Portrait at mga uri ng portrait. Ano ang mga uri ng portrait? Kasaysayan ng genre at modernidad

Mga genre
sining biswal
Larawan
Mga species at uri
portrait.
Paglalarawan ng portrait.
May-akda:
© Kuprina Evgenia Vladimirovna
MHC at guro ng kasaysayan
sining biswal
MOU school number 124 g.o. Samara

Larawan

Pagsusuri ng Portrait

Uri ng sining kung saan nabibilang ang portrait

Layunin ng portrait

Bilang ng mga character sa larawan

Portrait na mga character

Ang posisyon ng karakter sa larawan

Ang posisyon ng karakter sa larawan

Ang posisyon ng karakter sa larawan

Ang posisyon ng karakter sa larawan

Ang posisyon ng karakter sa larawan

Ang posisyon ng karakter sa larawan

Pag-ikot ng ulo ng character

Pagsusuri ng Portrait

PORTRAIT ANALYSIS. Mga gawain.

Sa post ngayon, nais kong mag-dwell sa isang maikling kasaysayan ng pag-unlad ng portraiture. Hindi posible na ganap na masakop ang lahat ng materyal sa paksang ito sa limitadong dami ng post, kaya hindi ako nagtakda ng ganoong gawain.

Isang maikling digression sa kasaysayan ng portraiture

Larawan(mula sa French portrait) - ito ay isang genre ng fine art, pati na rin ang mga gawa ng genre na ito na nagpapakita ng hitsura ng isang partikular na tao. Ang portrait ay naghahatid ng mga indibidwal na katangian, mga natatanging tampok na likas sa isang modelo lamang (ang isang modelo ay isang tao na nag-pose para sa isang master habang nagtatrabaho sa isang gawa ng sining).

"Parisiano". Fresco mula sa Palasyo ng Knossos, ika-16 na siglo BC

Pero Ang panlabas na pagkakatulad ay hindi lamang at, marahil, hindi ang pinakamahalagang pag-aari na likas sa isang larawan . Ang isang tunay na pintor ng portrait ay hindi limitado sa muling paggawa ng mga panlabas na tampok ng kanyang modelo, nagsusumikap siya ihatid ang mga katangian ng kanyang pagkatao, ihayag ang kanyang panloob, espirituwal na mundo . Napakahalaga din na ipakita ang katayuan sa lipunan ng taong inilalarawan, upang lumikha ng isang tipikal na imahe ng isang kinatawan ng isang tiyak na panahon.
Bilang isang genre, lumitaw ang portrait ilang millennia na ang nakalipas sa sinaunang sining. Kabilang sa mga fresco ng sikat na Knossos Palace, na natagpuan ng mga arkeologo sa panahon ng mga paghuhukay sa isla ng Crete, mayroong isang bilang ng mga nakamamanghang larawan ng babae na itinayo noong ika-16 na siglo BC. Bagama't tinawag ng mga mananaliksik ang mga larawang ito na "mga binibini sa korte", hindi natin alam kung sino ang sinubukang ipakita ng mga panginoong Cretan - mga diyosa, pari o marangal na kababaihan na nakadamit ng mga eleganteng damit.
Ang pinakatanyag ay ang larawan ng isang kabataang babae, na tinawag ng mga siyentipiko na "Parisian". Nakikita namin sa harap namin ang isang profile (ayon sa mga tradisyon ng sining noong panahong iyon) na imahe ng isang batang babae, napaka-coquettish at hindi nagpapabaya sa makeup, na pinatunayan ng kanyang madilim na rimmed na mga mata at maliwanag na pininturahan na mga labi.
Ang mga artista na lumikha ng mga larawan ng fresco ng kanilang mga kontemporaryo ay hindi napagmasdan ang mga katangian ng mga modelo, at ang panlabas na pagkakapareho sa mga larawang ito ay napaka-kamag-anak.

"Portrait of a young Roman", unang bahagi ng ika-3 siglo AD

Sa Ancient Greece at Ancient Rome, ang easel painting ay hindi umiiral, kaya ang sining ng portraiture ay ipinahayag pangunahin sa iskultura. Ang mga sinaunang master ay lumikha ng mga plastik na larawan ng mga makata, pilosopo, pinuno ng militar at mga pulitiko. Ang mga gawa na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng idealization, at sa parehong oras, ang mga imahe na napaka-tumpak sa kanilang mga sikolohikal na katangian ay matatagpuan din sa kanila.
Malaking interes ang mga nakamamanghang larawang nilikha sa Egypt noong ika-1-4 na siglo AD. Ayon sa lugar ng pagtuklas (ang mga libingan ng Khavara sa hilaga ng Cairo at ang nekropolis ng Fayum oasis, na tinawag na Arsinoe sa ilalim ng Ptolemy), tinawag silang Fayum. Ang mga larawang ito ay nagsagawa ng mga ritwal at mahiwagang pag-andar. Lumitaw sila sa panahon ng Hellenistic, nang ang Sinaunang Ehipto ay nakuha ng mga Romano. Ang mga larawang ito ng larawan, na ginawa sa mga tabla na gawa sa kahoy o sa canvas, ay inilagay kasama ng mummy sa libingan ng namatay.
Sa mga larawan ng Fayum, makikita natin ang mga Egyptian, Syrians, Nubians, Jews, Greeks at Romans na nanirahan sa Egypt noong ika-1-4 na siglo AD. Mula sa Sinaunang Roma hanggang Ehipto, ang kaugalian ay dumating upang panatilihin ang mga larawan ng mga may-ari na ipininta sa mga tabla na gawa sa kahoy, pati na rin ang mga sculptural mask ng mga namatay na kamag-anak, sa bahay.

Larawan ng isang Fayum mummy

Ang mga larawan ng Fayum ay nilikha gamit ang tempera o encaustic technique, na partikular na katangian ng mga naunang larawan. Ang Encaustic ay pagpipinta gamit ang mga pintura, kung saan ang pangunahing link ay waks. Gumamit ang mga artista ng mga tinunaw na pintura ng waks (ang mga bakas ng pagtulo ng gayong mga pintura ay napanatili sa maraming tabla na may mga larawang nakalarawan). Ang ganitong pamamaraan ay nangangailangan ng mga espesyal na pamamaraan. Sa mga lugar ng pisngi, baba at ilong, ang pintura ay inilapat sa mga siksik na layer, at ang natitirang bahagi ng mukha at buhok ay pininturahan ng mas likidong pintura. Gumamit ang mga master ng maninipis na tabla ng sikomoro (mulberry fig tree) at Lebanese cedar para sa mga portrait.

