mga musikero sa medyebal. Manuskrito ng ika-13 siglo Musika ng Middle Ages Ang panahon ng pag-unlad ng kulturang musikal, na sumasaklaw sa isang yugto ng panahon mula noong ika-5 hanggang ika-14 na siglo AD ... Wikipedia

May kasamang iba't ibang uri ng pamumuhay at makasaysayang genre ng katutubong, sikat, pop at klasikal na musika. Ang klasikal na musika ng India, na kinakatawan ng mga tradisyon ng Karnataka at Hindustani, ay nagsimula sa Sama Veda at inilarawan bilang kumplikado at magkakaibang ... Wikipedia

Ang isang grupo ng mga musikero sa Montmartre French na musika ay isa sa mga pinaka-kawili-wili at maimpluwensyang kultura ng musika sa Europa, na kumukuha ng mga pinagmulan nito mula sa ... Wikipedia

Mga Nilalaman 1 Folk music 2 Classical music, opera at ballet 3 Popular music ... Wikipedia

Ang artikulong ito ay tungkol sa istilo ng musika. Para sa isang pangkat ng mga pilosopikal na pananaw, tingnan ang artikulong New Age Tingnan din ang kategorya: New Age Music New Age (new age) Direksyon: Electronic Music Origins: Jazz, Ethnic, Minimalism, Classical Music, Concrete Music ... Wikipedia

I Music (mula sa Greek musice, literal na sining ng mga muses) ay isang uri ng sining na sumasalamin sa katotohanan at nakakaapekto sa isang tao sa pamamagitan ng makabuluhan at espesyal na organisadong mga pagkakasunud-sunod ng tunog, na binubuo pangunahin ng mga tono ... ... Great Soviet Encyclopedia

- (Greek moysikn, mula sa mousa muse) isang uri ng suit na sumasalamin sa katotohanan at nakakaapekto sa isang tao sa pamamagitan ng mga sound sequence na makabuluhan at espesyal na nakaayos sa taas at oras, na binubuo pangunahin ng mga tono ... ... Music Encyclopedia

Isang serye ng mga artikulo tungkol sa Croats ... Wikipedia

Ang musikang Belgian ay nagmula sa mga tradisyong pangmusika ng mga Fleming, na naninirahan sa hilaga ng bansa, at sa mga tradisyon ng mga Walloon, na naninirahan sa timog at naimpluwensyahan ng mga tradisyong Pranses. Ang pagbuo ng Belgian na musika ay nagpatuloy sa kumplikadong makasaysayang ... ... Wikipedia

Mga libro

• Illustrated History of Art. Arkitektura, iskultura, pagpipinta, musika, Lyubke V. Lifetime na edisyon. St. Petersburg, 1884. Edisyon ng A. S. Suvorin. Edisyon na may 134 na mga guhit. Pagtali ng may-ari gamit ang katad na gulugod at mga sulok. Bandage ng gulugod. Maayos ang seguridad.…
• Illustrated History of Art. Arkitektura, iskultura, pagpipinta, musika (para sa mga paaralan, pag-aaral sa sarili at impormasyon), Lübke. edisyon ng buhay. St. Petersburg, 1884. Edisyon ng A. S. Suvorin. Mag-book na may 134 na mga guhit. Typographic na pabalat. Ang kaligtasan ay mabuti. Maliit na luha sa takip. Mayaman na inilarawan…

Renaissance.

Maagang baroque music (1600-1654)

Musika ng mature na baroque (1654-1707)

Huling Baroque Music (1707-1760)

Naghahari din ang katwiran sa sining. Sa pagnanais na bigyang-diin ang matayog na layunin ng sining, ang papel nito sa lipunan at sibiko, ang pilosopo at tagapagturo ng Pranses na si Denis Diderot ay sumulat: "Ang bawat gawa ng iskultura o pagpipinta ay dapat magpahayag ng ilang mahusay na tuntunin ng buhay, ay dapat magturo."

Ang teatro ay sa parehong oras ay isang aklat-aralin ng buhay, at buhay mismo. Bilang karagdagan, sa teatro ang aksyon ay lubos na iniutos, sinusukat; ito ay nahahati sa mga kilos at mga eksena, na, sa turn, ay nahahati sa magkahiwalay na mga replika ng mga karakter, na lumilikha ng isang ideyal ng sining na mahal na mahal sa ika-18 siglo, kung saan ang lahat ay nasa lugar nito at napapailalim sa mga lohikal na batas.
Ang musika ng klasisismo ay sobrang theatrical; tila kinokopya nito ang sining ng teatro at ginagaya ito.
Ang paghahati ng isang klasikal na sonata at isang simponya sa malalaking seksyon - mga bahagi, kung saan ang bawat isa ay mayroong maraming musikal na "mga kaganapan", ay tulad ng paghahati ng isang dula sa mga aksyon at mga eksena.
Sa musika ng klasikal na edad, ang isang balangkas ay madalas na ipinahiwatig, isang tiyak na aksyon na naglalahad sa harap ng madla sa parehong paraan na ang theatrical na aksyon ay nagbubukas sa harap ng madla.
Kailangan lamang i-on ng nakikinig ang imahinasyon at kilalanin ang mga karakter ng isang klasikong komedya o trahedya sa "mga damit pangmusika".
Ang sining ng teatro ay nakakatulong na ipaliwanag ang malalaking pagbabago sa pagganap ng musika na naganap noong ika-18 siglo. Noong nakaraan, ang pangunahing lugar kung saan tumunog ang musika ay ang templo: sa loob nito ang isang tao ay nasa ibaba, sa isang malaking espasyo, kung saan ang musika ay tila tumulong sa kanya na tumingala at italaga ang kanyang mga iniisip sa Diyos. Ngayon, sa ika-18 siglo, naririnig ang musika sa isang maharlikang salon, sa ballroom ng isang marangal na ari-arian o sa isang liwasang bayan. Ang tagapakinig ng Age of Enlightenment ay tila tinatrato ang musika "sa iyo" at hindi na nararanasan ang kasiyahan at pagkamahiyain na naging inspirasyon niya sa kanya nang tumunog siya sa templo.
Ang malakas, solemne na tunog ng organ ay wala na sa musika; ang papel ng koro ay nabawasan na. Ang musika ng klasikal na istilo ay magaan, ito ay may mas kaunting mga tunog, na para bang ito ay "mas mababa ang timbang" kaysa sa mabigat, layered na musika ng nakaraan. Ang tunog ng organ at koro ay napalitan ng tunog ng isang symphony orchestra; ang mga kahanga-hangang aria ay nagbigay daan sa magaan, maindayog at sayaw na musika.
Salamat sa walang hanggan na pananampalataya sa mga posibilidad ng pag-iisip ng tao at sa kapangyarihan ng kaalaman, ang ika-18 siglo ay nagsimulang tawaging Age of Reason o ang Age of Enlightenment.
Ang kasagsagan ng Classicism ay dumating sa 80s ng ikalabing walong siglo. Noong 1781, gumawa si J. Haydn ng ilang mga makabagong gawa, kabilang ang kanyang String Quartet op. 33; ang premiere ng opera ni V.A. Ang "Pagdukot mula sa Seraglio" ni Mozart; Ang drama ni F. Schiller na "Robbers" at "Critique of Pure Reason" ni I. Kant ay nai-publish.

Ang pinakamaliwanag na kinatawan ng klasikal na panahon ay ang mga kompositor ng Vienna Classical School Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart at Ludwig van Beethoven. Ang kanilang sining ay nalulugod sa pagiging perpekto ng compositional technique, ang humanistic na oryentasyon ng pagkamalikhain at ang pagnanais, lalo na kapansin-pansin sa musika ng W. A. ​​​​Mozart, upang ipakita ang perpektong kagandahan sa pamamagitan ng musika.

Ang mismong konsepto ng Vienna Classical School ay lumitaw sa ilang sandali pagkatapos ng pagkamatay ni L. Beethoven. Ang klasikal na sining ay nakikilala sa pamamagitan ng isang maselang balanse sa pagitan ng mga damdamin at katwiran, anyo at nilalaman. Ang musika ng Renaissance ay sumasalamin sa diwa at hininga ng panahon nito; sa panahon ng Baroque, ang mga estado ng tao ay naging paksa ng pagmuni-muni sa musika; ang musika ng panahon ng Klasisismo ay umaawit ng mga kilos at gawa ng isang tao, ang mga damdamin at damdaming naranasan niya, ang matulungin at holistic na pag-iisip ng tao.

Ludwig van Beethoven(1770–1827)
Aleman na kompositor, madalas na itinuturing na pinakadakilang kompositor sa lahat ng panahon.
Ang kanyang trabaho ay iniuugnay sa parehong klasiko at romantikismo.
Hindi tulad ng kanyang hinalinhan na si Mozart, nahihirapang gumawa si Beethoven. Ang mga notebook ni Beethoven ay nagpapakita kung paano unti-unting lumalabas ang isang magarang komposisyon mula sa hindi tiyak na mga sketch, na minarkahan ng nakakumbinsi na lohika ng konstruksiyon at bihirang kagandahan. Ang lohika ang pangunahing pinagmumulan ng kadakilaan ni Beethoven, ang kanyang walang kapantay na kakayahang ayusin ang magkakaibang mga elemento sa isang monolitikong kabuuan. Binura ni Beethoven ang mga tradisyunal na caesuras sa pagitan ng mga seksyon ng anyo, iniiwasan ang simetrya, pinagsasama ang mga bahagi ng cycle, bubuo ng mga pinahabang konstruksyon mula sa mga pampakay at ritmikong motif na sa unang tingin ay walang anumang kawili-wili. Sa madaling salita, si Beethoven ay lumilikha ng espasyo sa musika sa pamamagitan ng kapangyarihan ng kanyang isip, sa pamamagitan ng kanyang sariling kalooban. Inaasahan at nilikha niya ang mga artistikong uso na naging mapagpasyahan para sa sining ng musika noong ika-19 na siglo.

Romantisismo.
sumasaklaw sa kondisyong 1800-1910
Sinubukan ng mga romantikong kompositor na ipahayag ang lalim at kayamanan ng panloob na mundo ng isang tao sa tulong ng mga musikal na paraan. Ang musika ay nagiging mas embossed, indibidwal. Ang mga genre ng kanta ay umuunlad, kabilang ang ballad.
Ang mga pangunahing kinatawan ng romantikismo sa musika ay: sa Austria - Franz Schubert ; sa Germany - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner , Felix Mendelssohn, Robert Schumann , Ludwig Spohr ; v
atbp.................

