Импрессионизм определение кратко. Школьная энциклопедия

Направление И. сложилось во Франции в посл. треть 19 в. – нач. 20 в. и прошло 3 этапа:

1860-70-е гг – ранний И.

1874-80-е гг – зрелый И.

90-е гг 19 в. – поздний И.

Название направления И. произошло от названия картины К. Моне «Впечатление. Восходящее солнце», написанной в 1872 г.

Истоки: творчество «малых» голландцев (Вермеер), Э. Делакруа, Г. Курбе, Ф. Милле, К. Коро, художники барбизонской школы – все они пытались уловить тончайшие настроения природы, атмосферы, выполняя небольшие этюды на природе.

Японская гравюра, выставка которой прошла в Париже в 1867 г., где впервые были показаны целые серии изображения одного и того же объекта в разное время года, дня и т.п. («100 видов горы Фудзи», станции Токайдо и т.п.)

Эстетические принципы И.:

Отказ от условностей классицизма; отказ от исторических, библейских, мифологических сюжетов, обязательных для классицизма;

Работа на пленэре (кроме Э. Дега);

Передача мгновенного впечатления, в составе которого наблюдение и изучение окружающей действительности в разных проявлениях;

Художники-импрессионисты выражали в картинах не только то, что видят (как в реализме), но и как видят (субъективный принцип);

Импрессионисты, как художники города, пытались запечатлеть его во всем многообразии, динамике, скорости, пестроте одежд, реклам, передвижения (К. Моне «Бульвар Капуцинок В Париже»;

Живописи импрессионизма характерны демократические мотивы, в которых утверждалась красота повседневной жизни; сюжеты – это современный город, с его развлечениями: кафе, театры, рестораны, цирки (Э. Мане, О. Ренуар, Э. Дега). Важно отметить поэтичность мотивов изображения;

Новые формы живописного произведения: кадрированность, эскизность, этюдность, небольшие размеры работ, чтобы подчеркнуть мимолетность впечатления, нарушая целостность предметов;

Сюжет полотен импрессионистов составляло не основное и типичное, как в реалистическом направлении 19 в., а случайное (не выступление, репетиция – Э.Дега: балетная серия);

- «смешение жанров»: пейзаж, бытовой жанр, портрет и натюрморт (Э. Мане – «Бар в Фоли- Бержер»;

Мгновенное изображение одного и того же объекта в разное время года, суток (К. Моне – «Стога сена», «Тополя», серия изображения Руанского собора, кувшинок и т.п.)

Создание новой живописной системы, чтобы сохранить свежесть мгновенного впечатления: разложение сложных тонов на чистые цвета – раздельные мазки чистого цвета, которые смешивались в глазу у зрителя яркой цветовой гаммой. Картина импрессионистов – это разнообразие запятых-мазков, которая придает красочному слою трепетность и рельефность;

Особая роль воды в ее изображении: вода как зеркало, вибрирующая цветовая среда (К. Моне «Скалы в Бель-Иль»).

С 1874 по 1886 гг импрессионисты провели 8 выставок, после 1886 начинается разложением импрессионизма как целостного течения на неоимпрессионизм и постимпрессионизм.

Представители французского импрессионизма: Эдуард Мане, Клод Моне – основатель И., Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро.

Русскому импрессионизму характерно :

Более ускоренное развитие импрессионизма в «чистом виде», т.к. это направление в русской живописи появляется в конце 80-х годов 19 в.;

Большая растянутость во времени (И. появляется как стилистическая окрашенность в произведениях крупных русских художников: В. Серов, К. Коровин)

Большая созерцательность и лиризм, «сельский вариант» (по сравнению с «городским» французским): И. Грабарь – «Февральская лазурь», «Мартовский снег», «Сентябрьский снег»;

Изображение чисто русских тем (В. Серов, И. Грабарь);

Больший интерес к человеку (В. Серов «Девушка, освещенная солнцем» «Девочка с персиками»;

Меньшая динамизация восприятия;

Романтическая окрашенность.

Ныне шедевры художников-импрессионистов воспринимаются нами в контексте мирового искусства: для нас они давным-давно стали классикой. Тем не менее так было отнюдь не всегда. Случалось, что их полотна не пропускали на официальные выставки, критиковали в прессе, не желали покупать даже за символическую плату. Были годы отчаяния, нужды и лишений. И борения за возможность живописать мир таким, каким они его лицезрели. Понадобилось много десятилетий, дабы большинство смогло постичь и воспринять , увидеть себя их глазами. Каким же он был, тот мир, в который в начале 1860-х годов вторгся импрессионизм, будто бодрый ветер, дарующий преображения?

Общественные сотрясения конца XVIII столетия, революции во Франции и Америке, преобразовали саму сущность западной культуры, что не могло не воздействовать на роль искусства в стремительно меняющемся обществе. Привыкшие к социальному заказу со стороны царствующей династии или церкви, художники вдруг обнаружили, что остались без своих клиентов. Дворянство и духовенство, основные заказчики искусства, испытывали серьёзные затруднения. Установилась новая пора, эпоха капитализма, полным образом преобразившая правила и приоритеты.

