Mga kuwadro na gawa ni Matisse. Pranses na artist na si Henri Matisse

bahay / Sikolohiya

Ibinigay ng Pransya sa buong mundo ang isang malaking kalawakan ng mga natatanging artista, na ang isa ay ang pinakamalaki at pinakamaliwanag na kinatawan ng kilusang artistikong Fauvism, na si Henri Matisse. Ang kanyang karera ay nagsimula noong 1892, nang matagumpay na naipasa ng hinaharap na artista ang mga pagsusulit sa Paris Academy of Julian. Doon naakit niya ang atensyon ni Gustave Moreau, na hinulaang si Matisse isang maliwanag na karera sa larangan ng sining.

Mula sa simula ng ika-20 siglo, si Matisse ay nagsimulang maghanap para sa kanyang sarili. Dumaan siya sa mga mahigpit na taon ng pagkopya at paghiram, pagpipinta ng maraming mga kopya ng mga sikat na kuwadro mula sa Louvre, sinusubukan na makahanap ng kanyang sariling estilo. Ang nangingibabaw na kamangha-manghang may impressionism sa oras na iyon ay nagbigay ng pagkakataon si Matisse na magawa ang paraan ng conveying form at color palette.

Ang mga kritiko ng sining sa mga taong iyon ay nabanggit na si Matisse ay may kakaibang pagtatanghal ng kulay sa kanyang mga canvases, na ginawa sa estilo ng impressionistic. Ang artista ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng maliwanag, malakas, bahagyang mga arko na stroke na may isang namamayani ng natatanging maliwanag, puspos na mga kulay.

Tulad ng sikat na master of impressionism na si Paul Signac, si Matisse ay mahilig sa pointillism - isang uri ng impressionism na gumagamit ng maraming mga nabubulok na puntos upang maihatid ang isang imahe. Ito ang istilo na ito na nakatulong sa artist sa wakas na pumili ng Fauvism bilang pinaka-angkop na paraan para sa kanya upang ipakita ang nakapalibot na katotohanan.

Sa katunayan, si Matisse ang aktwal na tagapagtatag ng Fauvism. Ang pagsasalin ng Pranses ng term na ito ay "ligaw." Ang salitang ito ay tumutugma sa konsepto - "libre", iyon ay, hindi sumunod sa tinatanggap na mga patakaran.

Ang simula ng tagumpay ni Matisse ay maaaring isaalang-alang ang kanyang pagpipinta na "Babae sa isang Green Hat", na ipinakita ng artist noong 1904. Sa canvas, nakita ng manonood ang isang halos patag na imahe ng isang babae na may mukha na pinaghiwalay ng isang berdeng guhit. Kaya, pinasimple ni Matisse ang imahe hangga't maaari, na pinapayagan lamang ang isang kulay na mangibabaw.

Ito ay ang paglaganap ng kulay sa ibabaw ng form at nilalaman na naging pangunahing prinsipyo ng Fauvism. Ang kakanyahan ng estilo na ito ay malakas na naiimpluwensyahan ng pagiging kaakit-akit ni Matisse sa mga kakaibang anyo ng sining. Ang artist ay bumiyahe ng maraming, kasama na sa kontinente ng Africa. Ang primitive ngunit kakaibang sining ng mga tribo ay humanga sa kanya at nagbigay ng lakas upang lalo pang gawing simple ang imahe sa mga kuwadro na gawa.

Ang kayamanan ng mga kulay sa mga canvases ng Matisse ay hiniram mula sa maliwanag na oriental arabesques. Mula roon, ang sigasig ng mga odalisque artist - Arabian concubines-dancers, na ang mga larawang ipinakita niya sa kanyang mga kuwadro na gawa hanggang sa mga huling taon ng kanyang buhay - nakaunat. Ito ay kilala rin na pagkatapos ng pakikipagpulong sa Russian philanthropist na si Sergei Shchukin, naging interesado si Matisse sa sinaunang pagpipinta ng icon ng Russia.

Sa paanyaya ni Shchukin, si Matisse ay dumating sa Russia, at pagkatapos nito ay inatasan niya ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta - "Dance". Ang isang uri ng "kambal" ng larawang ito ay "Music". Ang parehong mga canvases ay sumasalamin sa kakanyahan ng Fauvism - ang pagiging natural ng damdamin ng tao, ang kadalisayan ng paghahatid ng mga emosyon, ang katapatan ng mga character, ang ningning ng kulay. Ang artist ay hindi gumagamit ng pananaw, pinipili ang mga maliliit na pula at dalandan.

Nakaligtas si Matisse ng dalawang digmaang pandaigdig, ngunit sa kabila ng mga paghihirap na naranasan niya, hindi siya nawalan ng katapatan na ipinagpilit niyang isama sa kanyang mga kuwadro na gawa. Ito ay para sa kagandahang-loob ng bata, pagiging matapat at masigasig na ningning ng kanyang mga canvases na ang artista ay mahal pa rin ng mga connoisseurs ng pagpipinta.

Matisse Henri Emile Benoit (31.12.1869, Le Catot, Picardy, - 03.11.1954, Cimiez, malapit sa Nice), French painter, graphic artist at sculptor.

Ang epekto ng kulay ng mga kuwadro na gawa ni Matisse ay lubos na malakas; Ang reaksyon ay, gayunpaman, at negatibo, ngunit palaging napakalakas. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay malakas, malakas na fanfare, kung minsan ay bingi. Hindi na sila nagdudulot ng mahinahon na paghanga, ngunit ang mga visual na paroxysms, hindi ito isang "pagdiriwang ng mata", ngunit isang unbridled orgy.

Sa anong kahulugan nakamit ni Matisse ang tulad ng isang malakas na epekto ng kulay? Una sa lahat, sobrang nai-highlight na mga kaibahan ng kulay. Ibigay natin ang sahig sa mismong artista: "Sa aking pagpipinta" Music, "ang langit ay pininturahan ng magagandang asul, ang pinakadulas ng asul, ang eroplano ay pininturahan ng isang kulay na puspos ng asul, ang ideya ng ganap na asul, ay buong naipakita; ang purong berde ay kinuha para sa mga puno, nag-ring ng cinnabar para sa mga katawan. Ang isang espesyal na tampok: ang form ay nabago alinsunod sa impluwensya ng mga kalapit na eroplano ng kulay, dahil ang expression ay nakasalalay sa kulay ng ibabaw na sakop ng manonood sa kabuuan ”.

Matapos matanggap ang isang degree sa batas, nagtrabaho siya bilang isang abogado (1889-1891). Nag-aral sa Paris - sa Julian Academy (mula 1891) sa ilalim ng A.V. Bouguereau, sa School of Decorative Arts (mula 1893) at sa School of Fine Arts (1895-99) sa ilalim ni G. . Moro; kinopya ang mga gawa ng mga dating panginoon ng Pranses at Dutch. Naranasan ang impluwensya ng neo-impressionism (pangunahin ang P. Signac), P. Gauguin, ang sining ng Arab East, sa isang tiyak na sukat - ang sinaunang pagpipinta ng icon ng Ruso (siya ay isa sa una sa Kanluran na pinahahalagahan ang artistikong merito; noong 1911 binisita niya ang Moscow). Matapos makilala ang gawain ng mga Impressionist, Post-Impressionists at ang pintor ng Ingles na si J. Turner, si Mat Matse ay nagsimulang gumamit ng higit pang mga puspos na kulay, na nagbibigay ng kagustuhan sa mga ilaw na kulay ("Bois de Boulogne", circa 1902, Pushkin Museum, Moscow; "Luxembourg Garden", circa 1902, Hermitage , St. Petersburg). Siya ay lubos na naiimpluwensyahan ng sining ni P. Cezanne (Nude. Lingkod, 1900, Museum of Modern Art, New York; Mga pinggan sa Talahanayan, 1900, Hermitage, St. Petersburg).

Noong 1905-07 ang pinuno ng Fauvism. Sa sikat na Parisian Autumn Salon ng 1905, kasama ang kanyang mga bagong kaibigan, ipinakita niya ang isang bilang ng mga gawa, kasama ang "The Woman in the Green Hat". Ang mga gawa na ito, na gumawa ng isang nakakainis na sensasyon, ay naglatag ng pundasyon para sa Fauvism. Sa oras na ito, natuklasan ni Matisse ang iskultura ng mga mamamayan ng Africa, nagsisimula upang mangolekta ito, ay interesado sa klasikal na Japanese woodcut at Arabic na pandekorasyon na sining. Sa pamamagitan ng 1906 nakumpleto niya ang trabaho sa komposisyon na "The Joy of Life", ang balangkas na kung saan ay inspirasyon ng tula na "Afternoon of a Faun" ni S. Mallarmé: ang balangkas ay pinagsasama ang mga pastoral motives at bacchanalia. Ang mga unang lithograph, woodcuts, at keramika ay lumitaw; Patuloy na pagbutihin ang pagguhit, na ginanap higit sa panulat, lapis at uling. Sa mga graphic ni Matisse, ang mga arabesques ay pinagsama sa isang banayad na paglipat ng sensual na kagandahan ng kalikasan.

Simula mula sa ikalawang kalahati ng 1900s, itinatag ni Matisse ang isang bagong uri ng masining na pagpapahayag, gamit ang isang laconic, matalim at sa parehong oras na nababaluktot na pattern, isang mahigpit na ritmo na komposisyon, isang magkakaibang kumbinasyon ng ilang mga kulay ng zone, ngunit matindi maliwanag at lokal (panel para sa S. I. Shchukin sa Moscow "Dance" at "Music", pareho - 1910, Hermitage, Leningrad), pagkatapos ay mayaman sa lilim ng isang pangunahing tono, translucent at hindi itinatago ang texture ng canvas ("Artist's Workshop", 1911, Museum of Fine Arts na pinangalanang A. S . Pushkin, Moscow).