Sa mga kondisyon ng unang bahagi ng Middle Ages, ang buong kultura ng musika ay nabawasan sa dalawang pangunahing "mga termino". Sa isa sa mga poste nito ay ang propesyonal na liturgical music na ginawang legal ng simbahan, na sa prinsipyo ay pareho para sa lahat ng mga tao na nagpatibay ng Kristiyanismo (ang pagkakaisa ng wika ay Latin, ang pagkakaisa ng pag-awit ay ang Gregorian chant). Sa kabilang panig - katutubong musika na inuusig ng simbahan sa iba't ibang lokal na wika, na konektado sa katutubong buhay, sa mga aktibidad ng mga gala na musikero.

Sa kabila ng ganap na hindi pagkakapantay-pantay ng mga puwersa (sa mga tuntunin ng suporta mula sa estado, materyal na kondisyon, atbp.), Ang katutubong musika ay umunlad nang masinsinan at kahit na bahagyang tumagos sa simbahan sa anyo ng iba't ibang mga pagsingit sa canonized Gregorian chant. Kabilang sa mga ito, halimbawa, ang mga trope at sequence na nilikha ng mga mahuhusay na musikero.

mga landas - ito ay mga teksto at musikal na mga karagdagan na ipinasok sa gitna ng chorale. Ang isang uri ng trail ay isang sequence. Medievalmga pagkakasunod-sunod Ito ay mga subtext ng kumplikadong vocalization. Isa sa mga dahilan na naging sanhi ng kanilang paglitaw ay ang malaking kahirapan sa pag-alala ng mahabang melodies na inaawit sa isang patinig. Sa paglipas ng panahon, ang mga pagkakasunud-sunod ay nagsimulang batay sa mga himig ng katutubong bodega.

Ang isang monghe ay pinangalanan sa mga may-akda ng mga unang sequence.Notker palayaw na Zaika mula sa monasteryo ng St. Gallen (sa Switzerland, malapit sa Lake Constance). Notker (840-912) noonkompositor, makata, musical theorist, historian, theologian. Nagturo siya sa paaralan ng monasteryo at, sa kabila ng kanyang pagkautal, ay kilala bilang isang mahusay na guro. Para sa kanyang mga pagkakasunud-sunod, ang Notker ay bahagyang gumamit ng mga kilalang melodies, bahagyang binubuo ang kanyang sarili.

Sa pamamagitan ng utos ng Konseho ng Trent (1545-63), halos lahat ng mga pagkakasunud-sunod ay pinatalsik mula sa paglilingkod sa simbahan, maliban sa apat. Sa kanila, ang pinakasikat ay ang pagkakasunod-sunodNamatay si irae ("Araw ng Poot"), na nagsasabi tungkol sa araw ng paghuhukom . Nang maglaon, ang ikalimang sequence ay tinanggap sa paggamit ng simbahang Katoliko,Stabat mater ("May isang nagdadalamhating ina").

Ang diwa ng makamundong sining ay dinala sa buhay simbahan atmga himno - espirituwal na mga awit, malapit sa mga katutubong awit sa isang patula na teksto.

Mula sa dulo XImga siglo, ang mga bagong uri ng pagkamalikhain at paggawa ng musika na nauugnay sa kulturang kabalyero ay kasama sa buhay musikal ng Kanlurang Europa. Ang mga mang-aawit-knight, sa esensya, ay minarkahan ang simula ng sekular na musika. Ang kanilang sining ay may kaugnayan sa katutubong-araw-araw na tradisyong pangmusika (ang paggamit ng mga folk-song intonation, ang pagsasanay ng pakikipagtulungan sa mga katutubong musikero). Sa ilang mga kaso, malamang na pinili ng mga troubadour ang mga karaniwang katutubong melodies para sa kanilang mga teksto.

Ang pinakadakilang tagumpay ng musikal na kultura ng Middle Ages ay ang pagsilang ng isang propesyonal na Europeanpolyphony . Ang simula nito ay tumutukoy saIXsiglo, kapag ang sabay-sabay na pagganap ng Gregorian chant ay minsan ay pinalitan ng isang two-voice one. Ang pinakaunang uri ng dalawang boses ay magkatuladorganum , kung saan ang Gregorian chant ay binansagan sa isang octave, quart o fifth. Pagkatapos ay lumitaw ang isang non-parallel na organum na may hindi direktang (kapag isang boses lamang ang gumalaw) at kabaligtaran na paggalaw. Unti-unting naging malaya ang boses na kasama ng Gregorian chant. Ang ganitong istilo ng dobleng boses ay tinatawagtreble (sa pagsasalin - "pe-nie apart").

Sa kauna-unahang pagkakataon nagsimulang isulat ang mga naturang organumLeonin , ang unang kilalang kompositor-polyphonist (XIIsiglo). Naglingkod siya bilang regent sa sikat na Notre Dame Cathedral, kung saan nabuo ang isang malaking polyphonic school.

Ang gawain ni Leonin ay nauugnay saars antiqua (ars antiqua, na nangangahulugang "lumang sining"). Ang pangalang ito ay ibinigay sa kultong polyphonyXII- XIIIsiglo, mga musikero ng unang bahagi ng Renaissance, na sumalungat ditoars nova ("bagong sining").

Sa simula XIIImga siglo nagpatuloy ang tradisyon ni LeoninPerotin , ayon sa palayaw na Mahusay. Hindi na siya nag-compose ng two-voice, kundi 3 x at 4 x - mga organo ng boses. Ang mga boses ni Perotin sa itaas ay minsan ay bumubuo ng isang magkasalungat na dalawang boses, kung minsan ay mahusay siyang gumagamit ng imitasyon.

Sa panahon ng Perotin, isang bagong uri ng polyphony ang nabuo -konduktor , ang batayan nito ay hindi na Gregorian chant, ngunit isang sikat na araw-araw o malayang binubuo ng melody.

Ang isang mas matapang na polyphonic form aymotet - isang kumbinasyon ng mga melodies na may iba't ibang mga ritmo at iba't ibang mga teksto, madalas kahit na sa iba't ibang mga wika. Ang motet ay ang unang genre ng musika na pantay na laganap sa simbahan at sa buhay ng hukuman.

Ang pagbuo ng polyphony, ang pag-alis mula sa sabay-sabay na pagbigkas ng bawat pantig ng teksto sa lahat ng mga boses (sa mga motet), ay nangangailangan ng pagpapabuti ng notasyon, ang eksaktong pagtatalaga ng mga tagal. Lumilitawmensural notation (mula sa Latin na mensura - sukat; literal - nasusukat na notasyon), na naging posible upang ayusin ang parehong taas at ang kamag-anak na tagal ng mga tunog.

Kaayon ng pag-unlad ng polyphony, nagkaroon ng proseso ng pagbuomasa - isang polyphonic cyclic na gawain sa teksto ng pangunahing banal na serbisyo ng Simbahang Katoliko. Ang ritwal ng misa ay nabuo sa loob ng maraming siglo. Nakuha nito ang huling anyo lamang saXIve-ku. Bilang isang holistic na komposisyong musikal, ang misa ay nagkaroon ng hugis kahit na mamaya, saXIVsiglo, naging nangungunang musical genre ng Renaissance.

Mula noong ika-12 siglo sa sining, ang antithesis na katangian ng aesthetics ng Middle Ages ay makikita, kapag ang sagradong musika - ang "bagong kanta" ay sumasalungat sa "luma", iyon ay, paganong musika. Kasabay nito, ang instrumental na musika, kapwa sa Kanluran at Silangang mga tradisyon ng Kristiyano, ay itinuturing na isang hindi gaanong karapat-dapat na kababalaghan kaysa sa pag-awit.

"Maastricht Book of Hours", ang Maastricht rite. Unang quarter ng ika-14 na siglo. Netherlands, Liege. British Library. Stowe MS 17, f.160r / Detalye ng isang miniature mula sa Maastricht Hours, Netherlands (Liège), 1st quarter ng ika-14 na siglo, Stowe MS 17, f.160r.

Ang musika ay hindi mapaghihiwalay sa mga pista opisyal. Ang mga naglalakbay na aktor, propesyonal na entertainer at entertainer, ay nauugnay sa mga pista opisyal sa medieval na lipunan. Ang mga tao ng bapor na ito, na nanalo ng popular na pag-ibig, ay tinawag na iba sa mga nakasulat na monumento. Tradisyonal na ginagamit ng mga may-akda ng simbahan ang mga klasikal na sinaunang Romanong pangalan: mime / mimus, pantomim / pantomimus, histrion / histrio. Ang salitang Latin na joculator ay karaniwang tinatanggap - isang joker, isang joker, isang joker. Ang mga kinatawan ng klase ng mga entertainer ay tinawag na mananayaw / saltator; jesters /balatro, scurra; musikero / musicus. Ang mga musikero ay nakikilala sa pamamagitan ng mga uri ng mga instrumento: citharista, cymbalista, atbp. Ang pangalang Pranses na "juggler" / jongleur ay lalong laganap; sa Espanya, ang salitang "huglar" / junglar ay tumutugma dito; sa Germany - "spielman" / Spielmann, sa Russia - "buffoon". Ang lahat ng mga pangalang ito ay halos magkasingkahulugan.

Tungkol sa mga medyebal na musikero at musika - sa madaling sabi at fragmentarily.

2.

Maastricht Book of Hours, BL Stowe MS 17, f.269v

Mga guhit - mula sa manuskrito ng Dutch ng unang quarter ng siglo XIV - "Maastricht Book of Hours" ng British Library. Ang mga imahe ng marginal na mga hangganan ay ginagawang posible upang hatulan ang istruktura ng mga instrumentong pangmusika at ang lugar ng musika sa buhay.

Mula noong ika-13 siglo, ang mga gumagala na musikero ay lalong nagsusumikap para sa mga kastilyo at lungsod. Kasama ang mga kabalyero at mga kinatawan ng klero, pinalibutan ng mga minstrel ng korte ang kanilang mga nakoronahan na patron. Ang mga musikero at mang-aawit ay kailangang-kailangan na mga kalahok sa libangan ng mga naninirahan sa mga kastilyong kabalyero, mga kasama ng mga ginoo at kababaihan sa pag-ibig.

3.

f.192v

May mga trumpeta at trombone na umaalingawngaw na parang kulog,
At ang mga plauta at mga tubo ay umalingawngaw sa pilak,
Ang tunog ng mga alpa at biyolin ay sumasabay sa pag-awit,
At ang mga mang-aawit ay nakatanggap ng maraming bagong damit para sa kasigasigan.

[Kudruna, 13th-century German epic poem]

4.

f.61v

Ang teoretikal at praktikal na musika ay bahagi ng programa ng pagsasanay ng perpektong kabalyero, ito ay iginagalang bilang isang marangal, pinong libangan. Lalo nilang nagustuhan ang malambing na viola na may maselan nitong mga kuwerdas at ang melodic na alpa. Ang vocal solo ay sinamahan ng pagtugtog ng violin at alpa hindi lamang ng mga propesyonal na juggler, kundi pati na rin ng mga sikat na makata at mang-aawit:

"Si Tristram ay isang napakahusay na mag-aaral at hindi nagtagal ay pinagkadalubhasaan ang pitong pangunahing sining at maraming wika. Pagkatapos ay pinag-aralan niya ang pitong uri ng musika at naging tanyag bilang isang sikat na musikero na walang kapantay.