Постепенно в создавшихся республиках и демократически устроенных державах рос состоятельный средний класс, в результате чего начал живо развиваться новый рынок искусства. К сожалению, предпринимателям и торговцам, как правило, не хватало наследственной культуры и воспитания, без которых нельзя было верно оценить разнообразие сюжетных аллегорий или искусное исполнительское мастерство, издавна прельщавшие аристократию.

Не выдаваясь аристократичным воспитанием и образованием, представители среднего класса, сделавшиеся потребителями искусства, обязаны были ориентироваться первоначально на соображения газетных критиков и должностных экспертов. Старые академии искусств, являющиеся хранителями классических устоев, стали центральными арбитрами в вопросах художественных тяготений. Не парадоксально, что некоторые юные и ищущие живописцы, которым опротивел конформизм, бунтовали против формального засилья академизма в искусстве.

Одним из существенных оплотов академизма тех времён стали патронируемые властью выставки современного искусства. Подобные выставки именовались Салонами - по традиции, обращающейся к наименованию зала в Лувре, где некогда придворные художники выставляли свои полотна.

Участие в Салоне было единым шансом приковать к своим произведениям интерес прессы и клиентов. Огюст Ренуар в одном из писем к Дюран-Рюэлю так отзывается о сложившихся положениях вещей: «Во всем Париже едва ли отыщется пятнадцать почитателей, способных признать художника без помощи Салона, и тысяч восемьдесят человек, которые не приобретут даже квадратного сантиметра холста, если художник не принят в Салон».

Юным живописцам не светило ничего другого, помимо как фигурировать в Салонах: на выставке они могли услышать нелестные слова не только членов жюри, но и глубоко уважаемых живописцев, таких, как Эжен Делакруа, Гюстав Курбе, Эдуард Мане, бывших любимцами молодежи, тем самым получив толчок к последующему творчеству. Кроме того, Салон был уникальной возможностью приобрести заказчика, быть примеченным, устроить карьеру в искусстве. Награда Салона знаменовала для художника залог профессионального признания. И напротив, если жюри отклоняло предъявленную работу, это было равнозначно эстетическому отстранению.

Часто предложенная на рассмотрение картина не соответствовала привычным канонам, за что и отклонялась жюри Салона: в художественной среде этот эпизод подымал скандал и сенсацию.

Одним из художников, чья причастность к Салону неизменно создавала скандал и причиняла академикам уйму беспокойств, был Эдуард Мане. Большим скандалом сопровождались демонстрации его полотен «Завтрак на траве» (1863) и «Олимпия» (1865), созданные в необычно резкой манере, содержащие чуждую Салону эстетику. А на картине «Происшествие на корриде», представленной в Салоне 1864 года, сказалась увлеченность художника творчеством Гойи. На переднем плане Мане нарисовал распростертую фигуру тореадора. Фоном картины служила простиравшаяся вглубь арена и ряды обескураженных, онемелых зрителей. Такая острая и вызывающая композиция спровоцировала массу саркастических отзывов и газетных карикатур. Задетый критикой, Мане разорвал свою картину на две части.

Надо отметить, что критики и карикатуристы не стыдились в подборе слов и способов, чтобы побольнее оскорбить художника, подтолкнуть его на какие-то ответные поступки. «Художник, отклоненный Салоном», а впоследствии «Импрессионист», стали любимыми мишенями журналистов, зарабатывающими на публичных скандалах. Неутихающие раздоры Салона с живописцами других понятий и тяготений, которым надоели строгие границы устаревшего академизма, многозначительно знаменовали о серьезном упадке, который назрел к тому времени в искусстве 2-ой половины XIX века. Консервативное жюри Салона 1863 года отклонило столько полотен, что император Наполеон III счел необходимым лично поддержать иную, параллельную выставку, чтобы зритель мог сопоставить принятые произведения с отклоненными. Эта выставка, приобретшая имя «Салон Отверженных», стала чрезвычайно модным местом увеселения - сюда ходили посмеяться и поостроумничать.

Дабы миновать академическое жюри, имущие живописцы могли учреждать и самостоятельные индивидуальные выставки. Замысел выставки одного художника впервые огласил художник-реалист Гюстав Курбе. Он подал на Парижскую Всемирную выставку 1855 года серию своих произведений. Отборочный комитет одобрил его пейзажи, но забраковал тематические программные картины. Тогда Курбе, вопреки устоям, воздвиг в близости со Всемирной выставкой персональный павильон. Хотя широкая живописная манера Курбе произвела впечатление на престарелого Делакруа, зрителей в его павильоне было немного. Во время Всемирной выставки в 1867 году Курбе возобновил этот опыт с большим триумфом - на этот раз он развесил все свои работы в отдельном помещении. Эдуард Мане взяв пример с Курбе, открыл во время той же выставки собственную галерею для ретроспективной демонстрации своих полотен.

