Публикации раздела Музеи

Путеводитель по наивному искусству

Н аивное искусство или искусство непрофессиональных художников нечасто попадает во внимание галеристов и арт-критиков. Однако работы наивистов, простые и открытые, могут быть не менее драматичны и даже художественно значимы, чем полотна признанных мастеров. О том, что такое наивное искусство и почему интересно за ним следить, - в материале портала «Культура.РФ» .

Наивный - значит простой

Александр Емельянов. Автопортрет. 2000-е. Частное собрание

Владимир Мелихов. Раздвоение. 1989. Частное собрание

Наивное искусство - это творчество художников без профессионального образования, которые при этом системно и постоянно занимаются живописью. В самом наиве можно выделить отдельные направления, например ар брют или аутсайдер-арт - искусство художников с психиатрическим диагнозом.

Очень важный вопрос для искусствоведов - как отличить наивиста от дилетанта. Критериями оценки творчества таких художников обычно служат самобытность и качество их работ. Большую роль играет и личность самого автора: посвятил ли он жизнь искусству, стремился ли что-то сказать в своих работах (живописных, графических, скульптурных).

Первый наивный

Наивное искусство существовало всегда. Наскальная живопись, палеолитическая скульптура и даже античные куросы и кариатиды - все это выполнено в примитивистской манере. Выделение наива как самостоятельного течения изобразительного искусства произошло не одномоментно: этот процесс занял более века и завершился в конце XIX столетия. Пионером этого новаторского течения стал Анри Руссо, французский художник-самоучка.

Руссо долгое время служил в таможне, уже в зрелом возрасте оставил профессию и серьезно занялся живописью. Впервые он пытался выставить некоторые работы в 1886 году на парижской «Выставке независимых», но был осмеян. А позже, в начале XX века, он познакомился с известными авангардистами, в том числе Робертом Делоне, который оценил смелый стиль Руссо. Авангардисты часто «вытаскивали» таких самобытных живописцев, как Руссо, помогали им развиваться и даже черпали в их работах, в их видении вдохновение для собственного художественного поиска. Вскоре работы Руссо начали пользоваться спросом, публика оценила оригинальность его сюжетов и особенно его работу с цветом.

В России наивное искусство предстало перед массовым зрителем на организованной художником Михаилом Ларионовым выставке «Мишень» 1913 года. Именно там впервые экспонировали работы Нико Пиросмани , которые привезли из Грузии братья Кирилл и Илья Зданевичи, художники и искусствоведы. До этой выставки публика не представляла, что любительское искусство могло быть больше, чем лубочные вывески и фольклорные росписи.

Наивные черты

Нико Пиросмани. Портрет Созашвили. 1910-е. Московский музей современного искусства

Нико Пиросмани. Женщина с пасхальными яйцами. 1910-ые гг. Московский музей современного искусства

Работы наивных мастеров часто объединяют атмосфера радости и восторженный взгляд на повседневную жизнь, яркий колорит и внимание к деталям, совмещение вымысла и реальности.

Многие классики отечественного наивного искусства кроме, пожалуй, Нико Пиросмани и Сосланбека Едзиева, прошло школу ЗНУИ - Заочного народного университета искусств. Он был основан в 1960 году на базе художественных курсов имени Надежды Крупской; в нем преподавали Роберт Фальк, Илья Машков, Кузьма Петров-Водкин и другие маститые авторы. Именно обучение в ЗНУИ давало наивистам возможность получить технические навыки, а также профессиональное мнение о своих работах.

Каждый наивист формируется как художник в некой изоляции, навсегда остается замкнут в рамках собственных идей и собственного стиля и может всю жизнь работать с кругом вечных тем. Так, работы Павла Леонова 1980-х и конца 1990-х годов мало чем отличаются: похожие композиции, похожие герои, все то же восприятие действительности, близкое к детскому. Разве что краски становятся более качественными, а холсты - масштабными. То же можно сказать об абсолютном большинстве наивистов. Даже на значимые общественные события они реагируют особенно: не меняют стилистику в зависимости от времени, а лишь добавляют в работы новые вещественные приметы эпохи. Как, например, классик наива Владимир Мелихов. Его работа «Раздвоение» - это прекрасная иллюстрация женской доли в Советском Союзе. На ней изображена женщина, которая буквально находится в двух местах одновременно: работает на заводе одной рукой, а второй - нянчит ребенка.

Наивные темы

Павел Леонов. Автопортрет. 1960. Московский музей современного искусства

Павел Леонов. Уборка урожая. 1991. Московский музей современного искусства

Наивисты обращаются к общечеловеческим темам, близким каждому: рождение и смерть, любовь и дом. Их работы всегда понятны, поскольку художники стараются наиболее просто выражать волнующие их идеи, не углубляясь в символизм и скрытые смыслы.

Одним из первых сильных впечатлений наивного художника становится его выход в город, в социальную среду. Наивистам, которые, как правило, живут в деревне, свойственно идеализировать город, они пишут улицы и скверы светлыми, воздушными и причудливыми. Особенно художников, например Эльфриду Мильтс, вдохновляют технологические новшества - в частности, московское метро.

