Franske cembalo. Cembalo - musikinstrument - historie, foto, video Franske komponister fra cembalo på 1700-tallet

Videnskabshistorisk rapport

temaet "Musik fra Frankrig i det 18. århundrede"

studerende i 10. klasse på Fakultet for fysik og matematik

lyceum №1525 "Sparrow Hills"

Kazakova Philip.

Den første ting at sige om det 18. århundrede fransk musik er det
i modsætning til førende lande inden for musikområdet (såsom Tyskland,
Østrig, Spanien og Italien) kunne Frankrig ikke prale af noget mere
antallet af særlig kendte kompositter, hverken kunstnere eller rige
sortiment af berømte værker. Mest berømte fransk
Gluck betragtes som datidens komponist, men han var også fra Tyskland.
Til dels blev denne situation dikteret af samfundets interesser, der bestemte
stilarter af musik. Overvej udviklingen af \u200b\u200bmusik i det 18. århundrede.

I begyndelsen af \u200b\u200bårhundrede var den mest populære musikstil sentimental
klassicisme. Det var langsom uhørt musik, ikke særlig kompliceret.
Vi spillede det på strenginstrumenter. Normalt ledsagede hun bolde og fester,
men de elskede også at lytte til hende i en afslappet, hjemlig atmosfære.

Så i lutemusikken begyndte Rococos træk og teknikker at falde, sådan
som en trill og flag. Hun fik et mere kompliceret look, musikalsk
sætninger er blevet mere komplicerede og interessante. Musik er blevet mere skilt fra
virkelighed, mere fantastisk, mindre korrekt og derfor tættere
til lytteren.

Mod anden halvdel af 1700-tallet blev funktionerne i Rococo således smeltet sammen
musik, at hun begyndte at få en bestemt orientering. Så snart
i musik blev to retninger adskilt: musik til dans og
musik til sang. Musik til dans ledsagede bolde, musik til
sang lød i fortrolige omgivelser. Ofte og aristokrater
De elskede at synge til lydene af et cembalo på hjemmet. Dukkede op på samme tid
en ny teatergenre med komedie-ballet, der kombinerer dialog, dans og
pantomime, instrumental, undertiden vokalmusik. Dets skabere er J.
B. Moliere og komponist J. B. Lully. Genren havde en betydelig indflydelse på
efterfølgende udvikling af det franske musikkteater.

Efter den finere isolering af musikalske genrer, begyndelsen
Marschmusik vises. Det var skarp, høj, støjende musik. PÅ
slaginstrumenter (trommer og
plader), der sætter rytmen og dermed fratager værket
individuel præstation. Brugt også meget
værktøjer som et rør, der dybest set tjente til at forbedre det samlede
lydstyrke. Det skyldes trommeslageres udseende og højlydt
instrumenter Fransk musik i det sene 1700-tallet er efter min mening blevet
især primitiv og ikke fremragende. Kronen for marcherende musik er blevet
udseendet af værket "Marseillaise" skrevet af Rouge De Lille i 1792
år.

Rouge De Lille Claude Joseph (1760-1836) Fransk militæringeniør, digter og
komponist. Han skrev salmer, sange, romanser. I 1792 skrev han en komposition
"Marseillaise", der i fremtiden blev hymnen for Frankrig.

Couperin Francois (1668-1733) - Fransk komponist, cembalo-spiller,
organist. Fra et dynasti, der kan sammenlignes med det tyske Bach-dynasti, som i
hans familie havde flere generationer musikere. Cooperen fik tilnavnet
Den "store Couperin" dels på grund af hans sans for humor, dels på grund af
Karakter. Hans arbejde er højdepunktet i fransk cembalo-kunst.
Cuperins musik kendetegnes ved melodisk opfindsomhed, nåde,
perfektion af detaljer.

Rameau Jean Philippe (1683-1764) - Fransk komponist og musikal
teoretiker. Ved hjælp af resultaterne fra fransk og italiensk musikal
kulturer, ændret markant den klassiske operas stil, forberedt
opera reform af K.V. Gluck. Han skrev den lyriske tragedie "Hippolytus og
Arisia ”(1733),“ Castor and Pollux ”(1737), opera-ballet“ Gallant India ”
(1735), cembalo-stykker og mere. Hans teoretiske værker -
et betydningsfuldt stadie i udviklingen af \u200b\u200bdoktrinen om harmoni.