Создание персональных галерей и частное издание каталогов предполагали ощутимую затрату ресурсов - несравненно больших, чем те, которыми зачастую владели художники. Однако, случаи с Курбе и Мане натолкнули молодых живописцев на замысел групповой выставки художников новых течений, не принимаемых официальным Салоном.

Кроме социальных изменений на искусство XIX столетия в ощутимой мере подействовали и научные исследования. В 1839 году Луи Дагерр в Париже и Генри Фокс Тальбот в Лондоне продемонстрировали созданные ими независимо друг от друга фотографические аппараты. Вскоре после этого события фотография избавила художников и графиков от обязанности просто увековечивать людей, места и происшествия. Освобожденные от долга срисовывать объект, многие живописцы устремились к сфере передачи собственного, субъективного, выражению на полотне эмоций.

Фотоснимок породил в европейском искусстве иные взгляды. Объектив, с другим углом зрения нежели глаз человека, сформировал фрагментарное представление композиции. Смена угла съёмки подтолкнула художников к новым композиционным видениям, которые стали основой эстетики импрессионизма. Одним из главных принципов этого течения стала спонтанность.

В этом же 1839 году, когда был создан фотоаппарат, химик из лаборатории парижской мануфактуры Гобеленов Мишель Эжен Шеврёль впервые опубликовывал логичное истолкование восприятия цвета человеческим глазом. Создавая красители для тканей, он удостоверился в существовании трех основных цветов - красного, желтого и синего, при смешивании которых возникают все прочие цвета. При содействии цветового круга Шеврёль доказал, как рождаются оттенки, чем не только замечательно проиллюстрировал непростую научную задумку, но и представил художникам рабочую концепцию смешения красок. Американский физик Огден Руд и немецкий ученый Герман фон Гельмгольи со своей стороны дополнили это изобретение разработками в области оптики.

В 1841 году американский ученый и живописец Джон Рэнд запатентовал созданные им оловянные тюбики для скоропортящихся красок. Прежде художник, уходя писать на пленэре, вынужден был сперва смешивать в мастерской необходимые ему краски и после заливать их в стеклянные ёмкости, которые часто бились, или в пузыри из внутренностей животных, которые быстро давали течь. С приходом рэндовских тюбиков люди искусства получили преимущество взять с собой на пленэр все разнообразие цветов и оттенков. Это открытие в большой степени оказало влияние на обилие цветовой гаммы художников, и вдобавок убедило их отправиться из своих мастерских на природу. В скором времени, как подметил один остряк, в сельской окрестности пейзажистов стало больше, чем крестьян.

Пионерами живописи на пленэре были художники Барбизонской школы, приобретшей свое прозвание от деревушки Барбизон возле леса Фонтенбло, где ими было создано большинство пейзажей.

Если старшие живописцы Барбизонской школы (Т. Руссо, Ж. Дюпре) в своем творчестве еще основывались на наследии героического пейзажа, то представители младшего поколения (Ш. Добиньи, К. Коро) наделили этот жанр чертами реализма. На их полотнах изображены пейзажи, чуждые академической идеализации.

В своих картинах барбизонцы старались воссоздать многообразие состояний природы. Именно поэтому они живописали с натуры, стараясь запечатлеть в них непосредственность своего восприятия. Впрочем применение застарелых академических способов и средств в живописи не помогло им достигнуть того, что позднее удалось импрессионистам. Вопреки этому вклад художников Барбизонской школы в формирование жанра неопровержим: покинув мастерские ради пленэра, они предложили пейзажной живописи новые пути развития.

Один из сторонников живописи на натуре, Эжен Буден, наставлял своего юного воспитанника Клода Моне, что необходимо творить на пленэре - среди света и воздуха, живописать то, что созерцаешь. Это правило стало основой пленэрной живописи. Моне вскорости представил своим друзьям, Огюсту Ренуару, Альфреду Сислею и Фредерику Базилю, новую теорию: живописать только то, что наблюдаешь на конкретном отдалении и при конкретном освещении. По вечерам в парижских кафе молодые живописцы радостно делились соображениями и с пылом дискутировали о своих новых открытиях.

Так появился импрессионизм - революционное направление в искусстве последней трети XIX - начале XX веков. Живописцы, ступившие на путь импрессионизма, старались более естественно и правдиво запечатлеть в своих произведениях окружающий мир и обыденную реальность в их нескончаемой подвижности и непостоянности, выразить свои мимолетные ощущения.

Импрессионизм стал ответом на застой властвовавшего в те годы в искусстве академизма, стремлением освободить живопись из того безвыходного положения, в которое она угодила по вине художников Салона. О том, что современное искусство находится в упадке, твердили многие прогрессивно настроенные люди: Эжен Делакруа, Густав Курбе, Шарль Бодлер. Импрессионизм явился для «страдающего организма» своего рода шоковой терапией.