G. Bellini. Larawan ng Donor. Fragment

Kabilang sa mga pinakatanyag na encaustic portrait ay ang "Portrait of a Man" (second half of the 1st century AD) at "Portrait of an Elderly Man" (end of the 1st century AD), na mga panghabambuhay na larawan. Sa mga gawang ito, kapansin-pansin ang mahusay na light-and-shadow modeling at ang paggamit ng color reflex. Marahil, ang mga master na nagpinta ng mga larawan, na hindi namin alam, ay dumaan sa Hellenistic na paaralan ng pagpipinta. Dalawang iba pang mga pagpipinta ang ginawa sa parehong paraan - "Portrait of a Nubian" at isang magandang imahe ng babae, ang tinatawag. "Lady Alina" (ika-2 siglo AD). Ang huling portrait ay ginawa sa canvas na may brush at likidong tempera.
Sa panahon ng Middle Ages, kapag ang sining ay nasasakop sa simbahan, higit sa lahat ang mga relihiyosong imahe ay nilikha sa pagpipinta. Ngunit kahit na sa oras na ito, ang ilang mga artist ay nagpinta ng mga sikolohikal na tumpak na larawan. Ang mga larawan ng mga donor (donor, customer), na madalas na ipinapakita sa profile, na nakaharap sa Diyos, ang Madonna o isang santo, ay malawakang ginagamit. Ang mga larawan ng mga donor ay may walang alinlangan na panlabas na pagkakahawig sa mga orihinal, ngunit hindi lumampas sa mga iconographic na canon, na gumaganap ng pangalawang papel sa komposisyon. Ang mga larawan sa profile na nagmumula sa icon ay nagpapanatili ng kanilang mga nangingibabaw na posisyon kahit na ang larawan ay nagsimulang magkaroon ng independiyenteng kahalagahan.
Ang kasagsagan ng portrait genre ay nagsimula sa Renaissance, nang ang pangunahing halaga ng mundo ay isang aktibo at may layunin na tao, na nagawang baguhin ang mundong ito at sumalungat sa mga posibilidad. Noong ika-15 siglo, nagsimula ang mga artista na lumikha ng mga independiyenteng larawan, na nagpakita ng mga modelo laban sa backdrop ng mga malalawak na maringal na landscape. Ganito ang "Portrait of a Boy" ni B. Pinturicchio.

B. Pinturicchio. "Portrait of a Boy", Art Gallery, Dresden

Gayunpaman, ang pagkakaroon ng mga fragment ng kalikasan sa mga larawan ay hindi lumilikha ng integridad, pagkakaisa ng isang tao at ng mundo sa paligid niya, ang taong inilalarawan ay tila nakakubli sa natural na tanawin. Sa mga larawan lamang ng ika-16 na siglo lumilitaw ang pagkakaisa, isang uri ng microcosm.

Maraming sikat na masters ng Renaissance ang bumaling sa portraiture, kasama sina Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci. Ang pinakadakilang gawa ng sining sa mundo ay ang sikat na obra maestra ni Leonardo - ang portrait na "Mona Lisa" ("La Gioconda", c. 1503), kung saan maraming mga portrait painters ng mga susunod na henerasyon ang nakakita ng isang huwaran.
Ang isang malaking papel sa pagbuo ng European portrait genre ay ginampanan ni Titian, na lumikha ng isang buong gallery ng mga imahe ng kanyang mga kontemporaryo: mga makata, siyentipiko, klero, pinuno. Sa mga gawaing ito, ang mahusay na master ng Italyano ay kumilos bilang isang banayad na psychologist at isang mahusay na connoisseur ng kaluluwa ng tao.

Titian: Empress Isabella ng Portugal.

Sa panahon ng Renaissance, maraming mga artista na lumikha ng altar at mythological compositions ang bumaling sa portrait genre. Ang mga sikolohikal na larawan ng Dutch na pintor na si Jan van Eyck ("Timothy", 1432; "The Man in the Red Turban", 1433) ay nakikilala sa pamamagitan ng isang malalim na pagtagos sa panloob na mundo ng modelo. Ang kinikilalang master ng portrait genre ay ang German artist na si Albrecht Dürer, na ang mga self-portraits ay natutuwa pa rin sa madla at nagsisilbing halimbawa para sa mga artist.

Albrecht Dürer, Self-portrait

Sa panahon ng Renaissance, lumitaw ang iba't ibang anyo ng portraiture sa pagpipinta ng Europa. Ang bust portrait ay napaka-tanyag sa oras na iyon, kahit na kalahating haba, generational na mga imahe at full-length na mga portrait ay lumitaw din. Ang mga marangal na mag-asawa ay nag-order ng mga ipinares na larawan, kung saan ang mga modelo ay inilalarawan sa iba't ibang mga canvases, ngunit ang parehong mga komposisyon ay pinagsama ng isang karaniwang konsepto, kulay, at background ng landscape. Ang isang matingkad na halimbawa ng magkapares na larawan ay ang mga larawan ng Duke at Duchess ng Urbino (Federigo da Montefeltro at Battista Sforza, 1465), na nilikha ng pintor na Italyano na si Piero della Francesca.
Ang mga larawan ng grupo ay malawakang ginagamit, nang ang artist ay nagpakita ng ilang mga modelo sa isang canvas. Ang isang halimbawa ng naturang gawain ay ang "Portrait of Pope Paul III with Alessandro and Ottavio Farnese" (1545-1546) ni Titian.

Ayon sa likas na katangian ng imahe, ang mga portrait ay nagsimulang nahahati sa seremonyal at intimate. Ang una ay nilikha na may layuning itaas at luwalhatiin ang mga taong kinakatawan sa kanila. Ang mga seremonyal na larawan ay iniutos mula sa mga sikat na artista ng mga namumunong tao at mga miyembro ng kanilang mga pamilya, courtiers, clergymen, na sumasakop sa itaas na baitang ng hierarchical ladder.
Lumilikha ng mga seremonyal na larawan, ang mga pintor ay naglalarawan ng mga lalaking may mayayamang uniporme na may burda ng ginto. Ang mga kababaihan na nag-pose para sa artist ay nagsuot ng pinaka-marangyang damit at pinalamutian ang kanilang sarili ng mga alahas. Ang background ay gumanap ng isang espesyal na papel sa naturang mga larawan. Ipininta ng mga master ang kanilang mga modelo laban sa background ng landscape, mga elemento ng arkitektura (mga arko, mga haligi) at luntiang mga kurtina.
Ang pinakamalaking master ng ceremonial portrait ay ang Fleming P.P. Rubens, na nagtrabaho sa mga maharlikang korte ng maraming estado. Ang kanyang mga maharlika at mayayamang kapanahon ay nangarap na ang pintor ay mahuli sila sa kanyang mga canvases. Ang mga custom-made na portrait ni Rubens, na kapansin-pansin sa kanilang kayamanan ng mga kulay at husay sa pagguhit, ay medyo perpekto at malamig. Ang mga larawan ng mga kamag-anak at kaibigan na nilikha ng artist para sa kanyang sarili ay puno ng mainit at taos-pusong damdamin, wala silang pagnanais na purihin ang modelo, tulad ng sa mga pormal na larawan para sa mayayamang customer.

