الأدب الموسيقي للدول الأجنبية الجزء الثالث. "الأدب الموسيقي للدول الأجنبية" و

تعتبر الملاحظات الداعمة حول الأدب الموسيقي للدول الأجنبية إضافة إلى الكتب المدرسية الموجودة في الأدب الموسيقي. يتوافق محتوى الدليل مع برنامج الموضوع PO.02.UP.03. "الأدب الموسيقي" لبرامج تعليمية عامة إضافية ما قبل الاحتراف في مجال الفن الموسيقي "البيانو" ، "الآلات الوترية" ، "آلات النفخ والإيقاع" ، "الآلات الشعبية" ، "الغناء الكورالي" ، أوصت به وزارة الثقافة من الاتحاد الروسي.

تم تصميم الملاحظات الداعمة على الأدب الموسيقي لتطوير التعليم الإنساني والكفاءات الخاصة للطلاب ، ولا سيما: "... لتكوين التفكير الموسيقي ، ومهارات الإدراك والتحليل للأعمال الموسيقية ، واكتساب المعرفة بأنماط الشكل الموسيقي ، وخصائص اللغة الموسيقية ، والوسائل التعبيرية للموسيقى" 1 .

يقدم الكتاب المدرسي أعمال الملحنين في سياق العصور الثقافية والتاريخية ، ويدرس في ارتباط وثيق بالأحداث التاريخية والفنون ذات الصلة. المواد المجردة هي الأطروحات الرئيسية للبحث في تاريخ الموسيقى والأدب الموسيقي بواسطة V.N Bryantseva و V. S. Galatskaya و L.V Kirillina و V.D Konen و T.N. من الجداول والرسوم البيانية والدعم المرئي. الدعامات المرئية (نسخ من اللوحات لفنانين مشهورين ، صور الملحنين ، أقاربهم وأصدقائهم ، شخصيات بارزة في الثقافة والفن ، شخصيات تاريخية ، إلخ) لا ترافق وتكمل المعلومات الشفهية فحسب ، بل إنها تنقل المعلومات في مجال الفنون الجميلة ترتبط الفنون ارتباطًا مباشرًا بالعصور والاتجاهات في الموسيقى ، وعمل الملحنين ، وتعكس تاريخ وثقافة وفن الدول الأوروبية.

يتكون محتوى الملاحظات المرجعية من أربعة أقسام ، والتي بدورها تنقسم إلى مواضيع تغطي فترات تطور الموسيقى الأوروبية من الثقافة الموسيقية في اليونان القديمة إلى أعمال الملحنين الرومانسيين في القرن التاسع عشر. لذا يبحث القسم الأول في الثقافة الموسيقية لليونان القديمة والعصور الوسطى وعصر النهضة. القسم الثاني يدرس عصر الباروك ، عمل ج.س.باخ و ج.ف. هاندل. القسم الثالث مكرس لعصر الكلاسيكية ، حيث يتم التركيز على أعمال كلاسيكيات فيينا - ج. هايدن ، دبليو إيه موزارت وإل بيتهوفن. يقدم القسم الرابع مواد عن عصر الرومانسية ، عمل ف.شوبير وف. شوبان ، لمحة موجزة عن أعمال الملحنين الرومانسيين في القرن التاسع عشر ، ف. فيردي ، ر. واجنر ، جيه برامز ، جيه بيزيه.

كما يتضمن الدليل قواميس المعاني والمصطلحات والمفاهيم الموجودة في النص ، وتحليل موجز وأمثلة موسيقية للأعمال المدروسة.

إلى جانب العرض الصارم للمواد في جداول ورسوم بيانية ، يتضمن الدليل حقائق مثيرة للاهتمام من حياة المؤلفين ، معروضة في شكل سرد مصحوبة برسوم فنية ملونة ، مما ينعش إدراك الأطفال واهتمامهم.

الملاحظات المرجعية حول الأدب الموسيقي للدول الأجنبية مخصصة لطلاب مدرسة فنون الأطفال ، مدرسة الموسيقى للأطفال في السنتين الثانية والثالثة من الدراسة (الصفوف 5 و 6) ، الذين يدرسون برامج تعليمية عامة إضافية قبل المهنية في هذا المجال من الفن الموسيقي. يمكن لمدرسي التخصصات الموسيقية والنظرية والخاصة بالمدارس الفنية للأطفال ، ومدارس الفنون للأطفال استخدام الكتاب المدرسي عند دراسة مواد جديدة ، وتكرار الموضوعات التي يتم تناولها وتنظيمها ، والتحضير للشهادة المتوسطة والنهائية للطلاب ، والتحضير لأولمبياد الموسيقى النظرية ، والعمل المستقل من الطلاب ، تدريبًا جماعيًا وفرديًا ، جزئيًا عند تنفيذ برامج تنموية عامة إضافية في مجالات الفن الموسيقي ، في الأنشطة الثقافية والتعليمية.

الملاحظات المرجعية مصحوبة بكتيب تم تصميمه للعمل في الفصل الدراسي.

فيما يلي أجزاء من دليل "الملاحظات الداعمة حول الأدب الموسيقي للدول الأجنبية".

لشراء دليل تاتيانا جوريفنا سافيليفا "ملاحظات مرجعية حول الأدب الموسيقي للبلدان الأجنبية" ، يرجى الاتصال بالمؤلف على [بريد إلكتروني محمي]

