الرومانسية (الرومانسية الفرنسية) ، وهي حركة أيديولوجية وفنية في الثقافة الأوروبية والأمريكية في أواخر القرن الثامن عشر وأوائل القرن التاسع عشر. ولدت كرد فعل على عقلانية وآلية جماليات الكلاسيكية وفلسفة التنوير ، التي تأسست خلال الانهيار الثوري للنظام العالمي القديم ، عارضت الرومانسية النفعية واستواء الفرد مع التطلع إلى حرية غير محدودة و اللامتناهي ، التعطش إلى الكمال والتجديد ، شفقة الاستقلال الشخصي والمدني.

شكّل الخلاف المؤلم بين المثالي والواقع أساس النظرة الرومانسية للعالم. إن تأكيده المتأصل على القيمة الذاتية للحياة الإبداعية والروحية للإنسان ، وتصوير العواطف القوية ، وإضفاء الروحانية على الطبيعة ، والاهتمام بالماضي القومي ، والرغبة في أشكال الفن التركيبية ، مجتمعة مع دوافع حزن العالم ، الرغبة في استكشاف وإعادة خلق "الظل" ، الجانب "الليلي" من الروح البشرية ، مع "السخرية الرومانسية" الشهيرة ، والتي سمحت للرومانسيين بمقارنة ومقارنة المرتفع والمنخفض ، المأساوي والكوميدي ، الحقيقي والرائع. في العديد من البلدان ، اكتسبت الرومانسية في كل مكان هوية وطنية مشرقة ، بسبب التقاليد والظروف التاريخية المحلية.

تم تطوير المدرسة الرومانسية الأكثر اتساقًا في فرنسا ، حيث قام الفنانون ، بإصلاح نظام الوسائل التعبيرية ، بإضفاء الديناميكية على التكوين ، وجمع الأشكال مع حركة عنيفة ، واستخدموا لونًا مشبعًا مشرقًا وأسلوبًا واسعًا ومعممًا للكتابة (رسم بواسطة T. Gericault ، E . Delacroix، O. Daumier، plastic - PJ David d "Angers، AL Bari، F. Ryd). في ألمانيا والنمسا ، تتميز الرومانسية المبكرة بالاهتمام الوثيق بكل شيء فردي حاد ، ونغمة تأملية حزينة للهيكل العاطفي المجازي ، أمزجة صوفية - وحدة الوجود (صور وتركيبات مجازية لـ FO Runge ، مناظر طبيعية لـ KD Friedrich و JA Koch) ، الرغبة في إحياء الروح الدينية للرسم الألماني والإيطالي في القرن الخامس عشر (عمل الناصريين) ؛ فن بيدرمير (إبداع إل ريختر ، ك. سبيتزويج ، إم فون شويند ، إف جي والدمولير).

في المملكة المتحدة ، تشتهر المناظر الطبيعية لجيه كونستابل ور. فوسيلي ، التعلق بثقافة العصور الوسطى وعصر النهضة المبكر - عمل أسياد حركة ما قبل الرفائيلية الرومانسية المتأخرة (دي جي روسيتي ، إي بورن جونز ، دبليو موريس وفنانين آخرين). في العديد من بلدان أوروبا وأمريكا ، كانت الحركة الرومانسية ممثلة بالمناظر الطبيعية (اللوحات التي رسمها جيه إنيس وآي بي رايدر في الولايات المتحدة الأمريكية) ، مؤلفات عن موضوعات الحياة والتاريخ الشعبيين (إبداع إل جالي في بلجيكا ، ج. في جمهورية التشيك ، و V. Madaras في المجر ، و P. Michalovsky و J.Matejko في بولندا وأساتذة آخرون).

كان المصير التاريخي للرومانسية معقدًا وغامضًا. تميزت بعض الاتجاهات الرومانسية أو غيرها بعمل أساتذة أوروبيين كبار في القرن التاسع عشر - فنانو مدرسة باربيزون ، ك. كوروت ، جي كوربيت ، ج. Millet ، E. Manet في فرنسا ، A. von Menzel في ألمانيا ورسامون آخرون. في الوقت نفسه ، وجدت الاستعارة المعقدة وعناصر التصوف والخيال ، المتأصلة أحيانًا في الرومانسية ، استمرارية في الرمزية ، جزئيًا في فن ما بعد الانطباعية والأسلوب الحديث.

تم إعداد البيانات المرجعية والسيرة الذاتية لمعرض Small Bay Planet الفني على أساس مواد من تاريخ الفن الأجنبي (تم تحريره بواسطة MT Kuzmina ، N.L. Maltseva) ، والموسوعة الفنية للفنون الكلاسيكية الأجنبية ، والموسوعة الروسية العظمى.

في أواخر القرن الثامن عشر وأوائل القرن التاسع عشر ، فقدت أفكار الكلاسيكية والتنوير جاذبيتها وأهميتها. الجديد ، الذي ، استجابة للأساليب التقليدية للكلاسيكية والنظريات الاجتماعية الأخلاقية لعصر التنوير ، تحول إلى الإنسان ، عالمه الداخلي ، واكتسب القوة وسيطر على العقول. انتشرت الرومانسية على نطاق واسع في جميع مجالات الحياة الثقافية والفلسفة. سعى الموسيقيون والفنانون والكتاب في أعمالهم إلى إظهار المصير العالي للإنسان وعالمه الروحي الغني وعمق المشاعر والتجارب. من الآن فصاعدًا ، أصبح الشخص ذو النضال الداخلي والسعي الروحي والخبرات ، وليس الأفكار "غير الواضحة" للرفاهية والازدهار العامين ، الموضوع السائد في الأعمال الفنية.

الرومانسية في الرسم

ينقل الرسامون عمق الأفكار وخبراتهم الشخصية من خلال الإنشاء بمساعدة التكوين واللون واللهجات. كان لدول أوروبا المختلفة خصائصها الخاصة في تفسير الصور الرومانسية. هذا يرجع إلى التيارات الفلسفية ، فضلاً عن الوضع الاجتماعي والسياسي ، الذي كان الفن استجابة حية له. اللوحة لم تكن استثناء. تنقسم ألمانيا إلى إمارات ودوقيات صغيرة ، ولم تشهد اضطرابات اجتماعية خطيرة ، ولم يصنع الفنانون لوحات ضخمة تصور أبطالًا عملاقين ، وهنا العالم الروحي العميق للإنسان ، وجماله وعظمته ، والمهام الأخلاقية التي أثارت الاهتمام. لذلك ، يتم تمثيل الرومانسية في الرسم الألماني بشكل كامل في الصور الشخصية والمناظر الطبيعية. تعتبر أعمال Otto Runge أمثلة كلاسيكية لهذا النوع. في اللوحات التي رسمها الرسام ، من خلال دراسة دقيقة لسمات الوجه والعينين ، من خلال تباين الضوء والظل ، يتم نقل رغبة الفنان لإظهار التناقض في الشخصية وقوتها وعمق الشعور. من خلال المناظر الطبيعية ، وهي صورة رائعة ومبالغ فيها بعض الشيء للأشجار والزهور والطيور ، حاول الفنان أيضًا اكتشاف تنوع شخصية الإنسان وتشابهه مع الطبيعة والمتنوع وغير المعروف. الممثل البارز للرومانسية في الرسم كان رسام المناظر الطبيعية ك.دي.فريدريش ، الذي أكد على قوة وقوة الطبيعة والمناظر الطبيعية للجبال والبحر ، بما يتوافق مع الإنسان.

تطورت الرومانسية في الرسم الفرنسي وفقًا لمبادئ أخرى. تجلت الاضطرابات الثورية والحياة الاجتماعية المضطربة في الرسم من خلال انجذاب الفنانين نحو تصوير موضوعات تاريخية ورائعة ، مع شفقة وإثارة "عصبية" ، والتي تحققت من خلال تباين الألوان الزاهية ، والتعبير عن الحركات ، وبعض العشوائية ، والعفوية في التكوين. يتم تقديم الأفكار الرومانسية الأكثر اكتمالا وحيوية في أعمال T. Gericault و E. Delacroix. استخدم الفنانون اللون والضوء ببراعة ، وخلقوا عمقًا نابضًا من المشاعر ، ودافعًا ساميًا للنضال والحرية.

الرومانسية في الرسم الروسي

استجاب الفكر الاجتماعي الروسي بوضوح شديد للاتجاهات والتيارات الجديدة الناشئة في أوروبا. ثم الحرب مع نابليون - تلك الأحداث التاريخية المهمة التي أثرت بشكل خطير على عمليات البحث الفلسفية والثقافية للمثقفين الروس. تم تمثيل الرومانسية في الرسم الروسي في ثلاثة مناظر طبيعية رئيسية ، الفن الضخم ، حيث كان تأثير الكلاسيكية قويًا جدًا ، وكانت الأفكار الرومانسية متشابكة بشكل وثيق مع الشرائع الأكاديمية.

في بداية القرن التاسع عشر ، تم إيلاء المزيد والمزيد من الاهتمام لصورة المثقفين المبدعين والشعراء والفنانين في روسيا ، وكذلك الناس العاديين والفلاحين. حاول Kiprensky و Tropinin و Bryullov بحب كبير إظهار عمق وجمال شخصية الشخص ، من خلال المظهر ، وتحويل الرأس ، وتفاصيل الزي للتعبير عن المسعى الروحي ، والطبيعة المحبة للحرية لـ "عارضاتهم" . الاهتمام الكبير بشخصية الشخص ، ومكانته المركزية في الفن ساهمت في ازدهار نوع الصورة الذاتية. علاوة على ذلك ، لم يرسم الفنانون صورًا ذاتية حسب الطلب ، لقد كان دافعًا إبداعيًا ، نوعًا من التقرير الذاتي للمعاصرين.

كما تميزت المناظر الطبيعية في أعمال الرومانسيين بأصالتها. تعكس الرومانسية في الرسم مزاج الشخص وتنقله ، يجب أن يكون المشهد منسجمًا معه. لهذا السبب حاول الفنانون إظهار الطبيعة المتمردة للطبيعة وقوتها وعفويتها. أورلوفسكي ، ششيدرين ، التي تصور البحر ، والأشجار العظيمة ، وسلاسل الجبال ، من ناحية ، تنقل جمال المناظر الطبيعية الحقيقية وتعدد ألوانها ، من ناحية أخرى ، خلقت مزاجًا عاطفيًا معينًا.

يتكون فن الرومانسية في الجدل مع الكلاسيكية. في الجانب الاجتماعي ، يرتبط ظهور الرومانسية بالثورة الفرنسية الكبرى في القرن الثامن عشر ؛ فهي تظهر كرد فعل للحماس العام حول بدايتها ، ولكن أيضًا كخيبة أمل عميقة في قدرات الشخص عند هزيمتها. علاوة على ذلك ، تم اعتبار الرومانسية الألمانية فيما بعد نسخة غير دموية من الثورة الفرنسية.

كحركة أيديولوجية وفنية ، أعلنت الرومانسية نفسها في النصف الأول من القرن التاسع عشر. ينشأ في المقام الأول كإتجاه أدبي - هنا نشاط الرومانسيين مرتفع وناجح. الموسيقى في ذلك الوقت ليست أقل أهمية: الغناء والموسيقى الآلية والمسرح الموسيقي (الأوبرا والباليه) للرومانسية لا تزال تشكل أساس الذخيرة اليوم. ومع ذلك ، في الفنون المرئية والمكانية ، تجلت الرومانسية بشكل أقل وضوحًا في عدد الأعمال التي تم إنشاؤها وفي مستواها. تصل اللوحة الرومانسية إلى مستوى التحف الفنية في ألمانيا وفرنسا ، وتتخلف بقية أوروبا عن الركب. ليس من المعتاد الحديث عن الهندسة المعمارية للرومانسية. يكشف فن البستنة فقط عن بعض الأصالة هنا ، وحتى بعد ذلك يطور الرومانسيون هنا فكرة المناظر الطبيعية الإنجليزية ، أو الحديقة الطبيعية. هناك أيضًا مكان لبعض الميول الرومانسية القوطية الجديدة التي رأت فنها في السلسلة: القوطية - الباروكية - الرومانسية. هناك الكثير من هؤلاء القوطيين الجدد في البلدان السلافية.

الفنون الجميلة للرومانسية

في القرن الثامن عشر. مصطلح "رومانسي" يعني "غريب" ، "رائع" ، "رائع". من السهل أن نرى أن الكلمات "romance" ، "roman" (فارس) قريبة جدًا من الناحية الاشتقاقية.

في القرن 19 تم تفسير المصطلح على أنه اسم للحركة الأدبية ، عكس الكلاسيكية في إعداداتها.

في الفنون البصرية ، تجلت الرومانسية بشكل مثير للاهتمام في الرسم والرسم ، وبشكل أقل وضوحًا في النحت. تطورت مدرسة الرومانسية الأكثر اتساقًا في فرنسا ، حيث كان هناك صراع عنيد ضد الدوغمائية والعقلانية المجردة في الفن الرسمي بروح الكلاسيكية الأكاديمية. كان مؤسس المدرسة الرومانسية للرسم ثيودور جريكولت (1791-1824). لقد درس مع أساتذة الكلاسيكية ، ولكن بعد أن احتفظ من الكلاسيكية بميل إلى الصور البطولية المعممة ، عبر Gericault لأول مرة في رسم إحساس بصراع العالم ، ورغبة في التعبير التعبيري عن الأحداث الهامة في عصرنا . تكشف الأعمال الأولى للفنان بالفعل عن عاطفية عالية ، "عصب" عصر الحروب النابليونية ، حيث كان هناك الكثير من التبجح ("ضابط حراس خيول الحرس الإمبراطوري ، يقوم بالهجوم" ، "الدرع المصاب يغادر ساحة المعركة"). يتسمون بموقف مأساوي ، شعور بالارتباك. لم يختبر أبطال الكلاسيكية مثل هذه المشاعر أو لم يعبروا عنها علنًا ولم يجمّلوا اليأس والارتباك والكآبة. تم رسم اللوحات الخلابة للفنانين الرومانسيين ديناميكيًا ، وتهيمن على التلوين نغمة داكنة ، تنبض بالحياة من خلال لمسات لونية مكثفة ، وضربات غير متقنة.

ينشئ Gericault صورة ديناميكية بشكل لا يصدق لـ "تشغيل الخيول المجانية في روما". هنا يبرع في إقناع نقل الحركة لكل الفنانين السابقين. واحدة من الأعمال الرئيسية لجريكو هي لوحة "طوافة ميدوسا". في ذلك ، يصور حقائق حقيقية ، ولكن بقوة التعميم هذه التي لم يرها المعاصرون فيها صورة حطام سفينة معينة ، ولكن أوروبا بأكملها في حالة يأس. وقليل من الأشخاص الأكثر إصرارًا يواصلون النضال من أجل البقاء. يظهر الفنان مجموعة معقدة من المشاعر الإنسانية - من اليأس الكئيب إلى انفجار عاصف للأمل. يتم تحديد ديناميكيات هذه اللوحة القماشية من خلال التكوين القطري ، والنمذجة المذهلة للأحجام ، والتغيرات المتناقضة في الضوء والظل.

نجح Gericault في إثبات نفسه باعتباره سيدًا في نوع الصور الشخصية. يعمل هنا أيضًا كمبتكر ، حيث يحدد الخصائص التصويرية لنوع الصور الشخصية. في "بورتريه ديلاكروا البالغ من العمر عشرين عامًا" وفي الصور الذاتية ، يتم التعبير عن فكرة الفنان الرومانسي كمبدع مستقل ، عن شخصية مشرقة وعاطفية. لقد أرسى الأسس للصورة الرومانسية ، التي أصبحت فيما بعد واحدة من أكثر الأنواع الرومانسية نجاحًا.

انضم Gericault أيضًا إلى المناظر الطبيعية. أثناء سفره في جميع أنحاء إنجلترا ، أذهله مظهرها وأشاد بجمالها ، حيث ابتكر العديد من لوحات المناظر الطبيعية المرسومة بالزيت والألوان المائية. فهي غنية بالألوان وخفية في الملاحظة وليست غريبة عن النقد الاجتماعي. أطلق عليها الفنان اسم "الأجنحة الإنجليزية الكبيرة والصغيرة". كم هو نموذجي للرومانسية أن تسمي الدورة التصويرية مصطلحًا موسيقيًا!

لسوء الحظ ، كانت حياة Gericault قصيرة ، لكنه وضع الأساس لتقليد مجيد.

منذ عشرينيات القرن التاسع عشر أصبح رأس الرسامين الرومانسيين فرديناند فيكتور يوجين ديلاكروا (1798-1863). لقد شهد تأثيرًا قويًا لـ Gericault ، الذي كان معه أصدقاء من مقعد الطالب. درس رسم الأساتذة القدامى ، وخاصة روبنز. سافر حول إنجلترا ، وكان مفتونًا بلوحة كونستابل. يمتلك ديلاكروا مزاجًا عاطفيًا وخيالًا إبداعيًا قويًا وكفاءة عالية. من الخطوات الأولية في المجال المهني ، يتبع Delacroix بحزم الرومانسيين. كانت اللوحة الأولى التي عرضها لدانتي وفيرجيل في قارب يعبر Styx ("قارب دانتي"). الصورة مليئة بالمأساة والشفقة القاتمة. مع اللوحة التالية ، "مذبحة خيوس" ، استجاب لأحداث حقيقية تتعلق بمعاناة الإغريق من نير تركيا. وهنا عبّر علانية عن موقفه السياسي ، وانحاز إلى جانب اليونانيين في الصراع ، الذين تعاطف معهم ، بينما كانت الحكومة الفرنسية تغازل تركيا.

أثارت اللوحة النقد السياسي والفني ، خاصة بعد أن أعاد ديلاكروا ، متأثرًا بعمل كونستابل ، كتابة اللوحة بألوان أفتح. رداً على الانتقادات ، ابتكر الفنان لوحة "اليونان على أنقاض ميسولونجي" ، حيث يشير مرة أخرى إلى الموضوع المشتعل لنضال اليونان من أجل التحرر من نير تركيا. هذه اللوحة التي رسمها ديلاكروا هي أكثر رمزية ، وهي شخصية أنثوية ذات يد مرفوعة في إيماءة إما لشتم الغزاة ، أو في دعوة للقتال ، تجسد الدولة بأكملها. يبدو أنه يستبق صورة الحرية في العمل القادم الأكثر شهرة للفنان.

بحثًا عن أبطال جدد وشخصيات قوية ، غالبًا ما يلجأ ديلاكروا إلى الصور الأدبية لشكسبير وغوته وبايرون وسكوت: "تاسو في الملجأ المجنون" ، "موت ساردانابال" ، "مقتل أسقف لييج" ؛ يصنع مطبوعات حجرية لـ "فاوست" ، "هاملت" ، للتعبير عن أدق درجات مشاعر الشخصيات ، الأمر الذي نال ثناء جوته. يقترب ديلاكروا من الرواية بالطريقة التي تعامل بها أسلافه مع الكتاب المقدس ، مما يجعله مصدرًا لا نهاية له لموضوع اللوحات.

في عام 1830 ، وتحت التأثير المباشر لثورة يوليو ، رسم ديلاكروا لوحة كبيرة "الحرية تقود الشعب" ("الحرية عند المتاريس"). فوق الشخصيات الواقعية للمشاركين في النضال الثوري ، فقيرة ، معظمها من الشباب ، مستوحاة من النضال ، تحوم امرأة رائعة ، تذكرنا بـ "عباقرة" فيرونيز. لديها لافتة في يديها ، وجهها ملهم. هذه ليست مجرد قصة رمزية للحرية بروح الكلاسيكية ، إنها رمز نبيل للاندفاع الثوري. ومع ذلك ، من المستحيل التخلي عن الشخصية الأنثوية الحية الحسية - فهي جذابة للغاية. اتضح أن الصورة معقدة وساحرة وديناميكية.