["The Saga of Tristram and Ysonda", 1226]

5.


f.173v

Sina Tristan at Isolde sa lahat ng pampanitikang pagsasaayos ng alamat ay mga mahuhusay na harpista:

Nang kumanta siya, tumugtog siya
Tapos nagbago siya...
At kung ang isa ay kumanta - ang isa pa
Hinampas niya ng kamay ang alpa.
At umaawit, puno ng pananabik,
At ang mga tunog ng mga kuwerdas mula sa ilalim ng kamay
Nagtagpo sa hangin at doon
Sabay silang lumipad sa langit.

[Gottfried ng Strasbourg. Tristan. Unang quarter ng ikalabintatlong siglo]

6.


f.134r

Mula sa "biographies" ng Provencal troubadours ay kilala na ang ilan sa kanila ay nag-improvised sa mga instrumento at pagkatapos ay tinawag na "violar".

7.


f.46r

Ang Holy Roman Emperor ng German Nation Frederick II Staufen (1194-1250) "ay tumugtog ng iba't ibang instrumento at tinuruan siyang kumanta"

8.

f.103r

Ang mga alpa, violas at iba pang mga instrumento ay tinutugtog din ng mga kababaihan, bilang isang panuntunan - juggleresses, paminsan-minsan - mga batang babae mula sa marangal na pamilya at kahit na mas mataas na tao.

Kaya, ang makata ng korte ng Pransya ng siglong XII. kumanta ang vielist queen: “Matamis na umaawit ang reyna, sumasanib ang kanyang kanta sa instrumento. Maganda ang mga kanta, magaganda ang mga kamay, malumanay ang boses, tahimik ang mga tunog.

9.


f.169v

Ang mga instrumentong pangmusika ay iba-iba at unti-unting napabuti. Ang mga kaugnay na instrumento ng parehong pamilya ay nabuo ng maraming uri. Walang mahigpit na pag-iisa: ang kanilang mga hugis at sukat ay higit na nakasalalay sa pagnanais ng master maker. Sa mga nakasulat na mapagkukunan, ang magkatulad na mga instrumento ay madalas na may iba't ibang mga pangalan o, sa kabaligtaran, iba't ibang mga uri ay itinago sa ilalim ng parehong mga pangalan.

Ang mga larawan ng mga instrumentong pangmusika ay hindi konektado sa teksto - Hindi ako eksperto sa bagay na ito.

10.


f.178v

Ang grupo ng mga instrumentong may kuwerdas ay nahahati sa mga pamilya ng bowed, lute at alpa. Ang mga string ay ginawa mula sa mga baluktot na bituka ng tupa, buhok ng kabayo o mga sinulid na sutla. Mula noong ika-13 siglo lalo silang gawa sa tanso, bakal, at kahit pilak.

Ang mga nakayukong string na instrumento, na may kalamangan ng isang sliding sound kasama ang lahat ng semitones, ay pinakaangkop na samahan ang boses.

Ang Parisian master ng musika ng ika-13 siglo, si John de Groheo / Grokejo, ay naglagay ng viola sa unang lugar sa mga string: ito ay "nagpapadala ng lahat ng mga musikal na anyo nang mas banayad", kabilang ang mga sayaw.

11.

f.172r

Inilalarawan ang kasiyahan ng korte sa epikong Wilhelm von Wenden (1290), itinampok ng makatang Aleman na si Ulrich von Eschenbach ang viela:

Sa lahat ng narinig ko hanggang ngayon,
Karapat-dapat viela lamang papuri;
Mainam na pakinggan ito ng lahat.
Kapag nasugatan ang puso mo
Pagkatapos ang paghihirap na ito ay gagaling
Mula sa banayad na tamis ng tunog.

Music Encyclopedia [M.: Ensiklopedia ng Sobyet, kompositor ng Sobyet. Ed. Yu. V. Keldysh. 1973-1982] ulat na ang viela ay isa sa mga karaniwang pangalan para sa medieval bowed stringed instruments. At kung ano ang ibig sabihin ni Ulrich von Eschenbach - hindi ko alam.

12.

f.219v. Sa pamamagitan ng pag-click sa larawan - mas malaki ang tool

14.

f.216v

Sa mga representasyon ng mga tao sa Middle Ages, ang instrumental na musika ay hindi maliwanag, nagtataglay ng mga polar na katangian at direktang nagpukaw ng kabaligtaran na mga emosyon.

"Pinapakilos niya ang ilan sa walang laman na kagalakan, ang iba sa dalisay na kagalakan, at madalas sa banal na mga luha" [Petrarch].

15.

f.211v

Ito ay pinaniniwalaan na ang mahusay na pag-uugali at pinigilan na musika, paglambot sa moral, nagpapakilala sa mga kaluluwa sa banal na pagkakaisa, nagpapadali sa pag-unawa sa mga misteryo ng pananampalataya.

16.


f.236v

Sa kabaligtaran, ang mga kapana-panabik na orgiastic melodies ay nagsisilbing tiwali ang lahi ng tao, na humahantong sa paglabag sa mga utos ni Kristo at huling paghatol. Sa pamamagitan ng walang pigil na musika maraming bisyo ang pumapasok sa puso.

17.


f.144v

Sinunod ng mga hierarch ng simbahan ang mga turo nina Plato at Boethius, na malinaw na pinaghiwalay ang perpekto, kahanga-hangang "harmonya ng langit" at bulgar, malaswang musika.

18.


f.58r

Ang napakalaking musikero na dumarami sa larangan ng mga manuskrito ng Gothic, kabilang ang Maastricht Book of Hours, ay ang sagisag ng makasalanang gawain ng mga histrion, na sabay-sabay na mga musikero, mananayaw, mang-aawit, tagapagsanay ng hayop, mananalaysay, atbp. Ang mga Histrion ay idineklara na "mga lingkod ni Satanas".

19.


f.116r

Ang mga kakatuwa na nilalang ay tumutugtog ng tunay o katawa-tawang mga instrumento. Ang hindi makatwiran na mundo ng masigasig na musikal na mga hybrid ay nakakatakot at katawa-tawa sa parehong oras. Ang mga "surrealistic" na masasamang espiritu, na kumukuha ng hindi mabilang na mga pagkukunwari, binibihag at niloloko ng mapanlinlang na musika.

20.


f.208v

Sa simula ng siglo XI. Itinuro ni Notker Gubasty, na sumusunod kina Aristotle at Boethius, ang tatlong katangian ng isang tao: isang makatuwirang nilalang, isang mortal, na marunong tumawa. Itinuring ni Notker ang isang tao na parehong may kakayahang tumawa at maging sanhi ng pagtawa.

21.


f.241r

Sa mga pista opisyal, ang mga manonood at tagapakinig, bukod sa iba pa, ay naaaliw sa mga musical eccentrics na nagparody at sa gayon ay nagtakda ng "seryosong" mga numero.

Sa mga kamay ng mga nag-aaral sa komiks sa "mundo sa loob ng labas", kung saan ang mga nakagawiang relasyon ay nabaligtad, ang pinaka tila hindi angkop na mga bagay para sa musika ay nagsimulang "tunog" bilang mga instrumento.

22.


f.92v. Mula sa ilalim ng damit ng isang musikero na tumutugtog sa tandang, sumisilip ang katawan ng dragon

Ang paggamit ng mga bagay sa isang papel na hindi karaniwan para sa kanila ay isa sa mga pamamaraan ng buffoon comedy.

23.


f.145v

Ang kamangha-manghang paggawa ng musika ay tumutugma sa pananaw sa mundo ng mga parisukat na kasiyahan, nang ang karaniwang mga hangganan sa pagitan ng mga bagay ay nabura, ang lahat ay naging hindi matatag, kamag-anak.

24.

f.105v

Sa mga pananaw ng mga intelektwal mula sa XII-XIII na siglo. nagkaroon ng isang tiyak na pagkakatugma sa pagitan ng walang laman na sagradong espiritu at walang harang na kagalakan. Matahimik, naliwanagan na "espirituwal na kagalakan", ang utos ng walang tigil na "pagsasaya kay Kristo" ay katangian ng mga tagasunod ni Francis ng Assisi. Naniniwala si Francis na ang patuloy na kalungkutan ay hindi nakalulugod sa Panginoon, ngunit sa diyablo. Sa lumang Provencal na tula, ang kagalakan ay isa sa pinakamataas na kagandahang-loob. Ang kanyang kulto ay isinilang sa buhay-nagpapatibay na pananaw sa mundo ng mga troubadours. "Sa isang multi-toned na kultura, kahit na ang mga seryosong tono ay iba ang tunog: ang mga reflexes ng mga tono ng pagtawa ay nahuhulog sa kanila, nawawala ang kanilang pagiging eksklusibo at natatangi, sila ay dinagdagan ng isang aspeto ng pagtawa."

25.

f.124v

Ang pangangailangang gawing legal ang tawa at biro ay hindi isinali ang pakikibaka laban sa kanila. Binatikos ng mga tagasunod ng pananampalataya ang mga juggler bilang "mga miyembro ng komunidad ng diyablo." Kasabay nito, nakilala nila na kahit na ang juggling ay isang malungkot na kalakalan, ngunit dahil ang lahat ay kailangang mabuhay, at ito ay gagawin, sa kondisyon na ang pagiging disente ay sinusunod.

26.

f.220r

“Ang musika ay may malaking kapangyarihan at impluwensya sa mga hilig ng kaluluwa at katawan; alinsunod dito, ang mga himig o musical mode ay nakikilala. Sa katunayan, ang ilan sa kanila ay tulad na, sa pamamagitan ng kanilang pagsukat, hinihikayat nila ang mga nakikinig sa isang tapat, walang kapintasan, mapagpakumbaba at banal na buhay.

[Nikolai Orem. Treatise sa pagsasaayos ng mga katangian. siglo XIV]

27.


f.249v

"Mga timpan, lute, alpa at cithara
Sila ay mainit, at ang mga mag-asawa ay magkakaugnay
Sa isang makasalanang sayaw.
Buong gabing laro
Kumain at umiinom hanggang umaga.
Kaya nilibang nila ang mamon sa anyo ng isang baboy
At sumakay sila sa templo ni Satanas.

[Chaucer. Ang Canterbury Tales]

28.


f.245v

Sekular na mga himig, na, "nakikiliti sa tainga at nanlilinlang sa isip, ay nag-aalis sa atin sa mabuti" [John Chrysostom], na itinuturing na isang produkto ng makasalanang corporality, isang mapanlikhang likha ng diyablo. Ang kanilang masamang impluwensya ay dapat labanan nang may matinding paghihigpit at pagbabawal. Ang magulong magulong musika ng makademonyo na mga elemento ay bahagi ng "liturgy inside out" ng mundo, "pagsamba sa idolo".

