dayuhan at hindi maintindihan na musika. Si Leonid Utesov, isang tao sa teatro, vaudeville, isang tagahanga ng gawa ng sintetiko, pinagsama ang teatro sa jazz, at jazz na may teatro. Ito ay kung paano lumitaw ang Jazz sa Bend at Music Store - masayang mga programa kung saan pinagsama ang musika at katatawanan sa isang kamangha-manghang paraan. Ang kompositor na IO Dunaevsky kung minsan ay maayos na inayos hindi lamang katutubong at tanyag na mga kanta: halimbawa, ang programa ng orkestra ay kasama ang "jazzed" "Awit ng isang Indian na Panauhin" mula sa opera na "Sadko", "Awit ni Duke" mula sa "Rigoletto", pantasya jazz "Eugene Onegin ".

Ang kilalang mananalaysay ng jazz A. N. Batashev ay nagsusulat sa kanyang aklat na "Soviet Jazz": "Sa pamamagitan ng kalagitnaan ng 30s, sa pagsasagawa ng konsiyerto ng L. Utesov, ang mga pundasyon ng isang genre ay inilatag, na binuo sa domestic na musikal at makataong materyal, synthesizing ang mga indibidwal na elemento ng mga banyagang theatrical performances, pop at jazz. Ang genre na ito, na tinawag sa una na "theatrical jazz", at sa paglaon, pagkatapos ng digmaan, "pop music" lamang, sa mga nakaraang taon, mas maraming umunlad at nabuhay ayon sa sarili nitong mga batas. "

Ang isang espesyal na pahina sa buhay ng orkestra sa ilalim ng direksyon ng Utesov ay ang mga taon ng Great Patriotic War. Sa pinakamaikling panahon, ang programa na "Talunin ang kaaway!" Ay inihanda, kung saan ginanap ang mga musikero sa hardin ng Hermitage, sa mga istasyon ng tren para sa mga sundalo na umalis sa unahan, sa labas - sa mga Urals at Siberia, kung gayon ang mga pagtatanghal ng mga artista ay naganap sa hukbo, sa front-line zone ... Sa panahon ng digmaan, ang mga artista ay parehong musikero at mandirigma. Maraming mga ensembles ang nagpunta sa harap bilang bahagi ng mga malalaking brigada ng konsyerto. Ang mga sikat na jazz orchestras ni Alexander Tsfasman, Boris Karamyshev, Klavdiya Shulzhenko, Boris Rensky, Alexander Varlamov, Dmitry Pokrass, Isaac Dunaevsky ay bumisita sa maraming mga lugar. Kadalasan, ang mga musikero sa harap ay kailangang magtrabaho sa pagtatayo ng mga kuta ng militar, direktang makilahok sa mga operasyon ng militar at ... mamatay.

Ang sikat na kompositor ng Sobyet na si Vano Muradeli, na bumalik mula sa isang paglalakbay patungo sa unahan, ay nagpatotoo: "Ang interes ng ating mga sundalo at kumandante sa kultura, sining, at musika lalo na. Ang pagsasagawa ng mga kolektibo, ensembles, jazz na nagtatrabaho para sa harap ay nasiyahan sa kanilang mahusay na pag-ibig. " Ngayon, wala sa mga kritiko na dati nang nagpahayag ng mga pag-aalinlangan tungkol sa kahalagahan ng musika ng jazz na nagtanong sa tanong na "Kailangan ba natin ng jazz?" Hindi lamang suportado ng mga artista ang espiritu ng pakikipaglaban sa kanilang sining, ngunit nagtataas din ng pondo para sa pagtatayo ng mga sasakyang panghimpapawid at tanke. Sa harap, ang eroplano ng Utya na "Merry Fellows" ay kilala. Si Leonid Utyosov ay isang pambihirang master ng yugto ng Sobyet, isang paborito ng maraming henerasyon ng mga tagapakinig ng Sobyet, na alam kung paano "maglagay" ng kanyang sarili sa kanta. Iyon ay kung paano tinawag niya ang kanyang autobiographical book - "With a song through life", na inilathala noong 1961. At noong 1982, isinulat ni Yu A. A. Dmitriev ang librong "Leonid Utesov", na nagsasabi tungkol sa sikat na pinuno ng banda, mang-aawit at aktor.

Maaari itong maitalo, siyempre, na ang mga orkestra ng oras na iyon ay hindi maaaring ganap na isinasaalang-alang na jazz, dahil, sa paglalaro mula sa mga tala, ang mga musikero ay binawian ng pagkakataon na mag-improvise, na kung saan ay isang paglabag sa pinakamahalagang prinsipyo ng musika ng jazz. Ngunit ang musika ng jazz ay hindi palaging magiging improvisasyon, sapagkat ang bawat musikero ng orkestra, na hindi pinapabaya ang kanyang bahagi, ay hindi maaaring magawa. Ang Duke Ellington Orchestra, halimbawa, ay madalas na gumanap ng mga piraso kung saan isinulat ng may-akda ang mga solo na bahagi mula sa simula hanggang sa katapusan. Ngunit walang mag-iisip na hindi ito jazz! At maraming mga tulad na halimbawa, dahil na kabilang sa jazz ay tinutukoy din ng kakaibang katangian ng wikang gumaganap ng musikal, ang intonasyon nito at ritmo na tampok.

1930s sa USSR ay may mga taon na hindi pa naganap na pag-aalsa sa lahat ng mga lugar ng buhay ng mga taong Sobyet. Ang mga taon ng unang limang taong plano, ang sigasig ng mga tao ay mahusay: ang mga bagong lungsod, pabrika, pabrika ay itinayo, ang mga riles ay inilatag. Ang optimistang sosyalistang ito na hindi alam sa buong mundo ay hinihingi ang sarili nitong "palamuti" ng musikal, bagong mga mood, mga bagong kanta. Ang buhay na masining sa USSR ay palaging nasa ilalim ng pagsisiyasat ng pamunuan ng partido ng bansa. Noong 1932, napagpasyahan na likido ang RAPM at bumuo ng isang solong Union of Soviet Composers. Ang pasiya ng Komite Sentral ng CPSU (b) "Sa pagsasaayos ng mga samahan sa panitikan at artistikong" posible upang gumawa ng isang bilang ng mga hakbang sa organisasyon tungkol sa mga genre ng masa, kabilang ang jazz music. 1930s sa USSR ay may mahalagang papel sa pag-unlad ng Soviet jazz. Ang mga musikero ay gumawa ng mga pagtatangka upang lumikha ng kanilang sariling at orihinal na repertoire, ngunit ang pangunahing gawain para sa kanila sa oras na iyon ay pinagkadalubhasaan ang kasanayan ng pagganap ng jazz: ang kakayahang magtayo ng mga elementong jazz parirala na nagpapahintulot sa improvising, pagpapanatili ng ritmo ng pagpapatuloy sa isang pangkat at solo play - lahat ng bagay na bumubuo ng tunay na jazz. kahit na naitala ito sa mga tala.