مثل الرومانسية الحقيقية ، يسافر ديلاكروا إلى بلدان غريبة: الجزائر ، المغرب. من الرحلة ، أحضر خمس لوحات ، من بينها "Lion Hunt في المغرب" ، على ما يبدو تكريما لمحبوبه روبنز.

يعمل ديلاكروا كثيرًا كمصمم ديكور ، حيث يصنع أعمالًا ضخمة في قصور بوربون ولوكسمبورغ ، الكنائس الباريسية. يواصل العمل في نوع الصور الشخصية ، حيث يصنع صورًا لأشخاص من عصر الرومانسية ، مثل F. Chopin. ينتمي الإبداع Delacroix إلى ارتفاعات الرسم في القرن التاسع عشر.

الرسم والرسومات الرومانسية الألمانية يميل إلى أن يكون عاطفيًا في الغالب. وإذا كان الأدب الرومانسي الألماني يشكل حقًا حقبة كاملة ، فلا يمكنك قول الشيء نفسه عن الفنون المرئية: في الأدب كان هناك "عاصفة وهجوم" ، وفي الفنون البصرية - إضفاء الطابع المثالي على الحياة الأبوية للأسرة. بهذا المعنى ، الإبداع لودفيج ريختر (1803-1884): "نبع الغابة بالقرب من أريتشي" ، "موكب الزفاف في الربيع" ، إلخ. كما أنه يمتلك رسومات عديدة حول موضوعات القصص الخيالية والأغاني الشعبية ، تم إجراؤها بطريقة جافة نوعًا ما.

لكن هناك شخصية واحدة واسعة النطاق في الرومانسية الألمانية لا يمكن تجاوزها. هذه كاسبار ديفيد فريدريش (1774-1840). كان رسامًا للمناظر الطبيعية ودرس في أكاديمية الفنون الجميلة في كوبنهاغن. في وقت لاحق استقر في دريسدن وقام بالتدريس.

أسلوبه في المناظر الطبيعية أصلي ، واللوحات تذكر منذ الاجتماع الأول ، ويشعر فيها أن هذه مناظر طبيعية لفنان رومانسي: فهي تعبر باستمرار عن تفاصيل نظرة رومانسية للعالم. رسم مناظر طبيعية لجنوب ألمانيا وساحل البلطيق ، وصخور برية مغطاة بالغابات ، وكثبان صحراوية ، وبحر متجمد. يتواجد الناس أحيانًا في لوحاته ، لكن نادرًا ما نرى وجوههم: الشخصيات ، كقاعدة عامة ، تدير ظهورها للمشاهد. سعى فريدريش لنقل القوة الأساسية للطبيعة. لقد بحث واكتشف الانسجام بين القوى الطبيعية والحالات المزاجية البشرية والأسئلة. وعلى الرغم من أنه يعكس الحياة بدقة تامة ، إلا أن فن فريدريش ليس واقعيًا. أرعب نقاد الفن السوفييت هذا في الماضي القريب ، ولم يُكتب سوى القليل عن الفنان ، ولم يكن هناك نسخ منه تقريبًا. الآن تغير الوضع ، ويمكننا الاستمتاع بالروحانية العميقة للوحاته ، والتأمل الكئيب المنفصل عن مناظر فريدريش الطبيعية. يتم الجمع بين الإيقاع الواضح للتكوين وشدة الرسم في أعماله مع تناقضات chiaroscuro الغنية بتأثيرات الإضاءة. لكن أحيانًا يأتي فريدريش في عاطفته إلى حزن مؤلم ، شعور بهشاشة كل شيء على الأرض ، إلى ذهول نشوة صوفية. نشهد اليوم زيادة في الاهتمام بأعمال فريدريش. أنجح أعماله هي "موت ناديجدا في الجليد" و "مقبرة رهبانية تحت الثلج" و "قداس في خراب قوطي" و "غروب الشمس على البحر" وغيرها.

الخامس الرومانسية الروسية هناك الكثير من التناقض في الرسم. بالإضافة إلى ذلك ، كان يعتقد لسنوات عديدة أن الفنان الجيد هو الواقعي. ربما كان هذا هو السبب في أن الرأي القائل بأن O. Kiprensky و A. Venetsianov و V. Tropinin وحتى A. Kuindzhi هم واقعيون ، وهو ما يبدو لنا غير صحيح ، فهم رومانسيون.

تشكلت الرومانسية كإتجاه في الرسم في أوروبا الغربية في نهاية القرن الثامن عشر. وصلت الرومانسية إلى ذروتها في فن معظم دول أوروبا الغربية في عشرينيات وثلاثينيات القرن الماضي. القرن ال 19.

نشأ مصطلح "الرومانسية" نفسه من كلمة "رواية" (في القرن السابع عشر ، كانت الأعمال الأدبية المكتوبة ليس باللغة اللاتينية ، ولكن باللغات المشتقة منها - الفرنسية والإنجليزية ، إلخ) تسمى روايات. في وقت لاحق ، بدأ تسمية كل شيء غير مفهوم وغامض بالرومانسية.

كظاهرة ثقافية ، تشكلت الرومانسية من رؤية خاصة للعالم ولدت من نتائج الثورة الفرنسية. بخيبة أمل من المثل العليا لعصر التنوير ، فإن الرومانسيين ، الذين يسعون جاهدين من أجل الانسجام والنزاهة ، خلقوا مُثُلًا جمالية وقيمًا فنية جديدة. كان الهدف الرئيسي لاهتمامهم هو الشخصيات البارزة بكل تجاربهم ورغبتهم في الحرية. بطل الأعمال الرومانسية هو شخص بارز وجد نفسه ، بإرادة القدر ، في ظروف حياة صعبة.

على الرغم من أن الرومانسية نشأت على أنها احتجاج على فن الكلاسيكية ، إلا أنها كانت قريبة من هذا الفن في نواح كثيرة. كان الرومانسيون جزئيًا ممثلين للكلاسيكية مثل N. Poussin و C. Lorrain و J.O.D Ingres.

أدخل الرومانسيون في رسم السمات الوطنية الأصلية ، أي شيء كان ينقصه فن الكلاسيكيين.
كان أكبر ممثل للرومانسية الفرنسية هو T.Gericault.

ثيودور جريكولت

وُلد ثيودور جيريكو ، الرسام والنحات والفنان الفرنسي العظيم ، عام 1791 في روان لعائلة ثرية. تجلت موهبة الفنان فيه في وقت مبكر جدًا. في كثير من الأحيان ، بدلاً من حضور الفصول الدراسية في المدرسة ، جلس Géricault في الإسطبل ورسم الخيول. حتى في ذلك الوقت ، سعى ليس فقط إلى نقل السمات الخارجية للحيوانات إلى الورق ، ولكن أيضًا للتعبير عن أعصابها وشخصيتها.

بعد تخرجه من مدرسة ليسيوم عام 1808 ، أصبح جيريكولت تلميذاً للرسام الشهير آنذاك كارل فيرنيه ، الذي اشتهر بقدرته على تصوير الخيول على القماش. ومع ذلك ، فإن الفنان الشاب لم يعجبه أسلوب Vernet. سرعان ما غادر الورشة وذهب للدراسة مع رسام آخر ، ليس أقل موهبة من Vernet ، P.N Guerin. أثناء الدراسة مع اثنين من الفنانين المشهورين ، لم يواصل جيريكو تقاليدهم في الرسم. ربما ينبغي اعتبار J.A Gros و J.L David معلمين حقيقيين له.

تتميز أعمال Gericault المبكرة بحقيقة أنها قريبة من الحياة قدر الإمكان. هذه اللوحات معبرة بشكل غير عادي ومثيرة للشفقة. يظهرون المزاج الحماسي للمؤلف عند تقييم العالم من حوله. ومن الأمثلة على ذلك لوحة تسمى "ضابط إمبريال هورس رينجرز أثناء هجوم" ، تم إنشاؤها عام 1812. وقد شاهد زوار صالون باريس هذه اللوحة لأول مرة. قبلوا عمل الفنان الشاب بإعجاب ، مقدرين موهبة السيد الشاب.

تم إنشاء العمل خلال تلك الفترة من التاريخ الفرنسي ، عندما كان نابليون في أوج مجده. كان المعاصرون يعبدون عنه ، الإمبراطور العظيم ، الذي تمكن من غزو معظم أوروبا. في مثل هذه الحالة المزاجية ، وتحت انطباع انتصارات جيش نابليون ، رُسمت الصورة. تُظهر اللوحة جنديًا راكضًا على حصان. وجهه يعبر عن العزم والشجاعة والجرأة في وجه الموت. التكوين الكامل
ديناميكية وعاطفية بشكل غير عادي. يشعر المشاهد أنه هو نفسه يصبح مشاركًا حقيقيًا في الأحداث المصورة على القماش.

ستظهر شخصية الجندي الشجاع أكثر من مرة في أعمال Géricault. من بين هذه الصور ، التي تحظى باهتمام خاص ، أبطال اللوحات "ضابط Carabinieri" ، "ضابط Cuirassier قبل الهجوم" ، "Portrait of a Carabinieri" ، "Wounded Cuirassier" ، التي تم إنشاؤها في 1812-1814. وكان آخر عمل لافت للنظر أنه تم عرضه في المعرض التالي الذي أقيم في الصالون في نفس العام. ومع ذلك ، هذه ليست الميزة الرئيسية للتكوين. والأهم من ذلك أنها أظهرت التغييرات التي حدثت في الأسلوب الإبداعي للفنان. إذا انعكست المشاعر الوطنية الصادقة في لوحاته الأولى ، فعندئذ في الأعمال التي يعود تاريخها إلى عام 1814 ، تم استبدال الشفقة في تصوير الأبطال بالدراما.

ارتبط تغيير مماثل في مزاج الفنان مرة أخرى بالأحداث التي كانت تجري في ذلك الوقت في فرنسا. في عام 1812 ، هُزم نابليون في روسيا ، حيث اكتسب من معاصريه ، الذي كان يومًا ما بطلاً لامعًا ، مجد قائد عسكري فاشل ورجل فخور متعجرف. يجسد Géricault خيبة أمله في المثالية في لوحة "The Wounded Cuirassier". تصور اللوحة محاربًا جريحًا يحاول مغادرة ساحة المعركة في أسرع وقت ممكن. إنه يتكئ على صابر - وهو سلاح ربما كان يمسكه عالياً قبل بضع دقائق فقط.

كان استياء جيريكو من سياسة نابليون هو الذي أملى دخوله في خدمة لويس الثامن عشر ، الذي تولى العرش الفرنسي في عام 1814. حقيقة أنه بعد الاستيلاء الثاني على السلطة في فرنسا من قبل نابليون (فترة المائة يوم) ، ترك الفنان الشاب عمله. الوطن مع بوربون. لكن خيبة الأمل كانت تنتظره هنا أيضًا. لم يستطع الشاب أن يراقب بهدوء كيف دمر الملك كل ما تم تحقيقه في عهد نابليون. بالإضافة إلى ذلك ، في عهد لويس الثامن عشر كان هناك تكثيف لرد الفعل الإقطاعي الكاثوليكي ، تراجعت البلاد بشكل أسرع وأسرع ، وعادت إلى نظام الدولة القديم. هذا لا يمكن أن يقبله شاب ذو عقلية تقدمية. قريبًا جدًا ، الشاب ، الذي فقد إيمانه بمُثُله ، يترك الجيش بقيادة لويس الثامن عشر ، ويأخذ الفرش والدهانات مرة أخرى. لا يمكن وصف هذه السنوات بأنها مشرقة وأي شيء مميز في عمل الفنان.

في عام 1816 ، ذهب Gericault في رحلة إلى إيطاليا. بعد أن زار روما وفلورنسا ودرس روائع الأساتذة المشهورين ، فإن الفنان مغرم بالرسم الضخم. تشغل اللوحات الجدارية لمايكل أنجلو ، التي تزين كنيسة سيستين ، انتباهه بشكل خاص. في هذا الوقت ، ابتكر Gericault أعمالًا ، في نطاقها وجلالتها ، تشبه إلى حد كبير اللوحات القماشية لرسامي عصر النهضة العالي. من بينها ، أكثرها إثارة للاهتمام هي "اختطاف الحورية بواسطة القنطور" و "الرجل الذي يرمي الثور".

تظهر السمات نفسها لأسلوب السادة القدامى أيضًا في لوحة "تشغيل الخيول المجانية في روما" ، التي كُتبت حوالي عام 1817 وتمثل مسابقات الفرسان في أحد الكرنفالات التي تقام في روما. من سمات هذا التكوين أنه جمعه الفنان من رسومات طبيعية سابقة الصنع. علاوة على ذلك ، تختلف طبيعة الرسومات بشكل ملحوظ عن أسلوب العمل بأكمله. إذا كانت الأولى عبارة عن مشاهد تصف حياة الرومان - معاصري الفنانة ، ففي التكوين العام هناك صور لأبطال قدامى شجعان ، كما لو كانوا قد خرجوا من روايات قديمة. في هذا ، يتبع Gericault مسار J.L David ، الذي ، من أجل إعطاء صورة الشفقة البطولية ، قام بتغليف أبطاله بالأشكال القديمة.

بعد فترة وجيزة من رسم هذه الصورة ، عاد Gericault إلى فرنسا ، حيث أصبح عضوًا في دائرة المعارضة التي تشكلت حول الرسام هوراس فيرنيه. لدى وصوله إلى باريس ، كان الفنان مهتمًا بشكل خاص بالرسومات. في عام 1818 ، ابتكر سلسلة من المطبوعات الحجرية حول موضوع عسكري ، من بينها "العودة من روسيا". تمثل المطبوعة الحجرية الجنود المهزومين من الجيش الفرنسي وهم يتجولون في حقل مغطى بالثلج. يتم تصوير شخصيات الأشخاص المعوقين والمتعبين من الحرب بطريقة نابضة بالحياة وصادقة. لا توجد شفقة وشفقة بطولية في التكوين ، وهو ما كان نموذجيًا لأعمال Gericault المبكرة. يسعى الفنان إلى عكس الواقع الحقيقي للأشياء ، كل الكوارث التي عانى منها الجنود الفرنسيون الذين تخلى عنهم قائدهم في أرض أجنبية.

في عمل "العودة من روسيا" لأول مرة سمع موضوع صراع الإنسان مع الموت. ومع ذلك ، لم يتم التعبير عن هذا الدافع بعد بوضوح كما في أعمال Géricault اللاحقة. مثال على هذه اللوحات يمكن أن يكون لوحة تسمى "طوافة ميدوسا". تم كتابته عام 1819 وعرضه في صالون باريس في نفس العام. تصور اللوحة أشخاصًا يعانون من عنصر الماء الهائج. لا يظهر الفنان معاناتهم وعذابهم فحسب ، بل يظهر أيضًا رغبته في الخروج منتصرًا في الكفاح ضد الموت بأي ثمن.

تم تحديد مؤامرة التكوين من خلال حدث وقع في صيف عام 1816 وأثار حماس كل فرنسا. اصطدمت الفرقاطة الشهيرة "ميدوسا" بالشعاب المرجانية وغرقت قبالة سواحل إفريقيا. من بين 149 شخصًا كانوا على متن السفينة ، تمكن 15 فقط من الفرار ، من بينهم الجراح سافيني والمهندس كوريارد. عند وصولهم إلى وطنهم ، نشروا كتابًا صغيرًا يروي مغامراتهم وإنقاذهم السعيد. من هذه الذكريات ، علم الفرنسيون أن المحنة حدثت من خلال خطأ قبطان السفينة عديم الخبرة ، الذي صعد على متنها بفضل رعاية صديق نبيل.

الصور التي أنشأتها Gericault هي ديناميكية بشكل غير عادي ، وتشكيلية ومعبرة ، والتي حققها الفنان من خلال عمل طويل ومضني. من أجل تصوير الأحداث الفظيعة حقًا على القماش ، لنقل مشاعر الناس الذين يموتون في البحر ، يلتقي الفنان بشهود عيان على المأساة ، وهو يدرس لفترة طويلة وجوه المرضى الهزال الذين يعالجون في أحد المستشفيات في باريس ، وكذلك البحارة الذين تمكنوا من الفرار من حطام السفن. في هذا الوقت ، ابتكر الرسام عددًا كبيرًا من الأعمال الفنية.

كما أن البحر الهائج مليء بالمعاني العميقة ، وكأنه يحاول ابتلاع طوف خشبي هش مع الناس. هذه الصورة معبرة وديناميكية بشكل غير عادي. تم رسمه ، مثل أشكال الناس ، من الطبيعة: قام الفنان بعمل عدة رسومات تخطيطية تصور البحر أثناء عاصفة. من خلال العمل على تكوين ضخم ، لجأ Gericault مرارًا وتكرارًا إلى الرسومات المعدة مسبقًا من أجل عكس طبيعة العناصر بالكامل. لهذا تترك الصورة انطباعًا كبيرًا على المشاهد ، وتقنعه بواقعية وصدق ما يحدث.

يقدم فيلم "The Raft of the Medusa" Géricault على أنه سيد تأليف رائع. لفترة طويلة ، فكر الفنان في كيفية ترتيب الأشكال في الصورة من أجل التعبير الكامل عن نية المؤلف. تم إجراء العديد من التغييرات أثناء سير العمل. تشير الرسومات التي تسبق اللوحة إلى أن Gericault أراد في البداية تصوير نضال الناس على الطوافة مع بعضهم البعض ، لكنه تخلى لاحقًا عن مثل هذا التفسير للحدث. في الإصدار الأخير ، يمثل القماش اللحظة التي يرى فيها الأشخاص اليائسون بالفعل سفينة Argus في الأفق ويمدون أيديهم إليها. كانت آخر إضافة للصورة هي الشكل البشري الموضح أدناه ، على الجانب الأيمن من اللوحة. كانت هي اللمسة الأخيرة للتكوين ، والتي اكتسبت بعد ذلك طابعًا مأساويًا للغاية. يشار إلى أن هذا التغيير تم عندما كانت اللوحة معروضة بالفعل في الصالون.

من خلال تأثيرها وعاطفتها المتزايدة ، تذكرنا لوحة Gericault من نواح كثيرة بعمل أساتذة عصر النهضة العالي (معظمهم من مايكل أنجلو The Last Judgment) ، الذين التقى بهم الفنان أثناء سفره في إيطاليا.

حققت لوحة "طوافة الميدوزا" ، التي أصبحت تحفة فنية فرنسية ، نجاحا كبيرا في أوساط المعارضة التي رأت أنها انعكاس للمثل الثورية. للأسباب نفسها ، لم يتم قبول العمل بين أعلى النبلاء والممثلين الرسميين للفنون الجميلة في فرنسا. لهذا السبب لم تكن الدولة تشتري اللوحة في ذلك الوقت من المؤلف.

بخيبة أمل بسبب الاستقبال الذي حظي به إبداعه في المنزل ، يذهب Gericault إلى إنجلترا ، حيث يقدم عمله المفضل إلى البلاط البريطاني. في لندن ، تلقى خبراء الفن بحماس كبير اللوحة الشهيرة.

يتعامل Gericault مع الفنانين الإنجليز ، الذين يكسبونه من خلال قدرتهم على تصوير الواقع بصدق وصدق. يخصص Géricault دورة من المطبوعات الحجرية لحياة وحياة عاصمة إنجلترا ، من بينها الأعمال التي تحمل عنوان "The Great English Suite" (1821) و "The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery" (1821) من الاهتمام الأكبر. في الأخير ، صور الفنان متشرد لندن ، مما عكس الانطباعات التي تلقاها الرسام في عملية دراسة حياة الناس في أحياء الطبقة العاملة في المدينة.

تضمنت نفس الدورة المطبوعات الحجرية مثل "فلاندرز سميث" و "عند بوابات حوض السفن في أدلفين" ، حيث تقدم للمشاهد صورة عن حياة الناس العاديين في لندن. من الأشياء المهمة في هذه الأعمال صور خيول ثقيلة وذات وزن زائد. إنها تختلف بشكل ملحوظ عن تلك الحيوانات الرشيقة والرشيقة التي رسمها فنانون آخرون - معاصرو Géricault.

