Esitys aiheesta 1900-luvun maalaus. 1900-luvun ensimmäisen puoliskon kulttuuri: kukoistaminen tai rappeutuminen

Antonova Julia Aleksandrovna

Tutkimusprojekti - esitys 1900-luvun alun venäläisestä kirjallisuudesta

Ladata:

Esikatselu:

Jos haluat käyttää esityksen esikatselua, luo Google-tili ja kirjaudu sisään siihen: https://accounts.google.com

Dian kuvatekstit:

1900-luvun alun venäläinen maalaus. K.A. Korovin, V.A. Serov, M.A. Vrubel Tutkimusprojekti 11. luokan oppilaan Julia Antonovan kirjallisuustunnille; MKOU "Medvedskaya lukio nro 17" Tulan alueen Efremovskin alueella. Opettaja Antonova Nadezhda Nikolaevna

Venäläinen kulttuuri on yksi maailman universaalin kulttuurin mahtavan puun haaroista. Taiteilijat etsivät tuskallisesti harmoniaa ja kauneutta maailmassa, joka on pohjimmiltaan vieras sekä harmonialle että kauneudelle. Tämä "aattojen" aika, odotukset julkisen elämän muutoksista, synnytti monia liikkeitä, yhdistyksiä, ryhmittymiä, erilaisten maailmankatsomusten ja makujen yhteentörmäystä. Venäjän taiteellisessa elämässä 1900-luvun alussa yhdistyksillä "World of Art" ja "Union of Russian Artists" oli merkittävä rooli. Vuosisadan vaihteessa K.A.:n piti sanoa uusi sana. Korovin, V.A. Serov ja M.A. Vrubel.

Konstantin Aleksejevitš Korovin (1861–1939) Luonnon anteliaasti lahjakas Korovin opiskeli sekä muotokuvia että asetelmia, mutta hänen suosikkilajinsa säilyi maisema. Hän toi taiteeseen Moskovan maalaustaiteen, kuvanveiston ja arkkitehtuurin koulun opettajiensa – Savrasovin ja Polenovin – vahvat realistiset perinteet, mutta hänellä on erilainen näkemys maailmasta, hän asettaa erilaisia ​​tehtäviä. Hänen ranskalaisen maiseman, joka on yhdistetty otsikkoon "Pariisilaiset valot", on jo melko impressionistinen kirjoitus, jolla on korkein etydikulttuuri. Teräviä, välittömiä vaikutelmia suurkaupungin elämästä: hiljaiset kadut eri vuorokaudenaikoina, esineet liukenevat kevyeen ilmaan, muotoiltu "vapisvalla", värisevällä vedolla, tällaisten iskujen virta, joka luo illuusion sade- tai kaupunkiilmaverho, joka on kyllästetty tuhansilla erilaisilla höyryillä - ominaisuuksia, jotka muistuttavat Manetin, Pissarron, Monetin maisemia.

Pariisi. Boulevard Capucines. 1906 Toisin kuin ranskalaiset taiteilijat, jotka tunnistavat vain "luonnon vaaleat värit, jotka ovat syntyneet auringosta", hän ei pyrkinyt valitsemaan päivävaloa, vaan monimutkaista aamu- ja iltavalaistusta näyttääkseen "kaupungin luonteen, joka muuttuu päivän mittaan".

Pariisi yöllä. Italian Boulevard. 1908, Tretjakovin galleria He sanoivat, että värikkyyden lisäämiseksi Korovin osti erityisesti erittäin kalliita maaleja ruotsalaiselta Blex-tehtaalta yömaisemiin, jotka erottuivat erinomaisesta laadusta ja kirkkaudesta. He olivat taiteilijan omin sanoin "oikeita riikinkukkoja".

Kalaa, viiniä ja hedelmiä. 1916 Korovin säilyttää samat impressionististen luonnosten ja hämmästyttävän taiteen piirteet kaikissa muissa genreissä, ensisijaisesti muotokuvissa ja asetelmissa, mutta myös koristepaneeleissa, soveltavassa taiteessa, teatterimaisemissa, joita hän työskenteli koko ikänsä.