С появлением молодых художников-жанристов Эдуарда Мане, Огюста Ренуара, Эдгара Дега ветер перемен ворвался во французскую живопись, даруя непосредственность созерцания жизни, подачу скоротечных, как бы неожиданных ситуаций и движений, иллюзорную зыбкость и неуравновешенность форм, отрывочность композиции, непредсказуемые точки зрения и ракурсы.

По вечерам, когда художники уже не имели возможности писать свои полотна из-за скудного осветления, они покидали свои мастерские и просиживали за пылкими спорами в парижских кафе. Так кафе Гербуа стало одним из неизменных мест встречи горстки художников, объединившихся вокруг Эдуарда Мане. По четвергам проходили регулярные встречи, да и в другие дни там можно было застать группу оживленно беседующих или спорящих художников. Клод Моне так описывал собрания в кафе Гербуа: «Не могло быть ничего более увлекательного, чем эти встречи и нескончаемое столкновение взглядов. Они обостряли наш ум, побуждали наши благородные и сердечные стремления, давали нам заряд энтузиазма, подкреплявший нас в течение многих недель, пока вконец не оформлялась идея. Мы покидали эти собрания в приподнятом настроении, с упрочившейся волей, с помышлениями более отчётливыми и ясными».

В преддверии 1870-х годов основался импрессионизм и во французском пейзаже: Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей первые разработали последовательную систему пленэра. Они писали свои полотна без эскизов и набросков на открытом воздухе сразу на холсте, воплощая в своих картинах искрящийся солнечный свет, сказочное изобилие красок природы, растворение представляемых предметов в среде, вибрации света и воздуха, буйство рефлексов. Для достижения этой цели изрядно содействовала исследованная ими во всех деталях колористическая система, при которой естественный цвет разлагался на цвета солнечного спектра. Для создания необыкновенно яркой, нежной красочной фактуры, художники накладывали на полотно отдельными мазками чистый цвет, при этом ожидалось оптическое смешение в глазу человека. Этот приём, позднее преобразованный и теоретически аргументированный, стал центральным другого выдающегося художественного устремления - пуантилизма, именованного «дивизионизм» (с франц. «diviser» - делить).

Повышенный интерес импрессионисты проявляли к связям объекта и среды. Предметом их скрупулёзного творческого анализа стало преобразование цвета и характера предмета в меняющемся окружении. Для достижения этого замысла один и тот же предмет изображался неоднократно. С добавлением чистого цвета в тени и рефлексы, черная краска почти оставила палитру.

Критик Жюль Лафорг так отзывался о явлении импрессионизма: «Импрессионист видит и передает природу, как она есть, то есть единственно феерическими вибрациями. Рисунок, свет, объём, перспектива, светотень - все это уходящая в быль классификация. Оказывается, все обусловливается вибрациями цвета и должно быть запечатлено на полотне вибрациями цвета».

Благодаря занятиям на открытом воздухе и встречам в кафе 27 декабря 1873 года возникло «Анонимное , скульпторов, граверов и пр.» - так сперва нарекли себя импрессионисты. Первая выставка общества состоялась весной годом позже в Коммерческой галерее Надара, фотографа-экспериментатора, приторговывавшего вдобавок творениями современного искусства.

Дебют пришелся на 15 апреля 1874 года. Выставку планировалось проводить месяц, время посещений - с десяти до шести и, что также стало новшеством, с восьми до десяти вечера. Входной билет стоил один франк, каталоги можно было приобрести по пятьдесят сантимов. В первое время выставка, похоже, была заполнена посетителями, но толпа занималась там разве только глумлением. Кое-кто шутил, что задачу этих художников можно достигнуть, если пистолет зарядить разными тюбиками краски, затем выстрелить в полотно и окончить дело подписью.

Мнения разделились: либо выставку вообще не принимали всерьез, либо раскритиковывали в пух и прах. Общее восприятие можно выразить в следующей статье саркастического устремления «Выставка импрессионистов», с подписью Луи Леруа, опубликованная в форме фельетона. Здесь описан диалог автора с академиком-пейзажистом, награждённого медалями, вместе они проходят по залам выставки:

«...Неосмотрительный художник пришел туда, не предполагая ничего плохого, он рассчитывал увидеть там полотна, какие можно встретить всюду, показательные и никудышные, больше никудышных, чем показательных, но не далёкие неким художественным стандартам, культуре формы и почтительности к старым мэтрам.

Увы, форма! Увы, старые мастера! Мы больше не собираемся их почитать, мой бедный друг! Мы всё преобразили!»