Ang mag-aaral at tagasunod ni Rubens ay ang mahuhusay na pintor ng Flemish na si A. van Dyck, na lumikha ng isang gallery ng mga larawan ng portrait ng kanyang mga kontemporaryo: mga siyentipiko, abogado, doktor, artista, mangangalakal, pinuno ng militar, klero, courtier. Ang mga makatotohanang larawang ito ay banayad na naghahatid ng indibidwal na pagiging natatangi ng mga modelo.
Ang mga larawang ginawa ni van Dyck noong huling bahagi ng panahon, nang magtrabaho ang artista sa korte ng hari ng Ingles na si Charles, ay hindi gaanong perpekto sa sining, dahil ang master, na nakatanggap ng maraming mga order, ay hindi nakayanan ang mga ito at ipinagkatiwala ang imahe ng ilang mga detalye sa kanyang mga katulong. Ngunit kahit na sa panahong ito, nagpinta si van Dyck ng ilang medyo matagumpay na mga pagpipinta (Louvre portrait of Charles I, c. 1635; Three Children of Charles I, 1635).

A. van Dyck. "Ang Tatlong Anak ni Charles I", 1635, Royal Collection, Windsor Castle

Noong ika-17 siglo, ang isang mahalagang lugar sa pagpipinta ng Europa ay inookupahan ng isang matalik na larawan (silid), ang layunin kung saan ay ipakita ang estado ng pag-iisip ng isang tao, ang kanyang mga damdamin at damdamin. Ang kinikilalang master ng ganitong uri ng portrait ay ang Dutch artist na si Rembrandt, na nagpinta ng maraming taos-pusong mga imahe. Ang "Larawan ng isang matandang babae" (1654), "Larawan ng anak ni Titus na nagbabasa" (1657), "Hendrikje Stoffels sa bintana" (larawan ng pangalawang asawa ng artista, c. 1659) ay puno ng taos-pusong pakiramdam. Ang mga akdang ito ay inihaharap sa manonood ng mga ordinaryong tao na walang mga ninuno na marangal o kayamanan. Ngunit para kay Rembrandt, na nagbukas ng isang bagong pahina sa kasaysayan ng genre ng portrait, mahalagang ihatid ang kabaitan ng kanyang modelo, ang kanyang tunay na mga katangian ng tao.

Hindi kilalang artista. Parsuna "Sovereign of All Russia Ivan IV the Terrible", huling bahagi ng ika-17 siglo.

Ang kahusayan ni Rembrandt ay ipinakita rin sa kanyang malalaking format na mga larawan ng grupo (Night Watch, 1642; Sindics, 1662), na naghahatid ng iba't ibang ugali at matingkad na personalidad ng tao.
Isa sa mga pinaka-kapansin-pansing European portrait painters noong ika-17 siglo ay ang Espanyol na pintor na si D. Velasquez, na nagpinta hindi lamang ng napakaraming seremonyal na larawan na kumakatawan sa mga haring Espanyol, kanilang mga asawa at mga anak, kundi pati na rin ng ilang larawan ng silid ng mga ordinaryong tao. Ang mga kalunos-lunos na larawan ng mga dwarf sa korte ay tinutugunan sa pinakamagagandang damdamin ng manonood - matalino at pinigilan o may sama ng loob, ngunit palaging pinapanatili ang isang pakiramdam ng dignidad ng tao ("Portrait of the Jester Sebastiano Mora", ca. 1648).

Ang portrait genre ay higit na binuo noong ika-18 siglo. Ang portrait, hindi katulad ng landscape, ay nagbigay ng magandang kita sa mga artista. Maraming mga pintor na kasangkot sa paglikha ng mga seremonyal na larawan, na sinusubukang purihin ang isang mayaman at marangal na customer, sinubukang i-highlight ang pinaka-kaakit-akit na mga tampok ng kanyang hitsura at itago ang mga pagkukulang.
Ngunit ang pinaka matapang at mahuhusay na manggagawa ay hindi natatakot sa galit ng mga pinuno at ipinakita sa mga tao kung ano talaga sila, hindi itinatago ang kanilang mga pisikal at moral na pagkukulang. Sa ganitong diwa, ang sikat na "Portrait of the Family of King Charles IV" (1801) ng sikat na Espanyol na pintor at graphic artist na si F. Goya ay kawili-wili. Ang National School of Portraiture ay nagmula sa England. Ang pinakamalaking kinatawan nito ay ang mga artistang sina J. Reynolds at T. Gainsborough, na nagtrabaho noong ika-18 siglo. Ang kanilang mga tradisyon ay minana ng mga nakababatang English masters: J. Romney, J. Hopner, J. Opie.
Ang isang mahalagang lugar ay inookupahan ng larawan sa sining ng France. Ang isa sa mga pinaka mahuhusay na artista ng ikalawang kalahati ng ika-18 - ang unang quarter ng ika-19 na siglo ay si J.L. Si David, na lumikha, kasama ang mga pagpipinta ng sinaunang at makasaysayang genre, ng maraming magagandang larawan. Kabilang sa mga obra maestra ng master ay isang hindi pangkaraniwang nagpapahayag na imahe ni Madame Recamier (1800) at isang romantikong nakataas na larawan ni Napoleon Bonaparte sa St. Bernard Pass (1800).