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) Yksi tärkeimmistä taiteilijoista ja venäläisen maalauksen uudistajista vuosisadan vaihteessa oli Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911). Serov kasvatettiin venäläisen musiikkikulttuurin erinomaisten henkilöiden joukossa (hänen isänsä oli kuuluisa säveltäjä, äitinsä pianisti), opiskeli Repinin ja Chistyakovin kanssa, opiskeli Euroopan parhaita museokokoelmia ja palattuaan ulkomailta liittyi Abramtsevo-piiriin. . Abramtsevossa maalattiin kaksi muotokuvaa, joista alkoi Serovin loisto, joka astui taiteeseen omalla, kirkkaalla ja runollisella maailmankuvallaan. Hänen "Tyttö persikoilla" (Verusha Mamontovan muotokuva, 1887, Tretjakovin galleria) ja "Auringon valaisema tyttö" (Masha Simanovitšin muotokuva, 1888, Tretjakovin galleria) edustavat kokonaista vaihetta venäläisessä maalauksessa.

V. A. Serov "Tyttö persikoilla" Vera Mamontova istuu rauhallisessa asennossa pöydän ääressä, persikat ovat hajallaan valkoisella pöytäliinalla hänen edessään. Hän itse ja kaikki esineet esitetään monimutkaisessa valo-ilmaympäristössä. Auringon häikäisy putoaa pöytäliinalle, vaatteille, seinälautaselle, veitselle. Pöydässä istuva kuvattu tyttö on orgaanisessa yhtenäisyydessä koko tämän aineellisen maailman kanssa, sopusoinnussa sen kanssa, täynnä elintärkeää jännitystä ja sisäistä liikettä.

Auringon valaisema tyttö (M. Ya. Simonovichin muotokuva). 1888 Ulkomaalauksen periaatteet tulivat vielä selvemmin esiin taiteilijan serkun Masha Simanovitšin muotokuvassa, joka on maalattu suoraan ulkoilmaan. Värit tässä annetaan monimutkaisessa vuorovaikutuksessa keskenään; ne välittävät täydellisesti kesäpäivän tunnelman, värirefleksit, jotka luovat illuusion auringonsäteiden liukumisesta lehtien läpi. Serov siirtyy opettajansa Repinin kriittisestä realismista "runolliseen realismiin" (D.V. Sarabjanovin termi).

Luovuuden erityispiirteet Kuviin läpäisee elämänilon tunne, kirkas olemisen tunne, valoisa, voitokas nuoruus. Tämä saavutettiin "kevyellä" impressionistisella maalauksella, muotoilemalla muoto dynaamisella, vapaalla siveltimenvedolla, luoden vaikutelman monimutkaisesta valo-ilmaympäristöstä. Mutta toisin kuin impressionistit, Serov ei koskaan liuota esinettä tässä ympäristössä siten, että se dematerialisoituu; hänen sävellyksensä ei koskaan menetä vakautta. Serov oli syvästi ajatteleva taiteilija, joka etsi jatkuvasti uusia muotoja todellisuuden taiteelliseen tulkintaan. Art nouveau -vaikutteiset ajatukset tasaisuudesta ja koristeellisuudesta heijastuivat paitsi historiallisissa sävellyksissä, myös hänen muotokuvassaan tanssija Ida Rubinsteinista, hänen luonnoksissaan "Euroopan raiskaus" ja "Odysseus ja Nausicaa". On merkittävää, että elämänsä lopussa Serov kääntyi muinaiseen maailmaan. Runollisessa legendassa, jota hän tulkitsi vapaasti, klassististen kaanonien ulkopuolella, hän haluaa löytää harmonian, jonka etsimiseen taiteilija omisti kaiken työnsä.

"Euroopan sieppaus" On vaikea uskoa heti, että Verusha Mamontovan muotokuva ja "Euroopan sieppaus" ovat saman mestarin maalaamia, Serov on niin monitahoinen evoluutiossaan 80-luvun muotokuvien ja maisemien impressionistisesta autenttisuudesta. –90-luvulta modernismiin historiallisissa aiheissa ja muinaisen mytologian sävellyksiä.