На выставке был также выставлен пейзаж Клода Моне, являвший утреннюю зарю в окутанной туманом бухте - живописец назвал его «Впечатление. Восход солнца» (Impression). Вот комментарий одного из персонажей сатирической статьи Луи Леруа на это полотно, подаривший наименование самому нашумевшему и известному течению в искусстве XIX века:

«...- Что здесь нарисовано? Поглядите в каталог. - «Впечатление. Восход солнца». - Впечатление - так я и предполагал. Я только что рассуждал сам в себе, что раз я состою под впечатлением, то должно же в ней быть передано какое-то впечатление...а что за раскованность, что за плавность исполнения! Обои в исходной степени обработки более совершенны, чем этот морской пейзаж...».

Лично Моне был никак не против подобного наименования художественного приёма, который он применял на практике. Основная суть его творчества - именно уловление и запечатление ускользающих моментов жизни, над чем он и работал, порождая свои бесчисленные серии полотен: «Стога», «Тополя», «Руанский собор», «Вокзал Сен-Лазар», «Пруд в Живерни», «Лондон. Здание Парламента» и другие. Иной случай, Эдгар Дега, который любил величать себя «независимым», потому что не участвовал в Салоне. Его резкий, гротескный стиль писания, служивший примером для многих сторонников (среди которых особо незаурядным был Тулуз-Лотрек), был непозволительным для академического жюри. Оба этих живописца стали самыми инициативными организаторами последующих выставок импрессионистов, как во Франции, так и заграницей - в Англии, Германии, США.

Огюст Ренуар, наоборот, фигурируя в первых выставках импрессионистов, не терял надежды завоевать Салон, отсылая каждый год на его выставки две картины. Характерную двойственность своих действий он растолковывает в переписке своему товарищу и покровителю Дюран-Рюэлю: «...Я не поддерживаю болезненных мнений о том, что произведение достойно либо недостойно в зависимости от места, где она демонстрируется. Короче говоря, я не хочу убивать время зря и злиться на Салон. Я даже не желаю притворяться, что злюсь. Я просто считаю, что рисовать нужно как только лучше, вот и все. Вот разве бы меня упрекнули в том, что я недобросовестен в своем искусстве или из нелепого честолюбия отрекаюсь от своих воззрений, я принял бы такие обвинения. Но так как ничего подобного и близко нет, то и укорять меня незачем».

Не считающий себя официально причастным к направлению импрессионистов, Эдуард Мане почитал себя живописцем-реалистом. Впрочем, непрестанная близкая связь с импрессионистами, посещение их выставок, незаметно преобразили стиль живописца, приблизив его к импрессионистическому. В предсмертные годы его жизни краски на его картинах светлеют, мазок размашистей, композиция - отрывочна. Как и Ренуар, Мане ждал расположения со стороны официальных знатоков в области искусства и рвался принимать участие в выставках Салона. Зато вопреки своему желанию он стал кумиром парижских авангардистов, их некоронованным королем. Вопреки всему, он всё упрямо штурмовал своими полотнами Салон. Только перед смертью ему посчастливилось приобрести официальное расположение Салона. Обрел его и Огюст Ренуар.

Описывая ключевых персон импрессионизма, было бы некрасиво не вспомнить хотя бы отрывочно о человеке, при помощи которого неоднократно осрамленное художественное направление стало существенным художественным приобретением XIX века, покорило весь мир. Имя этого человека - Поль Дюран-Рюэль, коллекционер, торговец искусством, неоднократно оказывающийся на грани банкротства, но не отказавшийся от своих попыток установить импрессионизм, как новое искусство, которое еще достигнет своего апогея. Он занимался организацией выставок импрессионистов в Париже и в Лондоне, устраивал персональные выставки живописцев в своей галерее, организовывал аукционы, просто содействовал художникам финансово: были времена, когда у многих из них не было средств на краски и холст. Доказательство пламенной признательности и почтения художников - их письма Дюран-Рюэлю, которых осталось предостаточно. Личность Дюран-Рюэля - образец интеллигентного коллекционера и благодетеля.

«Импрессионизм» - понятие относительное. Все живописцы, которых мы причисляем к этому течению, прошли академическую подготовку, которая предполагала скрупулёзную проработку деталей и ровную, глянцевую живописную поверхность. Впрочем вскоре они предпочли привычным темам и сюжетам, предписываемым Салоном, картины в реалистическом направлении, отражая настоящую действительность, будничность. Впоследствии каждый из них определенное время писал в стиле импрессионизма, стараясь объективно передавать на своих картинах предметы при разном освещении. После такой импрессионистской стадии, большая часть этих художников-авангардистов перешла к самостоятельным исследованиям, приобретшая собирательное наименование «постимпрессионизм»; позднее их творчество содействовало становлению абстракционизма XX века.

