Ang kasaysayan ng paglikha ng teatro sa Russia. Sino at kailan nilikha ang unang teatro sa mundo Kailan lumitaw ang unang propesyonal na teatro

Ang kasaysayan ng teatro ay nakaugat sa Sinaunang Greece higit sa dalawang millennia na ang nakalilipas. Ang pinakalumang sining ay ipinanganak bilang isang kamangha-manghang libangan para sa publiko, maligaya na mga eksena ng mga mummy. Ang mga pagtatanghal ay orihinal na naka-time na magkakasabay sa Great Dionysia - isang mahusay na relihiyosong holiday.

Ngayon ang teatro ay walang alinlangan na higit pa sa isang prusisyon ng pag-awit ng mga lalaki sa mga kambing sa pamamagitan ng lungsod. Ito ay naging isang mataas na sining, isang paraan ng libangan para sa mataas na lipunan, isang lugar ng edukasyon sa kultura. Ang kasaysayan ng teatro ay isang kamangha-manghang proseso ng pag-unlad na nagpapatuloy hanggang ngayon. Sasabihin namin sa mambabasa ang tungkol dito sa aming artikulo. Makakakita ka rin ng maraming mga kagiliw-giliw na katotohanan sa ipinakita na materyal. Kaya, magsimula tayo.

Magsimula

Sa Athens V siglo BC. e. ang mga teatro na pagtatanghal ay isang mahalagang bahagi ng mga pagdiriwang ng relihiyon. Ang mga proseso na may rebulto ni Dionysus ay sinamahan ng masayang chants at dramatikong mga laro. Masasabi natin na ang kasaysayan ng teatro ng Athenian ay nagsimula bilang isang pagganap ng amateur para sa isang maliit na bilang ng mga manonood. Sa una, ang mga trahedya lamang ay itinanghal, ang mga komedya ay ipinakita mamaya. Kapansin-pansin na ang mga pag-play, bilang isang patakaran, ay ipinakita nang isang beses lamang. Pinasigla ang mga may-akda na lumikha ng nauugnay, kawili-wiling mga gawa. Hindi lamang sinulat ng tagapag-play ang dula, siya ay isang buong kalahok sa pagganap, gumaganap ng mga tungkulin: direktor, kompositor, choreographer at kahit na artista. Naturally, ang mga ito ay sobrang talino ng mga tao.

Ngunit upang maging isang koro (pinuno ng koro), hindi kinakailangan ang mahusay na talento. Ang kailangan lang nila ay pera at koneksyon sa mga opisyal ng gobyerno. Ang pangunahing tungkulin ng koro ay ang magbayad ng mga perang papel, magbigay ng buong materyal na suporta at suportahan ang teatro. Ito ay sa oras na iyon ng isang lugar ng kumpetisyon, ang matagumpay na horeg, makata at protagonista na napanalunan dito. Ang mga nagwagi ay nakoronahan ng ivy at iginawad ng mga premyo. Ang tagumpay ay ibinigay sa kanila sa pamamagitan ng pagpapasya ng hurado.

Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay ang mga sinaunang Roma ay tunay na mga tagahanga ng pagiging totoo. Ang paggawa ay itinuturing na perpekto, kung saan nasanay ang aktor na 100% - kung kinakailangan, kailangan niyang maging handa kahit mamatay.

Ang teatro ng Greece ay walang bubong; ang mga manonood at aktor ay, sa katunayan, sa kalye. Ang mga sukat ng mga sinaunang sinehan ay napakalaking, maaari nilang mapaunlakan mula 17 hanggang 44 libong katao. Sa una, ang mga kahoy na platform ay ginamit upang mai-down down ang madla, kung gayon ang mga natural na slope ng bato ay inangkop para sa teatro. At pagkatapos lamang, noong ika-IV siglo BC. BC, isang teatro ng bato ang itinayo.

Malamang na interesado kang malaman na ang gobyerno, na nagsisimula sa Pericles, ay posible na bisitahin ang teatro at sumali sa mga magagandang, kahit na pinansiyal na mga mamamayan. Upang gawin ito, ang bawat isa ay binigyan ng subsidy para sa isang pagbisita sa teatro, at pagkatapos ay sa tatlong pagbisita.

Ang kasaysayan ng sinaunang teatro ay may isang tampok na katangian: ang mga aktor ay naglaro ng kanilang mga tungkulin nang walang tulong ng kanilang sariling mga ekspresyon sa mukha. Pinalitan ito ng lahat ng uri ng mga maskara, na madalas na nakakagulat. Napansin ng aktor ang paggalaw ng katawan at damit. Ang mga aktor ay mga kalalakihan, kahit na sa mga babaeng papel. Sinakop nila ang isang pribilehiyong posisyon sa lipunan at walang bayad sa mga buwis.

Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay si Livy Andronicus, isang sinaunang kalaro ng Roman, ay naging ama ng unang "phonogram" sa mundo. Naiwan siyang walang tinig, ngunit lumabas sa sitwasyon, nakahanap ng isang batang lalaki na nagsalita para sa kanya.

Ang ilang mga termino ng sinaunang teatro

Maraming mga kahulugan na ginamit sa mga sinehan na nakaligtas hanggang sa araw na ito. Ang isang maliit na glossary ng mga termino mula sa mga sinaunang panahon ay iniharap sa iyong pansin sa ibaba:

• Ang Orchestra ay isang bahagi ng isang ikot na teatro na may dalawang pasukan, na idinisenyo para sa mga pagtatanghal ng mga dramatiko at liriko na koro. Sa teatro ng Athenian, ang diameter nito ay 24 metro.
• Ang Skena ay isang lugar upang magbihis. Ito ay orihinal na isang simpleng tolda, pagkatapos ay konektado sa mga piraso ng dekorasyon sa entablado tulad ng backdrop.
• Proscenium - colonnade sa harap ng skena.
• Paracenium - mga outbuildings ng gilid ng bato.
• Ang entablado ay isang burol sa itaas ng orkestra, kung saan nagsimulang maglaro ang mga aktor sa huli na panahon.
• Ang Ekkiklema ay isang palipat-lipat na kahoy na platform na nagpapahintulot sa iyo na baguhin ang eksena at ilipat ang mga aktor sa paligid ng entablado.
• Koturny - sapatos na may mataas na soles na kahawig ng mga stilts. Sa tulong ng gayong mga sapatos, ang mga aktor ay naging mas mataas, higit na nagpapataw at katulad ng mga nilalang na gawa-gawa.

Ang isang kamangha-manghang katotohanan ay sa Roma na ang pariralang "Finita la Comedia" ay unang binibigkas.

Mga manika sa mundo ng teatro

Ang kasaysayan ng papet na teatro ay bumalik sa Egypt, kung saan ginamit ng mga pari ang papet ng diyos na si Osiris upang magsagawa ng mga pagkilos na ritwal. Sa simula, ang papet na teatro ay seremonya lamang at ritwal, ngunit ngayon ang koneksyon sa relihiyon ay nawala. Ang mga sikat na ritwal at ritwal na papet ng sinehan ay umiiral sa maraming mga bansa: Japan (Bunraku), Indonesia (Wayang), Catalonia (El Pastores), Belarus (Batleika) at iba pa.

