Præsentation om temaet maleri i det 20. århundrede. Kultur i første halvdel af det 20. århundrede: stigning eller fald

Antonova Yulia Alexandrovna

Forskningsprojekt - oplæg om russisk maleri fra det tidlige 20. århundrede om litteratur

Hent:

Eksempel:

For at bruge forhåndsvisningen af ​​præsentationer skal du oprette en Google-konto (konto) og logge ind: https://accounts.google.com

Slides billedtekster:

Russisk maleri fra det tidlige 20. århundrede. K.A. Korovin, V.A. Serov, M.A. Vrubel Forskningsprojekt for lektionen i litteratur af 11. klasses elev Yulia Antonova; MKOU "Medvedskaya gymnasiet nr. 17" i Efremov-distriktet i Tula-regionen. Lærer Antonova Nadezhda Nikolaevna

Russisk kultur er en af ​​grenene af det mægtige træ i den globale menneskelige kultur. Kunstnere søger smerteligt harmoni og skønhed i en verden, der grundlæggende er fremmed for både harmoni og skønhed. Denne tid med "aftener", forventningen om ændringer i det offentlige liv, gav anledning til mange tendenser, foreninger, grupperinger, et sammenstød mellem forskellige verdenssyn og smag. I Ruslands kunstneriske liv i begyndelsen af ​​det 20. århundrede spillede foreningerne "World of Art" og "Union of Russian Artists" en væsentlig rolle. Et nyt ord ved århundredeskiftet skulle K.A. Korovin, V.A. Serov og M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939) Generøst begavet af naturen, Korovin var engageret i både portrætter og stilleben, men landskab forblev hans yndlingsgenre. Han bragte i kunsten de stærke realistiske traditioner fra sine lærere fra Moskva-skolen for maleri, skulptur og arkitektur - Savrasov og Polenov, men han har et andet syn på verden, han stiller andre opgaver. Hans franske landskaber, forenet med titlen "Parisian Lights", er allerede et fuldstændig impressionistisk maleri med sin højeste etudekultur. Skarpe, øjeblikkelige indtryk af livet i en storby: stille gader på forskellige tidspunkter af dagen, genstande opløst i et lysluftmiljø, støbt med et "skælvende", vibrerende slag, en strøm af sådanne strøg, der skaber illusionen om et gardin af regn eller byluft mættet med tusindvis af forskellige dampe - funktioner, der minder om landskaberne i Manet, Pissarro, Monet.

Paris. Boulevard des Capucines. 1906 I modsætning til franske kunstnere, der kun genkender "naturens klare farver, født af solen", stræbte han efter ikke at vælge dagtimerne, men kompleks morgen- og aftenbelysning, for at vise "byens karakter, der ændrer sig i løbet af dagen"

Paris om natten. italiensk boulevard. 1908, Statens Tretyakov Gallery Det blev sagt, at Korovin for større glans købte specielt meget dyre malinger fra den svenske fabrik Bleksa til natlandskaber, som er kendetegnet ved fremragende kvalitet og lysstyrke. De var, med kunstnerens ord, "rigtige påfugle".

Fisk, vin og frugt. 1916 Korovin bevarer de samme træk af impressionistisk etude, iøjnefaldende kunstnerskab i alle andre genrer, primært i portrætter og stilleben, men også i dekorative paneler, i brugskunst, i teatralske scenerier, hvilket han gjorde hele sit liv.

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) var en af ​​de største kunstnere, en fornyer af russisk maleri ved århundredeskiftet. Serov blev opdraget blandt fremtrædende skikkelser af russisk musikkultur (hans far er en berømt komponist, hans mor er pianist), studerede hos Repin og Chistyakov, studerede de bedste museumssamlinger i Europa og gik ind i Abramtsevo-cirklen, da han vendte tilbage fra udlandet. . . I Abramtsevo blev der malet to portrætter, hvorfra Serovs herlighed begyndte, som kom ind i kunsten med sit eget, lyse og poetiske syn på verden. Hans "Girl with Peaches" (portræt af Verusha Mamontova, 1887, Tretyakov Gallery) og "Girl Illuminated by the Sun" (portræt af Masha Simanovich, 1888, State Tretyakov Gallery) repræsenterer en hel scene i russisk maleri.