В 70-е годы XIX столетия Европа пристрастилась к японскому искусству. Эдмон де Гонкур в своих записях сообщает: «...Увлеченность японским искусством... объяло всё - от живописи до моды. В первое время это была мания таких чудаков, как мой брат и я,.. впоследствии к нам примкнули художники-импрессионисты». Действительно, в картинах импрессионистов того времени нередко были запечатлены атрибуты японской культуры: веера, кимоно, ширмы. Они также почерпнули у японской гравюры стилистические методы и пластические решения. Многие импрессионисты были увлеченными коллекционерами японских гравюр. Например, Эдуард Мане, Клод Моне, Эдгар Дега.

В общем так именуемые импрессионисты с 1874 по 1886 год устроили 8 выставок с неравными по времени промежутками; половина из 55-ти живописцев, принадлежавших Анонимному обществу, в силу разных обстоятельств фигурировала только в 1-й. Исключительным участником всех 8-ми выставок был Камиль Писсарро, выдававшийся спокойным мирным нравом.

В 1886 году состоялась завершающая выставка импрессионистов, но как художественный метод, он продолжал существовать. Живописцы не оставляли напряжённый труд. Хотя былого товарищества, единения, уже не имелось. Каждый протаптывал свою дорогу. Исторические противостояния завершились, окончились триумфом новых взглядов, и в объединении сил не было надобности. Достославное единение художников-импрессионистов раскололось, да и не могло не расколоться: уж больно несхожими были они все, не только по темпераменту, но и по воззрениям, по художественным убеждениям.

Импрессионизм, как направление, сообразное своему времени, не преминул покинуть границы Франции. Подобными вопросами задавались живописцы и в других странах (Джеймс Уистлер в Англии и США, Макс Либерман и Ловис Коринт в Германии, Константин Коровин и Игорь Грабарь в России). Увлечённость импрессионизма мгновенным движением, текучей формой переняли и скульпторы (Огюст Роден во Франции, Паоло Трубецкой и Анна Голубкина в России).

Осуществив переворот во взглядах современников, расширив его мировоззрение, импрессионисты тем самым подготовили почву для последующего становления искусства и возникновения новых эстетических устремлений и представлений, новых форм, которые не заставили себя долго ждать. Возникшие из импрессионизма, неоимпрессионизм, постимпрессионизм, фовизм, впоследствии также стимулировали формирование и становление новых эстетических тенденций и направленностей.

Импрессионизм (impressionnisme) — стиль живописи, который появился в конце XIX века во Франции и затем распространился по всему миру. Сама идея импрессионизма заключается в его названии: impression — впечатление . Художники, которые устали от традиционных техник живописи академизма, которые, по их мнению, не передавали всю красоту и живость мира, стали использовать совершенно новые техники и методы изображения, которые должны были в наиболее доступной форме выразить не «фотографический» вид, а именно впечатление от увиденного. В своей картине художник-импрессионист при помощи характера мазков и цветовой палитры пытается передать атмосферу, тепло или холод, сильный ветер или умиротворённую тишину, туманное дождливое утро или яркий солнечный полдень, а также свои личные переживания от увиденного.

Импрессионизм — это мир чувств, эмоций и мимолётных впечатлений. Здесь ценится не внешняя реалистичность или натуральность, а именно реалистичность выраженных ощущений, внутренне состояние картины, её атмосфера, глубина. Изначально данный стиль подвергся сильной критике. Первые картины импрессионистов были выставлены в парижском «Салоне Отверженных», где выставлялись работы художников, отвергнутых официальным Парижским салоном искусств. Впервые термин «импрессионизм» использовал критик Луи Леруа, который написал пренебрежительный отзыв в журнале «Le Charivari» о выставке художников. В качестве основы для термина он взял картину Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Всех художников он обозвал импрессионистами, что можно примерно перевести, как «впечатленцы». Первое время картины действительно подвергались критике, однако вскоре в салон стало приходить всё больше и больше поклонников нового направления в искусстве, а сам жанр из отверженного превратился в признанный.

Стоит отметить, что художники конца XIX века во Франции придумали новую стилистику не на пустом месте. За основу они взяли техники живописцев прошлого, в том числе художников Эпохи Возрождения. Такие живописцы, как Эль Греко, Веласкес, Гойя, Рубенс, Тёрнер и другие задолго до возникновения импрессионизма пытались передавать настроение картины, живость природы, особую выразительность погоды при помощи различных промежуточных тонов, ярких или наоборот тусклых мазков, которые были похожи на абстрактные вещи. В своих картинах они использовали это вполне умеренно, поэтому необычная техника не бросалась в глаза зрителю. Импрессионисты же решили взять эти методы изображения в качестве основы для своих произведений.