Еще одной общей для наивного искусства темой можно считать изображение человека - портреты и в особенности автопортреты. Наивистам присущ способ исследования мира через призму своей личности, собственного облика и облика окружающих людей. А также их интересует способ отражения внутреннего мира человека в его внешности. Поэтому работ портретного жанра дают возможность зрителю познакомиться с наивистами почти лично, узнать их такими, какими художники воспринимают самих себя. Замкнутость наивистов в собственном внутреннем мире иллюстрирует, например, автопортрет современного художника Александра Емельянова. Он изображает себя как совокупность образов и тем, к которым обращается.

Почти все классики наивного искусства так или иначе интерпретируют тему детства. Наивисты всегда остаются детьми, поэтому связанные с этой идеей работы - трогательные и непосредственные - становятся некой точкой соприкосновения ребенка прошлого и ребенка нынешнего, до сих пор живущего в душе художника. Примечательно, что себя в образе ребенка наивисты почти никогда не пишут. Они концентрируются на окружающем мире, на портретах других детей, на изображении животных - на том, что можно увидеть в азбуке.

Светлана Никольская. Сталин умер. 1997. Московский музей современного искусства

Александр Лобанов. Автопортрет в овальной раме под гербом СССР. 1980. Московский музей современного искусства

Следующая важная тема в наивном искусстве - тема застолья. Художники очень любят писать натюрморты, пиры, свадьбы и гулянья - особенно часто их можно увидеть на картинах Нико Пиросмани, Павла Леонова и Василия Григорьева, для которых застолье приобретает сакральный, евхаристический смысл. Пир любви, пир веселья, пир семейного круга - каждый художник находит в этой теме что-то очень личное и ценное. Как и в теме дома, семейного очага, который символизирует покой, уют и безопасность. В работах Павла Леонова, советская действительность всегда связана с радостью, праздниками и парадами. Даже труд Леонов изображает радостным и светлым.

Однако наивное искусство не всегда идиллическое. Например, аутсайдер-арт или ар брют зачастую оставляют у зрителя неясное тревожное ощущение. В этих работах не существует стройного и законченного мира - художники чаще всего концентрируются на одном мотиве или предмете и воспроизводят его в каждой работе. Для классика аутсайдер-арта Александра Лобанова таким объектом стала винтовка Мосина. Сам Лобанов из винтовки никогда не стрелял, да и в работах его нет ни войны, ни жестокости, ни боли. Этот предмет - словно артефакт, воплощение силы, как и активная советская символика, которая присутствует в абсолютном большинстве его работ.

Ключевые философские темы для художников - рождение и смерть. Наивисты обожествляют рождение человека, как физическое, так и личностное, сравнивают его с божественным зарождением жизни в общем. А уход человека они воспринимают с точки зрения оставшейся о нем памяти и боли. Так, например, на картине Светланы Никольской люди, облаченные в серое, контрастируют с насыщенно-красным фоном, прочесть их мысли или чувства невозможно - они будто окаменели.

Эпоха классического наива постепенно уходит. Сегодня столь закрытое и обособленное существование наивистов, каким оно было раньше, невозможно. Художники должны активно включаться в арт-процесс, понимать, что происходит на арт-рынке. Это не хорошо и не плохо - просто показатель времени. И тем ценнее будет каждое зрительское обращение к наивному искусству, пока оно окончательно не исчезло.

Портал «Культура.РФ» благодарит за помощь в подготовке материала старшего научного сотрудника ММОМА , участника кураторской группы выставки «НАИВ…НО» Нину Лаврищеву и сотрудника Музея русского лубка и наивного искусства Марию Артамонову.

Наивное искусство, наив - (англ. naive art) - одна из областей искусства примитива XVIII- XX вв., включающая самодеятельное искусство (живопись, графику, скульптуру, декоративное искусство, архитектуру), а также изобразительное творчество художников-самоучек. К произведениям наивного искусства относят картины замечательного французского художника А. Руссо по прозвищу Таможенник, т.к. он был таможенником по профессии, и великолепные провинциальные портреты русских людей XVIII - XIX вв. неизвестных художников.

«Наивный» художник отличается от «не-наивного», как шаман отличается от профессора: оба — специалисты, каждый в своем роде.

Неповторимость бытового примитивного портрета обусловлена не только особенностями художественного языка, но и в равной мере характером самой натуры. В общих чертах композиционная схема купеческого портрета заимствована из современного ему профессионального искусства. В то же время строгость лиц, обостренное чувство силуэта, техника живописи заставляют вспомнить иконопись. Но еще больше чувствуется связь с лубком. Это проявляется прежде всего в самом подходе к натуре, которая воспринимается художником наивно и целостно, декоративно и красочно. В лице и одежде четко прослеживается национальный русский этнический тип. Добросовестное воспроизведение главного и второстепенного вело к созданию целостного образа, поражающего силой жизненной характерности.

Наивное искусство сочетает самобытную яркость образной фантазии, свежесть и искренность восприятия мира с отсутствием профессиональных навыков рисунка, живописи, композиции, моделировки и др.