Ang isang hindi maunahang master ng portrait genre ay si J.O.D. Si Ingres, na niluwalhati ang kanyang pangalan sa mga seremonyal na larawan, na nakikilala sa pamamagitan ng makikinig na mga kulay at magagandang linya.
Ang mga magagandang halimbawa ng isang romantikong larawan ay ipinakita sa mundo ng mga artistang Pranses gaya ng T. Gericault, E. Delacroix.
Ang mga realistang Pranses (J.F. Millet, C. Corot, G. Courbet), mga impresyonista (E. Degas, O. Renoir) at mga post-impressionist (P. Cezanne, V. van Gogh) ay nagpahayag ng kanilang saloobin sa buhay at sining sa mga larawan.
Ang mga kinatawan ng mga modernistang kilusan na lumitaw noong ika-20 siglo ay bumaling din sa portrait genre. Maraming portrait ang iniwan sa amin ng sikat na French artist na si Pablo Picasso. Mula sa mga gawaing ito, maaaring masubaybayan kung paano nabuo ang gawain ng master mula sa tinatawag na. asul na panahon hanggang kubismo.

Sa kanyang "Blue Period" (1901-1904), lumilikha siya ng mga portrait at uri ng genre, kung saan binuo niya ang tema ng kalungkutan, kalungkutan, ang kapahamakan ng isang tao, na tumagos sa espirituwal na mundo ng bayani at sa kanyang pagalit na kapaligiran. Ganito ang larawan ng kaibigan ng artista - ang makata na si X. Sabartes (1901, Moscow, Pushkin Museum).

Ang isang makabuluhang kontribusyon sa pagbuo ng larawang Ruso ay ginawa ng mahuhusay na artista ng unang kalahati ng ika-18 siglo, I.N. Si Nikitin, na, na may husay ng isang psychologist, ay nagpakita sa kanyang "Portrait of an Outdoor Hetman" (1720s) ng isang kumplikado, multifaceted na imahe ng isang tao noong panahon ni Petrine.

Ang pagpipinta ng ikalawang kalahati ng ika-18 siglo ay nauugnay sa mga pangalan ng mga sikat na pintor ng portrait bilang F.S. Si Rokotov, na lumikha ng maraming espiritwal na imahe ng kanyang mga kontemporaryo (larawan ni V.I. Maikov, c. 1765), D.G. Levitsky, ang may-akda ng magagandang seremonyal at mga larawan ng silid na naghahatid ng integridad ng likas na katangian ng mga modelo (mga larawan ng mga mag-aaral ng Smolny Institute, c. 1773-1776), V.L. Borovikovsky, na ang mga kamangha-manghang liriko na larawan ng mga kababaihan ay natutuwa pa rin sa mga manonood.

Borovikovsky, Vladimir Lukich: Larawan ni Elena Alexandrovna Naryshkina.

Ang 1860s-1870s ay ang oras ng pagbuo ng realismo sa pagpipinta ng Russia, na pinaka-malinaw na ipinakita sa gawain ng mga Wanderers. Sa panahong ito, sa portrait genre, ang portrait-type ay nagtamasa ng mahusay na tagumpay sa gitna ng demokratikong pag-iisip ng publiko, kung saan ang modelo ay nakatanggap hindi lamang ng isang sikolohikal na pagtatasa, ngunit isinasaalang-alang din mula sa punto ng view ng kanyang lugar sa lipunan. Sa ganitong mga gawa, ang mga may-akda ay nagbigay ng pantay na atensyon sa parehong indibidwal at tipikal na mga tampok ng mga paksang inilalarawan.
Ang isang halimbawa ng naturang portrait-type ay ipininta noong 1867 ng artist na si N.N. Ge portrait ng A.I. Herzen. Sa pagtingin sa mga larawan ng demokratikong manunulat, mauunawaan ng isang tao kung gaano katumpak na nakuha ng master ang panlabas na pagkakahawig. Ngunit ang pintor ay hindi tumigil doon, nakuha niya sa canvas ang espirituwal na buhay ng isang taong nagsusumikap na makamit ang kaligayahan para sa kanyang mga tao sa pakikibaka. Sa imahe ni Herzen, ipinakita ni Ge ang kolektibong uri ng pinakamahusay na mga tao sa kanyang panahon.

N.N. Ge portrait ng A.I. Herzen

Ang mga tradisyon ng portraiture ni Ge ay kinuha ng mga masters gaya ni V.G. Perov (larawan ni F.M. Dostoevsky, 1872), I.N. Kramskoy (larawan ni L.N. Tolstoy, 1873). Ang mga artist na ito ay lumikha ng isang buong gallery ng mga larawan ng kanilang mga natitirang kapanahon.
Ang mga kapansin-pansing uri ng mga portrait ay ipininta ni I.E. Repin, na pinamamahalaang tumpak na ihatid ang natatanging pagkatao ng bawat tao. Sa tulong ng wastong napansin na mga kilos, postura, ekspresyon ng mukha, ang master ay nagbibigay ng isang panlipunan at espirituwal na paglalarawan ng inilalarawan. Lumilitaw ang isang makabuluhan at malakas na kalooban sa larawan ng N.I. Pirogov. Ang malalim na talento sa sining at hilig ng kalikasan ay nakikita ng manonood sa kanyang canvas na naglalarawan sa aktres na si P.A. Strepetov (1882).

Larawan ng aktres na si Pelageya Antipovna Strepetova bilang Elizabeth. 1881

Glazunov_ Portrait ni Ilya Reznik, 1999

Ang isang malaking kontribusyon sa pagbuo ng larawang Ruso ay ginawa ni A.M. Shilov ("Portrait of Academician I.L. Knunyants", 1974; "Portrait of Olya", 1974).

A.M. Shilov. "Portrait of Olya", 1974

Mga materyales na ginamit sa paghahanda ng materyal

Ang pagpipinta at pagguhit ng portrait ay nagsasabi tungkol sa isang tao, ang kanyang kagandahan, karakter at mga mithiin. Ang pintor ng larawan ay tumatalakay sa katangian ng isang tao, ang kanyang kumplikadong personalidad. Upang maunawaan ang isang tao, upang maunawaan ang kanyang kakanyahan sa hitsura, kailangan mo ng maraming buhay at propesyonal na karanasan. Ang artist ay nangangailangan ng isang malalim na kaalaman sa taong inilalarawan. Bilang karagdagan sa mga indibidwal na katangian ng taong inilalarawan, ito ay mahalaga din upang maiparating ang mga tampok na ipinapataw sa kanya ng kanyang propesyonal na kapaligiran.

Larawan(fr. portrait - image) - isang genre ng fine art na naglalarawan sa isang tao o isang grupo ng mga tao. Bilang karagdagan sa panlabas, indibidwal na pagkakatulad, sinisikap ng mga artista na ihatid ang katangian ng isang tao, ang kanyang espirituwal na mundo sa isang larawan.

