Sa harap ng laro. Choreographer alexander ekman sa kontemporaryong ballet at social media alexander ekman swan lake

Ang Opera Garnier ay nagho-host ng pinaka nakakaintriga na kaganapan sa panahon ng Paris - ang pangunahin sa buong mundo ng ballet Play ng kompositor na si Mikael Karlsson, na itinanghal at itinakda ng isa sa mga pinaka hinahangad na mga batang choreographers na si Alexander Ekman. Para sa isang Suweko na creative duo, ito ang unang karanasan sa ballet ng Paris Opera. Sinasabi Maria Sidelnikova.

Ang pasinaya ng 33-taong-gulang na si Alexander Ekman sa Paris Opera ay isa sa pangunahing mga kard ng trumpeta ni Aurelie Dupont sa kanyang unang panahon bilang artistikong direktor ng ballet. Ang tagumpay ng choreographer sa Sweden at kalapit na mga bansa ng Scandinavian ay naging nakakahawa na siya ay na-snap sa Europa at Australia ngayon, at maging ang Moscow Stanislavsky Musical Theatre kamakailan na gumanap sa premiere ng Russia ng kanyang 2012 na laro sa Tulle (tingnan ang Kommersant sa Nobyembre 28 ). Si DuPont, sa kabilang banda, ay inaya ang Ekman sa isang buong-dalawang-kilos na premiere ng dalawang kilos, na nagbibigay ng carte blanche, 36 batang mga artista, ang yugto ng makasaysayang Opera Garnier at isang nakakaaliw na oras sa iskedyul - ang sesyon ng holiday sa Disyembre.

Gayunpaman, ang masining, at higit pa sa mga komersyal na panganib sa kaso ng Ekman ay maliit. Sa kabila ng kanyang kabataan, ang Swede ay namamahala sa pinakamahusay na mga tropa ng mundo kapwa bilang isang mananayaw at bilang isang koreographer: sa Royal Swedish Ballet, Cullberg Ballet, sa NDT II. At nakuha niya ang knack upang makagawa ng mataas na kalidad na pagtatanghal ng sintetiko, kung saan, tulad ng sa pinaka-kamangha-manghang hypertext, maraming mga quote at sanggunian ang matatagpuan - at hindi lamang sa pamana ng ballet, kundi pati na rin sa mga kahanay na mundo ng mga kontemporaryong sining, fashion, sinehan, sirko at kahit na mga social network. Ang pampalasa ng Ekman ay lahat ng ito sa "bagong katapatan" ng bagong siglo at lumilikha ng kung ang kanyang pag-aalala ay upang pasayahin ang manonood upang umalis siya sa pagganap, kung hindi tulad ng mula sa isang pagtanggap sa isang mahusay na psychotherapist, kung gayon mula sa isang mabuting partido. Ang mga lokal na balletomanes ng konserbatibo ay pinarusahan ang tulad ng isang nakikitaevsky saloobin sa kagalang-galang na sining ng ballet mahaba bago ang pangunahin, na, gayunpaman, ay walang epekto sa pangkalahatang kaguluhan.

Sinimulan ni Ekman ang kanyang "Game" mula sa dulo. Sa sarado na theatrical na kurtina, ang mga kredito ay tumatakbo kasama ang mga pangalan ng lahat na kasangkot sa pangunahin (walang magiging oras para sa pangwakas na), at ang quartet ng saxophonist - mga musikero sa kalye - ay gumaganap ng isang bagay na nakapagpapasiglang sa espirituwal. Sa isang hindi mapagpanggap na tala, ang buong unang kilos ay lumilipad: ang mga batang hipsters na frolic na hindi mapigil sa isang yugto ng snow-puti (mula sa senaryo lamang ng isang puno at malaking cubes na lumulutang sa himpapawid, pagkatapos ay bumaba sa entablado; ang orkestra ay umupo mismo - sa likod sa isang built balkonahe). Naglalaro sila ng itago at hahanapin at tag, nagpapanggap na mga cosmonaut at mga reyna, nagtatayo ng mga pyramid, tumalon sa mga trampolin, naglalakad sa paligid ng entablado na may isang gulong, halik at pagtawa. Sa pangkat na ito, mayroong isang conditional ringleader (Simon Le Bourne) at isang conditional teacher na sumusubok na walang kabuluhan upang muling mabuhay sa mga malikot. Sa pangalawang pagkilos, ang mga may edad na bata ay magiging blinkered clerks, mapaglarong mga palda at shorts ay papalitan ng mga demanda ng negosyo, ang mga cube ay magiging mga maalikabok na lugar, ang berdeng punong mahihirap ay matutuyo, ang mundo sa paligid ay magiging kulay abo. Sa walang puwang na ito, kung may usok tulad ng isang tumba, marahil sa isang silid ng paninigarilyo sa opisina. Naglaro sila, tumigil sila, ngunit walang kabuluhan - sabi ng choreographer. Para sa mga hindi lubos na nauunawaan, kung sakali, binibigkas niya ang kanyang pangunahing ideya, na ipinasok sa gitna ng ikalawang kilos na isang "manifesto sa laro" bilang isang panacea para sa lahat ng mga kaguluhan ng modernong lipunan, at sa katapusan ay ang mang-aawit ng ebanghelyo na si Calesta Day ay awitan din ng instrumento tungkol dito.

