Натюрморты известных художников для дошкольников. Известные натюрморты

Что такое натюрморт?

Натюрмортом называют жанр живописи, в рамках которого изображается неживая природа. Жанр зародился в XVII веке.

Натюрморт в первую очередь удивителен и интересен тем, что заставляет людей видеть красоту и гармонию в повседневных, скучных вещах, окружающих нас постоянно, но ничем не обращающих на себя наше внимание.

Жанр не так прост, как кажется на первый взгляд: в большинстве таких картин художники используют иносказание - пытаются через определённый набор предметов, их расстановку, выбранные цвета, общую композицию сказать людям что-то важное, передать то, что их волнует, поведать о своих чувствах и мыслях.

Несмотря на мрачный перевод «мёртвая природа» , полотна зачастую пестрят яркими красками, радуют зрителя своей оригинальностью и причудливостью, пробуждают желание жить и восторгаться окружающим миром, видеть прекрасное в нём.

Существует множество видов и подвидов натюрморта, например, сюжетно-тематический, творческий, учебно-творческий, учебный. Также их подразделяют по использованным цветам, освещённости, колориту, времени исполнения, месту расположения и т. д.

Основоположниками натюрморта как самостоятельного жанра стали голландские и фламандские художники. Первоначально картины появились в религиозном обиходе. Также в эпоху зарождения жанра распространение получили картины мрачного характера с глубоким философским смыслом и тёмными тонами, в центре композиции, которых были черепа, свечи и некоторые другие атрибуты. Затем, постепенно развиваясь, жанр вбирал в себя всё новые и новые направления и раз за разом получал всё более широкое распространение во всех кругах общества. Цветы, книги, овощи и фрукты, дары моря, посуда и другие предметы быта — всё нашло своё отражение в искусстве. Одними из самых известных художников натюрмортов стали Амбросиус Басхарт, Мигель Парра, Ян Брейгель, Иозеф Лаунер, Северин Розен, Эдвард Ладелл, Ян Давидс де Хем, Виллем ван Алст, Корнелис Бризе.

В России жанр возник в начале XVIII века, но всерьёз этим никто не занимался, он считался «низшим» жанром. В начале XX века натюрмортная живопись достигла наибольшего расцвета; художники создавали свои шедевры, ставили перед собой новые задачи и достигали несказанных вершин в мастерстве, использовали необычные техники, подбирали новые образы. Русский натюрморт в отличие от западного развивался не постепенно, а в ускоренном темпе. Творя в этом жанре, прославились такие русские художники, как К. Петров-Водкин, И. Левитан, И.Ф. Хруцкий, В. Нестеренко, И.Э. Грабарь, М. Сарьян, А. Осмеркин, П.П. Кончаловский, С.Е. Захаров, С.И.Осипов и многие другие.

В современной живописи натюрморт претерпевает новый подъём и теперь прочно занимает полноправное место среди других жанров изобразительного искусства. Сейчас это одно из самых востребованных направлений в живописи. Имея огромное количество возможностей для самореализации себя в творчестве, художники пишут самые разнообразные натюрморты. А зрители, в свою очередь, покупают картины, украшают ими интерьеры, оживляя свой дом и принося в него уют и радость. Натюрмортами постоянно пополняются музеи, открываются всё новые и новые выставки в различных городах и странах, на которые приходят толпы заинтересованных искусством зрителей. Спустя несколько столетий, пройдя долгий полноценный путь развития, натюрморт по-прежнему актуален и не утратил своей значимости в мировой живописи.

И. Машков "Натюрморт" (1930)

Слово «натюрморт» с французского языка переводится как «мёртвая природа» (фр. nature morte).

О натюрморте

Всё, что уже не живёт, не дышит, что сорвано, срезано, но продолжает радовать человека своим существованием – всё это является предметом натюрморта.

Как самостоятельный жанр живописи натюрморт начинает существовать в XVII в. в творчестве голландских и фламандских художников. А раньше он был лишь украшением и выполнял утилитарную функцию.

Ранние натюрморты часто содержали скрытую аллегорию (иносказание), которая выражалась через обыденные предметы, наделённые символическим значением. Иногда в натюрмортах изображали череп, который должен был напоминать о быстротечности жизни и неизбежности смерти.