نظرًا لكونها في عاصمة إنجلترا ، تعمل Gericault في إنشاء ليس فقط المطبوعات الحجرية ، ولكن أيضًا اللوحات. كان من أكثر الأعمال اللافتة للنظر في هذه الفترة لوحة قماشية "سباق في إبسوم" ، تم إنشاؤها عام 1821. في الصورة ، يصور الفنان خيولًا تندفع بأقصى سرعة ، وأرجلها لا تلمس الأرض على الإطلاق. هذه التقنية الماكرة (أثبتت الصورة أن الخيول لا يمكن أن يكون لها مثل هذا الوضع من الأرجل أثناء الجري ، وهذا هو خيال الفنان) يستخدمه السيد لإعطاء ديناميكية التكوين ، لإعطاء المشاهد انطباعًا بسرعة البرق حركة الخيول. يتم تعزيز هذا الشعور من خلال النقل الدقيق لللدونة (الوضعيات والإيماءات) للشخصيات البشرية ، وكذلك استخدام تركيبات الألوان الزاهية والغنية (الأحمر ، والخليج ، والخيول البيضاء ؛ والأزرق العميق ، والأحمر الداكن ، والأبيض والأزرق والذهبي- السترات الصفراء للفرسان).

تكرر موضوع سباق الخيل ، الذي طالما جذب انتباه الرسام بتعبيره الخاص ، أكثر من مرة في الأعمال التي أنشأها Géricault بعد الانتهاء من العمل على سباق الخيل في إبسوم.

بحلول عام 1822 غادر الفنان إنجلترا وعاد إلى موطنه الأصلي فرنسا. هنا يشارك في إنشاء لوحات كبيرة ، على غرار أعمال أساتذة عصر النهضة. ومن بينها "تجارة الزنوج" و "فتح أبواب سجن محاكم التفتيش في إسبانيا". ظلت هذه اللوحات غير مكتملة - منع الموت Gericault من إكمال العمل.

تحظى الصور الشخصية بأهمية خاصة ، وينسب إنشاءها مؤرخو الفن إلى الفترة من 1822 إلى 1823. يستحق تاريخ كتاباتهم اهتمامًا خاصًا. الحقيقة هي أن هذه الصور كانت بتكليف من صديق للفنان كان يعمل طبيباً نفسياً في عيادة في باريس. كان من المفترض أن تصبح نوعًا من الرسوم التوضيحية التي توضح الأمراض العقلية المختلفة للإنسان. لذلك تم رسم صور "امرأة عجوز مجنونة" و "مجنونة" و "مجنون يتخيل نفسه قائداً". بالنسبة لسيد الرسم ، كان من المهم ليس إظهار العلامات والأعراض الخارجية للمرض ، ولكن نقل الحالة العقلية الداخلية للشخص المريض. تظهر صور مأساوية لأشخاص على اللوحات أمام المشاهد ، عيونه مليئة بالألم والحزن.

من بين صور Géricault ، هناك مكان خاص تحتلها صورة لنيجرو ، وهي موجودة حاليًا في مجموعة متحف روان. ينظر شخص حازم وقوي الإرادة إلى المشاهد من اللوحة ، مستعدًا للقتال حتى النهاية بقوى معادية له. الصورة مشرقة وعاطفية ومعبرة بشكل غير عادي. الرجل في هذه الصورة مشابه جدًا لأولئك الأبطال ذوي الإرادة القوية الذين أظهرهم Gericault سابقًا في تركيبات كبيرة (على سبيل المثال ، على قماش "The Raft of the Medusa").

لم يكن Gericault خبيرًا في الرسم فحسب ، بل كان أيضًا نحاتًا ممتازًا. كانت أعماله في هذا الشكل الفني في بداية القرن التاسع عشر هي الأمثلة الأولى للتماثيل الرومانسية. من بين هذه الأعمال ، يعد التكوين التعبيري بشكل غير عادي "حورية وساتير" ذا أهمية خاصة. الصور المجمدة أثناء الحركة تنقل بدقة ليونة جسم الإنسان.

توفي Théodore Gericault بشكل مأساوي في عام 1824 في باريس ، بعد سقوطه من حصان. كانت وفاته المبكرة مفاجأة لجميع معاصري الفنان الشهير.

شكل عمل Gericault مرحلة جديدة في تطور الرسم ليس فقط في فرنسا ، ولكن أيضًا في الفن العالمي - فترة الرومانسية. يتغلب السيد في أعماله على تأثير التقاليد الكلاسيكية. أعماله ملونة بشكل غير عادي وتعكس تنوع العالم الطبيعي. من خلال إدخال الشخصيات البشرية في التكوين ، يسعى الفنان إلى الكشف عن التجارب والعواطف الداخلية للشخص بشكل كامل وواضح قدر الإمكان.

بعد وفاة Gericault ، التقطت تقاليد فنه الرومانسي من قبل الفنان المعاصر الأصغر ، E. Delacroix.

يوجين ديلاكروا

فرديناند فيكتور يوجين ديلاكروا ، الفنان الفرنسي الشهير وفنان الجرافيك ، وريث تقاليد الرومانسية التي تطورت في أعمال جيريكولت ، ولد في عام 1798. دون التخرج من المدرسة الثانوية الإمبراطورية ، في عام 1815 ذهب ديلاكروا للدراسة مع المعلم الشهير غيران. إلا أن الأساليب الفنية للرسام الشاب لم تستوف متطلبات المعلم ، لذلك بعد سبع سنوات يتركه الشاب.

أثناء الدراسة مع Guerin ، يخصص Delacroix الكثير من الوقت لدراسة أعمال ديفيد وأساتذة الرسم في عصر النهضة. يعتبر ثقافة العصور القديمة ، التي اتبعها ديفيد أيضًا ، أساسية لتطوير الفن العالمي. لذلك ، كانت المثل الجمالية لديلاكروا هي أعمال شعراء ومفكري اليونان القديمة ، ومن بينهم الفنان الذي قدّر بشكل خاص أعمال هوميروس وهوراس وماركوس أوريليوس.

كانت الأعمال الأولى لـ Delacroix عبارة عن لوحات غير مكتملة ، حيث سعى الرسام الشاب إلى عكس صراع الإغريق مع الأتراك. ومع ذلك ، كان الفنان يفتقر إلى المهارة والخبرة لخلق صورة معبرة.

في عام 1822 ، عرض ديلاكروا أعماله في صالون باريس تحت عنوان دانتي وفيرجيل. هذه اللوحة القماشية ، ذات الألوان الزاهية والعاطفية بشكل غير عادي ، تشبه من نواح كثيرة عمل Géricault "The Raft of the Medusa".

بعد ذلك بعامين ، تم تقديم لوحة أخرى لـ Delacroix ، The Massacre at Chios ، لجمهور الصالون. كان فيه تجسيد فكرة الفنان التي طال أمدها لإظهار صراع اليونانيين مع الأتراك. يتكون التكوين العام للصورة من عدة أجزاء ، والتي تشكل مجموعات من الأشخاص يتم وضعهم بشكل منفصل ، ولكل منهم صراعه الدرامي الخاص. بشكل عام ، يعطي العمل انطباعًا عن مأساة عميقة. يتم تعزيز الشعور بالتوتر والديناميكية من خلال الجمع بين الخطوط الملساء والحادة التي تشكل شخصيات الشخصيات ، مما يؤدي إلى تغيير نسبة الشخص الذي يصوره الفنان. ومع ذلك ، ولهذا السبب بالذات تكتسب الصورة شخصية واقعية ومصداقية في الحياة.

الطريقة الإبداعية لديلاكروا ، التي تم التعبير عنها بالكامل في "مذبحة خيوس" ، بعيدة كل البعد عن الأسلوب الكلاسيكي الذي تم قبوله آنذاك في الدوائر الرسمية في فرنسا وبين ممثلي الفنون الجميلة. لذلك قوبلت صورة الفنانة الشابة بانتقادات حادة في الصالون.

على الرغم من الفشل ، يظل الرسام وفيا لمثله الأعلى. في عام 1827 ، ظهر عمل آخر مكرس لموضوع نضال الشعب اليوناني من أجل الاستقلال - "اليونان على أنقاض ميسولونغي". صورة امرأة يونانية حازمة وفخورة على القماش تجسد هنا اليونان غير المهزومة.

في عام 1827 ، أجرى ديلاكروا عملين يعكسان البحث الإبداعي للماجستير في مجال وسائل وأساليب التعبير الفني. هذه هي لوحات "موت ساردانابالوس" و "مارينو فالييرو". في أولهما مأساة الوضع تنتقل في حركة الشخصيات البشرية. فقط صورة ساردانابال نفسه ثابتة وهادئة هنا. في تكوين "مارينو فالييرو" فقط شخصية الشخصية الرئيسية هي ديناميكية. بدا أن بقية الأبطال قد تجمدوا في حالة رعب من فكرة ما على وشك الحدوث.

في العشرينات. القرن ال 19 أجرى ديلاكروا عددًا من الأعمال ، تم أخذ حبكاتها من الأعمال الأدبية الشهيرة. في عام 1825 زار الفنان إنجلترا ، مسقط رأس ويليام شكسبير. في نفس العام ، وتحت انطباع هذه الرحلة ومأساة الكاتب المسرحي الشهير ديلاكروا ، تم عمل الطباعة الحجرية "ماكبث". في الفترة من 1827 إلى 1828 ، ابتكر مطبوعة حجرية "فاوست" ، مكرسة لعمل غوته الذي يحمل نفس الاسم.

فيما يتعلق بالأحداث التي وقعت في فرنسا عام 1830 ، قدم ديلاكروا لوحة "Liberty Leading the People". يتم تقديم فرنسا الثورية في صورة شابة ، قوية ، مستبدة ، حازمة ومستقلة ، تقود بجرأة الحشد ، حيث تبرز شخصيات عاملة ، طالبة ، جندي جريح ، أمينة باريسية (صورة توقعت Gavroche ، الذي ظهر لاحقًا في Les Misérables بواسطة V. Hugo).

اختلف هذا العمل بشكل ملحوظ عن الأعمال المماثلة لفنانين آخرين كانوا مهتمين فقط بالنقل الصادق لحدث ما. تميزت اللوحات التي أنشأتها Delacroix بشعور بطولي شديد. الصور هنا هي رموز عامة لحرية واستقلال الشعب الفرنسي.

مع وصول لويس فيليب إلى السلطة - البطولة الملكية البرجوازية والمشاعر النبيلة التي بشر بها ديلاكروا ، لم يكن هناك مكان في الحياة الحديثة. في عام 1831 قام الفنان برحلة إلى البلدان الأفريقية. سافر إلى طنجة ومكناس ووهران والجزائر العاصمة. في نفس الوقت ، يزور ديلاكروا إسبانيا. تسحر حياة الشرق حرفياً الفنان بتدفقها السريع. يقوم بإنشاء الرسومات التخطيطية والرسومات وعدد من أعمال الألوان المائية.

بعد زيارة المغرب ، يرسم ديلاكروا لوحات مخصصة للشرق. اللوحات ، التي يعرض فيها الفنان سباقات الخيول أو معركة المور ، ديناميكية ومعبرة بشكل غير عادي. بالمقارنة معهن ، تبدو تركيبة "الجزائريات في غرفهن" ، التي تم إنشاؤها عام 1834 ، هادئة وثابتة. ليس لديها تلك الديناميكية المتهورة والتوتر المتأصل في أعمال الفنان السابقة. يظهر ديلاكروا هنا كسيد للون. يعكس نظام الألوان الذي يستخدمه الرسام في مجمله التنوع اللامع للوحة الألوان ، التي يربطها المشاهد بألوان الشرق.

تتميز لوحة "الزفاف اليهودي في المغرب" ، المكتوبة عام 1841 تقريبًا ، بنفس البطء والقياس ، حيث يتم خلق جو شرقي غامض بفضل تقديم الفنان الدقيق لأصالة الداخل الوطني. يبدو التكوين ديناميكيًا بشكل مدهش: يوضح الرسام كيف يصعد الناس السلالم ويدخلون الغرفة. الضوء الذي يدخل الغرفة يجعل الصورة واقعية ومقنعة.

كانت الزخارف الشرقية لا تزال موجودة في أعمال Delacroix لفترة طويلة. لذلك ، في المعرض الذي نُظم في الصالون عام 1847 ، من بين ستة أعمال قدمها ، خصصت خمسة أعمال لحياة الشرق.

في 30-40s. في القرن التاسع عشر ، ظهرت موضوعات جديدة في أعمال ديلاكروا. في هذا الوقت ، يقوم السيد بإنشاء أعمال من الموضوعات التاريخية. من بينها ، تستحق اللوحات القماشية "احتجاج ميرابو ضد حل مجلس الدولة" و "Boissy d'Angles" اهتمامًا خاصًا. يُعد الرسم التخطيطي لهذا الأخير ، الذي عُرض في عام 1831 في الصالون ، مثالًا حيًا على المؤلفات التي تدور حول موضوع انتفاضة شعبية.

خصصت لوحات "معركة بواتييه" (1830) و "معركة تايبور" (1837) لصورة الناس. مع كل الواقعية ، تظهر هنا ديناميات المعركة ، وحركة الناس ، وغضبهم ، وغضبهم ومعاناتهم. يسعى الفنان إلى نقل مشاعر وعواطف الشخص الذي استحوذت عليه الرغبة في الفوز بأي ثمن. إن شخصيات الأشخاص هي الشخصيات الرئيسية في نقل الطبيعة الدرامية للحدث.

في كثير من الأحيان في أعمال Delacroix ، يتعارض الفائز والمهزوم بشدة مع بعضهما البعض. يظهر هذا بشكل واضح بشكل خاص على قماش "القبض على القسطنطينية من قبل الصليبيين" ، الذي كتب عام 1840. يظهر في المقدمة مجموعة من الناس تغلب عليهم الحزن. وخلفهم منظر جميل وساحر بجماله. وُضِعت هنا أيضًا شخصيات الفرسان المنتصرين ، الذين تتناقض صورهم الظلية الهائلة مع الشخصيات الحزينة في المقدمة.

يقدم فيلم "الاستيلاء على القسطنطينية من قبل الصليبيين" ديلاكروا باعتباره رسامًا ملونًا رائعًا. ومع ذلك ، فإن الألوان الزاهية والمشبعة لا تعزز البداية المأساوية ، والتي يتم التعبير عنها من خلال شخصيات حزينة تقع بالقرب من العارض. على العكس من ذلك ، تخلق اللوحة الغنية إحساسًا بعطلة مرتبة على شرف الفائزين.

لا تقل الألوان عن تكوين "Justice of Trajan" ، الذي تم إنشاؤه في نفس عام 1840. وقد أدرك معاصرو الفنان هذه الصورة باعتبارها واحدة من أفضل اللوحات الفنية للرسام. من الأمور ذات الأهمية الخاصة حقيقة أنه أثناء العمل ، يتم إجراء تجارب الماجستير في مجال الألوان. حتى الظلال تأخذ منه مجموعة متنوعة من الظلال. كل ألوان التكوين تتوافق تمامًا مع الطبيعة. سبق تنفيذ العمل ملاحظات طويلة للرسام للتغييرات في الظلال في الطبيعة. الفنان أدخلهم في يومياته. بعد ذلك ، وفقًا للملاحظات ، أكد العلماء أن الاكتشافات التي قدمتها Delacroix في مجال اللونية كانت متوافقة تمامًا مع عقيدة اللون التي ولدت في ذلك الوقت ، والتي كان مؤسسها E. Chevreul. بالإضافة إلى ذلك ، يقارن الفنان اكتشافاته باللوحة التي استخدمتها مدرسة البندقية ، والتي كانت مثالًا لمهارة الرسم بالنسبة له.

تحتل اللوحات مكانة خاصة بين لوحات ديلاكروا. نادرا ما تحول السيد إلى هذا النوع. لم يرسم إلا أولئك الأشخاص الذين عرفهم لفترة طويلة ، والذين حدث تطورهم الروحي أمام الفنان. لذلك ، فإن الصور في الصور معبرة وعميقة للغاية. هذه صور شوبان وجورج ساند. تصور اللوحة المخصصة للكاتبة الشهيرة (1834) امرأة نبيلة وقوية الإرادة تسعد معاصريها. تمثل صورة شوبان ، المرسومة بعد أربع سنوات ، في عام 1838 ، صورة شعرية وروحية للملحن العظيم.

صورة مثيرة للاهتمام ومعبرة بشكل غير عادي لعازف الكمان والملحن الشهير باغانيني ، رسمها ديلاكروا حوالي عام 1831. كان أسلوب باغانيني الموسيقي من نواحٍ عديدة مشابهًا لطريقة رسم الفنان. يتميز عمل باجانيني بنفس التعبير والعاطفة الشديدة التي كانت من سمات أعمال الرسام.

تشغل المناظر الطبيعية مكانًا صغيرًا في أعمال Delacroix. ومع ذلك ، فقد تبين أنها كانت ذات أهمية كبيرة في تطوير الرسم الفرنسي في النصف الثاني من القرن التاسع عشر. تتميز المناظر الطبيعية في ديلاكروا بالرغبة في نقل الضوء وحياة الطبيعة المراوغة بدقة. ومن الأمثلة الحية على ذلك لوحات "السماء" ، حيث يتم إنشاء إحساس بالديناميكيات بفضل السحب البيضاء الثلجية التي تطفو عبر السماء ، و "البحر ، المرئي من شواطئ دييب" (1854) ، حيث قام الرسام ببراعة تنقل انزلاق المراكب الشراعية الخفيفة على سطح البحر.

في عام 1833 ، تلقى الفنان أمرًا من الملك الفرنسي برسم قاعة في قصر بوربون. استمر العمل على إنشاء عمل ضخم لمدة أربع سنوات. عند تنفيذ الطلب ، كان الرسام يسترشد في المقام الأول بحقيقة أن الصور كانت بسيطة للغاية وموجزة ومفهومة للمشاهد.
كان آخر عمل لـ Delacroix هو رسم كنيسة الملائكة المقدسين في كنيسة Saint-Sulpice في باريس. تم صنعه في الفترة من 1849 إلى 1861. باستخدام ألوان زاهية وغنية (وردي ، أزرق لامع ، أرجواني ، موضوعة على خلفية رمادية زرقاء وصفراء بنية) ، يخلق الفنان مزاجًا بهيجًا في التراكيب ، مما جعل المشاهد ليشعر بالبهجة الحماسية. المنظر الطبيعي ، المتضمن في لوحة "طرد إليودور من المعبد" كنوع من الخلفية ، يزيد بصريًا من مساحة التكوين ومباني الكنيسة. من ناحية أخرى ، كما لو كان يحاول التأكيد على عزل الفضاء ، يقدم Delacroix درجًا ودرابزين في التكوين. تبدو أشكال الأشخاص الموضوعة خلفها وكأنها صور ظلية مسطحة تقريبًا.

توفي يوجين ديلاكروا عام 1863 في باريس.

كان ديلاكروا هو الأكثر تعليما بين الرسامين في النصف الأول من القرن التاسع عشر. العديد من مواضيع لوحاته مأخوذة من الأعمال الأدبية لسادة القلم المشهورين. حقيقة مثيرة للاهتمام هي أن الفنان غالبًا ما يرسم شخصياته دون استخدام نموذج. هذا ما أراد أن يعلم أتباعه. وفقًا لـ Delacroix ، فإن الرسم شيء أكثر تعقيدًا من النسخ البدائي للخطوط. اعتقد الفنان أن الفن يكمن بالدرجة الأولى في القدرة على التعبير عن الحالة المزاجية والنية الإبداعية للسيد.