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - den berømte fransk-tyske
komponist. Hans mest herlige aktivitet er forbundet med Paris
en opera scene, som han skrev sine bedste værker på
franske ord. Derfor betragter franskmændene det som fransk
komponist. Talrige operaer af det: “Artaserse”, “Demofonte”,
“Fedra” og andre blev givet i Milano, Torino, Venedig, Cremoni.
Efter at have modtaget en invitation til London skrev Glitch til Hay-Market Theatre to
operaer: “La Caduta de Giganti” (1746) og “Artamene” og opera potpourri
(pasticcio) “Pyram”. Denne sidste havde stor indflydelse på
yderligere aktiviteter i Gluck. Alle operaer, der leverede enorm succes
Gluck, blev skrevet efter det italienske mønster, bestod af et antal arier; på
dem Gluck var ikke særlig opmærksom på teksten. Hans opera "Pyram" han
sammensat af uddrag af tidligere operaer, der var mest succesrige,
justering af teksten i den nye libretto, så den passer til disse passager. Fejl i dette
opera førte Gluck til den idé, at kun musikken kan producere
korrekt indtryk, som er i direkte forbindelse med teksten.
Han begyndte at overholde dette princip i sine efterfølgende værker,
vedtage en gradvist mere seriøs holdning til recitation,
uddybe Arioso-betragtningen til den mindste detalje og ikke glemme det
recitation selv i arier.

Ønsket om en tæt forbindelse mellem tekst og musik ses allerede i
Semiramis (1748). Men en mere konkret vending af komponisten til operaen,
som et musikalsk drama, der kan ses i "Orfeo", "Alceste", "Paride ed Elena"
(1761 - 64), beliggende i Wien. Glücks opera reformator er
i "Iphigenie Aulide", givet i Paris med stor succes (1774).
Der blev givet: "Armide" (1777) og "Iphigenie en Tauride"
(1779) -

glucks største værk G.s sidste opera var ”Echo et
Narcisse. " Foruden operaer skrev Gluck symfonier, psalmer og mere. Alle
operaer, mellemsnit og balletter skrevet af Gluck over 50 år.

Afslutningsvis skal vi endnu en gang understrege det unikke ved fransk musik
1700-tallet. Musikalsk kreativitet var som et håndværk eller lys
hobby. På håndværket, fordi alle værker var af samme type og
ligner hinanden. På en hobby, fordi mange komponister
laver musik bare i hendes fritid, udfylder sådanne billeder med hende
fritid. En professionel kreativ skabelse, der kalder en sådan besættelse
ikke tilladt. Selv den mest berømte komponist i Frankrig på det tidspunkt, Gluck
(som i øvrigt ikke var rigtig fransk komponist),
krænkere kalder komponisten af \u200b\u200bet værk. Tilgængelig i
sind "Orfeus og Eurydice."

Kilder:

Great Encyclopedia of Cyril and Methodius,

Encyclopedia of Classical Music,

Brockhaus og Efron,

Klassisk musik (manual),

Internettet,

Kompetent musikolog Natalya Bogoslavskaya.

"MARSEILLAISE" ("Marseillaise") - Fransk revolutionær sang.
Først blev den kaldt "Rheinhærens kampsang", derefter "marts"
Marseilles ”eller“ Marseillaise ”. Under den tredje republik
Frankrigs nasjonalsang (siden den 14. juli 1975 udføres i den nye
musikudgave). I Rusland er "Arbejdet
Marseillaise ”(melodi“ Marseillaise ”, tekst af P. L. Lavrov, udgivet i
avisen "Frem" 1.7.1875).

