Kontribusyon sa gumaganap na sining. Ano ang ginawa ni Stanislavsky para sa teatro ng Russia? Theatrical novel na walang pag-ibig

Ipadala ang iyong mabuting gawain sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, mag-aaral na nagtapos, batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay labis na nagpapasalamat sa iyo.

Panimula

1. Para sa aming maligayang pagkabata

2. Amputation at evisceration

Listahan ng mga sanggunian

Panimula

K.S. Si Stanislavsky ay isang aktor na Russian Soviet, direktor, guro ng teatro, tagapagtatag at direktor ng Moscow Art Theatre. People Artist ng USSR (1936). Ang isang mahusay na figure, thinker at theorist teatro. Umaasa sa pinakamayaman na kasanayan ng malikhaing at ang mga pahayag ng kanyang mga natitirang nauna at mga kontemporaryo, naglatag si Stanislavsky ng isang matatag na pundasyon para sa modernong teatro sa teatro, lumikha ng isang paaralan, isang direksyon sa pagganap ng sining, na natagpuan ang teoretikal na expression sa tinatawag na sistemang Stanislavsky. Ang mga magulang ni Stanislavsky ay si Sergey Vladimirovich ...

Kakaiba ang magsulat tungkol sa Stanislavsky. Ito ay tulad ng kahalagahan ng carbon para sa buhay sa Earth. Ang impetus na ibinigay ni Stanislavsky ay ang teatro ng buong siglo. Tila hindi malamang, tila ito ay isang figure na labis na na-overload sa mitolohiya, ngunit ganito. Sapagkat ginawa ni Stanislavsky at ipinahayag ang isang bagay na kung saan ang kultura ay naging matured at overripe, kung saan mayroong isang aesthetic at panlipunang hinihingi.

1. Para sa aming maligayang pagkabata

Siya ay mula sa isang mayaman at edukado na klase ng mangangalakal, mula sa kanyang itaas na bilog, kaya ang apelyido ng anak na lalaki na "Stanislavsky" ay hindi maaaring maging kanyang tunay na pangalan. Ito ay isang pangalan ng entablado na kinuha ni Konstantin Sergeevich Alekseev (5.1.1863 - 7.8.1938) nang maglaon, noong 1885. Ang kanyang pamilya ay nauugnay sa mga kapatid ng Tretyakov, mga kolektor, at Savva Mamontov, ang tagalikha ng isang pribadong opera ng Russia. "Ang aking ama, si Sergei Vladimirovich Alekseev, isang masinsinang Russian at Muscovite, ay isang tagagawa at industriyalisado. Ang aking ina, si Elizaveta Vasilievna Alekseeva, ay Russian ng kanyang ama at Pranses ng kanyang ina, ay anak na babae ng isang kilalang artista ng Paris na si Varley ..." ("Aking buhay sa sining ").

Ito ay isang masaya at mayamang pamilya. Ang kuwarta ay hindi nabibilang sa kapaligiran na ito, ang edukasyon ng mga bata ay nagsimula sa bahay, kung saan inayos ng mga magulang ang isang "buong gymnasium". Gayunpaman, mula sa edad na 13, nag-aral si Konstantin sa gymnasium, ngunit, sa pamamagitan ng kanyang sariling pag-amin, wala siyang nakakuha rito. Tulad ng halos lahat ng mga hinaharap na artista, nag-aral siya nang walang kasiyahan, sa labas ng pagkawalang-galaw, at nang maglaon ay pinangalanan ang Maly Theatre bilang isang mapagkukunan ng espirituwal na pag-unlad, sinisira ito ng isang aksayang kayamanan ng mga talento.

Kaayon, ang mga pagtatanghal ng amateur ay nagpatuloy (ang unang pagganap sa yugto ng tahanan ay naganap noong 1877), at kapansin-pansin na mula sa talambuhay na aklat na "Ang Aking Buhay sa Art" ay hindi alam ng mambabasa na pagkatapos ng gymnasium na si Alekseev ay pumasok at nagtapos mula sa Lazarev Institute at nagsimulang maglingkod sa firm ng pamilya. Ang mga mahahalagang kaganapan sa kultura ay hindi kasama mula sa autobiography.

Ngunit inilarawan nang detalyado na sa unang tatay ay nagtayo ng isang bagong gusali na may isang malaking bulwagan para sa mga pagtatanghal ng amateur sa kanyang estate malapit sa Moscow, at pagkatapos, "dinala ng aming mga gawain sa teatro, nagtayo siya ng isang kamangha-manghang teatro ng teatro para sa amin sa Moscow." Magandang magkaroon ng isang mayamang ama!

Unti-unting isang bilog ng mga amateurs ang nabuo sa paligid ng Konstantin, na tinawag na "Alekseevsky", kung saan ang mga comedies, operettas at vaudeville ay itinanghal. Si Konstantin mismo ay nagbigay ng kagustuhan sa mga katangian ng character, na gumaganap ng mga palabas kasama ang kanyang kapatid na lalaki at kapatid na babae, mahal ang tagumpay sa tagapakinig at kasama ng mga kababaihan, nasiyahan sa muling pagkakatawang-tao. Ang lakas ng kabataan ay sagana.

2. Amputation at evisceration

Natapos ang artistikong kabataan noong 1888 matapos makipagpulong sa direktor na si Fedotov, ang asawa ng sikat na artist na si Glykeria Fedotova. Hindi sa palagay ko ito ay tungkol sa Fedotov mismo, bagaman, siyempre, ang unang pagpupulong sa isang propesyonal na direktor ay hindi mabibigo na mapabilib ang isang amateur. Malamang, ang Stanislavsky mismo ay lumapit sa kung ano ang maaari ngayong tawaging isang komprehensibong pag-unawa sa teatro: kasama ang mga kasamahan, kasama si Fedotov, Stanislavsky ay bumuo ng isang proyekto para sa Moscow Society of Art and Literature, pamumuhunan doon at makabuluhang personal na pondo - 25 o 30 libong rubles.

Dito naganap ang "muling pagsilang": Sa malas, sa larangan ng pansining, nanatili akong parehong walang kaparehong copier.Si Fedotov at Sollogub ay nagsimulang magsagawa ng isang operasyon sa akin: amputasyon, at pag-gutting, at pag-leaching ng theatrical rot, na pinananatili pa rin sa pagtatago ng mga lugar. binigyan nila ako ng isang kagila-gilalas na hindi ko malilimutan sa buong buhay ko. "Pinagtawanan nila ako nang labis at, tulad ng dalawa, dalawa, apat, pinatunayan ang pagiging pabalik, pagkabagabag at pagkamalas ng aking lasa, na sa una ay natahimik ako, kung gayon ay nahihiya ako, sa wakas ay nadama ang aking kumpletong kawalang-galang at - - parang walang laman sa loob. Ang matanda ay hindi maganda, ngunit walang bago. "

Sa pagtatapos ng kanyang masining na kabataan noong 1889, pinakasalan niya si Masha Perevoshchikova (sa entablado ni Lilina). Noong 1891 ipinanganak ang kanyang anak na babae na si Cyrus, noong 1894 ipinanganak ang kanyang anak na si Igor.

Ang Lipunan ng Sining at Panitikan ay umiiral nang 10 taon, si Stanislavsky ay gumanap ng 34 na papel sa loob nito, na may 16 na pagtatanghal. Ito ang kanyang paaralan na kumikilos at walang tigil na pagsisiyasat, ang kanyang karanasan sa bapor at tinangka na lumikha ng isang pagganap bilang isang proseso ng yugto na sadyang itinayo ng direktor, sa loob kung saan maaaring mag-alok ng direktor ang aktor na maglaro ng mababaw, vaudeville, o, kung kinakailangan ng artistikong gawain, "gawin ang pakiramdam mula sa mga lugar na itinatago nito. "

Ito ay isang sampung taong pagtakbo bago ang pagtatatag ng Public Arts Theatre. Ang pagninilay sa isang bagong uri ng teatro - ang pagdidirekta ay kabilang sa oras na ito: noong 1890 ang tropa ng Duke ng Meiningen, na pinamumunuan ng direktor na Kroneck, ay dumating sa Russia sa paglilibot. Nagulat si Stanislavsky sa posibilidad na malutas ang mga problema sa artistikong may hindi kumikilos, paraan ng dula, gamit ang mise-en-eksena, senaryo.

Gayunpaman, ang "imbensyon ng direktor" ni Kroneck ay tumasa lamang sa inihanda ng pakiramdam ni Stanislavsky na ang aktor ay hindi maganda bilang isang paraan ng pagpapahayag. Hindi pagkakaroon ng kinakailangang pamamaraan ng paglalaro, ang iba't ibang mga teknolohiya at pamamaraan, ang pangangailangan para sa kung saan ay sanhi ng mga kakaiba ng drama, hindi siya maaaring maging isang elemento ng pagganap sa isang par na may props, magaan, musika, hindi niya matutupad ang mga gawain na itinakda ng direktor.

Sa katunayan, ang pag-unawa sa sitwasyong ito, humigit-kumulang na mula pa noong 1890-1895, ay ang pagsilang ng teatro ng direktor na binuo sa susunod na ikadalawampu siglo: ang isang direktor ay kinakailangan hindi lamang upang magtalaga ng mga aktor sa mga tungkulin ("matunaw") at upang matiyak na ang teksto ay sinasalita, at para sa isang tiyak na pag-play ng direktor ng lahat ng mga formative sangkap ng pagganap, una sa lahat, ng mga aktor. Alin ang hindi na naglalaro sa makakaya nila, ngunit alinsunod sa mga kinakailangan ng direktor.

3. Sining ng teatro. Una dalawampung taon

Ang pangkalahatang hindi kasiyahan sa estado ng kumikilos na pamamaraan ay lumalaki. Ito ay isang partikular na bagong hitsura: Tumingin si Stanislavsky sa aktor mula sa labas. Iniisip niya at isinusulat ang tungkol sa "sining ng karanasan", na nagpapahintulot sa aktor na sikolohikal na malalim at malalim na madama ang mga damdamin at pag-iisip ng karakter sa entablado, na ginagawa ang karanasan sa loob na nakikita ng manonood. Sa halip na mga clichés, gusto niya mula sa aktor ng isang tiyak na "tunay na karanasan" sa entablado, ang pagsasama ng psycharat na psychophysical na ginagamit ng aktor sa buhay tulad ng sinumang tao. Kinakailangan na alisin ang mga clamp na sirain ang lahat ng mga damdamin sa entablado, at pagkatapos ay buksan ang kaluluwa ng character.

