Fransk klassikerteater. Normativ poetik af klassisisme

Teaterteoretiker
  klassisisme som
  af kunst
  klassisisme generelt
  var Nicola Boileau
(1636-1711).
   Boileau blev oprettet
  streng teater
  systemet
  lovgivningsmæssig type.
   Hans synspunkter han
  angivet i
  teoretisk digt
  "Poetic
  kunst ”(1674).

  3. Overholdelse af lovgivningen i de tre enheder.

  Scene fra tragedien fra P. Cornell "Sid"

Fransk teater fra klassisismen.

Klassisisme er en kunstnerisk stil, der optrådte i europæisk kunst i det 17. århundrede. Klassisisme er den såkaldte "Store" stil - det vil sige en stil, der har bevist sig inden for flere typer kunst (teater, arkitektur, maleri, skulptur osv.), Og som eksisterede i flere lande (Frankrig, Italien, Rusland, Østrig).

Grundlæggende viste klassisismen sig at være i lande med en monarkisk regeringsform. I Frankrig blev klassisismen forbundet med Louis XIVs absolutte monarki.

Klassismens vigtigste æstetiske ideal var fornuftens dominans i forhold til følelser.

Selve ordet "klassiker" oversættes fra latin som "eksemplarisk" - denne stil blev kendetegnet ved en orientering mod fortidens traditioner, især mod den antikke kunst og renæssancens kunst.

En af klassicismens toppe var det franske teater i det XVII århundrede.

Klassikernes teaterkunst havde en række specifikke træk relateret til denne stiles æstetik. For det første er det "Reglen om tre enheder": tidsenhed, stedets enhed og handlingens enhed. For det andet er det opdelingen af \u200b\u200bgenrer i højt og lavt, der er karakteristisk for klassisisme ("høj genre" - tragedie, historisk billede, mytologisk billede, poetisk ode, digt; "lav genre" - komedie, dagligdags (genre) maleri, epigram).

I klassismens æra levede og arbejdede de store dramatikere Pierre Cornell, Jean Racine og Moliere i Frankrig.

Pierre Cornell er skaberen af \u200b\u200bden franske klassiske tragedie. I sin tragedie præsenterede "Sid" for første gang den klassiske klassiske konflikt - konflikten mellem kærlighed og pligt.

Jean Racine fortsætter og udvikler Cornells traditioner i sit arbejde. Diagrammerne om hans skuespil “Andromache”, “Fedra” er lånt fra den gamle mytologi, og de har også en konflikt mellem kærlighed og pligt.

Afspilningerne af Cornell og Racine går sjældent på scener i moderne teatre (med undtagelse af "Comedy Francaise"). Dette skyldes detaljerne i det teaterforestillende fra det XVII århundrede, ikke gældende for moderne sceneforhold. Grundlaget for den klassiske tragedie er en poetisk tekst, der er oprettet i en bestemt størrelse (”det Alexandriske vers”); der er lidt handling i stykkerne (begivenheder vises ikke - de fortælles om dem) - alt dette komplicerer opfattelsen af \u200b\u200bstykket af det moderne publikum.

En undtagelse fra denne regel er skuespil fra den berømte komiker Moliere. Hans komedier The Tradesman in the Nobility, Tartuffe og The Imaginary Sick har stadig ikke mistet deres sceneoplysning. Moliere er skaberen af \u200b\u200bgenren "high comedy" (det vil sige fem-act komedier oprettet i overensstemmelse med "reglerne for de tre enheder", hvor repræsentanter for ædel oprindelse også handler sammen med almindelige mennesker).

Moliere var hofteskuespiller for kong Louis XIV, medforfatter til komponisten Lully, og komponerede libretto og poetiske tekster til domstolens balletter.

Klassikernes poetik.

* Poetikkens opgave (ellers - teorien om litteratur eller litteratur) er at studere måderne at bygge litterære værker på. Formålet med undersøgelse i poesi er fiktion. Undersøgelsesmetoden er beskrivelsen og klassificeringen af \u200b\u200bfænomener og deres fortolkning.

Udtrykket "klassisisme". Klassisisme er et udtryk, der angiver en bestemt retning, kunstnerisk metode og stil i kunsten. Udtrykket er afledt af det latinske ordclassicus - "eksemplarisk." Klassikerne forsøgte at efterligne eksemplerne fra den gamle kunst og fulgte de normer, der blev angivet af de antikke kunstteoretikere (primært Aristoteles og Horatius).

Klassisisme som retning. Klassisismen som en tendens tager form ved århundredeskiftet. Dets oprindelse ligger i aktiviteterne i italienske og til dels spanske akademiske skoler samt sammenslutningen af \u200b\u200bde franske forfattere Pleiades, der henvendte sig til gammel kunst i den sene renæssance og forsøgte at finde i deres harmoniske billeder en ny støtte til ideerne om humanisme, der oplevede en dyb krise. Klassisismenes udseende er i vid udstrækning forbundet med dannelsen af \u200b\u200bet absolut monarki - en overgangsform af staten, når det svækkede aristokrati og borgerskabet, som endnu ikke har fået styrke, er lige så interesseret i kongens ubegrænsede magt. Klassisismen nåede sit højdepunkt i Frankrig. Og her er det især klart muligt at vise sin forbindelse med absolutisme. Klassikernes aktivitet blev ledet af det franske akademi, der blev grundlagt i 1635 af den første minister, kardinal Richelieu, og fulgte alle instruktionerne fra regeringen. Kreativitet hos store forfattere, kunstnere, musikere, klassikere var afhængig af kongenes støttende syn. Klassisismen udviklede sig anderledes i de europæiske lande. I Frankrig tog det form i 1590'erne og blev den dominerende tendens i midten af \u200b\u200b1600-tallet og nåede sit højdepunkt i 60'erne og 70'erne og oplevede derefter en krise. I den første halvdel af XVIII århundrede. oplyst klassisisme, som i anden halvdel af det XVIII århundrede. mister førende positioner i litteraturen. Imidlertid under den franske revolution 1789-1794. den ”revolutionære klassisisme”, der opstod på grundlag heraf, er fremherskende på alle kunstens hovedområder. Klassikeret som retning, efter at have mistet sit progressive indhold, er besejret i kampen mod romantikken og degenererer i begyndelsen af \u200b\u200bdet 19. århundrede, men forskellige neoklassiske bevægelser eksisterer fortsat i dag.

Inden for rammerne af den klassiske bevægelse foregik der en kamp mellem forskellige tendenser. Så i Frankrig spredte tilhængere af Descartes 'filosofi (Boileau, Racine) sig i en række æstetiske problemer med tilhængere af materialisten Gassendi (Moliere, Lafontaine). Der var forskellige dramaskoler (Cornell, Racine), forskellige teaterbevægelser (Molieres kamp med Racines teatralske æstetik) osv.

Estetik af klassisisme.  Det vigtigste teoretiske arbejde, der beskriver principperne for klassisk æstetik, er bogen af \u200b\u200bNicolas Boileau "Poetic Art" (1674).