ديلاكروا هو مؤلف العديد من الأعمال النظرية حول قضايا اللون والطريقة والأسلوب للفنان. كانت هذه الأعمال بمثابة منارة لرسامي الأجيال اللاحقة في البحث عن وسائلهم الفنية المستخدمة في إنشاء التراكيب.

الرومانسية.

الرومانسية (الرومانسية الفرنسية) ، حركة أيديولوجية وفنية في الثقافة الأوروبية والأمريكية في أواخر القرن الثامن عشر - النصف الأول من القرن التاسع عشر. ولدت كرد فعل على عقلانية وآلية جماليات الكلاسيكية وفلسفة التنوير ، التي تأسست في عصر الانهيار الثوري للمجتمع الإقطاعي ، النظام العالمي السابق ، الذي يبدو أنه لا يتزعزع ، الرومانسية (كلاهما كنوع خاص من النظرة العالمية وكاتجاه فني) من أكثر الظواهر تعقيدًا وتناقضًا داخليًا في التاريخ الثقافي. خيبة أمل من مُثُل التنوير ، ونتائج الثورة الفرنسية الكبرى ، وإنكار نفعية الواقع الحديث ، ومبادئ العملية البرجوازية ، التي ضحيتها الفردانية البشرية ، والنظرة المتشائمة لآفاق التنمية الاجتماعية ، تم الجمع بين عقلية "الحزن العالمي" في الرومانسية مع الرغبة في الانسجام في النظام العالمي ، والسلامة الروحية للفرد ، مع الميل نحو "اللانهائي" ، مع البحث عن مُثُل جديدة ومطلقة وغير مشروطة. أثار التناقض الحاد بين المُثُل والواقع القمعي في أذهان العديد من الرومانسيين شعورًا مؤلمًا قدريًا أو ساخطًا بعالمين ، واستهزاء مرير بالتناقض بين الأحلام والواقع ، والذي ارتقى في الأدب والفن إلى مبدأ "السخرية الرومانسية". كان نوع من الدفاع عن النفس ضد التسوية المتزايدة للشخصية هو الاهتمام الأعمق المتأصل في الرومانسية في شخصية الإنسان ، والذي يفهمه الرومانسيون على أنه وحدة من الخصائص الخارجية الفردية والمحتوى الداخلي الفريد. من خلال اختراق أعماق الحياة الروحية للإنسان ، نقل أدب وفن الرومانسية هذا الشعور الحاد بالخاصية الأصلية والفريدة من نوعها بالنسبة لمصائر الأمم والشعوب ، إلى الواقع التاريخي نفسه. جعلت التغييرات الاجتماعية الهائلة التي حدثت أمام أعين الرومانسيين المسار التدريجي للتاريخ مرئيًا بصريًا. ترتقي الرومانسية في أفضل أعمالها إلى خلق صور رمزية وحيوية في نفس الوقت مرتبطة بالتاريخ الحديث. لكن صور الماضي ، المستمدة من الأساطير والتاريخ القديم والعصور الوسطى ، جسدها العديد من الرومانسيين على أنها انعكاس للصراعات الحقيقية في عصرنا.

أصبحت الرومانسية أول اتجاه فني يتجلى فيه بوضوح وعي الشخص الإبداعي كموضوع للنشاط الفني. أعلن الرومانسيون صراحة انتصار الذوق الفردي والحرية الكاملة للإبداع. إعطاء أهمية حاسمة للفعل الإبداعي نفسه ، وتدمير العوائق التي أعاقت حرية الفنان ، وساوى بجرأة بين العالي والمنخفض ، المأساوي والكوميدي ، العادي وغير العادي. استحوذت الرومانسية على جميع مجالات الثقافة الروحية: الأدب والموسيقى والمسرح والفلسفة وعلم الجمال وعلم فقه اللغة والعلوم الإنسانية الأخرى والفنون التشكيلية. لكن في الوقت نفسه ، لم يعد النمط العالمي هو النمط الكلاسيكي. على عكس الأخير ، لم يكن للرومانسية تقريبًا أي أشكال تعبيرية للدولة (لذلك ، لم تؤثر بشكل كبير على العمارة ، حيث أثرت بشكل أساسي على هندسة الحدائق والمتنزهات ، والهندسة المعمارية الصغيرة واتجاه ما يسمى القوطية الزائفة). لم تكن الرومانسية أسلوبًا بقدر ما هي حركة فنية اجتماعية ، فقد فتحت الرومانسية الطريق لمزيد من التطوير للفن في القرن التاسع عشر ، والذي لم يحدث في شكل أنماط شاملة ، ولكن في شكل تيارات واتجاهات منفصلة. أيضًا ، لأول مرة في الرومانسية ، لم يتم إعادة التفكير في لغة الأشكال الفنية بالكامل: إلى حد ما ، تم الحفاظ على الأسس الأسلوبية للكلاسيكية وتعديلها وإعادة التفكير فيها بشكل كبير في البلدان الفردية (على سبيل المثال ، في فرنسا). في الوقت نفسه ، في إطار اتجاه أسلوبي واحد ، حصل النمط الفردي للفنان على قدر أكبر من الحرية في التطور.

تطور في العديد من البلدان ، اكتسبت الرومانسية في كل مكان هوية وطنية حية ، بسبب الظروف التاريخية الفعلية والتقاليد الوطنية. ظهرت أولى علامات الرومانسية في وقت واحد تقريبًا في بلدان مختلفة. في نهاية القرن الثامن عشر - بداية القرن التاسع عشر. إن ميزات الرومانسية متأصلة بالفعل بدرجات متفاوتة: في بريطانيا العظمى - في اللوحات والأعمال الرسومية للفنان السويسري JG Fuseli ، حيث يخترق بشع كئيب ومتطور الوضوح الكلاسيكي للصور ، وفي أعمال الشاعر و الفنان و. بليك ، مشبع بالرؤية الغامضة ؛ في إسبانيا - الأعمال المتأخرة لـ F. Goya ، المليئة بالخيال الجامح والشفقة المأساوية ، احتجاجًا عاطفيًا على الإذلال القومي ؛ في فرنسا - الصور البطولية والمثيرة للاضطراب لـ J. لأعمال ف. جيرارد.

تطورت المدرسة الرومانسية الأكثر اتساقًا في فرنسا خلال فترة الاستعادة وملكية يوليو في صراع عنيد ضد الدوغمائية والعقلانية المجردة للكلاسيكية الأكاديمية المتأخرة. احتجاجًا على القمع ورد الفعل ، ارتبط العديد من ممثلي الرومانسية الفرنسية بشكل مباشر أو غير مباشر بالحركات الاجتماعية في النصف الأول من القرن التاسع عشر. وغالبًا ما ارتقت إلى الثورة الحقيقية ، التي حددت الطبيعة الصحفية الفعالة للرومانسية في فرنسا. يقوم الفنانون الفرنسيون بإصلاح الوسائل التصويرية والتعبيرية: إنهم ينشطون التكوين ، ويجمعون بين الأشكال بالحركة السريعة ، ويستخدمون ألوانًا مشبعة مشرقة على أساس تباين الضوء والظل ، والنغمات الدافئة والباردة ، ويلجأون إلى أسلوب الرسم المتلألئ والخفيف ، وغالبًا ما يكون معممًا. في عمل مؤسس المدرسة الرومانسية ، T. يتم التعبير عن عصرنا ، الذي يجسد في أعماله المصير المأساوي لفرنسا الحديثة. في عشرينيات القرن التاسع عشر أصبح E. Delacroix الرئيس المعترف به للمدرسة الرومانسية. أدى الشعور بالانتماء إلى الأحداث التاريخية العظيمة التي غيرت وجه العالم ، والنداء إلى الموضوعات الدرامية والمناخية إلى إثارة المشاعر والحدة الدرامية لأفضل أعماله. في الصورة ، كان الشيء الرئيسي للرومانسيين هو تحديد الشخصيات الحية ، وتوتر الحياة الروحية ، والحركة العابرة للمشاعر الإنسانية ؛ في المناظر الطبيعية - الإعجاب بقوة الطبيعة ، مستوحى من عناصر الكون. بالنسبة لرسومات الرومانسية الفرنسية ، فإن إنشاء أشكال جماعية جديدة في الطباعة الحجرية والرسومات الخشبية للكتب (N. T. Charlet ، A. Deveria ، J. Gigoux ، لاحقًا Granville ، G. الميول الرومانسية متأصلة أيضًا في أعمال الفنان الجرافيكي الأكبر O. Daumier ، لكنها تجلت بقوة بشكل خاص في لوحاته. انتقل أساتذة النحت الرومانسي (P.J David d'Angers ، A.L Bari ، F. Ryud) من التراكيب التكتونية الصارمة إلى التفسير الحر للأشكال ، من عظمة اللدونة الكلاسيكية والهدوء إلى حركة عنيفة.

في أعمال العديد من الرومانسيين الفرنسيين ، ظهرت أيضًا الميول المحافظة للرومانسية (المثالية ، الفردية في الإدراك ، التحول إلى يأس مأساوي ، اعتذار عن العصور الوسطى ، إلخ) ، مما أدى إلى التأثر الديني وتمجيد النظام الملكي ( E. Deveria ، A. Schaeffer ، إلخ). كما تم استخدام المبادئ الرسمية المنفصلة للرومانسية على نطاق واسع من قبل ممثلي الفن الرسمي ، الذين قاموا بدمجها بشكل انتقائي مع أساليب الأكاديمية (اللوحات التاريخية الميلودرامية لـ P. و اخرين).

كان المصير التاريخي للرومانسية في فرنسا معقدًا وغامضًا. في الأعمال اللاحقة لممثليها الرئيسيين ، تجلت الميول الواقعية بوضوح ، جزئيًا بالفعل في المفهوم الرومانسي للغاية لخصوصية الواقع. من ناحية أخرى ، تم التقاط الأعمال المبكرة لممثلي الواقعية في الفن الفرنسي ، سي كوروت ، أساتذة مدرسة باربيزون ، جي.كوربيت ، جي إف ميليت ، إي مانيه ، بدرجات متفاوتة من خلال الاتجاهات الرومانسية. التصوف والاستعارة المعقدة ، المتأصلة أحيانًا في الرومانسية ، وجدت استمرارية في الرمزية (جي مورو وآخرون) ؛ عادت بعض السمات المميزة لجماليات الرومانسية إلى الظهور في فن "الحديث" وما بعد الانطباعية.

كان تطور الرومانسية في ألمانيا والنمسا أكثر تعقيدًا وإثارة للجدل. ترتبط الرومانسية الألمانية المبكرة ، التي تتميز باهتمام وثيق بكل شيء فردي بشكل حاد ، ونبرة حزن تأملية للبنية العاطفية المجازية ، والمزاج الصوفي-الوجودي ، بشكل أساسي بالبحث في مجال التصوير والتركيبات المجازية (FO Runge) ، مثل وكذلك المناظر الطبيعية (K (D. Friedrich، I. A. Kokh). الأفكار الدينية الأبوية ، والرغبة في إحياء الروح الدينية والسمات الأسلوبية للرسم الإيطالي والألماني في القرن الخامس عشر. غذى إبداع الناصريين (F. Overbeck ، J. Schnorr von Karolsfeld ، P. Cornelius and others) ، الذين أصبح موقعهم محافظًا بشكل خاص بحلول منتصف القرن التاسع عشر. بالنسبة لفناني مدرسة دوسلدورف ، إلى حد ما قريب من الرومانسية ، فقد تميزوا ، بالإضافة إلى غناء رواسب العصور الوسطى بروح الشعر الرومانسي الحديث والعاطفية والحبكة المسلية. كان نوعًا من اندماج مبادئ الرومانسية الألمانية ، الذي غالبًا ما يميل إلى إضفاء الشاعرة على الواقعية العادية والمحددة ، هو عمل ممثلي بيدرمير (ف. . من الثلث الثاني من القرن التاسع عشر. استمر خط الرومانسية الألمانية ، من ناحية ، في الرسم الأكاديمي في الصالون الباهت لـ W. Kaulbach و K. Piloty ، ومن ناحية أخرى ، في الأعمال الملحمية والاستعارية لـ L. - الأعمال الصوتية لـ K. Spitzweg و M. von Schwind. حددت الجماليات الرومانسية إلى حد كبير تشكيل عمل A. von Menzel ، الذي أصبح لاحقًا أكبر ممثل للواقعية الألمانية في القرن التاسع عشر. تمامًا كما في فرنسا ، الرومانسية الألمانية المتأخرة (إلى حد أكبر من الفرنسية ، التي استوعبت سمات المذهب الطبيعي ، ثم "الحديثة") بحلول نهاية القرن التاسع عشر. مرتبط بالرمزية (H. Thoma، F. von Stuck and M. Klinger، Swiss A. Böcklin).

في بريطانيا العظمى في النصف الأول من القرن التاسع عشر. بعض القرب من الرومانسية الفرنسية والأصالة في الوقت نفسه ، تميز اتجاه واقعي واضح بالمناظر الطبيعية لـ J.Contable و R. Bonington ، الخيال الرومانسي والبحث عن وسائل تعبيرية جديدة - المناظر الطبيعية لـ W. التطلعات الدينية والصوفية ، والتعلق بثقافة العصور الوسطى وعصر النهضة المبكر ، فضلاً عن الآمال في إحياء العمل الحرفي ، ميزت حركة ما قبل الرفائيلية الرومانسية المتأخرة (DG Rossetti ، JE Milles ، X. Hunt ، E. بيرن جونز ، إلخ).

في الولايات المتحدة طوال القرن التاسع عشر. تم تمثيل الاتجاه الرومانسي بشكل أساسي بالمناظر الطبيعية (T. Kohl ، J. Inness ، A. P. Ryder). تطور المشهد الرومانسي أيضًا في بلدان أخرى ، لكن المحتوى الرئيسي للرومانسية في تلك البلدان في أوروبا حيث كان الوعي الذاتي الوطني يستيقظ كان الاهتمام بالتراث الثقافي والفني المحلي ، وموضوعات الحياة الشعبية ، والتاريخ الوطني وكفاح التحرير. هذا هو عمل G. Wappers و L. Galle و X. Leys و A. Wirtz في بلجيكا و F. Ayes و D. و J. Induno و J. Carnevali و D. Morelli في إيطاليا و D. A. Siqueira في البرتغال ، والممثلين costumbrism في أمريكا اللاتينية ، I.Manes و I. Navratil في جمهورية التشيك ، M. Barabash و V. Madaras في المجر ، AO Orlovsky ، P. Michalovsky ، X. Rodakovsky والراحل الرومانسي J. Matejko في بولندا. ساهمت الحركة الرومانسية الوطنية في البلدان السلافية والدول الاسكندنافية ودول البلطيق في تكوين وتقوية مدارس الفنون المحلية.

في روسيا ، تجلت الرومانسية بدرجات متفاوتة في أعمال العديد من الأساتذة - في لوحات ورسومات أ.أورلوفسكي ، الذي انتقل إلى سانت بطرسبرغ ، في صور O.A Kiprensky ، وإلى حد ما ، V. كان للرومانسية تأثير كبير على تشكيل المشهد الروسي (عمل Silv. F. Shchedrin ، Vorobyov M.N ، M.I Lebedev ؛ أعمال الشاب I.K Aivazovsky). تم دمج سمات الرومانسية بشكل غير متسق مع الكلاسيكية في أعمال K.P. Bryullov و F.A Bruni و F.P.Tolstoy؛ في الوقت نفسه ، تقدم صور Bryullov واحدة من أكثر التعبيرات حيوية لمبادئ الرومانسية في الفن الروسي. إلى حد ما ، أثرت الرومانسية على لوحة P. A. Fedotov و A. A. Ivanov.

الرومانسية في العمارة.

من أعظم الأحداث في تاريخ العالم- باهر فرنسي ثورة- أصبحت لحظة مصيرية ليس فقط في الحياة السياسية ، ولكن أيضًا في الحياة الثقافية للعالم كله. في نهاية القرن الثامن عشر - النصف الأول من القرن التاسع عشر في أمريكا وأوروبا ، أصبحت الرومانسية هي الاتجاه الأسلوبي السائد في الفن.

انتهى عصر التنوير بالثورة البرجوازية الكبرى. إلى جانب ذلك ، تلاشى الشعور بالاستقرار والنظام والهدوء. غرس الأفكار المعلنة حديثًا عن الأخوة والمساواة والحرية تفاؤلًا لا حدود له وإيمانًا بالمستقبل ، ومثل هذا الاضطراب الحاد - الخوف والشعور بعدم الأمان. بدا أن الماضي هو تلك الجزيرة المنقذة حيث يسود الخير واللياقة والإخلاص ، والأهم من ذلك ، الثبات. لذلك ، في إضفاء الطابع المثالي على الماضي والبحث عن مكان لشخص ما في العالم الواسع ، ولدت الرومانسية.

يرتبط ازدهار الرومانسية في العمارة باستخدام تصميمات وطرق ومواد بناء جديدة. تظهر هياكل معدنية مختلفة ، يتم بناء الجسور. تم تطوير تقنيات الإنتاج الرخيص للحديد والصلب.

تنكر الرومانسية بساطة الأشكال المعمارية ، وتقدم بدلاً من ذلك التنوع والحرية والصور الظلية المعقدة. يفقد التناظر أهميته القصوى.

الأسلوب يحقق أغنى طبقة ثقافية للبلدان الأجنبية ، والتي كانت لفترة طويلة بعيدة عن الأوروبيين. ليس فقط العمارة اليونانية والرومانية القديمة ، ولكن أيضًا الثقافات الأخرى تعتبر ذات قيمة. تصبح العمارة القوطية أساس الرومانسية. يتم إيلاء اهتمام خاص للعمارة الشرقية. هناك وعي بضرورة حماية وإحياء الآثار الثقافية للعصور الماضية.

تتميز الرومانسية بطمس الحدود بين الطبيعة والاصطناعية: يتم تصميم الحدائق والبرك الاصطناعية والشلالات. المباني محاطة بالأقواس وشرفات المراقبة وتقليد الأبراج القديمة. تفضل الرومانسية ألوان الباستيل.

تنكر الرومانسية القواعد والشرائع ؛ ولا تحتوي على محرمات صارمة أو عناصر إلزامية تمامًا. المعايير الرئيسية هي حرية التعبير ، وزيادة الاهتمام بالشخصية البشرية ، والخلل الإبداعي.

في الداخل الحديث ، تُفهم الرومانسية على أنها دعوة لأشكال الفولكلور والمواد الطبيعية - تزوير ، وحجر بري ، وخشب غير ممزق ، ومع ذلك ، فإن هذا الأسلوب لا علاقة له بالاتجاه المعماري في مطلع القرنين الثامن عشر والتاسع عشر.

الرومانسية في الرسم.

إذا كانت فرنسا هي سلف الكلاسيكية ، فعندئذ كتب أحد معاصريه "من أجل العثور على جذور ... المدرسة الرومانسية" ، "يجب أن نذهب إلى ألمانيا. ولدت هناك ، وهناك شكّل الرومانسيون الإيطاليون والفرنسيون أذواقهم.

ألمانيا المنقسمة لم تعرف الانتفاضة الثورية. كان العديد من الرومانسيين الألمان غريبين على رثاء الأفكار الاجتماعية المتقدمة. لقد جعلوا العصور الوسطى مثالية. استسلموا لدوافع روحية غير خاضعة للمساءلة ، وتحدثوا عن التخلي عن الحياة البشرية. كان فن العديد منهم سلبيًا وتأمليًا. لقد ابتكروا أفضل أعمالهم في مجال الرسم الرأسي والمناظر الطبيعية.

كان رسام بورتريه متميز أوتو رانج(1777-1810). صور هذا السيد ، بهدوء خارجي ، تدهش بحياة داخلية مكثفة ومكثفة.

