Mga larawan ng mga artista ng Russia na may pamagat at may-akda. Ang pinakasikat na mga kuwadro na gawa sa mundo

Mayroong mga gawa ng sining na tila matumbok ang manonood sa ulo, nababalisa at nagtaka. Ang iba ay nag-iisip sa pag-iisip at sa paghahanap ng mga semantiko na layer, lihim na simbolismo. Ang ilang mga kuwadro na gawa ay natatakpan ng mga lihim at mystical riddles, habang ang iba ay nagulat sa isang napakalaking presyo.

Maingat naming suriin ang lahat ng pangunahing mga nakamit sa pagpipinta sa mundo at pinili mula sa kanila ng dalawang dosenang mga kakaibang pintura. Salvador Dali, na ang mga gawa na ganap na nahuhulog sa format ng materyal na ito at ang unang naisip, ay hindi kasama sa koleksyon na ito nang may layunin.

Malinaw na ang "kakaiba" ay isang medyo subjective na konsepto, at ang bawat isa ay may sariling kamangha-manghang mga larawan na lumalabas mula sa maraming iba pang mga gawa ng sining. Masisiyahan kami kung ibabahagi mo ang mga ito sa mga komento at sabihin sa amin ang kaunti tungkol sa kanila.

"Sigaw"

Edvard Munch. 1893, karton, langis, tempera, pastel.
National Gallery, Oslo.

Ang Scream ay itinuturing na isang landmark event sa Expressionism at isa sa mga pinakasikat na kuwadro sa buong mundo.

Mayroong dalawang pagpapakahulugan sa kung ano ang inilalarawan: ang bayani mismo ay nasamsam ng kakila-kilabot at tahimik na hiyawan, pinipindot ang kanyang mga kamay sa kanyang mga tainga; o isinara ng bayani ang kanyang mga tainga mula sa sigaw ng kapayapaan at tunog na umaalingawngaw sa paligid. Sumulat si Munch ng apat na bersyon ng The Scream, at mayroong isang bersyon na ang larawang ito ay bunga ng isang manic-depressive psychosis kung saan nagdusa ang artista. Matapos ang isang kurso ng paggamot sa klinika, si Munch ay hindi bumalik sa trabaho sa canvas.

"Naglalakad ako kasama ang dalawang kaibigan. Ang araw ay lumulubog - biglang ang langit ay naging pula ng dugo, tumahimik ako, nakaramdam ng pagod, at sumandal sa bakod - Tiningnan ko ang dugo at apoy sa mala-mala-bughaw na fjord at ng lungsod. Ang aking mga kaibigan ay nagpunta nang higit pa, at tumayo ako, nanginginig sa kasiyahan, nakakaramdam ng isang walang katapusang sigaw na tumusok sa likas na katangian, "sinabi ni Edvard Munch tungkol sa kasaysayan ng pagpipinta.

Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?"

Paul Gauguin. 1897-1898, langis sa canvas.
Museum of Fine Arts, Boston.

Sa direksyon ni Gauguin mismo, ang pagbasa ay dapat basahin mula kanan hanggang kaliwa - tatlong pangunahing pangkat ng mga figure ang naglalarawan sa mga tanong na inilalagay sa pamagat.

Ang tatlong kababaihan na may isang bata ay kumakatawan sa simula ng buhay; ang gitnang pangkat ay sumisimbolo sa pang-araw-araw na pagkakaroon ng kapanahunan; sa pangwakas na pangkat, ayon sa ideya ng artist, "isang matandang babae na papalapit sa kamatayan ay tila pinagkasundo at itinalaga sa kanyang mga pagmuni-muni", sa kanyang paanan "isang kakaibang puting ibon ... ay kumakatawan sa kawalang-saysay ng mga salita."

Ang isang malalim na pilosopikal na larawan ng post-impressionist na si Paul Gauguin ay ipininta sa kanya sa Tahiti, kung saan tumakas siya mula sa Paris. Nang makumpleto ang gawain, nais pa niyang magpakamatay: "Naniniwala ako na ang canvas na ito ay higit sa lahat ng mga nauna ko at na hindi na ako lalilikha ng isang bagay na mas mahusay o kahit na katulad." Nabuhay siya ng isa pang limang taon, at kaya nangyari ito.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, canvas, langis.
Reina Sofia Museum, Madrid.

Inihahatid ng Guernica ang mga eksena ng kamatayan, karahasan, kabangisan, pagdurusa at walang magawa, nang hindi tinukoy ang kanilang agarang mga sanhi, ngunit halata ang mga ito. Sinasabing noong 1940 si Pablo Picasso ay pinatawag sa Gestapo sa Paris. Agad na lumingon ang larawan sa larawan. "Ginawa mo ba ito?" - "Hindi, ginawa mo ito."

Ang isang malaking pagpipinta-fresco na "Guernica", na pininta ni Picasso noong 1937, ay nagsasabi tungkol sa pagsalakay ng isang boluntaryong yunit ng Luftwaffe sa lungsod ng Guernica, bilang isang resulta kung saan ang anim na libong lungsod ay ganap na nawasak. Ang pagpipinta ay nakumpleto sa loob lamang ng isang buwan - ang mga unang araw ng trabaho sa pagpipinta, ang Picasso ay nagtrabaho para sa 10-12 na oras, at na sa mga unang sketsa ang isa ay makakakita ng pangunahing ideya. Ito ay isa sa mga pinakamahusay na paglalarawan ng bangungot ng pasismo, pati na rin ang kalupitan at kalungkutan ng tao.

"Larawan ng mag-asawang Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, kahoy, langis.
London National Gallery, London.

Ang sikat na pagpipinta ay buong puno ng mga simbolo, alegorya at iba't ibang mga sanggunian - hanggang sa lagda na "Si Jan van Eyck ay narito", na naging pintura hindi lamang sa isang gawa ng sining, ngunit sa isang makasaysayang dokumento na nagpapatunay sa katotohanan ng kaganapan kung saan naroroon ang artist.

Ang larawan, marahil ng Giovanni di Nicolao Arnolfini at kanyang asawa, ay isa sa mga pinaka-kumplikadong mga gawa ng paaralan ng Western Northern Renaissance ng pagpipinta.

Sa Russia, sa nagdaang mga taon, ang pagpipinta ay nakakuha ng mahusay na katanyagan dahil sa pagkakahawig ng larawan ni Arnolfini kay Vladimir Putin.

"Demon na nakaupo"

Mikhail Vrubel. 1890, canvas, langis.
Estado Tretyakov Gallery, Moscow.

"Mga kamay pigilan siya"

Bill Stoneham. 1972.

Ang gawaing ito, siyempre, ay hindi maaaring maging ranggo sa mga masterpieces ng pagpipinta sa mundo, ngunit ang katotohanan na ito ay kakaiba ay isang katotohanan.

May mga alamat sa paligid ng pagpipinta kasama ang isang batang lalaki, isang manika at palad na pinindot laban sa baso. Mula sa "namatay sila dahil sa larawang ito" hanggang sa "mga bata dito ay buhay." Ang larawan ay mukhang talagang katakut-takot, na nagbibigay ng pagtaas sa maraming takot at mga haka-haka sa mga taong may mahinang pag-iisip.

Iginiit ng artista na ang pagpipinta ay naglalarawan sa kanyang sarili sa edad na lima, na ang pintuan ay isang representasyon ng paghihiwalay na linya sa pagitan ng totoong mundo at ng mundo ng mga pangarap, at ang manika ay isang gabay na maaaring gabayan ang batang lalaki sa mundong ito. Ang mga armas ay kumakatawan sa mga alternatibong buhay o posibilidad.

Ang pagpipinta ay tumaas sa katanyagan noong Pebrero 2000 nang ilagay ito para ibenta sa eBay na may isang backstory na nagsasabi na ang pagpipinta ay "pinagmumultuhan." Ang "Hands Resist Him" \u200b\u200bay binili ng $ 1,025 ni Kim Smith, na noon ay pinuno lamang ng mga titik na may kakila-kilabot na mga kwento at hiniling na sunugin ang pagpipinta.

Ang pinakatanyag at makabuluhang mga kuwadro sa kasaysayan ng sining sa mundo para sa iyong inspirasyon.

Ang walang kamatayang mga kuwadro ng mga dakilang artista ay hinahangaan ng milyun-milyong mga tao. Ang sining, klasikal at moderno, ay isa sa pinakamahalagang mapagkukunan ng inspirasyon, panlasa at edukasyon sa kultura ng sinumang tao, at maging malikhain at higit pa.

Mayroong tiyak na higit sa 33 sikat na mga kuwadro ng mundo.May ilang daan sa kanila, at lahat ng mga ito ay hindi magkasya sa isang pagsusuri. Samakatuwid, para sa kaginhawaan ng pagtingin, napili namin ang ilan na pinaka makabuluhan para sa kultura ng mundo at madalas na kinopya. Ang bawat gawain ay sinamahan ng isang kawili-wiling katotohanan, isang paliwanag ng masining na kahulugan o ang kasaysayan ng paglikha nito.

Raphael "Sistine Madonna" 1512

Naka-imbak sa Gallery ng Old Masters sa Dresden.

Ang larawan ay may isang maliit na lihim: ang background, na mukhang mga ulap mula sa malayo, sa maingat na pagsusuri ay naging mga ulo ng mga anghel. At ang dalawang anghel na inilalarawan sa larawan sa ibaba ay naging motibo ng maraming mga postkard at poster.

Rembrandt "Night Watch" 1642

Naka-imbak sa Rijksmuseum sa Amsterdam.

Ang totoong pamagat ng pagpipinta ni Rembrandt ay "Pagsasalita ng Rifle Company ng Captain Frans Banning Kok at Tenyente Willem van Reitenburg." Tila sa mga artista sa sining na natuklasan ang pagpipinta sa ika-19 na siglo na ang mga figure ay lumitaw laban sa isang madilim na background, at tinawag itong "Night Watch". Kalaunan ay natuklasan na ang isang layer ng soot ay ginawang madilim ang larawan, ngunit ang pagkilos ay talagang naganap sa araw. Gayunpaman, ang pagpipinta ay nakapasok na sa kaban ng mundo ng sining sa ilalim ng pangalang "Night Watch".

Leonardo da Vinci Ang Huling Hapunan 1495-1498

Matatagpuan sa Monastery ng Santa Maria delle Grazie sa Milan.

Sa mahigit sa 500 na taong kasaysayan ng pagkakaroon ng gawain, ang fresco ay paulit-ulit na nawasak: sa pamamagitan ng pagpipinta, isang pintuan ay ginawa at pagkatapos ay inilatag, ang refectory ng monasteryo, kung saan matatagpuan ang imahe, ay ginamit bilang isang kagamitan, isang bilangguan, at binomba. Ang sikat na fresco ay naibalik ng hindi bababa sa limang beses, na may huling pagpapanumbalik na tumatagal ng 21 taon. Ngayon, upang matingnan ang isang gawa ng sining, dapat i-book nang maaga ang mga bisita at maaari lamang gumastos ng 15 minuto sa refectory.

Salvador Dali "Ang Pagtitiyaga ng memorya" 1931

Ayon sa may-akda mismo, ang larawan ay ipininta bilang isang resulta ng mga asosasyon ni Dali sa paningin ng naproseso na keso. Pagbabalik mula sa sinehan, kung saan siya nagpunta sa gabing iyon, hinulaang ni Gala nang tama nang tama na walang sinuman, na nakakakita ng "The Persistence of Memory", ay makakalimutan ito.