Sa kasaysayan ng papet na teatro sa Amerika, ang teatro na nilikha noong 1962 sa ilalim ng pangalang "Tinapay at Dolyar" ay nakatayo. Nagtatampok ito ng mga higanteng papier-mâché na manika, isang halata na pampulitika na lasa, at masarap na tinapay sa pasukan. Ang pakikipag-ugnay na ito sa pagitan ng mga aktor at manonood ay sinasagisag: ang theatrical art ay dapat na malapit sa mga tao hangga't maaari.

Ang mga manika ay dumating sa iba't ibang laki at uri. May daliri at guwantes, baston at tablet, tuta at higanteng mga manika. Hindi napakadaling maging isang artista sa isang papet na teatro, dahil kailangan mong mabuhay muli ang isang walang buhay na bagay, bigyan ito ng character at boses.

Ang isang tampok na katangian ng anumang papet na teatro ay panlilibak sa isang bagay, ang pagkakaroon ng moralidad, isang elemento ng pang-edukasyon sa mga eksena. Hindi mahalaga kung gaano katagal ang manonood ng teatro ng papet, makikita niya roon hindi lamang isang bagay na matawa, ngunit mayroon ding dapat isipin. Kadalasan ang mga bayani sa papet na teatro ay hindi nakakaakit, kahit na mga pangit na character, halimbawa, ang French Punchinelle na may isang ilong na may gantsilyo.

Marahil ay interesado kang malaman na ang mga aktor ay hindi palaging mayaman. Sa kasaysayan ng papet na Amerikano, may mga katotohanan na maaaring makita ng mga teatro sa paglalaro kapalit ng pagkain.

Drama

Ang kasaysayan ng dula sa teatro ay bumalik sa sinaunang panahon. Ito ay isa sa mga form ng sining, kasama ang papet na teatro, pantomime, opera at ballet. Ang pangunahing nakikilala na tampok ng teatro ng drama ay ang pagkilos ng aktor ay pinagsama sa mga salitang sinasalita sa kanya. Ang yugto ng pagsasalita ay binibigyan ng espesyal na pansin sa ganitong uri ng genre. Ang dula ay batayan ng isang dramatikong pagganap. Sa proseso ng pag-arte, posible ang improvisasyon, maaaring kasama ang pagkilos sa pagsasayaw, pagkanta. Ang dula ay batay sa isang akdang pampanitikan. Ang direktor ay ang pangunahing tagapagsalin ng isang dula o script.

Medyo kahanga-hanga ang katotohanan na ang mga manggagawa sa teatro ay naniniwala na ang pagbagsak ng script ay hindi maganda. Kung nangyari ang kaguluhan na ito, dapat na tiyak kang umupo.

Ang paglitaw ng mga tradisyon sa theatrical tradisyon

Ang kasaysayan ng teatro sa Russia ay nahahati sa mga yugto:

• Paunang ("mapaglarong").
• Gitnang.
• Mature.

Nakatutuwang yugto

Tulad ng sa sinaunang Roma, ang kasaysayan ng teatro sa Russia ay nagsimula bilang isang hindi ganap na malubhang trabaho. Ang mga pagtatanghal sa teatro ay tinawag na "masaya" at ang mga pagtatanghal ay tinawag na "merrymaking". Ang unang pagbanggit ng babala ng mga buffo date ay bumalik sa 1068. Halos ang sinumang tao ay maaaring maging tulad ng isang aktor na nakakaaliw sa madla. Mula sa pananaw ng relihiyon, ang mga aktibidad ng mga buffo ay nakakahiya. Sa mga talaan ay tinawag silang mga alipin ng diyablo, at panunuya, pangungutya at pananamit ay tinatawag na mga kasalanan. Ang matalim na satire ay hindi tinanggap ng simbahan, gayunpaman, hindi ito pinigilan ng sinuman.

Ang buffoonery ay hindi rin itinuturing na isang sining na nakalulugod sa mga awtoridad, sa kabaligtaran, talamak na mga temang panlipunan ng mga eksena, panlalait sa mga modernong pagkukulang na ginawa ng mga aktor na mapanganib at nakakapinsala. Ngunit ang mga tao ay mahilig manood at tumawa sa mga pagtatanghal ng mga buffoon. Gayunpaman, dapat itong maunawaan na ang klasikal na teatro, tulad ng alam natin ngayon, ay hindi lumago sa mga eksenang ito ng buffoonery, ngunit nang nakapag-iisa sa kanila, kahit na, sa kabila nito.

Gitnang yugto

Ang susunod na yugto sa kasaysayan ng teatro ng Ruso ay intermediate sa pagitan ng maligaya at sa mature. Sa yugtong ito, lumilitaw ang mga sinehan at ang mga sinehan. Sa oras na iyon, pinasiyahan ni Tsar Alexei Mikhailovich, ang mga aktor ng teatro ng korte ay mga dayuhan, ang teatro ng paaralan - mga mag-aaral. Matapos ang pagkamatay ni Alexei Mikhailovich, ang aktibidad ng teatro ng korte ay nasuspinde hanggang sa si Peter ay dumating sa kapangyarihan.May positibong saloobin sa "mga pabango", ngunit, bilang karagdagan sa libangan, siya rin ay pinagkalooban ng isang function ng propaganda. Noong 1702, isang pampublikong teatro ang lumitaw para sa malawak na masa. Ang gusali nito ay tinawag na "Comedy Temple", kung saan ang mga pagtatanghal ay ibinigay ng isang tropa ng Aleman. Ang teatro na ito ay hindi tinanggap ang mga tao. Bagaman hindi ko nakamit ang kanyang layunin, hindi ginawa ang teatro bilang isang paboritong lugar ng mga tao, naa-access at tanyag, ngunit inilatag niya ang lahat ng kinakailangang mga kinakailangan para dito.

Isang mature na yugto sa kasaysayan ng theatrical art

Ang panahong ito sa kasaysayan ng paglikha ng isang teatro sa Russia ang pinakamahalaga. Sa yugtong ito, sinimulan ng teatro na makuha ang mga tampok na pamilyar sa isang modernong tao, na naging hugis sa isang malubhang komunidad ng propesyonal. Noong Agosto 30, 1756, ibinigay ang pagsisimula, lalo na, ang Imperial Theatre ay binuksan. Ang parehong petsa ay minarkahan ang pagkakatatag ng Alexandrinsky Theatre sa St. Petersburg. Nangyari ito sa ilalim ng Elizaveta Petrovna.

Ang isang tampok ng teatro ng oras na iyon ay ang sabay-sabay na pakikilahok sa mga paggawa ng kapwa mga artista ng Russia at dayuhan. Sa yugtong ito na ang pagganap ng mga tungkulin ay unang ipinagkatiwala hindi lamang sa mga kalalakihan, kundi pati na rin sa mga kababaihan. Naglakip si Catherine II ng malaking kahalagahan sa teatro, sa ilalim niya sa St. Petersburg mayroong tatlong mga tropa, isang malaking halaga ng pera ang ginugol sa pag-unlad ng industriya na ito.