Ang pagkakaroon ng nakilala sa V.I. Nemirovich-Danchenko, Stanislavsky nangahas na lumikha ng kanyang sariling teatro. Binuksan ang magagamit na pampublikong teatro noong Oktubre 14, 1898 kasama ang dula na "Tsar Fyodor Ioannovich" (nilalaro ni Stanislavsky si Prince Ivan Petrovich Shuisky). Ang gawain ng teatro ay may kasamang pandaigdigang reporma sa theatrical, na nakakaapekto sa direksyon, kumikilos, senaryo, lahat ng mga sangkap ng dula, isang espesyal na pagpili ng drama, edukasyon ng mga aktor. Sa halos apatnapung taon ng trabaho sa teatro, lahat ng kanyang pinakamataas, ang lahat ng kanyang hindi kasiya-siya sa mga kumikilos na cliches at isang palaging orientation sa pagiging bago ng "The Seagull", "Uncle Vanya", "Three Sisters", "The Cherry Orchard", "Bourgeois", "At the Bottom", "Doctor Shtokman "," Human Life "," Isang Buwan sa Bansa "... Innovation at naghahanap sa lahat. "Ang pantasya ng direktoryo ni Stanislavsky ay walang alam na mga hangganan: mula sa sampung mga imbensyon, walong ang kinansela ng kanyang sarili, ang ika-siyam - sa payo ni Nemirovich-Danchenko, at ang ikasampu lamang ay nanatili sa entablado" (A. Serebrov).

At patuloy na mga eksperimento: ang studio sa Povarskaya sa Moscow Art Theatre (1905), pinamumunuan ni Vsevolod Meyerhold (na nagsimula sa Moscow Art Theatre bilang isang artista sa papel na ginagampanan ng isang neurasthenic, na siya talaga) upang maghanap ng mga bagong pormang theatrical, ang Unang Studio - din para sa mga eksperimento. , na mahirap isagawa sa teatro, dahil ang pag-ibig ng mga aktor ay tagumpay, hindi ang paghahanap para sa isang bago; Ang paanyaya ni G. Craig para sa paggawa ng "Hamlet". Noong 1900s -1910s. ang "Stanislavsky system" ay nagsimulang mabuo.

4. Karanasan at representasyon

Ang isa sa mga pangunahing ideya ni Stanislavsky ay mayroong tatlong mga teknolohiya ng pag-arte: bapor, "nakakaranas" at "pagtatanghal" (mga marka ng quote ay nangangahulugang ang mga salitang ito ay pinagkalooban ng isang di-walang halaga na kahulugan).

Ang bapor ay batay sa paggamit ng mga yari na mga selyo, kung saan malinaw na maunawaan ng manonood kung ano ang damdamin na nasa isip ng aktor (ngunit hindi nakakaranas)

Ang sining ng pagganap ay batay sa katotohanan na sa kurso ng mahabang pag-eensayo ay nakakaranas ang aktor ng mga tunay na karanasan na awtomatikong lumikha ng isang form ng pagpapakita ng mga karanasang ito, ngunit sa pagganap mismo ang aktor ay hindi nakakaranas ng mga damdaming ito, ngunit muling binubuo ang form, isang handa na panlabas na pagguhit ng papel.

Sa wakas, sa sining ng nakakaranas, ang aktor at sa entablado, sa pagganap mismo, nakakaranas ng mga tunay na karanasan, hindi katulad ng sa buhay, ngunit tunay na tunay, at ito ay nagbibigay ng pagtaas sa buhay ng imahe sa entablado, puspos ng mga detalye kaya kawili-wili at banayad na hindi nila tatagal sa pag-uulit. naka-pin na pagguhit sa sining ng pagtatanghal. Walang pagpapakita ng mga resulta ng pagkamalikhain, ngunit mayroong isang improvisational na proseso mismo at isang stream ng buhay na pakiramdam ng tao na nakadirekta mula sa aktor hanggang sa manonood.

Suliranin ni Stanislavsky ang paglalaro ng aktor, binago ito mula sa isang organikong ari-arian sa isang masining na daluyan, na nag-materialize ng dalawang pilosopikal na modelo sa pag-arte. Ang una ay batay sa katotohanan na ang buhay, bukod sa pag-play, ay walang laman at magulong, at ang sining lamang ng paglalaro, isang magandang anyo, "solidify" kaguluhan. "Kailangan niyang maglaro, kung wala ito ay naghihirap siya, tulad ng isang walang laman na lugar na walang nilalaman; tulad ng isang damit na walang sinusuot ... Ang aktor ay hindi isapersonal. Ito ang kanyang kakanyahan" (V.V. Rozanov, 1914).

Ang pangalawang modelo ay nagmula sa pag-apaw ng mahahalagang materyal, mula sa pakiramdam ng "labis na kaluluwa ng iyong kaluluwa ... ang iyong mukha, ang iyong kapalaran, ang iyong buhay" (FA Stepun, 1923). Ang dalawang magkasalungat na modelo ng pilosopikal ay nangangailangan ng iba't ibang mga teknolohiya sa pag-arte, at ito ay si Stanislavsky na nagbigay impetus sa kanilang pagbuo.

Mali na sabihin na ganap na itinanggi ni Stanislavsky ang "representasyon". Ang pangunahing bagay sa kanyang pagtuklas ay ang pag-unawa sa "pagtatanghal" at "karanasan" bilang pantay na pamamaraan, teknolohiya ng pag-arte, functionally na nauugnay sa gawain ng direktor. Minsan nangangailangan ng isang bagay, kung minsan. Sa madaling salita, ang makasaysayang merito ng Stanislavsky ay namamalagi sa kanyang pagmuni-muni sa pamamaraan ng pag-arte, na sa harap niya ay naiintindihan bilang isang bagay na "mula sa natural", na mahigpit na ibinigay sa tao.

Ito ay si Stanislavsky na kilala pareho bilang isang teorista at bilang isang praktikal na nakamit ang pagtagumpayan ng "mga regalo ng kalikasan." Mula sa Stanislavsky na ang paraan ng pagiging nasa entablado ay nabago sa isang nababaluktot na paraan ng pagmomolde ng artistikong. Ngayon ito ay isang axiom, bagaman ang bapor ay nangingibabaw pa rin, at ang mga paghihirap kung saan ang mga tawag ni Stanislavsky ay napakakaunting mga tao ang hinihiling. Upang maging matapat, si Stanislavsky ay isang henyo, at ang kanyang sistema ay para sa mga henyo. Tila sa mas maliit na mga tao na siya si Mozart, na nais na maging Salieri.

Mula sa push na ginawa ni Stanislavsky, lumitaw ang mga creolized na pamamaraan. Ang isang panlabas na pagguhit ng papel ay ibinibigay, ngunit sa parehong oras ang aktor ay tatanungin na "bigyang-katwiran" ang form ("nakaranas ng grotesque"), o upang ipakita kasama ang bahagi ng kanyang nagpapahayag ay nangangahulugang isang karanasan na hindi nag-tutugma sa kahulugan sa ibinigay na pagguhit.

Mahal ni Mikhail Chekhov ang mga ehersisyo sa "nakaranas ng nakakaramdam" (upang mag-squat sa mesa, maglagay ng isang inkwell sa kanyang ulo, bigyang-katwiran ang pose na ito at ipahayag ang kanyang pag-ibig). Ang mga eksperimento sa mismatch (pagpapahayag ng mga mata at intonasyon ay sumasalungat sa natitirang mga ekspresyon ng mukha at kilos) na itinanghal kay Marlon Brando noong 1940s ni Lee Strasberg, na pinagkadalubhasaan ni Arkady Raikin na ito, isang buong pagganap ng BDT ay binuo sa ito - "Ang Kwento ng isang Horse" kasama si Evgeny Lebedev sa pamagat na papel ...

Sa ikalawang kalahati ng ikadalawampu siglo, ang teknolohiya na "isang aktor ay gumaganap ng isang aktor na gumaganap ng isang papel," na ibinigay ng mga ideya ni Stanislavsky, ay lumitaw, kahit na ang mga elemento nito ay maaaring makuha kahit na sa "The Inspector General" ng Stanislavsky kasama si M. Chekhov-Khlestakov. Nasa isip ang istruktura na ito na isinulat ang paglalaro ni Peter Weiss na Marat / Sad (1965).

Kasabay nito, halos lahat ng mga eksperimento ni Jerzy Grotowski, kasama na ang gawain ng aktor na "gumanap ang paggalaw ng kaluluwa sa tulong ng kanyang katawan" at ang proyektong "Art of the Beginner" (1980s), na nagmula sa pagmuni-muni sa pag-arte ng cabotinage na dati niyang isinagawa. Stanislavsky. Nagbigay talaga siya ng teatro ng hinaharap ng isang supply ng mga ideya at pamamaraan.

5. Ang pangalawa at huling dalawampung taon

Sa pamamagitan ng 1917. Ang Moscow Art Theatre ay dumating bilang pinakamalaking artistikong teatro sa Russia.

Matapos ang kudeta noong Oktubre, halos sarado ang teatro. Ang mga palabas ay libre, ang mga tiket ay hindi ibinebenta, ngunit ipinamamahagi, ang hooligan press, ang dating neurasthenic Meyerhold ay naging isang commissar at naglalakad na may holster ... "Kailangang magsimula ako mula sa simula, turuan ang primitive viewer na may kaugnayan sa sining ng pag-upo nang tahimik, hindi nagsasalita, nakaupo sa oras, hindi naninigarilyo, huwag magalit ng mga mani, mag-alis ng mga sumbrero, huwag magdala ng meryenda o kakainin ito sa auditorium "(" Ang buhay ko sa sining ")

Bilang karagdagan, noong 1919. isang pangkat ng mga artista mula sa Moscow Art Theatre, na pinamumunuan ng O.L. Knipper at V.I. Nagpunta si Kachalov sa paglibot sa Kharkov at natagpuan ang sarili sa teritoryo na sinakop ng Denikin, mula sa kung saan ligtas siyang lumipat. Ang natitirang tropa sa Moscow ay pinanatili ng mga Bolsheviks bilang mga hostage.

Gayunpaman, noong 1922. Ang "Kachalovites" ay bumalik, at pagkatapos noong Setyembre 1922 ang buong Moscow Art Theatre ay nagpunta sa paglibot sa Europa at Amerika.

Ito ay nagkakahalaga ng pag-alala na sa oras na ito na ang mga pilosopo ng Russia at iba pang mga taong hindi nasiraan ng tao ay ipinadala sa Europa sa isang bapor. Halos sa parehong oras ang Moscow Art Theatre ay umalis din. Ang paglilibot ay tumagal hanggang Agosto 1924: ang teatro ay hindi nais na bumalik, lahat ay hindi nagustuhan ang mga Bolsheviks at ang rebolusyon.