29.


f.209r

Ang Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) ay nagpapatotoo sa sigla ng gayong mga pananaw, na naaalala ang archpriest ng katedral ng Khlynovsk, isang maliit na bayan sa lalawigan ng Saratov.

"Para sa amin, mga nagtapos, gumawa siya ng iskursiyon sa larangan ng sining, lalo na sa musika: - Ngunit siya ay maglalaro, - at ang mga demonyo ay kikilos sa ilalim ng iyong mga paa ... At kung magsisimula kang kumanta ng mga kanta, kung gayon ang mga buntot ng demonyo ay lumabas ka sa iyong lalamunan at umakyat at umakyat."

30.


f.129r

At sa kabilang poste. Ang kapana-panabik na musika ng isang mataas na ideyal na nagmumula sa Banal na Espiritu, ang musika ng mga globo, ay naisip bilang ang sagisag ng hindi makalupa na pagkakaisa ng sansinukob na nilikha ng Lumikha - kaya ang walong tono ng Gregorian chant, at bilang isang imahe ng pagkakaisa sa simbahang Kristiyano. Ang isang makatwiran at proporsyonal na kumbinasyon ng iba't ibang mga tunog ay nagpatotoo sa pagkakaisa ng maayos na lungsod ng Diyos. Ang maayos na pagkakatugma ng mga consonance ay sumisimbolo sa mahusay na coordinated na mga ugnayan ng mga elemento, panahon, atbp.

Ang tamang himig ay nakalulugod at nagpapabuti sa espiritu, ito ay "isang tawag sa isang mataas na paraan ng pamumuhay, na nagtuturo sa mga taong nakatuon sa kabutihan na huwag pahintulutan ang anumang bagay na hindi musikal, hindi pagkakatugma, hindi naaayon sa kanilang mga asal" [Gregory ng Nyssa, IV siglo]

Mga talababa / Panitikan:
Kudruna / Ed. pinaghandaan R. V. Frenkel. M., 1983. S. 12.
Ang Alamat nina Tristan at Isolde / Ed. pinaghandaan A. D. MIKHAILOV M., 1976. S. 223; S.197, 217.
Ang Awit ng mga Nibelung / Per. Yu. B. Korneeva. L., 1972. S. 212. Ang "matamis na himig" ng mga minstrel ay tumunog sa mga hardin at bulwagan ng kastilyo.
Musical aesthetics ng Western European Middle Ages at Renaissance / Comp. mga teksto ni V.P. Shestakov. M., 1966. S. 242
Struve B. A. Ang proseso ng pagbuo ng mga violin at violin. M., 1959, p. 48.
CulkeP. Monche, Burger, Minnesota. Leipzig, 1975. S. 131
Darkevich V.P. Folk culture ng Middle Ages: sekular na maligaya na buhay sa sining ng ika-9-16 na siglo. - M.: Nauka, 1988. S. 217; 218; 223.
Aesthetics ng Renaissance / Comp. V. P. Shestakov. M., 1981. T. 1. S. 28.
Gurevich A. Ya. Mga problema ng medieval folk culture. S. 281.
Bakhtin M. Aesthetics ng verbal creativity. M., 1979. S. 339.
Petrov-Vodkin K. S. Khlynovsk. Euclid space. Samarkand. L., 1970. S. 41.
Aveverintsev S. S. Poetics ng Maagang Byzantine Literature. M., 1977. S. 24, 25.

Mga mapagkukunan para sa teksto:
Darkevich Vladislav Petrovich. Sekular na maligaya na buhay ng Middle Ages IX-XVI na siglo. Ikalawang edisyon, pinalaki; M.: Publishing house "Indrik", 2006.
Darkevich Vladislav Petrovich. Kultura ng katutubong ng Middle Ages: sekular na maligaya na buhay sa sining ng ika-9-16 na siglo. - M.: Nauka, 1988.
V. P. Darkevich. Mga musikero ng parody sa mga miniature ng mga manuskrito ng Gothic // "The Artistic Language of the Middle Ages", M., "Nauka", 1982.
Boethius. Mga tagubilin para sa musika (mga sipi) // "Musical aesthetics ng Western European Middle Ages at Renaissance" M .: "Music", 1966
+ mga link sa loob ng teksto

Iba pang mga entry na may mga guhit mula sa Maastricht Book of Hours:

P.S. Marginalia - mga guhit sa mga gilid. Marahil ay mas tumpak na tawagan ang ilang mga ilustrasyon na isang maliit na larawan ng isang bahagi ng pahina.

Musical art ng Middle Ages. Matalinghaga at semantikong nilalaman. Mga personalidad.

Middle Ages- isang mahabang panahon ng pag-unlad ng tao na sumasaklaw sa higit sa isang libong taon.

Kung babaling tayo sa makasagisag-emosyonal na kapaligiran ng "Gloomy Middle Ages", gaya ng madalas na tawag dito, makikita natin na napuno ito ng matinding espirituwal na buhay, malikhaing lubos na kaligayahan at paghahanap ng katotohanan. Ang simbahang Kristiyano ay nagkaroon ng malakas na epekto sa isip at puso. Ang mga tema, mga balangkas at mga larawan ng Banal na Kasulatan ay naunawaan bilang isang kuwento na lumaganap mula sa paglikha ng mundo sa pamamagitan ng pagdating ni Kristo at hanggang sa araw ng Huling Paghuhukom. Ang buhay sa lupa ay itinuturing bilang isang patuloy na pakikibaka sa pagitan ng madilim at liwanag na puwersa, at ang arena ng pakikibaka na ito ay ang kaluluwa ng tao. Ang pag-asa sa katapusan ng mundo ay tumagos sa saloobin ng mga taong medyebal, binibigyang kulay nito ang sining ng panahong ito sa mga dramatikong tono. Sa ilalim ng mga kundisyong ito, nabuo ang kultura ng musika sa dalawang makapangyarihang layer. Sa isang banda, ang propesyonal na musika ng simbahan, na dumaan sa napakalaking landas ng pag-unlad sa buong panahon ng medyebal; sa kabilang banda, ang katutubong musikal na pagkamalikhain, na inuusig ng mga kinatawan ng "opisyal" na simbahan, at sekular na musika, na umiral bilang amateur na musika, sa halos buong panahon ng medyebal. Sa kabila ng antagonism ng dalawang trend na ito, sumailalim sila sa impluwensya ng isa't isa, at sa pagtatapos ng panahong ito, ang mga resulta ng interpenetration ng sekular at musika ng simbahan ay naging lalong kapansin-pansin. Mula sa panig ng emosyonal at semantiko na nilalaman, ang pinaka-katangian ng medieval na musika ay ang pamamayani ng ideal, espirituwal at didactic na mga prinsipyo - kapwa sa sekular at simbahang genre.

Ang emosyonal at semantikong nilalaman ng musika ng simbahang Kristiyano ay naglalayong purihin ang Pagka-Diyos, pagtanggi sa mga makalupang bagay para sa kapakanan ng paghihiganti pagkatapos ng kamatayan, pangangaral ng asetisismo. Ang musika ay puro sa sarili kung ano ang nauugnay sa pagpapahayag ng "dalisay", walang anumang "katawan", materyal na anyo ng pagsusumikap para sa perpekto. Ang epekto ng musika ay pinahusay ng acoustics ng mga simbahan, na may mataas na mga vault na sumasalamin sa tunog at lumilikha ng epekto ng Banal na presensya. Ang pagsasanib ng musika sa arkitektura ay lalo na binibigkas sa paglitaw ng istilong Gothic. Ang polyphonic na musika na nabuo noong panahong iyon ay lumikha ng isang tumataas, libreng pagtaas ng mga boses, paulit-ulit ang mga linya ng arkitektura ng isang Gothic na templo, na lumilikha ng isang pakiramdam ng kawalang-hanggan ng espasyo. Ang pinaka-kapansin-pansin na mga halimbawa ng musikal na Gothic ay nilikha ng mga kompositor ng Notre Dame Cathedral - Master Leonin at Master Perotin, na tinawag na Dakila.

Musical art ng Middle Ages. Mga genre. Mga tampok ng musikal na wika.

Ang pagbuo ng mga sekular na genre sa panahong ito ay inihanda ng gawain ng mga itinerant na musikero - jugglers, minstrels at spielmans na mga mang-aawit, aktor, circus performers at instrumentalist lahat ay pinagsama sa isa. Ang jugglers, spielmans at minstrels ay sumali din mga palaboy at goliards- hindi matagumpay na mga mag-aaral at takas na mga monghe na nagdala ng literasiya at ilang erudition sa "masining" na kapaligiran. Ang mga katutubong awit ay ginanap hindi lamang sa mga umuusbong na pambansang wika (Pranses, Aleman, Ingles at iba pa), kundi pati na rin sa Latin. Ang mga itinerant na estudyante at iskolar (Vagants) ay madalas na nagtataglay ng mahusay na kasanayan sa Latin versification, na nagbigay ng partikular na poignancy sa kanilang mga akusatoryong kanta na nakadirekta laban sa mga sekular na pyudal na panginoon at sa Simbahang Katoliko. Unti-unti, nagsimulang bumuo ng mga workshop ang mga itinerant na artista at tumira sa mga lungsod.

Sa parehong panahon, ang isang uri ng "intelektuwal" na stratum ay iniharap - ang chivalry, bukod sa kung saan (sa panahon ng truce) ang interes sa sining ay sumiklab din. Ang mga kastilyo ay nagiging mga sentro ng kulturang kabalyero. Isang hanay ng mga alituntunin ng knightly na pag-uugali ay iniipon, na nangangailangan ng "magalang" (pino, magalang) na pag-uugali. Noong ika-12 siglo sa Provence, ipinanganak ang sining sa mga korte ng mga pyudal na panginoon mga trobador, na isang katangiang pagpapahayag ng bagong sekular na kulturang chivalric na nagpapahayag ng kulto ng makalupang pag-ibig, kasiyahan sa kalikasan, makalupang kagalakan. Sa mga tuntunin ng mga imahe, ang musikal at patula na sining ng mga troubadours ay alam ang maraming uri, pangunahin na nauugnay sa mga lyrics ng pag-ibig o militar, mga kanta ng serbisyo na sumasalamin sa saloobin ng vassal sa kanyang panginoon. Kadalasan, ang mga liriko ng pag-ibig ng mga troubadours ay kinuha sa anyo ng pyudal na serbisyo: kinilala ng mang-aawit ang kanyang sarili bilang isang basalyo ng isang ginang, na karaniwang asawa ng kanyang panginoon. Inawit niya ang kanyang dignidad, kagandahan at maharlika, niluwalhati ang kanyang pangingibabaw at "nanghina" para sa isang hindi matamo na layunin. Siyempre, mayroong maraming conventionality dito, na idinidikta ng etiquette ng korte noong panahong iyon. Gayunpaman, madalas sa likod ng mga kondisyonal na anyo ng serbisyo ng kabalyero, mayroong isang tunay na pakiramdam, malinaw at kahanga-hangang ipinahayag sa mga mala-tula at musikal na imahe. Ang sining ng mga troubadours ay sa maraming paraan sumulong para sa panahon nito. Ang pansin sa mga personal na karanasan ng artista, ang pagbibigay-diin sa panloob na mundo ng isang mapagmahal at nagdurusa na tao ay nagpapahiwatig na ang mga troubadours ay hayagang sumasalungat sa kanilang sarili sa mga asetiko na tendensya ng medieval na ideolohiya. Ang troubadour ay niluluwalhati ang tunay na pag-ibig sa lupa. Sa loob nito ay nakikita niya "ang pinagmulan at pinagmulan ng lahat ng mga pagpapala."