"Odysseus ja Nausicaa". 1910 Kerran myrskyn aikana Odysseus heitettiin yhdelle Välimeren saarista, missä hän tapasi prinsessa Nausicaan, joka pesee vaatteita. Prinsessa käski ruokkia ja juottaa sankaria, antaa hänelle puhtaat vaatteet, koska Troijan sodan sankarin paluu kotisaarelleen Ithakaan oli pitkä ja tuskallinen.

Mihail Aleksandrovich Vrubel (1856-1910) Vrubelin maailma on aikakausi paitsi Venäjän, myös maailman kulttuurin historiassa. Vrubel jätti yli 200 teosta. Niitä ovat muotokuvia, maalauksia, koristepaneeleja, piirroksia, luonnoksia teatteriverhoista, veistoksellisia teoksia, rakennussuunnitelmia, jotka ovat hätkähdyttäviä sekä laajuudeltaan että luomisalueeltaan. Menneisyyden monumenteista inspiroitunut Vrubel loi monella tapaa omalla tavallaan ja luotiin usein menneisyyden suurten mestareiden vertaiseksi. Lähes kaikki suuret venäläiset 1900-luvun taiteilijat kokivat vahvan ja kestävän Vrubelin vaikutuksen. Hänen tapaa maalata "monivärisillä kuutioilla" (F.I. Chaliapinin mukaan) tulkittiin joskus kubismin kynnykseksi. Kuitenkin Vrubel, joka osoitti työllään, että syvä luonnon ymmärtäminen edellyttää luonnollisesti siirtymistä sen ulkonäön ulkopuolelle, ei ole vain yhden suunnan, vaan käytännössä kaikkien avantgardististen 1900-luvun venäläisen taiteen etsintöjen alkuperä.

Demoni (istuu). 1890 Tretjakovin galleria. Otettuaan "The Demonin" kuvituksen hän siirtyi pian pois suorasta kuvituksesta ja loi jo samana vuonna 1890 "Istuvan demoninsa" - teoksen, joka on pohjimmiltaan juoniton, mutta ikuinen kuva, kuten Mefistofelein kuvat. Faust, Don Juan. Demonin kuva on Vrubelin koko teoksen keskeinen kuva, sen pääteema.

”Istuva demoni” Siskolleni 22. toukokuuta 1890 päivätyssä kirjeessä luemme: ”Noin kuukauden ajan olen kirjoittanut Demonia, toisin sanoen en niinkään monumentaalista Demonia, jonka kirjoitan ajan myötä. mutta demoninen puolialaston, siivekäs, nuori, surullinen, mietteliäs hahmo istuu polviaan halaten auringonlaskun taustalla ja katselee kukkivaa niittyä, josta oksat ulottuvat hänelle, kumartuen kukkien alle." Tämä on maalaus, joka tunnetaan nimellä "Istuva demoni" - ensimmäinen laajasta demonisesta sarjasta, joka sisältää maalauksia, piirustuksia ja veistoksia. "Vrubelin demoni" on ennen kaikkea kärsivä olento. Kärsimys hänessä voittaa pahuuden. Aikalaiset näkivät hänen "Demoneissaan" symbolin intellektuellin, romanttisen, kohtalosta, joka yrittää kapinallisesti murtautua rumasta todellisuudesta epätodelliseen unelmien maailmaan, mutta joutui syöksymään maallisen ankaraan todellisuuteen. Koko ihmisen musiikin kaipuu on hänen sisäinen äänihaarukkansa. Voimakas vartalo, jossa on kireästi suljetut kädet, näyttää olevan "puristettu" kapealla pitkänomainen suorakulmio kangasta; sankarin alkuvoimaa sitovat fantastisen väriset kristallit; hänen kasvonsa kätkevät suuruuden ja samalla inhimillisen puolustuskyvyttömyyden. Demonin katse, joka on suunnattu luonnon ikuisiin salaisuuksiin, on suunnattu kaukaisuuteen, missä purppurankeltainen auringonlasku murtaa taivaan pimeyden. Valovien vetojen mosaiikki luo kuvan ylevän runollisesta maailmasta. 90-luvulla taiteilijan Moskovaan asettuessa muotoutui Vrubelin mysteeritä ja lähes demonista voimaa täynnä oleva kirjoitustyyli, jota ei voi sekoittaa mihinkään muuhun. Hän veistää muodon mosaiikin tavoin terävistä erivärisistä "fasetoiduista" kappaleista, ikään kuin hehkuvat sisältäpäin. Väriyhdistelmät eivät heijasta värisuhteiden todellisuutta, vaan niillä on symbolinen merkitys. Hän luo oman fantasiamaailmansa, joka ei juurikaan muistuta todellisuutta.