Произведения наивного искусства крайне разнообразны по форме и индивидуальной стилистике, однако для многих из них характерны отсутствие линейной перспективы (глубину многие примитивисты стремятся передать с помощью разномасштабности фигур, особой организацией форм и цветовых масс), плоскостность, упрощенная ритмичность и симметричность, активное использование локальных цветов, обобщенность форм, подчеркивание функциональности предмета за счет тех или иных деформаций, повышенная значимость контура, простота технических приемов.

Наивное искусство, как правило, оптимистично по духу, жизнеутверждающе, многопланово и разнообразно, имеет чаще всего достаточно высокую эстетическую значимость. Наивное искусство является как бы противовесом «техничному». В наивном искусстве, нет техники, нет школы, ему невозможно научиться.Оно просто «прет» из тебя. Оно – самодостаточное. Ему все равно, как оценивают его мастера, к какому стилю его относят. Это такое исконное творчество души, и учеба скорее лишит его силы, чем отточит его.

Одна из сторон наивного искусства – наивность или простота форм, образов, техники; в нем нет гордыни, самолюбования, претензий. Но за наивностью формы отчетливо видна глубина смыслов (иначе, оставаясь наивным, оно перестает быть искусством). Оно – настоящее. Оно доступно любому – ребенку и старику, неграмотному, и доктору наук.

У художников-примитивистов XX века, которые знакомы с классическим и современным им профессиональным искусством, часто возникают интересные и оригинальные художественные решения при попытках подражать тем или иным приемам профессионального искусства при отсутствии соответствующих технических знаний и навыков.

Долгое время в России доминировало мнение о некоей «второстепенности» наивного искусства. В русском (как и в некоторых других) языке, термин «примитивный», имеет в качестве одного из главных — оценочный (и именно негативный) смысл. Поэтому уместнее остановиться на понятии наивного искусства. В самом широком смысле так обозначается изобразительное искусство, отличающееся простотой (или упрощенностью), ясностью и формальной непосредственностью изобразительно-выразительного языка, с помощью которого выражается особое, не обремененное цивилизационными условностями видение мира. При этом забывали, что ранние авангардисты, постмодернисты и художники-концептуалисты в поисках новых изобразительных форм обращались к непосредственности и простодушию наивов. Интерес к творчеству самоучек проявлял Шагал, к русскому лубку обращался Малевич, особое место занимал наив в творчестве Ларионова и Гончаровой. Во многом благодаря приемам и образам наивного искусства успех сопутствовал показам работ Кабакова, Брускина, Комара и Меламида. Те или иные приемы и элементы языка примитивистов использовали в своем творчестве многие крупные художники XX в. (экспрессионисты, П.Клее, М.Шагал, Х.Миро, П.Пикассо и др.). В Наивном искусстве многие представители культуры стремятся усмотреть пути выхода художественной культуры из цивилизационных тупиков.

Наивное искусство по видению мира и способам его художественной презентации в чем-то приближается к искусству детей, с одной стороны, и к творчеству душевнобольных - с другой. Однако в сущности своей наивное искусство отличается и от того, и от другого. Ближе всего по мировосприятию к детскому искусству стоит наивное искусство архаических народов и аборигенов Океании и Африки. Принципиальное отличие его от детского искусства заключается в глубокой сакральности, традиционализме и каноничности. Детская наивность и непосредственность мировосприятия как бы застыли навечно в этом искусстве, его выразительные формы и элементы художественного языка наполнились сакрально-магической значимостью и культовой символикой, имеющей достаточно стабильное поле иррациональных смыслов. В детском искусстве они очень подвижны и не несут культовой нагрузки. В отличие от него искусство душевнобольных, часто близкое к нему по форме, характеризуется болезненной навязчивостью одних и тех же мотивов, пессимистически-депрессивной настроенностью, невысоким уровнем художественности.

Я сижу в кафе. Ко мне за столик подсаживается женщина в возрасте – видно, что достатка совсем не большого. Достает листы А3, уголь. «Хотите я вас нарисую?». Я не соглашаюсь, но и не отказываюсь – интересно. Бормоча себе что-то под нос, женщина буквально за 5 минут изображает мой портрет и предлагает мне забрать его – понятное дело, не бесплатно. Через пару минут я уже иду к метро, держа в руках лист с очень примитивным моим изображением. Я заплатила за него пятьдесят рублей.

Эта женщина заставила меня вспомнить о наивном искусстве. Энциклопедия искусства дает такое определение этого жанра: «традиционное искусство народных мастеров, а также художников-самоучек, сохраняющее детскую свежесть и непосредственность видения мира» . Может быть, вам встречались эти картины – простые, искренние, кажется, что их нарисовал ребенок, но на самом деле авторство принадлежит взрослому человеку. Чаще всего это люди даже пожилые. У них есть своя профессия – рабочая, как правило. Они живут в деревнях, и каждый день ходят на работу. Наивное искусство - направление довольно старое. Еще в XVII веке непрофессиональные художники создавали свои «беспощадно правдивые» портреты, а в XX веке наив выделился в отдельное направление, свободное от академических правил и норм.

Прародителем наива считается иконопись. Увидев такие иконы, вы наверняка без труда отличите их от традиционных. Они непропорциональны, примитивны, как будто бы даже неаккуратны. Все эти характеристики можно применить к любой картине наивного искусства, не только к иконам.