Sa ilalim ng impluwensya ng tula ng mga troubadours, nabuo ang pagkamalikhain Trouvers, na mas demokratiko (karamihan sa mga trouver ay nagmula sa mga taong-bayan) Ang parehong mga tema ay binuo dito, ang artistikong istilo ng mga kanta ay katulad din. Sa Germany, makalipas ang isang siglo (ika-13 siglo), isang paaralan ang nabuo mga minnesinger, kung saan, mas madalas kaysa sa mga troubadours at trouvers, ang mga kanta ng moral at nakapagtuturo na nilalaman ay nabuo, ang mga motibo ng pag-ibig ay madalas na nakakuha ng isang relihiyosong kulay, at nauugnay sa kulto ng Birheng Maria. Ang emosyonal na istraktura ng mga kanta ay nakikilala sa pamamagitan ng higit na kaseryosohan at lalim. Ang mga minnesinger sa karamihan ay nagsilbi sa mga korte, kung saan sila nagdaos ng kanilang mga kumpetisyon. Ang mga pangalan ni Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide, Tannhäuser, ang bayani ng sikat na alamat, ay kilala. Sa opera ni Wagner batay sa alamat na ito, ang sentral na eksena ay ang eksena ng kompetisyon ng mga mang-aawit, kung saan ang bayani, sa pangkalahatang galit, ay niluluwalhati ang makalupang damdamin at kasiyahan. Ang libretto ng "Tannhäuser" na isinulat ni Wagner ay isang halimbawa ng isang kahanga-hangang pananaw sa pananaw sa mundo ng isang panahon na niluluwalhati ang mga mithiin sa moral, makamulto na pag-ibig at nasa patuloy na dramatikong pakikibaka sa makasalanang mga hilig.

Mga genre ng simbahan

Gregorian chant. Sa sinaunang simbahang Kristiyano, mayroong maraming mga variant ng mga awit ng simbahan at mga tekstong Latin. Nagkaroon ng pangangailangan na lumikha ng isang ritwal ng kulto at kaukulang liturgical music. Ang prosesong ito ay natapos sa pagliko ng ika-6 at ika-7 siglo. Pope Gregory I. Ang mga himig ng simbahan, pinili, na-canonize, ipinamahagi sa loob ng taon ng simbahan, ang bumubuo sa opisyal na kodigo - antiphonary. Ang mga choral melodies na kasama dito ay naging batayan ng liturgical na pag-awit ng Simbahang Katoliko at tinawag na Gregorian chant. Ito ay ginanap sa isang tinig ng isang koro o isang grupo ng mga boses ng lalaki. Ang pagbuo ng melody ay nagaganap nang mabagal at nakabatay sa pagkakaiba-iba ng inisyal na melody. Ang malayang ritmo ng himig ay napapailalim sa ritmo ng mga salita. Ang mga teksto ay prosa sa Latin, ang mismong tunog nito ay lumikha ng isang detatsment mula sa lahat ng makamundong. Ang melodic na paggalaw ay makinis, kung lumilitaw ang maliliit na pagtalon, agad silang nabayaran ng paggalaw sa kabaligtaran na direksyon. Ang mga melodies ng Gregorian chants mismo ay nahahati sa tatlong grupo: recitation, kung saan ang bawat pantig ng teksto ay tumutugma sa isang tunog ng isang chant, psalmody, kung saan ang ilang mga pantig ay pinapayagang kantahin, at anibersaryo, kapag ang mga pantig ay inaawit sa kumplikadong melodic patterns, kadalasan ay "Alleluia" ("Purihin sa Diyos"). Ang malaking kahalagahan, tulad ng sa iba pang mga anyo ng sining, ay spatial na simbolismo (sa kasong ito, "itaas" at "ibaba"). Ang buong estilo ng monophonic na pag-awit na ito, ang kawalan nito ng isang "pangalawang plano", "sound perspective" ay nakapagpapaalaala sa prinsipyo ng isang patag na imahe sa medieval na pagpipinta.
Himno . Ang kasagsagan ng paggawa ng himno ay nagsimula noong ika-6 na siglo. Ang mga himno, na nailalarawan sa pamamagitan ng higit na emosyonal na kamadalian, ay nagdala ng diwa ng makamundong sining. Ang mga ito ay batay sa mga himig ng istraktura ng kanta, malapit sa mga katutubong. Sa pagtatapos ng ika-5 siglo sila ay pinatalsik mula sa simbahan, ngunit sa loob ng maraming siglo sila ay umiral bilang non-liturgical music. Ang kanilang pagbabalik sa buhay simbahan (ika-9 na siglo) ay isang uri ng pagsang-ayon sa makamundong damdamin ng mga mananampalataya. Hindi tulad ng mga chorales, ang mga himno ay umaasa sa mga tekstong patula, at espesyal na binubuo (sa halip na hiniram mula sa mga sagradong aklat). Tinukoy nito ang isang mas malinaw na istraktura ng mga himig, pati na rin ang higit na kalayaan ng melody, na hindi napapailalim sa bawat salita ng teksto.
Ang misa. Ang ritwal ng Misa ay umunlad sa loob ng maraming siglo. Ang pagkakasunud-sunod ng mga bahagi nito sa mga pangunahing tampok ay natukoy ng ika-9 na siglo, ngunit nakuha ng masa ang pangwakas na anyo nito lamang noong ika-11 siglo. Matagal din ang proseso ng pagbuo ng kanyang musika. Ang pinaka sinaunang anyo ng liturgical na pag-awit ay ang salmo; direktang konektado sa mismong liturgical action, tumunog ito sa buong serbisyo at isinagawa ng mga pari at mga choirboy ng simbahan. Ang pagpapakilala ng mga himno ay nagpayaman sa istilo ng musika ng Misa. Ang mga himig ng himno ay tumunog sa magkahiwalay na mga sandali ng ritwal, na nagpapahayag ng sama-samang damdamin ng mga mananampalataya. Noong una ay inawit sila ng mga parokyano mismo, nang maglaon ay isang propesyonal na koro ng simbahan. Ang emosyonal na epekto ng mga himno ay napakalakas na unti-unting sinimulan nilang palitan ang salmo, na sumasakop sa isang nangingibabaw na lugar sa musika ng misa. Sa anyo ng mga himno nahugis ang limang pangunahing bahagi ng Misa (ang tinatawag na ordinaryo).
I. "Kyrie eleison"("Panginoon, maawa ka") - isang pagsusumamo para sa kapatawaran at awa;
II. Gloria("Kaluwalhatian") - isang himno ng pasasalamat sa lumikha;
III. Credo("Naniniwala ako") - ang gitnang bahagi ng liturhiya, na nagtatakda ng mga pangunahing aral ng doktrinang Kristiyano;
IV. "Sanctus"("Banal") - isang taimtim na maliwanag na tandang na paulit-ulit na tatlong beses, na pinalitan ng isang salutatory exclamation na "Osanna", na nag-frame sa gitnang episode na "Benedictus" ("Mapalad ang dumarating");
V. "Agnus Dei"("Kordero ng Diyos") - isa pang panalangin para sa awa, na hinarap kay Kristo na nagsakripisyo ng kanyang sarili; ang huling bahagi ay nagtatapos sa mga salitang: "Dona nobis pacem" ("Bigyan mo kami ng kapayapaan").
mga sekular na genre