Si Pieter Bruegel ang Elder "The Tower of Babel" 1563

Naka-imbak sa Kunsthistorisches Museum sa Vienna.

Ayon kay Bruegel, ang kabiguan na naganap sa pagtatayo ng Tore ng Babel ay hindi masisisi sa mga hadlang sa wika na biglang lumitaw ayon sa kwento sa bibliya, ngunit sa mga pagkakamali na nagawa sa proseso ng konstruksyon. Sa unang sulyap, ang napakalaking istraktura ay tila medyo matatag, ngunit sa mas malapit na pag-iinspeksyon, malinaw na ang lahat ng mga tier ay hindi pantay na inilatag, ang mga mas mababang sahig ay hindi pa natapos o nahugno na, ang gusali mismo ay tumagilid patungo sa lungsod, at ang mga prospect para sa buong proyekto ay malungkot.

Kazimir Malevich "Black Square" 1915

Ayon sa artist, ipininta niya ang larawan nang maraming buwan. Kasunod nito, gumawa si Malevich ng ilang mga kopya ng "Black Square" (ayon sa ilang mga mapagkukunan, pitong). Ayon sa isang bersyon, ang artista ay hindi nakatapos ng trabaho sa pagpipinta nang oras, kaya kailangan niyang takpan ang gawain gamit ang itim na pintura. Kasunod nito, pagkatapos ng pagkilala sa publiko, nagsulat si Malevich ng bagong "Black Squares" na nasa mga blangko na canvases. Pininturahan din ni Malevich ang mga kuwadro na "Red Square" (sa dobleng) at isang "White Square".

"Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin" Pagliligo sa Pulang Kabayo "1912

Matatagpuan sa Estado Tretyakov Gallery sa Moscow.

Ipininta noong 1912, ang larawan ay naging mapangarapin. Ang pulang kabayo ay gumaganap ng papel ng Destiny ng Russia o Russia mismo, na hindi mapapanatili ng marupok at batang sakay. sa gayon, ang artista ay simbolikong hinulaang sa kanyang pagpipinta ng "pula" na kapalaran ng Russia noong ika-20 siglo.

Peter Paul Rubens "Ang Pag-agaw sa mga Anak na Babae ng Leucippus" 1617-1618

Naka-imbak sa Lumang Pinakothek sa Munich.

Ang pagpipinta na "The Abduction of the Daughters of Leucippus" ay itinuturing na personipikasyon ng matapang na pagnanasa at kagandahang pangangatawan. Ang malakas at muscular arm ng mga kabataan ay humahawak sa mga batang hubad na kababaihan upang mai-mount ang mga ito sa kanilang mga kabayo. Ang mga anak nina Zeus at Leda ay nakawin ang mga kasintahang babae ng kanilang mga pinsan.

Paul Gauguin "Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?" 1898

Sa Museum of Fine Arts, Boston.

Sa direksyon ni Gauguin mismo, ang pagbasa ay dapat basahin mula kanan hanggang kaliwa - tatlong pangunahing pangkat ng mga figure ang naglalarawan sa mga tanong na inilalagay sa pamagat. Ang tatlong kababaihan na may isang bata ay kumakatawan sa simula ng buhay; ang gitnang pangkat ay sumisimbolo sa pang-araw-araw na pagkakaroon ng kapanahunan; sa pangwakas na pangkat, tulad ng ipinaglihi ng artist, "isang matandang babae na papalapit sa kamatayan ay tila pinagkasundo at nakatuon sa kanyang mga iniisip", sa kanyang paanan "isang kakaibang puting ibon ... ay kumakatawan sa kawalang-saysay ng mga salita."

Eugene Delacroix "Liberty Nangunguna sa Mga Tao" 1830

Naka-imbak sa Louvre sa Paris

Ang Delacroix ay lumikha ng isang pagpipinta batay sa rebolusyon ng Hulyo 1830 sa Pransya. Sa isang liham sa kanyang kapatid noong Oktubre 12, 1830, isinulat ni Delacroix: "Kung hindi ako nakipaglaban para sa Inang bayan, kung gayon kahit papaano ay susulat ako para sa kanya." Ang hubad na dibdib ng isang babae na nangunguna sa mga tao ay sumisimbolo sa pag-aalay ng mga Pranses na oras ng panahong iyon, na nagpunta sa kaaway na may "hubad na mga suso".

Claude Monet na "Impression. Rising Sun" 1872

Naka-imbak sa Marmottan Museum sa Paris.

Ang pamagat ng akdang "Impression, soleil levant" na may ilaw na kamay ng mamamahayag na si L. Leroy ay naging pangalan ng artistikong direksyon na "impressionism". Ang pagpipinta ay ipininta mula sa buhay sa lumang pag-export ng Le Havre sa Pransya.

Si Jan Vermeer na "Batang babae na may isang Earring Perlas" 1665

Naka-imbak sa Mauritshuis Gallery sa The Hague.

Ang isa sa mga pinakatanyag na kuwadro ng Dutch artist na si Jan Vermeer ay madalas na tinutukoy bilang Northern o Dutch Mona Lisa. Napakaliit ay kilala tungkol sa pagpipinta: hindi ito napetsahan, ang pangalan ng batang babae na itinatanghal ay hindi alam. Noong 2003, batay sa nobela ng parehong pangalan ni Tracy Chevalier, ang tampok na pelikulang "Girl with a Pearl Earring" ay kinukunan, kung saan ang kasaysayan ng paglikha ng canvas ay hypothetically na naayos sa konteksto ng talambuhay ni Vermeer at buhay ng pamilya.

Ivan Aivazovsky "Ang ikasiyam na Wave" 1850

Naka-imbak sa St. Petersburg sa State Russian Museum.

Si Ivan Aivazovsky ay isang bantog na pintor na pandagat sa Russia na nakatuon sa kanyang buhay sa pagpipinta ng dagat. Lumikha siya ng halos anim na libong mga gawa, na bawat isa ay nakatanggap ng pagkilala sa habang buhay ng artist. Ang pagpipinta na "The Ninth Wave" ay kasama sa aklat na "100 Mahusay na Larawan".

Andrei Rublev "Trinity" 1425-1427

Ang icon ng Holy Trinity, na ipininta ni Andrei Rublev noong ika-15 siglo, ay isa sa pinakasikat na mga icon ng Russia. Ang icon ay isang vertical board. Si Tsars (Ivan the Terrible, Boris Godunov, Mikhail Fedorovich) "tinakpan" ang icon na may ginto, pilak at mahalagang bato. Ngayon ang suweldo ay pinananatili sa Sergiev Posad State Museum-Reserve.

Si Mikhail Vrubel "Seated Demon" 1890

Naka-imbak sa Tretyakov Gallery sa Moscow.

Ang balangkas ng larawan ay inspirasyon ng tula ni Lermontov na "The Demon". Ang demonyo ay isang imahe ng lakas ng espiritu ng tao, panloob na pakikibaka, pagdududa. Ang mga kamay ay mahigpit na sinunggaban, ang Demon ay nakaupo na may malulungkot na mata na nakadirekta sa layo, napapaligiran ng mga walang uliran na mga bulaklak.

William Blake "Ang Mahusay na Arkitekto" 1794

Sa British Museum, London.

Ang pamagat ng pagpipinta na "The Ancient of Days" ay literal na isinalin mula sa Ingles bilang "Sinaunang Panahon". Ang pariralang ito ay ginamit bilang pangalan ng Diyos. Ang pangunahing katangian ng larawan ay ang Diyos sa sandaling nilikha, na hindi nagtataguyod ng kaayusan, ngunit pinipigilan ang kalayaan at tinutukoy ang mga limitasyon ng imahinasyon.

Edouard Manet "The Bar at the Folies Bergère" 1882

Sa Courtauld Institute of Art, London.

Ang Folies Bergère ay isang iba't ibang palabas at cabaret sa Paris. Madalas na binisita ni Manet ang Folies Bergère at natapos ang pagpipinta ng pagpipinta na ito - ang huling isa bago ang kanyang kamatayan noong 1883. Sa likuran ng bar, sa gitna ng isang pag-inom, pagkain, pakikipag-usap at paninigarilyo, ay nakatayo ang barmaid, nasisipsip sa kanyang sariling mga saloobin, pinapanood ang akrobat sa trapeze, na makikita sa itaas na kaliwang sulok ng larawan.

Ang Titian "Daigdig na Pag-ibig at Pag-ibig sa Langit" 1515-1516

Naka-imbak sa Borghese Gallery sa Roma.

Kapansin-pansin na ang modernong pangalan ng pagpipinta ay hindi ibinigay ng artist mismo, ngunit nagsimulang magamit lamang makalipas ang dalawang siglo. Hanggang sa oras na iyon, ang pagpipinta ay may iba't ibang mga pamagat: "Kagandahan Pinagpaputi at Walang Pantay" (1613), "Tatlong Uri ng Pag-ibig" (1650), "Banal at Sekular na Babae" (1700), at, sa wakas, "Daigdig na Pag-ibig at Pag-ibig sa Langit "(1792 at 1833).

Mikhail Nesterov "Pangitain sa kabataan na Bartholomew" 1889-1890

Naka-imbak sa Estado Tretyakov Gallery sa Moscow.

Ang una at pinaka makabuluhang gawain mula sa ikot na nakatuon sa Sergius ng Radonezh. Hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw, ang artista ay kumbinsido na ang "Pangitain sa kabataan na Bartholomew" ay ang kanyang pinakamahusay na gawain. Sa kanyang katandaan, nagustuhan ng artista na ulitin: "Hindi sa akin na mabubuhay. Ito ang magiging kabataan na Bartholomew na mabubuhay." Ngayon, kung tatlumpu't limampung taon pagkatapos ng aking pagkamatay, may sinabi pa rin siya sa mga tao, nangangahulugan na siya ay buhay, nangangahulugan na ako ay buhay . "

Si Pieter Bruegel ang Elder "Ang Talinhaga ng Bulag" 1568

Naka-imbak sa Capodimonte Museum sa Naples.

Ang iba pang mga pangalan para sa pagpipinta ay "Ang Bulag", "Ang Parabola ng Bulag", "Ang Bulag ang namumuno sa Bulag". Ito ay pinaniniwalaan na ang balangkas ng larawan ay batay sa talinghaga sa bibliya ng bulag: "Kung ang isang bulag na lalaki ay nangunguna sa isang bulag, kung gayon ang dalawa sa kanila ay mahuhulog sa isang butas."

Viktor Vasnetsov "Alyonushka" 1881

Naka-imbak sa Estado Tretyakov Gallery.

Ang kwentong "Tungkol kay Sister Alyonushka at Brother Ivanushka" ay kinuha bilang batayan. Sa una, ang pagpipinta ni Vasnetsov ay tinawag na "Fool Alyonushka". Ang mga Orphans ay tinawag na "tanga" sa oras na iyon. "Alyonushka," ang artista mismo ang nagsabi, "tila nanirahan sa aking ulo sa loob ng mahabang panahon, ngunit nakita ko talaga siya sa Akhtyrka nang nakilala ko ang isang simpleng buhok na batang babae na sumakit sa aking imahinasyon. Maraming labis na pagkalungkot, kalungkutan at purong lungkot sa Russia sa kanyang mga mata. ... Ang ilang mga espesyal na espiritu ng Russia ay sumabog mula sa kanya. "

Vincent van Gogh "Starry Night" 1889

Sa Museum of Modern Art, New York.