V. A. Serov "Pige med ferskner" Vera Mamontova sidder i en rolig stilling ved bordet, ferskner er spredt på en hvid dug foran hende. Hun selv og alle objekterne præsenteres i de mest komplekse lys- og luftmiljøer. Solskin falder på dugen, på tøjet, en vægplade, en kniv. Den afbildede pige, der sidder ved bordet, er i organisk enhed med hele denne materielle verden, i harmoni med den, fuld af vital skælven, indre bevægelse.

En pige oplyst af solen (Portræt af M. Ya. Simonovich). 1888 Principperne for plein air maleri var endnu mere udtalt i portrættet af kunstnerens kusine Masha Simanovich, malet i det fri. Farverne her er givet i et komplekst samspil med hinanden, de formidler perfekt atmosfæren af ​​en sommerdag, farvereflektioner, der skaber en illusion af solstråler, der glider gennem løvet. Serov bevæger sig væk fra sin lærer Repins kritiske realisme til "poetisk realisme" (begrebet D.V. Sarabyanov).

Funktioner af kreativitet Billederne er gennemsyret af en følelse af livsglæde, en lys følelse af at være, en lys sejrrig ungdom. Dette blev opnået ved at "let" impressionistisk maleri, en skulptureret form, et dynamisk, frit penselstrøg, der skaber indtrykket af et komplekst lys-luft-miljø. Men i modsætning til impressionisterne opløser Serov aldrig objektet i dette miljø, så det dematerialiserer, hans komposition mister aldrig sin stabilitet. Serov var en dybt tænkende kunstner, der konstant ledte efter nye former for kunstnerisk virkeliggørelse af virkeligheden. Inspireret af Art Nouveau blev ideer om fladhed og øget dekorativitet afspejlet ikke kun i historiske kompositioner, men også i hans portræt af danseren Ida Rubinstein, i hans skitser til Bortførelsen af ​​Europa og Odysseen og Navzicae. Det er vigtigt, at Serov i slutningen af ​​sit liv vender sig til den antikke verden. I den poetiske legende, fortolket af ham frit, uden for de klassiske kanoner, ønsker han at finde harmoni, den søgen, som kunstneren viede alt sit arbejde til.

"Bortførelsen af ​​Europa" Det er svært umiddelbart at tro, at portrættet af Verusha Mamontova og "Bortførelsen af ​​Europa" blev malet af den samme mester, Serov er så alsidig i sin udvikling fra den impressionistiske ægthed af portrætter og landskaber fra 80'erne –90'erne til Art Nouveau i historiske motiver og kompositioner fra oldtidens mytologi.

"Odysseus og Nausicaa". 1910. Engang under en storm blev Odysseus smidt ud på en af ​​øerne i Middelhavet, hvor han mødte prinsesse Navzikaya, som vaskede tøj. Prinsessen beordrede at fodre og drikke helten for at give ham rent tøj, fordi tilbagevenden af ​​helten fra den trojanske krig til hans fødeø Ithaca var lang og smertefuld.

Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) Vrubels verden er en epoke i historien om ikke kun russisk, men også verdenskultur. Vrubel efterlod mere end 200 værker. Blandt dem - portrætter, malerier, dekorative paneler, illustrationer, skitser af teatralske gardiner, skulpturelle værker, byggeprojekter, slående i omfang og bredde af det kreative udvalg. Vrubel, inspireret af fortidens monumenter, skabte på mange måder på sin egen måde, og ofte skabt som ligestillet med fortidens store mestre. Næsten alle store russiske kunstnere i det 20. århundrede oplevede en stærk og varig indflydelse fra Vrubel. Hans måde at skrive "farverige terninger" på (ifølge F.I. Chaliapin) blev nogle gange fortolket som kubismens tærskel. Vrubel, som med sit værk beviste, at en dyb forståelse af naturen naturligt indebærer en overgang til den anden side af dens ydre fremtoning, står imidlertid ved oprindelsen af ​​ikke én bestemt retning, men næsten alle avantgarde-søgninger efter russisk kunst fra 20. århundrede.

