Ang tatlong pangunahing yugto ng European romanticismism noong ika-19 na siglo - maaga, matanda at huli - tumutugma sa mga yugto ng pag-unlad ng Austrian at German romantikong musika. Ngunit ang periodization na ito ay dapat na makumpleto at medyo pinino na may kaugnayan sa pinakamahalagang mga kaganapan sa musikal na sining ng bawat bansa.
Ang maagang yugto ng romantikong romantiko ng Aleman-Austrian ay nag-date noong 10-20s ng ika-19 na siglo, na kasabay ng rurok ng pakikibaka laban sa Napoleonic rule at ang kasunod na pagsisimula ng isang madilim na reaksyon sa politika. Ang simula ng yugtong ito ay minarkahan ng naturang mga phenomena sa musika tulad ng mga operasyong "Undine" ni Hoffmann (1913), "Sylvanas (1810)," Abu Hasan "(1811) at ang naka-program na piano piraso na" Imbitasyon sa Sayaw "(1815) ni Weber, ang unang tunay na natatanging Mga kanta ni Schubert - "Margarita sa Spinning Wheel" (1814) at "Forest Tsar" (1815). Noong 1920s, umusbong ang maagang romantismo, nang ang henyo ng maagang natapos na Schubert ay naglalahad nang buong puwersa, nang lumitaw ang The Magic Shooter, Euryatus at Oberon - ang huling tatlong pinaka perpektong mga operasyon ni beber, sa taon ng kanyang kamatayan (1820) sa musikal na tugtugin, sumiklab ng isang bagong "luminaryang" - Mendelssohn - Bartholdi, na gumanap sa isang kahanga-hangang pagtatapos ng konsyerto - Isang Pangarap ng Midsummer Night.
Ang gitnang yugto ay nahulog sa pangunahin noong 1930s-1940s; ang mga hangganan nito ay tinutukoy ng Rebolusyong Hulyo sa Pransya, na may malaking epekto sa mga advanced na lupon ng Austria at lalo na sa Alemanya, at ang rebolusyon ng 1848-1919, na malakas na lumubog sa mga lupang Aleman-Austrian. Sa panahong ito, ang pagkamalikhain ni Mendelssohn (namatay noong 1147) at umunlad si Schumann sa Alemanya, na ang aktibidad ng kompositor lamang sa loob ng ilang taon ay tumawid sa ipinahiwatig na hangganan; Tinatanggal ni Marschner ang mga tradisyon ng Weber sa kanyang mga opera (ang kanyang pinakamahusay na opera, Thaps Geilsch: r, ay isinulat noong 1833); sa panahong ito, nagpunta si Wagner mula sa isang naghahangad na kompositor sa tagalikha ng naturang mga natitirang gawa bilang Tannhäuser (1815) at Lohengrin (1848); gayunpaman, ang mga pangunahing tagumpay ng Wagner ay darating pa. Sa Austria, sa oras na ito, mayroong isang tiyak na lull sa larangan ng mga malubhang genre, ngunit ang mga tagalikha ng pang-araw-araw na musika ng sayaw, sina Joseph Liner at Johann Strauss na ama, ay nakakakuha ng katanyagan.
Ang huli, post-rebolusyonaryong panahon ng romantismo, na sumasaklaw ng ilang mga dekada (mula sa unang bahagi ng 50s hanggang humigit kumulang sa kalagitnaan ng 90s), ay nauugnay sa isang panahunan na socio-politikal na sitwasyon (ang karibal ng Austria, Prussia sa pag-iisa ng mga lupang Aleman, ang paglitaw ng isang pinagsamang Alemanya. sa ilalim ng pamamahala ng militaristang Prussia at ang panghuling paghihiwalay ng politika ng Austria). Sa oras na ito, ang problema ng isang solong, karaniwang sining ng musikal na Aleman ay talamak, ang mga pagkakasalungatan sa pagitan ng iba't ibang mga grupo ng malikhaing at mga indibidwal na kompositor ay mas malinaw na ipinahayag, isang pakikibaka ng mga direksyon ay lumitaw, kung minsan ay makikita sa pinainit na mga polemics sa mga pahina ng pindutin. Si Liszt, na lumipat sa Alemanya, ay nagsusumikap na pag-isahin ang mga progresibong puwersa ng musikal ng bansa, ngunit hindi lahat ng mga musikero ng Aleman ay nagbabahagi ng kanyang mga malikhaing mga prinsipyo na nauugnay sa mga ideya ng radikal na pagbabago batay sa pagiging bago. Ang isang espesyal na posisyon ay kinuha ng Wagner, na nagpatawad sa papel ng musikal na drama bilang "ang sining ng hinaharap." Kasabay nito, ang Brahms, na pinamamahalaang sa kanyang gawain upang patunayan ang walang hanggang kahalagahan ng maraming mga tradisyonal na tradisyon ng musikal sa kanilang pagsasama sa isang bago, romantikong pananaw, ay naging sa Vienna ang pinuno ng mga trend na anti-List at anti-Wagner. Ang taon ng 1876 ay makabuluhan sa paggalang na ito: ang pangunahin ng Wagner's Ring of the Nibelung ay naganap sa Bayreuth, at nakilala ng Vienna ang unang symphony ng Brahms, na binuksan ang panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng kanyang trabaho.

