لوحة عصر النهضة الإيطالية - جيوتو وماساتشيو وأنجيليكو وتيتيان وجورجونيه. فنانون عصر النهضة ▲ فنانون عصر النهضة الإنجليزية

أنجليكو فرا بيتو
GIOTTO دي بوندوني
مانتينيا أندريا
بيليني جيوفاني
بوتيتشيلي ساندرو
فيرنزي باولو
دا فينشي ليوناردو
جوردون
كارباتشيو فيتوري
ميشيلانجيلو بوناروتي
رافايل سانتي
تيتيان

عصر النهضة ، أو عصر النهضة -
(النهضة الفرنسية ، ريناسيمنتو الإيطالية) -
حقبة في تاريخ الثقافة الأوروبية ،
التي حلت محل ثقافة العصور الوسطى و
تسبق ثقافة العصر الحديث.
الإطار الزمني التقريبي للعصر - القرنين الرابع عشر والسادس عشر.
السمة المميزة لعصر النهضة هي الطبيعة العلمانية للثقافة
ومركزيتها البشرية (أي المصلحة في المقام الأول ،
لشخص وأنشطته).
يظهر الاهتمام بالثقافة القديمة ،
هناك ، إذا جاز التعبير ، "ولادة جديدة" - وهكذا ظهر المصطلح.

حدث عصر النهضة بملء كلاسيكي في إيطاليا ،
في ثقافة عصر النهضة التي توجد فيها فترات ما قبل عصر النهضة
ظاهرة في مطلع القرنين الثالث عشر والرابع عشر. (Proto-Renaissance) ، عصر النهضة المبكر (القرن الخامس عشر) ،
عصر النهضة العالي (أواخر الخامس عشر - الربع الأول من القرن السادس عشر) ،
أواخر عصر النهضة (القرن السادس عشر).
في أوائل عصر النهضة ، كان التركيز على الابتكار
أصبحت المدرسة الفلورنسية بكل أشكال الفن ،
المهندسين المعماريين (F. Brunelleschi ، L.B. Alberti ، B. Rossellino ، إلخ) ،
النحاتون (L. Ghiberti ، Donatello ، Jacopo della Quercia ، A. Rossellino ،
Desiderio da Settignano ، وما إلى ذلك) ، الرسامين (Masaccio ، Filippo Lippi ،
أندريا ديل كاستانو ، باولو أوشيلو ، فرا أنجيليكو ،
ساندرو بوتيتشيلي وآخرون) التي خلقت جزءًا لا يتجزأ من البلاستيك ،
مفهوم للعالم بوحدة داخلية ،
ينتشر تدريجيا في جميع أنحاء إيطاليا
(أعمال بييرو ديلا فرانشيسكا في أوربينو ، فيتوري كارباتشيو ،
F. Cossa في Ferrara ، A. Mantegna في Mantua ، أنتونيلو دا ميسينا
وإخوانه غير اليهود وجوفاني بيليني في البندقية).
خلال عصر النهضة العالي ، عندما كان النضال من أجل الإنسانية
اتخذت مُثُل عصر النهضة طابعًا متوترًا وبطوليًا ،
تميزت العمارة والفنون البصرية بخط العرض
الصوت العام والتعميم التركيبي وقوة الصور ،
مليئة بالنشاط الروحي والجسدي.
في مباني D. Bramante ، وصل رافائيل إلى أنطونيو دا سانغالو
أوجها هو الانسجام التام والتاريخية والنسبة الواضحة ؛
امتلاء إنساني ، رحلة جريئة للخيال الفني ،
اتساع تغطية الواقع هو سمة من سمات إبداع أكبر
الفنون الجميلة لهذا العصر - ليوناردو دافنشي ،
رافائيل ، مايكل أنجلو ، جورجوني ، تيتيان.
من الربع الثاني من القرن السادس عشر ، عندما دخلت إيطاليا فترة الأزمة السياسية
وخيبة الأمل في أفكار النزعة الإنسانية ، عمل العديد من الأساتذة
اكتسبت شخصية معقدة ودرامية.
في العمارة في أواخر عصر النهضة (مايكل أنجلو ، ج. دا فيجنولا ،
Giulio Romano، V. Peruzzi) زاد الاهتمام بالتنمية المكانية
تكوين وإخضاع المبنى لمفهوم تخطيط حضري واسع ؛
في المباني العامة الغنية والمتطورة والمعابد ،
فيلا ، تغيرت التكتونية الواضحة في عصر النهضة المبكر
صراع شديد للقوى التكتونية (مباني من تصميم J. Sansovino ،
G. Alessi، M. Sanmicheli، A. Palladio).
تم إثراء الرسم والنحت في أواخر عصر النهضة
فهم الطبيعة المتناقضة للعالم والاهتمام بالصورة
عمل جماعي درامي ، للديناميات المكانية
(باولو فيرونيز ، جيه تينتوريتو ، جيه باسانو) ؛
عمق غير مسبوق وتعقيد مأساة داخلية وصلت
الخصائص النفسية للصور في الأعمال اللاحقة
مايكل أنجلو وتيتيان.

مدرسة البندقية

مدرسة البندقية ، إحدى مدارس الرسم الرئيسية في إيطاليا
تتمركز في مدينة البندقية (جزئيًا أيضًا في مدن Terrafarm الصغيرة-
مناطق البر الرئيسي المتاخمة لمدينة البندقية).
تتميز المدرسة الفينيسية بغلبة البداية الخلابة ،
اهتمام خاص بمشاكل اللون والرغبة في التنفيذ
الكمال الحسي وتألق الوجود.
بلغ أعظم ازدهار لمدرسة البندقية في ذلك العصر
عصر النهضة المبكر والعالي ، في أعمال أنتونيلو دا ميسينا ،
الذي فتح الإمكانيات التعبيرية للرسم الزيتي لمعاصريه ،
مبتكرو الصور المتناسقة المثالية لجيوفاني بيليني وجورجونيه ،
أعظم رسام تلوين تيتيان ، الذي تجسد في لوحاته
البهجة والوفرة الملونة المتأصلة في الرسم الفينيسي.
في أعمال أساتذة مدرسة البندقية في النصف الثاني من القرن السادس عشر.
البراعة في نقل الألوان المتعددة للعالم ، وحب المشاهد الاحتفالية
وحشد متعدد الأوجه يتعايش مع الدراما الصريحة والخفية ،
شعور ينذر بالخطر لديناميكيات الكون ولانهائية
(لوحة لباولو فيرونيز وجي تينتوريتو).
في 17 في مدرسة البندقية التقليدية الاهتمام بمشاكل اللون
في أعمال D. Fetti و B. Strozzi وآخرين يتعايشون مع تقنيات الرسم الباروكي ،
وكذلك الميول الواقعية بروح الكارافاجية.
للرسم الفينيسي في القرن الثامن عشر. ازدهار
اللوحة الأثرية والزخرفية (G. B. Tiepolo) ،
النوع (J.B Piazzetta ، P. Longhi) ،
موثق - دقيق للمناظر المعمارية - الرصاص
(جا كاناليتو ، بي بيلوتو) وغنائي ،
ينقل بمهارة الجو الشعري للحياة اليومية
منظر مدينة البندقية (F. Guardi).

مدرسة فلورنتين

مدرسة فلورنتين ، إحدى مدارس الفنون الإيطالية الرائدة
عصر النهضة بوسط مدينة فلورنسا.
تشكيل المدرسة الفلورنسية ، التي تشكلت أخيرًا في القرن الخامس عشر ،
ساهم في ازدهار الفكر الإنساني
(F. Petrarca ، J. Boccaccio ، Lico della Mirandola ، إلخ.) ،
تحولت إلى تراث العصور القديمة.
أصبح جيوتو مؤسس مدرسة فلورنسا في عصر النهضة البدائية ،
إعطاء مؤلفاته الإقناع البلاستيكي و
يقين حيوي.
في القرن الخامس عشر. مؤسسو فن عصر النهضة في فلورنسا
صنعه المهندس المعماري F. Brunelleschi ، النحات Donatello ،
الرسام Masaccio ، تلاه المهندس المعماري L.B. البرتي ،
النحاتون L. Ghiberti ، Luca della Robbia ، Desiderio da Settignano ،
بينيديتو دا مايانو وآخرين
في الهندسة المعمارية لمدرسة فلورنتين في القرن الخامس عشر. تم إنشاء نوع جديد
قصر النهضة ، بدأ البحث عن النوع المثالي لبناء المعابد ،
تلبية المُثُل الإنسانية للعصر.
للفنون الجميلة في مدرسة فلورنسا في القرن الخامس عشر. صفة مميزة
الشغف بمشاكل المنظور ، والسعي من أجل الوضوح اللائق
بناء شخصية بشرية
(أعمال A. del Verrocchio ، P. Uccello ، A. del Castagno ، إلخ) ،
وبالنسبة للعديد من أسيادها - روحانية خاصة وغنائية حميمة
التأمل (رسم ب.جوزولي ، ساندرو بوتيتشيلي ،
فرا أنجيليكو ، فيليبو ليبي ، بييرو دي كوزيمو ، إلخ).
عمليات البحث عن سادة القرن الخامس عشر أكمله كبار فناني عصر النهضة
ليوناردو دافنشي ومايكل أنجلو ، اللذان أثارا البحث الفني
مدرسة فلورنسا إلى مستوى جديد من الجودة. في 1520s.
يبدأ التدهور التدريجي للمدرسة ، على الرغم من حقيقة ذلك
أن عددًا من كبار الفنانين استمروا في العمل في فلورنسا
(الرسامان فرا بارتولوميو وأندريا ديل سارتو ، النحات أ. سانسوفينو) ؛
من 1530s. أصبحت مدرسة فلورنسا واحدة من المراكز الرئيسية
الفن المهذب (المهندس والرسام ج. فاساري ،
الرسامين A. Bronzino ، J. Pontormo).
في القرن السابع عشر ، انهارت المدرسة الفلورنسية.

عصر النهضة المبكر

تغطي فترة ما يسمى ب "عصر النهضة المبكر"
في إيطاليا الوقت من 1420 إلى 1500.
خلال هذه الثمانين عامًا ، لم يتم التخلي تمامًا عن الفن
من أساطير الماضي القريب ، ولكنه يحاول مزج العناصر معها ،
اقترضت من العصور القديمة الكلاسيكية.
فقط في وقت لاحق ، وشيئا فشيئا ، تحت تأثير المزيد والمزيد
وأقوى الظروف المتغيرة للحياة والثقافة ،
يتخلى الفنانون تمامًا عن أسس العصور الوسطى ويستخدمون بجرأة
أمثلة على الفن القديم كما في المفهوم العام لأعمالهم ،
وفي تفاصيلها.

بينما كان الفن في إيطاليا يسير بعزم على طريق التقليد
في العصور القديمة الكلاسيكية ، كان كذلك في بلدان أخرى
تقاليد الطراز القوطي. شمال جبال الألب وكذلك في إسبانيا ،
يأتي الإحياء فقط في نهاية القرن الخامس عشر ،
وتستمر فترته المبكرة حتى منتصف القرن المقبل تقريبًا ،
دون إنتاج أي شيء مميز بشكل خاص.

نهضة عالية

الفترة الثانية من عصر النهضة - وقت أروع تطور في أسلوبه -
المعروف باسم "النهضة العليا"
تمتد في إيطاليا من حوالي 1500 إلى 1580.
في هذا الوقت ، كان مركز ثقل الفن الإيطالي من فلورنسا
ينتقل إلى روما بفضل انضمام يوليوس الثاني إلى بابوية ،
شخص طموح وشجاع وجريء ،
جذب أفضل الفنانين الإيطاليين إلى بلاطه ،
الذي شغلهم بأعمال كثيرة وهامة وأعطاهم
للآخرين مثال على حب الفنون. مع هذا البابا وخلفائه المباشرين ،
أصبحت روما ، كما كانت ، أثينا الجديدة في زمن بريكليس:
يتم إنشاء العديد من المباني الضخمة فيه ،
يتم تنفيذ أعمال نحتية رائعة ،
يتم رسم اللوحات الجدارية واللوحات التي لا تزال تعتبر لآلئ الرسم ؛
في حين أن جميع فروع الفن الثلاثة تسير جنبًا إلى جنب ،
مساعدة بعضنا البعض والعمل المتبادل على الآخر.
تتم دراسة العصور القديمة الآن بشكل أكثر شمولاً ،
مستنسخة بمزيد من الدقة والاتساق ؛
يتم تأسيس الهدوء والكرامة بدلاً من الجمال المرعب ،
الذي كان تطلعات الفترة السابقة ؛
ذكريات القرون الوسطى تختفي تمامًا ، وهي كلاسيكية تمامًا
البصمة تقع على كل إبداعات الفن.
لكن تقليد القدماء لا يطغى على استقلالهم في الفنانين ،
وهم يتمتعون بسعة الحيلة وحيوية الخيال ،
معالجة وتطبيق ما بحرية
وهو ما يعتبر مناسبًا لاستعارة من الفن اليوناني الروماني.

أواخر عصر النهضة

الفترة الثالثة من عصر النهضة ،
فترة ما يسمى ب "أواخر عصر النهضة" ،
يتميز ببعض الرغبة العاطفية التي لا تهدأ لدى الفنانين
بشكل تعسفي تمامًا ، دون تسلسل معقول
والجمع بين الزخارف العتيقة لتحقيق جمال خيالي
المبالغة والغرور في الأشكال.
من علامات هذا الطموح الذي ولد فيه الطراز الباروكي ،
وبعد ذلك ، في القرن الثامن عشر ، ظهر أسلوب الروكوكو مرة أخرى
الفترة السابقة إلى حد كبير بسبب خطأ لا إرادي
مايكل أنجلو العظيم ، عبقريته ، لكنه شخصي للغاية
إبداع مثال خطير لموقف حر للغاية
لمبادئ وأشكال الفن القديم ؛ ولكن الآن الاتجاه
إنه عالمي.

****************************************************

أنجليكو ، FRA BEATO -
(فرا جيوفاني دا فيسول) (أنجيليكو ، فرا بيتو ؛ فرا جيوفاني دا فيزول)
(ج .1400-1455) ، رسام إيطالي لمدرسة فلورنسا.
جمعت أعماله بين المحتوى الديني العميق وتطور الأسلوب ؛
تقاليد الرسم القوطي وملامح الفن الجديد لعصر النهضة.
Fra Angelico ، الذي كان اسمه في العالم Guido di Piero ،
ولد في بلدة فيشيو في توسكانا حوالي عام 1400. في وثيقة يعود تاريخها إلى عام 1417 ،
سبق ذكره كفنان ؛ ومن المعروف أيضا
أنه قبل عام 1423 في Fiesole دخل رتبة الدومينيكان ، وحصل على اسم Fra Giovanni da Fiesole ،
وكان فيما بعد رئيس دير سان ماركو في فلورنسا.
تنسب العديد من الأعمال إلى الفترة المبكرة لعمل فرا أنجيليكو ،
تعتبر الآن أعمال طلابه ، اختلافات في مواضيع مؤلفاته.
واحدة من أولى الأعمال الرئيسية للفنان هو Linayuoli بالثلاثي من الدير
سان ماركو في فلورنسا (1433-1435) ، في الجزء الأوسط منها تمثل العذراء والطفل
على العرش وعلى الألواح الجانبية قديسان. تظهر صورة والدة الإله بشكل تقليدي ،
وفي تصوير القديسين الواقفين ، يكون تأثير لوحة ماساتشيو ملحوظًا ، بنمذجة ثقيلة وصلبة للوجوه.
في ثلاثينيات وأربعينيات القرن التاسع عشر ، كان Fra Angelico من أوائل من استخدم نوعًا جديدًا من لوحات المذبح ،
التي أصبحت شائعة جدًا خلال عصر النهضة - Sacra Conversazione (مقابلة مقدسة).
من 1438 إلى 1445 رسم الفنان دير فلورنسا في سان ماركو بلوحات جدارية.
هذا الدير ، الذي نقله البابا يوجين الرابع إلى النظام الدومينيكي ، أعاد بناءه مهندس معماري
Michelozzo بتكليف من Duke Cosimo Medici. يرتبط موضوع الجداريات بالنظام الدومينيكي ،
تاريخها ، ميثاقها ، وخاصة القديسين الموقرين.
ومن الأمثلة على ذلك اللوحات الجدارية للدير (المسيح الميت ؛ المسيح على شكل تائه ،
الذي استقبله راهبان دومينيكانيان ؛ القديس بطرس الشهيد (رئيس قديس الدومينيكان) ؛
القديس دومينيك راكعا عند الصلب).
في قاعة الفصل كتب Fra Angelico تكوينًا كبيرًا للصلب مع اثنين من اللصوص
على جانبي المسيح وحشد من القديسين من جميع عصور المسيحية ، مجتمعين عند سفح الصليب.
تحولت وجوههم الحزينة الى الارض لم ينظر احد الى المسيح.
يصور الفنان الصلب ليس كحدث تاريخي ، ولكن كصورة صوفية ،
الذين يعيشون في الوعي البشري.
تملأ اللوحات الجدارية لدير سان ماركو روح تقليد المسيح - رسالة دينية صوفية ،
كتبه أوغسطينيان الكنسي توماس كيمبي.
كما تم تزيين كل خلية بلوحات جدارية ، والتي كانت مخصصة لتنوير الإخوة ،
على سبيل المثال ، تكوين الاستهزاء بالمسيح. يتوافق مزاج هذه اللوحات الجدارية مع بساطة و
الهدوء ضبط النفس في الرسم.
قضى Fra Angelico السنوات العشر الأخيرة من حياته في روما ، حيث قام بتزيين الكنيسة بلوحات جدارية
البابا نيكولاس الخامس (1445-1448). شظايا من حياة القديس. لورانس وسانت. ستيفان.
حسب التصميم ، كانت هذه مشاهد سردية أكثر من صور الصلاة.
يستخدمون خلفيات معمارية معقدة ، حيث يتم الشعور بالمعرفة
سيد الفن القديم ، وفي إنشاءات منظور معايرة بدقة يمكن للمرء أن يرى تأثير
ماساتشيو وبرونليسكي.

تتويج العذراء مريم

عذاب القديسين. كوزماس وداميان

*********************************************

جيوتو دي بوندوني - ولد عام 1266 أو 1267
في قرية Vespignano بالقرب من فلورنسا في عائلة مالك أرض صغير.
يفترض أنه في سن العاشرة ، بدأ جيوتو في دراسة الرسم
في استوديو Cimabue ، رسام فلورنسا مشهور.
كان جيوتو مواطنًا من فلورنسا ، على الرغم من أنه عمل أيضًا في أسيزي وروما وبادوا ،
نابولي وميلانو. موهبته الفنية وفطنة العمل العملية مضمونة
هو في حالة صلبة. على الرغم من ازدهار ورشة عمل جيوتو ،
احتفظ التاريخ ببعض اللوحات التي تحمل توقيعه ،
وحتى هؤلاء ، وفقًا للخبراء ، ينتمون على الأرجح إلى فرشاة مساعديه.
تبرز شخصية جيوتو المتألقة بين الأسياد الإيطاليين في عصر النهضة ،
بادئ ذي بدء ، الميل إلى الابتكار ، لخلق أسلوب فني جديد ،
تم تحديد النمط الكلاسيكي لعصر النهضة القادم.
تجسد لوحاته فكرة الإنسانية وتحمل البدايات الأولى للإنسانية.
في 1290-99. ابتكر جيوتو الجداريات لكنيسة سان فرانسيسكو العليا في أسيزي -
25 لوحة جدارية تصور مشاهد من العهد القديم ، بالإضافة إلى حلقات من حياة فرانسيس الأسيزي
("معجزة المصدر"). تتميز اللوحات الجدارية بالوضوح والسرد غير المعقد ،
حضور التفاصيل اليومية التي تضفي الحيوية والطبيعية على المشاهد المصورة.
بعد أن رفض القانون الكنسي الذي سيطر على فن ذلك الوقت ،
يصور جيوتو شخصياته على أنها تشبه الأشخاص الحقيقيين:
بأجسام متناسبة ، ووجوه مستديرة (غير مستطيلة) ،
شكل العين الصحيح ، إلخ. لا يحلق قديسونه فوق الأرض ، بل يقفون عليها بكلتا قدميه.
إنهم يفكرون في الأرض أكثر من السماوية ، ويعانون تمامًا من المشاعر والعواطف الإنسانية.
لأول مرة في تاريخ الرسم الإيطالي ، الحالة الذهنية لأبطال اللوحة
تنتقل عن طريق تعابير الوجه والإيماءات والموقف.
بدلاً من الخلفية الذهبية التقليدية ، تصور لوحات جيوتو الجدارية منظرًا طبيعيًا ،
مجموعات داخلية أو نحتية على واجهات البازيليكا.
في كل تكوين يصور الفنان لحظة واحدة فقط من العمل ،
وليس سلسلة من المشاهد المختلفة ، كما فعل العديد من معاصريه.
في أوائل القرن الثالث عشر الميلادي. زار الفنان روما.
التعرف على اللوحات العتيقة وأعمال ب. كافاليني المتأخرة
ساهم في تشكيل طريقته الإبداعية.
تم تطوير إنجازات جيوتو الإبداعية بشكل أكبر في لوحات Scrovegni Chapel
(تشابل ديل أرينا) في بادوفا ، صنعه في 1304-06.
تقع الكنيسة الصغيرة على الجدران في 3 طبقات ،
تصور اللوحات الجدارية مشاهد من حياة يواكيم وآنا
("يواكيم بين الرعاة" ، "ذبيحة يواكيم" ، "حلم يواكيم" ، "لقاء عند باب الذهب") ،
مريم العذراء والمسيح ("عيد الميلاد" ، "عبادة المجوس" ، "رحلة إلى مصر" ،
"مذبحة الأطفال" ، "معمودية المسيح" ، "قيامة لعازر" ،
"يهوذا يتلقى أجرًا للخيانة" ، "قبلة يهوذا" ،
"حمل الصليب" ، "صلب" ، "رثاء المسيح" ، "القيامة") ،
وكذلك مشاهد من يوم القيامة.
هذه اللوحات هي العمل الرئيسي والذروة في عمل الفنان.
في 1300-02. جيوتو ينفذ جداريات في كنيسة البادية في فلورنسا.
بحلول عام 1310 - 20. يعزو الباحثون المذبح الشهير "مادونا أونيسانتي".
لم يتم التوقيع على التكوين ، لكن الباحثين ينسبونه بالإجماع إلى جيوتو.
في عشرينيات القرن الثالث عشر. يقوم جيوتو بإنشاء جداريات لمصلي بيروزي وباردي
في كنيسة سانتا كروتش الفلورنسية حول موضوعات حياة يوحنا المعمدان ،
يوحنا الإنجيلي وفرانسيس الأسيزي
("وصم القديس فرنسيس" ، "موت وصعود القديس فرنسيس").
في 1328-1333. قام جيوتو بمساعدة العديد من الطلاب بعمل لوحات في
محكمة نابولي للملك روبرت أنجو ، الذي منح الفنان لقب "حاشية".
من عام 1334 أشرف جيوتو على بناء كاتدرائية سانتا ماريا ديل فيوري
وتحصينات مدينة فلورنسا ، والتي نالت شهرة واسعة بين
المعاصرون والمواطنون في فلورنسا. يعود الفضل إلى جيوتو في مشروع Campanile
(أبراج الجرس) في كاتدرائية فلورنسا (بدأت عام 1334 ، واستمر البناء
في 1337-1343 Andrea Pisano ، اكتمل حوالي 1359 بواسطة F. Talenti).
تزوج جيوتو مرتين ولديه ثمانية أطفال.
في عام 1337 توفي جيوتو.