Dæmon (sidder). 1890 Statens Tretyakov Galleri. Efter at have taget illustrationer til The Demon, gik han hurtigt væk fra direkte illustration og skabte allerede i samme 1890 sin Demon Seated - et værk, faktisk plotløst, men et evigt billede, ligesom billederne af Mephistopheles, Faust, Don Giovanni. Billedet af Dæmonen er det centrale billede af hele Vrubels værk, dets hovedtema.

"Siddende Dæmon" I et brev til min søster dateret den 22. maj 1890 læser vi: "I en måned nu har jeg skrevet Dæmonen, det vil sige ikke ligefrem den monumentale Dæmon, som jeg vil skrive med tiden, men den dæmoniske , halvnøgen, bevinget, ung, sørgeligt betænksom skikkelse sidder og krammer sine knæ, mod solnedgangens baggrund og ser på en blomstrende eng, hvorfra grene strækker sig ud til hende, bøjede under blomster. Dette er maleriet kendt som "Siddende Dæmon" - det første af en omfattende dæmonisk suite, inklusive maleri, tegninger og skulptur. "Vrubels Dæmon" er først og fremmest et lidende væsen. Lidelse i ham sejrer over ondskab. Samtidige så i hans "Dæmoner" et symbol på skæbnen for en intellektuel, en romantisk, der forsøgte oprørsk at flygte fra den grimme virkelighed ind i drømmenes uvirkelige verden, men kastede sig ud i jordens barske virkelighed. Længsel efter et helt menneskes musik er hans indre stemmegaffel. En kraftig torso med stramt spændte hænder er så at sige "klemt" af et smalt, aflangt rektangel af lærred; heltens elementære styrke er bundet af krystaller af fantastiske farver; hans ansigt skjuler storhed og samtidig menneskelig forsvarsløshed. Dæmonens blik, vendt mod naturens evige hemmeligheder, er rettet ud i det fjerne, hvor den karmosinrøde gyldne solnedgang bryder himlens mørke. Mosaiklægningen af ​​lysende strøg skaber et billede af en sublimt poetisk verden. I 90'erne, da kunstneren bosatte sig i Moskva, blev Vrubels skrivestil, fuld af mystik og næsten dæmonisk kraft, dannet, som ikke kan forveksles med nogen anden. Han skulpturerer formen som en mosaik, af skarpe "facetterede" stykker af forskellige farver, som om de glødede indefra. Farvekombinationer afspejler ikke farveforholdets virkelighed, men har en symbolsk betydning. Han skaber sin egen fantasiverden, der ikke minder meget om virkeligheden.

"Lilac" 1900 På den ukrainske gård, hvor kunstneren tilbragte sommeren, florerede syrener. For at formidle denne lilla verden på lærred, valgte Vrubel en sen time, hvor natten overtager verden. Luften synes at blive tykkere, bliver syren, og store klaser af blomster begynder at lyse i den som af sig selv. Et stort lærred, fuldstændig fyldt med disse blomster, der glitrer på baggrund af sort-grønt løv, ser først ud til at være lilla. Men kunstnerens øje fornemmer en storslået rigdom af farver i syrenskyen: nu dyb lilla, nu bleg lilla, nu sølvblå, blomsterne synes at komme i rulle med hinanden. I forgrunden er en pige med strømmende hår, som om hun kom frem fra dybet af en busk. Måske dukkede syrenens sjæl op for Vrubel?