Один из самых ярких представителей наива - . Он же считается основоположником наивного искусства. Руссо написал свою первую работу в 42 года – он работал таможенником, и писать начал только когда вышел в отставку. У этих художников нет времени, чтобы профессионально заниматься творчеством, да они и не хотят. Просто иногда в свободное время рисуют то, что видят. «Сбор яблок», «Молотьба», «Бурная речка», «Белят холсты» – вот названия картин наивных художников.

Работы Руссо часто подвергались насмешкам и жесткой критике, особенно поначалу. А широкую популярность художник приобрел после того, как к одной из его картин подвели Камиля Писсаро – хотели позабавить, а мэтр стал восхищаться стилем художника и хвалить картину. Это был «Карнавальный вечер», 1886.

Детали пейзажа слишком уж тщательно выписаны, да и построение планов забавляло зрителей, но именно это и восхитило Писсаро.

Другой, не менее известный наивный художник – грузин Нико Пиросмани. В начале ХХ века, когда Пиросмани начал активно заниматься искусством, он рисовал самодельными красками на клеенках – белого или черного цвета. Там, где нужно было изобразить эти цвета, художник просто оставлял клеенки незакрашенными – так и выработал один из своих основных приемов.

Пиросмани любил изображать животных, а его друзья говорили, что в этих зверях он, скорее, рисует самого себя. И на самом деле, «лица» всех животных у Пиросмани мало похожи на настоящие животные морды, и у всех них одинаковый взгляд: грустный и беззащитный, будь то «Жираф» (1905) или «Медведь в лунную ночь» (1905).

Нико Пиросмани умер в бездомной нищете от голода и лишений. И это при том, что у него время от времени была работа по оформлению вывесок общепитов.

Большая же часть представителей наива своим художественным творчеством и вовсе не зарабатывают, оставляя на него в лучшем случае пару часов в день, в качестве хобби. Профессии этим не сделать – именно это и выделяет наивных художников в отдельную касту. Это очень честное искусство, от всей души – над художником нет ни гнета заказов, ни материальной зависимости от творчества. Он просто рисует, потому что любит это – и сбор урожая, и обряды сватовства, и родную речку в лесу. Любит и воспевает так, как умеет.

Совсем по-особенному умеет это румынский художник-наивист . Его работы похожи на иллюстрации детских книжек - они красочные, добрые и сказочные. Даскалу отличается от многих художников наивного искусства тем, что изображает фантазийные сюжеты, а не обыденные жизненные ситуации. Там и дом из ботинка, и лилипуты с великанами, и летающие единороги. При этом, его картины не перестают быть простыми - как по форме, так и по содержанию. Глядя на них, хочется перечитать любимые сказки и немного помечтать.

Наив включает в себя творчество самоучек и самодеятельное искусство. «Наивный» – не значит «глупый» или «недалекий». Это, скорее, противопоставление профессиональному искусству. Художники наивного искусства не имеют профессиональных художественных навыков. В этом их отличие от художников примитивизма: те, будучи профессионалами, стилизовали свои работы под «неумелые» и простые. А главное, – наивные художники не стремятся рисовать по канонам, профессионально. Они не хотят развивать свое искусство и делать его своей профессией. Художники наива пишут мир не так, как учат, а так, как чувствуют его.

Сначала мне показалось, что наивное искусство похоже на частушки. Я так обрадовалась этому сравнению – очень уж получилось оно красочным и ярким. Но разобравшись, я поняла, что неправа. Наивное искусство очень светлое, но «чугунно серьезное». В нем, в отличие от едких частушек, нет юмора, гротеска, карикатурности – хотя на первый взгляд кажется совсем иначе. В наиве у автора всегда восторженное восприятие того, что он изображает. А там, где восторга нет, нет и наивного искусства – они просто не показывают эти области жизни. Наив – это искреннее восхищение.

В Москве есть Музей наивного искусства – его работники ведут серьезную работу по сбору экспонатов, общаются с авторами. Сейчас в музее около 1500 работ, но места для демонстрации немного, поэтому экспозиции меняются чуть ли не каждый месяц.

Этот текст не расскажет всего о художниках наивного искусства, но пускай хотя бы заинтересует и вдохновит дойти до музея или полистать эти наивные картинки в поисковике. Эти взрослые художники-мечтатели заслуживают простого внимания – пускай без восхищения и мирового признания, но давайте постараемся хотя бы знать их.

Часто наивное искусство отождествляют с примитивизмом . Но, хотя два этих направления в искусстве очень близки, это не одно и то же.

Наивное искусство объединяет самодеятельное творчество, искусство художников-самоучек. Что же касается примитивизма, то это стиль живописи, возникший в XIX в., который представляет собой обдуманное упрощение картины, делающее её формы примитивными. Это уже живопись профессионалов.
К наивному искусству ближе искусство Ар брют. Наивное искусство представлено во всех видах: живописи, графике, декоративном искусстве, скульптуре, архитектуре. К наивному искусству тяготел и русский авангард .

Нико Пиросмани (1852-1918)

Самым известным, пожалуй, представителем наивного искусства является Нико Пиросмани (Николай Асланович Пиросманишвили). Это о нём песня «Миллион алых роз». Он родился в Грузии в крестьянской семье. Не получил не только художественного, но и вообще никакого образования. Умел только читать по-грузински и по-русски. Живописи учился у странствующих художников, расписывавших вывески лавок и духанов. Собственное творчество создавал на том единственном, что находилось всегда под рукой – на простой клеёнке, снятой со столика.