1 يواكيم يتقاعد في البرية

2. مادونا والطفل

3 الملاك الحزين 1

4. سانت. كلارا من أسيزي

5. وصم سانت. فرانسيس

6 شارع ستيفن

7 ولادة المسيح

8 ولادة العذراء

9- مقدمة مريم إلى الهيكل

10.Pieta ، جزء

11 والدة الإله والطفل متوجًا

12 الإنجيلي يوحنا في بطمس

مانتينيا أندريا -
(مانتيجنا ، أندريا) (حوالي 1431-1506) ،
أحد أعظم رسامي عصر النهضة في شمال إيطاليا.
جمعت مانتيجنا بين التطلعات الفنية الرئيسية لأسياد عصر النهضة في القرن الخامس عشر:
شغف بالعصور القديمة ، والاهتمام بالدقة والدقة ، وصولاً إلى أدق التفاصيل ،
انتقال الظواهر الطبيعية والإيمان غير الأناني في منظور خطي
كوسيلة لخلق وهم الفضاء على متن الطائرة.
أصبح عمله الرابط الرئيسي بين أوائل عصر النهضة في فلورنسا
وازدهار الفن في وقت لاحق في شمال إيطاليا.
ولد مانتيجنا في كاليفورنيا. 1431 ؛ بين عامي 1441 و 1445 التحق بورشة الرسامين في بادوفا
باعتباره الابن المتبنى لفرانشيسكو سكوراشون ، رسام محلي وأثري ،
عمل في ورشته حتى عام 1448.
في عام 1449 ، بدأ Mantegna في إنشاء زخرفة جدارية لكنيسة Eremitani في Padua.
في عام 1454 تزوج مانتيجنا من نيكولوسا ، ابنة الرسام الفينيسي جاكوبو بيليني ،
أخت لاثنين من سادة القرن الخامس عشر البارزين. - الوثنيون وجيوفاني بيليني.
بين عامي 1456 و 1459 رسم مذبحًا لكنيسة سان زينو في فيرونا. في عام 1460
بقبول دعوة ماركيز مانتوا لودوفيكو غونزاغا ، استقر مانتيجنا في بلاطه.
في 1466-1467 زار توسكانا ، وفي 1488-1490 روما ،
حيث قام ، بناءً على طلب البابا إنوسنت الثامن ، بتزيين مصلى الكنيسة بلوحات جدارية.
رفعت إلى مرتبة الفروسية ، واحتلت مكانة رفيعة في المحكمة ،
خدم مانتيجنا عائلة غونزاغا حتى نهاية حياته. توفي مانتيجنا في 13 سبتمبر 1506.
16 مايو 1446 تم تكليف مانتيجنا وثلاثة فنانين آخرين برسم كنيسة أويتاري
في كنيسة بادوفا في Eremitani (دمرت خلال الحرب العالمية الثانية).
ينتمي Mantegna إلى معظم الأعمال المتعلقة بإنشاء اللوحات الجدارية (1449-1455) ،
وهو أسلوبه الفني الذي يهيمن على الفرقة.
مشهد القديس جيمس أمام هيرود أغريبا في مصلى أويتاري هو مثال على الأسلوب
الفترة المبكرة للإبداع مانتيقنا.
في لوحات أخرى لمانتيجنا في ذلك الوقت ، مثل لوحة الصلاة من أجل الكأس
(لندن ، المعرض الوطني) ، لا يتم تنفيذ الشخصيات البشرية فقط بطريقة خطية صارمة ،
ولكن أيضًا منظر طبيعي ، حيث يتم بحث ورسم كل حجر وشفرة عشب بعناية بواسطة الفنان ،
والصخور تتخللها مكامن الخلل والشقوق.
مذبح كنيسة سان زينو (1457-1459) في فيرونا هو تفسير مصور
مذبح St. أنتوني ، من صنع دوناتيلو
لكاتدرائية سانت أنتوني (سانتو) في بادوفا. تم تأطير ثلاثية Mantegna ،
نفذت بنقش بارز وتقليد عناصر العمارة الكلاسيكية.
أحد أكثر الأمثلة الرائعة للرسم الخادع المكاني
Mantegna هي لوحة من Chamme degli Sposi في Palazzo Ducale في Mantua ، اكتملت عام 1474.
يتم تحويل الغرفة المربعة بصريًا بواسطة اللوحات الجدارية إلى جناح خفيف ومتجدد الهواء ،
كما لو كانت مغلقة من الجانبين بستائر مكتوبة على الجدران ، وفتح على الجانبين الآخرين
صورة فناء غونزاغا وإطلالة بانورامية في الخلفية.
تم تقسيم قبو مانتيجنا إلى مقصورات ووضعت فيها ، مؤطرة بقطعة أثرية غنية
صور تماثيل نصفية لأباطرة رومان ومشاهد من الأساطير الكلاسيكية.
يوجد في الجزء العلوي من القبو نافذة مستديرة يمكن رؤية السماء من خلالها ؛
الشخصيات ذات الثياب الثرية تنظر إلى الأسفل من الدرابزين المعطى بقطع منظور قوي.
تعتبر هذه المجموعة الجدارية رائعة ليس فقط باعتبارها واحدة من أولى المجموعات في الفن الأوروبي الجديد
أمثلة على إنشاء مساحة وهمية على متن الطائرة ، ولكن أيضًا كمجموعة حادة ودقيقة للغاية
صور مفسرة (أفراد من عائلة غونزاغا).
دورة اللوحات أحادية اللون انتصار قيصر (1482-1492) بتكليف من فرانشيسكو غونزاغا
وكان يهدف إلى تزيين مسرح القصر في مانتوفا ؛ هذه اللوحات محفوظة بشكل سيء
وهي حاليًا في هامبتون كورت بالاس في لندن.
تسع لوحات كبيرة تصور مسيرة طويلة بعدد كبير من المنحوتات العتيقة ،
الدروع والجوائز. تتوج حركتها بمسيرة احتفالية أمام القيصر المنتصر. تعكس اللوحات معرفة مانتيجنا الواسعة بالفن القديم والأدب الكلاسيكي.
في هذه الدورة وفي مادونا ديلا فيتوريا (1496 ، باريس ، اللوفر) \u200b\u200b، كتبت في ذكرى الانتصار العسكري لغونزاغا ،
وصل فن مانتيجنا إلى أعظم المعالم الأثرية. الأشكال فيها ضخمة ، والإيماءات مقنعة وواضحة ،
يتم تفسير الفضاء على نطاق واسع وبحرية.
من أجل استوديو (خزانة) إيزابيلا د "إستي ، زوجة فرانشيسكو غونزاغا ، كتب مانتيجنا مؤلفين
حول الموضوعات الأسطورية (بقي الثالث غير مكتمل): بارناسوس (1497) ومينيرفا ،
طرد الأرواح الشريرة (1502 ، كلاهما في متحف اللوفر). بعض التخفيف من أسلوب مانتيجنا ملحوظ فيها ،
المرتبطة بفهم جديد للمناظر الطبيعية. زخرفة فريسكو لمصلى بلفيدير ،
أعدمه مانتيجنا للبابا إنوسنت الثامن في عام 1488 ، للأسف أثناء ذلك
توسيع قصر الفاتيكان في عهد البابا بيوس السادس.
على الرغم من حقيقة أن سبع طبعات فقط يمكن اعتبارها تنتمي بلا شك إلى يد مانتيجنا ،
إن تأثير السيد على تطوير هذا الشكل الفني هائل. يظهر نقش مادونا والطفل
كيف يمكن أن يتواجد أسلوب الفنان بشكل عضوي في تقنية الرسم ،
مع مرونته الكامنة والحدة للخط الذي يثبت حركة قاطع النقش.
نقوش أخرى منسوبة إلى Manteigne - Battle of the Sea Gods (لندن ، المتحف البريطاني)
وجوديث (فلورنسا ، معرض أوفيزي).

1 صلب ، 1457-1460.

2. مادونا والطفل.
1457-59. شظية

3. الصلاة على الكأس.
ج 1460

4- صورة الكاردينال كارلو ميديشي.
بين عامي 1450 و 1466

5.Camera degli Spozy
كوة. 1471-74

6. كاميرا degli Spozi جزء من الجدار الشمالي.

7.Camera degli Sposi جزء من الجدار الشرقي.

8. معركة آلهة البحر.
1470s

9 شارع سيباستيان.
ج 1480

10 مادونا من الصخور
1489-90

12 مادونا ديلا فيتوريا
1496

13 بارناسوس
1497 ، اللوفر ، باريس

14. شمشون ودليلة حوالي 1500
المعرض الوطني ، لندن

****************************

بيليني جيوفاني -
بيليني ، عائلة من الرسامين الإيطاليين ،
مؤسسو فن عصر النهضة في البندقية.
رب الأسرة - جاكوبو بيليني (حوالي 1400-1470 / 71)
مع الشعر الغنائي الناعم للصور ، احتفظ بعلاقة مع تقاليد القوطية
("مادونا والطفل" ، 1448 ، غاليري بريرا ، ميلانو).
في رسوماته مليئة بالملاحظات الحية
(اسكتشات للآثار القديمة ، تخيلات معمارية) ،
يعكس الاهتمام بمشاكل المنظور ، وتأثير A. Mantegna و P. Uccello.
باسم جنتيلي بيليني (حوالي 1429-1507) ، ابن جاكوبو بيليني ،
ترتبط ولادة اللوحة التاريخية من نوع البندقية ،
("موكب في ساحة سان ماركو" ، 1496 ، "معجزة الصليب المقدس" ، 1500 ، -
كلاهما في صالة الأكاديمية ، البندقية). جيوفاني بيليني (حوالي 1430-1516) ،
الابن الثاني لجاكوبو بيليني ، أعظم معلم في مدرسة البندقية ، الذي وضع
أسس فن النهضة العليا في البندقية.
أعمال جيوفاني بيليني الحادة والباردة بالألوان بشكل كبير
(رثاء المسيح ، حوالي 1470 ، معرض بريرا ، ميلانو) بحلول نهاية سبعينيات القرن التاسع عشر
يتم استبدالها بصور واضحة بشكل متناغم ، وفيها صور بشرية فخمة
المشهد الروحاني متناسق (ما يسمى "بحيرة مادونا" ، 1490 ، أوفيزي ؛
"عيد الآلهة" ، المتحف الوطني للفنون ، واشنطن).
أعمال جيوفاني بيليني ، بما في ذلك العديد من مادونا
("مادونا والأشجار" ، 1487 ، غاليري أكاديميا ، البندقية ؛ "مادونا" ، 1488 ،
Accademia Carrara ، Bergamo) ، تتميز بالانسجام الناعم للرنين ،
كما لو كانت مشبعة بالشمس ودقة الضوء وتدرجات الظل ،
الهدوء والهدوء والتأمل الغنائي والشعر الواضح للصور.
في أعمال جيوفاني بيليني ، جنبًا إلى جنب مع التكوين الكلاسيكي
مذبح عصر النهضة (توجت مادونا محاطة بالقديسين ، 1505 ،
شكلت كنيسة سان زكريا ، البندقية) اهتمامًا كاملاً بالإنسان
(صورة لـ Doge L. Loredan ، 1502 ، المعرض الوطني ، لندن ؛
صورة للكوندوتيير ، 1480 ، المعرض الوطني ، واشنطن).

1. "القديس جورج والتنين" ، تفاصيل المذبح ، 1470

2- "مادونا اليونانية"
1460

3. "صورة شخصية كوندوتيير"
1480

4. "عيد الآلهة"
1514

5. "الصلب"
1501-1503

6. "مادونا والطفل"
1480

7. "الفضيلة"
1500

8. "القديس جيروم قراءة في الطبيعة"
1460

9. "التجلي"
1485

10. "صلاة على الكأس"
(عذاب في الحديقة) حوالي عام 1470

11. "مادونا والطفل مع بركة"
1510 ، مجموعة بريرا ، ميلان

12. "رمزية المطهر" (left.fr.)
1490-1500 ، معرض أوفيزي

13. "أربعة رموز
المثابرة والمصير "، 1490

14. "رمزية العذاب" (r.fr.)
1490-1500 ، معرض أوفيزي

15. "أربعة رموز
الحكمة والخداع "1490

16. "امرأة شابة عارية مع مرآة"
1505-1510 ، متحف Kunsthistorisches ، فيينا

****************************

بوتيتشيلي ساندرو -
[أليساندرو دي ماريانو فيليببي سليم ، أليساندرو دي ماريانو فيليببي]
(1445-1510) ، رسام إيطالي لعصر النهضة المبكر.
ينتمي إلى المدرسة الفلورنسية ، ودرس حوالي 1465-1466 مع فيليبو ليبي ؛
في 1481-1482 عمل في روما. تميزت أعمال بوتيتشيلي المبكرة بـ
بناء واضح للمساحة ، صب واضح ، الاهتمام بالتفاصيل المنزلية
("عبادة المجوس" حوالي 1476-1471). من نهاية سبعينيات القرن التاسع عشر ، بعد التقارب بين بوتيتشيلي
مع بلاط حكام فلورنسا ميديشي ودائرة الإنسانيين الفلورنسيين ،
في عمله ، تم تحسين ميزات الأرستقراطية والتطور ، تظهر اللوحات
في الموضوعات القديمة والاستعارية ، حيث يتم تشريب الصور الوثنية الحسية
روحانية شعرية غنائية سامية وفي نفس الوقت
("الربيع" ، حوالي 1477-1478 ، "ولادة كوكب الزهرة" ، حوالي 1483-1485 ، كلاهما في أوفيزي).
حيوية المشهد ، والجمال الهش للأشكال ، وموسيقى الضوء ، والخطوط المرتعشة ،
شفافية الألوان المكررة ، كما لو كانت منسوجة من ردود الفعل ، تخلق جواً فيها
حلم وخفة حزن.
في اللوحات الجدارية التي رسمها بوتيتشيلي في 1481-1482 في كنيسة سيستين بالفاتيكان
("مشاهد من حياة موسى" ، "عقاب كوريا وداتان وأبيرون" ، إلخ.)
يتم الجمع بين الانسجام المهيب للمناظر الطبيعية والعمارة العتيقة
التوتر الداخلي للحبكة ، حدة الخصائص الشخصية الكامنة فيها
إلى جانب البحث عن الفروق الدقيقة للحالة الداخلية للروح البشرية ،
وصور الحامل للسيد (صورة جوليانو ميديسي ، 1470s ، بيرغامو ؛
صورة لشاب يحمل ميدالية ، 1474 ، معرض أوفيزي ، فلورنسا).
في 1490s ، في عصر الاضطرابات الاجتماعية و الصوفية الزاهد
خطب الراهب سافونارولا ، تظهر ملاحظات الدراما في فن بوتيتشيلي
والتمجيد الديني ("التشهير" ، بعد 1495 ، أوفيزي) ، ولكن رسوماته
إلى الكوميديا \u200b\u200bالإلهية لدانتي (1492-1497 ، مكتب النقش ، برلين ، ومكتبة الفاتيكان)
مع حدة التعبير العاطفي ، فإنها تحافظ على خفة الخط ووضوح الصور في عصر النهضة.

1. "بورتريه سيمونيتا فسبوتشي" حوالي عام 1480

2. "رمزية الفضيلة"
1495

3. "تاريخ لوكريشيا"
حوالي 1500

4 - "صورة لشاب يحمل ميدالية"

5. "عيد الميلاد الصوفي"
حوالي 1500

6- "معاقبة كوريا وداثان وأبيرون"

7. "القديس أوغسطينوس المبارك"
ج 1480

8- "البشارة"
ج 1490

9. "مادونا ماجنيفيكات"
1486

10. "مادونا الرمان"
1487

11. "عشق المجوس"
مذبح الزنوبي 1475

12- القذف
1495

13. "الزهرة والمريخ"
1482-1483

14. "الربيع" 1477-1478
معرض أوفيزي ، فلورنسا

15. "مادونا الكتاب" 1485
متحف بولدي بيزولي ، ميلانو

16. "بالاس أثينا والقنطور" 1482
معرض أوفيزي ، فلورنسا

17. "ولادة فينوس" ج .1482
معرض أوفيزي ، فلورنسا

18- فريسكو من كنيسة سيستين
(تفصيل) 1482 روما ، الفاتيكان

19. "قصة Nastagio degli Onesti"
1485 برادو ، مدريد

****************************

فيرنزي باولو - (Veronese ؛ صحيح كالياري ، كالياري) باولو (1528-1588) ،
الرسام الإيطالي في أواخر عصر النهضة.
درس مع رسام فيرونا أ. باديل ؛ عملت بشكل رئيسي في البندقية ، وكذلك في فيرونا ، مانتوفا ، فيتشنزا ، بادوفا ، في عام 1560 ، ربما زار روما. يجسد الأسلوب الفني لفيرونيز ، الذي تم تطويره بحلول منتصف خمسينيات القرن الخامس عشر ، أفضل ميزات مدرسة البندقية للرسم: يتم الجمع بين الضوء والرسم الفني المتطور ومرونة الشكل مع مجموعة ألوان رائعة تعتمد على مجموعات معقدة من الألوان النقية التي توحدها لهجة فضية مضيئة.

1. "العثور على موسى"
1580

2. "إغراء القديس أنطونيوس"
1567

3. "مقتل القديس جاستن"
1573

4. "صورة دانييل باربارو"
1569

5. "المسيح والمرأة السامرية" (تفصيل)
1582

6. "الجلجلة"
1570

7. "المريخ والزهرة"
1570

8. "رمزية الحب. الخيانة"
1570

9 - "سانت لوسيا"
1580

10- المسيح في عمواس.
1570

11. "إعدام القديسين مارك ومارسيليان"
1578

12. "وليمة في بيت سيمون"
ج 1581

13. "الملائكة"
(جزء من "امرأة زيبيديا والمسيح")

14. "باثينغ سوزانا"
1570s ، اللوفر ، باريس

15. "لا تلمسني!" 1570
متحف الفن ، غرونوبل

16. "الاستحمام بثشبع" 1570
متحف الفنون الجميلة في ليون

****************************

ليوناردو دافنشي -
(ليوناردو دافنشي) (1452-1519) ،
رسام ونحات ومعماري وعالم ومهندس إيطالي.
مؤسس الثقافة الفنية لعصر النهضة العالي ،
تطور ليوناردو دافنشي كسيد ،
الدراسة في فلورنسا مع A. del Verrocchio.
أساليب العمل في ورشة عمل Verrocchio ، حيث الممارسة الفنية
تتزاوج مع التجارب التقنية ،
وكذلك الصداقة مع عالم الفلك P. Toscanelli ساهم
ولادة الاهتمامات العلمية للشباب دافنشي.

1. "مادونا العجلة الدوارة" 1501

2. "العذراء والطفل مع القديسة آن"
ج 1507

3 - "باخوس"
1510-1513

4. "يوحنا المعمدان"
1513-1517

5. "Leda and the Swan"
1490-1500

6. "مادونا القرنفل" 1473

7. "صورة بياتريس دي" إستي "
1490

8. "صورة جينيفرا بينكي"
1476

9- "البشارة"
1472-1475

10. "العشاء الأخير"
(جزء مركزي) 1495-1497 ، ميلانو

11. نسخة ترميم من لوحة العشاء الأخير الجدارية
(قطعة مركزية)

12 - "مادونا ليتا"
حوالي عام 1491 ، هيرميتاج ، سانت بطرسبرغ

13. "سيدة ذات فرو" 1485-1490
المتحف الوطني ، كراكوف

14. "بورتريه موسيقي" 1490
بيناكوتيكا أمبروسيانا ، ميلان

15. "الموناليزا" (لا جيوكوندا)
1503-1506 ، اللوفر ، باريس

16 - مادونا بينوا 1478
هيرميتاج ، سانت بطرسبرغ

17. "صورة شخصية غير معروف"
حوالي 1490 ، اللوفر ، باريس

18. "مادونا أوف ذا روكس" تقريبًا. 1511
المعرض الوطني ، لندن

****************************

GEORGONE -
(جورجونيه ؛ في الواقع جورجيو بارباريلي دا كاستلفرانكو ،
Barbarelli da Castelfranco) (1476 أو 1477-1510) ،
رسام ايطالي من المؤسسين
فن عصر النهضة السامي.
ربما درس مع جيوفاني بيليني ،
كان قريبًا من دائرة الإنسانيين الفينيسيين ،
مشهور أيضًا كمغني وموسيقي.
جنبا إلى جنب مع مؤلفات عن مواضيع دينية
("عشق الرعاة" المتحف الوطني للفنون ، واشنطن).
ابتكر جيورجيون لوحات عن موضوعات علمانية وأسطورية ،
لقد اكتسبوا أهمية سائدة في عمله.