Bilang karagdagan sa pag-unlad ng mga estado, binigyang pansin ni Catherine ang mga pribadong sinehan ng maharlika, mayroong, halimbawa, ang teatro ng Sheremetyev, Volkonsky, Rumyantsev. Kahit sa mga probinsya, ang kanilang sariling mga landowner troupes ay nilikha. Ang teatro ng Russia ay itinayo, lalo na ang mga pagtatanghal mismo, sa mga modelo ng kanilang mga kasamahan sa Pransya. Ang pinuno ng paaralan ng Pransya na kumikilos ay si I. A. Dmitrevsky, na nagdala ng higit sa isang henerasyon ng mga mahusay na aktor.

Alam mo ba?

Ipinakita namin sa pansin ng mambabasa ang ilang mga mas kawili-wiling katotohanan mula sa kasaysayan ng sining ng teatro.

Sa oras na buhay pa si Pushkin, ang mga sinehan sa Russia ay hindi ganap na nakaupo. Ang pinakamalayo na mga hilera ay inookupahan ng mga taong nakatayo sa kanilang mga paa sa buong palabas.

Ang isang iconic na pag-play sa kasaysayan ng sining theatrical art ay ang "The Minor" ng DI Fonvizin, na siyang unang pagtatangka upang mangutya sa mga opisyal, maharlika, tipikal na mga character ng ika-18 siglo. Ang Starodum (isang positibong karakter) ay unang nilalaro ng nabanggit na Dmitrevsky.

Noong 1803, nahati ang mga sinehan ng imperyal. Ang mga tropa ng drama at musika, opera at mga kumpanya ng ballet, ay lumitaw bilang bahagi ng musika. Ang pangingibabaw ng paaralan ng Pransya ng paglalaro sa yugto ng Russia ay tumagal hanggang ika-19 na siglo. Ito ay pagkatapos na ang teatro ng Russia sa wakas nakuha sa mga paa nito at sinundan ang sariling landas. Ang karanasan na nakakuha ay naging isang mahusay na batayan, at ang pagtuklas ng mga bagong talentong kompositor, aktor, mananayaw ay pinataas ang teatro sa isang mataas na antas.

Ang PN Arapov ay ang unang naglalarawan sa buong kasaysayan ng teatro ng Russia sa isang encyclopedia - "Chronicle ng Russian Theatre". Lumitaw ang mga magazine ng teatro at propesyonal na kritiko. Kaya, ang pag-unlad ng teatro ay nagbigay ng impetus, kasama na, sa panitikang Ruso.

Ang pinakasikat na teatro sa Moscow

Ang kasaysayan ng Bolshoi Theatre ay nagsisimula sa Marso 28, 1776. Ito ay sa araw na ito sa Moscow na si Empress Catherine II ay pumirma ng isang "pribilehiyo" para kay Prinsipe Peter Urusov, na pinapayagan siyang mapanatili ang teatro sa loob ng sampung taon. Sa una ay tinawag itong Petrovsky Theatre (bilang karangalan sa kalye kung saan nagpunta ang pasukan). Noong 1805, ganap na sinunog ang gusali, at isang bagong proyekto ang nilikha ng arkitekto na Osip Bove. Noong 1820, nagsimula ang konstruksiyon, na tumagal ng 5 taon.

Ang itinayo na teatro ay naging mas malaki, kung kaya't nakuha nito ang pangalan nito. Ang maganda, maayos, maayos na gusaling ito ay nalulugod sa mga residente ng Moscow hanggang 1853, nang sumabog ang pangalawang sunog. Sa oras na ito ang muling pagtatayo ay ipinagkatiwala sa arkitekto na si Albert Kavos. Ang teatro ay naibalik na noong 1856. Ang Imperial Bolshoi Theatre ay naging tanyag hindi lamang sa Russia, kundi pati na rin sa mundo: ito ay may mahusay na acoustics. Noong 1917 pagkatapos ng Rebolusyon, ang pangalan ay binago sa State Bolshoi Theatre. Ang palamuti ay pupunan ng mga simbolo ng Sobyet.

Siya ay malubhang nasugatan sa panahon ng Great Patriotic War, na kumukuha ng bomba. Ang gusali ay muling itinayo. Hanggang sa 1987, ang gusali ay sumailalim lamang sa mga menor de edad na pag-aayos ng kosmetiko. Ngayon ang Bolshoi Theatre ay isang gusali na may bagong yugto, kung saan maaari mong gamitin ang mga modernong epekto. Kasabay nito, napapanatili ang diwa ng klasikal na arkitektura, ang "lagda" na akustika, na nagbibigay ito ng karapatang maituring na isa sa mga pinakamahusay na sinehan sa buong mundo. Ito ang kwento ng Bolshoi Theatre.

At sa wakas, isa pa, hindi gaanong kawili-wiling katotohanan. Mga pelikulang nagaganap sa kabuuan o bahagi sa teatro: Birdman, Kawawa ng Manlilikha, La La Land, Ang Phantom ng Opera, Burlesque Tales, Knockout, Bumping into Broadway, Black Swan "," Puppeteer "," Awfully Big Adventure "," Shakespeare in Love "," Murder in a Small Town "," Orfevre Quay ".

Ang kasaysayan ng teatro (dramatiko at iba pang mga genre ng sining na ito) ay patuloy na bubuo, dahil ang interes sa ito ay nanatiling hindi nagbabago nang higit sa dalawang libong taon.

Sa buhay ng mga sinaunang Griego, ang sining ng teatro ay binigyan ng unang lugar bilang isang paraan upang magsaya. Ang mga palabas ay naayos sa antas ng estado upang magbigay pugay sa diyos na si Dionysus sa panahon ng pista opisyal.

Ang istraktura ng mga pagtatanghal

Ang mga sinaunang dula sa Griyego na drama ay naiiba sa mga modernong. Ang mga ito ay binubuo ng maraming mga pagtatanghal ng mga karibal na makata na nagtatrabaho sa isang trahedya at komiks na direksyon. Ang bawat kalahok ay nagpakita ng isang nakakatawang kwento sa madla. Kapag nagtatanghal, ang koro ng mga satyrs at tatlong trahedya, na pinagsama ng isang linya ng kuwento, ay kinakailangang gamitin. Ang pagtatanghal ay natapos lamang sa ika-apat na araw. Tumagal sila mula umaga hanggang huli ng gabi. Ang pagkilos ay nagsimula sa mga trahedya na pagtatanghal, na sinundan ng isang satire drama. Natapos ang gabi sa isang komedya.

Saliw ng musikal

Ang koro ay ibinigay ng estado, dahil imposibleng ihanda ito nang nakapag-iisa. Sa paglipas ng panahon, nagbago ang bilang ng mga nagsasalita mula 6 hanggang 15 katao. At ang mga mang-aawit ay tinuruan ng mga mayayamang mamamayan. Ang taong naghahanda ng koro para sa mga kumpetisyon sa teatrikal, na nagbigay nito ng mga costume, ay tinawag na koro. Kasama ang mga aktor, mang-aawit, horegs ay ibinukod mula sa serbisyo ng militar para sa oras na kinakailangan para sa paghahanda at pagganap.