Klassikerne så kunstens mål i viden om sandheden, der fremstår som idealet om skønhed. De fremsatte en metode til at opnå den baseret på tre centrale kategorier af deres æstetik: sind, mønster, smag. Alle disse kategorier blev betragtet som objektive kriterier for kunst. Fra klassikernes synspunkt er store værker ikke frugten af \u200b\u200btalent, ikke inspiration, ikke kunstnerisk fantasi, men vedvarende overholdelse af fornuftens diktater, studiet af klassiske antikværker og viden om smagsreglerne. De bringer således kunstnerisk aktivitet tættere på videnskabelig aktivitet. Derfor viste den rationalistiske metode fra den franske filosof Rene Descartes (1596-1650), som blev grundlaget for kunstnerisk viden inden for klassisisme, at være acceptabel for dem.

Descartes hævdede, at det menneskelige sind har medfødte ideer, hvis sandhed er uden tvivl. Og hvis vi går videre fra disse sandheder til ubeviste og mere komplicerede påstande, opdeler dem i enkle, metodisk går fra det kendte til det ukendte og undgår logiske undladelser, så kan vi finde ud af enhver sandhed. Således bliver sindet det centrale begreb i rationalismens filosofi og derefter kunsten at klassificere.

Dette var af stor betydning i kampen mod religiøse ideer om menneskets uvigtighed i kampen mod filosoffer, der opretholdt verdens uvidende. Den svage side af denne idé var manglen på et dialektisk syn. Verden blev betragtet som bevægelsesløs, bevidsthed og ideal uændret.

Klassikere mente, at det æstetiske ideal er evigt og det samme på alle tidspunkter, men kun i antikken blev det legemliggjort i kunst med den største fuldstændighed. Derfor skal man henvende sig til oldtidskunsten og nøje studere dens love for at gengive idealet igen. Derfor blev efterligning af modeller værdsat af klassikere højere end det originale værk. Med hensyn til antikken nægtede klassikerne derved at efterligne kristne modeller og fortsatte renæssancehumanisternes kamp for kunst fri for religiøs dogme. Det skal bemærkes, at klassikere fra antikken lånte eksterne funktioner. Under navnene på gamle helte blev folk fra det 17. til det 18. århundrede tydeligt set, og gamle emner tjente til at udgøre de mest akutte problemer i vores tid.

Fornuftkulturen krævede en radikal omstrukturering af værkernes indhold og form, principper for typificering og et genresystem. Klassikere proklamerede princippet om efterligning af naturen og begrænsede kunstnerens ret til fantasi strengt. Kunst blev tæt på det politiske liv, og dets vigtigste opgave var at uddanne en borger. Derfor er der problemer af national interesse i centrum af klassisismens værker.

Tegn.I kunsten at klassificere er man ikke opmærksom på det særlige, individuelle, tilfældige, men til det generelle, typiske. Derfor har heltenes karakter i litteraturen ingen individuelle træk og fungerer som en generalisering af en hel type mennesker. Klassikernes karakter - dette er en karakteristisk egenskab, generel kvalitet, specificiteten af \u200b\u200ben bestemt menneskelig type. Karakteren kan være yderst, usandsynligt peget, fordi en sådan skærpelse ikke fordrejer den, men tværtimod afslører den. Dette adskiller karakter fra mores - karakteristiske træk, som hver ikke kan skærpes op til kontrast til andre for ikke at fordreje forbindelserne i hele mores billede. Moraler - dette er en generel, almindelig, sædvanlig, karakter - speciel, sjælden netop med hensyn til sværhedsgraden af \u200b\u200bden ejendom, der er spredt i samfundets moral. Princippet om klassisk typning fører til en skarp adskillelse af helte i positive og negative, til seriøse og sjove. Samtidig bliver latteren stadig mere satirisk, for den er hovedsageligt rettet mod negative karakterer.

Den største konflikt. Fornemmelseskategorien er også central i dannelsen af \u200b\u200ben ny type kunstnerisk konflikt opdaget af klassisismen: en konflikt mellem fornuft, en pligt over for staten - og følelse, personlige behov, lidenskaber. Uanset hvordan denne konflikt løses - en sejr af fornuft og pligt (som Cornell) eller en sejr af lidenskaber (som Racine), er det kun en borger, der lægger sin pligt over for staten over det private liv, klassikernes ideal. Efter at have opdaget to væsener i en person - en offentlighed og en privatperson - ledte forfatterne efter måder at forene fornuft og følelse, troede på den ultimative triumf for harmoni. Dette er en af \u200b\u200bhovedkilderne til optimisme i klassisk litteratur, hvis sociale grundlag kan ses i den historiske progressivitet fra det 17. århundredes absolutisme. og i det attende århundredes uddannelsesideologi, for det er netop med ideologien om et absolut monarki og en uddannelsesideologi, at klassisismenes problemer er forbundet.

Vi undersøgte de vigtigste principper for klassisisme baseret på kategorien ”sind”. Men vi må huske, at hvert af disse principper er specificeret i lyset af kategorierne "prøve" og "smag". For eksempel princippet om efterligning af naturen. Det falder kun udad sammen med det realistiske krav om troværdighed til virkeligheden. Virkeligheden er til stede i klassikerernes arbejde kun i det omfang, den svarer til modellen, det vil sige, virkeligheden skildres gennem prisme af idealet om skønhed. Derfor tiltrækkes klassikere ikke af hele naturen, men kun af ”behagelig natur” (som Boileau udtrykte det). Det, der er i modsætning til mønster og smag, udvises fra kunsten. Klassikere ser en hel række objekter som ”uanstændige”, uværdige for høj kunst. I de tilfælde, hvor det grimme fænomen med virkelighed skal gengives, afbildes det også gennem skønhedens prisme. Dette blev skrevet af Boileau i "Poetic Art":

En slange, en freak - alt hvad der synes forfærdeligt,

Kunst, vedtagelse, er smuk for os.

Teori om genrer.  Stor opmærksomhed blev rettet mod klassikere af teori om genrer. Ikke alle genrer, der har udviklet sig gennem århundreder, har fuldt ud opfyldt kravene til klassisisme. Og så syntes princippet om hierarki (dvs. underordnelse) af genrer, der hævdede deres ulighed, ukendt i tidligere tiders litteratur. Dette princip var i god overensstemmelse med ideologien om absolutisme, der sammenlignede samfundet med den pyramide, som kongen står på, samt rationalismens filosofi, der krævede klarhed, enkelhed og systematisk tilgang til ethvert fænomen.

I henhold til hierarkiets princip er der hovedgenre og ikke-hovedgenrer. I midten af \u200b\u200bdet XVII århundrede. Opfattelsen blev bestemt fastlagt, at den vigtigste litterære genre er tragedie (i arkitektur - paladset, i maleriet - frontportrettet osv.). Prosa blev placeret under poesi, især fiktion. Derfor blev prosagenrer som prædikener, breve og memoarer, som generelt ikke var designet til æstetisk opfattelse, spredt, og fiktion, især en roman, blev glemt (prinsesse af Cleves M. de Lafayette er en glad undtagelse).