Maraming uri ng portraiture. Kasama sa genre ng portrait ang: isang kalahating haba na portrait, isang bust (sa sculpture), isang full-length na portrait, isang group portrait, isang portrait sa isang interior, isang portrait laban sa isang landscape. Sa pamamagitan ng likas na katangian ng imahe, dalawang pangunahing grupo ang nakikilala: mga larawang seremonyal at silid. Bilang isang patakaran, ang isang seremonyal na larawan ay nagsasangkot ng isang buong-haba na imahe ng isang tao (sa isang kabayo, nakatayo o nakaupo). Sa isang larawan ng silid, isang kalahating haba, dibdib, imahe ng balikat ang ginagamit. Sa isang ceremonial portrait, ang figure ay karaniwang ibinibigay laban sa isang background ng arkitektura o landscape, at sa isang portrait ng silid, mas madalas laban sa isang neutral na background.

Ayon sa bilang ng mga larawan sa isang canvas, bilang karagdagan sa karaniwan, indibidwal, mayroong doble at pangkat na mga portrait. Ang ipinares ay tinatawag na mga portrait na ipininta sa iba't ibang mga canvases, kung sila ay pare-pareho sa bawat isa sa komposisyon, format at kulay. Kadalasan ito ay mga larawan ng mag-asawa. Kadalasan ang mga portrait ay bumubuo sa buong ensemble - mga gallery ng portrait.

Ang isang larawan kung saan ang isang tao ay ipinakita sa anyo ng anumang alegorikal, mitolohiya, makasaysayang, teatro o pampanitikan na karakter ay tinatawag na isang costume portrait. Ang mga pangalan ng naturang mga portrait ay karaniwang kasama ang mga salitang "sa anyo" o "sa imahe" (halimbawa, Catherine II sa anyo ng Minerva).

Ang mga larawan ay nakikilala din sa laki, halimbawa, miniature. Maaari mo ring i-highlight ang isang self-portrait - isang imahe ng artist ng kanyang sarili. Ang portrait ay naghahatid hindi lamang ng mga indibidwal na katangian ng taong inilalarawan o, gaya ng sinasabi ng mga artista, mga modelo, ngunit sumasalamin din sa panahon kung saan nabuhay ang itinatanghal na tao.

Ang sining ng portraiture ay nagsimula noong ilang millennia. Nasa sinaunang Egypt, ang mga iskultor ay lumikha ng isang medyo tumpak na pagkakahawig ng panlabas na hitsura ng isang tao. Ang estatwa ay binigyan ng pagkakahawig ng larawan upang pagkatapos ng kamatayan ng isang tao, ang kanyang kaluluwa ay maaaring lumipat dito, madaling mahanap ang may-ari nito. Ang mga magagandang larawan ng Faiyum na ginawa sa pamamaraan ng encaustic (pagpipinta ng waks) noong ika-1-4 na siglo ay nagsilbi sa parehong layunin. Ang mga idealized na larawan ng mga makata, pilosopo, pampublikong pigura ay karaniwan sa eskultura ng Sinaunang Greece. Ang pagiging totoo at tumpak na sikolohikal na mga katangian ay nakikilala sa pamamagitan ng mga sinaunang Romano na sculptural portrait bust. Sinasalamin nila ang karakter at personalidad ng isang partikular na tao.

Ang imahe ng mukha ng isang tao sa eskultura o pagpipinta ay nakakaakit ng mga artista sa lahat ng oras. Ang portrait genre ay umunlad lalo na sa Renaissance, nang ang humanistic, epektibong personalidad ng tao ay kinikilala bilang pangunahing halaga (Leonardo da Vinci, Raphael, Giorgione, Titian, Tintoretto). Pinalalalim ng mga master ng Renaissance ang nilalaman ng mga larawang portrait, pinagkalooban sila ng talino, espirituwal na pagkakaisa, at kung minsan ay panloob na drama.

Noong ika-17 siglo sa European painting, isang silid, ang matalik na larawan ay nauuna, bilang laban sa isang seremonyal, opisyal, nakakataas na larawan. Ang mga natitirang masters ng panahong ito - Rembrandt, Van Rijn, F. Hals, Van Dyck, D. Velazquez - lumikha ng isang gallery ng mga kahanga-hangang larawan ng simple, hindi kilalang mga tao, natuklasan sa kanila ang pinakamalaking kayamanan ng kabaitan at sangkatauhan.

Sa Russia, ang genre ng portrait ay nagsimulang aktibong umunlad mula sa simula ng ika-18 siglo. F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky ay lumikha ng isang serye ng mga kahanga-hangang larawan ng mga marangal na tao. Lalo na kaibig-ibig at kaakit-akit, puno ng liriko at espirituwalidad ang mga babaeng larawang ipininta ng mga artistang ito. Sa unang kalahati ng siglo XIX. ang kalaban ng portrait art ay nagiging isang mapangarapin at sa parehong oras na madaling kapitan ng kabayanihan salpok romantikong personalidad (sa mga kuwadro na gawa ng O. Kiprensky, K. Bryullov).

Ang pagbuo ng realismo sa sining ng mga Wanderers ay napakita sa sining ng portraiture. Ang mga artista na si V. Perov, I. Kramskoy, I. Repin ay lumikha ng isang buong portrait gallery ng mga natitirang kontemporaryo. Ang mga artista ay naghahatid ng mga indibidwal at tipikal na tampok ng inilalarawan, ang kanilang mga espirituwal na tampok sa tulong ng mga katangian ng ekspresyon ng mukha, postura, kilos. Ang tao ay inilalarawan sa lahat ng kanyang sikolohikal na kumplikado, at ang kanyang papel sa lipunan ay nasuri din. Noong XX siglo. pinagsasama ng portrait ang pinaka-kontrobersyal na mga uso - matingkad na makatotohanang mga indibidwal na katangian at abstract expressive deformations ng mga modelo (P. Picasso, A. Modigliani, A. Bourdelle sa France, V. Serov, M. Vrubel, S. Konenkov, M. Nesterov, P . Korin sa Russia).

Ang mga larawan ay naghahatid sa atin hindi lamang ng mga larawan ng mga tao mula sa iba't ibang panahon, na sumasalamin sa isang bahagi ng kasaysayan, ngunit nagsasalita din tungkol sa kung paano nakita ng artista ang mundo, kung paano niya tinatrato ang taong inilalarawan.