Hindi tulad ng karamihan sa mga pintura ng artist, ang Starry Night ay isinulat mula sa memorya. Si Van Gogh ay nasa oras na iyon sa ospital ng Saint-Remy, na pinahirapan ng mga kabaliwan.

Karl Bryullov "Ang Huling Araw ng Pompeii" 1830-1833

Naka-imbak sa State Russian Museum sa St. Petersburg.

Ang pagpipinta ay naglalarawan ng sikat na pagsabog ng Mount Vesuvius noong 79 AD. e. at ang pagkawasak ng lungsod ng Pompeii malapit sa Naples. Ang imahe ng artist sa kaliwang sulok ng pagpipinta ay isang sariling larawan ng may-akda.

Pablo Picasso "Pambabae sa Bola" 1905

Naka-imbak sa Pushkin Museum, Moscow

Natapos ang pagpipinta sa Russia salamat sa industriyalista na si Ivan Abramovich Morozov, na noong 1913 ay nakuha ito ng 16,000 franc. Noong 1918, ang pansariling koleksyon ng I.A.Morozov ay nasyonalisado. Sa ngayon, ang pagpipinta ay nasa koleksyon ng State Museum of Fine Arts na pinangalanang A.S. Pushkin.

Leonardo da Vinci "Madonna Litta" 1491

Naka-imbak sa Hermitage sa St. Petersburg.

Ang orihinal na pamagat ng pagpipinta ay "Madonna at Bata". Ang modernong pangalan ng pagpipinta ay nagmula sa pangalan ng may-ari nito - Count Litta, ang may-ari ng gallery ng sining ng pamilya sa Milan. May isang palagay na ang pigura ng sanggol ay hindi ipininta ni Leonardo da Vinci, ngunit kabilang sa brush ng isa sa kanyang mga mag-aaral. Ito ay napatunayan sa pamamagitan ng isang hindi pangkaraniwang baby pose para sa paraan ng may-akda.

Jean Ingres "Turkish baths" 1862

Naka-imbak sa Louvre sa Paris.

Natapos ng pagpipinta ni Ingres ang larawang ito nang siya ay higit sa 80 taong gulang. Sa larawang ito, ang artista ay nagbubuo ng isang uri ng buod ng mga imahe ng mga bathers, ang tema kung saan ay matagal nang naroroon sa kanyang gawain. Sa una, ang canvas ay nasa anyo ng isang parisukat, ngunit sa isang taon pagkatapos nito nakumpleto, ang artista ay naging isang bilog na larawan - tondo.

Si Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky "Umaga sa isang gubat ng pino" 1889

Naka-imbak sa Tretyakov Gallery sa Moscow

Ang "Morning in a Pine Forest" ay isang pagpipinta ng mga artistang Ruso na sina Ivan Shishkin at Konstantin Savitsky. Ang mga bear na pininturahan ng Savitsky, ngunit ang kolektor na si Pavel Tretyakov, nang makuha niya ang pagpipinta, tinanggal ang kanyang pirma, kaya ngayon ang Shishkin lamang ang ipinahiwatig bilang may-akda ng pagpipinta.

Mikhail Vrubel "Ang Swan Princess" 1900

Naka-imbak sa Estado Tretyakov Gallery

Ang larawan ay batay sa imahe ng entablado ng pangunahing tauhang babae ng opera ni N. A. Rimsky-Korsakov "The Tale of Tsar Saltan" batay sa kwento ng diwata ng parehong pangalan ni Alexander Pushkin. Nilikha ni Vrubel ang mga premieres ng 1900 opera, sketch para sa mga set at costume, at kinanta ng kanyang asawa ang bahagi ng Swan Princess.

Giuseppe Arcimboldo "Larawan ng Emperor Rudolph II bilang Vertumnus" 1590

Matatagpuan sa Skokloster Castle sa Stockholm.

Isa sa ilang mga nakaligtas na gawa ng artist, na gumawa ng mga larawan ng mga prutas, gulay, bulaklak, crustaceans, isda, perlas, musikal at iba pang mga instrumento, libro, at iba pa. Ang "Vertumnus" ay isang larawan ng emperor, na kinakatawan bilang ang sinaunang Romanong diyos ng mga panahon, halaman at pagbabagong-anyo. Sa pagpipinta, ang Rudolph ay binubuo nang buo ng mga prutas, bulaklak at gulay.

Edgar Degas "Blue Dancers" 1897

Matatagpuan sa Museum of Art. A.S. Pushkin sa Moscow.

Si Degas ay isang malaking tagahanga ng ballet. Siya ay tinatawag na isang ballerina artist. Ang gawaing "Blue Dancers" ay tumutukoy sa huli na panahon ng trabaho ni Degas, nang humina ang kanyang paningin, at nagsimula siyang magtrabaho kasama ang mga malalaking lugar ng kulay, na nagbibigay ng pangunahing kahalagahan sa pandekorasyon na samahan ng ibabaw ng pagpipinta.

Leonardo da Vinci "Mona Lisa" 1503-1505

Naka-imbak sa Louvre, Paris.

Ang "Mona Lisa" ay hindi maaaring magkaroon ng katanyagan sa buong mundo kung hindi ito inagaw noong 1911 ng isang empleyado ng Louvre. Ang pagpipinta ay natagpuan makalipas ang dalawang taon sa Italya: ang magnanakaw ay tumugon sa isang ad sa pahayagan at inalok na ibenta ang "La Gioconda" sa direktor ng Uffizi Gallery. Sa lahat ng oras na ito, habang patuloy ang pagsisiyasat, "Hindi iniwan ng" Mona Lisa "ang mga takip ng mga pahayagan at magasin sa buong mundo, na naging isang bagay ng pagkopya at pagsamba.

Sandro Botticelli "Ang Kapanganakan ng Venus" 1486

Naka-imbak sa Florence sa Uffizi Gallery

Ang pagpipinta ay naglalarawan ng mito ng kapanganakan ni Aphrodite. Ang isang hubad na diyosa ay lumulutang sa baybayin sa isang bukas na shell, na hinihimok ng hangin. Sa kaliwang bahagi ng larawan, si Zephyr (kanlurang hangin), sa mga bisig ng kanyang asawang si Chlorida, ay sumabog sa shell, na lumilikha ng isang hangin na puno ng mga bulaklak. Sa pampang, ang diyosa ay sinalubong ng isa sa mga biyaya. "Ang Kapanganakan ng Venus" ay napapanatiling mabuti salamat sa katotohanan na inilapat ni Botticelli ang isang proteksiyon na layer ng egg yolk sa pagpipinta.

Michelangelo "Paglikha ng Adan" 1511

Matatagpuan sa Sistine Chapel sa Vatican.

). Gayunpaman, sa loob ng balangkas ng artikulong ito, isasaalang-alang lamang natin ang object art.

Sa kasaysayan, ang lahat ng mga genre ay nahahati sa mataas at mababa. TO mataas na genre o pagpipinta sa kasaysayan ay kasama ang mga gawa ng isang napakalaking likas na katangian na nagdadala ng ilang uri ng moralidad, isang makabuluhang ideya na nagpapakita ng mga pangyayari sa kasaysayan, militar na nauugnay sa relihiyon, mitolohiya o fiction.

TO mababang genre naiugnay ang lahat na nauugnay sa pang-araw-araw na buhay. Ang mga ito ay pa rin ang buhay, mga larawan, pagpipinta ng sambahayan, tanawin, hayopismo, mga larawan ng mga hubad na tao, at marami pa.

Animalism (Latin hayop - hayop)

Ang genre ng animalistic na nagmula sa antigong panahon, nang ang mga unang tao ay nagpinta ng mga predatory na hayop sa mga bato. Unti-unti, ang direksyon na ito ay lumago sa isang independiyenteng genre, na nagpapahiwatig ng isang nagpapahayag na imahe ng anumang mga hayop. Ang mga hayopista ay karaniwang nagpapakita ng isang mahusay na interes sa kaharian ng hayop, halimbawa, maaari silang maging mahusay na mangangabayo, mapanatili ang mga alagang hayop, o simpleng pag-aralan ang kanilang mga gawi sa loob ng mahabang panahon. Bilang resulta ng hangarin ng artist, ang mga hayop ay maaaring lumitaw makatotohanang o sa anyo ng mga imahe ng artistikong.

Sa mga artista ng Russia, marami ang sanay sa mga kabayo, halimbawa, at. Kaya, sa sikat na pagpipinta ni Vasnetsov "Bayani", ang mga kabayanihan na kabayo ay inilalarawan na may pinakadakilang kasanayan: ang mga kulay, pag-uugali ng mga hayop, mga tulay at ang kanilang koneksyon sa mga Rider ay maingat na naisip. Hindi nagustuhan ni Serov ang mga tao at itinuturing na isang kabayo sa maraming mga paraan na mas mahusay kaysa sa isang tao, na kung saan ay madalas na inilalarawan niya ito sa iba't ibang mga eksena. bagaman ipininta niya ang mga hayop, hindi niya itinuturing ang kanyang sarili na isang hayop, kaya't ang mga oso sa kanyang sikat na pagpipinta na "Morning in a Pine Forest" ay nilikha ng hayopista na si K. Savitsky.

Sa mga panahon ng tsarist, ang mga larawan sa mga alagang hayop, na minamahal ng tao, ay naging tanyag lalo. Halimbawa, sa pagpipinta, lumitaw si Empress Catherine II kasama ang kanyang mahal na aso. Ang mga hayop ay naroroon din sa mga larawan ng ibang mga artista ng Russia.

Mga halimbawa ng mga kuwadro na gawa ng mga sikat na Ruso na artista sa genre

Makasaysayang pagpipinta

Ang genre na ito ay nagpapahiwatig ng napakalaking mga kuwadro na idinisenyo upang maiparating sa lipunan ang isang napakagandang plano, ilang uri ng katotohanan, moralidad, o nagpapakita ng mga mahahalagang kaganapan. Kasama dito ang mga gawa sa makasaysayan, mitolohiya, relihiyosong tema, alamat, pati na rin ang mga eksena sa militar.

Sa mga sinaunang estado, ang mga alamat at alamat ng mahabang panahon ay itinuturing na mga kaganapan sa nakaraan, samakatuwid ay madalas na inilalarawan sa mga fresco o vases. Nang maglaon, sinimulan ng mga artista na paghiwalayin ang mga kaganapan mula sa fiction, na kung saan ay ipinahayag lalo na sa paglalarawan ng mga eksena sa labanan. Sa sinaunang Roma, Egypt at Greece, ang mga eksena ng mga bayani na labanan ay madalas na inilalarawan sa mga kalasag ng mga tagumpay na mandirigma upang maipakita ang kanilang pagtagumpay sa kaaway.

Sa Gitnang Panahon, dahil sa pangingibabaw ng mga dogma ng simbahan, nanalo ang mga tema ng relihiyon, sa Renaissance, ang lipunan ay lumingon sa nakaraan lalo na upang luwalhatiin ang mga estado at pinuno nito, at mula sa ika-18 siglo ay ang ganitong genre ay madalas na nakaikot sa layunin ng pagtuturo sa mga kabataan. Sa Russia, ang genre ay naging laganap sa ika-19 na siglo, kung kailan madalas sinubukan ng mga artista na pag-aralan ang buhay ng lipunang Ruso.