Ngunit gayunpaman, ipinahayag ni Alexander Ekman ang kanyang sarili na talagang nakakabighani sa choreographic na wika at visual na mga imahe, na hindi mahihiwalay para sa kanya. Kaya, sa mga laro ng mga bata ng unang aksyon, isang ganap na bata na eksena kasama ang mga Amazons sa mga taluktok sa katawan at mga boksingero at sa mga sungay na helmet sa kanilang mga ulo. Si Ekman ay perpektong tumutugma sa kanyang hitsura, alternating matalim na kumbinasyon sa mga sapatos na pang-pointe at predatory, ice pas de chas na may dalawang baluktot na binti na inuulit ang linya ng sungay. Gustung-gusto niya ang isang kamangha-manghang larawan ng hindi bababa sa parehong Pina Bausch. Ang isang babaeng Aleman sa kanyang "Sagradong Spring" ay sumasakop sa lupon ng entablado, na ginagawa itong bahagi ng tanawin, habang si Ekman ay sumaklaw sa Stockholm Opera na may hay (Isang Pangarap na Midsummer Night), nalunod ang opera ng Norway sa toneladang tubig (Swan Lake), at Opera Garnier sa entablado Inilabas niya ang isang graniso ng daan-daang mga plastik na bola, gumawa ng isang ball pool sa orchestra pit. Ang mga kabataan ay gumawa ng isang masigasig na mukha, purists - squeamish. Bukod dito, sa kaibahan sa Norwegian trick na may tubig, mula kung saan si Ekman ay hindi nagawa lumangoy, sa "Game" ang berdeng ulan ay naging isang malakas na paghantong sa unang aksyon. Mukhang isang tropical downpour promising rebirth: ang ritmo na tinalo ng mga bola kapag bumabagsak na tunog tulad ng isang pulso, at ang mga katawan ay sobrang nakakahawa at maluwag na nais mong wakasan. Sapagkat pagkatapos ng pagpasok, ang pool na ito ay magiging isang lumubog: kung saan ang mga artista ay sumisid at nag-flutter na walang ingat, ngayon ay walang pag-asa silang natigil - hindi sila makakaya. Ang bawat paggalaw ay nangangailangan ng mga pagsisikap mula sa kanila, na para bang ang mga plastik na bola ay talagang pinalitan ng mga timbang. Inilalagay ni Ekman ang pag-igting ng buhay ng may sapat na gulang sa mga katawan ng mga mananayaw - "pinatay niya" ang kanilang mga siko, pag-ikot "dalawang balikat o dalawang hips", ginagawa ang kanilang mga bakal na bakal na bakal, mekanikal na pinilipit ang kanilang mga torsos sa ibinigay na mga poses sa mga ibinigay na direksyon. Tila ulitin ang masayang klasikong pas de deux ng unang kilos (isa sa ilang mga solo na yugto - ang tunay na pakiramdam ng Swede sa mga eksena ng karamihan), ngunit ang parehong mga balangkas, saloobin at suporta sa mga arabesques ay patay at pormal - walang buhay sa kanila.

Nakikisali ka sa kumplikadong "Game" ng Ekman sa kurso ng pagganap: magkaroon lamang ng oras upang malutas ang mga compositional puzzle, nang hindi nabalisa ng mga magagandang sweets na inihahagis niya sa madla sa ngayon at pagkatapos. Ngunit hindi ito sapat para sa choreographer. Upang maglaro ng ganito - pagkatapos ng kurtina ay bumagsak, ang mga artista ay nauna nang maglunsad ng tatlong higanteng bola sa bulwagan. Kinuha ang mga bihasang tagapakinig na pangunahin, pinulutan sila sa paligid ng mga hilera at may kasiyahan na ibinaba sila hanggang sa kisame ng Chagall. Tila na kahit na ang mga hurado ng hurado sa orkestra ay minsan ay nakakaligtaan ang hindi gaanong matalinong mga laro.

Mayroon kang isang bihirang regalo sa yugto ng hindi balangkas na mga comet ballet: sa Tulle, halimbawa, hindi ito ang mga character at ang kanilang mga relasyon na nakakatawa, ngunit ang tunay na mga kumbinasyon ng mga klasikal na paggalaw at ang mga kakaibang katangian ng kanilang pagganap. Sa palagay mo ay lipas na ang klasikal na ballet?

Mahilig ako sa klasikal na ballet, mahusay ito. At gayon pa man ay isang sayaw na ito, dapat maging kasiya-siya, dapat itong maging isang laro. Hindi ko pinipilipit ang mga klasikong paggalaw, ipinapakita ko lamang sa kanila mula sa isang bahagyang magkakaibang anggulo - ito ay lumiliko na tulad ng isang ilaw na kamangmangan. At ang mga hindi pagkakaunawaan ay maaaring lumitaw, lalo na sa bahagi ng mga artista: hindi masyadong pamilyar sa kanila na magtrabaho tulad ng sa isang drama. Lagi kong sinasabi sa kanila: “Huwag gumawa ng mga komiks. Hindi ka dapat maging nakakatawa, ngunit mga sitwasyon. "

Ibig sabihin ba ay mas mahalaga pa sa iyo ang teatro kaysa sa ballet?

Ang teatro ay isang puwang kung saan ang dalawang libong tao ay maaaring makaramdam ng isang koneksyon sa bawat isa, maranasan ang parehong damdamin, at pagkatapos ay talakayin sila: "Nakita mo ba ito? Cool, ha? " Ang nasabing pagkakaisa ng tao ay ang pinaka magandang bagay sa teatro.

"Tulle", Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko Musical Theatre, 2017

Ipinakilala mo ang pagsasalita sa iyong mga ballet - mga komento, monologues, diyalogo. Sa palagay mo ay hindi maiintindihan ng madla ang iyong ideya nang walang mga salita?

Sa tingin ko lang mas nakakatuwa ito. Gusto kong ipakita ang mga sorpresa, sorpresa, sorpresa ang madla. Isaalang-alang ang pagsasalita bilang aking trademark.

Sa aking pagsusuri, tinawag ko ang iyong Tulle na isang ironic na konsiyerto ng klase noong ika-21 siglo. Sa loob nito, una, ang hierarchy ng ballet troupe ay ipinakita, at pangalawa, ang lahat ng mga seksyon ng klasikal na pagsasanay, maliban sa barre.