Ещё одной специфической особенностью произведений импрессионистов является некая поверхностная будничность, которая однако содержит в себе неимоверную глубину. Они не пытаются выразить каких-то глубоких философских тем, мифологических или религиозных задач, исторических и важных событий. Картины художников этого направления по своей сути простые и повседневные — пейзажи, натюрморты, люди которые идут по улице или занимаются своими обычными делами и так далее. Именно такие моменты, где отсутствует излишняя тематичность, которая отвлекает человека, чувства и эмоции от увиденного выходят на первый план. Также импрессионисты, по крайней мере в начале своего существования, не изображали «тяжёлых» тем — бедности, войн, трагедий, страданий и так далее. Картины импрессионистов чаще всего — это максимально позитивные и радостные произведения, где присутствует много света, ярких красок, сглаженная светотень, плавные контрасты. Импрессионизм — это приятное впечатление, радость от жизни, красота каждого мгновения, наслаждение, чистота, искренность.

Самыми известными импрессионистами стали такие великие художники, как , Клод Моне, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро и многие другие.

Не знаете где купить настоящий варган? Самый большой выбор вы сможете найти на сайте khomus.ru . Широкий ассортимент этнических музыкальных инструментов в Москве.

Альфред Сислей — Лужайки весной

Камиль Писсарро — Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно.

Для меня стиль импрессионизм это прежде всего что-то воздушное, эфемерное, неумолимо ускользающее. Это то потрясающее мгновение, которое глаз едва успевает зафиксировать и которое потом надолго остается в памяти как миг наивысшей гармонии. Мастера импрессионизма славились именно умением с легкостью перенести этот момент прекрасного на холст, наделив его осязаемыми ощущениями и тонкими вибрациями, которые со всей реальностью возникают при взаимодействии с картиной. Когда смотришь работы выдающихся художников этого стиля всегда остается некое послевкусие настроения.

Импрессионизм (от impression — впечатление) — это направление в искусстве, зародившееся во Франции в конце 1860-х годов. Его представители стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Особое внимание уделялось передаче цвета и света.

Слово «импрессионизм » происходит от названия картины Моне Впечатление. Восход солнца, представленной на выставке 1874 года. Малоизвестный журналист Луи Леруа в своей журнальной статье обозвал художников «импрессионистами» для выражения своего пренебрежения. Однако, название прижилось и потеряло свой первоначальный отрицательный смысл.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 года в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего - 165 работ. Молодых художников упрекали в «незаконченности» и «неряшливости живописи», отсутствии вкуса и смысла в их работах, «покушении на истинное искусство», мятежных настроениях и даже аморальности.

Ведущие представители импрессионизма – , Альфред Сислей и Фредерик Базиль. Вместе с ними выставляли свои картины Эдуард Мане и . К импрессионистам также причисляют , Хоакина Соролья, .

Пейзажи и сцены из городской жизни – пожалуй, наиболее характерные жанры импрессионистической живописи – писались «на пленэре», т.е. непосредственно с натуры, а не на основе эскизов и подготовительных набросков. Импрессионисты пристально всматривались в натуру, замечая цвета и оттенки, обычно невидимые, например синий в тенях.

Их художественный метод состоял в разложении сложных тонов на составляющие их чистые цвета спектра. Получались цветные тени и чистая светлая трепетная живопись. Импрессионисты накладывали краски отдельными мазками, иногда используя контрастные тона на одном участке картины. Основная черта картин импрессионистов – эффект живого мерцания красок.

Для передачи изменений цвета предмета импрессионисты стали предпочитали использовать цвета, взаимно усиливающие друг друга: красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и голубой. Эти же цвета создают эффект последовательного контраста. Например, если мы будем некоторое время смотреть на красный цвет, а затем переведем взгляд на белый, то он покажется нам зеленоватым.

Импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого художники сосредотачиваются на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения. Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая острые социальные проблемы.

Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах. Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь — это сплошная череда маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении.

Импрессионизм оставил богатое наследие в живописи. В первую очередь это интерес к проблемам цвета и нестандартным техникам. Импрессионизм выразил стремление к обновлению художественного языка и разрыву с традицией, как протесту против кропотливой техники мастеров классической школы. Ну а мы с вами можем сейчас любоваться этими великолепными произведениями выдающихся художников.

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme , от impression – впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приёмов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений

Задачей художника в то время было максимально правдоподобное изображение реальности, не показывающее субъективные ощущения художника. Если ему заказывали парадный портрет — то нужно было показать заказчика в выгодном свете: без уродств, глупого выражения лица и т.п. Если религиозный сюжет — то нужно было вызвать ощущение благоговения и изумления. Если пейзаж — то показать красоту природы. Однако если художник презирал богача, который заказал портрет, или был неверующим, то выбора не было и оставалось только вырабатывать свою уникальную технику и надеяться на удачу. Однако во второй половине девятнадцатого века начала активно развиваться фотография и реалистическая живопись начала постепенно уходить в сторону, так как даже тогда было крайне сложно передать реальность настолько правдоподобно, как и на фотографии.

Во многом с появлением импрессионистов стало ясно, что искусство может представлять ценность, как субъективное представление автора. Ведь каждый человек воспринимает реальность по разному и реагирует на неё тоже по-своему. Тем интереснее посмотреть, как в глазах разных людей отражается действительность и какие эмоции они при этом испытывают.