Noong 1908-1912, si Matisse, gamit ang halos eksklusibong dalisay na kulay (sa mga bihirang bagay na gumagamit siya ng mga paglilipat, halo-halong tono), ay nagtatayo ng kanyang mga kuwadro na gawa sa tatlong pangunahing tono. "Satyr at Nymph" - katugma ng berde, rosas at asul, "Sayaw" - asul, berde at pula, ang mga buhay pa rin ay itinayo sa kaakibat ng lila, dilaw at pula o asul, lila, rosas. Pagkatapos, noong 1912, lumiliko siya sa apat na tunog na mga kulay, at ang isa sa apat na tono sa larawan ay binigyan ng isang napakaliit na lugar: "Tangier" - asul, orange, rosas, pula, "Sa terrace" - lilang, berde, rosas, asul ... "Pagpasok sa Kazba" - pulang-pula, asul, berde, maputlang rosas. Sa paglaon ng mga taon, siya ay gumawa ng mas kumplikadong mga kumbinasyon at makabuluhang nagpapalawak ng kanyang palette, na nagpapakilala ng isang mas maraming iba't ibang mga shade.

Narito mahalaga na ihayag ang kahulugan ng mga salita ni Matisse tungkol sa pakikipag-ugnay ng mga purong tono. Ang pagsasalita tungkol sa mga lilim, si Matisse, siyempre, ay hindi nangangahulugan ng mga gradations ng saturation ng tono - kaputian, na posible rin kapag gumagamit ng isang dalisay na kulay (sa primitibo ng Italyano at Ruso). Siya, tila, ay hindi rin nasa isip ang mga haka-haka na lilim na dapat maramdaman ng manonood kapag bumagsak ang mga saturated color na mga eroplano, isang uri ng echo ng neo-impressionist theory ng optical na paghahalo ng kulay. Ang panginginig ng boses na ito ay masyadong bahagyang, at ang pang-unawa ng mga intermediate shade ay lumilipas. Narito malinaw na pinag-uusapan natin ang pangangailangang ipakilala ang mga transisyonal na tono, na dumating sa ibang pagkakataon ni Matisse.

Nagtatrabaho sa dalisay na kulay, nais ni Matisse, tulad ng anumang pintor, upang maiwasan ang monotony - ang antithesis ng pictoriality, ngunit hindi siya palaging nagtagumpay, at ang ilan sa kanyang mga bagay ay nailalarawan sa pamamagitan ng monotony (panel "Music"). Sa kabilang banda, sa 10s nais niyang mapanatili ang kadalisayan ng kulay sa lahat ng paraan. Iniiwasan ang paghahalo ng mga kulay, nag-resorts siya sa isang pamamaraan na katulad ng glaze ng mga lumang masters, na naglalagay ng mas magaan na madilim na pintura, halimbawa, rosas - puti, asul - lila, atbp. Pagkatapos, upang gawing mag-vibrate ang pintura, masigla niyang hinuhukay ito sa canvas, sa halip na gumamit ng puti, pinasisilaw ito.

Ang patuloy na gawain sa pagguhit ay nagpapahintulot kay Matisse na maging isang birtoso ng brush. Ang mga contour sa kanyang mga kuwadro na gawa ay kumpiyansa na iguguhit sa isang stroke. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay madalas na katulad (lalo na sa pagpaparami) sa mga guhit ng brush. Ang kanilang epekto ay madalas na batay sa isang mahusay, matapang na pagpindot.

Minsan gumagamit siya ng mga layer ng iba't ibang density (halimbawa, sa "Girl with Tulips"), itulak ang isang kulay sa pagkasira ng isa pa. Gayunpaman, ang isang bilang ng mga bagay mula noong 1912 ay nakasulat na may isang maayos, walang pagbabago ang tono ng texture. Kung ang ibabaw ng iba pang mga pintura ni Matisse ay maaaring maging tuyo at walang pagbabago ang tono, kung gayon ito ay nagpapahiwatig na hindi isang pagwawalang-bahala para sa materyal ng pagpipinta, hindi maiisip sa isang mahusay na artista, ngunit tungkol sa isang kakaibang takot sa karahasan laban sa materyal. Para kay Matisse, bilang isang pandekorasyon na artista, ang pagsasanib ng larawan kasama ang batayan nito, ang canvas, ay lalong mahalaga, ang kaputian at istraktura na kung saan ay isinasaalang-alang sa kanya ng mas maraming bilang ng monumentalist na isinasaalang-alang ang ibabaw ng dingding. Ngunit, naalala ang batayan, minsan nakakalimutan ni Matisse ang tungkol sa pintura mismo, tungkol sa mga tiyak na tampok at posibilidad ng pagpipinta ng langis.

Ang partikular na kahalagahan ay ang pamamaraan ng hindi kumpletong mga detalye, lalo na mahusay na kapansin-pansin sa "Moroccan", "Ball game" at iba pang mga bagay; ang kulay sa mga lugar na nais na malunod ng artist ay hindi madilim, ngunit ang isang blangkong canvas ay naiwan (na kung minsan ay ginagawa upang ipakita ang ilaw), o ang detalye ay nananatiling underpainted (karamihan sa mga bisig, binti, atbp.). Kinukumpirma ni Matisse ang kanyang sarili sa matte, likidong pagpipinta at hindi bigyang pansin ang mga isyu sa texture. Ito ay isang walang alinlangan na agwat sa kanyang trabaho, lalo na kung ihahambing natin ang kanyang pangmatagalang pagsisikap sa mga kaibahan ng kulay, isang uri ng gawaing pang-agham sa pag-aaral ng psychophysical reaksyon sa isa o iba pang kaibahan ng kulay. Hindi nasisiyahan si Matisse sa sistema ng mga karagdagang tono, na natuklasan ni Delacroix, na dinala sa isang sistema ng mga impresyonista. Naghahanap siya ng mga dissonances, magaralgal, malupit na mga accord; narito ang kahanay ng kontemporaryong musika ng Stravinsky, Strauss at iba pa .. Tulad ng mga kompositor na ito, naapektuhan siya ng pagkabalisa, kawalang-katatagan ng sikolohikal, labis na pagtaas ng damdamin ng modernong burgesya.

Sa pinigilan, masigasig na paraan ng mga gawa ni Matisse sa ikalawang kalahati ng 10s, ang impluwensya ng Cubism ay kapansin-pansin ("The Music Lesson", 1916-17, Museum of Modern Art, New York); ang mga gawa ng 1920s, sa kabilang banda, ay nakikilala sa kanilang napakahalagang spontaneity ng mga motibo, ang kanilang coloristic na iba't, at ang lambot ng kanilang pagsulat ("Odalisque" series). Sa 30-40s, si Matisse, tulad nito, ay nagbubuod sa mga natuklasan ng mga nakaraang panahon, pinagsasama ang paghahanap para sa libreng dekorasyon ng panahon ng Fauvism na may isang analitikal na malinaw na konstruksyon ng komposisyon (frieze sa Barnes Museum "Dance", 1931-32, Merion, Philadelphia, USA), na may isang banayad nuanced color color ("Plum tree branch", 1948, pribadong koleksyon, New York).

Ang gawain ng Matisse bilang isang kabuuan ay may isang bilang ng mga karaniwang tampok. Sa pagsisikap na salungatin ang walang hanggang mga halaga ng buhay sa magulong pag-igting ng buhay sa ika-20 siglo, pinapanumbalik niya ang maligaya na bahagi nito - ang mundo ng walang katapusang sayaw, katahimikan ng katahimikan ng mga walang imik na eksena, mga pattern na karpet at tela, mga sparkling fruit, vases, bronzes, vessel at figurines. Ang layunin ni Matisse ay upang mailapit ang manonood sa sulok na ito ng mga mainam na imahen at pangarap, upang maiparating sa kanya ang isang pakiramdam ng kapayapaan o isang hindi malinaw ngunit malungkot na pagkabalisa. Ang emosyonal na epekto ng kanyang pagpipinta ay nakamit pangunahin sa pamamagitan ng matinding saturation ng kulay na sukat, ang pagiging musikal ng mga linear na ritmo na lumikha ng epekto ng panloob na paggalaw ng mga form, at sa wakas, sa pamamagitan ng kumpletong pagsasakop ng lahat ng mga sangkap ng larawan, kung saan ang bagay na minsan ay nagiging isang uri ng arabesque, isang kulay ng dalisay na kulay (Pulang Isda, 1911 ; "Still Life with a Shell", 1940; ang parehong mga gawa ay nasa Pushkin Museum of Fine Arts).

Nakamit ni Matisse ang integridad at, sa parehong oras, isang kaakit-akit na iba't-ibang, una sa lahat, sa pamamagitan ng pagkilala sa isang tunay at organikong koneksyon sa pagitan ng kulay at form - linear-eroplano. Kulay kaya nangingibabaw sa form para sa kanya na maaari itong isaalang-alang ang tunay na nilalaman ng kanyang mga kuwadro na gawa, at lahat ng iba pa ay isang function ng nakasisilaw, malakas na kulay. Ang pagguhit tulad ng sa Matisse ay palaging nasasakop sa kalidad ng kulay nito, ang pag-unlad ng linya ay magkatulad sa pagbuo ng mga nakalarawan na katangian. Sa panahon ng mga unang paghahanap, medyo tamad at tinatayang ("Ang Hapunan ng Hapunan"), ang kanyang pagguhit ay unti-unting nagiging mas matindi at nagpapahayag. Matisse paints ng maraming at walang pagod mula sa buhay, ang kanyang mga guhit numero sa daan-daang, siya ay isang tunay na birtud ng pagguhit. Ang kanyang kasanayan ay malinaw na maliwanag sa alinman sa kanyang masigla, walang-bisa na mga sketch mula sa mga modelo. Una sa lahat, ang kapansin-pansin ay ang kawastuhan kung saan inilalagay niya ang pigura sa sheet, nahahanap agad ang sulat ng mga proporsyon nito sa eroplano ng papel. Kahit ang kanyang mga sketch ay compositional; sila ay karaniwang magkasya sa isang nagpapahayag na arabesque na pinutol ang eroplano nang pahilis. Ang isang piraso ng kalikasan sa pamamagitan ng isang kaakit-akit na artist ay tila agad na nagbago sa isang paglalaro ng mga pandekorasyon na mga spot at stroke; sa parehong oras, gayunpaman, ang kasiglahan ay hindi nabawasan, ngunit sa halip mahigpit na binibigyang diin. Nang walang pag-iisip tungkol sa mga detalye, iginawad ni Matisse ang napaka-axis ng paggalaw, matalino na pinalalawak ang mga baluktot ng katawan, ay nagbibigay ng integridad at pagiging regular sa paghahati ng mga form. Ang mga guhit ni Matisse ay matalim, pabago-bago, pinasimple at laconic, ang kanilang plasticity ay kakaiba na hindi nila mahahalo sa anumang mga gawa ng ibang sikat na mga draft sa kanyang oras. Sa buhay na buhay at spontaneity, hindi sila mas mababa sa mga Hapon, sa dekorasyon - sa Persian miniature, sa pagpapahayag ng mga linya - sa mga guhit ng Delacroix. Bukod dito, ang kanilang batayan ay hindi sa lahat ng "kabanalan", hindi isang pagkagumon sa kamangha-manghang mga stroke - ang mga ito ay nakabubuo sa totoong kahulugan, sapagkat inihahayag nila ang form na plastik na may kumpletong pananalig.