Sa mga gawa ng mga artista ng Russia, ipinakita ang pagpipinta sa labanan, halimbawa, at. Naantig niya ang mga paksa ng mitolohiya at relihiyon sa kanyang mga kuwadro na gawa. Ang makasaysayang pagpipinta ay nanaig sa, alamat ng bayan - sa.

Mga halimbawa ng mga kuwadro na gawa ng mga sikat na artista ng Russia sa genre ng makasaysayang pagpipinta

Buhay pa rin (fr. Kalikasan - kalikasan at morte - patay)

Ang genre ng pagpipinta na ito ay nauugnay sa paglalarawan ng mga walang buhay na mga bagay. Maaari silang maging mga bulaklak, prutas, pinggan, laro, kagamitan sa kusina at iba pang mga bagay, na kung saan ang artista ay madalas na bumubuo ng isang komposisyon ayon sa kanyang hangarin.

Ang unang buhay pa rin ay lumitaw sa mga sinaunang bansa. Sa Sinaunang Egypt, kaugalian na ang kumakatawan sa mga handog sa mga diyos sa anyo ng iba't ibang mga pagkain. Kasabay nito, ang pagkilala sa paksa ay una sa lahat, kaya't ang mga sinaunang artista ay hindi partikular na nagmamalasakit sa chiaroscuro o ang texture ng mga bagay na buhay pa rin. Sa Sinaunang Gresya at Roma, ang mga bulaklak at prutas ay natagpuan sa mga kuwadro na gawa at sa mga bahay upang palamutihan ang interior, kaya't ipinakita ang mga ito nang mas tunay at larawan. Ang pagbuo at pamumulaklak ng genre na ito ay nahuhulog sa ika-16 at ika-17 siglo, kapag ang mga lifes ay nagsimulang maglaman ng mga nakatagong relihiyon at iba pang kahulugan. Kasabay nito, ang kanilang maraming mga klase ay lumitaw, depende sa paksa ng imahe (floral, fruit, scientist, atbp.).

Sa Russia, ang buhay pa rin ay umunlad lamang sa ika-20 siglo, dahil bago ito ginamit lalo na para sa mga layuning pang-edukasyon. Ngunit ang pag-unlad na ito ay napakahirap at nakunan, kabilang ang abstractionism kasama ang lahat ng mga direksyon nito. Halimbawa, nilikha niya ang magagandang komposisyon ng bulaklak sa, ginustong, nagtrabaho sa at madalas na "nabuhay" ang kanyang buhay pa rin, na nagbibigay ng impression sa viewer na ang mga pinggan ay malapit nang mahulog mula sa talahanayan o na ang lahat ng mga bagay ay magsisimulang paikutin.

Siyempre, ang mga bagay na inilalarawan ng mga artista, siyempre, ay naiimpluwensyahan ng kanilang mga teoretikal na pananaw o pananaw sa mundo, estado ng pag-iisip. Kaya, ang mga ito ay mga bagay na inilalarawan alinsunod sa prinsipyo ng spherical na pananaw na natuklasan sa kanya, at ang mga ekspresyonista ay pa rin ang nakakaakit sa kanilang drama.

Maraming mga artista ng Russia ang gumagamit ng buhay na pangunahin para sa mga layuning pang-edukasyon. Kaya, hindi lamang niya pinarangalan ang kanyang mga kasanayang pansining, ngunit nagsagawa din ng maraming mga eksperimento, na inilalagay ang mga bagay sa iba't ibang paraan, nagtatrabaho gamit ang ilaw at kulay. nag-eksperimento sa hugis at kulay ng linya, at pagkatapos ay lumipat mula sa pagiging totoo sa dalisay na primitivism, pagkatapos ay paghahalo ng parehong mga estilo.

Ang ilang mga artista ay pinagsama sa buhay pa rin kung ano ang kanilang inilalarawan kanina at ang kanilang mga paboritong bagay. Halimbawa, sa mga kuwadro na makikita mo ang kanyang paboritong plorera, tala at ang larawan ng kanyang asawa na nilikha niya bago, at inilarawan ang mga bulaklak na mahal niya mula sa pagkabata.

Maraming iba pang mga artista ng Russia, halimbawa, ang iba pa, ay nagtrabaho din sa parehong genre.

Mga halimbawa ng mga kuwadro na gawa ng mga sikat na Ruso na artista sa genre ng buhay pa

Nu (fr.nudite - kahubaran, pinaikling nu)

Ang genre na ito ay inilaan upang ilarawan ang kagandahan ng hubad na katawan at lumitaw bago ang ating panahon. Sa sinaunang mundo, maraming pansin ang nabigyan ng kaunlarang pisikal, yamang ang kaligtasan ng buong lahi ng tao ay nakasalalay dito. Kaya, sa sinaunang Greece, ang mga atleta ay tradisyonal na nakikipagkumpitensya na hubad, upang makita ng mga batang lalaki at binata ang kanilang perpektong nabuo na mga katawan at nagsusumikap para sa parehong pisikal na pagiging perpekto. Sa paligid ng ika-7-ika-6 na siglo. BC e. lumitaw ang mga hubad na lalaki na estatwa, na nagpapakilala sa pisikal na lakas ng isang lalaki. Ang mga babaeng figure, sa kabaligtaran, ay palaging lumilitaw sa harap ng madla sa mga damit, dahil hindi ito tinanggap na ilantad ang isang babaeng katawan.

Sa kasunod na mga pagsasama, nagbago ang saloobin sa mga hubad na katawan. Kaya, sa mga araw ng Hellenism (mula sa katapusan ng ika-6 na siglo BC), ang pagbabata ay lumabo sa background, na nagbibigay daan sa paghanga sa lalaki. Kasabay nito, ang unang babaeng hubad na numero ay nagsimulang lumitaw. Sa panahon ng Baroque, ang mga kababaihan na may kamangha-manghang mga form ay itinuturing na perpekto, sa panahon ng Rococo, ang pagiging senswalidad ay naging pinakamahalaga, at sa ika-19 na siglo, ang mga kuwadro o eskultura na may mga hubad na katawan (lalo na ang mga lalaki) ay madalas na ipinagbawal.

Ang mga artista ng Russia ay paulit-ulit na bumaling sa hubad na genre sa kanilang mga gawa. Kaya, ito ay mga mananayaw na may mga theatrical na katangian, sila ay posing mga batang babae o kababaihan sa gitna ng mga napakalaking plot. Marami itong senswal na kababaihan, kabilang ang mga pares, mayroon itong isang buong serye ng mga kuwadro na naglalarawan sa mga hubad na kababaihan sa iba't ibang mga aktibidad, at mayroon itong mga batang babae na puno ng kawalang-kasalanan. Ang ilan, halimbawa, ay naglalarawan ng ganap na mga hubad na lalaki, bagaman ang gayong mga larawan ay hindi tinanggap ng lipunan sa kanilang oras.

Mga halimbawa ng mga kuwadro na gawa ng mga sikat na Ruso na artista sa nude genre

Landscape (fr.Paysage, mula sa mga bayad - lugar)

Sa genre na ito, ang priority ay ang imahe ng natural o gawa ng tao na kapaligiran: natural na sulok, pananaw ng mga lungsod, nayon, monumento, atbp. Nakasalalay sa napiling bagay, natural, pang-industriya, dagat, kanayunan, liriko at iba pang mga landscape ay nakikilala.

Ang mga unang landscapes ng mga sinaunang artista ay natuklasan sa mga kuwadro na bato sa panahon ng Neolithic at mga larawan ng mga puno, ilog o lawa. Nang maglaon, ang natural na motif ay ginamit upang palamutihan ang bahay. Noong Middle Ages, ang tanawin ay halos ganap na pinalitan ng mga tema ng relihiyon, at sa Renaissance, sa kabaligtaran, ang magkakasuwato na relasyon sa pagitan ng tao at kalikasan ay dumating sa unahan.

Sa Russia, ang pagpipinta ng landscape ay nabuo mula pa noong ika-18 siglo at sa una ay limitado (ang mga landscap ay nilikha sa istilo na ito, halimbawa, at), ngunit sa kalaunan ang isang buong kalawakan ng mga may talento na artista ng Russia ay nagpayaman sa genre na ito mula sa iba't ibang mga estilo at uso. nilikha ang tinatawag na hindi kapani-paniwala na tanawin, iyon ay, sa halip na ituloy ang mga nakamamanghang tanawin, inilarawan niya ang pinaka-matalik na sandali sa kalikasan ng Russia. at dumating sa isang liriko na tanawin na namangha sa madla na may malambing na pakiramdam.

At ito ay isang mahabang tula na tanawin, kapag ang manonood ay ipinakita ang lahat ng kamahalan ng nakapaligid na mundo. Siya ay walang hanggan na lumingon sa antigong panahon, alam ni E. Volkov kung paano ibabaling ang anumang maingat na tanawin sa isang makataong larawan, namangha ang manonood sa kanyang kamangha-manghang ilaw sa mga tanawin, at walang katapusang maaaring humanga siya sa mga sulok ng kagubatan, parke, sunsets at ihatid ang pag-ibig na ito sa manonood.

Ang bawat isa sa mga pintor ng landscape ay nakatuon sa tulad ng isang tanawin na nakakaakit sa kanya lalo na malakas. Maraming mga artista ang hindi makakapasa sa malakihang mga proyekto sa konstruksyon at nagpinta ng maraming pang-industriya at lunsod sa kalunsuran. Kabilang sa mga ito ay mga gawa,

Halos bawat makabuluhang piraso ng sining ay may isang misteryo, isang "double bottom" o isang lihim na kwento na nais mong ibunyag.

Music sa puwit

Hieronymus Bosch, Ang Hardin ng Daigdig na Masarap, 1500-1510.

Fragment ng bahagi ng triptych

Ang debate tungkol sa mga kahulugan at mga nakatagong kahulugan ng pinakasikat na akdang Dutch artist ay hindi humupa mula noong ito ay umpisa. Sa kanang pakpak ng isang triptych na tinatawag na "Musical Hell", ang mga makasalanan ay itinatanghal na pinahihirapan sa ilalim ng mundong sa tulong ng mga instrumentong pangmusika. Ang isa sa kanila ay may mga tala na naka-imprinta sa puwit. Ang mag-aaral ng Oklahoma Christian University na si Amelia Hamrick, na nag-aral ng pagpipinta, naglalagay ng notasyon ng ika-16 na siglo sa isang modernong twist at naitala ang "isang 500-taong-gulang na awit mula sa impiyerno sa labas ng impiyerno."

Hubad ni Mona Lisa

Ang sikat na "La Gioconda" ay umiiral sa dalawang bersyon: ang hubo't hubad na bersyon ay tinatawag na "Monna Vanna", pininturahan ito ng maliit na kilalang artist na si Salai, na isang mag-aaral at modelo ng dakilang Leonardo da Vinci. Maraming mga kritiko sa sining ang sigurado na siya ang modelo para sa mga pinturang ipininta ni Leonardo na "John the Baptist" at "Bacchus". Mayroon ding mga bersyon na nakasuot ng damit ng isang babae, si Salai ay nagsilbing imahen ni Mona Lisa mismo.

Matandang Mangingisda

Noong 1902, ang pintor ng Hungarian na si Tivadar Kostka Chontvari ay nagpinta ng pagpipinta na "The Old Fisherman". Ito ay tila walang kakaiba sa larawan, ngunit inilagay ni Tivadar sa loob nito ng isang subtext na hindi kailanman inihayag sa panahon ng buhay ng artist.