1. "عاصفة رعدية"
1505

2. "محارب بمربيعه"
1509

3. "مادونا تتوج
والقديسين "1505

4. "مادونا في منظر طبيعي"
1503

5. "ثلاثة أعمار من الحياة"
1510

6. "مادونا الكتاب"
1509-1510

7. "العثور على موسى"
1505

8. "عبادة الرعاة"
حوالي 1505

9. "صورة أنطونيو بروكاردو"

10- "الحفلة الريفية"
1510

11. "صورة امرأة عجوز"
ج 1510

12- "سيريس"
حوالي 1508

13. "صورة لشاب"
حوالي 1506

14. "عند غروب الشمس"
1506

15. "مادونا والطفل مع القديسين"
1510

16 - "جوديث" ج. 1504
هيرميتاج ، سانت بطرسبرغ

17. "لورا" 1506
متحف تاريخ الفن ، فيينا

18. "سليبينج فينوس"
1510 ، معرض دريسدن

19. "ثلاثة فلاسفة" 1508
متحف تاريخ الفن ، فيينا

****************************

كارباتشيو فيتوري -
(كارباتشيو) فيتوري
(حوالي 1455 أو 1456 - حوالي 1526) ،
الرسام الإيطالي لعصر النهضة المبكر.
درس مع جنتيلي بيليني ؛ عملت في البندقية.
فسر كارباتشيو الأحداث المقدسة الأسطورية على أنها مشاهد حقيقية ،
منتشرة في فضاء البندقية المعاصرة ،
تشمل المناظر الطبيعية الحضرية والديكورات الداخلية ، والعديد من تفاصيل النوع ،
إعادة إحياء حياة سكان المدينة بشكل واضح (دورات من اللوحات من حياة القديسة أورسولا ، 1490-1495 ،
غاليري أكاديميا ، البندقية ، وسانت جورج وسانت جيروم ، 1502-1507 ،
Scuola di San Giorgio degli Schiavoni ، البندقية).
تتعايش الرغبة في تكوين صورة شاملة للكون في الأعمال
كارباتشيو مع قصة آسرة ،
نضارة شاعرية وساذجة إلى حد ما من التفاصيل.
ينقل بمهارة تأثير التليين لبيئة الهواء الخفيف
السبر بقع اللون المحلية ،
أعد Carpaccio الاكتشافات اللونية لمدرسة البندقية في القرن السادس عشر للرسم.

1. "وصول الحجاج
إلى كولونيا "
1490

2. "مادونا ويوحنا المعمدان والقديسين"
1498

3. "أسد القديس مرقس"
(شظية)
1516

4. "نزاع سانت ستيفن"
حياة القديس ستيفن
1514

5. "مخلص وأربعة رسل"
1480

6. "القديس جورج يقتل التنين"
1502-1508

7. "تأليه القديسة أورسولا"
1491

8. "قتل عشرة آلاف"
1515

9. "معمودية السيلانيين للقديس جورج"
1507

10 - "الفارس الصغير" 1510 ،
مجموعة Thyssen-Bornemisza ، مدريد

11. "رمزية. آلام المسيح"
1506 ، متروبوليتان ، نيويورك

12. "لقاء الحجاج مع البابا".
1493 ، معرض أكاديميا ، البندقية

13. "معجزة الصليب المقدس"
1494 ، معرض أكاديميا ، البندقية

****************************

مايكل أنجلو بوناروتي -
(مايكل أنجلو بوناروتي ؛ المعروف أيضًا باسم Michelagnolo di Lodovico di Lionardo di Buonarroto Simoni)
(1475-1564) نحات إيطالي ورسام ومعماري وشاعر
في فن مايكل أنجلو ، بقوة تعبيرية كبيرة ، تجسدوا كإنسان بعمق ،
مُثُل عصر النهضة العليا المليئة بالشفقة البطولية ، والشعور المأساوي بالأزمة
نظرة إنسانية ، من سمات أواخر عصر النهضة.
درس مايكل أنجلو في فلورنسا في ورشة عمل د. غيرلاندايو (1488-1489) و
من قبل النحات بيرتولدو دي جيوفاني (1489-1490) ،
ومع ذلك ، كانت الأهمية الحاسمة للتطور الإبداعي لمايكل أنجلو هي معرفته
مع أعمال جيوتو ، دوناتيلو ، ماساتشيو ، جاكوبو ديلا كويرسيا ،
دراسة الآثار البلاستيكية العتيقة.
إبداع مايكل أنجلو ،
التي أصبحت المرحلة النهائية الرائعة لعصر النهضة الإيطالية ،
لعب دورًا كبيرًا في تطوير الفن الأوروبي ،
أعدت إلى حد كبير تشكيل السلوك ،
كان له تأثير كبير على تشكيل مبادئ الباروك.

1- رسم على قبو كنيسة سيستين

2- القمر (الأنبياء والباباوات)

3. تفاصيل لوحة "خلق آدم".

4 - تفصيل "النبيين إرميا وإشعياء"

5. تفاصيل لوحة "خلق حواء"

6. "العائلة المقدسة" 1506

7 كنيسة سيستين
"الفيضان"

8 كنيسة سيستين
"العرافة الليبية"

9 كنيسة سيستين
"فصل النور عن الظلام"

10 كنيسة سيستين
"السقوط"

11 كنيسة سيستين
"العرافة الإريترية"

12 كنيسة سيستين
"النبي زكريا"

****************************

رافايل سانتي -
(في الواقع Raffaello Santi أو Sanzio و Raffaello Santi و Sanzio)
(1483-1520) ، رسام ومهندس إيطالي.
يتجسد في عمله بأكبر قدر من الوضوح
تمثيلات إنسانية لعصر النهضة العالي
عن شخص جميل ومثالي يعيش في وئام مع العالم ،
المثل العليا للجمال الذي يؤكد الحياة والذي يميز العصر.
أمضى رافائيل ، نجل الرسام جيوفاني سانتي ، سنواته الأولى في أوربينو ،
في 1500-1504 درس مع بيروجينو في بيروجيا.
تميزت أعمال هذه الفترة بشعر دقيق
والشعر الغنائي الناعم لخلفيات المناظر الطبيعية.
فن رافائيل الذي كان له تأثير كبير على الرسم الأوروبي السادس عشر والتاسع عشر
وجزئيًا من القرن العشرين ، احتفظ بها لقرون للفنانين والمتفرجين
قيمة السلطة الفنية والنموذج الذي لا جدال فيه.

1. "مادونا جراندوكا"
1504

2- "مادونا ديل إمباناتا"
1504

3. "مادونا باللون الأخضر"
حوالي 1508

4. "العائلة المقدسة تحت البلوط"
1518

5. "مذبح القديس نيكولاس"
(جزء) 1501

6. "معركة القديس جورج مع التنين"
1502

7. "النعم الثلاث"
1502

8. "حلم الفارس"
1502

9. "انتصار غلاطية"
1514

10. "مادونا أوف أنسايد"
حوالي 1504

11. "حمل الصليب"
1516

12. "القديس ميخائيل والتنين"
1514

13. "آدم وحواء"
1509-1511

14. "جون أراغون"
1518

15. "السيدة مع وحيد القرن"
حوالي 1502

16. "صورة مارغريتا لوتي"
1519

17. "صورة بالتازار كاستيجليون" 1515

18. "مادونا كانيدجاني" 1508
بيناكوتيك القديمة ، ميونيخ

19. "مادونا كونستابيلي" 1502-1504
هيرميتاج ، سانت بطرسبرغ

20. "رؤيا حزقيال" 1515
قصر بيتي ، فلورنسا

21- "سيستين مادونا" 1514
معرض الصور ، دريسدن

****************************

تيتيان -
(في الواقع تيزيانو فيكيليو ، تيزيانو فيكيليو) ،
(1476/77 أو 1480 - 1576) ،
الرسام الإيطالي للعصر
عصر النهضة العالي والمتأخر.
درس في البندقية مع جيوفاني بيليني ،
في ورشة العمل التي أصبح قريبًا من Giorgione ؛
عملت في البندقية ، وكذلك في بادوفا وفيرارا ومانتوا وأوربينو وروما وأوغسبورغ.
ترتبط ارتباطًا وثيقًا بدوائر الفن الفينيسية
(جيورجوني ، ج. سانسوفينو ، كاتب ب. أريتينو وآخرون) ،
أستاذ متميز في مدرسة البندقية للرسم ،
جسد تيتيان المثل الإنسانية لعصر النهضة في عمله.
فنه الذي يؤكد حياته متعدد الأوجه ،
اتساع تغطية الواقع والكشف عن صراعات العصر الدراماتيكية العميقة.
كان لتقنية الرسم لدى تيتيان تأثير استثنائي على المزيد ،
حتى القرن العشرين ، تطور الفنون الجميلة العالمية.

1. "الحب العلماني"
(الغرور) 1515

2. "ديانا وكاليستو"
1556 - 1559

3 - "باخوس وأريادن"
1523-1524

4 - "اختطاف يوروبا"
1559 - 1562

5. "السقوط"
1570

6. "فلورا"
1515

7. "Iolanta"
(لا بيلا جاتا)

8. "Federigo Gonzaga of Mantua"
1525

9. "فينوس بمرآة" 1555

10 - "داناي وكوبيد"
1546

11. "العشق الدنيوي والسماوي"
1510

12. "صورة لامرأة شابة"
حوالي 1530 ، هيرميتاج ، سانت بطرسبرغ

13. "تائب مريم المجدلية"
1560 ، هيرميتاج ، سانت بطرسبرغ

14- ديانا واكتايون 1556
نات. معرض اسكتلندا ، ادنبره

15. "Bacchanalia"
1525 ، متحف اللوفر ، باريس

16. "فينوس أوربنسكايا"
1538 ، أوفيزي ، فلورنسا

17 - "فينوس وأدونيس"
1554 ، برادو ، مدريد

****************************

لقد منحنا عصر النهضة أو عصر النهضة العديد من الأعمال الفنية الرائعة. كانت هذه فترة مواتية لتنمية الإبداع. ترتبط أسماء العديد من الفنانين الكبار بعصر النهضة. بوتيتشيلي ، مايكل أنجلو ، رافائيل ، ليوناردو دافنشي ، جيوتو ، تيتيان ، كوريجيو ليست سوى عدد قليل من أسماء المبدعين في ذلك الوقت.

يرتبط ظهور أنماط جديدة والرسم بهذه الفترة. أصبح أسلوب تصوير جسم الإنسان علميًا تقريبًا. الفنانون يسعون جاهدين للواقع - إنهم يعملون من خلال كل التفاصيل. الأشخاص والأحداث في اللوحات في ذلك الوقت تبدو واقعية للغاية.

يميز المؤرخون عدة فترات في تطور الرسم خلال عصر النهضة.

القوطية - 1200 ثانية... أسلوب شعبي في المحكمة. تميزت بالأبهة والغرور واللون المفرط. تستخدم كدهانات. كانت اللوحات من مواضيع المذبح. أشهر ممثلي هذا الاتجاه هم الفنانين الإيطاليين فيتوري كارباتشيو ، ساندرو بوتيتشيلي.

ساندرو بوتيتشيلي

عصر النهضة البدائي - القرن الثالث عشر الميلادي... في هذا الوقت ، تتم إعادة هيكلة الأعراف في الرسم. المواضيع الدينية تنحسر في الخلفية ، والمواضيع العلمانية تكتسب شعبية متزايدة. تأخذ اللوحة مكان الأيقونة. يتم تصوير الناس بشكل أكثر واقعية ، تصبح تعابير الوجه والإيماءات مهمة للفنانين. يظهر نوع جديد من الفنون الجميلة -. ممثلو هذا الوقت هم جيوتو ، بيترو لورينزيتي ، بيترو كافاليني.

عصر النهضة المبكر - 1400... ازدهار الرسم غير الديني. حتى الوجوه الموجودة على الأيقونات تصبح أكثر حيوية - تكتسب ملامح بشرية. حاول فنانون من فترات سابقة رسم مناظر طبيعية ، لكنهم خدموا فقط كخلفية للصورة الرئيسية. خلال فترة عصر النهضة المبكرة ، أصبح نوعًا مستقلاً. تستمر الصورة في التطور. يكتشف العلماء قانون المنظور الخطي ، ويبني الفنانون لوحاتهم على هذا الأساس. على لوحاتهم ، يمكنك رؤية المساحة ثلاثية الأبعاد الصحيحة. الممثلون البارزون لهذه الفترة هم ماساتشيو ، بييرو ديلا فرانشيسكو ، جيوفاني بيليني ، أندريا مانتيجنا.

عصر النهضة العالي - العصر الذهبي... تصبح نظرة الفنانين أوسع - تمتد اهتماماتهم إلى فضاء الكون ، فهم يعتبرون الإنسان مركز الكون.

في هذا الوقت ، ظهر "جبابرة" عصر النهضة - ليوناردو دافنشي ، مايكل أنجلو ، تيتيان ، رافائيل سانتي وآخرين. هؤلاء هم الأشخاص الذين لم تقتصر اهتماماتهم على الرسم. امتدت معرفتهم إلى أبعد من ذلك بكثير. كان الممثل الأبرز ليوناردو دافنشي ، الذي لم يكن رسامًا عظيمًا فحسب ، بل كان أيضًا عالمًا ونحاتًا وكاتبًا مسرحيًا. لقد ابتكر تقنيات رائعة في الرسم ، مثل "السلس" - وهم الضباب ، والذي استخدم لإنشاء "La Gioconda" الشهيرة.

ليوناردو دافنشي

أواخر عصر النهضة - انقراض عصر النهضة (منتصف القرن السادس عشر وأواخر القرن السابع عشر). هذه المرة مرتبطة بالتغيرات والأزمة الدينية. ينتهي الإزهار ، وتصبح الخطوط الموجودة على اللوحات أكثر توتراً ، وتغادر الفردية. أصبح الحشد بشكل متزايد صورة اللوحات. تنتمي الأعمال الموهوبة في ذلك الوقت إلى قلم باولو فيرونيزي جاكوبو تينوريتو.

باولو فيرونيزي

قدمت إيطاليا للعالم أكثر الفنانين موهبة في عصر النهضة ، وقد ورد ذكرهم أكثر في تاريخ الرسم. وفي الوقت نفسه ، في بلدان أخرى خلال هذه الفترة ، تطورت الرسم أيضًا وأثرت على تطور هذا الفن. رسم البلدان الأخرى خلال هذه الفترة يسمى النهضة الشمالية.

عصر النهضة العليا (أواخر الخامس عشر - الربع الأول من القرن السادس عشر) هو زمن الكمال والحرية. مثل أشكال الفن الأخرى في هذا العصر ، تتميز اللوحة بإيمان عميق بالإنسان ، في قواه الإبداعية وقوة عقله. في لوحات أساتذة عصر النهضة العليا ، تسود مُثُل الجمال والإنسانية والوئام ، الإنسان فيها هو أساس الكون.

يستخدم الرسامون في هذا الوقت بسهولة جميع وسائل الصورة: اللون ، المخصب بالهواء والضوء والظل ، والرسم ، الحر والحاد ؛ لديهم منظور ونطاق ممتازين. يتنفس الناس ويتنقلون على لوحات الفنانين ، تبدو مشاعرهم وخبراتهم عاطفية للغاية.

أعطى هذا العصر للعالم أربعة عباقرة - ليوناردو دافنشي ، رافائيل ، مايكل أنجلو ، تيتيان. في رسوماتهم ، تجلت ملامح عصر النهضة العالي - المثالية والانسجام ، جنبًا إلى جنب مع عمق وحيوية الصور - بشكل أوضح.

ليوناردو دافنشي

في 15 أبريل 1452 ، في بلدة فينشي الإيطالية الصغيرة ، التي تقع بالقرب من فلورنسا ، ولد ابن غير شرعي لكاتب العدل بييرو دا فينشي. أطلقوا عليه اسم ليوناردو دي سير بييرو دانتونيو. والدة الصبي ، كاترينا ، تزوجت لاحقًا من فلاح. لم يتخلى الأب عن الطفل غير الشرعي ، وأخذه إلى التعليم وأعطاه تعليمًا جيدًا. بعد عام من وفاة أنطونيو جد ليوناردو عام 1469 ، غادر كاتب العدل مع عائلته إلى فلورنسا.

منذ سن مبكرة ، استيقظ شغف ليوناردو بالرسم. لاحظ الأب ذلك ، فأرسل الصبي للدراسة مع أندريا فيروكيو (1435-1488) أحد أشهر أساتذة النحت والرسم والمجوهرات. كان مجد ورشة Verrocchio رائعًا بشكل غير عادي. تلقى سكان المدينة النبلاء باستمرار العديد من الأوامر لتنفيذ اللوحات والمنحوتات. لم يكن من قبيل الصدفة أن يتمتع أندريا فيروكيو بمكانة كبيرة مع طلابه. اعتبره معاصروه الخليفة الأكثر موهبة لأفكار عصر النهضة الفلورنسي في الرسم والنحت.

يرتبط ابتكار Verrocchio كفنان بشكل أساسي بإعادة التفكير في الصورة ، التي تكتسب سمات طبيعية من الرسام. نجا عدد قليل جدًا من الأعمال من ورشة عمل Verrocchio. يعتقد الباحثون أن "معمودية المسيح" الشهيرة تم إنشاؤها في هذه الورشة بالذات. بالإضافة إلى ذلك ، ثبت أن المناظر الطبيعية في خلفية اللوحة والملائكة على يسارها تنتمي إلى فرشاة ليوناردو.

بالفعل في هذا العمل المبكر ، تجلت الشخصية الإبداعية ونضج الفنان المشهور المستقبلي. تختلف المناظر الطبيعية ، التي رسمها ليوناردو ، بشكل ملحوظ عن لوحات الطبيعة التي رسمها فيروكيو نفسه. ينتمي إلى فنان شاب ، يبدو أنه يكتنفه ضباب خفيف ويرمز إلى الفضاء اللانهائي واللانهائي.

الصور التي أنشأها ليوناردو مميزة أيضًا. سمحت المعرفة العميقة بتشريح جسم الإنسان ، وكذلك روحه ، للفنان بإنشاء صور معبرة بشكل غير عادي للملائكة. ساعد إتقان مسرحية الضوء والظل الفنان على تصوير الشخصيات الحية والديناميكية. يبدو كما لو أن الملائكة تجمدوا لبعض الوقت. ستمر بضع دقائق أخرى - وسوف تعود إلى الحياة وتتحرك وتتحدث ...

يزعم مؤرخو الفن وكتّاب سيرة دافنشي أنه بحلول عام 1472 غادر ليوناردو ورشة عمل فيروكيو وأصبح أستاذًا في ورشة الرسامين. منذ عام 1480 ، التفت إلى النحت ، والذي ، وفقًا ليوناردو ، كان أبسط طريقة للتعبير عن ديناميكيات حركات جسم الإنسان. منذ ذلك الوقت ، كان يعمل في أكاديمية الفنون - وهذا هو اسم ورشة العمل الموجودة في الحديقة في ساحة سان ماركو ، والتي تم إنشاؤها بمبادرة من Lorenzo the Magnificent.

في عام 1480 ، تلقى ليوناردو من كنيسة سان دوناتو سوبيتو أمرًا للتكوين الفني "عشق المجوس".

لم يعش ليوناردو طويلاً في فلورنسا. في عام 1482 غادر إلى ميلان. ربما تأثر هذا القرار بشكل كبير بحقيقة أن الفنان لم يُدع إلى روما للعمل على لوحة كنيسة سيستين. بطريقة أو بأخرى ، سرعان ما ظهر السيد أمام دوق المدينة الإيطالية الشهيرة ، لودوفيكو سفورزا. استقبل ميلانو ليوناردو ترحيبا حارا. استقر وعاش لفترة طويلة في حي بورتا تيسينيزي. وبالفعل في العام التالي ، 1483 ، رسم مذبحًا تم طلبه من أجل كنيسة إيماكولاتا في كنيسة سان فرانسيسكو غراندي. عُرفت هذه التحفة لاحقًا باسم مادونا أوف ذا روكس.

في نفس الوقت تقريبًا ، يعمل ليوناردو على إنشاء نصب تذكاري برونزي لفرانشيسكو سفورزا. ومع ذلك ، لا يمكن للرسومات ولا الرسومات التجريبية والممثلين التعبير عن نية الفنان. ظل العمل غير مكتمل.

في الفترة من 1489 إلى 1490 ليوناردو دافنشي في يوم زفاف جيان جالياتسو سفورزا يرسم كاستيلو سفورزيسكو.

يكرس ليوناردو دافنشي كامل عام 1494 تقريبًا مهنة جديدة لنفسه - علم السوائل المتحركة. بمبادرة من نفس سفورزا ، يقوم ليوناردو بتطوير وتنفيذ مشروع لتجفيف أراضي سهل لومبارد. ومع ذلك ، في عام 1495 ، عاد أعظم معلم في الفنون الجميلة إلى الرسم. يصادف هذا العام المرحلة الأولى في تاريخ إنشاء اللوحة الجدارية الشهيرة "العشاء الأخير" ، والتي زينت جدران غرفة الطعام في الدير ، الواقعة بالقرب من كنيسة سانتا ماريا ديلي غراتسي.

في عام 1496 ، فيما يتعلق بغزو الملك الفرنسي لويس الثاني عشر لدوقية ميلانو ، غادر ليوناردو المدينة. انتقل أولاً إلى مانتوفا ثم استقر في البندقية.

منذ عام 1503 يعيش الفنان في فلورنسا ويعمل مع مايكل أنجلو على رسم لوحة قاعة المجلس الكبير في قصر سيجنوريا. كان من المفترض أن يصور ليوناردو "معركة أنغياري". ومع ذلك ، فإن السيد ، الذي دائمًا ما يكون في بحث إبداعي ، غالبًا ما يترك العمل الذي بدأه. هكذا حدث مع "معركة أنغياري" - ظلت اللوحة الجدارية غير مكتملة. يشير نقاد الفن إلى أنه تم إنشاء "La Gioconda" الشهيرة في ذلك الوقت.