Noong 1934, inanyayahan ng mga poster ng Moscow ang mga manonood sa isang konsiyerto ng jazz orchestra ni Alexander Varlamov.

Alexander Vladimirovich Varlamovay ipinanganak noong 1904 sa Simbirsk (ngayon Ulyanovsk). Sikat ang pamilyang Varlamov. Ang lolo ng lolo ni Alexander Vladimirovich ay isang kompositor, isang klasikong romantikong romansa ("The Red Sarafan", "Kasama sa kalye ang isang snowstorm na nagwalis," "Sa madaling araw, hindi mo siya gisingin," "Isang malulungkot na layong pumaputi"). Ang ina ng hinaharap na pinuno ng orkestra ay isang kilalang opera singer, at ang kanyang ama ay isang abogado. Ang mga magulang ay nag-aalaga sa pag-aalaga ng musika ng kanilang anak, lalo na dahil ang binata ay may kakayahang, at ang pagnanais na maging isang propesyonal na musikero ay hindi iniwan ang batang talento sa lahat ng mga taon ng pag-aaral: una sa isang paaralan ng musika, pagkatapos sa GITIS at sa sikat na Gnesinka. Nasa loob ng kanyang mga taon ng mag-aaral, napanood ni Varlamov ang muling pagbangon ng Chocolate Boys ni Sam Wooding, na gumawa ng hindi maipakitang impresyon sa mag-aaral. Si Varlamov, na nakatanggap ng isang napakahusay na edukasyon sa musikal, ay nagpasya na mag-ayos ng isang ensemble, na katulad ng "Hot Seven" ensemble, pamilyar mula sa mga talaan ng grapophone at mga broadcast sa radyo. Louis Armstrong.Ang orkestra ay isa ring "gabay na bituin" para sa Varlamov Duke Ellington,na humanga sa musikero ng Russia. Maingat na pinili ng batang kompositor-conductor ang mga musikero at repertoire para sa kanyang orkestra. Limang taon na ang lumipas mula noong nagtapos si Varlamov mula sa Gnesinka, at isang orkestra ng jazz sa Central House of the Red Army ang nilikha. Ito ay isang instrumental na orkestra, na, tulad ng maraming mga orkestra ng oras na iyon, ay hindi nakakuha ng pansin sa teatrical jazz. Ang pagpapahayag ng musika ay nakamit sa pamamagitan ng magagandang melodies at pag-aayos. Ito ay kung paano ipinanganak ang mga dula: "Sa Carnival", "Dixie Lee", "Evening Leaves", "Ang Buhay ay Puno ng Kaligayahan", "Blue Moon", "Sweet Su". Ang ilang mga pamantayang jazz ng Amerikano na si Varlamov ay isinalin sa Russian at kinanta ang kanyang sarili. Ang musikero ay walang natitirang mga kakayahan sa boses, ngunit kung minsan pinahintulutan niya ang kanyang sarili na maitala sa mga talaan, gumaganap ng mga kanta nang makatotohanang at nakakumbinsi sa nilalaman.

Noong 1937-1939. Ang career ni Varlamov ay nakabuo ng matagumpay: ang musikero ay unang nakadirekta sa septet ("Pito"), kung gayon ay ang punong conductor ng jazz orchestra ng All-Union Radio Committee, sa 1940-1941 biennium - punong conductor Estado Jazz Orchestra ng USSR.Gayunpaman, nang magsimula ang digmaan, marami sa mga musikero ng orkestra ang tinawag sa harapan. Hindi sumuko si Varlamov. Inayos niya mula sa isang bilang ng mga musikero na pinakawalan mula sa serbisyo ng militar at dating nasugatan, isang hindi pangkaraniwang (maaaring sabihin ng, kakaiba) Melody Orchestra:tatlong biyolin, viola, cello, saxophone at dalawang piano. Ang mga musikero ay gumanap ng mahusay na tagumpay sa Hermitage, Metropol, sa mga yunit ng militar at ospital. Si Varlamov ay isang makabayan. Ang musikero ay nag-donate ng kanyang sariling mga pagtitipid ng pera upang bumuo ng tangke ng Sobyet.

Ang mga mahihirap na beses sa kasaysayan ng ating bansa ay nakakaapekto sa mga patutunguhan ng milyun-milyong may talento, matagumpay at tanyag na tao. Ang composer-conductor na si Alexander Varlamov ay hindi nakatakas sa isang malupit na kapalaran. 1943 kapag ang mga musikero ay nag-eensayo ng sikat na "Rhapsody in the Blues" ni George Gershwin, ang pinuno ng "Melody Orchestra" ay naaresto. Ang dahilan ay ang pagtuligsa ng cellist, na nag-ulat na madalas na nakikinig si Varlamov sa mga dayuhang broadcast sa radyo, na sinasabing naghihintay para sa pagdating ng mga Aleman, atbp. Ang isang mahusay na saksakan para sa mga bilanggo ay ang orkestra, na binubuo ng mga musikero at mang-aawit mula sa kampo, na tulad ng paninirang-puri bilang pinuno ng pangkat na ito. Ang pambihirang orkestra na ito ay nagdala ng malaking kagalakan sa lahat ng siyam na site ng kampo. Matapos ihatid ang kanyang pangungusap, inaasahan ni Alexander Vladimirovich na bumalik sa Moscow. Ngunit kailangan pa rin niyang maitapon sa Kazakhstan, kung saan ang musikero ay nagtrabaho sa maliliit na bayan: itinuro niya ang mga bata at musika ng kabataan, na binubuo ng mga gawa para sa teatro ng Russia. Tanging sa 1956 g., pagkatapos ng rehabilitasyon, si Varlamov ay bumalik sa Moscow, at agad na sumali sa isang aktibong buhay ng malikhaing, na bumubuo ng musika para sa mga pelikula (cartoon: "Wonder Woman", "Puck! Puck!", "Fox at Beaver", atbp.), dramatiko mga sinehan, pop orchestras, paggawa ng telebisyon, sa 1990 g., ilang sandali bago ang pagkamatay ni Varlamov, ang huling disc ay pinakawalan kasama ang mga pag-record ng jazz at symphonic jazz na musika sa pamamagitan ng isang kamangha-manghang kompositor at conductor.