Аллегорический натюрморт назывался Ванитас (лат. vanitas , букв.: «суета, тщеславие»). Его композиционным центром традиционно является человеческий череп.

Бартоломеус Брейн Старший (I пол. XVI в.). Ванитас

«Суета сует, – сказал Екклесиаст, – суета сует, - всё суета!».

Виллем Клас Хеда. Ванитас

Череп символизирует бренность человеческой жизни. Курительная трубка – символ быстротечных и неуловимых земных наслаждений. Стекло символизирует хрупкость жизни. Ключи – власть домашней хозяйки, управляющей запасами. Нож напоминает об уязвимости человека и о его смертности. Лист бумаги обычно с нравоучительным (часто пессимистическим) изречением. Например:

Hodie mihi cras tibi – сегодня мне, завтра тебе;

Memento mori – помни о смерти;

Aeterne pungit cito volat et occidit – слава о геройских поступках развеется точно так же, как и сон;

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum – всё разрушается смертью, смерть – последняя граница всех вещей;

Nil omne – всё - это ничего.

Но чаще всё-таки в натюрмортах чувствуется любование художника предметами: кухонной утварью, цветами, фруктами, предметами быта – такие картины заказчики приобретали для украшения интерьеров своих домов.

С середины XVII в. натюрморт в нидерландской живописи получил широкое распространение уже как самостоятельный жанр. И одним из самых первых выделился цветочный натюрморт, особенно в произведениях Амброзиуса Босхарта Старшего и Бальтасара ван дер Аста, а далее продолжал своё развитие в роскошных натюрмортах Яна Давидса де Хема во второй половине XVII в. Популярен цветочный натюрморт и у художников нашего времени.

Тематика натюрмортов обширна: это уже упомянутые цветочные натюрморты, изображение завтраков, сервированных столов, учёных натюрмортов, на которых изображались книги и другие предметы человеческойдеятельности, музыкальные инструменты и др.

Рассмотрим некоторые наиболее известные натюрморты.

Виллем Клас Хеда (1594-1682) «Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой» (1649)

Виллем Клас Хеда «Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой» (1649)

В этой картине заметно виртуозное мастерство художника в передаче обычных, повседневных предметов быта. Хеда так изображает их, что очевидно, что он сам любуется ими: создаётся ощущения осязаемости каждого из предметов.

На небольшом столе, покрытом богатой тяжёлой скатертью, мы видим лимон и любуемся его янтарной мягкостью, ощущаем аромат свежей ветчины и слышим звон сверкающего серебра. Завтрак окончен, поэтому предметы на столе – в естественном беспорядке.

Серебряная посуда означает земное богатство, ветчина – чувственные радости, лимон – внешнюю красоту, внутри которой скрывается горечь. Картина заключает размышление о том, что следует позаботиться не только о теле, но и о душе.

Натюрморт выдержан в едином коричнево-сером тоне, характерном для всей голландской живописи того времени. Полотно не только красиво, оно ещё и рассказывает о скрытой «тихой жизни» предметов, увиденной внимательным взором художника.

Натюрморт находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.

Поль Сезанн (1830-1906) «Персики и груши» (1895)

Поль Сезанн "Персики и груши" (1895)

Поль Сезанн был крупнейшим французским художником конца XIX в. Испытав влияние импрессионизма, Сезанн противопоставил им свой метод. Он выступил против их стремления следовать в искусстве лишь своему зрительному впечатлению – он был за объективную передачу действительности, основанную на закономерности в природе. Он хотел видеть не изменчивые, а постоянные её качества. Сезанн говорил: «Я хочу вернуть природе вечность». Художник вёл свои творческие поиски через синтез формы и цвета, формы и пространства. Особенно этот поиск прослеживается в его натюрмортах.

Каждый из предметов в данном натюрморте изображён с разной точки зрения. Мы видим стол сверху, скатерть и фрукты – сбоку, столик – снизу, а кувшин – одновременно с разных точек зрения. Сезанн стремится максимально полно показать форму и объём, свойственные персикам и грушам. Его приём основан на оптическом законе: тёплые цвета (красный, розовый, жёлтый, золотистый) кажутся нам выступающими, а холодные (синий, голубой, зелёный) – отступающими в глубь холста.