Istraktura ng tanawin

Ang sinaunang teatro na Greek ay binubuo ng ilang mga bahagi, na kung saan ang orkestra (isang lugar para sa pagsasagawa ng mga mang-aawit), theatron (auditorium) at skena (isang uri ng mga props na kinakailangan upang makamit ang higit na paniniwala). Upang marinig ng madla ang mga salita ng mga aktor, ang mga espesyal na vessel ay ginamit upang makatulong na palakasin ang mga tunog na sinasalita.

Mga natatanging tampok

Ang sinaunang Griyego na gumaganap na sining ay 90% na lalaki. Bilang karagdagan sa hindi komplikadong pagganap ng kanilang mga tungkulin, ipinakita ng mga artista ang mga kakayahan sa boses, perpektong diction, kakayahang umangkop, pagkakadulas. Ang mga mukha ng mga taong gumaganap sa entablado ay sakop ng mga maskara. Ang kanilang malawak na paggamit ay nauugnay sa pagsamba sa Dionysus, kawalan ng mga babaeng artista, at napakalaking sukat ng arena. Ang mga maskara ay maaaring maging trahedya o komiks, na eksaktong inihatid ang ideya ng may-akda sa manonood.

Ang mga espesyal na damit para sa mga kalahok sa pagtatanghal ay nakatulong sa paglarawan ng iba't ibang mga character. Ang pagiging mahaba, maliliwanag, itinago nito ang mga kinakailangang unan o linings na ginagamit upang mabago ang likas na proporsyon ng katawan. Kung interesado ang tagapakinig sa pagganap, marahas silang nagpahayag ng mga positibong emosyon. Ang hindi pagtanggi ay hindi mas malinaw. Kadalasan ang negatibong reaksyon na ito ay hinimok ng mga tao na espesyal na inuupahan ng mga kakumpitensya.

Sinaunang roman arena

Ang pinagmulan ng teatro sa sinaunang Roma ay nauugnay sa malulugod na pagdiriwang ng pag-aani, na unang inayos bilang nakakatawa na mga kumpetisyon ng maliliit na koro. Ang mga biro na ipinagpapalit nila ay paminsan-minsan ay masungit, na naglalaman ng panunuya sa mga bisyo ng lipunan, lalo na ang tuktok.

Ang pinagmulan ng theatrical art

Ang pinakaunang mga representasyon ng sinaunang arte ng teatro sa Roma ay kinabibilangan ng mga Atellans, na tinawag na mga lungsod sa timog ng modernong Italya. Ito ay mga light comedic performances. Maraming mga batang Romano ang nakibahagi.

Ang pampanitikan na dula ay dumating sa sinaunang Roman teatro mula sa Greece. Narito ang mga katulad na likha ay itinanghal sa Latin.

Ang Greek Livy Andronicus ay nagtapos sa Roma bilang isang bilanggo ng digmaan. Ang Greek ay hinirang na namamahala sa pagtatanghal ng unang dramatikong pagganap. Ito ang nagbigay impetus sa karagdagang pag-unlad ng theatrical art. Hindi ito maaaring, tulad ng sa Greece, ay nagpapahiwatig ng mga problema sa buhay ng lipunan, kaya't naging mas kumplikado ang mga taludtod, ang libangan ng mga orihinal na Greek. Sa kabila nito, nahihirapang makita ng mga Romano ang tradisyonal na mga kwento sa drama.

Gladiatorial na salamin

Ang mga palabas ay naganap sa panahon ng pampublikong pista opisyal. Sinamahan sila ng sirko, gladiatorial performances na iginuhit ang pansin sa kanilang sarili, na sikat sa mga tao.

Sa una, walang lugar para sa mga dula sa dula, mayroon lamang isang kaibig-ibig na platform na may isang hagdan. Ang mga aktor ay naging mas propesyonal, nilalaro nang walang maskara. Ang mga paningin ay isinaayos sa pamamagitan ng kasunduan ng manager ng sinaunang Roman teatro. Sa madaling salita, simpleng mga tropa ng mga aktor, kasama ang mga naghihintay na lupon. Ang mga costume ng mga character ay hindi naiiba sa mga Greek. Kaunting mga accent lamang, tulad ng taas ng platform sa sapatos, ang laki ng mga wigs na lumikha ng isang kahanga-hangang impression.

Ang unang permanenteng teatro ng Roman ay itinayo ni Pompey. Ang mga spectator ay nakipagbalikan sa mga semicircular na mga bangko na nakaayos sa ilang mga hilera. May magkahiwalay na upuan para sa mga senador. Ang bubong, masalimuot na pinalamutian na facades at kurtina.

Ang pinagmulan ng theatrical art ng sinaunang India

Ang sinaunang sining theatrical na Indian ay nahahati sa dalawang direksyon - katutubong at pampanitikan. Mayroong maraming mga bersyon ng pinagmulan, ang pinakapopular na katangian ng katotohanang ito kay Emperor Bharat. Sa pamamagitan niya ang ikalimang Veda ay ipinadala sa mga tao, na pinagsama ang Salita, Aksyon, Lad. Ang mas malamang ay ang bersyon ng pagsasama-sama ng mga nakakatawang pagtatanghal na may tradisyonal na misteryo na umiiral sa panahon ng mga pangunahing pista opisyal.

Sa okasyong ito, ang kasamang mga kumpetisyon ng mga taong malakas, mga programa ng mga mahiko, musikero, mga mananayaw ay naayos. Nagsimula ang produksiyon sa mga numero ng sayaw. Pinaganda ng mga mananayaw ang pagganap na may pantomimic na mga pagpapakilala, pagtula ng Vedic. Unti-unti, ang sayaw ay pinalitan ng pagganap ng mga artista.

Sistemang panlipunan

Ang kumplikadong sistemang panlipunan ng sinaunang India ay naglagay ng mga aktor sa pinakamababang antas.

Sila ay itinuturing na mga tao ng isang kawalang respeto, habang kinutya nila ang mga diyos sa kanilang mga talumpati. Sa kabila ng sitwasyong ito, ang karamihan sa kanila ay ang pinaka-edukado at kagalang-galang na mga tao.

Ang mga palabas ay itinanghal bilang mga pagtatanghal ng sayaw. Ang wika ng pag-sign, na nakaugat sa mga espesyal na ritwal ng klero, ay malayang ginamit. Inihiram ng teatro ng sayaw ng India ang mga pangunahing tampok mula sa mga sinaunang misteryo. Samakatuwid, ang mga artista ay nangangailangan ng espesyal na plasticity at ang kakayahang gumamit ng isang masaganang arsenal ng pantomime.

Paglago sa katanyagan

Sa pagtatapos ng ikalawang kalahati ng unang milenyo BC. e. Ang art theatrical art ay nakakuha ng pinakamataas na katanyagan. Sa kabila ng pagkakaisa ng oras ng pagganap ng mga dula na may pangunahing pista opisyal sa relihiyon, ang kanilang nakakaaliw na kakanyahan ay na-highlight, inilipat ang sangkap na ritwal.