Н. Пиросмани «Порт Батуми»
Летом 1912 г. творчеством Пиросмани заинтересовались кубофутуристы , которые и начали его пропагандировать: Илья и Кирилл Зданевичи, Михаил Лё-Дантю и др. Кирилл Зданевич приобрёл у Пиросмани большое количество картин, а Илья Зданевич опубликовал в 1913 г. в газете «Закавказская речь» статью о творчестве Пиросманишвили под заглавием «Художник-самородок». 24 марта 1913 г. в Москве на выставке «Мишень» наряду с произведениями известных художников (Ларионова и Гончаровой) были выставлены и несколько картин Пиросмани, привезённые из Тбилиси Ильёй Зданевичем. Творчеством Пиросмани заинтересовались молодые грузинские художники, а Давид Шеварднадзе начал собирать коллекцию его произведений. Но это не дало Пиросмани житейского благополучия – в 1918 г. он умер от голода и болезней.

Н. Пиросмани «Косуля на фоне пейзажа» (1915). Государственный музей искусств Грузии, Тбилиси
Особое место в творчестве художника занимают образы животных. Один из грузинских художников заметил, что у животных на картинах глаза самого художника.
Наивное искусство как явление художественной культуры находится вне рамок профессионального искусства. Его понимание и оценка начали складываться только в начале XX в., но наивное искусство оказало и оказывает влияние на творчество профессиональных художников России и Западной Европы. В период советской власти самодеятельность использовалась в целях идеологической работы. Но наивное искусство осталось верным этическим ценностям: вере в будущее, уважительному отношению к прошлому. Главное его отличие от официального и конъюнктурного искусства – оно бескорыстно.

Сергей Заграевский «Натюрморт». Этого автора относят и к примитивизму.

Во многих странах существуют музеи наивного искусства: в Германии это музей Шарлотты Цандер. В музее Царицыно коллекцию наивного искусства собирал Помещиков. В Суздальском государственном музее-заповеднике есть большая коллекция наивного искусства. В Москве действует Музей Наивного искусства в Новогиреево. В частных коллекциях также находится много картин самодеятельных художников. В Ницце (Франция) работает Музей наивного искусства А. Жаковского.
Произведения наивного искусства очень притягивают. На них хочется смотреть и смотреть, удивляться и улыбаться, грустить и восхищаться. Иногда кажется, что не такое уж оно наивное, это искусство, если вызывает столько чувств. Оно как бы из другого мира. Но это личное отношение и личные эмоции. А как же оценивают наивное творчество специалисты?
Несколько книг о современном наивном искусстве издала К. Богемская. К её книге «Наивное искусство» мы и обратимся, говоря о творчестве Павла Леонова.

Павел Петрович Леонов (1920-2011)

Павел Леонов (2001)

«Свои композиции Леонов называл конструкциями. Эти конструкции обрастают плотью цвета. Фигуры людей чаще всего черные - будто все они, как зэки в лагере, одеты в черные бушлаты. Но иногда они одеваются в белое. Мелкие черные птички, галочками видневшиеся в бледном небе ранних картин, становятся мясистыми черными грачами в синеве более поздних, а затем сюда прилетают и белые птицы.
Торжество мечты над жизнью, замысла над воплощением, столь присущее Леонову, является характерной чертой национального русского характера» (К. Богемская).

П. Леонов «Здравствуй, Пушкин!»
Эти конструкции у Леонова многоярусные, распространяющиеся по всей площади холста. А холсты – огромных размеров, что позволяет автору как бы жить внутри своей картины, жить в том мире, который он изображает. Его картины изображают прошлое, но в то же время, приукрашивая прошлое, они как бы рассказывают о лучшем будущем. «В картинах Леонова заключена такая жизненная сила, что они покоряют каждое сердце, открытое художественным впечатлениям и не испорченное стандартами потребления музейных образцов».

П. Леонов «А мне летать...»
«Созданное вне пределов профессиональной школы и стиля маргинальное творчество рождается из потребностей, далеко отстоящих от стремления к художественной славе. Его создатели странные люди - чудаки, изгои. Они проецируют в свои произведения образы и видения, явившиеся из воспоминаний, снов и мечтаний. Они говорят с собой языком изображений. Они рисуют как колдуют, создают вокруг себя собственный мир, коконом укрывающий их от реальности» (К. Богемская).

П. Леонов «В краю, где пальмы и лимон»
«...Пройдут годы, и всем будет очевидно: Леонов – великий русский художник. Уже не будут вспоминать определение «наивный». Так самым знаменитым художником Швейцарии стал Адольф Вёльфли . Так великим художником Грузии считается Нико Пиросманишвили.
Леонов создал свой образ России, какого еще не было. Он создал стиль, который принадлежал ему самому, и свой одухотворённый цвет.
Наследие Леонова, состоящее из полутора тысяч больших холстов, как и наследие других великих художников, огромный собственный мир, в гранях которого отражаются и преломляются различные грани мира окружающего.
Значение Леонова оценит будущее, которому потребуются основы для возведения здания национальной культуры» (К. Богемская).