Hindi ko alam, kahit papaano ay hindi ako magiging ironic tungkol sa ballet. Ipinakilala ko lang ang dula na The Game sa Paris Opera, at habang nagtatrabaho ako doon, ang aking paggalang sa ballet ay humanga. Kapag nasa loob ka ng tropa na ito, nakikita mo kung paano hawak ng mga artista ang kanilang mga sarili, kung paano pumasok ang etoile sa bulwagan - na may isang maharlikang tindig, na may tulad na isang regal na kamalayan sa sarili - ganap na kamangha-manghang mga asosasyon ang lumitaw. Ang sistema ng klase, ang maharlikang korte, ang Louis Sun - iyan ay kung ano ito. Sa Paris Opera, maaari mong agad na matukoy kung sino ang etoile, na soloista, na siyang nangungunang pigura - sa pamamagitan ng kung paano sila kumikilos, kung paano sila gumagalaw, kung paano sila nakikipag-ugnay sa ibang tao. Ang lahat ng ito ay sumasalamin sa kanilang posisyon sa lipunan, kanilang katayuan. At napagtanto ko na ito ang pangunahing - ito ay kung paano gumagana ang kalikasan mismo. Halimbawa, pumapasok ka sa hen house at agad na nakikita ang pangunahing tandang - ganap siyang maganda. Marahil sa Pransya at Russia lamang ang maaaring makita ang anino ng absolutism na ito sa mga sinehan. Ang Ballet ay pinahahalagahan sa mga bansang ito, ito ay isang pambansang pagmamataas, at samakatuwid, tila sa akin, mayroong isang malalim na koneksyon sa pagitan ng mga kultura ng Pransya at Ruso.

At paano ka nakipagtulungan sa mga taga-rooster ng Paris? Nakarating ka ba sa bulwagan na may mga yari na kumbinasyon o hindi maayos? O napilitang mag-improvise ang mga artista?

Sa lahat ng paraan. Palagi akong may malinaw na ideya ng nais kong likhain, ngunit ang mga detalye ay ipinanganak sa daan. Ngunit kung mayroon kang 40 mga tao sa bulwagan, hindi ka maaaring maghintay sa kanila habang gumawa ka ng isang tiyak na kumbinasyon. Kung hindi, titingnan ka nila ng ganoon - sabi nila, ito ba ang lahat ng kaya mo? - na agad na mawawala ang mga labi ng pantasya. Sa Paris Opera nagkaroon ako ng isang pangkat ng lima o anim na mananayaw, pinagtatrabahuhan namin ang materyal kasama nila - at inilipat ko ang natapos na pagguhit sa corps de ballet. Sa katunayan, kapag nag-stage ka ng isang ballet, hindi mo alam kung ano ang magiging resulta ng katapusan - ikaw ay pinagmumultuhan ng kakila-kilabot ng kamangmangan. Ang proseso ay kapana-panabik, ngunit napapagod. Matapos ang Paris, napagpasyahan kong gumastos.

Ang Game, Paris National Opera, 2017

Para sa kalahating taon. O para sa isang taon. Sa buong buhay ko ay napakalakas kong tumakbo: sa 12 taon - 45 na ballet. Ito ay isang palagiang lahi, sa huli tila sa akin ay gumagawa ako ng isang walang katapusang produksiyon. Ako ay hinihimok ng tagumpay - lahat tayo ay nakatuon sa karera. Kumuha ako ng hadlang pagkatapos ng hadlang, ang Paris Opera ang aking layunin, ang tuktok ng landas. At ngayon siya ay kinuha. Ang unang pagkilos ng aking ballet sa buhay ay tapos na. Ngayon ay ang pagpasok.

Binigyan mo ang iyong sarili ng isang pahinga mula sa ballet bago: ang iyong mga pag-install ay naipakita sa Stockholm Museum of Modern Art.

Well pintas na pag-aaway. Ang ilan ay mas kaaya-aya.

Sa mga nagmamahal sayo. Halimbawa, sa Moscow: lagi naming pinupuri ang iyong mga pagtatanghal, sambahin ang "Mga Cactus" at alalahanin kung paano mo pinarangalan ang sayaw mo sa Bolshoi sa konsyerto ng Benois de la danse sa iyong sariling monologue "Ano ang iniisip ko tungkol sa Bolshoi." Pagkatapos ay hinirang ka para sa "Swan Lake", ngunit ang premyo ay hindi ibinigay at ang pagganap ay hindi ipinakita: hindi nila nais na ibuhos ang 6,000 litro ng tubig sa entablado ng Bolshoi. Ano ang nag-udyok sa iyo na i-stage ang pangunahing ballet ng Russia sa Oslo, at paano ito ihahambing sa prototype?

Walang paraan. Ang unang ideya ay magbuhos ng maraming tubig papunta sa entablado. Pagkatapos ay naisip namin: alin sa mga ballet ang nauugnay sa tubig? Siyempre, ang Swan Lake. At ngayon hindi ko alam kung ito ay matalino na tawagan ang aking pagganap na, dahil wala itong koneksyon sa ballet na Swan Lake.

Swan Lake, Norwegian National Opera at Ballet Theatre, 2014

Ginawa mo ang Swan Lake kasama ang sikat na taga-disenyo ng Suweko na si Hendrik Vibskov. Sa pamamagitan ng paraan, nais din niyang sumayaw bilang isang bata - at kumuha din ng isang premyo para sa pagsasagawa ng hip-hop.