Ang mga kumikilos na koponan ay nagiging mas propesyonal. Ang bawat kalahok ay tumatagal ng isang malikhaing papel. Ang komposisyon ng kasarian ng mga tropa ay nag-iiba - kilala ito tungkol sa pagkakaroon ng parehong-sex at heterosexual na pangkat. Karamihan sa kanila ay gumala. Nang magkita sila, ang mga nakamamanghang kumpetisyon ay naayos sa magkasanib na teritoryo. Bilang karagdagan sa mga parangal sa pananalapi, ang mga nagwagi ay nakatanggap ng isang parangal.

Ang arena ng sayaw ng India ay minsan ay matatagpuan sa isang tiyak na gusali - isang maliit ngunit medyo matangkad, na may kakayahang mapaunlakan ang 300 katao. Ang haba ng mga pagtatanghal ay nag-iiba mula dalawa hanggang tatlong oras hanggang sa isang pares na araw.

Mga sinehan ng anino

Ang teatro ng anino ng India na mas madalas na naglalarawan ng mga eksena mula sa maalamat at may galang na mitolohiya ng Ramayana at Mahabharata. Alam ng madla ang mga kwento ng mga character, kaya maaari silang nakapag-iisa na maipalagay ang mga nawawalang elemento. Ang pagkilos ay naganap sa likod ng isang malaking transparent na screen, kung saan inilalagay ang mga aktor at papet. Para sa higit na pagiging totoo, ang mga manika ay pinutol, at pagkatapos ay ang mga kumplikadong paggalaw ay madaling tularan. Ginawa sila ng karton, katad o papier-mâché.

Sa paniniwala ng India, ang Diyos Shiva ay itinalaga bilang papel ng patron saint ng mga manika, kaya ang mga dula ay itinatanghal na hindi kalayuan sa kanyang templo. Ayon sa alamat, ang teatro ng India ay lumitaw bilang isang resulta ng katotohanan na isang araw si Shiva mismo kasama ang kanyang asawa na si Parvati ay bumaba sa shop ng isang puppeteer na naglilok ng mga figurine mula sa kahoy.

Napahanga siya sa kasanayan ng artista na sa lalong madaling panahon, sa kanyang kahilingan, pinayagan ni Shiva ang mga laruan na muling mabuhay upang makapag-sayaw sila nang mag-isa. Di-nagtagal pagkatapos ng pag-alis ng banal na mag-asawa, ang magic na ito ay tumigil na gumana, ngunit naibalik ng master ang isang kahanga-hangang regalo sa pamamagitan ng pagkontrol sa mga character sa tulong ng mga thread. Nagdulot ito sa teatro ng anino ng India, ang interes kung saan kasalukuyang namamatay dahil sa pag-unlad ng mga modernong teknolohiya.

Ang simula ng buhay theatrical ng sinaunang Tsina

Ang teatro ng China ay isinilang sa simula ng ika-12 siglo. Sa una, ito ay mga salamin sa mga parisukat, nag-time na magkakasabay sa mga kapistahan ng relihiyon. Ang mga palabas ay batay sa mga elemento ng sirko, hindi pangkaraniwang mga sayaw na may mga numero ng hayop, pagtatanghal ng akrobatik, at fencing.

Unti-unti, lumilitaw ang mga kakaibang papel, na ginamit sa bawat pag-play, pagkuha ng mga bagong katangian ng character, mga detalye ng buhay. Si Tsan-jun at tsangu ang pinakapopular. Ang mga gumaganap ng mga sinehan ng Tsino ay hindi na itinuro sa sarili - sinanay sila sa mga espesyal na paaralan na nagpapatakbo sa korte ng emperor. Ang mga maliwanag na costume na pinalamutian ng tradisyonal na mga kuwadro na gawa at maraming mga prop ay malayang ginagamit.

Unang poster

Ang mga pag-play ay itinanghal sa mga booth - mga lugar sa ilalim ng isang canopy, nilagyan ng mga upuan para sa mga manonood. O sa mga nakausli na platform na katabi ng mga sentral na templo. Dito nagmula ang konsepto ng isang poster - isang espesyal na leaflet na naglilista ng mga aktor na kasangkot at ang mga character na kanilang gumanap. Ang mga genre ng teatro ng Tsino ay lumalawak at nagiging mas kumplikado. Inilalarawan nila ang mga detalye ng mahahalagang kaganapan sa buhay ng estado at mga indibidwal, na nagbibigay ng mga halimbawa ng mga manonood.

Ang saliw ng musikal ng mga pagtatanghal ng teatro ay binago mula sa mga katutubong melodies. Ang mga palabas ay maputlang makulay, naglalaman ng mga elemento ng mga sayaw, numero ng sirko. Ang interpretasyon ng ilang mga aksyon ay ibinigay ng kanilang mga sarili ng mga artista o ng mga playwrights. Karamihan sa mga tungkulin ay ginampanan ng mga kababaihan, kabilang ang mga kalalakihan. Kasama sa mga kumilos na tropa ang mga miyembro ng parehong pamilya, bihira ang mga tagalabas.

Ipinapakita ng papet

Ang tradisyonal na yugto ng Tsino na binuo ng kahanay sa pantay na tanyag na papet na teatro. Nabuhay siya sa isang host ng mga varieties. Sa ngayon, nawala ang impormasyon tungkol sa kanila, kaya't ang pag-aaral ay nagtatanghal ng ilang mga paghihirap.

Ang katanyagan ng form na sining na ito ay nauugnay sa mga kaugalian ng paglalagay ng mga espesyal na figurine sa libingan, na idinisenyo upang matulungan ang namatay sa kabilang buhay. Ang mga eksena na may pakikilahok ng naturang mga character ay nilalaro sa libing, na unti-unting nagiging isang katangian ng pang-araw-araw na buhay. Nakatipid ng impormasyon tungkol sa isang kahanga-hangang modelo ng isang multi-tiered na modelo ng isang papet na teatro, ang mga character na kung saan lumipat sa tulong ng tubig.

Ang teatro ng papet ng Tsino ay binuo sa maraming direksyon. Ito ay nagkakahalaga ng pag-highlight ng mga palabas na may mga numero ng patag na papel, kung saan nakikilahok ang mga aktor at ang mga character na kinokontrol. Ang gunpowder, mga lumulutang na eksena at iba pa, tungkol sa kung aling mga fragmentary information lamang ang nakaligtas.

Ang salitang "teatro" ay kilala sa lahat, maging ang pinakamaliit na bata. Sino sa amin ang hindi nais na pumunta sa papet na teatro, kung saan ang mga larang na walang saysay ay biglang nabuhay sa mga bihasang kamay ng puppeteer at naging mahiwagang nabubuhay na nilalang…. Ang pagkakaroon ng matured, kapag pumipili sa pagitan ng teatro at sinehan, madalas naming mas gusto ang huli. Ngunit sa teatro lamang ang makaramdam ng buhay na puwersa na nagmula sa mga aktor, tanging ang teatro lamang ang maaaring makunan ang manonood sa karilag nito.