Ngunit bumalik tayo sa mga nakaraang taon ng digmaan, nang maraming mga jazz orchestras ang lumitaw sa mga republika ng Sobyet nang sabay-sabay, sa 1939 ay naayos Ang jazz ng estado ng USSR.Ito ang prototype ng hinaharap na pop-symphony orchestras, ang repertoire na kung saan ay binubuo ng mga transkripsyon ng mga klasikal na gawa para sa malaking symphonic jazz. Ang "seryosong" repertoire ay nilikha ng pinuno ng orkestra Victor Knushevitsky (1906-1974).Para sa Ang jazz ng estado ng USSR,ginanap pangunahin sa radyo, sumulat ang mga kompositor I.O.Dunaevsky, Yu.Milyutin, M. Blanter, A. Tsfasmanat iba pa.Sa radyo ng Leningrad sa 1939 si Nikolai Minkh ay nag-organisa ng isang jazz orchestra.

Ang iba pang mga republika ng unyon ay hindi naiwan. Sa Baku, nilikha ang Tofik Kuliyev Estado Jazz Orchestra ng Azerbaijan SSR.Ang isang katulad na orkestra ay lumitaw sa Armenia sa ilalim ng direksyon ng Artemy Ayvazyan.Ang kanilang sariling mga orkestra ng republikano ay lumitaw sa Moldavian SSR, sa Ukraine. Ang isa sa mga kilalang kaalyado na jazz orchestras ay isang kolektibong mula sa Western Belarus sa ilalim ng direksyon ng isang first-class na trumpeta, violinist, kompositor na si Eddie Rosner.

Eddie (Adolf) Ignatievich Rosner(1910-1976) ay ipinanganak sa Alemanya, sa isang pamilyang Polish, nag-aral ng biyolin sa Conservatory ng Berlin. Pinagkadalubhasaan niya ang pipe sa kanyang sarili. Ang kanyang mga idolo ay niluwalhati Louis Armstrong, Harry James, Bunny Berigen.Nakatanggap ng isang mahusay na edukasyon sa musikal, naglaro si Eddie nang ilang oras sa isa sa mga orkestra ng Europa, pagkatapos ay inayos niya ang kanyang sariling banda sa Poland. Nang magsimula ang Ikalawang Digmaang Pandaigdig, kinailangang i-save ng orkestra ang sarili mula sa mga pasistang pagsaway, dahil ang karamihan sa mga musikero ay mga Hudyo, at ang jazz sa Nazi Alemanya ay pinagbawalan bilang isang "di-Aryan art". Kaya't natagpuan ng mga musikero ang kanlungan sa Soviet Belarus. Sa susunod na dalawang taon, ang banda ay naglalakbay na may tagumpay sa Moscow, Leningrad, at sa panahon ng digmaan - sa mga prutas at sa likuran. Si Eddie Rosner, na noong kanyang kabataan ay tinawag na "puting Armstrong", ay isang matalinong artista na alam kung paano manalo ang madla sa kanyang kasanayan, kagandahan, ngiti, kaaya-aya. Si Rosner ay isang musikero, ayon sa master ng yugto ng Ruso Yuri Saulsky,"Nakuha ang isang tunay na base ng jazz, panlasa." Ang mga hit ng programa ay nasisiyahan sa mahusay na tagumpay sa mga tagapakinig: "Caravan" ni Tizola - Ellington, "St Louis Blues" ni William Handy, "Serenade" ni Toselli, "Tales ng Vienna Woods" ni Johann Strauss, sariling kanta ni Rosner na "Quiet Water", "Cowboy Song", "Mandolin, Gitara at Bass" ni Albert Harris. Sa panahon ng mga taon ng digmaan, ang mga pag-play ng mga kaalyado - Amerikano at Ingles na may-akda - nagsimulang magamit nang mas madalas sa orchestra repertoire. Maraming mga talaan ng gramophone ang lumitaw na may mga pag-record ng mga domestic at foreign instrumental na piraso. Maraming mga orkestra ang naglaro ng musika mula sa American film na "Serenade ng Sun Valley", na pinagbidahan ng sikat na malaking banda ni Glenn Miller.

Noong 1946, nang magsimula ang pag-uusig sa jazz, nang ang mga jazzmen ay inakusahan ng kosmopolitanism at ang banda ay binawi, nagpasya si Eddie Rosner na bumalik sa Poland. Ngunit sinuhan siya ng pagtataksil at ipinadala sa Magadan. Mula 1946 hanggang 1953 ang virtuoso trumpeter na si Eddie Rosner ay nasa Gulag. Inutusan ng mga lokal na awtoridad ang musikero na bumuo ng isang orkestra ng mga bilanggo. Kaya lumipas ang walong mahabang taon. Matapos ang kanyang paglaya at rehabilitasyon, muling pinuno ng Rosner ang malaking banda sa Moscow, ngunit siya mismo ang nagpatugtog ng trumpeta nang mas kaunti at mas kaunti: ang scurvy ay inilipat sa mga taon ng kampo na naapektuhan. Ngunit ang katanyagan ng orkestra ay mahusay: Ang mga kanta ni Rosner ay nagtamasa ng patuloy na tagumpay, ang mga musikero na naka-star sa 1957 sa sikat na pelikulang Carnival Night. Noong 1960s. musikero na nilalaro sa orkestra, na pagkatapos ay bumubuo ng kulay at kaluwalhatian ng Russian jazz: multi-instrumentalist David Goloshchekin,trompeta Konstantin Nosov,saxophonist Gennady Holstein.Mahusay na pag-aayos para sa banda na sumulat Vitaly Dolgovat Alexey Mazhukov,