"Lila" 1900 Ukrainan maatilalla, jossa taiteilija vietti kesän, syreenit rehosivat. Välittääkseen tämän lilamaailman kankaalle Vrubel valitsi myöhäisen tunnin, jolloin yö valtaa maailman. Ilma näyttää paksuuntuvan, muuttuvan purppuraiseksi ja suuret kukkarypäleet näyttävät alkavan hehkua siinä itsestään. Suuri kangas, joka on kokonaan täytetty näillä mustanvihreän lehtien taustalla hohtavilla kukilla, näyttää aluksi lilalta. Mutta taiteilijan silmä näkee syreenissä pilvessä upean väririkkauden: nyt syvälila, nyt vaalean violetti, nyt hopeansininen, kukat näyttävät kutsuvan toisiaan. Etualalla on tyttö, jolla on kiiltävät hiukset, ikään kuin kelluisi pensaan syvyyksistä. Ehkä lilan sielu ilmestyi Vrubelille?

”Lila” Kauniita runoja on kirjoittanut Osip Mandelstam yhden näyttelyn jälkeen: Taiteilija kuvasi meille syreenien syvää pyörtymistä ja sointuvia värien askelia kankaalla, kuin rupia. Hän ymmärsi öljyn paksuuden - Hänen leivottua kesään lämmittivät purppuraiset aivot, jotka laajenivat tukkoisiksi

"Lentävä demoni" 1899 Jakohihna Uudelleen ja uudelleen Vrubel palautti ajatuksensa Demoniinsa ja suunnitteli maalaavansa hänet lentämään. Tälle maalaukselle taiteilija valitsi pitkän, kapean kankaan. Sen yli ulottuu valtava maapallo. Demoni on maalattu suureksi, hänen kasvonsa, olkapäänsä, raskaat siivet hopeisella kiillolla ovat hyvin lähellä. Ja maa - lumiset vuorenhuiput, laaksot, nimetty jokikaistale - on kaukana. Taiteilija ja yleisö hänen kanssaan, katsoen häntä ylhäältä, näyttävät leijuvan Demonin vieressä.

"herättää sielu majesteettisilla kuvilla arjen pienistä asioista." Tällä demonilla on täysin erilaiset kasvot kuin "Istuvalla": ylpeä, tavoittamaton. Mutta hänen silmissään on melankoliaa, toivotonta yksinäisyyttä. M.Yu. kirjoitti lennostaan ​​runossaan. Lermontov: Ja kaikkialla Jumalan maailma oli villi ja ihmeellinen; mutta ylpeä henki katsoi halveksivasti Jumalansa luomista, eikä hänen korkeassa otsassaan näkynyt mitään... Jumalan hylkäämänä Demoni leijuu korkealla maan päällä, missä hänelle ei ole paikkaa, kuten taivaassa. Vrubel jätti työn kesken. Hänen mielikuvituksessaan syntyi jo uusi idea... Tämä taiteellisen maailmankatsomuksen tragedia määrittää myös Vrubelin muotokuvan ominaisuudet: henkinen epäsopivuus, omakuvien murtuminen, varovaisuus, melkein pelko, mutta myös majesteettinen voima, monumentaalisuus - S:n muotokuvassa . Mamontov (1897, Tretjakovin galleria) , hämmennystä, ahdistusta - "Jotsenprinsessan" (1900, Tretjakovin galleria) satukuvassa, jopa hänen koristepaneeleissaan "Espanja" (1894, Tretjakovin galleria) ja "Venetsia" (1893, Venäjän valtionmuseo), suunnittelultaan ja tarkoitukseltaan juhlava. Vrubel itse muotoili tehtävänsä - "herättää sielu majesteettisilla kuvilla arjen pienistä asioista".