Ang pagiging kumplikado ng musikal-makasaysayang sitwasyon sa mga taong ito ay hindi limitado sa pagkakaroon ng iba't ibang direksyon kasama ang kanilang mga motibo; - Leipzig, Weimar, Bayreuth. Vienna. Sa Vienna mismo, halimbawa, ang mga artista na naiiba sa bawat isa tulad ng Bruckner at Wolf, na pinagsama ng isang karaniwang masigasig na saloobin kay Wagner, ngunit sa parehong oras ay hindi tinanggap ang kanyang prinsipyo ng musikal na drama.
Sa Vienna, si Johann Strauss ang anak na lalaki, ang pinaka-musikal na pinuno ng siglo, ay lumilikha ”(Wagner). Ang kanyang kamangha-manghang mga waltzes at kalaunan ay nagpapatakbo ng Vienna ang pinakamalaking sentro para sa musika sa aliwan.
Ang mga post-rebolusyonaryo na mga dekada ay minarkahan pa rin ng ilang mga natatanging kababalaghan ng musika romantiko, ang mga palatandaan ng panloob na krisis ng kalakaran na ito ay nagpapasaya sa kanilang sarili. Kaya, ang romantiko sa Brahms ay synthesized sa mga prinsipyo ng klasiko, at unti-unting napagtanto ni Hugo Wolff ang kanyang sarili bilang isang anti-romantikong tagabuo. Sa maikli, romantikong mga prinsipyo ay nawawala ang kanilang eksklusibong kahulugan, kung minsan ay sinamahan ng ilang mga bago o nabuhay na muli na mga tendensiyang klasikal.
Gayunpaman, kahit na pagkatapos ng kalagitnaan ng 1980s, kapag ang romantismo ay malinaw na nagsisimula na mapalakas ang kanyang sarili, sa Austria at Alemanya ay mayroon pa ring hiwalay na mga maliliit na pagkislap ng romantikong pagkamalikhain: ang romantiko ay kinagusto ng huling mga gawa sa piano ng Brahms, at ang mga huling symphony ng Bruckner; ang pinakadakilang kompositor ng pagliko ng XIX at XX na siglo - Austrian Mahler at Aleman na si Richard Strauss - sa mga gawa ng 80-90-ies minsan ay nagpapakita ng kanilang mga sarili bilang tipikal na romantika. Sa pangkalahatan, ang mga kompositor na ito ay nagiging isang uri ng link sa pagitan ng "romantikong" ikalabinsiyam na siglo at ang "anti-romantikong" twenties.)
"Ang lapit ng musikal na kultura ng Austria at Alemanya, dahil sa mga tradisyon at pangkulturang tradisyon, ay hindi nagbubukod, siyempre, ilang mga pagkakaiba-iba ng bansa. Sa fragment, ngunit pambansang uniporme ng Alemanya at sa isang pampulitikang pag-iisa, ngunit multinational Austrian emperador (" patchwork monarchy "), ang mga mapagkukunan ang pagiging malikhaing pangmusika, at ang mga gawain na nahaharap sa mga musikero, minsan ay naiiba.Sa, sa paatras na Alemanya, ang pagtagumpayan sa burol ng burgesya, ang makitid na panlalawigan ay isang lalong kagyat na gawain, na kinakailangan, sa turn, mga aktibidad na pang-edukasyon ng iba't ibang mga form sa bahagi ng mga advanced na kinatawan ng sining. kondisyon, ang natitirang Aleman na kompositor ay hindi maaaring limitahan ang kanyang sarili lamang sa pag-compose ng musika, ngunit kailangan niyang maging isang musikal at pampublikong pigura. At sa katunayan, ang mga romantikong kompositor ng Aleman ay masigasig na isinasagawa ang mga gawain sa kultura at pang-edukasyon, nag-ambag sa isang pangkalahatang pagtaas sa antas ng lahat ng musikal na kultura sa bansa: Weber - bilang isang conductor ng opera at kritiko ng musika, Mendelssohn - bilang isang conductor ng konsiyerto at isang kilalang guro, tagapagtatag ng unang conservatory sa Alemanya; Si Schumann ay isang makabagong kritiko ng musika at tagalikha ng isang bagong uri ng magazine ng musika. Nang maglaon, ang mga gawaing pang-musikal at panlipunan ni Wagner, bihira sa kanilang kakayahang magamit, na binuo bilang isang conductor theatrical at symphonic, kritiko, esthetics, reporter ng opera, at tagalikha ng isang bagong teatro sa Bayreuth.
Sa Austria, kasama ang pampulitika at pangkulturang sentralisasyon (ang pamumuhay ng hegemony ng Vienna bilang isang sentro ng pampulitika at kulturang), kasama ang mga iminungkahing ilusyon ng patriarchy, imahinasyon na kagalingan at sa aktwal na pagsakop ng pinaka-brutal na reaksyon, ang malawak na aktibidad ng publiko ay imposible1. Kaugnay nito, ang pagkakasalungatan sa pagitan ng mga civic pathos ng gawain ni Beethoven at ang sapilitang panlipunan na pagiging passivity ng mahusay na kompositor ay hindi maaaring maglagay ng pansin sa sarili. Ano ang masasabi natin tungkol sa Schubert, na nabuo bilang isang artista sa panahon pagkatapos ng Kongreso ng Vienna noong 1814-1815! Ang sikat na Schubert na bilog ay ang tanging posibleng anyo ng pag-iisa ng mga advanced na kinatawan ng mga masining na intelektuwal, ngunit ang gayong isang bilog sa Vienna ng Metternich ay hindi maaaring magkaroon ng isang tunay na pampublikong resonansya. Sa madaling salita, sa Austria ang pinakadakilang kompositor ay halos eksklusibo na mga tagalikha ng mga gawa sa musikal: hindi nila mapatunayan ang kanilang mga sarili sa larangan ng musika at panlipunang mga aktibidad. Nalalapat ito sa Schubert at Bruckner, at kay Johann Strauss na anak, at sa ilan pa.
Gayunpaman, sa kultura ng Austrian, dapat tandaan din ng isang tao ang gayong katangian na mga kadahilanan na positibong naiimpluwensyahan ang sining ng musika, na ibinibigay ito sa parehong oras ng isang partikular na Austrian, "Viennese" na lasa. Na-concentrate sa Vienna, sa isang kakaibang kumbinasyon ng motley, ang mga elemento ng mga kulturang Aleman, Hungarian, Italya at Slavic ay lumikha ng masaganang musikal na lupa kung saan ang gawaing malikhaing Schubert, Johann Strauss at maraming iba pang mga kompositor, na demokratiko sa oryentasyon nito, ay lumago. Ang kumbinasyon ng mga pambansang katangian ng Aleman sa mga Hungarian at Slavic ay naging katangian ng Brahms, na lumipat sa Vienna.

Tukoy sa kulturang musikal ng Austria ay ang malawak na pamamahagi ng iba't ibang anyo ng musika sa libangan - serenades, cassations, divertissement, na sinakop ang isang kilalang lugar sa akda ng mga klasiko ng Vienna na si Haydn at Mozart. Sa panahon ng romantismo, ang kahalagahan ng pang-araw-araw, ang musika sa libangan ay hindi lamang napreserba, ngunit mas pinalakas. Mahirap isipin, halimbawa, ang malikhaing hitsura ni Schubert nang walang pag-agos ng katutubong-araw-araw na stream na sumisid sa kanyang musika at bumalik sa mga partido ng Viennese, piknik, pista opisyal sa mga parke, upang malatag na musika sa kalye. Ngunit sa mga araw ng Schubert, nagsimula ang isang pagpapatibay sa loob ng propesyonal na musika ng Vienna. At kung si Schubert mismo ay pinagsama pa rin ang mga symphony at sonatas sa mga waltzes at mga may-ari ng lupa, na lumitaw nang literal sa daan-daang1, pati na rin ang mga martsa, ecossises, at polonaise sa kanyang trabaho, kung gayon ang kanyang mga kapanahon na si Liner at Strauss ang ama ay gumawa ng sayaw na musika ang batayan ng kanilang mga aktibidad. Nang maglaon, ang "polariseyment" na ito ay nakakahanap ng expression sa ugnayan sa pagitan ng pagkamalikhain ng dalawang kontemporaryo - ang klasiko ng sayaw at operetta na musika na si Johann Strauss ang anak na lalaki (1825-1899) at ang symphonist Bruckner (1824-1896).
Kapag inihambing ang Austrian at Aleman na musika ng tamang ika-19 na siglo, ang tanong ng musikal na teatro ay hindi maaaring hindi mangyari. Sa Alemanya, ang panahon ng pagiging romantiko, opera, na nagsisimula sa Hoffmann, ay pinakamahalaga bilang isang genre na may kakayahang ganap na ipahayag ang kasalukuyang mga problema ng pambansang kultura. At hindi sinasadya na ang musikal na drama na si Wagnerad ay isang kahanga-hangang pagsakop ng teatro ng Aleman. Sa Austria, ang paulit-ulit na pagtatangka ni Schubert upang makamit ang tagumpay sa larangan ng teatro ay hindi nakoronahan ng tagumpay. "Hindi mahalaga kung paano sinusuri ng isang tao ang malikhaing potensyal ni Schubert mismo sa larangan ng teatro na musika, dapat itong tanggapin na ang kapaligiran ng Vienna ng Metternphov. pampasigla para sa malubhang pagkamalikhain na pagkamalikhain, ay hindi nag-ambag sa paglikha ng mga theatrical works ng "grand style." Ngunit ang mga katutubong performances ng isang comedy character ay umusbong - ang mga singspils ni Ferdinand Raimund kasama ang musika ni Wenzel Müller at Joseph Drexler, at kalaunan - ang mga singspils ng sambahayan ng I. N. Nestroy (1801-1862) Bilang resulta, hindi isang musikal na dula, ngunit ang operasyong Viennese na lumitaw noong dekada 70, ay tinukoy ang mga nagawa ng Austrian na musikal na teatro sa isang European scale.
Sa kabila ng lahat ng ito at iba pang mga pagkakaiba sa pag-unlad ng musika ng Austrian at Aleman, ang mga tampok ng pagkakapareho sa romantikong sining ng parehong mga bansa ay mas kapansin-pansin. Ano ang mga tukoy na tampok na nakikilala ang gawain ng Schubert, Weber at ang kanilang pinakamalapit na mga kahalili - Mendelssohn at Schumann - mula sa romantikong musika ng ibang mga bansa sa Europa?
Ang matalik at mahinahon na lyrics, na sakop ng pagpipitagan, ay karaniwang pangkaraniwan ng Schubert, Weber, Mendelssohn, Schumann. Ang kanilang musika ay pinangungunahan ng malambing na tono, puro tinig sa pinagmulang himig, na karaniwang nauugnay sa konsepto ng Aleman na "Nagsinungaling". Ang estilo na ito ay pantay na katangian para sa mga kanta at marami sa mga nakakatawang tema ng Schubert, ang lyric operatic arias ng Weber, Mga Kanta ni Mendelssohn na walang Salita, mga imahe na "Ebzebi" ni Schumann. Ang melody na likas sa istilong ito ay naiiba, gayunpaman, mula sa partikular na Italyanong opera cantilena ng Bellini, pati na rin mula sa apektadong-deklarasyon na mga liko ng romantikong Pranses (Berlioz, Ménerber).
Kung ikukumpara sa mga progresibong romantikong Pranses, na nakikilala sa pamamagitan ng pag-aangat at pagiging epektibo nito, napuno ng civic, heroic-rebolusyonaryong mga landas, ang romantiko ng Austrian at Aleman ay tumitingin sa buong mas mapagmuni-muni, malalim na sarili, masidhing lyrical. Ngunit ang pangunahing lakas nito ay namamalagi sa pagsisiwalat ng panloob na mundo ng isang tao, sa malalim na sikolohikal na ito, na kung saan ay ganap na naipakita sa musika ng Austrian at Aleman, na nagiging sanhi ng hindi maikakaila na masining na epekto ng maraming mga gawaing pangmusika. Ito. gayunpaman, hindi nito ibinubukod ang ilang maliwanag na pagpapakita ng kabayanihan at pagiging makabayan sa mga gawa ng mga romantika ng Austria at Alemanya. Ganito ang mga makapangyarihang bayani-epikong symphony sa C major ni Schubert at ilan sa kanyang mga kanta (Sa driver na Kronos, Group mula sa Impiyerno at iba pa), ang choral cycle na Lyre at ang Sword ni Weber (sa mga taludtod ng makabayang makatang T. Kerner "Symphonic Etudes "Si Schumann, ang kanyang awit na" Dalawang Grenadiers ", sa wakas, ang mga indibidwal na bayani na pahina sa mga gawa tulad ng" Scottish Symphony "ni Mendelssohn (apotheosis sa finale)," Carnival "ni Schumann (finale, ang kanyang ikatlong symphony (unang kilusan). Ngunit kabayanihan ni Beethoven. plano, ang titanism ng pakikibaka ay na-revive sa isang bagong batayan mamaya - sa heroic-epic musical drama ng Wagner.At ang pinakaunang yugto ng romantiko ng Aleman-Austrian, ang aktibo, aktibong prinsipyo ay mas madalas na ipinahayag sa nakamamanghang, nabalisa, mapaghimagsik na mga imahe, ngunit hindi sumasalamin, tulad ng sa Beethoven, ganyan ang mga kanta ni Schubert na "Shelter" at "Atlant", Schumann's Florentine images, his overture "Manfred", maabutan ang "Rune Blaz" ni Mendelssohn.