من 1506 إلى 1507 ليوناردو يقيم في ميلانو. يحكم الدوق ماكسيميليان سفورزا هناك منذ عام 1512. 24 سبتمبر 1512 قرر ليوناردو مغادرة ميلانو والاستقرار مع طلابه في روما. هنا لا يقتصر دوره على الرسم فحسب ، بل يتحول أيضًا إلى دراسة الرياضيات والعلوم الأخرى.

بعد أن تلقى دعوة من الملك الفرنسي فرانسيس الأول في مايو 1513 ، انتقل ليوناردو دافنشي إلى أمبواز. هنا يعيش حتى وفاته: يرسم ، يعمل في زخرفة الأعياد ، يعمل على التطبيق العملي لمشاريع تهدف إلى استخدام أنهار فرنسا.

في 2 مايو 1519 مات الفنان الكبير. دفن ليوناردو دافنشي في كنيسة أمبواز في سان فيورنتينو. ومع ذلك ، في ذروة الحروب الدينية (القرن السادس عشر) ، تم تدمير قبر الفنان وتدميره بالكامل. لا تزال روائعه ، التي تعتبر ذروة الفنون الجميلة في القرنين الخامس عشر والسادس عشر ، كذلك حتى اليوم.

من بين لوحات دافنشي ، تحتل لوحة العشاء الأخير مكانًا خاصًا. تاريخ اللوحات الجدارية الشهيرة مثير للاهتمام ومدهش. يعود تاريخ إنشائها إلى 1495-1497. تم رسمه بأمر من رهبان الرهبان الدومينيكان ، الذين أرادوا تزيين جدران قاعة الطعام في ديرهم ، الواقع بالقرب من كنيسة سانتا ماريا ديلي غراتسي في ميلانو. تم عرض قصة إنجيلية معروفة إلى حد ما على اللوحة الجدارية: الوجبة الأخيرة ليسوع المسيح مع رسله الاثني عشر.

تم التعرف على هذه التحفة باعتبارها ذروة عمل الفنان بأكمله. صور السيد المسيح والرسل التي خلقها السيد مشرقة بشكل غير عادي ومعبرة وحيوية. على الرغم من واقعية الموقف المصور وحقيقته ، تبين أن محتوى اللوحة الجدارية مليء بالمعنى الفلسفي العميق. هنا تجسد الموضوع الأبدي للصراع بين الخير والشر والرضا عن النفس والقساوة الروحية والحقيقة والأكاذيب. الصور المستخلصة ليست فقط مجموعة من سمات الشخصية الفردية (كل فرد في كل تنوع مزاجه) ، ولكن أيضًا نوع من التعميم النفسي.

الصورة ديناميكية للغاية. يشعر المتفرجون حقًا بالإثارة التي استحوذت على جميع الحاضرين في الوجبة بعد الكلمات النبوية التي قالها المسيح حول الخيانة الوشيكة التي سيتعين على أحد الرسل ارتكابها. تبين أن اللوحة هي نوع من الموسوعة لأكثر ظلال العواطف والأمزجة البشرية دقة.

أنهى ليوناردو دافنشي العمل بسرعة مفاجئة: بعد عامين فقط ، اكتملت اللوحة بالكامل. ومع ذلك ، لم يعجب الرهبان بذلك: كانت طريقة تنفيذه مختلفة جدًا عن أسلوب الكتابة التصويرية المعتمد سابقًا. لم يكن ابتكار السيد فقط وليس كثيرًا في استخدام دهانات التركيبة الجديدة. يتم لفت الانتباه بشكل خاص إلى طريقة تصوير المنظور في الصورة. مصنوعة بتقنية خاصة ، توسع اللوحة الجدارية وتوسع المساحة الحقيقية. لدى المرء انطباع بأن جدران الغرفة الموضحة في اللوحة هي استمرار لجدران قاعة طعام الدير.

لم يقدر الرهبان ولم يفهموا النية الإبداعية للفنان وإنجازاته ، لذلك لم يهتموا كثيرًا بالحفاظ على الصورة. بعد عامين من رسم اللوحة الجدارية ، بدأت دهاناتها تتدهور وتتلاشى ، وبدا أن سطح الجدار مع الصورة المطبقة عليه مغطى بأجمل المواد. حدث ذلك من جهة لسوء نوعية الدهانات الجديدة ، ومن جهة أخرى بسبب التعرّض المستمر للرطوبة والهواء البارد والبخار الذي يخترق مطبخ الدير. تم إفساد مظهر اللوحة تمامًا عندما قرر الرهبان قطع مدخل إضافي لقاعة الطعام في الحائط باللوحة الجدارية. نتيجة لذلك ، تم تقطيع الصورة من الأسفل.

تم تنفيذ محاولات استعادة التحفة منذ القرن الثالث عشر. ومع ذلك ، فقد كانوا جميعًا بلا جدوى ، ولا يزال الطلاء يتدهور. والسبب في ذلك حاليا هو تدهور الوضع البيئي. تتأثر جودة اللوحات الجدارية بزيادة تركيز غازات العادم في الهواء ، وكذلك المواد المتطايرة المنبعثة في الغلاف الجوي من المصانع والنباتات.

يمكننا الآن أن نقول أن العمل المبكر في ترميم اللوحة لم يكن فقط غير ضروري ولا معنى له ، بل كان له جانبه السلبي أيضًا. في عملية الترميم ، غالبًا ما ينتهي الفنانون من رسم اللوحة الجدارية ، وتغيير مظهر الشخصيات على القماش والداخلية المصورة. لذلك ، أصبح معروفًا مؤخرًا أن أحد الرسل لم يكن له لحية طويلة ملتوية. بالإضافة إلى ذلك ، تبين أن اللوحات السوداء المرسومة على جدران قاعة الطعام ليست أكثر من سجاد صغير. فقط
في القرن العشرين. تمكنت من معرفة الزخرفة واستعادتها جزئيًا.

قرر المرممون الحديثون ، ومن بينهم المجموعة التي يرأسها كارلو بيرتيلي ، استعادة المظهر الأصلي للجص ، وتحريره من العناصر المطبقة لاحقًا.

ظل موضوع الأمومة ، صور أم شابة معجبة بطفلها ، لفترة طويلة مفتاحًا في عمل السيد العظيم. روائع حقيقية هي لوحاته "مادونا ليتا" و "مادونا مع زهرة" ("مادونا بينوا"). حاليا "مادونا ليتا" محفوظة في متحف الأرميتاج الحكومي في سانت بطرسبرغ. اشترى الإمبراطور الروسي ألكسندر الثاني اللوحة في عام 1865 من عائلة الدوق الإيطالي أنطونيو ليتا ، والتي كانت قد تبرعت بها من قبل من دوقات فيسكونتي. بأمر من القيصر الروسي ، تم نقل اللوحة من شجرة إلى لوحة قماشية وتم تعليقها في إحدى قاعات متحف سانت بطرسبرغ الشهير.

يعتقد علماء الفن (وقد أثبت البحث العلمي ذلك) أن العمل على إنشاء اللوحة لم يكمله المؤلف نفسه. أكمله بولترافيو ، أحد طلاب ليوناردو.

اللوحة القماشية هي التعبير الأكثر حيوية عن موضوع الأمومة في رسم عصر النهضة. صورة مادونا الأم خفيفة وروحية. النظرة الموجه إلى الطفل لطيفة بشكل غير عادي ، فهي تعبر عن و
الحزن والسلام والسلام الداخلي. الأم والطفل هنا يشكلان عالمهما الفريد الخاص بهما ، ويشكلان وحدة متكاملة واحدة. يمكن التعبير عن الفكرة من خلال الصورة بالكلمات التالية: كائنان حيان ، أم وطفل ، يحتويان على أساس ومعنى الحياة.

صورة مادونا مع طفل بين ذراعيها هائلة. يمنحها الكمال والرقي انتقالًا خاصًا وسلسًا للضوء والظل. يتم التأكيد على رقة وهشاشة الشكل من خلال ستائر العباءة المكسوة بأكتاف المرأة. تتوازن صور النوافذ في الخلفية وتكمل التكوين ، مع التأكيد على فصل أحبائهم عن بقية العالم.

تم شراء لوحة مادونا مع زهرة (مادونا بينوا) ، حوالي عام 1478 ، من آخر مالكيها الروس من قبل القيصر نيكولاس الثاني في عام 1914 خصيصًا لمتحف هيرميتاج. ظل أصحابها الأوائل مجهولين. لا يوجد سوى أسطورة تقول أن ممثلًا إيطاليًا متجولًا أحضر الصورة إلى روسيا ، وبعد ذلك اشتراها التاجر سابوجنيكوف في سامارا عام 1824. في وقت لاحق ، ورثت اللوحة من الأب لابنته ، M.A.Sapozhnikova (متزوج من Benoit) ، والتي اشتراها الإمبراطور. ومنذ ذلك الحين ، تحمل اللوحة اسمين: "مادونا مع زهرة" (المؤلف) و "مادونا بينوا" (باسم المالك الأخير).

تعكس الصورة ، التي تصور والدة الإله والطفل ، المشاعر الأرضية العادية للأم التي تلعب مع طفلها. المشهد كله مبني على التباين: أم تضحك وطفل يفحصان الزهرة بجدية. يُظهر الفنان ، الذي يركز على هذه المعارضة تحديدًا ، تطلع الشخص إلى المعرفة ، خطواته الأولى على طريق الحقيقة. هذه هي الفكرة الرئيسية للقماش.

تضفي لعبة الضوء والظل نغمة خاصة وحميمة على التكوين بأكمله. الأم والطفل في عالمهما الخاص ، منفصلين عن صخب الأرض. على الرغم من بعض الزوايا والصلابة للستائر المصورة ، من السهل التعرف على فرشاة ليوناردو دافنشي من خلال التحولات السلسة والناعمة لظلال الألوان المستخدمة ومجموعات القطع. اللوحة القماشية مطلية بألوان ناعمة وهادئة ومستدامة في نظام لون واحد ، وهذا يعطي الصورة طابعًا ناعمًا ويثير شعورًا بالانسجام والهدوء الكونيين.

ليوناردو دافنشي هو معلم معترف به في فن البورتريه. ومن أشهر لوحاته "سيدة ذات إرمين" (حوالي 1483-1484) و "بورتريه لموسيقي".

يقترح نقاد الفن والمؤرخون أن لوحة "سيدة مع إرمين" تصور سيسيليا جاليراني ، المفضلة السابقة لدوق ميلانو لويس مورو قبل زواجه. هناك أدلة على أن سيسيليا كانت امرأة متعلمة جدًا ، وهو أمر نادر جدًا في ذلك الوقت. بالإضافة إلى ذلك ، يعتقد المؤرخون وكتاب السيرة الذاتية للفنانة الشهيرة أنها كانت على دراية وثيقة ليوناردو دافنشي ، الذي قرر ذات مرة رسم صورتها.

لقد وصلت هذه اللوحة إلينا فقط في نسخة معاد كتابتها ، وبالتالي شك العلماء لفترة طويلة في تأليف ليوناردو. ومع ذلك ، فإن الأجزاء المحفوظة جيدًا من اللوحة والتي تصور فروة الرأس ووجه امرأة شابة تجعل من الممكن التحدث بثقة عن أنماط السيد العظيم دافنشي. ومن المثير للاهتمام أيضًا أن الخلفية المظلمة الكثيفة ، بالإضافة إلى بعض تفاصيل تصفيفة الشعر ، هي رسومات إضافية تم إجراؤها لاحقًا.

"سيدة مع إرمين" هي واحدة من ألمع اللوحات النفسية في معرض بورتريه الفنان. يعبر الشكل الكامل للفتاة عن الديناميكية ، والسعي إلى الأمام ، ويشهد على شخصية بشرية قوية الإرادة وقوية بشكل غير عادي. تؤكد ملامح الوجه الصحيحة فقط على هذا.

الصورة معقدة ومتعددة الأوجه حقًا ، ويتحقق الانسجام واكتمال الصورة من خلال دمج عدة عناصر معًا: تعابير الوجه ، وتدوير الرأس ، وموضع اليد. تعكس عيون المرأة عقلًا غير عاديًا وطاقة وبصيرة. شفاه مضغوطة بإحكام ، وأنف مستقيم ، وذقن حاد - كل شيء يؤكد الإرادة والتصميم والاستقلال. إن المنعطفات الرشيقة للرأس ، والرقبة المفتوحة ، واليد بأصابع طويلة تداعب الحيوان الرشيق تؤكد هشاشة ونحافة الشكل بأكمله. وليس من قبيل المصادفة أن السيدة تحمل فقمًا بين ذراعيها. الفراء الأبيض للحيوان ، مثل الثلج الأول ، هنا يرمز إلى النقاء الروحي لامرأة شابة.

الصورة ديناميكية بشكل مدهش. تمكن السيد من التقاط اللحظة بدقة عندما يجب أن تنتقل إحدى الحركة بسلاسة إلى أخرى. لذلك يبدو أن الفتاة على وشك أن تعود للحياة ، أدر رأسها وستنزلق يدها على طول الفراء الناعم للحيوان ...

يتم إعطاء التعبير الاستثنائي للتكوين من خلال وضوح الخطوط التي تشكل الأشكال ، وكذلك إتقان واستخدام تقنية انتقال الضوء في الظل ، بمساعدة الأشكال التي يتم إنشاؤها على القماش.

"بورتريه للموسيقي" هي اللوحة الوحيدة للذكور من بين روائع ليوناردو دافنشي. يتعرف العديد من الباحثين على النموذج مع فرانشينو جافوريو ، مدير الجوقة في ميلانو. ومع ذلك ، دحض عدد من العلماء هذا الرأي ، قائلين إنه ليس الوصي الذي يصور هنا ، بل شاب عادي ، موسيقي. على الرغم من وجود بعض التفاصيل المتأصلة في تقنية الرسم لدى دافنشي ، لا يزال نقاد الفن يشككون في تأليف ليوناردو. على الأرجح ، ترتبط هذه الشكوك باستخدام العناصر المميزة للتقاليد الفنية للرسامي اللومبارديين على القماش.

تذكر تقنية الصورة من نواح كثيرة بعمل أنتونيلو دا ميسينا. على خلفية الشعر المجعد المورق ، تبرز خطوط واضحة وصارمة للوجه بشكل حاد إلى حد ما. يظهر الشخص الذكي ذو الشخصية القوية أمام الجمهور ، على الرغم من أنه في نفس الوقت يمكن للمرء أن يمسك بشيء ما ، روحانيًا. ربما في هذه اللحظة يولد لحن إلهي جديد في روح الموسيقي ، والذي سيفوز بعد فترة بقلوب الكثير من الناس.

ومع ذلك ، لا يمكن للمرء أن يقول أن الفنان يحاول تمجيد شخص بشكل مصطنع. ينقل السيد بمهارة ومهارة كل ثروة واتساع الروح البشرية ، دون اللجوء إلى المبالغة والشفقة.

واحدة من أشهر اللوحات التي رسمها دافنشي هي مادونا أوف ذا روكس الشهيرة (1483-1493). صنعه ليوناردو لرهبان كنيسة سان فرانسيسكو غراندي في ميلانو. كان الغرض من التكوين هو تزيين المذبح في كنيسة إيماكولات.

هناك نسختان من اللوحة ، إحداهما محفوظة في متحف اللوفر في باريس ، والأخرى في المتحف الوطني في لندن.

كان متحف اللوفر مادونا أوف ذا روكس هو الذي زين مذبح الكنيسة. يقترح العلماء أن الفنان نفسه أعطاها للملك الفرنسي لويس الثاني عشر. لقد فعل ذلك ، بحسب المؤرخين ، كعربون امتنان لمشاركة الملك في حل النزاع الذي نشأ بين زبائن اللوحات وفناني الأداء.

تم استبدال النسخة المعروضة بلوحة أخرى موجودة الآن في معرض لندن الوطني. في عام 1785 اشتراها هاملتون وأحضرها إلى إنجلترا.

السمة المميزة لمادونا أوف ذا روكس هي اندماج الشخصيات البشرية مع المناظر الطبيعية. هذه هي اللوحة الأولى للفنان العظيم ، حيث تتشابك صور القديسين بشكل متناغم مع الطبيعة ، مستوحاة من وجودهم. لأول مرة في عمل السيد ، تم تصوير الأشكال ليس على خلفية أي عنصر من عناصر الهيكل المعماري ، ولكن كما لو كانت محاطة بمناظر طبيعية صخرية قاسية. يتم إنشاء هذا الشعور أيضًا في التكوين بسبب اللعب الخاص للضوء والظلال المتساقطة.

يتم تقديم صورة مادونا هنا ، روحانية وغير عادية بشكل غير عادي. يسقط نور خافت على وجوه الملائكة. رسم الفنان الكثير من الرسومات والرسومات قبل ظهور شخصياته وأصبحت صورهم مشرقة ومعبرة. تصور إحدى الرسومات رأس ملاك. لا نعرف ما إذا كانت فتاة أم فتى. ولكن يمكن قول شيء واحد على وجه اليقين: هذا مخلوق خفي ، مليء بالحنان واللطف والنقاء. الصورة كاملة مشبعة بشعور من الهدوء والتهدئة والصمت.

يختلف الإصدار ، الذي كتبه السيد لاحقًا ، عن الأول في عدد من التفاصيل: تظهر الهالات فوق رؤوس القديسين ، ويوحنا المعمدان الصغير يحمل صليبًا ، ويتغير وضع الملاك. وأصبحت تقنية الإعدام نفسها أحد أسباب عزو تأليف الصورة إلى طلاب ليوناردو. هنا يتم عرض جميع الأشكال بشكل أقرب ، على نطاق أوسع ، بالإضافة إلى الخطوط التي تشكلها أكثر وضوحًا ، بل وثقيلة ، وأكثر تحديدًا. يتم إنشاء هذا التأثير عن طريق زيادة سماكة الظلال وإبراز أماكن محددة في التكوين.

النسخة الثانية من الصورة ، حسب نقاد الفن ، عادية ودنيوية. ربما كان السبب في ذلك حقيقة أن اللوحة قد أكملها طلاب ليوناردو. ومع ذلك ، هذا لا ينتقص من قيمة اللوحة القماشية. نية الفنان واضحة للعيان فيه ، تقليد السيد في إنشاء الصور والتعبير عنها يتم تتبعه جيدًا.

ليس أقل إثارة للاهتمام هو تاريخ اللوحة الشهيرة ليوناردو دافنشي "البشارة" (1470). يعود إنشاء اللوحة إلى الفترة المبكرة من عمل الفنان ، إلى وقت دراسته وعمله في استوديو Andrea Verrocchio.

يتيح عدد من عناصر تقنية الكتابة التصريح بثقة أن مؤلف التحفة الفنية الشهيرة هو ليوناردو دافنشي واستبعاد مشاركة Verrocchio أو طلابه الآخرين في كتابتها. ومع ذلك ، فإن بعض التفاصيل في التكوين هي سمة من سمات التقاليد الفنية لمدرسة Verrocchio. هذا يشير إلى أن الرسام الشاب ، على الرغم من الأصالة والموهبة التي ظهرت بالفعل في ذلك الوقت ، كان لا يزال إلى حد ما تحت تأثير معلمه.

تكوين اللوحة بسيط للغاية: منظر طبيعي ، فيلا ريفية ، شخصيتان - ماري وملاك. في الخلفية
نرى السفن وبعض المباني والميناء. إن وجود مثل هذه التفاصيل ليس سمة كاملة لعمل ليوناردو ، وليست العناصر الرئيسية هنا أيضًا. بالنسبة للفنان ، من الأهمية بمكان إظهار الجبال المخفية في الضباب الضبابي الموجود في المسافة ، والسماء المضيئة شبه الشفافة. الصور المفعمة بالعاطفة لامرأة شابة تنتظر الأخبار السارة وملاك هي في غاية الجمال والعطاء. يتم الحفاظ على خطوط أشكالها بطريقة دافنشي ، مما جعل من الممكن في وقت ما تحديد اللوحة القماشية على أنها تحفة فنية تنتمي إلى فرشاة ليوناردو المبكرة.

تقنية تنفيذ التفاصيل الصغيرة هي أيضًا سمة مميزة لتقليد السيد الشهير: مقاعد مصقولة ، حاجز حجري ، حامل كتب ، مزين بفروع ملتوية بشكل خيالي من نباتات الجنيات. بالمناسبة ، يعتبر تابوت قبر جيوفاني وبييرو ميديتشي ، الذي تم تثبيته في كنيسة سان لورنزو ، نموذجًا أوليًا لهذا الأخير. هذه العناصر ، المتأصلة في مدرسة Verrocchio وخصائص هذه الأخيرة ، أعاد دافنشي التفكير فيها إلى حد ما. هم أحياء ، ضخمة ، منسوجة بانسجام في التكوين العام. يبدو أن المؤلف قد حدد لنفسه هدفًا ، معتمداً على ذخيرة معلمه ، للكشف عن عالم موهبته ، باستخدام أسلوبه الخاص ووسائل التعبير الفنية.

حاليًا ، يوجد أحد أشكال اللوحة في معرض أوفيزي في فلورنسا. النسخة الثانية من التكوين محفوظة في متحف اللوفر في باريس.

تم بناء لوحة اللوفر بشكل أكثر تعقيدًا إلى حد ما من نسختها السابقة. هنا ، تظهر الخطوط الصحيحة هندسيًا لجدران الحاجز الحجري بوضوح ، ويتكرر نمطها بواسطة المقاعد الموجودة خلف تمثال مريم. يتم وضع الصور في المقدمة في التكوين بشكل مناسب ومنطقي. ملابس مريم والملاك ، بالمقارنة مع النسخة الأولى ، مكتوبة بشكل أكثر تعبيرًا واتساقًا. ماريا ورأسها منحنٍ إلى أسفل ، مرتديةً ثوبًا أزرق داكن مع عباءة زرقاء سماوية ملفوفة على كتفيها ، تبدو وكأنها مخلوق غير أرضي. تضيء الألوان الداكنة للزي وتطلق بياض وجهها. لا تقل تعبيرا عن صورة الملاك الذي جلب الأخبار السارة لمادونا. عباءة حمراء عميقة مخملية صفراء مع ستائر تنحدر بسلاسة إلى أسفل تكمل الصورة الرائعة لملاك لطيف.