Princippet om hierarki opdeler også genrer i "høj" og "lav", og genrer tildeles visse kunstneriske sfærer. Således blev landsdækkende emner tildelt ”høje” genrer (tragedie, ode osv.); Kun konger, befal og højere adelsmænd kunne fortælles i dem, sprogene i disse værker blev hævet, højtideligt (”høj ro”). I de "lave" genrer (komedie, fabel, satire osv.) Kunne man kun beskæftige sig med særlige problemer eller abstrakte laster (nærhed, hykleri, forfængelighed osv.), Der fungerer som absolutiserede træk af en menneskelig karakter. Repræsentanter for de lavere klasser kunne være helte i de "lave" genrer, men fjernelse af ædle personer var kun tilladt i ekstraordinære tilfælde (jo mere kan du værdsætte modet fra Moliere, der gjorde billedet af markisen til en permanent komisk figur). På sådant værks sprog blev uhøflighed, tvetydige tip, en ordspill ("lav ro") tilladt. Brugen af \u200b\u200bordene "høj ro" var som regel en parodi her.

I overensstemmelse med rationalismens principper fremførte klassikerne kravet om genrenes renhed. Blandede genrer, såsom tragikomedie, er overfyldte. Dette slår det største slag mod en bestemt genres evne til at vise virkeligheden fuldstændigt. Fra nu af er det kun hele systemet med genrer, der er i stand til at udtrykke livets mangfoldighed. Derfor udvikler klassikere, i betragtning af en række genrer "lave", dem alligevel bredt og fremsætter klassikere som Moliere (komedie), Lafontaine (fabel), Boileau (satire).

Ikke desto mindre var klassikernes forfattere den største opmærksomhed på tragedie. I denne genre var lovene de strengeste. Handlingen (historisk eller legendarisk, men troværdig) skulle formere reproduktion af gamle tider, livet i fjerne stater (udover det antikke Grækenland og Rom - østlige lande) og gætte fra navnet, som en idé - fra de første linjer i Boileau: ”Allerede fra de første linjer skulle være klare skuespil er essensen ”). Plotets berømmelse modsatte sig kultens intriger, forvirrende handlinger, det var påkrævet for at bekræfte ideen om triumf af lov over tilfældigheder.

Treenigheden. Et specielt sted i teorien om tragedie blev indtaget af princippet om tre enheder. Det blev formuleret i skrifterne fra italienske og franske humanister fra 1500-tallet. (D. Trissino, J.C. Scaliger m.fl.), der stolede på Aristoteles i kampen med det middelalderlige teater. Men kun klassikere fra det XVII århundrede. (især Boileau) hævede ham til ubestridt lov. Enhedens handling krævede gengivelse af en komplet og fuldstændig handling, der ville forene alle karaktererne (sidehistorier i stykket blev betragtet som en af \u200b\u200bkrænkelserne af denne enhed). Tidens enhed blev reduceret til kravet om at sætte skuespillets handling på en dag. Enhedens sted kom til udtryk i det faktum, at handlingen i hele stykket skulle udfolde sig ét sted (for eksempel i et palads). Begrebet tre enheder er baseret på princippet om troværdighed - det grundlæggende princip om klassisisme, der har udviklet sig i kampen mod traditionerne fra middelalderens ideologi og kultur.

I de middelalderlige mysterier, der blev spillet fra flere timer til flere dage, blev hele universets historie normalt afbildet fra dets oprettelse til de første menneskers fald eller andre store perioder med bibelsk historie. En lille scene skildrede jorden og himlen og helvede. Efterspørgslen efter enhed om sted og tid ændrede dramaets struktur, fordi det fik dramatikere til at vise ikke alle handlingen, men kun dens kulmination. Et princip om koncentration af tid og sted blev erstattet af et andet. I betragtning af det andet princip mere sandsynligt blev de klassikere imidlertid forvekslet, fordi de stadig ikke tog hensyn til egenskaberne ved den subjektive opfattelse af kunsten. De romantikere, der åbner den subjektive seer, vil kritisere princippet om tid og sted enhed netop på grund af usandsynligheden.

Generelt skal det bemærkes, at den normative klassiske æstetik derefter blev en bremse for kunstudviklingen. Med klassisismenes normativitet blev kampen udkæmpet af romantikere og realister.

Klassisisme som stil.  Klassisisme som stil er et system med figurative og ekspressive midler, der karakteriserer virkeligheden gennem prisme af antikke mønstre, opfattes som idealet om harmoni, enkelhed, unikhed, ordnet symmetri. Denne gengivelse gengiver således kun den rationalistisk beordrede ydre skal af den gamle kultur, uden at formidle dens hedenske, komplekse og udelelige essens. Ikke i det antikke tøj, men i udtrykket af synet på menneskeverdenen i den absolutistiske æra, er essensen af \u200b\u200bklassismens stil. Han kendetegnes ved klarhed, monumentalitet, ønsket om at fjerne alt unødvendigt og skabe et enkelt og integreret indtryk.

Efter renæssancens krise, en æra med håb og illusion. En af de retninger, som denne idé blev udtrykt i, var klassisisme.

klassicisme (fr. classicisme, fra lat. classicus - eksemplarisk) - den kunstneriske stil og æstetiske retning i europæisk kunst i XVII-XIX århundreder, evnen til at tjene standarderne for perfektion. Standarderne er taget af værker af gamle forfattere.

Udviklingen af \u200b\u200bklassisisme som en kunstnerisk retning blev bestemt af den monarkiske stat. Centret for interesseret opmærksomhed skifter til teatret, og den normative æstetik og kongelig beskyttelse bliver de vigtigste former for indflydelse på den kunstneriske kultur.

Klassisismen er baseret på rationalismens ideer, som blev dannet samtidig med de samme ideer i Descartes filosofi. Kunstværket, set fra klassismens synspunkt, bør bygges på grundlag af strenge kanoner og derved afsløre harmonien og logikken i selve universet. Af interesse for klassisismen er kun evig, uforanderlig - i hvert fænomen forsøger han kun at genkende betydelige, typologiske træk og kaste tilfældige individuelle tegn.

Som en bestemt retning blev klassisismen dannet i Frankrig i det 17. århundrede. Fransk klassisisme bekræftede menneskets personlighed som den højeste værdi af at være og frigive ham fra religiøs og kirkelig indflydelse.

Den første til at formulere de grundlæggende principper for den nye stil Francois d "Obignac  (1604-1676) i bogen "Teaterpraksis". Med udgangspunkt i Aristoteles og Horaces synspunkter på drama, d "Obignac redegjorde for kravene til en eksemplarisk teaterforestilling. Værket skal følge loven fra tre enheder - ellers accepterer offentligheden ikke sceneforestillingen, vil ikke" mætte "deres sind og modtager ingen lektioner.

Det første krav er enhed af sted:  begivenhederne i stykket skulle finde sted i et rum, ingen ændring af kulisser var tilladt. Scenens scene blev ofte hallens hall; komedier - et torv eller et rum.

Det andet krav er enhed af tid,  dvs. en omtrentlig sammenfald (det var ikke muligt at opnå fuld) af varigheden af \u200b\u200bstykket og den periode, hvor begivenhederne i stykket udspiller sig. Handlingen bør ikke overskride dagens grænser.

Det sidste krav er enhed om handling.  Stykket skal have en historie, ikke tynget af sideepisoder; hun var nødt til at spille ud sekventielt fra slips til frigørelse.