Gayunpaman, sa huli, bumalik ang Moscow Art Theatre. Tila mayroong pagkain, at kung gayon, kung gayon mas gumanda ang buhay (NEP!). Inisip nila na ang lahat ay mag-ehersisyo, tulad ng sinasabi ng paa ni Steva Oblonsky nang sabihin ng kanyang asawa. Walang nakakaintindi na ang rebolusyon ay mas masahol kaysa sa isang asawa na natagpuan sa kanyang maybahay.

Ang unang malakas na premyo pagkatapos ng kanyang pagbabalik ay "Ardent Heart", pagkatapos ay "Araw ng mga Turbins" (1926) batay sa pag-play ni Bulgakov, na, dahil sa isang hindi pagkakaunawaan, ay itinuturing pa ring halos isang "White Guard" na pag-play. Sa katunayan, ito ay isang klasikong bagay na Smenovekhov, na sa kontekstong pampulitika ng mga taong iyon ay napansin bilang isang tanda ng pagiging handa upang baguhin ang mga milyahe, iniwan ang kanilang nakaraan at tumanggap ng isang bagong kapangyarihan, walang ingat na nililinlang ang kanilang sarili na ang mga Bolsheviks ay hindi ang pinakamasama pagpipilian para sa Russia at na mapanatili nila ang walang hanggan at mahusay na Russia.

Para sa teatro at Stanislavsky, na ang pangalan ay wala sa poster, ito ay isang uri ng unang gawa ng pagsuko. Ang pagsasama-sama nito ay "Armored train 14-69" (1927) at "Beg" (1928), kung saan ang teatro ay lumapit sa "taon ng mahusay na punto ng pag-on".

Ito ay mula sa oras na ito na ang maalamat na pagkapoot sa pagitan ng Stanislavsky at Nemirovich ay nagsimula, nang walang katotohanan na inilarawan ni Bulgakov. Si Stanislavsky ay hindi na interesado sa paggawa ng mga pagtatanghal, dahil hindi niya masusunod ang censorship at conjuncture, bagaman, siyempre, natatakot siyang pigilan nang lantaran (siya ay pinalaki sa tradisyon ng pagsusumite sa mga awtoridad). Si Nemirovich, sa kabilang banda, ay hinila ang buong cart, sapagkat siya ay isang pragmatista at isang pilistino na umaangkop sa loob ng Moscow ng Stalin. At gusto niya ang pagiging isang "sibilyan heneral".

Tumakas si Stanislavsky sa mga eksperimento, na parang pinilit niya ang kanyang sarili na mahulog sa pagkabata, upang "lumabas" dito, upang sila ay maiiwan lamang; mayroon siyang isang personal na doktor, isang personal na chauffeur, taun-taon siyang ginagamot sa ibang bansa, nakatira siya sa isang marangyang bahay sa kalye na pinangalanan sa kanya, malalim na nalubog sa "sapal ng sofa" at sa kanyang mga saloobin tungkol sa likas na katangian ng pag-arte at ang "linya ng mga pisikal na kilos" at nagpapanggap ito na wala siyang naiintindihan sa kung ano ang nangyayari. At si Nemirovich, pagkatapos ng matagal na mga konsultasyon, ay bumalik sa Moscow mula sa USA noong 1929 (hindi rin niya nais na bumalik), ay lumiliko na isang may-ari ng teatro, isang oportunistang pampulitika at isang mahusay na mapang-uyam.

Ang sitwasyon ay kahila-hilakbot, tunay na trahedya. Para sa Stalin ay nagbibigay ng Moscow Art Theatre ng hindi napapansin-ng pagtataguyod, pinihit ang teatro sa isang teatro ng korte at ang pangunahing isa sa USSR. Moscow Art Theatre ng USSR. Si M. Gorky ay lampas sa kritisismo, ang mga tagapagtatag nito ay na-canonized, ang mga aktor ay ginagamot nang mabait, "ang sistema ni Stanislavsky" ay sapilitan para sa lahat, tulad ng code ng kriminal. Ang sagot ng Moscow Art Theatre ay malalim na katapatan, isang laro ng taimtim na pagmamahal ayon sa sistema ng isa sa mga tagapagtatag nito.

Ang mga larong Eerie Sobyet ay itinanghal, ang mga kakila-kilabot na pagpupulong ay gaganapin kung saan ang isang tao ay dapat na pasalita na makilahok sa mga krimen ng rehimen. Sa loob ng mga taon ng "Great Terror" "doon, tila, hindi isang solong pampulitikang aksyon o proseso, hindi isang solong desisyon ng administratibo hinggil sa kapalaran ng ito o sa artista o pagganap na iyon, na hindi mabigyan ng" unanimous "na suporta ng mga Moscow Artists (A. Smelyansky). Kumpleto at pangwakas ang demoralisasyon, ang pagkabagsak ng banayad na "sining ng karanasan" ay hindi maibabalik.

Ang pagkakaroon ng maruming kaluluwa, kalapastangan sa paglalaro ng Chekhov, at nauunawaan ito ng lahat. Ang una ay Stanislavsky. Napagtanto niya na ang kanyang utak ay ginahasa at pinatay, na ang mga kaluluwa ng kanyang mga aktor ay nasira, at siya mismo ay isang hostage ng sitwasyon. Ang isang bagay ay nananatili - upang tahimik na gumana sa isang maliit na grupo ng mga aktor sa mga sketch, subukang mas mababa ang marumi at mamatay nang may dignidad

6. Ang mga pangunahing elemento ng Stanislavsky

Ganito ang hitsura ng makasaysayang serbisyo ng Stanislavsky sa hitsura ng teatro sa mundo ayon sa sikat na "Theatre Dictionary" ni Patrice Pavi.

Natuklasan ni Stanislavsky:

a) "subtext" na doblehin ang maipapatupad na teksto o salungat dito; isang sikolohikal na tool na nagpapabatid tungkol sa panloob na estado ng pagkatao, na nagtatatag ng distansya sa pagitan ng sinabi sa teksto at kung ano ang ipinapakita sa entablado; ang hindi malay na background ng teksto ay magkakasamang kaakibat ng teksto na aktwal na binibigkas ng mga character, na bumubuo ng isang bagay tulad ng isang tuluy-tuloy at sa sarili nitong paraan makabuluhang pangalawang semantiko na hilera;

b) mise-en-scène bilang isang pisikal na pagkaunawa sa pinakaloob na kahulugan ng isang dramatikong teksto;

c) ang gravitation ng teksto ng pag-play hanggang sa pretext, interspersed na may mga pag-pause: ang mga character ay hindi maglakas-loob na ipahayag ang kanilang mga saloobin hanggang sa huli, o hindi ito magagawa, nakikipag-usap sila sa isa't isa sa kalahating mga pahiwatig, o sinasabi nila upang walang sabihin, siguraduhin na wala itong naiintindihan interlocutor bilang isang bagay na puno ng tunay na kahulugan.

Sa katunayan, si Stanislavsky, bago pa man lumitaw ang sinehan at sining sa telebisyon kasama ang kanilang malaki at napakalaking plano, binuo ng isang sistema ng pag-arte para sa "maikli ang paningin na Talia", ay natagpuan ang mga paraan upang i-play sa teatro ng walang katotohanan, kung saan ang mga character ng pagpapalit ng mga character na walang anuman, sumalungat sa salita - kilos, na inaasahan niya. teatro ng katapusan ng siglo.

Sa gayon ay magdagdag ako ng isang pagsusuri ng pag-play sa pamamagitan ng pagkilos, ang paghahanap para sa "linya ng mga pisikal na pagkilos" - isang unibersal na pamamaraan na si master mismo ni Stanislavsky. May mga pag-record ng mga rehearsal mula 1931-1932. "Nasusunog mula sa Wit". Ang pag-play ay nagiging "buhay" mismo sa harap ng aming mga mata, ang lahat ay puno ng lohika, dumating sa buhay, nagsisimulang huminga at gumalaw. Ang pinaka-nakakatawa ay ang tanawin kung saan mismo si Stanislavsky ay biglang nagsimulang maglaro ng Famusov, at Olga Androvskaya - Liza.

Ang papel na ginagampanan ng kusang-loob na panginoon ay malinaw sa kanyang panlasa, ang tatlumpung taong gulang na kaakit-akit na Androvskaya ay nagustuhan ito, bigla siyang nag-iling sa mga lumang araw, at ang lahat ay natapos na si Liza ay nakaupo na sa kanyang kandungan, at siya ay fumbled sa kanya gamit ang kanyang mga kamay at hinila siya sa kanya, naghahanda na mag-enjoy, na ang dahilan kung bakit Androvskaya Malubhang natakot ako ... Ang mga klase ay gaganapin sa apartment ni Stanislavsky, hindi siya matagal nang iginuhit sa teatro. Ang Moscow Art Theatre ay namatay sampung taon na mas maaga kaysa sa kanya.

At sa umpisa pa lamang ng panahon ng 1938/39, noong Agosto 7, sa proseso ng pagtatrabaho sa "Tartuffe", si Konstantin Sergeevich ay namatay din. Ang dahilan ay pagkabigo sa puso, marahil ischemic disease. Ang coronary artery bypass grafting ay naimbento lamang kalahating siglo mamaya.