من الأمور ذات الأهمية الخاصة في التكوين المتأخر المناظر الطبيعية ، التي رسمها السيد بمهارة: خالية من أي اتفاقية ، الأشجار تنمو في المسافة ، تقريبًا مرئية حقًا ، زرقاء فاتحة ، سماء شفافة ، جبال مخفية بضباب خفيف ، أزهار نضرة تحت القدمين من الملاك.

تشير لوحة "القديس جيروم" إلى فترة عمل ليوناردو دافنشي في استوديو أندريا فيروكيو (ما يسمى بالفترة الفلورنسية لعمل الفنان). ظلت اللوحة غير مكتملة. الموضوع الرئيسي للتكوين هو بطل وحيد ، آثم تائب. كان جسده جافًا من الجوع. إلا أن نظرته المليئة بالعزيمة والإرادة هي تعبير حي عن صمود الإنسان وقوته الروحية. لن نجد ازدواجية أو غموضًا في الرؤية في أي صورة أنشأها ليوناردو.

تعبر الشخصيات في رسوماته دائمًا عن أعلى درجة من العاطفة والشعور العميقين.

يتضح أيضًا تأليف ليوناردو من خلال رأس الناسك الملون ببراعة. ليس انتشارًا عاديًا تمامًا يتحدث عن إتقان ممتاز لتقنية الرسم ومعرفة السيد بتعقيدات تشريح جسم الإنسان. على الرغم من أنه من الضروري إجراء حجز صغير: من نواح كثيرة ، يتبع الفنان تقاليد أندريا ديل كاستاغنو ودومينيكو فينيزيانو ، والتي تأتي بدورها من أنطونيو بولايولو.

شخصية جيروم معبرة بشكل غير عادي. يبدو أن الناسك الراكع موجه للأمام. على اليمين
يمسك بحجر في يده لحظة أخرى - فيضرب بها نفسه على صدره ، فيجلد جسده ويلعن روحه على خطاياه ...

البناء التركيبي للصورة مثير للاهتمام أيضًا. كل ذلك يبدو أنه محاط بشكل حلزوني ، يبدأ من الصخور ، ويستمر بشكل أسد ، يقع عند قدمي التائب ، وينتهي بصورة ناسك.

ولعل أشهر روائع الفنون الجميلة العالمية هي "لا جيوكوندا". حقيقة مثيرة للاهتمام هي أنه بعد الانتهاء من العمل على اللوحة ، لم ينفصل الفنان عنها حتى وفاته. في وقت لاحق ، وصلت اللوحة إلى الملك الفرنسي فرانسيس الأول ، الذي وضعها في متحف اللوفر.

يتفق جميع علماء الفن على أن اللوحة رُسمت في عام 1503. ومع ذلك ، لا يزال هناك جدل حول النموذج الأولي للفتاة التي تظهر في الصورة. يُعتقد (يأتي التقليد من كاتب السيرة الذاتية الشهير جورجيو فاساري) أن الصورة تصور زوجة مواطن فلورنسي فرانشيسكو دي جيوكوندو ، الموناليزا.

بالنظر إلى الصورة يمكننا القول بثقة أن الفنان قد حقق الكمال في تكوين صورة بشرية. هنا ينحرف السيد عن الطريقة المقبولة والواسعة الانتشار لأداء صورة. تم رسم La Gioconda على خلفية فاتحة ، علاوة على ذلك ، يتم تدويرها في ثلاثة أرباع دورة ، وتوجه نظرتها مباشرة إلى المشاهد - كان هذا جديدًا في فن البورتريه في ذلك الوقت. بفضل المناظر الطبيعية المفتوحة ، الواقعة خلف ظهر الفتاة ، تبين أن شكل الأخير ، كما كان ، جزء من المناظر الطبيعية ، يندمج معه بانسجام. يتم تحقيق ذلك بفضل التقنية الفنية والرسومات الخاصة التي ابتكرها ليوناردو واستخدمها في عمله - sfumato. يكمن جوهرها في حقيقة أن الخطوط الكنتورية تم تحديدها بشكل غير واضح ، وهي غير واضحة ، وهذا يخلق في التكوين شعورًا بالاندماج والتداخل بين أجزائه الفردية.

في الصورة ، تصبح مثل هذه التقنية (اندماج شخصية بشرية ومناظر طبيعية واسعة النطاق) طريقة للتعبير عن فكرة فلسفية: عالم الإنسان ضخم وواسع النطاق ومتنوع مثل عالم الطبيعة من حولنا . ولكن ، من ناحية أخرى ، يمكن تقديم الموضوع الرئيسي للتكوين على أنه استحالة المعرفة الكاملة للعقل البشري بالعالم الطبيعي. بهذا الفكر يربط العديد من نقاد الفن بالابتسامة الساخرة التي تجمدت على شفاه الموناليزا. يبدو أنها تقول: "كل الجهود التي يبذلها الإنسان لمعرفة العالم بلا جدوى وعبثية".

تعتبر صورة La Gioconda ، وفقًا لعلماء الفن ، واحدة من أعظم إنجازات ليوناردو دافنشي. في ذلك ، كان الفنان قادرًا حقًا على تجسيد فكرة الانسجام وضخامة العالم والتعبير عنها بشكل كامل ، وفكرة أولوية العقل والفن.

مايكل أنجلو بوناروتي

ولد مايكل أنجلو بوناروتي ، رسام ونحات ومهندس معماري وشاعر إيطالي في كابريزي بالقرب من فلورنسا في 6 مارس 1475. كان والد مايكل أنجلو ، لودوفيكو بوناروتي ، عمدة بلدة كابريزي. كان يحلم بأن ابنه سيحل محله قريبًا في منصبه. ومع ذلك ، على عكس رغبات والده ، قرر مايكل أنجلو تكريس حياته للرسم.

في عام 1488 ذهب مايكل أنجلو إلى فلورنسا والتحق بمدرسة للفنون هناك ، والتي كان يديرها بعد ذلك سيد الفنون الجميلة الشهير دومينيكو غيرلاندايو. بعد عام ، في عام 1489 ، كان الفنان الشاب يعمل بالفعل في ورشة العمل التي أسسها لورنزو ميديشي. هنا يتعلم الشاب الرسم من فنان ونحات مشهور آخر في عصره ، بيرتولدو دي جيوفاني ، الذي كان طالبًا في دوناتيلو. في هذه الورشة ، عمل مايكل أنجلو مع أنجيلو بوليزيانو وبيكو ديلا ميراندولا ، اللذين أثرًا بشكل كبير في تشكيل الأسلوب الفني للرسام الشاب. ومع ذلك ، لم يتم إغلاق عمل مايكل أنجلو في مساحة دائرة لورنزو ميديشي. كانت موهبته تتطور باستمرار. انجذب انتباه الفنان بشكل متزايد إلى الصور البطولية الكبيرة لأعمال عظماء جيوتو وماساتشيو.

في النصف الأول من التسعينيات. في القرن الخامس عشر ، ظهرت المنحوتات الأولى التي صنعها مايكل أنجلو: "مادونا على الدرج" و "معركة القنطور".

في "مادونا" يمكن للمرء أن يرى تأثير أسلوب التصوير الفني المقبول عمومًا في فن ذلك الوقت. في عمل مايكل أنجلو ، هناك نفس التفاصيل لدونة الأشكال. ومع ذلك ، حتى هنا يمكن للمرء أن يرى الأسلوب الفردي البحت للنحات الشاب ، والذي تجلى في إنشاء صور بطولية طويلة.

لا توجد آثار لتأثير خارجي في "معركة القنطور". هذا العمل هو أول عمل مستقل للسيد الموهوب لإظهار أسلوبه الفردي. على الإغاثة ، تظهر صورة أسطورية لمعركة Lapiths مع القنطور أمام المشاهد. يتميز المشهد بالدراما والواقعية غير العادية ، والتي يتم التعبير عنها من خلال الشكل البلاستيكي الدقيق للشخصيات المصورة. يمكن اعتبار هذا التمثال ترنيمة للبطل وقوة الإنسان وجماله. على الرغم من دراما الحبكة ، فإن التكوين العام يحتوي على انسجام داخلي عميق.

يعتبر علماء الفن أن "معركة القنطور" هي نقطة البداية لعمل مايكل أنجلو. يقولون أن عبقرية الفنان تنبع بالتحديد من هذا العمل. الارتياح ، المرتبط بالأعمال المبكرة للسيد ، هو نوع من انعكاس ثراء الأسلوب الفني لمايكل أنجلو.

من عام 1495 إلى عام 1496 ، كان مايكل أنجلو بوناروتي في بولونيا. هنا يتعرف على اللوحات القماشية لـ Jacopo della Quercia ، والتي جذبت انتباه الفنان الشاب من خلال المعالم الأثرية للصور التي تم إنشاؤها.

في عام 1496 ، استقر السيد في روما ، حيث درس مرونة وطريقة تنفيذ المنحوتات العتيقة المكتشفة حديثًا ، بما في ذلك Laocoon و Belvedere Torso. انعكس الأسلوب الفني للنحاتين اليونانيين القدماء من قبل مايكل أنجلو في باخوس.

من عام 1498 إلى عام 1501 ، عمل الفنان على إنشاء مجموعة رخامية تسمى "بيتا" وجلب شهرة مايكل أنجلو كأحد الأساتذة الإيطاليين الأوائل. المشهد كله ، الذي يصور أم شابة تبكي على جسد ابنها المقتول ، مشبع بشعور من العمل الخيري والحنان غير العاديين. ليس من قبيل المصادفة أن الفنان اختار فتاة صغيرة كنموذج - صورة تجسد النقاء الروحي.

يختلف هذا العمل لسيد شاب ، يُظهر أبطالًا مثاليين ، اختلافًا كبيرًا عن المنحوتات التي تم إنشاؤها في القرن الخامس عشر. صور مايكل أنجلو أعمق وأكثر نفسية. يتم نقل مشاعر الحزن والحزن بمهارة من خلال التعبير الخاص لوجه الأم ، وموضع يديها ، وجسمها ، والتي يتم التأكيد على منحنياتها من خلال الأقمشة الناعمة للملابس. بالمناسبة ، يمكن اعتبار صورة الأخير بمثابة خطوة إلى الوراء في عمل السيد: التفاصيل التفصيلية لعناصر التكوين (في هذه الحالة ، طيات الفستان والغطاء) هي خاصية مميزة سمة من سمات فن ما قبل عصر النهضة. التركيب العام معبر بشكل غير عادي ومثير للشفقة ، وهي سمة مميزة لعمل النحات الشاب.

في عام 1501 ، غادر مايكل أنجلو ، وهو معلم شهير للنحت في إيطاليا ، مرة أخرى إلى فلورنسا. هذا هو مكان رخامه "داود". على عكس أسلافه (دوناتيلو وفيروتشيو) ، صور مايكل أنجلو البطل الشاب وهو يستعد للمعركة. يعبر التمثال الضخم (ارتفاعه 5.5 م) عن الإرادة القوية بشكل غير عادي للإنسان والقوة الجسدية وجمال جسده. تشبه صورة الشخص في ذهن مايكل أنجلو شخصيات العمالقة الأسطوريين العملاقين. يظهر ديفيد هنا على أنه تجسيد لفكرة الرجل المثالي والقوي والحر ، وعلى استعداد للتغلب على أي عقبات في طريقه. يتم نقل كل المشاعر التي تغلي في روح البطل من خلال دوران الجسد والتعبير على وجه داود ، والذي يتحدث عن شخصيته الحاسمة وقوية الإرادة.

ليس من قبيل المصادفة أن تمثال ديفيد زين مدخل قصر فيكيو (مبنى حكومة مدينة فلورنسا) كرمز للقوة والقوة غير العادية واستقلال دولة المدينة. يعبر التكوين الكامل عن انسجام روح بشرية قوية وجسم قوي بنفس القدر.

في عام 1501 ، إلى جانب تمثال ديفيد ، ظهرت الأعمال الأولى للوحة الضخمة ("معركة كاشين") والحامل ("مادونا دوني" في شكل دائري). هذا الأخير محفوظ حاليًا في معرض أوفيزي في فلورنسا.

في عام 1505 عاد مايكل أنجلو إلى روما. هنا يعمل على إنشاء قبر البابا يوليوس الثاني. وفقًا للخطة ، كان من المفترض أن تكون المقبرة عبارة عن هيكل معماري فخم ، حيث سيكون هناك 40 تمثالًا منحوتًا من الرخام ونقوش برونزية. ومع ذلك ، بعد مرور بعض الوقت ، رفض البابا يوليوس الثاني أمره ، ولم تكن خطط مايكل أنجلو الفخمة متجهة إلى أن تتحقق. تشير المصادر إلى أن العميل كان وقحًا إلى حد ما مع السيد ، ونتيجة لذلك ، قرر مغادرة العاصمة والعودة مرة أخرى إلى فلورنسا.

ومع ذلك ، أقنعت السلطات الفلورنسية النحات الشهير بالتصالح مع البابا. سرعان ما التفت إلى مايكل أنجلو باقتراح جديد - لتزيين سقف كنيسة سيستين. السيد ، الذي اعتبر نفسه نحاتًا في المقام الأول ، قبل الأمر على مضض. على الرغم من ذلك ، ابتكر لوحة قماشية ، والتي لا تزال تحفة فنية معترف بها في العالم ، وتركت ذكرى الرسام لأجيال عديدة.

وتجدر الإشارة إلى أن مايكل أنجلو عمل على طلاء السقف الذي تبلغ مساحته أكثر من 600 متر مربع. م ، وحده تماما ، بدون مساعدين. ومع ذلك ، بعد أربع سنوات ، تم الانتهاء من اللوحة الجدارية بالكامل.

تم تقسيم سطح السقف بالكامل إلى عدة أجزاء. يحتل المكان المركزي تسعة مناظر تصور خلق العالم ، وكذلك حياة الأشخاص الأوائل. في زوايا كل مشهد من هذا القبيل توجد صور لشباب عراة. يوجد على يسار هذا التكوين ويمينه لوحات جدارية تصور سبعة أنبياء وخمسة عرافين. تم تزيين السقف والأقبية المقوسة والتعرية بمشاهد توراتية منفصلة. تجدر الإشارة إلى أن أرقام مايكل أنجلو مختلفة المقاييس هنا. سمحت هذه التقنية الخاصة للمؤلف بتركيز انتباه المشاهد على أهم الحلقات والصور.

حتى الآن ، يشعر علماء الفن بالحيرة من مشكلة المفهوم الأيديولوجي للجص. الحقيقة هي أن جميع المؤامرات التي تتكون منها تمت كتابتها في انتهاك للتسلسل المنطقي لتطور حبكة الكتاب المقدس. على سبيل المثال ، لوحة "سكر نوح" تسبق تكوين "فصل الضوء عن الظلام" ، على الرغم من أنه يجب أن يكون العكس. ومع ذلك ، فإن مثل هذه الموضوعات المبعثرة لا تنعكس بأي حال على المهارة الفنية للرسام. على ما يبدو ، كان الأهم بالنسبة للفنان عدم الكشف عن محتوى السرد ، ولكن مرة أخرى (كما في تمثال "داود") إظهار الانسجام بين روح إنسانية جميلة وسامية وجسده القوي والقوي.
هذا ما تؤكده صورة الرجل العجوز الذي يشبه التيتانيوم (خلق الشمس والقمر) ، الذي يخلق النجوم.

في جميع اللوحات الجدارية تقريبًا التي تخبرنا عن خلق العالم ، يظهر رجل عملاق أمام الجمهور ، وفيه ، بناءً على طلب الخالق ، سوف تستيقظ الحياة والتصميم والقوة. فكرة الاستقلال هي خيط مستمر في لوحة "السقوط" ، حيث تطالب حواء بالفاكهة المحرمة وكأنها ترمي تحديا للقدر ، تعبر عن رغبة حازمة في الحرية. إن صور لوحة فلود الجصية ، التي تؤمن شخصياتها باستمرار الحياة والأسرة ، مليئة بنفس عدم المرونة والعطش للحياة.

يتم تمثيل صور الأشقاء والأنبياء بشخصيات الأشخاص الذين يجسدون المشاعر القوية والشخصية المشرقة للشخصيات. يوئيل الحكيم هنا هو عكس حزقيال اليائس. اندهش المشاهد من صور إشعياء الروحاني والجميلة ، التي تظهر في لحظة التنبؤ ، العرافة دلفي بعيون كبيرة وواضحة.

أعلاه ، تم بالفعل ملاحظة شفقة وتأثير الصور التي أنشأها مايكل أنجلو أكثر من مرة. حقيقة مثيرة للاهتمام هي أنه حتى ما يسمى ب. تبين أن الشخصيات المساعدة تتمتع بسيد نفس الميزات مثل الشخصيات الرئيسية. صور الشباب ، الموجودة في زوايا اللوحات الفردية ، هي تجسيد لفرحة الحياة التي يعيشها الإنسان والوعي بقوته الروحية والجسدية.

يعتبر نقاد الفن بحق أن لوحة كنيسة سيستين هي العمل الذي أكمل فترة تشكيل مايكل أنجلو الإبداعي. هنا قام السيد بتقسيم السقف بنجاح كبير لدرجة أنه على الرغم من تنوع الموضوعات ، فإن اللوحة الجدارية ككل تخلق انطباعًا بالتناغم والوحدة في الصور التي أنشأها الفنان.

خلال فترة عمل مايكل أنجلو بأكملها على اللوحة الجدارية ، تغيرت الطريقة الفنية للفنان تدريجياً. يتم تقديم الشخصيات اللاحقة على نطاق أوسع - مما أدى إلى زيادة أثرها بشكل كبير. بالإضافة إلى ذلك ، أدى هذا الحجم من الصورة إلى حقيقة أن بلاستيك الأشكال أصبح أكثر تعقيدًا. ومع ذلك ، فإن هذا لم يؤثر بأي شكل من الأشكال على التعبير عن الصور. ربما ، هنا أكثر من أي مكان آخر ، ظهرت موهبة النحات ، الذي تمكن بمهارة من نقل كل خط حركة لشخصية بشرية. يحصل المرء على انطباع بأن اللوحات ليست مطلية بالطلاء ، بل هي نقوش حجرية منحوتة ببراعة.

تختلف طبيعة اللوحات الجدارية في أجزاء مختلفة من السقف. إذا كان الجزء المركزي يعبر عن الحالة المزاجية الأكثر تفاؤلاً ، ففي الأقبية المقوسة توجد صور تجسد جميع درجات المشاعر الكئيبة: يتم استبدال السلام والحزن والقلق هنا بالارتباك والخدر.

تفسير مايكل أنجلو لصور أسلاف المسيح مثير للاهتمام أيضًا. بعضهم يعبر عن مشاعر القرابة. من ناحية أخرى ، فإن البعض الآخر مليء بالخبث والكراهية تجاه بعضهم البعض ، وهو ما لا يميز أبطال الكتاب المقدس الذين تمت دعوتهم لجلب النور والخير إلى العالم. يعتبر نقاد الفن أن الإضافات اللاحقة للكنيسة هي مظهر من مظاهر أسلوب فني جديد ، بداية فترة جديدة نوعيا في عمل الرسام الشهير.

في العشرينات. في القرن السادس عشر ، ظهرت أعمال مايكل أنجلو ، والتي كانت تهدف إلى تزيين قبر البابا يوليوس الثاني. استلم النحات الشهير أمر بناء هذا الأخير من ورثة البابا. في هذا الإصدار ، يجب أن يكون القبر أصغر نوعًا ما بأقل عدد ممكن من التماثيل. وسرعان ما أكمل السيد العمل على تنفيذ ثلاثة منحوتات: تماثيل لعبدين وموسى.

عمل مايكل أنجلو على صور الأسرى منذ عام 1513. الموضوع الرئيسي لهذا العمل هو رجل يقاتل ضد قوى معادية له. هنا ، يتم استبدال الشخصيات الضخمة للأبطال المنتصرين بشخصيات تموت في صراع غير متكافئ مع الشر. علاوة على ذلك ، يتبين أن هذه الصور لا تخضع لأي هدف ومهمة واحدة للفنان ، ولكنها تمثل مزيجًا متشابكًا من المشاعر والمشاعر.

يتم التعبير عن تنوع الصورة بمساعدة نوع من الأساليب الفنية والتصويرية التي يستخدمها السيد. إذا حاول مايكل أنجلو حتى ذلك الوقت إظهار شخصية أو مجموعة نحتية من جانب واحد ، فإن الصورة التي أنشأها الفنان أصبحت الآن بلاستيكية ، متغيرة. اعتمادًا على جانب التمثال الذي يقف عليه المشاهد ، يكتسب بعض الخطوط العريضة ، وتصبح هذه المشكلة أو تلك أكثر حدة.

قد يكون السجين المربوط بمثابة توضيح لما سبق. لذلك ، إذا سار المشاهد حول التمثال في اتجاه عقارب الساعة ، فسوف يرى بسهولة ما يلي: أولاً ، شخصية السجين المقيد برأسه مرفوع إلى الوراء والجسد العاجز يعبر عن المعاناة اللاإنسانية من وعيه بعجزه ، ضعف النفس والجسد البشري. ومع ذلك ، كلما تحركت أكثر حول التمثال ، تتغير الصورة بشكل ملحوظ. يختفي ضعف السجين السابق ، امتلأت عضلاته بالقوة ، يرتفع رأسه بفخر. والآن أمام المشاهد لم يعد شهيدًا منهكًا ، بل شخصية قوية لبطل عملاق ، وجد نفسه مقيدًا بحادث سخيف. يبدو أن لحظة أخرى - وسوف تنكسر الروابط. ومع ذلك، هذا لا يحدث. بالمضي قدمًا ، يرى المشاهد كيف يضعف جسم الإنسان مرة أخرى ، وينخفض \u200b\u200bرأسه. وهنا مرة أخرى أمامنا سجين مثير للشفقة مستسلم لمصيره.