_____________________________________________

1 برنامج نموذجي للموضوع PO.02. UP.03. - الأدب الموسيقي. - موسكو 2012

______________________________________________________

مكتبة الموسيقى يسعدنا أنك عثرت على المواد التي تهتم بها في مكتبة الموسيقى الخاصة بنا وقمت بتنزيلها. يتم تحديث المكتبة باستمرار بالأعمال والمواد الجديدة ، وفي المرة القادمة ستجد بالتأكيد شيئًا جديدًا وممتعًا بالنسبة لك. تم الانتهاء من مكتبة المشروع على أساس المنهج ، وكذلك المواد الموصى بها للتدريس وتوسيع آفاق الطلاب. سيجد كل من الطلاب والمعلمين معلومات مفيدة هنا. تقدم المكتبة أيضًا مؤلفات منهجية. الملحنون والممثلون للحيوانات الأليفة لدينا الفنانون المعاصرون ستجد هنا أيضًا سير ذاتية لفنانين بارزين وملحنين وموسيقيين مشهورين بالإضافة إلى أعمالهم. في قسم العمل ، ننشر تسجيلات للعروض التي ستساعدك في التعلم ، وسوف تسمع كيف يبدو هذا العمل ، واللهجات والفروق الدقيقة في العمل. نحن في انتظارك في classON.ru. VN Bryantsev Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 عنها أصبحت أكثر وفرة منذ حوالي القرن العاشر قبل الميلاد. تتطور الفنون البصرية - ويصور الفنانون الموسيقيين الذين يرافقون الطقوس الدينية والحملات العسكرية والصيد والمواكب الاحتفالية والرقصات بالغناء والعزف على الآلات. تم الحفاظ على هذه الصور ، على وجه الخصوص ، على جدران المعابد والمزهريات الخزفية التي تم العثور عليها أثناء التنقيب. تظهر الكتابة - ويقدم مؤلفو المخطوطات نصوصًا شعرية من الأغاني والترانيم ، ويقدمون معلومات مثيرة للاهتمام حول الحياة الموسيقية. بمرور الوقت ، يولي الكتاب اهتمامًا كبيرًا للمناقشات الفلسفية حول الموسيقى ، ودورها الاجتماعي المهم ، بما في ذلك دورها التربوي ، فضلاً عن الدراسة النظرية لعناصر لغتها. تم حفظ معظم هذه المعلومات عن الموسيقى في بعض دول العالم القديم ، على سبيل المثال ، في الصين القديمة والهند القديمة ومصر القديمة ، وخاصة في ما يسمى بالدول القديمة - اليونان القديمة وروما القديمة ، حيث أسس الثقافة الأوروبية وضعت 2. مقدمة الموسيقى من العصور القديمة لشبيبة باخ الأطفال الأعزاء! العام الماضي كان لديك بالفعل دروس في الأدب الموسيقي. ناقشوا العناصر الأساسية للغة الموسيقية ، وبعض الأشكال والأنواع الموسيقية ، والإمكانيات التعبيرية والبصرية للموسيقى ، والأوركسترا. في الوقت نفسه ، تم إجراء المحادثة بحرية حول مجموعة متنوعة من العصور - إما عن العصور القديمة ، أو عن الحداثة ، أو العودة إلى قرون أقل أو أكثر بعدًا عنا. والآن حان الوقت للتعرف على الأدب الموسيقي بترتيب زمني متسلسل - تاريخي -. حول الموسيقى في اليونان القديمة كيف حصلنا على معلومات حول موسيقى العالم القديم ، والدليل المقنع على الدور الثقافي والتاريخي العظيم للعصور القديمة هو حقيقة أنه في اليونان القديمة في القرن الثامن قبل الميلاد ، ولدت مسابقات الرياضة العامة ، الألعاب الأولمبية . وبعد قرنين من الزمان ، بدأت المسابقات الموسيقية هناك - الألعاب البيثية ، والتي يمكن اعتبارها الأسلاف البعيدة للمسابقات الحديثة. أقيمت الألعاب البيثية في المعبد ، الذي بني تكريما لراعي الفنون ، إله الشمس والضوء ، أبولو. وفقًا للأساطير ، بعد أن هزم الثعبان الوحشي Python ، أسس هو نفسه هذه الألعاب. من المعروف أنه بمجرد فوز سكاد من أرغوس بهما ، عزف على آلة النفخ aulos بالقرب من المزمار ، مسرحية عن صراع أبولو مع بايثون. بالنسبة للموسيقى اليونانية القديمة كان هناك ارتباط مميز بالشعر ، الرقص والمسرح. تم غناء القصائد الملحمية البطولية "إلياذة" و "الأوديسة" ، المنسوبة إلى الشاعر الأسطوري هوميروس ، بصوت غنائي. كان المغنون عادة ، مثل الأسطوري أورفيوس ، مؤلفي النص الشعري والموسيقى ، وكانوا هم أنفسهم يرافقون أنفسهم على القيثارة. تم أداء أغاني رقص كورالي مع إيماءات إيمائية في الاحتفالات. في المآسي والكوميديا ​​اليونانية القديمة ، كان للجوقة دور كبير: فقد علق على الحدث ، وأعرب عن موقفه. أثناء التنقيب ، وجد علماء الآثار أبسط الآلات الموسيقية (على سبيل المثال ، آلات النفخ - عظام الحيوانات ذات الثقوب المحفورة) ومصممة أنها صنعت منذ حوالي أربعين ألف سنة. وبالتالي ، كان فن الموسيقى موجودًا بالفعل. بعد اختراع الفونوغراف في عام 1877 - أول جهاز للتسجيل الميكانيكي وإعادة إنتاج الصوت ، بدأ الموسيقيون والباحثون بالسفر إلى تلك الزوايا من الكرة الأرضية حيث لا تزال بعض القبائل تتمتع بنمط حياة بدائي. من ممثلي هذه القبائل ، بمساعدة الفونوغراف ، قاموا بتسجيل عينات من الألحان الغنائية والآلات. لكن مثل هذه التسجيلات لا تقدم ، بالطبع ، سوى فكرة تقريبية عن شكل الموسيقى في تلك العصور القديمة. تأتي كلمة "التسلسل الزمني" (وتعني "تسلسل الأحداث التاريخية في الوقت") من كلمتين يونانيتين - "كرونوس" ("الوقت") و "لوغوس" ("عقيدة"). 1 الكلمة اللاتينية "antiguus" تعني "القديم". مصطلح "قديم" مشتق منه يشير إلى تاريخ وثقافة اليونان القديمة وروما القديمة. 2 2 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي على أساس أفعال الأبطال. يمتلك علماء الموسيقى الحديثون بعض المعلومات عن الموسيقى في العالم القديم ومع ذلك يحسدون مؤرخي الفنون الأخرى. بالنسبة لعدد كبير من الآثار الرائعة للعمارة القديمة ، تم الحفاظ على الفنون الجميلة القديمة ، وخاصة النحت ، وقد تم العثور على العديد من المخطوطات مع نصوص المآسي والكوميديا ​​لكتاب المسرح القدامى العظماء. لكن الأعمال الموسيقية التي تم إنشاؤها في نفس العصر وحتى بعد ذلك بكثير تظل غير معروفة لنا بشكل أساسي. لماذا حصل هذا؟ الحقيقة هي أنه تبين أنه كان من الصعب للغاية اختراع نظام تدوين موسيقي (تدوين) دقيق ومريح بما فيه الكفاية ، النظام الذي أتقنه كل واحد منكم عندما كنتم في بداية تعلم الموسيقى. استغرق الأمر عدة قرون لحلها. صحيح أن الإغريق القدماء اخترعوا تدوين الحروف. قاموا بتعيين خطوات الأوضاع الموسيقية بأحرف أبجدية معينة. لكن لم يتم دائمًا إضافة العلامات الإيقاعية (من الشرطات). فقط في منتصف القرن التاسع عشر الميلادي ، كشف العلماء أخيرًا أسرار هذا الترميز. ومع ذلك ، إذا كانوا قادرين على فك رموز نسبة الأصوات في الارتفاع في المخطوطات الموسيقية اليونانية القديمة بالضبط ، فإن النسبة في المدة تكون تقريبًا فقط. علاوة على ذلك ، تم العثور على عدد قليل جدًا من هذه المخطوطات ، وهي تحتوي على سجلات لعدد قليل من الأعمال أحادية الصوت (على سبيل المثال ، الترانيم) وفي كثير من الأحيان - شظاياها. رؤية كافية. لذلك ، استخدم الموسيقيون منذ فترة طويلة رموز تلميح مساعدة. وُضعت هذه الأيقونات فوق كلمات الترانيم ورمزت إلى أصوات فردية أو مجموعات صغيرة. لم يشروا إلى النسبة الدقيقة للأصوات سواء في الارتفاع أو في المدة. لكن مع نقشهم ، ذكّروا فناني الأداء باتجاه حركة اللحن ، الذين عرفوها عن ظهر قلب ونقلوها من جيل إلى جيل. في بلدان أوروبا الغربية والوسطى ، والتي ستتم مناقشة موسيقاها لاحقًا في هذا الكتاب المدرسي ، كانت تسمى هذه الرموز neumes. تم استخدام النيوميات لتسجيل التراتيل الليتورجية الكاثوليكية القديمة - الترانيم الغريغورية. هذا الاسم الشائع مشتق من اسم البابا غريغوري الأول 3. وفقًا للأسطورة ، في نهاية القرن السادس ، قام بتجميع المجموعة الرئيسية لهذه الترانيم أحادية الصوت. يُراد أداؤها أثناء الخدمة الكنسية فقط من قبل الرجال والفتيان - منفردين وفي انسجام من قبل الجوقة ، وقد تمت كتابتهم بنصوص الصلاة اللاتينية. لكن في القرن الحادي عشر ، اخترع الراهب الإيطالي غويدو داريزو ("من أريزو") طريقة جديدة للتدوين. فقد قام بتدريس الأولاد في الدير وأراد أن يسهل عليهم حفظ الترانيم الروحية. بحلول ذلك الوقت ، بدأ وضع neumes على خط أفقي ، فوقه وأسفله. يتوافق هذا الخط مع صوت واحد محدد ، وبالتالي حدد مستوى الارتفاع التقريبي للتسجيل. وتوصل Guido إلى فكرة رسم أربعة خطوط متوازية في وقت واحد ("الحكام") على نفس المسافة من بعضهم البعض ووضع neumes عليهم وبينهم. هذه هي الطريقة التي كان بها الطاقم الموسيقي الحديث - مثل لوحة قماشية مبطنة بدقة ، مما جعل من الممكن الإشارة بدقة إلى نسبة الصوت حسب النغمات و semitones. وفي الوقت نفسه ، أصبح التدوين الموسيقي أكثر بصرية - مثل صورة تصور حركة اللحن ، وانحناءاته. الأصوات التي تتوافق مع الحكام ، عيّن Guido حروف الأبجدية اللاتينية وبدأت أنماطهم تتغير لاحقًا وتحولت في النهاية إلى علامات أطلقوا عليها اسم المفاتيح. "الجلوس" على الحكام وبينهم ، مع مرور الوقت ، تحولوا إلى نوتات منفصلة ، كان للرؤوس أولاً شكل مربعات. الأسئلة والمهام 1. متى ، وفقًا للعلماء ، صُنعت أقدم الآلات الموسيقية؟ ماذا يقول؟ 2. ما هو الفونوغراف ومتى تم اختراعه وكيف بدأ الباحثون استخدامه؟ 3. حول الموسيقى في أي بلدان العالم القديم ، تم الحفاظ على معظم المعلومات؟ حدد على الخريطة - حول البحر الذي توجد حوله ثلاث دول من هذا القبيل. 4. متى وأين بدأت المسابقات الموسيقية القديمة - الألعاب البيثية -؟ 5. ما هي الفنون التي كانت الموسيقى مرتبطة بها ارتباطًا وثيقًا في اليونان القديمة؟ 6. ما هو الترميز الذي اخترعه اليونانيون القدماء؟ بأي طريقة هي غير دقيقة؟ لقب "بابا روما" يحمله رجل دين يرأس الكنيسة الكاثوليكية كمنظمة روحية دولية. الكاثوليكية هي إحدى العقائد المسيحية إلى جانب الأرثوذكسية والبروتستانتية. 4 تحدث الرومان القدماء باللاتينية. بعد سقوط الإمبراطورية الرومانية عام 476 ، توقف التحدث باللغة اللاتينية تدريجياً. جاء منها ما يسمى باللغات الرومانسية - الإيطالية والفرنسية والإسبانية والبرتغالية. 3 كيف تم إنشاء التدوين المناسب في العصور الوسطى (تعتبر بداية هذه الفترة التاريخية القرن السادس الميلادي) ، تم نسيان تدوين الحروف تقريبًا. 3 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي وصلت الشائعات حول طريقة جديدة للتدوين - تمامًا مثل نوع من المعجزة - إلى البابا يوحنا التاسع عشر. استدعى Guido لنفسه وغنى لحنًا غير معروف له وفقًا لتسجيل مخترع. في المستقبل ، تم تغيير عدد الحكام المتوازيين عدة مرات ، وحدث ذلك - بل وزاد إلى ثمانية عشر. بحلول نهاية القرن السابع عشر فقط "ربح" طاقم العمل المكون من خمسة خطوط. كما تم استخدام العديد من المفاتيح المختلفة. فقط في القرن التاسع عشر أصبحت الموسيقى الثلاثية والباس الموسيقي أكثر شيوعًا. بعد اختراع Guido d'Arezzo ، تم حل مهمة صعبة أخرى لفترة طويلة - كيفية تحسين التدوين بحيث يشير إلى النسبة الدقيقة للأصوات ، ليس فقط في الارتفاع ، ولكن أيضًا في المدة. وبعد مرور بعض الوقت ، فكروا في باستخدام العلامات الموسيقية لهذا ، يختلف في الشكل. تمت إضافة العديد من القواعد التقليدية إلى هذا في البداية ، مما يجعل من الصعب تطبيقه في الممارسة. وعلى مدار عدة قرون ، تم تطوير تدوين أكثر ملاءمة تدريجيًا - بالضبط الذي نواصله لاستخدامه الآن. بعد بداية القرن السابع عشر ، تم تحسينه فقط في التفاصيل. ويبدو الآن أن مبدأه الإيقاعي ، الذي تم السعي إليه لفترة طويلة ، هو الأبسط على الإطلاق. ويتألف من حقيقة أن ملاحظة كاملة في المدة تساوي دائمًا نصفين - مختلف في الأسلوب ، ونصف - ربعان ، وربع - اثنان أثمان ، وما إلى ذلك. بدأت القضبان في فصل القضبان في القرن السادس عشر ، والحجم في بداية تمت الإشارة إلى التدوين الموسيقي دون فشل من القرن السابع عشر. ومع ذلك ، في ذلك الوقت لم تكن هناك مخطوطات موسيقية فحسب ، بل ملاحظات مطبوعة أيضًا. بدأت طباعة الموسيقى بعد فترة وجيزة من اختراع الطباعة - قرب نهاية القرن الخامس عشر. في العالم القديم ولفترة طويلة في العصور الوسطى ، كانت الموسيقى ، كقاعدة عامة ، أحادية الصوت. لم يكن هناك سوى عدد قليل من الاستثناءات الطفيفة. على سبيل المثال ، قام مغني بأداء أغنية ودبلجها (أي عزفها في نفس الوقت) أثناء العزف على آلة موسيقية. في الوقت نفسه ، يمكن أن يتشتت الصوت والأداة في بعض الأحيان قليلاً ، وينحرفان عن بعضهما البعض ، وسرعان ما يتقاربان مرة أخرى. وهكذا ، في تيار صوتي أحادي ، نشأت واختفت "جزر" ذات صوتين. ولكن في مطلع الألفية الأولى والثانية من عصرنا ، بدأ المستودع متعدد الألحان في التطور باستمرار وأصبح لاحقًا مهيمنًا في الفن الموسيقي الاحترافي. ركز هذا التكوين المعقد والطويل بشكل أساسي على مجال موسيقى الكنيسة الكاثوليكية. بدأت القضية باختراع (من قبل من - غير معروف) للتقنية التالية. قام مغني واحد (أو عدة مطربين) بأداء الصوت الرئيسي - لحن سلس بطيء من الترانيم الغريغورية. والصوت الثاني يتحرك بشكل صارم بالتوازي - بالضبط في نفس الإيقاع ، فقط طوال الوقت على مسافة أوكتاف ، أو ربع لتر ، أو خماسي. الآن ، بالنسبة لآذاننا ، يبدو سيئًا جدًا ، "فارغ". لكن منذ ألف عام ، مثل هذا الغناء ، الذي يتردد صدى تحت أقواس الكنيسة ، الكاتدرائية ، مندهشًا ومبهجًا ، فتح إمكانيات تعبيرية جديدة للموسيقى. بعد مرور بعض الوقت ، بدأ موسيقيو الكنيسة في البحث عن طرق أكثر مرونة وتنوعًا لقيادة الصوت الثاني. وبعد ذلك بدأوا في الجمع بين ثلاثة أو أربعة أصوات بمهارة ، وأحيانًا أصوات أكثر. الأسئلة والمهام 1. ما الذي كان غير مريح في تدوين الحروف الممارسة؟ 2. ماذا اقترح neumes إلى مؤدي القرون الوسطى؟ 3. ما هو الترنيمة الغريغورية ولماذا سميت بذلك؟ 4. اشرح جوهر اختراع Guido d'Arezzo. 5. ما هي المهمة التالية التي يجب حلها بعد اختراع Guido؟ 6. منذ متى لم يعد التدوين يتغير بشكل كبير؟ موسيقي الكنيسة Perotyn. لقد كان ممثلاً بارزًا للغناء الفن - "مدرسة نوتردام" الباريسية ("مدرسة السيدة العذراء"). بدت ترانيم البيروتين في مبنى ذي جمال رائع. هذا نصب تذكاري مشهور للعمارة القوطية في العصور الوسطى ، وصفه الكاتب الفرنسي في القرن التاسع عشر فيكتور هوغو في الرواية الشهيرة "كاتدرائية نوتردام". كيف بدأ تعدد الأصوات في التطور في الموسيقى. هكذا بدأ تعدد الأصوات في التطور. ترجمت هذه الكلمة من اللغة اليونانية وتعني "تعدد الأصوات". ولكن لا يطلق على تعدد الأصوات إلا هذا النوع من تعدد الأصوات في أي صوتين متساويين أو أكثر في نفس الوقت ، علاوة على ذلك ، لكل منهم خط لحني مستقل خاص به. إذا كان صوت ما يقود اللحن الرئيسي ، بينما كان الآخرون تابعين له (يرافقه ، يرافقه) ، فهذا هو homophony - صوت آخر. بفضل تحسين التدوين ، بشكل تدريجي ، وخاصة منذ القرن الثالث عشر ، بدأت المخطوطات الموسيقية في أن تكون أكثر وأكثر دقة فك. جعل هذا من الممكن التعرف ليس فقط على المعلومات حول الثقافة الموسيقية ، ولكن أيضًا على موسيقى العصور الماضية. لم يكن من قبيل المصادفة أن تتزامن نجاحات التدوين مع بداية تطور تعدد الأصوات - وهي مرحلة مهمة في تاريخ الفن الموسيقي. 4 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي أصبح الكتلة الموسيقية نوعًا موسيقيًا رئيسيًا. القداس العادي 5 يتضمن ستة ترانيم رئيسية للنصوص التعبدية اللاتينية. هذه هي "Kiriyo Eleison" ("الرب ، ارحم") ، "Gloria" ("المجد") ، "Credo" ("I Believe") ، "Sanctus" ("Holy") ، "Benedictus" ("مبارك" ) و "Agnus Dei" ("حمل الله"). في البداية ، بدت الترانيم الغريغورية بصوت واحد في الجماهير. ولكن بحلول القرن الخامس عشر تقريبًا ، تحولت الكتلة إلى دورة من الأجزاء متعددة الأصوات المعقدة 6. وفي الوقت نفسه ، بدأ استخدام التقليد بمهارة كبيرة. ترجمت من اللاتينية "imitatio" تعني "التقليد". في الموسيقى ، يمكن للمرء أحيانًا تقليد الأصوات غير الموسيقية ، على سبيل المثال ، ارتعاش العندليب ، ونداء الوقواق ، وصوت أمواج البحر. ثم يطلق عليه onomatopoeia أو onomatopoeia. والتقليد في الموسيقى هو مثل هذا الأسلوب عندما ، بعد اللحن الذي ينتهي بصوت واحد ، يكرره صوت آخر بالضبط (أو ليس بدقة تامة) من صوت آخر. قد تدخل أصوات أخرى بنفس الطريقة. في الموسيقى المتجانسة ، قد تظهر التقليد لفترة وجيزة. وفي الموسيقى متعددة الألحان ، تعد هذه إحدى الطرق الرئيسية للتطوير. يساعد على جعل الحركة اللحنية مستمرة تقريبًا: تحدث فترات توقف وإيقاعات في وقت واحد في جميع الأصوات في الموسيقى متعددة الألحان فقط في شكل استثناءات نادرة 7. بدمج التقليد مع الأجهزة متعددة الأصوات الأخرى ، حوّل الملحنون كتلهم إلى أعمال كورالية كبيرة تتشابك فيها أربعة أو خمسة أصوات في نسيج صوتي معقد. في ذلك ، يصعب بالفعل تمييز لحن الترنيمة الغريغورية وصعوبة سماع كلمات الصلاة. بل كانت هناك جماهير استُخدمت فيها ألحان الأغاني العلمانية الشعبية كالألحان الرئيسية. أثار هذا الوضع قلق السلطات الروحية الكاثوليكية العليا. في منتصف القرن السادس عشر ، كان من المقرر أن يحظر بشكل عام الغناء متعدد الألحان أثناء الخدمات الكنسية. لكن هذا الحظر لم يحدث بفضل الملحن الإيطالي الرائع باليسترينا ، الذي قضى حياته كلها تقريبًا في روما وكان قريبًا من البلاط البابوي (اسمه الكامل جيوفاني بييرلويجي دا باليسترينا ، أي "من باليسترينا" - بلدة صغيرة بالقرب من روما). استطاع باليسترينا ، مع جماهيره (وكتب أكثر من مائة منهم) ، ظهور تعدد الأصوات. نظرًا لأن المرافقة لها أساس تناغمي وتر ، فإن المستودع المتجانس للعرض الموسيقي يسمى أيضًا homophonic-التوافقي. الأسئلة والمهام 1. منذ متى أصبحت المخطوطات الموسيقية أكثر دقة في فك الشفرات؟ 2. بأي مرحلة جديدة مهمة في تاريخ الفن الموسيقي تزامن نجاح التدوين؟ 3. متى وفي أي موسيقى وعلى أساس أي ألحان تشكلت تعدد الأصوات تدريجياً؟ 4. ماذا كان صوتين متوازيين؟ غنوا معًا عدة أرباع وخمس وثمانيات متوازية. 5. ما هو الفرق بين تعدد الأصوات و homophony؟ كيف استمرت تعدد الأصوات في التطور بينما بدأت تعدد الأصوات في التطور في غناء الكنيسة ، استمرت الأحادية في الهيمنة في الموسيقى العلمانية. على سبيل المثال ، تم فك رموز العديد من تسجيلات الأغاني أحادية الصوت ، التي كان يؤلفها ويؤديها شعراء ومغنون في العصور الوسطى في القرنين الثاني عشر والرابع عشر. في جنوب فرنسا ، في بروفانس ، أطلق عليهم اسم التروبادور ، في شمال فرنسا - المشاغبون ، في ألمانيا - المنجمون. كثير منهم كانوا فرسان مشهورين وغالبا ما كانوا يغنون في أغانيهم جمال وفضيلة "السيدة الجميلة" التي يعبدونها. غالبًا ما كانت ألحان أغاني هؤلاء الشعراء والمغنين قريبة من الألحان الشعبية ، بما في ذلك الألحان الراقصة ، وكان الإيقاع خاضعًا لإيقاع النص الشعري. لاحقًا ، في القرنين الرابع عشر والسادس عشر ، اتحد الشعراء والمغنون الألمان من بين الحرفيين في ورش عمل ، وأطلقوا على أنفسهم اسم Meistersingers ("المغنون الرئيسيون"). الأصوات التي تمت إضافتها في الترانيم الروحية إلى الترانيم الغريغورية ، أصبح تأثير الأغاني العلمانية (على سبيل المثال ، أغاني التروبادور والتروفر) ملحوظًا. وفي الوقت نفسه ، بحلول نهاية القرن الثالث عشر ، ظهرت أعمال علمانية بحتة متعددة الألحان في فرنسا ، حيث استندت أجزاء جميع الأصوات إلى ألحان الأغاني ، ولم يتم تأليف النصوص باللاتينية ، بل بالفرنسية. بمرور الوقت ، في موسيقى الكنيسة الكاثوليكية ، لا تزال هناك جماهير خاصة مخصصة لأعياد الكنيسة. تذكر أن الدورة هي عمل من عدة أجزاء منفصلة (أو مقطوعات) ، توحدها فكرة مشتركة.) هو انعطاف لحني وتوافقي يكمل القطعة الموسيقية بأكملها أو قسمها 5 6 5 www.classON.ru التعليم في مجال الفن الروسي لإثبات أن التراكيب متعددة الألحان ، مع الحفاظ على مهارتها ، يمكن أن تبدو شفافة ويمكن سماع النصوص الليتورجية بوضوح. تعد موسيقى باليسترينا واحدة من قمم تعدد الأصوات الكورالية القديمة لما يسمى بالأسلوب الصارم. يأخذنا إلى عالم التأمل السامي المستنير - كما لو أنه يشع إشراقًا متجانسًا ومهدئًا. الشعراء والموسيقيون والعلماء وعشاق الفن. لقد جذبتهم فكرة إنشاء نوع جديد من الغناء الفردي التعبيري مع المرافقة والجمع بينه وبين العمل المسرحي. هكذا ولدت أوبرا أولى ، حبكاتها مأخوذة من الأساطير القديمة. الأول هو "دافني" ، من تأليف الملحن جاكوبو بيري (مع Y. كوريا) والشاعر O. Rinuccini. تم أداؤه في عام 1597 في فلورنسا (لم يتم الحفاظ على العمل ككل). في الأساطير اليونانية القديمة ، دافني هي ابنة إله النهر لادون وإلهة الأرض غايا. هربًا من اضطهاد أبولو ، صلت من أجل مساعدة الآلهة وتحولت إلى غار (باليونانية "دافني" - "الغار") - شجرة أبولو المقدسة. نظرًا لأن أبولو كان يعتبر إلهًا للفنون ، فقد بدأ تتويج الفائزين في دورة الألعاب البيثية بإكليل من الغار ، كان مؤسسه يعتبر أبولو. أصبح إكليل الغار وفرع منفصل من الغار رموزًا للنصر والمجد والمكافأة. تم تأليف أوبرتين أخريين في عام 1600 (إحداهما من تأليف J. Peri والأخرى بواسطة G. Caccini) تسمى كلتاهما "Eurydice" لأنهما تستخدمان نفس النص الشعري المبني على الأسطورة اليونانية القديمة للمغني الأسطوري Orpheus. عُرضت أولى عروض الأوبرا الإيطالية في قصور وبيوت النبلاء. تتألف الأوركسترا من عدد قليل من الآلات القديمة. قادها موسيقي عزف على الكمبالو (الاسم الإيطالي للهاربسيكورد). لم يكن هناك أي عرض حتى الآن ، وبشر بداية الأداء بضجيج البوق. وفي الأجزاء الصوتية ، ساد التلاوة ، حيث كان التطور الموسيقي خاضعًا للنص الشعري. ومع ذلك ، سرعان ما بدأت الموسيقى تكتسب أهمية متزايدة ومستقلة في الأوبرا. هذه هي ميزة أول ملحن أوبرا متميز - كلوديو مونتيفيردي. عرضت أوبراه الأولى - "Orpheus" - في عام 1607 في مانتوفا. بطلها مرة أخرى هو نفس المغني الأسطوري الذي استرضاء هاديس ، إله العالم السفلي للموتى ، بفنه ، وأطلق سراح يوريديس ، زوجة أورفيوس المحبوبة ، إلى الأرض. لكن حالة هاديس - قبل مغادرة مملكته ، لا تنظر أبدًا إلى يوريديس - انتهكت أورفيوس وفقدتها مرة أخرى إلى الأبد. أعطت موسيقى مونتيفيردي هذه القصة الحزينة تعبيرًا غنائيًا ودراميًا غير مسبوق. أصبحت الأجزاء الصوتية والجوقات وحلقات الأوركسترا أكثر تنوعًا في الطبيعة في مونتيفيردي أورفيوس. في هذا العمل ، بدأ نمط الأريوز في التبلور - أهم نوعية مميزة لموسيقى الأوبرا الإيطالية. على غرار فلورنسا ، بدأت الأوبرا في التأليف والعزف ليس فقط في مانتوفا ، ولكن أيضًا في مدن إيطالية مثل روما والبندقية ونابولي. بدأ الاهتمام بهذا النوع الجديد في الظهور في البلدان الأوروبية الأخرى ، وأسئلتهم ومهامهم 1. من هم التروبادور ، المتعجرفون ، المنجمون عن السادة؟ 2. هل هناك علاقة بين تعدد الأصوات في الكنيسة القديمة وألحان الترانيم العلمانية؟ 3. اسم الأجزاء الرئيسية للكتلة العادية. 4. أعط أمثلة على المحاكاة الصوتية في الموسيقى. 5. ما يسمى التقليد في الموسيقى؟ 6. ما الذي استطاع باليسترينا تحقيقه في جماهيره؟ ولادة الأوبرا. Oratorio and cantata قبل بداية القرن السابع عشر - القرن الأول من الفترة التاريخية المسماة العصر الجديد - حدث حدث بالغ الأهمية في فن الموسيقى: ولدت الأوبرا في إيطاليا. استخدمت الموسيقى في مختلف العروض المسرحية منذ العصور القديمة. فيها ، جنبًا إلى جنب مع أرقام الآلات والكورال ، يمكن أداء المعزوفات المنفردة الصوتية الفردية ، مثل الأغاني. وفي الأوبرا أصبح المغنون والمغنون ممثلين وممثلات. بدأ غنائهم ، برفقة الأوركسترا ، جنبًا إلى جنب مع العمل المسرحي ، في نقل المحتوى الرئيسي للأداء. يكتمل بالمناظر الطبيعية والأزياء والرقصات أيضًا - الباليه. وهكذا ، في الأوبرا ، قادت الموسيقى المجتمع القريب للفنون المختلفة. فتح هذا لها إمكانيات فنية جديدة كبيرة. بدأ مطربو الأوبرا ينقلون بقوة غير مسبوقة التجارب العاطفية الشخصية للناس - سواء كانت سعيدة أو حزينة. في الوقت نفسه ، كانت أهم الوسائل التعبيرية في الأوبرا هي التركيبة المتجانسة من صوت غناء منفرد مع مرافقة الأوركسترا. وإذا تطورت الموسيقى الاحترافية في أوروبا الغربية حتى القرن السابع عشر بشكل أساسي في الكنيسة ، وكانت الكتلة هي النوع الأكبر ، فقد أصبح المسرح الموسيقي المركز الرئيسي ، وكان النوع الأكبر هو الأوبرا. في نهاية القرن السادس عشر في مدينة فلورنسا الإيطالية ، جمعت دائرة 6 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن في روسيا اعتبره الحكام عادة دعوة الموسيقيين الإيطاليين لخدمة البلاط. ساهم هذا في حقيقة أن الموسيقى الإيطالية أصبحت لفترة طويلة الأكثر تأثيرًا في أوروبا. في فرنسا ، في القرن السابع عشر ، نشأت أوبرا وطنية مختلفة عن الأوبرا الإيطالية. مؤسسها - جان بابتيست ل يول ل - إيطالي بالميلاد. ومع ذلك ، فقد شعر بشكل صحيح بخصائص الثقافة الفرنسية وخلق نوعًا من أسلوب الأوبرا الفرنسي. في أوبرا لولي ، احتلت التلاوات والألحان الصغيرة ذات الطبيعة التكرارية مكانًا كبيرًا من ناحية ، ومن ناحية أخرى ، احتلت رقصات الباليه والمسيرات الاحتفالية والجوقات الضخمة. جنبا إلى جنب مع المؤامرات الأسطورية والأزياء الرائعة وتصوير المعجزات السحرية بمساعدة الآلات المسرحية ، كل هذا يتوافق مع تألق وروعة حياة البلاط في عهد الملك الفرنسي لويس الرابع عشر. أول أوبرا في ألمانيا ، دافني (1627) ، ابتكرها أعظم ملحن ألماني في عصر ما قبل باخ ، هاينريش شوتز. لكن موسيقاها لم تنجو. ولم تكن هناك شروط لتطوير نوع الأوبرا في البلاد: لقد تبلورت بالفعل مع بداية القرن التاسع عشر. وفي أعمال شوتز ، احتل المكان الرئيسي المؤلفات الصوتية المعبرة على النصوص الروحية. في عام 1689 ، تم تقديم أول أوبرا إنجليزية ، ديدو وأينيس ، للمؤلف الموسيقي المتميز ، هنري بورسيل ، في لندن. تأسر موسيقى هذه الأوبرا بالكلمات الصادقة والخيال الشعري والصور الملونة اليومية. ومع ذلك ، بعد وفاة بورسيل ، لما يقرب من قرنين من الزمان ، لم يكن هناك مؤلفون موسيقيون بارزون بين الملحنين الإنجليز. في مطلع القرنين السادس عشر والسابع عشر ، بالتزامن مع الأوبرا وكذلك في إيطاليا ، وُلِدَتْ الأوبرا ولايمكن آتا. إنه مشابه للأوبرا في أن العازفين المنفردين والجوقة والأوركسترا يشاركون أيضًا في أدائهم ، ومن حيث أنهم يصدرون أيضًا ألحانًا وتلاوات ومجموعات صوتية وجوقات وحلقات أوركسترا. لكن في الأوبرا نتعلم عن تطور الأحداث (الحبكة) ليس فقط مما يغنيها العازفون المنفردون ، ولكن أيضًا مما يفعلونه وما يحدث عمومًا على المسرح. وفي الخطابة والكنتاتا لا يوجد عمل مسرحي. يتم تأديتها في حفل موسيقي ، بدون أزياء ومشاهد. ولكن هناك أيضًا فرق بين أوراتوريو والكاناتا ، على الرغم من أنه ليس واضحًا دائمًا. عادة ما يكون الخطابة عملًا بحجم أكبر مع حبكة دينية أكثر تطوراً. غالبًا ما يكون لها طابع ملحمي درامي. في هذا الصدد ، غالبًا ما يتم تضمين الجزء السردي من المغني الراوي في الخطابة. نوع خاص من الخطابات الروحية هو "العاطفة" ، أو "المبني للمجهول" (مترجم من اللاتينية - "المعاناة"). تخبرنا "الآلام" عن معاناة وموت يسوع المسيح المصلوب على الصليب. 7 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي الكانتاتا ، اعتمادًا على محتوى النص اللفظي ، ينقسم إلى روحي وعلماني. في القرن السابع عشر وبداية القرن الثامن عشر ، نشأ العديد من الكانتات الصغيرة في إيطاليا. كانت تتألف من تلاويين أو ثلاث بالتناوب مع اثنين أو ثلاث ألحان. في المستقبل ، انتشرت الكانتات ذات الطبيعة المهيبة على نطاق واسع. تم تطوير الكانتاتات الروحية و "المشاعر" لمختلف الإنشاءات في ألمانيا. الآرياس ، ومن الرائع نشر حركة مرور مبدعة. في تراث Corelli و Vivaldi ، ينتمي مكان كبير إلى نوع ثلاثي سوناتا. في معظم السوناتات الثلاثية ، يتم عزف الكمان على جزأين رئيسيين ، والجزء الثالث مصحوب بآلة قيثارة أو عضو ، مع تضاعف صوت الجهير بواسطة التشيلو أو الباسون. بعد السوناتا الثلاثية ، ظهرت سوناتا للكمان أو آلة أخرى مصحوبة بآلة قيثارة. وكذلك كونشرتو جروسو - كونشرتو للأوركسترا (أوتار أولى). تتميز العديد من الأعمال في هذه الأنواع بشكل سوناتة قديمة. عادة ما تكون دورة من أربعة أجزاء مع معدل إيقاع بطيء - سريع - بطيء - سريع. بعد ذلك بقليل ، في القرن الثامن عشر ، بدأ فيفالدي في تأليف كونشيرتو منفرد للكمان وبعض الآلات الأخرى بمرافقة الأوركسترا. كانت هناك دورة من ثلاثة أجزاء: "سريع - بطيء - سريع". الأسئلة والمهام 1. أين ومتى ولدت الأوبرا؟ اشرح كيف تختلف الأوبرا عن الأداء المسرحي مع الموسيقى. 2. ما هي أهم وسائل التعبير في موسيقى الأوبرا؟ 3. ما اسم أول أوبرا لكلاوديو مونتيفيردي ، وما هي الصفات التي تتجلى في موسيقاها؟ 4. حدثنا عن ملامح الأوبرا الفرنسية القديمة. 5. اسم أول أوبرا مكتوبة في ألمانيا وأول أوبرا مكتوبة في إنجلترا. 6. ما هو الفرق الرئيسي بين أوراتوريو وكانتاتا من الأوبرا؟ 7. ما هي "العواطف" ("السلبية")؟ حتى في مصر القديمة ، بدأ الأرغن تاريخه الممتد لقرون. بحلول القرن السابع عشر ، أصبحت آلة معقدة للغاية ذات إمكانيات فنية واسعة. يمكن بعد ذلك العثور على الأعضاء الصغيرة حتى في المنازل الخاصة. تم استخدامهم في الدورات التدريبية ، وقاموا بالعزف على أنغام الأغاني والرقصات الشعبية. والأعضاء العظيمة ذات الصفوف اللامعة من الأنابيب ، بأجسام خشبية منحوتة ، بدت كما هي الآن في الكنائس والكاتدرائيات. في الوقت الحاضر ، توجد أيضًا أجهزة في العديد من قاعات الحفلات الموسيقية. في الأجهزة الحديثة ، هناك عدة آلاف من الأنابيب وما يصل إلى سبع لوحات مفاتيح (كتيبات) ، تقع واحدة فوق الأخرى - مثل السلالم. هناك العديد من الأنابيب لأنها مقسمة إلى مجموعات - سجلات. يتم تشغيل المسجلات وتبديلها بأذرع خاصة للحصول على لون مختلف (جرس) الصوت. تم تجهيز الأعضاء أيضًا بدواسة. هذه لوحة مفاتيح كاملة القدم للعديد من المفاتيح الكبيرة. من خلال الضغط عليهم بأقدامهم ، يمكن للعازف استخراج أصوات الجهير والحفاظ عليها أيضًا لفترة طويلة (تسمى هذه الأصوات المستمرة أيضًا دواسة أو نقطة عضو). من حيث ثراء الأخشاب ، إذا أمكن ، لمقارنة أخف بيانيسيمو بالصدفة الرعدية ، فإن الأرغن ليس له مثيل بين الآلات الموسيقية. في القرن السابع عشر ، وصل فن الأورغن إلى مستوى عالٍ من الازدهار في ألمانيا. كما هو الحال في البلدان الأخرى ، كان عازفو الكنيسة الألمان ملحنين وفنانين. لم يرافقوا الترانيم الروحية فحسب ، بل كانوا أيضًا منفردين. كان من بينهم العديد من الموهوبين الموهوبين والمرتجلين الذين اجتذبوا حشودًا كاملة من الناس بعزفهم. ومن أبرز هؤلاء هو ديتريش بوكستيهود. جاء الشاب يوهان سيباستيان باخ سيرًا على الأقدام من مدينة أخرى للاستماع إليه وهو يلعب. يمثل عمل Buxtehude المتنوع والشامل الأنواع الرئيسية لموسيقى الأرغن في ذلك الوقت. من ناحية أخرى ، هذه مقدمات وخيالات وموسيقى الآلات في القرن السابع عشر وأنواعها وأشكالها ، ولفترة طويلة ، غالبًا ما ضاعف العزف على الآلات أجزاء الأصوات في الأعمال الصوتية أو الرقصات المصاحبة. كما تم توزيع الترتيبات الآلية للتركيبات الصوتية. تكثف التطور المستقل للموسيقى الآلية فقط في القرن السابع عشر. في الوقت نفسه ، استمرت التقنيات الفنية التي تطورت في تعدد الأصوات الصوتية في التطور. تم إثرائهم بعناصر من مستودع homophonic ، على أساس الغناء والرقص. في الوقت نفسه ، بدأت الإنجازات التعبيرية للموسيقى الأوبرالية في التأثير على المؤلفات الموسيقية. الكمان ، إلى جانب القدرات الرائعة الرائعة ، له صوت رخيم للغاية. وفي مسقط رأس الأوبرا ، في إيطاليا ، بدأت موسيقى الكمان تتطور بنجاح خاص. في نهاية القرن السابع عشر ، ازدهر عمل Arcangelo Corelli وبدأ النشاط الإبداعي لـ Antonio Vivaldi. ابتكر هؤلاء الملحنون الإيطاليون البارزون العديد من الأعمال الموسيقية بالمشاركة وبدور الكمان الرائد. في نفوسهم ، يمكن للكمان أن يغني بشكل معبر مثل صوت الإنسان في أوبرا 8 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال فن التوكاتاس الروسي. في نفوسهم ، تتناوب الحلقات متعددة الأصوات بحرية مع الممرات والأوتار الارتجالية. من ناحية أخرى ، هذه قطع مبنية بشكل أكثر صرامة ، مما أدى إلى ظهور الشرود ، وهو الشكل الأكثر تعقيدًا من تعدد الأصوات المقلدة. قام Buxtehude أيضًا بإجراء العديد من التعديلات على أعضاء الكورال البروتستانتي في شكل مقدمات الكورال. على عكس الترانيم الغريغورية ، فإن هذا هو الاسم العام للترانيم الروحية ليس باللغة اللاتينية ، بل باللغة الألمانية. ظهرت في القرن السادس عشر ، عندما انفصل نوع جديد من العقيدة المسيحية ، البروتستانتية ، عن الكاثوليكية. كان الأساس اللحني للترتيلة البروتستانتية هو الأغاني الشعبية الألمانية. في القرن السابع عشر ، بدأ جميع أبناء الرعية في تأدية الترانيم البروتستانتية من قبل الجوقة. بالنسبة لمثل هذه الترتيبات الكورالية ، فإن مستودع وتر بأربعة أصوات مع لحن في الصوت العلوي هو أمر نموذجي. في وقت لاحق ، كان يسمى هذا المستودع كورالي ، حتى لو حدث في عمل فعال. كما عزف العازفون على الآلات الوترية على لوحة المفاتيح وقاموا بتأليفها. الاسم الشائع لأعمال هذه الآلات هو clavier music8. تعود المعلومات الأولى حول أدوات لوحة المفاتيح الوترية إلى القرنين الرابع عشر والخامس عشر. بحلول القرن السابع عشر ، أصبح هاربسيكورد أكثرها شيوعًا. لذلك يطلق عليه في فرنسا ، في إيطاليا يطلق عليه cembalo ، في ألمانيا - kielflugel ، في إنجلترا - harpsichord. اسم الآلات الأصغر في فرنسا هو epinet ، في إيطاليا - spinets of England - virginel. القيثاري هو سلف البيانو ، والذي بدأ استخدامه منذ منتصف القرن الثامن عشر. عندما تضغط على مفاتيح القيثارة ، يبدو أن ألسنة الريش أو الجلد المثبتة على القضبان تضغط على الأوتار. اتضح متشنج ، رنان وفي نفس الوقت أصوات سرقة صغيرة. على القيثارة ، لا تعتمد قوة الصوت على قوة الضربة على المفاتيح. لذلك ، من المستحيل عمل تصعيد وتصغير عليه - على عكس البيانو ، حيث يكون هذا ممكنًا بسبب اتصال أكثر مرونة للمفاتيح مع المطارق التي تضرب الأوتار. قد يحتوي harpsichord على لوحتين أو ثلاث لوحات مفاتيح وجهاز يسمح لك بتغيير لون الصوت. صوت أداة لوحة المفاتيح الصغيرة الأخرى - الكلافيكورد - أضعف من صوت هاربسيكورد. لكن من ناحية أخرى ، من الممكن أن يكون هناك عزف أكثر إيقاعًا على clavichord ، لأن أوتارها لا تُقطف ، ولكن يتم ضغط الألواح المعدنية عليها. أحد الأنواع الرئيسية لموسيقى القيثارة المبكرة هو مجموعة من عدة أجزاء مكتملة في الشكل ، ومكتوبة بمفتاح واحد. في كل جزء ، عادة ما يتم استخدام حركة نوع من الرقص. أساس المجموعة القديمة هو أربع رقصات من أصل وطني مختلف ، لم يتم توضيحه دائمًا بدقة. هذه هي allemande (ربما من ألمانيا) ، الأجراس الأكثر رشاقة (من فرنسا) ، sarabande البطيء (من إسبانيا) ، و gigue السريع (من أيرلندا أو إنجلترا). منذ نهاية القرن السابع عشر ، باتباع مثال عازفي القيثارة الباريسية ، بدأت الأجنحة تستكمل برقصات فرنسية مثل المينوت ، والجافوت ، والبور ، والعادي. تم إدخالها بين الرقصات الرئيسية ، وتشكيل أقسام وسيطة ("التكامل" في اللاتينية تعني "بين"). تتميز موسيقى الهاربسيكورد الفرنسية القديمة بالأناقة والنعمة ووفرة من الزخارف اللحنية الصغيرة ، مثل الموردينت والترلات. ازدهر أسلوب هاربسيكورد الفرنسي في أعمال فرانسوا كوبران (1668 - 1733) ، الملقب بالعظيم. قام بإنشاء حوالي مائتين ونصف مسرحية ودمجها في سبعة وعشرين جناحًا. بدأوا تدريجيا في السيطرة على المسرحيات بأسماء البرامج المختلفة. في أغلب الأحيان ، تكون هذه مثل صور هاربسيكورد مصغرة للنساء - رسومات صوتية جيدة الهدف لبعض سمات الشخصية والمظهر والسلوك. مثل المسرحيات "قاتمة" و "لمس" و "نيمبل" و "مبعثر" و "مؤذ". أظهر معاصره العظيم يوهان سيباستيان باخ اهتمامًا كبيرًا بموسيقى الهاربسيكورد الفرنسية ، بما في ذلك مسرحيات فرانسوا كوبران. الأسئلة والمهام 1. متى تكثف التطوير المستقل للأنواع الآلية؟ 2. ما هي الأداة المفضلة لأركانجيلو كوريلي وأنطونيو فيفالدي. 3. أخبرنا عن هيكل الجهاز. 4. في أي بلد ازدهر فن الأعضاء بشكل خاص؟ ما هي الترانيم البروتستانتية؟ 5. أخبرنا عن جهاز القيثاري. ما هي حركات الرقص المستخدمة في الأجزاء الرئيسية لجناح هاربسيكورد القديم؟ لذلك ، قدم القسم التمهيدي من الكتاب المدرسي بإيجاز بعض الأحداث المهمة في عالم الموسيقى منذ العصور القديمة. لقد كانت "رحلة" تاريخية للمساعدة في زيادة التعرف على تراث موسيقيي أوروبا الغربية العظماء الذين عملوا في القرنين الثامن عشر والتاسع عشر. لبعض الوقت ، كان يُطلق على الكلافييه موسيقى لجميع أدوات لوحة المفاتيح ، بما في ذلك آلة النفخ في لوحة المفاتيح - الأرغن. 8 9 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن في روسيا مسار حياة يوهان رود والأسرة والطفولة. ولد يوهان سيباستيان باخ عام 1685 في تورينجيا - إحدى مناطق وسط ألمانيا ، في بلدة إيزيناتش الصغيرة ، التي تحيط بها الغابات. في تورينجن ، لا تزال الآثار الخطيرة لحرب الثلاثين عامًا (1618-1648) ، التي اشتبكت فيها مجموعتان كبيرتان من القوى الأوروبية ، محسوسة. حدثت هذه الحرب المدمرة لأسلاف يوهان سيباستيان ، الذين ارتبطوا ارتباطًا وثيقًا بالحرفة الألمانية وبيئة الفلاحين. كان جده الأكبر ، المسمى فيت ، خبازًا ، لكنه أحب الموسيقى كثيرًا لدرجة أنه لم ينفصل أبدًا عن آلة القانون ، التي تشبه المندولين ، حتى أنه كان يلعب أثناء طحن الدقيق أثناء الرحلات إلى المطحنة. ومن بين نسله ، الذين استقروا في تورينجيا والمناطق المجاورة ، كان هناك العديد من الموسيقيين لدرجة أن كل من مارس هذه المهنة كان يُدعى "باخ" هناك. كان هؤلاء عازفي أرغن الكنيسة وعازفي الكمان وعازفي الفلوت وعازفي الأبواق ، أظهر بعضهم موهبة كمؤلف موسيقي. كانوا في خدمة بلديات المدينة وفي محاكم حكام الإمارات والدوقات الصغيرة التي تم تقسيم ألمانيا إليها. سيباستيان باخ 1685-1750 مذهل هو مصير موسيقى هذا الملحن الألماني العظيم ، الذي مضى أكثر من ثلاثمائة عام على ولادته. خلال حياته ، حصل على التقدير بشكل أساسي باعتباره عازف أرغن ومتذوقًا للآلات الموسيقية ، وبعد وفاته كاد أن يُنسى لعدة عقود. لكن بعد ذلك بدأوا تدريجياً في إعادة اكتشاف أعماله والإعجاب به باعتباره كنزًا فنيًا ثمينًا ، لا مثيل له في المهارة ، لا ينضب في العمق وإنسانية المحتوى. "ليس دفق! "يجب أن يكون البحر اسمه". هكذا قال عن باخ عبقري موسيقي آخر - بيتهوفن 9. تمكن باخ نفسه من نشر جزء صغير جدًا من أعماله. تم نشر أكثر من ألف منها الآن (ضاع الكثير منها). بدأت أول أعمال باخ الكاملة تطبع في ألمانيا بعد مائة عام من وفاته ، وقد احتوت على ستة وأربعين مجلداً ضخماً. ومن المستحيل حتى حساب المقدار الذي تمت طباعته وعدد الإصدارات المنفصلة من موسيقى باخ التي لا تزال تُطبع في بلدان مختلفة. كبير جدا هو الطلب المستمر عليه. لأنها تحتل مكانة واسعة ومشرفة ليس فقط في ذخيرة الحفلات الموسيقية العالمية ، ولكن أيضًا في المجال التعليمي. يواصل يوهان سيباستيان باخ عمله كمعلم حرفيًا لكل من يشارك في الموسيقى. إنه مدرس جاد وصارم ، ويتطلب القدرة على التركيز من أجل إتقان فن أداء الأعمال متعددة الأصوات. لكن من لا يخاف من الصعوبات ويهتم بشدة بمتطلباته سيشعر خلف صرامة حكمة القلب ولطفه الذي يعلمه بإبداعاته الخالدة الجميلة. المنزل في أيزناتش حيث ولد JSBach 9 "باخ" تعني "تيار" باللغة الألمانية. 