Bilang isang graphic artist, nagtatrabaho sa isang panulat, lapis, uling, etching, linocut at lithography, si Matisse ay nagpapatakbo lalo na sa isang linya, payat, kung minsan ay hindi mahinahon, kung minsan mahaba at bilog, pinaputol ang isang puti o itim na background [serye "Mga Tema at Pagkakaiba-iba", charcoal, pen , 1941; mga guhit: sa "Mga Tula" ni Mallarmé, sa "Pasiphae" ni de Montherlant, sa "Mga Tula ng Pag-ibig" ni Ronsard]. Noong 40s, madalas na ginamit ni Matisse ang diskarte ng mga appliqués mula sa may kulay na papel (Jazz series, 1944-47). Si Matisse ay lumiliko sa iskultura mula sa simula ng 1900s, ngunit lalo na madalas sa 1920s at 1930s (lunas na "Hubad na babaeng hubad mula sa likuran", tanso, 1930, Kunstmuseum, Zurich). Ang huling gawain ng Matisse - interior interior (kabilang ang stain glass) "Chapel of the Prayer" sa Vence, malapit sa Nice (1953). Namatay si Matisse sa Cimieux malapit sa Nice noong Nobyembre 3, 1954.

Isang mahusay na tagagawa, si Matisse ay higit sa lahat isang colorist na nakamit ang isang pare-pareho na epekto sa mga komposisyon ng maraming mga matinding kulay. Kasama ng mga kuwadro na gawa, ang kanyang makinang na mga guhit, mga ukit, eskultura, mga guhit para sa mga tela ay kilala. Ang isa sa mga pangunahing gawa ng artist ay ang dekorasyon at stain-glass windows ng Dominican Chapel ng Rosary sa Vence (1951).

Ang mga Pranses na artista ng huli ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo ay napakahusay na sumayaw. Ang kaaya-aya na ballerinas ng Degas at ang nakasisindak na prima ng Toulouse-Lautrec cabaret ay iba't ibang mga anyo ng tema ng sayaw na sayaw. Ang mahusay na Henri Matisse ay walang pagbubukod. "Gustung-gusto ko talaga ang sayaw. Isang kamangha-manghang bagay ay sayaw: buhay at ritmo. Madali para sa akin na mabuhay ng sayaw," pagtatapat ng panginoon. At bagaman ang mga imahe ng Matisse ay dayuhan sa pagiging totoo, at ang kanyang pandekorasyon na mga canvases ay may kaunting pagkakatulad sa mga batang babae na tanso sa tutus, ang tema ng sayaw ay palaging lumitaw sa lahat ng mga puntos ng kanyang karera.

Ang unang pag-ikot ng sayaw ay lumitaw sa maagang pagpipinta ng artist na The Joy of Life. Ang temang ito ay natagpuan ang pag-unlad nito 4 na taon mamaya, nang magsimulang magtrabaho si Matisse sa mga higanteng panel na "Dance" at "Music", na inatasan ng sikat na kolektor ng Ruso at patron ng sining na S. I. Shchukin. Ngunit kahit na bago iyon, noong 1907, ang master ay gumawa ng isang kahoy na kaluwagan na may sayaw na mga nymph at ilang mga vase ng may-akda para sa parehong motibo. Pagkatapos nito, nagtakda si Matisse tungkol sa paglikha ng isang napakalaking canvas para sa mansion ng Shchukin's Moscow.

"Kapag kailangan kong gumawa ng isang sayaw para sa Moscow, pumunta lang ako sa Moulin de la Galette noong Linggo. Napanood ko ang mga mananayaw. Lalo akong nagustuhan ang farandola ... Pagbabalik sa aking lugar, binubuo ko ang aking apat na metro na sayaw, umaawit ng parehong tugtog ". Ang maliwanag na pulang figure na nagpapalibot sa isang nakatutuwang ikot na sayaw hindi lamang nasiyahan sa customer, ngunit dinala ang tagalikha ng larawan na karapat-dapat na katanyagan. Hindi sinasadya na halos isang-kapat ng isang siglo mamaya, muling bumalik si Matisse sa tema ng sayaw.

Ang pagkakasunud-sunod, na natanggap noong 1930 mula sa sikat na Amerikanong kolektor na si Albert Barnes, ay talagang mahirap: ang pandekorasyon na canvas ay dapat ilagay sa mga arched vaults sa itaas ng mga bintana. Matalino na iniwan ng kilalang kliyente ang pagpili ng tema at diskarte sa pagpapasya ng artist. Ngunit, ang pag-on sa kanyang paboritong paksa, lumikha si Matisse ng isang gawa na hindi katulad ng pabago-bago at kamangha-manghang panel na "Shchukin".

Ang sayaw ng Paris "ay isinilang ni Matisse sa kanyang ikapitong dekada. Gayunpaman, ito ay itinuturing na isa sa pinaka-mapangahas at makabagong mga gawa ng artista. At lahat dahil lalo na sa pagkakasunud-sunod na ito, ang may-akda ay bumuo at gumawa ng isang orihinal na diskarteng decoupage (na nangangahulugang Pranses" gupitin "). Tulad ng isang napakalaking palaisipan, ang larawan ay natipon mula sa magkahiwalay na mga fragment. Mula sa mga sheet na dati nang pininturahan ng gouache, personal na pinutol ng maestro ang mga numero o piraso ng background na may gunting, na noon ay (ayon sa pagguhit na ipinahiwatig ng charcoal) na nakakabit sa base na may mga pin. ang huling yugto - pagguhit ng pintura sa canvas - naganap sa tulong ng isang pintor, na kumikilos sa mga tagubilin ng artist.

Ang mga gawa ng decoupage ay itinuturing na mga masterpieces ng huli at huli na Matisse. Palibhasa’y isang may sakit na matandang lalaki, na nakahiga sa kama, hindi niya pinakawalan ang gunting at patuloy na hinihiling ang may kulay na papel.

Sa totoo lang, ang panel na "Parisian Dance" ay umiiral sa tatlong bersyon. Ang pinakaunang, ngunit hindi natapos na bersyon, ay mahalagang isang sketch ng paghahanda. Sa pangalawa, halos nakumpleto na ang buong-buo na trabaho, lumabas ang isang nakakasakit na pagsabog: Si Matisse ay nagkamali sa laki ng silid, at ang buong canvas ay kailangang muling isulat muli. Ang huling bersyon ay naaprubahan ng kliyente at matagumpay na naglayag sa ibang bansa. At ang nauna, "may depekto", naalaala ng artist at noong 1936 na ibinigay niya para sa isang katamtaman na gantimpala sa Museum of Modern Art sa lungsod ng Paris.

Sa ngayon, ang "Parisian Dance" ay wastong itinuturing na perlas ng koleksyon ng museo na ito - hindi ito nang walang dahilan na ang isang espesyal na bulwagan ay itinayo upang ipakita ang higanteng canvas. Ang pagpipinta ay matatag na naayos sa loob ng tatlong bintana sa mga arko na arko at, dahil ang direktor ng museo ay matapat na umamin, "ay hindi nagpapahiwatig ng posibilidad ng transportasyon."

Ngunit narito ang mga residente ng St. Petersburg at Moscow ay hindi kapani-paniwalang mapalad: ang Museum ng Contemporary Art sa Paris ay sarado para sa isang pang-matagalang pagbabagong-tatag. Ang natatanging panel ay ipinadala sa Russia na may malawak na kilos: sa una ay nag-hang ito ng tatlong buwan sa State Hermitage, at ngayon (mula Setyembre 6) dumating ito sa Pushkin Museum of Fine Arts. At isa pang kawili-wiling detalye: habang nagtatrabaho sa "Parisian Dance", nakilala ni Henri Matisse ang isang simpleng babaeng Russian, si Lydia Nikolaevna Delektorskaya, na naging unang sekretarya, pagkatapos ay isang hindi maaaring palitan na katulong at nars, at pagkatapos - ang pinakamalapit na kaibigan at huling muse ng artist. Noong Oktubre 1933, lumipat si Lydia Delektorskaya sa bahay ni Matisse at "nanatili" doon sa halos 22 taon, hanggang sa pagkamatay ng dakilang master.

Ang mga panel ng Matisse na "Dance" at "Music", na gumawa ng isang nakakainis na sensasyon sa eksibisyon ng Paris Autumn Salon noong 1910, ay inatasan ng kilalang Pranses na artista, industriyalisado ng Russia at kolektor na si S. Shchukin, na inanyayahan si Matisse sa Moscow, na ipinakilala sa kanya sa V. Bryusov , V. Serov, N. Andreev, nagbigay ng pagkakataon na makita ang mga lumang icon ng Russia, kung saan nasiyahan ang Pranses na artista.

Ito ay kung paano ipinakita ni Matisse ang ideya ng dalawang canvases na ito: "Iniisip ko ang isang bisita na pumapasok. Ang unang palapag ay nagbukas sa harap niya. Kailangan niyang magpatuloy, gumawa ng isang pagsisikap, kailangan niyang magbigay ng inspirasyon ng isang kasiyahan.Ang aking unang panel ay naglalarawan ng isang sayaw, isang ikot na sayaw sa isang burol. Sa ikalawang palapag. nasa loob ka na ng bahay, ang diwa ng katahimikan ay naghahari dito, at nakakita ako ng isang eksena ng musika na may matulungin na tagapakinig ... "Nakita rin ni Matisse ang pangatlong eksena, na naglalagay ng kumpletong kapayapaan.