Listahan ng mga sanggunian

Mikhail Zolotonosov. Konstantin Stanislavsky Old kuta. 2001

http://www.russianculture.ru/

Katulad na dokumento

Ang pag-unlad ng teatro ng Sobyet noong 1920s. Patakaran ng estado ng Russia sa direksyon na ito. Talakayan tungkol sa bagong madla ng Soviet. Mga konsepto sa teatrikal at aesthetic ng K.S. Stanislavsky at V.E. Meyerhold. Pag-aaral ng kasaysayan ng teatro sa isang aralin sa kasaysayan.

thesis, idinagdag 09/08/2016


Ang kasaysayan ng paglikha ng teatro ng Shakespeare na "The Globe". Ang aparato ng kanyang yugto. Ang Posisyon ng mga English actors sa Renaissance. Ang komposisyon ng mga kumikilos na mga tropa. Paglalarawan ng sunog na nangyari sa panahon ng pagganap. Ang modernong pagbabagong-tatag at modernisasyon ng teatro.

abstract, idinagdag sa 12/07/2015


Mga mito ng Scythian at epiko. Relihiyon at relihiyon. Mga sandata, pinggan, sining, kultura. Mga Burials. Ang unang estado pagkatapos ng mga Urarts. Ang mga Scythian ay lumikha ng kanilang sariling sining, na karamihan ay pumasok sa mundo at kulturang Ruso.

abstract, idinagdag 11/16/2005


Organisasyon ng mga institusyong pang-edukasyon ng mga tiyak at relihiyosong kagawaran sa Urals. Pag-unlad ng mga tradisyon ng mga lokal na taunang, mga makatang Ural at manunulat. Paglikha ng mga aklatan, paglalathala, pag-unlad ng agham at teknolohiya, sining at pagpipinta, teatro, musika at pang-araw-araw na buhay.

abstract, idinagdag 10/05/2009


Ang Buenos Aires ay isang Babilonyang naglalaman ng kultura, kaalaman sa teknikal at mga kasanayan sa propesyonal ng maraming mga tao. Buenos Aires Architecture - "Paris ng Timog Amerika". Mararangyang Renaissance facade ng Colon Theatre. Mga museo at tanawin ng lungsod.

abstract, idinagdag 02/17/2011


Bata at edukasyon ng Leonardo da Vinci. Ang Imbitasyon ng Hari ng Pransya at Buhay ng Artista sa Clos-Luce Castle. Masining na pamana ni Leonardo, ang kanyang kontribusyon sa kulturang artistikong mundo. Ang mga imbensyang pang-agham, gumagana sa larangan ng anatomya at gamot.

idinagdag ang pagtatanghal 04/03/2014


Ang mga tao ni Kievan Rus IX - unang bahagi ng XIII na siglo. gumawa ng isang mahalagang kontribusyon sa kultura ng mundo, lumilikha ng mga gawa ng panitikan, pagpipinta at arkitektura na hindi kumupas sa mga siglo. Kultura ng mga tao. Kultura ng bayan. Edukasyon. Panitikan ni Kievan Rus. "Isang salita tungkol sa pamumuhay ni Igor".

abstract, idinagdag 05/14/2008


Talambuhay, pang-agham at panlipunan na aktibidad ng pambihirang anak ng mga taong Kazakh na si Chokan (Shokan) Valikhanov at ang kanyang kontribusyon sa kultura at kasaysayan ng mundo. Ang sikat na paglalakbay sa Kashgaria. Mga sikolohikal na aspeto ng buhay at gawain ni Chokan Valikhanov.

abstract, idinagdag 02/15/2011


Ang kasaysayan ng kultura ng Russia sa siglo XIX. Ang mga pagbabagong-anyo ni Peter, ang kapanahunan ni Catherine na pinaliwanagan ng labis na pananaw, ang pagtatatag ng mga malapit na kontak sa Kanlurang Europa bilang mga salik ng pag-unlad nito. Mga tampok ng edukasyon, agham, panitikan, pagpipinta, teatro at musika.

pagsubok, idinagdag 02/17/2012


Ang antropolohikal na pagmamay-ari ng mga Indiano sa lahi ng Americanoid, ang kanilang mga bilang at pagkapira-piraso ng lingguwistika. Mga kulturang pangkultura at kasaysayan ng Amerika at ang simula ng kolonisasyon. Ang kontribusyon ng mga Indiano sa sibilisasyong mundo. Kultura at antas ng pag-unlad ng mga Incas, Mayans at Aztecs.

Ang paglikha ng Moscow Art Theatre ay nangangahulugan hindi lamang ang paglitaw ng isa pang kolektibong art, ngunit kasama nito ang isang bagong teatrical na pagtuturo ay ipinanganak.

Ang teorikal na reporma, na isinagawa nina Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko, ay naglalayong lumikha ng ensemble ng teatro, nagkakaisa sa kanyang mga malikhaing adhikain, na kinasihan ng mga karaniwang layunin sa sining. Sa sining ng entablado ng entablado, nakita ng mga tagalikha ng Moscow Art Theatre ang pinaka perpektong porma ng paglarawan ng konsepto ng ideolohiya ng pagganap, isang tanda ng mataas na propesyonal na kasanayan.

Ang ideya ng ensemble ay tinukoy hindi lamang ang malikhaing kasanayan ng teatro, kundi pati na rin ang buong samahan ng teatrikal na negosyo, etikal at artistikong mga kaugalian ng buhay ng kolektibong artistikong. Ang moral at etikal na katangian ng aktor ay hindi gaanong mahalaga para sa mga tagalikha ng teatro kaysa sa kanyang malikhaing talento at karanasan sa propesyonal. Ang pagtuturo ni Stanislavsky tungkol sa artistikong etika at disiplina ay isang pagtuturo sa malikhaing kapaligiran sa teatro, ang mga kinakailangan at kondisyon ng kolektibong yugto ng pagkamalikhain, kung wala ang arte ay napapahamak sa pananim. Sa katunayan, ang kasanayan sa teatro ay nalalaman ang libu-libong mga halimbawa na nagpapakita na ang pagbawas sa mga kinakailangan sa etikal ay sumasali sa isang pagkasining ng arte.

Ngunit ang mga kinakailangan ng etika ay maaaring maging walang batayan kung ang kolektibo ay hindi nagkakaisa sa pamamagitan ng pagkakaisa ng mga pananaw ng aesthetic at isang pangkaraniwang ideolohiyang layunin at layunin sa sining. Si Stanislavsky sa kanyang address sa theatrical youth ay nagsabi:

"Ang isang koponan ng maraming daang tao ay hindi makakaisa, magpahawak at lalakas lamang batay sa pansariling pagmamahal at pakikiramay ng lahat ng mga miyembro. Para sa mga ito, ang mga tao ay ibang-iba, at ang pakiramdam ng pakikiramay ay hindi matatag at mababago. Upang mag-welding ang mga tao, kailangan namin ng mas malinaw at mas malakas na mga pundasyon, tulad ng: mga ideya, publiko, politika. "

Ang ideya ng nasyonalidad at mataas na kasiningan ay naging isang nag-iisang ideya para sa Moscow Art Theatre. Bago ang pagsisimula ng mga pagsasanay, hinarap ni Stanislavsky ang tropa sa mga sumusunod na salita:

"Kung hindi natin lapitan ang bagay na ito ng malinis na kamay, marumi namin ito, ipadala ito at ikakalat sa buong Russia ... Kinuha namin sa ating sarili ang isang bagay na hindi isang simple, pribado, ngunit isang pampubliko. Huwag kalimutan na nagsusumikap kami upang maipaliwanag ang madilim na buhay ng mahirap na klase, upang bigyan sila ng maligaya, aesthetic sandali sa gitna ng kadiliman na sumaklaw sa kanila. Nagsusumikap kaming lumikha ng unang makatuwirang, moral, pampublikong teatro, at itinalaga namin ang aming buhay sa matayog na layunin na ito. "

Sa batayang ideolohikal na ito, isang espesyal na etika ng Moscow Art Theatre ang nabuo, na naghihinang sa lahat ng mga miyembro ng tropa sa isang solong koponan ng mga malikhaing tulad ng pag-iisip na mga tao. Si Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko ay na-instil sa mga aktor ng isang pakiramdam ng mataas na tungkulin ng sibiko, isang pakiramdam ng responsibilidad para sa kanilang teatro, para sa tagumpay ng pagganap, at hindi lamang ang kanilang papel.

Nabanggit ni Stanislavsky iyon ang pangunahing bagay sa sining ay isang sobrang gawain at isang cross-cutting kumilos Sa pamamagitan nito napagpasyahan niya ang ideological orientation ng sining. Paulit-ulit niyang binibigyang diin na ang teatro ay palaging nasa unahan sa pakikibaka para sa mataas na ideolohikal at masining na nilalaman ng sining.

"Ang teatro ay isang double-talim na tabak: sa isang panig ay nakikipaglaban ito sa pangalan ng ilaw, ang isa sa pangalan ng kadiliman. Sa pamamagitan ng parehong puwersa ng impluwensya na kung saan pinapalakas ng teatro ang madla, maaari itong masira ang mga ito, pinapaliit ang mga ito, masira ang mga panlasa, saktan ang kadalisayan, pukawin ang masasamang hilig, maglingkod ng bulgar, isang maliit na kagandahang filipino.

Kung gayon ang teatro ay naging isang malakas na instrumento ng kasamaan sa lipunan, mas mapanganib, mas malaki ang lakas ng epekto nito. " (KS Stanislavsky. Gumagana, vol 5, p. 472).

Paulit-ulit na binibigyang diin ni Stanislavsky ang kahalagahan ng teatro bilang isang pulpito, bilang isang sermon. Ang pagtugon sa mga mag-aaral, empleyado at aktor ng tanggapan ng sangay ng Moscow Art Theatre noong 1911, muli niyang binanggit:

"Ang teatro ay isang malakas na armas, ngunit tulad ng anumang armas na ito ay may dalawang dulo: maaari itong magdala ng malaking pakinabang sa mga tao at maaaring maging pinakadakilang kasamaan ...

Ang pinakadakilang kasamaan, sapagkat ito ang pinakamalakas, pinaka-nakakahawang, ang pinaka madaling kumalat. Ang kasamaan na dala ng isang masamang libro ay hindi maihahambing sa lakas ng impeksyon, o sa kadalian kung saan kumalat ito sa masa.

At pa sa teatro bilang isang institusyon mayroong mga elemento ng pambansang edukasyon, una sa lahat, siyempre. Aesthetic na edukasyon ng masa.

Kaya ito ay kung ano ang isang kahila-hilakbot na kapangyarihan na iyong aariin, at ito ang nahuhulog sa iyo ng responsibilidad para sa kakayahang itapon ang kapangyarihang ito nang maayos. (K.S. Stanislavsky, ibid., Pp. 468-469).

Sa gayon, kasama ang panturo sa teatro ng Stanislavsky ang doktrina ng overarching task at end-to-end na pagkilos (i.e., tungkol sa mataas na ideolohiya at mataas na kasiningan ng sining sining); artistikong pagtuturo sa pamatasanbilang isang kinakailangang kondisyon para sa kolektibong pagkamalikhain. Ang ikatlong bahagi ng pagtuturo ay ang tinatawag na "Stanislavsky system" - ang pagtuturo ng panloob at panlabas na kumikilos na pamamaraan, o sa halip - sistema ng edukasyon ng aktor.

Ang sistema ng edukasyon ng isang artista - mastering ang panloob at panlabas na pamamaraan ng pag-arte - ay nagsasangkot ng pare-pareho at palagiang pagsasanay elemento ng husay ng aktor: yugto ng pansin, imahinasyon at pantasya, iminungkahing mga pangyayari at "kung lamang", mga damdamin ng katotohanan at pananampalataya, lohika at pare-pareho, memorya ng emosyonal, tempo, atbp.

Si Stanislavsky sa parehong oras ay nagmula sa mga aesthetics ng teatro, na tinukoy niya bilang "ang sining ng nakakaranas", kaibahan sa "sining ng pagganap", katangian ng teatro sa Western European. Ang kakanyahan ng mga theestical aesthetics na ito ay nararanasan ng artist ang papel sa bawat oras at sa bawat pag-uulit ng pagkamalikhain ("ngayon, narito, ngayon").