صورة الشاعر الرومانسي رانج إن " تصوير شخصي". إنه يفحص نفسه بعناية ويرى شابًا ذا شعر داكن ، عيون داكنة ، جاد ، مليء بالطاقة ، مفكر وقوي الإرادة. الفنان الرومانسي يريد أن يعرف نفسه. طريقة تنفيذ الصورة سريعة وشاملة ، كما لو أن الطاقة الروحية للخالق يجب أن تنتقل بالفعل في نسيج العمل ؛ في نطاق ملون داكن ، تظهر تباينات الضوء والظلام. التباين هو تقنية تصويرية مميزة للسادة الرومانسيين.

للقبض على اللعب المتغير لمزاج الشخص ، والنظر إلى روحه ، سيحاول فنان المستودع الرومانسي دائمًا. وفي هذا الصدد ، ستكون صور الأطفال بمثابة مادة خصبة له. الخامس " لوحة الأطفال هولسنبيك” (1805) لا ينقل Runge الحيوية والفورية لشخصية الطفل فحسب ، بل يجد أيضًا استقبالًا خاصًا لمزاج مشرق. الخلفية في الصورة عبارة عن منظر طبيعي ، لا يشهد فقط على موهبة الفنان الملونة ، وموقفه المعجب بالطبيعة ، ولكن أيضًا على ظهور مشاكل جديدة في الاستنساخ البارع للعلاقات المكانية ، والظلال الخفيفة للأشياء في الهواء الطلق. سيد رومانسي ، يرغب في دمج "أنا" مع مساحات الكون ، يسعى جاهدًا لالتقاط المظهر الحسي الملموس للطبيعة. ولكن مع هذه الحسية للصورة ، فإنه يفضل رؤية رمز العالم الكبير ، "فكرة الفنان".

رونج ، أحد الفنانين الرومانسيين الأوائل ، وضع لنفسه مهمة توليف الفنون: الرسم والنحت والعمارة والموسيقى. يتخيل الفنان ، ويعزز مفهومه الفلسفي بأفكار المفكر الألماني الشهير في النصف الأول من القرن السابع عشر. يعقوب بوهمه. العالم هو نوع من الكل الصوفي ، كل جزء منه يعبر عن الكل. ترتبط هذه الفكرة بالرومانسيين في القارة الأوروبية بأكملها.

رسام رومانسي ألماني بارز آخر كاسبار ديفيد فريدريش(1774-1840) فضل المناظر الطبيعية على جميع الأنواع الأخرى ورسم طوال حياته صورًا للطبيعة فقط. الدافع الرئيسي لعمل فريدريش هو فكرة وحدة الإنسان والطبيعة.

"استمع إلى صوت الطبيعة الذي يتحدث فينا" ، يوجه الفنان طلابه. يجسد العالم الداخلي للشخص ما لا نهاية للكون ، لذلك ، بعد أن سمع نفسه ، يكون الشخص قادرًا على فهم الأعماق الروحية للعالم.

يحدد موقع الاستماع الشكل الرئيسي "للتواصل" للشخص مع الطبيعة وصورتها. هذه هي عظمة الطبيعة وغموضها وتنويرها والحالة الواعية للمراقب. صحيح ، في كثير من الأحيان لا يسمح فريدريش للشخص بـ "دخول" مساحة المناظر الطبيعية للوحاته ، ولكن في الاختراق الدقيق للبنية التصويرية للمساحات المترامية الأطراف ، ووجود شعور ، يتم الشعور بتجربة الشخص. تأتي الذاتية في تصوير المناظر الطبيعية إلى الفن فقط مع عمل الرومانسيين ، مما ينذر بالوحي الغنائي للطبيعة من قبل أسياد النصف الثاني من القرن التاسع عشر. لاحظ الباحثون في أعمال فريدريش "توسع الذخيرة" من زخارف المناظر الطبيعية. يهتم المؤلف بالبحر والجبال والغابات والظلال المختلفة لحالة الطبيعة في أوقات مختلفة من السنة واليوم.

1811-1812 تميزت بخلق سلسلة من المناظر الطبيعية للجبال نتيجة رحلة الفنان إلى الجبال. ” صباح الخامس الجبال” يمثل بشكل رائع حقيقة طبيعية جديدة ، ولدت في أشعة الشمس المشرقة. نغمات وردية أرجوانية تغلف وتحرمهم من الحجم والجاذبية المادية. تحولت سنوات المعركة مع نابليون (1812-1813) فريدريش إلى موضوعات وطنية. يوضح ، مستوحى من دراما كلايست ، يكتب “ خطير ارمينيا” - منظر طبيعي مع قبور الأبطال الجرمانيين القدماء.

كان فريدريش أستاذًا بارعًا في المناظر البحرية: “ الأعمار” , “ شروق الشمس القمر في الاعلى عن طريق البحر” , ” الموت “ آمال” في جليد” .

اخر اعمال الفنان - “ استرخاء على ال حقل” , “ كبير مستنقع” و “ ذاكرة حول عملاق الجبال” , ” عملاق الجبال” - سلسلة من سلاسل الجبال والأحجار في مقدمة مظلمة. هذا ، على ما يبدو ، هو عودة إلى الشعور المختبَر بانتصار الشخص على نفسه ، وفرحة الصعود إلى "قمة العالم" ، والرغبة في ارتفاعات مشرقة لا تقهر. تتشكل مشاعر الفنان بطريقة خاصة من هذه الكتل الجبلية ، ومرة ​​أخرى يتم قراءة الحركة من عتمة الخطوات الأولى إلى نور المستقبل. تم تسليط الضوء على قمة الجبل في الخلفية كمركز للتطلعات الروحية للسيد. الصورة ترابطية للغاية ، مثل أي عمل للرومانسيين ، وتنطوي على مستويات مختلفة من القراءة والتفسير.

فريدريش دقيق للغاية في الرسم ، منسجم موسيقيًا في البناء الإيقاعي للوحاته ، حيث يحاول التحدث من خلال مشاعر اللون وتأثيرات الضوء. "يُعطى الكثيرون القليل ، والقليل يُمنحون الكثير. الجميع يفتح روح الطبيعة بطريقة مختلفة. لذلك ، لا أحد يجرؤ على نقل خبرته وقواعده إلى شخص آخر كقانون ملزم وغير مشروط. لا أحد هو مقياس الكل. كل شخص يحمل في داخله مقياسًا لنفسه فقط وللطبيعة أقرب إلى نفسه إلى حد ما "، وهذا الانعكاس للسيد يثبت النزاهة المذهلة لحياته الداخلية وإبداعه. إن تفرد الفنان لا يمكن ملاحظته إلا في حرية عمله - يقف فريدريش الرومانسي في هذا الصدد.

يبدو أن الانفصال عن الفنانين - "الكلاسيكيات" - ممثلو الكلاسيكية لفرع آخر للرسم الرومانسي في ألمانيا - أكثر رسمية - الناصريون. تأسست في فيينا واستقرت في روما (1809-1810) ، وحد "اتحاد القديس لوقا" الأساتذة بفكرة إحياء الفن الضخم للقضايا الدينية. كانت العصور الوسطى فترة تاريخية مفضلة للرومانسيين. لكن في سعيهم الفني ، تحول الناصريون إلى تقاليد رسم عصر النهضة المبكر في إيطاليا وألمانيا. كان أوفربيك وجيفور من المبادرين لتحالف جديد ، والذي انضم إليه لاحقًا كورنيليوس ، شنوف فون كارولسفيلد ، فيت فوريش.

تتوافق حركة الناصريين مع أشكال المعارضة الخاصة بهم للأكاديميين الكلاسيكيين في فرنسا وإيطاليا وإنجلترا. على سبيل المثال ، في فرنسا ، ظهر ما يسمى بالفنانين "البدائيين" من ورشة عمل ديفيد ، وفي إنجلترا ، ظهر ما قبل الرفائيليين. بروح التقليد الرومانسي ، اعتبروا الفن "تعبيرًا عن الوقت" ، "روح الشعب" ، لكن تفضيلاتهم الموضوعية أو الشكلية ، التي بدت في البداية كشعار للتوحيد ، بعد فترة من الزمن. في نفس المبادئ العقائدية مثل تلك الخاصة بالأكاديمية ، والتي أنكروها.

تطور فن الرومانسية في فرنسا بطرق خاصة. أول ما يميزها عن الحركات المماثلة في البلدان الأخرى هو طابعها النشط ("الثوري"). دافع الشعراء والكتاب والموسيقيون والفنانون عن مواقفهم ليس فقط من خلال ابتكار أعمال جديدة ، ولكن أيضًا من خلال المشاركة في الجدل في المجلات والصحف ، والذي وصفه الباحثون بـ "معركة رومانسية". قام كل من V. Hugo و Stendhal و George Sand و Berlioz والعديد من الكتاب والملحنين والصحفيين الفرنسيين بـ "شحذ ريشهم" في جدل رومانسي.

تظهر الرسم الرومانسي في فرنسا كمعارضة لمدرسة ديفيد الكلاسيكية ، الفن الأكاديمي ، المشار إليها باسم "المدرسة" بشكل عام. لكن يجب فهم هذا بمعنى أوسع: لقد كان معارضة للأيديولوجية الرسمية للعصر الرجعي ، واحتجاجًا على قيودها البرجوازية الصغيرة. ومن هنا جاءت الطبيعة المثيرة للشفقة للأعمال الرومانسية ، وإثارتهم العصبية ، وانجذابهم إلى الزخارف الغريبة ، والمؤامرات التاريخية والأدبية ، إلى كل ما يمكن أن يؤدي إلى الابتعاد عن "الحياة اليومية المعتمة" ، ومن هنا جاءت مسرحية الخيال هذه ، وأحيانًا على العكس من ذلك ، الحلم والافتقار التام للنشاط.

ممثلو "المدرسة" ، الأكاديميون ، تمردوا ، أولاً وقبل كل شيء ، على لغة الرومانسيين: لونهم الحار المثير ، ونمذجةهم للشكل ، وليس النموذج المألوف لدى "الكلاسيكيات" ، والتماثيل البلاستيكية ، ولكن مبنية على تباينات قوية لبقع اللون ؛ رسمهم التعبيري ، ورفض عمدا أن تكون دقيق ؛ تركيبتها الجريئة ، الفوضوية في بعض الأحيان ، الخالية من الجلالة والهدوء الذي لا يتزعزع. قال إنجرس ، العدو اللدود للرومانسيين ، حتى نهاية حياته أن ديلاكروا "يكتب بمكنسة مجنونة" ، واتهم ديلاكروا إنجرس وجميع فناني "المدرسة" بالبرودة والعقلانية وقلة الحركة ، وأنهم لا تكتب ، بل "ترسم" لوحاتهم. لكن هذا لم يكن صدامًا بسيطًا بين شخصيتين لامعتين مختلفتين تمامًا ، لقد كان صراعًا بين نظرتين فنيتين مختلفتين للعالم.

استمر هذا النضال قرابة نصف قرن ، ولم تنتصر الرومانسية في الفن بسهولة وليس على الفور ، وكان أول فنان في هذا الاتجاه هو ثيودور جيريكولت(1791-1824) - سيد الأشكال البطولية الضخمة ، الذي جمع في عمله كل من السمات الكلاسيكية وخصائص الرومانسية نفسها ، وأخيراً ، بداية واقعية قوية كان لها تأثير كبير على فن الواقعية في منتصف القرن ال 19. لكن خلال حياته لم يكن موضع تقدير سوى عدد قليل من الأصدقاء المقربين.

يرتبط اسم ثيودور زاريكو بالنجاحات الرائعة الأولى للرومانسية. بالفعل في لوحاته المبكرة (صور الجيش ، صور الخيول) ، تراجعت المثل القديمة قبل الإدراك المباشر للحياة.

في الصالون عام 1812 يظهر Géricault صورة “ ضابط إمبراطوري الفروسية اخطار في زمن الهجمات”. كانت سنة ذروة مجد نابليون والقوة العسكرية لفرنسا.

يُظهر تكوين الصورة الفارس في منظور غير معتاد للحظة "المفاجئة" عندما تربى الحصان ، والتفت الفارس ، الذي يحمل الوضع الرأسي تقريبًا للحصان ، إلى المشاهد. صورة هذه اللحظة من عدم الاستقرار ، واستحالة الموقف يعزز تأثير الحركة. الحصان لديه نقطة دعم واحدة ، يجب أن يسقط على الأرض ، ويدخل في المعركة التي أوصلته إلى مثل هذه الحالة. تقاربت الكثير في هذا العمل: إيمان Gericault غير المشروط بإمكانية امتلاك شخص لسلطاته الخاصة ، وحب عاطفي لتصوير الخيول وشجاعة سيد مبتدئ في إظهار ما يمكن أن تنقله الموسيقى أو لغة الشعر في السابق - إثارة معركة ، بداية الهجوم ، الإجهاد النهائي لكائن حي. بنى المؤلف الشاب صورته على نقل ديناميكيات الحركة ، وكان من المهم بالنسبة له أن يهيئ المشاهد "لتخمين" ما يريد تصويره.

لم تكن تقاليد ديناميكيات السرد المصور للرومانسية في فرنسا موجودة عمليًا ، باستثناء ربما في نقوش المعابد القوطية ، لأنه عندما جاء Gericault لأول مرة إلى إيطاليا ، صُدم بالقوة الخفية لمؤلفات مايكل أنجلو. يكتب: "ارتجفت ، لقد شككت في نفسي ولم أستطع التعافي من هذه التجربة لفترة طويلة." لكن Stendhal أشار إلى مايكل أنجلو باعتباره رائدًا لاتجاه أسلوبي جديد في الفن حتى في وقت سابق في مقالاته الجدلية.

لم تعلن لوحة Gericault عن ولادة موهبة فنية جديدة فحسب ، بل أشادت أيضًا بشغف المؤلف وخيبة أمله من أفكار نابليون. هناك العديد من الأعمال الأخرى المتعلقة بهذا الموضوع: ضابط كاربينيري”, “ ضابط cuirassier أمام هجوم”, “ لوحة كاربينيري”, “ جرحى cuirassier”.

في أطروحة "التفكير في حالة الرسم في فرنسا" ، كتب أن "الرفاهية والفنون أصبحت ... ضرورة ، كما كانت ، غذاء للخيال ، وهو الحياة الثانية لشخص متحضر. .. الفن ليس ضرورة قصوى ، ولا تظهر الفنون إلا عند تلبية الحاجات الأساسية وعندما تأتي الوفرة. بدأ الرجل ، الذي تحرر من هموم الحياة اليومية ، في البحث عن الملذات من أجل التخلص من الملل الذي كان سيغزوه حتما في خضم القناعة.

أظهر هذا الفهم للدور التعليمي والإنساني للفن من قبل Gericault بعد عودته من إيطاليا في عام 1818 - بدأ في الانخراط في الطباعة الحجرية ، مكررًا مجموعة متنوعة من الموضوعات ، بما في ذلك هزيمة نابليون ( “ يعود من روسيا” ).

في الوقت نفسه ، يلتفت الفنان إلى صورة موت الفرقاطة "ميدوسا" قبالة سواحل إفريقيا ، الأمر الذي أثار حفيظة المجتمع بشكل كبير. وقعت الكارثة بسبب خطأ قبطان عديم الخبرة ، تم تعيينه في هذا المنصب تحت رعاية. تحدث ركاب السفينة الناجون ، الجراح سافيني والمهندس كوريار ، بالتفصيل عن الحادث.

تمكنت السفينة المحتضرة من التخلص من الطوافة ، التي نزل عليها حفنة من الأشخاص الذين تم إنقاذهم. لمدة اثني عشر يومًا ، تم نقلهم على طول البحر الهائج ، حتى لقوا الخلاص - السفينة "أرغوس".

كان Gericault مهتمًا بحالة التوتر المطلق للقوة الروحية والجسدية للإنسان. صورت اللوحة 15 راكبا ناجين على طوف عندما رأوا Argus في الأفق. “ طوف “ قناديل البحر” كان نتيجة عمل تحضيري طويل للفنان. قام بعمل العديد من الرسوم التخطيطية للبحر الهائج ، وصور الأشخاص الذين تم إنقاذهم في المستشفى. في البداية ، أراد Gericault إظهار نضال الناس على طوافة مع بعضهم البعض ، لكنه استقر بعد ذلك على السلوك البطولي للفائزين بعنصر البحر وإهمال الدولة. تحمل الناس المحنة بشجاعة ، ولم يتركهم أمل الخلاص: كل مجموعة على الطوف لها خصائصها الخاصة. في بناء التكوين ، اختار Gericault وجهة نظر من أعلى ، مما سمح له بدمج التغطية البانورامية للمساحة (مسافات البحر) والتصوير ، مما جعل جميع سكان الطوافة قريبين جدًا من المقدمة. إن وضوح إيقاع نمو الديناميكيات من مجموعة إلى أخرى ، وجمال الأجساد العارية ، واللون الداكن للصورة يحدد ملاحظة معينة لاتفاقية الصورة. لكن هذا ليس جوهر الأمر بالنسبة للمشاهد المدرك ، الذي يساعده اصطلاح اللغة على فهم الشيء الرئيسي والشعور به: قدرة الشخص على القتال والفوز.

فتح ابتكار Géricault فرصًا جديدة لنقل الحركة التي كانت تقلق الرومانسيين ، والمشاعر الكامنة للشخص ، والتعبير النسيجي اللوني للصورة.

كان وريث Géricault في سعيه يوجين ديلاكروا. صحيح ، سُمح لـ Delacroix بضعف طول حياته ، ولم يتمكن فقط من إثبات صحة الرومانسية ، ولكن أيضًا لمباركة الاتجاه الجديد في الرسم في النصف الثاني من القرن التاسع عشر. - الانطباعية.

قبل أن يبدأ الكتابة بمفرده ، درس يوجين في مدرسة Lerain: لقد رسم من الحياة ، ونسخ روبنز العظيم ، ورامبرانت ، وفيرونيزي ، وتيتيان في متحف اللوفر ... عمل الفنان الشاب 10-12 ساعة في اليوم. لقد تذكر كلمات مايكل أنجلو العظيم: "الرسم عشيقة غيورة ، إنها تتطلب الشخص كله ..."

كان ديلاكروا ، بعد العروض التوضيحية التي قدمها Géricault ، مدركًا جيدًا أن زمن الاضطرابات العاطفية القوية قد حان في الفن. أولاً ، يحاول أن يفهم له حقبة جديدة من خلال المؤامرات الأدبية المعروفة. لوحته “ دانتي و فيرجيل” ، الذي عُرض في الصالون عام 1822 ، هو محاولة من خلال الصور الترابطية التاريخية لشاعرين: العصور القديمة - فيرجيل وعصر النهضة - دانتي - لإلقاء نظرة على مرجل يغلي ، "جحيم" العصر الحديث. مرة واحدة في "الكوميديا ​​الإلهية" ، أخذ دانتي أرض فيرجيل كمرافقة في جميع المجالات (الجنة ، الجحيم ، المطهر). في عمل دانتي ، نشأ عالم نهضة جديد من خلال تجربة ذاكرة العصور القديمة في العصور الوسطى. نشأ رمز الرومانسية كتوليف للعصور القديمة وعصر النهضة والعصور الوسطى في "رعب" رؤى دانتي وفيرجيل. لكن تبين أن القصة الرمزية الفلسفية المعقدة هي توضيح عاطفي جيد لعصر ما قبل عصر النهضة وتحفة أدبية خالدة.