Форма предметов в натюрмортах Сезанна не зависит от случайного освещения, а становится постоянной, присущей каждому предмету. Поэтому натюрморты Сезанна кажутся монументальными.

Картина находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.

Анри Матисс (1869-1954) «Голубая скатерть» (1909)

Анри Матисс «Голубая скатерть» (1909)

Знаменитый французский художник Анри Матисс в зарубежном искусстве XX в. занимает одно из ведущих мест. Но место это особое.

В самом начале XX в. Матисс стал главой первой новой группы в европейской живописи, которое назвали фовизм (от французского «дикий»). Особенностью этого направления была свобода в использовании любого цвета, произвольно выбранного художником, стремление к декоративной красочности. В этом ощущался вызов устоявшимся нормам официального искусства.

Но через некоторое время эта группа распалась, и Матисс более уже не примыкал ни к какому направлению, но избрал свой путь. Своим ясным, жизнерадостным искусством Матиссстремился дать покой измученным душам людей в эмоциональной атмосфере XX в.

В натюрморте «Голубая скатерть» Матисс использует свой любимый композиционный приём: спускающуюся сверху ткань. Материя на переднем плане как бы замыкает пространство полотна, делает его неглубоким. Зритель любуется прихотливой игрой синего орнамента на бирюзовом фоне скатерти, линиями предметов натюрморта. Формы золотистого кофейника, зелёного графина и румяных яблок в вазе художник обобщил, они утратили свою объёмность, а маленькие предметы подчинились ритму ткани, они дополняют красочный акцент картины.

Натюрморт в русской живописи

Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII в., но первоначально он рассматривался как «низший» жанр. Чаще всего он использовался как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

Но в начале ХХ в. натюрморт в русской живописи получил расцвет и впервые стал равноправным жанром. Художники искали новые возможности в области цвета, формы, композиции натюрморта. Среди русских натюрмористов можно назвать И.Ф. Хруцкого, И.Э. Грабаря, П.П. Кончаловского, И. Левитана, А. Осмеркина, К. Петрова-Водкина, М. Сарьяна, В. Нестеренко и др.

Самым известным натюрмортом П. Кончаловского является его «Сирень».

П. Кончаловский «Сирень» (1939)

П. Кончаловский "Сирень" (1939)

П. Кончаловский в живописи был последователем Сезанна, он стремился выразить праздничность цвета, свойственную русскому народному творчеству, при помощи конструктивности цвета Поля Сезанна. Известность художник получил именно благодаря своим натюрмортам, часто исполненным в стиле, близком кубизму и фовизму.

Его натюрморт «Сирень» полна этим праздничным цветом, радующим глаз и воображение. Кажется, что весенний аромат сирени доносится с полотна.

Гроздья сирени изображены обобщённо, но внутренняя память подсказывает нам очертания каждого цветочка в грозди и оттого живопись Кончаловского кажется реалистичной.

Не менее щедрым в изображении материальности мира, красочности палитры был и современник Кончаловского – И. Машков.

И. Машков «Ягоды на фоне красного подноса» (1910)

В этом натюрморте также буйство красок, умение радоваться каждому мгновению, которое дарит жизнь, потому что каждое мгновение – прекрасно.

Все предметы натюрморта знакомы нам, но чувствуется, что художник любуется щедростью природы, богатством окружающего мира и приглашает нас разделить с ним эту радость.

В. Нестеренко «Отец Отечества» (1997)

В. Нестеренко «Отец Отечества» (1997)

Это натюрморт современного художника В. Нестеренко. Тема картины выражена в её названии, а содержание раскрывается в изображении предметов натюрморта – символов императорской власти Петра I . Портрет императора расположен на фоне батальной сцены, которых было много в его жизни. Нет смысла пересказывать все те дела, за которые Петра I называют отцом Отечества. Можно слышать различные мнения о деятельности первого русского императора, но в данном случае художник выражает своё мнение, и это мнение выражено им очень убедительно.

Натюрморт находится в Кремле, в приемной Президента РФ.