Ang pagkamalikhain ay isang hindi malay na proseso. Ngunit sadyang nasasabik siya sa aktor. Si Stanislavsky ay nagawa upang maunawaan ang landas na ito mula sa malay-tao hanggang sa hindi malay at makahanap ng isang praktikal na pamamaraan para sa paglalagay nito sa pagkilos. Ang kumikilos na paaralan na nilikha ni Stanislavsky ay mayroong sumusunod na kasabihan: "Mahirap - upang maging pamilyar, pamilyar - madali, madali - maganda."

Nagsimula ang trabaho sa "system" noong 1907, at inilathala ito sa ilalim ng pamagat na "The Work of an Actor on His" lamang noong 1938. Hindi inilathala ni Stanislavsky ang kanyang mga natuklasan hanggang sa paulit-ulit niyang sinubukan ang mga ito gamit ang malikhaing kasanayan.

Ang pundasyon ng "system" ay ang mga layunin na batas ng pagkamalikhain ng organikong kalikasan ng artista ng tao ("ang buhay ng espiritu ng tao"). Ang mga batas na ito ay batay sa sikolohiya at pisyolohiya (pinag-aralan ni Stanislavsky ang mga gawa ng Pavlov, Freud at iba pang mga siyentipiko). Samakatuwid, ang mga batas ng sistema ng Stanislavsky ay pareho para sa lahat ng tao, lahat ng mga tao, lahat ng eras.

Ang kakanyahan at layunin ng system ay upang mai-master ang hindi malay sa pamamagitan ng malay, upang matulungan ang kalikasan ng isang tao upang magsagawa ng isang malikhaing kilos.

Ang teatrical aesthetics ng Rusong kumikilos na paaralan ay naniniwala na ang aktor ay nakatira sa entablado, at hindi lumalabas ("maging, hindi mukhang" ang mahalaga).

Sa unang bahagi ng ikadalawampu siglo, maraming mga konsepto ng pag-arte laban sa sistema ng Stanislavsky upang patunayan ito. Dapat itong palitan ang sikolohiya sa biomekanika, karanasan - na may kasanayan sa pagtatanghal, isang buhay na artista sa entablado - na may isang papet, paglikha ng character - na may ulat ng pag-iisip, aksyon ng akda - na may pagsasalaysay, muling pagkakatawang-tao - kasama ang pamamaraan ng "pagbubukod", atbp.

Marami sa mga konsepto na ito ay kumupas, hindi nagbubunga ng kanilang mga may-akda, sa sandaling lumampas sila sa mga eksperimento sa laboratoryo. Ang iba ay tumatayo sa pagsubok ng oras. Ngunit wala sa kanila ang naging ang founding theory ng gumaganap na sining ng ika-20 siglo,bagaman bawat inaangkin ito.

Medyo huli na, Ang Gawain sa Aktor sa Mismo mismo ay isinalin sa mga wikang banyaga. "Kung ang librong ito ay lumitaw ng hindi bababa sa limang taon bago, ang tinig ni Stanislavsky ay maaaring mabago ang buong direksyon ng teatro ng Amerikano.", - kaya isinulat ang isa sa mga magasin sa teatro sa Amerika noong 1964.

Ngayon ang mga sinehan ng USA, England, France, Germany, Poland, Japan ay nagpatibay sa sistemang Stanislavsky.

Ang ika-19 na siglo sa buhay ng teatro ng Russia ay ang "ginintuang edad", kung saan ang pinakadakilang mga gawa ng klasikal na drama, nilikha ang akdang Russian na kumikilos. Nagsimula ang ika-19 na siglo sa pagbuo ng mga makatotohanang mga prinsipyo ng dula at pag-arte at natapos sa pagsilang ng teatro ng direktor ng entablado, na nagbubuod ng karanasan na nakamit sa loob ng isang siglo sa pamamagitan ng sining ng Russia stage. Ang mga prinsipyo ng sining na ito ay panteorya sa mga gawa ng K.S. Stanislavsky at Vl. I. Nemirovich-Danchenko. Ang teatro ay naging isang makabuluhang kaganapan sa buhay ng kultura ng Russia sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Lumago ang katanyagan ng theatrical art. Ang serf teatro ay pinalitan ng "libre" - estado at pribado. Gayunpaman, lumitaw ang mga sinehan ng estado sa mga kabisera ng lungsod noong ika-18 siglo. Sa partikular, sa St. Petersburg sa simula ng ika-19 na siglo. maraming mga ito - ang teatro ng palasyo sa Hermitage, ang mga sinehan ng Bolshoi at Maly. Noong 1827 isang sirko ang binuksan sa kabisera, kung saan hindi lamang mga palabas sa sirko ang itinanghal, kundi pati na rin ang mga dramatikong pagtatanghal. Noong 1832 sa St. Petersburg ayon sa proyekto ng K.I. Rossi, ang gusali ng isang drama teatro ay itinayo, na nilagyan ng pinakabagong teknolohiya sa teatro. Bilang karangalan ng asawa ni Nicholas I, Alexandra Feodorovna, nagsimula itong tawaging Alexandria Theatre (ngayon - ang Pushkin Theatre). Noong 1833, natapos ang pagtatayo ng Mikhailovsky Theatre (ngayon ang Maly Opera at Ballet Theatre) ay natapos. Natanggap nito ang pangalan nito bilang karangalan ng kapatid ni Nicholas I - Grand Duke Mikhail Pavlovich. Noong 1806, ang Maly Theatre ay binuksan sa Moscow, at noong 1825 natapos ang pagtatayo ng Bolshoi Theatre.

Ang ganitong mga dramatikong gumagana tulad ng "Sa Kawala mula sa Wit" ni A.S. Griboyedov, "Ang Pangkalahatang Inspektor" N.V. Gogol at iba pa.Sa 1920s at 1940s, ang natitirang Russian aktor na M.S. Shchepkin, kaibigan ng A.I. Herzen at N.V. Gogol. Iba pang mga kamangha-manghang mga artista, V.A. Karatygin - pangunahin ng yugto ng kapital, P.S. Si Mochalov, na naghari sa entablado ng Moscow Drama Theatre, atbp.

Ang mga makabuluhang tagumpay sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. nakamit? ang teatro ng ballet, na ang kasaysayan sa oras na iyon ay higit sa lahat na nauugnay sa mga pangalan ng sikat na Pranses na direktor na sina Didlot at Perrot. Noong 1815, ang pambihirang Russian dancer na A.I. Istomina.

Sa ikalawang kalahati ng siglo XIX. sa kasaysayan ng teatro ng Russia nagsisimula ang isang bagong panahon - na ginagampanan ng mahusay na playwright ng Russian A.N. Ostrovsky. Ang dramaturgy ni Ostrovsky ay isang buong teatro, at sa teatro na ito ang isang kalawakan ng mga may talento na aktor ay lumaki na niluwalhati ang artistikong sining sa Russia.

Bilang karagdagan sa mga dula ni Ostrovsky sa drama ng Russia sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. ginampanan ni A.V. Sukhovo-Kobylina, M.E. Saltykov-Shchedrin, A.K. Tolstoy, L.N. Tolstoy. Ang teatro ay sumusunod sa landas ng pagpapatunay ng katotohanan at pagiging totoo.

Sa ikalawang kalahati ng siglo XIX. ang interes sa Ruso kontemporaryong drama ay lumalaki nang malaki. Ang rebolusyonaryo-demokratikong pagpuna, na pinamumunuan nina Chernyshevsky at Dobrolyubov, ay sumusuporta sa drama ni Ostrovsky, na inilalantad ang madilim na kaharian ng mga mapang-api ng mga mangangalakal, ang pagka-diyos at pagkukunwari ng burukratikong makina ng autokrasya ng Russia.

Ang unang pagganap ng pag-play ng Ostrovsky ay naganap noong Enero 14, 1853 sa entablado ng Maly Theatre, nang ang komedya na "Huwag Kumuha sa Iyong Sleigh, Huwag Umupo sa Down" ay nilaro. Ang Maly Theatre ay nakakuha ng malaking kahalagahan sa lipunan noong 50s-70s ng ika-19 na siglo. Ang papel nito sa buhay pangkultura ng Russia ay lubos na mahusay. Hindi nakakagulat na ang Maly Theatre ay tinawag na pangalawang unibersidad para sa mataas na papel na pang-edukasyon at edukasyon. Siya ang nag-apruba sa drama ni Ostrovsky sa entablado.

Matapos ang unang dula ng komedya Huwag Kumuha Sa Iyong Pangarap, binibigyan ng Ostrovsky ang lahat ng kanyang mga dula sa entablado ng Maly Theatre. Ang pagkakaroon ng pagiging malapit sa maraming mga mahuhusay na artista, ang tagapaglalaro ay nakikilahok sa paggawa ng kanyang mga gawa. Ang kanyang mga pag-play ay kumakatawan sa isang buong panahon, isang bagong yugto sa pag-unlad ng sining ng Rusya na gumaganap. Ito ay sa mga dula ni Ostrovsky na ang talento ng pinakadakilang aktor ng Maly Theatre, si Prova Mikhailovich Sadovsky (1818-1872), ay isiniwalat. Ang pagganap ng artist ng papel ng Lyubim Tortsov sa dula na "Ang kahirapan ay hindi isang bisyo" ay isa sa pinakamataas na tagumpay ng artist. Naglaro si Sadovsky ng 30 tungkulin sa repertoire ni Ostrovsky. Ang kanyang mga character, tila, ay dumating sa entablado mula sa buhay mismo, ang tagapakinig ay kinikilala sa mga kilalang tao. Si Sadovsky, kasama ang kanyang trabaho, ay nagpatuloy sa mga prinsipyo ng mahusay na aktor ng realistang si Shchepkin.

Ang natitirang Russian trahedya artista na si Lyubov Pavlovna Nikulina-Kositskaya (1827-1868) ay naglaro kasama si Sadovsky sa entablado ng Maly Theatre. Siya ang una at isa sa mga pinaka kapansin-pansin na performer ni Katerina sa The Thunderstorm ng Ostrovsky. Ang kanyang talento ay pinagsama ang mga tampok ng romantikong pag-ibig at malalim na makatotohanang katotohanan sa paglalarawan ng damdamin at karanasan ng tao. Si Polina Antip'evna Strepetova (1850-1903), ang pinakamalaking probinsyang tragic actress, ay tatandaan magpakailanman sa kanyang pagganap sa entablado. Ang pakikipagpulong kay Nikulina-Kositskaya ay nakatulong kay Strepetova upang maging isang mahusay na artista. Ang mga tradisyon ng sining ni Nikulina-Kositskaya ay naipakita rin sa gawa ng dakilang trahedya na artista ng Maly Theatre M.N. Ermolova.