Paano ito nangyari?
Ang unang teatro ay lumitaw sa Athens, noong 497 BC. Ang hitsura nito ay nauugnay sa mga kumpetisyon ng mga mang-aawit, makatang at aktor bilang karangalan sa kapistahan ng diyos na si Dionysus. Walang mga espesyal na pasilidad para sa mga manonood, ngunit hindi sila napahiya, at naupo sila sa burol upang panoorin ang mga kumpetisyon. Ang isang kahoy na yugto ay ginawa para sa mga aktor, na, gayunpaman, ay napalitan ng isang mas kumportableng arena.

Ang mga kalahok ng kumpetisyon ay nagpakita ng kanilang mga pagtatanghal sa isang entablado na napapalibutan ng isang mababang pader, salamat sa kung saan posible na itago ang mga hindi kinakailangang props at dekorasyon. Ang isang tolda ay ibinigay din para sa mga gumaganap, kung saan maaari silang magbago. Dahil ang holiday ay nakatuon kay Dionysus, hindi kataka-taka na sa gitna ng site ay may isang altar sa Diyos, at ang lahat ng aksyon ay naganap sa paligid nito.

Maya-maya pa, nagbago ang sinaunang teatro na Greek. Ang mga manonood ay sa wakas ay nakakuha ng mga "tunay" na upuan - nilagyan sila ng marmol (para sa mga panauhin ng karangalan) at bato (mas madali para sa madla) na mga upuan. Kabilang sa mga upuan ng manonood ay ang mga resonating vessel na nagpalakas ng tunog.

Sa Roma, ang unang teatro ng bato ay lumitaw lamang noong 55 BC. Bago iyon, ang mga aktor at manonood ay kontento na lamang sa pansamantalang mga kahoy na gusali.

Ang mga pagtatanghal ng mga nakaraang ilang taon ay kahawig ng kung ano ang ibig nating sabihin sa pagganap ngayon. Maaaring magkaroon lamang ng isang artista sa entablado, pagpapalit ng mga maskara at pag-play ng ilang mga papel nang sabay-sabay. Ang pangangailangan para sa mga maskara ay dahil sa malaking sukat ng mga sinehan, na maaaring mapaunlakan ang sampu o kahit labimpitong libong tao. Halos imposible na makita ang mga tampok ng mukha ng aktor mula sa isang mahabang distansya, at ang mga maskara ay madaling malulutas ang problemang ito. Ang mga aktor ng Sinaunang Greece ay iginagalang na mga tao, ang isang malayang tao lamang ang maaaring maging isang artista, hindi katulad ng mga "kasamahan" ng Roman. Ang mga aktor ng Roma ay mula sa mga alipin o malaya.

Sa mga sinaunang Greek teatro, ang mga pagtatanghal ay batay sa mga mito, na isinalin sa kanilang sariling paraan ng mga aktor at may-akda ng mga dula. Ang teatro ng Roman ay halos ganap na pinagtibay ang mga plot mula sa drama ng Greek, na pinoproseso ang mga ito para sa madla ng Roma.

Ang heyday ng sinaunang drama ng Greece ay nahulog sa ikalimang siglo BC Ito ang mga oras ng Aeschylus, Sophocles at Euripides. Ang Greek Livy Andronicus ay gumawa ng isang malaking kontribusyon sa pag-unlad ng teatro ng Roman, na nagtuturo ng mga wikang Greek at Latin sa mga anak ng maharlika ng Roman. Kilala rin si Gnei Nevius, na nakamit ang katanyagan salamat sa kanyang mga komedyante. Ang mga kinatawan ng mga susunod na henerasyon ng Roman playwright ay sina Tito Maccius Plautus, Publius Terentius, at pagkatapos sina Horace at Seneca.

Ang gumaganap na sining sa modernong mundo ay isa sa pinakalat na mga sanga ng kultura. Ang isang malaking bilang ng mga gusali sa teatro ay itinayo sa buong mundo, kung saan ang mga pagtatanghal ay ginaganap araw-araw. Sa pagbuo ng mga makabagong teknolohiya, maraming tao ang nagsimulang kalimutan ang tungkol sa totoong mga halaga ng sining. Una sa lahat, ang teatro ay nagbibigay sa isang tao ng pagkakataon na mapabuti at umunlad.

Teatro sa sinaunang panahon

Ang theatrical art ay isa sa pinakaluma. Ang mga pinagmulan nito ay napakalayo sa lipunan ng primitive. Lumitaw ito mula sa mga laro sa pagsasaka at pangangaso ng isang mahiwaga at mahiwagang kalikasan. Ang panimulang lipunan ay naniniwala na kung, bago magsimula ng isang tiyak na gawain, naglalaro sila ng isang eksena na naglalarawan ng isang kanais-nais na pagkumpleto ng proseso, kung gayon ang resulta ay magiging positibo. Tinulad din nila ang mga hayop, ang kanilang mga gawi at hitsura. Naniniwala ang mga sinaunang tao na posible na maimpluwensyahan ang kinalabasan ng pangangaso, madalas silang nag-ayos ng mga sayaw, habang inilalagay ang mga balat ng hayop. At sa mga pagkilos na ito ay nagsimulang lumitaw ang mga unang elemento ng teatro. Maya-maya, nagsimulang magamit ang mga maskara bilang pangunahing katangian ng pagpasok ng pari-artista sa imahe.

Teatro sa sinaunang halimbawa

Sinimulan ng Theatre sa Egypt ang pag-unlad nito mula pa sa simula ng pagsilang ng Sinaunang Mundo. Ito ay patungo sa pagtatapos ng ikatlong milenyo BC. Bawat taon, ang maliit na pagtatanghal ng teatro ng isang dramatiko at relihiyosong katangian ay itinanghal sa mga templo.

Teatro sa Sinaunang Greece

Sa sinaunang Greece, ang mga sinehan ay pangunahing itinayo sa bukas na hangin at dinisenyo para sa libu-libong mga manonood. Ang mga manonood ay nakaupo sa mga mataas na bangko ng bato na nakaharap sa isang malawak na yugto ng entablado na matatagpuan sa gitna, tinawag itong "orchestra". Ang kulto ng dakilang diyos ng pagkamayabong na si Dionysus ay may mahalagang papel sa pag-unlad ng teatro ng Greek. Ang repertoire ay binubuo ng tatlong trahedya at komedya. Ang mga aktor ay mga kalalakihan lamang, na kung minsan ay naglalaro ng kababaihan. Sa komedya, kinailangan nilang patawa ang mga tagapakinig, para sa mga ito ginamit nila ang mga gawang bahay na maskara, na naglalarawan ng mga nabubulok na ilong, nakausling mga labi at nakaumbok na mga mata. Ang mga maskara ay ginawa mula sa tuyong kahoy, at pagkatapos ay mula sa tela, pagkatapos na natabunan sila ng plaster at pininturahan ng iba't ibang mga pintura. Pinayagan ng mga maskara ang mga manonood na nakaupo mula sa sinaunang yugto upang makita ang mga ekspresyon ng mukha na naaayon sa pagkilos. Ang malapad na bibig, inukit sa maskara, pinayagan ang mga aktor na madagdagan ang lakas ng tunog ng kanilang mga tinig, maaari pa ring sabihin ng isa na nagsilbi itong isang bibig.