Ang pangunahing gawain para sa kanya ay upang makamit ang integridad ng mga kuwadro na gawa ng easel, na walang kinalaman sa arkitektura at pandekorasyon na ensemble. Ang parehong komposisyon ay tumatawa sa Fauvist na komposisyon ng Matisse, na ginawa sa ilalim ng direktang impression ng mga katutubong katutubong sayaw na nakita niya sa timog ng Pransya.

Ang mga nakakakilala nang mahusay sa artista na kahit na hindi inutusan siya ni Shchukin ng pangalawang komposisyon, ipinanganak pa ito. Sa pabago-bago, galit na galit na "Dance" ang isang tao ay maaaring makakita ng mga kumplikadong foreshortenings, isang hindi pangkaraniwang pagkakaugnay ng mga kamay at katawan, at sa kabaligtaran ng ritmo sa "Music" ang batayan ng compositional solution ay hindi dinamika, hindi kilusan, ngunit ang ganap na kawalang-kilos ng mga nakahiwalay, nang harapan na mga numero. Ang dalawang mga canvases, ang isa na may limang mga figure sa pagsayaw, ang isa na may limang nakaupo na mga maalab na figure, ay katulad sa scale ng kulay, sa pagbabasa ng eroplano ng form, sa abstract na tema, ngunit kabaligtaran sa ritmo. Si Matisse, bilang siya mismo ang nagsulat, pininturahan ang kanyang mga kuwadro na gawa sa "saturation, kaya't ... ang asul ay ganap na isiniwalat, tulad ng ideya ng ganap na asul."

Matapos ang "Dance" at "Music" ay nagdulot ng isang iskandalo sa Salon d'Automne, tumanggi si S. Shchukin na ilayo sila at ipinaliwanag ito sa pamamagitan ng kawalang-kilos sa pagpapaliwanag ng ilang mga pigura. Ang mga batang batang babae ay tumira na lamang sa kanyang bahay, at ayaw niyang mapahiya sila. Gayunpaman, pagkaraan ng ilang sandali, nagbago siya ng isip. Gayunpaman, si Matisse ay kailangang maglagay ng pulang pintura sa pigura ng batang flutist upang itago ang mga palatandaan ng kasarian. Ngayon ang mga panel ni Matisse na "Dance" at "Music" ay ipinamalas sa State Hermitage Museum sa St.

Si Henri Matisse ay mahilig sa mga Impressionist at Neo-Impressionists na si Gauguin, ang sining ng Arab East, sa edad na 35 siya ay naging pinuno ng Fauves. Ang kanyang mga kulay ay matikas at sopistikado, at napaka musikal na mga linear na ritmo na lumikha ng epekto ng panloob na kilusan. Wala sa mga tagasunod ng Matisse ang nakamit upang makamit ang parehong kumpletong compositional at pandekorasyon na subordination ng lahat ng mga elemento ng larawan tulad ng ginawa niya, nananatili siyang isang hindi maunahan na master ng pandekorasyon na pagpipinta. Siya mismo ang lumikha ng kanyang sariling, natatanging mundo ng musika, mabilis na sayaw, isang mundo ng mga sparkling figurines, vases at prutas, isang mundo ng matahimik na kapayapaan at masayang kasiyahan.

Si Henri Matisse ay ipinanganak noong Disyembre 31, 1869 sa hilaga ng Pransya, sa Cato-Cambresi, at ginugol ang kanyang pagkabata sa Boen-en-Vermandois. Ang kanyang ama ay isang negosyante ng butil at pinangarap na maging isang abogado ang kanyang anak. Matapos ang Lyceum Saint-Quentin, pinag-aralan ni Matisse ang batas sa Paris, nagtrabaho para sa isang abogado sa Boen-en-Vermandois. Sa kauna-unahang pagkakataon ay sinubukan niya ang pagpipinta pagkatapos na ma-ospital siya at magkaroon ng operasyon - ang appendicitis ay tinanggal. Sa edad na 20, nagsimula siyang gumuhit sa School of Ventin de la Tour, at noong 1891 nagpunta siya sa Paris, kung saan inihanda siya nina Bouguereau at Ferrier na pumasok sa School of Fine Arts. Sa mga kursong panggabing panturo sa School of Decorative Arts, nakilala niya si Albert Marquet at pumasok sa workshop ng Gustave Moreau sa School of Fine Arts. Marami siyang nakopya sa Louvre, nagbiyahe sa Brittany, at noong 1897 na ipinakita sa Salon ng National Society of Fine Arts ang isa sa kanyang pinaka makabuluhang impressionistic works - ang pagpipinta na "Dessert".

Si Matisse ay madalas na tinawag na anak at asawa ng mill miller. Noong 1898 pinakasalan niya ang napakarilag matangkad na southerner na Amelia-Noe-mi-Alexandrine Praier. At magkasama silang nagpunta sa London, kung saan unang nakita ni Matisse ang mga gawa ng "herald of the sun", ang romantiko na idolo ng mga Impressionist - Turner. Ang isa sa mga kaibigan ni Matisse ay naalala na sinabi ni Matisse na mahal niya ang London dahil "unang nakilala niya siya sa kanyang hanimun."

Pagkatapos ng London, nagpunta ang artista sa Corsica, patungong Toulouse. Nang mamatay si Moreau, umalis si Matisse sa School of Fine Arts at sa parehong 1899 ay nagsimulang pumasok sa Carriere Academy, kumuha ng iskultura (sa mga kurso sa gabi). Kabilang sa kanyang mga kaibigan ay Pissarro, Derain, Puy, Marquet, kasama niya pininturahan ang isang pandekorasyon na frieze, Mignac, Cross, Maillol at iba pang mga sikat na artista sa oras na iyon.

Noong 1901, sinimulan ni Matisse na ipakita ang kanyang trabaho sa Salon ng Independent, ang Berthe Weil Gallery, at ang Salon d'Automne. Nagtatrabaho noong 1904 kasama ang Signac at Cross, si Matisse ay nabighani ng dibisyonismo - isang sistemang nakalarawan na batay sa pamamaraan ng pagbagsak ng isang kumplikadong tono ng kulay sa mga dalisay na kulay, naayos sa canvas na may magkahiwalay na mga stroke, na binibilang sa kanilang optical na paghahalo sa visual na pang-unawa.

At noong 1905, si Matisse ay naging pinuno ng isang bagong kalakaran - Fauvism. Sa Salon d'Automne, Manguin, Puy, Marquet, Derain, Vlaminck, Valta ay ipinakita kasama niya, na nagbahagi ng kanyang mga pananaw sa pagpipinta, tulad niya, sinubukan na tumuon ang scheme ng kulay ng kanilang mga komposisyon, batay sa mga ito sa ratio ng maliwanag na lokal na mga lugar ng kulay.

Noong 1906, sa Salon ng Independent, ipinakita ni Matisse ang isa sa kanyang pinakamalaking komposisyon, "The Joy of Life", na kalaunan ay nagsilbing batayan para sa panel na "Dance". Sa panahong ito ay gumawa siya ng mga kahoy at lithograp. Para sa isang habang nagpunta ako sa Algeria, at pagkatapos ay sa Italya.

Noong 1907, sumiklab ang grupong Fauvist, at binuksan ni Matisse ang kanyang sariling pagawaan. Ang kanyang mga kuwadro ay ipinapakita sa New York, Moscow, Berlin. Inilathala niya ang Mga Tala ng isang pintor at nanirahan sa mga suburb ng Paris, Issy-les-Moulineaux.

Noong 1910, isang iskandalo ang sumabog sa Salon d'Automne dahil sa kanyang mga panel na "Dance" at "Music". Noong 1911 binisita ni Matisse ang Moscow, noong 1912 - Morocco, nagsimulang ipakita ang iskultura. Mula noong panahong iyon, ang kanyang solo na mga eksibisyon ay ginanap sa maraming mga lungsod sa buong mundo, at regular na inayos ng gallery ng Bernheim-Gen ang kanyang personal na mga eksibisyon.

Noong 1920, si Henri Matisse, sa kahilingan ng S. Diaghilev, ay gumawa ng mga modelo ng telon at sketch ng mga costume para sa mga ballet ng Russia.

Noong 1921, lumipat siya sa Nice, nagsimulang magtrabaho sa mga guhit ng libro at inatasan ng American Barnes ay gumawa ng isang napakalaking pagpipinta-panel na "Dance", na na-install sa lungsod ng Merion noong 1933.

Binuksan ng anak ng artist na si Pierre ang kanyang sariling gallery sa New York, kung saan ipinakita niya ang gawain ng kanyang ama. Ang pagkakaroon ng isang mahirap na operasyon noong 1941, sa mga nagdaang taon ay mas nagtrabaho si Matisse bilang isang artista ng libro at naging interesado sa mga collage.

Higit sa lahat mahal ni Matisse na magpinta ng mga bulaklak, puno at kababaihan. Ito ang kung paano siya mismo ang nagsulat tungkol sa kanyang trabaho: "Ako ay lubos na nakasalalay sa aking modelo, na pinag-aaralan ko kapag siya ay malaya na mag-post, at pagkatapos lamang ay nagpasya akong pumili ng isang pose para sa kanya na pinakamahusay na nababagay sa kanyang pagiging. Kapag kumuha ako ng isang bagong modelo, ako ay Nakakakita ako ng isang posisyon na angkop para sa kanya kapag nasa isang estado siya ng pagpapahinga at katahimikan, at ako ay naging alipin sa posisyon na ito.Nagtatrabaho ako sa mga batang babae na ito minsan sa maraming taon hanggang sa mawawala ang interes.Ang aking mga palatandaan ng plastik, marahil, ipahayag ang kanilang estado ng pag-iisip .. kung ano ang nakakagusto sa akin nang hindi maaasahan ... "

Iyon ang dahilan kung bakit ang kanyang mga kababaihan ay tulad ng mga bulaklak, at ang mga bulaklak ay tulad ng mga nabubuhay na tao ...