HARMONY, det ekspressive middel til musik baseret på forening
toner i konsonans og på sammenhæng af konsonanser i deres konsistente bevægelse.
Den vigtigste type harmoni er en akkord. Harmoni er bygget på visse
ærgrelovene i polyfonisk musik i ethvert lager - homofoni,
polyfoni. Elementer af harmoni - kadens og modulation - de vigtigste faktorer
musikalsk form. Læren om harmoni er en af \u200b\u200bhovedafsnittene i teorien
musik.

fra perlemor, fra slutningen af \u200b\u200bdet 18. århundrede - fra porcelæn. I midten af \u200b\u200bdet 19. århundrede blev der for første gang anvendt polymert materiale til proteser. 1. celluloid 2. ebonit 3. gummi. 4. polymethylmethacrylpt 5. fluorplast 6. silikone.

ekspression? Giv mindst tre eksempler.
Nå, jeg har en idé: Russiske kunstnere fra 1700-tallet skrev i vestlige stilarter (barok, sentimentalisme osv.), Men gennem de vestlige kanoner dukkede der stadig frem en særlig russisk stil (russisk barok optrådte), forskellig fra den vestlige. Så er "parykken" en ejendommelig personificering af Vesten (desto mindre blev parykker moderigtigt), og "skaldet hoved" er de meget russiske træk, der "ser ud" gennem "parykens" kanon.
Brug for mere to ideer. Hjælp mig.

fra perlemor, fra slutningen af \u200b\u200bdet 18. århundrede - fra porcelæn. I midten af \u200b\u200bdet 19. århundrede blev der for første gang anvendt polymert materiale til proteser.

1. celluloid

4. polymethylmethacrylpt

5.Ftoroplast

6.Silicone.

I hvert spørgsmål om de fire navne på komponisterne skal du vælge et.))))

1. Navngiv komponisten fra barokken.
a) Vivaldi;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Schumann.
2. Hvilken af \u200b\u200bde nævnte komponister var en abbed?
a) Bach;
b) Handel;
c) Vivaldi;
d) Mozart.
3. Navngiv forfatteren "Vel tempereret klaver", "Lidenskab for Matthew", "Opfindelser".
a) Bach;
b) Beethoven;
c) Chopin;
d) Schumann.
4. Hvem skrev operaen Fidelio?
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
5. Nogle af komponisterne skrev operaen "Brylluppet i Figaro", "Don Giovanni",
a) Mozart;
b) Beethoven;
c) Mendelssohn;
d) Rossini.
6. Hvilken af \u200b\u200bdisse komponister er ikke en wienerklassiker?
a) Haydn;
b) Schumann;
c) Mozart;
d) Beethoven.
7. Hvem er forfatteren til operaerne Aida, La Traviata, Rigoletto?
a) Mozart;
b) Beethoven;
c) Rossini;
d) Verdi.
8. Hvem skrev 32 sonater til klaver?
a) Bach;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
9. Navngiv forfatteren "Symfoni med Tremolo Timpani", "Farvel", "Børn".
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schumann;
d) Chopin.
10. Hvem kaldes "symfonier og kvartetts far"?
a) Matsart;
b) Beethoven;
c) Haydn;
d) Bach.
11. Hvilken af \u200b\u200bkomponisterne var den første til at kalde hans værk et symfonisk digt?
a) Guano;
b) Berlioz;
c) Beethoven;
d) ark;
12. Hvilken musikalsk form er baseret på en konflikt mellem to temaer?
a) variationer
b) rondno;
c) sonataform;
d) fugue.
13. Navngiv forfatteren til symfonierne, i hvilke finalen koret bruges:
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schubert;
d) Beethoven.
14. Hvilken af \u200b\u200bdisse komponister skrev kun til klaveret?
a) Gounod;
b) Chopin;
c) Mahler;
d) Schumann;
15. Hvilken af \u200b\u200bdisse komponister skrev musikken til Ibsens drama Per Gynt?
a) Chopin;
b) Berlioz;
c) Mahler;
d) Schumann.
16. Hvem skrev vokalcyklusserne “The Beautiful Mill” og “The Winter Way”?
a) Schubert;
b) Schumann;
c) Mendelssohn;
d) Bizet.
17. Navngiv forfatteren af \u200b\u200b“Unfinished Symphonies”:
a) Beethoven;
b) Haydn;
c) Schubert;
d) Wagner.
18. Hvem skrev Carnival klavercyklus?
a) Beethoven;
b) Mozart;
c) Haydn;
g) ark.
19. Hvem skrev mere end 100 symfonier?
a) Beethoven;
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Schubert.
20. Russisk komponist, violinist fra det XVIII århundrede:
a) Alyabyev;
b) Fomin;
c) Handoshkin;
d) Verstovsky.