Klassisisme sæt strengt hierarki af genrer, som er opdelt i høje (ode, tragedie, episk) - legemliggjorte historiske begivenheder og talte om store personligheder og deres udnyttelse; lav (komedie, satire, fabel) - talte om almindelige liv. Hver genre har strengt definerede funktioner, hvis blanding ikke er tilladt.

Alle teaterværker bestod af fem handlinger og blev skrevet i poetisk form.

Til teorien om klassisisme i Frankrig i det 17. århundrede. taget alvorligt. Nye dramatiske regler blev udviklet af det franske akademi (oprettet i 1635). Teaterkunst fik særlig betydning. Skuespillere og dramatik blev opfordret til at tjene oprettelsen af \u200b\u200ben enkelt stærk stat for at vise publikum et eksempel på en ideel borger.

De mest fremtrædende repræsentanter for det franske klassicismes teater:

Pierre Cornel (fransk Pierre Corneille, udtalt Corney; 6. juni 1606, Rouen - 1. oktober 1684, Paris) - fransk digter og dramatiker, far til fransk tragedie; Medlem af det franske akademi (1647).

Jean Racine

Phaedra. Men alt var forgæves - og røgelse og blod:

Uhelbredelig kærlighed kom til mig!

Jeg tilbyder bønner til gudinden Afrodite,

Var nedsænket i drømme om Hippolytus,

Og ikke hende - åh nej! - idoliserende ham,

Hun bar sine gaver til foden af \u200b\u200balteret.

Theseus. Min søn Min efterfølger!

Han er ødelagt af mig!

Hvor frygtelig er gudenes vrede, hvor uoverkommelig! ..

Jean Racine. "Phaedra"

Tit. Så Titus er dårligt skæbne? Når alt kommer til alt venter Berenice.

Er du kommet med et klart, hensynsløst svar?

At modstå kampen

Finder du nok grusomhed i dig selv?

  Det er for lidt til at være vedholdende og hård -

Vær klar til blind barbarisme fra nu af!

Jean Racine. "Berenice"

Moliere - fransk digter og skuespiller; grundlægger af klassisk komedie. Moliere er et pseudonym, det rigtige navn er Poklen. Skuespilleren og dramatik skiftede navn for ikke at skæmme sin far - den ærverdige kongelige møbelproducent og polstring. Yrket som en skuespiller i det XVII århundrede. blev betragtet som syndig. I slutningen af \u200b\u200bderes liv blev skuespillerne tvunget til at give afkald på deres håndværk ved at omvende sig. Ellers tillod Kirken ikke, at de blev begravet på kirkegården, og de afdøde fandt deres sidste tilflugt bag kirkegården.
Moliere erhvervede sceneerfaring i provinsen. Under indflydelse fra det italienske teater skrev han farskiske scener. I efteråret 1658 ankom Moliere-troppen til Paris og gav forestillinger foran Louis XIV i en af \u200b\u200bLouvre-salerne. Molieres skuespillere var en enorm succes, ”hele Paris” ville se forestillingerne i den nye tropp. Først udviklede dramatikerens forhold til kongen godt, men efterhånden blev de skyet. Seks år efter at han flyttede til Paris i 1664, spillede troppen en ny komedie foran kongen - Tartuffe eller bedrageren. Hovedpersonen - en useriøs og bedrager, en hykler og en vellykket - bar en kassock, og de ved magten besluttede, at stykket fornærmer både kirken selv og den indflydelsesrige organisation "Society of Holy Gifts".

Stykket blev forbudt, og Moliere i fem år søgte hendes produktion i hans eget teater. Endelig blev tilladelse opnået, og forestillingen var en enorm succes. Forfatteren spillede selv det godtroende Orgon - offer for tricks og tricks for bedrageren Tartuffe. Kun kongens indgriben (sådan et plot var i ånden fra det 17. århundrede, i ånden af \u200b\u200bklassisisme) reddede familien til den uheldige Orgon fra ruin og fængsel.

  Oplevelsen af \u200b\u200bMoliere som dramatiker er uadskillelig fra oplevelsen af \u200b\u200bMoliere som skuespiller. Synspunkter på scenekunsten og forskellen i tragiske og komiske skuespillers leg blev briljant udformet af Moliere i hans egen teaterpraksis.
Efter Tartuffe skrev Moliere og instruerede to komedier, der blev udødelige. I stykket Don Giovanni eller stengæsten (1665) arbejdede dramatikeren på den berømte historie om aristokratens hektiske liv og den retlige gengældelse, der overhaler ham for synder og blasfemi. Moliere-helten er en freethinker og skeptiker, en mand fra det 17. århundrede.

På en anden måde end i Don Giovanni blev motivet for fri tænkning og fri vilje fortolket i Misanthrope (1666). Dramatiske, endda tragiske motiver har allerede lød her. Molieres latter blev ”latter gennem tårer” - trods alt var hovedtanken med stykket, at det er umuligt at leve blandt mennesker og bevare sjælens adel.

Moliere afviste i sine teaterstykker den klassiske teori om de tre enheder, som han ikke var træt af at kritisere, han overtrådte strenge regler. Moliere døde på scenen. I de sidste år af sit liv kvalt han, det blev vanskeligt for ham at recitere poesi, så dramatikeren skrev for sig selv roller i prosa. Efter erkendelse af erkebiskopen i Paris blev Moliere begravet på samme måde som selvmord blev begravet bag et kirkehegn. Meget senere gav Frankrig sin geniale hæder, som han aldrig modtog i løbet af hans levetid.

Klassisismenes historie slutter ikke i det 17. århundrede. I det næste århundrede forsøgte nogle af dens principper at genoplive dramatik og filosof Voltaire, skuespillerne Leken og Clairen, digtere og musikere. Men i det XVIII århundrede. klassisismen blev allerede opfattet som en forældet stil - og oplysningens kunst blev født i at overvinde klassisismen.

Uddannelsesinstitution

"Hviderussisk statsuniversitet

kultur og kunst

Abstrakt om teatralsk kunsthistorie:

“Teater for fransk klassisisme. Jean Baptiste Moliere-teatret »

Arbejde afsluttet:

Govin T.V.

4-årig studerende i 416A føderal lov

1. Begyndelsen på fransk klassisisme

Pierre Cornell

Jean Racine

Jean Baptiste Moliere. Moliere Teater

Skuespillere Moliere

Referencer

1. Begyndelsen på fransk klassisisme

Fremkomsten af \u200b\u200bdet franske nationale teater falder sammen med dannelsen af \u200b\u200bden franske nationalstat. Middelalderlig politisk og økonomisk uenighed, som forhindrede foreningen af \u200b\u200bdet franske folk, forhindrede oprettelsen af \u200b\u200bnational kultur og kunst. Først begyndende i anden halvdel af det 15. århundrede bragte den kongelige magt, der var afhængig af den midterste adel og det byborgerskab, modstanderne fra de føydale herrer og lagde grundlaget for en enkelt stat. Louis XI, der regerede fra 1461 til 1483, afsluttede foreningen af \u200b\u200bFrankrig, fangede Bourgogne og Provence og fratog herrer ret til at opretholde tropper. Under hans efterfølger Charles VIII (1483-1498) blev de sidste oprørske føydale herrer pacificeret og Bretagne annekteret, og under Louis XII (1498-1515) trådte Frankrig, allerede som en enkelt nationalstat, ind i arenaen for international politik med krav på regionerne i Italien. Den kongelige magt blev endelig styrket, og under Francis I (1515-1547) begyndte den at erhverve en absolutistisk karakter.