Nagbigay si Matisse ng isang bagong pangitain sa mundo. Kung ang dakilang Leonardo da Vinci ay nagtalo na ang pangunahing himala ng pagpipinta ay ang kakayahang maihatid ang dami ng mga bagay, pagkatapos ay isinalin ni Matisse ang lahat sa isang eroplano. Ang mansanas ay lumingon mula sa isang bola sa isang bilog. Inilayo ni Matisse ang lalim mula sa pagpipinta at nagsimulang baguhin ang kalikasan, na ginagampanan ang kanyang mga iniisip. Maaari niyang ibagsak ang pigura ng tao sa linya ng dekorasyon, tulad ng nangyari sa kanyang "Red Room", maaari niyang ilipat ang figure na may kaugnayan sa suporta - ginawa niya ito sa "Standing Dawn". Kahit na ang kanyang sahig ay biglang naging sloping, at ang mga kulay ay nagbigay ng isang pisikal na pakiramdam ng dumadaloy na sultry air ("The Entrance to Kozba") o cool na transparent na tubig sa aquarium ("Red Fish").

Sa galak na ipininta ng mga pattern ng Matisse ng mga oriental na karpet, kung gaano maingat na nakamit niya ang eksaktong, magkabagay na mga ratios ng kulay! Napakarilag, puno ng mahiwagang panloob na ilaw at ang kanyang buhay pa rin, larawan, hubo't hubad.

Sinasabi ng mga kritiko sa sining na kung si Matisse ay hindi isang pintor, ipasok niya ang nangungunang sampung Pranses na mga eskultor. Siya ang una na nag-apply ng pagpapapangit para sa pagpapahayag, at, bilang siya mismo ang umamin, kung si Mayol, bilang isang master ng antigong panahon, ay nagtrabaho sa dami, siya, tulad ng mga masters ng Renaissance, ay nabighani ng mga arabesques, nakamit ang isang katangi-tanging linya ng silweta. Ang isa sa mga pinakatanyag na estatwang tanso ng Matisse, "Malaki na Nakaupo Nude" ay nilikha noong 1920s - kasabay ng kanyang mga canvases na "Odalisque" at "Hubad na Nakaupo sa isang Blue Cushion".

Sinabi ng mga Contemporaryo na nang magpait si Matisse, madalas niyang basa ang luwad, at mula rito, kapag nakabukas ang makina, ang mga numero ay madalas na nahulog at gumuho. Pagkatapos ay kinuha ni Matisse ang isang brush sa kanyang mga kamay at inilipat ang kanyang plastic vision sa canvas.

Ang isa sa mga huling mahusay na gawa ni Henri Matisse ay ang disenyo ng Rosary Chapel sa Vence malapit sa Nice, kung saan siya ay nagtrabaho mula 1948 hanggang 1951 bilang isang arkitekto, pintor, eskultor at dekorador.

Ang pagguhit, hindi pangkaraniwang, ilaw, plastik, ay palaging sinakop ang isa sa mga pangunahing lugar sa gawain ni Matisse. Noong 1920s, ang kanyang mga guhit ay mahusay na binuo at kongkreto, kalaunan ay naging interesado siya sa mga drawings ng brush, na naging nakakagulat na makulay. Noong 1919, sa kanyang mga guhit ay lumitaw "ang tema ng isang sumbrero na may mga feather ng ostrich", noong 1935 - "ang tema ng mga salamin", noong 1940 - "ang tema ng isang babae sa isang armchair", at noong 1944 - isang "tema ng mga milokoton". Sa diskarte ng pagguhit - napakalaking, makasagisag na plastik - ang kanyang huling pagpipinta sa "Chapel of the Rosary" ay ginawa rin.

Si Louis Aragon sa kanyang hindi pangkaraniwang nobelang "Henri Matisse" ay sumulat:

Buong buhay

Gumuhit ng isang salita para sa kanya na tunog sa kanya ...

Noong 1952, ang Henri Matisse Museum ay binuksan sa Cato Cambresi. Binuksan sa habang buhay ng artist.

Sa isang artikulong pinamagatang "Kailangan mong tingnan ang mundo sa pamamagitan ng mga mata ng isang bata", ipinahayag ni Henri Matisse ang lihim ng pagiging bago at kagandahan ng kanyang mga gawa: "Naniniwala ako na para sa isang artista ay walang mas mahirap kaysa sa pagpipinta ng isang rosas; ngunit maaari niyang lumikha ng kanyang sariling rosas lamang sa pamamagitan ng pagkalimot sa lahat mga rosas na isinulat sa harap niya ... Ang unang hakbang sa pagkamalikhain ay ang makita ang totoong hitsura ng bawat bagay ... Upang lumikha ng mga paraan upang maipahayag kung ano ang nasa iyo. "

Liwanag ng mga kulay, pagiging simple ng pamamaraan, expression - ang mga pintura ng Pranses na artist na si Henri Matisse ay humanga sa kanilang pagka-orihinal. Sinubukan ng pinuno ng Fauvism ang isang grupo ng mga uso sa visual arts, bago mahanap ang kanyang sariling estilo, na nailalarawan sa pamamagitan ng isang "ligaw" na karakter.

Bata at kabataan

Ang lugar ng kapanganakan ng mahusay na artista ay ang hilagang bayan ng Le Cato Cambresi sa Pransya. Dito noong 1869 sa pamilya ng isang matagumpay na negosyante ng butil ay isinilang ang panganay, na pinangalanan na Henri Emile Benoit Matisse. Ang kapalaran ng bata ay isang pangwakas na konklusyon - sa oras na iyon ang unang tagapagmana sa pamilya ay obligadong mamuno sa negosyo ng ama sa hinaharap. Ngunit, tila, ang batang lalaki ay nagmana ng mga gene ng kanyang ina, na gustung-gusto habang ang layo ng kanyang libreng oras sa pagpipinta ng ceramic crafts.

Inihanda ni Anri para sa hinaharap nang detalyado, nag-aral siya sa paaralan, pagkatapos sa lyceum. Bukod dito, ang anak na masikip, laban sa kalooban ng ulo ng pamilya, ay nagtungo sa Paris upang maunawaan ang mga ligal na agham. Sa isang diploma na malayo sa sining, bumalik siya sa bahay, kung saan nagtatrabaho siya nang maraming buwan bilang isang klerk.

Ang sakit ay nagpasya ng kapalaran. Ang malikhaing talambuhay ng likas na matalino na artista ay nagsimula noong 1889, nang dumating si Henri Matisse sa ilalim ng kutsilyo ng isang siruhano na may apendisitis.

Siya ay gumaling pagkatapos ng operasyon sa loob ng dalawang buwan. Upang mapigilan ang kanyang anak na lalaki mula sa pagkabagot, nagdala ang kanyang ina ng mga gamit sa pagpipinta sa ospital, at si Matisse ay nagsimulang hindi makulit na kumopya ng mga kard ng kulay. Sa oras na ito, sa wakas naintindihan ng binata kung ano ang nais niyang italaga ang kanyang buhay.

Pagpipinta

Ang pangarap na maging isang mag-aaral ng Moscow School of Fine Arts ay hindi nagkatotoo. Nabigo ni Henri ang kanyang debut sa pagpasok, kaya dapat muna siyang umupo sa mga mesa ng iba pang mga institusyong pang-edukasyon, kung saan ipinakilala siya sa mga pangunahing kaalaman ng pagpipinta. At gayon pa man, noong 1895, sumuko ang "fortress" - kasama ang hinaharap na sikat na artista na si Albert Marquet Matisse, pinasok niya ang coveted School of Arts, sa workshop ng Gustave Moreau.

Ang bilog ng mga interes sa simula ng pagkamalikhain ay kasama ang kontemporaryong sining, si Henri Matisse ay nag-usisa din tungkol sa direksyon ng Hapon. Ang Symbolist sa core ng Moreau ay nagpadala sa kanyang mga mag-aaral upang malaman na "maglaro ng kulay" sa Louvre, kung saan sinubukan ni Henri na gayahin ang mga klasiko ng pagpipinta sa pamamagitan ng pagkopya ng mga kuwadro. Itinuro ng panginoon ang "pangarap ng kulay", kung saan ang artist na si Matisse ay nagkakaroon ng isang pagnanasa sa paghahanap ng mga angkop na lilim upang maiparating ang mga emosyon.

Sa unang trabaho, ang isang halo ng mga turo ng Moro na may mga elemento na hiniram mula sa kinikilalang mga masters ng brush ay naipakita na. Halimbawa, ang buhay na "Isang bote ng schidam" ay kapansin-pansin para sa kalabuan nito: sa isang banda, ang mga madilim na kulay ay nagkakanulo ng imitasyon ni Chardin, at malawak na mga stroke at isang halo ng itim at pilak -. Kalaunan ay inamin ni Henri:

"Nakikita ko ang nagpapahayag na bahagi ng kulay na intuitively. Ang pag-render ng landscape ng taglagas, hindi ko maalala kung aling mga lilim ng kulay ang angkop para sa oras ng taon na ito, inspirasyon lamang ako ng mga sensasyon ng taglagas ... Pinipili ko ang mga kulay hindi ayon sa anumang teoryang pang-agham, ngunit ayon sa pakiramdam, pagmamasid at karanasan. "

Ang pag-aaral ng mga klasiko ay mabilis na nababato ang artista, at lumingon siya sa mga impresyonista, lalo na, mga hinahangaang canvases. Ang kulay sa mga unang gawa ay mapurol pa, ngunit unti-unting nakakakuha ng kayamanan, ang gravitation patungo sa impressionism ay nagsimulang magbago sa sarili nitong natatanging istilo. Nitong 1896, ang mga unang likha ng isang naghahangad na pintor ay nagsimulang lumitaw sa mga art salon.

Ang unang solo exhibition ay hindi gumawa ng isang splash sa mga bilog ng art connoisseurs. Nagpasya si Henri Matisse na umalis sa kabisera ng Pransya sa malayo pa hilaga, kung saan sinubukan niya ang kanyang kamay sa pamamaraan ng mga stroke stroke. Sa oras na ito, ang unang obra maestra, "Luxury, Peace and Pleasure", ay lumabas mula sa ilalim ng kanyang panulat. Ngunit hindi nakita ng lalaki ang ganitong paraan ng pagsulat ng "katutubong".

Ang rebolusyon sa gawain ng artist ay dumating noong 1905. Si Matisse, kasama ang isang pangkat ng mga katulad na tao ay lumikha, isang bagong estilo sa pagpipinta, na tinatawag na Fauvism. Ang lakas ng mga kulay na ipinakita sa eksibisyon sa taglagas ay nabigla ng madla. Iniharap ni Henri ang dalawang gawa - ang larawan na "Babae sa Hat" at ang pagpipinta na "Open Window".