Ilang may ideya na maglagay ng salamin sa gitna ng larawan. Ang bawat tao ay maaaring magkaroon ng parehong Diyos (nadoble ang kanang balikat ng Matandang Tao) at ang Diablo (doble ang kaliwang balikat ng matandang tao).

Mayroon bang balyena?

Hendrik van Antonissen "Scene on the Shore".

Ito ay parang isang ordinaryong tanawin. Mga bangka, mga tao sa pampang at ang desyerto na dagat. At lamang sa isang pag-aaral ng X-ray na nagpakita na ang mga tao ay nagtipon sa baybayin para sa isang kadahilanan - sa orihinal, sinuri nila ang bangkay ng isang balyena na nahugasan sa baybayin.

Gayunpaman, nagpasya ang artist na walang sinumang nais na tumingin sa patay na balyena at muling isulat ang larawan.

Dalawang "Breakfasts on Grass"

Edouard Manet, Almusal sa Grass, 1863.

Claude Monet, Almusal sa Grass, 1865.

Ang mga artista na sina Edouard Manet at Claude Monet ay minsan nalilito - pagkatapos ng lahat, pareho silang Pranses, nanirahan sa parehong oras at nagtrabaho sa estilo ng impressionism. Kahit na ang pangalan ng isa sa mga pinakatanyag na kuwadro na gawa ni Manet "Almusal sa Grass" Hiniram ni Monet at isinulat ang kanyang "Almusal sa Grass".

Doubles sa "Huling Hapunan"

Leonardo da Vinci, Ang Huling Hapunan, 1495-1498.

Nang isinulat ni Leonardo da Vinci na Ang Huling Hapunan, binigyan diin niya ng dalawang pigura: sina Kristo at Judas. Naghahanap siya ng mga modelo para sa kanila sa loob ng mahabang panahon. Sa wakas, nagawa niyang makahanap ng isang modelo para sa imahe ni Kristo sa mga batang mang-aawit. Hindi posible na makahanap ng isang modelo para kay Judas Leonardo sa loob ng tatlong taon. Ngunit isang araw ay nakatagpo siya sa kalye ng isang lasing na nakahiga sa isang kanal. Ito ay isang binata na tumanda na sa pamamagitan ng hindi mapigil na pagkalasing. Inanyayahan siya ni Leonardo sa isang tavern, kung saan kaagad niyang sinimulan ang pagsulat kay Judas mula sa kanya. Nang muling magkaroon ng malay ang lasing, sinabi niya sa artista na siya ay nag-post para sa kanya ng isang beses. Ilang taon na ang nakalilipas, nang kumanta siya sa koro ng simbahan, isinulat ni Leonardo si Kristo mula sa kanya.

"Night Watch" o "Day Watch"?

Rembrandt, The Night Watch, 1642.

Isa sa mga pinakatanyag na kuwadro ni Rembrandt "Pagganap ng rifle company ng Captain Frans Banning Kok at Tenyente Willem van Ruutenbürg" ay nag-hang sa iba't ibang mga silid sa loob ng halos dalawang daang taon at natuklasan ng mga kritiko ng sining lamang noong ika-19 na siglo. Dahil tila ang mga figure ay lumitaw laban sa isang madilim na background, tinawag itong "Night Watch", at sa ilalim ng pangalang ito pinasok nito ang kaban ng sining ng mundo.

At sa panahon lamang ng pagpapanumbalik, na isinagawa noong 1947, natuklasan na sa bulwagan ang pagpipinta ay pinamamahalaang maging sakop ng isang layer ng soot, na nagwawasak sa kulay nito. Matapos malinis ang orihinal na pagpipinta, sa wakas ay isiniwalat na ang eksena na ipinakita ni Rembrandt ay talagang nagaganap sa araw. Ang posisyon ng anino mula sa kaliwang kamay ni Kapitan Kok ay nagpapahiwatig na ang pagkilos ay tumatagal ng hindi hihigit sa 14 na oras.

Baligtad na bangka

Henri Matisse, The Boat, 1937.

Ang New York Museum of Modern Art noong 1961 ay nagpakita ng isang painting ni Henri Matisse "The Boat". Pagkaraan lamang ng 47 araw ay may isang tao na napansin na ang pagpipinta ay nakabitin baligtad. Ang canvas ay naglalarawan ng 10 mga lilang linya at dalawang asul na layag sa isang puting background. Ang pintor ay nagpinta ng dalawang mga layag para sa isang kadahilanan, ang pangalawang layag ay isang salamin ng una sa ibabaw ng tubig.
Upang hindi magkakamali sa kung paano dapat mag-hang ang larawan, kailangan mong bigyang pansin ang mga detalye. Ang mas malaking layag ay dapat na nasa tuktok ng pagpipinta, at ang rurok ng pagpipinta ay dapat na patungo sa kanang itaas na sulok.

Ang panlilinlang sa sariling larawan

Vincent van Gogh, Larawan ng Sarili na May Pipa, 1889.

May mga alamat na sinasabing pinutol ng van Gogh ang kanyang sariling tainga. Ngayon ang pinaka maaasahang bersyon ay isinasaalang-alang na ang tainga ni van Gogh ay nasira sa isang maliit na scuffle kasama ang pakikilahok ng isa pang artista - si Paul Gauguin.

Ang self-portrait ay kawili-wili na ito ay sumasalamin sa katotohanan sa isang baluktot na anyo: ang artist ay inilalarawan ng isang bandaged na kanang tainga, dahil ginamit niya ang isang salamin sa panahon ng kanyang trabaho. Sa katunayan, ang kaliwang tainga ay apektado.

Mga dayuhan na bear

Si Ivan Shishkin, "Umaga sa Pine Forest", 1889.

Ang sikat na pagpipinta ay nabibilang hindi lamang sa brush ni Shishkin. Maraming mga artista, na magkakaibigan sa bawat isa, ay madalas na gumamit sa "tulong ng isang kaibigan", at si Ivan Ivanovich, na nagpinta ng mga tanawin sa buong buhay, ay natatakot na ang pagpindot sa mga oso ay hindi lumilipas kung kinakailangan niya. Samakatuwid, lumingon si Shishkin sa pamilyar na pintor ng hayop na si Konstantin Savitsky.

Ipininta ni Savitsky ang ilan sa mga pinakamahusay na bear sa kasaysayan ng pagpipinta ng Ruso, at inutusan ni Tretyakov na hugasan ang kanyang pangalan sa canvas, dahil ang lahat sa larawan "mula sa disenyo hanggang sa pagpapatupad, ang lahat ay nagsasalita tungkol sa paraan ng pagpipinta, ng paraan ng malikhaing kakaiba kay Shishkin."

Ang walang-sala na kwento ng "Gothic"

Grant Wood, American Gothic, 1930.

Ang gawain ni Grant Wood ay itinuturing na isa sa mga kakaiba at pinaka nalulungkot sa kasaysayan ng pagpipinta ng Amerikano. Ang pagpipinta kasama ang madilim na ama at anak na babae ay punong-puno ng mga detalye na nagpapahiwatig ng kalubhaan, puritanism at muling pagkakamali ng mga taong itinatanghal.
Sa katunayan, ang artista ay hindi nagbabalak na maglarawan ng anumang mga kakila-kilabot: sa isang paglalakbay sa Iowa, napansin niya ang isang maliit na bahay sa estilo ng Goth at nagpasya na ilarawan ang mga taong iyon, sa kanyang opinyon, ay perpektong magkasya bilang mga naninirahan. Ang kapatid ni Grant at ang kanyang dentista ay walang kamatayan sa anyo ng mga character na sinaktan ng mga tao sa Iowa.

Paghihiganti ni Salvador Dali

Ang pagpipinta na "Figure sa Window" ay ipininta noong 1925, nang si Dali ay 21 taong gulang. Kung gayon si Gala ay hindi pa nakapasok sa buhay ng artista, at ang kanyang kapatid na si Ana Maria ang kanyang kalamangan. Ang relasyon sa pagitan ng kapatid at kapatid na babae ay lumala nang sumulat siya sa isa sa mga kuwadro na gawa "paminsan-minura ko ang isang larawan ng aking sariling ina, at binibigyan ako ng kasiyahan." Hindi mapapatawad ni Ana Maria ang gayong pagkabigla.

Sa kanyang 1949 na libro, si Salvador Dali sa pamamagitan ng mga Mata ng isang Kapatid, isinulat niya ang tungkol sa kanyang kapatid na walang papuri. Ang libro ay nakagalit kay El Salvador. Sa loob ng isa pang sampung taon pagkatapos nito, galit siyang naalala niya sa bawat pagkakataon. At sa gayon, noong 1954, lumilitaw ang pagpipinta na "Isang batang birhen, na nagpapasawa sa kasalanan ng Sodoma sa tulong ng mga sungay ng kanyang sariling kalinisan". Ang pose ng babae, ang kanyang mga kulot, ang tanawin sa labas ng bintana at ang scheme ng kulay ng larawan ay malinaw na binigkas ang "Larawan sa Window". Mayroong isang bersyon na hinihiganti ni Dali sa kanyang kapatid para sa kanyang libro.

Dalawang mukha si Danae

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Maraming mga lihim ng isa sa mga pinakatanyag na kuwadro na gawa ni Rembrandt ay inihayag lamang noong 60s ng ikadalawampu siglo, nang ang kanvas ay nag-iilaw sa X-ray. Halimbawa, ang pagbaril ay nagpakita na sa maagang bersyon ay ang mukha ng prinsesa, na may pag-iibigan kay Zeus, ay mukhang mukha ni Saskia, ang asawa ng pintor, na namatay noong 1642. Sa pangwakas na bersyon ng larawan, nagsimula itong maihahambing sa mukha ng Gertier Dierks, ang may-ari ng Rembrandt, kung saan nabuhay ang artist pagkatapos ng pagkamatay ng kanyang asawa.

Kulay dilaw na silid ni Van Gogh

Vincent Van Gogh, Ang silid-tulugan sa Arles, 1888 - 1889.

Noong Mayo 1888, nakuha ni Van Gogh ang isang maliit na pagawaan sa Arles, sa timog ng Pransya, kung saan tumakas siya mula sa mga artista at kritiko ng Paris na hindi niya maintindihan. Sa isa sa apat na silid, si Vincent ay naglalagay ng silid-tulugan. Noong Oktubre, handa na ang lahat, at nagpasya siyang magpinta ng "Bedroom ng Van Gogh sa Arles." Para sa artist, ang kulay at coziness ng silid ay napakahalaga: ang lahat ay dapat na iminungkahi ang ideya ng pahinga. Kasabay nito, ang larawan ay napapanatili sa nakababahala na mga dilaw na tono.

Ipinaliwanag ito ng mga mananaliksik ng akda ni Van Gogh sa pamamagitan ng katotohanan na kinuha ng artist ang foxglove, isang lunas para sa epilepsy, na nagiging sanhi ng mga malubhang pagbabago sa pang-unawa ng pasyente ng kulay: ang buong nakapalibot na katotohanan ay ipininta sa berde-dilaw na tono.

Ang pagiging perpekto ng ngipin

Leonardo da Vinci, Portrait of Madame Lisa del Giocondo, 1503-1519.