vocal music
Ang medyebal na musikal at mala-tula na sining ay halos baguhan sa kalikasan. Iminungkahi nito ang sapat na unibersalismo: ang parehong tao ay parehong kompositor, at isang makata, at isang mang-aawit, at isang instrumentalist, dahil ang kanta ay madalas na sinasaliwan ng isang lute o viola. Malaking interes ang mga liriko ng patula, lalo na ang mga halimbawa ng sining ng kabalyero. Tulad ng para sa musika, ito ay naiimpluwensyahan ng Gregorian chants, ang musika ng mga libot na musikero, pati na rin ang musika ng silangang mga tao. Kadalasan ang mga gumaganap, at kung minsan ang mga may-akda ng musika para sa mga kanta ng mga troubadours, ay mga juggler na naglalakbay kasama ang mga kabalyero, sinasamahan ang kanilang pagkanta at kumikilos bilang mga tagapaglingkod at katulong. Salamat sa kooperasyong ito, nabura ang mga hangganan sa pagitan ng folk at knightly musical creativity.
Musika ng sayaw Ang lugar kung saan ang kahalagahan ng instrumental na musika ay ipinakita lalo na nang malakas ay musika ng sayaw. Mula noong katapusan ng ika-11 siglo, lumitaw ang isang bilang ng mga genre ng musika at sayaw, na idinisenyo nang eksklusibo para sa pagganap sa mga instrumento. Ni isang pagdiriwang ng ani, ni isang kasal o iba pang pagdiriwang ng pamilya ay hindi kumpleto nang walang pagsasayaw. Ang mga sayaw ay madalas na ginaganap sa pag-awit ng mga mananayaw mismo o sa sungay, sa ilang mga bansa - sa orkestra, na binubuo ng isang trumpeta, tambol, kampana, at mga simbalo.
branle French folk dance. Sa Middle Ages, ito ay pinakapopular sa mga lungsod at nayon. Di-nagtagal pagkatapos ng hitsura nito, naakit nito ang atensyon ng aristokrasya at naging isang ballroom dance. Salamat sa mga simpleng galaw, ang branly ay maaaring isayaw ng lahat. Ang mga kalahok nito ay magkahawak-kamay, na bumubuo ng isang saradong bilog, na maaaring masira sa mga linya, na nagiging zigzag na galaw. Mayroong maraming mga uri ng branle: simple, doble, masayahin, kabayo, washerwoman branle, branle na may mga sulo, atbp. Sa batayan ng mga paggalaw ng branle, ang gavotte, paspier at burre ay itinayo, at ang minuet ay unti-unting bumangon mula sa branle.
Stella Ang sayaw ay ginanap ng mga pilgrim na pumunta sa monasteryo upang yumukod sa rebulto ng Birheng Maria. Nakatayo siya sa tuktok ng bundok, pinaliwanagan ng araw, at tila may hindi makalupa na liwanag na dumadaloy mula sa kanya. Kaya ang pangalan ng sayaw (stella - mula sa lat. star). Sabay-sabay na sumayaw ang mga tao, nabigla sa kadakilaan at kadalisayan ng Ina ng Diyos.
Karol Ito ay sikat noong ika-12 siglo. Si Karol ay isang bukas na bilog. Sa pagtatanghal ng awit, magkahawak-kamay ang mga mananayaw. Sa unahan ng mga mananayaw ay may kantahan. Ang koro ay kinanta ng lahat ng kalahok. Ang ritmo ng sayaw ay alinman sa makinis at mabagal, o pinabilis at naging isang pagtakbo.
Mga sayaw ng kamatayan Noong huling bahagi ng Middle Ages, ang tema ng kamatayan ay naging tanyag sa kulturang Europeo. Ang epidemya ng salot, na kumitil ng malaking bilang ng mga buhay, ay nakaimpluwensya sa saloobin sa kamatayan. Kung mas maaga ito ay pagpapalaya mula sa makalupang pagdurusa, pagkatapos ay sa XIII na siglo. tinatrato siya ng kilabot. Ang kamatayan ay inilalarawan sa mga guhit at mga ukit sa anyo ng mga nakakatakot na imahe, na tinalakay sa mga liriko. Ang sayaw ay ginaganap sa isang bilog. Nagsimulang gumalaw ang mga mananayaw, na para bang hinihila sila ng hindi kilalang puwersa. Unti-unti, sinakop sila ng musikang tinutugtog ng sugo ng Kamatayan, nagsimula silang sumayaw at sa dulo ay bumagsak na patay.
Mga sayaw ng bass Promenade dance processions. Sila ay solemne at teknikal na hindi kumplikado. Ang mga nagtipon para sa kapistahan sa kanilang pinakamahusay na mga damit ay dumaan sa harap ng host, na parang ipinapakita ang kanilang sarili at ang kanilang kasuotan - ito ang kahulugan ng sayaw. Ang mga dancing-processions ay matatag na pumasok sa buhay ng hukuman, walang isang pagdiriwang ang magagawa kung wala sila.
estampi (estampides) Pair dances, na sinasaliwan ng instrumental music. Minsan ang "estampi" ay ginanap ng tatlong tao: isang lalaki ang namuno sa dalawang babae. Malaki ang papel ng musika. Binubuo ito ng ilang bahagi at tinukoy ang likas na katangian ng mga paggalaw at ang bilang ng mga hakbang sa bawat bahagi.

Mga Troubadours:

Gieraut Riquier 1254-1292

Si Guiraut Riquier ay isang Provençal na makata na kadalasang tinutukoy bilang "ang huling troubadour". Isang prolific at mahusay na master (48 sa kanyang mga melodies ay napanatili), ngunit hindi alien sa espirituwal na mga tema at makabuluhang kumplikado ang kanyang vocal writing, lumayo sa kanta. Sa loob ng maraming taon siya ay nasa korte sa Barcelona. Lumahok sa krusada. Interesado rin ang kanyang posisyon kaugnay ng sining. Kilala sa kanyang pakikipagsulatan sa sikat na patron ng sining na si Alphonse the Wise, King of Castile at Leon. Sa loob nito, nagreklamo siya na ang mga hindi tapat na tao, "hinahihiya ang pamagat ng juggler", ay madalas na nalilito sa mga maalam na troubadours. Ito ay "nakakahiya at nakakapinsala" para sa mga kinatawan ng "mataas na sining ng tula at musika, na marunong gumawa ng tula at lumikha ng mga akdang nakapagtuturo at nagtatagal." Sa ilalim ng pagkukunwari ng sagot ng hari, iminungkahi ni Rikier ang kanyang sariling systematization: 1) "mga doktor ng poetic art" - ang pinakamahusay sa mga troubadours, "nagbibigay-liwanag sa daan para sa lipunan", mga may-akda ng "mga huwarang tula at canson, magagandang maikling kwento at didaktiko. gumagana" sa kolokyal na wika; 2) mga trobador na gumagawa ng mga kanta at musika para sa kanila, lumikha ng mga himig ng sayaw, ballad, albs at sirvents; 3) mga juggler, tumutugon sa panlasa ng marangal: tumutugtog sila ng iba't ibang instrumento, nagkukuwento at mga engkanto, umaawit ng mga tula at kanyon ng ibang tao; 4) buffons (jesters) "ipakita ang kanilang mababang sining sa mga lansangan at mga parisukat at humantong sa isang hindi karapat-dapat na pamumuhay." Naglalabas sila ng mga sinanay na unggoy, aso at kambing, nagpapakita ng mga puppet, ginagaya ang pag-awit ng mga ibon. Si Buffon, para sa maliliit na handout, ay tumutugtog ng mga instrumento o humihina sa harap ng mga karaniwang tao ... naglalakbay mula sa korte patungo sa korte, nang walang kahihiyan, matiyagang tinitiis ang lahat ng uri ng kahihiyan at hinahamak ang kaaya-aya at marangal na trabaho.

Si Riquière, tulad ng maraming troubadours, ay nag-aalala tungkol sa tanong ng mga kabalyero na birtud. Itinuring niya ang pagkabukas-palad bilang ang pinakamataas na birtud. "Sa anumang paraan ay hindi ako nagsasalita ng masama tungkol sa kagitingan at katalinuhan, ngunit ang pagkabukas-palad ay higit sa lahat."

Ang mga damdamin ng pait at inis ay tumaas nang husto sa pagtatapos ng ika-13 siglo, nang ang pagbagsak ng mga Krusada ay naging isang hindi matatakasan na katotohanan na hindi maaaring balewalain at kung saan imposibleng hindi isipin. "Oras na para tapusin ko ang mga kanta!" - sa gayong mga talata (nagmula ang mga ito noong 1292), ipinahayag ni Giraut Rikier ang kanyang pagkabigo sa nakapipinsalang kinalabasan ng mga negosyo sa krusada:
"Dumating na ang oras para sa amin - para sa hukbo ng hukbo - na umalis sa Banal na Lupain!" Ang tula na "Panahon na para tapusin ko ang mga kanta" (1292) ay itinuturing na huling kanta ng troubadour.

Mga kompositor, musikero

Guillaume de Machaux c. 1300 - 1377

Si Machaut ay isang Pranses na makata, musikero at kompositor. Naglingkod siya sa korte ng hari ng Czech, mula 1337 siya ay isang kanon ng Reims Cathedral. Isa sa mga pinakakilalang musikero ng huling bahagi ng Middle Ages, ang pinakamalaking pigura sa French Ars nova. Kilala siya bilang multi-genre composer: ang kanyang mga motet, ballads, virelets, lais, rondos, canon at iba pang mga anyo ng kanta (kanta at sayaw) ay dumating sa amin. Ang kanyang musika ay nakikilala sa pamamagitan ng pinong pagpapahayag at pinong senswalidad. Bilang karagdagan, nilikha ni Macho ang unang misa ng may-akda sa kasaysayan (para sa koronasyon ni Haring Charles V sa Reims noong 1364. Ito ang misa ng unang may-akda sa kasaysayan ng musika - isang integral at kumpletong gawa ng isang sikat na kompositor. Mahahalagang linya, lumilipas , na sa isang banda, mula sa musikal at patula na kultura ng mga troubadours at trouveur sa matagal nang batayan ng kanta nito, sa kabilang banda, mula sa French schools of polyphony noong ika-12-13 na siglo.

Leonin (kalagitnaan ng ika-12 siglo)

Leonin - isang natatanging kompositor, kasama si Perotin ay kabilang sa Notre Dame School. Ang kasaysayan ay napanatili para sa atin ang pangalan ng dating sikat na lumikha ng "Big Book of Organums", na idinisenyo para sa taunang cycle ng pag-awit sa simbahan. Pinalitan ng mga organum ni Leonin ang pag-awit ng koro na kasabay ng dalawang bahagi na pag-awit ng mga soloista. Ang kanyang dalawang-boses na organum ay nakikilala sa pamamagitan ng maingat na pag-unlad, harmonic na "pagkakaugnay" ng tunog, na imposible nang walang paunang pag-iisip at pag-record: sa sining ni Leonin, hindi ang mang-aawit-improviser, ngunit ang kompositor ang nauuna. Ang pangunahing pagbabago ng Leonin ay ang maindayog na pag-record, na naging posible na magtatag ng isang malinaw na ritmo ng pangunahing gumagalaw na itaas na boses. Ang mismong likas na katangian ng mataas na boses ay nakikilala sa pamamagitan ng melodic generosity.

Peroten

Perotin, Perotinus - Pranses na kompositor ng huling bahagi ng ika-12 - ika-1 ikatlong bahagi ng ika-13 siglo. Sa mga kontemporaryong treatise, tinawag siyang "Master Perotin the Great" (hindi alam kung sino ang eksaktong sinadya, dahil maraming musikero ang maaaring maiugnay ang pangalang ito). Si Perotin ay nakabuo ng isang uri ng polyphonic na pag-awit na nabuo sa gawain ng kanyang hinalinhan na si Leonin, na kabilang din sa tinatawag na Parisian, o Notre Dame, na paaralan. Gumawa si Perotin ng matataas na halimbawa ng melismatic organum. Sumulat siya hindi lamang ng 2-boses (tulad ng Leonin), kundi pati na rin ng 3, 4-boses na komposisyon, at, tila, siya ay kumplikado at pinayaman ang polyphony sa ritmo at texture. Ang kanyang 4 na boses na organum ay hindi pa sumunod sa mga umiiral na batas ng polyphony (imitasyon, canon, atbp.). Sa gawa ni Perotin, isang tradisyon ng polyphonic chants ng Simbahang Katoliko ang nabuo.

Josquin des Pres c. 1440-1524

Franco-Flemish kompositor. Mula sa murang edad, isang koro ng simbahan. Naglingkod siya sa iba't ibang lungsod ng Italya (noong 1486-99 bilang isang koro ng papal chapel sa Roma) at France (Cambrai, Paris). Siya ang musikero ng korte ng Louis XII; nakatanggap ng pagkilala bilang isang master hindi lamang ng kulto na musika, kundi pati na rin ng mga sekular na kanta na inaasahan ang French chanson. Ang mga huling taon ng kanyang buhay ay siya ang rektor ng katedral sa Condé-sur-Escaut. Si Josquin Despres ay isa sa mga pinakadakilang kompositor ng Renaissance, na nagkaroon ng maraming nalalaman na impluwensya sa kasunod na pag-unlad ng sining ng Kanlurang Europa. Malikhaing nagbubuod ng mga nagawa ng Dutch school, lumikha siya ng mga makabagong komposisyon ng espirituwal at sekular na mga genre (masa, motet, salmo, frottolas) na puno ng humanistic na pananaw sa mundo, na nagpapasakop sa mataas na polyphonic na pamamaraan sa mga bagong gawaing masining. Ang himig ng kanyang mga gawa, na konektado sa mga pinagmulan ng genre, ay mas mayaman at mas multifaceted kaysa sa mga naunang Dutch masters. Ang "nilinaw" na istilong polyphonic ni Josquin Despres, na walang kontrapuntal na kumplikado, ay isang pagbabago sa kasaysayan ng pagsulat ng koro.