Ang mga imahe ng kalikasan ay sumasakop ng isang napaka-mahalagang lugar sa gawain ng Austrian at German romantikong kompositor. Lalo na mahusay ang "empathic" na papel ng mga imahe ng kalikasan sa mga vocal cycle ng Schubert at sa siklo "Pag-ibig ng Poet" ni Schumann. Malawakang binuo ang musikal na tanawin sa symphonic ni Mendelssohn; nauugnay ito lalo na sa mga elemento ng dagat ("Scottish Symphony", naabutan ang "Hebrides", "Sea calm at happy sailing"). Ngunit ang natatanging katangian ng Aleman ng imahe ng tanawin ay ang "kagubatan romansa" na napakahusay na nakapaloob sa mga pagpapakilala ng mga nakuha ng Weber sa The Magic Archer at Oberon, sa Nocturne mula sa musika ni Mendelssohn hanggang sa komedya ni Shakespeare na Isang Midsummer Night's Dream. Mula dito, ang mga thread ay umaabot sa mga simulang simulang Bruckner bilang pang-apat (Romantiko) at pang-pito, sa symphonic na tanawin Ang Rustle of the Forest sa tetralogy ni Wagner, sa larawan ng kagubatan sa unang symphony ni Mahler.
Ang romantikong pananabik para sa perpekto sa musika ng Aleman-Austrian ay natagpuan ang isang tiyak na expression, lalo na, sa tema ng mga libot-libot, ang paghahanap ng kaligayahan sa isa pa, hindi kilalang lupain. Ito ay malinaw na nakikita sa mga gawa ng Schubert (The Wanderer, The Beautiful Miller, The Winter Path), at kalaunan sa mga imahe ng Wagner ng Flying Dutchman, Wotan the Traveler, ang libog na Siegfried. Ang tradisyon na ito noong dekada 80 ay humahantong sa cycle ng Mga Kanta ng Wandering Apprentice ng Mahler.
Ang mahusay na diin sa kamangha-manghang mga imahe ay isa ring karaniwang pambansang tampok ng pagiging romantiko ng Aleman-Austrian (nagkaroon ito ng direktang epekto sa Pranses na romantikong Berlioz). Ito ay, una, ang pantasya ng kasamaan, Demonismo, na natagpuan ang pinaka matingkad na paglalagay nito sa "Siena sa Wolf Valley" mula sa opera ng Weber na "The Magic Archer", sa "Vampire" ng Marschner, "Walpurgis Night" ni Mendelssohn at isang bilang ng iba pang mga gawa. Pangalawa, ang kathang-isip ay magaan, banayad na patula, pagsasama ng magagandang mga imahe ng kalikasan, na puno ng sigasig: mga eksena sa opera ng Weber na "Oberon", ang pagkuha ni Mendelssohn na "Isang Pangarap ng Midsummer Night", at pagkatapos ay ang imahe ng Wagner's Lohengrin, ang messenger ng Grail. Ang isang intermediate na lugar dito ay kabilang sa maraming mga imahe ni Schumann, kung saan ang mga fiction ay sumisilbing isang kahanga-hanga, kakaibang simula, nang walang gaanong diin sa problema ng kasamaan at mabuti.
Sa larangan ng wikang pangmusika, ang romantikong Austrian at Aleman na romantismo ay bumubuo ng isang buong panahon, napakahalaga mula sa punto ng pananaw ng pangkalahatang ebolusyon ng nagpapahayag na paraan ng sining. Nang hindi naninirahan sa pagka-orihinal ng estilo ng bawat pangunahing kompositor nang hiwalay, napapansin namin ang pinakakaraniwang mga tampok at uso.

Ang malawak na ipinatupad na prinsipyo ng "kanta" - isang pangkaraniwang pangkalahatang pagkahilig sa gawain ng mga romantikong kompositor - ay umaabot sa kanilang nakatulong musika. Nakakamit nito ang isang mahusay na pagkakaugnay ng melody sa pamamagitan ng isang katangian na kumbinasyon ng wastong kanta at deklarasyon, pag-awit ng mga pundasyon, chromatization, atbp. Ang wikang nakakasama ay pinayaman: ang tipikal na harmonikong mga pormula ng mga classics ay pinalitan ng isang mas nababaluktot at magkakaibang pagkakaisa, ang papel ng plugment, pangalawang degree ng pagkakaisa ay nadaragdagan. Ang makulay na bahagi ng pagkakaisa ay may malaking kahalagahan. Ang unti-unting pagtaas ng interpenetration ng pangunahing at menor de edad ay katangian din. Kaya, mula sa Schubert, sa kakanyahan, ay nagmumula sa tradisyon ng parehong pangalan sa mga paghahambing sa pangunahing-menor de edad (mas madalas na isang pangunahing pagkatapos ng isang menor de edad), dahil sa kanyang trabaho ito ay naging isang paboritong pamamaraan. Ang saklaw ng aplikasyon ng pangunahing maharmonya ay lumalawak (ang mga menor de edad na subdominant sa mga kadenzas ng mga pangunahing gawa ay partikular na katangian). Kaugnay ng diin ng indibidwal, ang pagkilala sa mga madulas na detalye ng imahe, mayroon ding mga nakuha sa larangan ng orkestasyon (ang kahulugan ng isang tiyak na pangkulay ng timbre, ang pagtaas ng papel ng mga solo na instrumento, pansin sa mga bagong gumaganap na mga stroke ng mga string, atbp.). Ngunit ang orkestra mismo ay hindi talaga nagbabago ng klasikal na komposisyon nito.
Ang mga romantiko ng Aleman at Austrian ay higit na mas mataas ang mga tagapagtatag ng romantikong programa (maaaring umasa si Berlioz sa kanilang mga nagawa sa kanyang Fantastic Symphony). At kahit na ang programmaticity tulad nito, tila, ay hindi katangian ng Austrian romantikong Schubert, ang saturation ng piano bahagi ng kanyang mga kanta na may nakalarawan, sandali, ang pagkakaroon ng mga elemento ng nakatagong programmaticity na naroroon sa drama ng kanyang mga pangunahing instrumento na gawa ay natukoy ang makabuluhang kontribusyon sa tagabuo ng mga programmatic na mga prinsipyo sa musika. Ang mga romantiko ng Aleman ay mayroon nang malinaw na pagnanais para sa pagiging kapwa sa musika ng piano (Pag-anyaya sa Weber sa Sayaw, Konsyerto ng Klase, Schumann's Suite, Mga Kanta na walang Salita ni Mendelssohn) at sa musikang symphonic (mga operatic na pag-abala ng Weber, pagtatapos ng konsiyerto, abot ng Mendelssohn , naabutan "Manfred" ni Schumann).
Ang papel ng mga romantiko ng Austrian at Aleman sa paglikha ng mga bagong prinsipyo ng compositional. Ang mga sonata-symphonic cycle ng mga klasiko ay pinalitan ng mga instrumental na miniature; ang pag-ikot ng mga miniature, na malinaw na binuo sa larangan ng vocal lyrics ni Schubert, ay inilipat sa instrumental na musika (Schumann). Mayroon ding malaking isang bahagi na komposisyon na pinagsasama ang mga prinsipyo ng sonata at cyclicity (pantasya ng piano sa C major ni Schubert, "Concertstuck" ni Weber, ang unang kilusan ng pantasya sa C major ni Schumann). Ang mga sonata-symphonic cycle, sa turn, ay sumasailalim ng mga makabuluhang pagbabago sa mga romantika, iba't ibang uri ng "romantikong sonata" at "romantikong symphony" ay lilitaw. Ngunit gayunpaman, ang pangunahing pananakop ay isang bagong kalidad ng pag-iisip ng musika, na humantong sa paglikha ng mga miniature na puno ng nilalaman at kapangyarihan ng pagpapahayag - ang espesyal na konsentrasyon ng pagpapahayag ng musikal na gumawa ng isang solong kanta o isang bahagi na bahagi ng piano ang pokus ng malalim na mga ideya at karanasan.