10 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي كان والد يوهان سيباستيان عازف كمان وموسيقي في المدينة ومحكمة في إيزيناتش. بدأ بتعليم الموسيقى لابنه الأصغر وأرسله إلى مدرسة الكنيسة. وله صوت عالٍ جميل ، غنى الصبي في جوقة المدرسة. عندما كان في العاشرة من عمره مات والديه. قام الأخ الأكبر ، عازف أرغن في كنيسة في بلدة أوردروف المجاورة ، برعاية اليتيم. قام بتعيين شقيقه الأصغر في المدرسة الثانوية المحلية وأعطاه دروسًا في الجهاز بنفسه. في وقت لاحق ، أصبح يوهان سيباستيان أيضًا عازف قيثاري وعازف كمان وعازف كمان. ومنذ الطفولة أتقن التأليف الموسيقي بمفرده ، وأعاد كتابة مؤلفات المؤلفين المختلفين. كان عليه أن يعيد كتابة دفتر موسيقي كان ذا أهمية خاصة بالنسبة له في الليالي المقمرة ، سرًا من أخيه الأكبر. ولكن عندما تم الانتهاء من العمل الشاق الطويل ، اكتشف ذلك ، وغضب من يوهان سيباستيان لعمله غير المصرح به وأخذ منه المخطوطة بلا رحمة. بداية حياة مستقلة. لونبورغ. في سن الخامسة عشرة ، اتخذ يوهان سيباستيان خطوة حاسمة - انتقل إلى مدينة لونيبورغ الواقعة شمال ألمانيا ، حيث التحق بالمدرسة في كنيسة الدير بصفته حائزًا على منحة دراسية. في مكتبة المدرسة ، كان قادرًا على التعرف على عدد كبير من مخطوطات مؤلفات موسيقيين ألمان. في لونيبورغ وهامبورغ ، حيث كان يسير عبر الطرق الريفية ، يمكن للمرء أن يستمع إلى عزف عازفي الأرغن الموهوبين. من المحتمل أن يكون يوهان سيباستيان قد زار دار الأوبرا في هامبورغ - وكانت دار الأوبرا الوحيدة في ذلك الوقت في ألمانيا التي قدمت عروضًا ليس باللغة الإيطالية ، بل باللغة الألمانية. تخرج بنجاح من المدرسة بعد ثلاث سنوات وبدأ في البحث عن وظيفة أقرب إلى موطنه الأصلي. فايمار. بعد أن عمل لفترة وجيزة كعازف كمان وعازف أرغن في ثلاث مدن ، استقر باخ عام 1708 ، وهو متزوج بالفعل ، في فايمار (تورينجيا) لمدة تسع سنوات. كان هناك عازف أرغن في بلاط الدوق ، ثم نائب رئيس كابيلا (مساعد رئيس الكنيسة - مجموعة من المغنين وعازفي الآلات). عندما كان مراهقًا ، في أوردروف ، بدأ باخ في تأليف الموسيقى ، على وجه الخصوص ، لترتيب الكورالالات البروتستانتية للأرغن ، وآله المفضلة. وفي فايمار ، ظهر عدد من أعماله الأرغن الناضجة الرائعة ، مثل Toccata و Fugue في D الصغرى ، Passacaglia10 في C الثانوية ، مقدمات كورالية. بحلول ذلك الوقت ، أصبح باخ مؤديًا ومرتجلًا غير مسبوق على العضو والقيثارة. تم تأكيد ذلك بشكل مقنع من خلال الحالة التالية. بمجرد أن ذهب باخ إلى دريسدن ، عاصمة ساكسونيا ، حيث قرروا ترتيب منافسة بينه وبين لويس مارشان ، عازف الأرغن الفرنسي الشهير وعازف القيثارة. لكنه ، بعد أن سمع سابقًا كيف يرتجل باخ على القيثارة ببراعة إبداعية مذهلة ، سارع إلى مغادرة دريسدن سراً. المنافسة لم تحدث. في محكمة فايمار ، كانت هناك فرصة للتعرف على أعمال الملحنين الإيطاليين والفرنسيين. تعامل باخ مع إنجازاتهم باهتمام كبير ومبادرة فنية. على سبيل المثال ، قام بعدد من الترتيبات المجانية للهاربسيكورد وأعضاء كونشيرتو الكمان أنطونيو فيفالدي. هكذا ولدت أول كونشيرتو كلافييه في تاريخ الفن الموسيقي. لمدة ثلاث سنوات في فايمار ، كان من المفترض أن يؤلف باخ نشيدًا روحيًا جديدًا كل رابع يوم أحد. في المجموع ، نشأ أكثر من ثلاثين عملاً بهذه الطريقة. ومع ذلك ، عندما توفي قائد الفرقة الموسيقية المسن ، الذي كان باخ يؤدي واجباته بالفعل ، لم يُعط المنصب الشاغر له ، بل إلى ابن المتوفى غير الكفء. غاضبًا من هذا الظلم ، قدم باخ استقالته. وبسبب "طلب عدم الاحترام" ، وُضع رهن الإقامة الجبرية. لكنه أظهر إصرارًا شجاعًا وفخورًا ، وأصرًا على نفسه. وبعد شهر ، اضطر الدوق إلى إعطاء "الأمر غير الرحيم" على مضض للإفراج عن الموسيقي المتمرّد في البرية. كوثن. في نهاية عام 1717 ، انتقل باخ وعائلته إلى Köthen. عرض عليه الأمير ليوبولد أنهالت من كوثن ، حاكم دولة صغيرة في حي تورينجيا ، مكان مدير الفرقة. لقد كان موسيقيًا جيدًا - فقد غنى وعزف على القيثارة وفيولا دا غامبا 11. قدم الأمير دعمًا ماليًا جيدًا لمدير فرقته الموسيقية الجديد وعامله باحترام كبير. تضمنت واجبات باخ ، التي استغرقت القليل من وقته نسبيًا ، توجيه كنيسة من ثمانية عشر مطربًا وعازفًا ، ومرافقة الأمير ، ولعب آلة القيثارة بنفسه. في Köthen ، نشأت العديد من أعمال باخ لمختلف الآلات. موسيقى كلافير متنوعة للغاية فيما بينهم. من ناحية ، هذه قطع للمبتدئين - Passacaglia هي رقصة بطيئة ثلاثية الاتجاهات من أصل إسباني. على أساسها ، نشأت القطع الموسيقية في شكل اختلافات مع لحن متكرر مرارًا وتكرارًا في الجهير. 10 11 فيولا دا جامبا هي آلة قديمة تشبه آلة التشيلو. 11 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي مقدمات صغيرة واختراعات من جزأين وثلاثة أجزاء. كتبهما باخ للدراسة مع ابنه الأكبر فيلهلم فريدمان. من ناحية أخرى ، هذا هو الجزء الأول من مجلدين من عمل ضخم - "The Well-Tempered Clavier" ، والذي يتضمن في المجموع 48 مقدمة وفوجة ، وتكوين كبير لخطة الحفلة الموسيقية - "Chromatic Fantasy and Fugue". يعود إنشاء مجموعتين من أجنحة clavier ، المعروفة باسم "الفرنسية" و "الإنجليزية" ، أيضًا إلى فترة كوثن. اصطحب الأمير ليوبولد باخ معه في رحلات إلى الدول المجاورة. عندما عاد يوهان سيباستيان في عام 1720 من هذه الرحلة ، عانى من حزن شديد - ماتت زوجته ماريا باربرا لتوها ، وتركت أربعة أطفال (توفي ثلاثة آخرون في وقت مبكر). بعد عام ونصف ، تزوج باخ مرة أخرى. كانت زوجته الثانية ، آنا ماجدالينا ، تتمتع بصوت جيد وكانت موسيقية للغاية. أثناء دراستها معها ، قام باخ بتجميع "دفاتر ملاحظات" كلافير من قطعه الخاصة وجزئيًا من قطع لمؤلفين آخرين. كانت آنا ماجدالينا رفيقة طيبة ورعاية في حياة يوهان سيباستيان. أنجبت له ثلاثة عشر طفلاً ، نجا ستة منهم حتى سن الرشد. لايبزيغ. في عام 1723 ، انتقل باخ إلى لايبزيغ ، وهي مركز تجاري وثقافي رئيسي في ولاية سكسونيا المجاورة لتورنغن. حافظ على علاقات جيدة مع الأمير ليوبولد. لكن في كوثن ، كانت إمكانيات النشاط الموسيقي محدودة - لم يكن هناك عضو كبير ولا جوقة. بالإضافة إلى ذلك ، كان لدى باخ أبناء أكبر سناً أراد أن يمنحهم تعليمًا جيدًا. في لايبزيغ ، تولى باخ منصب الترانيم - رئيس جوقة الأولاد ومعلم مدارس الغناء ؛ في كنيسة القديس توما (Thomaskirche). كان عليه قبول عدد من الشروط التقييدية ، على سبيل المثال "عدم مغادرة المدينة دون إذن من رئيس البلدية". كان لدى كانتور باخ العديد من الواجبات الأخرى. كان عليه أن يقسم إلى أجزاء جوقة مدرسة صغيرة وأوركسترا صغيرة جدًا (أو بالأحرى فرقة) بحيث بدت الموسيقى أثناء الخدمات في كنيستين ، وكذلك في حفلات الزفاف والجنازات والاحتفالات المختلفة. وليس كل فتيان الكورس لديهم بيانات موسيقية جيدة. كان منزل المدرسة متسخًا ومهملًا ، وكان التلاميذ يتغذون بشكل سيء ومالبسهم المتهالكة. لفت باخ ، الذي كان يعتبر في الوقت نفسه "مدير الموسيقى" في لايبزيغ ، انتباه سلطات الكنيسة وإدارة المدينة (القاضي) إلى كل هذا. لكنه تلقى في المقابل القليل من المساعدة المادية ، ولكن الكثير من اللوم في المكاتب الصغيرة والتوبيخ. مع الطلاب ، كان يعمل ليس فقط في الغناء ، ولكن أيضًا في العزف على الآلات ، بالإضافة إلى أنه وظف مدرسًا لاتينيًا لهم على نفقته الخاصة. كنيسة ومدرسة سانت توماس (على اليسار) في لايبزيغ. (من نقش قديم). على الرغم من ظروف الحياة الصعبة ، كان باخ منخرطًا بحماس في الإبداع. في السنوات الثلاث الأولى من خدمته ، قام بتأليف وممارسة أنشودة روحية جديدة مع الجوقة كل أسبوع تقريبًا. في المجموع ، تم الحفاظ على حوالي مائتي عمل لباخ في هذا النوع. كما أن العشرات من شعاراته العلمانية معروفة أيضًا. كانوا ، كقاعدة عامة ، مرحبًا ومهنئًا ، موجهًا إلى مختلف الأشخاص النبلاء. لكن من بينها هناك استثناء مثل الكوميديا ​​"Coffee Cantata" المكتوبة في لايبزيغ ، على غرار مشهد من أوبرا كوميدية. يروي كيف أن ليزين شابة وحيوية مدمنة على موضة جديدة للقهوة ، ضد إرادة وتحذيرات والدها ، المتذمر شليندريان العجوز. في لايبزيغ ، ابتكر باخ أكثر أعماله الموسيقية الموسيقية تميزًا - العاطفة وفقًا لجون ، الشغف وفقًا لماثيو 12 والقداس في B الصغرى ، بالقرب منهم في المحتوى ، بالإضافة إلى عدد كبير من المؤلفات الموسيقية المختلفة ، بما في ذلك المجلد الثاني "Well-Tempered Clavier" ، وهو مجموعة من جون ومتى (بالإضافة إلى مرقس ولوقا) هم من أتباع تعاليم يسوع المسيح ، الذي جمع الأناجيل - قصص عن حياته على الأرض ومعاناته ("الأهواء") الموت. "الإنجيل" في اليونانية يعني "الأخبار السارة". 12 12 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي "فن الشرود". سافر إلى دريسدن وهامبورغ وبرلين ومدن ألمانية أخرى ، وعزف على الأرغن هناك ، واختبر آلات جديدة. لأكثر من عشر سنوات ، ترأس باخ "كلية الموسيقى" في لايبزيغ - مجتمع يتألف من طلاب جامعيين وعشاق الموسيقى - عازفون ومغنون. تحت إشراف باخ ، أقاموا حفلات عامة لأعمال ذات طبيعة علمانية. في حديثه مع الموسيقيين ، كان غريباً عن أي غطرسة وتحدث عن مهارته النادرة كالتالي: "كان عليّ أن أعمل بجد ، فمن كان بنفس الجدية سيحقق نفس الشيء". الكثير من المخاوف ، ولكن أيضًا الكثير من الأفراح جلبت إلى باخ عائلته الكبيرة. في دائرتها ، يمكنه ترتيب حفلات موسيقية كاملة في المنزل. أصبح أربعة من أبنائه ملحنين مشهورين. هؤلاء هم فيلهلم فريدمان وكارل فيليب إيمانويل (أبناء ماريا باربرا) ويوهان كريستوف فريدريش ويوهان كريستيان (أطفال آنا ماجدالينا). على مر السنين ، تدهورت صحة باخ. تدهور بصره بشكل حاد. في أوائل عام 1750 ، خضع لجراحي عين فاشلتين ، وفقد البصر وتوفي في 28 يوليو. عاش يوهان سيباستيان باخ حياة شاقة ومجتهدة ، ينيرها إلهام إبداعي لامع. لم يترك ثروة كبيرة ، وتوفيت آنا ماجدالينا بعد عشر سنوات في دار خيرية للفقراء. وتم إنقاذ الابنة الصغرى لباخ ، ريجينا سوزانا ، التي عاشت حتى القرن التاسع عشر ، من الفقر من خلال التبرعات الخاصة ، والتي كان لبيتهوفن دور كبير فيها. ترتبط موسيقى إبداع باخ بثقافة بلده الأصلي. والملحنين الأجانب. في عمله ، عمم وأثري إنجازات الفن الموسيقي الأوروبي ببراعة. معظم الكانتات ، "جون باشون" ، "ماثيو باشون" ، القداس في B الصغرى والعديد من الأعمال الأخرى عن النصوص الروحية كتبها باخ ليس فقط وفقًا لواجب أو تقليد موسيقي الكنيسة ، ولكن مدفوعين بشعور ديني صادق. إنهم مليئون بالتعاطف مع الأحزان البشرية ، مشبعين بفهم أفراح الإنسان. بمرور الوقت ، تجاوزوا المعابد وفعلوا لا تتوقف عن إثارة إعجاب المستمعين من جنسيات وديانات مختلفة. ترتبط التراكيب الروحية والعلمانية لباخ ببعضها البعض في إنسانيتهم ​​الحقيقية. عالم كامل من الصور الموسيقية. يتم إثراء مهارة باخ متعددة الأصوات غير المسبوقة بوسائل متجانسة متناسقة. تتخلل موضوعاته الصوتية عضويًا تقنيات التنمية الآلية ، وغالبًا ما تكون الموضوعات الآلية مشبعة عاطفيًا ، كما لو كان يتم غناء شيء مهم ونطقه بدون كلمات. Toccata و Fugue in D Minor for Organ13 يبدأ هذا العمل المشهور للغاية بصرخة إرادة مزعجة ولكنها شجاعة. يُسمع ثلاث مرات ، يسقط من أوكتاف إلى آخر ، ويؤدي إلى قعقعة وتر مدوي في السجل السفلي. وهكذا ، في بداية التوكاتا ، تم تحديد مساحة صوت فخمة ومظللة بشكل غامق. 1 أسئلة ومهام Adagio 1. ما هو الغريب في مصير موسيقى باخ؟ 2. حدثنا عن موطن باخ وأجداده وسنوات طفولته. 3. متى وأين بدأت حياة باخ المستقلة؟ 4. كيف سار نشاط باخ في فايمار وكيف انتهى؟ 5. أخبرنا عن حياة باخ في Köthen وعن أعماله في هذه السنوات. 6. ما هي الآلات التي كان يعزف عليها باخ وما هي آلته المفضلة؟ 7. لماذا قرر باخ الانتقال إلى لايبزيغ ، وما الصعوبات التي واجهها هناك؟ 8. أخبرنا عن أنشطة باخ كملحن وباخ كمؤدٍ في لايبزيغ. قم بتسمية الأعمال التي قام بإنشائها هناك. Toccata (في الإيطالية "toccata" - "touch" ، "hit" من فعل "toccare" "touch" ، "touch") هي قطعة مبدعة لأدوات لوحة المفاتيح. 13 13 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي ، علاوة على ذلك ، يتم سماع مقاطع موهوبة قوية "دوامة" و "رشاشات" وترية واسعة. يتم فصلهم عدة مرات بواسطة فترات توقف وتوقف على الأوتار الممتدة. هذه المعارضة للحركة السريعة والبطيئة تذكرنا بالراحة الحذرة بين المعارك بعناصر عنيفة. وبعد توكاتا حرة مرتجلة ، يصدر صوت شرود. وهو يركز على التطوير المحاكى لموضوع واحد ، حيث يحد مبدأ الإرادة القوية ، كما كان ، من قوى العناصر: 2 Allegro moderato يتوسع على نطاق واسع ، يتطور الشرود إلى كودا - القسم الأخير ، الأخير. هنا مرة أخرى ينفجر العنصر الارتجالي للتوكاتا. لكنها أخيرًا تهدأت بسبب الملاحظات الحتمية المتوترة. ويُنظر إلى القضبان الأخيرة من العمل كله على أنها انتصار قاسٍ ومهيب للإرادة البشرية التي لا تُرحم. مجموعة خاصة من أعمال أعضاء باخ هي مقدمات كورالية. من بينها ، يتميز عدد من القطع الصغيرة نسبيًا ذات الطبيعة الغنائية بالتعبير العميق. في نفوسهم ، يتم إثراء صوت اللحن الكورالي بالأصوات المصاحبة المطورة بحرية. هذه هي الطريقة ، على سبيل المثال ، إحدى روائع باخ ، مقدمة الكورال في F طفيفة. قام كلافير للاختراعات الموسيقية بتجميع عدة مجموعات من المقطوعات البسيطة من بين تلك التي قام بتأليفها أثناء تعليم ابنه الأكبر فيلهلم فريدمان. في واحدة من هذه المجموعات ، وضع خمسة عشر مقطوعة متعددة الأصوات ذات صوتين في خمسة عشر مفتاحًا ودعاهم "الاختراعات". ترجمت كلمة "اختراع" من اللاتينية وتعني "اختراع" و "اختراع". تعتبر اختراعات باخ المكونة من جزأين ، والمتاحة لأداء الموسيقيين المبتدئين ، رائعة حقًا لإبداعهم متعدد الألحان ، وفي نفس الوقت ، لتعبيراتهم الفنية. وهكذا ، فإن أول اختراع مكون من جزأين في C الكبرى يولد من موضوع قصير وسلس وغير مستعجل ذي طابع هادئ ومعقول. يُغنى بصوت أعلى ويقلد على الفور _ يتكرر في أوكتاف آخر - الجزء السفلي: 14 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الكرات المرتدة للفن الروسي. أثناء تكرار (تقليد) الجزء العلوي ، يستمر الصوت في الحركة اللحنية. هذه هي الطريقة التي تتشكل بها المعارضة للموضوع الذي يبدو في الجهير. علاوة على ذلك ، تظهر هذه المعارضة - بنفس النمط اللحني - أحيانًا عندما يظهر الموضوع مرة أخرى بصوت واحد أو آخر (الأشرطة 2-3 ، 7-8 ، 8-9). في مثل هذه الحالات ، تسمى المعارضة محتجزة (على عكس المعارض غير المحتجزة ، والتي تتكون من جديد في كل مرة يتم فيها تقديم الموضوع). كما هو الحال في الأعمال متعددة الأصوات الأخرى ، هناك أقسام في هذا الاختراع حيث لا يبدو الموضوع في شكله الكامل ، ولكن يتم استخدام المنعطفات الفردية فقط. يتم وضع هذه الأقسام بين العروض التقديمية للموضوع وتسمى الفواصل. يتم إعطاء الكمال العام للاختراع في C من خلال التطوير المستند إلى موضوع واحد ، وهو نموذجي للموسيقى متعددة الألحان. في منتصف القطعة ، يتم الخروج من المفتاح الرئيسي ، وفي النهاية يعود. عند الاستماع إلى هذا الاختراع ، يمكن للمرء أن يتخيل أن اثنين من الطلاب يكرران الدرس بجد ، في محاولة لإخبار بعضهما البعض بشكل أفضل ، وبتعبير أكبر. في هذه القطعة ، التي تشبه في هيكلها الاختراع الرئيسي للغة C ، تلعب تقنية خاصة دورًا كبيرًا. بعد التقديم الأولي للموضوع في الصوت العلوي ، لا يقلد الصوت السفلي ذلك فحسب ، بل يقلد أيضًا استمراره (الوضع المقابل). وهكذا ، لبعض الوقت ، نشأ قانون قانوني وتقليد مستمر ، أو lycanon. بالتزامن مع الاختراعات ثنائية الصوت ، قام باخ بتأليف خمسة عشر مقطوعة متعددة الألحان بثلاثة أصوات في نفس المفاتيح. سماهم! "سيمفونيات" (ترجمت من اليونانية - "تناسق"). لأنه في الأيام الخوالي ، غالبًا ما كانت تسمى الأعمال الآلية متعددة الأصوات هكذا. ولكن أصبح من المعتاد فيما بعد تسمية هذه القطع بالاختراعات المكونة من ثلاثة أجزاء. يستخدمون تقنيات أكثر تعقيدًا للتطوير متعدد الأصوات. المثال الأكثر لفتًا للانتباه هو الاختراع المكون من ثلاثة أجزاء في F الصغرى (التاسع). يبدأ بالتقديم المتزامن لموضوعين متناقضين. أساس أحدهم ، الذي يبدو بصوت الجهير ، هو هبوط متوتر محسوب على طول نغمات نصفية لونية. هذه الحركات متكررة في ألحان مأساوية من أوبرا قديمة. إنه مثل صوت كئيب من القدر الشرير ، القدر. الموضوع الثاني في المنتصف ، صوت ألتو يتخلل مع زخارف حزينة: تنهدات حزينة: في المستقبل ، يتشابك الموضوع الثالث بشكل وثيق مع هذين الموضوعين مع تعجب أكثر نفاذاً. حتى نهاية المسرحية ، صوت القدر الشرير لا يرحم. لكن أصوات الحزن البشري لا تتوقف. لديهم شرارة من الأمل البشري لا تنطفئ. وللحظة يبدو أنه يومض في الوتر الرئيسي الأخير لـ F. سيمفونية باخ في B Minor Harpsichord في Bach House في Eisenach 15 www.classON.ru يتميز تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي (اختراع ثلاثي الأجزاء رقم 15) أيضًا باختراقه الغنائي. في مقدمة مخطوطة اختراعاته و "السمفونيات" ، أشار باخ إلى أنه ينبغي عليهم المساعدة في تطوير "أسلوب العزف الغنائي". على القيثارة ، كان من الصعب تحقيق ذلك. لذلك ، فضل باخ في المنزل ، بما في ذلك في الفصول مع الطلاب ، استخدام أداة لوحة مفاتيح وترية أخرى - clavichord. صوتها الضعيف غير مناسب لأداء الحفلة الموسيقية. ولكن ، كما ذكرنا سابقًا ، على عكس harpsichord ، لا يتم نتف أوتار clavichord ، بل يتم تثبيتها بلطف بألواح معدنية. هذا يساهم في لحن الصوت ويسمح لك بعمل ظلال ديناميكية. وهكذا ، توقع باخ ، كما كانت ، إمكانيات الصوت الرخيم والمتماسك الذي يقود البيانو - وهي آلة كانت في عصره لا تزال غير كاملة في التصميم. وينبغي أن يتذكر جميع عازفي البيانو المعاصرين رغبة الموسيقي العظيم هذه. Courante هي رقصة ثلاثية من أصل فرنسي. ولكن بالنسبة إلى دقات القيثارة الفرنسية ، كانت بعض أساليب التطور الإيقاعي والسلوكيات نموذجية. إن Courante in Bach's suite in C miner يشبه التنوع الإيطالي لهذا النوع من الرقص - أكثر حيوية ومتحركة. يتم تسهيل ذلك من خلال الجمع المرن بين صوتين يبدو أنهما يستفزان بعضهما البعض: "الجناح الفرنسي" في C الصغرى. ثلاث مجموعات من أجنحة Bach clavier لها أسماء مختلفة. هو نفسه أطلق على الأجنحة الستة المدرجة في المجموعة الثالثة "partitas" (اسم الجناح "partita" ليس فقط فيه 14). والمجموعتان الأخريان - كل واحدة ست قطع - بدأت تسمى "الأجنحة الفرنسية" و "الأجنحة الإنجليزية" بعد وفاة باخ ، لأسباب لم يتم توضيحها بالضبط. الثانية من "الأجنحة الفرنسية" كانت مكتوبة بمفتاح C الصغرى. وفقًا للتقاليد المعمول بها في الأجنحة القديمة ، فهي تحتوي على أربعة أجزاء رئيسية - Allemande و Courante و Sarabande و Gigue ، بالإضافة إلى جزأين وسيطين آخرين - Aria و Minuet ، تم إدخالهما بين Sarabande و Gigue. Allemande هي رقصة تم تشكيلها في القرنين السادس عشر والسابع عشر في العديد من البلدان الأوروبية - إنجلترا وهولندا وألمانيا وفرنسا وإيطاليا. لذلك ، على سبيل المثال ، كان ألماندي الألماني القديم نوعًا من الرقص الجماعي الثقيل. ولكن ، بعد دخوله أجنحة كلافير ، بحلول القرن الثامن عشر ، كان الألمان قد فقد ميزات الرقص تقريبًا. من "أسلافها" احتفظت فقط بمشي هادئ على مهل بحجم أربعة أو ربعين. أصبح في النهاية مقدمة مبنية بشكل فضفاض. يبدو وكأنه مقدمة غنائية مدروسة وألماند من جناح باخ في C مينور. هنا ، في أغلب الأحيان ، تقود ثلاثة أصوات سطورها. لكن في بعض الأحيان يتم توصيل صوت رابع بهم. في الوقت نفسه ، فإن الصوت الأكثر لحنية هو الصوت العلوي: Sarabande هي رقصة إسبانية من ثلاثة أجزاء. بمجرد أن كان سريعًا ، ومزاجيًا ، ثم أصبح بطيئًا ، ومهيبًا ، وغالبًا ما يكون قريبًا من موكب الجنازة. عمر السراباندي من جناح باخ من البداية إلى النهاية في مستودع من ثلاثة أجزاء. دائمًا ما تكون حركة الأصوات الوسطى والسفلية صارمة ومركزة (تهيمن الأرباع والأثمان). وحركة الصوت العلوي أكثر حرية ومتحركة ومعبرة للغاية. تسود الملاحظات السادسة عشرة هنا ، غالبًا ما توجد التحركات على فترات واسعة (الخامس ، السادس ، السابع). وهكذا ، يتم تكوين طبقتين متناقضتين من العرض الموسيقي ، ويتم إنشاء صوت غنائي شديد 15: "مقسم إلى أجزاء" - تُرجمت كلمة "partita" من الإيطالية (من الفعل "partire" - "إلى"). في sarabande ، لا يتناقض الصوت العلوي الرائد كثيرًا مع البقية ، ولكنه يكملها. 14 15 16 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي Prelude and Fugue in C second من المجلد الأول من The Well-Tempered Clavier Prelude and Fugue in C Major، Prelude and Fugue in C Minor، Prelude and Fugue in C Sharp Major و Prelude و Fugue C - حاد ثانوي - وهكذا من خلال جميع النغمات النصفية الاثني عشر المضمنة في الأوكتاف. والنتيجة هي إجمالي 24 دورة من جزأين "التمهيد والشرود" في جميع المفاتيح الرئيسية والثانوية. هذه هي الطريقة التي تم بها بناء كلا المجلدين (في المجموع - 48 مقدمة وشرود) من Bach's Well-Tempered Clavier. يُعرف هذا العمل الفخم بأنه أحد أعظم الأعمال الفنية الموسيقية في العالم. يتم تضمين المقدمات والفوجات من هذين المجلدين في مجموعة التدريب والحفلات الموسيقية لجميع عازفي البيانو المحترفين. في زمن باخ ، في ضبط أدوات لوحة المفاتيح ، ترسخ أخيرًا المزاج الموحد تدريجياً - قسم الأوكتاف إلى اثني عشر نصف نغمة متساوية. في السابق ، كان نظام التخصيص أكثر تعقيدًا. معها ، في المفاتيح التي تحتوي على أكثر من ثلاثة أو أربعة أحرف ، بدت بعض الفواصل الزمنية والأوتار غير متناغمة. لذلك ، تجنب الملحنون استخدام هذه المفاتيح. كان باخ أول من أثبت ببراعة في The Well-Tempered Clavier أنه مع مزاج متساوٍ ، يمكن استخدام جميع المفاتيح الأربعة والعشرين بنجاح متساوٍ. وقد فتح هذا آفاقًا جديدة للملحنين ، حيث زاد ، على سبيل المثال ، القدرة على إجراء تعديلات (انتقالات) من مفتاح إلى آخر. في Clavier المقوى جيدًا ، أسس باخ نوع دورة الحركة ثنائية "التمهيد والشرود". المقدمة بحرية. في ذلك ، قد ينتمي دور مهم إلى مستودع الهوموفونيك التوافقي والارتجال. هذا يخلق تباينًا مع الشرود كعمل متعدد الألحان بدقة. في الوقت نفسه ، لا تتحد أجزاء دورة "المقدمة والشرود" فقط من خلال نغمة مشتركة. بينهما ، في كل حالة ، تتجلى الروابط الداخلية الدقيقة بطريقتها الخاصة. يمكن تتبع هذه الميزات النموذجية الشائعة في Prelude و Fugue in C minis من المجلد الأول من The Well-Tempered Clavier. تتكون المقدمة من قسمين رئيسيين. يتم ملء الجزء الأول الأكثر اتساعًا بالكامل بحركة موحدة سريعة من ستة عشر في كلتا اليدين. إنه مشبع من الداخل بعناصر لحنية وتوافقية معبرة. يبدو كما لو أن تيارًا مضطربًا ، مقيدًا بالشواطئ ، يغلي: Gigue هي رقصة سريعة ومرحة ، نشأت من أيرلندا وإنجلترا. في الأيام الخوالي ، أحب البحارة الإنجليز رقصة الرقصة. في الأجنحة ، عادة ما تكون الحفلة هي الحركة النهائية والنهائية. في كتابه C الصغرى Giguet ، غالبًا ما يستخدم باخ تقنية التقليد الكنسي بين الصوتين (كما في الاختراع في F الكبرى). يتخلل عرض هذه القطعة إيقاع منقط "كذاب": بالمقارنة مع التباين بين Allemande و Courante ، يكون التباين بين Sarabande و Gigue أكثر حدة. لكن يتم تخفيفه بواسطة جزأين إضافيين يتم إدخالهما بينهما. الجزء المسمى "Aria" يشبه الأغنية الهادئة والبارعة أكثر من كونه رقمًا صوتيًا منفردًا في الأوبرا. Minuet التالية هي رقصة فرنسية تجمع بين التنقل والنعمة. لذلك في هذه المجموعة ، مع نغمة عامة واحدة ، تتم مقارنة جميع الأجزاء بشكل مختلف من حيث المصطلحات التصويرية. أبعاد الرقصة في الغالب ثلاثية. في القرن الثامن عشر كانت بشكل رئيسي 3/8 ، 6/8 ، 9/8 ، 12/8. 16 17 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي بصوت متوسط ​​، موضوع واضح ، منقوش ، ذاكر جيداً مع إيقاع رقص مرن: 11 يتم الجمع بين المثابرة النشيطة Moderato في الموضوع مع اللمحات اللطيفة والأذى الماكر من خلال رباطة الجأش. هذا يوفر فرصًا لمزيد من التنمية المتنوعة والديناميكية. في بداية التطوير ، يبدو الموضوع خفيفًا - المرة الوحيدة التي يتم إجراؤها في مفتاح رئيسي (E-flat major). في النسخ ، من المقاطع الثلاثة الرئيسية للموضوع في المفتاح الرئيسي (C الثانوية) ، يكتسب الثاني ، في الجهير ، نطاقًا قويًا يجعل المرء يتذكر القوى الطبيعية المستعرة في المقدمة. وشيء آخر ، ينتهي التنفيذ النهائي لموضوع الشرود بإيقاع رئيسي مستنير. في مثل هذا التشابه بين نهايات المقدمة والشرود ، يتم الكشف عن علاقة عاطفية داخلية للأجزاء المتناقضة من الدورة. بعد أن تراكمت طاقة قوية ، فإن هذا التدفق في نهاية القسم الأول ، كما كان ، يفيض فوق الحافة وفي بداية القسم التالي يصبح أكثر تهورًا ، مما يهدد بكنس كل شيء في طريقه. تتميز ذروة المقدمة هذه بتغيير في الإيقاع إلى الأسرع (Pgesto) واستخدام جهاز متعدد الأصوات - شريعة ثنائية الصوت. لكن العناصر الهائجة توقفت فجأة بضربات على الأوتار وعبارات ذات مغزى من التلاوة. هنا يأتي التغيير الثاني في السرعة - إلى الأبطأ (Adagio). وبعد التغيير الثالث للإيقاع إلى A11eggo سريع بشكل معتدل في القضبان الأخيرة من المقدمة ، تعمل نقطة العضو المنشط في الجهير على إبطاء حركة النغمات السادسة عشرة في اليد اليمنى تدريجيًا. يصبح منتشرًا برفق ويتجمد على وتر رئيسي C. هناك سلام وطمأنينة. بعد هذا الإكمال الارتجالي المجاني للمقدمة ، يتحول الانتباه إلى مستوى مختلف ومتناقض. يبدأ شرود ثلاثي الأصوات. هذه الكلمة باللاتينية والإيطالية تعني "الجري" ، "الطيران" ، "التيار السريع". في الموسيقى ، الشرود هو عمل متعدد الألحان معقد ، حيث يبدو أن الأصوات تتردد في اللحاق ببعضها البعض. تعتمد معظم حالات الشرود على موضوع واحد. أقل شيوعًا هو حالات الهروب مع اثنين ، ونادرًا ما تكون بثلاثة أو أربعة مواضيع. ووفقًا لعدد الأصوات ، تتكون الفوجات من جزأين وثلاثة وأربعة وخمسة أجزاء. تبدأ شرود أحادية الظلام بعرض تقديمي للموضوع في المفتاح الرئيسي بصوت واحد. ثم يتم تقليد الموضوع بالتناوب بواسطة الأصوات الأخرى. هذه هي الطريقة التي يتشكل بها القسم الأول من الشرود ، العرض. في القسم الثاني - التطوير - يظهر المظهر فقط في مفاتيح أخرى. وفي القسم الثالث ، الأخير - التكرار 9 - يتم تنفيذه مرة أخرى في المفتاح الرئيسي ، ولكن لم يعد يتم تقديمه بصوت واحد. العرض هنا بالتأكيد لم يتكرر. في الشرود ، يتم استخدام التعارضات المحتجزة والفواصل على نطاق واسع. بدأ شرود Bach C الصغير ، في السؤال ، بالظهور في Fugue - أعلى شكل من أشكال الموسيقى متعددة الألحان - وقد وصل إلى مرحلة النضج الكامل وألمع ازدهار في أعمال باخ. كتب المؤلف الموسيقي وعازف البيانو الروسي الشهير في القرن التاسع عشر ، أنطون غريغوريفيتش روبينشتاين ، في كتابه "الموسيقى وممثلوها" ، مُعجبًا بـ "كلافييه المقوى جيدًا" ، والذي يمكن للمرء أن يجد هناك "شرود دينية ، بطولية ، حزينة ، شخصية مهيبة ، حزينة ، روح الدعابة ، رعوية ، درامية ؛ في شيء واحد ، كلهم ​​متشابهون - في الجمال ... "كان عصر يوهان سيباستيان باخ الملحن الألماني العظيم جورج فريدريش هاندل (1685-1759) - أستاذ رائع في تعدد الأصوات ، وعازف أرغن ماهر. كان مصيره مختلفا. قضى معظم حياته خارج ألمانيا ، منتقلاً من بلد إلى آخر (عاش في إنجلترا لعدة عقود). 18 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي قام هاندل بتأليف العديد من الأوبرا والخطابات وأعمال الآلات المختلفة. تشكيل النمط الكلاسيكي في الموسيقى أسئلة ومهام 1. ما هو القاسم المشترك بين أعمال باخ الروحية والعلمانية؟ 2. أخبرنا عن الطبيعة التصويرية لـ Toccata و Fugue في D الصغرى للأعضاء. 3. غن مواضيع اختراعات باخ التي تعرفها. ما هي المعارضة عندما يطلق عليها حجب؟ 4. ما هي الفاصلة في العمل متعدد الأصوات؟ أي تقليد يسمى الكنسي أم الكنسي؟ 5. اسم ووصف الأجزاء الرئيسية من "الجناح الفرنسي" في C الثانوية. 6. كيف يتم بناء كلافير المقوى جيدًا من باخ؟ 7. ما هو الفرق الرئيسي بين المقدمة والشرود؟ أظهر هذا بمثال مقدمة وفوجي في C الثانوية من المجلد الأول من The Well-Tempered Clavier. هل هناك أوجه تشابه بينهما أيضًا؟ يعد المسرح الموسيقي في القرن الثامن عشر ، وخاصة النصفين الأوسط والثاني ، فترة تغيير كبير في جميع مجالات الفن الموسيقي الأوروبي. مع بداية هذا القرن ، ظهر نوعان تدريجيًا في الأوبرا الإيطالية - أوبرا سيريا (جادة) وأوبرا بافا (كوميدي). لا تزال المؤامرات الأسطورية والتاريخية سائدة في أوبرا سيريا ، حيث ظهر ما يسمى بالأبطال "المرتفعين" - الآلهة الأسطورية ، وملوك الدول القديمة ، والقادة الأسطوريين. وفي أوبرا البافا ، أصبحت الحبكات في الغالب الأوبرا الحديثة اليومية. كان الأبطال هنا أناسًا عاديين تصرفوا بنشاط وواقعية. كان فيلم جيوفاني باتيستا بيرغولسي The Servant Lady للكاتب جيوفاني باتيستا بيرغوليسي ، والذي ظهر أمام الجمهور عام 1733 في نابولي ، أول مثال صارخ على أوبرا بافا. البطلة ، الخادمة المغامرة سيربينا ، تتزوج بمهارة سيدها العابس أوبرتو وتصبح هي نفسها عشيقة. مثل العديد من أوبرا البوفا الإيطالية المبكرة ، تم تأدية The Servant Madam في الأصل كمرحلة استراحة خلال فترات الاستراحة بين أعمال أوبرا Pergolesi seria The Proud Prisoner (تذكر أن كلمة "interlude" أصلها لاتيني وتعني "التفاعل"). سرعان ما اكتسب The Servant-Madam شهرة كبيرة في العديد من البلدان كعمل مستقل. ولدت الأوبرا الهزلية في فرنسا في النصف الثاني من القرن الثامن عشر. نشأت من العروض الكوميدية المرحة والرائعة مع الموسيقى التي قدمت في المسارح في المعارض الباريسية. وللتحول إلى أوبرا كوميدية ، حيث أصبحت الأرقام الصوتية السمة الرئيسية للشخصيات ، ساعد مثال أوبرا البوفا الإيطالية الكوميديا ​​الفرنسية العادلة. بالنسبة لهذا الأداء في باريس ، كانت فرقة أوبرا "البافون" الإيطاليين ذات أهمية كبيرة ، عندما كانت عاصمة فرنسا مفتونة حرفياً بـ "الخادمة" لبيرجولسي. على عكس الأوبرا الإيطالية ، في المسلسلات الكوميدية الفرنسية ، لا تتناوب أرقام الآريوز مع التلاوات ، ولكن مع الحوارات التخاطبية. تم بناء Singspire أيضًا - مجموعة متنوعة من الأوبرا الكوميدية الألمانية والنمساوية ، والتي ظهرت في الثانية. الأعمال الرئيسية الأعمال الصوتية والأدوات "العاطفة وفقًا لماثيو" القداس في B الصغرى المقدسة cantatas (نجا حوالي 200 ) والكانتات العلمانية (نجت من أكثر من 20) أعمال أوركسترالية 4 أجنحة ("مفاتحات") 6 كونشيرتو "Brandenburg Concertos" للآلات المنفردة مع أوركسترا الحجرة 7 كونشيرتو للهاربسيكورد 3 حفلات موسيقية لشخصين ، 2 لفرقة هاربسيكوردز 2 كونشيرتو للكمان الكمان يعمل على الآلات المنحنية 3 سوناتات و 3 أجزاء للكمان المنفرد 6 سوناتات للكمان والهاربسيكورد 6 أجنحة ("سوناتا") للتشيلو المنفرد يعمل الجهاز 70 مقدمة كورالية مقدمة وفوجو توكاتا وفوجو في D طفيفة Passacaglia في C مجموعة أعمال لوحة مفاتيح ثانوية "Little Preludes and Fugues" 15 اختراعًا من جزأين و 15 اختراعًا من ثلاثة أجزاء ("سيمفونيات") 48 مقدمة وفوهة لـ Well-Tempered Clavier 6 "فرنسي و 6 أجنحة "إنجليزية" 6 أجنحة (partite) "كونشرتو إيطالي" للهاربسيكورد منفردًا "الخيال اللوني والشرود" "فن الفوج" 19 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي في منتصف القرن الثامن عشر القرن 17. تتميز اللغة الموسيقية لجميع أنواع الأوبرا الهزلية بارتباط وثيق بالأغاني الشعبية وألحان الرقص. في النصف الثاني من القرن الثامن عشر ، تم إصلاح أنواع الأوبرا الجادة بشكل جذري من قبل الملحن الألماني العظيم كريستوف ويليبالد غلوك (1714-1787). كتب أول أوبرا إصلاحية له ، Orpheus و Eurydice (1762) ، استنادًا إلى قصة المغني اليوناني القديم الأسطوري ، والذي تم استخدامه مرارًا وتكرارًا في الأوبرا منذ أقدم الأوبرا (تمت مناقشة هذا في المقدمة). اتبع غلوك طريقًا صعبًا لإصلاحه في الأوبرا. صادف أن زار العديد من الدول الأوروبية - ألمانيا ، النمسا ، الدنمارك ، وكذلك في جمهورية التشيك التي يسكنها السلاف ، إلى جانب إيطاليا - في إنجلترا. قبل الاستقرار بثبات في فيينا ، نظم غلوك 17 من سلسلة أوبراه على مسارح في ميلانو والبندقية ونابولي ولندن وكوبنهاغن وبراغ ومدن أخرى. تم تنفيذ أوبرا من هذا النوع في مسارح المحاكم في العديد من الدول الأوروبية. الاستثناء كان فرنسا. هناك ، في منتصف القرن الثامن عشر ، استمروا في تأليف وتقديم عروض الأوبرا الجادة على الطراز الفرنسي التقليدي فقط. لكن غلوك درس بعناية عشرات أوبرا المؤلفين الموسيقيين الفرنسيين المشهورين جان بابتيست لولي وجان فيليب رامو. بالإضافة إلى ذلك ، كتب غلوك وأقام بنجاح ثمانية أعمال في فيينا في النوع الجديد من الأوبرا الكوميدية الفرنسية. كان بلا شك على دراية جيدة بأوبرا البافا الإيطالية ، مع الأغاني الألمانية والنمساوية. كل هذه المعرفة مكنت غلوك من تجديد مبادئ التكوين التي عفا عليها الزمن بالفعل للأوبرا الجادة. في أوبراه الإصلاحية ، التي أقيمت أولاً في فيينا ثم في باريس ، بدأ غلوك في نقل التجارب العاطفية للشخصيات بمزيد من الصدق والفعالية الدرامية. رفض تجميع المقاطع الموهوبة في الآيات ، وزاد من التعبير عن التلاوات. أصبحت أوبراه أكثر فائدة من حيث التطور الموسيقي والمسرح ، وأكثر انسجاما في التكوين. وهكذا ، في اللغة الموسيقية وفي بناء الأوبرا الجادة الكوميدية الجديدة والمعدلة ، تم تحديد السمات المميزة المهمة للأسلوب الكلاسيكي الجديد - الفعالية النشطة للتطور ، والبساطة والوضوح للوسائل التعبيرية ، والتناغم التركيبي ، والنبل العام. وشخصية الموسيقى الرفيعة. ظهر هذا النمط تدريجيًا في الموسيقى الأوروبية خلال القرن الثامن عشر ، ونضج في 1770-1780 وسيطر حتى منتصف العقد الثاني من القرن التاسع عشر. وتجدر الإشارة إلى أن تعريف "كلاسيكي" قد يكون له معنى آخر أوسع. "الكلاسيكية" (أو "الكلاسيكية") تسمى أيضًا الأعمال الموسيقية وغيرها من الأعمال الفنية التي تم التعرف عليها على أنها نموذجية ومثالية وغير مسبوقة - بغض النظر عن وقت إنشائها. بهذا المعنى ، يمكن تسمية جماهير الملحن الإيطالي باليسترينا في القرن السادس عشر ، وأوبرا بروكوفييف ، وسمفونيات شوستاكوفيتش ، الملحنين الروس في القرن العشرين ، بالموسيقى الكلاسيكية أو الكلاسيكية. الموسيقى الآلية على نفس الأساس الدولي الواسع مثل إصلاح غلوك الأوبرالي ، في القرن الثامن عشر كان هناك تطور مكثف لموسيقى الآلات. تم تنفيذه بجهود مشتركة لملحنين من العديد من الدول الأوروبية. بناءً على الغناء والرقص ، طوروا الوضوح والديناميكية الكلاسيكية للغة الموسيقية ، شكلوا تدريجياً أنواعًا جديدة من الأعمال الآلية الدورية - مثل السيمفونية الكلاسيكية ، والسوناتا الكلاسيكية ، والرباعية الوترية الكلاسيكية. شكل سوناتا له أهمية كبيرة فيها. لذلك ، تسمى الدورات الآلية سوناتا أو سوناتا سيمفونية. شكل سوناتا. أنت تعلم بالفعل أن أعلى شكل من أشكال الموسيقى متعددة الألحان هو الشرود. وشكل السوناتا هو أعلى شكل من أشكال الموسيقى التوافقية المتجانسة ، حيث يمكن استخدام تقنيات متعددة الألحان في بعض الأحيان فقط. يتشابه هذان الشكلان في بنائهما مع بعضهما البعض. مثل الشرود ، هناك ثلاثة أقسام رئيسية في شكل سوناتا: العرض والتطوير والتلخيص. لكن هناك أيضًا اختلافات كبيرة بينهما. يظهر الاختلاف الرئيسي بين شكل السوناتا والشرود على الفور في العرض 18. الغالبية العظمى من الفوجات مبنية بالكامل على موضوع واحد ، يتم تنفيذه بالتناوب في كل عرض. هذه الكلمة الألمانية تأتي من "Singen" ("Sing") و "Spiel" ("play"). 18 الكلمة من أصل لاتيني ، وتعني "عرض" ، "عرض". 