В российском живописном искусстве натюрморт практически всегда был второстепенным жанром. А назвать отечественного художника-натюрмориста смогут только искушенные искусствоведы. Но, так или иначе, натюрморт как самостоятельный жанр стал развиваться в 19 веке. Первыми «ласточками» стали небольшие акварели и гуаши Ф.П. Толстого и работы И.Т. Хруцкого. Это были классические европейские натюрморты с пышными букетами садовых цветов и корзинами фруктов. При всем их художественном обаянии эти работы имели весьма ограниченное значение для развития российской живописи.

Интерес к натюрморту как к самостоятельному жанру живописи появляется в 80-х годах 19 столетия . Важное место здесь принадлежит картинам И.И. Левитана (1860-1900) . Они, как правило, просты по замыслу и не велики по размеру, и представляют букеты привычных садовых или полевых цветов. В натюрморте «Лесные фиалки и незабудки» (1889) художник чутко предал хрупкость ночных фиалок и воздушность голубых незабудок, их гармонию с простой деревенской кринкой. Близки по мотиву «Одуванчики» и «Белая сирень». Первые выдержаны в теплой гамме, которая очень органично смотрится с глиной молочной кринки и желтыми головками цветов. Эти натюрморты Левитана достаточно традиционны: букеты изображены на нейтральном фоне и изолированы от окружающего пространства. Смысл этих картин очень прост - максимально точно передать прелесть выбранной натуры. Однако в эти же время в творчестве В. А. Серова и К.А. Коровина стали проявляться новые веяния, зародившиеся на полотнах французских импрессионистов . Импрессионисты старались связать натюрморт с окружающей средой, и сюжетно, и живописно. Для этого «мертвую натуру» выносят в пленэр, связывают с пейзажем или соединяют с интерьером комнаты. При помощи натюрморта пытаются создать отражение мироощущения человека, его настроения и жизненного уклада.

Все эти тенденции заметны на картине Коровина «За чайным столом» (1888). На полотне изображено дружеское общество на даче В.Д. Поленова . Картина написана на террасе загородного дома. Художник пытается передать ощущение летнего дня, прелесть дружеской беседы. Свежесть, исходящая от зелени и молодых лиц, создается в определенной степени и натюрмортом - контрастом красных налитых ягод в белой тарелке, молоком в высоких прозрачных стаканах, белизной свежей скатерти. Эмоциональное единство картины прежде всего достигается живописным решением полотна. Все изображенное написано с учетом окружающей световоздушной среды. На знаменитой картине Серова «Девочка с персиками » (1887) натюрморт с персиками на переднем плане на первый взгляд не играет важной роли в композиции полотна. Все внимание художника устремлено на В. Мамонтову, а фрукты только дополняют созданный образ. Но персики помогает Серову решить важную художественную задачу. Фрукты, по замыслу художника, служат цветовым ключом к колористическому построению картины. Серов подбирает для персиков собственный желтый цвет и противопоставляет его с белизной скатерти, с зеленью кленовой листвы и желтизной света, льющегося из окна в сад. Художник различает лимонно-желтые, зеленоватые и золотисто-желтые тона на неровных боках плодов. Осязаемый свет летнего дня, который словно формирует персики, определяет весь эмоциональный и живописный строй картины.

В этих работах Серов и Коровин открывают новый этап в развитии русского натюрморта. Аналитический характер этих картин принципиально отличается от существовавшей на тот момент концепции салонного натюрморта. Главным достоинством таких работ считалось максимальное сходство изображения с предметом. Также высоко ценилось этюдная легкость манеры или тщательная отделка живописной поверхности. Наиболее точно все эти принципы воплощены на большой картине К. Е. Маковского «В мастерской художника» (1881) . Работа поражает «натюрмортным» нагромождением деталей: экзотических фруктов, богатых тканей, антикварных редкостей. Огромная собака и маленький мальчик кажутся не живыми существами, а простыми экспонатами этой выставки предметов роскоши. Новая же концепция натюрморта предполагала всестороннее расширение границ жанра и слиянию его с портретом, пейзажем, интерьерной и бытовой живописью. Натюрморт перестает быть простым изображением «мертвой природы» и превращается в средство раскрытия образа.