Из биографии

П. Леонов «Автопортрет» (1999)

Павел Петрович Леонов родился в Орловской губернии. Жизнь его была тяжёлой, работал на заводах, рубил лес, ремонтировал суда, строил дороги, был столяром, штукатуром, печником, жестянщиком, маляром, художником-оформителем. Жил в Орле, в Украине, в Азербайджане, Грузии, Узбекистане. Был несколько раз арестован в 1940-1950 гг.
Живописью стал заниматься в 1950-е годы на Камчатке. В 1960-е гг. учился у Рогинского. Рогинский называл его «Дон Кихотом советского времени». Наиболее плодотворный период его творчества начался 1990-е годы, тогда его работы активно скупались московскими коллекционерами, хотя жил он постоянно в нужде, в тяжёлых бытовых условиях.
После смерти жены не работал и жил у сына в п. Савино Ивановской области. Там и похоронен.

Елена Андреевна Волкова (1915-2013)

В её работах есть что-то детское, тёплое и трогательное. Они не похожи на знаменитые произведения классики . Но знакомство с ними вносит в душу счастье.

Е. Волкова «Поросёнок спрятался» (1975-1980)
Среди винограда, огурцов, яблок, груш и грибов, в самом центре нарядного натюрморта улегся поросенок. «Не подумайте, что это заливной поросенок, - каждый раз говорила Елена Андреевна, показывая эту работу. - Просто он убежал от мамы и спрятался среди фруктов».
Елена Андреевна Волкова воссоздает в своих картинах радостное мировосприятие своего детства.

Е. Волкова «Лошадь в серебряном бору»
«Все, что я пишу сейчас на своих полотнах, это все у меня рождалось с самого детства. Это все была моя мечта, я все наблюдала, запечатляла с детства и по сегодняшний день. Я не пройду никогда мимо какой-то красоты, всё вокруг мне нравится. Всё по-своему очень красивое» (из книги К. Богемской «Наивное искусство»).
С детства будучи музыкальной, она неправильный цвет воспринимает как неверный голос, испортивший весь хор. Её картины несут тепло и радость, духовную чистоту и саму жизнь во всей её многогранности.

Е. Волкова «Мир всем!» (1984)
Её реальность наполнена любовью. Её мир – это абсолютный свет и покой.

Е. Волкова «Весна»

Из биографии

Родилась в Чугуеве, недалеко от дома, где родился Илья Репин, в простой семье. Работала помощником киномеханика на передвижной киноустановке. Её муж умер во время войны. Е. Волкова начала писать картины в 1960-е годы возрасте 45 лет, не имея художественного образования. Один из основателей украинского авангарда, Василий Ермилов, приобрёл ряд её картин. Сергей Тарабаров из московской галереи наивного искусства «Дар» в 2000 г. считает Волкову одной из наиболее интересных художниц, работающих в стиле наивного искусства в России.
Елена Волкова стала первой художницей жанра наивного искусства, кому устроили персональную выставку в Третьяковской галерее.
Последние годы жила в Москве. Умерла на 99 году жизни.

Таисия Швецова (р. 1937)

Художница из Вологодской области. Специального художественного образования не имеет. Живописью занимается с 1996 г. Её картины – это праздник щедрости и доброты.

Т. Швецова «Лошадка» (2008)

Т. Швецова «Четыре рождества» (2007)

Голландская художница Ина Фреке (р. 1941)

Ина Фреке родилась в городе Хронинген (Голландия). Спокойным пейзажам родной страны она предпочитает яркие краски лета. Художница взялась за кисть, чтобы компенсировать жизненную утрату (смерть мужа). Потрясение, которое она пережила, переносилось ею проще, когда она лепила скульптуры и писала картины. В наивное искусство многие приходят после глубоких переживаний или стрессов.
Любимые темы рисунков Ины – экзотический мир Африки, фантастика космических путешествий и романтика юности. Разделение ярких цветовых пятен музыкальными линиями – стиль Фреке.

Ина Фреке «Легкомысленность»

И. Фреке «Планета утопия»
Жаль, что для широких кругов любителей искусства и профессионалов наивное искусство пока остаётся только маргинальным‚ непонятным и забавным явлением культуры. Это целый мир, в который надо просто войти, чтобы его понять. Причём войти без предубеждения, с чистым сердцем – ведь именно чистым сердцем создавались эти работы.

Наивная картина «Шапка и розы»

«Родилась во мне охота к малеванию масляными красками. Никогда я еще не малевал оными: а тогда вздумалось учинить тому опыт и срисовал с самого себя портрет на холсте», - писал осенью 1763 года в своем дневнике тульский дворянин Андрей Болотов. Прошло более двух с половиной столетий, а «охота к малеванию красками» продолжает одолевать и наших современников. Людей, никогда не бравших в руки карандаш и кисть, вдруг охватывает неодолимая страсть к изящным художествам.