Ang tinatanggap na pangkalahatang opinyon ay si Mona Lisa ay pagiging perpekto at ang kanyang ngiti ay maganda sa misteryo nito. Gayunpaman, ang kritiko ng sining ng Amerikano (at part-time na dentista) na si Joseph Borkowski ay naniniwala na, sa paghuhusga sa pamamagitan ng ekspresyon sa kanyang mukha, ang pangunahing tauhang babae ay nawalan ng maraming ngipin. Sinusuri ang pinalawak na mga larawan ng obra maestra, natagpuan din ni Borkowski ang mga scars sa paligid ng kanyang bibig. "Napapangiti siya nang labis dahil sa nangyari sa kanya," sabi ng dalubhasa. "Ang ekspresyon niya ay pangkaraniwan sa mga taong nawalan ng kanilang mga ngipin sa harap."

Major sa control ng mukha

Pavel Fedotov, The Major's Matchmaking, 1848.

Ang madla, na unang nakakita ng pagpipinta na "The Major's Matchmaking", ay tumawa nang tainga: pinuno ito ng artist na si Fedotov ng mga detalye ng iron, naintindihan sa madla ng oras na iyon. Halimbawa, ang pangunahing ay malinaw na hindi pamilyar sa mga patakaran ng marangal na pag-uugali: lumitaw siya nang walang kinakailangang mga bouquets para sa ikakasal at kanyang ina. At pinalayas ng kanyang mga magulang na mangangalakal ang kanyang sarili sa isang evening ball gown, kahit na araw na ito sa labas (lahat ng mga lampara sa silid ay napatay). Ang batang babae ay malinaw na sinubukan sa isang mababang gupit na damit sa unang pagkakataon, nahihiya siya at sinisikap na makatakas sa kanyang silid.

Bakit ang hubad ay hubad

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Liberty on the Barricades, 1830.

Ayon sa kritiko ng sining na si Etienne Julie, pininturahan ni Delacroix ang mukha ng isang babae mula sa bantog na rebolusyonaryo ng Paris - si washerwoman na si Anne-Charlotte, na humakbang papunta sa mga barikada matapos ang pagkamatay ng kanyang kapatid sa kamay ng mga sundalong hari at pinatay ang siyam na tanod. Inilarawan siya ng artist na may hubad na dibdib. Ayon sa kanyang plano, ito ay isang simbolo ng kawalang-takot at pagiging hindi makasarili, pati na rin ang tagumpay ng demokrasya: ang hubad na dibdib ay nagpapakita na ang Kalayaan, tulad ng isang pangkaraniwan, ay hindi nagsusuot ng isang corset.

Non-square square

Kazimir Malevich, "Black Suprematist Square", 1915.

Sa katunayan, ang "Black Square" ay hindi lahat ng itim at hindi sa lahat ng parisukat: wala sa mga panig ng quadrangle ang kahanay sa alinman sa iba pang mga panig nito, at hindi isa sa mga gilid ng parisukat na frame na bumabalangkas sa pagpipinta. At ang madilim na kulay ay ang resulta ng paghahalo ng iba't ibang kulay, bukod sa kung saan walang itim. Ito ay pinaniniwalaan na hindi ito ang kapabayaan ng may-akda, ngunit isang punong posisyon, ang pagnanais na lumikha ng isang pabago-bago, mobile form.

Natuklasan ng mga espesyalista ng Tretyakov Gallery ang inskripsyon ng may-akda sa sikat na pagpipinta ni Malevich. Nabasa ang inskripsyon: "Labanan ng Negro sa Madilim na Gua." Ang pariralang ito ay tumutukoy sa pamagat ng mapaglarong larawan ng Pranses na mamamahayag, manunulat at artista na si Alphonse Allais "Labanan ng Negroes sa isang Madilim na Gua sa Lalim ng Gabi", na kung saan ay isang ganap na itim na parihaba.

Melodrama ng Austrian Mona Lisa

Gustav Klimt, Larawan ng Adele Bloch-Bauer, 1907.

Ang isa sa mga pinaka makabuluhang mga kuwadro na gawa ni Klimt ay naglalarawan sa asawa ng magnitude na asukal ng Austrian na si Ferdinad Bloch-Bauer. Tinalakay ng lahat ng Vienna ang matinding romansa sa pagitan ng Adele at ng sikat na artista. Ang nasugatang asawa ay nais na maghiganti sa kanyang mga mahilig, ngunit pumili ng isang hindi pangkaraniwang paraan: nagpasya siyang mag-order kay Klimt ng isang larawan ni Adele at pilitin siyang gumawa ng daan-daang mga sketch hanggang sa magsimulang tumalikod ang artista mula sa kanya.

Gusto ni Bloch-Bauer na tumagal ng maraming taon ang gawain, at makikita ng modelo kung paano kumalanta ang mga damdamin ni Klimt. Ginawa niya ang isang mapagbigay na alok sa artist, na hindi niya maaaring tanggihan, at ang lahat ay naka-alinsunod sa sitwasyon ng isang nalinlang asawa: ang gawain ay nakumpleto sa 4 na taon, ang mga mahilig ay matagal nang pinalamig sa bawat isa. Si Adele Bloch-Bauer ay hindi kailanman nalaman na ang kanyang asawa ay may kamalayan sa kanyang kaugnayan kay Klimt.

Ang pagpipinta na nagbalik kay Gauguin

Si Paul Gauguin, Saan Kami Manggagaling? Sino Tayo? Saan Kami Pupunta?, 1897-1898.

Ang pinakatanyag na pagpipinta ni Gauguin ay may isang kakaiba: ito ay "basahin" hindi mula kaliwa hanggang kanan, ngunit mula sa kanan papunta sa kaliwa, tulad ng mga tekstong Kabbalistic na interesado ang artista. Ito ay sa pagkakasunud-sunod na ang talinghaga ng espiritwal at pisikal na buhay ng isang tao ay nagbubukas: mula sa kapanganakan ng kaluluwa (isang natutulog na bata sa ibabang kanang sulok) hanggang sa hindi maiiwasang pagkamatay ng oras ng kamatayan (isang ibon na may butiki sa mga claws nito sa ibabang kaliwang sulok).

Ang pagpipinta ay ipininta ni Gauguin sa Tahiti, kung saan maraming beses nang tumakas ang artista. Ngunit sa pagkakataong ito ang buhay sa isla ay hindi gumana: ang kabuuang kahirapan ang humantong sa kanya sa pagkalumbay. Nang matapos ang canvas, na magiging kanyang espirituwal na testamento, kumuha si Gauguin ng isang kahon ng arsenic at nagpunta sa mga bundok upang mamatay. Gayunpaman, hindi niya nabilang ang dosis at nabigo ang pagpapakamatay. Kinaumagahan, tumba, gumala siya sa kanyang kubo at natulog, at nang magising siya, nakaramdam siya ng isang nakalimutan na uhaw sa buhay. At noong 1898 ang kanyang mga gawain ay umakyat, at isang mas maliwanag na panahon ay nagsimula sa kanyang trabaho.

112 mga kawikaan sa isang larawan

Si Pieter Bruegel ang Elder, Mga Kawikaan ng Dutch, 1559

Inilarawan ni Pieter Bruegel Sr. ang isang lupain na tinatahanan ng mga literal na larawan ng mga kawikaang Dutch noong mga panahong iyon. Mayroong humigit-kumulang na 112 nakikilalang mga idyoma sa pagpipinta. Ang ilan sa mga ito ay ginagamit hanggang sa araw na ito, tulad ng: "lumangoy laban sa kasalukuyang", "putok ang iyong ulo laban sa dingding", "armado sa ngipin" at "isang malaking isda ang kumakain ng isang maliit."

Ang iba pang mga kawikaan ay sumasalamin sa katangahan ng tao.

Paksa ng paksa

Si Paul Gauguin, "Breton Village in the Snow", 1894

Ang pagpipinta ni Gauguin na "Breton Village in the Snow" ay nabili pagkatapos ng pagkamatay ng may-akda para sa pitong franc lamang at, bukod dito, sa pangalang "Niagara Falls". Ang taong humahawak sa auction ay hindi sinasadyang isinara ang pagpipinta nang baligtad, nakakakita ng isang talon sa loob nito.

Nakatagong larawan

Pablo Picasso, The Blue Room, 1901

Noong 2008, inihayag ng infrared radiation ang isa pang imahe na nakatago sa ilalim ng Blue Room - isang larawan ng isang tao na nakasuot ng suit na may bow tie at pinapatong ang kanyang ulo sa kanyang braso. "Sa sandaling may bagong ideya si Picasso, kumuha siya ng isang brush at nilagyan ito. Ngunit hindi siya nagkaroon ng pagkakataong bumili ng bagong canvas tuwing bisitahin siya ng kanyang muse, "ipinaliwanag ng kritiko ng sining na si Patricia Favero ang posibleng dahilan para dito.

Hindi magagawang mga Morocco

Zinaida Serebryakova, "Hubad", 1928

Sa sandaling natanggap ni Zinaida Serebryakova ang isang nakakaakit na alok - upang magpatuloy sa isang malikhaing paglalakbay upang ilarawan ang mga hubad na numero ng mga oriental na birhen. Ngunit ito ay naging imposible upang makahanap ng mga modelo sa mga lugar na iyon. Ang tagasalin ng Zinaida ay sumagip sa pagluwas - dinala niya sa kanya ang kanyang mga kapatid na babae at nobya. Walang sinuman bago at pagkatapos na pinamamahalaang upang makuha ang saradong mga oriental na kababaihan na hubo.

Kusang pananaw

Si Valentin Serov, "Larawan ng Nicholas II sa isang Jacket", 1900

Sa loob ng mahabang panahon ay hindi maipinta ni Serov ang isang larawan ng Tsar. Nang lubusang sumuko ang artist, humingi siya ng paumanhin kay Nikolai. Medyo nagalit si Nikolay, naupo sa lamesa, inunat ang kanyang mga braso sa harap niya ... At pagkatapos ay sumikat ang artist - narito siya ay isang imahe! Isang simpleng militar na lalaki sa dyaket ng isang opisyal na may malinaw at malungkot na mga mata. Ang larawang ito ay itinuturing na pinakamagandang paglalarawan ng huling emperador.

Deuce ulit

© Fedor Reshetnikov

Ang sikat na pagpipinta na "Deuce Muli" ay pangalawang bahagi lamang ng isang artistikong trilogy.

Ang unang bahagi ay "Pagdating para sa Bakasyon". Malinaw na mayaman ang pamilya, pista opisyal ng taglamig, masayang mahusay na mag-aaral.

Ang pangalawang bahagi ay "Deuce muli". Ang isang mahirap na pamilya mula sa mga suburb na nagtatrabaho sa klase, ang taas ng taon ng paaralan, isang mapurol, natigilan, ay muling nakakuha ng isang deuce. Sa itaas na kaliwang sulok maaari mong makita ang larawan na "Dumating para sa Bakasyon".

Ang ikatlong bahagi ay "Re-examination". Ang isang bahay ng bansa, tag-araw, lahat ay naglalakad, ang isang nakakahamak na ignoramus, na nabigo sa taunang pagsusulit, ay pinilit na umupo sa loob ng apat na pader at cram. Sa itaas na kaliwang sulok makikita mo ang pagpipinta na "Deuce ulit".