kung saan, ayon kay Rosner, ay hindi nakaayos kaysa sa mga Amerikano. Ang maestro mismo ay may kamalayan sa kung ano ang nangyayari sa mundo jazz, sinikap niyang isama sa mga programa ang pinakamahusay na mga halimbawa ng tunay na jazz, na kung saan si Rosner ay paulit-ulit na sinaway sa pindutin para sa pagpapabaya sa repertoire ng Sobyet. Noong 1973 si Eddie Rosner ay bumalik sa kanyang tinubuang-bayan, West Berlin. Ngunit ang karera ng isang musikero sa Alemanya ay hindi gumana: ang artista ay hindi na bata, hindi siya kilala sa sinuman, hindi siya makakahanap ng trabaho sa kanyang specialty. Para sa ilang oras na siya ay nagtrabaho bilang isang aliw sa isang teatro, isang head waiter sa isang hotel. Noong 1976 namatay ang musikero. Bilang pag-alaala sa kamangha-manghang trumpeta, pinuno ng banda, kompositor at may talento na direktor ng kanyang mga programa, noong 1993 sa Moscow, sa silid ng konsiyerto ng Rossiya, isang napakagandang palabas na "Sa kumpanya ni Eddie Rosner". Sa parehong 1993, ang aklat ni Yu. Zeitlin na "The Ups and Downs of the Great Trumpeter Eddie Rosner" ay nai-publish. Ang dokumentaryo ng nobela ni Dmitry Dragilev, na inilabas noong 2011, "Eddie Rosner: Shmaya jazz, malinaw ang cholera!" Sinasabi ang tungkol sa isang jazz virtuoso, isang tunay na tagapalabas, isang tao na may isang kumplikadong mapaglalang na character at isang mahirap na kapalaran!

Mahirap lumikha ng isang mahusay na orkestra ng jazz, ngunit mas mahirap na mapanatili ito sa loob ng mga dekada. Ang kahabaan ng buhay ng naturang orkestra ay nakasalalay, una sa lahat, sa natitirang pinuno - isang tao at isang musikero na may pag-ibig sa musika. Ang maalamat na jazzman ay maaaring tawaging kompositor, pinuno ng banda, pinuno ng pinakalumang jazz orchestra sa mundo, na nakalista sa Guinness Book of Records, Oleg Lundstrem.

Oleg Leonidovich Lundstrem(1916-2005) ay ipinanganak sa Chita, sa pamilya ng isang guro sa pisika na si Leonid Frantsevich Lundstrem, isang Russified Swede. Ang mga magulang ng musikero sa hinaharap ay nagtrabaho sa Chinese Eastern Railway (ang Chinese-Eastern Railway, na nagkokonekta kina Chita at Vladivostok sa pamamagitan ng teritoryo ng Tsina). Sa loob ng ilang oras ang pamilya ay nanirahan sa Harbin, kung saan natipon ang isang malaki at iba't ibang diaspora na Russian. Ang parehong mga mamamayan ng Sobyet at mga emigrante ng Russia ay nanirahan dito. Ang pamilya Lundstrem ay palaging nagustuhan ang musika: ang ama ay naglaro ng piano at ang ina ay kumanta. Ipinakilala rin ang mga bata sa musika, ngunit nagpasya silang bigyan ang edukasyon ng mga bata ng "malakas": ang parehong mga anak na lalaki ay nag-aral sa Komersyal na Paaralan. Ang unang kakilala ni Oleg Lundstrem sa jazz ay nangyari noong 1932, nang bumili ang isang tinedyer ng disc sa "Mahal na Old South" ni Duke Ellington (Mahal na Old Southland). Pagkatapos ay naalaala ni Oleg Leonidovich: "Ang plato na ito ay gumaganap ng isang detonator. Talagang pinihit niya ang buong buhay ko. Natuklasan ko ang isang hindi kilalang unibersal na uniberso. "

Sa Harbin Polytechnic Institute, kung saan natanggap ng hinaharap na patriarch ng Soviet jazz ang kanyang mas mataas na edukasyon, maraming mga katulad na mga kaibigan na gustong maglaro ng kanilang paboritong musika. Kaya ang isang combo ng siyam na mag-aaral ng Russia ay nilikha, na naglaro sa mga partido, mga palapag ng sayaw, maligaya na bola, kung minsan ang pangkat ay gumanap sa lokal na radyo. Natuto ang mga musikero na "shoot" ng mga sikat na piraso ng jazz mula sa mga talaan, gumawa ng mga pag-aayos ng mga kanta ng Sobyet, pangunahin ni I. Dunaevsky, bagaman kalaunan ay naalala ni Oleg Lundstrem na palagi niyang hindi maintindihan kung bakit ang mga melodies ni George Gershwin ay mainam para sa jazz, ngunit ang mga kanta ng mga kompositor ng Sobyet ay hindi. Karamihan sa mga miyembro ng unang Lundstrem Orchestra ay hindi propesyonal na musikero, nakatanggap sila ng isang teknikal na edukasyon, ngunit labis na masigasig tungkol sa jazz na mahigpit silang nagpasya na pag-aralan lamang ang musikang ito. Unti-unting naging sikat ang kolektibo: nagtrabaho siya sa mga dance hall ng Shanghai, nag-tour sa Hong Kong, Indochina, at Ceylon. Ang pinuno ng orkestra - Oleg Lundstrem - nagsimulang tawaging "Hari ng Jazz ng Malayong Silangan".

Nang magsimula ang Dakilang Digmaang Patriotiko, ang mga kabataan - mamamayan ng Sobyet - inilapat sa Pulang Hukbo, ngunit inihayag ng konsul na sa ngayon, mas kinakailangan ang mga musikero sa Tsina. Ito ay isang mahirap na oras para sa mga miyembro ng orkestra: mayroong maliit na trabaho, ang madla ay hindi sabik na magkaroon ng kasiyahan at sayaw, ang ekonomiya ay naabutan ng inflation. Noong 1947 lamang, ang mga musikero ay tumanggap ng pahintulot upang bumalik sa USSR, ngunit hindi sa Moscow, ayon sa gusto nila, ngunit kay Kazan (ang mga awtoridad sa Moscow ay natakot na ang "Shanghai" ay maaaring maging mga tiktik na tiktik). Sa una, mayroong isang desisyon na lumikha ng isang jazz orkestra ng Tatar ASSR, ngunit sa susunod na taon, 1948, ang Komite ng Sentro ng All-Union Communist Party of Bolsheviks ay naglabas ng isang Resolusyon "Sa opera na" Mahusay na Pagkakaibigan "ni Muradeli," hinatulan ang pormalismo sa musika. Sa Resolusyon, ang opera, na hindi nagustuhan ni Stalin, ay tinawag na "isang mabisyo na gawa ng anti-fiction", "na-fueled ng impluwensya ng nabulok na Western European at American na musika." At ang mga musikero ng Lundstrem orchestra ay hiniling na "maghintay kasama ng jazz."