Nakatuon sa paglilipat ng imahe ng isang tao, pati na rin sa grupo ng dalawa o tatlong tao sa canvas o papel. Ang estilo na pinili ng artist ay partikular na kahalagahan. Ang pagguhit ng mukha ng isang tao sa isang portrait ay isa sa pinakamahirap na lugar sa pagpipinta. Ang master ng brush ay dapat ihatid ang mga katangian ng hitsura, emosyonal na estado, at ang panloob na mundo ng posing na tao. Tinutukoy ng laki ng isang portrait ang hitsura nito. Ang imahe ay maaaring maging bust, generational, kalahating haba o full-length. Ang pose ay nagsasangkot ng tatlong anggulo: mukha (buong mukha), i-"tatlong quarters" sa isang direksyon o sa isa pa at sa profile. Ang isang portrait bilang ay naglalaman ng walang limitasyong mga posibilidad para sa pagsasakatuparan ng mga masining na ideya. Una, ang isang sketch ay ginawa, pagkatapos ay ang pagguhit mismo.

Kasaysayan ng portrait genre

Ang pinakalumang pagtatangka upang ilarawan ang isang mukha ng tao ay nagsimula noong 27,000 taon. Ang "pintura" ay natuklasan sa isang kuweba malapit sa French city ng Angouleme. Ang portrait ay isang contour na nakabalangkas sa chalk, malabo na kahawig ng mga tampok ng mukha ng isang tao. Binalangkas ng sinaunang artista ang mga pangunahing linya ng mga mata, ilong, bibig. Nang maglaon (sa mga kuweba rin) sa Balkans at Italy, nagsimulang lumitaw ang mas malinaw at mas tiyak na mga imahe, kung saan nangingibabaw ang mga mukha na iginuhit sa profile. Likas ng tao na lumikha, ang mga mahuhusay na tao ay hindi mabubuhay nang hindi nag-iiwan ng ilang bakas. Maaari itong maging isang pattern na inilatag mula sa mga pebbles sa gitna ng isang patlang, isang inukit na palamuti sa balat ng isang puno, mukha ng isang tao na iginuhit gamit ang uling sa isang bato. Ang mga pagkakataon para sa pagkamalikhain ay marami.

mga larawang stucco

Noong unang panahon, ang portrait genre ay may kaugaliang nakapaloob sa iskultura, dahil noong sinaunang panahon ay walang mga artista na lubusang pinagkadalubhasaan ang brush at nagawang ihatid ang paglalaro ng liwanag at anino. Ang imahe ng isang mukha sa clay ay mas mahusay, at samakatuwid sa mga malalayong oras na ito ay stucco portrait na dominado. Ang sining ng pagpipinta ay lumitaw nang maglaon, nang matanto ng sangkatauhan ang pangangailangan para sa komunikasyong pangkultura.

Mga libing

Ang hitsura ng mga imahe na malapit sa pagguhit ay kabilang din sa ibang panahon, at ang mga unang larawan ay natagpuan sa sinaunang silangang mga teritoryo. Sa estado ng Egypt, naganap ang pagpapadiyos ng mga patay. Sa panahon ng libing, isang uri ng larawan ang nilikha, na kung saan ay itinuturing na isang doble ng namatay. Ang prinsipyo ng mummification ay lumitaw, at pagkatapos ay portraiture. Ang kasaysayan ng portrait genre ay naglalaman ng maraming mga halimbawa ng mga iconic na imahe sa parehong pagguhit at eskultura. Ang mga guhit ng mga mukha ng mga patay ay naging higit na katulad sa orihinal. At pagkatapos ay ang pagkopya sa mukha ng yumao sa ibang mundo ay napalitan ng maskara. Ang mga patay na Egypt ay nagsimulang ilibing sa sarcophagi, sa takip kung saan ang namatay ay inilalarawan sa buong paglaki na may magandang inilarawan sa pangkinaugalian na mukha. Ang gayong mga libing ay isinaayos nang eksklusibo para sa maharlika. Ang mga pharaoh ng Egypt, halimbawa, ay inilagay hindi lamang sa isang sarcophagus, kundi pati na rin sa isang libingan, na isang malaking istraktura.

Iba't ibang solusyon

Ang artista ay may pagpipilian kapag nagpinta ng isang larawan: ilarawan ang mukha at damit ng isang tao alinsunod sa orihinal, o maging malikhain, na lumilikha ng isang katangi-tanging malikhaing larawan. Ang pangunahing kondisyon para dito ay nananatiling pagkakatulad, na gumaganap ng isang nangingibabaw na papel. Independent - portrait art, bukas sa mga eksperimento ng pinakamalawak na spectrum. Ang artist ay may pagkakataon na mapabuti ang kanyang mga kasanayan, na nag-aaplay ng pinakabagong mga teknikal na tagumpay.

Sa katunayan, ang pamamaraan ng pagpapatupad ay mapagpasyahan para sa pagkamit ng pinakamainam na resulta. Ang pinakakaraniwang paraan ng pagpipinta ng portrait ng mga propesyonal na artist ay Ang istilong ito ay nakaugat sa kalaliman ng mga siglo. Ginamit ito ng mga sinaunang artista. Ang kanilang trabaho ay nakaligtas hanggang ngayon. Ang portrait bilang isang genre ng pinong sining ay umiral mula pa noong una, at ngayon ito ay isang tanyag na paraan ng masining na pagpapahayag.

"Dry brush"

Kamakailan lamang, ang isang pamamaraan ay naging popular kapag ang imahe ay nilikha hindi gamit ang mga stroke, ngunit sa pamamagitan ng pagkuskos ng isang maliit na halaga ng pintura. Kasabay nito, ang brush ay halos tuyo, at ang pamamaraan mismo ay nagbibigay-daan sa iyo upang makakuha ng magagandang halftones. Dahil ang pinaka banayad na genre ng pagpipinta ay isang portrait, at ang imahe ng isang mukha sa pintura ay nangangailangan ng tiyak na mga pinong shade, ang "dry brush" na pamamaraan ay ang pinaka-angkop para sa layuning ito.

Mga uri

Ang genre ng portrait ay nahahati sa ilang uri: ceremonial, chamber, intimate at plot. Mayroon ding isang espesyal na uri na tinatawag na self-portrait, kapag ang artist ay naglalarawan sa kanyang sarili. Bilang isang patakaran, ito ay isang purong indibidwal na pagguhit. Sa pangkalahatan, ang portrait na genre ay ganap na independyente, napapailalim sa ilang mga patakaran. Ang mga patakarang ito ay hindi kailanman nilalabag, bagama't ang saklaw ng mga ito ay maaaring pahabain sa ilalim ng ilang mga pangyayari.