Ang progresibo, demokratikong hangarin ng mga pinaka-may talento na aktor ng Maly Theatre ay patuloy na nag-uudyok ng mabangis na pagtutol mula sa mga bosses ng teatro at censorship. Marami sa mga dula ni Ostrovsky, sa kabila ng kanilang tagumpay sa madla, ay madalas na tinanggal sa pagganap. At gayon pa man ang mga dula ni Ostrovsky ay nagiging higit at higit pa sa repertoire ng teatro, na nakakaimpluwensya sa iba pang mga playwright.

Sa entablado ng entablado, ang mga prinsipyo ng malikhaing Shchepkin ay patuloy na nagpapabuti. Ang batayan ng tropa ng Maly Theatre ng 50-70s ng XIX na siglo. mga aktor tulad ng P.M. Sadovsky, L.P. Nikulina-Kositskaya, S.V. Shumsky, S.V. Vasiliev, I. V Samarin.

Sa 80-90s ng siglo XIX. matapos ang pagpatay kay Alexander II ng Narodnaya Volya, tumindi ang pagkakasakit ng reaksyon. Ang pang-aapi ng censor ay nakakaapekto sa repertoire ng teatro lalo na mahirap. Ang Maly Theatre ay dumadaan sa isa sa mga pinakamahirap at magkakasalungat na panahon sa kasaysayan nito. Ang mga klasiko ay naging batayan para sa gawain ng pinakamalaking aktor ng Maly Theatre.

Ang mga pagtatanghal ng mga drama ni Schiller, Shakespeare, Lope de Vega, Hugo kasama ang pakikilahok ng pinakadakilang trahedya na aktres na si Maria Nikolaevna Yermolova ay naging mga kaganapan sa teatro na buhay ng Moscow. Sa mga palabas na ito, nakita ng manonood ang pag-uugali ng mga pangunahing ideya, ang pagluwalhati ng kilalang sibil, isang tawag para sa paglaban sa arbitrariness at karahasan.

Ang tropa ng Maly Theatre sa pagtatapos ng ika-19 na siglo ay hindi pangkaraniwang mayaman sa mga mahuhusay na aktor. Ang mga ito ay kapansin-pansin na mga tagumpay ng maluwalhating tradisyon ng Maly Theatre, ang sining nito ng katotohanan ng buhay ng malalim, ang mga tagabantay ng mga utos ng Shchepkin, Mochalov, Sadovsky.

Ang Alexandria Theatre sa St. Petersburg sa mga unang dekada ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. ay dumadaan sa pinakamahirap na panahon sa kasaysayan nito. Ang kalapitan nito sa korte ng hari ay palaging may malaking impluwensya sa kapalaran ng teatro. Ang pamamahala ng mga teatro ng imperyal ay tinatrato ang tropa ng drama ng Russia na hindi pinangalanan. Malinaw na kagustuhan ang ibinigay sa mga dayuhang aktor at ballet. Ang sining ng mga aktor ng teatro sa Alexandria ay pangunahing nabubuo sa direksyon ng pagpapabuti ng mga panlabas na pamamaraan ng pagpapahayag. Si Vasily Vasilyevich Samoilov (1813-1887) ay ang pinakadakilang master ng muling pagkakatawang-tao, na masterly mastering ang pamamaraan ng pag-arte, na lumikha ng mahahalagang, yugto ng mabisang mga imahe.

Ang gawain ng pinaka matalino na artista na artista na si Alexander Evstafievich Martynov (1816-1860), ang tagalikha ng isang bilang ng mga larawan ng "maliit na tao" na ipinagtanggol ang kanilang karapatan sa kaligayahan, ay isang pagbubukod sa Alexandria Theatre noong mga taon na iyon. Naglaro siya ng Podkolesin sa The Marriage at Khlestakov sa The Inspector General ni Gogol, Moshkin sa The Bachelor ni Turgenev, at maraming mga tungkulin mula sa repertoire ni Ostrovsky. Ang isa sa pinakamataas na tagumpay ng artist ay ang imahe ng Tikhon sa "The Thunderstorm" ng Ostrovsky. Nag-iisa si Martynov sa teatro, ang kanyang maagang pagkamatay ay nagdala sa kanya sa kalakasan ng kanyang mga malikhaing kapangyarihan.

Ang pagkamalikhain ng mga aktor na ito ay naghanda ng paraan para sa kanilang solusyon, binuksan ang daan para sa teatro sa hinaharap.

Sa pahinang ito, malalaman mo ang tungkol sa pinakatanyag na mga guro ng pagkilos at mahusay na mga pigura ng teatro na lumikha ng mga nangungunang mga paaralang kumikilos Kabilang sa mga ito ay tulad ng mga kinatawan ng gumaganap na sining tulad ng Stanislavsky, Meyerhold, Chekhov, Nemirovich-Danchenko at Berhold Brecht. Ang lahat ng mga taong ito ay gumawa ng mga makabuluhang kontribusyon sa gumaganap na sining. At samakatuwid, kung nakikita mo ang iyong sarili bilang isang artista na artista, ang artikulong ito ay magiging kapaki-pakinabang sa iyo.

(1863 - 1938), isang kilalang aktor at direktor ng Russia, na siyang nagtatag ng pinaka sikat na sistema ng mga artista sa pagsasanay. Si Stanislavsky ay ipinanganak sa Moscow, sa isang malaking pamilya ng isang tanyag na industriyalisado, na nauugnay sa Mamontov at mga kapatid na Tretyakov. Sinimulan niya ang kanyang aktibidad sa entablado noong 1877 sa bilog ng Alekseevsky. Ang nagnanais na aktor na si Stanislavsky ay nagustuhan ang mga character na may matingkad na karakter, na nagbibigay ng posibilidad ng muling pagkakatawang-tao: bukod sa kanyang mga paboritong tungkulin na pinangalanan niya ang mag-aaral na Megriot mula sa vaudeville na "Ang Lihim ng isang Babae" at ang barber Laverger mula sa "Pag-ibig ng Pag-ibig." Paggamot sa kanyang pagkahilig para sa entablado kasama ang kanyang likas na pagiging masinsinan, masigasig si Stanislavsky sa gymnastics, pati na rin ang pag-awit kasama ang pinakamahusay na mga guro sa Russia. Noong 1888 siya ay naging isa sa mga tagapagtatag ng Moscow Society of Art and Literature, at noong 1898, kasama ang Nemirovich-Danchenko, itinatag ang Moscow Art Theatre, na mayroon pa rin ngayon.

Stanislavsky School: "Psychotechnics". Ang sistemang pinangalanan sa kanya ay ginagamit sa buong mundo. Ang paaralan ni Stanislavsky ay isang psychotechnique na nagpapahintulot sa aktor na gumana kapwa sa kanyang sariling mga katangian at sa papel.

Una, ang aktor ay dapat magtrabaho sa kanyang sarili, na nagsasagawa ng pang-araw-araw na pagsasanay. Pagkatapos ng lahat, ang gawain ng isang aktor sa entablado ay isang proseso ng psychophysical kung saan kasali ang panlabas at panloob na artistikong data: imahinasyon, pansin, kakayahang makipag-usap, isang pakiramdam ng katotohanan, memorya ng emosyonal, isang pakiramdam ng ritmo, diskarte sa pagsasalita, plastik, atbp. Ang lahat ng mga katangiang ito ay kailangang mabuo. Pangalawa, binigyang pansin ng Stanislavsky ang gawain ng aktor sa papel na ito, na nagwagi sa organikong pagsasama ng aktor na may papel, muling pagkakatawang-tao sa isang imahe.

Ang sistemang Stanislavsky ay nabuo ang batayan ng pagsasanay sa aming website, at maaari mong basahin ang higit pa tungkol dito sa unang aralin.

(1874-1940) - Direktor ng teatro ng Russian at Sobyet, aktor at guro. Siya ay anak ng may-ari ng isang pabrika ng vodka, isang katutubong Aleman, isang Lutheran, at sa edad na 21 siya ay nagbalik sa Orthodoxy, pinalitan ang pangalan na Karl-Kazimir-Theodor Meyergold kay Vsevolod Meyerhold. Mahinahon na dinala ng teatro sa kanyang kabataan, si Vsevolod Meyerhold noong 1896 matagumpay na naipasa ang mga pagsusulit at agad na pinasok sa ika-2 taon sa Music and Drama School ng Moscow Philharmonic Society sa klase ng Vladimir Ivanovich Nemirovich-Danchenko. Noong 1898-1902 si Vsevolod Meyerhold ay nagtrabaho sa Moscow Art Theatre (MHT). Noong 1906-1907, siya ang punong direktor ng Komissarzhevskaya Theatre sa Opisyal, at noong 1908-1917 - sa mga sinehan ng imperyal ng St. Matapos ang 1917 pinamunuan niya ang kilusang "Theatre Oktubre", inilalagay ang isang programa para sa isang kumpletong muling pagsusuri ng mga aesthetic na halaga, ang pampulitikang pag-activate ng teatro.

Sistema ni Meyerhold: "Biomekanika". Binuo ni Vsevolod Meyerhold ang simbolikong konsepto ng "kondisyong teatro". Kinumpirma niya ang mga prinsipyo ng "theatrical traditionalism", hinahangad na bumalik sa liwanag ng teatro at kasiyahan bilang laban sa pagiging totoo ng Stanislavsky. Ang biomekanika na binuo ng kanya ay isang sistema ng pagsasanay sa pag-arte, na nagbibigay-daan sa iyo upang lumipat mula sa panlabas na muling pagkakatawang muli sa panloob. Kung magkano ang aktor na malalaman ng madla ay nakasalalay sa tiyak na nahanap na kilusan at tamang intonasyon. Ang sistemang ito ay madalas na kaibahan sa mga pananaw ni Stanislavsky.

Si Meyerhold ay nakikibahagi sa pananaliksik sa larangan ng teatro ng mga katutubong tao sa Italya, kung saan ang pagpapahayag ng kilusan ng katawan, pustura at kilos ay may mahalagang papel sa paglikha ng isang pagganap. Ang mga pag-aaral ay nakakumbinsi sa kanya na ang intuitive na diskarte sa papel ay dapat unahan ng paunang pagsaklaw nito, na binubuo ng tatlong yugto (ito ay tinatawag na "play link"):

1. Intensyon.
2. Mag-ehersisyo.
3. Reaksyon.

Sa modernong teatro, ang biomekanika ay isa sa mga mahahalagang elemento ng pagsasanay ng isang aktor. Sa aming mga aralin, ang biomekanika ay itinuturing bilang karagdagan sa sistema ng Stanislavsky, at naglalayong mapaunlad ang kakayahang magparami ng mga kinakailangang emosyon "dito at ngayon."