Ngunit hindi pa huli ang lahat upang malaman! At pinasok ni Oleg Lundstrem ang Kazan Conservatory sa komposisyon at pagsasagawa. Sa kanilang pag-aaral, ang mga musikero ay pinamamahalaang upang gumanap sa Kazan, record sa radyo, nakakakuha ng isang reputasyon bilang pinakamahusay na orkestra ng swing. Labindalawang Tatar folk songs, na Lundstrem brilliantly inayos "sa jazz", lalo na lubos na pinahahalagahan. Nalaman ng Moscow ang tungkol sa Lundstrem at ang kanyang "conspiratorial big band". Noong 1956, dumating ang mga jazzmen sa Moscow sa dating "Chinese" line-up at naging Rosconcert Orchestra. Sa mahabang panahon ng pag-iral, nagbago ang komposisyon ng orkestra. Noong 1950s. "Shone": tenor saxophonist Igor Lundstrem,mga trumpeta Alexey Kotikovat Innokenty Gorbuntsov,dobleng manlalaro ng bass Alexander Gravis,tambol Zinovy \u200b\u200bKhazankin.Ang mga Soloista noong 1960s. mayroong mga batang musikero-improviser: saxophonists Georgy Garanyanat Alexey Zubov,trombonista Konstantin Bakholdin,pianista Nikolay Kapustin.Nang maglaon, noong 1970s, ang mga saxophonist ay idinagdag sa orkestra Gennady Holstein, Roman Kunsman, Stanislav Grigoriev.

Ang orkestra ni Oleg Lundstrem ay humantong sa isang aktibong paglilibot at buhay ng konsiyerto, na pinilit na makitungo sa mga panlasa ng isang malawak na tagapakinig, na nakitang jazz bilang isang nakakaaliw, kanta at sayaw na sining. Samakatuwid, sa 1960-1970s. ang kolektibong nagtrabaho hindi lamang jazz musikero at mang-aawit, kundi pati na rin mga pop artist. Ang orkestra ng Oleg Lundstrem ay palaging naghanda ng dalawang programa: isang tanyag na kanta at libangan (para sa mga naninirahan sa mga probinsya) at isang instrumental at jazz isa, na nagkaroon ng mahusay na tagumpay sa Moscow, Leningrad at ang mga malalaking lungsod ng Unyon, kung saan nakilala na ang madla sa sining ng jazz.

Ang instrumento na orkestra ng orkestra ay binubuo ng mga klasikal na jazz piraso (mula sa repertoire ng Count Basie at Glenn Miller at Duke Ellington na mga banda), pati na rin mga piraso na isinulat ng mga miyembro ng banda at ni Maestro Lundstrom mismo. Ito ang mga "Fantasy tungkol sa Moscow", "Fantasy sa mga tema ng mga kanta ni Tsfasman", "Spring ay darating" - isang jazz miniature batay sa awit ni Isaac Dunaevsky. Sa mga music suites at fantasies - ang mga gawa ng malaking anyo - ang mga musikero-soloista ay maaaring magpakita ng kanilang mga kasanayan. Ito ay tunay na nakatulong jazz. At ang mga batang jazzmen, na pagkatapos ay magiging kulay ng Russian jazz, - Igor Yakushenko, Anatoly Kroll, Georgy Garanyan- binubuo ang kanilang mga gawa nang mapanlikha at may mahusay na panlasa. "Natuklasan din" ni Oleg Lundstrem ang mga mahuhusay na vocalist na nagsagawa ng mga pop song. Ang orkestra ay kumanta sa iba't ibang oras Maya Kristalinskaya, Gyuli Chokheli, Valery Obodzinsky, Irina Otieva.Bagaman hindi mapagkakamalan ang materyal ng kanta, ang malaking banda at mga instrumental na soloista ay palaging naging pokus ng atensyon.

Ang musikal na "unibersidad" ni Oleg Lundstrem sa loob ng ilang mga dekada ng pagkakaroon ng orkestra ay naipasa ang maraming mga musikero ng Russia, na ang listahan ay kukuha ng higit sa isang pahina, ngunit ang banda ay hindi sana tunog kaya propesyonal kung hindi para sa gawain ng isa sa mga pinakamahusay na tagaayos - Vitaly Dolgova(1937-2007). Ang kritiko na si G. Dolotkazin ay sumulat tungkol sa gawain ng master: "Ang estilo ni V. Dolgov ay hindi inuulit ang tradisyonal na interpretasyon ng isang malaking orkestra na nahahati sa mga seksyon (trompeta, trombones, saxophones), sa pagitan ng kung saan ang mga diyalogo at mga tawag sa roll ay patuloy na isinasagawa. Ang V. Dolgov ay nailalarawan sa prinsipyo ng sa pamamagitan ng pag-unlad ng materyal. Sa bawat hiwalay na yugto ng pag-play, nakatagpo siya ng isang katangian na tela ng orkestra, mga orihinal na kumbinasyon ng timbre. Si V. Dolgov ay madalas na gumagamit ng mga pamamaraan ng polyphony, overlay na mga layer ng orchestral sonorities. Ang lahat ng ito ay nagbibigay sa kanyang pag-aayos ng pagkakaisa at integridad. "