Oo? Hindi alam. Magaling si Hendrik, na-miss ko talaga siya. Kami ay ganap na nag-tutugma sa kanya ng malikhaing - ang parehong tila baluktot sa isang direksyon, tinutukoy na lumikha ng isang bagay na baliw. Mahilig din siyang magsaya, marunong maglaro, ang kanyang mga fashion show ay tulad ng mga pagtatanghal. Sa Paris, siya at ako ay gumawa ng isang marumi sa anyo ng "Swan Lake": nagbuhos kami ng isang pool ng tubig, naglagay ng isang podium dito, lumalakad ang mga modelo na parang sa tubig, at mga mananayaw sa mga costume mula sa aming pagganap na lumipat sa pagitan nila.

At nai-post mo ba ang lahat ng iyong mga laro sa Instagram? Napaka-aktibo ka sa social media.

Ang social media ay isang madaling gamiting bagay para sa isang malikhaing tao. Maaari kong ipakita ang aking mga natapos na gawa, maipakita ko ang ginagawa ko ngayon - tulad ng isang portfolio. Ang Instagram ay nangangailangan ng isang espesyal na wika, at tila sa akin na ang aking mga paggawa, na may maraming mga visual effects, ay mabuti para sa Instagram. Ngunit hindi ko gusto ito kapag nag-upload ang mga tao ng mga larawan tulad ng "tingnan, nakaupo ako dito kasama" sa network. Ang katotohanan ay dapat mabuhay, hindi ipinakita. Ang mga network ay nabuo ng isang bagong anyo ng komunikasyon, at lumikha ito ng isang bagong pagkagumon - nakalimutan ng mga tao kung paano makikipag-usap sa bawat isa, ngunit palagi silang tinitingnan ang kanilang mga telepono: kung gaano karami ang may gusto sa akin?

Marami kang: higit sa tatlumpung libong mga tagasunod sa Instagram - dalawang beses nang marami, halimbawa, sina Paul Lightfoot at Sol Leon, ang pangunahing choreographers ng sikat na NDT.

Mas gusto ko pa. Ngunit sa pahina ng nagtatrabaho. Tatanggalin ko ang personal dahil ginagawa ko rin ang parehong bagay tulad ng iba: hey, tingnan kung gaano ako kagagaling.

Balikan natin ang katotohanan: inalok ka ba ng isang produksyon dito sa Moscow? O hindi bababa sa paglipat ng ilang mga yari na bagay?

Gusto kong gumawa ng isang bagay dito. Ngunit mayroon akong intermission. Bagaman, upang maging matapat, nakakaakit ako sa rehearsal hall.

Muli ay inayos ni Laurent Hilaire ang isang Evening of One-Act Ballet, na muling nag-aaral ng koreograpya ng ika-20 siglo upang pumunta sa MAMT. Sa dalawang biyahe, maaari mo na ngayong takpan ang pitong choreographers - unang Lifar, Kilian at Forsyth (), at pagkatapos ay Balanchine, Taylor, Garnier at Ekman (pangunahin sa Nobyembre 25). Serenade (1935), Halo (1962), Onis (1979) at Tulle (2012), ayon sa pagkakabanggit. Neoclassicism, American modernism, French escapeism mula sa neoclassicism at Ekman.

Ang tropa ng Musical Theatre ay sumasayaw sa Balanchine sa kauna-unahang pagkakataon, at sina Taylor at Ekman ay hindi kailanman naitala sa Russia. Ayon sa artistikong direktor ng teatro, dapat bigyan ng pagkakataon ang mga soloista na maipahayag ang kanilang sarili, at dapat gumana ang corps de ballet.

« Nais kong bigyan ang mga kabataan ng pagkakataong maipahayag ang kanilang sarili. Hindi namin inaanyayahan ang mga artista mula sa labas - ito ang aking alituntunin. Naniniwala ako na ang tropa ay may kamangha-manghang mga soloista na nagtatrabaho nang may mahusay na gana at isiwalat ang kanilang mga sarili sa isang bagong repertoire mula sa isang ganap na hindi inaasahang panig. (Tungkol sa Onis)

…Mahusay koreograpya, mahusay na musika, dalawampung kababaihan - bakit tumanggi sa gayong pagkakataon? Bilang karagdagan, ang paghahanda ng dalawang komposisyon, maaari mong sakupin ang karamihan sa mga kababaihan ng tropa. (tungkol sa "Serenade") "mula sa isang pakikipanayam para sa" Kommersant ".

Nilikha ni Balanchine ang Serenade para sa mga mag-aaral ng may sapat na gulang sa kanyang paaralan ng ballet sa Amerika. " Tinuro ko lang ang aking mga mag-aaral at gumawa ng ballet kung saan hindi mo nakikita kung gaano sila kasayaw". Itinanggi niya ang parehong mga romantikong pagpapakahulugan ng ballet at ang nakatagong balangkas at sinabi na kinuha niya ang aralin sa kanyang paaralan bilang batayan - isang tao ay mahuhuli, kung gayon may mahuhulog. Kinakailangan na kumuha ng 17 mga mag-aaral, kaya ang pagguhit ay naging walang simetrya, patuloy na nagbabago, nakikipag-ugnay - madalas na ang mga batang babae ay may hawak na kamay at itrintas. Ang mga mababang ilaw ay tumalon, mincing dash, asul na translucent chopkins, na hinawakan ng mga mananayaw ang layunin sa kanilang kamay - lahat ay mahangin-marshmallow. Bukod sa isa sa apat na bahagi ng serye ni Tchaikovsky "ang pangwakas sa isang tema ng Ruso", kung saan halos magsisimulang magsayaw ang mga mananayaw, ngunit pagkatapos ay ang katutubong sayaw ay natatakpan sa mga klasiko.