Bilang karagdagan sa mga nakalista na, mayroong isa pang genre ng portraiture, na kinabibilangan ng mga espesyal na tampok na masining, isang espesyal na pagkakaiba-iba na nangangailangan ng isang sistematikong diskarte. Ito ay isang naka-costume na larawan, kapag ang isang modernong tao ay inilalarawan sa canvas sa mga damit ng nakaraan. Ang hanay ng mga paksa ay hindi limitado: mula sa mga balat na isinusuot ng isang primitive na tao hanggang sa damit-pangkasal ng Renaissance. Sa portrait variety na ito ay may mga elemento ng theatricality. Sa Russian Federation, lalo na sa Moscow, ang costume na portrait ay malawakang ginagamit, ngunit nangyari ito hindi para sa kapakanan ng fashion, ngunit sa halip bilang isang pagkilala sa sining.

Genre ng portraiture sa sining

Ang mga kaakit-akit na canvases, na isinulat sa iba't ibang panahon, ay pinagsama ng isang obligadong kondisyon - ang mga larawan ay dapat na tunay. Ang isang mahalagang papel ay ginampanan ng bahagi ng portrait, sa madaling salita, ang imahe ng mga mukha ng mga character. Ang tagumpay ng larawan ay nakasalalay sa kung gaano kaingat na isinulat ang mga tampok ng mukha. Ang pagpapahayag ng mga mata, mga ngiti o, sa kabaligtaran, nakasimangot na mga kilay, ang lahat ng mga nuances ay dapat na maipakita sa canvas. Ang gawain ay hindi madali, ngunit ang kadahilanan ng pagiging maaasahan ay nagpapatotoo sa husay ng artist. Iyon ang dahilan kung bakit ang portrait genre sa sining ay hindi malabo at nangangailangan ng buong dedikasyon mula sa master. Ang mga bihasang artist ay pinakamahusay sa mga pagpipinta na kinasasangkutan ng mga tao, mga close-up ng kanilang mga mukha at accentuated na paggalaw.

Mga larawang pampanitikan

Ang mga manunulat, pati na rin ang mga artista, ay madalas na naglalarawan ng mukha ng isang tao. Mayroong higit pang mga pampanitikan na pamamaraan para dito, ang mayamang wikang Ruso ay nagbibigay-daan sa paggamit ng maraming mga artistikong anyo, pagliko ng mga parirala at parirala. Ang layunin na sinisikap ng manunulat ay magkapareho ng kahulugan sa intensyon ng artista, inilalarawan ng manunulat ang mga ekspresyon ng mukha bilang resulta ng mood ng isang tao, isang salamin ng kanyang mga iniisip, emosyon at mga karanasan. medyo kumplikado ang portrait. Ito ay kinakailangan upang ilarawan, pag-iwas sa mababaw na formulations. Nangangailangan ito ng kasanayan ng isang tunay na manlilikha. Kabilang sa mga manunulat na Ruso na may kakayahang ipahayag sa ilang mga salita ang kakanyahan ng anyo ng tao, ang dakilang Maxim Gorky ay sumasakop sa unang lugar. Mahusay ding pinagkadalubhasaan ng kanyang Amerikanong tagasunod ang sining ng verbal portrait drawing. Ang genre ng isang larawang pampanitikan ay magkakaiba, ang paglalarawan ay sumusunod sa isang tiyak na istilo, maaari itong maging masaya o malungkot, maikli o mahaba, ang lahat ay nakasalalay sa bawat indibidwal na gawain.

Larawan

Sa pagdating ng daguerreotype, lumawak ang mga posibilidad ng fine art, at ang mga portrait ay walang pagbubukod. Ang isang photographic portrait ay nagkakahalaga ng mas mura kaysa sa isang oil painting, at ang pagkilala ay isang daang porsyento. At bagama't sinabi ng mga artista na ang pagkuha ng litrato ay para sa mahihirap, "ang pangkalahatang publiko ay bumaling sa isang mas tumpak na imahe sa isang plato na may pilak. Ang genre ng portrait photography ay mabilis na naging sunod sa moda, walang katapusan ang mga gustong makuha ang kanilang sarili at ang kanilang mga mahal sa buhay.

Gayunpaman, ang bagong pamamaraan, ang daguerreotype, ay may mga kakulangan nito. Ang potograpiya, hindi tulad ng isang kaakit-akit na larawan, ay hindi pinapayagan ang pagbabago ng anuman. Ang imahe ay nagyelo minsan at para sa lahat, imposibleng ayusin ang isang bagay. At ibinigay na ang tao ay nakuhanan ng larawan na nakaupo o nakatayo (sa isang tense na pose), pagkatapos ay hindi siya lumabas sa larawan sa pinakamahusay na paraan. Samakatuwid, mayroong maraming mga pagkabigo, pag-angkin at kawalang-kasiyahan. Gayunpaman, nag-ugat ang mga portrait shot, natutunan ng mga tao kung paano mag-pose ng artistikong, at lahat ay nahulog sa lugar.

Kasama sa genre ng portrait ang gayong mga gawa ng pinong sining, na naglalarawan sa hitsura ng isang partikular na tao (o grupo ng mga tao). Anumang larawan ay dapat maglarawan ng isang indibidwalidad na kakaiba lamang sa isang partikular na tao (modelo, inilalarawan) at naglalarawan ng mga tampok ng mukha ng taong ito, ang kanyang karakter at panloob na estado.

Ang mismong pangalan ng genre na ito ay nagmula sa isang matandang kasabihang Pranses na nangangahulugang "uulit ang isang bagay sa impiyerno." Gayunpaman, ang panlabas na pagkakahawig ay hindi lamang ang tanging paraan, at, siyempre, hindi nangangahulugang ang nangungunang tanda ng artistikong ideyal ng larawan.

Gayunpaman, ang intensyon ng pintor ay hindi nasiyahan sa paglipat ng hitsura at panlabas na pagkakatulad. Ang karunungan sa paglalarawan ng isang larawan ay nagpapahiwatig na, kasabay ng panlabas na pagkakahawig, ang hitsura ng modelo ay sumasalamin sa kanyang mga espirituwal na interes, panlipunan at panlipunang katayuan, mga tipikal na tampok ng oras kung saan siya nabubuhay.