Efter den trofærdige adel anerkendte alle sociale grupper monarkens prestige: bønderne og kunsthåndværkere støttede kongerne, idet de i dem så beskyttelse mod føydal vilkårlighed; borgerskabet følte klart fordelen ved centraliseret magt frem for fragmenteret magt; seniorerne i praksis så sanseløsheden i deres fjendskab med de stærkeste af de føydale herrer, og fra uafhængige riddere blev til efterfølgende domstole. Og efter at Francis indgik en konkordat med pave Leo X, i kraft af hvilken den franske konge blev chef for den franske kirke, adlydede den kongelige myndighed og præsten. Som hofmændene sagde: ”un roi, une loi et une foi” regerede i landet (en konge, en lov og en tro).

Det absolutte monarki, der repræsenterer ideen om en nation, tog under dens beskyttelse grunden til national civilisation. Ved at ødelægge føydal og kirkelig uafhængighed måtte den kongelige magt kæmpe med dens modstanders ideologi. Det religiøse asketiske verdensbillede af feudalisme blev modsat af en kærlig epikurisme, som også afspejles i domstolslivet, i filosofisk forskning og i kunsten.

Høj national kultur, ifølge humanisterne, kunne kun stamme fra efterligning af de gamle. Men efterligning af antikken førte ikke kunstnere væk fra moderniteten. Efter den antikke tradition værdsatte humanistiske digtere meget kunstens sociale rolle.

Den første offentlige produktion af et klassisk teaterstykke i Frankrig går tilbage til det dårlige år, hvor Brotherhood of Passions blev forbudt at repræsentere mysterierne. I 1548, i byen Lyon, til ære for kroningen af \u200b\u200bkong Henry II, spillede italienske skuespillere komedien med kardinal Bibbiena "Calandro" - på motivet fra Platovsky "Menekhms". Og kun fire år efter dette, i 1552, blev den første franske forestilling af en ny, klassisk retning allerede givet. I højskolebygningen spillede unge videnskabsfolk i kongens nærvær tragedien "Cleopatra", skrevet af kollegiets kæledyr Etienne Jodelle. Forestillingen var en fuldstændig succes, hallen var pakket til kapacitet. En af tilskuerne indspillet i hans dagbog: "Alle vinduer var prikket med utallige ædle ansigter, og gårdspladsen var så fuld af skolebørn, at alle college-døre blev brudt fra dem." Efter at have præsenteret den tragedie, hvor den unge forfatter selv spillede rollen som den egyptiske dronning, blev Jodelle hædret med kongelig ros og modtog 500 gyldne ecu i gave.

Skolebørnene Jean Battier og Charles Tuten, der på et tidspunkt deltog i Cleopatra of Zhodel, fulgte snart eksemplet på deres berømte ven og skrev den første Medea og den anden Agamemnon baseret på værker med samme navn af Seneca.

Deres aktivitet var af progressiv betydning for udviklingen af \u200b\u200bteatralsk kunst. Klassisismen befriede dramatisk kunst fra et religiøst verdenssyn og mystiske helte i samme omfang som fra uanstændige plot og farciske karakterer. Mysteri og fars blev erklæret barbarismens afkom. Kun genkendte det, der svarede til antikke mønstre. Kriteriet om kunst er meget indsnævret: værkets værdighed bestemmes nu ikke af dets populære succes, men af \u200b\u200bvurderingen af \u200b\u200bforskere fra antikken.

Klassehierarkiet blev reflekteret i hierarkiet af genrer. Ifølge traditionel æstetik var komedie i klassisk kunst en genre af lavere orden end tragedie. Hun var designet til at skildre hverdagen og almindelige mennesker og havde ingen ret til at røre ved spørgsmål om høj ideologi og skildre forhøjede lidenskaber. Tragedie skulle imidlertid ikke have berørt almindelige emner og lade mennesker med lav oprindelse komme ind i dets grænser, men i den efterfølgende udvikling blev klassisismen præget af fremkomsten af \u200b\u200bhøj komedie, den mest demokratiske og vital autentiske genre af klassisisme. I arbejdet med Moliere kombinerede "high comedy" traditionerne med folkefarse med en linje af humanistisk drama.

Den mest markante præstation af klassisk æstetik var loven om handlingens enhed, lånt af lærde humanister fra Aristoteles Poetik. Loven om handlingens enhed ødelagde en gang for alle den meningsløse opsamling af temaer inden for dramatisk kunst og underordnede handlingen til et enkelt ideologisk koncept. Handlingen blev udarmet af eksterne begivenheder, men på den anden side fik den en intern regelmæssighed og begyndte at udvikle sig efter heltenes personlige oplevelser.

Til den aristoteliske lov om handlingsenhed tilføjede humanister, efter italienerne, loven om enhed om sted og tid for handling. De la Tail skrev: "Man skal altid præsentere en historie eller plot på samme dag, på samme tid og på samme sted."

På trods af deres udadvendte pedantry blev alle tre enheder oprettet med det mål at opnå en absolut lighed mellem liv og kunst.

Indeholdt mange nyttige og udiskuterbare bestemmelser beskyttede klassificismens normative æstetik teatret mod virkelighedens mangfoldighed, fratog kunstnerne troen på deres øjeblikkelige sensationer, udjævnet dem og gjorde ofte kreativitet til et pedantisk håndværk. Som et resultat af alt dette sejrede sindet, men poesi blev vegeteret. Og kunst viste sig at være fremmedgjort fra folket.

Denne dødfødte dramaturgi kunne naturligvis ikke fange publikum. Som allerede nævnt blev klassikernes værker sjældent vist på scenen og altid i en snæver kreds af elskere.

En sådan skæbne bragte selv de mest talentfulde repræsentanter for det klassiske teater fra 1500-tallet - Garnier og Larive.

De mest berømte tragedie digtere af fransk klassisisme er Cornell og Racine. Det er med disse navne, at udviklingen af \u200b\u200bgenren for klassisk tragedie er forbundet. Med hensyn til værkerne fra Moliere, som er de mest elskede klassiske komedier i dramatikens hjemland, er de blevet bevaret i 300 år og i næsten alle teatre i verden repertoire.

2. Pierre Cornell

Pierre Cornell var skaberen af \u200b\u200ben ny type heroisk tragedie, der mest udtrykte århundredets humanistiske idealer og legemliggjorde de æstetiske normer for den høje genre af klassisk drama. Cornel's tragedie "Cid", skrevet i 1636, markerede en milepæl i historien om det franske teater: genren af \u200b\u200bklassikertragedie blev fundet. Klassisismen inden for drama og teater bliver nu den dominerende stil, der vil underordne dens indflydelse det franske teater i det efterfølgende 1700-tallet. Og det vil påvirke udviklingen af \u200b\u200bdramatisk og scenearbejde i andre europæiske lande.