سيحاول ديلاكروا إيجاد استجابة مباشرة في قلوب معاصريه من خلال وجع قلبه. الشباب في ذلك الوقت ، المتحمسين بالحرية والكراهية للظالمين ، يتعاطفون مع حرب تحرير اليونان. شاعر إنجلترا الرومانسي ، بايرون ، ذاهب إلى هناك للقتال. يرى ديلاكروا معنى العصر الجديد في تصوير حدث تاريخي أكثر تحديدًا - نضال ومعاناة اليونان المحبة للحرية. يسهب في الحديث عن مؤامرة موت سكان جزيرة خيوس اليونانية ، التي استولى عليها الأتراك. في صالون عام 1824 ، يعرض ديلاكروا لوحة “ مذبحة على ال جزيرة كيوس”. على خلفية الامتداد اللامتناهي للتضاريس الجبلية التي لا تزال تصرخ من دخان الحرائق والمعارك المستمرة ، تظهر الفنانة عدة مجموعات من الجرحى والنساء والأطفال المرهقين. كانت لديهم الدقائق الأخيرة من الحرية قبل اقتراب الأعداء. يبدو أن الترك على حصان تربية على اليمين يتدلى من مقدمة الصورة بأكملها والعديد من المصابين الموجودين هناك. أجساد جميلة ، وجوه أسرى. بالمناسبة ، سيكتب ديلاكروا لاحقًا أن النحت اليوناني قد حوله فنانون إلى حروف هيروغليفية أخفت الجمال اليوناني الحقيقي للوجه والشكل. لكن ، وكشف الرسام عن "جمال الروح" في وجوه الإغريق المهزومين ، قام بتجسيد الأحداث بشكل درامي لدرجة أنه من أجل الحفاظ على وتيرة ديناميكية واحدة للتوتر ، يذهب إلى تشويه زوايا الأشكال. تم بالفعل "حل" هذه "الأخطاء" من خلال عمل Gericault ، لكن Delacroix يوضح مرة أخرى العقيدة الرومانسية القائلة بأن الرسم "ليس حقيقة الموقف ، بل حقيقة الشعور".

في عام 1824 ، فقد ديلاكروا صديقه ومعلمه جيريكولت. وأصبح قائد اللوحة الجديدة.

مرت سنوات. ظهرت الصور واحدة تلو الأخرى: “ اليونان على ال أثار Missalungi”, “ موت ساردانابال” وغيرهم ، وأصبح الفنان منبوذا في دوائر الرسامين. لكن ثورة يوليو 1830 غيرت الوضع. تشعل الفنانة برومانسية الانتصارات والإنجازات. يرسم صورة “ حرية على ال المتاريس”.

في عام 1831 ، في صالون باريس ، رأى الفرنسيون هذه اللوحة لأول مرة ، وهي مخصصة لـ "الأيام الثلاثة المجيدة" لثورة يوليو عام 1830. تركت اللوحة انطباعًا مذهلاً على المعاصرين بقوة وديمقراطية وشجاعة القرار الفني. وفقا للأسطورة ، صاح برجوازي محترم: "أنت تقول - رئيس المدرسة؟ قل لي أفضل - رأس التمرد! بعد إغلاق الصالون ، سارعت الحكومة ، التي خافت من النداء الملهم والتهديد المنبثق عن الصورة ، إلى إعادتها إلى الكاتبة. خلال ثورة 1848 ، تم عرضه مرة أخرى للجمهور في قصر لوكسمبورغ. وعاد مرة أخرى للفنان. فقط بعد عرض اللوحة في المعرض العالمي في باريس عام 1855 ، انتهى بها المطاف في متحف اللوفر. يتم الاحتفاظ بأحد أفضل إبداعات الرومانسية الفرنسية هنا حتى يومنا هذا - سرد ملهم لشاهد عيان ونصب تذكاري أبدي لنضال الناس من أجل حريتهم.

ما هي اللغة الفنية التي وجدها الشاب الرومانسي الفرنسي من أجل دمج هذين المبدأين المتعارضين ظاهريًا - تعميم واسع شامل وواقع ملموس قاسٍ في عريه؟

باريس أيام يوليو الشهيرة 1830. من بعيد ، بالكاد يمكن ملاحظته ، ولكن بفخر ترتفع أبراج كاتدرائية نوتردام - رمز تاريخ وثقافة وروح الشعب الفرنسي. من هناك ، من المدينة المليئة بالدخان ، فوق أنقاض المتاريس ، فوق جثث الرفاق القتلى ، يتقدم المتمردون بعناد وحزم. يمكن أن يموت كل منهم ، لكن خطوة المتمردين لا تتزعزع - فهم مستوحون من إرادة النصر والحرية.

تتجسد هذه القوة الملهمة في صورة امرأة شابة جميلة ، في اندفاع عاطفي يناديها. مع طاقة لا تنضب ، وسرعة حركة حرة وشابة ، فهي تشبه إلهة النصر اليونانية ، نايكي. شخصيتها القوية ترتدي ثوب خيتون ، وجهها بملامح مثالية ، بعيون مشتعلة ، تحول إلى المتمردين. في إحدى يديها تحمل راية فرنسا ذات الألوان الثلاثة ، ومن ناحية أخرى - بندقية. على رأسه قبعة فريجية - رمز قديم للتحرر من العبودية. خطوتها سريعة وخفيفة - هكذا تخطو الآلهة. في الوقت نفسه ، صورة المرأة حقيقية - إنها ابنة الشعب الفرنسي. هي القوة الدافعة وراء تحرك المجموعة على المتاريس. منه ، كمصدر للضوء في مركز الطاقة ، تشع الأشعة ، مشحونة بالعطش والإرادة للفوز. أولئك الذين هم على مقربة منها ، كل على طريقته الخاصة ، يعبرون عن مشاركتهم في هذه المكالمة الملهمة.

على اليمين ، صبي ، جامن باريسي ، يلوح بمسدسات. إنه الأقرب إلى الحرية ، وكما هو الحال ، فقد تأجج بحماسها وفرحها بالاندفاع الحر. في حركة سريعة ونفاد صبر صبياني ، كان حتى قليلا قبل ملهمه. هذا هو سلف غافروش الأسطوري ، الذي صوره فيكتور هوغو بعد عشرين عامًا في رواية البؤساء: "غافروش ، المليء بالإلهام والمتألق ، أخذ على عاتقه مهمة تحريك كل شيء. انطلق ذهابًا وإيابًا ، قام ، سقط على الأرض ، قام مرة أخرى ، أحدث ضوضاء ، متلألئًا من الفرح. يبدو أنه جاء إلى هنا لإسعاد الجميع. هل كان لديه أي دافع لذلك؟ نعم بالطبع فقره. هل كان لديه أجنحة؟ نعم بالطبع بهجه. لقد كان نوعًا من الزوبعة. يبدو أنه يملأ الهواء بنفسه ، حيث يتواجد في كل مكان في نفس الوقت ... شعرت به حواجز ضخمة على عمودها الفقري.

جافروش في لوحة ديلاكروا هو تجسيد للشباب ، "دافع جميل" ، قبول مبهج لفكرة الحرية المشرقة. يبدو أن صورتين - جافروش وليبرتي - تكملان بعضهما البعض: إحداهما نار ، والأخرى شعلة مضاءة منها. أخبر هاينريش هاينه ما هي الاستجابة الحية التي أثارها شخصية جافروش بين الباريسيين. "عليك اللعنة! صاح البقال. "هؤلاء الأولاد قاتلوا مثل العمالقة!"

على اليسار طالب يحمل مسدسًا. في السابق ، كان يُنظر إليه على أنه صورة ذاتية للفنان. هذا المتمرد ليس سريعًا مثل جافروش. حركته أكثر انضباطا وتركيزا وذات مغزى. تضغط الأيدي بثقة على فوهة البندقية ، ويعبر الوجه عن الشجاعة والتصميم الراسخ على الوقوف حتى النهاية. هذه صورة مأساوية للغاية. يدرك الطالب حتمية الخسائر التي سيتكبدها المتمردون ، لكن الضحايا لا يخافونه - إرادة الحرية أقوى. يقف خلفه عامل شجاع وحازم بنفس القدر مع صابر. جرح عند أقدام الحرية. إنه ينهض بصعوبة للنظر إلى الحرية مرة أخرى ، ليرى ويشعر من كل قلبه بالجمال الذي يحتضر من أجله. هذا الرقم يجلب بداية مثيرة لصوت قماش ديلاكروا. إذا كانت صور جافروش ، ليبرتي ، الطالب ، العامل - رموز تقريبًا ، تجسيدًا للإرادة التي لا تنتهي للمقاتلين من أجل الحرية - تلهم المشاهد وتدعو إليه ، فإن الرجل الجريح يدعو إلى التعاطف. الرجل يقول وداعا للحرية ، ويقول وداعا للحياة. إنه لا يزال دافعًا ، وحركة ، ولكنه بالفعل دافع يتلاشى.

شخصيته انتقالية. نظرات المشاهد ، التي ما زالت مفتونة بعزيمة الثوار الثورية ، تنحدر إلى أسفل الحاجز ، مغطاة بجثث الجنود القتلى المجيد. الموت يقدمه الفنان بكل عري ودليل على الحقيقة. نرى وجوه الموتى الزرقاء ، أجسادهم العارية: الكفاح بلا رحمة ، والموت لا مفر منه رفيق المتمردين مثل إلهام الحرية الجميل.

من المشهد الرهيب عند الحافة السفلية للصورة ، نرفع أعيننا مرة أخرى ونرى شخصية شابة جميلة - لا! تفوز الحياة! إن فكرة الحرية ، المجسدة بشكل واضح وملموس ، تركز بشدة على المستقبل بحيث أن الموت باسمها ليس فظيعًا.

يصور الفنان فقط مجموعة صغيرة من المتمردين أحياء وأموات. لكن المدافعين عن الحاجز يبدون كثيرين بشكل غير عادي. تم بناء التركيبة بطريقة لا تقتصر فيها مجموعة المقاتلين ولا تنغلق على نفسها. إنها ليست سوى جزء من سيل لا نهاية له من الناس. يعطي الفنان ، كما كان ، جزءًا من المجموعة: إطار الصورة يقطع الأشكال من اليسار واليمين والأسفل.

عادةً ما يكتسب اللون في أعمال Delacroix صوتًا عاطفيًا ، ويلعب دورًا مهيمنًا في خلق تأثير درامي. الألوان ، في بعض الأحيان مستعرة ، وأحيانًا باهتة ، مكتومة ، تخلق جوًا متوترًا. الخامس « حرية على ال المتاريس» ديلاكروا ينحرف عن هذا المبدأ. بدقة شديدة ، لا لبس فيها في اختيار الطلاء ، وتطبيقه بضربات واسعة ، ينقل الفنان جو المعركة.

لكن نطاق الألوان مقيد. يركز Delacroix على نمذجة الإغاثة للنموذج. كان هذا مطلوبًا من خلال الحل المجازي للصورة. بعد كل شيء ، تصور الفنانة حدثًا محددًا بالأمس ، كما أنشأ نصبًا تذكاريًا لهذا الحدث. لذلك ، فإن الأشكال تكاد تكون منحوتة. لذلك ، فإن كل حرف ، كونه جزءًا من صورة واحدة كاملة ، يشكل أيضًا شيئًا مغلقًا في حد ذاته ، ويمثل رمزًا مصبوبًا في نموذج مكتمل. لذلك ، لا يؤثر اللون عاطفيًا على مشاعر المشاهد فحسب ، بل يحمل عبئًا رمزيًا. هنا وهناك ، يومض ثالوث مهيب من الأحمر والأزرق والأبيض هنا وهناك في الفضاء البني الرمادي - ألوان راية الثورة الفرنسية عام 1789. يدعم التكرار المتكرر لهذه الألوان الوتر القوي للعلم ثلاثي الألوان الذي يرفرف فوق الحواجز.

اللوحة ديلاكروا « حرية على ال المتاريس» - عمل معقد وعظيم في نطاقه. هنا يتم الجمع بين أصالة الحقيقة المرئية مباشرة ورمزية الصور ؛ الواقعية ، والوصول إلى الطبيعة الوحشية ، والجمال المثالي ؛ خشنة ، رهيبة ، سامية ، نقية.

تلوين “ حرية على ال المتاريس” عزز انتصار الرومانسية في الرسم الفرنسي. في الثلاثينيات ، تم رسم لوحتين تاريخيتين أخريين: “ معركة في بواتييه” و “ قتل أسقف لييج”.

في عام 1822 زار الفنان شمال إفريقيا والمغرب والجزائر. تركت الرحلة انطباعًا لا يمحى عليه. في الخمسينيات من القرن الماضي ، ظهرت لوحات في عمله مستوحاة من ذكريات هذه الرحلة: ” الصيد على ال أسود”, “ مغربي, السرج حصان” وغيرها ، تخلق الألوان المتناقضة الساطعة صوتًا رومانسيًا لهذه اللوحات. في نفوسهم ، تظهر تقنية ضربة واسعة.

سجل ديلاكروا ، باعتباره رومانسيًا ، حالة روحه ليس فقط في لغة الصور التصويرية ، ولكن أيضًا في الشكل الأدبي لأفكاره. لقد وصف بشكل جيد عملية العمل الإبداعي للفنان الرومانسي ، تجاربه في اللون ، تأملات في العلاقة بين الموسيقى وأشكال الفن الأخرى. أصبحت يومياته القراءة المفضلة لفناني الأجيال اللاحقة.

حققت المدرسة الرومانسية الفرنسية تقدمًا كبيرًا في مجال النحت (رود ونقوشه المرسيلية) ، رسم المناظر الطبيعية (كاميل كورو مع صوره في الهواء الخفيف لطبيعة فرنسا).

بفضل الرومانسية ، تأخذ الرؤية الذاتية للفنان شكل القانون. ستدمر الانطباعية الحاجز بين الفنان والطبيعة تمامًا ، وتعلن الفن انطباعًا. يتحدث الرومانسيون عن خيال الفنان ، "صوت مشاعره" ، والذي يسمح له بالتوقف عن العمل عندما يرى السيد ذلك ضروريًا ، وليس وفقًا لمعايير الاكتمال الأكاديمية.

إذا كانت تخيلات Gericault تركز على نقل الحركة ، فإن Delacroix - على القوة السحرية للون ، وأضاف الألمان إلى هذا "روحًا من الرسم" ، فإن الرومانسيين الإسبان في وجههم فرانسيسكو جويا(1746-1828) أصول الفولكلور للأسلوب وطابعه الخيالي والرائع. يبدو غويا نفسه وعمله بعيدًا عن أي إطار أسلوبي ، خاصة وأن الفنان كثيرًا ما كان عليه أن يتبع قوانين مواد الأداء (على سبيل المثال ، عندما كان يصنع لوحات لسجاد التعريشة المنسوجة) أو متطلبات العميل.

ظهرت خياله الخيالي في سلسلة النقش “ كابريتشوس” (1797-1799), “ الكوارث الحروب” (1810-1820), “ المتناقضون (“ الحماقات”) (1815-1820) ، جداريات "بيت الصم" وكنيسة سان أنطونيو دي لا فلوريدا في مدريد (1798). أدى مرض خطير في عام 1792 إلى صمم تام للفنان. يصبح فن السيد بعد تعرضه لصدمة جسدية وروحية أكثر تركيزًا ومدروسًا وديناميكية داخليًا. العالم الخارجي ، المغلق بسبب الصمم ، نشّط الحياة الروحية الداخلية لغويا.

في الحفر “ كابريتشوس” يحقق Goya قوة استثنائية في نقل ردود الفعل اللحظية والمشاعر المتهورة. يكتسب الأداء بالأبيض والأسود ، بفضل المزيج الجريء من النقاط الكبيرة ، ونقص الخصائص الخطية للرسومات ، جميع خصائص اللوحة.

على ما يبدو ، تخلق الجداريات لكنيسة القديس أنطوني في مدريد غويا في نفس واحد. إن مزاج السكتة الدماغية ، ولغز التكوين ، والتعبير عن خصائص الشخصيات ، التي أخذ جويا نوعها مباشرة من الحشد ، مدهشة. يصور الفنان معجزة أنطوني فلوريدا الذي جعل الرجل المقتول يحيي ويتحدث والذي أطلق على القاتل وبالتالي أنقذ المحكوم عليه ببراءة من الإعدام. يتم نقل ديناميكية الحشد الذي يتفاعل بشكل مشرق في كل من الإيماءات وتعبيرات الوجه للوجوه المصورة. في المخطط التكويني لتوزيع اللوحات في فضاء الكنيسة ، يتبع الرسام تيبولو ، لكن رد الفعل الذي يثيره في المشاهد ليس باروكيًا ، بل رومانسيًا بحتًا ، يؤثر على شعور كل مشاهد ، ويدعوه إلى الرجوع إلى نفسه.

الأهم من ذلك كله ، تم تحقيق هذا الهدف في لوحة Conto del Sordo ("منزل الصم") ، التي عاش فيها غويا من عام 1819. جدران الغرف مغطاة بخمسة عشر تكوينًا ذات طبيعة رائعة واستعارية. يتطلب إدراكهم تعاطفًا عميقًا. تظهر الصور كنوع من رؤى المدن ، النساء ، الرجال ، إلخ. اللون ، وامض ، يسحب شكلاً ثم آخر. اللوحة ككل مظلمة ، تسودها بقع بيضاء ، صفراء ، حمراء وردية ، ومضات من المشاعر المزعجة. النقوش من السلسلة “ المتناقضون” .

أمضى غويا السنوات الأربع الماضية في فرنسا. من غير المحتمل أنه كان يعلم أن ديلاكروا لم ينفصل عن "Caprichos". ولم يستطع أن يتنبأ بكيفية انجراف هوجو وبودلير بعيدًا عن طريق هذه النقوش ، وما هو التأثير الكبير الذي ستحدثه رسوماته على مانيه ، وكيف سيكون ذلك في الثمانينيات من القرن التاسع عشر. سيدعو في. ستاسوف الفنانين الروس لدراسة "كوارث الحرب"

لكننا ، في ضوء ذلك ، نعرف مدى التأثير الهائل لهذا الفن "بدون أسلوب" للواقعية الجريئة والرومانسية الملهمة على الثقافة الفنية في القرنين التاسع عشر والعشرين.

يتحقق عالم الأحلام الرائع في أعماله من قبل الفنان الرومانسي الإنجليزي وليام بليك(1757-1827). كانت إنجلترا هي الأرض الكلاسيكية للأدب الرومانسي. أصبح بايرون ، شيلي راية هذه الحركة أبعد من "ضبابي ألبيون". في فرنسا ، في مجلة نقد زمن "المعارك الرومانسية" ، أطلق على الرومانسيين اسم "شكسبير". لطالما كانت السمة الرئيسية للرسم الإنجليزي هي الاهتمام بالشخصية البشرية ، مما سمح لنوع اللوحة بالتطور بشكل مثمر. ترتبط الرومانسية في الرسم ارتباطًا وثيقًا بالعاطفية. أدى اهتمام الرومانسيين في العصور الوسطى إلى ظهور أدب تاريخي كبير ، كان سيده المعروف و. سكوت. في الرسم ، حدد موضوع العصور الوسطى ظهور ما يسمى ب Pre-Raphaelites.

يعد William Blake نوعًا رائعًا من الرومانسية في المشهد الثقافي الإنجليزي. يكتب الشعر ويوضح كتبه وكتب أخرى. سعت موهبته إلى احتضان العالم والتعبير عنه في وحدة شاملة. وأشهر أعماله هي الرسوم التوضيحية "كتاب أيوب" التوراتي ، "الكوميديا ​​الإلهية" لدانتي ، "الفردوس المفقود" لميلتون. يملأ مؤلفاته بشخصيات عملاقة من الأبطال ، والتي تتوافق مع محيطهم لعالم مستنير أو وهمي غير واقعي. إن الشعور بالفخر أو الانسجام المتمرد ، الذي يصعب تكوينه من التنافر ، يطغى على رسوماته التوضيحية.

تحاول رومانسية بليك إيجاد صيغتها الفنية الخاصة وشكل وجود العالم.

ويليام بليك ، بعد أن عاش حياة من الفقر المدقع والغموض ، بعد وفاته صُنف بين مجموعة كلاسيكيات الفن الإنجليزي.

في أعمال رسامي المناظر الطبيعية الإنجليزية في أوائل القرن التاسع عشر. يتم الجمع بين الهوايات الرومانسية مع نظرة أكثر موضوعية ورصينة للطبيعة.