Ang isang alon ng galit ay nahulog sa mga artista, ang mga bisita ng eksibisyon ay hindi maunawaan kung paano posible na pabayaan ang lahat ng mga tradisyon ng pinong sining. Ang mga tagapagtatag ng estilo ay tinawag na Fauves, iyon ay, ang mga savages.

Gayunpaman, ang gayong pansin, kahit na negatibo, ay nagdala ng katanyagan at mabuting dividends si Matisse: ang mga kuwadro na gawa ay may mga tagahanga na binili ang mga ito. Halimbawa, ang Amerikanong manunulat na si Gertrude Stein ay agad na kinuha ang Woman in the Hat sa eksibisyon, at ang pagpipinta na The Joy of Life, na lumitaw noong 1906, ay binili ng sikat na kolektor na si Leo Stein.

Maya-maya, isang makabuluhang kaganapan ang nangyari - ang artista ay nakilala sa isang hindi pa kilala, ang komunikasyon ay nagresulta sa mga dekada ng pagkakaibigan, kung saan ang mga masters ng brush ay nakikipagkumpitensya sa bawat isa. Sinabi ni Picasso na ang pagkamatay ng sinuman sa kanila ay magiging isang hindi maibabawas na pagkawala para sa lahat, dahil wala nang ibang mapag-usapan ang ilang mga isyu sa malikhaing.

Dalawa sa mga pinakatanyag na canvases - "Dance" at "Music" - isinulat ni Matisse para sa patron na Sergei Shchukin. Inutusan ng Ruso ang mga kuwadro na gawa sa isang bahay sa Moscow. Habang nagtatrabaho sa mga sketch, ang artist ay nagtakda ng isang layunin upang lumikha ng isang bagay na magpapasaya sa tao sa pagpasok sa mansyon at kapayapaan. Kapansin-pansin na personal na pinangasiwaan ni Henri ang pag-edit ng mga kuwadro - ang Frenchman ay dumating sa kabisera ng Russia, kung saan tinanggap siya nang may sigasig. Ang artist mismo ay humanga sa koleksyon ng mga sinaunang mga icon ng may-ari ng bahay at ang pagiging simple ng mga Ruso.

Tila, ang artista ay nakatanggap ng isang mahusay na bayad, dahil kaagad siyang nagpunta sa isang paglalakbay. Binisita ang silangang diwata ng Algeria, at pag-uwi, agad na umupo upang gumana - nakita ng ilaw ang larawan na "Blue Nude". Ang paglalakbay na ito ay gumawa ng isang hindi maiiwasang impresyon kay Matisse, ang mga bagong elemento ay lumilitaw sa kanyang gawain, ang tao ay lumilikha ng mga lithograp, mga ukit sa keramika at kahoy.

Ang alindog ng Silangan ay hindi pinakawalan, ang Pranses ay nagpatuloy na makilala ang Africa, nang maglakbay sa Morocco. At pagkatapos ay nagpunta siya sa isang paglalakbay sa Europa at Amerika. Sa oras na ito, ang kanyang trabaho ay unti-unting nagsimulang mawala ang mga palatandaan ng Fauvism, na pinupuno ng kahinahunan at espesyal na lalim, lumitaw ang isang koneksyon sa kalikasan.

Sa Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang artist ay nasuri na may oncology; pagkatapos ng operasyon, ang tao ay hindi maaaring ilipat. Sa panahong iyon, nag-imbento si Matisse ng isang bagong direksyon sa larangan ng decoupage, na batay sa pagsasama-sama ng mga kuwadro mula sa mga piraso ng kulay na papel.

Tinapos ni Henri Matisse ang kanyang trabaho na may malaking proyekto para sa disenyo ng isang kumbento sa Vence. Sinasabing ang artista ay hiningi lamang na i-edit ang mga marumi na salamin sa salamin, ngunit masigasig niyang pinagsama ang kanyang mga manggas at lumikha ng isang kumpletong proyekto. Sa pamamagitan ng paraan, itinuturing ng tao ang gawaing ito upang maging isang tiyak na pag-sign ng kapalaran sa katapusan ng buhay at ang pinakamahusay sa kanyang piggy bank ng mga likhang sining.

Personal na buhay

Ang personal na buhay ni Henri Matisse ay hinalinhan ng tatlong babae. Noong 1984, ang artista ay naging isang ama sa unang pagkakataon - ang modelo na si Carolina Zhobleau ay nagbigay ng talento ng pintor ng isang anak na babae, si Margarita. Gayunpaman, hindi pinakasal ni Henri ang babaeng ito.

Ang opisyal na asawa ay si Amelie Pareyre, na sinalubong ng kinatawan ng mundo ng pagpipinta sa kasal ng isang kaibigan. Ang batang babae ay kumilos bilang isang abay na babae, at si Anri ay hindi sinasadyang nakaupo sa tabi ng mesa. Si Amelie ay sinaktan ng pag-ibig sa unang paningin, ang binata ay nagsimulang magpakita din ng mga palatandaan ng atensyon. Ang batang babae ay naging unang malapit na tao na naniniwala sa kanyang talento nang walang pasubali.

Bago ang kasal, binalaan ng ikakasal ang nobya na ang gawain ay palaging kukuha ng pangunahing lugar sa buhay. Kahit na sa kanilang hanimun, ang bagong yari na pamilya ay nagtungo sa London upang makilala ang gawain ni William Turner.

Ang mga anak nina Jean-Gerard at Pierre ay ipinanganak sa kasal. Ang asawa ay dinala ni Margarita sa kanilang pamilya para sa edukasyon. Sa loob ng maraming taon, ang anak na babae at asawa ay naganap ang pangunahing mga modelo at muses ng artist. Ang isa sa mga tanyag na kuwadro na nakatuon sa kanyang asawa ay ang "Green Stripe", ipininta noong 1905.

Ang larawang ito ng minamahal na babae ay sumakit sa pagkatapos ng mga art connoisseurs na may "kalokohan" nito. Ang mga manonood ay naniniwala na ang kinatawan ng Fauvism ay napakalayo sa ningning ng mga kulay at tapat na katotohanan.

Sa rurok ng katanyagan, na nahulog sa 30s, ang artista ay nangangailangan ng isang katulong. Lumipat si Matisse kasama ang kanyang pamilya kay Nice sa oras na iyon. Minsan ang isang batang emigrante na Ruso, si Lydia Delektorskaya, ay lumitaw sa bahay at naging sekretarya ng pintor. Sa una, ang asawa ay hindi nakakita ng panganib sa batang babae - ang kanyang asawa ay hindi gusto ng mga blonde. Ngunit agad na nagbago ang sitwasyon: nang hindi niya sinasadyang nakita si Lydia sa silid ng kanyang asawa, si Henri ay nagmamadali upang iguhit siya.

Kasunod nito, hiniwalayan ni Amelie ang kanyang sikat na asawa, at si Dilektorskaya ay naging huling muse ni Matisse. Anong uri ng relasyon ang naghari sa unyon na ito, pag-ibig ba, o ang mag-asawa ay limitado sa magkasanib na trabaho, ay hindi pa rin kilala. Kabilang sa pagkalat ng mga guhit at mga kuwadro na naglalarawan sa Lydia, ang canvas na "Odalisque. Asul na pagkakasundo ”.

Kamatayan

Noong Nobyembre 1, 1954, si Henri Matisse ay nagdusa ng isang microstroke. Namatay ang mahusay na artista makalipas ang dalawang araw. Ang alamat ay na bago siya namatay, binisita ni Dilektorskaya ang pintor sa silid-tulugan, kung saan sinabi niya:

"Sa ibang araw, sasabihin mo, magkaroon tayo ng isang lapis at papel."

Sumagot si Henri nang may ngiti:

"Kumuha tayo ng isang lapis at papel."

Mga likhang sining

1896 - "Isang bote ng schidam"
1905 - "Ang Kagalakan ng Buhay"
1905 - "Babae na may isang Hat"
1905 - "Green Stripe"
1905 - "Buksan ang Window sa Collioure"
1907 - "Blue Nude"
1908 - Ang Red Room
1910 - "Music"
1916 - "Magtipon sa tabi ng Ilog"
1935 - "Pink Nude"
1937 - Ang Babae sa Purple Coat
1940 - "Blusa ng Roman"
1952 - Ang Kalungkutan ng Hari

Mga Detalye ng kategorya: Ang pinong sining at arkitektura ng siglo ng XX Nai-publish sa 17.09.2017 14:21 Hits: 1748

Ano ang pinakamahusay na paraan upang maiparating ang mga emosyon?

Siyempre, sa pamamagitan ng kulay at hugis. Naisip ito ni Henri Matisse. Pagkatapos ng lahat, siya ang pinuno ng Fauves, na tinawag ng kritiko ng Pransya na si Louis Voxel na "wild wild" (French les fauves). Ang mga kontemporaryo ay sinaktan ng kanilang kadakilaan ng kulay, "ligaw" na pagpapahayag ng mga kulay. Ang hindi sinasadyang pahayag na ito ay naayos bilang pangalan ng buong kilusan - Fauvism, kahit na ang mga artista mismo ay hindi pa nakikilala ang pangalang ito.

A. Morer. Fauvist landscape
Artistikong direksyon sa pagpipinta ng Pransya fauvism binuo mula sa pagtatapos ng ika-19 hanggang sa simula ng ika-20 siglo.
Mga pinuno ng direksyon - Henri Matisse at André Derain. Kabilang sa mga tagasuporta ng kalakaran na ito ay sina Albert Marquet, Charles Camouan, Louis Valta, Henri Evenépoul, Maurice Marino, Georges Rouault, Georges Braque, Georgette Agutte at iba pa.