Videnskabshistorisk rapport

temaet "Musik fra Frankrig i det 18. århundrede"

studerende i 10. klasse på Fakultet for fysik og matematik

lyceum №1525 "Sparrow Hills"

Kazakova Philip.

Den første ting, der skal siges om musikken i Frankrig fra det 18. århundrede, er, at Frankrig, i modsætning til de førende lande inden for musikområdet (såsom Tyskland, Østrig, Spanien og Italien) ikke kunne prale af et stort antal særligt velkendte kompositter eller kunstnere, heller ikke et rigt sortiment af berømte værker. Den tids mest berømte franske komponist anses for at være Gluck, men han var også fra Tyskland. Til dels blev denne situation dikteret af samfundets interesser, der bestemte musikstilene. Overvej udviklingen af \u200b\u200bmusik i det 18. århundrede.

I begyndelsen af \u200b\u200bårhundrede var den mest populære musikstil sentimental klassicisme . Det var langsom uhørt musik, ikke særlig kompliceret. Vi spillede det på strenginstrumenter. Normalt ledsagede hun bolde og fester, men de kunne også lide at lytte til hende i en afslappet og hjemlig atmosfære.

Derefter begyndte træk og tricks at falde i lutemusik. rokoko, såsom trill og flag. Hun fik et mere kompliceret look, musikalske sætninger blev mere komplicerede og interessante. Musik er blevet mere adskilt fra virkeligheden, mere fantastisk, mindre korrekt og derfor tættere på lytteren.

Mod anden halvdel af 1700-tallet smeltede funktionerne i Rococo sammen i musikken, at det begyndte at få en bestemt orientering. Så snart to retninger tydeligt skilte sig ud i musik: musik til dans og musik til sang. Musik til dans blev ledsaget af bolde, musik til sang lød i fortrolige omgivelser. Ofte elskede aristokrater at synge til lyden af \u200b\u200bet cembalo på hjemmet. Samtidig dukkede en ny teatergenre af komedie-ballet op, der kombinerede dialog, dans og pantomime, instrumental, undertiden vokalmusik. Dets skabere er J. B. Moliere og komponist J. B. Lully. Genren havde en betydelig indflydelse på den efterfølgende udvikling af det franske musikkteater.

Efter den finere isolering af musikalske genrer begyndte marchmusik at dukke op. Det var skarp, høj, støjende musik. På dette tidspunkt blev der spredt slaginstrumenter (trommer og cymbaler), som sætter rytmen, hvorved man fratager arbejdet med performanceens individualitet. Instrumenter som trompet blev også brugt meget, hvilket hovedsageligt tjente til at øge det samlede volumen af \u200b\u200bmusikken. Det var på grund af trommeslagere og høje instrumenter, at fransk musik i det sene 1700-tallet efter min mening blev særlig primitiv og ikke fremragende. Kronen med marcherende musik var udseendet på værket "Marseillaise", skrevet af Rouge De Lille i 1792.

Rouge De Lille Claude Joseph (1760-1836) Fransk militæringeniør, digter og komponist. Han skrev salmer, sange, romanser. I 1792 skrev han kompositionen " Marseillaise ”, Som i fremtiden blev hymnen for Frankrig.

Couperin Francois (1668-1733) - Fransk komponist, cembalo, organist. Fra et dynasti, der kan sammenlignes med det tyske Bach-dynasti, da der var flere generationer af musikere i hans familie. Couperin fik tilnavnet "den store Couperin" dels på grund af hans sans for humor, dels på grund af hans karakter. Hans arbejde er højdepunktet i fransk cembalo-kunst. Cuperins musik er kendetegnet ved melodisk opfindsomhed, nåde og forfining af detaljer.