У художника появилось невероятное количество возможностей для самовыражения. Более того, само по себе самовыражение стало гораздо свободнее: взять нестандартный сюжет, тему, рассказать что-то кроме религиозных или исторических тем, использовать свою уникальную технику и т.д. Например импрессионисты хотели выразить мимолётное впечатление, первую эмоцию. Именно поэтому их работы расплывчаты и как будто недоработаны. Это делалось для того, чтобы показать мнгновенное впечатление, когда ещё объекты не оформились в сознании и видны только лёгкие переливы света, полутона и расплывчатые контуры. Близорукие люди меня поймут) представьте, что вы ещё не разглядели предмет целиком, видите его издалека или просто не вглядываетесь, но уже сформировать о нём какое то впечатление. Если попытаться это изобразить, то вполне вероятно у вас получится что то вроде картин импрессионистов. Что то роде наброска. Потому и получилось, что для импрессионистов важнее было не то что изображено, а как.

Основными представителями этого жанра в живописи были: Моне, Мане, Сислей, Дега, Ренуар, Сезанн. Отдельно нужно отметить Умльяма Тёрнера, как их предшественника.

Говоря о сюжете:

Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая социальные проблемы, в том числе такие как голод, болезни, смерть. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.

Цветовые схемы

Импрессионисты уделяли огромное внимание цвету, принципиально отказываясь от мрачных оттенков, особенно от чёрного. Такое внимание к колористике своих работ вывело цвет сам по себе на очень важное место в картине и подтолкнуло дальнейшие поколения художников и дизайнеров внимательно относиться к цвету как к таковому.

Композиция

Композиция у импрессионистов напоминала японскую живопись, использовались сложные композиционные схемы, другие каноны (не золотое сечение или центр). В целом строение картины стало чаще ассиметричным, более сложным и интересным с этой точки зрения.

Композиция у импрессионистов стала иметь более самостоятельное значение, она стала одним из предметов живописи, в отличие от классической, где она несла чаще (но не всегда) роль схемы, по которой строилось любое произведение. В конце 19 века стало понятно, что это тупик, и композиция сама по себе может нести определённые эмоции и поддерживать сюжет картины.

Предтечи

Эль Греко — потому что использовал похожие техники в нанесении краски и цвет у него приобретал символическое значение. Также он отличился очень оригинальной манерой, индивидуальностью, к чему также стремились импрессионисты.

Японская гравюра — потому что приобрела большую популярность в Европе тех лет и показала, что картина может строится совсем по другим правилам, нежели классическим канонам европейского искусства. Это касается композиции, использования цвета, деталировки и т.п. Также в японских и вообще восточных рисунках и гравюрах гораздо чаще изображались бытовые сцены, чего почти не было в европейском искусстве.

Значение

Импрессионисты оставили яркий след в мировом искусстве, разработав уникальные техники письма и оказав огромное влияние на все последующие поколения художников своими яркими и запоминающимися работами, протестом по отношению к классической школе и уникальной работе с цветом.Стремясь к максимальной непосредственности и точности в передаче зримого мира, они стали писать преимущественно на открытом воздухе и подняли значение этюда с натуры, почти вытеснившего традиционный тип картины, тщательно и неспешно создаваемой в мастерской.

Последовательно просветляя свою палитру, импрессионисты освободили живопись от землистых и коричневых лаков и красок. Условная, «музейная» чернота в их полотна уступает место бесконечно многообразной игре рефлексов и цветных теней. Они неизмеримо расширили возможности изобразительного искусства, открыв не только мир солнца, света и воздуха, но также красоту лондонских туманов, беспокойную атмосферу жизни большого города, россыпь его ночных огней и ритм непрестанного движения.

В силу самого метода работы на пленэре пейзаж, в том числе открытый ими городской пейзаж, занял в искусстве импрессионистов очень важное место. Не следует, однако, полагать, что живописи их было свойственно только «пейзажное» восприятие действительности, в чем их нередко упрекали. Тематический и сюжетный диапазон их творчества был достаточно широк. Интерес к человеку, и в особенности к современной жизни Франции, в широком смысле был присущ ряду представителей этого направления. Его жизнеутверждающий, демократический в своей основе пафос отчетливо противостоял буржуазному миропорядку.

Вместе с тем импрессионизм и, как мы увидим далее, постимпрессионизм — это две стороны, или, вернее, два последовательных временных этапа того коренного перелома, который положил рубеж между искусством Нового и Новейшего времени. В этом смысле импрессионизм, с одной стороны, завершает развитие всего после ренессансного искусства, ведущим принципом которого было отражение окружающего мира в зрительно достоверных формах самой действительности, а с другой — является началом крупнейшего после Ренессанса переворота в истории изобразительного искусства, заложившего основы качественно нового его этапа —

искусства ХХ века.