Demoni on voitettu. 1902 Tretjakovin galleria. Vrubelin traagisin teos. Ja jos varhaisessa kankaassa tunnemme syntymän kaaoksen, jossa toivo elää, niin voitetun demonin raunio hallitsee. Mikään värivalikoima, ei koristekuviot kätke murtautuneen persoonallisuuden tragediaa, hänen taivaan korkeuksista pudonnut rikkinäinen hahmo on jo näkyvästi tuskassa ja saastuttaa koko häntä ympäröivän maailman viimeisen auringonlaskun kauneudella.

"V.Yan muotokuva. Bryusov". 1906 ei valmistunut Tretjakovin galleria Täysin sokea, hän pystyi piirtämään hevosen tai jonkun muun siluetin nostamatta kättään paperilta, mutta hän ei voinut jatkaa nostamalla kättään - hän ei nähnyt. Viimeinen kuva, jonka hän pystyi maalaamaan, oli kaunis muotokuva runoilija V. Ya. Bryusovista. Runoilijan vaikutelmat tapaamisesta Vrubelin kanssa jakautuvat ensimmäisiin vakavimpiin: "Hän astui sisään epävarmalla, raskaalla askeleella, ikään kuin raahaisi jalkojaan... hauras, sairas mies, likaisessa, ryppyisessä paidassa. Hänellä oli punertavat kasvot; silmät - kuin petolinnulla; hiusten kiinnittäminen parran sijaan. Ensivaikutelma: hullu!” Mutta sitten Bryusov kertoo, kuinka taiteilija muuttui työnsä aikana. "Elämässä Vrubelin kaikissa liikkeissä ilmeinen turhautuminen oli havaittavissa... Mutta heti kun Vrubelin käsi otti hiilen tai kynän, se sai poikkeuksellisen itsevarmuuden ja lujuuden. Hänen piirtämänsä viivat olivat erehtymättömiä. Luova voima selviytyi kaikesta hänessä. Mies kuoli ja tuhoutui, mutta isäntä jatkoi elämäänsä."

V. Bryusov ja A. Blok Vrubelista Bryusov olivat erittäin tyytyväisiä muotokuvaan ja jopa vitsaili, että hän pyrkii olemaan Vrubelin kuvattu. Sitten ilmestyi kauniita runoja: Petoksen ja kuuluisuuden elämästä Unelmasi vetää sinut taivaansinisen taivaan laajuuteen Tai safiirivesien syvyyksiin. Meille saavuttamattomissa, meille näkymättömissä, itkevien voimien joukkojen välissä, Serafit laskeutuvat luoksesi moniväristen siipien loisteessa. Satukohtalolle alistuvan kristallimaan torneista sinulle uskolliset naidit näyttävät viekkaalta ja surulliselta. Ja tulisen auringonlaskun hetkellä, ikuisten vuorten välissä, näit kuinka suuruuden henki ja kiroukset putosivat aukkoihin korkealta. Ja siellä, juhlallisessa erämaassa, vain sinä ymmärsit loppuun asti riikinkukon ojennetut siivet ja Eedenin kasvojen surun! Symbolistirunoilijat ihailivat taiteilijan töitä, he ymmärsivät ja olivat sopusoinnussa Demonin tulkinnan ja teosten figuratiivisen tyylin kanssa. Taiteilijan pitkäaikainen ihailija Alexander Blok sanoi hautajaisissa puhuessaan: ”Hän jätti meille demoninsa loitsuina purppuraa pahaa vastaan, yötä vastaan. Voin vain vapista siitä, mitä Vrubel ja hänen kaltaiset paljastavat ihmiskunnalle kerran vuosisadassa. Me emme näe maailmoja, joita he näkivät." Mihail Aleksandrovitš Vrubel kuoli 14. huhtikuuta 1910 54-vuotiaana. Välitön kuolinsyy oli keuhkokuume.