Paano ipinanganak ang mga masterpieces

Joseph Turner, Ulan, singaw at Bilis, 1844

Noong 1842, naglalakbay si Mrs Simon sa pamamagitan ng tren sa England. Biglang bumagsak ang isang malakas na ulan. Ang nakatatandang ginoo na nakaupo sa tapat niya ay bumangon, binuksan ang bintana, natigil ang kanyang ulo sa labas at tinitigan ito nang sampung minuto. Hindi na naglalaman ng kanyang pagkamausisa, binuksan din ng babae ang bintana at nagsimulang tumingin sa unahan. Pagkalipas ng isang taon, natuklasan niya ang pagpipinta na "Ulan, singaw at Bilis" sa isang eksibisyon sa Royal Academy of Arts at nakilala ito sa parehong episode sa tren.

Aralin sa anatomya mula kay Michelangelo

Michelangelo, The Creation of Adam, 1511

Ang isang pares ng mga Amerikanong neuroanatomy eksperto ay naniniwala na si Michelangelo talaga ay nag-iwan ng ilang mga anatomical na guhit sa isa sa kanyang pinakatanyag na gawa. Naniniwala sila na mayroong isang malaking utak sa kanang bahagi ng larawan. Nakakagulat, kahit na ang mga kumplikadong sangkap tulad ng cerebellum, optic nerbiyos at pituitary gland ay matatagpuan. At ang malambot na berdeng laso ay perpektong tumutugma sa lokasyon ng vertebral artery.

Ang Huling Hapunan ni Van Gogh

Vincent Van Gogh, Cafe Terrace sa Gabi, 1888

Naniniwala ang mananaliksik na si Jared Baxter na ang pagtatalaga sa "Huling Hapunan" ni Leonardo da Vinci ay naka-encrypt sa pagpipinta ni Van Gogh na "Cafe Terrace at Night". Sa gitna ng larawan ay isang waiter na may mahabang buhok at isang puting tunika na kahawig ng mga damit ni Kristo, at sa paligid niya ay eksaktong 12 mga bisita sa cafe. Gayundin, iginuhit ng Baxter ang pansin sa krus na matatagpuan mismo sa likuran ng likod ng waiter na puti.

Ang imahe ng memorya ni Dali

Salvador Dali, The Persistence of Memory, 1931

Hindi lihim na ang mga saloobin na dumalaw kay Dali sa panahon ng paglikha ng kanyang mga obra maestra ay palaging nasa anyo ng napaka-makatotohanang mga imahe, na inilipat ng artista sa canvas. Kaya, ayon sa may-akda mismo, ang pagpipinta na "The Persistence of Memory" ay ipininta bilang isang resulta ng mga asosasyon na lumitaw sa paningin ng naproseso na keso.

Ano ang Tungkol sa Munch Screams

Edvard Munch, The Scream, 1893.

Pinag-usapan ni Munch ang kanyang ideya tungkol sa isa sa mga pinaka-mahiwagang pagpipinta sa pagpipinta sa mundo: "Naglalakad ako sa landas kasama ang dalawang kaibigan - ang araw ay naglalagay - biglang lumubog ang langit na naging pula ng dugo, tumahimik ako, nakaramdam ng pagod, at nakasandal sa bakod - tumingin ako sa dugo at apoy sa ibabaw ng mala-bughaw-itim na fjord at lungsod - nagpatuloy ang aking mga kaibigan, at tumayo ako, nanginginig sa tuwa, naramdaman ang isang walang katapusang sigaw na tumusok sa likas na katangian. " Ngunit anong uri ng paglubog ng araw ang maaaring takutin ang artist kaya?

Mayroong isang bersyon na ang ideya ng "Scream" ay ipinanganak sa Munch noong 1883, nang nangyari ang maraming malakas na pagsabog ng bulkan ng Krakatoa - napakalakas na binago nila ang temperatura ng kapaligiran ng Earth sa pamamagitan ng isang degree. Isang masaganang dami ng alikabok at abo na kumalat sa buong mundo, kahit na umaabot sa Norway. Para sa ilang mga gabi nang sunud-sunod, ang mga sunsets ay mukhang parang darating ang pahayag - ang isa sa kanila ay naging mapagkukunan ng inspirasyon para sa artist.

Magsusulat sa gitna ng mga tao

Si Alexander Ivanov, "Ang Hitsura ni Cristo sa Mga Tao", 1837-1857.

Dose-dosenang mga sitters ang nag-pospose para kay Alexander Ivanov para sa kanyang pangunahing larawan. Ang isa sa kanila ay hindi kilala kaysa sa mismong artista. Sa background, kasama ng mga manlalakbay at Roman na mga mangangabayo na hindi pa naririnig ang sermon ni Juan Bautista, maaari kang makakita ng isang karakter sa isang tunika ng korchin. Sinulat ito ni Ivanov mula kay Nikolai Gogol. Ang manunulat ay malapit na nakipag-ugnay sa artist sa Italya, lalo na sa mga isyu sa relihiyon, at binigyan siya ng payo sa proseso ng pagpipinta. Naniniwala si Gogol na si Ivanov "ay matagal nang namatay para sa buong mundo, maliban sa kanyang trabaho."

Ang gout ni Michelangelo

Raphael Santi, School of Athens, 1511.

Habang nililikha ang sikat na fresco na "The School of Athens", iminungkahi ni Raphael ang kanyang mga kaibigan at kakilala sa mga imahe ng mga sinaunang pilosopo na Greek. Ang isa sa kanila ay si Michelangelo Buonarotti "sa papel na" Heraclitus. Sa loob ng maraming siglo, pinanatili ng fresco ang mga lihim ng personal na buhay ni Michelangelo, at iminungkahi ng mga modernong mananaliksik na ang kakaibang anggulo ng tuhod ng artista ay nagpapahiwatig na siya ay may magkasanib na sakit.

Ito ay marahil, na ibinigay ang pamumuhay at mga kondisyon ng pagtatrabaho ng mga Renaissance artist at talamak na workaholism ni Michelangelo.

Salamin ni Arnolfini

Jan van Eyck, "Portrait ng Arnolfini Couple", 1434

Sa salamin sa likuran ng mag-asawang Arnolfini, makikita mo ang pagmuni-muni ng dalawa pang tao sa silid. Malamang, ito ay mga saksi na naroroon sa pagtatapos ng kontrata. Ang isa sa kanila ay si van Eyck, tulad ng napatunayan ng inskripsiyon ng Latin, inilagay, salungat sa tradisyon, sa itaas ng salamin sa gitna ng komposisyon: "Narito si Jan van Eyck." Ito ay kung paano ang mga kontrata ay karaniwang selyadong.

Paano kakulangan ang naging talento

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Larawan sa sarili sa edad na 63, 1669.

Pinag-aralan ng mananaliksik na si Margaret Livingston ang lahat ng mga larawan sa sarili ng Rembrandt at natuklasan na ang artista ay nagdusa mula sa squint: sa mga imahe ang kanyang mga mata ay tumingin sa iba't ibang direksyon, na hindi nasusunod sa mga larawan ng ibang tao ng master. Ang sakit na humantong sa ang katunayan na ang artist ay mas mahusay na makaramdam ng katotohanan sa dalawang sukat kaysa sa mga taong may normal na pangitain. Ang kababalaghang ito ay tinatawag na "stereo blindness" - ang kawalan ng kakayahang makita ang mundo sa 3D. Ngunit dahil ang pintor ay kailangang gumana sa isang dalawang dimensional na imahe, ang napaka-pagkukulang na ito ng Rembrandt ay maaaring isa sa mga paliwanag para sa kanyang kahanga-hangang talento.

Walang kasalanan Venus

Sandro Botticelli, Ang Kapanganakan ng Venus, 1482-1486.

Bago ang hitsura ng The Birth of Venus, ang paglalarawan ng isang hubad na babaeng katawan sa pagpipinta ay sumisimbolo lamang sa ideya ng orihinal na kasalanan. Si Sandro Botticelli ay ang unang pintor ng Europa na walang nakitang kasalanan sa kanya. Bukod dito, ang mga kritiko sa sining ay sigurado na ang paganong diyosa ng pag-ibig ay sumisimbolo sa isang imahe ng Kristiyano sa fresco: ang kanyang hitsura ay isang alegorya ng muling pagkabuhay ng isang kaluluwa na sumailalim sa ritwal ng pagbibinyag.

Lute player o lute player?

Si Michelangelo Merisi da Caravaggio, The Lute Player, 1596.

Sa loob ng mahabang panahon, ang pagpipinta ay ipinakita sa Hermitage sa ilalim ng pamagat na "The Lute Player". Noong simula ng ikadalawampu siglo, sumang-ayon ang mga kritiko sa sining na ang canvas ay naglalarawan pa rin ng isang binata (marahil, ang kanyang kaibigan na artista na si Mario Minniti ay nagmula sa Caravaggio): sa mga tala sa harap ng musikero, maaari mong makita ang pag-record ng bahagi ng bass ng madrigal na si Jacob Arcadelt "Alam mo na mahal kita" ... Ang isang babae ay hindi maaaring gumawa ng ganoong pagpipilian - mahirap lamang sa kanyang lalamunan. Bilang karagdagan, ang tono, tulad ng biyolin sa pinakadulo ng larawan, ay itinuturing na isang instrumento ng lalaki sa panahon ng Caravaggio.

Ang mga nakamamanghang gawa ng sining sa pamamagitan ng mga kamay ng mga magagaling na masters ay maaaring sorpresa kahit na ang mga tao na para saan ang arte ay maliit. Iyon ang dahilan kung bakit ang mga museyo na kilalang tao sa mundo ay kabilang sa mga pinakapopular na atraksyon na umaakit sa milyon-milyong mga bisita sa isang taon.

Upang mapagtibay mula sa malaking bilang ng mga kuwadro na nakasulat sa buong kasaysayan ng sining, ang isang artist ay hindi lamang talento, kundi pati na rin ang kakayahang magpahayag ng isang natatanging balangkas sa isang hindi pangkaraniwang at napaka-nauugnay na paraan para sa kanyang oras.

Ang mga larawan na ipinakita sa ibaba ng malakas ay nagpapahayag hindi lamang ang talento ng kanilang mga may-akda, kundi pati na rin ang maraming mga kulturang pangkultura na lumitaw at nawala, at ang pinakamahalagang pangyayari sa kasaysayan na palaging naipakita sa sining.

"Ang Kapanganakan ni Venus"

Ang pagpipinta na ito, sa pamamagitan ng mahusay na master ng Renaissance, si Sandro Botticelli, ay naglalarawan sa sandaling lumitaw ang magandang Venus mula sa foam ng dagat. Ang isa sa mga nakakaintriga na aspeto ng pagpipinta ay ang mahinang pustura ng diyosa at ang kanyang simple ngunit magandang mukha.

"Mga Aso na naglalaro ng Poker"

Isinulat ni Cassius Coolidge noong 1903, isang serye ng 16 na mga kuwadro na naglalarawan sa mga aso na natipon sa isang laro ng poker sa paligid ng isang talahanayan ng kape o talahanayan ng pagsusugal. Maraming mga kritiko ang kumikilala sa mga kuwadro na ito bilang mga depresyon ng kanonikal ng mga Amerikano noong panahong iyon.

Larawan ng Madame Recamier

Ang larawang ito ni Jacques-Louis David ay naglalarawan ng isang napakatalino na sosyalidad sa isang contrastingly minimalist at simpleng setting, nakasuot ng isang simpleng puting damit na walang manggas. Ito ay isang pangunahing halimbawa ng neoclassicism sa larawan.