20 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن في روسيا صوت. وفي عرض شكل السوناتة ، كقاعدة عامة ، يظهر موضوعان رئيسيان ، مختلفان إلى حد ما في الشخصية. أولاً ، يبدو موضوع الجزء الرئيسي ، يظهر لاحقًا موضوع الجزء الجانبي. ولكن لا ينبغي بأي حال من الأحوال فهم تعريف "الجانب" على أنه "ثانوي". في الواقع ، يلعب موضوع الجزء الجانبي دورًا لا يقل أهمية في شكل السوناتة عن دور موضوع الجزء الرئيسي. يتم استخدام كلمة "ثانوي" هنا لأنه ، على عكس الأول ، يبدو بالضرورة في العرض ليس في المفتاح الرئيسي ، ولكن في مفتاح آخر ، أي كما لو كان في مفتاح ثانوي. في الموسيقى الكلاسيكية ، إذا كان الجزء الرئيسي في العرض كبيرًا ، فسيتم ذكر الجزء الجانبي في مفتاح العنصر المهيمن (على سبيل المثال ، إذا كان مفتاح الجزء الرئيسي هو C الرئيسي ، فإن مفتاح الجزء الجانبي هو G رائد). إذا كان الجزء الرئيسي في العرض صغيرًا ، فسيتم ذكر الجزء الجانبي في موازٍ رئيسية (على سبيل المثال ، إذا كان مفتاح الجزء الرئيسي هو C ثانوي ، فإن مفتاح الجزء الجانبي هو E-flat major). يتم وضع حزمة صغيرة أو مجموعة متصلة بين الأطراف الرئيسية والجانبية. قد يظهر هنا أيضًا موضوع مستقل مزخرف لحنًا ، ولكن في كثير من الأحيان يتم استخدام نغمات موضوع الجزء الرئيسي. يعمل الجزء المتصل بمثابة انتقال إلى الجزء الجانبي ، ويتم تعديله في مفتاح الجزء الجانبي. وبالتالي ، يتم انتهاك الاستقرار اللوني. بدأت الشائعات تتوقع بداية "حدث موسيقي" جديد. اتضح أن يكون مظهر موضوع الطرف الجانبي. في بعض الأحيان قد يسبق العرض مقدمة. وبعد جزء جانبي ، إما أن تكون خاتمة صغيرة ، أو جزء نهائي كامل ، غالبًا بموضوع مستقل. هذه هي الطريقة التي ينتهي بها العرض ، وتحديد نغمة الجزء الجانبي. في اتجاه المؤلف ، يمكن تكرار العرض بالكامل. التطوير - القسم الثاني من شكل السوناتة. في ذلك ، تظهر الموضوعات المألوفة من المعرض في إصدارات جديدة ، وتتناوب بطرق مختلفة ، ويتم مقارنتها. غالبًا ما لا يتضمن هذا التفاعل موضوعات كاملة ، بل أفكارًا وعبارات معزولة عنها. أي أن الموضوعات قيد التطوير ، كما كانت ، مقسمة إلى عناصر منفصلة ، تكشف عن الطاقة الموجودة فيها. في هذه الحالة ، هناك تغيير متكرر للمفاتيح (نادرًا ما يتأثر المفتاح الرئيسي هنا وليس لفترة طويلة). تظهر السمات وعناصرها بمفاتيح مختلفة وكأنها مضيئة بطريقة جديدة ، معروضة من وجهات نظر جديدة. بعد أن يصل التطور في التطور إلى توتر كبير في ذروته ، يغير مساره اتجاهه. في نهاية هذا القسم ، يتم إعداد العودة إلى المفتاح الرئيسي ، وهناك دور في النسخ. التكرار هو القسم الثالث من شكل السوناتا. يبدأ بعودة الجزء الرئيسي في المفتاح الرئيسي. الجزء المتصل لا يؤدي إلى مفتاح جديد. على العكس من ذلك ، فهو يعمل على إصلاح المفتاح الرئيسي ، حيث يتم الآن تكرار الجزأين الثانوي والأخير. لذا فإن التكرار ، باستقراره اللوني ، يوازن بين الطبيعة غير المستقرة للتطور ويمنح الكل انسجامًا كلاسيكيًا. يمكن في بعض الأحيان استكمال التكرار ببناء نهائي - a coda (مشتق من الكلمة اللاتينية التي تعني "الذيل"). لذلك ، عندما يصدر صوت شرود ، يتركز اهتمامنا على الاستماع والتفكير والشعور في فكرة موسيقية واحدة ، تتجسد في موضوع واحد. عندما يتم الاستماع إلى عمل في شكل سوناتا ، فإن سماعنا يتبع المقارنة والتفاعل بين موضوعين رئيسيين (ومتكاملين) - كما لو كان يتبع تطور الأحداث الموسيقية المختلفة ، العمل الموسيقي. هذا هو الفرق الرئيسي بين الإمكانيات الفنية لهذين الشكلين الموسيقيين. دورة السوناتا الكلاسيكية (السوناتا السمفونية). تقريبًا في الثلث الأخير من القرن الثامن عشر ، تشكلت أخيرًا دورة السوناتا الكلاسيكية في الموسيقى. في السابق ، سيطر شكل الجناح على الأعمال الآلية ، حيث تتناوب الأجزاء البطيئة والسريعة ، وشكل السوناتة القديمة بالقرب منها. الآن ، في دورة السوناتا الكلاسيكية ، تم تحديد عدد الأجزاء (عادة ثلاثة أو أربعة) بدقة ، لكن محتواها أصبح أكثر تعقيدًا. عادة ما يتم كتابة الحركة الأولى في شكل سوناتا ، والتي تمت مناقشتها في الفقرة السابقة. تمشي بوتيرة سريعة أو سريعة بشكل معتدل. غالبًا ما يكون A11eggo. لذلك ، تسمى هذه الحركة عادة سوناتا أليغرو. غالبًا ما تحتوي الموسيقى الموجودة فيها على شخصية نشطة وفعالة ، وغالبًا ما تكون متوترة ودرامية. تتناقض الحركة الثانية دائمًا مع الأولى في الإيقاع والشخصية العامة. غالبًا ما تكون بطيئة ، والأكثر غنائية وإيقاعات. ولكن يمكن أن يكون مختلفًا أيضًا ، على سبيل المثال ، مشابهًا للسرد البطيء أو رقيقًا. إلى الأول. غالبًا ما ترسم نهايات دورات السوناتا الكلاسيكية (خاصة السمفونيات) صورًا لمتعة الأعياد المزدحمة ، وموضوعاتها قريبة من الأغاني والرقصات الشعبية. في هذه الحالة ، غالبًا ما يتم استخدام نموذج rondo (من الكلمة الفرنسية "ronde" - "الدائرة"). كما تعلم فإن القسم الأول هنا (الامتناع) يتكرر عدة مرات بالتناوب مع أقسام جديدة (حلقات). 21 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن في روسيا أول أوبرا له؟ 3. في أي وقت نضج النمط الكلاسيكي وإلى أي وقت سيطر النمط الكلاسيكي على الموسيقى؟ اشرح الفرق بين تعريفي "كلاسيكي". 4. ما هو وجه الشبه في البناء العام بين شكل الشرود والسوناتا؟ وما الفرق الرئيسي بينهما؟ 5. قم بتسمية الأقسام الرئيسية والإضافية من نموذج السوناتة. ارسم مخططها. 6. كيف ترتبط الأجزاء الرئيسية والجانبية من شكل السوناتة مع بعضها البعض في عرضها وتكرارها؟ 7. ما هو نموذجي للتطور في شكل سوناتا؟ 8. وصف أجزاء دورة السوناتة الكلاسيكية. 9. قم بتسمية الأنواع الرئيسية لدورات السوناتا الكلاسيكية اعتمادًا على تكوين فناني الأداء. كل هذا يميز العديد من نهائيات الدورات المكونة من أربعة أجزاء. لكن في نفوسهم ، بين الأجزاء المتطرفة (الأول والرابع) ، يتم وضع جزأين وسطيين. واحد - بطيء - في السمفونية عادة ما يكون الثاني ، وفي الرباعية - الثالث. الحركة الثالثة للسمفونيات الكلاسيكية في القرن الثامن عشر هي حركة Minuet ، التي تحتل المركز الثاني في الرباعية. لذلك ذكرنا الكلمات "سوناتا" ، "الرباعية" ، "السمفونية". يعتمد الاختلاف بين هذه الدورات على تكوين فناني الأداء. مكان خاص ينتمي إلى السيمفونية - عمل للأوركسترا ، مصمم لإصدار صوت في غرفة كبيرة أمام العديد من المستمعين. بهذا المعنى ، فإن كونشيرتو قريب من السيمفونية - تكوين ثلاثي الحركات لآلة منفردة مصحوبة بأوركسترا. الدورات الآلية الأكثر شيوعًا للغرفة هي السوناتا (لآلة واحدة أو اثنين) ، الثلاثي (لثلاثة آلات) ، الرباعية (لأربعة آلات) ، الخماسية (لخمسة آلات) .19. شكل السوناتا ودورة السوناتا السمفونية ، مثل النمط الكلاسيكي بأكمله في الموسيقى ، تشكلت في القرن الثامن عشر ، وهو ما يسمى "عصر التنوير" (أو "عصر التنوير") ، وكذلك "عصر التنوير" من السبب ". في هذا القرن ، ولا سيما في النصف الثاني منه ، تم ترشيح ممثلي ما يسمى بـ "الطبقة الثالثة" في العديد من البلدان الأوروبية. كان هؤلاء أشخاصًا ليس لديهم ألقاب نبالة ولا ألقاب روحية. يدينون بنجاحهم لعملهم ومبادراتهم. لقد أعلنوا المثل الأعلى لـ "الإنسان الطبيعي" ، الذي وهبته الطبيعة نفسها بالطاقة الإبداعية ، والعقل اللامع ، والمشاعر العميقة. انعكست هذه المثالية الديمقراطية المتفائلة بطريقتها الخاصة في الموسيقى وأشكال الفن والأدب الأخرى. على سبيل المثال ، تم تمجيد انتصار العقل البشري والأيدي التي لا تعرف الكلل في بداية عصر التنوير من خلال الرواية الشهيرة للكاتب الإنجليزي دانيال ديفو ، والتي نُشرت عام 1719 بعنوان The Life and Amazing Adventures of Robinson Crusoe. جوزيف هايدن 1732-1809 بلغ الأسلوب الكلاسيكي في الموسيقى مرحلة النضج والازدهار في أعمال جوزيف هايدن وولفجانج أماديوس موتسارت ولودفيج فان بيتهوفن. قضى حياة وعمل كل منهم وقتًا طويلاً في فيينا ، عاصمة النمسا. لذلك ، يُطلق على Haydn و Mozart و Beethoven اسم كلاسيكيات فيينا. كانت النمسا إمبراطورية متعددة الجنسيات. في ذلك ، إلى جانب النمساويين ، لغتهم الأم هي الألمانية ، عاش المجريون ومختلف الشعوب السلافية ، بما في ذلك التشيك والصرب والكروات. أغانيهم وأسئلتهم وتكليفاتهم 1. قم بتسمية الأنواع الوطنية للأوبرا الكوميدية في القرن الثامن عشر. ما الفرق بين بناء أوبرا البوفا الإيطالية وبناء الأوبرا الكوميدية الفرنسية؟ 2. ما هي البلدان والمدن التي كان نشاط المصلح الأوبرالي الكبير كريستوف ويليبلد غلوك مرتبطًا بها؟ على أي مؤامرة كتب أسماء الدورات الآلية الأخرى للغرفة - sextet (6) ، septet (7) ، octet (8) ، nonet (9) ، decimet (10). يأتي تعريف "موسيقى الحجرة" من الكلمة الإيطالية "camera" - "room". حتى القرن التاسع عشر ، كانت المؤلفات الموسيقية للعديد من الآلات تُؤدى في المنزل ، أي أنها كانت تُفهم على أنها "موسيقى الغرفة". 19 22 www.classON.ru يمكن سماع تعليم الأطفال في مجال ألحان الرقص الفني الروسي في كل من القرى والمدن. في فيينا ، بدت الموسيقى الشعبية في كل مكان - في الوسط وفي الضواحي ، عند تقاطعات الشوارع ، في الحدائق العامة والمتنزهات ، في المطاعم والحانات ، في المنازل الخاصة الغنية والفقيرة. كانت فيينا أيضًا مركزًا رئيسيًا للثقافة الموسيقية الاحترافية ، تتمحور حول البلاط الإمبراطوري ، وكنائس النبلاء 1 والصالونات الأرستقراطية والكاتدرائيات والكنائس. لطالما تمت زراعة الأوبرا الإيطالية في العاصمة النمساوية ؛ وهنا ، كما ذكرنا سابقًا ، بدأ غلوك إصلاحه الأوبرالي. رافقت الموسيقى بكثرة احتفالات البلاط. لكن الفيينيين حضروا عن طيب خاطر عروض المهزلة مع الموسيقى ، التي ولد منها التلاميذ ، وكانوا مغرمين جدًا بالرقص. من بين الكلاسيكيات الموسيقية الفيينية الثلاثة العظيمة ، هايدن هو الأقدم. كان عمره 24 عامًا عندما ولد موزارت و 38 عندما ولد بيتهوفن. عاش هايدن حياة طويلة. لقد نجا من موتسارت ، الذي توفي مبكرًا ، بحوالي عقدين من الزمن وكان لا يزال على قيد الحياة عندما كان بيتهوفن قد ابتكر بالفعل معظم أعماله الناضجة. بالنسبة للمسرح الأميري الخاص ، كتب أكثر من عشرين أوبرا من أنواع seria ، و Buffa ، بالإضافة إلى العديد من أوبرات "الدمى" للعروض التي يؤديها الدمى. لكن مجال اهتماماته وإنجازاته الإبداعية الرئيسية هو موسيقى الآلات السمفونية والحجرة 2. في المجموع أكثر من 800 تركيبة 3. من بينها ، أكثر من 100 سيمفونية ، وأكثر من 80 رباعي وترية وأكثر من 60 سوناتا كلافير لها أهمية خاصة. في عيناتهم الناضجة بأكبر قدر من الاكتمال والسطوع والأصالة ، تم الكشف عن النظرة المتفائلة للعالم للملحن النمساوي العظيم. في بعض الأحيان فقط ينطلق هذا الموقف المشرق من مزاج أكثر كآبة. يتم التغلب عليهم دائمًا من خلال حب هايدن الذي لا ينضب للحياة ، والملاحظة الشديدة ، والفكاهة المرحة ، والبسيطة ، والصحية ، وفي نفس الوقت الإدراك الشعري للواقع المحيط. مسار الحياة الطفولة المبكرة. روراو وهاينبورغ. ولد فرانز جوزيف هايدن عام 1732 في قرية روراو الواقعة شرقي النمسا بالقرب من الحدود المجرية وليس بعيدًا عن فيينا. كان والد هايدن صانع سيارات ماهر ، وكانت والدته تعمل طاهية في ملكية الكونت ، وهي مالكة روراو. بدأ ابنه الأكبر جوزيف ، الذي كان يُدعى بمودة Zepperl في العائلة ، في تعويده مبكرًا على الاجتهاد والدقة والنظافة. لم يكن والد هايدن يعرف الموسيقى على الإطلاق ، لكنه كان يحب الغناء ، ويرافق نفسه على القيثارة ، خاصة عندما يكون في بلده. تجمع الضيوف في منزل صغير. غنى Zepperl بصوت فضي واضح ، كاشفًا عن أذن رائعة للموسيقى. وعندما كان الولد يبلغ من العمر خمس سنوات فقط ، تم إرساله إلى بلدة هاينبورغ المجاورة إلى أحد أقاربه البعيد الذي قاد مدرسة الكنيسة والجوقة. في هينبورغ ، تعلم سيبرل القراءة والكتابة والعد والغناء في جوقة ، وبدأ أيضًا في إتقان مهارات العزف على آلة الكلافيكورد والكمان. لكن لم يكن من السهل عليه أن يعيش في عائلة غريبة. وبعد عدة سنوات ، ذكر أنه حصل بعد ذلك على "مضارب أكثر من الطعام". بمجرد وصول Zepperl إلى Hainburg ، أُمر بتعلم التغلب على الطيمباني من أجل المشاركة في نفس موكب الكنيسة بالموسيقى. أخذ الصبي غربالًا ، وخلع قطعة قماش فوقه ، وبدأ يمارس الرياضة بجد. أكمل مهمته بنجاح. فقط عند تنظيم موكب كان عليهم تعليق آلة موسيقية على ظهر شخص قصير جدًا. وكان محدبًا مما أثار ضحك الجمهور. في كنيسة كاتدرائية القديس ستيفن في فيينا. بعد زيارة Hainburg ، لفت مدير فرقة كاتدرائية فيينا وملحن المحكمة جورج رويتر الانتباه إلى القدرات الموسيقية البارزة التي كان هايدن مؤمنًا مخلصًا بها. وهو مؤلف لعدد من الجماهير وأعمال صوتية وآلات أخرى تستند إلى نصوص روحية. 23 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي Zepperl. لذلك في عام 1740 ، وجد هايدن البالغ من العمر ثماني سنوات نفسه في عاصمة النمسا ، حيث تم قبوله كمغني في كنيسة كاتدرائية سانت ستيفن (الرئيسية). أفعل ذلك بنفسي. بداية صعبة لحياة مستقلة. عندما ، في سن الثامنة عشرة ، بدأ صوت الشاب في الانهيار - أصبح الصوت أجشًا مؤقتًا وفقد المرونة ، تم طرده بوقاحة وبلا رحمة من الكنيسة. عندما يجد نفسه بدون مأوى أو أموال ، يمكن أن يموت من الجوع والبرد إذا لم يحميه لبعض الوقت مغني مألوف يعيش مع زوجته وطفله في غرفة صغيرة تحت السطح. بدأ هايدن في تولي أي عمل موسيقي ظهر: لقد نسخ الملاحظات ، وأعطى دروساً صغيرة في الغناء ، والعزف على الكلافييه ، وشارك كعازف كمان في فرق الشارع التي عزفت الغناء ليلاً تكريماً لأحد سكان البلدة. أخيرًا ، تمكن من استئجار غرفة صغيرة في الطابق السادس والأخير من منزل في وسط فيينا. اخترقت الرياح الغرفة ، ولم يكن بها موقد ، وفي الشتاء كان الماء يتجمد في كثير من الأحيان. عاش هايدن في مثل هذه المحنة لمدة عشر سنوات. لكنه لم يفقد قلبه وانخرط بحماس في فنه المفضل. يتذكر في شيخوخته: "عندما جلست في كلافيير القديم الذي أكلته الدودة ، لم أحسد سعادة أي ملك." ساعد هايدن في التغلب على الصعوبات اليومية من خلال شخصيته المرحة والحيوية. ذات مرة ، على سبيل المثال ، وضع في الليل زملائه الموسيقيين في زوايا منعزلة في أحد شوارع فيينا ، وعند إشارته ، عزف الجميع ما يحبه. وكانت النتيجة "حفلة قطط" أثارت ضجة بين السكان المحيطين. انتهى المطاف باثنين من الموسيقيين في الشرطة ، لكن المحرض على "الغناء" الفاضح لم يتم تسليمه. تعرف هايدن على ممثل كوميدي شهير ، وقام بتأليف أغنية "The Lame Demon" بالتعاون معه وحصل على مبلغ صغير من المال. تدريجيا ، بدأ هايدن يكتسب شهرة في فيينا كمدرس وكملحن. التقى بأشخاص مشهورين. الموسيقيين وعشاق الموسيقى. في منزل مسؤول بارز ، بدأ في المشاركة في أداء فرق الحجرة وأنشأ أول رباعيات وترية للحفلات الموسيقية في ضيعة بلده. وكتب هايدن أول سيمفونية له في عام 1759 ، عندما حصل على أوركسترا صغيرة تحت تصرفه ، وأصبح رئيسًا لمصلى الكونت مورزين. احتفظ الكونت بالموسيقيين غير المتزوجين فقط. اضطر هايدن ، الذي تزوج ابنة مصفف شعر من فيينا ، إلى إخفاء الأمر. لكن هذا استمر حتى عام 1760 فقط ، عندما غمرت موجة من الانطباعات الحية الجديدة الصبي في فيينا ، وهي مدينة جميلة كبيرة بها مبانٍ رائعة ومجموعات معمارية. بدت الموسيقى الشعبية متعددة الجنسيات حولها. في الكاتدرائية وفي البلاط الإمبراطوري ، حيث تؤدي الجوقة أيضًا ، تم تنفيذ أعمال صوتية وآلات موسيقية. لكن ظروف الحياة كانت صعبة مرة أخرى. في الفصول الدراسية ، والبروفات والعروض ، كان الأولاد في الجوقة متعبين للغاية. لقد تم إطعامهم بشكل سيئ ، وكانوا دائمًا نصف جائعين. لقد عوقبوا بشدة بسبب مقالبهم. واصل Little Haydn دراسة فن الغناء والعزف على آلة clavier والكمان بجدية ، وكان يريد حقًا تأليف الموسيقى. ومع ذلك ، لم يعر رويتر اهتمامًا لهذا الأمر. مشغولًا جدًا بشؤونه الخاصة ، طوال السنوات التسع التي قضاها هايدن في الكنيسة ، أعطاه درسين فقط في التكوين. لكن جوزيف تابع هدفه بعناد وجدية ، وبعد سنوات قليلة كتب أغنية أخرى بعنوان "The New Lame Imp". 20 24 www.classON.ru اهتز تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي ، والشؤون المادية للكونت وقام بحل الكنيسة الصغيرة الخاصة به. كان زواج هايدن غير ناجح. تميز الشخص المختار بشخصية ثقيلة وغاضبة. لم تكن مهتمة على الإطلاق بشؤون التأليف الخاصة بزوجها - لدرجة أنها صنعت حواشي وبطانات للبات من مخطوطات مؤلفاته. بعد سنوات قليلة ، بدأ هايدن يعيش منفصلاً عن زوجته. لم يكن لديهم أطفال. في مصلى الأمراء استرهازي. في عام 1761 مجري ثري ؛ دعا الأمير بال أنتال استرهازي هايدن إلى أيزنشتات كنائب لكابيلميستر. منذ تلك اللحظة ، بدأت خدمة هايدن مع عائلة استرهازي ، والتي استمرت لمدة ثلاثة عقود كاملة. بعد خمس سنوات ، أصبح مدير فرقة - بعد وفاة الموسيقي المسن الذي شغل هذا المنصب. تميز وريث بالا أنتال ، الذي توفي عام 1762 ، بالتزامه بالرفاهية والترفيه الباهظ الثمن ، شقيقه ميكلوش 1 ، الملقب بالعظمى. بعد بضع سنوات ، نقل مقر إقامته من أيزنشتات إلى قصر ريفي جديد مكون من 126 غرفة ، وأحاطه بحديقة ضخمة ، وبنى دار أوبرا بسعة 400 مقعد ومسرح عرائس في مكان قريب ، وزاد عدد الموسيقيين في الكنيسة بشكل كبير. . أعطى العمل فيه دعمًا ماليًا جيدًا لـ Haydn ، بالإضافة إلى ذلك - الفرصة لتأليف الكثير واختبار نفسه على الفور في الممارسة العملية ، وتوجيه الأداء الأوركسترالي لأعماله الجديدة. في Esterhaz (كما كان يُطلق على المقر الأميري الجديد) ، غالبًا ما كانت تُقام حفلات استقبال مزدحمة ، غالبًا بمشاركة ضيوف أجانب رفيعي المستوى. بفضل هذا ، أصبح عمل هايدن معروفًا بشكل تدريجي خارج النمسا. ولكن كان هناك في كل هذا ، كما يقولون ، الوجه الآخر للعملة. عندما دخل الخدمة ، وقع هايدن عقدًا ، أصبح بموجبه خادمًا موسيقيًا. كان عليه الظهور يوميًا قبل العشاء وبعده ، أمام القصر مرتديًا باروكة شعر مستعار مجففة وجوارب بيضاء ، للاستماع إلى أوامر الأمير. ألزم العقد هايدن على وجه السرعة بكتابة "أي موسيقى ترغبها سيادته ، وليس لإظهار مؤلفات جديدة لأي شخص ، بل والأكثر من ذلك عدم السماح لأي شخص بشطبها ، ولكن للاحتفاظ بها فقط من أجل سيادته وبدون علمه ورحمته. الإذن بعدم تأليف أي شيء لأي شخص ". بالإضافة إلى ذلك ، كان مطلوبًا من هايدن مراقبة النظام في الكنيسة وسلوك الموسيقيين ، وإعطاء دروس للمغنين ، وأن يكون مسؤولاً عن سلامة الآلات والملاحظات. لم يكن يعيش في قصر ، بل في قرية مجاورة ، في منزل صغير. من أيزنشتات ، كان البلاط الأميري ينتقل إلى فيينا في الشتاء. ومن استرهازي ، لم يكن بإمكان هايدن الدخول إلى العاصمة إلا من حين لآخر بإذن من الأمير أو بإذن خاص. على مدى السنوات العديدة التي قضاها في أيزنشتات وإسترهيز ، تحول هايدن من موسيقي مبتدئ إلى ملحن عظيم ، وصلت أعماله إلى مستوى عالٍ من الكمال الفني وتم الاعتراف بها ليس فقط في النمسا ، ولكن أيضًا خارج حدودها. لذلك ، كتب ستة "باريس سيمفونيات" (رقم 82-87) بأمر من عاصمة فرنسا ، حيث بدوا بنجاح في عام 1786. تعود اجتماعات هايدن مع فولفغانغ أماديوس موزارت في فيينا إلى ثمانينيات القرن الثامن عشر. كان للتقارب الودي تأثير مفيد على عمل الموسيقيين العظماء. بمرور الوقت ، أصبح هايدن مدركًا بشكل متزايد لموقفه التابع. في رسائله إلى أصدقاء من إسترهازي في فيينا ، والتي كتبها في النصف الأول من عام 1790 ، هناك عبارات من هذا القبيل: "الآن - أنا جالس في بريتي - مهجور - مثل يتيم فقير - تقريبًا بدون صحبة الناس - حزين .. امتلك آخر أمراء استرهازي عقارات واسعة ، وكان لهم العديد من الخدم وعاشوا حياة ملكية في قصورهم. Special 25 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي لم أكن أعرف لأيام ما إذا كنت مدير فرقة أو قائد فرقة ... إنه لأمر محزن أن أكون عبدًا طوال الوقت ... »تحول جديد مصير. رحلات إلى إنجلترا. توفي Miklós Esterházy في خريف عام 1790. لقد كان عاشقًا متنورًا للموسيقى ، وكان يعزف على الآلات الوترية ولم يستطع إلا أن يقدر بطريقته الخاصة مثل "الخادم الموسيقي" مثل هايدن. ورثه الأمير معاشًا كبيرًا مدى الحياة. قام أنتال وريث ميكلوس ، غير مبال بالموسيقى ، برفض الكنيسة. لكن تمنيًا أن يظل الملحن الشهير مديرًا للفرقة الموسيقية في المحكمة ، حتى أنه زاد المدفوعات النقدية إلى هايدن ، الذي أصبح بالتالي متحرراً من الواجبات الرسمية ويمكنه التصرف في نفسه تمامًا. انتقل هايدن إلى فيينا بهدف تأليف الموسيقى ، وفي البداية رفض عروضًا لزيارة بلدان أخرى. لكنه وافق بعد ذلك على عرض للقيام برحلة طويلة إلى إنجلترا وفي بداية عام 1791 وصل إلى لندن. وهكذا ، مع اقتراب عيد ميلاده الستين ، رأى هايدن البحر لأول مرة بأم عينيه ولأول مرة وجد نفسه في دولة أخرى. على عكس النمسا ، التي كانت لا تزال أرستقراطية إقطاعية في طرقها ، كانت إنجلترا لفترة طويلة بلدًا برجوازيًا ، وكانت الحياة الاجتماعية ، بما في ذلك الموسيقى ، في لندن مختلفة تمامًا عن فيينا. في لندن ، المدينة الشاسعة التي تضم العديد من المؤسسات الصناعية والتجارية ، سادت الحفلات الموسيقية ليس لأشخاص مختارين مدعوين إلى قصور وصالونات النبلاء ، ولكن تم تنظيمها في قاعات عامة ، حيث يأتي الجميع مقابل رسوم. كان اسم هايدن في إنجلترا محاطًا بهالة من المجد. كان كل من الموسيقيين المشهورين وكبار الشخصيات يعاملونه ليس فقط على قدم المساواة ، ولكن أيضًا باحترام خاص. أعماله الجديدة ، التي كان يؤدي في أدائها كقائد ، التقت بحماس وحصلت على أجور سخية. قاد هايدن أوركسترا كبيرة من 40-50 شخصًا ، أي ضعف حجم كنيسة إسترهازي. منحته جامعة أكسفورد درجة الدكتوراه الفخرية في الموسيقى. عاد هايدن إلى فيينا بعد عام ونصف. في الطريق زار مدينة بون الألمانية. هناك التقى أولاً بالشاب لودفيج فان بيتهوفن ، الذي سرعان ما انتقل إلى فيينا بنية الدراسة مع هايدن. لكن بيتهوفن لم يأخذ دروسًا منه لفترة طويلة. لم يجد عبقريان موسيقيان ، يختلفان كثيرًا في العمر والمزاج ، تفاهمًا متبادلًا حقيقيًا. ومع ذلك ، كرس بيتهوفن سوناتاته الثلاثة للبيانو (رقم 1-3) إلى هايدن أثناء النشر. بدأت رحلة هايدن الثانية إلى إنجلترا عام 1794 واستمرت أكثر من عام ونصف بقليل. كان النجاح منتصرا مرة أخرى. من أعمال كثيرة خلقت ؛ خلال هذه الرحلات وفيما يتعلق بها ، كانت الإثني عشر ما يسمى ب "لندن سيمفونيات" ذات أهمية خاصة. آخر سنوات الحياة والإبداع. كان الأمير التالي لإسترهازي ، ميكلوس الثاني ، مهتمًا بالموسيقى أكثر من سلفه. لذلك ، بدأ هايدن أحيانًا بالركض من فيينا إلى أيزنشتات وكتب عدة جماهير بأمر من الأمير. تم تنفيذ الأعمال الرئيسية للمؤلف الموسيقي في السنوات الأخيرة - اثنان من الخطابات الضخمة "خلق العالم" و "الفصول" - بنجاح كبير في فيينا (أحدهما في عام 1799 والآخر في عام 1801). تصوير الفوضى القديمة ، التي نشأ منها العالم بعد ذلك ، وخلق الأرض ، وولادة الحياة على الأرض وخلق الإنسان - هذا هو محتوى أول هذه الخطابات. تتكون الأجزاء الأربعة للخطابة الثانية ("الربيع" ، "الصيف" ، "الخريف" ، "الشتاء") من رسومات موسيقية جيدة الهدف للطبيعة الريفية وحياة الفلاحين. 26 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي بعد عام 1803 ، لم يؤلف هايدن أي شيء آخر. عاش حياته بهدوء ، محاطًا بالمجد والشرف. توفي هايدن في ربيع 1809 ، في ذروة الحروب النابليونية ، عندما دخل الفرنسيون فيينا. التشيلو وباس مزدوج. تتكون مجموعة آلات النفخ الخشبية من مزامير وأوبو وكلارينيت وباسون. تتكون مجموعة هايدن من الآلات النحاسية من الأبواق والأنابيب ، وقد استخدم فقط آلة الطبول من آلات الإيقاع وفقط في السيمفونية الثانية عشرة في لندن أضاف مثلثًا. والصنج والطبل. الأسئلة والمهام 1. من هم المؤلفون الثلاثة العظماء الذين يطلق عليهم كلاسيكيات فيينا الموسيقية؟ ما الذي يفسر مثل هذا التعريف؟ 2. أخبرنا عن الحياة الموسيقية في فيينا في القرن الثامن عشر. 3. تسمية الأنواع الموسيقية الرئيسية في عمل هايدن. 4. أين وكيف مرت طفولة هايدن وشبابه؟ 5. كيف بدأ هايدن رحلته المستقلة؟ 6 .. كيف سارت حياة هايدن وعمله أثناء خدمته في كنيسة الأمراء استرهازي؟ 7. أخبرنا عن رحلات هايدن إلى إنجلترا وعن سنوات حياته الأخيرة. الإبداع السمفوني عندما كتب هايدن سمفونيته الأولى في عام 1759 ، كان هناك بالفعل العديد من الأعمال في هذا النوع واستمر إنشاؤها. نشأوا في إيطاليا وألمانيا والنمسا ودول أوروبية أخرى. في منتصف القرن الثامن عشر ، على سبيل المثال ، اكتسبت السمفونيات التي تم تأليفها وعزفها في مدينة مانهايم الألمانية ، التي كانت تضم أفضل أوركسترا في ذلك الوقت ، شهرة عامة. من بين مؤلفي ما يسمى بـ "مدرسة مانهايم" كان هناك العديد من التشيكيين. أحد أسلاف السيمفونية هو مقدمة الأوبرا الإيطالية المكونة من ثلاثة أجزاء (بنسبة الأجزاء وفقًا للإيقاع: "سريع - بطيء - سريع".). في السمفونيات المبكرة ("ما قبل الكلاسيكية") ، كان الطريق إلى السيمفونية الكلاسيكية المستقبلية لا يزال ممهدًا ، وكانت السمات المميزة لها هي أهمية المحتوى المجازي وكمال الشكل. في هذا الطريق ، وصل هايدن إلى سمفونياته الناضجة في ثمانينيات القرن الثامن عشر. وفي الوقت نفسه ، ظهرت السمفونيات الناضجة لموتسارت التي لا تزال صغيرة جدًا ، وتقدمت بسرعة مذهلة إلى آفاق الإتقان الفني. ابتكر هايدن سيمفونيات لندن ، التي توجت إنجازاته في هذا النوع ، بعد وفاة موتسارت المفاجئة ، الأمر الذي صدمه بشدة. في سمفونيات هايدن الناضجة ، تم إنشاء التكوين النموذجي التالي لدورة الحركة الأربع: سوناتا أليجرو ، حركة بطيئة ، مينوت ونهاية (عادة في شكل روندو أو سوناتا أليجرو). في الوقت نفسه ، تم تحديد التكوين الكلاسيكي للأوركسترا من أربع مجموعات من الآلات في سماتها الرئيسية. المجموعة الرائدة - سلسلة. وتشمل الكمان ، الكمان ، هايدن لم يستخدم دائما الكلارينيت. حتى في حفلات لندن السيمفونية ، تظهر فقط في خمسة (من اثني عشر). 21 27 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي تُعرف هذه السيمفونية باسم "العسكرية". هناك أيضًا أسماء لبعض سيمفونيات هايدن الأخرى. في معظم الحالات ، لا يتم تقديمها من قبل الملحن نفسه ويضع علامة على تفاصيل واحدة فقط ، غالبًا ما تكون مصورة ، على سبيل المثال ، تقليد القرقعة في الجزء البطيء من السمفونية "الدجاجة" أو "التكتكة" - في الجزء البطيء من السيمفونية " ساعات". قصة خاصة مرتبطة بالسمفونية في F-sharp min ، والتي أطلق عليها اسم "Farewell". يحتوي على جزء خامس إضافي (بتعبير أدق ، Adagio من نوع كودا). أثناء أدائها ، قام أعضاء الأوركسترا ، واحدًا تلو الآخر ، بإطفاء الشموع على لوحات المفاتيح الخاصة بهم ، وأخذوا آلاتهم الموسيقية وغادروا. بقي اثنان فقط من عازفي الكمان ، يلعبان بهدوء وحزن آخر الحانات ويغادران أيضًا. هناك التفسير التالي لهذا. كما لو أنه مرة واحدة في الصيف ، أخر الأمير ميكلوس الأول الموسيقيين في مصليته في إسترهاز لفترة أطول من المعتاد. وأرادوا الحصول على إجازة في أقرب وقت ممكن لرؤية عائلاتهم التي تعيش في أيزنشتات. وكانت الخاتمة الثانية غير المعتادة لـ Farewell Symphony بمثابة تلميح لهذه الظروف. بالإضافة إلى السمفونيات ، لدى Haydn العديد من الأعمال الأخرى للأوركسترا ، بما في ذلك أكثر من مائة دقيقة فردية. وفجأة يتحول كل شيء بفرح: يبدأ عرض سوناتا أليجرو. بدلاً من الإيقاع البطيء - سريع (Allegro con Spirito - "سريع ، مع الحماس") ، بدلاً من توحيد صوت الجهير الثقيل - يولد الدافع الأول لموضوع الرقص المتنقل ، المبتهج معديًا ، للجزء الرئيسي من نفس أصوات G وشقة في سجل مرتفع. تبدأ جميع أشكال هذا الموضوع ، المذكورة في المفتاح الرئيسي ، بتكرار الصوت الأول - كما لو كان بدوس شديد: سيمفونية في E-flat major. هذه هي الحادية عشرة من "سمفونيات لندن" الاثني عشر لـ Haydn. مفتاحها الرئيسي هو E-flat major. تُعرف باسم "سمفونية تيمباني تريمولو" 22. تتكون السيمفونية من أربع حركات. يبدأ الجزء الأول بمقدمة بطيئة. صوت الاهتزاز ("الكسر") لجهاز التيمباني الذي يتم ضبطه وفقًا للمنشط يصدر صوتًا رقيقًا. إنه مثل لفة رعد بعيدة. ثم يتكشف موضوع المقدمة في "حواف" عريضة سلسة. أولاً ، يتم عزفها في انسجام أوكتاف بواسطة التشيلو والباسون والباسون. يبدو كما لو أن بعض الظلال الغامضة تطفو بهدوء وتتوقف أحيانًا. هنا يترددون ويتجمدون: في القياسات الأخيرة للمقدمة ، تتناوب حالات الانسلاخ عدة مرات على الأصوات المجاورة G و A-flat ، مما يجبر الأذن على التوقع - ماذا سيحدث بعد ذلك؟ يتكرر الموضوع مرتين بواسطة آلات البيانو الوترية ، ويكملها هدير جامح من المرح الراقص ، وقوة السبر في الأوركسترا بأكملها. يمر هذا الدمدمة بسرعة ، ويظهر تلميح من الغموض مرة أخرى في الجزء المتصل. الاستقرار اللوني معطل. يوجد تعديل في B-flat major (المهيمن على E-flat major) - مفتاح الجزء الجانبي. لا يوجد موضوع جديد في الجزء المتصل ، ولكن الدافع الأصلي لموضوع Timpani مسموع - نصفي الكرة الأرضية مع الجلد الممتد فوقهما ، والتي يتم ضربها بعصي. يمكن لكل نصف كرة أن ينتج صوتًا واحدًا فقط. عادة ما تستخدم السمفونيات الكلاسيكية نصفي الكرة المضبوطة على أنها منشط ومسيطر. 22 28 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي من الجزء الرئيسي وتذكير بعيد بموضوع المقدمة: ينتهي العرض بتأكيد مفتاح الجزء الجانبي (B-flat major). يتكرر العرض ، ويتبعه التطوير. إنه مشبع بتقليد متعدد الألحان والتطور اللوني التوافقي للزخارف المعزولة عن موضوع الجزء الرئيسي. يظهر موضوع اللعبة الجانبية في نهاية التطوير. يتم إجراؤه بالكامل في مفتاح D-flat major ، بعيدًا عن المفتاح الرئيسي ، أي أنه يبدو ، كما كان ، في ضوء جديد غير عادي. ويوم واحد (بعد توقف عام مع فيرماتا) تظهر أيضًا نغمات الموضوع الغامض للمقدمة في الجهير. يبدو التطوير في الغالب البيانو والبيانيسيمو ، وفقط في بعض الأحيان - forte و fortissimo مع لهجات sforzando منفصلة. هذا يعزز الانطباع بالغموض. في بعض الأحيان تشبه الزخارف من موضوع الحفلة الرئيسية في تطورها رقصة رائعة. يمكن للمرء أن يتخيل أن هذه رقصة لبعض الأضواء الغامضة ، تومض أحيانًا بشكل ساطع. في التكرار في مفتاح E-flat major ، لا يتم تكرار الجزء الرئيسي فحسب ، بل أيضًا الجزء الجانبي ، ويتم تخطي الموثق. يظهر بعض الغموض في الكود. يبدأ ، مثل المقدمة ، بإيقاع Adagio ، واهتزاز timpani الهادئ وحركات الانسجام البطيئة. ولكن بعد فترة وجيزة ، في نهاية الجزء الأول ، تعود الإيقاع السريع والرنين الصاخب والرقص المبتهج "الدوس". الجزء الثاني من السمفونية - Andante - هو تباين في موضوعين - أغنية في C الثانوية وأغنية مسيرة في C الكبرى. يتم إنشاء ما يسمى بالتغيرات المزدوجة على النحو التالي: يتم تحديد الموضوعين الأول والثاني ، ثم يتبع: الشكل الأول للموضوع الأول ، والاختلاف الأول للموضوع الثاني ، والاختلاف الثاني للموضوع الأول ، والثاني الاختلاف في الموضوع الثاني والرمز ، بناءً على مادة الموضوع الثاني. حتى يومنا هذا ، يتجادل الباحثون حول جنسية الموضوع الأول. يعتقد الموسيقيون الكروات أن هذه أغنية فولكلورية كرواتية من حيث خصائصها ، بينما يعتقد الموسيقيون المجريون أنها أغنية مجرية. يجد الصرب والبلغار والبولنديون أيضًا سماتهم الوطنية فيه. لا يمكن حل هذا الخلاف على وجه اليقين ، لأن تسجيلات مثل هذا الجزء الجانبي هي مرة أخرى رقصة مبهجة. ولكن بالمقارنة مع الحزب الرئيسي ، فهي ليست نشطة للغاية ، ولكنها أكثر رشاقة وأنثوية. اللحن يبدو على الكمان مع المزمار. مرافقة الفالس النموذجية تجعل هذا الموضوع أقرب إلى المسبار - رقصة نمساوية وألمانية جنوبية ، أحد أسلاف الفالس: 29 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي للحن القديم ولم يتم العثور على كلماته. على ما يبدو ، اندمجت فيه ميزات العديد من الألحان السلافية والمجرية ؛ هذا ، على وجه الخصوص ، هو تحرك غريب للثانية الإضافية (E-flat - fadiez): تنويعات الموضوع الثاني تستأنف مداس المسيرة البطولية ، المزينة بمقاطع مبدعة - نعمة الفلوت. وفي رمز كبير ، تحدث تحولات غير متوقعة في تطوير "الأحداث الموسيقية". أولاً ، يتحول موضوع المسيرة إلى صوت لطيف وشفاف. ثم يتطور بشكل مكثف شكل معزول عنه بإيقاع منقط. يؤدي هذا إلى الظهور المفاجئ لنغمة E-flat الرئيسية ، وبعد ذلك يبدو المقطع الأخير لموضوع المسيرة مشرقًا ورسميًا بلغة C الكبرى. الجزء الثالث من السمفونية - Minuet - يجمع في الأصل المشية الكريمة لرقصة المجتمع الراقي مع قفزات واسعة متقلبة وتزامن في اللحن: ترنيمة وثانية ، مسيرة رئيسية. على النقيض من الأول ، فإنه في نفس الوقت لديه بعض التقارب معها - إيقاع رابع ، اتجاه تصاعدي ثم تنازلي للحن وخطوة رابعة مرتفعة (fadiez): يتم إطلاق هذا الموضوع غريب الأطوار بحركة سلسة وهادئة في الثلاثي - القسم الأوسط من Minuet ، الواقع بين القسم الأول وتكرارها الدقيق 23: عرض الموضوع الأول بواسطة آلات وترية البيانو والبيانيسيمو يشبه السرد الممتع ، مثل بداية قصة عن بعض الأحداث غير العادية. قد يتم تقديم أولهما مع عرض تقديمي مرتفع فجأة للموضوع الثاني ، مسيرة ، حيث يتم إضافة آلات الرياح إلى مجموعة الأوتار. يتم الاحتفاظ بنبرة السرد في الشكل الأول للموضوع الأول. لكن أصداء حزينة وحذرة تنضم إلى صوتها. في الشكل الأول للموضوع الثاني ، يقوم الكمان المنفرد بتلوين اللحن بمقاطع منقوشة غريبة الأطوار. في الشكل الثاني للموضوع الأول ، يتخذ السرد فجأة طابعًا هائجًا وعاصفًا (تُستخدم جميع الأدوات ، بما في ذلك التيمباني). في الجزء الثاني ، يتناقض Minuet (أو بالأحرى ، أقسامه الغريبة للغاية من حيث شخصيتهم) مع الموضوعات الشعبية واليومية ، من ناحية ، الجزأين الأول والثاني من السيمفونية ، ومن ناحية أخرى ، الأخير ، الجزء الرابع - النهاية. هنا ، كما ينبغي أن يكون في سوناتا أليغرو الكلاسيكية ، في العرض ، يتم تقديم الجزء الرئيسي في المفتاح الرئيسي لـ E-flat major ، والجزء الجانبي في المفتاح المهيمن لـ B-flat major ، وفي تكرار كل من صوتهم في E- شقة الكبرى. ومع ذلك ، في الجزء الجانبي ، لفترة طويلة ، كان يتم تنفيذ القسم الأوسط من الأعمال الأوركسترالية عادةً بواسطة ثلاثة أدوات. هذا هو المكان الذي يأتي منه اسم "الثلاثي". 23 30 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن في روسيا هو موضوع جديد تمامًا. إنه مبني على مادة موضوع الحزب الرئيسي. مشتق من الكلمة الفرنسية "ronde" ، والتي تعني "دائرة" أو "رقصة مستديرة". الأسئلة والمهام 1. متى أتى هايدن وموتسارت ليؤلفا سمفونياتهما الناضجة؟ 2. ما الأجزاء التي تتكون منها سمفونية هايدن عادة؟ قم بتسمية مجموعات الآلات الموسيقية في أوركسترا هايدن. 3. ما هي عناوين سمفونيات هايدن التي تعرفها؟ 4. لماذا سمفونية هايدن في E-flat الرئيسية تسمى "بالاهتزاز أو الثور"؟ ما هو القسم الذي تبدأ به؟ 5. وصف الموضوعات الرئيسية لشكل السوناتة في الحركة الأولى لهذه السيمفونية. 6. في أي شكل وعلى أي مواضيع كتب الجزء الثاني من السمفونية؟ 7. وصف أهم محاور وأقسام الجزء الثالث. 8. ما هي خصوصية الارتباط بين مواضيع الأجزاء الرئيسية والجانبية في الخاتمة؟ ما هي العلاقة بين طابع الموسيقى في الحركة الأولى للسمفونية وفي ختامها؟ وهكذا ، اتضح أن النهاية بأكملها تستند إلى موضوع واحد. الملحن ، كما لو كان في لعبة معقدة ، إما يستأنف الموضوع بالكامل ، أو يجمع بمهارة بين المتغيرات والعناصر الفردية. وهي مثيرة للاهتمام في حد ذاتها. بعد كل شيء ، يظهر الأساس التوافقي فيه أولاً - ما يسمى بـ "الحركة الذهبية" للقرنين - وهي إشارة نموذجية لقرون الصيد. وعندها فقط يتم فرض لحن رقص ، قريب من الأغاني الشعبية الكرواتية ، على هذا الأساس. يبدأ بـ "الدوس" على صوت واحد ، وفي المستقبل يتكرر هذا الدافع عدة مرات ، ويتم تقليده ، والانتقال من صوت إلى آخر. هذا يذكرنا بالفكرة الافتتاحية للموضوع الرئيسي للحركة الأولى وكيف تم تطويرها هناك. بالإضافة إلى ذلك ، أشار الملحن إلى نفس الإيقاع في النهائي - Allegro con Spirito. وهكذا ، في النهاية ، يسود عنصر الرقص الشعبي المبهج أخيرًا. ولكن هنا لها طابع خاص - فهي تبدو وكأنها رقصة مستديرة معقدة ، وهي رقصة جماعية يتم فيها الجمع بين الرقص والأغنية وحركة الألعاب. يتم تأكيد ذلك أيضًا من خلال حقيقة أن الجزء الرئيسي في العرض يتكرر في المفتاح الرئيسي مرتين إضافيتين - بعد حلقة انتقالية صغيرة وبعد جزء جانبي. وهذا يعني ، على ما يبدو ، استئناف القيام بحركة في دائرة. وهذا يقدم ميزات شكل الروندو في شكل السوناتا. كلمة "روندو" ذاتها ، كما ذكرنا سابقًا ، إبداع كلافيير عندما ابتكر هايدن أعماله الكلافية ، استبدل البيانو تدريجيًا كلمة هاربسيكورد وكلافيكورد من الممارسة الموسيقية. كتب هايدن مؤلفاته المبكرة لأدوات لوحة المفاتيح القديمة هذه ، وفي الإصدارات اللاحقة بدأ يشير إلى "لحن القيثارة أو البيانو" ، وأخيراً في بعض الأحيان فقط "للبيانو". من بين أعماله clavier ، ينتمي المكان الأكثر أهمية إلى السوناتات المنفردة. في السابق ، كان يُعتقد أن هايدن كان لديه 52 فقط ، ولكن بعد ذلك ، وبفضل بحث الباحثين ، ارتفع هذا العدد إلى 62. وأشهرهم سوناتات في D الكبرى و E مينور 24. Sonata in D Major موضوع الجزء الرئيسي ، الذي يبدأ الجزء الأول من هذه السوناتا ، هو رقصة تتناثر بالفرح والبهجة مع قفزات أوكتاف مؤذية صبيانية ، ونغمات ترحيبية ، ونغمات وتكرار للأصوات. يمكن أيضًا تخيل مثل هذه الموسيقى على أنها تُعزف في أوبريبوفا: في الإصدارات السابقة ، طُبعت هذه السوناتات على أنها "رقم 37" و "رقم 34" ، وفي الإصدارات اللاحقة باسم "رقم 50" و "رقم 53" . 24 31 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي ولكن بعد ذلك القفزات المؤذية من الجزء الرئيسي تتغلغل في تطوير موضوع الجزء الجانبي ، ثم - حركة المرور من الجزء المتصل. يصبح الأمر أكثر توتراً ، وكاسحًا ، ويهدأ بسرعة فجأة - كما لو كان ذلك من خلال قرار فوري. بعد ذلك ، ينتهي العرض بحفل أخير يرقص بلا مبالاة. مرة أخرى ، هناك الكثير من الجلبة الحيوية في التنمية. هنا يقفز الأوكتاف من موضوع الجزء الرئيسي ، متحركًا إلى اليد اليسرى ، ويصبح أكثر ضررًا ، وتصل حركة المرور إلى توتر أكبر ونطاق أوسع مما كانت عليه في تطوير موضوع الجزء الثانوي في المعرض. في التكرار ، يؤسس صوت الأجزاء الجانبية والأخيرة في المفتاح الرئيسي (D major) بقوة هيمنة الحالة المزاجية المبهجة. يتم تقديم التباين الأقوى في السوناتا من خلال الحركة الثانية القصيرة ، والتي تكون بطيئة ومنضبطة في طبيعتها. هو مكتوب بالمفتاح الذي يحمل نفس الاسم في D الصغرى. يُسمع صوت السراباندي الثقيل في الموسيقى - وهي رقصة قديمة ، غالبًا ما تأخذ طابع موكب الجنازة. وفي التعجب اللحن المعبّر الذي يحتوي على ثلاثة توائم وشخصيات إيقاعية منقّطة ، يوجد تشابه مع الألحان الحزينة للغجر المجريين: تملأ المقاطع المبهجة والمبهجة من السادس عشر الجزء الرابط. وموضوع الجزء الجانبي (في مفتاح A الرئيسي) هو أيضًا قابل للرقص ، فقط أكثر تقييدًا وأنيقًا: 32 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي Sonata في E Minor. لقد استعد لذلك بجدية ، لكنه لم يتمكن بعد ذلك من تنفيذها بسبب واجباته الرسمية في كنيسة إسترهازي. من الممكن أن تكون أحلام رحلة "ما وراء البحار" البعيدة والتجارب المرتبطة بها قد انعكست في سوناتا E الصغرى التي نشأت في ذلك الوقت. هذا هو الوحيد من عدد قليل من سوناتات هايدن حيث يتم الجمع في الحركة الأولى شخصية غنائية واضحة مع وتيرة سريعة جدا. إن موضوع الجزء الرئيسي من هذه الحركة ، الذي تبدأ به السوناتة ، غريب أيضًا: لكن في فن هايدن المتفائل ، يتم دائمًا التغلب على الصور القاتمة للموت من خلال الصور المشرقة للحياة. والجزء الثاني الصغرى D من هذه السوناتا ، الذي لا ينتهي على المنشط ، ولكن على الوتر المهيمن ، يمر مباشرة على النهاية الرئيسية المتهورة D 25. النهاية مبنية على شكل روندو ، حيث الموضوع الرئيسي - لازمة (في المفتاح الرئيسي لـ D الكبرى) - يتكرر ثلاث مرات ، وبين تكراره هناك أقسام متغيرة - حلقات: الحلقة الأولى في D الثانوية ، والثانية - في G الكبرى. هنا ، فقط في الحلقة الأولى ، في الحلقة الصغيرة D ، تفلت ذكريات حزينة - صدى للجزء الأوسط. الحلقة الثانية ، في G major ، هي بالفعل مبهجة بلا مبالاة وتؤدي إلى "نداء" كوميدي لليدين اليمنى واليسرى على نفس النوتة الموسيقية. والموضوع الرئيسي للطيران والرقص في الخاتمة (refrain rondo) هو أحد أكثر العبارات المبهجة لدى Haydn: تتكون العبارات الافتتاحية للموضوع هنا من مزيج من عنصرين. في الجهير ، في اليد اليسرى ، يتحرك البيانو على ثالوث منشط بسيط - مثل المكالمات للاندفاع في مكان ما بعيدًا. وهناك في اليد اليمنى يتبع الارتعاش ، كما لو كان متشككًا ، ومتذبذب الدوافع - الإجابات. الحركة العامة للموضوع ناعمة ، متموجة ، متأرجحة. بالإضافة إلى ذلك ، حجم الحركة الأولى - 6/8 - نموذجي لنوع الباركارول - "الأغاني على الماء" 26. في جزء الربط ، يوجد تعديل في G الكبرى الموازية لـ E الثانوية - مفتاح الجانب والأجزاء النهائية. الأجزاء المتصلة والأخيرة ، المليئة بالممرات المتنقلة من السادس عشر ، تؤطر الجزء الجانبي - خفيف ، حالمة. يشار إلى هذا بالكلمات الإيطالية "attacca subito il Finale" ، والتي تعني "البدء في النهاية على الفور". في البداية ، كانت تسمى أغاني عربات الجندول الفينيسية barcarolles. يأتي اسم هذا النوع من الكلمة الإيطالية "barca" - "القارب". 