Sa pagtatapos ng 1970s, kapag ang isang matatag na madla ng jazz ay umuusbong sa Russia, ang mga kapistahan ay nagsimulang gaganapin, iniwan ni Oleg Lundstrem ang mga numero ng pop at itinalaga ang kanyang sarili sa buong jazz. Ang maestro mismo ay binubuo ng musika para sa orkestra: "Mirage", "Interlude", "Humoresque", "Marsh-foxtrot", "Impromptu", "Lilacs Blossoms", "Bukhara Ornament", "Sa Mountains of Georgia". Dapat pansinin na hanggang sa araw na ito ay gumaganap ang Oleg Lundstrem Memorial Orchestra na binubuo ng master ng Russian jazz na may mahusay na tagumpay. Noong 1970s. sa USSR, mayroong mga kompositor na nag-gravitate sa jazz: Arno Babadzhanyan, Kara Karaev, Andrey Eshpay, Murad Kazhlaev, Igor Yakushenko.Ang kanilang mga gawa ay ginanap din ng Lundstrem Orchestra. Ang mga musikero ay madalas na naglalakbay sa ibang bansa, na gumanap sa domestic at dayuhang jazz festival: Tallinn-67, Jazz Jembori-72 sa Warsaw, Prague-78 at Prague-86, Sofia-86, Ang Jazz sa Duetown-88 "sa Netherlands," Grenoble-90 "sa Pransya, sa Duke Ellington Memorial Festival sa Washington noong 1991. Sa loob ng apatnapung taon ng pagkakaroon nito, ang Oleg Lundstrem Orchestra ay bumisita sa higit sa tatlong daang mga lungsod sa ating bansa at sa dose-dosenang mga dayuhang bansa. Nakagagalak na mapansin na ang bantog na kolektibo ay madalas na naitala sa mga talaan: "Oleg Lundstrem's Orchestra", dalawang album na pinagsama ng parehong pamagat na "In Memory of Musicians" (nakatuon sa Glenn Miller at Duke Ellington), "Sa Ating Panahon", "Sa Juicy Tones", atbp.

Batashev A.N.Soviet jazz. Pangkasaysayan ng sketch. P. 43.

Ang mga performer ng jazz ay nag-imbento ng isang espesyal na wikang pangmusika batay sa improvisasyon, kumplikadong ritwal na mga figure (swing), at natatanging mga pattern ng harmonik.

Nagmula si Jazz sa huli na XIX - unang bahagi ng XX sa Estados Unidos ng Amerika at kinakatawan ang isang natatanging kababalaghan sa lipunan, lalo na, ang pagsasanib ng mga kultura ng Africa at Amerikano. Ang karagdagang pag-unlad at stratification ng jazz sa iba't ibang mga estilo at sub-style ay dahil sa ang katunayan na ang mga performer at kompositor ng jazz ay patuloy na nagpapatuloy na kumplikado ang kanilang musika, maghanap ng mga bagong tunog at master ang mga bagong harmonies at ritmo.

Kaya, ang isang malaking pamana ng jazz ay naipon, kung saan ang mga sumusunod na pangunahing paaralan at estilo ay maaaring makilala: Bagong Orleans (tradisyonal) jazz, bebop, hard bop, swing, cool jazz, progresibong jazz, libreng jazz, modal jazz, pagsasanib, atbp. Nakolekta sa artikulong ito ay sampung natatanging mga performer ng jazz, pamilyar sa iyong kumpletong larawan ng panahon ng mga libreng tao at masiglang musika.

Miles Davis (Miles Davis)

Si Miles Davis ay ipinanganak noong Mayo 26, 1926 sa Olton (USA). Kilala bilang isang iconic na Amerikanong manlalaro ng trumpeta, na ang musika ay gumawa ng isang malaking epekto sa jazz at musika na tanawin ng ika-20 siglo bilang isang buo. Siya ay nag-eksperimento nang marami at matapang sa mga istilo at, marahil, iyon ang dahilan kung bakit ang pigura ni Davis ay nagmula sa mga tulad na estilo tulad ng cool jazz, pagsasanib at modal jazz. Sinimulan ni Miles ang kanyang karera sa musikal bilang isang miyembro ng quintet ng Charlie Parker, ngunit kalaunan ay pinamamahalaang makahanap at bumuo ng kanyang sariling tunog ng musika. Ang pinakamahalagang at foundational album ni Miles Davis ay ang Birth of the Cool (1949), Uri ng Blue (1959), Bitches Brew (1969) at Sa Isang Tahimik na Daan (1969). Ang pangunahing tampok ng Miles Davis ay na siya ay palaging sa isang malikhaing paghahanap at ipinakita sa buong mundo ng mga bagong ideya, at sa gayon ang dahilan ng kasaysayan ng modernong jazz musika ay labis na malaki sa kanyang natatanging talento.

Louis Armstrong (Louis Armstrong)

Si Louis Armstrong, ang tao na ang pangalan ay dumarating sa isip ng karamihan sa mga tao nang marinig nila ang salitang "jazz", ay ipinanganak noong Agosto 4, 1901, sa New Orleans (USA). Si Armstrong ay may nakasisilaw na talento para sa paglalaro ng trumpeta at marami ang nagawa upang mapaunlad at ipamilyar ang musika ng jazz sa buong mundo. Bilang karagdagan, sinakop din niya ang madla sa kanyang husky bass vocals. Ang landas na kinailangan ni Armstrong mula sa pagtapak hanggang sa pamagat ng King of Jazz ay isang malambot. At nagsimula ito sa isang kolonya para sa mga madilim na balat na tinedyer, kung saan nahuli si Louis para sa isang inosenteng kapilyuhan - pagbaril ng isang pistola sa Bisperas ng Bagong Taon. Sa pamamagitan ng paraan, nagnakaw siya ng isang pistola mula sa isang pulis, isang kliyente ng kanyang ina, na isang kinatawan ng pinakalumang propesyon sa mundo. Salamat sa hindi masyadong kanais-nais na pagkakaisa, nakuha ni Louis Armstrong ang kanyang unang karanasan sa musika sa bandang tanso ng kampo. Doon niya nakamit ang cornet, tambourine at alto sungay. Sa isang salita, si Armstrong ay nagmula sa mga martsa sa kolonya at pagkatapos ay paminsan-minsang mga pagtatanghal sa mga club sa isang musikero na klaseng mundo, na ang talento at kontribusyon sa bangko ng jazz ay halos hindi masobrahan. Ang impluwensya ng kanyang mga iconic na album na Ella at Louis (1956), Porgy at Bess (1957), at American Freedom (1961) ay naririnig pa rin ngayon sa iba't ibang mga kontemporaryong tagapalabas.

Duke Ellington (Duke Ellington)

Si Duke Ellinton ay ipinanganak noong Abril 29, 1899 sa Washington DC. Pianist, pinuno ng orkestra, tagapag-ayos at kompositor, na ang musika ay naging isang tunay na pagbabago sa mundo ng jazz. Ang kanyang mga gawa ay nilalaro sa lahat ng mga istasyon ng radyo, at ang kanyang mga pag-record ay nararapat na kasama sa "gintong pondo ng jazz". Ang Ellinton ay kinikilala sa buong mundo, nakatanggap ng maraming mga parangal, sumulat ng isang malaking bilang ng mga gawa sa henyo, kabilang ang pamantayang "Caravan", na lumibot sa buong mundo. Ang kanyang pinakatanyag na paglabas ay kasama ang mga rekord tulad ng "Ellington At Newport" (1956), "Ellington Uptown" (1953), "Far East Suite" (1967) at "Masterpieces Ni Ellington" (1951).