يمكن رؤية نفس التباين في تمثال السجين المحتضر. مع تقدم المشاهد ، يرى المشاهد كيف يهدأ الجسد الذي ينبض في عذاب تدريجيًا وينمو خدرًا ، مما يثير فكرة الصمت والسلام الأبدي.

تماثيل السجناء معبرة بشكل غير عادي ، والتي تم إنشاؤها بسبب النقل الواقعي لدونة حركة الشخصيات. يأتون إلى الحياة حرفيا أمام المشاهد. لا يمكن مقارنة قوة إعدام تمثال السجناء إلا بأقدم تمثال للسيد - "معركة القنطور".

التمثال "موسى" ، على عكس "الأسير" ، أكثر تقييدًا إلى حد ما في طبيعته ، ولكنه ليس أقل تعبيرًا. هنا يعود مايكل أنجلو مرة أخرى إلى خلق صورة لبطل بشري جبار. شخصية موسى هي تجسيد لقائد ، وقائد ، وإرادة قوية بشكل غير عادي. تم الكشف عن جوهرها بشكل كامل بالمقارنة مع ديفيد. إذا كان الأخير يرمز إلى الثقة في القوة والمناعة ، فإن موسى هنا هو تجسيد لفكرة أن النصر يتطلب جهودًا هائلة. تم نقل هذا التوتر الروحي للبطل من قبل السيد ليس فقط من خلال التعبير الهائل على وجهه ، ولكن أيضًا بمساعدة مرونة الشكل: خطوط الانكسار الحاد لثنيات الملابس ، وخيوط لحية موسى المقلوبة.

منذ عام 1519 ، عمل مايكل أنجلو على إنشاء أربعة تماثيل أخرى للأسرى. ومع ذلك ، فقد ظلت غير مكتملة. بعد ذلك ، قاموا بتزيين الكهف في حدائق بوبولي الواقعة في فلورنسا. حاليًا ، يتم الاحتفاظ بالتماثيل في أكاديمية فلورنتين. في هذه الأعمال ، يظهر موضوع جديد لمايكل أنجلو: العلاقة بين الشكل النحتي وكتلة حجرية مأخوذة كمواد مصدر. يطرح النحات هنا فكرة الهدف الرئيسي للفنان: تحرير الصورة من الأغلال الحجرية. نظرًا لحقيقة أن المنحوتات كانت غير مكتملة وأن القطع الحجرية غير المعالجة مرئية بوضوح في الجزء السفلي منها ، يمكن للمشاهد رؤية العملية الكاملة لإنشاء الصورة. يظهر هنا صراع فني جديد: الإنسان والعالم من حوله. علاوة على ذلك ، لا يتم حل هذا الصراع لصالح الشخص. يتم قمع كل مشاعره وعواطفه من قبل البيئة.

كانت لوحة Medici Chapel في فلورنسا عملاً يدل على نهاية مرحلة عصر النهضة العالي وفي الوقت نفسه كانت مرحلة جديدة في عمل مايكل أنجلو. تم تنفيذ العمل لمدة 15 عامًا ، من 1520 إلى 1534. لبعض الوقت ، اضطر الفنان إلى تعليق العمل بسبب الأحداث السياسية التي كانت تجري في إيطاليا في ذلك الوقت. في عام 1527 ، رداً على هزيمة روما ، أعلنت فلورنسا نفسها جمهورية.

مايكل أنجلو ، كداعم لهيكل الدولة الجمهورية ، تم انتخابه لمنصب رئيس أعمال التحصين وقدم مساهمة كبيرة في الدفاع عن المدينة. عندما سقطت فلورنسا وعاد ميديشي إلى السلطة مرة أخرى ، كان تهديد خطير بالموت معلقًا على الفنانة الشهيرة ، والتي أصبحت الآن سياسيًا أيضًا. جاء الخلاص بشكل غير متوقع تمامًا. أعرب البابا كليمنت السابع ميديشي ، كونه رجلاً فخورًا ومغرورًا ، عن رغبته في ترك ذكرى نفسه وأقاربه للأجيال القادمة. من غير مايكل أنجلو ، المشهور بفن رسم اللوحات الرائعة وأداء التماثيل الممتازة ، يمكنه فعل ذلك؟

لذلك ، استؤنف العمل في بناء كنيسة ميديشي. هذا الأخير عبارة عن هيكل صغير بجدران عالية تعلوه قبة في الأعلى. تحتوي الكنيسة على مقبرتين: دوقات جوليانو من نيمور ولورنزو من أوربينو ، وتقع على طول الجدران. عند الجدار الثالث ، مقابل المذبح ، يقف تمثال لمادونا. إلى يسارها وعلى يمينها منحوتات تجسد صور القديسين كوزماس وداميان. ثبت أنهم صنعوا من قبل تلاميذ السيد العظيم. يقترح الباحثون أنه من أجل مقبرة ميديشي تم صنع التماثيل "أبولو" (اسم آخر - "ديفيد") و "الصبي الرابض".

إلى جانب منحوتات الدوقات ، التي لم يكن لها أي تشابه خارجي مع نماذجهم الأولية ، وُضعت شخصيات استعارية: "الصباح" و "النهار" و "المساء" و "الليل". يتم تقديمها هنا كرموز لزمن الزمن الأرضي والحياة البشرية. تثير التماثيل الموجودة في منافذ ضيقة انطباعًا بالاكتئاب ، ووصول وشيك لشيء رهيب وهائل. تعبر الأشكال الحجرية للدوقات ، التي سحقت بجدران حجرية من جميع الجوانب ، عن الكسر الروحي والفراغ الداخلي للصور.

الأكثر تناغمًا في هذه المجموعة هي صورة مادونا. معبرة بشكل غير عادي ومليئة بالشعر الغنائي ، لا لبس فيها ولا تثقلها خطوط داكنة.

تحظى كنيسة ميديشي باهتمام خاص من حيث الوحدة الفنية للأشكال المعمارية والنحتية. تخضع خطوط المبنى والتماثيل هنا لفكرة واحدة للفنان. المصلى هو أوضح مثال على التوليف والانسجام في التفاعل بين فنين - النحت والعمارة ، حيث تكمل أجزاء من أحدهما بشكل متناغم وتطور معنى عناصر الآخر.

منذ عام 1534 ، غادر مايكل أنجلو فلورنسا واستقر في روما ، حيث مكث حتى نهاية حياته. مرت الفترة الرومانية لعمل السيد العظيم في ظروف نضال الإصلاح المضاد ضد الأفكار التي تمجدها الكتاب والرسامون والنحاتون في عصر النهضة. يحل فن Mannerists محل إبداع الأخير.

في روما ، أصبح مايكل أنجلو قريبًا من الأشخاص الذين شكلوا دائرة دينية وفلسفية بقيادة الشاعرة الإيطالية الشهيرة في ذلك الوقت فيتوريا كولونا. ومع ذلك ، كما في شبابه ، كانت أفكار وأفكار مايكل أنجلو بعيدة كل البعد عن تلك التي كانت تحوم في رؤوس الدائرة. في الواقع ، عاش السيد وعمل في روما في بيئة من سوء التفاهم والوحدة الروحية.

في هذا الوقت (1535-1541) ظهرت لوحة جدارية "يوم القيامة" ، والتي تزين جدار مذبح كنيسة سيستين.

أعاد المؤلف تفسير الحبكة الكتابية. لا ينظر المشاهد إلى صورة الدينونة الأخيرة على أنها بداية إيجابية ، انتصار أعلى عدالة ، بل على أنها مأساة إنسانية مشتركة لموت الجنس بأكمله ، مثل صراع الفناء. شخصيات ضخمة من الناس تعزز دراما التكوين.

تتوافق الطبيعة العفوية للصورة تمامًا مع مهمة الفنان - إظهار الشخص المفقود في الكتلة العامة. بفضل هذا الحل للصورة الفنية ، يشعر المشاهد بالوحدة في هذا العالم والعجز أمام القوى المعادية التي لا جدوى من القتال معها. تكتسب الملاحظات المأساوية صوتًا أكثر ثقبًا أيضًا لأن السيد ليس لديه هنا صورة متكاملة ومتجانسة لمجموعة من الناس (كما سيتم تقديمها على لوحات الفنانين في أواخر عصر النهضة) ، كل منهم يعيش حياته الخاصة الحياة. ومع ذلك ، يمكن اعتبار الميزة التي لا شك فيها للرسام حقيقة أنه أظهر كتلة بشرية لا تزال غير متماسكة ، ولكنها لم تعد غير شخصية.

في The Last Judgment ، يقدم مايكل أنجلو تقنية لونية معبرة بشكل غير عادي. يعزز تباين الأجسام العارية الفاتحة والسماء المظلمة والأسود والأزرق الانطباع بالتوتر المأساوي والاكتئاب في التكوين.

مايكل أنجلو. الدينونة الأخيرة. جص من كنيسة سيستين في الفاتيكان. شظية. 1535-1541

بين عامي 1542 و 1550 ، رسم مايكل أنجلو جدران كنيسة باولينا في الفاتيكان. تنتمي فراشي الرسام الكبير إلى لوحتين جصيتين ، سميت إحداهما فيما بعد "تحول بولس" ، والأخرى - "صلب بطرس". في الأخير ، في الشخصيات التي تشاهد إعدام بيتر ، يتم تقديم فكرة الموافقة الضمنية ، والتقاعس والتواضع للشخص على مصيره. لا يتمتع الناس بالقوة الجسدية أو العقلية لمقاومة العنف والشر بطريقة ما.

في نهاية ثلاثينيات القرن الخامس عشر. يظهر تمثال آخر لمايكل أنجلو - تمثال نصفي لبروتوس. كان هذا العمل بمثابة نوع من الرد من السيد الشهير على مقتل الدوق المستبد أليساندرو ميديشي ، الذي ارتكبته قريبه لورنزو. بغض النظر عن الدوافع الحقيقية ، استقبل الفنان بفرح - مؤيد للجمهوريين. تمتلئ صورة بروتوس بالشفقة المدنية ، التي يمثلها السيد على أنه رجل نبيل وفخور ومستقل وعقل عظيم وقلب دافئ. وهنا يعود مايكل أنجلو إلى صورة الشخص المثالي الذي يتمتع بصفات روحية وفكرية عالية.

مرت السنوات الأخيرة من إبداع مايكل أنجلو في جو من فقدان الأصدقاء والأقارب ورد فعل شعبي أكثر تفاقمًا. لم تستطع ابتكارات الإصلاحيين المعادين إلا أن تتطرق إلى أعمال السيد ، التي تجلت فيها أكثر الأفكار تقدمية في عصر النهضة: الإنسانية ، وحب الحرية ، والتمرد على القدر. يكفي أن نقول أنه بقرار من أحد المعجبين الشرسين بالإصلاحات المضادة ، بول الرابع كارافا ، تم إجراء تغييرات على تركيبة "يوم القيامة" بواسطة الرسام الشهير. وجد البابا الشخصيات العارية للأشخاص الذين تم تصويرهم في اللوحات الجدارية فاحشة. بأمره ، أخفى طالب مايكل أنجلو دانييل دا فولتيرا عري بعض صور مايكل أنجلو بستائر من الرؤوس.

تتخلل أعمال مايكل أنجلو الأخيرة - وهي سلسلة من الرسومات والمنحوتات - مزاج كئيب ومؤلِم من الوحدة وانهيار كل الآمال. هذه هي الأعمال التي تعكس بوضوح التناقضات الداخلية للسيد المعترف به.

وهكذا ، يتم تقديم يسوع المسيح في بيتا من باليسترينا كبطل ، محطم تحت هجوم القوى الخارجية. الصورة نفسها في "Pieta" ("Entombment") من كاتدرائية فلورنسا هي بالفعل أكثر دنيوية وإنسانية. هذا لم يعد بطلا عملاق. اتضح أنه من المهم للفنان هنا إظهار القوة الروحية والعواطف والخبرات للشخصيات.

ملامح جسد المسيح المكسورة ، صورة أم تنحني على جثة ابنها نيقوديموس وهي تنزل الجسد
يسوع في القبر - كل شيء يخضع لمهمة واحدة: تصوير عمق الخبرات البشرية. صحيح أيضا
ميزة هذه الأعمال هي التغلب على السيد لتقسيم الصور. يتحد الأشخاص في اللوحة بشعور من التعاطف العميق ومرارة الفقد. تم تطوير تقنية مايكل أنجلو هذه في المرحلة التالية من تشكيل الفن الإيطالي ، في أعمال الفنانين والنحاتين في أواخر عصر النهضة.

يمكن اعتبار ذروة المرحلة الأخيرة من إبداع مايكل أنجلو منحوتة ، سُميت فيما بعد "بيتا روندانيني". يتم تقديم الصور المعروضة هنا على أنها تجسيد للحنان والروحانية والحزن العميق والحزن. هنا ، أكثر من أي وقت مضى ، يبدو موضوع الوحدة البشرية في عالم يوجد فيه الكثير من الناس حادًا.

يمكن سماع نفس الدوافع في الأعمال الرسومية اللاحقة للسيد العظيم ، الذي اعتبر الرسم هو المبدأ الأساسي للنحت والرسم والعمارة.

لا تختلف صور أعمال مايكل أنجلو الرسومية عن أبطال مؤلفاته الضخمة: يتم هنا تمثيل نفس أبطال تيتان المهيبين. في الفترة الأخيرة من عمله ، تحول مايكل أنجلو إلى الرسم كنوع فني وبصري مستقل. لذلك ، بحلول الثلاثينيات والأربعينيات. شهد القرن السادس عشر ظهور أكثر المؤلفات حيوية وتعبيراً للسيد ، مثل "سقوط فايتون" و "قيامة المسيح".

يمكن تتبع تطور الطريقة الفنية للفنان بسهولة من خلال أمثلة من الأعمال الرسومية. إذا كانت الرسومات الأولى ، المصممة بقلم ، تحتوي على صور محددة جدًا لأشكال ذات خطوط عريضة حادة إلى حد ما للخطوط ، فإن الصور اللاحقة تصبح أكثر غموضًا وليونة. يتم إنشاء هذا الخفة بسبب حقيقة أن الفنان يستخدم قلم رصاص متفائل أو إيطالي ، بمساعدة يتم إنشاء خطوط أرق وأكثر دقة.

ومع ذلك ، فإن العمل الأخير لمايكل أنجلو لم يتم تمييزه فقط بالصور المأساوية اليائسة. الهياكل المعمارية للسيد العظيم التي يعود تاريخها إلى هذا الوقت ، كما كانت ، تواصل تقاليد عصر النهضة. تعد كاتدرائية القديس بطرس والمجموعة المعمارية لمبنى الكابيتول في روما تجسيدًا لأفكار عصر النهضة للإنسانية العالية.

توفي مايكل أنجلو بوناروتي في روما في 18 فبراير 1564. تم نقل جثته في سرية تامة من العاصمة وإرسالها إلى فلورنسا. دفن الفنان الكبير في كنيسة سانتا كروس.

لعب عمل سيد الرسم والنحت دورًا مهمًا في تشكيل وتطوير الأسلوب الفني للعديد من أتباع مايكل أنجلو. من بينهم رافائيل ، الخبثاء ، الذين غالبًا ما نسخوا خطوط الصور التي أنشأها الرسام الشهير. لم يكن فن مايكل أنجلو أقل أهمية بالنسبة لفناني عصر الباروك. ومع ذلك ، سيكون من الخطأ القول إن صور الباروك (الشخص الذي يتم نقله ليس عن طريق دوافع داخلية ، ولكن بواسطة قوى خارجية) تشبه أبطال مايكل أنجلو ، تمجيد الإنسانية والإرادة والقوة الداخلية للإنسان.

رافائيل سانتي

وُلد رافائيل سانتي في بلدة أوربينو الصغيرة عام 1483. لم يكن من الممكن تحديد التاريخ الدقيق لميلاد هذا الرسام العظيم. وبحسب بعض المصادر ، فقد ولد في 26 أو 28 آذار / مارس. يدعي علماء آخرون أن تاريخ ميلاد رافائيل كان 6 أبريل 1483.

بحلول نهاية القرن الخامس عشر ، أصبحت أوربينو واحدة من أكبر المراكز الثقافية في البلاد. يشير كتاب السيرة الذاتية إلى أن رافائيل درس مع والده جيوفاني سانتي. منذ عام 1495 ، كان الشاب يعمل في ورشة فنية لسيد أوربينو Timoteo della Vite.

تعتبر أقدم أعمال رافائيل الباقية هي المنمنمات "حلم الفارس" و "النعم الثلاث". بالفعل في هذه الأعمال ، تنعكس المثل الإنسانية التي بشر بها أسياد عصر النهضة بالكامل.

في The Knight's Dream ، هناك نوع من إعادة التفكير في الموضوع الأسطوري لـ Hercules الذي يواجه خيارًا: الشجاعة أو المتعة؟ .. يصور رافائيل هرقل كفارس صغير نائم. أمامه شابتان: إحداهما تحمل كتابًا وسيفًا في يديها (رموز المعرفة ، والشجاعة ومآثر الأسلحة) ، والأخرى بفرع مزدهر يجسد المتعة والمتعة. تم وضع التكوين بالكامل على خلفية منظر طبيعي جميل.

في "النعم الثلاثة" ، مرة أخرى ، يتم تقديم صور قديمة ، مأخوذة ، على الأرجح ، من نقش يوناني قديم (صورة على حجر كريم أو شبه كريم).

على الرغم من حقيقة وجود العديد من الاقتراضات في الأعمال المبكرة للفنان الشاب ، إلا أن الفردية الإبداعية للمؤلف تتجلى بوضوح هنا. يتم التعبير عنها في غنائية الصور ، والتنظيم الإيقاعي الخاص للعمل ، ونعومة الخطوط التي تشكل الأشكال. التناغم الاستثنائي للصور المرسومة ، فضلاً عن الوضوح التركيبي والوضوح ، والتي تميز الأعمال المبكرة لرافائيل ، تتحدث عن فنان عصر النهضة العالي.

في عام 1500 غادر رافائيل مسقط رأسه وتوجه إلى بيروجيا ، المدينة الرئيسية في أومبريا. درس هنا الرسم في استوديو Pietro Perugino ، الذي كان مؤسس مدرسة Umbrian للفنون والبصريات. يشهد معاصرو رافائيل: تبنى الطالب القدير أسلوب كتابة معلمه بعمق بحيث لا يمكن تمييز لوحاتهم الفنية. في كثير من الأحيان ، قام رافائيل وبيروجينو بتنفيذ الأمر ، والعمل معًا على الصورة.

ومع ذلك ، من الخطأ القول إن الموهبة الأصلية للفنان الشاب لم تتطور على الإطلاق خلال هذه الفترة. هذا ما أكده "Conestabile Madonna" الشهير ، الذي تم إنشاؤه حوالي عام 1504.

تظهر صورة مادونا لأول مرة في هذه اللوحة القماشية ، والتي ستحتل لاحقًا أحد الأماكن الرائدة في عمل الفنان. تم رسم مادونا على خلفية منظر طبيعي رائع بالأشجار والتلال والبحيرة. الصور متحدة من حقيقة أن نظرة مادونا والطفل موجهة إلى الكتاب الذي تقرأه الأم الشابة. لا يتم نقل اكتمال التكوين فقط من خلال شخصيات الشخصيات الرئيسية ، ولكن أيضًا من خلال شكل الصورة ذاته - توندو (دائري) ، والذي لا يحد على الإطلاق من حرية الصور. فهي ضخمة وخفيفة الوزن. يتم إنشاء الانطباع بالطبيعة والواقعية بفضل استخدام الألوان الفاتحة والباردة وتركيباتها الخاصة في التكوين: الرأس الأزرق العميق لمادونا ، والسماء الزرقاء الشفافة ، والأشجار الخضراء ومياه البحيرة ، والجبال المغطاة بالثلوج ذات القمم البيضاء. كل هذا ، عند النظر إلى الصورة ، يخلق شعورًا بالنقاء والحنان.

عمل آخر مشهور أيضًا لرافائيل ، والذي ينتمي أيضًا إلى الفترة المبكرة من عمله ، هو لوحة قماشية تم إنشاؤها عام 1504 تسمى "خطبة مريم". اللوحة محفوظة حاليًا في معرض بريرا في ميلانو. البناء التركيبي له أهمية خاصة هنا. قام الرسام بنقل عمل الطقوس الدينية للخطبة من جدران الكنيسة ، المرئية من بعيد ، إلى الشارع. يتم تنفيذ القربان تحت سماء زرقاء فاتحة. يوجد في وسط الصورة الكاهن ، وعلى يساره وإلى يمينه توجد مريم ويوسف ، وبجانبهما فتيات وفتيان في مجموعات صغيرة. من منظور التكوين ، الكنيسة هي نوع من الخلفية التي تتم عليها الخطوبة. إنها رمز الشخصية الإلهية وصالح مريم ويوسف. يضفي الإطار نصف الدائري للقماش في الجزء العلوي ، الذي يكرر خط قبة الكنيسة ، اكتمالها المنطقي للصورة.

الأشكال في الصورة غنائية بشكل غير عادي وفي نفس الوقت طبيعية. هنا ، يتم نقل الحركات واللدونة في جسم الإنسان بدقة شديدة ومهارة. وخير مثال على ذلك هو صورة صبي في مقدمة التكوين يكسر عصا على ركبته. تبدو ماريا وجوزيف رشيقتين ، وأثيريًا تقريبًا للمشاهد. تمتلئ وجوههم العاطفية بالحب والحنان. على الرغم من تناسق معين في ترتيب الأشكال ، فإن اللوحة القماشية لا تفقد صوتها الغنائي. الصور التي تم إنشاؤها بواسطة رافائيل ليست مخططات ، إنهم يعيشون في كل مجموعة متنوعة من مشاعرهم.