يخلق مناظر طبيعية مرتفعة بشكل رومانسي وليام تيرنر(1775-1851). كان يحب تصوير العواصف الرعدية والأمطار الغزيرة والعواصف في البحر وغروب الشمس الناري المشرق. غالبًا ما بالغ تيرنر في تأثيرات الإضاءة وكثف صوت الألوان حتى عندما كان يرسم حالة الطبيعة الهادئة. للحصول على تأثير أكبر ، استخدم تقنية الألوان المائية وطبق الطلاء الزيتي في طبقة رقيقة جدًا ورسمها مباشرة على الأرض ، مما أدى إلى فيضان متقزح اللون. مثال على ذلك هو الصورة “ تمطر, بخار و سرعة” (1844). لكن حتى الناقد المعروف في ذلك الوقت ، ثاكيراي ، لم يستطع أن يفهم بشكل صحيح ، ربما ، صورة مبتكرة في كل من التصميم والتنفيذ. وكتب يقول "المطر يشير إلى بقع من المعجون المتسخ" ، وتناثرت على القماش بسكين لوح ، وأشعة الشمس ذات الوميض الباهت تخترق كتل سميكة للغاية من الكروم الأصفر المتسخ. يتم نقل الظلال من خلال ظلال باردة من القرمزي kraplak وبقع الزنجفر من نغمات صامتة. وعلى الرغم من أن النار في الفرن القاطرة تبدو حمراء ، إلا أنني لا أفترض أنها ليست مرسومة بلون الكوبالت أو لون البازلاء. وجد ناقد آخر في تلوين تيرنر لون "البيض المخفوق والسبانخ". بدت ألوان الراحل تيرنر بشكل عام غير واردة تمامًا ورائعة للمعاصرين. لقد استغرق الأمر أكثر من قرن لرؤية ذرة الملاحظات الحقيقية فيهم. ولكن كما في حالات أخرى ، كان هنا. رواية غريبة عن شاهد عيان ، أو بالأحرى شاهد على ولادة

الفن الإنجليزي في منتصف القرن التاسع عشر. تم تطويره في اتجاه مختلف تمامًا عن لوحة تيرنر. على الرغم من أن مهارته كانت معروفة بشكل عام ، لم يتبعه أي من الشباب.

ثانيًا. الرومانسية في الرسم الروسي

اختلفت الرومانسية في روسيا عن أوروبا الغربية لصالح بيئة تاريخية مختلفة وتقاليد ثقافية مختلفة. لا يمكن اعتبار الثورة الفرنسية أحد أسباب حدوثها ؛ فقد كان لدائرة ضيقة جدًا من الناس أي أمل في حدوث تحولات في مسارها. وكانت نتائج الثورة مخيبة للآمال تمامًا. مسألة الرأسمالية في روسيا في بداية القرن التاسع عشر. لم يقف. لذلك ، لم يكن هناك مثل هذا السبب. كان السبب الحقيقي هو الحرب الوطنية عام 1812 ، والتي تجلت فيها كل قوة المبادرة الشعبية. لكن بعد الحرب ، لم يحصل الشعب على الإرادة. ذهب أفضل النبلاء ، غير الراضين عن الواقع ، إلى ميدان مجلس الشيوخ في ديسمبر 1825. ترك هذا الفعل أيضًا بصماته على المثقفين المبدعين. أصبحت سنوات ما بعد الحرب المضطربة هي البيئة التي تشكلت فيها الرومانسية الروسية.

عبّر الرسامون الرومانسيون الروس في لوحاتهم عن روح حب الحرية ، والعمل النشط ، وناشدوا بعاطفة ومزاجية مظاهر الإنسانية. تتميز اللوحات اليومية للرسامين الروس بالأهمية وعلم النفس ، والتعبير غير المسبوق. المناظر الطبيعية الروحية الكئيبة هي مرة أخرى نفس محاولة الرومانسيين للتغلغل في العالم البشري ، لإظهار كيف يعيش الشخص ويحلم في عالم ما دون القمر. كانت اللوحة الرومانسية الروسية مختلفة عن الأجنبية. تم تحديد ذلك من خلال الوضع التاريخي والتقاليد.

ملامح الرسم الرومانسي الروسي:

ضعفت أيديولوجية التنوير لكنها لم تنهار كما في أوروبا. لذلك ، لم يتم النطق بالرومانسية ؛

تطورت الرومانسية بالتوازي مع الكلاسيكية ، وغالبًا ما تتشابك معها ؛

Ÿ الرسم الأكاديمي في روسيا لم يستنفد بعد ؛

لم تكن الرومانسية في روسيا ظاهرة مستقرة ، وانجذب الرومانسيون إلى الأكاديميين. بحلول منتصف القرن التاسع عشر. التقاليد الرومانسية كادت أن تختفي.

بدأت الأعمال المتعلقة بالرومانسية في الظهور في روسيا بالفعل في تسعينيات القرن التاسع عشر (أعمال فيودوسي يانينكو " مسافرين, تجاوزها عاصفه" (1796), " تصوير شخصي الخامس خوذة" (1792). النموذج الأولي واضح فيها - سالفاتور روزا ، الذي يتمتع بشعبية كبيرة في مطلع القرنين الثامن عشر والتاسع عشر. في وقت لاحق ، سيكون تأثير هذا الفنان الرومانسي الأولي ملحوظًا في أعمال ألكسندر أورلوفسكي. اللصوص ومشاهد النار والمعارك رافقت حياته المهنية بأكملها. كما هو الحال في البلدان الأخرى ، أدخل الفنانون الذين ينتمون إلى الرومانسية الروسية مزاجًا عاطفيًا جديدًا تمامًا في الأنواع الكلاسيكية للبورتريه والمناظر الطبيعية ومشاهد النوع.

في روسيا ، بدأت الرومانسية تتجلى أولاً في فن البورتريه. في الثلث الأول من القرن التاسع عشر ، فقدت الاتصال مع الطبقة الأرستقراطية رفيعة المستوى. بدأت صور الشعراء والفنانين ورواد الفن وصورة الفلاحين العاديين تحتل مكانًا مهمًا. كان هذا الاتجاه واضحًا بشكل خاص في أعمال O.A. Kiprensky (1782 - 1836) و V.A. تروبينين (1776-1857).

ريحان أندريفيتش تروبينينسعى للحصول على توصيف حيوي ومريح لشخص ما ، يتم التعبير عنه من خلال صورته. « لوحة ابن» (1818), « لوحة أ. مع. بوشكين» (1827), « تصوير شخصي» (1846) لا تدهش من تشابه صورة مع الأصول الأصلية ، ولكن مع اختراق دقيق بشكل غير عادي في العالم الداخلي للشخص.

تاريخ الخلق ممتع للغاية “ لوحة بوشكين”. كالعادة ، من أجل التعارف الأول مع بوشكين ، جاء تروبينين إلى منزل سوبوليفسكي ، حيث عاش الشاعر بعد ذلك. وجده الفنان في مكتبه وهو يعبث بالجراء. في الوقت نفسه ، على ما يبدو ، تم كتابته وفقًا للانطباع الأول ، الذي قدّره تروبينين ، دراسة صغيرة. وظل بعيدًا عن أنظار مطاردوه لفترة طويلة. بعد ما يقرب من مائة عام فقط ، بحلول عام 1914 ، تم نشره بواسطة P.M. Shchekotov ، الذي كتب أنه من بين جميع صور ألكسندر سيرجيفيتش ، "ينقل معظمها ملامحه ... تمتلئ عيون الشاعر الزرقاء بتألق خاص هنا ، ودوران الرأس سريع ، وملامح الوجه معبرة ومتحركة . مما لا شك فيه ، تم التقاط الملامح الحقيقية لوجه بوشكين ، والتي نلتقي بها بشكل فردي في واحدة أو أخرى من الصور التي وصلت إلينا. ويبقى الأمر في حيرة من أمره - يضيف شيشكوتوف - لماذا لم تحظ هذه الدراسة الساحرة بالاهتمام الواجب من الناشرين وخبراء الشاعر. يفسر ذلك صفات الرسم الصغير: لم يكن هناك تألق للألوان ، ولا جمال فرشاة الفرشاة ، ولا مكتوبًا ببراعة "الدوارات" فيه. وبوشكين هنا ليست "فيتيا" مشهورة ، وليست "عبقريًا" ، بل هي قبل كل شيء رجل. وبالكاد يفسح المجال لتحليل سبب احتواء مثل هذا المحتوى البشري العظيم في مقياس زيتوني أحادي اللون ، رمادي مائل إلى الأخضر ، في عجلة ، كما لو كانت ضربات عشوائية لفرشاة لوحة فنية غير موصوفة تقريبًا.

في بداية القرن التاسع عشر ، كانت تفير مركزًا ثقافيًا مهمًا لروسيا. هنا الشباب أوريستيس كيبرينسكيالتقى أ.س.بوشكين ، الذي أصبحت صورته ، التي رُسمت لاحقًا ، لؤلؤة فن البورتريه العالمي. " لوحة بوشكين» تعتبر فرش O. Kiprensky تجسيدًا حيًا للعبقرية الشعرية. في الدوران الحازم للرأس ، في الذراعين المتقاطعتين بقوة على الصدر ، يكشف المظهر الكامل للشاعر عن شعوره بالاستقلالية والحرية. قال بوشكين عنه: "أرى نفسي في مرآة ، لكن هذه المرآة تغريني." في العمل على صورة بوشكين ، التقى تروبينين وكيبرينسكي للمرة الأخيرة ، على الرغم من أن هذا الاجتماع لا يتم بشكل مباشر ، ولكن بعد سنوات عديدة في تاريخ الفن ، حيث ، كقاعدة عامة ، صورتان لأعظم شاعر روسي تتم مقارنتها ، وتم إنشاؤها في وقت واحد ، ولكن في أماكن مختلفة - واحد في موسكو ، والآخر - في سانت بطرسبرغ. الآن هذا لقاء للسادة كبير بنفس القدر في أهميته للفن الروسي. على الرغم من أن المعجبين بكيبرينسكي يزعمون أن المزايا الفنية تكمن في جانب صورته الرومانسية ، حيث يتم تقديم الشاعر منغمسًا في أفكاره الخاصة ، وحده مع الملهمة ، فإن جنسية وديمقراطية الصورة هي بالتأكيد في جانب تروبينين بوشكين.

وهكذا ، عكست الصورتان مجالين من الفن الروسي ، مركّزين في عاصمتين. وسيكتب النقاد لاحقًا أن تروبينين كان بالنسبة لموسكو ما كان كيبرينسكي بالنسبة لسانت بطرسبرغ.

من السمات المميزة لصور كيبرينسكي أنها تُظهر السحر الروحي والنبل الداخلي للشخص. كان من المفترض أن تجسد صورة البطل ، الشجاع والشعور القوي ، شجاعة المزاج الوطني المحب للحرية لشخص روسي متقدم.

امام “ لوحة ه. الخامس. دافيدوف” يُظهر (1809) شخصية ضابط أظهر بشكل مباشر التعبير عن عبادة الشخصية القوية والشجاعة ، والتي كانت نموذجية جدًا للرومانسية في تلك السنوات. المشهد المعروض بشكل مجزأ ، حيث يتصارع شعاع من الضوء مع الظلام ، يلمح إلى القلق الروحي للبطل ، لكن على وجهه هناك انعكاس لحساسية حالمة. كان كيبرينسكي يبحث عن "الإنسان" في الشخص ، والمثل الأعلى لم يحجب السمات الشخصية لشخصية النموذج عنه.

صور Kiprensky ، إذا نظرت إليها بعين عقلك ، تظهر الثروة الروحية والطبيعية للشخص ، قوته الفكرية. نعم ، كان لديه شخصية مثالية متناغمة ، كما تحدث عنه معاصروه ، لكن كيبرينسكي لم يسعى حرفيًا إلى إبراز هذا النموذج على صورة فنية. في إنشاء صورة فنية ، انتقل من الطبيعة ، كما لو كان يقيس مدى قربها أو قربها من مثل هذه المثالية. في الواقع ، فإن العديد من الذين صورهم هم في عشية المثل الأعلى ، يسعون لتحقيقه ، في حين أن المثل الأعلى نفسه ، وفقًا لأفكار الجماليات الرومانسية ، يصعب تحقيقه ، وكل الفن الرومانسي ليس سوى طريق إليه.

من خلال ملاحظة التناقضات في روح أبطاله ، وإظهارهم في لحظات القلق من الحياة ، عندما يتغير المصير ، ويتحطم الأفكار القديمة ، ويغادر الشباب ، وما إلى ذلك ، يبدو أن كيبرينسكي يختبر مع نماذجه. ومن هنا جاءت المشاركة الخاصة لرسام البورتريه في تفسير الصور الفنية ، مما يضفي على اللوحة ظل "قلبية".

في الفترة المبكرة من الإبداع في كيبرينسكي لن ترى وجوهًا مصابة بالشك ، التحليل الذي يفسد الروح. سيأتي هذا لاحقًا ، عندما يصمد الوقت الرومانسي في خريفه ، ويفسح المجال لأمزجة ومشاعر أخرى ، عندما تنهار الآمال في انتصار المثل الأعلى المتمثل في انهيار الشخصية المتناغمة. في جميع صور القرن التاسع عشر والصور المنفذة في تفير ، يُظهر Kiprensky فرشاة جريئة ، ويبني نموذجًا بسهولة وحرية. تعقيد التقنيات ، تغيرت طبيعة الشكل من عمل إلى عمل.

جدير بالذكر أنك لن ترى النشوة البطولية على وجوه أبطاله ، بل على العكس ، معظم الوجوه حزينة إلى حد ما ، فهي تنغمس في التأملات. يبدو أن هؤلاء الناس قلقون على مصير روسيا ، فهم يفكرون في المستقبل أكثر من التفكير في الحاضر. في الصور الأنثوية التي تمثل زوجات وأخوات المشاركين في الأحداث الهامة ، لم تكافح كيبرينسكي أيضًا من أجل ابتهاج بطولي متعمد. الشعور بالراحة والطبيعة يسود. في الوقت نفسه ، يوجد الكثير من نبل الروح الحقيقي في جميع الصور. تجتذب صور النساء بكرامتهن المتواضعة وسلامة الطبيعة ؛ يمكن للمرء أن يخمن في وجوه الرجال فكرة فضوليّة ، استعدادًا للزهد. تزامنت هذه الصور مع نضوج الأفكار الأخلاقية والجمالية للديسمبريين. بعد ذلك تم تبادل أفكارهم وتطلعاتهم من قبل الكثيرين ، وكان الفنان يعرفهم ، وبالتالي يمكن القول أن صوره للمشاركين في أحداث 1812-1814 ، صور الفلاحين التي تم إنشاؤها في نفس السنوات هي نوع من الموازية الفنية للمفاهيم الناشئة عن الديسمبريسم.

أطلق الأجانب على كيبرينسكي لقب فان ديك الروسي ، وتوجد صوره في العديد من المتاحف حول العالم. أعطى خليفة أعمال Levitsky و Borovikovsky ، سلف L. Ivanov و K. Bryullov ، Kiprensky ، مع عمله ، شهرة أوروبية لمدرسة الفنون الروسية. على حد تعبير ألكسندر إيفانوف ، "كان أول من جلب الاسم الروسي إلى أوروبا ...".

الاهتمام المتزايد بشخصية الشخص ، وهو سمة من سمات الرومانسية ، حدد مسبقًا ازدهار نوع الصورة الشخصية في النصف الأول من القرن التاسع عشر ، حيث أصبحت الصورة الذاتية هي السمة الغالبة. كقاعدة عامة ، لم يكن إنشاء صورة ذاتية حلقة عشوائية. رسم الفنانون ورسموا أنفسهم مرارًا وتكرارًا ، وأصبحت هذه الأعمال نوعًا من المذكرات التي تعكس مختلف الحالات الذهنية ومراحل الحياة ، وفي نفس الوقت كانت عبارة عن بيان موجه إلى المعاصرين. لم تكن الصورة الذاتية نوعًا مخصصًا ، رسم الفنان لنفسه ، وهنا ، كما لم يكن من قبل ، كان حراً في التعبير عن الذات. في القرن الثامن عشر ، نادراً ما رسم الفنانون الروس صوراً أصلية ، فقط الرومانسية ، بعبادة الفرد ، الاستثنائي ، ساهمت في ظهور هذا النوع. يعكس تنوع أنواع الصور الذاتية تصور الفنانين لأنفسهم كشخصية غنية ومتعددة الأوجه. ثم تظهر في الدور المعتاد والطبيعي للخالق ( " تصوير شخصي الخامس المخمل يأخذ" فارنيكا ، 1810) ، ثم يغرقون في الماضي ، كما لو كانوا يحاولون ذلك على أنفسهم ( " تصوير شخصي الخامس خوذة و لاتس" F. I. Yanenko ، 1792) ، أو في أغلب الأحيان ، تظهر بدون أي سمات مهنية ، مؤكدة على أهمية وقيمة كل شخص ، متحرر ومنفتح على العالم ، على سبيل المثال ، F. A. Bruni و O. A. . الاستعداد للحوار والانفتاح ، الذي يميز الحل المجازي لأعمال 1810-1820 ، يتم استبداله تدريجياً بالتعب وخيبة الأمل والانغماس والانسحاب في النفس ( " تصوير شخصي" إم آي تيريبينيفا). انعكس هذا الاتجاه في تطوير نوع الصورة ككل.

ظهرت الصور الذاتية لـ Kiprensky ، وهو أمر جدير بالذكر ، في لحظات الحياة الحرجة ، شهدوا على صعود أو انخفاض القوة العقلية. من خلال فنه نظر الفنان إلى نفسه. ومع ذلك ، لم يستخدم ، مثل معظم الرسامين ، مرآة ؛ لقد رسم نفسه وفقًا لفكرته بشكل أساسي ، فقد أراد أن يعبر عن روحه ، ولكن ليس مظهره.

“تصوير شخصي مع فرش لكل أذن” مبني على رفض ، ورفض واضح ، من التمجيد الخارجي للصورة ، ومعياريتها الكلاسيكية وبنيتها المثالية. ملامح الوجه تقريبية. انعكاسات منفصلة للضوء تسقط على شخصية الفنان ، تنطفئ على ستارة بالكاد مرئية ، تمثل خلفية الصورة. كل شيء هنا يخضع للتعبير عن الحياة والمشاعر والحالات المزاجية. هذه نظرة على الفن الرومانسي من خلال فن تصوير الذات.

تقريبا في وقت واحد مع هذه الصورة الذاتية ، والمكتوبة “ تصوير شخصي الخامس زهري رقبه وشاح” ، حيث يتم تجسيد صورة أخرى. بدون دلالة مباشرة على مهنة الرسام. يتم إعادة إنشاء صورة الشاب ، وهو يشعر بالراحة ، بشكل طبيعي ، بحرية. السطح التصويري للقماش مصنوع بدقة. تقوم فرشاة الفنان بتطبيق الطلاء بثقة ، وترك ضربات كبيرة وصغيرة. تم تطوير التلوين بشكل رائع ، والألوان ليست ساطعة ، فهي تتحد بانسجام مع بعضها البعض ، والإضاءة هادئة: ينساب الضوء بلطف على وجه الشاب ، ويحدد ملامحه ، دون تعبير وتشوه غير ضروريين.