Henri Matisse: mula sa isang talambuhay (1869-1954)

Henri Matisse. Ang Litrato
Ang natitirang Pranses na artista na si Henri Matisse ay ipinanganak noong Disyembre 31, 1869 sa Le Cato sa hilaga ng Pransya sa pamilya ng isang matagumpay na negosyante ng butil. Ipinapalagay na ipagpapatuloy ng anak na lalaki ang negosyo ng kanyang ama, ngunit si Henri ay nagtungo sa Paris upang mag-aral ng batas sa School of Law. Bumalik siya sa Saint-Quentin (kung saan siya nagtapos sa Lyceum) pagkatapos ng pagtatapos, kumuha ng trabaho bilang isang klerk (empleyado) na may isang sinumpaang abugado.
Ang interes ng hinaharap na artista sa pagguhit ay lumitaw nang hindi sinasadya: nagsagawa siya ng operasyon upang alisin ang apendisitis, at ang kanyang ina, upang hindi mababagot si Henri sa kanyang dalawang buwang pagbawi, binili siya ng mga gamit sa pagpipinta. Dapat kong sabihin na ang kanyang ina ay nakikibahagi sa pagpipinta ng mga keramika, kaya maaari niyang isipin na ang kanyang anak ay hindi mananatiling walang malasakit sa sining ng pagguhit. At kaya nangyari ito. Sa una, sinimulan ni Henri na kopyahin ang mga kard ng kulay, ito ay nabighani sa kanya kaya't nagpasya siyang maging isang artista at naka-enrol sa Quentin de la Tour school ng pagguhit, kung saan pinag-aralan ng mga draftsmen para sa industriya ng hinabi.
Noong 1892 napunta siya sa Paris, kung saan nag-aral siya sa Académie Julian, at kalaunan kasama si Gustave Moreau.
Sa isang eksibisyon ng sining ng Muslim sa Munich noong 1903, unang nakilala si Matisse sa ganitong uri ng pagpipinta, na gumawa ng isang malakas na impression sa kanya at nagbigay ng isang direksyon para sa karagdagang pag-unlad ng kanyang talento. Ang mga tampok na katangian ng pagpipinta na ito ay matindi ang kulay, pinasimple na pagguhit, patag na imahe. Ang lahat ng ito ay makikita sa mga gawa na ipinakita sa kanya sa eksibisyon ng "wild" (Fauves) sa Autumn Salon ng 1905.
Gumugol siya ng dalawang taglamig (1912 at 1913) sa Morocco, pinayaman ang kanyang sarili ng kaalaman sa mga oriental na motibo.
Sa pangkalahatan, sabik na hinihigop ni Matisse ang lahat na may kaugnayan sa masining na sining: kinopya niya ang mga gawa ng mga dating panginoon ng Pranses at Dutch sa Louvre, lalo na ang kanyang gawain ni Jean-Baptiste Simeon Chardin ay nakakaakit sa kanya. Nakilala niya ang mga artista mula sa iba't ibang bansa. Sa London pinag-aralan niya ang mga gawa ni William Turner.
Minsan nakilala niya ang isang artista mula sa Australia - si John Peter Russell, isang kaibigan ni Auguste Rodin. Si Russell ay nakakolekta ng mga kuwadro, ipinakilala rin niya si Henri sa impresyonismo at ang gawain ni Vincent Van Gogh, na kasama niya ang mga kaibigan sa loob ng 10 taon. Kalaunan ay tinukoy ni Matisse si John Peter Russell bilang kanyang guro, na ipinaliwanag ang teorya ng kulay sa kanya.
Napakahanga ng impresyonismo kay Matisse. Mula 1890 hanggang 1902 si Matisse ay lumikha ng mga kuwadro na katulad ng diwa sa Impressionism: "Isang bote ng schidam" (1896), "Dessert" (1897), "Mga prutas at isang palayok ng kape" (1899), "Mga pinggan at prutas" (1901).

A. Matisse "Prutas at Kape Pot" (1899). Canvas, langis. Hermitage (Petersburg)
Ngunit sa parehong oras ay naghahanap si Matisse ng kanyang sariling landas sa sining, tulad ng ebidensya ng kanyang dalawang maagang mga lupain: "Bois de Boulogne" (1902) at "Luxembourg Gardens" (1902). Lalo na masinsinang petsa ng paghahanap ng malikhaing bumalik sa 1901-1904. Ang istraktura ng pagpipinta at trabaho kasama ang kulay ni Paul Cézanne ay nagkaroon ng isang espesyal na impluwensya sa gawain ni Matisse, na kalaunan ay tinawag siyang pangunahing inspirasyon.
Ang unang personal na eksibisyon ng Matisse ay naganap noong Hunyo 1904 sa gallery ng Ambroise Vollard. Ngunit hindi siya nagkaroon ng maraming tagumpay.
Naimpluwensyahan ng akda ni Paul Signac "Eugene Delacroix at Neo-Impressionism" Si Matisse ay nagsimulang gumana sa pamamaraan ng divisionism (pointillism), gamit ang magkahiwalay na mga stroke. Sa estilo na ito, ang kanyang pagpipinta na "Luxury, Peace and Pleasure" ay isinulat. Ngunit ang pagkaganyak ni Matisse sa pointillism ay maikli ang buhay.

A. Matisse "Luxury, Peace and Pleasure" (1904-1905)
Noong 1907, naglakbay si Matisse sa Italya, kung saan binisita niya ang Venice, Padua, Florence at Siena, nag-aaral ng sining na Italyano.
Sa payo ng mga kaibigan, itinatag ni Matisse ang isang pribadong paaralan ng pagpipinta, na tinawag na Matisse Academy. Nagturo siya doon noong 1908-1911. Sa panahong ito, 100 mga mag-aaral mula sa mga kababayan ng artista at dayuhan ang nagturo sa akademya.
Ang pagsasanay sa akademya ay isang di-komersyal na katangian. Malaki ang kahalagahan ni Matisse sa klasikal na pangunahing pagsasanay ng mga batang artista. Lahat sila ay bumisita sa museo minsan sa isang linggo, ayon sa kurikulum. Ang gawain kasama ang modelo ay nagsimula lamang pagkatapos na makabisado ang pamamaraan ng pagkopya. Sa panahon ng pagkakaroon ng akademya, ang proporsyon ng mga babaeng mag-aaral sa loob nito ay palaging nakakagulat na mataas.
Noong 1908, si Matisse ay gumawa ng kanyang unang paglalakbay sa Alemanya, kung saan nakilala niya ang mga artista mula sa Karamihan sa pangkat (tagapagtatag ng Aleman na Pagpapahayag).
Noong 1941 ay sumailalim si Matisse sa isang pangunahing operasyon sa bituka. Kaugnay nito, pinasimple niya ang kanyang estilo - binuo niya ang isang pamamaraan para sa pagbubuo ng isang imahe mula sa mga scrap ng papel. Noong 1943 nagsimula siya ng isang serye ng mga guhit para sa aklat na "Jazz" mula sa mga scrap na pininturahan ng gouache. Noong 1944, ang kanyang asawa at anak na babae ay inaresto ng Gestapo dahil sa pakikilahok sa mga aktibidad ng Resistance.
Noong Nobyembre 3, 1954, namatay ang artist sa Cimiese malapit sa Nice sa edad na 84.

Ang gawain ni Henri Matisse

Ang gawain ni Matisse ay batay sa pag-aaral ng kalikasan at mga batas ng pagpipinta. Ang kanyang mga canvases, na naglalarawan ng mga babaeng figure, pa rin ang lifes at landscapes, ay maaaring mukhang hindi gaanong mahalaga sa paksa, ngunit ang mga ito ay resulta ng isang mahabang pag-aaral ng mga likas na anyo at ang kanilang matapang na pagpapasimple. Nagawa ni Matisse na maayos na magpahayag ng isang direktang emosyonal na pakiramdam ng katotohanan sa mahigpit na form ng artistikong. Ang artista ay higit sa lahat isang colorist na nakamit ang isang magkabagay na epekto sa komposisyon ng maraming matinding kulay.

Fauvism

Kasama ni André Derain, lumikha si Matisse ng isang bagong istilo na pumasok sa kasaysayan ng sining na tinatawag na Fauvism. Ang kanyang mga kuwadro mula sa panahong iyon ay nakikilala sa pamamagitan ng mga patag na hugis, malinaw na mga linya at maliwanag na kulay. Sa kanyang Mga Tala ng isang Pintura (1908), nagbuo siya ng mga prinsipyo ng artistikong, na nagsasalita ng pangangailangan para sa direktang paghahatid ng mga emosyon sa pamamagitan ng simpleng paraan
Parehong ang katanyagan ni Matisse at ang paalam sa neo-impressionism (pointillism) at ang simula ng Fauvism ay nauugnay sa pagpipinta na "Babae sa isang Hat". Ang pangunahing bagay sa kanyang gawain na inihayag ni Matisse ang sining ng mga maliliwanag na kulay, matapang na pagpapasya at dekorasyon.

A. Matisse "Babae na may isang Hat" (1905). Canvas, langis. 24 × 31 cm

Ipinakita ni Matisse ang pagpipinta na ito sa Autumn Salon noong 1905. Sa larawan, inilalarawan ng artist ang kanyang asawang si Amelie. Ang isang naka-bold na kumbinasyon ng mga kulay ay nagpapaliwanag ng pangalan ng bagong takbo - fauvism (wild). Naguguluhan ang tagapakinig: maaari bang maging tulad ng isang babae? Ngunit sinabi ni Matisse: "Hindi ako lumilikha ng isang babae, lumilikha ako ng isang larawan." Ang kanyang kulay ay ang kulay ng pagpipinta, hindi sa pang-araw-araw na buhay.
Ang Fauvism, bilang isang direksyon sa sining, ay lumitaw noong 1900 sa antas ng mga eksperimento at may kaugnayan hanggang 1910. Ang kilusan ay mayroon lamang 3 na mga eksibisyon. Kinilala si Matisse bilang pinuno ng Fauves (kasama si André Derain). Ang bawat isa sa kanila ay may sariling mga tagasunod.
Ang pagbaba sa kahalagahan ng Fauvism pagkatapos ng 1906 at ang pagbagsak ng grupo noong 1907 ay hindi nakakaapekto sa malikhaing paglago ni Matisse mismo. Marami sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ay nilikha sa kanya sa pagitan ng 1906-1907.
Noong 1905 nakilala ni Matisse ang batang artist na si Pablo Picasso. Nagsimula ang kanilang pagkakaibigan, na puno ng isang diwa ng kaagaw, ngunit din sa paggalang sa isa't isa.
Noong 1920, sa kahilingan ng Sergei Diaghilev, lumikha siya ng mga sketch ng mga costume at senaryo para sa ballet na The Nightingale sa musika ni Igor Stravinsky at koreograpya ni Leonid Massine. Noong 1937, gumawa siya ng mga sketch ng telon para sa ballet na "Red and Black" sa musika ng Dmitry Shostakovich at koreograpya ni Leonid Massine.
Sa panahon 1946-1948. Ang mga kulay ng mga interior na ipininta ni Matisse ay muling naging puspos: tulad ng kanyang mga gawa bilang "Red Interior, Still Life on a Blue Table" (1947) at "Egyptian Curtain" (1948) ay itinayo sa kaibahan ng pagitan ng ilaw at madilim, pati na rin sa pagitan ng mga interior at exterior space.