كان في هذا العمل أنه ولأول مرة بشكل واضح ، مقارنة بالأعمال السابقة ، ظهرت موهبة السيد الشاب في القدرة على تنظيم إيقاع التكوين بمهارة. بفضل هذه الخاصية ، يتم تضمين صور الهياكل المعمارية بشكل متناغم في الصورة العامة ، والتي ليست فقط عنصرًا من المناظر الطبيعية لرافائيل ، ولكنها أيضًا تصبح على قدم المساواة مع الشخصيات الرئيسية ، وتكشف عن جوهرها وشخصيتها.

تملي الرغبة في خلق إيقاع خاص في العمل من خلال استخدام الفنان لألوان نغمات معينة. وهكذا ، فإن تكوين "خطبة مريم" مبني على أربعة ألوان فقط.

الألوان الذهبية الصفراء والخضراء والحمراء ، مجتمعة في ملابس الأبطال ، والمناظر الطبيعية ، والهندسة المعمارية ، وتحديد الإيقاع اللازم للتكوين العام ، تشكل انسجامًا مع ظلال السماء الزرقاء الفاتحة.

قريبًا جدًا ، تصبح ورشة العمل الفنية لـ Perugino صغيرة جدًا لتزيد من نمو موهبة الرسام. في عام 1504 ، قرر رافائيل الانتقال إلى فلورنسا ، حيث تم تطوير أفكار وجماليات فن عصر النهضة العالي. هنا يتعرف رافائيل على أعمال مايكل أنجلو وليوناردو دافنشي. من الآمن أن نقول إنهم كانوا معلمي الرسام الشاب في هذه المرحلة من تكوين طريقته الإبداعية. في أعمال هؤلاء الأساتذة ، وجد الفنان الشاب شيئًا لم يكن موجودًا في مدرسة أمبرين: أسلوب أصلي في إنشاء الصور ، ودونة تعبيرية للأشكال المصورة ، وتمثيل أكثر ضخامة للواقع.

انعكست الحلول الفنية والتصويرية الجديدة بالفعل في الأعمال التي أنشأها رافائيل في عام 1505. صور الراعي الشهير آنذاك من فلورنسا أنجيلو دوني وزوجته محفوظة الآن في معرض بيتي. الصور خالية من أي شفقة بطولية ومبالغة. هؤلاء أناس عاديون ، مع ذلك ، يتمتعون بأفضل الصفات الإنسانية ، من بينها الحسم والإرادة القوية.

هنا ، في فلورنسا ، كتب رافائيل سلسلة من اللوحات المخصصة لمادونا. ظهرت لوحاته "مادونا باللون الأخضر" و "مادونا مع طائر الحسون" و "مادونا البستاني". هذه التركيبات هي أشكال مختلفة من قطعة واحدة. جميع اللوحات تصور مادونا والطفل مع يوحنا المعمدان الصغير. تم وضع الأشكال على خلفية منظر طبيعي خلاب. صور رافائيل غنائية وناعمة ولطيفة على نحو غير عادي. مادونا هي تجسيد للحب الأمومي الهادئ والهادئ. في هذه الأعمال ، هناك قدر معين من العاطفة والإعجاب المفرط بالجمال الخارجي للأبطال.

من السمات المميزة للطريقة الفنية للرسام خلال هذه الفترة عدم وجود رؤية واضحة للون متأصل في جميع أساتذة مدرسة فلورنسا. لا توجد ألوان سائدة على اللوحات. يتم تقديم الصور بألوان الباستيل. اللون ليس هو الشيء الرئيسي للفنان. من المهم بالنسبة له نقل الخطوط التي تشكل الشكل بأكبر قدر ممكن من الدقة.

تم إنشاء الأمثلة الأولى من لوحة رافائيل الضخمة في فلورنسا. من بينها ، تم إنشاء الاهتمام الأكبر في الفترة من 1506 إلى 1507 "مادونا مع يوحنا المعمدان وسانت. نيكولاس "(أو" مادونا أوف أنسايد "). تأثر الأسلوب الإبداعي للفنان إلى حد كبير بلوحات الرسامين الفلورنسيين ، وخاصة ليوناردو دافنشي وفرا بارتولوميو.

في عام 1507 ، أراد رافائيل المقارنة مع أفضل أساتذة مدرسة فلورنسا ، وهما ليوناردو دافنشي ومايكل أنجلو ، وقام بإنشاء لوحة كبيرة إلى حد ما تسمى "القبر". بعض عناصر الصور التكوينية هي تكرارات لرسامين مشهورين. لذلك ، تم استعارة رأس وجسد المسيح من تمثال مايكل أنجلو "بيتا" (1498-1501) ، وصورة امرأة تدعم ماري - من لوحة الفنان نفسه "مادونا دوني". لا يعتبر العديد من نقاد الفن هذا العمل الأصلي لرافائيل ، ويكشف عن موهبته الأصلية وخصائص الأسلوب الفني والبصري.

على الرغم من آخر أعماله غير الناجحة ، كانت إنجازات رافائيل في الفن مهمة. سرعان ما لاحظ المعاصرون أعمال الفنان الشاب واعترفوا بها ، ووضع المؤلف نفسه على قدم المساواة مع الرسامين البارزين في عصر النهضة. في عام 1508 ، تحت رعاية المهندس المعماري الشهير برامانتي ، مواطنه رافائيل ، غادر الرسام إلى روما ، حيث كان من بين المدعوين إلى البلاط البابوي.

كان يوليوس الثاني ، الذي كان في ذلك الوقت على العرش البابوي ، معروفًا بأنه رجل عديم الجدوى وحاسم وقوي الإرادة.
خلال فترة حكمه ، توسعت الممتلكات البابوية بشكل كبير من خلال الحروب. تم اتباع نفس السياسة "الهجومية" فيما يتعلق بتطوير الثقافة والفنون. وهكذا ، تمت دعوة أشهر الرسامين والنحاتين والمهندسين المعماريين إلى البلاط البابوي. بدأت روما ، المزينة بالعديد من المباني المعمارية ، في التغيير بشكل ملحوظ: كان برامانتي يبني كاتدرائية القديس بطرس. بدأ مايكل أنجلو ، بعد أن علق بناء قبر يوليوس الثاني مؤقتًا ، في طلاء سقف كنيسة سيستين. تدريجيًا ، تشكلت حول البابا دائرة من الشعراء والعلماء ، تبشر بمبادئ وأفكار إنسانية عالية. رافاييل سانتي ، الذي وصل من فلورنسا ، دخل في مثل هذا الجو.

عند وصوله إلى روما ، بدأ رافائيل العمل على رسم شقق البابا (ما يسمى مقطعًا قصيرًا). تم إنشاء اللوحات الجدارية في الفترة من 1509 إلى 1517. وهي تتميز عن الأعمال ذات الطبيعة المماثلة التي قام بها أساتذة آخرون بعدد من الميزات. بادئ ذي بدء ، إنه حجم اللوحات. إذا كان هناك العديد من التراكيب الصغيرة على جدار واحد في أعمال الرسامين السابقين ، فسيكون لدى رافائيل جدار منفصل لكل لوحة. في المقابل ، "نمت" الشخصيات المصورة أيضًا.

علاوة على ذلك ، من الضروري ملاحظة ثراء اللوحات الجدارية لرافائيل مع مجموعة متنوعة من العناصر الزخرفية: الأسقف المزينة بالرخام الاصطناعي والتذهيب والتركيبات الجدارية والفسيفساء وأرضية مطلية بنمط فاخر. ومع ذلك ، فإن هذا التنوع لا يخلق انطباعًا بوجود فوضى وفوضى. تثير العناصر الزخرفية مرتبة في أماكنها بمهارة شعورًا بالانسجام والنظام وإيقاعًا معينًا يحدده السيد. نتيجة لهذه الابتكارات الإبداعية والتقنية ، فإن الصور التي أنشأها الفنان في اللوحات تكون مرئية للمشاهد بوضوح وبالتالي تكتسب الوضوح والوضوح اللازمين.

كان على جميع اللوحات الجدارية أن تخضع لموضوع مشترك: تمجيد الكنيسة الكاثوليكية ورأسها. في هذا الصدد ، تستند اللوحات إلى مواضيع ومشاهد توراتية من تاريخ البابوية (مع صور ليوليوس الثاني وخليفته ليو العاشر). ومع ذلك ، في رافائيل ، تكتسب هذه الصور الملموسة معنى استعاريًا عامًا ، مما يكشف عن جوهر الأفكار الإنسانية لعصر النهضة.

تحظى Stanza della Señatura (غرفة التوقيع) بأهمية خاصة من وجهة النظر هذه. اللوحات الجدارية للتكوين هي تعبير عن أربعة مجالات للنشاط الروحي للإنسان. وهكذا فإن "النزاع" الجداري يظهر اللاهوت ، "المدرسة الأثينية" - الفلسفة ، "بارناسوس" - الشعر ، "الحكمة ، الاعتدال والقوة" - العدالة. يتوج الجزء العلوي من كل لوحة جدارية بشكل استعاري يمثل نشاطًا معينًا. في زوايا الخزائن ، توجد تركيبات صغيرة ، تشبه في تصميمها لوحة جدارية أو أخرى.

يعتمد تكوين اللوحة في Stanza della Senyatura على مزيج من الموضوعات اليونانية التوراتية والقديمة (الكتاب المقدس - "السقوط" ، العتيقة - "انتصار أبولو على مارسيا"). إن حقيقة استخدام مزيج من الموضوعات الأسطورية والوثنية والعلمانية لتزيين الغرف البابوية تشهد على موقف الناس في ذلك الوقت من العقائد الدينية. عبّرت اللوحات الجدارية لرافائيل عن أولوية المبدأ العلماني على الكنيسة الدينية.

كانت اللوحة الجدارية الأكثر سطوعًا والأكثر انعكاسًا للعبادة الدينية هي لوحة "نزاع". هنا يبدو أن التكوين مقسم إلى قسمين: السماء والأرض. أدناه ، على الأرض ، تماثيل لآباء الكنيسة ورجال الدين والشيوخ والشباب. صورهم طبيعية بشكل غير عادي ، والتي تم إنشاؤها بمساعدة الاستنساخ الواقعي لدونة الأجساد ، والمنعطفات وحركات الشخصيات. يمكن التعرف بسهولة على دانتي ، سافونارولا ، الرسام فرا بياتو أنجيليكو بين كتلة الوجوه.

فوق صور الناس توجد صور ترمز إلى الثالوث الأقدس: الله الآب ، أسفله مباشرة - يسوع المسيح مع والدة الإله ويوحنا المعمدان ، وأسفلهما - حمامة - تجسيد للروح القدس. في وسط التكوين العام ، كرمز للقربان ، هناك رقاقة.

في "النزاع" يظهر رافائيل باعتباره سيدًا غير مسبوق في التأليف. على الرغم من تعدد الرموز ، تتميز الصورة بالوضوح الاستثنائي للصور ووضوح الفكر الذي ينقله المؤلف. تم تخفيف تناسق ترتيب الأشكال في الجزء العلوي من التكوين من خلال الأشكال الموضوعة بطريقة فوضوية تقريبًا في الجزء السفلي من التكوين. وبالتالي ، فإن بعض التمثيل التخطيطي للأول بالكاد يصبح ملحوظًا. يوجد هنا عنصر من خلال التركيب عبارة عن نصف دائرة: نصف دائرة يقع في الجزء العلوي من القديسين والرسل على السحاب ، وكصداه ، نصف دائرة من الشخصيات الحرة والطبيعية للأشخاص في الجزء السفلي من الصورة.

من أفضل اللوحات الجدارية وأعمال رافائيل في هذه الفترة من عمله لوحة "مدرسة أثينا". هذه اللوحة الجدارية هي تجسيد للمُثل الإنسانية السامية المرتبطة بفن اليونان القديمة. صور الفنان مشاهير الفلاسفة والعلماء القدماء. في الجزء المركزي من التكوين توجد شخصيات أفلاطون وأرسطو. تشير يد أفلاطون إلى الأرض ، ويد أرسطو إلى الجنة التي ترمز إلى تعاليم الفلاسفة القدماء.

على الجانب الأيسر من أفلاطون صورة لسقراط ، يجري محادثة مع مجموعة من الناس ، من بينهم يبرز وجه الشاب السيبياديس ، جسده محمي بقذيفة ورأسه مغطى بخوذة. على الدرجات يوجد ديوجين ، مؤسس المدرسة الفلسفية للسخرية. يتم تمثيله هنا كشحاذ يقف عند مدخل المعبد ويستجدي الصدقات.

في الجزء السفلي من التكوين ، يتم عرض مجموعتين من الأشخاص. على الجانب الأيسر يوجد تمثال فيثاغورس محاطًا بالتلاميذ. على اليمين - إقليدس ، يرسم شيئًا ما على لوح إردواز ، محاط أيضًا بالطلاب. على يمين المجموعة الأخيرة يوجد زرادشت وتوج بطليموس مع الكرات في يديه. في مكان قريب ، وضع المؤلف صورته الذاتية وشخصية الرسام سودومو (كان هو الذي بدأ العمل على لوحة ستانزا ديلا سيناتورا). إلى يسار الوسط ، وضع الفنان هرقليطس من أفسس متأملًا.

مقارنة بالصور الموجودة على اللوحات الجدارية لـ Disput ، فإن أرقام مدرسة أثينا أكبر بكثير وأكثر ضخامة. هؤلاء أبطال يتمتعون بعقل متميز وثبات كبير. الصور الرئيسية للجدارية هي أفلاطون وأرسطو. يتم تحديد أهميتها ليس فقط وليس من خلال المكان في التكوين (تحتل المكانة المركزية) ، ولكن من خلال التعبير عن الوجه والمرونة الخاصة للأجساد: هذه الشخصيات لها وضع ملكي حقيقي ومشية. حقيقة مثيرة للاهتمام هي أن ليوناردو دافنشي أصبح النموذج الأولي لصورة أفلاطون. كان نموذج كتابة صورة إقليدس هو المهندس المعماري برامانتي. كان النموذج الأولي لهرقليطس هو الشكل الذي رسمه مايكل أنجلو على سقف كنيسة سيستين. يقترح بعض العلماء أن صورة هرقليطس رسمها السيد مايكل أنجلو نفسه.

يتغير الموضوع هنا أيضًا: تبدو اللوحة الجدارية وكأنها نوع من الترنيمة للعقل البشري والإرادة البشرية. لهذا السبب تم وضع جميع الشخصيات على خلفية الهياكل المعمارية الفخمة التي ترمز إلى اللانهاية للعقل البشري والفكر الإبداعي. إذا كان أبطال "الخلافات" سلبيين ، فإن الصور المعروضة في "مدرسة أثينا" هم بناة نشيطون وحيويون لحياتهم ، ومحولات للنظام الاجتماعي العالمي.

الحلول التركيبية للجدارية مثيرة للاهتمام أيضًا. وبالتالي ، فإن شخصيات أفلاطون وأرسطو الموجودة في الخلفية ، نظرًا لحقيقة أنها تظهر في الحركة ، هي الشخصيات الرئيسية في الصورة. كما أنها تشكل المركز الديناميكي للتكوين. عند الحديث من الأعماق ، يبدو أنهم يتقدمون إلى المشاهد ، مما يخلق انطباعًا عن الديناميكيات ، وتطور التكوين ، الذي يحيط به قوس نصف دائري.

تم تنفيذ العمل على اللوحة خلف غرفة ختم Stanza d'Eliodoro بواسطة رافائيل من 1511 إلى 1514. أصبحت الأساطير والحقائق التوراتية من تاريخ البابوية موضوعات للرسوم الجدارية في هذه الغرفة ، مزينة بالقصص التي كان فيها المكان الرئيسي أعطيت للعناية الإلهية والمعجزة.

حصلت الغرفة على اسمها بعد الانتهاء من العمل الزخرفي على اللوحة الجدارية "طرد إليودور" ، والتي كانت حبكة قصة القائد السوري إليودور الذي رغب في سرقة الثروة المخزنة في قلعة القدس. ومع ذلك ، منعه الفارس السماوي. كانت اللوحة الجدارية بمثابة تذكير بكيفية هزيمة قوات البابا يوليوس الثاني للجيش الفرنسي وإلحاق العار بها من الولايات البابوية.

ومع ذلك ، لا تختلف هذه اللوحة الجدارية في قوة التعبير عن نية الفنان الإبداعية. ربما يرجع هذا إلى حقيقة أن التكوين العام ينقسم إلى جزأين منفصلين. على اليسار يوجد فارس جميل يحاول مع ملاكين هزيمة إليودور. على الجانب الأيمن من اللوحة الجدارية يوجد يوليوس الثاني مستلقًا على نقالة. ومن بين الداعمين للنقالة ، صور الرسام الرسام الألماني الشهير ألبريشت دورر. على الرغم من شفقة الحبكة البطولية المفترضة ، فإن صور رافائيل خالية تمامًا من الديناميكيات والدراما.

أكثر قوة إلى حد ما في الشخصية والكمال في البنية التركيبية هي اللوحة الجصية المسماة "الكتلة في بولسن". تستند حبكتها إلى قصة تحكي عن كاهن غير مؤمن تلطخت رقاقاته بالدماء أثناء القربان. شهد البابا يوليوس الثاني والكاردينالات والسويسريون من الحرس الذين كانوا خلفه هذه المعجزة على لوحة رافائيل.

السمة المميزة لهذا العمل للفنان الشهير أصبحت كبيرة ، مقارنة بالأعمال السابقة ، درجة الطبيعية والطبيعة في تصوير الأبطال. لم تعد هذه شخصيات مجردة ، مدهشة بجمالها الخارجي ، لكنها أناس حقيقيون تمامًا. والدليل الأكثر وضوحا على ذلك هو صور السويسريين من الحرس البابوي ، الذين تمتلئ وجوههم بالطاقة الداخلية ، معبرة عن إرادة بشرية قوية. ومع ذلك ، فإن مشاعرهم ليست اختراع الفنان الإبداعي. هذه مشاعر إنسانية حقيقية للغاية.

في هذا العمل ، يولي المؤلف اهتمامًا كبيرًا بالألوان والامتلاء الملون للقماش والصور. لا يهتم الرسام الآن بالنسخ الدقيق للخطوط الكنتورية للأشكال فحسب ، بل يهتم أيضًا بتشبع ألوان الصور ، وعرض عالمهم الداخلي من خلال نغمة معينة.

بالتساوي معبرة هي اللوحة الجدارية "كتاب بطرس" ، التي تصور مشهد تحرير الرسول بطرس بواسطة ملاك. يعتقد نقاد الفن أن هذه الصورة هي نوع من رمز التحرير الرائع للمندوب البابوي ليو العاشر (الذي أصبح فيما بعد البابا) من الأسر الفرنسية.

من الأمور ذات الأهمية الخاصة نظام الألوان التركيبي الذي وجده المؤلف في هذه اللوحة الجدارية. إنه يعيد إنتاج الإضاءة الليلية ، مما يعزز الطابع الدرامي للتكوين العام. تساهم الخلفية المعمارية المختارة بدقة في الكشف عن المحتوى والامتلاء العاطفي الأكبر للصورة: زنزانة مبنية من الطوب الضخم ، وقبو مقوس ثقيل ، وقضبان سميكة من الشبكة.

اللوحة الجدارية الرابعة والأخيرة في ستانزا دي إليودورو ، والتي سُميت فيما بعد "لقاء البابا ليو الأول مع أتيلا" ، تم وضعها وفقًا لرسومات رافائيل من قبل طلابه ، جوليو رومانو وفرانشيسكو بيني. نُفِّذت الأعمال في الفترة من 1514 إلى 1517. لم يستطع السيد نفسه ، الذي أصبح بحلول ذلك الوقت فنانًا مشهورًا بشكل غير عادي ، وانتشرت شهرته في جميع أنحاء إيطاليا ، وتلقى الكثير من الطلبات ، إكمال العمل على تزيين البابا. الغرف. بالإضافة إلى ذلك ، تم تعيين رافائيل في هذا الوقت كبير المهندسين المعماريين لكاتدرائية القديس بطرس ، وأشرف أيضًا على الحفريات الأثرية التي أجريت بعد ذلك في إقليم روما وضواحيها.

كُتبت اللوحات التي زينت ستانزا ديل إنشينديو بناءً على قصص من تاريخ البابوية. من بين جميع اللوحات الجدارية ، ربما تستحق واحدة فقط اهتمامًا خاصًا - "Fire in Borgo". تروي عن حريق وقع في أحد الأحياء الرومانية عام 847. شارك البابا لاوون الرابع في إطفاء الحريق في ذلك الوقت. تتميز هذه اللوحة الجدارية بالرثاء المفرط والدراما الاصطناعية في صورة أشخاص يحاولون الهروب من كارثة: ابن يحمل والده ، وشاب يتسلق فوق جدار ، وفتاة تحمل إبريقًا.

تُظهر اللوحات الجدارية لمقاطع الفاتيكان تطور عمل رافائيل: ينتقل الفنان تدريجياً من الصور المثالية للأعمال المبكرة إلى الدراما وفي نفس الوقت التقارب مع الحياة في الأعمال المتعلقة بالفترة المتأخرة (تراكيب الموضوع والصور).

فور وصوله إلى روما في عام 1509 تقريبًا ، رسم رافائيل ، استمرارًا لموضوع مادونا ، لوحة "مادونا ألبا". مقارنة بأشكال مادونا كونستابيل ، فإن الصور في مادونا ألبا أكثر تعقيدًا. تُصوَّر ماري هنا على أنها امرأة شابة ذات شخصية قوية وحيوية وواثقة. حركات الطفل بنفس القوة. اللوحة مصنوعة على شكل توندو. ومع ذلك ، تم رسم الأشكال بالكامل هنا ، وهو ما لم يكن نموذجيًا للوحات المستديرة. ومع ذلك ، فإن مثل هذا الترتيب للأشكال لا يؤدي إلى ظهور صور ثابتة. يتم عرضهم ، بالإضافة إلى التكوين بأكمله ككل ، في ديناميات. يتم إنشاء هذا الشعور بسبب حقيقة أن السيد ينقل بمهارة ودقة مرونة حركات جسم الإنسان.