كان رسام بورتريه رائع آخر ا. أ. أورلوفسكي. بحلول عام 1809 ، ظهرت ورقة صورة غنية عاطفياً مثل “ تصوير شخصي” . يتم تنفيذه بضربة خالية من العصير من المتفائل والفحم (مع إبرازات الطباشير) ، “ تصوير شخصي” يجذب أورلوفسكي بنزاهته الفنية ، وتوصيف الصورة ، وفن التنفيذ. في الوقت نفسه ، يسمح للفرد بتمييز بعض الجوانب الغريبة لفن أورلوفسكي. “ تصوير شخصي” بالطبع ، ليس لدى أورلوفسكي هدف إعادة إنتاج المظهر النموذجي للفنان في تلك السنوات بدقة. أمامنا صورة متعمدة ومبالغ فيها إلى حد كبير لـ "فنان" ، يعارض "أنا" الخاصة به مع الواقع المحيط. إنه غير قلق بشأن "آداب" مظهره: لم يلمس المشط والفرشاة شعره الخصب ، على كتفه - حافة معطف واق من المطر متقلب فوق قميص المنزل بياقة مفتوحة. انعطاف حاد للرأس بنظرة "قاتمة" من تحت الحاجبين المتحولين ، قطع قريب من الصورة ، حيث يتم تصوير الوجه عن قرب ، تباين الضوء - كل هذا يهدف إلى تحقيق التأثير الرئيسي للمعارضة الشخص المصور إلى البيئة (وبالتالي للمشاهد).

إن شجاعة تأكيد الفردية - وهي واحدة من أكثر السمات تقدمية في الفن في ذلك الوقت - تشكل النغمة الأيديولوجية والعاطفية الرئيسية للصورة ، ولكنها تظهر في جانب خاص لم يكن موجودًا تقريبًا في الفن الروسي في تلك الفترة. إن تأكيد الفرد لا يذهب إلى حد كبير من خلال الكشف عن ثراء عالمها الداخلي ، ولكن من خلال رفض كل شيء من حوله. الصورة في نفس الوقت بالطبع تبدو مستنزفة ومحدودة.

يصعب العثور على مثل هذه الحلول في فن البورتريه الروسي في ذلك الوقت ، حيث ظهرت بالفعل الدوافع المدنية والإنسانية بصوت عالٍ في منتصف القرن الثامن عشر ، ولم تقطع شخصية الشخص أبدًا الروابط القوية مع البيئة. في الحلم ببنية ديمقراطية اشتراكية أفضل ، لم يكن الناس في روسيا في تلك الحقبة منفصلين بأي حال من الأحوال عن الواقع ، لقد رفضوا بوعي عبادة الفردانية "للحرية الشخصية" التي ازدهرت في أوروبا الغربية ، والتي أفسدتها الثورة البرجوازية. تجلى هذا بوضوح في فن البورتريه الروسي. يحتاج فقط للمقارنة “ تصوير شخصي” أورلوفسكي مع “ تصوير شخصي” Kiprensky ، بحيث يلفت الانتباه على الفور الاختلاف الداخلي الجاد بين رسامي البورتريه.

كما أن كيبرينسكي "بطولي" في شخصية الشخص ، لكنه يظهر قيمها الداخلية الحقيقية. في وجه الفنان ، يميز المشاهد سمات العقل القوي والشخصية والنقاء الأخلاقي.

المظهر الكامل لـ Kiprensky مغطى بنبل مذهل وإنسانية. إنه قادر على التمييز بين "الخير" و "الشر" في العالم المحيط ، ويرفض الثاني ، يحب ويقدر الأول ، يحب ويقدر الأشخاص ذوي التفكير المماثل. في الوقت نفسه ، أمامنا بلا شك شخصية قوية ، فخورة بوعي قيمة صفاته الشخصية. بالضبط نفس مفهوم الصورة الشخصية يكمن وراء الصورة البطولية المعروفة لديفيدوف لكيبرينسكي.

يقوم أورلوفسكي ، بالمقارنة مع كيبرينسكي ، بتحديد صورة "الشخصية القوية" بشكل أكثر تحديدًا وبشكل مباشر وخارجي ، بينما يركز بوضوح على فن فرنسا البرجوازية. عندما تنظر إليه “ تصوير شخصي” ، صور A. Gro ، Gericault تتبادر إلى الذهن بشكل لا إرادي. الملف الشخصي “ تصوير شخصي” أورلوفسكي في عام 1810 ، مع تقديسه لـ "القوة الداخلية" الفردية ، مع ذلك ، كان خاليًا بالفعل من شكل "مخطط تفصيلي" حاد “ تصوير شخصي” 1809 أو “ لوحة دوبورت”. في الأخير ، يستخدم أورلوفسكي ، تمامًا كما في Self-Portrait ، وضعية "بطولية" مذهلة مع حركة حادة تقريبًا متقاطعة للرأس والكتفين. يؤكد على البنية غير المنتظمة لوجه دوبورت ، وشعره الأشعث ، بهدف إنشاء صورة شخصية مكتفية ذاتيًا بطابعها العشوائي الفريد.

كتب ك. ن. باتيوشكوف: "يجب أن تكون المناظر الطبيعية صورة شخصية". التزم معظم الفنانين الذين تحولوا إلى نوع المناظر الطبيعية بهذا الإعداد في عملهم. من بين الاستثناءات الواضحة التي انجذبت نحو المناظر الطبيعية الرائعة أ. أو. أورلوفسكي ( " بحري رأي" ، 1809) ؛ إيه جي فارنيك ( " رأي الخامس محيط روما" ، 1809) ؛ P. V. حوض (" سماء في الغروب الخامس محيط روما" , " المغرب المناظر الطبيعيه" ، كلاهما - 1820). من خلال إنشاء أنواع محددة ، احتفظوا بفورية الإحساس ، والثراء العاطفي ، وتحقيق الصوت الهائل بتقنيات التركيب.

رأى يونغ أورلوفسكي في الطبيعة فقط قوى جبارة ، لا تخضع لإرادة الإنسان ، قادرة على إحداث كارثة ، كارثة. يعتبر صراع رجل مع عنصر البحر الهائج أحد الموضوعات المفضلة للفنان في فترته الرومانسية "المتمردة". أصبح محتوى رسوماته وألوانه المائية ولوحاته الزيتية من 1809-1810. يظهر المشهد المأساوي في الصورة “ حطام سفينة” (1809 (؟)). في ظلام دامس الذي حل على الأرض ، بين الأمواج الهائجة ، يتسلق الصيادون الغارقون بشكل محموم الصخور الساحلية التي تحطمت عليها سفينتهم. يحافظ على درجات اللون الأحمر الشديدة ، ويعزز الشعور بالقلق. فظيعة هي غارات الأمواج العاتية تنذر بعاصفة ، وفي صورة أخرى- “ على ال دعم البحار” (1809). كما أنها تلعب دورًا عاطفيًا كبيرًا في السماء العاصفة التي تحتل جزءًا كبيرًا من التكوين. على الرغم من أن أورلوفسكي لم يتقن فن المنظور الجوي ، إلا أن التحولات التدريجية للخطط يتم حلها هنا بشكل متناغم ولطيف. أصبح اللون أفتح. تلعب بشكل جميل على خلفية بنية ضاربة إلى الحمرة ، البقع الحمراء لملابس الصيادين. عنصر البحر القلق والقلق في الألوان المائية “ إبحار قارب” (ج 1812). وحتى عندما لا تهز الريح الشراع ولا تموج سطح الماء كما في الألوان المائية “ بحري المناظر الطبيعيه مع السفن” (ج. 1810) ، لا يترك المشاهد هاجسًا بأن عاصفة ستتبع الهدوء.

كانت المناظر الطبيعية مختلفة مع. F. شيدرين. إنها مليئة بانسجام التعايش بين الإنسان والطبيعة. (" مصطبة على ال دعم البحار. كابتشيني قرب سورينتو" ، 1827). تمتعت المناظر العديدة لنابولي من خلال فرشاته بنجاح غير عادي.

في صور رائعة و. ل. ايفازوفسكي تم تجسيد المثل الرومانسية للسكر بالنضال وقوة القوى الطبيعية ، وقدرة الروح البشرية والقدرة على القتال حتى النهاية. ومع ذلك ، تحتل المناظر البحرية الليلية مكانًا كبيرًا في تراث السيد ، وهي مخصصة لأماكن محددة حيث تفسح العاصفة المجال لسحر الليل ، وهو الوقت الذي ، وفقًا لآراء الرومانسيين ، مليء بالحياة الداخلية الغامضة ، وحيث تهدف عمليات البحث التصويرية للفنان إلى استخراج تأثيرات ضوئية غير عادية. ( " رأي أوديسا الخامس قمري ليلة" , " رأي القسطنطينية في قمري إضاءة" ، كلاهما - 1846).

تم تفسير موضوع العناصر الطبيعية والرجل الذي أخذ على حين غرة ، وهو موضوع مفضل للفن الرومانسي ، بشكل مختلف من قبل فناني 1800-1850. استندت الأعمال إلى أحداث حقيقية ، لكن لم يكن معنى الصور في إعادة سردها الموضوعي. مثال نموذجي هو لوحة Pyotr Basin " هزة أرضية الخامس جرجير دي أب قرب روما" (1830). إنه ليس مكرسًا لوصف حدث معين بقدر ما هو مخصص لتصوير الخوف والرعب لدى الشخص الذي يواجه مظهرًا من مظاهر العناصر.

كانت الرومانسية كوجهة نظر عالمية موجودة في روسيا في موجتها الأولى من نهاية القرن الثامن عشر حتى خمسينيات القرن التاسع عشر. لم يتوقف خط الرومانسية في الفن الروسي في خمسينيات القرن التاسع عشر. تم تطوير موضوع حالة الوجود ، الذي اكتشفه الرومانسيون للفن ، في وقت لاحق من قبل فنانو الورد الأزرق. كان الورثة المباشرون للرومانسيين هم بلا شك الرموز. دخلت الموضوعات الرومانسية والزخارف والأجهزة التعبيرية في فن الأنماط والاتجاهات والجمعيات الإبداعية المختلفة. تبين أن النظرة الرومانسية للعالم أو النظرة للعالم هي واحدة من أكثر النظرات حيوية وثباتًا وإثمارًا.

الرومانسية كإتجاه في الأدب

الرومانسية هي ، أولاً وقبل كل شيء ، نظرة خاصة للعالم تقوم على الإيمان بتفوق "الروح" على "المادة". المبدأ الإبداعي ، وفقًا للرومانسيين ، يحتوي على كل شيء روحي حقًا ، والذي حددوه مع الإنسان حقًا. وعلى العكس من ذلك ، فإن كل ما هو مادي ، في رأيهم ، يبرز في المقدمة ، يشوه الطبيعة الحقيقية للإنسان ، ولا يسمح لجوهره بالتجسد ، في ظروف الواقع البرجوازي ، فإنه يقسم الناس ، يصبح مصدر عداوة. بينهما ، يؤدي إلى حالات مأساوية. البطل الإيجابي في الرومانسية ، كقاعدة ، يرتفع من حيث مستوى وعيه فوق عالم المصلحة الذاتية من حوله ، يتعارض معها ، فهو يرى هدف الحياة ليس في صنع مهنة ، وليس في تكوين الثروة ، ولكن في خدمة المُثل العليا للإنسانية - الإنسانية ، والحرية ، والأخوة. الشخصيات الرومانسية السلبية ، على عكس الشخصيات الإيجابية ، تنسجم مع المجتمع ، وتكمن سلبيتها في المقام الأول في حقيقة أنها تعيش وفقًا لقوانين البيئة البرجوازية المحيطة بها. وبالتالي (وهذا مهم جدًا) ، فإن الرومانسية ليست فقط السعي وراء المثالية وإضفاء الطابع الشاعري على كل شيء جميل روحيًا ، إنها في نفس الوقت إدانة للقبيح في شكله الاجتماعي التاريخي المحدد. علاوة على ذلك ، فإن نقد الافتقار إلى الروحانية كان موجهاً للفن الرومانسي منذ البداية ، وهو ينبع من جوهر الموقف الرومانسي تجاه الحياة العامة. بالطبع ، ليس في جميع الكتاب ولا في جميع الأنواع ، فإنه يتجلى في الاتساع والشدة المناسبين. لكن المشاعر النقدية واضحة ليس فقط في دراما Lermontov أو في "القصص العلمانية" لـ V. Odoevsky ، بل تظهر أيضًا في مرثيات جوكوفسكي ، التي تكشف عن أحزان وأحزان شخص غني روحياً في ظروف روسيا الإقطاعية .

إن النظرة الرومانسية للعالم ، بسبب ازدواجيتها (انفتاح "الروح" و "الأم") ، تحدد صورة الحياة في تناقضات حادة. يعد وجود التباين من السمات المميزة لنوع الإبداع الرومانسي وبالتالي الأسلوب. الروحية والمادية في أعمال الرومانسيين تتعارض بشدة مع بعضها البعض. عادة ما يتم تصوير البطل الرومانسي الإيجابي على أنه كائن وحيد ، علاوة على ذلك ، محكوم عليه بالمعاناة في المجتمع المعاصر (Gyaur و Byron's Corsair و Kozlov's Chernets و Ryleev's Voinarovsky و Lermontov's Mtsyri وغيرها). عند تصوير القبيح ، غالبًا ما يحقق الرومانسيون مثل هذا الواقعي اليومي بحيث يصعب تمييز عملهم عن الواقعي. على أساس النظرة الرومانسية للعالم ، من الممكن ليس فقط إنشاء صور فردية ، ولكن أيضًا أعمال كاملة واقعية من حيث الإبداع.

الرومانسية لا ترحم أولئك الذين يقاتلون من أجل تمجيدهم ، ويفكرون في الإثراء أو يعانون من التعطش للمتعة ، ينتهكون القوانين الأخلاقية العالمية باسم هذا ، وينتهكون القيم الإنسانية العالمية (الإنسانية ، حب الحرية ، وغيرها) .

في الأدب الرومانسي ، هناك العديد من صور الأبطال المصابين بالفردانية (مانفريد ، لارا في بايرون ، بيتشورين ، ديمون في ليرمونتوف وغيرهم) ، لكنهم يبدون كمخلوقات مأساوية للغاية ، يعانون من الوحدة ، ويتوقون للاندماج مع عالم الناس العاديين. . الكشف عن مأساة شخص - أظهر الفردانية والرومانسية جوهر البطولة الحقيقية ، وأبدت نفسها في خدمة نكران الذات لمثل البشرية. الشخصية في الجماليات الرومانسية ليست ذات قيمة في حد ذاتها. تزداد قيمته مع زيادة الفائدة التي يجلبها للناس. يتكون تأكيد الشخص في الرومانسية ، أولاً وقبل كل شيء ، من تحرره من الفردية ، من الآثار الضارة لعلم نفس الملكية الخاصة.

في قلب الفن الرومانسي تكمن الشخصية الإنسانية ، وعالمها الروحي ، ومُثُلها ، ومخاوفها وأحزانها في ظروف نظام الحياة البرجوازي ، والتعطش إلى الحرية والاستقلال. يعاني البطل الرومانسي من الاغتراب وعدم القدرة على تغيير موقفه. لذلك ، فإن الأنواع الشعبية للأدب الرومانسي ، والتي تعكس بشكل كامل جوهر النظرة الرومانسية للعالم ، هي المآسي ، والقصائد الدرامية ، والملحمية الغنائية ، والقصائد الغنائية ، والقصص القصيرة ، والمرثية. كشفت الرومانسية عن عدم توافق كل شيء بشري حقًا مع مبدأ الملكية الخاصة للحياة ، وهذه هي أهميتها التاريخية العظيمة. لقد أدخل في الأدب مقاتلًا بشريًا ، على الرغم من هلاكه ، يتصرف بحرية ، لأنه يدرك أن النضال ضروري لتحقيق الهدف.

يتميز الرومانسيون باتساع وحجم التفكير الفني. لتجسيد أفكار ذات أهمية إنسانية عالمية ، يستخدمون الأساطير المسيحية والحكايات التوراتية والأساطير القديمة والتقاليد الشعبية. يلجأ الشعراء الرومانسيون إلى الخيال والرمزية وغيرها من الأساليب التقليدية في التصوير الفني ، مما يمنحهم الفرصة لإظهار الواقع في مثل هذا الانتشار الواسع ، وهو أمر لا يمكن تصوره تمامًا في الفن الواقعي. من غير المحتمل ، على سبيل المثال ، أنه من الممكن نقل المحتوى الكامل لـ Lermontov's The Demon ، مع الالتزام بمبدأ التصنيف الواقعي. يعانق الشاعر الكون كله بنظرته ، ويرسم مناظر طبيعية كونية ، في استنساخها ، لن يكون من المناسب استنساخ الواقعية الملموسة ، المألوفة في ظروف الواقع الدنيوي:

على محيط من الهواء

لا دفة ولا أشرعة

تطفو بهدوء في الضباب

جوقات النجوم النحيلة.

في هذه الحالة ، كانت طبيعة القصيدة أكثر اتساقًا ليس مع الدقة ، ولكن على العكس من ذلك ، مع عدم اليقين في الرسم ، والذي لا ينقل إلى حد كبير أفكار الشخص عن الكون ، ولكن مشاعره. بنفس الطريقة ، "التأريض" ، تجسيد صورة الشيطان من شأنه أن يؤدي إلى انخفاض معين في فهمه ككائن عملاق ، يتمتع بقوة خارقة.

يفسر الاهتمام بالأساليب التقليدية للتصوير الفني من خلال حقيقة أن الرومانسيين غالبًا ما يطرحون أسئلة فلسفية تتعلق بالنظرة العالمية للحل ، على الرغم من أنهم ، كما لوحظ بالفعل ، لا يخجلون من تصوير كل ما هو غير متوافق مع الحياة اليومية والرائعة. الروحاني البشري. في الأدب الرومانسي (في قصيدة درامية) ، عادة ما يتم بناء الصراع على صراع ليس بين الشخصيات ، ولكن على الأفكار ، ومفاهيم النظرة العالمية بأكملها ("مانفريد" ، "كاين" بايرون ، "بروميثيوس أنشيد" شيلي) ، والتي ، بطبيعة الحال ، قاد الفن إلى ما وراء حدود الواقعية الملموسة.

تعود عقلية البطل الرومانسي وميله إلى التفكير إلى حد كبير إلى حقيقة أنه يتصرف في ظروف مختلفة عن شخصيات رواية التنوير أو الدراما "البرجوازية الصغيرة" في القرن الثامن عشر. تصرف الأخير في المجال المغلق للعلاقات الأسرية ، احتل موضوع الحب أحد الأماكن المركزية في حياتهم. جلب الرومانسيون الفن إلى مساحات واسعة من التاريخ. لقد رأوا أن مصير الناس وطبيعة وعيهم لا تحدده البيئة الاجتماعية بقدر ما تحدده العصر ككل ، والعمليات السياسية والاجتماعية والروحية التي تحدث فيه ، والتي تؤثر بشكل حاسم على مستقبل الجميع. بشرية. وهكذا ، فإن فكرة القيمة الذاتية للفرد ، واعتماده على نفسه ، وإرادته ، انهارت ، وكشف العالم المعقد للظروف الاجتماعية والتاريخية عن مشروطيتها.

لا ينبغي الخلط بين الرومانسية كوجهة نظر عالمية ونوع من الإبداع وبين الرومانسية ، أي حلم لهدف جميل ، مع تطلع للمثالية ورغبة عاطفية في رؤيته تتحقق. يمكن للرومانسية ، اعتمادًا على آراء الشخص ، أن تكون ثورية ، وتدعو إلى الأمام ، ومحافظة ، وتشعر الماضي. يمكن أن تنمو على أساس واقعي وتكون طوباوية.

استنادًا إلى موقف تنوع التاريخ والمفاهيم الإنسانية ، يعارض الرومانسيون تقليد العصور القديمة ، ويدافعون عن مبادئ الفن الأصلي على أساس إعادة الإنتاج الصادق لحياتهم الوطنية ، وطريقة حياتهم ، وعاداتهم ، ومعتقداتهم ، إلخ.

يدافع الرومانسيون الروس عن فكرة "اللون المحلي" ، التي تتضمن تصوير الحياة في الأصالة القومية والتاريخية. كانت هذه بداية الاختراق في فن الملموسة القومية التاريخية ، مما أدى في النهاية إلى انتصار الأسلوب الواقعي في الأدب الروسي.