Mga genre ng boses

Ang buong panahon sa kabuuan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malinaw na pamamayani ng mga vocal genre, at sa partikular na vocal polyphony. Isang hindi pangkaraniwang kumplikadong mastery ng polyphony sa isang mahigpit na istilo, tunay na iskolar, virtuoso technique na kasama ng maliwanag at sariwang sining ng pang-araw-araw na pamamahagi. Ang musikang instrumental ay nakakakuha ng ilang kalayaan, ngunit ang direktang pag-asa nito sa mga porma ng boses at pang-araw-araw na mapagkukunan (sayaw, kanta) ay malalampasan lamang mamaya. Ang mga pangunahing genre ng musika ay nananatiling nauugnay sa pandiwang teksto. Ang kakanyahan ng Renaissance humanism ay makikita sa komposisyon ng mga choral na kanta sa estilo ng frottoll at vilanelle.
Mga genre ng sayaw

Sa Renaissance, ang pang-araw-araw na sayaw ay nagiging napakahalaga. Sa Italya, Pransya, Inglatera, Espanya mayroong maraming mga bagong anyo ng sayaw. Ang iba't ibang strata ng lipunan ay may sariling mga sayaw, bumuo ng paraan ng kanilang pagganap, ang mga patakaran ng pag-uugali sa panahon ng mga bola, gabi, kasiyahan. Ang mga sayaw ng Renaissance ay mas kumplikado kaysa sa hindi mapagpanggap na mga brannie ng huling bahagi ng Middle Ages. Ang mga sayaw na may bilog na sayaw at linear-rank na komposisyon ay pinapalitan ng magkapares na (duet) na sayaw, na binuo sa mga kumplikadong galaw at pigura.
Volta - pares na sayaw ng Italyano na pinagmulan. Ang pangalan nito ay nagmula sa salitang Italyano na voltare, na nangangahulugang "lumingon". Ang laki ay triple, ang bilis ay katamtamang mabilis. Ang pangunahing pattern ng sayaw ay ang ginoo nang mabilis at matalim na pinaikot ang babaeng sumasayaw sa kanya sa hangin. Ang pag-angat na ito ay kadalasang ginagawa nang napakataas. Nangangailangan ito ng mahusay na lakas at kagalingan ng kamay mula sa ginoo, dahil, sa kabila ng talas at ilang kabilisan ng mga paggalaw, ang pagtaas ay dapat na maisagawa nang malinaw at maganda.
galliard - isang lumang sayaw ng Italyano na pinagmulan, karaniwan sa Italy, England, France, Spain, Germany. Katamtamang mabilis ang takbo ng mga unang galliard, triple ang laki. Ang galliard ay madalas na ginanap pagkatapos ng pavane, kung saan kung minsan ito ay konektado sa tema. Galliards ika-16 na siglo napapanatili sa isang melodic-harmonic texture na may melody sa itaas na boses. Ang mga melodies ng Galliard ay popular sa malawak na mga seksyon ng lipunang Pranses. Sa panahon ng pagtatanghal ng mga harana, ang mga mag-aaral sa Orleans ay tumugtog ng galliard melodies sa mga lute at gitara. Tulad ng chimes, ang galliard ay may katangian ng isang uri ng dance dialogue. Lumipat ang ginoo sa bulwagan kasama ang kanyang ginang. Nang mag-solo ang lalaki, nanatili sa pwesto ang ginang. Ang solong lalaki ay binubuo ng iba't ibang kumplikadong paggalaw. Pagkatapos noon ay muli siyang lumapit sa ginang at ipinagpatuloy ang pagsasayaw.
pavana - sayaw sa korte noong ika-16-17 siglo. Katamtamang mabagal ang tempo, ang time signature ay 4/4 o 2/4. Sa iba't ibang mga mapagkukunan ay walang pinagkasunduan tungkol sa pinagmulan nito (Italy, Spain, France). Ang pinakasikat na bersyon ay isang Espanyol na sayaw na ginagaya ang mga galaw ng isang paboreal na naglalakad na may magandang umaagos na buntot. Malapit sa bass dance. Sa musika ng mga pavane, naganap ang iba't ibang mga seremonyal na prusisyon: ang mga awtoridad ay pumasok sa lungsod, nakita ang marangal na nobya sa simbahan. Sa France at Italy, ang pavane ay itinatag bilang sayaw sa korte. Ang solemne na katangian ng pavane ay nagbigay-daan sa lipunan ng korte na magningning sa biyaya at biyaya ng kanilang mga asal at galaw. Ang mga tao at ang burgesya ay hindi nagsagawa ng sayaw na ito. Ang pavane, tulad ng minuet, ay ginanap nang mahigpit ayon sa mga ranggo. Sinimulan ng hari at reyna ang sayaw, pagkatapos ay pumasok ang dauphin na may isang marangal na ginang, pagkatapos ay ang mga prinsipe, atbp. Ginawa ng Cavaliers ang pavane gamit ang isang espada at naka-capes. Ang mga babae ay nakasuot ng mga seremonyal na damit na may mabibigat na mahabang tren, na kailangang gamitin nang mahusay sa mga paggalaw nang hindi inaangat ang mga ito mula sa sahig. Ang paggalaw ng tren ay nagpaganda ng mga galaw, na nagbibigay ng pavane na karangyaan at solemnidad. Sa likod ng reyna, ang malalapit na babae ay may dalang tren. Bago magsimula ang sayaw, umikot daw ito sa bulwagan. Sa pagtatapos ng sayaw, muling naglibot sa bulwagan ang mga mag-asawang nakayuko at nakakurso. Ngunit bago isuot ang sombrero, kailangang ilagay ng ginoo ang kanyang kanang kamay sa likod ng balikat ng ginang, ang kaliwa (hinahawakan ang sombrero) sa kanyang baywang at halikan siya sa pisngi. Habang nagsasayaw, bumaba ang mga mata ng ginang; panaka-nakang nakatingin lang siya sa nobyo. Ang pavane ay napanatili sa pinakamahabang panahon sa England, kung saan ito ay napakapopular.
Allemande - isang mabagal na sayaw ng Aleman na pinagmulan sa 4 na beats. Nabibilang ito sa mass "low", non-jumping dances. Naging magkapares ang mga performer. Ang bilang ng mga mag-asawa ay hindi limitado. Hinawakan ng ginoo sa mga kamay ang ginang. Ang haligi ay lumipat sa paligid ng bulwagan, at nang makarating sa dulo, ang mga kalahok ay gumawa ng turn on the spot (nang hindi pinaghihiwalay ang kanilang mga kamay) at ipinagpatuloy ang sayaw sa kabilang direksyon.
Courant ay isang sayaw sa korte na nagmula sa Italyano. Ang chime ay simple at kumplikado. Ang una ay binubuo ng simple, gliding na mga hakbang, na pangunahing ginanap pasulong. Ang kumplikadong chime ay pantomimic sa kalikasan: tatlong ginoo ang nag-imbita ng tatlong babae na lumahok sa sayaw. Dinala ang mga babae sa kabilang sulok ng bulwagan at hiniling na sumayaw. Tumanggi ang mga babae. Ang mga ginoo, na nakatanggap ng pagtanggi, ay umalis, ngunit pagkatapos ay bumalik muli at lumuhod sa harap ng mga kababaihan. Pagkatapos lamang ng eksenang pantomime ay nagsimula na ang sayaw. Ang mga chimes ng mga uri ng Italyano at Pranses ay magkakaiba. Ang Italian chimes ay isang masiglang sayaw sa 3/4 o 3/8 na oras na may simpleng ritmo sa isang melodic-harmonic na texture. Pranses - isang solemne sayaw ("sayaw ng paraan"), isang makinis na mapagmataas na prusisyon. Sukat 3/2, katamtamang tempo, mahusay na nabuong polyphonic texture.
Sarabande - sikat na sayaw noong ika-16 - ika-17 siglo. Nagmula sa babaeng Espanyol na sayaw na may mga castanets. Sa simula ay sinasabayan ng pagkanta. Ang sikat na koreograpo at guro na si Carlo Blasis sa isa sa kanyang mga gawa ay nagbibigay ng isang maikling paglalarawan ng sarabande: "Sa sayaw na ito, lahat ay pumipili ng isang babae kung kanino siya ay walang malasakit. Ang musika ay nagbibigay ng isang senyas, at dalawang magkasintahan ay gumaganap ng isang sayaw, marangal, nasusukat, gayunpaman, ang kahalagahan ng sayaw na ito ay hindi gaanong nakakasagabal sa kasiyahan, at ang kahinhinan ay nagbibigay ng higit na biyaya; ang mga mata ng lahat ay sinusundan ng kasiyahan ang mga mananayaw na gumaganap ng iba't ibang mga pigura, na nagpapahayag sa kanilang paggalaw ng lahat ng mga yugto ng pag-ibig. Sa una, ang takbo ng sarabande ay katamtamang mabilis, nang maglaon (mula noong ika-17 siglo) lumitaw ang isang mabagal na French sarabande na may katangiang ritmikong pattern: ...... Sa sariling bayan, ang sarabande ay nahulog sa kategorya ng mga malalaswang sayaw at sa 1630. ipinagbawal ng Konseho ng Castile.
Gigue - isang sayaw na nagmula sa Ingles, ang pinakamabilis, tatlong bahagi, na nagiging triplets. Sa una, ang giga ay isang pares na sayaw, kumalat ito sa mga mandaragat bilang isang solo, napakabilis na sayaw na may likas na komiks. Nang maglaon, lumilitaw ito sa instrumental na musika bilang huling bahagi ng isang lumang dance suite.