كانت لوحة "مادونا في كرسي بذراعين" (أو "مادونا ديلا سيديا") ذات أهمية خاصة لتشكيل الأسلوب الإبداعي للفنان ، والتي اكتمل العمل فيها حوالي عام 1516. وترتكز الصورة المثالية إلى حد ما لمادونا هنا بسبب إدخال عناصر ملموسة وحقيقية في التكوين. لذلك ، على سبيل المثال ، صدر ماري مغطى بغطاء واسع مشرق به هامش. كانت هذه الشالات في ذلك الوقت هي الملابس المفضلة لجميع الفلاحات الإيطاليات.

توجد شخصيات مادونا والرضيع المسيح ويوحنا المعمدان الصغير بالقرب من بعضها البعض. يحصل المرء على انطباع بأن الصور تتدفق بسلاسة إلى بعضها البعض. الصورة الكاملة مشبعة بشعور غنائي خفيف بشكل غير عادي. يتم نقل موضوع حب الأم الأبدي هنا ليس فقط في نظرة مريم ، ولكن أيضًا في مرونة شخصيتها. يعطي شكل التوندو التركيبة الكاملة اكتمالًا منطقيًا. صورتا مريم والطفل ، الموضوعة على قماش دائري ، هي رمز لوحدة شخصين أقرب: الأم والطفل. هذه
تم التعرف على لوحة رافائيل من قبل معاصريه على أنها ذروة رسم الحامل ، ليس فقط من وجهة نظر البناء التركيبي ، ولكن أيضًا بسبب النقل الدقيق للخطوط البلاستيكية للصور.

منذ العشرينيات. القرن السادس عشر يعمل رافائيل على تراكيب قطع المذبح. لذلك ، في عام 1511 ظهرت "مادونا فولينيو". وفي عام 1515 ، بدأ الفنان الشهير في إنشاء لوحة فنية ، والتي ستجلب لاحقًا للرسام مجد سيد عظيم وتربح قلوب أكثر من جيل من الناس. سيستين مادونا هي لوحة تمثل المرحلة الأخيرة في تطوير أسلوب رافائيل الفني. تلقى موضوع الأمومة هنا ، مقارنة بالأعمال السابقة ، أعظم تطور وأكمل تجسيد.

عند دخول الكاتدرائية ، يتحول المشاهد على الفور إلى شخصية مادونا المهيبة وهي تحمل الرضيع يسوع المسيح بين ذراعيها. يتم تحقيق هذا التأثير من خلال ترتيب تركيبي خاص للشخصيات. ستارة نصف مفتوحة ، نظرات القديسين سيكستوس وباربرا موجهة إلى ماري - كل هذا يهدف إلى تسليط الضوء على الأم الشابة وجعلها مركز التكوين.

في الكشف عن صورة مادونا ، ابتعد رافائيل عن فناني عصر النهضة. مادونا هنا تتحدث مباشرة إلى المشاهد. إنها ليست مشغولة بطفل (مثل مادونا ليوناردو دافنشي) وليست منغمسة في نفسها (مثل بطلات الأعمال المبكرة للسيد). هذه ماريا ، تتحرك على طول الغيوم البيضاء نحو المشاهد ، تجري محادثة معه. في عينيها الواسعتين ، يمكن للمرء أن يرى الحب الأمومي ، وبعض الارتباك واليأس والتواضع ، والمشاعر العميقة لمصير ابنها في المستقبل. إنها ، بصفتها رائية ، تعرف كل ما سيحدث لطفلها. ومع ذلك ، من أجل إنقاذ الناس ، فإن الأم مستعدة للتضحية به. لقد وُهبت صورة الطفل المسيح بنفس الجدية. في عينيه ، كما كان ، العالم كله مغلق ، فهو ، مثل النبي ، يخبرنا عن مصير البشرية ومصيره.

رافائيل. سيستين مادونا. 1515-1519

صورة مريم مليئة بالدراما ومعبرة بشكل غير عادي. ومع ذلك ، فهو يخلو من المثالية ولا يتمتع بسمات زائدية. يتم إنشاء الشعور بالاكتمال ، واكتمال الصورة هنا بسبب ديناميكية التكوين ، والتي يتم التعبير عنها من خلال النقل الدقيق والصادق لمرونة الأشكال ، وستائر ملابس الأبطال. كل الشخصيات معروضة ، حية ، متحركة ، مشرقة. وجه مريم ، مثل الطفل المسيح بعيون غير حزينة طفولية ، يعبر عن سلسلة كاملة من المشاعر التي تتغير واحدة تلو الأخرى أمام المشاهد: الحزن والقلق والتواضع ، وأخيراً ، التصميم.

بين نقاد الفن ، لا تزال مسألة النموذج الأولي لسيستين مادونا مفتوحة. يتعرف بعض العلماء على هذه الصورة من خلال صورة امرأة شابة في بورتريه "السيدة في الحجاب" (1514). ومع ذلك ، وفقًا لشهادة معاصري الفنانة ، فإن ماري على قماش "سيستين مادونا" هي نوع عام من المرأة ، وهي نموذج رافائيل ، وليس صورة ملموسة لشخص ما.

من بين أعمال رافائيل البورتريه ، هناك أهمية كبيرة لصورة البابا يوليوس الثاني ، التي تم رسمها عام 1511. يظهر هنا شخص حقيقي كنوع من المثالية ، والتي كانت سمة مميزة لطريقة الرسام الإبداعية.

وتجدر الإشارة بشكل خاص إلى صورة الكونت بالداسار كاستيجليون ، التي تم إنشاؤها في عام 1515 ، والتي تصور شخصًا هادئًا ومتوازنًا ومتطورًا بشكل متناغم. يعمل رافائيل هنا كسيد رائع للون. إنه يستخدم مجموعات ألوان معقدة وانتقالات لونية. يتميز إتقان الظل نفسه بعمل آخر للرسام: صورة امرأة "سيدة في الحجاب" ("لا دونا فيلاتا" ، 1514) ، حيث اللون السائد هو الطلاء الأبيض (ينطلق ثوب المرأة الأبيض الثلجي حجاب خفيف).

جزء كبير من عمل رافائيل مشغول بأعمال ضخمة. من بين أعماله المماثلة اللاحقة ، الأكثر إثارة للاهتمام ، أولاً وقبل كل شيء ، اللوحة الجدارية التي تزين جدران فيلا فارنيسينا (التي كانت ملكًا للرجل الثري تشيغي سابقًا) "انتصار جالاتيا". تتميز هذه الصورة بمزاج بهيج غير عادي. الصور حرفيا تفيض بالسعادة. يتم إنشاء نغمة مماثلة من خلال استخدام مزيج خاص من الألوان الزاهية المشبعة: يتم دمج الأجسام البيضاء العارية بشكل متناغم هنا مع سماء زرقاء شفافة وموجات البحر الزرقاء.

كان آخر عمل ضخم لرافائيل هو زخرفة جدران الرواق المقنطر ، الواقع في الطابق الثاني من قصر الفاتيكان. تم تزيين ديكور القاعات بلوحات وفسيفساء مصنوعة من الرخام الصناعي. تم رسم مواضيع اللوحات الجدارية بواسطة الفنان من أساطير الكتاب المقدس ، إلخ. grotesques (اللوحات الموجودة على المقابر اليونانية القديمة - الكهوف). هناك 52 لوحة في المجموع. تم دمجهم لاحقًا في دائرة تحت عنوان عام "إنجيل رافائيل". ومن المثير للاهتمام أيضًا أن الفنان الشهير قام بالعمل على زخرفة قاعات قصر الفاتيكان مع طلابه ، ومن بينهم احتل مكانًا بارزًا جوليو رومانو ، وفرانشيسكو بيني ، وبيرينو ديل فاجا ، وجيوفاني دا أوديني.

كانت لوحات رافائيل الحاملة في وقت لاحق نوعًا من الانعكاس والتعبير عن الأزمة الإبداعية المتزايدة تدريجيًا للسيد. باتباع مسار الدرامية المتزايدة للصور التي أنشأها أسياد عصر النهضة العالي ، ولكن في نفس الوقت يظل وفياً لأساليبه الراسخة بالفعل في التصوير الفني ، يواجه رافائيل تناقضات في الأسلوب. وسائله وطرقه في التعبير عن الأفكار قليلة جدًا لإنشاء صور جديدة نوعيًا وأكثر كمالا من وجهة نظر نقل عالمهم الداخلي والجمال الخارجي. أمثلة حية توضح هذه الفترة من عمل رافائيل هي "حمل الصليب" (1517) ، ودورة "العائلات المقدسة" (حوالي 1518) ، وتركيب المذبح "التجلي".

من الممكن تمامًا أن يجد مثل هذا الرسام الموهوب ، مثل رافائيل ، طريقة للخروج من هذا المأزق الإبداعي ، لولا الموت المفاجئ الذي صدم جميع معاصري السيد. توفي رافائيل سانتي في 6 أبريل 1520 عن عمر يناهز 37 عامًا. تم ترتيب جنازة فخمة. دفن رماد الرسام العظيم في البانثيون في روما.

لا تزال أعمال رافائيل من روائع الفن العالمي حتى يومنا هذا. تم تصميم هذه اللوحات ، باعتبارها مثالًا على الفن الكلاسيكي ، لتُظهر للإنسانية جمالًا مثاليًا وغريبًا. لقد قدموا للمشاهد عالمًا تسود فيه مشاعر وأفكار عالية. عمل رافائيل هو نوع من الترنيمة للفن الذي يحول الشخص ، ويجعله أنظف وأكثر إشراقًا وأكثر جمالًا.

تيتيان (تيزيانو فيسيليو)

وُلد تيزيانو فيسيليو لعائلة عسكرية في بلدة بيفي دي كادوري الصغيرة الواقعة في الجبال وهي جزء من نطاق البندقية. فشل العلماء في تحديد تاريخ وسنة ولادة تيتيان بالضبط. يعتقد البعض أنها 1476-1477 ، والبعض الآخر - 1485-1490.

يعتقد العلماء أن عائلة فيسيليو كانت قديمة ومؤثرة بدرجة كافية في المدينة. برؤية الصبي الموهبة المبكرة للرسم ، قرر الوالدان إرسال تيزيانو إلى ورشة العمل الفنية لسيد الفسيفساء الفينيسي. بعد مرور بعض الوقت ، تم تعيين الشاب Vecellio للدراسة في ورشة العمل ، أولاً بواسطة Gentile Bellini ، ثم بواسطة Giovanni Bellini. في هذا الوقت ، يلتقي الفنان الشاب بجورجيون ، الذي انعكس تأثيره في أعماله المبكرة.

يمكن تقسيم جميع أعمال الفنان بشكل مشروط إلى فترتين: الأولى - ما يسمى. Dzhordzhonevsky - حتى 1515-1516 (عندما يتم التعبير عن تأثير Giorgione بقوة في أعمال الرسام) ؛ الثاني - من الأربعينيات. القرن السادس عشر (في هذا الوقت كان تيتيان بالفعل معلمًا راسخًا يمثل فن عصر النهضة المتأخر).

في أعقاب المرحلة المبكرة من تشكيل الأسلوب الفني لجورجونيه ورسامي عصر النهضة ، أعاد تيتيان التفكير في طرق حل المشكلات الفنية. تظهر صور جديدة من تحت فرشاة الفنان ، والتي تختلف بشكل كبير عن الشخصيات الرفيعة والراقية ، مثل رافائيل وليوناردو دافنشي. أبطال تيتيان متواضعون ، ممتلئون الجسم ، حسيون ، لديهم مبدأ وثني إلى حد كبير. تتميز اللوحات المبكرة للرسام بتكوين بسيط إلى حد ما ، ومع ذلك يتخللها مزاج بهيج بشكل غير عادي وإدراك السعادة الصافية والامتلاء واللانهاية للحياة الأرضية.

من بين أعمال هذه الفترة ، الأكثر تعبيراً عن الأسلوب الإبداعي للفنان بشكل كامل ، كانت لوحة "الحب الأرضي والسماوي" ، المؤرخة في 10 ثوانٍ من أكثر الأعمال سطوعًا. القرن السادس عشر. من المهم بالنسبة للمؤلف ليس فقط نقل الحبكة ، ولكن أيضًا لإظهار منظر طبيعي جميل يستحضر أفكار الهدوء وسعادة الوجود والجمال الحسي للمرأة.

الشخصيات الأنثوية هي بلا شك سامية ، لكنها ليست مجردة من الحياة وليست مثالية من قبل المؤلف. تُعد المناظر الطبيعية ، المطلية بألوان ناعمة والموضوعة في الخلفية ، بمثابة خلفية ممتازة للصور الأنثوية الرشيقة والرائعة ، ولكن في الوقت نفسه ، صور أنثوية حقيقية وملموسة: الحب الأرضي والحب السماوي. ساعدت التركيبة المكونة بمهارة والشعور الدقيق بالألوان الفنان على إنشاء عمل متناغم بشكل غير عادي ، حيث يتبين أن كل عنصر منه يخضع لرغبة المؤلف في إظهار الجمال الطبيعي للطبيعة الأرضية والإنسان.

في وقت لاحق ، يعود تاريخه إلى عام 1518 ، لم يكن لعمل تيتيان "أسونتا" (أو "صعود مريم") هذا التأمل الهادئ والصفاء الذي يبدو في العمل "الحب الأرضي والسماوي". هناك المزيد من الديناميات والقوة والطاقة. الشخصية المركزية للتكوين هي مريم ، التي تظهرها امرأة شابة مليئة بالجمال والقوة الأرضية. آراء الرسل موجهة إليها ، الذين تعبر صورهم عن نفس الحيوية والطاقة الداخلية. إن تكوين "باخوس وأريادن" (من دورة "Bacchanalia" ، 1523) هو نوع من ترنيمة لجمال الإنسان وشعور إنساني قوي.

أصبح تمجيد الجمال الأنثوي الأرضي موضوع عمل آخر لتيتيان ، يُدعى "فينوس أوربينو". تم إنشاؤه عام 1538. على الرغم من حقيقة أنه لا يوجد أي سمو وروحانية للصورة على الإطلاق ، فإن هذه الأخيرة لا تقلل من القيمة الجمالية للقماش. كوكب الزهرة جميل حقًا هنا. ومع ذلك ، فإن جمالها متواضع وطبيعي ، مما يميز الصورة التي أنشأها تيتيان عن فينوس في بوتيتشيلي.

ومع ذلك ، سيكون من الخطأ القول إن صور الفترة المبكرة من تطور عمل الفنان تمجد الجمال الخارجي للإنسان فقط. يصور مظهرهم الكامل شخصًا متناغمًا ، يتساوى جماله الخارجي مع الروحاني وهو الجانب العكسي لروح جميلة بنفس القدر.

من وجهة النظر هذه ، فإن صورة يسوع المسيح على قماش "ديناريوس قيصر" ، التي تم إنشاؤها في الفترة من 1515 إلى 1520 ، هي ذات أهمية قصوى.يظهر تيتيان أن يسوع ليس كائنًا إلهيًا سامًا. يشير التعبير العاطفي على وجهه إلى أنه يوجد أمام المشاهد شخص نبيل يتمتع بتنظيم عقلي مثالي.

تمتلئ الصور التي تم إنشاؤها في تكوين المذبح "مادونا أوف بيسارو" ، المكتوبة في الفترة من 1519 إلى 1526 ، بنفس الروحانية ، وهؤلاء الأبطال ليسوا مخططات أو أفكار مجردة. يتم تسهيل إنشاء صورة حقيقية حية إلى حد كبير من خلال استخدام سلسلة من الألوان المختلفة من قبل السيد: حجاب الثلج الأبيض لمريم ، والأزرق السماوي ، والقرمزي ، والأحمر الساطع ، والملابس الذهبية للأبطال ، والأخضر الغني سجادة. لا تؤدي هذه المجموعة المتنوعة من النغمات إلى حدوث فوضى في التكوين ، بل على العكس من ذلك ، تساعد الرسام على إنشاء نظام متماسك ومتناغم للصور.

في 1520s. ابتكر تيتيان أول عمل ذي طبيعة درامية. هذه هي اللوحة الشهيرة "القبر". يتم تفسير صورة المسيح هنا ، تمامًا كما في لوحة "ديناريوس قيصر". لم يتم تقديم يسوع ككائن نزل من السماء ليخلص البشرية ، ولكن كبطل أرضي بالكامل سقط في معركة غير متكافئة. على الرغم من كل مأساة الحبكة الدرامية ، إلا أن اللوحة القماشية لا تثير حالة من اليأس لدى المشاهد. على العكس من ذلك ، فإن الصورة التي أنشأها تيتيان هي رمز للتفاؤل والبطولة ، وتجسد الجمال الداخلي للشخص ونبل وقوة روحه.

{!LANG-4eeb9cacf468a4b5c79099444e07afd9!}

{!LANG-6765db386bbda9ef6eafa05b368f6f17!}

{!LANG-401b35757e6bc643de4d5cbdb9fca5a4!}

{!LANG-3c3af1b50614af3966879904de4f39ca!}

{!LANG-1f575f601aeb32556c92bf99645629ac!}

{!LANG-25f2dbdd2bdb3575f4495c91c3e05273!}

{!LANG-5e89bea2416cce9b5c712698b1bfcd83!}

{!LANG-5921a975d961e76125148d7f8822c075!}

{!LANG-dd7ec203d8f0092d88d4c120d17dbd7f!}

{!LANG-5ce0177d9439e94b0085767f50d445f7!}
{!LANG-2f4ca6367d97ff6cf9deff9acca61569!}

{!LANG-d9da10cacaaa473f91be710c7c40e3ff!}

{!LANG-75be5098a8620a10ac6c16476c590e9c!}
{!LANG-4d7760ed0cbae05c585f504882a3c16e!}

{!LANG-8be2a66e036f172ce6d77103fde87538!}

{!LANG-779931f63353f102d8d1b089471f2fc3!}

{!LANG-15de24cb88e9d89f6a8210ade0276a79!}

{!LANG-9e58343a60f3be1e7dfa55333caeb019!}

{!LANG-f3c1783f88549fff2ca377db77b64c24!}

{!LANG-4f45af806a54c463d6c9c15409c5d499!}
{!LANG-a08ed5e5b2aed7caee7e65c6322b0ade!}

{!LANG-77f5fbb0c4673d0c61199128496de2d9!}

{!LANG-f145168b503535116259c90b9b4272f7!}

{!LANG-b74f3314fb552306e378973f156c5b2d!}

{!LANG-35619de133d99bd114ac9f0ac57b8347!}

{!LANG-bd9670e140722d6b599e67bbfacfead9!}

{!LANG-a65758a40e090659c3cf36146ae42d91!}

{!LANG-aece41025d88b96e4db949101af835fd!}

{!LANG-9be72e62b454c33bc5bbf3f130e4c5f5!}

{!LANG-419e285d173e660d76769ba6475ed640!}

{!LANG-fc6ae539ad94c05d29bf8540192c2730!}

{!LANG-250d8f95f30aa5f167d9da10f6c0316b!}

{!LANG-81e46c48a0be7c41a8879106bebcc5de!}

{!LANG-d688094b9277c4c1803482c32ca79c35!}

{!LANG-1779e49153c90ef9f245b359a2e9e49f!}

{!LANG-d518b27a72ca2f71c83cee157384fc8f!}

{!LANG-ce794551b9bf88fa2aab0c3eeee8a53a!}

{!LANG-62f977ae7b470061cbf9af8ef5fa4fb7!}

{!LANG-100d1c82ca8ca9713b0e822b0e6d6bb7!}

{!LANG-e0c26356b3f6384ba7cee8941aacdb79!}

{!LANG-7c274a3a003de12d2e5869ceaa836b7a!}

{!LANG-ca02cf5a49056d3f5b63af1a15189698!}

{!LANG-ed660ffde7e93b0a2b910b2dd69924d8!}

{!LANG-b77b68de8e90b94704f31925bd3794c1!}

{!LANG-4f89ef4df1330d3fc66b5280b3463292!}

{!LANG-9db46230c9294f6fae6e087fc9109b14!}

{!LANG-567771b7b90f0f3a36c4e5a4642a9f99!}

{!LANG-c42557084e9df5a8a39c9b36a070f28e!}

{!LANG-62e8a8eb651daeb570b6ab838f24248a!}

{!LANG-d898f6dcb598436871caac81d9c31332!}

{!LANG-c51790c18d1d7d61f02415d2bb55ff61!}

{!LANG-a58a7f77f698450d30cb06a0f98c96b3!}

{!LANG-632e5219bb948cafa62fd6ad59cc7ad0!}

{!LANG-93dce92fbdc378f700eda011b0b52fb6!}

{!LANG-edf1dd038beb8ce10d6c68d5d51a31c1!}

{!LANG-2180c47d0013b4359ca5d30f536d8daa!}

{!LANG-34bbfa547f401eb72bde71db9404d9c7!}

{!LANG-faaaaf746edd1ef56d608dbd9d540e75!}

{!LANG-cc40906c6bc27ec20ad6505f16a6d5ea!}

{!LANG-e44d3ce2ca6beb93bb1772aff9155013!}

{!LANG-a8aa7101fbb33bd3351140b71793ef76!} {!LANG-90e5ba6aaa0a856e9dfa16f9f0191d3d!}{!LANG-540c7aa94ececa9a81c93e56166ffeb5!} {!LANG-c676ee0f465996d96bf306ae75dfc45f!}{!LANG-af2975d8dc6422220c6c1905f807507e!} {!LANG-ee49b86248994e7cc4b7b6ba5fc082bb!}{!LANG-27a19fb1326368cd7257d25e71e146d5!} {!LANG-2b73c6966682bf5b7bb4d1d3813c8127!}{!LANG-b23ad5a01e923295f1579966dbdec749!}

{!LANG-3e1b045783cd2ace72f03422ce51975a!}

{!LANG-a3edde7c0045778d24d3ca6cd1e0f817!}

{!LANG-fa9588c8fec67440c84f3004c0689fb5!}

{!LANG-572e6db2343ff4a8928d17ed685b1072!}

{!LANG-8d1986ecb79962992e55577a62698a0f!}

{!LANG-503a543f8df8ed8b191b9749dd7d0785!}

{!LANG-228c6deef78fde946fb948323675b9a7!}

{!LANG-d949d4f48abc126ec0db15ce29e38663!}