Herbie Hancock (Herbie Hancock)

Si Herbie Hancock ay ipinanganak noong Abril 12, 1940, sa Chicago (USA). Kilala si Hancock bilang isang pianista at kompositor, pati na rin ang may-ari ng 14 Grammy awards, na natanggap niya para sa kanyang trabaho sa larangan ng jazz. Ang kanyang musika ay kawili-wili na pinagsasama nito ang mga elemento ng bato, funk at kaluluwa, kasama ang libreng jazz. Gayundin sa kanyang mga komposisyon maaari kang makahanap ng mga elemento ng modernong klasikal na musika at mga motibo ng blues. Sa pangkalahatan, halos bawat sopistikadong tagapakinig ay makakahanap ng isang bagay para sa kanilang sarili sa musika ni Hancock. Kung pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga makabagong mga solusyon sa malikhaing, ang Herbie Hancock ay itinuturing na isa sa mga unang performer ng jazz na pagsamahin ang synthesizer at funk sa parehong paraan ng musikero ay sa mga pinagmulan ng pinakabagong estilo ng jazz - post-bebop. Sa kabila ng pagiging tiyak ng musika ng ilang yugto ng akda ni Herbie, karamihan sa kanyang mga kanta ay mga melodic na komposisyon na minamahal ng pangkalahatang publiko.

Kabilang sa kanyang mga album, ang mga sumusunod ay maaaring makilala: "Head Hunters" (1971), "Future Shock" (1983), "Maiden Voyage" (1966) at "Takin" Off "(1962).

John Coltrane (John Coltrane)

Si John Coltrane, isang natatanging jazz innovator at virtuoso, ay ipinanganak noong Setyembre 23,1926. Si Coltrane ay isang talento saxophonist at kompositor, pinuno ng banda at isa sa mga pinaka-impluwensyang musikero noong ika-20 siglo. Ang Coltrane ay itinuturing na isang makabuluhang pigura sa kasaysayan ng pag-unlad ng jazz, na naging inspirasyon at naiimpluwensyahan at naiimpluwensyahan ang mga kontemporaryo, pati na rin ang paaralan ng improvisasyon sa pangkalahatan. Hanggang sa 1955, si John Coltrane ay nanatiling medyo hindi kilala hanggang sa sumali siya sa kolektibong Miles Davis. Pagkalipas ng ilang taon, umalis si Coltrane sa quintet at nagsimulang mahigpit na makisali sa kanyang sariling gawain. Sa mga taong ito, naitala niya ang mga album na bumubuo sa pinakamahalagang bahagi ng pamana ng jazz.

Ito ang Giant Steps (1959), Coltrane Jazz (1960) at A Love Supreme (1965), na mga tala na naging mga icon ng jov improvisation.

Charlie Parker (Charlie Parker)

Si Charlie Parker ay ipinanganak noong Agosto 29, 1920 sa Kansas City (USA). Ang pag-ibig sa musika ay nagising sa kanya nang maaga: sinimulan niyang master ang saxophone sa edad na 11. Noong 1930s, nagsimulang master ang Parker ng mga prinsipyo ng improvisasyon at bumuo ng ilang mga diskarte sa kanyang diskarteng nangunguna sa bebop. Kalaunan siya ay naging isa sa mga tagapagtatag ng estilo na ito (kasama ang Dizzy Gillespie) at, sa pangkalahatan, ay nagkaroon ng isang napakalakas na impluwensya sa musika ng jazz. Gayunpaman, kahit sa kabataan, ang musikero ay naging gumon sa morpina at kalaunan sa pagitan ng Parker at musika ay may problema sa pagkagumon sa heroin. Sa kasamaang palad, kahit na pagkatapos ng paggamot sa klinika at paggaling, si Charlie Parker ay hindi maaaring gumana nang aktibo at sumulat ng bagong musika. Sa huli, binawi ng heroin ang kanyang buhay at karera at naging sanhi ng kanyang pagkamatay.

Ang pinakamahalagang album ni Charlie Parker: Bird at Diz (1952), Kapanganakan ng Bebop: Bird on Tenor (1943), at Charlie Parker na may mga string (1950).

Thelonious Monk Quartet

Thelonious Monk ay ipinanganak noong Oktubre 10, 1917, sa Rocky Mount (USA). Pinakilala bilang isang jazz composer at pianista, pati na rin ang isa sa mga tagapagtatag ng bebop. Ang kanyang orihinal na "masungit" na paraan ng paglalaro ay sumisipsip ng iba't ibang mga estilo - mula sa avant-garde hanggang primitivism. Ang ganitong mga eksperimento ay naging tunog ng kanyang musika na hindi masyadong pangkaraniwan para sa jazz, na, gayunpaman, ay hindi pumigil sa marami sa kanyang mga gawa mula sa pagiging klasiko ng estilo ng musika na ito. Ang pagiging isang napaka-hindi pangkaraniwang tao na, mula pagkabata, ay nagawa ang lahat na posible lamang na hindi maging "normal" at tulad ng lahat, ang Monk ay hindi lamang kilala para sa kanyang mga pasya sa musikal, kundi pati na rin sa kanyang sobrang kumplikadong karakter. Maraming mga kwentong anekdot ay nauugnay sa kanyang pangalan tungkol sa kung paano siya nahuhuli para sa kanyang sariling mga konsyerto, at kahit na tumanggi kahit na maglaro sa isang Detroit club, dahil ang kanyang asawa ay hindi nagpakita para sa pagganap. At kaya nakaupo si Monk sa isang upuan, nakatiklop ang mga bisig, hanggang sa ang kanyang asawa ay sa wakas dinala sa bulwagan - sa mga tsinelas at isang gown. Bago ang paningin ng kanyang asawa, ang mahihirap na babae ay agarang kinuha ng eroplano, kung naganap lamang ang konsiyerto.

Ang mga pinakatanyag na album ng Monk ay kinabibilangan ng Monk's Dream (1963), Monk (1954), Straight No Chaser (1967), at Misterioso (1959).