Cornel blev født i Rouen i en bureaukratisk familie og fik en juridisk grad, men praktiserede næsten ikke jura. Fra en ung alder var han glad for poesi, i 1629 skrev han en lyrisk komedie i versene "Melita", som blev ønsket af den berømte skuespiller Mondori, der turnerede i Rouen og blev sat på Paris-scenen af \u200b\u200bham. Det er fra denne betydningsfulde begivenhed for den unge forfatter, at hans dramatiske arbejde begynder.

Flytter til Paris skriver Cornell komedier og tragikomedier efter hinanden og introducerer levende billeder af liv og ægte drama i dem. Richelieu blev selv interesseret i dramatikeren og foreslår at blive medlem af gruppen af \u200b\u200bforfattere, der hjalp kardinal til at realisere hans litterære ideer relateret til styrkelse af absolutismens ideologi. Men Cornells arbejde passer ikke ind i rammen af \u200b\u200bpolitiske krav.

I 1634 skaber Cornell tragedien fra Sid og overfører stykket til produktion til sin ven Mondori. Premieren fandt sted på Mare Theatre i vintersæsonen 1636-1637. Forestillingen var en fænomenal succes. Mondore skrev til sin ven: ”Folkemængden ved døren til vores teater var så stor, og dets rum var så lille, at scenerne, som normalt tjente som nicher til sider, syntes at være æressteder for de blå bånd, og hele scenen var dekoreret med krydser Riddere af ordenen. "

I retning af Richelieu blev Sid-tragedien overvejet af det franske akademi. Akademikere sagde, at Cornell overtrådte alle love om enhed.

Fordømmelsen af \u200b\u200bSid påvirkede Cornels videre arbejde. Tragedien "Horace" skabt af ham i 1640 blev allerede skrevet med den nøjagtige overholdelse af alle klassisisme regler, og hendes idé var helt klart patriotisk.

Med tiden blev Cornells tragedier mere statiske. De mistede deres dramatiske lidenskab og blev til moralske afhandlinger i vers. Theodora, Heraclius fulgte en faldende linje, der førte Cornel til den ulykkelige tragedie Pertarit, som helt klart mislykkedes i 1652 og til en række efterfølgende mislykkede værker.

Den gamle mand Cornel forsøgte forgæves at beholde sin tidligere plads i det teatrale liv; hans principper var allerede faldne, men han ville ikke og kunne ikke lære nye. Føler sig overvældet af ham. Mesterskab overgået til den unge Racine.

3. Jean Racine

Den anden fase i udviklingen af \u200b\u200bgenren for klassisk tragedie er forbundet med navnet på Jean Racine, der berikede denne genre med dybe etiske spørgsmål og karakterernes mest subtile psykologiske kontur. Racine kontrasterede den effektive energi og retoriske majestæt af Cornell, billedet af menneskets indre liv. Tragediernes plot er meget enkle og tæt på familie- og personlige forhold mellem mennesker.

Jean Racine blev født i Le Ferte-Milon, i en regional anklagers familie. Der var ikke engang et år siden drengens fødsel, da hans mor døde, og da han var tre år gammel, mistede han sin far. I en alder af ti blev drengen placeret på et kollegium i byen Beauvais, og i en alder af sytten gik han ind i Jansenist-skolen i Por-Royal-klosteret.

Livlig, frihedselskende natur, en tidlig lidenskab for antik poesi, allerede i sin ungdom, bestemte Rasins tilbøjelighed til litterær skabelse og kærlighed til teatret.

Racine flyttede til Paris, hvor han studerede i klasselokalet for logik på d'Acourt College og med succes gjorde sin poetiske debut med at skrive ode "Se nymphen" til hoffet fest. Mærket af kongelig nåde optages Racine på Versailles domstol, som på det tidspunkt var citadellet for national kunst.

I Paris mødtes Racine med Boileau, Lafontaine og Moliere og skrev efter hans råd hans første tragedie - Thebaida, derefter Alexander den store, men tiden til læretid og storhjertethed var ved at afslutte. Rasin skriver tragedien om “Andromache”, der allerede taler som en uafhængig kunstner, i stand til en levende skildring af karakterer og en dyb afsløring af et offentligt tema. Så skriver han tragedierne fra Britannica, Bayazet, Mithridates. Rasins storhed og originalitet ligger i det faktum, at han hæver familietemaer til en så tragisk højde og integritet, at de afspejler de væsentlige aspekter af det moderne offentlige liv. Et eksempel er tragedien fra Fedra.

I Fedra nåede Racines poetiske talent sit højdepunkt. Men i det øjeblik kastede digterens misundelse ham et knusende slag: Hertuginden af \u200b\u200bBoulogne, der forentede den misundelige Racine, opnåede Fedras fiasko, da hun havde købt de fleste billetter til forestillingerne. Herefter forlod Racine teatret i lang tid.

På insistering fra Madame de Maintenon skrev han tragedien "Esther" og derefter "Hofolia." Louis 14 var utilfreds med ”Hofolia”, og snart faldt digteren til sidst ude af fordel på grund af en note om offentlige katastrofer, der blev udarbejdet af ham. Efter "Hofolia" levede Racine yderligere otte år, men skrev ikke noget andet.

4. Jean Baptiste Moliere (Poklen). Moliere Teater

I teaterhistorie fik Moliere rollen som den store komedereformator. Han gav genren et dybt socialt indhold, satirisk orientering og en levende teatralsk form.

Jean Baptiste Poclean, der tog pseudonymet Moliere, blev født i familien til den kongelige polstring, hvis position åbnede adgangen til retten. På Clermont College modtager Jean Baptiste en strålende uddannelse, læser i originalen fra gamle romerske forfattere, oversætter til fransk digtet fra den gamle digter og tænker Lucretius Cara "Om tingens natur." Efter hans fars insistering bestå han eksamen på University of Orleans for retten til at udøve jura, men hans interesse for litteratur og teater var afgørende. I begyndelsen af \u200b\u200b1643 tog Jean Baptiste et desperat skridt: han opgav officielt den arvelige titel af den kongelige polstring til fordel for sin yngre bror: han "kan ikke modstå det lidenskabelige ønske om scenen," skriver kunstkritiker E.N Shevyakova, "forlader huset, en advokats erhverv og retsservicen, for han ved allerede, at teatret er i hans blod, og for at være lykkelig, er han nødt til at være på scenen. Og teatret bliver hans skæbne. Han kommer tættere på familien af \u200b\u200bkomikere Bezharov, forelsket i den smukke Mad-Lena Bezhar, den daværende berømte skuespillerinde, der i mange år vil blive for ham både en kæreste og en ven i vandringer, og en ligesindig person og rådgiver og en skuespillerinde i hans trup, hvis død vil være forfærdeligt blæse for ham, og han vil dø nøjagtigt et år efter Madeleines død, på samme dag - den 17. februar ...