Sa pinuno ng mabilis na pagbuo ng pagiging romantiko ng Austrian at Aleman sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay ang mga indibidwal na hindi lamang likas na matalino ng henyo, ngunit sumulong din sa kanilang mga pananaw at adhikain. Natukoy nito ang walang hanggang kahalagahan ng kanilang pagiging malikhaing pangmusika, ang kahalagahan nito bilang isang "bagong klasiko", na naging malinaw na sa pagtatapos ng siglo, kung ang mga klasikal na musikal ng mga bansa ng wikang Aleman ay kinakatawan, sa diwa, hindi lamang sa mga mahusay na kompositor ng ika-18 siglo at Beethoven, kundi pati na rin ng mga magagandang romantika - Schubert , Schumann, Weber, Mendelssohn. Ang mga kamangha-manghang kinatawan ng musikal na romantismo, na lubos na nirerespeto ang kanilang mga nauna at pagbuo ng marami sa kanilang mga nagawa, pinamamahalaan nang sabay-sabay upang buksan ang isang ganap na bagong mundo ng mga imahe ng musikal at ang mga compositional form na naaayon sa kanila. Ang umiiral na personal na tono sa kanilang gawain ay kaayon ng mga damdamin at kaisipan ng demokratikong masa. Kinumpirma nila sa musika ang katangian ng pagpapahayag, na katangi-tangi na nailalarawan ng BV Asafiev bilang "masiglang pakikipag-usap na komunikasyon, mula sa puso hanggang puso" at kung saan ay may kaugnayan kina Schubert at Schumann na nauugnay kay Chopin, Grieg, Tchaikovsky at Verdi. Sinulat ni Asafiev ang tungkol sa humanistic na halaga ng romantikong direksyon ng musikal: "Ang personal na kamalayan ay ipinakita hindi sa nakahiwalay, mapagmataas na paghihiwalay, ngunit sa isang uri ng artistikong pagmuni-muni ng lahat ng nakatira sa mga tao at kung ano ang nakakaaliw sa kanila palagi at hindi maiwasan. Sa ganoong pagiging simple, walang gaanong magagandang pag-iisip at pag-iisip tungkol sa tunog ng buhay - ang konsentrasyon ng pinakamahusay na nasa isang tao. "

Tama si Zweig: Ang Europa ay hindi nakakita ng napakagandang henerasyon bilang romantika mula noong Renaissance. Ang mga kamangha-manghang mga imahe ng mundo ng mga pangarap, hubad na damdamin at pagnanais para sa kahanga-hangang espirituwalidad - ang gayong mga kulay ay ginagamit upang ipinta ang musikal na kultura ng romantismo.

Ang paglitaw ng romanticism at mga estetika nito

Habang naganap ang isang rebolusyong pang-industriya sa Europa, ang pag-asang naipot sa Dakilang Rebolusyong Pranses ay kumalas sa mga puso ng mga taga-Europa. Ang kulto ng kadahilanan, na inihayag ng panahon ng Enlightenment, ay napabagsak. Ang kulto ng mga damdamin at ang likas na prinsipyo sa tao ay umakyat sa pedestal.

Ito ay kung paano lumitaw ang romantismo. Sa kulturang musikal, umiral ito nang kaunti pa sa isang siglo (1800-1910), habang sa mga kaugnay na larangan (pagpipinta at panitikan), ang term na ito ay nag-expire kalahating siglo bago nito. Marahil ito ang "kasalanan" ng musika - siya ang nasa tuktok ng mga sining sa mga romantika bilang pinaka espirituwal at pinakamalaya sa sining.

Gayunpaman, ang mga romantiko, hindi katulad ng mga kinatawan ng mga panahon ng dating at pagiging klasiko, ay hindi nagtayo ng isang hierarchy ng sining na may malinaw na dibisyon sa mga uri at. Ang romantikong sistema ay unibersal, ang mga sining ay malayang ipasa sa bawat isa. Ang ideya ng synthesis ng sining ay isa sa mga pangunahing katangian sa musikal na kultura ng romantismo.

Nag-aalala din ang ugnayang ito sa mga kategorya ng aesthetics: perpektong ito ay pinagsama sa pangit, mataas sa base, ang trahedya sa komiks. Ang nasabing mga paglilipat ay konektado ng romantikong irony, sumasalamin din ito sa isang unibersal na larawan ng mundo.

Ang lahat ng nauugnay sa kagandahan ay naganap sa isang bagong kahulugan sa mga romantika. Ang kalikasan ay naging isang bagay ng pagsamba, ang artista ay idolo bilang pinakamataas na tao, at ang mga damdamin ay pinataas sa kadahilanan.

Ang katotohanang espiritwal ay naiiba sa isang panaginip, maganda, ngunit hindi matamo. Ang isang romantikong sa tulong ng imahinasyon ay nagtayo ng kanyang bagong mundo, hindi katulad ng iba pang mga katotohanan.

Anong mga tema ang napili ng mga artista ng pagiging romantiko?

Ang mga interes ng mga romantika ay malinaw na naipakita sa pagpili ng mga tema na pinili nila sa sining.

• Tema ng kalungkutan... Isang hindi pinapahalagahan na henyo o isang malungkot na tao sa lipunan - ang mga temang ito ang pangunahing para sa mga kompositor ng panahong ito ("Ang Pag-ibig ng isang Makata" ni Schumann, "Nang walang Araw" ni Mussorgsky).
• Ang tema ng "lyrical confession"... Maraming mga opus sa pamamagitan ng mga romantikong kompositor ang may ugnayan sa autobiography (Schumann's Carnival, Fantasy Symphony ni Berlioz).
• Ang tema ng pag-ibig. Karaniwan ito ang tema ng hindi nabanggit o trahedyang pag-ibig, ngunit hindi kinakailangan ("Pag-ibig at ang Buhay ng isang Babae" ni Schumann, "Romeo at Juliet" ni Tchaikovsky).
• Tema ng landas. Tinawag din siya ang tema ng mga libot-libot... Ang kaluluwa ng isang romantikong, napunit sa pamamagitan ng mga pagkakasalungatan, ay naghahanap para sa sariling landas ("Harold sa Italya" ni Berlioz, "Taon ng Wanderings" ni Liszt).
• Tema ng kamatayan. Karaniwan, ito ay espirituwal na kamatayan (Ika-anim na Symphony ng Tchaikovsky, Winter Road ng Schubert).
• Tema ng kalikasan. Kalikasan sa mga mata ng isang romantikong at proteksiyon na ina, at kaibigan ng empatiya, at parusahan ang kapalaran ("Hebrides" ni Mendelssohn, "Sa Gitnang Asya" ni Borodin). Ang kulto ng katutubong lupain (polonaises at ballop ni Chopin) ay konektado din sa temang ito.
• Tema sa fiction ng Science. Ang haka-haka na mundo para sa mga romantika ay mas mayaman kaysa sa totoong (Ang Magic Shooter ni Weber, Sadko ni Rimsky-Korsakov).

Mga genre ng musikal ng panahon ng romantismo

Ang musikal na kulturang romantiko ng romantismo ay nagbigay ng dulot ng pag-unlad ng mga genre ng silid na tinig ng boses: balada ("The Forest King" ni Schubert), tula ("Ang Lady of the Lake" ni Schubert) at mga kanta madalas na pinagsama sa mga siklo ("Myrtles" ni Schumann).