"Lilac" Smukke digte blev skrevet af Osip Mandelstam efter en af ​​udstillingerne: Kunstneren skildrede for os Syrenens dybe besvimelse Og de klangfulde farvetrin På lærredet, som om han lagde skorper. Han forstod tætheden af ​​olier - Hans udtørrede sommer varmes op af lilla hjernen Udvidet til indelukket

"Flyvende Dæmon" 1899 Timing. Igen og igen vendte Vrubel sine tanker tilbage til sin Dæmon og planlagde at skrive ham flyvende. Til dette maleri valgte kunstneren et smalt langt lærred. Jordens store flade strakte sig ud over den i det uendelige. Dæmonen er malet stor, hans ansigt, skuldre, tunge vinger med en sølvskinnende glans er meget tæt på. Og jorden - bjergenes sneklædte tinder, dalene, den påtænkte stribe af floden - er langt nede. Kunstneren og publikum med ham, der ser på hende fra en højde, ser ud til at svæve ved siden af ​​Dæmonen.

"at vække sjælen med majestætiske billeder fra de små ting i hverdagen." Denne Dæmon har et helt andet ansigt end den "Siddende": stolt, uindtagelig. Men i hans øjne - længselsfuld, håbløs ensomhed. M.Yu. skrev om sin flugt i sit digt. Lermontov: Og hele Guds verden var omkring vild og vidunderlig; men den stolte Aand saa Foragtelig over sin Guds Skabelse, Og intet spejlede sig paa hans høje Pande... Forkastet af Gud, svæver Dæmonen højt over Jorden, hvor den ikke har Plads, som i Himlen. Vrubel efterlod arbejdet ufærdigt. En ny idé opstod i hans fantasi ... Denne tragedie i det kunstneriske verdensbillede bestemmer også Vrubels portrætkarakteristika: åndelig splid, et sammenbrud i hans selvportrætter, årvågenhed, næsten forskrækkelse, men også majestætisk styrke, monumentalitet - i portrættet af S. Mamontov (1897, State Tretyakov Gallery) , forvirring, angst - i det fantastiske billede af "Svaneprinsessen" (1900, State Tretyakov Gallery), selv i hans dekorative paneler "Spanien" (1894, Tretyakov Gallery) og "Venedig" (1893, Statens Russiske Museum), festlig i design og formål. Vrubel formulerede selv sin opgave - "at vække sjælen med majestætiske billeder fra hverdagens små ting."

Dæmon besejret. 1902 Statens Tretyakov-galleri. Vrubels mest tragiske værk. Og hvis vi i det tidlige lærred mærker fødslens kaos, hvor håbet lever, så hersker ruinen i den besejrede Dæmon. Ingen rigdom af farver, ingen mønstre af ornamenter skjuler tragedien af ​​en ødelagt personlighed, hans knækkede skikkelse, der er faldet fra himmelhøje højder, er allerede synligt pinefuld og inficerer hele verden omkring ham med den sidste solnedgangs skønhed.

"Portræt af V.Ya. Bryusov". 1906 ikke færdig State Tretyakov Gallery Helt blind kunne han tegne silhuetten af ​​en hest eller en anden uden at tage hånden af ​​papiret, men at tage hånden af ​​kunne han ikke fortsætte - han kunne ikke se. Det sidste billede, han var i stand til at male, var et smukt portræt af digteren V. Ya. Bryusov. Digterens indtryk af mødet med Vrubel er opdelt i det første tunge: ”Han trådte ind med en ustadig tung gang, som om han slæbte sine fødder ... en skrøbelig, syg mand, i en snavset krøllet skjorte. Han havde et rødligt ansigt; øjne - som en rovfugls; stikker hår ud i stedet for skæg. Første indtryk: skørt!” Men så fortæller Bryusov, hvordan kunstneren blev forvandlet, mens han arbejdede. "I livet, i alle Vrubels bevægelser, var der en klar lidelse ... Men så snart Vrubels hånd tog kul eller en blyant, fik hun ekstraordinær selvtillid og fasthed. Linjerne han tegnede var umiskendelige. Den kreative kraft overlevede alt i ham. Manden døde, kollapsede, mesteren fortsatte med at leve.