Mga genre ng boses

Ang mga tampok ng Baroque ay pinaka-malinaw na ipinakita sa mga genre kung saan ang musika ay kaakibat ng iba pang mga sining. Ang mga ito ay, una sa lahat, opera, oratorio at tulad ng mga genre ng sagradong musika tulad ng mga hilig at cantatas. Ang musika kasama ang salita, at sa opera - na may mga costume at tanawin, iyon ay, na may mga elemento ng pagpipinta, inilapat na sining at arkitektura, ay tinawag upang ipahayag ang kumplikadong espirituwal na mundo ng isang tao, ang kumplikado at magkakaibang mga kaganapan na kanyang nararanasan. . Ang kapitbahayan ng mga bayani, diyos, totoo at hindi tunay na aksyon, lahat ng uri ng magic ay natural para sa baroque na lasa, ang pinakamataas na pagpapahayag ng pagkakaiba-iba, dynamism, pagbabagong-anyo, mga himala ay hindi panlabas, puro pandekorasyon na elemento, ngunit isang kailangang-kailangan na bahagi ng artistikong sistema.

Opera.

Ang pinakasikat na genre ng opera ay sa Italya. Ang isang malaking bilang ng mga opera house ay binuksan, na kumakatawan sa isang kamangha-manghang, natatanging kababalaghan. Hindi mabilang na mga kahon na nababalutan ng mabibigat na pelus, ang parterre na nababakuran ng isang hadlang (kung saan sa oras na iyon sila ay nakatayo, hindi nakaupo) ay nagtipon ng halos buong populasyon ng lungsod sa panahon ng 3 panahon ng opera. Ang mga Lodge ay binili para sa buong panahon ng mga pamilyang patrician, ang mga kuwadra ay masikip sa mga ordinaryong tao, kung minsan ay pinapapasok nang walang bayad - ngunit ang lahat ay nakadama ng kaginhawahan, sa isang kapaligiran ng patuloy na pagdiriwang. Sa mga kahon ay may mga sideboard, sopa, mga mesa ng card para sa paglalaro ng "paraon"; bawat isa sa kanila ay konektado sa mga espesyal na silid kung saan inihanda ang pagkain. Nagtungo ang publiko sa mga karatig na kahon na parang bumibisita; dito ginawa ang mga kakilala, nagsimula ang pag-iibigan, ipinagpalit ang pinakabagong mga balita, nagkaroon ng laro ng baraha para sa malaking pera, atbp. At sa entablado ay bumungad ang isang maluho, nakalalasing na palabas, na idinisenyo upang maimpluwensyahan ang isip at damdamin ng madla, upang maakit paningin at pandinig. Ang katapangan at kagitingan ng mga bayani noong unang panahon, ang mga kamangha-manghang pakikipagsapalaran ng mga mythological character ay lumitaw bago humanga sa mga tagapakinig sa lahat ng karilagan ng musikal at pandekorasyon na disenyo na nakamit sa halos siglo-lumang pag-iral ng opera house.

Nagmula sa pagtatapos ng ika-16 na siglo sa Florence, sa isang bilog ("camerata") ng mga humanist na iskolar, makata at kompositor, ang opera ay naging nangungunang genre ng musika sa Italya. C. Monteverdi, na nagtrabaho sa Mantua at Venice, ay gumanap ng isang partikular na mahalagang papel sa pagbuo ng opera. Dalawa sa kanyang pinakatanyag na mga gawa sa entablado, "Orpheus" at "Coronation of Poppea", ay minarkahan ng kamangha-manghang pagiging perpekto ng musikal na dramaturhiya. Kahit na sa panahon ng buhay ni Monteverdi, isang bagong paaralan ng opera ang lumitaw sa Venice, na pinamumunuan nina F. Cavalli at M. Honor. Sa pagbubukas ng unang pampublikong teatro ng San Cassiano sa Venice noong 1637, naging posible para sa sinumang bumili ng tiket na makapunta sa opera. Unti-unti, ang kahalagahan ng mga kagila-gilalas, panlabas na kamangha-manghang mga sandali sa pagkilos sa entablado ay tumataas sa kapinsalaan ng mga sinaunang mithiin ng pagiging simple at pagiging natural, na nagbigay inspirasyon sa mga pioneer ng genre ng opera. Ang diskarte sa pagtatanghal ay napakahusay na umuunlad, na ginagawang posible na maisama ang pinakakahanga-hangang pakikipagsapalaran ng mga bayani sa entablado - hanggang sa mga pagkawasak ng barko, paglipad sa himpapawid, atbp. Marangal, makulay na tanawin na lumilikha ng ilusyon ng pananaw (ang entablado sa mga sinehan sa Italya ay hugis-itlog sa hugis) inilipat ang manonood sa mga palasyo ng engkanto at sa mga kalawakan ng dagat, sa mga mahiwagang piitan at mahiwagang hardin.

Kasabay nito, sa musika ng mga opera, higit at higit na diin ang inilagay sa simula ng solong boses, na sumasakop sa natitirang mga elemento ng pagpapahayag; ito sa kalaunan ay hindi maiiwasang humantong sa isang pagkahilig para sa self-sufficient vocal virtuosity at pagbaba sa intensity ng dramatic action, na kadalasan ay naging dahilan lamang upang ipakita ang kahanga-hangang vocal na kakayahan ng mga soloistang mang-aawit. Alinsunod sa kaugalian, ang mga mang-aawit ng castrato ay gumanap bilang mga soloista, na gumaganap ng mga bahagi ng lalaki at babae. Pinagsama ng kanilang pagganap ang lakas at kinang ng mga boses ng lalaki sa gaan at kadaliang kumilos ng mga babae. Ang ganitong paggamit ng matataas na boses sa mga partido ng isang matapang na bayani na bodega ay tradisyonal noong panahong iyon at hindi itinuturing na hindi natural; ito ay laganap hindi lamang sa papal na Roma, kung saan ang mga kababaihan ay opisyal na ipinagbabawal na gumanap sa opera, kundi pati na rin sa ibang mga lungsod ng Italya.

Mula sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo. ang nangungunang papel sa kasaysayan ng Italian musical theater ay napupunta sa Neapolitan opera. Ang mga prinsipyo ng operatic dramaturgy na binuo ng mga kompositor ng Neapolitan ay nagiging unibersal, at ang Neapolitan opera ay kinilala sa pambansang uri ng Italian opera seria. Ang isang malaking papel sa pag-unlad ng Neapolitan opera school ay ginampanan ng mga conservatories na lumago mula sa mga orphanage sa mga espesyal na musical school. Sa kanila, ang espesyal na pansin ay binabayaran sa mga klase na may mga mang-aawit, na kinabibilangan ng pagsasanay sa hangin, sa tubig, sa maingay na masikip na mga lugar at kung saan ang echo ay tila kontrolin ang mang-aawit. Isang mahabang linya ng makikinang na vocal virtuosos - mga mag-aaral ng conservatories - ang nagdala ng kaluwalhatian ng musikang Italyano at "magandang pag-awit" (bel canto) sa buong mundo. Para sa Neapolitan opera, ang mga conservatories ay bumubuo ng isang palaging reserba ng mga propesyonal na tauhan at ang susi sa malikhaing pag-renew nito. Kabilang sa maraming mga kompositor ng opera ng Italyano noong panahon ng Baroque, ang pinakanamumukod-tanging phenomenon ay ang gawa ni Claudio Monteverdi. Sa kanyang mga huling gawa, ang mga pangunahing prinsipyo ng operatic dramaturgy at iba't ibang anyo ng operatic solo singing ay binuo, na sinundan ng karamihan sa mga kompositor ng Italyano noong ika-17 siglo.

Si Henry Purcell ang orihinal at nag-iisang lumikha ng pambansang English opera. Sumulat siya ng isang malaking bilang ng mga gawa sa teatro, kung saan ang tanging opera ay sina Dido at Aeneas. Ang "Dido at Aeneas" ay halos ang tanging Ingles na opera na walang pasalitang pagsingit at mga diyalogo kung saan ang dramatikong aksyon ay nakatakda sa musika mula simula hanggang katapusan. Ang lahat ng iba pang mga musikal at teatro na gawa ni Purcell ay naglalaman ng pasalitang diyalogo (sa ating panahon, ang mga naturang gawa ay tinatawag na "musika").

"Opera - ang kasiya-siyang upuan nito, ito ay isang bansa ng mga pagbabago; sa isang kisap-mata, ang mga tao ay naging mga diyos, at ang mga diyos ay naging mga tao. Doon, ang manlalakbay ay hindi kailangang maglibot sa mga bansa, dahil ang mga bansa mismo ay naglalakbay sa harap niya. . Nababagot ka ba sa kakila-kilabot na disyerto? Agad kang dinadala ng tunog ng isang sipol sa mga hardin ng Idylls; isa pang aakay sa iyo mula sa impiyerno patungo sa tahanan ng mga diyos: isa pa - at natagpuan mo ang iyong sarili sa kampo ng mga engkanto. Mga engkanto ng opera kabigha-bighani tulad ng mga engkanto ng aming mga fairy tales, ngunit ang kanilang sining ay mas natural ... "(Dufreni).

"Ang opera ay isang pagtatanghal na kakaiba at kahanga-hanga, kung saan ang mga mata at tainga ay higit na nasisiyahan kaysa sa isip; kung saan ang pagpapasakop sa musika ay nagdudulot ng mga katawa-tawang kahangalan; kung saan ang mga aria ay inaawit sa pagkawasak ng lungsod, at ang mga tao ay sumasayaw sa paligid ng libingan; kung saan makikita ang mga palasyo ng Pluto at ng Araw, at gayundin ang mga diyos, demonyo, mangkukulam, halimaw, kulam, palasyong itinayo at winasak sa isang kisap-mata. Ang mga ganitong kakaibang bagay ay pinahihintulutan at hinahangaan pa, dahil ang opera ay isang bansa ng mga diwata. "(Voltaire, 1712).

Oratorio

Ang oratorio, kabilang ang espirituwal, ay madalas na napagtanto ng mga kontemporaryo bilang isang opera na walang kasuotan at tanawin. Gayunpaman, ang mga kultong oratorio at mga hilig ay tumunog sa mga templo, kung saan ang templo mismo at ang mga kasuotan ng mga pari ay nagsisilbing dekorasyon at kasuotan.

Ang oratorio ay, higit sa lahat, isang espirituwal na genre. Ang mismong salitang oratorio (ito. oratorio) ay nagmula sa huling Latin na oratorium - "chapel", at ang Latin na th - "I say, I pray." Ang oratorio ay ipinanganak kasabay ng opera at cantata, ngunit sa templo. Ang hinalinhan nito ay ang liturgical drama. Ang pag-unlad ng pagkilos ng simbahang ito ay napunta sa dalawang direksyon. Sa isang banda, nagiging pangkaraniwan, unti-unti itong naging isang komiks na pagtatanghal. Sa kabilang banda, ang pagnanais na mapanatili ang kaseryosohan ng may panalanging pakikipag-ugnayan sa Diyos ay patuloy na nagtutulak patungo sa static na pagganap, kahit na may pinaka-maunlad at dramatikong balangkas. Ito sa huli ay humantong sa paglitaw ng oratorio bilang isang independyente, una ay puro templo, at pagkatapos ay isang genre ng konsiyerto.