Rameau Jean Philippe (1683-1764) - Fransk komponist og musikteoretiker. Ved hjælp af resultaterne fra de franske og italienske musikalsk kulturer ændrede han betydningen af \u200b\u200bden klassiske opera og forberedte opera reformen af \u200b\u200bK.V. Gluck. Han skrev de lyriske tragedier "Hippolytus og Arisia" (1733), "Castor og Pollux" (1737), opera-balletten "Gallant India" (1735), cembalo og mere. Hans teoretiske værker er en betydelig fase i udviklingen lære om harmoni .

Glitch Christoph Willibald (1714-1787) - den berømte fransk-tyske komponist. Hans mest herlige aktivitet er forbundet med operaens scene i Paris, som han skrev sine bedste værker med franske ord. Derfor betragter franskmændene ham som en fransk komponist. Talrige operaer af det: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" og andre blev givet i Milano, Torino, Venedig, Cremoni. Efter at have modtaget en invitation til London skrev Gluck to operaer til Hay-Market Theatre: LaCadutade Giganti (1746) og Artamene og opera potpourri (pasticcio) Pyram. Sidstnævnte havde en stor indflydelse på den ekstreme aktivitet af Gluck. Alle operaerne, der leverede Glucks enorme succes blev skrevet efter det italienske mønster, bestod af et antal arier; i dem var Gluck ikke meget opmærksom på teksten. Han komponerede sin opera Pyram fra passager fra tidligere operaer, der var mest succesrige, og justerede en anden tekst til den nye libretto, så den passede til disse passager. Fejlen i denne opera førte Glucan til tanken om, at kun musikken kan give det rette indtryk, hvilket er i direkte forbindelse med teksten. Han begyndte at holde sig til dette princip i sine efterfølgende værker, og assimilerede gradvist en mere seriøs holdning til recitation, uddybede Arioso recitation til den mindste detalje og glemte ikke recitation selv i Arias.

Ønsket om en tæt forbindelse mellem tekst og musik ses allerede i Semiramis (1748). Men en mere konkret vending af komponisten til opera, hvad angår et musikalsk drama, kan ses i "Orfeo", "Alceste", "ParideedElena" (1761 - 64), der er iscenesat i Wien. Reformatoren af \u200b\u200boperaen Gluck er i "Iphigenie Aulide", der blev givet i Paris med stor succes (1774). Der blev givet: "Armide" (1777) og "IphigenieenTauride" (1779) -

glucks største værk G.s sidste opera var "Echo et Narcisse". Foruden operaer skrev Gluck symfonier, psalmer og mere. Alle operaer, interlude og balletter er skrevet af Gluck over 50 år.

Afslutningsvis skal vi endnu en gang understrege enfoldigheden af \u200b\u200bfransk musik fra 1700-tallet. Musikalsk kreativitet var som et håndværk eller en let hobby. På håndværket, fordi alle værker var af samme type og ligner hinanden. Det er en hobby, fordi mange komponister lavede musik lige i deres fritid og fyldte deres fritid med sådanne billeder. En sådan besættelse kan ikke kaldes professionel kreativ skabelse. Selv den mest berømte komponist i Frankrig på det tidspunkt, Gluck (som i øvrigt ikke var rigtig fransk komponist), kalder dårlige ønsker komponisten af \u200b\u200bet værk. Dette henviser til "Orpheus og Eurydice."

Kilder:

Great Encyclopedia of Cyril and Methodius,

Encyclopedia of Classical Music,

Brockhaus og Efron,

Klassisk musik (manual),

Internettet,

Kompetent musikolog Natalya Bogoslavskaya.

"MARSEILLAISE" ("Marseillaise") - Fransk revolutionær sang. Først blev den kaldt "Battle Song of the Rhine Army", derefter "Marseille marts" eller "Marseillaise". Under den tredje republik blev det Frankrigs nasjonalsang (siden den 14. juli 1975 er det blevet fremført i den nye musikudgave). Den Working Marseillaise blev spredt i Rusland (melodien til Marseillaise, tekster af P. L. Lavrov, udgivet i avisen Vperyod 1.7.1875).