25 26 33 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن في روسيا كما لو كان مرتفعًا: الطبيعة ، مع أصوات الإشارات ، كما لو كانت تدعو إلى رحلة العودة ، بدا أن القلب يبدأ في قلق بهيج! وهنا ، بعد انتقال الوتر ، يظهر الموضوع الرئيسي للحركة الثالثة (النهاية). هذه هي لازمة صيغة rondo التي كُتبت بها النهاية. يبدو وكأنه أغنية مصاحبة ملهمة تساعد على الاندفاع "بأقصى سرعة" إلى أراضيهم الأصلية: إذن ، مخطط شكل روندو ، في النهاية ، هو كما يلي: لازمة (E طفيفة) ، الحلقة الأولى (E major) ، الامتناع (E الصغرى) ، الحلقة الثانية (E الكبرى) ، الامتناع (E الصغرى). كلتا الحلقتين متصلتان باللازمة ومع بعضهما البعض من خلال التقارب اللحني. عندما تبدو الأجزاء الرابطة والثانوية والنهائية ، يرسم الخيال صورًا مغرية - كيف تهب رياح عادلة بحرية ، وكيف يتم دفع الحركة السريعة بسرور إلى الأمام. علاوة على ذلك ، في التطوير ، المبني على مادة الأجزاء الرئيسية والتوصيلية والنهائية ، تسود الانحرافات في المفاتيح الثانوية. بشكل عام ، هذا ليس نغمة رئيسية ، ولكن ثانوية ، الأجزاء الثانوية والأخيرة التي أصبحت أكثر اتساعًا في النسخ. ومع ذلك ، يتم التغلب أخيرًا على الحزن والشكوك الروحية بالسعي إلى المسافة المجهولة. هذا هو معنى الأشرطة الأخيرة للحركة الأولى ، حيث تتكرر بشكل ملحوظ البداية الجذابة لموضوع الحزب الرئيسي. الجزء الثاني من السوناتا ، البطيء ، بلغة G الكبرى ، هو نوع من النغم الآلي ، مشبع بمزاج تأملي خفيف. ألوانها الفاتحة مليئة بأصداء الطيور وهي تزقزق وتدفقات الغمغمة: أسئلة ومهام 1. قم بتسمية النوع الرئيسي لموسيقى هايدن clavier. كم عدد سوناتاته المعروفة؟ 2. وصف الأقسام الرئيسية للحركة الأولى للسوناتا في د الكبرى. هل يوجد اتصال في هذا الجزء بين الأجزاء الرئيسية والجانبية؟ 3. ما هو التباين الذي تجلبه الحركة الثانية للسوناتا في D الكبرى للموسيقى؟ ما علاقتها بالنهاية؟ 4. حدثنا عن ملامح هيكل وطبيعة الموضوع الرئيسي للجزء الأول من السوناتة في E الصغرى. تنضج وتميز باقي مواضيع وأقسام هذا الجزء. 5. ما هي صفة الحركة الثانية للسوناتا في E الصغرى؟ 6. حدثنا عن شكل خاتمة السوناتة في E الصغرى وطبيعة موضوعها الرئيسي. الأعمال الرئيسية أكثر من 100 سيمفونية (104) سلسلة من الحفلات الموسيقية لمختلف الآلات والأوركسترا أكثر من 80 رباعيات (للكمان والفيولا والتشيلو) (83) 62 كلافير سوناتا إنشاء وفصول 24 أوبرا.ترتيبات الأغاني الاسكتلندية والأيرلندية ومع ذلك ، لا يهم ما مدى روعة الراحة الهادئة في مكان ما بعيدًا ، في حضن 34 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي المكتوب في العديد من الأنواع - سمفونياته ، وحفلاته الموسيقية الموسيقية ، ومجموعات الحجرة المختلفة ، وسوناتات البيانو ، ومقدّاس للجوقة ، عازفون منفردون وأوركسترا. موهبة موتسارت المبكرة والمتطورة بشكل غير عادي والتي نشأت حول اسمه ؛ هالة "المعجزة الموسيقية" الأسطورية. سمة مشرقة تم تقديمه كفنان مستوحى من A. S. Pushkin في مسرحية ("مأساة صغيرة") "Mozart and Salieri". بناءً عليه ، تمت كتابة الأوبرا التي تحمل الاسم نفسه لـ N. A. I. Tchaikovsky 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 عائلة مسار الحياة. الطفولة المبكرة. مسقط رأس فولفجانج أماديوس موتسارت ، المولود في يناير 1756 ، هي مدينة سالزبورغ النمساوية. تنتشر بشكل رائع على ضفاف التلال لنهر سالزاخ السريع ، الذي وضع مجراه في سفوح جبال الألب الشرقية. كانت سالزبورغ عاصمة لإمارة صغيرة ، كان لحاكمها الكرامة الروحية لرئيس أساقفة. خدم والد فولفغانغ أماديوس ، ليوبولد موزارت ، في الكنيسة الصغيرة الخاصة به. كان موسيقيًا جادًا ومتعلمًا - مؤلفًا غزيرًا وعازف كمان وعازف أرغن ومعلمًا. ووزعت "مدرسة عزف الكمان" التي نشرها في عدة دول من بينها روسيا. من بين أطفال ليوبولد السبعة وزوجته آنا ماريا ، نجا اثنان فقط - الابن الأصغر فولفغانغ أماديوس وابنته ماريا آنا (نانيرل) ، التي كانت أكبر منه! أخ لمدة أربع سنوات ونصف. عندما بدأ والده في تعليم نانيرل ، الذي كان يتمتع بقدرات ممتازة ، العزف على القيثارة ، سرعان ما بدأ في الدراسة مع وولفغانغ البالغ من العمر ثلاث سنوات ، ولاحظ أذنه الرائعة وذاكرته الموسيقية المذهلة ، لمدة أربع سنوات كان الصبي قد حاول بالفعل يؤلف الموسيقى ، وقد سجل والده مقطوعاته الموسيقية القيثارية الباقية عندما كان المؤلف يبلغ من العمر خمس سنوات فقط. هناك قصة حول كيف حاول وولفجانج البالغ من العمر أربع سنوات تأليف كونشيرتو كلافير. سويًا بالقلم ، غمس أصابعه في المحبرة ووضع بقعًا على ورق الموسيقى. ليس عندما أطل والدي على هذا التسجيل الطفولي ، من خلال البقع اكتشف فيه معنى موسيقي بلا شك. عاش الملحن النمساوي فولفجانج أماديوس موتسارت ، أحد أعظم عباقرة الموسيقى ، في الخامسة والثلاثين من عمره فقط. من بين هؤلاء ، قام بتأليف الموسيقى لمدة ثلاثين عامًا ، وترك إرثًا لأكثر من 600 عمل ، وقدم مساهمة لا تقدر بثمن في الصندوق الذهبي للفن العالمي. تم تقديم التقييم الأكثر إخلاصًا والأعلى لموهبة موتسارت الإبداعية خلال حياته من قبل المعاصر الأكبر جوزيف هايدن. قال ذات مرة لوالد فولفغانغ أماديوس: "... ابنك هو أعظم ملحن أعرفه شخصيًا وبالاسم ؛ لديه ذوق ، وإلى جانب ذلك ، أعظم معرفة في التكوين. تشترك موسيقى هايدن وموزارت ، المسماة كلاسيكيات فيينا ، في تصور متفائل نشط وفعال للعالم ، مزيج من البساطة والطبيعية في التعبير عن المشاعر بسموها الشعري وعمقها. في الوقت نفسه ، هناك فرق كبير بين اهتماماتهم الفنية. هايدن هو أقرب إلى الصور الشعبية اليومية والغنائية الملحمية ، وإلى موتسارت - في الواقع الصور الغنائية والدرامية. فن موزارت آسر بشكل خاص بحساسيته للتجارب العاطفية للشخص ، فضلاً عن الدقة والحيوية في تجسيد الشخصيات البشرية المختلفة. هذا جعله ملحن أوبرا رائعًا. حققت أوبراه ، وقبل كل شيء زواج فيجارو ودون جيوفاني و The Magic Flute ، نجاحًا غير متغير في القرن الثالث ، حيث عُرضت على مراحل جميع المسارح الموسيقية. احتلت أعمال موتسارت أحد أكثر الأماكن شهرة في قائمة الحفلات الموسيقية العالمية ، فالنسخة التي سمم ساليري موتسارت بدافع الحسد ليست سوى أسطورة. قام تشايكوفسكي بتنسيق أربع مقطوعات بيانو لموزارت وقام بتأليف مجموعة موزارتيانا منها. 27 28 35 www.classON.ru سيقوم تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي بأداء كونشيرتو الكمان ... العزف على لوحة المفاتيح المغطاة بمنديل كما لو كانت أمام عينيه ، ثم من مسافة سوف يسمي الجميع الأصوات التي يتم التقاطها واحدًا تلو الآخر أو في الحبال على كلافير أو أي أداة أخرى أو إصدارها بواسطة أشياء - جرس أو زجاج أو ساعة. في النهاية ، سوف يرتجل ليس فقط على القيثارة ، ولكن أيضًا على الأرغن طالما يريد الجمهور ، وفي أي مفاتيح ، حتى الأصعب ، التي يسمونها ... "رحلات الحفل الأولى. قرر ليوبولد موزارت البدء في القيام برحلات موسيقية إلى مراكز الموسيقى الكبرى مع أطفاله الموهوبين. تمت الرحلة الأولى - إلى مدينة ميونيخ الألمانية - في بداية عام 1762 ، عندما كان ولفجانج بالكاد يبلغ من العمر ست سنوات. بعد ستة أشهر ، ذهبت عائلة موتسارت إلى فيينا. هناك ، قدم وولفجانج ونانيرل عرضًا في البلاط الإمبراطوري ، وحققوا نجاحًا باهرًا ، وأمطروا بالهدايا. في صيف عام 1763 قام موتسارت برحلة رائعة إلى باريس ولندن. لكنهم قاموا أولاً بزيارة عدد من المدن الألمانية ، وفي طريق العودة - مرة أخرى في باريس ، وكذلك في أمستردام ولاهاي وجنيف والعديد من المدن الأخرى. أثارت عروض موتسارت الصغار ، وخاصة وولفغانغ ، الدهشة والإعجاب في كل مكان ، حتى في أروع البلاطات الملكية. وفقًا للعرف السائد في تلك الأوقات ، ظهر وولفجانج أمام جمهور نبيل ببدلة سوداء مطرزة وشعر مستعار ، لكنه في الوقت نفسه تصرف بطريقة طفولية بحتة ، يمكنه ، على سبيل المثال ، القفز على ركبتيه إلى الإمبراطورة . كانت الحفلات التي استمرت 4-5 ساعات متتالية متعبة للغاية بالنسبة للموسيقيين الصغار ، وتحولت بالنسبة للجمهور إلى نوع من الترفيه. إليكم ما قيل في أحد الإعلانات: "... فتاة في السنة الثانية عشرة وصبي في السنة السابعة يعزفان على كونشيرتو القيثارة. .. بالإضافة إلى ذلك ، صبي 36 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي استمرت الجولة الموسيقية لأكثر من ثلاث سنوات وجلبت ولفجانج العديد من التجارب المختلفة. سمع عددًا كبيرًا من الأعمال الموسيقية والصوتية ، والتقى ببعض الموسيقيين البارزين (في لندن - مع الابن الأصغر ليوهان سيباستيان باخ ، يوهان كريستيان). بين العروض ، درس ولفجانج التكوين بحماس. في باريس ، أربعة من سوناتاته للكمان والهاربسيكورد خرجت من الطباعة ، مما يشير إلى أن هذه كانت من أعمال صبي يبلغ من العمر سبع سنوات. في لندن ، كتب سمفونياته الأولى. العودة إلى سالزبورغ والبقاء في فيينا. أول أوبرا. في نهاية عام 1766 ، عادت العائلة بأكملها إلى سالزبورغ. بدأ ولفجانج في الانخراط بشكل منهجي في أسلوب التأليف بتوجيه من والده. قضى موتسارت عام 1768 بأكمله في فيينا. بموجب عقد مع المسرح ، كتب ولفجانج البالغ من العمر اثني عشر عامًا ، متبعًا عارضات الأزياء الإيطاليين ، أوبرا الجاموس The Imaginary Simple Girl في ثلاثة أشهر. بدأت التدريبات ، ولكن بدأ تأجيل العرض ثم تم إلغاؤه بالكامل (ربما بسبب مكائد الحسد). تم عقده في العام المقبل فقط في سالزبورغ. في فيينا ، قام ولفجانج أيضًا بتأليف العديد من المقطوعات الموسيقية الأخرى ، بما في ذلك خمس سيمفونيات ، وأقام بنجاح قداسه الاحتفالي في تكريس كنيسة جديدة. رحلات الى ايطاليا. من نهاية عام 1769 إلى بداية عام 1773 ، قام فولفجانج أماديوس بثلاث رحلات طويلة حول إيطاليا مع والده. في "أرض الموسيقى" هذه ، أدى الشاب موتسارت نجاحًا كبيرًا في أكثر من اثنتي عشرة مدينة ، بما في ذلك روما ونابولي وميلانو وفلورنسا. قاد سيمفونياته ، وعزف على القيثارة ، والكمان ، والأورغن ، والسونات المرتجلة والفوجية في موضوعات معينة ، والألحان على نصوص معينة ، وعزف بشكل ممتاز الأعمال الصعبة من الأنظار وكررها في مفاتيح أخرى. زار بولونيا مرتين ، حيث أخذ لبعض الوقت دروسًا من المعلم الشهير - المنظر والملحن بادري مارتيني. بعد أن اجتاز الاختبار الصعب ببراعة (بعد أن كتب تركيبًا متعدد الألحان باستخدام تقنيات متعددة الألحان المعقدة) ، تم انتخاب موزارت البالغ من العمر أربعة عشر عامًا كعضو في أكاديمية بولونيا للأوركسترا كإستثناء خاص. ووفقًا للميثاق ، لم يُسمح إلا للموسيقيين الذين بلغوا العشرين من العمر ولديهم خبرة في الإقامة الأولية في هذه المؤسسة الرسمية. في روما ، أثناء زيارة كنيسة سيستين في الفاتيكان (الإقامة البابوية) 29 ، سمع موتسارت ذات مرة تكوينًا روحيًا متعدد الألحان لجورتين من تأليف المؤلف الموسيقي الإيطالي في القرن السابع عشر جريجوريو أليجري. اعتبر هذا العمل ملكًا للبابا ولم يُسمح بنسخه أو توزيعه. لكن موتسارت دون النتيجة الكورالية المعقدة بالكامل من الذاكرة ، وأكد الراهب البابوي دقة التسجيل. إيطاليا - بلد عظيم ليس فقط للموسيقى ، ولكن أيضًا للفنون الجميلة والهندسة المعمارية - أعطت موتسارت وفرة من الانطباعات الفنية. كان مفتونًا بشكل خاص بزيارة دور الأوبرا. أتقن الشاب أسلوب الأوبرا الإيطالي لدرجة أنه كتب ثلاث أوبرات في وقت قصير ، والتي تم تنظيمها بعد ذلك بنجاح كبير في ميلانو. هاتان سلسلتا أوبرا - "ميثريدس ، ملك بونتوس" و "لوسيوس سولا" - وأوبرا رعوية عن الحبكة الأسطورية "أسكانيو في ألبا" 30. رحلات إلى فيينا وميونيخ ومانهايم وباريس. على الرغم من النجاح الإبداعي الرائع والحفل الموسيقي ، فشل Wolfgang Amadeus في الحصول على خدمة في بلاط أي من حكام الولايات الإيطالية. اضطررت للعودة إلى سالزبورغ. هنا ، بدلاً من رئيس الأساقفة المتوفى ، ساد حاكم جديد أكثر استبدادًا ووقاحة. أصبح من الصعب على موتسارت ، الذين كانوا في خدمته ، الحصول على إجازة لرحلات جديدة. ودار الأوبرا ، التي كان موتسارت يتطلع إلى تأليفها ، لم تكن متاحة في سالزبورغ ، وكانت الفرص الأخرى للنشاط الموسيقي محدودة. لم تكن رحلة الموسيقيين إلى فيينا ممكنة إلا بفضل حقيقة أن رئيس أساقفة سالزبورغ نفسه كان يرغب في زيارة عاصمة النمسا. على مضض ، أعطى الإذن لموتسارت بالسفر إلى ؛ ميونيخ ، حيث تم تنظيم أوبرا بافا جديدة للملحن الشاب. وللرحلة التالية ، تمكن Wolfgang Amadeus فقط من الحصول على إذن بصعوبة كبيرة. أُجبر والده على البقاء في سالزبورغ ، وذهبت والدته لمرافقة ابنه. كانت المحطة الأولى الطويلة في مدينة مانهايم الألمانية. هنا استقبل فولفغانغ أماديوس وآنا ماريا ترحيبا حارا في منزله من قبل أحد قادة الأوركسترا السيمفونية المشهورة آنذاك ، ممثل مدرسة مانهايم للملحن ما قبل الكلاسيكية. في مانهايم ، ألحان موتسارت فنانون إيطاليون ، من بينهم مايكل أنجلو. 30 مملكة بونتوس هي دولة قديمة تقع على البحر الأسود ، وخاصة الساحل التركي الحالي ("Pont Euxinus" ، أي "البحر المضياف" ، الاسم اليوناني القديم للبحر الأسود). لوسيوس سولا شخصية عسكرية وسياسية يونانية قديمة. الرعوية (مأخوذة من الكلمة الإيطالية "راعي" - "راعي") هي عمل بمؤامرة تمثّل الحياة في حضن الطبيعة. كنيسة سيستين - الكنيسة الرئيسية للباباوات في الفاتيكان ؛ تم بناؤه في القرن الخامس عشر في عهد البابا سيكستوس الرابع. تم طلاء جدران وسقف الكنيسة بألوان رائعة 29 37 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي عدد من الأعمال ، معظمها مفيدة ، تتميز بالأسلوب الموسيقي الناضج بالفعل. ولكن لم يكن هناك وظيفة شاغرة دائمة هنا أيضًا لـ Wolfgang Amadeus. في ربيع عام 1778 ، وصل موتسارت ووالدته إلى باريس. ومع ذلك ، فإن الآمال في الحصول على اعتراف حقيقي هناك وتولي منصب بارز لم تتحقق. في العاصمة الفرنسية ، تم بالفعل نسيان الطفل المعجزة ، هذه اللعبة التي تبدو حية ، وفشلوا في التعرف على الموهبة المزدهرة للموسيقي الشاب. لم يكن موتسارت محظوظًا سواء في تنظيم الحفلات الموسيقية أو بتلقي أمر أوبرا. كان يعيش على أرباح بائسة من الدروس ، بالنسبة للمسرح لم يكن بإمكانه سوى كتابة الموسيقى لباليه صغير "Trinkets". ظهرت أعمال رائعة جديدة من تحت قلمه ، لكنها لم تجذب الانتباه الجاد لأنفسهم بعد ذلك. وفي صيف وولفغانغ أماديوس عانى حزنًا شديدًا: مرضت والدته وتوفيت. في أوائل العام المقبل ، عاد موزارت إلى سالزبورغ. أوبرا إيدومينو. قطع مع رئيس الأساقفة والانتقال إلى فيينا. كانت أهم الأحداث في السنوات القادمة لموتسارت هي إنشاء وعرض أوبرا إيدومينو ، ملك كريت في ميونيخ ، والتي حققت نجاحًا كبيرًا. هنا تم الجمع بين أفضل صفات الأوبرا الإيطالية ومبادئ الإصلاح الأوبرالي لغلوك. مهد هذا الطريق لظهور روائع الأوبرا الأصلية الحية لموتسارت. ... كان عام 1781. موزارت يبلغ من العمر 25 عامًا. وهو مؤلف لثلاث مائة ونصف عمل مليء بالأفكار الإبداعية الجديدة. وبالنسبة لرئيس أساقفة سالزبورغ ، فهو مجرد خادم موسيقي ، يضطهده السيد المتغطرس والمستبد ويهينه أكثر فأكثر ، ويجبره على الجلوس على مائدة في غرفة الشعب "فوق الطهاة ، ولكن تحت أتباعه" ، لا يسمح له للذهاب إلى أي مكان دون إذن ، ولا لأداء أي مكان. أصبح كل هذا لا يطاق بالنسبة لموتسارت ، وقدم استقالته. رفضه رئيس الأساقفة مرتين بالشتائم والإهانات ، وقام حاشيته بركل الموسيقي بوقاحة خارج الباب. لكنه ، بعد أن تعرض لصدمة روحية ، ظل حازمًا في قراره. كان موتسارت أول مؤلف موسيقي عظيم ينفصل بفخر عن الوضع المالي الآمن لكن المعتمد لموسيقي البلاط. فيينا: العقد الماضي. استقر موتسارت في فيينا. في بعض الأحيان فقط غادر العاصمة النمساوية لفترة وجيزة ، على سبيل المثال ، فيما يتعلق بالإنتاج الأول لأوبرا دون جيوفاني في براغ أو خلال جولتين موسيقيتين في ألمانيا. في عام 1782 تزوج من كونستانس ويبر ، التي تميزت بسلوكها المبهج وطابعها الموسيقي. وُلد الأطفال واحدًا تلو الآخر (لكن أربعة منهم ماتوا وهم أطفال). كانت أرباح موزارت من عروض الحفلات الموسيقية كعازف لموسيقاه clavier ، من نشر المؤلفات وإنتاج الأوبرا غير منتظمة. بالإضافة إلى ذلك ، لكون موزارت شخصًا طيبًا وموثوقًا وغير عملي ، لم يكن يعرف كيف يدير الأمور المالية بحكمة. التعيين في نهاية عام 1787 لمنصب مدفوع الأجر ضئيل لموسيقي غرفة المحكمة ، والذي تم توجيهه لتأليف موسيقى الرقص فقط ، لم ينقذه من الحاجة إلى المال في كثير من الأحيان. من أجل كل ذلك ، خلال عشر سنوات في فيينا ، ابتكر موزارت أكثر من مائتي ونصف عمل جديد. من بينها تألق أروع إنجازاته الفنية في العديد من الأنواع. في عام زواج موتسارت ، أقيمت أغنيته الموسيقية The Abduction from the Seraglio ، المتلألئة ، في فيينا بنجاح كبير ؛ الفكاهة 31. وأوبرا بوفا "زواج فيجارو" ، الأصل من قبل ؛ النوع "جولي دراما" "دون جوان" والحكاية الخيالية "الناي السحري" ، التي نشأت في السنوات الفيينية الماضية ، تنتمي إلى أعلى القمم التي وصل إليها المسرح الموسيقي على الإطلاق! قصته. كتب موزارت في صيف عام 1788 ، ثلاثة من أفضل سيمفونياته ، والتي تبين أنها الأخيرة ، بما في ذلك واحدة في G Minor (رقم 40). في نفس العقد ، ظهرت العديد من الأعمال الموسيقية الأخرى للمؤلف - الأوركسترا "Little Night Serenade" المكونة من أربعة أجزاء ، وعدد من كونشيرتو البيانو ، والسوناتا ، ومجموعات الحجرة المختلفة. كرس موتسارت ستة من رباعياته الوترية إلى هايدن ، الذي طور معه صداقات حميمة. باهتمام كبير ، درس موتسارت أعمال باخ وهاندل خلال هذه السنوات. أحدث أعمال موتسارت هو قداس الموتى للجوقة والعازفين المنفردين والأوركسترا. في يوليو 1791 ، أمر الملحن من قبل رجل لم يرغب في الكشف عن اسمه. بدا الأمر غامضًا ، وقد يؤدي إلى نذير شؤم. بعد بضع سنوات فقط ، اتضح أن الأمر جاء من أحد الكونتات في فيينا الذي أراد شراء عمل شخص آخر وتمريره على أنه عمل خاص به. لم يكن موتسارت قادرًا على إكمال صلاة القداس بشكل كامل بسبب مرضه الخطير. تم الانتهاء منه وفقًا لمسودات من قبل أحد طلاب الملحن. هناك قصة أنه عشية وفاة الموسيقار العظيم ، والتي أعقبت ليلة 5 ديسمبر 1791 ، غنى الأصدقاء معه أجزاء من العمل الذي لم يكتمل بعد. وفقًا للتصميم الحزين في قداس الموتى ، اكتسب التعبير الغنائي والدرامي الملهم لموسيقى موزارت سموًا وجدية خاصين. بسبب نقص الأموال ، دفن موتسارت في مقبرة جماعية لـ 31 32 Seraglio - النصف الأنثوي في منازل النبلاء الشرقيين الأثرياء. الكلمة اللاتينية "قداس" تعني "السلام". 38 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن في روسيا ضعيف ، ولا يزال المكان المحدد لدفنه غير معروف. بالنسبة لسوزانا ، كانت الكونتيسة ترتدي فستانها. يضطر ألمافيفا ، الذي يشعر بالخجل من زوجته ، إلى عدم منع فيجارو وسوزانا بعد الآن من الاحتفال بزواجهما ، الذي ينهي "يومًا مجنونًا" بمرح وسعادة ، مليء بجميع أنواع الأحداث غير المتوقعة. تبدأ الأوبرا بمقدمة اكتسبت شعبية كبيرة وغالبًا ما يتم إجراؤها في حفلات سيمفونية 34. على عكس العديد من الافتتاحيات الأخرى ، لا تستخدم هذه الافتتاحية الموضوعات التي تبدو سليمة في الأوبرا نفسها. هنا يتم نقل المزاج العام للعمل اللاحق بوضوح ، سرعته الرائعة والبهجة الغاضبة. تمت كتابة المقدمة في شكل سوناتا ، ولكن بدون تطوير ، والتي يتم استبدالها بعلاقة مختصرة بين العرض والتكرار. في الوقت نفسه ، تم تمييز خمسة مواضيع بوضوح ، لتحل محل بعضها البعض بسرعة. يشكل الأول والثاني الدفعة الرئيسية ، الدفعة الثالثة والرابعة - الدُفعة الجانبية ، الدُفعة الخامسة - الدُفعة الأخيرة. كلهم نشيطون ، لكن في نفس الوقت لكل منهم طابعه الخاص. الموضوع الأول من الجزء الرئيسي ، الذي يتم لعبه بواسطة الآلات الوترية والباسونون في انسجام تام ، يتحرك بسرعة ، بخفة حركة مؤذية: أسئلة وواجبات 1. ما هو الشيء المشترك بين موسيقى موزارت وموسيقى هايدن؟ وما الفرق بين الاهتمامات الفنية لهاتين الكلاسيكيات الفيينية؟ 2. أخبرنا عن الأسرة والطفولة المبكرة لـ Wolfgang Amadeus Mozart. 3. في أي البلدان والمدن كان أداء موتسارت صبيًا صغيرًا؟ كيف كانت هذه العروض؟ 4. في أي عمر كتب موتسارت أول أوبرا جامعية له؟ ماذا كان يسمى وأين وضعت؟ 5. حدثنا عن رحلات الشاب موتسارت إلى إيطاليا. 6. ما المدن التي زارها موزارت لاحقًا؟ هل كانت رحلته إلى باريس ناجحة؟ 7. أخبرنا عن انفصال موتسارت عن رئيس أساقفة سالزبورغ. 8. وصف العقد الأخير من حياة وعمل موتسارت. قم بتسمية الأعمال الرئيسية التي أنشأها خلال هذه الفترة. أوبرا "زواج فيجارو" أقيم العرض الأول لأوبرا موتسارت "زواج فيجارو" في فيينا عام 1786. قام الملحن بنفسه بأداء القيثارة في أول عرضين. كان النجاح هائلاً ، ولكن تم تكرار الإجراء من أجل التكرارات. تمت كتابة النص (النص الشفهي) لهذه الأوبرا في أربعة أعمال باللغة الإيطالية بواسطة لورينزو دا بونتي استنادًا إلى الكوميديا ​​للكاتب الفرنسي بومارشيه كريزي داي ، أو زواج فيجارو. في عام 1875 ، ترجم P. I. Tchaikovsky هذا النص المكتوب إلى اللغة الروسية ، وفي ترجمته تُؤدى الأوبرا في بلدنا. دعا موزارت زواج فيغارو إلى أوبرا بافا. لكنها ليست مجرد كوميديا ​​مسلية بمواقف مضحكة. تصور الموسيقى الشخصيات الرئيسية كشخصيات بشرية حية مختلفة. وكانت الفكرة الرئيسية لمسرحية بومارشيه قريبة من موتسارت. لأنه يتألف من حقيقة أن خادم الكونت ألمافيفا فيجارو وعروسه ، الخادمة سوزانا ، أصبحا أكثر ذكاءً وأكثر لطفًا من سيدهما الملقب ، الذي يكشفان عن مؤامراته ببراعة. كان الكونت نفسه يحب سوزانا ، وهو يحاول تأخير زواجها. لكن فيغارو وسوزانا تغلبوا بحيلة على كل العقبات التي تنشأ ، وجذبوا إلى جانبهم زوجة الكونت والصفحة الشابة تشيروبينو. في خدمة شخص نبيل. يختلف موضوع الربط للحزب الرئيسي ، الذي تملأه الحفلة بشكل أساسي ، تذكر أن كلمة "عرض" مشتقة من الفعل الفرنسي "ouvrir" ، والتي تعني "فتح" ، "ابدأ". 33 34 39 www.classON.ru الجرأة في تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي بمقاطع مقياس ، يظهر الموضوع الأول للجزء الجانبي ، والذي يؤدي الكمان لحنه. الموضوع له طابع غريب الأطوار إيقاعيًا ، متقلبًا بعض الشيء ، لكنه مستمر: الأرقام الصوتية. لذا ، فإن أول رقم منفرد في جزء Figaro (تم تكليفها بالباريتون) - أغنية صغيرة (كافاتينا) - يبدو فورًا بعد أن أبلغت سوزانا خطيبها أن الكونت بدأ في متابعة خطيبها. في هذا الصدد ، يلحن فيجارو ساخرًا لحنًا في حركة المينوت - رقصة المجتمع الراقي (الأقسام المتطرفة من الشكل التكراري المكون من ثلاثة أجزاء من الكافاتينا): يشبه الموضوع الثاني للجزء الجانبي تعجبًا حاسمًا: موضوع الجزء الأخير هو الأكثر توازناً ، كما لو كان تسوية كل شيء: الأجزاء مكررة بالفعل في المفتاح الرئيسي لـ D الكبرى. ينضم إليهم كودا ، مما يؤكد بشكل أكبر على الطابع المبهج والحيوي للمقدمة. في أوبرا موزارت هذه ، تشغل المجموعات الصوتية مكانًا كبيرًا ، بشكل أساسي ثنائي (لشخصيتين) و tercetes (لثلاثة أحرف). يتم فصلهم عن طريق تلاوات مصحوبة بقيثارة. وتنتهي الأعمال الثانية والثالثة والأخيرة والرابعة بنهائيات - مجموعات كبيرة بمشاركة ستة إلى أحد عشر شخصية. يتم تضمين المعزوفات المنفردة في التطور الديناميكي للحركة بطرق مختلفة.في القسم الأوسط من الكافاتينا ، يتم استبدال الحركة المقيدة بأخرى سريعة ، ويتم استبدال اللحن الأنيق المكون من ثلاث نغمات بأخرى حازمة من نغمتين. هنا يعرب فيجارو بالفعل وبصورة حازمة عن نيته في منع "الخطط الخبيثة لسيده بأي ثمن: إنه موجه إلى صفحة الشباب Cherubino. سمع بالصدفة كيف حاول الكونت إعلان حبه لسوزان ، وأمر مثل هذا الشاهد غير المرغوب فيه بالذهاب إلى الخدمة العسكرية. في أغنيته ، يسخر فيغارو بمرح وبذكاء من الموقف ، ويرسم شابًا مدللاً بالحياة القضائية ، وصورًا للحياة العسكرية القاسية. في الموسيقى ، ينعكس ذلك من خلال الجمع الماهر للرقص الاستفزازي مع حركات الضجة "المتشددة". هذه هي العبارة التي تُسمع ثلاث مرات في شكل روندو: والأخرى هي نغمة صغيرة ذات طبيعة شبيهة بالأغنية "الدم الساخن يثير القلب". هذا اعتراف أكثر تحفظًا للمشاعر الرقيقة ، موجه بخجل إلى الكونتيسة نفسها: تتميز سوزانا (السوبرانو) في العديد من المجموعات بأنها نشطة ومهارة وواسعة الحيلة وليست أدنى من فيجارو. في الوقت نفسه ، يتم تصوير صورتها بمهارة في الأغنية الحالمة الساطعة من الفصل الرابع. في ذلك ، تخاطب سوزانا عقليًا فيغارو بجاذبية لطيفة: أما بالنسبة لشيروبينو نفسه (يتم أداء دوره بصوت أنثوي منخفض - ميزو سوبرانو) ، فقد وصف في نسختين بأنه شاب متحمس ، لا يزال غير قادر على فهم صوته. مشاعر جاهزة للوقوع في الحب مع كل خطوة. إحداها عبارة عن أغنية مبهجة ومرتجفة "أخبر ، لا أستطيع أن أشرح". فهو يجمع بين اللحن والإيقاع ، كما لو كان ينبض بشكل متقطع مع الإثارة: 41 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي أسئلة ومهام 1. متى وأين كان العرض الأول لفيلم موزارت Le nozze di Figaro؟ 2. ما الكوميديا ​​التي يستند نصها النصي؟ 3. ما هي الفكرة الرئيسية لهذا العمل؟ 4. كيف تم بناء الافتتاح للأوبرا؟ 5. أخبرنا عن ميزات الرقمين الفرديين في جزء Figaro. 6. ما هو الصوت المعهود إلى جزء الشيروبينو؟ رنّم ألحان ألحانه. 7. كيف يتم تمييز سوزانا في المجموعات وكيف - في الأغنية من الفصل الرابع؟ الاختلاف الرابع (بإلقاء اليد اليسرى على اليمين) ، على العكس من ذلك ، هو أكثر جرأة في الكنس. الاختلاف الخامس ، حيث يتم استبدال الإيقاع غير المستعجل الأولي لـ Andante grazioso بإيقاع بطيء جدًا - Adagio ، هو نغمة موسيقية إيقاعية ، ملونة بالألوان. ومن ثم فإن تغيير الوتيرة إلى الصيام (Allegro) يتوافق مع الطابع الراقص المبهج للنوع السادس الأخير. الحركة الثانية للسوناتا هي Minuet. كالعادة ، تم تصميمه في شكل تكرار ثلاثي الحركة مع تكرار دقيق في تكرار موسيقى الحركة الأولى. يوجد بينهما الجزء الأوسط (الثلاثي) 35. في جميع أجزاء Minuet ، تتم مقارنة نغمات التجويد الكاسحة الحازمة والذكورية مع الرقة الأنثوية والنغمات السلسة ، على غرار كلمات التعجب الغنائية التعبيرية. سوناتا في A Major for Clavier Mozart's Sonata الشهيرة في A major ، والتي تسمى عادة سوناتا مارس التركية ، هي دورة مبنية بشكل غير عادي. الحركة الأولى هنا ليست سوناتا أليغرو ، ولكن ستة أشكال مختلفة على موضوع خفيف وهادئ ورشيق ببراعة. تبدو وكأنها أغنية يمكن غنائها في مزاج جيد وهادئ في الحياة الموسيقية في فيينا. في إيقاعها المتأرجح برفق ، هناك تشابه مع حركة Siciliana - رقصة إيطالية قديمة أو أغنية راقصة: أطلق الملحن على الجزء الثالث من السوناتا (الأخير) "A11a Turca" - "بالطريقة التركية". في وقت لاحق ، تم تخصيص اسم "المسيرة التركية" لهذه النهاية. لا يوجد شيء مشترك مع التركيب النغمي للموسيقى التركية الشعبية والمحترفة ، وهو أمر غير معتاد بالنسبة للآذان الأوروبية. ولكن في القرن الثامن عشر ، في الموسيقى المسرحية الأوروبية ، نشأت موضة للمسيرات ، يطلق عليها تقليديا "التركية". يستخدمون اللون الجرس لأوركسترا "الإنكشارية" ، التي كانت تهيمن عليها آلات النفخ والإيقاع - الطبول الكبيرة والصنج والمثلث. أطلق على جنود وحدات مشاة الجيش التركي اسم الإنكشارية. كان الأوروبيون ينظرون إلى موسيقى مسيراتهم على أنها برية وصاخبة و "بربرية". لا توجد تباينات حادة بين الاختلافات ، لكن جميعها لها طابع مختلف. في الشكل الأول ، تسود الحركة اللحنية الرشيقة ، وفي الشكل الثاني - يتم الجمع بين المرح اللطيف مع مسحة فكاهية (ملاحظات النعمة "المؤذية" في الجزء الأيسر جديرة بالملاحظة). الشكل الثالث - الوحيد المكتوب ليس في A major ، ولكن في A ثانوي - مليء بالتشكيلات اللحنية الحزينة قليلاً ، تتحرك بشكل متساوٍ ، كما لو كانت بخجل لطيف: في نهاية الثلاثي هناك التسمية "Minuetto da capo" . الإيطالية - "من الرأس" ، "من البداية". 35 "دا كابو" مترجمة من 42 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن الروسي. النهاية مكتوبة بشكل غير عادي. يمكن تعريفه على أنه جوقة من ثلاثة أجزاء (في A Major). يعطي التكرار المتكرر للجوقة بنية الخاتمة ميزات روندو. الحركة الأولى - بزخارف "دائرية" سهلة (صغيرة) - والحركة الوسطى - مع حركة مرور رخوة (F-Sharp Minor) - تجمع بشكل طبيعي بين القدرة على الرقص الرشيقة مع مداس مسير واضح: لفترة طويلة كان يعتقد أن قام موزارت بتأليف السوناتا في تخصص في صيف 1778 سنة في باريس. لكنهم اكتشفوا بعد ذلك معلومات تفيد بأن هذا حدث بعد بضع سنوات ، في فيينا. مثل هذه المعلومات هي أكثر منطقية لأنه هناك ، في عام 1782 ، تم عرض العرض الأول لفيلم موزارت "الاختطاف من سيراجليو". في ذلك ، تجري الأحداث في تركيا ، وفي موسيقى الافتتاح ، وفي جوقات تشبه المسيرة ، يمكن ملاحظة تقليد موسيقى "الإنكشارية". الى جانب ذلك ، هل هو صاخب؟ أضاف موتسارت كودا "الإنكشارية" في A Major إلى ختام مجلس الشيوخ فقط في عام 1784 ، عندما تم نشر العمل. وتجدر الإشارة أيضًا إلى أنه في السوناتة ، كما في "الاختطاف من السراجليو" ، ينتمي دور كبير إلى أنواع الغناء والمسيرة. في كل هذا ، تجلى الارتباط بين الموسيقى الآلية والموسيقى المسرحية ، وهو ما يميز موتسارت. الأسئلة والمهام 1. ما هو الشيء غير المعتاد في الدورة في سوناتا موتسارت في A Major؟ أخبرنا عن طبيعة الموضوع وستة أشكال مختلفة عنه في الجزء الأول من هذا العمل. 2. ما هو نوع الرقص المستخدم في الجزء الثاني من السوناتا؟ 3. اشرح لماذا يُطلق على خاتمة السوناتة في A الرائد المسيرة التركية. ما هي خصوصية بنائه؟ الغناء في مواضيعها الرئيسية. 4. بأي عمل موسيقي ومسرحي لموتسارت تردد صدى موسيقى "المسيرة التركية"؟ Symphony in G Minor تم تأليفه في فيينا عام 1788 ، Symphony in G Minor! (رقم 40) هو أحد أكثر أعمال الملحن العظيم إلهامًا. الحركة الأولى للسمفونية هي سوناتا أليغرو بوتيرة سريعة جدًا. يبدأ بموضوع الجزء الرئيسي ، الذي يأسر على الفور باعتباره اعترافًا غنائيًا سريًا وصادقًا. يتم غنائها بواسطة آلات الكمان لمرافقة الآلات الوترية الأخرى بهدوء. يمكن التعرف على نفس الإيقاع المثير في اللحن كما في بداية أول أغنية لشيروبينو من أوبرا زواج فيجارو (انظر المثال 37). ولكن الآن أصبحت كلمات الأغاني "بالغة" وجدية وشجاعة: تبدو الجوقة (في اللغة الرئيسية) ثلاث مرات ، فهي تشبه نوعًا من "امتناع الضجيج الإنكشاري" ، في الجزء من اليد اليسرى تقليد لفافة الطبلة مسموع: في هذا الصدد ، يطلق على "المسيرة التركية" أحيانًا اسم "روندو على الطريقة التركية" ("روندو ألا توركا"). 36 43 www.classON.ru تعليم الأطفال في مجال الفن في روسيا تطور صغير). ولكن لا توجد تباينات فيه ، فكل شيء يخضع للمزاج الساطع العام ، والذي يتحدد منذ البداية في الجزء الرئيسي الذي يصدر أصواتًا على الآلات الوترية: يتم تعزيز ذكورية الشخصية في الجزء المتصل ، حيث يتطور الجزء الرئيسي . يوجد تعديل في B-flat كبير موازٍ لـ G الثانوية - مفتاح الجزء الجانبي. موضوعه أخف وزنا وأكثر رشاقة وأنثوية مقارنة بالموضوع الرئيسي. تم تلوينه بواسطة نغمات لونية ، بالإضافة إلى تناوب جرس الآلات الوترية وآلات النفخ الخشبية: في الشريط السابع ، يظهر هنا شكل "رفرفة" خفيف من نغمتين وثلاثين ثانية. في المستقبل ، يتغلغل بعد ذلك في الخطوط اللحنية لجميع الموضوعات ، ثم يبدو وكأنه يلتف حولها ، ويظهر في سجلات مختلفة بأدوات مختلفة. إنه مثل أصداء أصوات الطبيعة المسالمة. فقط في بعض الأحيان يكونون مضطربين قليلاً ، يتم سماعهم الآن عن قرب ، ثم من بعيد. وفقًا للتقاليد الراسخة ، فإن الحركة الثالثة للسمفونية هي Minuet. ولكن من الواضح أن الجزء الأوسط فقط - الثلاثي - تقليدي بشكل واضح. بحركته السلسة ، لحن الأصوات والنغمة في G major ، يقوم Trio بإطلاق أقسام G-min الرئيسية المتطرفة من هذا Minuet ، وهو أمر غير معتاد بشكل عام من حيث الكثافة الغنائية والدرامية. يبدو أنه بعد التأمل الهادئ للطبيعة ، المتجسد في Andante ، كان علي الآن أن أعود إلى عالم القلق والاضطراب الروحي الذي سيطر على الجزء الأول من السيمفونية. هذا يتوافق مع عودة المفتاح الرئيسي للسمفونية - G الصغرى: انفجار جديد للطاقة يحدث في الجزء الأخير. هنا ينتمي الدور القيادي إلى التطوير المتكرر والمستمر للعنصر الأول - ثلاثي الصوت - لموضوع الجزء الرئيسي. مع بداية تطور توسعي إلى حد ما ، يبدو أن الغيوم تتجمع بقلق. من المفتاح الخفيف B-flat الرئيسي ، هناك انعطاف حاد إلى المفتاح البعيد القاتم لـ F-حاد القاصر. في التطور ، يتطور موضوع الحزب الرئيسي بشكل كبير. يمر بمجموعة كاملة من المفاتيح ، وينقسم إلى عبارات وزخارف منفصلة ، وغالبًا ما يتم تقليدها بأصوات مختلفة من الأوركسترا. الدافع الأول لهذا الموضوع ينبض بتوتر شديد. لكن أخيرًا يضعف نبضه ، ويحد من ارتجافه ، ويأتي انتقام. ومع ذلك ، فإن تأثير الكثافة الدرامية العالية التي تم تحقيقها في التطوير ينعكس في هذا القسم من الجزء الأول. هنا يزداد طول الجزء المتصل بشكل كبير ، مما يؤدي إلى عرض الأجزاء الجانبية والأخيرة لم يعد رئيسيًا ، ولكن في المفتاح الرئيسي لـ G الثانوية ، مما يجعل صوتهم أكثر دراماتيكية. الحركة الثانية للسمفونية هي Andante in E flat major. إنه يتناقض مع الجزء الأول الغنائي الدرامي بهدوئه اللطيف والهادئ. شكل Andante هو أيضًا سوناتا (مع كون G الثانوية هو المفتاح الرئيسي والجزء الرابع من السمفونية - النهاية ، تسير بخطى سريعة جدًا. النهاية مكتوبة في شكل سوناتا. الموضوع الرئيسي في هذا الجزء من السيمفونية هو موضوع الجزء الرئيسي: إلى جانب موضوع الجزء الرئيسي من الجزء الأول ، يشير إلى ألمع موضوعات الآلات الموسيقية لموزارت. ولكن إذا كان الموضوع في الحركة الأولى يبدو وكأنه اعتراف غنائي رقيق وموقر ، فإن موضوع النهاية هو جاذبية غنائية ودرامية عاطفية ، مليئة بالشجاعة وسنقرر 44 www.classON.ru تعليم الأطفال في فنون روسيا 2. أخبرنا عن الموضوعات الرئيسية للجزء الأول من السيمفونية وتطورها. 3. ما هي الشخصية التي تمتلكها الموسيقى في الجزأين الثاني والثالث من السيمفونية؟ 4. ما هو الموضوع الرئيسي في خاتمة السيمفونية؟ كيف تختلف شخصيتها عن شخصية موضوع الجزء الرئيسي من الحركة الأولى؟ 5. كيف يتم بناء موضوع الجزء الرئيسي من الخاتمة؟ على ماذا تستند التنمية في التنمية؟ الأعمال الرئيسية يتم إنشاء هذا النداء الناري من خلال الارتفاع السريع للحن على طول أصوات الأوتار ، ويبدو أن الأشكال اللحنية النشطة التي تدور حول صوت واحد تستجيب لدافعها. كما هو الحال في الحركة الأولى للسمفونية ، يكون الموضوع الرشيق للجزء الجانبي من الخاتمة ساطعًا بشكل خاص في العرض عندما يتم إجراؤه في B Flat Major: 19 أوبرا قداس حوالي 50 سيمفونية و 27 كونشيرتو لكلافير وأوركسترا 5 كونشيرتو للكمان وكونشيرتو الأوركسترا مع أوركسترا مرافقة للمزامير ، الكلارينيت ، الباسون ، الأبواق ، المزامير مع القيثارة الرباعية الوترية (أكثر من 20) وخماسيات سوناتا للكلافير ، للكمان والكلافير الاختلافات ، التخيلات ، الروندو ، المينيوت للكلافير الجزء الأخير يعتمد على العنصر الثاني لموضوع الجزء الرئيسي. في تطوير الخاتمة ، يتطور بشكل مكثف العنصر الأول الاستفزازي لموضوع الحزب الرئيسي. يتم تحقيق التوتر الدرامي العالي من خلال تركيز الأساليب التوافقية والمتعددة الألحان للتطوير - إجراء في العديد من المفاتيح ومكالمات الأسماء المقلدة. في التكرار ، طغى الحزن قليلاً على أداء الجزء الجانبي في المفتاح الرئيسي لـ G min. والعنصر الثاني لموضوع الجزء الرئيسي (الشخصيات الإيجابية والحيوية) ، كما في العرض ، يبدو في قلب الجزء الأخير من التكرار. نتيجة لذلك ، تشكل الخاتمة في هذا الإبداع الرائع Mazart ذروة غنائية ودرامية مشرقة لدورة السوناتا السمفونية بأكملها ، غير مسبوقة في هدفها من خلال التطور المجازي. لودفيج فان بيتهوفن 1770-1827 الملحن الألماني العظيم لودفيج فان بيتهوفن هو أصغر الموسيقيين اللامعين الثلاثة الذين يطلق عليهم كلاسيكيات فيينا. صادف أن بيتهوفن عاش وخلق في مطلع القرنين السابع عشر والتاسع عشر ، في عصر التغيرات الاجتماعية الكبيرة والاضطرابات. تزامن شبابه مع العصر ، أسئلة وتكليفات 1. متى وأين ابتكر موزارت السيمفونية في G الصغرى رقم 40؟ 45 www.classON.ru تعليم الأطفال الفني في روسيا