Новые веяния заметны в известной картине В.Д. Поленова «Больная» (1886) . Интерьер и фигура героини погружены в глубокую тень - они лишь фон, а смысл происходящего раскрывается при помощи компактной группы предметов, которая ярко освещена лампой с зеленым абажуром. Этот натюрморт очень содержателен. Полуобгорелый абажур выхватывают из темноты смятые подушки и простыни, стеклянный графин, стакан с водой, пузырьки с лекарствами и рецепты врача. Слева заметны потрепанные книги в красной и голубой обложке, возможно это домашние лечебники или альбомы, которыми развлекали больную. Подобная композиция является символом того, что вся жизнь этой больной сосредоточена вокруг этого стола и стоящих на нем предметов. На работе натюрморту отдана активная роль в создании настроения. Также достаточно характерен натюрморт, который выдвинут на первый план, в картине К.Маковского «Алексеич» . На картине фигура человека изображена уже на заднем плане, за натюрмортом. Образ благодушного старика раскрывается в той искренней радости, с которой он предвкушает свое одинокое чаепитие. Горбушка хлеба, кипящий самовар, варенье в стеклянной банке, бережно укрытая полотенцем коробка с сахаром и чаем - все это создает ощущение покоя и тепла, которое искренне радует неприхотливого человека.

Даже люди неискушенные в живописи имеют представление о том, как выглядят натюрморты. Это картины, на которых изображены композиции из каких-либо предметов быта или цветов. Однако далеко не все знают, как переводится это слово - натюрморт. Сейчас мы поведаем вам об этом и о многом другом, что связано с данным жанром.

Происхождение слова "натюрморт"

Так вот, выражение nature morte пришло в русский язык, конечно же, из французского. Как вы сами видите, оно разделено на две части - "nature" и "morte", которые переводятся соответственно как "природа, натура, жизнь" и "мертвый, тихий, неподвижный". Теперь складываем две части воедино и получаем всем знакомое слово "натюрморт".

Опираясь на все вышесказанное, можно сделать заключение, что натюрморты - это жанр станковой живописи, изображение художником на холсте застывшей, неподвижной натуры. Правда, иногда мастера натюрморта дополняют свои вполне живых существ - бабочек, гусениц, паучков и жучков и даже птиц. Но исключение только подтверждает основное правило.

Формирование жанра

История натюрморта насчитывает вот уже почти 600 лет. До XVI в. никому и в голову не могло прийти, что можно рисовать красками какие-то неодушевленные предметы, пусть даже очень красивые. Натюрморты-картины просто не существовали в те времена. В средние века живопись была всецело посвящена Богу, церкви и человеку. Художники писали картины на религиозные сюжеты, также были в почете портреты. Даже пейзаж выступал лишь в качестве дополнения.

Но все-таки некоторые элементы натюрморта встречались уже в 15 веке у голландских живописцев. На их картинах с традиционным религиозным или мифологическим содержанием, а также на портретах встречаются изображения тщательно выписанных цветочных гирлянд, книг, посуды и даже человеческих черепов. Пройдет пара веков, и весь мир будет восторгаться творениями так называемых Малых голландцев - мастеров натюрмортной живописи.

Однако своему выделению в самостоятельный жанр изобразительного искусства натюрморт обязан отнюдь не голландцам, а французам. Такие как Франсуа Депорт, Моннуайе и Жан-Батист Удри сформулировали основные принципы "предметной" живописи, сформировали ее основную концепцию и явили широкой публике всю красоту и очарование натюрморта.

Эпоха Малых голландцев - расцвет натюрмортной живописи

Итак, попробуем отмотать несколько веков назад для того, чтобы понять кто такие Малые голландцы и почему, когда речь заходит о классическом натюрморте, вспоминают всегда именно их. Первые голландские натюрморты - это творения живописцев, живших в Нидерландах в 17 веке. Малые голландцы - так принято называть школу живописи и сообщество художников, создававших картины бытовой направленности небольших размеров. Конечно, они писали не только натюрморты.