V. Bryusov og A. Blok om Vrubel Bryusov var meget tilfreds med portrættet og jokede endda med, at han stræber efter at være den samme som afbildet af Vrubel. Så dukkede smukke vers op: Fra et falsk og berømt liv Din drøm trækker dig ind i den azurblå himmels flade eller ind i safirvandets dyb. Utilgængelig for os, usynlig for os, Mellem skarer af grædende kræfter, serafer ned til dig i udstrålingen af ​​flerfarvede vinger. Fra krystallandets tårne, underkastet en fabelagtig skæbne, ser Naiads, trofast mod dig, listigt og trist ud. Og i timen ved den brændende solnedgang så du mellem de evige bjerge, hvorledes storhedsånden og forbandelserne faldt ned i kløfterne fra det høje. Og dér, i den højtidelige ørken, fattede kun du til enden af ​​de udstrakte vinger påfuglens glans og Edens ansigts sorg! Symbolistiske digtere beundrede kunstnerens arbejde, de forstod og stemte overens med fortolkningen af ​​Dæmonen, værkernes figurative stil. Alexander Blok, en langvarig beundrer af kunstneren, talte ved mindehøjtideligheden, sagde: "Han efterlod os sine dæmoner, som tryllekastere mod lilla ondskab, mod natten. Jeg kan kun skælve over, hvad Vrubel og hans lignende afslører for menneskeheden en gang i århundredet. De verdener, de så, ser vi ikke. Mikhail Alexandrovich Vrubel døde den 1. april (14), 1910, 54 år gammel. Den umiddelbare dødsårsag var lungebetændelse.

– et oplæg om MHK, der fortsætter temaet "Det 20. århundredes kunst". Dette er et forsøg på at give en idé om mangfoldigheden af ​​tendenser i den europæiske billedkunst i det 20. århundrede.

Maleri af det XX århundrede - et nyt kunstsprog

Illustrationer i præsentation "Det 20. århundredes maleri - et nyt kunstsprog", vil introducere nogle af de vigtigste tendenser inden for kunst i det XX århundrede. Ikke en eneste æra har givet verden kunstnerisk kultur så mange navne og kreationer som det tyvende århundrede. Sammen med realistisk kunst, som fortsætter med at udvikle sig på trods af avantgardens opfordringer til at ødelægge den gamle kunst, er der sådanne tendenser som fauvisme, ekspressionisme, futurisme, kubisme, abstrakt kunst, surrealisme og andre " ismer". Det nye kunstsprog blev misforstået af mange, hvilket ofte forårsagede indignation eller latterliggørelse. Kardinalændringer i samfundslivet førte til fødslen af ​​nye former i kunsten.

Nyt kunstsprog

Er der noget, der forener disse talrige retninger i maleriet? Det vigtigste er efter min mening ønsket om at skabe nye former, afvisningen af ​​den "gamle kunst", tendensen til at ødelægge traditioner. I denne henseende er dadaisternes og futuristernes manifester karakteristiske, hvor de søgte at retfærdiggøre fremkomsten af ​​kreationer, ofte chokerende og forårsager forvirring og indignation blandt kunstelskere:

Futurisme Manifest

1909, Italien, Filippo Marinetti

Fra Italien forkynder vi for hele verden dette voldsomme, destruktive, tændende manifest. Med dette manifest etablerer vi futurismen i dag, fordi vi ønsker at befri vores land fra professorer, arkæologer, talere og antikvarers ildelugtende koldbrand...

Museer - kirkegårde!.. Mellem dem er der selvfølgelig en lighed i den dystre blanding af mange kroppe, ukendte for hinanden. Museer er offentlige soveværelser, hvor nogle kroppe er dømt til at hvile for evigt ved siden af ​​andre, hadede eller ukendte. Museer er absurde slagterier af kunstnere og billedhuggere, der ubarmhjertigt dræber hinanden med farvestreger og streger på murens arena!...

Løft hovedet! Vi retter stolt på skuldrene og står på toppen af ​​verden og udfordrer igen stjernerne!

Det 20. århundredes malere sætter sig ikke som mål at afspejle virkeligheden, det er de overbevist om

"Formålet med kunst − ikke formidle indtryk af virkeligheden, -en billedet af dets tragiske og kaotiske, fjendtlige væsen gik gennem kunstnerens personlighed »

Sådan er ekspressionisternes kunst, hvis arbejde var stærkt præget af de politiske begivenheder i Europa i første halvdel af det 20. århundrede.