(1891-1955) - Aktor ng Russian at Amerikano, guro ng teatro, direktor. Si Mikhail Chekhov ay pamangkin ni Anton Pavlovich Chekhov sa panig ng kanyang ama, na siyang nakatatandang kapatid ni Anton Pavlovich. Noong 1907, pinasok ni Mikhail Chekhov ang Theatre School na pinangalanan sa A.S. Suvorin sa Theatre ng Literary and Art Society at sa lalong madaling panahon ay nagsimula na matagumpay na nagsagawa sa mga palabas sa paaralan. Noong 1912, si Stanislavsky mismo ay inanyayahan si Chekhov sa Moscow Art Theatre. Noong 1928, na hindi tinatanggap ang lahat ng mga rebolusyonaryong pagbabago, umalis si Mikhail Alexandrovich sa Russia at nagtungo sa Alemanya. Noong 1939, lumipat siya sa Estados Unidos, kung saan nilikha niya ang kanyang sariling paaralan ng pag-arte, na napakapopular. Marilyn Monroe, Clint Eastwood at maraming iba pang kilalang aktor sa Hollywood na dumaan sa kanya. Si Mikhail Chekhov ay kumilos sa mga pelikula paminsan-minsan, kasama na sa pelikulang "Enchanted" ni Hitchcock, para sa kanyang tungkulin kung saan siya ay hinirang para sa isang Oscar sa nominasyon na "Best Supporting Actor".

Mga prinsipyo ng teatro sa Chekhov. Sa silid-aralan, binuo ni Chekhov ang kanyang mga saloobin tungkol sa perpektong teatro, na nauugnay sa pag-unawa ng mga aktor sa pinakamahusay at maging banal sa tao. Ang patuloy na pagbuo ng konseptong ito, si Mikhail Chekhov ay nagsalita tungkol sa ideolohiya ng "perpektong tao", na kung saan ay naka-embod sa hinaharap na artista. Ang pag-unawa sa pag-arte ay naglalagay ng Chekhov kahit na mas malapit sa Meyerhold kaysa kay Stanislavsky.

Bilang karagdagan, itinuro ni Chekhov ang magkakaibang mga ahente ng causative ng likas na malikhaing aktor. At sa kanyang studio, binigyan niya ng pansin ang problema ng kapaligiran. Tiningnan ni Chekhov ang kapaligiran sa entablado o itinakda bilang isang paraan ng paglikha ng isang buong imahe ng buong pagganap, at bilang isang pamamaraan para sa paglikha ng isang papel. Ang mga aktor na sinanay ni Chekhov ay nagsagawa ng isang malaking bilang ng mga espesyal na ehersisyo at sketch, na posible upang maunawaan kung ano ang kapaligiran, ayon kay Mikhail Alexandrovich. At ang kapaligiran, tulad ng naintindihan ito ni Chekhov, ay isang "tulay" mula sa buhay hanggang sa sining, ang pangunahing gawain na kung saan ay lumikha ng iba't ibang mga pagbabago ng panlabas na balangkas at ang kinakailangang subtext ng mga kaganapan ng pagganap.

Inihatid ni Mikhail Chekhov ang kanyang pag-unawa sa imahe ng entablado ng isang artista, na hindi bahagi ng sistema ng Stanislavsky. Isa sa mga mahahalagang konsepto ng rehearsal technique ni Chekhov ay ang "teorya ng imitasyon". Binubuo ito sa katotohanan na ang aktor ay dapat munang lumikha ng kanyang imahe nang eksklusibo sa kanyang imahinasyon, at pagkatapos ay subukang gayahin ang kanyang panloob at panlabas na mga katangian. Sa okasyong ito, si Chekhov mismo ay sumulat: "Kung ang kaganapan ay hindi masyadong sariwa. Kung lumilitaw ito sa kamalayan bilang isang memorya, at hindi bilang direktang naranasan sa isang naibigay na sandali. Kung maaari itong masuri ng obhetibo. Ang anumang bagay na nasa loob pa rin ng pagiging makasarili ay hindi angkop sa trabaho. "

(1858-1943) - Guro sa teatro at direktor ng teatro sa Ruso at Sobyet. Si Vladimir Nemirovich-Danchenko ay ipinanganak sa Georgia sa lungsod ng Ozurgeti sa isang pamilyang Ukrainiano-Armenian ng isang maharlika, may-ari ng lalawigan ng Chernigov, isang opisyal ng hukbo ng Russia na nagsilbi sa Caucasus. Nag-aral si Vladimir Ivanovich sa gymnasium ng Tiflis, kung saan nagtapos siya ng isang medalyang pilak. Pagkatapos ay pumasok siya sa Moscow University, na matagumpay niyang nagtapos mula. Nasa unibersidad na, nagsimulang mag-publish si Nemirovich-Danchenko bilang isang kritiko sa teatro. Noong 1881, ang kanyang unang paglalaro, si Rosehip, ay isinulat, na itinanghal ng Maly Theatre isang taon mamaya. At mula noong 1891, ang Nemirovich-Danchenko ay nagturo na sa departamento ng drama ng Musical Drama School ng Moscow Philharmonic Society, na tinatawag na GITIS ngayon.

Nemirovich-Danchenko noong 1898, kasama si Stanislavsky, itinatag ang Moscow Art Theatre, at hanggang sa katapusan ng kanyang buhay pinamunuan niya ang teatro na ito, bilang direktor at direktor ng artistikong ito. Kapansin-pansin na ang Nemirovich-Danchenko ay nagtrabaho sa ilalim ng isang kontrata sa Hollywood sa loob ng isang taon at kalahati, ngunit pagkatapos ay bumalik sa USSR, hindi katulad ng ilan sa kanyang mga kasamahan.

Mga konsepto sa entablado at kilos. Si Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko ay lumikha ng isang teatro na may malaking epekto sa pag-unlad ng Sobyet at sining ng mundo. Ang pinakadakilang direktor at aktor ng Sobyet ay pinalaki ng diwa ng kanilang mga malikhaing mga prinsipyo, na magkatulad. Kabilang sa mga tampok ni Vladimir Ivanovich, maaari isa-isa ang konsepto na binuo niya sa sistema ng "tatlong perceptions": panlipunan, sikolohikal at teatro. Ang bawat isa sa mga uri ng pang-unawa ay dapat na mahalaga para sa aktor, at ang kanilang synthesis ay ang batayan ng kasanayang theatrical. Ang diskarte ng Nemirovich-Danchenko ay tumutulong sa mga aktor na lumikha ng matingkad, mayaman na mga imahe na may kaugnayan sa sosyal na layunin ng buong pagganap.

Bercholt Brecht

(1898 -1956) - Aleman na tagapaglaraw, makata, manunulat, manggagawa sa teatro. Pinag-aralan ni Bertholt sa katutubong paaralan ng pagkakasunud-sunod ng monkanikong Franciscan, at pagkatapos ay pumasok sa maharlikang paaralan ng Bavarian, na matagumpay niyang nakumpleto. Ang unang mga eksperimento sa panitikan ng Brecht na petsa noong 1913, mula noong katapusan ng 1914, ang kanyang mga tula ay regular na lumitaw sa lokal na pindutin, at pagkatapos ay ang mga kwento, sanaysay at mga pagsusuri sa teatro. Noong unang bahagi ng 1920, sa Munich, sinubukan din ni Brecht na makabisado din ang paggawa ng paggawa ng pelikula, sumulat ng ilang mga script, batay sa isa sa mga ito noong 1923 ay binaril niya ang isang maikling pelikula. Sa Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay umalis siya sa Alemanya. Sa mga taon ng postwar, ang teorya ng "mahabang tula teatro", na isinasagawa ni Brecht ang direktor, binuksan ang mga bagong posibilidad para sa gumaganap na sining at may malaking epekto sa pag-unlad ng teatro sa ika-20 siglo. Nasa 50s, ang mga dula ni Brecht ay mahigpit na kasama sa European theatrical repertoire, at ang kanyang mga ideya sa isang form o iba pa ay napagtanto ng maraming mga kontemporaryong playwrights.

Epikong teatro. Ang paraan ng pagtatanghal ng dula at mga pagtatanghal na nilikha ni Berholt Brecht ay binubuo sa paggamit ng mga sumusunod na pamamaraan:

• pagsasama ng may-akda mismo sa pagganap;
• ang epekto ng pag-ihiwalay, na nagpapahiwatig ng isang tiyak na distansya sa pagitan ng mga aktor mula sa mga character na nilalaro nila;
• pagsasama-sama ng mga dramatikong pagkilos sa epikong kwento;
• ang prinsipyo ng "paglalakbay", na nagpapahintulot sa aktor na ipahayag ang kanyang saloobin sa karakter;
• ang pagkawasak ng tinaguriang "ika-apat na dingding" na naghihiwalay sa entablado mula sa madla, at ang posibilidad ng direktang komunikasyon sa pagitan ng aktor at madla.

Ang Alienation Technique ay napatunayan na isang partikular na orihinal na aksyon na umaakma sa aming listahan ng mga nangungunang mga paaralan. Sa kanyang mga akda, itinanggi ni Brecht ang pangangailangan ng aktor na masanay sa papel, at sa iba pang mga kaso na itinuturing siyang mapinsala: ang pagkakakilanlan gamit ang imahe ay hindi maaaring hindi lumiliko ang aktor alinman sa isang simpleng bibig para sa karakter, o sa kanyang tagataguyod. At kung minsan sa mga pag-play ng Brecht mismo, ang mga salungatan ay lumitaw hindi gaanong sa pagitan ng mga character tulad ng sa pagitan ng may-akda at ng kanyang mga bayani.

Konstantin Sergeevich Stanislavsky (Alekseev)
Enero 17, 1863 - Agosto 7, 1938
Ang repormador ng teatro, aktor, direktor, tagapagtatag ng Moscow Art Theatre.
Ang may-akda ng isang buong sistema ng mga pamamaraan at mga prinsipyo ng edukasyon ng aktor, na kilala sa ilalim ng salitang "Sistema ng Stanislavsky". Isa sa mga tagapagtatag ng paaralan sa teatro, na madalas na tinutukoy bilang "makatotohanang". Gumawa siya ng isang malaking kontribusyon sa pagbuo ng teorya ng pagsusuri at pagsusuri ng mga gawa ng sining, pagtatanghal ng pagganap.