Bilang karagdagan, ang tagalikha ng larawan, kadalasan, ay hindi isang walang malasakit na rehistro ng hitsura at personal na mga katangian ng taong inilalarawan: ang sariling saloobin ng master sa modelo, ang kanyang personal na pananaw sa mundo, ang kanyang larawang paraan ay nag-iiwan din ng isang nasasalat. itatak sa larawan.

Ang sining ng paglikha ng mga portrait at ang portrait genre sa pangkalahatan ay may higit sa isang milenyo. Talagang umunlad ang Portrait art sa Renaissance, sa panahong kinilala ang aktibo at kabayanihan ng pagkatao bilang pinakamataas na pundasyon at mahalagang kahalagahan sa pagbuo ng mundo.

Noong ika-17 siglo, sa European pictorial art, isang silid, intimate portrait ang inilagay sa pinakaharap, bilang kabaligtaran sa isang solemne, seremonyal at opisyal na larawan, na nakaharap sa kadakilaan at kadakilaan ng inilalarawan.

Mula sa simula ng ika-18 siglo, ang portrait genre ay nagsimulang umunlad nang masigla sa mga Russian artist.

Ang kurso ng portrait genre sa visual arts ay hindi naganap sa isang direksyon, ngunit dumaloy sa maraming mga channel, sa kabila nito, ito ay tiyak na nagpapakita ng magkasanib na hangarin at isang pagbabago sa mga anyo ng pagpapahayag, alinman sa mga ito ay ipinahiwatig ng ilang estilistang katangian. Dahil dito, nagbago ang diskarte sa kalikasan, ang uri ng portrait at ang karakter nito, gayundin ang pictorial at stylistic techniques. Ang malikhaing gawa ng ilang mga pintor ay umaangkop sa loob ng mga hangganan ng isang partikular na istilo ng istilo, para sa iba ay ganap itong lumampas sa mga hangganan.

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang pangunahing karakter sa portrait art ay nagsimulang dominado ng isang romantikong personalidad, na magkakaiba sa mga ekspresyon nito. Nangangarap at sa parehong oras ay nagsusumikap para sa isang kabayanihan na salpok, ang parang buhay na pagiging tunay ng mukha at ang sinasadyang pagpapahayag ng pose.

Noong 1860s at 1870s, ang demokratikong pag-refresh ng sining ng Russia, ang pagbuo ng realismo, na ganap na naipakita sa gawain ng mga Wanderers, ay direktang nakakaapekto sa portraiture. Ang isa sa mga sentral na lugar ay inookupahan ng isang espesyal na uri ng portrait - isang portrait-type kung saan ang modelo, na ipinakita sa lahat ng sikolohikal na pagkakaiba-iba nito, ay napansin din ng kahalagahan nito sa nakapaligid na lipunan, na inilalarawan sa isang solong kumbinasyon ng personal at tipikal na katangian.

Ang isang mahalagang kadahilanan na nagbago sa likas na katangian ng portraiture sa pagtatapos ng ika-19 na siglo ay ang plein air. Sa pag-alis para sa bukas na hangin, ang iba't ibang mga pintor ng portrait ng Russia ay natagpuan ang bawat pagkakataon na "pumunta" sa araw, hangin, isang pagpipilian para sa paglutas ng mga problema sa kulay, liwanag at spatial.

Ang sining ng portrait ng Russia ay hindi pa nakaranas ng gayong taos-pusong pakiramdam ng espirituwal na mundo, tulad ng katibayan ng sitwasyon, kalinawan, kayamanan at kawalang-kasalanan ng lugar ng kulay. At, siyempre, sa kaso sa itaas, mayroon itong isang partikular na mahalagang kahulugan - ang daloy ng liwanag sa mga gawa ng mga batang Russian portrait painters ay hindi lamang hindi natunaw ang imahe ng modelo sa nilalaman nito, tulad ng, halimbawa, madalas na nangyari. sa mga gawa ng Kanluraning impresyonismo, ngunit, sa kabaligtaran, ay nag-ambag sa pagsisiwalat ng katotohanan ng buhay, ang paglikha ng espiritwal at marangal na mala-tula na mga imahe sa mga inilalarawan.

Ang plein air ay lubos na nagpayaman sa Russian portrait art, gayunpaman, sa lahat ng ito, ito ay nagtago ng ilang panganib sa nilalaman nito, lalo na para sa portrait genre. Idinagdag niya dito ang isang panandalian at panandaliang kadahilanan, na sa kanyang sarili, siyempre, sa kaso ng labis na pagkahilig sa mga epekto ng kulay at liwanag, ay nanganganib na mawala sa larawan ng isang tao. Sa kabila nito, noong 1890s. at kabilang ang unang dalawang dekada ng ika-20 siglo. isang bilang ng mga pintor ng larawan ng Russia na mahusay na ginamit kapag gumuhit sa diwa ng bukas na hangin, pati na rin ang iba't ibang mga diskarte ng impresyonistang paaralan.

Ang pagpapalawak ng mga estilistang hangganan ay nagbukas ng higit at higit na nagpapahayag na mga posibilidad para sa mga pintor ng portrait. Ang mga pantulong na sangkap ay kasama sa pagtatasa ng modelo, na naging posible upang ilarawan ang taong inilalarawan sa pinaka-multifaceted na paraan, upang sabihin ang tungkol sa kanyang paraan ng pamumuhay, panlasa at interes, ang kanyang paraan ng pananamit, at pag-uugali sa kanyang sarili.

Portrait sa pagpipinta ng Russia noong huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo. - isang kaganapan ng mahusay na artistikong sukat. Ito ay napaka-iba't iba sa mga anyo nito at nakalarawan na wika, pati na rin ang mga tampok na estilista. Ang pinaka-kahanga-hangang mga pagpapakita ng genre ay kilala sa kanilang malikhaing pag-unawa sa kalikasan, poetic artistry, kayamanan ng mga posibilidad na nagpapahayag at pictorial artistry. At kung minsan, kung ang likas na katangian ng taong inilalarawan ay hindi ganap na nahayag sa kanila, gayunpaman ay malinaw na nailalarawan nila ang oras, inilalantad ang mga katangian ng panloob na pagkatao nito at mga makasagisag na paghahanap. Ang pinakamalalim na kahulugan ng panahon, ang talas ng pagpapakita ng isang yugto ng panahon ay isa sa mga pinakamalakas na punto ng pinakamahusay na mga pagpipinta sa genre ng portrait, na nilikha sa pagliko ng siglo.