Men før det, endnu 30 år - glæde, kamp, \u200b\u200bkreativitet, tredive års tjeneste for en gud - TEATER. Døen er støbt! ” Efter at have oprettet, som de kaldte ”The Brilliant Theatre”, spillede troppen, der inkluderede Jean Baptiste Pocquelin, sin debut i Paris i 1644, hvor hun hovedsageligt spillede tragedie. Derefter dukket pseudonymet "Moliere" op - for ikke at vanære farens navn på scenen (hvem husker nu Poklen?). Teateret brænder imidlertid ud, og efter kun et halvt år på turné befinder Moliere sig i et gældsfængsel. En del af gælden blev betalt af hans far, en anden del blev betalt ved at sælge kostumer, og Molières trup rejste til Frankrig som gadekomikere. De var succesrige, og selv da skiller Moliere sig ud for hans spil. Her er, hvad der blev bemærket i en af \u200b\u200bdatidens anmeldelser: ”Han var en skuespiller fra top til tå. Han så ud til at have flere stemmer. Alt i ham sagde. Med et skridt, et smil, et blik, et nik i hovedet, rapporterede han mere, end den største taler i verden kunne fortælle på en time. ”

I efteråret 1658 kørte Moliere og hans skuespillere ind i hovedstaden med frygt og håb. Sandsynligvis, ikke uden hjælp fra troppens høje protektor, Prince Conti, formåede Moliere at tale med Louis XIV selv. Den 24. oktober 1658 i vagthallen i Louvre-palasset viste vandrende provinsielle komikere kongen og domstagedragedien af \u200b\u200bCornell “Ny godt”. Størstedelen af \u200b\u200bpublikum kunne lide de kvindelige kunstnere, men generelt forblev salen kold. Derefter bad Moliere kongen om tilladelse til at give en af \u200b\u200bhans små omlægninger, som fik ham noget berømmelse og bar provinsen. Kongen var enig i det, og skuespillerne spillede faren "Doctor in Love" med smitsom glæde. Louis og retten blev helt fascineret af provinsernes spil, og troppens skæbne blev besluttet: Kongen gav Moliere det gamle teater i Petit Bourbon, udnævnte en årlig pension på 1.500 livres, og kongens bror lod troppen bære sit navn.

King King-troppen begyndte at spille Petit Bourbon tre gange om ugen - på mandage, onsdage og lørdage, og italienerne optrådte torsdag og søndag. Den første sæson blev bleg: Skuespillerne, som om de var bange for at besudde de storslåede buer af paladshallen med deres afslappede vittigheder og troede, at provinsudvikler var upassende i hovedstaden, spillede stædigt tragedien. Moliere selv skrev ikke noget, han var optaget af teaterforhold - han gik på besøg hos indflydelsesrige mennesker, skabte nødvendige kontakter og valgte nye skuespillere. Foruden Jodle blev den unge Lagrange inviteret til de første roller i troppen. Efter at have fjernet forretningsopgaver, tog teatret instruktøren endelig pennen og skrev "Funny Simpers." Hele Paris gik til komedie. Og Petit Bourbon-troppen gik straks ind i de forreste rækker, og dens hoved fik berømmelse som en talentfuld dramatisk forfatter.

At gøre narr af falske mennesker kunne selvfølgelig Moliere ikke undlade at nævne den falske, fra hans synspunkt, teatralsk kunst. Det berømte teater kunne ikke lide denne ros, selvfølgelig var kunstnerne af Burgundy Hotel i spidsen for fjenderne til den "provinsielle upstart", som turde modigt modigt at gøre narr af moral og kunst i det høje samfund.

Publikum kunne også lide "Imaginary Cuckold", komedien blev afholdt fireogtredive gange i træk. Teateret havde det godt, men Molieres fjender sov ikke. Ifølge dem, helt på sæsonens højde - den 11. oktober 1668 - blev Moliere-troppen pludselig bortvist fra dens lokaler under påskud af, at Petit Bourbon-bygningen blev besluttet at blive revet, da en palads kolonnade skulle installeres på dette sted. Skuespillerne blev så hurtigt tvunget til at rydde op, at de ikke engang havde tid til at tage dekorationer med dem, som ikke uden indflydelse fra de samme fjender fra Moliere Theatre blev hensynsløst ødelagt.

Moliere er dog ikke uden grund blevet opfordret ni gange til kongen for at underholde ham ved at spille Sganarelle. Så snart den elskede skuespiller fortalte sin skytshelgen om den ulykke, der skete, beordrede Louis, at Molières troppe skulle få hallen i Palais Cardinal Palace, som Richelieu bød til kongefamilien. Derefter blev han omdøbt til Pale Royal. Reparation af teatret blev tilladt på kongelig regning.

Og bare tre måneder senere blev grønne Moliere-plakater igen indsat ved siden af \u200b\u200bde røde plakater på Burgundy-hotellet i byen, som rapporterede, at den 20. januar 1661 genoptog teaterstykkerne af King's Brother deres sæson i Palais Royal-bygningen med skuespil ”Love Annoyance” og “Imaginary Cuckold”.

Efter at have erobret de hårde parisiere, undfangede Moliere igen, som i sin ungdom, at prøve sig i en seriøs genre. Han skrev den tragikomediske Don Garcia fra Navarra, eller den jaloux-prins, og påtog sig selv at spille den heroiske hovedrolle. Resultatet af dette eksperiment var en fiasko, hvorfra dramatikeren tog den eneste rigtige konklusion: Han forstod behovet for at overføre moralske spørgsmål fra sfære af abstrakte teaterpersoner til almindelige menneskers verden.

Molieres komedier har fået stigende offentlig resonans. Sindene blev især oprørt den 26. december 1662, på dagen for premieren af \u200b\u200b"School of Wives." Teatret var fuldt. Komedien glade for bodene og vækkede forargelse hos gæsterne på lodgerne. Officiel moral blev trampet på den mest uhyrlige måde i komedie - forræderi blev hævet til dyd. Moliere skrev om indtrykket fra sin nye komedie om det sekulære samfund: ”Folk fordømte først denne nye komedie; men alle lo af forestillingen, og uanset hvor dårligt de talte om hende, har hun stadig en sådan succes, der fuldstændigt tilfredsstiller mig. ”

På Bourgogne-hotel, i litterære saloner, i aristokratiske sammenkomster, blandt de ærverdige fædre til byen og præsterne, blev Moliere overalt og overalt kritiseret, han blev kaldt en moralsk korruption og en mand med dårlig smag, men kriteriet for kunstnerisk sandhed for Moliere var kunstens overensstemmelse ikke med pedantiske regler, men med virkelighed. Moliere så målet med sine komedier i den sandhedsmæssige skildring og satiriske dækning af det moderne liv. For dramatikeren var det udiskutabelt, at værdien af \u200b\u200bværket ikke skulle bedømmes ud fra dets overholdelse af teorikravene, men ud fra det direkte indtryk af publikum og ud fra domme af sund fornuft.

Moliere's prestige ved retten steg hvert år. Moliere kirker er ikke ophørt med at forbande for hans Tartuffe, og den strålende satirist under fasten i 1664 viste allerede pariserne en ny ”djævelsk skabelse” - den gudløse komedie “Don Juan eller sten gæst”.

Moliere dedikerede hele sit arbejde til at afsløre det unaturlige i en social orden, der hviler på styrken af \u200b\u200bejendom og privat ejendom. I hver af sine komedier viste han disse eller andre deformiteter, der forekommer af en af \u200b\u200bdisse grunde. Moliere, der analyserede det moderne liv og skikker, vurderede dem kritisk ud fra naturens synspunkt, som han repræsenterede som alle de store humanister i form af en konsonant kombination af personlige lidenskaber og offentlig moral.