Billie Holiday

Si Billie Holiday, ang sikat na Amerikanong jazz vocalist, ay ipinanganak noong Abril 7, 1917 sa Philadelphia. Tulad ng maraming mga musikero ng jazz, sinimulan ni Holiday ang kanyang karera sa musikal sa mga nightclub. Sa paglipas ng panahon, masuwerte siya upang matugunan ang producer na si Benny Goodman, na nag-ayos ng kanyang unang pag-record sa studio. Dumating ang kaluwalhatian sa mang-aawit matapos na lumahok sa mga malalaking banda ng mga tulad ng jazz masters bilang Count Basie at Artie Shaw (1937-1938). Ang Lady Day (habang tinawag siya ng kanyang mga tagahanga) ay may natatanging istilo ng pagganap, salamat sa kung saan tila nais niyang muling likhain ang isang sariwa at natatanging tunog para sa pinakasimpleng komposisyon. Magaling siya sa romantiko, mabagal na mga kanta (tulad ng "Huwag Ipaliwanag" at "Lover Man"). Ang karera ni Billie Holiday ay maliwanag at napakatalino, ngunit hindi nagtagal, dahil pagkatapos ng tatlumpung taon ay naging gumon siya sa pag-inom at droga, na negatibong nakakaapekto sa kanyang kalusugan. Ang anghel na tinig ay nawala ang dating lakas at kakayahang umangkop, at ang Holiday ay mabilis na nawalan ng pabor sa publiko.

Pinayaman ni Billie Holiday ang sining ng jazz kasama ang mga natatanging album tulad ng Lady Sings the Blues (1956), Katawan at Kaluluwa (1957), at Lady sa Satin (1958).

Bill Evans (Bill Evans)

Si Bill Evans, ang maalamat na pianista at kompositor ng jazz na Amerikano, ay ipinanganak noong Agosto 16, 1929 sa New Jersey, USA. Ang Evans ay isa sa mga pinaka-impluwensyang performer ng jazz noong ika-20 siglo. Ang kanyang mga komposisyon sa musika ay napaka sopistikado at hindi pangkaraniwan na kakaunti ang mga pianista na magmana at humiram ng kanyang mga ideya. Maaari siyang mag-indayog at magawa bilang isang banal na tulad ng walang iba, ngunit sa parehong oras ang himig at pagiging simple ay malayo sa dayuhan sa kanya - ang kanyang mga interpretasyon ng mga sikat na ballads ay nakakuha ng katanyagan kahit na sa mga hindi madinig na jazz. Edukado si Evans bilang isang pianista sa akademya, at pagkatapos maglingkod sa hukbo ay nagsimulang lumitaw sa publiko kasama ang iba't ibang mga kilalang musikero bilang isang performer ng jazz. Ang tagumpay ay dumating sa kanya noong 1958, nang magsimulang maglaro si Evans sa sextet ng Miles Davis, kasama ang Cannonball Oderly at John Coltrane. Ang Evans ay itinuturing na tagalikha ng genre ng silid ng jazz trio, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang nangungunang improvising piano, pati na rin ang mga drums at dobleng bass soloing kasama nito. Ang kanyang istilo ng musikal ay nagdala ng iba't ibang mga kulay sa musika ng jazz - mula sa mapanlikha na magagandang improvisasyon hanggang sa mga kulay na lyrically na kulay.

Ang mga pinakamahusay na album ni Evans ay kasama ang kanyang solo recording ng "Alone" (1968), na ginawa sa mode ng man-band, "Waltz for Debby" (1961), "New Jazz Conceptions" (1956) at "Explorations" (1961).

Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)

Si Dizzy Gillespie ay ipinanganak noong Oktubre 21, 1917 sa Chirow, USA. Ang dizzy ay may maraming mga nagawa sa kasaysayan ng pag-unlad ng musika ng jazz: kilala siya bilang isang trompeta, bokalista, tagapag-ayos, kompositor at pinuno ng orchestra. Gillespie din co-itinatag improvisational jazz kasama Charlie Parker. Tulad ng maraming mga jazz men, nagsimula si Gillespie sa pamamagitan ng pagganap sa mga club. Pagkatapos ay lumipat siya upang manirahan sa New York at matagumpay na pumasok sa lokal na orkestra. Kilala siya sa kanyang orihinal, kung hindi clownish, pag-uugali, na matagumpay na pinihit ang mga taong nagtatrabaho sa kanya laban sa kanya. Mula sa unang orkestra, kung saan ang napaka-talino ngunit kakaibang trumpeta na si Dizz ay nagpunta sa paglibot sa Inglatera at Pransya, muntik na siyang masipa. Ang mga musikero ng kanyang pangalawang orkestra ay hindi rin lubos na naging reaksyon sa pag-alala ni Gillespie sa kanilang pagganap. Bilang karagdagan, ang ilang mga tao ay naiintindihan ang kanyang mga eksperimento sa musika - ang ilan ay tinawag na kanyang musika na "Intsik". Ang pakikipagtulungan sa pangalawang orkestra ay nagtapos sa isang labanan sa pagitan ng Cab Calloway (pinuno nito) at si Dizzy sa panahon ng isa sa mga konsyerto, pagkatapos nito ay sinipa si Gillespie sa labas ng banda na may pag-crash. Matapos lumikha si Gillespie ng kanyang sariling grupo, kung saan nagtatrabaho siya at iba pang mga musikero upang pag-iba-iba ang tradisyonal na wika ng jazz. Kaya, ang estilo na kilala bilang bebop ay ipinanganak, sa estilo kung saan aktibong nagtrabaho si Dizzy.

Ang pinakamagandang album ng henyo ng trumpeta ay kinabibilangan ng Sonny Side Up (1957), Afro (1954), Birk's Works (1957), World Statesman (1956) at Dizzy and Strings (1954).

Sa loob ng maraming mga dekada, ang musika ng kalayaan, na ginanap ng dizzying jazz virtuosos, ay naging isang malaking bahagi ng tanawin ng musika at ng buhay ng tao. Ang mga pangalan ng mga musikero, na makikita mo sa itaas, ay na-imortal sa memorya ng maraming henerasyon, at, malamang, ang parehong bilang ng mga henerasyon ay magbigay ng inspirasyon at humanga sa kanilang kasanayan. Marahil ang sikreto ay ang mga imbentor ng mga trumpeta, mga saxophone, dobleng bass, piano at drums ay alam na ang ilang mga bagay ay hindi maisasakatuparan sa mga instrumento na ito, ngunit nakalimutan nilang sabihin sa mga musikero ng jazz tungkol dito.