HARMONY, ekspressive musikmidler, baseret på kombinationen af \u200b\u200btoner i harmoni og sammenhængen mellem harmonier i deres konsistente bevægelse. Den vigtigste type harmoni er en akkord. Harmoni er bygget i henhold til visse love i båndene i polyfonisk musik i ethvert lager - homofoni, polyfoni. Elementer af harmoni - kadens og modulation - er de vigtigste faktorer i musikalsk form. Læren om harmoni er en af \u200b\u200bhovedafsnittene i musikteorien.

Siden midten af \u200b\u200bdet XVII århundrede overgik forresten i udviklingen af \u200b\u200bclaviermusik fra engelske verginalister til de franske cembalo. Denne skole i lang tid, næsten et århundrede, var den mest indflydelsesrige i Vesteuropa. Dens forfader betragtes Jacques Chambonier, kendt som en fremragende udøver på orgel og cembalo, en talentfuld lærer og komponist.

Cembalo-musik-koncerter i Frankrig fandt normalt sted i aristokratiske saloner og paladser efter en let small talk eller dans. En sådan situation begunstigede ikke kunsten at være dybtgående og alvorlig. I musik blev yndefuld sofistikering, raffinement, lethed og viden værdsat. På samme tid blev skuespil i mindre skala - miniatyrer - foretrukket. “Intet langt, trættende, for alvorligt” - Sådan var den uskrevne lov, der skulle ledes af domstolen for franske komponister. Ikke overraskende henvendte de franske cembalo sig sjældent til store former, variationskredsløb - de tvingede hen til suitebestående af dans og programminiaturer.

I modsætning til tyske suiter, der udelukkende består af dansenumre, er suiter fra franske cembalo'er bygget mere frit. De stoler ganske sjældent på den strenge rækkefølge af Alemanda - Courant - Sarabande - Gig. Deres komposition kan være enhver, undertiden uventet, og de fleste af stykker har et poetisk navn, der afslører forfatterens intention.

Skolen for franske cembalo er repræsenteret med navne på L. Marchand, J.F. Dandrie, F. Dazhenkur, L.-K. Daken, Louis Couperin. Mest af alt lykkedes det disse komponister med yndefulde pastorale billeder ("Cuckoo" og "Swallow" af Daken; "Bird Cry" af Dandrieux).

Den franske cembalo-skole nåede sit højdepunkt i arbejdet med to genier - Francois Couperin(1668–1733) og hans yngre samtid Jean Philippe Rameau (1685–1764).

Samtidige kaldte Francois Couperin "Francois den store." Ingen af \u200b\u200bderes cembalo'er kunne konkurrere med ham i popularitet. Han blev født i en familie med arvelige musikere og tilbragte næsten hele sit liv i Paris og Versailles som dommerorganist og lærer i musik til kongebørn. Komponisten arbejdede i mange genrer (med undtagelse af teater). Den mest værdifulde del af hans kreative arv er 27 cembalo-suiter (ca. 250 stykker i fire samlinger). Det var Couperin, der etablerede den franske suite, der adskiller sig fra de tyske mønstre, og hovedsageligt består af programstykker. Blandt dem er der skitser af naturen ("Sommerfugle", "Bier", "Reeds") og genrescener - malerier af landdistrikterne ("Reapers", "Grape pickers", "Knitters"); men især mange musikalske portrætter. Dette er portrætter af sekulære damer og enkle unge piger - navnløse ("elskede", "den eneste") eller specificeret i titlerne på stykker ("prinsesse Maria", "manon", "søster Monica"). Ofte tegner Kuperen ikke et specifikt ansigt, men en menneskelig karakter ("Hårdtarbejdende", "Frolic", "Anemone", "Not touched") eller prøver endda at udtrykke forskellige nationale karakterer ("Spanish Woman", "Frenchwoman"). Mange af Cuperins miniaturer er tæt på datidens populære danser, f.eks. Klokkeslæt og minuetter.

Den foretrukne form for Cooperen-miniaturer var rondo.

Som allerede bemærket opstod cembalo-musikken i et aristokratisk miljø og var beregnet til det. Det var i harmoni med ånden i den aristokratiske kultur, deraf den ydre nåde i design af tematisk materiale, overfloden af \u200b\u200bornamentik, der repræsenterede det mest karakteristiske element i den aristokratiske stil. Mangfoldigheden af \u200b\u200bsmykker er uadskillelige fra cembalo-stykker helt op til den tidlige Beethoven.