Romantikong opera ay nakilala hindi lamang sa kamangha-manghang balangkas, kundi pati na rin ng malakas na koneksyon sa pagitan ng mga salita, musika at pagkilos sa entablado. Nagaganap ang symphonization ng opera. Sapat ito upang alalahanin ang Ring ng Nibelungs ng Wagner na may binuo na network ng leitmotifs.

Kabilang sa mga instrumental na genre, ang pag-ibig ay nakikilala miniature ng piano. Ang isang maliit na piraso ay sapat para sa kanila upang maihatid ang isang imahe o isang panandaliang kalooban. Sa kabila ng laki nito, ang pag-play seethes na may expression. Maaari siyang maging "awit na walang Salita" (tulad ng Mendelssohn) mazurka, waltz, nocturne o mga piraso na may mga pangalan ng programa ("Impulse") ni Schumann.

Tulad ng mga kanta, ang mga pag-play ay minsan ay pinagsama sa mga siklo (Mga Butterflies ni Schumann). Kasabay nito, ang mga bahagi ng siklo, maliwanag na magkakaiba, palaging nabuo ng isang solong komposisyon dahil sa mga koneksyon sa musikal.

Mahal ng Romantics ang musika sa programa, na pinagsama ito sa panitikan, pagpipinta, o iba pang sining. Samakatuwid, ang balangkas sa kanilang mga sulatin ay madalas na namamahala. Ang isang bahagi na sonatas (ang Sonata ng Liszt sa B menor de edad), isang bahagi na concertos (Liszt's First Piano Concerto) at mga symphonic poems (Liszt's Preludes), isang limang bahagi symphony (Berlioz's Fantastic Symphony) ay lumitaw.

Ang wikang pangmusika ng mga romantikong kompositor

Ang synthesis ng sining, na ipinagdiriwang ng mga romantika, naimpluwensyahan ang paraan ng pagpapahayag ng musikal. Ang himig ay naging mas indibidwal, tumutugon sa mga makata ng salita, at ang saliw ay tumigil na maging neutral at pangkaraniwan sa texture.

Ang pagkakaisa ay pinayaman ng mga walang uliran na kulay upang sabihin ang tungkol sa mga karanasan ng romantikong bayani.Kaya, ang romantikong intonasyon ng pagnanais na perpektong nagpabago ng binagong mga pinsala na nagpapalakas ng pag-igting. Gustung-gusto ng Romantics ang epekto ng chiaroscuro, kapag ang pangunahing ay pinalitan ng menor de edad ng parehong pangalan, at ang mga chord ng mga hakbang sa gilid, at magagandang paghahambing ng mga tonalities. Natagpuan din ang mga bagong epekto, lalo na kung kinakailangan upang maiparating ang katutubong espiritu o kamangha-manghang mga imahe sa musika.

Sa pangkalahatan, ang melantiko 'melody strove para sa pagpapatuloy ng pag-unlad, tinanggihan ang anumang awtomatikong pag-uulit, iwasan ang pagiging regular ng mga accent at huminga ng pagpapahayag sa bawat isa sa mga motibo nito. At ang texture ay naging isang mahalagang link na ang papel nito ay maihahambing sa isang himig.

Makinig sa kung ano ang isang kamangha-manghang mazurka Chopin mayroon!

Sa halip na isang konklusyon

Ang musikal na kulturang romantiko ng pagiging romantiko sa oras ng ika-19 at ika-20 siglo ay nakaranas ng mga unang palatandaan ng isang krisis. Ang "malayang" musikal na porma ay nagsimulang mawalan ng kahulugan, ang pagkakaisa ay nanaig sa himig, ang matayog na damdamin ng kaluluwa ng romantiko ay nagbigay daan sa masakit na takot at mga masasamang pananabik.

Ang mga mapanirang tendensiyang ito ay nagdulot ng pagiging romantiko at natapos ang paraan para sa modernismo. Ngunit, na natapos bilang isang direksyon, ang romantismo ay patuloy na naninirahan sa musika ng ika-20 siglo, at sa musika ng kasalukuyang siglo sa iba't ibang mga sangkap nito. Tama si Blok nang sinabi niyang ang romantismo ay lilitaw "sa lahat ng mga panahon ng buhay ng tao."

Ang pinakamaikling kasaysayan ng musika. Ang pinaka kumpleto at pinakamaikling sanggunian ni Henley Daren

Late romantika

Late romantika

Marami sa mga kompositor ng panahong ito ay patuloy na nagsusulat ng musika sa ika-20 siglo. Gayunpaman, pinag-uusapan natin ang mga ito dito, at hindi sa susunod na kabanata, sa kadahilanang ito ay ang diwa ng romantismo na malakas sa kanilang musika.

Dapat pansinin na ang ilan sa kanila ay nagpapanatili ng malapit na ugnayan at maging ang pakikipagkaibigan sa mga kompositor na nabanggit sa mga subseksyon na "Maagang Romantika" at "Pambansa".

Bilang karagdagan, dapat tandaan na sa panahong ito sa iba't ibang mga bansa sa Europa ay napakaraming magagaling na kompositor na ang anumang dibisyon ng mga ito ayon sa anumang prinsipyo kung ano ang magiging ganap na kondisyon. Kung sa magkakaibang panitikan sa klasikal na panahon at panahon ng baroque humigit-kumulang sa parehong frame ng oras ay nabanggit, kung gayon ang romantikong panahon ay naiiba ang tinukoy sa lahat ng dako. Tila na ang linya sa pagitan ng pagtatapos ng romantikong panahon at pagsisimula ng ika-20 siglo ay napaka-blurred sa musika.

Ang nangungunang kompositor ng Italya noong ika-19 na siglo ay walang alinlangan Giuseppe Verdi. Ang taong ito na nakatingin sa amin na may nagniningning na mga mata na may makapal na bigote at kilay ay tumayo ng isang buong ulo sa itaas ng lahat ng iba pang mga kompositor ng opera.

Ang lahat ng mga komposisyon ni Verdi ay literal na umaapaw na may maliwanag, kaakit-akit na melodies. Sa kabuuan, sumulat siya ng dalawampu't anim na mga opera, na karamihan sa mga ito ay regular na isinasagawa ngayon. Kabilang sa mga ito ang pinakatanyag at pinakatanyag na mga gawa ng sining ng opera sa lahat ng oras.

Ang musika ni Verdi ay lubos na pinahahalagahan sa habang buhay ng kompositor. Sa premiere Hades ang tagapakinig ay nagbigay ng napakahabang kalagayan na ang mga artista ay kailangang lumabas upang yumukod ng tatlumpu't dalawang beses.

Si Verdi ay isang mayamang tao, ngunit ang pera ay hindi makatipid kapwa asawa ng kompositor at dalawang anak mula sa maagang pagkamatay, kaya't may mga trahedya na sandali sa kanyang buhay. Ipinagpahiwatig niya ang kanyang kapalaran sa pagkaulila ng mga matandang musikero, na itinayo sa ilalim ng kanyang pamumuno sa Milan. Si Verdi mismo ay isinasaalang-alang ang paglikha ng tirahan, at hindi ang musika, upang maging ang kanyang pinakadakilang nakamit.

Sa kabila ng katotohanan na ang pangalan ng Verdi ay pangunahing nauugnay sa mga operas, na nagsasalita tungkol sa kanya, imposibleng hindi banggitin Requiem, na kung saan ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na halimbawa ng choral music. Ito ay puno ng drama, at ilang mga tampok ng opera slip sa loob nito.

Ang aming susunod na kompositor ay hindi nangangahulugang pinaka-kaakit-akit na tao. Sa totoo lang, ito ang pinaka-iskandalo at kontrobersyal na pigura ng lahat ng nabanggit sa aming libro. Kung gagawin namin ang isang listahan batay sa mga personal na katangian, kung gayon Richard Wagner ay hindi siya sasaktan. Gayunpaman, patnubay kami ng eksklusibo ng pamantayan sa musikal, at ang kasaysayan ng klasikal na musika ay hindi maiisip nang walang taong ito.

Hindi maikakaila ang talento ni Wagner. Mula sa ilalim ng kanyang panulat ay lumabas ang ilan sa mga pinaka makabuluhan at kamangha-manghang mga komposisyon ng musika para sa buong panahon ng romantismo - lalo na ang opera. Kasabay nito, siya ay inilarawan bilang isang anti-Semite, racist, red tape, ang huling mandaraya at kahit isang magnanakaw na hindi nag-atubiling kunin ang lahat ng kailangan niya, at bastos nang walang pagsisisi. Ang Wagner ay may labis na pakiramdam ng pagpapahalaga sa sarili, at naniniwala siya na ang kanyang henyo ay nakataas siya kaysa sa lahat ng iba pang mga tao.