Ipinanganak sa isang napaka-mayaman na pamilyang patriarka. Noong 1881 siya ay nagtapos mula sa Lazarev Institute of Oriental Languages, ang unang walong klase na kung saan ay katumbas ng kurso ng klasikal na gymnasium. Pagkatapos ng pagtatapos Stanislavsky nagtrabaho sa firm ng kanyang ama, sa lalong madaling panahon ay naging isa sa mga pinaka-makapangyarihang direktor ng "Vladimir Alekseev's Partnership", nang maayos at masusing isinasagawa ang kalakalan. Gayunpaman, ang kanyang pagnanasa sa teatro ay hindi lamang mawawala, ngunit, sa kabaligtaran, ay nagiging mas malakas bawat taon. Hanggang sa Rebolusyong Oktubre, nanatili siyang may-ari at pinuno nito, na pinagsama ang aktibidad na ito sa isang panatiko na debosyon sa teatro.

Kasama dito. Ang isang outbuilding na may isang tunay na yugto, isang auditorium, mga dressing room ay itinayo sa Lyubimovka, kung saan nagsimulang gumana ang isang amateur bilog ("Alekseevsky"). Dito Stanislavsky nagsimulang kumilos bilang isang direktor at artista. Noong 1888 - 1889 Stanislavsky kinuha ng isang aktibong bahagi sa paglikha ng Lipunan ng Sining at Panitikan, dinala ng isang amateur troupe to-rogo Stanislavsky katanyagan sa Moscow. Noong 1898, kasama ang V.I. Nemirovich-Danchenko Stanislavsky itinatag ang Moscow Art Theatre, na pumapasok sa kasaysayan ng kultura ng mundo bilang isang artista, direktor, teorista, na lumikha ng agham ng akda ng artist, na natuklasan ang mga layunin na batas ng pag-uugali ng tao sa entablado. Stanislavsky tinukoy ang mga kondisyon kung saan nagaganap ang kilos ng pagbabagong-anyo ng artist sa isang masining na imahe.

Noong 1891 itinanghal niya ang The Fruits of Enlightenment ng Tolstoy. Nasa gawaing ito, ang isa sa mga pangunahing probisyon ng kanyang hinaharap na sistema ay naipakita - sinusubukan niyang alisin ang anumang teatrical Convention mula sa pagganap at nakamit ang maximum na pagiging totoo.

Noong 1896, na naubos ang lahat ng mga posibilidad ng Amateur Theatre Society, Stanislavsky sa kauna-unahang pagkakataon inihayag ang kanyang pangarap na lumikha ng isang tunay na propesyonal, pampublikong teatro. Sa huli, sampung shareholders ang nagtipon. Ang halaga na nakolekta ay maliit, ngunit dapat na sapat na upang bigyan ang kaso ng isang paunang impetus. Noong Hunyo 14, 1898, ang tropa ay unang nagtipon sa Arkhipov's dacha sa Pushkino. Ang petsang ito ay isinasaalang-alang ang kaarawan ng Moscow Art Theatre.

Ang mga unang rehearsal ay naganap sa isang kamalig sa tabi ng ilog. Naghanda sila ng ilang mga pagtatanghal nang sabay-sabay: "Othello" at "The Merchant of Venice" ni Shakespeare, "Tsar Fedor" ni Tolstoy, "The Innkeeper" ni Galdoni at "The Seagull" ni Chekhov.
Sa taglagas Stanislavsky inarkila ang gusali ng Hermitage Theatre. Kasabay nito, ang gusali ay itinayong muli, naayos at muling pagsasanay. Noong Oktubre 14, naganap ang engrandeng pagbubukas ng teatro at premiere ng Tsar Fyodor.

Natapos ang unang panahon na may kakulangan ng 40,000. Gayunpaman, ang mga shareholders ay hindi lamang pumayag na ulitin ang mga kontribusyon, ngunit nagpasya din na magtayo ng isang espesyal na gusali na nilagyan ng lahat ng mga novelty ng teatrical makinarya. Sa katunayan, ang kaluwalhatian ng Art Theatre ay naging malakas at lumaki nang higit pa mula sa isang panahon hanggang sa susunod.

Ang mga pagtatanghal ni Chekhov ay gumaganap ng malaking papel sa ito. Noong 1899 Stanislavsky itinanghal na "Uncle Vanya", noong 1901 - "Three Sisters", noong 1904 - "The Cherry Orchard". Ang isa pang may-akda na nag-ambag ay si Ibsen. Nasa mga unang taon na "Gedda Gubler", "Doctor Shtokman", "Wild Duck" ay nilaro. Ang isang kapansin-pansin, kahit na maikli, episode ay ang apela ni Stanislavsky kay Gorky. Ang paglalaro Sa Ibabang, na itinanghal noong 1902, ay nagkaroon ng malaking pagtugon sa publiko. Stanislavsky naglaro ng Satina sa loob nito).

Mula noong unang bahagi ng 1900s. ang mga pinansiyal na gawain ng teatro ay napabuti nang malaki. Noong 1902 ang Moscow Art Theatre ay lumipat sa sarili nitong gusali sa Kamergersky Lane.
Noong 1906, ang teatro ay nagpunta sa isang banyagang paglilibot sa unang pagkakataon. Bago iyon, ang Europa ay walang pasubaling walang kaalaman sa sining ng teatro sa Ruso.
Noong 1918, may patuloy na tsismis tungkol sa pagsasara ng teatro. Si Stanislavsky sa oras na iyon ay kailangang sumasalamin nang hindi gaanong sa mga malikhaing isyu tulad ng sa problema sa pagpapanatili ng Art Theatre. Ang Commissar ng Edukasyon ng Tao Lunacharsky ay tumulong kay Stanislavsky sa bagay na ito - isang matagal na humahanga sa kanyang talento , na masipag na ipinagtanggol ang Moscow Art Theatre mula sa mga pag-atake ng mga proletkultists.

Stanislavsky Taimtim kong sinubukan na makahanap ng tugon mula sa bagong manonood, ngunit ang tagumpay sa landas na ito ay hindi dumating kaagad.
Sa panahon ng 1919/20 Stanislavsky inilalagay sa "Cain" ni Byron. Ngunit ang tagumpay ay hindi matagumpay (ito lamang ang pangunahin sa anim na taon mula 1918 hanggang 1923). Noong 1922 ang Moscow Art Theatre ay nagpunta sa isang dayuhang paglilibot sa Alemanya, Czechoslovakia, Pransya, at USA.

Ang tagumpay, tulad ng sa unang paglilibot, ay napakalaki, lalo na sa USA. Noong 1923 at 1924. ang US tour ay paulit-ulit. Para sa pag-publish ng Amerikano Stanislavsky nagsusulat noong 1924 sa New York Public Library (kung saan ang isang hiwalay na silid ay espesyal na inuupahan para sa kanya) ang librong "Ang Aking Buhay sa Art". Pagbabalik sa Moscow pagkatapos ng isang dalawang taong kawalan, inilaan niya ang kanyang sarili sa pagkamalikhain na may nabagong lakas.

Noong 1926, pagkatapos ng maraming taon na trabaho sa lumang repertoire ng Moscow Art Theatre, binigyan niya ng apat na premieres nang sabay-sabay: "Warm Heart" Ostrovsky , "Nikolay Ako at ang mga Decembrist ng "Kugel," Mga Sellers of Glory ng Panyol at ang "Mga araw ng Turbins ng Bulgakov." Ang pag-play ng huli ay naging isang tunay na theatrical sensation at isang uri ng simbolo ng post-rebolusyonaryong Moscow Art Theatre.

Sa katunayan, ang mahabang pag-pause na dulot ng mga trahedyang pangyayari ay naiwan. Noong 1927 g. Stanislavsky inilalagay sa "The Marriage of Figaro" ni Beaumarchais at "Armored Train 14-69" ni Ivanov. Ang mga kritiko ng Sobyet, na dati nang pinagalitan si Stanislavsky nang higit sa isang beses dahil sa pagiging luma at konserbatibo (at pagkatapos ng Araw ng mga Turbins, kahit na sa pakikiramay sa White White), binati ang Armored Train 14-69. Sumulat si Lunacharsky tungkol sa produksiyon na ito: "Ito ay isang tagumpay ng batang panitikang Sobyet at sining teatrikal ng Sobyet - ang sining ng sosyalistang realismo."

Noong 1928, sa pagdiriwang ng ika-30 taong anibersaryo ng Moscow Art Theatre, si Stanislavsky ay dumanas ng atake sa puso. Pagkatapos nito, kailangan niyang lumayo sa direktang pakikilahok sa mga gawain sa teatro.
(Bilang isang artistikong direktor, sumunod siya sa dalawang bahagi lamang: "Mga Patay na Kaluluwa" at "Talento at Admirers".) Sa mga nagdaang taon Stanislavsky karamihan ay gumugol sa mga dayuhang resort. Namatay siya noong Agosto 1938.

Pangunahing sa system Stanislavsky mayroong isang doktrina ng isang sobrang gawain - ang pangunahing ideya ng pag-play, ang ideya nito. Ang pananaw sa mundo ng tropa, na pinag-isa sa hitsura ng moralidad, ay batay sa ideya ng pagkakapantay-pantay at halaga ng bawat tao sa mundo. Stanislavsky ang wika ng teatro ay nakapaghatid ng demokratikong ideya na ito sa madla. Ang mga aktibidad ni Stanislavsky ay makabuluhang naiimpluwensyahan pag-unlad Ruso at banyagang teatro ng siglo XX. Stanislavsky sa kauna-unahang pagkakataon na naaprubahan sa entablado ng Russia ang mga prinsipyo ng teatro ng direktor (ang pagkakaisa ng konsepto ng artistikong nagsasailalim sa lahat ng mga elemento ng pagganap, integridad ng ensemble, sikolohikal na conditioning ng mise-en-scène). Ang direktor ng maraming mga pag-play batay sa mga gawa ng Chekhov, Gorky, Turgenev.

Noong panahon ng Sobyet, ang "Stanislavsky system" ay naging isang uri ng pag-iisa ng pamantayan para sa lahat ng mga sinehan at kumikilos na mga paaralan ng Union. Ang pag-alis mula sa mga pamantayan at mga patakaran ng "system" ay tiningnan bilang isang paglabag sa mga prinsipyo ng sosyalistang realismo sa teatro. Ito ay konektado sa isang tiyak na negatibong papel ng "system" sa konteksto ng pag-unlad ng theatrical culture. Gayunpaman, sa kabila nito, hindi natin maipapalagay na ang mga prinsipyo ng edukasyon ng isang aktor at ang pagtatanghal ng isang pagganap, na natuklasan ni Stanislavsky, ay mali. Sila, tulad ng mga prinsipyo ng anumang iba pang paaralan sa teatro, ay karapat-dapat na pag-aralan at pansin.