Появление нового направления

Наивное искусство XX - начала XXI века заметно отличается от примитива предшествующих столетий. Причины этого, как ни странно, кроются в развитии «ученого» искусства. В конце XIX века ведущие европейские мастера остро осознали «усталость» современной им культуры. Они стремились почерпнуть жизненные силы из дикарского, первобытного мира, существовавшего в прошлом или еще сохранившегося в отдаленных уголках планеты. Одним из первых по этому пути пошел Поль Гоген. Отказавшись от благ одряхлевшей европейской цивилизации, художник пытался поставить знак равенства между «примитивной» жизнью и «примитивным» творчеством, хотел ощутить себя человеком, в жилах которого течет кровь дикаря. «Здесь, подле моей хижины, в полном безмолвии, я грежу о буйных гармониях среди опьяняющих меня запахов природы», - писал Гоген о своем пребывании на Таити.

Через увлечение примитивом прошли многие мастера начала прошлого столетия: Анри Матисс собирал африканскую скульптуру, Пабло Пикассо приобрел и повесил на видном месте в своей мастерской портрет Анри Руссо, Михаил Ларионов на выставке «Мишень» показал публике ремесленные вывески, произведения Нико Пиросманашвили и детские рисунки.

С 1910-х годов художники-примитивы получили возможность экспонировать свои произведения рядом с работами профессиональных мастеров. В результате с примитивом произошла разительная перемена: он осознал собственную художественную ценность, перестал быть явлением периферийной культуры. Простодушие примитива все более становится мнимым. Руссо незадолго до смерти признавался: «Я сохранил мою наивность… Теперь я уже не смог бы изменить свою манеру письма, приобретенную упорным трудом».

В этот момент и возникает наивное искусство как особое художественное явление, отличное от примитива. Нередко творчество наивных художников определяют как непрофессиональное искусство, выдвигая на первый план отсутствие художественной выучки академического образца. Но этого явно недостаточно, чтобы понять его отличие от дилетантизма и ремесленничества. «Наивное» переносит акцент с результата на внутренние причины. Это не только «неученое», но и «простодушное», «бесхитростное» - непосредственное, нерасчлененное, не знающее рефлексий ощущение действительности.

Отличительные особенности

Самоучка в поисках самовыражения бессознательно обращается к формам детского творчества - к контурности, уплощенному пространству, декоративности как к первоэлементам создаваемого им нового мира. Взрослый не может рисовать как ребенок, но может по-детски непосредственно воспринимать окружающее. Отличительная особенность наивного искусства заключается не в творениях художника, а в его сознании. Картина и изображенный на ней мир ощущаются автором как реальность, в которой он сам существует. Но не менее реальны для художника и его видения: «То, что я хочу написать - всегда со мною. Все это я сразу вижу на полотне. Предметы сразу просятся на полотно, уже готовые и в цвете, и в форме. Когда я работаю, то все предметы отделываю до тех пор, пока под кисточкой не почувствую, что они живые и шевелятся: и животные, и фигуры, вода, растения, плоды и вся природа» (Е. А. Волкова).

Прообразы изображаемых предметов существуют в воображении автора в виде материализованных, но неживых фантомов. И только в процессе завершения картины происходит их одушевление. Эта сотворенная на холсте жизнь и есть рождение нового мифа.

// пичугин2

Наивный художник изображает не столько то, что видит, сколько то, что знает. Стремление передать свои идеи о вещах, людях, мире, отразить наиболее важные моменты в потоке жизни непроизвольно ведет мастера к схематизации и ясности - состоянию, когда чем проще становятся вещи, тем они значительнее.

Озеро с утками, работа в поле и на огороде, стирка белья, политическая демонстрация, свадебное застолье. На первый взгляд мир обыденный, ординарный, даже немного скучноватый. Но вглядимся внимательнее в эти нехитрые сценки. В них рассказ не столько о быте, сколько о бытии: о жизни и смерти, добре и зле, любви и ненависти, труде и празднике. Изображение конкретного эпизода воспринимается здесь не как фиксация момента, но как назидательная история на все времена. Художник неловко выписывает детали, не может отделить главное от второстепенного, но за этой неумелостью встает система мировидения, напрочь отметающая случайное, сиюминутное. Неискушенность оборачивается прозрением: желая поведать о частном, наивный художник рассказывает о неизменном, вечно сущем, незыблемом.

Наивное искусство парадоксальным образом соединяет неожиданность художественных решений и тяготение к ограниченному кругу тем и сюжетов, цитирование однажды найденных приемов. В основе этого искусства лежат повторяющиеся элементы, соответствующие общечеловеческим представлениям, типические формулы, архетипы: пространство, начало и конец, родина (потерянный рай), изобилие, праздник, герой, любовь, празверь.

Мифологическая основа

В мифологическом мышлении сущность и происхождение явления тождественны друг другу. В своем путешествии в глубь мифа наивный художник приходит к архетипу начала. Он ощущает свою близость с первым человеком, заново открывающим для себя мир. Вещи, животные и люди предстают на его полотнах в новом, неузнаваемом виде. Подобно Адаму, дающему имена всему сущему, наивный художник наделяет обыденное новым смыслом. Ему близка и понятна тема райского блаженства. Идиллия понимается художником как изначальное состояние, данное человеку от рождения. Наивное искусство словно возвращает нас к детству человечества, к блаженному незнанию.