من المجمعين
هذا الكتاب هو كتاب مدرسي عن الأدب الموسيقي لتلك الفترة التاريخية ، والتي بدأت في العقود الأخيرة من القرن التاسع عشر. يظهر مثل هذا الكتاب المدرسي لأول مرة: ينتهي العدد الخامس ، كما تعلم ، بعمل K-Debussy و M. Ravel.
يتضمن الكتاب وصفًا لمختلف مدارس الموسيقى الوطنية ، والتي حددت هيكلها العام. يقدم القسم الأول وصفاً للعمليات العامة التي تم تنفيذها بطريقتها الخاصة في الفن الموسيقي لدول مختلفة وفي أعمال ملحنين من شخصيات مختلفة. يتكون كل قسم لاحق من نظرة عامة على الثقافة الموسيقية لبلد معين ، بالإضافة إلى قسم فردي مخصص لأعمال أهم الملحنين في هذه المدرسة. يختلف القسم المخصص لعمل I. Stravinsky فقط في هيكله: فهو لا يحتوي على مراجعة تمهيدية. وهذا أمر مفهوم: بعد كل شيء ، بعد أن أمضى معظم حياته خارج روسيا بسبب ظروف خاصة ، ظل سترافينسكي أستاذًا روسيًا ولم يكن ينتمي إلى أي من المدارس الأجنبية. لا يسمح التأثير الحاسم لمبادئه الإبداعية على جميع الموسيقيين البارزين في عصرنا تقريبًا بإزالة سترافينسكي من الصورة العامة لتطور الفن الموسيقي في القرن العشرين. إن إدراج هذا الفصل الفردي في الكتاب المدرسي حول الأدب الموسيقي الأجنبي يرجع أيضًا إلى خصوصيات المناهج الدراسية في المدرسة: بحلول الوقت الذي درسوا فيه الموسيقى الأجنبية في القرن العشرين ، لم يكن الطلاب على دراية بالشخصية أو موسيقى أنا سترافينسكي. سوف ينتقلون إلى هذه الصفحة من الفن الموسيقي فقط في نهاية الدورة الرابعة ، حيث يتم النظر فقط في الفترة الروسية الأولى من عمل الملحن.