Cembalo-musik Ramo i modsætning til kamertraditionerne i genren, et stort præg. Han er ikke tilbøjelig til at udskrive detaljer. Hans musik er kendetegnet ved sin livlige karakteristik, den føles straks håndskriften til en født teaterkomponist (Kylling, Savages, Cyclops).

Foruden de vidunderlige cembalo-stykker skrev Ramo mange "lyriske tragedier" såvel som den banebrydende "Treatise on Harmony" (1722), som gav ham et ry som en stor musikteoretiker.

Udviklingen af \u200b\u200bitaliensk claviermusik er forbundet med navnet Domenico Scarlatti.

Programmatiske værker er de værker, der har et specifikt plot - "programmet", der ofte er begrænset til en overskrift, men kan indeholde en detaljeret forklaring.

Tilsyneladende skyldtes smykker udseendet på cembalo, hvis lyd døde øjeblikkeligt, og trillen eller groupetto delvist kunne kompensere for dette og forlænge lyden fra referencelyden.

I Vesteuropa (især italiensk-spansk.) mange hoveder. wok. Musik fra senmiddelalderen og renæssancen (moteter, madrigaler osv.) som improvisationer. element kører. Art-va udviklede i høj grad reduktionsteknikken. Hun udgjorde også en af \u200b\u200bde strukturerede kompositioner. grundlæggende i så gamle instr. genrer som prelude, reacherkar, toccata, fantasy. September formindskelsesformler fremkom gradvist fra mangfoldige manifestationer af fri O., mest af alt ved afslutningen af \u200b\u200bmelodiske. konstruktioner (i klausuler). Om ser. 15 århundrede i ham. org tabletter de første grafer dukkede op. badges til skrivning af dekorationer. Til ser. 16 århundrede blev meget brugt - i dekomponering. varianter og forbindelser - mordent, trill, groupetto, to-rug er stadig blandt de vigtigste. instr. smykker. Tilsyneladende blev de dannet i praksis med instr. ydeevne.

Fra 2. sal. 16 århundrede fri O. udviklet hl. arr. i Italien, først og fremmest i en anden melodiøs. rigdom af solo wok. musik såvel som violin, der trækker mod virtuositet. til musik. På det tidspunkt i violin. musik har endnu ikke fundet udbredt brug af vibrato, der giver udtryk for udvidede lyde, og melodiens rige ornamentik tjente som erstatning for den. Melismatic. smykker (ornamenter, landskaber) fik særlig udvikling inden for franskmennenes kunst. lutnister og cembalo på 1600- og 1700-tallet, for hvem afhængigheden af \u200b\u200bdans var karakteristisk. sofistikerede stylinggenrer. På fransk musik der var et tæt forhold instr. landbrug med sekulær wok. sangtekster (den såkaldte airs de cour), selve kanten var gennemsyret af dans. plast. engelsk virginalister (slutningen af \u200b\u200bdet 16. århundrede), tilbøjelige til sangstema og dens variation. udvikling inden for O. mere graviteret til reducerende udstyr. Få er melismatiske. badges brugt af virginalisterne kan ikke dechiffres nøjagtigt. På østrig-tysk. clavier kunst-ve, der begyndte at udvikle sig hurtigt med ser. 1600-tallet, indtil I.S. Bach inkluderede, blev gravitations tendenser mod italiensk. mindskende og fransk. melismatic. stilarter. På fransk. musikere 17-18 århundreder. det blev en skik at ledsage stykker af stykker med dekorationsborde. Det mest omfangsrige bord (med 29 varianter af melismas) blev sendt til cembalo-samlingen af \u200b\u200bJ. A. d "Angleber (1689); selvom sådanne tabeller afslører ubetydelige uoverensstemmelser, er de blevet en slags fælles katalog over smykker. Især i tabellen sendt Bach "Clavier-bog til William Friedemann Bach" (1720), meget blev lånt fra d "Angleber.