Matapos ang neoclassicism ni Balanchine, ang pagiging moderno ni Paul Taylor ay tumingin sa kaibahan, na, bagaman sumayaw siya kasama ang una sa Episodes, ay nagtrabaho sa tropa ni Martha Graham. Ang "Halo" sa musika ng Gendal ay isang aklat-aralin lamang tungkol sa mga modernistang paggalaw: narito ang mga kamay na hugis V, at isang daliri ng paa sa sarili, at isang posisyon ng paghahanda ng jazz, at isang pass sa ikaanim mula sa balakang. Mayroon ding isang bagay na naiwan sa mga klasiko, ngunit ang lahat ay sumayaw walang sapin. Ang ganitong mga antigong mayroon nang hitsura sa isang museo, ngunit ang pampublikong Russian ay kinuha ito kahit na masigasig.

Pati na rin ang "Onis" ni Jacques Garnier, na sa isang pagkakataon ay nakatakas sa akademya at balangkas, na nakatuon sa sayaw mismo at ng katawan ng tao. Dalawang kordyonista sa sulok ng entablado, tatlong mananayaw ang nagsisinungaling. Pag-unat, pag-indayog, bumangon at magsimula ng isang nakasisindak na sayaw na may mga pag-ikot at pag-tap-slaps. Narito ang parehong alamat at Alvin Ailey, na ang diskarte na pinag-aralan ni Garnier sa Estados Unidos (pati na rin ang pamamaraan ng Cunningham). Noong 1972, kasama ni Brigitte Lefebvre, iniwan niya ang Paris Opera at nilikha ang Theatre of Silence, kung saan hindi lamang siya nag-eksperimento, ngunit nagsagawa din ng mga aktibidad na pang-edukasyon at isa sa una sa Pransya upang isama ang mga gawa ng mga Amerikanong choreographers sa repertoire. Ngayon si Lefebvre ay dumating sa Moscow upang mag-rehearse ng goreograpiya ni Garnier, na malinaw na nahulog sa panlasa ng mga mananayaw sa Russia, at si Lefebvre mismo ay natuklasan ang mga bagong nuances ng choreography na ito salamat sa kanila.

Ngunit ang pangunahing pangunahin sa gabi ay ang ballet Tulle ng Swede Alexander Ekman. Noong 2010, inanyayahan siya ng Royal Swedish Ballet na mag-entablado ng isang produksiyon. Nilapitan ni Ekman ang bagay na ito sa pilosopiko at may kabuluhan (bukod sa iba pang mga bagay, tulad ng kanyang iba pang mga nilikha). Ang "Tulle" ay isang salamin sa "kung ano ang klasikal na ballet". Sa pagtatanong ng isang bata, nagtatanong siya ng mga tanong: kung ano ang balet, kung saan nanggaling ito, bakit natin ito kailangan at bakit kaakit-akit.

“Gusto ko ang ballet tutu, sticks out na tulad ng sa lahat ng direksyon "," ballet ay isang sirko lamang " - sabihin ang hindi alam sa simula pa, habang ang mga mananayaw ay nagpainit sa entablado. Tinitingnan ni Ekman ang konsepto ng "ballet" na tila may isang magnifying glass, tulad ng sa isang video projection sa entablado, ang mga lens ng camera ay nagpalipas ng isang ballet tutu - mayroon lamang isang grid sa frame, ang lahat ay mukhang magkakaibang malapit.

Kaya ano ang ballet?

Ito ay isang drill, nagbibilang - sa entablado, ang mga ballerinas nang sabay-sabay ay nagsasagawa ng mga ehersisyo, sa mga nagsasalita ay may isang malakas na stomp ng kanilang mga sapatos na pang-pointe at may hininga na paghinga.

Ito ay limang posisyon na mananatiling hindi nagbabago - ang mga turista na may mga camera ay lumilitaw sa entablado, tila sila ay nag-click sa mga mananayaw sa isang museo.

Ito ay pag-ibig at poot - pinag-uusapan ng ballerinas ang tungkol sa kanilang mga pangarap at takot, pananakit at pananaw sa entablado - " mahal at kinamumuhian ko ang sapatos ng pointe ko”.

Ito ay isang sirko - isang mag-asawa sa mga costume ng harlequin (ang ballerina ay may mga balahibo sa kanyang ulo tulad ng mga kabayo) ay nagsasagawa ng mga kumplikadong trick na sinamahan ng pag-atake at pagsigaw ng natitirang mga mananayaw.

Ito ay kapangyarihan sa manonood - Ang kompositor ng Amerikano na si Michael Karlsson ay gumawa ng isang electronic adaptation ng Swan One na may agresibong beats, dancers na may malalamig na dugo na grandeur ay nagsasagawa ng mga scrap ng mga quote mula sa ballet-simbolo ng ballet, at ang manonood ay ipinako tulad ng isang kongkreto na slab na may ganitong malakas na aesthetic.

Ang "Tulle" ay isang magaan na paghahanda ng ballet, ironic at may pag-ibig, ito ay kapag ang tahimik na sining ay binibigyan ng karapatang bumoto, at ang pangangatuwiran, pag-iron sa sarili, ngunit may kumpiyansa na nagpapahayag ng kadakilaan.

Teksto: Nina Kudyakova

Ang mga programa ay pinangalanan sa mga choreographers. Ang pagsunod sa una ay si Lifar. Kilian. Forsyth "- nagpakita ng isang quartet ng sayaw:" Balanchine. Taylor. Garnier. Ekman ". Sa kabuuan - pitong pangalan at pitong ballet. Ang mga ideya ng patuloy na Pranses, ang ex-etoile ng Paris Opera, ay madaling mabasa. Hindi nagmadali si Iler na pangunahan ang koponan na ipinagkatiwala sa kanya sa kahabaan ng makasaysayang itinatag na landas ng mga canvases ng plot ng multi-act; mas pinipili niya ang mga gawaing ahas na isang gawa na gawa ng iba't ibang estilo sa kanila (dalawang higit pang mga programa ng format na ito ay binalak). Ang tropa, na sa nakaraan ay nakaligtas sa pag-alis ng halos tatlong dosenang mga batang artista, ay nakuhang muli sa oras ng record at mukhang karapat-dapat sa mga pangunahin na opus. Ang pag-unlad ay kapansin-pansin lalo na kung isasaalang-alang mo na hindi pa binuksan ni Iler ang mga pintuan ng teatro sa "inimbitahan" na mga artista at masigasig na pinalalaki ang kanyang sariling koponan.