يتركز اهتمام جامعي الكتاب المدرسي ومؤلفيه على عرض العمليات الموسيقية والتاريخية العامة للفترة قيد المراجعة ، وعلى تحليل الأعمال الأكثر تميزًا التي أصبحت كلاسيكيات قرننا. في ضوء التعقيد الاستثنائي لأحداث الفن الموسيقي في القرن العشرين ، وعدم تجانسها ، وتقاطعاتها المتبادلة ، وتغيرها السريع ، احتلت فصول المراجعة مكانًا أكبر بكثير في هذا الكتاب مما كانت عليه في الطبعات السابقة. ومع ذلك ، وفقًا للمبادئ المنهجية للموضوع ، سعى المترجمون إلى الحفاظ على التركيز على تحليلات الأعمال الموسيقية ، والتي تم تصميمها في هذه الحالة للكشف عن تنوع الأساليب الإبداعية وطرق التفكير والقرارات الأسلوبية المختلفة وتعدد تقنيات الملحن لسادة قرننا.

في ضوء حقيقة أن الكتاب يوفر بانوراما واسعة للفن الموسيقي ، والتحليل معقد للغاية في كثير من الحالات (والذي تحدده المادة نفسها مسبقًا إلى حد كبير) ، يعتبر المترجمون أنه من الممكن توجيه هذا الكتاب المدرسي للطلاب ليس فقط أداء ، ولكن أيضًا للأقسام النظرية في مدارس الموسيقى. يسمح محتوى الكتاب بمقاربة انتقائية له في العملية التعليمية ؛ يتم تحديد عمق وتفاصيل دراسة الفصول من قبل المعلمين أنفسهم ، اعتمادًا على مستوى استعداد الطلاب ، والمعدات المادية للعملية التعليمية مع الملاحظات والتسجيلات الموسيقية ، وعدد الساعات التي يخصصها المنهج لهذا الجزء الدورة.
عملت مجموعة كبيرة من المؤلفين على هذا الكتاب. ومن هنا حتمية الطرق المختلفة لعرض المواد ؛ في نفس الوقت ، في نفس النهج ، حاول المترجمون الحفاظ على مبادئ منهجية موحدة.