№5

Ang sikat na pagpipinta ni Jackson Pollock ay ang kanyang pinaka-iconic at malinaw na naglalarawan sa lahat ng mga kaguluhan na nagalit sa kaluluwa at isip ni Pollock. Ito ay isa sa mga pinakamahal na gawa na nabili ng isang artista ng Amerika.

"Anak ng tao"

Ang Anak ng Tao, na ipininta ni Rene Magritte, ay isang uri ng self-portrait na naglalarawan sa artist mismo sa isang itim na suit, ngunit may isang mansanas sa halip na isang mukha.

"Bilang 1" ("Royal Red and Blue")

Ito ay isang medyo sariwang piraso ni Mark Rothko - walang higit pa sa mga brush sa stroke sa tatlong magkakaibang shade sa handmade canvas. Ang pagpipinta ay kasalukuyang ipinapakita sa Art Institute sa Chicago.

"Pagpatay sa Kawalang-hanggan"

Batay sa kwento ng bibliya tungkol sa pagpatay sa mga inosenteng sanggol sa Bethlehem, nilikha ni Peter Paul Rubens ang kahila-hilakbot at malupit na larawang ito na nakakaantig sa damdamin ng lahat na tumitingin dito.

"Linggo ng hapon sa isla ng La Grande Jatte"

Nilikha ni Georges Seurat, ang natatangi at sikat na pagpipinta na ito ay naglalarawan ng isang nakakarelaks na katapusan ng linggo sa isang malaking lungsod. Ang pagpipinta na ito ay isang mahusay na halimbawa ng pointillism, na pinagsasama ang maraming mga puntos sa isang buo.

"Sayaw"

Ang "Dance" ni Henri Matisse ay isang halimbawa ng isang istilo na tinatawag na fauvism, na nakikilala sa pamamagitan ng maliwanag, halos hindi likas na mga kulay at hugis at mataas na dinamika.

"Amerikanong Gothic"

Ang "American Gothic" ay isang gawa ng sining na perpektong sumisimbolo sa imahe ng mga Amerikano sa panahon ng Mahusay na Depresyon. Sa pagpipinta na ito, inilalarawan ni Grant Wood ang isang mahigpit, marahil ay relihiyosong mag-asawa, na nakatayo laban sa likuran ng isang simpleng bahay na may mga window ng estilo ng Gothic.

"Loader ng mga bulaklak"

Ang pagpipinta na ito ng pinakapopular na pintor ng Mexico noong ikadalawampu siglo, si Diego Rivera, ay naglalarawan ng isang tao na naghihirap na magdala ng isang basket na puno ng maliwanag na mga bulaklak sa tropiko sa kanyang likuran.

"Ina ng Whistler"

Kilala rin bilang "Arrangement in Grey and Black. Ang Ina ng Artist", ito ay isa sa mga pinakatanyag na kuwadro ng American artist na si James Whistler. Sa pagpipinta na ito, inilarawan ni Whistler ang kanyang ina na nakaupo sa isang upuan laban sa isang kulay-abo na dingding. Ang pagpipinta ay gumagamit lamang ng itim at kulay-abo na shade.

"Ang katapatan ng memorya"

Ito ay isang gawa ng kulto ng hindi gaanong iconic na Salvador Dali, ang bantog na mundo ng Espesyalista na surrealist, na nagdala ng kilusang ito sa pinuno ng sining.

Larawan ng Dora Maar

Ang Pablo Picasso ay isa sa mga pinakapopular at maimpluwensyang pintor ng Espanya. Siya ang nagtatag ng istilong nakasisindak sa oras, na tinatawag na Cubism, na naglalayong durugin ang anumang bagay at ihatid ito ng malinaw na mga geometric na hugis. Ang pagpipinta na ito ay ang unang larawan sa estilo ng Cubist.

"Larawan ng isang artista na walang balbas"

Ang pagpipinta na ito ni Van Gogh ay isang larawan sa sarili, at natatangi dahil inilalarawan nito ang pintor nang walang balbas na pamilyar sa lahat. Bilang karagdagan, ito ay isa sa ilang mga kuwadro na gawa ni Van Gogh na naibenta sa mga pribadong koleksyon.

"Night cafe terrace"

Ipininta ni Vincent van Gogh, ang pagpipinta na ito ay naglalarawan ng isang pamilyar na paningin sa isang ganap na bagong paraan, gamit ang nakakagulat na maliwanag na kulay at hindi pangkaraniwang mga hugis.

"Komposisyon VIII"

Si Wassily Kandinsky ay kinikilala bilang tagapagtatag ng abstract art - isang istilo na gumagamit ng mga hugis at simbolo sa halip na pamilyar na mga bagay at tao. Ang "Komposisyon VIII" ay isa sa mga unang kuwadro na gawa ng artist, eksklusibo na isinasagawa sa istilo na ito.

"Halik"

Isa sa mga unang piraso ng sining sa estilo ng Art Nouveau, ang pagpipinta na ito ay halos ganap na ginagawa sa mga tono ng ginto. Ang pagpipinta ni Gustav Klimt ay isa sa mga pinaka kapansin-pansin na gawa ng estilo.

"Ball sa Moulin de la Galette"

Ang pagpipinta ni Pierre Auguste Renoir ay isang matingkad at pabago-bagong paglalarawan ng buhay sa lunsod. Ito rin ay isa sa pinakamahal na kuwadro sa buong mundo.

"Olympia"

Sa pelikula ng Olympia, lumikha si Edouard Manet ng isang tunay na pagkakasalungatan, halos isang iskandalo, dahil ang isang hubad na babae na may isang tingin ay malinaw na isang maybahay, hindi tinatakpan ng mga mito ng panahon ng klasikal. Ito ang isa sa mga pinakaunang gawa sa estilo ng pagiging totoo.

"Ikatlong Mayo 1808 sa Madrid"

Sa gawaing ito, inilalarawan ni Francisco Goya ang pag-atake ni Napoleon sa mga Kastila. Ito ay isa sa mga unang pinturang Espanyol na nagpinta ng digmaan sa isang negatibong ilaw.

"Meninas"

Ang pinakatanyag na pagpipinta ni Diego Velazquez ay naglalarawan sa limang taong gulang na si Infanta Margarita laban sa background ng larawan ni Velazquez ng kanyang mga magulang.

"Larawan ng Dobleng Arnolfini"

Ang pagpipinta na ito ay isa sa pinakalumang mga kuwadro. Sinulat ito ni Jan van Eyck at inilalarawan ang negosyanteng Italyano na si Giovanni Arnolfini at ang kanyang buntis na asawa sa kanilang bahay sa Bruges.

"Sigaw"

Ang isang pagpipinta ng Norwegian artist na si Edvard Munch ay naglalarawan sa mukha ng isang lalaki na nabaluktot sa takot laban sa isang background ng isang pulang langit. Ang tanawin sa background ay nagdaragdag ng isang madilim na kagandahan sa pagpipinta na ito. Bilang karagdagan, ang Scream ay isa sa mga unang kuwadro na dapat gawin sa estilo ng Expressionist, kung saan ang pagiging totoo ay nabawasan upang magbigay ng higit na kalayaan para sa emosyon.

"Mga liryo ng tubig"

Ang "Water Lilies" ni Claude Monet ay bahagi ng isang serye ng 250 mga kuwadro na naglalarawan ng mga elemento ng hardin ng artist. Ang mga kuwadro na ito ay ipinakita sa iba't ibang mga museo ng sining sa buong mundo.

"Starlight Night"

Ang Starry Night ng Van Gogh ay isa sa mga pinakatanyag na imahe sa modernong kultura. Kasalukuyan siyang ipinapakita sa Museum of Modern Art sa New York.

"Ang Pagbagsak ng Icarus"

Ang pagpipinta na ito, sa pamamagitan ng Dutch artist na si Pieter Bruegel, ay nagpapakita ng pagwawalang-bahala ng isang tao sa pagdurusa ng kanilang kapwa tao. Ang isang malakas na tema sa lipunan ay ipinapakita dito sa isang medyo simpleng paraan, gamit ang imahe ng Icarus na nalulunod sa ilalim ng tubig at mga taong hindi pinapansin ang kanyang pagdurusa.

"Paglikha ni Adan"

Ang Paglikha ni Adan ay isa sa maraming mga kahanga-hangang mga frescoes ni Michelangelo na pinalamutian ang kisame ng Sistine Chapel sa Vatican Palace. Inilalarawan nito ang paglikha ni Adan. Bilang karagdagan sa paglalarawan ng mga perpektong anyo ng tao, ang fresco ay isa sa mga unang pagtatangka sa kasaysayan ng sining upang ilarawan ang Diyos.

"Ang huling Hapunan"

Ang fresco ng dakilang Leonardo ay naglalarawan sa huling hapunan ni Jesus bago siya ipagkanulo, arestuhin at kamatayan. Bilang karagdagan sa komposisyon, mga hugis at kulay, ang talakayan ng fresco na ito ay puno ng mga teorya tungkol sa mga nakatagong mga simbolo at ang pagkakaroon ni Maria Magdalene sa tabi ni Jesus.

"Guernica"

Ang "Guernica" ni Picasso ay naglalarawan ng pagsabog ng lungsod ng Espanya ng parehong pangalan sa panahon ng Digmaang Sibil ng Espanya. Ito ay isang itim at puting pagpipinta na naglalarawan ng pasismo, Nazism at ang kanilang mga ideya sa negatibong paraan.

"Batang babae na may isang Earring Perlas"

Ang pagpipinta na ito ni Johannes Vermeer ay madalas na tinawag na Dutch Mona Lisa, hindi lamang dahil sa pambihirang katanyagan nito, kundi pati na rin dahil ang ekspresyon sa mukha ng batang babae ay mahirap makuha at ipaliwanag.

"Ang Beheading ni Juan Bautista"

Ang pagpipinta ni Caravaggio na napaka realistiko ay naglalarawan ng sandali ng pagpatay kay Juan Bautista sa bilangguan. Ang semi-kadiliman ng pagpipinta at ang mga ekspresyon sa mga mukha ng kanyang mga character ay gumawa sa kanya ng isang tunay na klasikong obra maestra.

"The Night Watch"

Ang "Night Watch" ay isa sa mga pinakatanyag na kuwadro na gawa ni Rembrandt. Ipinapakita nito ang isang larawan ng pangkat ng isang rifle company na pinamumunuan ng mga opisyal nito. Ang isang natatanging aspeto ng pagpipinta ay ang semi-kadiliman, na nagbibigay ng impression ng isang eksena sa gabi.

"Paaralan ng Athens"

Ipininta ni Raphael sa kanyang unang panahon ng Roman, ang fresco na ito ay naglalarawan ng mga kilalang pilosopo na Greek tulad ng Plato, Aristotle, Euclid, Socrates, Pythagoras at iba pa. Maraming pilosopo ang inilalarawan bilang mga kontemporaryo ng Raphael, halimbawa, Plato - Leonardo da Vinci, Heraclitus - Michelangelo, Euclid - Bramante.

"Mona Lisa"

Marahil ang pinakasikat na pagpipinta sa mundo ay ang La Gioconda ni Leonardo da Vinci, na mas kilala bilang Mona Lisa. Ang canvas na ito ay isang larawan ni Madame Gherardini, na nakakaakit ng pansin sa isang mahiwagang ekspresyon sa kanyang mukha.