Ang una sa pangunahin ay ang "Serenade" ni George Balanchine, na "Stanislavians" ay hindi pa sumayaw dati. Ang romantikong elegy na ito sa musika ng Tchaikovsky ay nagsisimula sa panahon ng Amerikano ng mahusay na koreographer, na nagbukas ng isang ballet school sa New World noong unang bahagi ng 1934. Para sa kanyang mga unang mag-aaral, na hindi pa matatag na pinagkadalubhasaan ang gramatika ng sayaw, ngunit pinangarap ng mga klasiko, isinagawa ni Balanchine ang istilo ng Russia na "Serenade". Crystal, ethereal, walang timbang. Ang mga artista ng Musteatr ang nangunguna sa pagganap sa parehong paraan tulad ng mga unang performer. Ito ay parang malumanay silang nakayakap sa isang marupok na kayamanan - kulang din sila sa panloob na kadaliang kumilos, kung saan iginiit ng choreographer, ngunit malinaw na ang pagnanais na maunawaan ang isang bago. Ang pagsunod at paggalang sa makatang likha, gayunpaman, ay lalong kanais-nais sa katapangan at lakas ng loob na kung saan ang tropa, tiwala sa kanilang kasanayan, sumayaw "Serenade". Ang babaeng corps de ballet - ang pangunahing katangian ng opus - ay dumating sa buhay sa mga pangarap ng isang walang tulog na gabi, kapag ito ay umatras bago ang bukang-liwayway. Si Erika Mikirticheva, Oksana Kardash, Natalya Somova ay mukhang mahusay sa isang walang planong komposisyon ng kalooban, pati na rin ang "mga prinsipe" na si Ivan Mikhalev at Sergei Manuilov na pinangarap ng kanilang mga walang pangalan na mga bayani.

Tatlong iba pang mga premieres ay hindi pamilyar sa Muscovites. Ang Halo ay isang maaraw, nakasisiglang buhay na kilos ni Paul Taylor, isang modernista na koreograpikong nagsasalita tungkol sa likas na paggalaw. Ang pabago-bago, kamangha-manghang sayaw ay patuloy na nagbabago, nagpapaalala sa isang independiyenteng disposisyon, sinisira ang karaniwang mga poses at jumps, ang mga kamay ay baluktot tulad ng mga sanga, pagkatapos ay itinapon, tulad ng mga gymnasts na tumatalon sa mga kagamitan sa palakasan. Ang koreograpiya, na napagtanto bilang makabagong kalahati ng isang siglo na ang nakakaraan, ay nai-save sa pamamagitan ng drive at katatawanan, sa pamamagitan ng isang mabilis na paglipat ng kidlat mula sa mga malubhang maxims hanggang sa mga ironic na nakatakas. Ang Barefoot Natalia Somova, Anastasia Pershenkova at Elena Solomyanko, nakasuot ng mga puting damit, ay nagpapakita ng isang lasa para sa kaaya-aya na mga kaibahan ng komposisyon. Ang responsable para sa mabagal na bahagi ay si Georgi Smilewski - ang pagmamataas ng teatro at ang natitirang premier nito, na nakakaalam kung paano magdala ng dramatikong pag-igting, istilo at maligaya na kagandahan sa isang solo. Si Dmitry Sobolevsky ay banal, walang takot at emosyonal. Nakakagulat na ang seremonya ng musika ni Handel ay madaling "tinanggap" ng mga pantasya ni Taylor, na naglalahad ng isang tunay na marathon ng sayaw sa entablado. Ang parehong mga pagtatanghal, na muling likhain ang magkakaibang istilo ng koreograpikong Amerikano, ay sinamahan ng orkestra ng symphony ng teatro na isinagawa ng mga mahuhusay na maestro na si Anton Grishanin.

Matapos sina Tchaikovsky at Handel - ang phonogram at duet ng accordionists na sina Christian Pasche at Gerard Baraton, "kasama ang" 12 minutong miniature na "Onis" ni French choreographer na si Jacques Garnier. Ang pagganap sa musika ng Maurice Pasche ay nasuri ng Brigitte Lefebvre, ex-director ng ballet ng Paris Opera at tulad ng pag-iisip na si Laurent Hilaire. Sa Théâtre of Silence, na itinatag niya kasama si Jacques Garnier, ang unang pagpapakita ng Onis ay naganap apatnapung taon na ang nakalilipas sa isang serye ng mga eksperimento na may kontemporaryo na koreograpya. Inialay ito ng choreographer sa kanyang kapatid at isinagawa ito mismo. Nang maglaon ay ginawang muli niya ang komposisyon sa tatlong soloista, na ang sayaw sa kasalukuyang pagtatanghal nito ay kahawig ng tart homemade na alak, na hinagupit nang kaunti sa ulo. Mga koneksyon, konektado, kung hindi sa pamamagitan ng pagkamag-anak, kung gayon sa pamamagitan ng malakas na pagkakaibigan, masidhing pagsasalita at walang anumang pag-uusap tungkol sa kung paano sila lumaki, nahulog, nagmahal, nagpakasal, mga nars na bata, nagtrabaho, nagsaya. Ang isang hindi komplikadong pagkilos na sinamahan ng hindi mapagpanggap na sampling ng "akurdyon" nugget, na karaniwang naririnig sa bakasyon ng nayon, ay nagaganap sa Onis, isang maliit na lalawigan ng Pransya. Si Evgeny Zhukov, Georgi Smilevsky Jr, Innokenty Yuldashev ay kusang-loob na kusang-loob at may pagnanasa na ginagawa nila, sa katunayan, isang gawaing pop, na may lasa ng folkloric flavour.