A. Matisse "Pulang interior, buhay pa rin sa isang asul na talahanayan" (1947). Canvas, langis. 116 x 89 cm

A. Matisse "Egyptian Curtain" (1948)
Ang huling gawain ni Matisse (1954) ay ang stain glass window ng Simbahan, na itinayo ng Rockefeller noong 1921 sa estado ng New York.
Ang natitirang 9 na stain-glass windows ay ipininta ni Marc Chagall.

Kasama ang kanyang mga kuwadro na gawa, ang kanyang kamangha-manghang graphic drawings, ukit, eskultura, mga guhit para sa mga tela ay kilala. Ang isa sa mga pangunahing gawa ng artist ay ang dekorasyon at stain-glass windows ng Dominican Chapel ng Rosary sa Vence (1951).
Noong 1947 nakilala ni Matisse ang Dominikanong pari na si Pierre Couturier, sa pag-uusap sa kanya ang ideya ay lumitaw ang pagbuo ng isang maliit na kapilya para sa isang maliit na madre sa Vence. Natagpuan mismo ni Matisse ang solusyon sa dekorasyon nito. Sa simula ng Disyembre 1947 ay tinukoy ni Matisse ang isang plano ng trabaho, na sang-ayon sa mga monghe na Dominikano, si Brother Reissinier at si Padre Couturier.

Chapel interior - altar, stain glass, pader pagpipinta "St. Dominic"

Chapel interior - pagpipinta sa dingding na "Way of the Cross"

Ang ilang mga sikat na gawa ni Henri Matisse

A. Matisse "Green Stripe" (Madame Matisse) (1905). Canvas, langis. 40.5 x 32.5 cm Estado ng Sining ng Sining (Copenhagen)
Ang pagpipinta na ito ay isang larawan ng asawa ng artist. Namangha ang larawan sa kanyang mga kapanahon sa "kalokohan" nito, iyon ay, hindi pangkaraniwan. Kahit na para sa Fauvism, ang lakas ng kulay ay labis. Tatlong mga eroplano ng kulay ang bumubuo ng komposisyon ng larawan.

A. Matisse "Sayaw" (1910). Canvas, langis. 260 х 391 cm.State Hermitage (Petersburg)
Siguro, ang "Dance" ay isinulat sa ilalim ng impresyon ng pagpipinta ng Greek vase at panahon ng Russia ni Sergei Diaghilev.
Ang mga sorpresa ng pagpipinta na may isang kumbinasyon ng laconic painting ay nangangahulugang at napakalaking sukat nito. Ang "Dance" ay nakasulat sa tatlong kulay lamang: asul ay kumakatawan sa kalangitan, kulay-rosas - ang mga katawan ng mananayaw, berde - ang imahe ng burol. 5 hubad na tao ang nangunguna sa isang ikot na sayaw sa tuktok ng burol.

A. Matisse "Music" (1910). Canvas, langis. 260 х 389 cm.State Hermitage (Petersburg)
Kapag nagpinta ng isang larawan, si Matisse ay nagsikap upang mabawasan ang mga ito sa elementarya. Sinadya niyang binawian ang mga character ng kanilang pagkatao, na pinagkalooban ang mga ito ng halos magkaparehong mga tampok ng facial at pangangatawan, upang ang itinatanghal ay makikita ng viewer sa kabuuan. Itinuring ng artista ang pangunahing gawain upang maging tagumpay ng pagkakatugma ng kulay ng canvas gamit ang kaibahan: ang mga figure ng mga character ay ipininta sa isang maliwanag na pulang-pula, ang matinding kulay ng asul na langit at berdeng damo ay kaibahan sa kanila. Sa kabuuan, 5 character ang inilalarawan sa canvas, dalawa sa kanila ay naglalaro ng mga instrumentong pangmusika (violin at doble-baradong pipe), at ang natitira ay umaawit. Ang lahat ng mga tao sa larawan ay hindi gumagalaw. Sinasadya ni Matisse ang kanilang mga silhouette na may nababanat, nababaluktot na mga linya upang mabigyan ang canvas ng isang musikal na ritmo.
Ang artista mismo ay hindi binanggit ang anumang interpretasyon ng larawang ito. Mayroong mga pagpapalagay lamang ng mga kritiko sa sining. Samakatuwid, ang bawat isa sa mga manonood ay maaaring magbigay ng kanilang sariling interpretasyon ng "Mga musikero".
Ang mga kuwadro na "Dance" at "Musicians" ay magkatulad sa kulay at ang bilang ng mga figure na inilalarawan. Ngunit maraming mga pagkakaiba sa pagitan nila: sa "Dance" babaeng character ay itinatanghal, sa "Music" - male character. Ang mga character ng "Dance" ay pabago-bago, at ang mga figure sa "Music" ay static, kalmado.

A. Matisse na "Parisian Dance" (1831-1933). Museyo ng Modern Art (Paris)
Sa gawaing ito, si Matisse ang unang gumamit ng diskarteng decoupage. Ang mga numero at piraso ng background ay pinutol mula sa mga sheet, pininturahan ng gouache at pagkatapos ay naka-pin sa base ayon sa pattern. Pagkatapos ang pintor, sa direksyon ng artist, inilapat ang pintura sa canvas.

A. Matisse "Blue Nude" (1952). Teknik na decoupage. 115.5 x 76.5 cm

Henri Emile Benoit Matisse. Ipinanganak noong 1869 Disyembre 31 sa Le Cato - namatay noong 1954 Nobyembre 3 malapit sa Nice sa Cimier. Bilang isang napaka sikat na artista, gumawa siya ng isang tunay na rebolusyon sa kasaysayan, ang pinagmulan at pag-unlad nito bilang isang mahalagang estilo ng visual arts. Inilarawan ng artist ng Pranses ang mundo sa napakalinaw, nagpapahayag at malinis na mga komposisyon. Walang labis sa mga kuwadro na ito, kung ano lamang ang nais iparating ni Henri Matisse sa kanyang manonood. Ito ang kabuuan ng Fauvism at ang buong Matisse.

Noong 1892 ay pumasok si Matisse sa Paris Academy of Julian, kung saan siya ay nag-aral kasama mismo ni A.V. Bouguereau. Pagkatapos ng pagsasanay, mula 1893 hanggang 98 na taon siya ay nakikibahagi sa pagpipinta sa workshop ng School of Fine Arts G. Moro. Nakilala ni Moreau ang totoong talento sa gawain ng artist na ito at hinulaan ang isang magandang hinaharap para sa kanya, kung saan tama siya. Sa oras na ito, si Henri ay kinopya ang mga kuwadro ng mga masters ng world painting sa Louvre, na interesado sa gawain ng Delacroix, at iba pa.Mula noong 1896, sinimulan niyang ipakita ang kanyang mga gawa sa mga salon.

Ang 1901 ay maaaring tawaging taon ng pagbuo ng artist. Unti-unting tumigil siya sa pagkopya ng ibang mga artista at hinahanap ang kanyang sariling pananaw sa mundo sa pamamagitan ng mga kuwadro na gawa. Sa partikular, ang kanyang palette ay lumiliwanag ng maraming, lumilitaw ang isang uri ng diskarte ng impressionist na brushstroke. Noong 1904, sinubukan ni Henri Matisse ang kanyang kamay sa divisionism at pointillism. Lumilikha ng maraming mahusay na mga kuwadro, kung saan ang Art Nouveau, impressionism ay pinagsama sa isang tuldok na paraan ng pagpipinta. Kaya, sa huli, dumating siya sa Fauvism. Ang unang larawan sa estilo na ito, na nakita ng madla, ay "Ang Babae sa Green Hat". Lumikha ito ng isang tunay na sensasyon sa gitna ng buong kapaligiran ng mga pintor, mga connoisseurs at kritiko at nagsilbing isang pambihirang tagumpay para sa pagbuo ng isang bagong genre. Sa sining ng Fauvism, tinulungan siya hindi lamang ng mga porma ng pagpipinta ng Europa, kundi pati na rin sa iskultura ng Africa (na kung saan, nagsilbi bilang simula ng pagbuo ng Cubism), Japanese woodcut, at Arab na pandekorasyong sining.

Marahil ang isa sa kanyang pinakatanyag na kuwadro ay Sayaw... Kasalukuyan itong umiiral sa dalawang bersyon. Ang isang pagpipinta ay nakabitin sa Hermitage sa St. Petersburg (ang pinakatanyag) ang pangalawa sa New York sa Museum of Modern Art. Ang sayaw ay nilikha noong 1910. Ang pagpipinta na ito ay nilikha ni Henri Matisse para sa Moscow mansion ng S.I.Shchukin. Bago ipadala ang pagpipinta sa customer, ipinakita niya ito sa Autumn Salon sa Paris. Ang larawan ay hindi naiintindihan at kinutya, tinawag nila ang artista na lumilikha ng nabulok na basurahan, atbp. Limang mga hubad na tao sa tuktok ng burol ay ipininta na may tatlong kulay lamang - berde, asul at pula. Sa paglipas ng panahon, ang napakalaking pagpipinta na Dance ay naging isa sa pinakamaliwanag at pinaka makabuluhan sa lahat ng gawain ni Matisse.

Kailangan mo ba ng de-kalidad na transportasyon ng mga antigo o labi? Ang transportasyon ng kultural na pag-aari mula sa kumpanya ng Uleks ay tutulong sa iyo sa ito. Ang gawain ng mga espesyalista, ang paggamit ng mga espesyal na materyales sa pag-iimpake, tumpak na transportasyon nang walang panganib na mapinsala ang mga mahahalagang bagay.