Kirken forbød begravelse af forfatteren af \u200b\u200bTartuffe: på sit dødsleje opgav han ikke sin tro og gav ikke afkald på sit håndværk. Efter vedvarende problemer tilladte kongen begravelse af sin favorit på kirkegården, men i hemmelighed og uden en procession. Om natten, i det svage lys af fakler, førte skuespillerne lærerens krop ud af huset, og den tusindste menneskemængde, der hemmeligt var samlet foran huset på Richelieu Street, begyndte at svaje i mørket og bar hovedet ...

Efter teatrets overvægt blev troppens anliggender først forværret kraftigt. Molieres bedste studerende, Baron og hans ægtefæller, flyttede til Burgundy Hotel, og dygtighedskomponisten Lully, efter mange års intriger, endelig overtalte Louis XIV til at give ham Petit Bourbon-teatret til operaoptræden.

Moliere-skuespillere med vanskeligheder formåede at komme ind i en ny teaterbygning på gaden til Genego. Efter en tid overførte kongen også skuespillere fra Marais teater her. Lagrange, der blev chef for den nye gruppe, ledede en energisk forretning. Genego-teatret havde en vidunderlig maskine, og derefter begyndte der at blive vist fortryllende forestillinger som ”Circe” af T. Cornell. Teaterkampen genoptog igen. Som om det var svar på Barons lokkning, lokkede Lagrange skuespillerinden Chanmele fra hotellet i Bourgogne.

Men kongen så ikke længere nødvendigheden af \u200b\u200bat eksistere af to teatre, der ligner hinanden, og den 18. august 1680 udstedte han et dekret om forening af Burgundy Hotel og Theatre på Genego Street i en enkelt kongelig tropp, der for at undgå enhver konkurrence fik eksklusive privilegier til iscenesættelse af forestillinger i Paris.

Så teatret blev skabt édie Française ( Fransk komedie)

5. Skuespillere Moliere

”Denne mand havde heldet at kende sin alder såvel som sine skuespillere”

Skuespillerne til Moliere var levende implementerer af hans litterære ideer, og derfor måtte de være hans sande medarbejdere. Hvis Moliere selv så hovedkilden til kreativitet i observationer af hverdagens virkelighed, krævede han det samme fra skuespilleren. I den allerede nævnte satiriske komedie de Wiese blev Molieres vane nøje overvåget. En af samtalepartnerne sagde, at han så Elomir (dvs. Moliere) i fabrikken, da han så på ædle købere. ”I henhold til udtrykket i hans øjne,” siger et øjenvidne, ”var det muligt at beslutte, at han stræbte for at trænge dybt ind i deres sjæle. Det blev øjeblikkeligt givet, at forfatteren havde gemt en notesbog i sin kappe, hvori han indgik karakteristiske udtryk og endda "malede grimaser for at skildre dem i naturen i sit teater." Men hvis bogen ikke eksisterede, var samtalepartnerne sikre på, at Moliere "fanger alt, hvad han så i sin fantasi", og kom til den konklusion, at denne komiker er en farlig person: "Der er mennesker, der dygtigt arbejder med deres hænder, men vi kan sige om ham, at han dygtigt arbejder med øjne og ører. ” En sådan anerkendelse af fjender for Moliere var et stort kompliment. Han virkede virkelig “øjne og ører” og lærede utrætteligt sine skuespillere denne komplekse kunst.

Moliere med sine skuespillere var streng og krævende, han godkendte et grundlæggende nyt system til scenespil og måtte vedvarende søge assimilering af disse nye ideer. Molieres styrke var selvfølgelig ikke i hårde råb, men i den oprigtige kærlighed, som troppen havde til sin instruktør. "Alle skuespillerne," skrev Lagrange, "elskede deres leder, der kombinerede ærlighed og attraktiv appel med ekstraordinære dyder og evner."

Men denne kloge og delikate mand mistede al ro og faldt i fuldstændig raseri, da han så en perversion af sine kunstneriske principper.

En gang, under udførelsen af \u200b\u200bTartuffe, råbte pludselig Moliere, der talte med skuespiller Chanmele i hans toilettet, ved siden af \u200b\u200bscenen: ”Hund! Bødlen! " Chanmele troede, han var skør, og så på ham, forskrækket. Efter at have bemærket dette, undskyldte Moliere og sagde: ”Bliv ikke overrasket over min ængstelse, jeg hørte en af \u200b\u200bskuespillerne læse fire vers fra mit skuespil på en elendig og bedragersk måde, og jeg kan ikke tåle det, når de mishandler mine børn uden at lide, som fra tortur med jern. "

At studere menneskelige typer, finde deres svagheder - dette er hemmeligheden ved at skabe ægte satiriske billeder. I modsætning til de abstrakte karakterer af de tragiske skuespillere og de monotone psykologiske ordninger fra commedia dell "arte-skuespillere, hævdede Moliere princippet om at skildre typiske verdslige karakterer. Han krævede, at skuespillerne ikke fulgte de kanoniske regler i scenen, men trængte ind i sjælen til de afbildede mennesker. Moliere fortalte skuespillerne:" Se i din essens roller og forestil dig, at du er den person, du repræsenterer. ”Instruktøren forklarede mest afgørende for skuespillerne betydningen af \u200b\u200bde roller, de udførte.

Men Moliere begrænsede sig ikke alene til foreløbige forklaringer, han stoppede ikke med at instruere sine skuespillere og gennem hele det videre arbejde med rollen. At stoppe repetitioner, fortolket karaktererne, situationerne og individuelle detaljer igen og igen, krævede en ændring i tone eller gang, parodierede fejl, skændte uagtsomheden og endte med at klatre på scenen og vise det selv. Ved repetitioner arbejdede instruktøren utrætteligt, da han vidste, at alle dramatikens værker kun bærer frugt, når gardinet stiger, og publikum ser forestillingen.

Molières tropp var den første samlede kunstneriske organisme i det franske teaters historie. Det stammede fra det kreative samfund af amatører og eksisterede i ni år, mens det opretholdt enheden i kunstneriske synspunkter. En snæver specialisering i visse roller blev erstattet af en mere fleksibel kunst af scene-reinkarnation.

Moliere skabte en helt ny type skuespillere og var selv det mest fremragende eksempel på denne nye type.

Ordsprog om Moliere:

Diskussion skal handle om essensen af \u200b\u200bting, ikke om ord; tvister er for det meste forårsaget af gensidig misforståelse, det faktum, at det samme ord betyder modsatte begreber.

Den mest strålende afhandling om moralske spørgsmål har ofte langt mindre indflydelse end satire ... Ved at udsætte laster for generel latterliggørelse, får vi et knusende slag mod dem.

For dem, der følger himmelens dikter, har anden grund ikke ringe vægt.

moliere Theatre Classicism

Referencer

1. Udenlandske teaters historie. Del 1. Vesteuropas teater fra antik til oplysning: En studievejledning til kultur. - Afklaring. og teater. Skoler og kulturinstitutioner / Ed. GN Boyadzhieva A.G. Eksemplarisk .-- 2. udg. , gentag. og tilføj. - M .; Uddannelse, 1981.-336s., Ill.