Naaalala si Wagner para sa kanyang mga opera. Kinuha ng kompositor na ito ang Aleman na opera sa isang buong bagong antas, at kahit na siya ay ipinanganak nang parehong oras bilang Verdi, ang kanyang musika ay ibang-iba mula sa mga komposisyon ng Italya sa panahong iyon.

Ang isa sa mga inobasyon ni Wagner ay ang bawat pangunahing karakter ay may sariling tema ng musikal, na paulit-ulit sa bawat oras, sa sandaling siya ay nagsimulang maglaro ng isang mahalagang papel sa entablado.

Ngayon tila maliwanag ang sarili, ngunit sa oras na ito ang ideyang ito ay gumawa ng isang tunay na rebolusyon.

Ang pinakadakilang nagawa ni Wagner ay ang ikot Singsing ng Nibelung, na binubuo ng apat na mga operas: Rhine Gold, Valkyrie, Siegfried at Kamatayan ng mga diyos. Karaniwan silang nilalaro ng apat na gabi nang sunud-sunod, at sa kabuuan ay tumatagal ng labinglimang oras. Ang mga operasyong ito lamang ay sapat na upang luwalhatiin ang kanilang kompositor. Sa kabila ng lahat ng kalabuan ng Wagner bilang isang tao, dapat itong aminin na siya ay isang natitirang kompositor.

Ang isang natatanging tampok ng mga opera sa Wagner ay maaaring tawaging kanilang tagal. Ang kanyang huling opera Parsifal tumatagal ng higit sa apat na oras.

Isang konduktor na sinabi ni David Randolph tungkol sa kanya:

"Ito ay isang opera mula sa kategorya ng mga nagsisimula sa anim, at kapag tatlong oras mamaya ay tiningnan mo ang iyong pulso, lumiliko na nagpapakita ito ng 6:20."

Isang buhay Anton Bruckner bilang isang kompositor ay isang aralin kung paano hindi sumuko at igiit ang iyong sarili. Nag-ensayo siya ng labindalawang oras sa isang araw, na nakatuon sa lahat ng kanyang oras upang magtrabaho (siya ay isang organista) at marami siyang natutunan sa musika sa kanyang sarili, pagtatapos ng pag-master ng mga kasanayan sa pagsulat sa pamamagitan ng pagsusulat sa isang medyo may edad na edad - sa tatlumpu't pitong taon.

Ngayon, ang mga symphony ni Bruckner ay madalas na naaalala, kung saan isinulat niya ang isang siyam na piraso. Sa mga oras na nasamsam siya ng mga pagdududa tungkol sa kanyang solvency bilang isang musikero, ngunit nakamit pa rin niya ang pagkilala, kahit na sa pagtatapos ng kanyang buhay. Matapos maisagawa ito Symphonies No. 1 Sa wakas pinuri ng mga kritiko ang kompositor, na sa oras na iyon ay nasa apatnapu't apat na taong gulang.

Si Johannes Brahms hindi isa sa mga kompositor na ipinanganak, kaya't magsalita, na may isang pilak na stick sa kamay. Sa oras ng kanyang kapanganakan, ang pamilya ay nawala ang kanilang dating kayamanan at bahagyang natapos ang pagtatapos. Bilang isang tinedyer, nakagawa siya ng buhay sa pamamagitan ng paglalaro sa mga brothel sa kanyang bayan ng Hamburg. Sa oras na ang Brahms ay naging isang may sapat na gulang, siya, walang alinlangan, nakilala ang napakalayo sa mga kaakit-akit na aspeto ng buhay.

Ang musika ng Brahms 'ay na-promote ng kanyang kaibigan na si Robert Schumann. Pagkamatay ni Schumann, naging malapit si Brahms kay Clara Schumann at kalaunan ay nahulog din siya sa pag-ibig. Anong uri ng ugnayan ang kanilang konektado ay hindi eksaktong kilala, kahit na ang pakiramdam para sa kanya ay maaaring may papel sa kanyang relasyon sa ibang mga kababaihan - hindi niya ibinigay ang kanyang puso sa alinman sa kanila.

Bilang isang tao, si Brahms ay medyo hindi mapigilan at magagalitin, ngunit inaangkin ng kanyang mga kaibigan na mayroong kahinahunan sa kanya, bagaman hindi niya palaging ipinapakita ito sa iba. Isang araw, pag-uwi mula sa isang partido, sinabi niya:

"Kung hindi ko nasaktan ang isang tao doon, humingi ako ng tawad sa kanila."

Ang mga Brahms ay hindi sana manalo ng kumpetisyon para sa pinaka-sunod sa moda at naka-istilong kompositor. Hindi niya ginusto ang pagbili ng mga bagong damit nang labis at madalas na nagsuot ng parehong pantalon ng baggy na may mga patch, na halos palaging masyadong maikli para sa kanya. Sa isang pagganap, ang kanyang mga pantalon ay halos bumagsak. Sa isa pang okasyon, kailangan niyang tanggalin ang kanyang kurbatang at itali ang kanyang sarili sa halip na isang sinturon.

Ang istilo ng musikal ng Brahms ay lubos na naiimpluwensyahan nina Haydn, Mozart at Beethoven, at ang ilang mga istoryador sa musika ay inaangkin na siya ay sumulat sa diwa ng pagiging klasik, sa oras na iyon ay wala na sa moda. Kasabay nito, mayroon din siyang ilang mga bagong ideya. Sa partikular, nagawa niyang bumuo ng maliliit na piraso ng musika at ulitin ang mga ito sa buong gawain - ang tinatawag ng mga tagagawa ng isang "isang paulit-ulit na motibo."

Hindi sumulat si Opera Brahms, ngunit sinubukan niya ang kanyang sarili sa halos lahat ng iba pang mga genre ng klasikal na musika. Samakatuwid, matatawag siyang isa sa mga pinakadakilang kompositor na nabanggit sa aming libro, isang tunay na higante ng klasikal na musika. Siya mismo ang nagsalita tungkol sa kanyang gawain:

"Hindi mahirap magsulat, ngunit nakakagulat na mahirap na ihagis ang mga dagdag na tala sa ilalim ng talahanayan."

Max Bruch ipinanganak lamang limang taon pagkatapos ng Brahms, at ang huli ay tiyak na magbabad sa kanya, kung hindi para sa isang trabaho, Violin Concerto No. 1.

Inamin mismo ni Bruch ang katotohanang ito, na nagtalo sa kahinahunan na hindi pangkaraniwan para sa maraming mga kompositor:

"Limampung taon mula ngayon, Brahms ay tatawaging isa sa mga pinakadakilang kompositor sa lahat ng oras, at maaalala ako sa pagsulat ng Violin Concerto sa G menor de edad."

At tama siya. Totoo, si Brujah mismo ay may isang bagay na dapat tandaan! Siya ay bumubuo ng maraming iba pang mga gawa - halos dalawang daan sa kabuuan - lalo na para sa koro at para sa mga opera, na bihirang itinanghal sa mga araw na ito. Ang kanyang musika ay melodic, ngunit hindi siya nagdala ng anumang bagay lalo na bago sa pag-unlad nito. Laban sa kanyang background, maraming iba pang mga kompositor ng oras na iyon ay tila mga tunay na makabagong tagagawa.

Noong 1880, si Bruch ay hinirang na conductor ng Liverpool Royal Philharmonic Society, ngunit pagkatapos ng tatlong taon bumalik siya sa Berlin. Ang musikero ng orkestra ay hindi masaya sa kanya.

Sa mga pahina ng aming libro, nakilala na namin ang maraming mga prodyusyong musikal, at Camille Saint-Saens hindi nasasakop ang huling lugar sa kanila. Sa edad na dalawa, si Saint-Saens ay pumipili na ng mga melodies sa piano, at natutunan niyang magbasa at sumulat ng musika nang sabay. Sa edad na tatlo, naglaro siya ng mga piraso ng kanyang sariling komposisyon. Sa edad na sampung kumanta siya nang maganda sina Mozart at Beethoven. Kasabay nito, naging seryoso siyang interesado sa entomology (butterflies at insekto), at pagkatapos ay sa iba pang mga agham, kabilang ang geology, astronomy at pilosopiya. Tila na ang gayong may talento na bata ay hindi maaaring limitado sa isang bagay.

Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral sa Paris Conservatory, si Saint - Saens ay nagtrabaho nang maraming taon bilang isang organista. Sa edad, sinimulan niyang maimpluwensyahan ang buhay ng musika ng Pransya, at salamat sa kanya na ang musika ng naturang mga kompositor tulad ng J.S.Bach, Mozart, Handel at Gluck ay nagsimulang gumanap nang mas madalas.

Ang pinakasikat na komposisyon ng Saint - Saens - Carnival ng mga hayop, na ipinagbabawal ng kompositor na gumanap sa kanyang buhay. Nag-aalala siya na ang mga kritiko ng musika, sa pakikinig sa piyesa na ito, ay mahahanap ito ng walang kabuluhan. Pagkatapos ng lahat, nakakatawa kapag ang orkestra sa entablado ay naglalarawan ng isang leon, hens na may isang tandang, pagong, isang elepante, isang kangaroo, isang aquarium na may isda, ibon, isang asno at isang baboy.

Ang ilan sa kanyang iba pang mga komposisyon na sinulat ni Saint - Saens para sa hindi ganoong mga karaniwang kombinasyon ng mga instrumento, kabilang ang sikat "Organ" symphony No. 3, tunog sa pelikulang "Babe".

Naimpluwensyahan ng musika ng Saint - Saens ang gawa ng ibang mga kompositor ng Pransya, kasama Gabriel Magpakailanman. Ang binata na ito ay minana ang posisyon ng organista sa simbahan ng Paris ng Saint Magdalene, na dating sinakop ng Saint - Saens.

At kahit na ang talento ni Foret ay hindi maihahambing sa talento ng kanyang guro, siya ay isang mahusay na pianista.

Si Faure ay hindi isang mayaman na tao at sa gayon ay nagtatrabaho nang husto, naglalaro ng organ, nangunguna sa koro at nagbibigay ng mga aralin. Siya ay nakatuon sa pagsulat sa kanyang ekstrang oras, na napakaliit, ngunit, sa kabila nito, pinamamahalaan niyang mag-publish ng higit sa dalawang daan at limampu ng kanyang mga gawa. Ang ilan sa mga ito ay binubuo sa napakatagal na panahon: halimbawa, magtrabaho Requiem tumagal ng higit sa dalawampung taon.

Noong 1905 si Fauré ay naging direktor ng Conservatory ng Paris, iyon ay, ang taong pinagbigyan ng pag-unlad ng musika ng Pransya noong panahong iyon. Matapos ang labinlimang taon, nagretiro si Fauré. Sa pagtatapos ng kanyang buhay ay nagdusa siya sa pagkawala ng pandinig.

Ngayon ang Foret ay iginagalang sa labas ng Pransya, bagaman doon siya pinapahalagahan.

Para sa mga tagahanga ng musika sa Ingles, ang hitsura ng tulad ng isang bilang Si Edward Elgar, dapat na tila isang tunay na himala. Maraming mga istoryador ng musika ang tinutukoy sa kanya bilang kauna-unahang makabuluhang tagasulat ng Ingles pagkatapos ni Henry Purcell, na nagsulat noong panahon ng Baroque, bagaman nabanggit namin noon si Arthur Sullivan.

Si Elgar ay gustung-gusto ng England, lalo na ang kanyang katutubong Worcestershire, kung saan ginugol niya ang karamihan sa kanyang buhay sa paghahanap ng inspirasyon sa mga larangan ng Molvern Hills.

Bilang isang bata, napapalibutan siya ng musika kahit saan: ang kanyang ama ay nagmamay-ari ng isang lokal na tindahan ng musika at tinuruan ang maliit na Elgar na maglaro ng iba't ibang mga instrumento sa musika. Sa edad na labindalawa, pinalitan na ng batang lalaki ang organista sa mga serbisyo sa simbahan.

Matapos magtrabaho sa tanggapan ng isang abogado, nagpasya si Elgar na italaga ang kanyang sarili sa isang hindi gaanong maaasahang trabaho mula sa isang pananaw sa pananalapi. Para sa ilang oras na nagtatrabaho siya ng part-time, nagbibigay ng mga aralin sa violin at piano, naglalaro sa mga lokal na orkestra at kahit na nagsasagawa ng kaunti.

Unti-unti, ang katanyagan ni Elgar bilang isang kompositor ay lumago, bagaman kailangan niyang pakikibaka upang gumawa ng kanyang paraan sa labas ng kanyang sariling county. Naging tanyag sila sa kanya Mga pagkakaiba-iba sa isang orihinal na tema, na ngayon ay mas kilala bilang Mga pagkakaiba-iba ng Enigma.

Ngayon ang musika ni Elgar ay napapansin bilang napaka Ingles at tunog sa panahon ng pinakamalaking mga kaganapan ng pambansang sukatan. Sa mga unang tunog nito Concerto para sa cello ang kanayunan ng Ingles ay agad na ipinakita. Nimrod ng Mga pagkakaiba-iba ay madalas na nilalaro sa mga opisyal na seremonya, at Solemn at seremonyal na martsa No. 1, kilala bilang Isang lupain ng pag-asa at kaluwalhatian ginanap sa prom night sa buong UK.

Si Elgar ay isang tao sa pamilya at mahal ang isang mahinahon, maayos na buhay. Gayunpaman, iniwan niya ang kanyang marka sa kasaysayan. Ang kompositor na ito na may isang makapal, mababad na bigote ay maaaring mapansin agad sa dalawampu't libong tala. Malinaw, naisip ng mga taga-disenyo ng bangko na ang facial hair ay napakahirap upang peke.

Sa Italya, ang kahalili ni Giuseppe Verdi sa operatic art ay naging Giacomo Puccini, itinuturing na isa sa mga kinikilala na masters ng mundo ng form na sining na ito.

Ang pamilyang Puccini ay matagal nang nauugnay sa musika ng simbahan, ngunit nang unang marinig ni Giacomo ang opera Aida Si Verdi, napagtanto niya na ito ang kanyang tungkulin.

Matapos mag-aral sa Milan, nag-compose si Puccini ng isang opera Manon Lescaut, na nagdala sa kanya ng kanyang unang dakilang tagumpay sa 1893. Pagkatapos nito, ang isang matagumpay na produksiyon ay sumunod sa isa pa: Bohemia noong 1896, Pangarap sa 1900 at Madame Butterfly noong 1904.

Sa kabuuan, si Puccini ay binubuo ng labingdalawang mga opera, ang pinakahuli nito Turandot. Namatay siya nang hindi nakumpleto ang gawaing ito, at isa pang kompositor ang nakumpleto ang gawain. Sa pangunahin ng opera, ang konduktor na si Arturo Toscanini ay tumigil sa orkestra nang eksakto kung saan huminto si Puccini. Lumingon siya sa madla at sinabi:

Sa pagkamatay ni Puccini, natapos ang heyday ng Italian operatic art. Ang mga kompositor ng opera ng Italya ay hindi na mababanggit sa aming libro. Ngunit sino ang nakakaalam kung ano ang hinaharap para sa atin?

Sa buhay Gustav Mahler ay mas kilala bilang isang conductor kaysa sa isang kompositor. Nagsagawa siya sa taglamig, at sa tag-araw, bilang isang panuntunan, ginusto na makisali sa pagsulat.

Sinasabing bilang isang bata, natagpuan ni Mahler ang isang piano sa attic ng bahay ng kanyang lola. Pagkalipas ng apat na taon, sa edad na sampung, binigyan na niya ang kanyang unang pagganap.

Nag-aral si Mahler sa Vienna Conservatory, kung saan nagsimula siyang sumulat ng musika. Noong 1897 siya ay naging director ng Vienna State Opera at sa susunod na sampung taon ay nagkamit ng malaking katanyagan sa larangan na ito.

Siya mismo ang nagsimulang magsulat ng tatlong mga operas, ngunit hindi niya ito natapos. Sa ating panahon, kilala siya lalo na bilang isang kompositor ng symphonies. Sa ganitong genre, nagmamay-ari siya ng isa sa totoong "hit" - Symphony Blg 8, na isinasagawa ng higit sa isang libong musikero at mang-aawit.

Matapos ang pagkamatay ni Mahler, ang kanyang musika ay lumabas sa fashion sa loob ng limampung taon, ngunit sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay muling nabuo ang katanyagan, lalo na sa UK at USA.