Og er det kunst?

"Dadas kannibalmanifest"

1918, Paris, Francis Picabia

“... Dada lugter ikke af noget, han er ingenting, ingenting, ingenting.

Hvordan er dine håb: intet,

som dit paradis: intet,

som dine idoler: intet,

som dine politiske mænd: intet,

som dine helte: intet,

som dine kunstnere: intet,

ligesom dine religioner: intet"

“Dadaisme er fantastisk!!!

"Dada er kunst! Dette er efter min mening en af ​​de strømninger, der havde stor berømmelse; ikke accepteret af flertallet og som følge heraf at have levet et stormfuldt og kort liv.
Dadaisme er et monument over en plastikflaske, det er malerier med genstande klistret på ... Dette er en filosofisk absurditet, dette er en anstødssten, dette er en benægtelse af alt klassisk og accepteret af flertallet. Dada er alt og intet. Det er det, og det er det ikke.
Alle har det, men ikke alle accepterer det. Sandsynligvis har Dada en lugt: lugten af ​​oprørsk munterhed, lugten af ​​den evige søgen efter det absurde.

At forstå det 20. århundredes kunst, som er svær at forstå og ofte ikke accepteret af mange, vil hjælpe en vidunderlig film skabt af smarte mennesker (i bogstavelig forstand) fra Arzamas Academy:

Nogle gange, på jagt efter nye former i kunsten, kommer malere fra det 20. århundrede til at benægte det indhold, der ville være forståeligt for kendere af traditionel kunst, chokerende og chokerende beskueren, ligesom nogle dadaister og surrealister gjorde.

En af typerne af komponistteknik i det XX århundrede. Komponeringsmetode (teoretisk udviklet af A. Schoenberg), hvor værkets musikalske stof er afledt af en 12-toneserie af en bestemt struktur, og ingen af ​​de 12 lyde i den kromatiske skala gentages. En serie kan optræde både i en horisontal præsentation (i form af et meloditema), og i en vertikal (i form af konsonanser), eller i begge på samme tid. Den opstod i processen med udviklingen af atonal musik. Forskellige former for dodekafonteknik er kendt. Af disse har Schoenbergs og J. M. Hauers metoder fået den største betydning. Essensen af ​​Schoenberg-metoden til dodekafoni er, at de melodiske stemmer og konsonanser, der udgør dette værk, er produceret direkte eller i sidste ende fra en enkelt kilde - en udvalgt sekvens af alle 12 lyde af den kromatiske skala, fortolket som en enhed. Denne sekvens af lyde kaldes en serie. Repræsentanter for dodekafoni er Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg, J. M. Hauer, Hindemith, Igor Stravinsky, Shostakovich, Pierre Boulez osv.

Andrey Onufrievich BembelAndrey Bembel blev født den 17. oktober 1905 i byen Velizh, Vitebsk
provinsen, hvor han modtog sin primære uddannelse i et mandligt gymnasium.
Fra 1924 til 1927 studerede han på Vitebsk Art College hos Kerzin
M.A. , derefter i 1931 dimitterede han fra Leningrad Academy of Arts.
Siden 1947 har han undervist, en af ​​arrangørerne og den første
lærere fra Minsk Art College. Siden 1953 - i Belorussky
teater og kunstinstitut. Formand for Sammenslutningen af ​​Kunstnere i BSSR.

Zair Isaakovich Azgur

Alexey Konstantinovich Glebov

Sergei Ivanovich Selikhanov

ARBEJDER

Vladimir Ivanovich Zhbanov

Mest kendte værker

Ivan Yakimovich Misko

Arbejder inden for staffeli og monumental skulptur. Hovedtemaet for hans værker er astronautik og dens helte.

MALERI

Mikhail Andreevich Savitsky

skabelse

Danzig MaiVolfovich

Leonid Dmitrievich Shchemelev

ARKITEKTUR