Afgang fra gratis O. mod regulerede smykker af franskmændene. Cembalo blev fastgjort i en orc. musikken fra J. B. Lully. Stadig fransk. reguleringen af \u200b\u200bsmykker er ikke absolut streng, da selv den mest detaljerede tabel angiver deres nøjagtige fortolkning kun for typiske applikationer. Mindre afvigelser er tilladt, svarende til musens specifikke træk. væv. De afhænger af kunstneren og kunstnerens smag og i publikationer med udskrevne transkriptioner - fra stilistiske. viden, principper og smag hos redaktører. Lignende afvigelser er uundgåelige i udførelsen af \u200b\u200bteaterstykker af den lysende franskmand. cembalo, P. Couperin, der insisterende krævede den nøjagtige opfyldelse af sine regler for dechiffring af smykker. Franz Det var også typisk for cembalo at tage en mindskende ornamentik under forfatterens kontrol, som de især skrev om i variabler. tager.

At con. 1600-tallet, da franskmennene. cembalo er blevet lovgivere for smag inden for deres felt, smykker som trille og nåde sammen med melodiske. funktion, begyndte at udføre en ny harmonisk. funktion, skabe og skærpe dissonans på en stærk takt. JS Bach skrev ligesom D. Scarlatti normalt uoverensstemmende smykker i det væsentlige. musikalsk tekst (se f.eks. del II af den italienske koncert). Dette gjorde det muligt for I.A. Sheyba at tro, at Bach handler på en sådan måde fratager sine værker. "skønheder af harmoni", for komponisterne foretrak på det tidspunkt at udskrive alle dekorationer med ikoner eller små noter for at grafisk. Optagelserne var klart harmoniske. harmoni akkorder.

F. Cooperin har en raffineret franskmand. cembalo-stil nåede sit højdepunkt. I de modne skuespil af J. F. Rameau var der et ønske om at gå ud over kammerbetænkning, styrke den effektive dynamik i udviklingen og anvende muses. at skrive bredere dekorative streger, især i form af baggrundsharmonik. figurationer. Derfor tendensen til en mere moderat brug af smykker i Rameau såvel som på de senere franske. cembalo, f.eks. hos J. Dufly. Dog i 3. kvartal. 18 århundrede O. har nået en ny storhedstid i produktioner, der er forbundet med sentimentalistiske tendenser. En lys repræsentant for denne kunst. instruktioner i musik blev lavet af F. E. Bach, forfatteren af \u200b\u200bafhandlingen "Oplevelse på den rigtige måde at spille clavier", i Krom var meget opmærksom på O.

Den efterfølgende høje blomstring af wienerklassicisme på linje med den nye æstetik. idealer førte til en mere streng og moderat anvendelse af O. Ikke desto mindre fortsatte hun med at spille en fremtrædende rolle i værkerne af J. Haydn, V. A. Mozart og den unge L. Beethoven. Fri O. vedvarede i Europa. musik preim. inden for variation, virtuos konc. kadenser og wok. coloratura. Sidstnævnte afspejles i det romantiske. fp musik 1. sal. 19. århundrede (i især originale former af F. Chopin). Desuden gav den dissonante lyd af melismisme plads til en konsonant; især trillen begyndte at begynde preim. ikke med hjælpearbejde, men med DOS. lyd, ofte med dannelse af sløvhed. Dette er harmonisk. og rytme. O.'s blødgøring gjorde en kontrast med den øgede dissonans af selve akkorderne. Karakteristisk for romantiske komponister var den hidtil uset udvikling af harmonier. figurativ baggrund i fp. musik med en bred koloristisk. ved hjælp af pedalisering samt klods og farverige figurer. teksturer i orc. scorer. I 2. sal. 19. århundrede O.'s værdi faldt. I det 20. århundrede. rollen som fri O. steg igen i forbindelse med styrkelse af improvisationer. begynder i bestemte områder af muses. kreativitet, f.eks. inden for jazzmusik. Der er en enorm teoretisk metode. litteratur om O.s problemer.Den er genereret af utrættelige forsøg på at maksimere afklare O.'s fænomener, "imod" dette i dets improvisation. natur. Meget af det, som forfatterne af værkerne præsenterer som strenge, omfattende dekrypteringsregler, viser sig at være bare private henstillinger.