Richard Strauss ay ipinanganak sa Alemanya at hindi kabilang sa dinastiya ng Viennese Strauss. Sa kabila ng katotohanan na ang kompositor na ito ay nanirahan sa halos buong unang kalahati ng ika-20 siglo, itinuturing pa rin siyang kinatawan ng romanticismismong Aleman.

Ang popularidad ni Richard Strauss sa buong mundo ay nagdusa nang dahil sa siya ay nagpasya na manatili sa Alemanya pagkatapos ng 1939, at pagkatapos ng World War II ay inakusahan pa siyang makipagtulungan sa mga Nazi.

Si Strauss ay isang mahusay na conductor, salamat kung saan lubos niyang naintindihan kung paano dapat tunog ang isa o ibang instrumento sa isang orkestra. Madalas niyang inilapat ang kaalamang ito sa pagsasagawa. Nagbigay din siya ng iba't ibang payo sa iba pang mga kompositor, tulad ng:

"Huwag tumingin sa mga trombon, pinasisigla mo lang sila."

"Huwag pawis habang gumaganap; ang mga tagapakinig lamang ang dapat mag-init. "

Ngayon, ang Strauss ay naaalala lalo na may kaugnayan sa kanyang komposisyon Ganito ang nagsalita Zarathustra, ang pagpapakilala kung saan ginamit ni Stanley Kubrick sa kanyang 2001 film na Isang Space Odyssey. Ngunit isinulat din niya ang ilan sa mga pinakamahusay na mga operasyong Aleman, bukod sa mga ito - Knight of the Rose, Salome at Ariadne sa Naxos. Isang taon bago siya namatay, nag-compose rin siya ng napakaganda Apat na huling kanta para sa boses at orkestra. Sa pangkalahatan, ito ay hindi ang pinakabagong mga kanta ng Strauss, ngunit sila ay naging isang uri ng finale ng kanyang malikhaing aktibidad.

Hanggang ngayon, sa mga kompositor na nabanggit sa librong ito, mayroon lamang isang kinatawan ng Scandinavia - Edvard Grieg. Ngunit ngayon kami ay dinala muli sa malupit at malamig na lupain na ito - sa oras na ito sa Finland, kung saan tayo ay isinilang Jan Sibelius, mahusay na henyo ng musika.

Ang musika ni Sibelius ay sumisipsip sa mga alamat at alamat ng kanyang sariling bayan. Ang kanyang pinakadakilang gawain Finland, ay itinuturing na sagisag ng pambansang espiritu ng Finns, tulad ng mga gawa ni Elgar ay kinikilala bilang isang pambansang kayamanan sa Great Britain. Bukod dito, si Sibelius, tulad ni Mahler, ay isang tunay na master ng symphonies.

Tulad ng para sa iba pang mga pagkagumon ng kompositor, sa kanyang pang-araw-araw na buhay siya ay labis na gumon sa pag-inom at paninigarilyo, upang sa edad na apatnapu't siya ay nagkasakit ng kanser sa lalamunan. Madalas din siyang walang sapat na pera, at ang estado ay nagbigay sa kanya ng isang pensiyon upang maaari siyang magpatuloy sa pagsusulat ng musika nang hindi nababahala tungkol sa kanyang kagalingan sa pananalapi. Ngunit higit sa dalawampung taon bago ang kanyang pagkamatay, tumigil si Sibelius na gumawa ng anumang bagay. Nabuhay siya sa natitirang buhay niya sa kamag-anak na nag-iisa. Marahas na nagsalita siya tungkol sa mga nakatanggap ng pera para sa mga pagsusuri ng kanyang musika:

"Huwag pansinin ang sinasabi ng mga kritiko. Hanggang ngayon, hindi isang solong kritiko ang nabigyan ng isang estatwa. "

Ang pinakahuli sa aming listahan ng mga kompositor ng panahon ng Romantiko ay nakaligtas din hanggang sa kalagitnaan ng ika-20 siglo, kahit na isinulat niya ang karamihan sa kanyang pinakatanyag na mga gawa noong 1900. At gayon pa man siya ay niraranggo sa mga romantika, at tila sa amin na ito ang pinaka romantiko na kompositor ng buong pangkat.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov ipinanganak sa isang marangal na pamilya, na sa oras na iyon ay gumugol ng maraming pera. Ang kanyang interes sa musika ay ipinahayag mismo sa pagkabata, at ipinadala siya ng kanyang mga magulang upang mag-aral, una sa St. Petersburg, at pagkatapos ay sa Moscow.

Si Rachmaninov ay isang nakakagulat na musikero sa talento, at gumawa din siya ng isang kamangha-manghang kompositor.

Pag-aari Piano Concerto No. 1 sumulat siya noong labing siyam. Natagpuan niya ang oras para sa kanyang unang opera, Aleko.

Ngunit ang mahusay na musikero na ito, bilang panuntunan, ay hindi partikular na nalulugod sa buhay. Sa maraming mga larawan, nakikita natin ang isang galit, nakakalokong tao. Ang isa pang kompositor ng Ruso, si Igor Stravinsky, ay muling sinabi:

"Ang walang kamatayang kakanyahan ng Rachmaninoff ay ang kanyang nakasimangot. Siya ay anim at kalahating talampakan ... nakasimangot na tao. "

Kapag ang batang Rachmaninoff ay naglaro para sa Tchaikovsky, labis siyang natuwa kaya inilagay niya ang isang A na may apat na mga plus sa sheet ng kanyang puntos - ang pinakamataas na marka sa kasaysayan ng Moscow Conservatory. Sa lalong madaling panahon ang buong lungsod ay nagsimulang makipag-usap tungkol sa batang talento.

Gayunpaman, ang kapalaran ay nanatiling hindi kanais-nais sa musikero sa loob ng mahabang panahon.

Malupit ang mga kritiko tungkol sa kanyang Symphonies No. 1, na ang pangunahin natapos sa kabiguan. Nagbigay ito ng Rachmaninov ng mabigat na emosyonal na pagkabalisa, nawalan siya ng pananampalataya sa kanyang lakas at sa pangkalahatan ay hindi makakapagsulat ng anupaman.

Sa huli, ang tulong lamang ng isang may karanasan na psychiatrist na si Nikolai Dahl na pinahihintulutan siyang makalabas sa krisis. Sa pamamagitan ng 1901, natapos ni Rachmaninoff ang piano concerto, na pinaghirapan niya nang maraming taon, at kung saan nakatuon siya kay Dr. Dahl. Sa pagkakataong ito, binati ng tagapakinig ang gawain ng kompositor. Dahil Concerto para sa Piano at Orchestra No. 2 ay naging isang minamahal na klasikong ginampanan ng iba't ibang mga pangkat ng musikal sa buong mundo.

Sinimulan ni Rachmaninov ang paglibot sa Europa at USA. Pagbalik sa Russia, isinagawa at binubuo niya.

Matapos ang rebolusyon ng 1917, si Rachmaninov at ang kanyang pamilya ay nagtungo sa mga konsyerto sa Scandinavia. Hindi na siya umuwi. Sa halip, lumipat siya sa Switzerland, kung saan bumili siya ng bahay sa baybayin ng Lake Lucerne. Laging minamahal niya ang mga reservoir at ngayon, nang siya ay naging isang medyo mayaman, makakaya niyang makapagpahinga sa pampang at humanga sa pambungad na tanawin.

Si Rachmaninoff ay isang mahusay na conductor at palaging nagbigay ng sumusunod na payo sa mga nais na manguna sa larangan na ito:

"Ang isang mahusay na conductor ay dapat na isang mahusay na chauffeur. Pareho ang nangangailangan ng parehong mga katangian: konsentrasyon, tuluy-tuloy na matinding pansin at pagkakaroon ng isip. Kailangan lang malaman ng conductor ang musika nang kaunti ... "

Noong 1935, nagpasya si Rachmaninoff na manirahan sa Estados Unidos. Una siyang nanirahan sa New York, at pagkatapos ay lumipat sa Los Angeles. Doon ay sinimulan niyang magtayo ng isang bagong bahay para sa kanyang sarili, na ganap na magkapareho sa isa na iniwan niya sa Moscow.

Turchin, VS

Tatlong Mga Subskripsyon ng Pagmamahal Sa pag-scroll mo sa aming libro, mapapansin mo na ito ang pinakamalaki sa lahat ng mga kabanata nito, na binabanggit ang hindi bababa sa tatlumpu't pitong kompositor. Marami sa kanila ang nanirahan at nagtrabaho nang sabay-sabay sa iba't ibang mga bansa. Samakatuwid, hinati namin ang kabanatang ito sa tatlong mga seksyon: "Maaga