Среди них было много пейзажистов и мастеров жанровой живописи. Их полотна были предназначены вовсе не для дворцов и церквей, а для украшения жилища самых обычных горожан. В то время в маленькой Голландии жило около 3-х тысяч художников, и все они отличались огромной работоспособностью и умением хорошо переносить на холст красоту обыденного мира. Впоследстии искусствоведы назовут это время Голландским Ренесансом. Именно тогда жанр натюрморта получил широкое распространение.

Лучшие голландские натюрморты

На прекрасных как на витрине, разложены перед зрителями различная кухонная утварь, фрукты, роскошные цветы, предметы быта. Очень были популярны цветочные натюрморты. Это отчасти было вызвано тем, что в Нидерландах испокон веков существовал культ цветов и садоводства. Одними из самых ярких представителей голландской натюрмортной живописи 17 в. являлись художники Ян Давидс де Хем, а также его сын Корнелис де Хем.

Их живописные творения получили популярность и известность во многом благодаря тому, что они мастерски умели изображать цветы и фрукты. Тщательная проработка деталей вкупе с утонченной цветовой гаммой и идеально построенной композицией делали их картины бесподобными. Эти художники рисовали роскошные цветочные букеты, стоящие в прекрасных вазах, рядом с которыми порхают бабочки; гирлянды фруктов; прозрачные бокалы, наполненные вином; блюда с виноградом и другими фруктами; музыкальные инструменты и т. д. Известные натюрморты отца и сына поражают своей реалистичностью, тонкой передачей игры света и изысканным колоритом.

Натюрморт в живописи импрессионистов

Большое внимание уделяли жанру натюрморта и французские импрессионисты, а также постримпрессионисты. Естественно, их манера письма резко отличалась от реалистической изысканности Малых голландцев, ведь классическая живопись импрессионистов не привлекала. Клод Моне, Эдуард Мане, Эдгар Дега, Ван Гог - все эти художники любили писать цветы и растения, ведь и те и другие являются частью природы, красоту которой они воспевали всю свою жизнь.

Огюст Ренуар написал за свою жизнь целую галерею прекрасных воздушных натюрмортов. Иногда изображение "застывшей натуры" требуется импрессионистам лишь в качестве дополнения. Например, в картине "Завтрак на траве" Эдуарда Мане на первом плане можно увидеть великолепный натюрморт из разбросанной одежды, рассыпанных по траве фруктов и снеди. Ван Гог писал много необычных натюрмортов. Многие знают его картины "Подсолнухи" или "Ирисы", но у него еще есть такие полотна, как или "Стул Ван Гога" - все это также образцы натюрмортной живописи.

Русский натюрморт

Удивительно, что в России натюрморт в виде отдельного жанра не был востребован долгое время, так как считался чуть ли не низшим из всех видов изобразительного искусства, который не требует ни фундаментальных знаний, ни специальных навыков в живописи. Только во второй половине XIX в. русские передвижники смогли вызвать у российской публики интерес к этому жанру искусства.

Впоследствии натюрмортной живописью увлекались многие русские живописцы. Натюрморты известных художников, таких как Игорь Грабарь, Кузьма Петров-Водкин, Иван Хруцкой, можно увидеть в залах Третьяковской галереи, Русского музея, Музея изобразительных искусств им. Пушкина в Москве, а также в Эрмитаже. Но настоящий расцвет натюрмортной живописи произошел в нашей стране в эпоху социализма.

Фото натюрморт

С приходом фотографии в мире искусства появился еще такой жанр, как фото натюрморты. Сегодня очень многие люди увлекаются созданием фотографических шедевров. Некоторые снимки просто поражают своим совершенством и мастерством фотографа. Иногда при помощи фотокамеры талантливым фотохудожникам удается заснять натюрморты, которые ничем не уступают самым знаменитым творениям Малых голландцев.

Для того чтобы начать рисовать натюрморт, нужно сначала его составить из каких-нибудь предметов. Для первых опытов в натюрмортной живописи лучше не делать сложных композиций, пары-тройки предметов будет вполне достаточно.

Далее рисуем натюрморт поэтапно. Сначала нужно сделать рисунок карандашом или углем. Потом следует легкий подмалевок, раскрывающий основные цвета и тени композиции, а уж затем можно приступать непосредственно к прорисовке деталей.