Но не менее распространена и тема грехопадения. Популярность сюжета «изгнания из рая» свидетельствует о существовании некой родственной связи между мифом о первых людях и судьбой наивного художника, его мироощущением, его духовной историей. Изгои, люмпены рая - Адам и Ева - остро ощущают утрату блаженства и свой разлад с действительностью. Они близки наивному художнику. Ведь ему ведомы и детская безмятежность, и эйфория созидания, и горечь изгнания. Наивное искусство остро выявляет противоречие между стремлением художника познать и объяснить мир и желанием привнести в него гармонию, воскресить утраченную целостность.

Ощущение «потерянного рая», нередко очень сильное в наивном искусстве, обостряет чувство личной незащищенности живописца. В результате на полотнах часто появляется фигура героя-защитника. В традиционном мифе образ героя олицетворяет победу гармонического начала над хаосом.

В произведениях наивных художников облик победителя, хорошо знакомый по лубочным картинкам, - Илья Муромец и Аника-воин, Суворов и покоритель Кавказа генерал Ермолов - приобретает черты героя гражданской войны Чапаева и маршала Жукова. Все они являются интерпретацией образа змееборца, хранящегося в глубинах генетической памяти, и восходят к иконографии святого Георгия, поражающего дракона.

Противоположностью воину-защитнику является культурный герой-демиург. Причем в этом случае акцент переносится с внешнего действия на внутреннее напряжение воли и духа. Роль демиурга может играть мифологический персонаж, например Вакх, научивший людей виноделию, или известная историческая личность - Иван Грозный, Петр I или Ленин, олицетворяющие идею самодержца, основателя государства или, обращаясь к мифологическому подтексту, прародителя.

Но особенно популярен в наивном искусстве образ поэта. Чаще всего используется один и тот же композиционный прием: изображается сидящая фигура с листком бумаги и пером или книгой стихов в руках. Эта универсальная схема служит формулой поэтического вдохновения, а сюртук, крылатка, гусарский ментик или косоворотка выступают в качестве «исторических» деталей, подтверждающих глубокую достоверность происходящего. Поэта окружают персонажи его стихотворений, пространство созданного им мира. Этот образ особенно близок наивному художнику, потому что он всегда видит себя в картинной вселенной рядом со своими героями, вновь и вновь переживая вдохновение творца.

Большое влияние на творчество многих наивных художников оказала советская идеология. Построенная по мифологическим моделям, она сформировала образы «начала новой эры» и «вождей народов», подменила живой народный праздник советскими ритуалами: официальными демонстрациями, торжественными встречами и церемониями, награждениями передовиков производства и тому подобным.

Но под кистью наивного художника изображаемые сцены превращаются в нечто большее, чем иллюстрации к «советскому образу жизни». Из множества картин выстраивается портрет «коллективного» человека, в котором личное смазано, оттеснено на задний план. Масштаб фигур и скованность поз подчеркивают дистанцию между вождями и толпой. В итоге сквозь внешнюю канву отчетливо проступает ощущение несвободы и искусственности происходящего. Соприкасаясь с искренностью наивного искусства, идеологические фантомы помимо воли авторов превращаются в персонажей театра абсурда.

// пичугин

Суть наивности

В наивном искусстве всегда присутствует фаза копирования образца. Копирование может быть этапом в процессе становления индивидуальной манеры художника или осознанным самостоятельным приемом. Например, это часто происходит при создании портрета по фотографии. У наивного художника нет робости перед «высоким» эталоном. Рассматривая произведение, он захвачен переживанием, и это чувство преображает копию.

Ни мало не смущаясь сложностью поставленной задачи, Алексей Пичугин исполняет «Последний день Помпеи» и «Утро стрелецкой казни» в раскрашенном деревянном рельефе. Довольно точно следуя общим очертаниям композиции, Пичугин фантазирует в деталях. В «Последнем дне Помпеи» островерхий римский шлем на голове воина, несущего старика, превращается в круглую шляпу с полями. В «Утре стрелецкой казни» доска для указов возле лобного места начинает напоминать школьную - с белым текстом по черному фону (у Сурикова она цвета некрашеного дерева, а текста вообще нет). Но главное, решительным образом меняется общий колорит работ. Это уже не хмурое осеннее утро на Красной площади и не южная ночь, озаренная сполохами текущей лавы. Цвета становятся столь яркими и нарядными, что вступают в противоречие с драматизмом сюжетов, меняют внутренний смысл произведений. Народные трагедии в переводе Алексея Пичугина напоминают скорее ярмарочные гуляния.

«Комплекс творческой неполноценности» мастера, составлявший одну из привлекательных сторон «старого» примитива, в наши дни недолговечен. Художникам быстро открывают глаза на то, что их не очень умелые творения обладают своим обаянием. Невольные виновники тому - искусствоведы, коллекционеры, средства массовой информации. В этом смысле, как ни парадоксально, разрушительную роль играют выставки наивного искусства. Немногим удается, как Руссо, «сохранить свою наивность». Иногда вчерашние наивы - сознательно или бессознательно - вступают на путь культивирования собственного метода, начинают стилизовать под самих себя, но чаще, затянутые неумолимой стихией художественного рынка, падают в широкие, как ворота, объятия массовой культуры.