Ang Swede Alexander Ekman ay kinikilala na isang taong mapagbiro at isang master ng curiosities. Sa pagdiriwang ng Benoit de la dance festival para sa kanyang Lake of Swans, nais niyang mag-install ng isang pool na may anim na libong litro ng tubig sa entablado ng pangunahing teatro ng Russia at magpadala ng mga mananayaw ng sayaw doon. Siya ay tinanggihan at inalis ang isang nakakatawang solo na may isang baso ng tubig, na tinatawag itong "Ano ang iniisip ko sa Bolshoi Theatre." Ang kanyang "Cactus" ay naalala din sa isang pagkalat ng mga tuklas na sira-sira.

Sa Tulle, inihahanda ni Ekman na hindi sumayaw, ngunit ang buhay theatrical mismo. Ipinapakita ang kanyang namamawis na saligan, batayan ng ritwal, mga sneaker sa mga ambisyon at selyo ng mga gumaganap. Ang tagapangasiwa ng itim sa walang kabuluhang gait ng Anastasia Pershenkova sa mga sapatos na pang-pointe, mula sa kung saan ang kanyang headmaster na heroically ay hindi bumababa, tulad ng isang flirty model diva. Ang mga artista ay nakatuon sa katarantaduhan ng walang imik na pantomime, paulit-ulit na inuulit nila ang nakakainis na pas ng ehersisyo. Ang pagod na mga corps de ballet ay nahuhulog sa kawalan ng pag-asa - ang mga nahuhumaling na artista ay nawalan ng synchronicity, yumuko sa kalahati, tatakan ang kanilang mga paa, sampalin ang entablado nang husto at puno ng mga paa. Paano ka makapaniwala na sila ay kamakailan lamang ay dumulas sa iyong mga daliri.

At si Ekman ay hindi kailanman tumitigil sa paghanga sa eclecticism, na nagdadala sa entablado alinman sa isang mag-asawa mula sa ballet ng korte ng "King of the Sun" Louis XIV, o nagtanong turista na may mga camera. Laban sa background ng napakalaking kabaliwan na bumagsak sa entablado, ang orkestra pit ay "tumalon" pataas at pababa, ang mga imahe ng screen ng hindi kilalang mga mata at mukha ay nagbabago, at isang tumatakbo na linya ng pagsasalin ay mabilis sa isang galon. Ang puntos, na binubuo ni Mikael Karlsson ng mga hit na ritmo ng sayaw, pag-crack at ingay, ang clatter ng mga pointe na sapatos at claps, na binibilang sa rehearsal room at ang hum ng corps de ballet, na nagsasanay ng swan tread, nahihilo. Ang sobrang labis na pinsala ay pumipinsala sa pagkakaisa ng isang nakakatawang balangkas, naghihirap ang panlasa. Mabuti na ang mga artista ay hindi nawala sa napakalaking masaya na choreographic na ito. Ang lahat ay lumalangoy sa elemento ng isang mapaglarong laro, masaya at mapagmahal na nagpapasaya sa nakatutuwang mundo ng backstage. Ang pinakamagandang tanawin sa Tulle ay isang grotesque circus pas de deux. Sina Oksana Kardash at Dmitry Sobolevsky sa kanilang mga clown outfit ay nakikipag-saya sa kanilang mga trick, napapaligiran ng mga kasamahan, na binibilang ang bilang ng mga fouettés at pirouette. Tulad ng sa pelikulang "Bolshoi" ni Valery Todorovsky.

Ang musikal na teatro, palaging nakabukas sa eksperimento, madaling pinangangasiwaan ang hindi pamilyar na mga expanes ng mundo choreography. Ang layunin - upang ipakita kung paano binuo ang sayaw at kung paano nagbago ang mga kagustuhan ng propesyonal at madla - nakamit. Ang mga pagtatanghal ay nakaayos din sa isang mahigpit na pagkakasunud-sunod: 1935 - "Serenade", 1962 - "Halo", 1979 - "Onis", 2012 - "Tulle". Sa kabuuan - halos walong dekada. Ang larawan ay lumabas na mausisa: mula sa klasikal na obra maestra ng Balanchine, sa pamamagitan ng sopistikadong pagiging makabago ni Paul Taylor at ang pagkakaugnay ng folklore ng Jacques Garnier - hanggang sa katavasia ni Alexander Ekman.

Larawan sa anunsyo: Svetlana Avvakum

Sinimulan ng Sweden choreographer na si Alexander Ekman ang kanyang karera sa ballet sa edad na sampung bilang isang mag-aaral sa Royal Swedish Ballet School. Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral, siya ay naging isang mananayaw sa Royal Opera sa Stockholm, pagkatapos ay sa loob ng tatlong taon na isinagawa niya ang tropa ng Nederlands Dans Theatre. Bilang isang mananayaw, nakatrabaho niya ang mga choreographers tulad ng Nacho Duato,. Ang 2005 ay naging isang punto ng pagbabago sa kanyang malikhaing buhay: bilang isang mananayaw kasama ang Cullberg Ballet, una niyang ipinakita ang kanyang sarili bilang isang koreographer, na ipinakita ang unang bahagi ng kanyang ballet trilogy Sisters sa International Choreographic Competition sa Hanover - ang paggawa ng Sisters Spinning Linen. Sa kumpetisyon na ito, naganap siya sa pangalawang lugar, at natanggap din ang premyo sa pintas. Mula noong panahong iyon, si Ekman, na nakumpleto ang kanyang karera bilang isang mananayaw, ay lubos na naghahandog sa kanyang sarili sa koreograpya.