Sa Greece, ang mga palabas sa teatro ng katutubong, na tinawag na mga sinaunang Griyego na napaka-tanyag. Ang isang mime ay itinuturing na isang maliit na eksena ng isang pang-araw-araw o malungkot na kalikasan, kung saan inilalarawan ng mga aktor ang mga bayani sa mitolohiya, matapang na mandirigma o mga simpleng magnanakaw sa merkado. Ang mga kababaihan ay maaari ring gumanap sa mga mime, walang mga maskara na ginamit sa pagganap.

Mga teatro sa sinaunang Roma

Sa sinaunang Roma, ang teatro ay pangunahing para sa libangan ng karamihan ng mga manonood. At ang mga aktor ay itinuturing na isa sa mga mas mababang strata ng populasyon, ilan sa mga Romano na aktor ang nakamit ang paggalang sa gumaganap na sining. Kadalasan, ang mga aktor ay malaya at alipin. Sa teatro ng Roman, tulad ng sa teatro ng Greek, ang mga upuan para sa mga manonood ay inayos ayon sa pangunahing bilog. Bilang karagdagan sa mga trahedya at komedya, ang mga aktor ng Roma ay naglaro ng mga antonyms, pyrrhias, mime at attelans. Ang teatro ay libre para sa kapwa kababaihan at kalalakihan, ngunit hindi para sa mga alipin. Upang maakit ang mga manonood at pukawin ang mga ito ng luho, pinalamutian ng mga tagapag-ayos ng mga laro ang bulwagan ng ginto, dinidilig ang mga mabangong likido dito at kinurot ang sahig na may mga bulaklak.

Mga teatro sa Italya

Sa teatro ng Italya ng Renaissance, ang mga pagtatanghal ay ibang-iba, sila ay mas kaaya-aya, puspos ng katatawanan at pangungutya. Ang palabas sa teatro ay itinanghal sa isang espesyal na gawa sa entablado na gawa sa kahoy, sa paligid kung saan palaging nagtitipon ang isang malaking pulutong ng mga manonood. Ang sinaunang mga sinehan ay nagsimulang mag-concentrate sa mga pangunahing lungsod at pang-industriya. Ito ay theatrical art ng unang panahon na nagbago ng buo at hinati ang mga teatro sa mga klase. Mula noong mga panahong iyon, walang pangunahing pag-aayos ng mga rebolusyon at rebolusyonaryo na pagbabago na napansin hanggang sa araw na ito.

Teatro sa 17-18 siglo

Ang teatro art sa ika-17 siglo ay higit pa at napuno ng romantismo, pantasya at imahinasyon. Sa mga taon na ito, ang teatro ay madalas na nilikha ng mga tropa, na kasama ang pinagsamang naglalakbay na aktor at musikero. Noong 1580s, binisita ito ng mga pangkaraniwan, ngunit simula noong 1610, ang mas mayaman at matikas na mga naninirahan sa Pransya ay nagsimulang kumuha ng interes sa sining na ito. Nang maglaon, ang teatro ay itinuturing na isang institusyong pangkulturang moral, kadalasan ay dinaluhan ito ng mga aristokrata. Ang teatro sa Pransya higit sa lahat ay naglaro ng mga costume, comedies at ballet. Ang tanawin ay naging katulad ng tunay na kapaligiran. Ang teatro art sa ika-17 siglo ay naging batayan para sa pag-unlad ng lahat ng hinaharap na sining ng mundo. Maraming mga sinehan mula sa mga oras na iyon ay nakaligtas hanggang ngayon.

Sa England

English theatrical art noong ika-18 siglo ay may mahalagang papel sa kasaysayan at pag-unlad ng buong teatro sa Europa. Naging ninuno ng drama ng Enlightenment. Gayundin sa mga panahong iyon, isang bagong dramatikong genre ang lumitaw, na tinawag na drama ng burgesya, o, tulad ng tinawag ito ng madla, trahedya ng burgesya. Sa kauna-unahang pagkakataon, sa England na lumitaw ang mga palabas sa drama ng burges; kalaunan ay tumagos sila sa Alemanya, Italya at Pransya.

Ang paglipat mula sa Renaissance hanggang sa Enlightenment

Ang paglipat mula sa Renaissance hanggang sa Enlightenment ay napaka gulong, mahaba at masakit na sapat para sa parehong mga aktor at madla. Ang Renaissance Theatre ay unti-unting namamatay mula taon-taon, ngunit ang gayong himala ng pag-iisip ng tao bilang musikal at theatrical art ay hindi lamang mamatay. Ang pinakahuli at isa sa pinakamalakas na suntok ay nagmula sa rebolusyon ng Puritan. Ang England, na kamakailan lamang ay puno ng buhay at kagalakan, maliwanag at makulay, sa isang instant ay naging relihiyoso, nagbihis ng maitim na damit at masyadong relihiyoso. Walang lugar para sa teatro sa tulad ng isang kulay-abo na buhay. Lahat sila ay sarado, at ilang sandali ay nasunog ang mga gusali. Noong 1688, naganap ang matagal nang hinihintay na rebolusyon sa England, pagkatapos nito nangyari ang paglipat mula sa Renaissance hanggang sa Enlightenment.

Sa pagbabalik sa kapangyarihan, ang mga Stuarts ay ganap na naibalik ang mga sinehan, ngunit ngayon ay malaki ang pagkakaiba nila sa mga kinatawan ng isang nakaraang panahon. Noong ika-18 siglo, ang sining at sining ng teatro ay umusbong ng isang malabay na palumpon ng mga bagong genre. Ang ballad opera, pantomime at rehearsal ay nagsimulang tangkilikin ang katanyagan. Simula noon, ang teatro sa Ingles ay mas nababahala sa mga kita kaysa sa mga problema. Noong 1737, inaprubahan ng pamahalaan ng England ang isang kilos na kontrol sa buhay theatrical, at mula sa sandaling iyon, lahat ng nakasulat na mga pag-play ay mabigat na nai-censor.

Teatro sa Sinaunang Rus

Sa mga teritoryo na dating Kievan Rus, ang sining ng teatrikal ay lumitaw noong ika-17 siglo. Nagsimula ito sa mga palabas sa paaralan at korte. Ang mga unang studio ng theatrical art ay itinatag sa mga paaralan ng fraternal at mga patyo ng mga mayayamang tao. Ang mga plete ay isinulat ng mga guro at mag-aaral. Pangunahing ginagamit nila ang parehong pang-araw-araw na tradisyon at mga kwento ng ebanghelyo. Ang paglitaw ng teatro ng korte ay sinenyasan ng malaking interes ng maharlika ng korte sa sining at kultura ng Kanluran. Gustung-gusto ng mga maharlika ang mga pagtatanghal ng mga mag-aaral na pinakawalan ng unang studio ng teatro ng teatro na maaari nilang mapanood ang mga ito nang higit sa 10 beses. Sa una, ang teatro ng korte ay walang permanenteng lugar; lahat ng mga costume, dekorasyon at dekorasyon ay inilipat mula sa isang lugar patungo sa isa pa. Sa pamamagitan ng oras, malapit sa ika-18 siglo, ang mga pagtatanghal ng teatro ay nagsimulang makilala sa pamamagitan ng mahusay na kalokohan at sinamahan ng pagsayaw at pagtugtog ng mga instrumentong pangmusika.