المحتوى
من المترجمين
طرق تطوير الفن الموسيقي الأجنبي في القرن العشرين.
الثقافة الموسيقية في النمسا
جوستاف مالر
الإبداع الصوتي. "أغاني المتدرب المسافر"
الإبداع السمفوني. السمفونية الأولى
ارنولد شينبيرج
مسار الحياة والإبداع
"الناجي من وارسو"
ألبان برج
مسار الحياة والإبداع
الدراما الموسيقية Wozzeck
كونشيرتو للكمان والاوركسترا
أنطون ويبرن.
مسار الحياة والإبداع
الثقافة الموسيقية في ألمانيا
ريتشارد ستراوس
مسار الحياة والإبداع
الإبداع السمفوني. القصائد السمفونية "دون جوان" و "تيل Ulenspiegel"
بول هندميث
مسار الحياة والإبداع
الإبداع السمفوني. السمفونية "الفنان ماتيس".
كارل ORF
مسار الحياة والإبداع
الأنواع الرئيسية لعمل كارل أورف وخصائصها.
أوبرا "فتاة ذكية"
"كارمينا بورانا"
إيجور سترافينسكي
مسار الحياة والإبداع
"سمفونية المزامير"
أوبرا "Oedipus Rex"
الثقافة الموسيقية في فرنسا.
آرثر أونيجر
مسار الحياة والإبداع
الإبداع المسرحي والخطابي. Oratorio "جان دارك على المحك"
الإبداع السمفوني. السمفونية الثالثة ("ليتورجية")
داريوس ميجو
مسار الحياة والإبداع
الآلات الصوتية والإبداع. "قلعة النار"
فرانسيس بولينك
مسار الحياة والإبداع
أوبرا "صوت الإنسان"
الثقافة الموسيقية لإسبانيا
مانويل دي فالا
مسار الحياة والإبداع
باليه "الحب ساحرة"
أوبرا "Short Life"

(تقييمات: 3 ، المتوسط: 3,67 من 5)

العنوان: الأدب الموسيقي للدول الأجنبية

حول كتاب "الأدب الموسيقي للبلدان الأجنبية" لإي أ. بروخوروف

الكتاب المدرسي بعنوان "الأدب الموسيقي للبلدان الأجنبية" ، الذي جمعه آي بروخوروفا ، مخصص للدراسة المستقلة. هذا يفسر إيجاز عرض المواد وإمكانية الوصول إليها.

سيقدم كتاب "الأدب الموسيقي للدول الأجنبية" للطلاب السير الذاتية القصيرة وأفضل أعمال المؤلفين الموسيقيين المشهورين. سيتمكن الأطفال من التعرف على حياة وعمل عباقرة مثل إ. باخ ، ج. هايدن ، و. موزارت ، ل. بيتهوفن ، إف شوبرت ، إف شوبان. لم يصف I. Prokhorova بالتفصيل قصص الملحنين الموهوبين ، ستجد في الكتاب المدرسي التواريخ الرئيسية للحياة ، والأصل ، والألقاب والألقاب ، ومجال النشاط ، والظروف التي أثرت على اختيار المهنة. سيخبر الكتاب عن المراحل الرئيسية لحياة وعمل الموسيقيين وآرائهم الاجتماعية والسياسية.

إن إصدار "الأدب الموسيقي للدول الأجنبية" مخصص لطلاب مدارس الموسيقى ، ومع ذلك ، فإن كل من لا يبالي بالأعمال الكلاسيكية سيجد شيئًا مثيرًا للاهتمام في هذا الكتاب لأنفسهم. لقد أثرى بروخوروفا النص بتفسيرات لبعض المفاهيم الموسيقية وغير الموسيقية ، مما جعله أقل أكاديمية. يتم تقديم الجزء الذي يصف حياة الموسيقيين في سياق الحياة التاريخية والثقافية للبلدان الأوروبية في تلك الفترة. يمنح هذا الطلاب الفرصة لفهم أعمق وأوسع للظروف التي عاش فيها الملحنون الأسطوريون وعملوا.

نظرًا لأن كتاب "الأدب الموسيقي للدول الأجنبية" مخصص للقراءة في المنزل ، فإن جميع الأعمال السمفونية الواردة فيه معروضة بترتيب رباعي. وتجدر الإشارة إلى أن القصة حول عمل باخ ، والتي تتم دراستها وفقًا للبرنامج ، في نهاية العام ، توضع في البداية. اتخذ المؤلف هذه الخطوة من أجل مراعاة التسلسل الزمني للعرض التقديمي.

المترجم لهذا الكتاب واثق من أن الاستخدام المنتظم للكتاب المدرسي سيوقظ ذوق الطلاب في التعرف على الذات بالأدب الموسيقي الشعبي والعلمي. بالإضافة إلى ذلك ، سيتمكن الأطفال من تطوير وتعزيز مهارات قراءة الأعمال الموسيقية من ورقة ، وسوف يعتادون أيضًا على الأداء في أربعة أيادي.
سيسمح التعلم الذاتي للأعمال الشهيرة بأدائها أثناء الدروس ، بحضور أطفال آخرين ، مما سيجعل الفصول الجماعية أكثر نشاطًا ويحسن بشكل كبير من إدراك الموسيقى الكلاسيكية.

على موقعنا حول الكتب lifeinbooks.net يمكنك تنزيله مجانًا دون تسجيل أو قراءة كتاب "الأدب الموسيقي للبلدان الأجنبية" بواسطة I. A. Prokhorov بتنسيقات epub و fb2 و txt و rtf و pdf لأجهزة iPad و iPhone و Android و Kindle. يمنحك الكتاب الكثير من اللحظات الممتعة والمتعة الحقيقية في القراءة. يمكنك شراء النسخة الكاملة من شريكنا. أيضًا ، ستجد هنا آخر الأخبار من عالم الأدب ، وتعرف على سيرة المؤلفين المفضلين لديك. للكتاب المبتدئين ، يوجد قسم منفصل يحتوي على نصائح وحيل مفيدة ومقالات مثيرة للاهتمام ، وبفضل ذلك يمكنك تجربة الكتابة.