Kasama ang Cullberg Ballet, nakikipagtulungan siya sa Gothenburg Ballet, Royal Flanders Ballet, ang Norwegian National Ballet, Rhine Ballet, Bern Ballet at maraming iba pang mga tropa. Bagaman sinimulan niya ang kanyang karera bilang isang klasikal na mananayaw, bilang isang koreographer ay ginusto niya ang modernong sayaw na may kalayaan nito, hindi napilitan ng anumang mga patakaran at itinatag na mga tradisyon. Sa istilo na ito ay nadama ng choreographer ang pagkakataon na makamit ang pangunahing layunin na lagi niyang itinatakda para sa kanyang sarili, nilikha ito o produksiyon na iyon - "upang sabihin ng isang bagay" sa manonood, "upang magbago ng isang bagay sa mga tao, maging ang imahe ng mga damdamin." Ang pangunahing tanong na tinanong ng koreyographer sa kanyang sarili bago simulan ang trabaho sa anumang produksiyon ay "Bakit ito kinakailangan?" Ito ay ang pamamaraang ito, ayon kay Ekman, naaangkop sa sining, at hindi ang hangarin ng katanyagan. "Mas gugustuhin kong magtrabaho sa isang hindi gaanong mahuhusay ngunit masigasig na mananayaw ng trabaho kaysa sa isang naka-jaded star," sabi ni Ekman.

"Master Ballet" (ganyan ang tawag ni Alexander Ekman ng kanyang trabaho), ang koreographer, sa isang pagsisikap na "baguhin ang imahe ng mga damdamin" ng madla, palaging lumilikha ng isang bagay na hindi inaasahan - kahit na ang musika para sa ilang mga pagtatanghal ay isinulat sa kanya. Ang mga pagganap ni Ekman ay palaging hindi pangkaraniwan, at samakatuwid ay maakit ang pansin ng buong mundo - halimbawa, ang ballet na "Cacti" ay ginanap sa labingwalong yugto. Ang paggamit ng musika ay waring isang partikular na hindi inaasahang solusyon - at sa batayan na ito ay isang nakakatawang produksiyon ay itinayo, na naglalaman ng isang bahagyang ironic view ng modernong sayaw. Hindi gaanong sikat ay ang kanyang unang multi-act ballet - "Ekman's Triptych - Teaching Amusement".

Ngunit, bagaman si Ekman ay pumili ng pabor sa modernong sayaw, hindi ito nangangahulugang hindi niya talaga tinitingnan ang tingin sa mga klasikal na tradisyon. Sa gayon, natanggap ang isang alok noong 2010 upang lumikha ng isang produksyon para sa Royal Swedish Ballet, noong 2012 ipinakita niya ang ballet na Tulle, na isang uri ng "pagmuni-muni" sa mga tema ng klasikal na ballet.

Ngunit kahit na si Alexander Ekman ay lumiliko sa mga tanyag na masterpieces ng nakaraan, binibigyan niya sila ng panimula na bagong interpretasyon - ito ay ang Swan Lake, isang makabagong interpretasyon ng Swan Lake, na ipinakita ng choreographer noong 2014. Ang mga mananayaw sa ballet ng Norway ay nahirapan, dahil sumayaw sila ... sa tubig. ang choreographer ay lumikha ng isang tunay na "lawa" sa entablado, na binabaha ito ng tubig, na nangangailangan ng higit sa isang libong litro ng tubig (ayon sa choreographer, ang ideyang ito ay ipinanganak sa kanya habang siya ay nasa banyo). Ngunit hindi lamang ito ang pagka-orihinal ng produksiyon: ang koreographer ay tumanggi na ipakita ang balangkas, ang pangunahing mga character ay hindi Prince Siegfried at Odette, ngunit ang Tagamasid at dalawang Swans - Puti at Itim, ang banggaan ng kung saan ang naging pagtatapos ng pagganap. Kasabay ng mga kilusan ng sayaw na sayaw, ang pagganap ay naglalaman din ng gayong mga motibo na magiging angkop sa skating ng figure o kahit na sa isang pagganap ng sirko.

Noong 2015, ang Lake Swans ay hinirang para sa Benois de la Dance award, at si Alexander Ekman ay hindi magiging sarili kung hindi niya nagulat ang madla sa konsiyerto ng mga nominado. Sa kabila ng hindi niya ginanap bilang isang mananayaw sa loob ng mahabang panahon, ang choreographer mismo ay nagpunta sa entablado at nagsagawa ng isang nakakatawang piraso "Ano ang iniisip ko sa Bolshoi Theatre" na espesyal na naimbento para sa konsiyerto na ito. Ang numero ng laconic ay nakunan ang madla hindi ng kabutihan, ngunit may iba't ibang mga damdamin - kagalakan, kawalang-katiyakan, takot, kaligayahan - at, siyempre, hindi ito walang pahiwatig ng paglikha ng ballet master: nagbuhos si Ekman ng isang baso ng tubig papunta sa entablado. Noong 2016, ang isa pang gawa sa ballet master, A Midsummer Night's Dream, ay hinirang para sa award na ito.

Ang pagkamalikhain ni Alexander Ekman ay multifaceted. Ang pagpunta sa lampas ng ballet sa tradisyunal na anyo nito, ang koreographer ay lumilikha ng mga pag-install na may mga mananayaw ng ballet para sa Suweko Museum of Modern Art. Mula noong 2011, ang choreographer ay nagtuturo sa Juilliard School sa New York.

Nakalaan ang lahat ng mga karapatan. Ipinagbabawal ang pagkopya.