Noong ika-19 na siglo, ang teatro ng Russia sa kauna-unahang pagkakataon ay nahati sa mga musikal na tropa, mga grupo ng drama, at nahahati din sila sa mga grupo ng opera at ballet. Ito ay sa mga taong ito na ang isa sa mga unang dramatikong eksena na binuksan, na sa hinaharap ay tatawaging Maly Theatre. Bagaman naganap ang paghahati sa pagitan ng mga tropa, nanatili silang hindi mahihiwalay sa loob ng mahabang panahon. Di-nagtagal, ang mga institusyon tulad ng Academy of Theatre Sining ay nagsimulang lumitaw, at hindi ang mahihirap, ngunit sa halip mayaman at may edukasyon na mga tao ay naging mga aktor. Sa paglipas ng panahon, ang bilang ng mga sinehan ay nagsimulang lumago nang aktibo, pinamamahalaan sila ng tanggapan ng teatro ng emperor. Tulad ng para sa mga aktor at manggagawa, nagsimula silang sumangguni sa lahat ng mga sinehan, at hindi partikular sa anumang mga tropa. Noong ika-20 siglo, nagkaroon ng pagpapabuti sa sining sa anyo na maaari nating obserbahan hanggang sa araw na ito.

Ang isa sa mga pinakamaliwanag na kinatawan na umunlad sa oras na iyon ay ang Bolshoi Theatre.

Tungkulin sa modernong mundo

Sinasakop ng teatro ang pinakamahalagang lugar sa modernong mundo ng sining, at samakatuwid ay inilaan ito para sa isang malawak na madla at umaakit ng higit pa at higit pang mga bagong manonood araw-araw. Napakadalas sa mga modernong sinehan mayroong mga dula na nakatuon sa mga gawa ng sikat na klasiko, pinapayagan ka nitong makakuha ng bagong kaalaman at mas makilala ang kasaysayan. Ngayon maraming mga akademya at paaralan kung saan makakakuha ka ng propesyon ng isang artista.

Ngunit, bilang karagdagan sa isang malaking akademya, kung saan ang mga artista sa hinaharap ay sinanay, mayroon ding mga maliliit na institusyon, halimbawa, isang studio ng teatro art, na maaaring makakuha ng anumang taong may talento na nais patunayan ang kanyang sarili at malaman ang lahat ng mga intricacy ng pag-arte. Ang ilang mga modernong sinehan ay humanga sa amin sa kanilang kagandahan at plastikidad ng mga pormularyo ng arkitektura.

Ang teatro ay isang sikat at minamahal na form ng sining. Kapag bumili kami ng mga tiket sa teatro, inaasahan naming makita at maririnig ang aming mga paboritong artista.
Ang teatro ay may napaka sinaunang kasaysayan. Maraming siglo na ang nakalilipas, ang aming mga ninuno ay nagtamasa ng kamangha-manghang sining sa parehong paraan. Sa lipunan ng primitive, siyempre, hindi alam ng mga tao kung ano ang isang poster at walang ideya tungkol sa propesyon ng isang artista, ngunit nakakuha sila ng isang direktang bahagi sa mga pagtatanghal sa teatro. Maging ang mga paganong ritwal ng mga oras na iyon ay nasa likas na katangian ng isang teatro na pagganap, na isang paraan ng paglilingkod sa mga diyos. Ang bawat pari ay nagtataglay ng regalo ng pampublikong pagsasalita at karisma.

Sa panahon ng una, ang teatro ay unti-unting nawawala ang ritwal na pagpapaandar nito at nakakakuha ng isang karakter sa libangan. Sa sinaunang Greece, ang mga episode mula sa buhay ng mga diyos ng Olympus, pati na rin ang mga pagsasamantala ng mga bayani ng Greece, ang batayan ng mga plot ng teatrical performances. Ang mga aktor at playwright sa Greece ay binigyan ng mataas na karangalan, habang sa Roma, sa kabaligtaran, ang mga aktor ay hindi gaanong iginagalang. Sa mga gusali sa teatro, ang mga manlalaban ng gladiator, mga laro ng sirko at madugong mga pagtatanghal ay gaganapin, na halos ganap na inilalaan ang theatrical art.

Noong panahon ng Gitnang Panahon, ipinagbabawal ang mga pagtatanghal ng teatro, dahil nakita ng mga Simbahang Kristiyano sa kanila ang mga labi ng mga paganong ritwal at ritwal. Ang mga aktor ay mahigpit na inuusig ng Inquisition, ang panonood ng mga pagtatanghal sa teatro ay mapaparusahan sa pamamagitan ng excommunication. Ang lahat ng mga sinehan ay sarado, kaya ang mga aktor ay nagkakaisa sa mga naka-istilong tropa at ipinakita ang kanilang sining sa maliit na mga nayon.

Sa panahon ng Renaissance, ang impluwensya ng simbahan sa lahat ng spheres ng buhay ng tao ay humina, at ang paglipat mula sa mga mithiin ng asceticism hanggang sa personal na kalayaan at humanismo ay nagsimula. Ang agham at lahat ng mga lugar ng sining ay aktibong umuunlad. Ang teatro ay binuo lalo na mabilis: ang mga natakpan na mga gusali ng mga sinehan ay lumitaw, ang teknolohiya ng entablado ay binuo, na may kaugnayan sa kung saan ang mga bagong espesyalista sa teatrical na lumitaw: yugto ng machinist, acoustician, illuminator at iba pa, ang mga bagong genre ng theatrical art ay lumitaw, lalo na, klasikal na opera.

Ang huli na XIX - unang bahagi ng XX siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang orientation tungo sa isang maayos na kumbinasyon ng lahat ng mga sangkap ng pagganap. Naging posible ito salamat sa paglitaw ng propesyon ng direktor at paglilipat ng gumaganap na sining sa isang bagong antas. Ang isang mahalagang papel sa ito ay nilalaro ng paaralan ng mga kasanayan sa pag-arte ng K.S. Stanislavsky.

Ngayon ang teatro ay isang multi-genre. Ang napaka diskarte sa teatro na pagganap ay nagbago: naglalaman ito ng musika, pag-install, kumplikadong makinarya ng telon, projection. Kahit na ang isang suit ay maaaring maging isang bagay na sining.
Ang musika sa teatro ay nagbago din. Maraming mga paggawa ay naging katulad ng mga musikal, bukod dito, na may mga interactive na elemento: Madaling anyayahan ang mga manonood na makilahok sa kurso ng mga kaganapan, umaawit ng isang bagay o kahit na gampanan ang pangalawang papel.

Ang teatro ay patuloy na isang uri ng pamumuhay, patuloy na kinikilala ang mga bagong elemento sa sarili nito - at ito ay isang garantiya na mabubuhay at bubuo ito.