– Moskovan taidekulttuurin esitys, joka jatkaa teemaa "1900-luvun taide". Tämä on yritys antaa käsityksen 1900-luvun eurooppalaisen kuvataiteen trendien monimuotoisuudesta.

1900-luvun maalaus - uusi taiteen kieli

Kuvitukset esityksessä "1900-luvun maalaus – uusi taiteen kieli", esittelee joitain 1900-luvun kuvataiteen päätrendejä. Mikään aikakausi ei ole antanut maailman taiteelliseen kulttuuriin niin monta nimeä ja luomusta kuin 1900-luku. Realistisen taiteen ohella, joka kehittyy edelleen huolimatta avantgarde-taiteilijoiden kehotuksista tuhota vanhaa taidetta, mm. Fauvismi, ekspressionismi, futurismi, kubismi, abstrakti taide, surrealismi ja muut " ismit". Monet eivät ymmärtäneet uutta taiteen kieltä, mikä aiheutti usein suuttumusta tai naurunalaa. Perusteelliset muutokset yhteiskunnan elämässä johtivat uusien muotojen syntymiseen taiteessa.

Uusi taiteen kieli

Onko jokin, joka yhdistää näitä lukuisia maalauksen suuntauksia? Pääasia on mielestäni halu luoda uusia muotoja, "vanhan taiteen" kieltäminen, taipumus tuhota perinteitä. Tältä osin ovat ominaisia ​​dadaistien ja futuristien manifestit, joissa he yrittivät oikeuttaa luomusten esiintymisen, jotka usein järkyttävät ja aiheuttavat hämmennystä ja suuttumusta taiteen ystävien keskuudessa:

Futurismin manifesti

1909, Italia, Filippo Marinetti

Italiasta julistamme koko maailmalle tätä raivoisaa, tuhoisaa, syttyvää manifestiamme. Tällä manifestilla perustamme futurismia tänään, koska haluamme vapauttaa maamme professorien, arkeologien, puhujien ja antikvaareiden haisevasta kuoliosta...

Museot ovat hautausmaita!... Niiden välillä on epäilemättä yhtäläisyyttä monien toisilleen tuntemattomien ruumiiden synkässä sekoituksessa. Museot ovat julkisia makuuhuoneita, joissa jotkut ruumiit on tuomittu lepäämään ikuisesti muiden viereen, vihattuina tai tuntemattomina. Museot ovat järjettömiä taiteilijoiden ja kuvanveistäjien teurastamoita, jotka armottomasti tappavat toisiaan väri- ja viivoin muurien areenalla!…

Nosta päätäsi! Ylpeästi olkapäillämme seisomme maailman huipulla ja haastamme jälleen tähdet!

1900-luvun maalarit eivät aseta itselleen tavoitteeksi todellisuuden kuvaamista, he ovat vakuuttuneita siitä, että

"Taiteen tarkoitus − ei välitä vaikutelmia todellisuudesta, A kuva sen traagisesta ja kaoottisesta olemuksestaan, joka on ihmisvihamielinen, kulki taiteilijan persoonallisuuden läpi »

Tämä on esimerkiksi ekspressionistien taidetta, jonka työhön vaikuttivat suuresti Euroopan poliittiset tapahtumat 1900-luvun alkupuoliskolla.

Onko tämä taidetta?

“Dadan kannibaalimanifesti”

1918, Pariisi, Francis Picabia

”...Dada ei haise mistään, hän ei ole mitään, ei mitään, ei mitään.

Kuten toivosi: ei mitään,

kuin paratiisi: ei mitään,

kuten idolesi: ei mitään,

kuten poliittiset miehesi: ei mitään,

kuten sankarisi: ei mitään,

kuten taiteilijasi: ei mitään,

kuten uskonnot: ei mitään"

“Dadaismi on hienoa!!!

"Dada on taidetta! Tämä on mielestäni yksi niistä liikkeistä, joilla oli suuri maine; enemmistö ei hyväksy sitä, ja sen seurauksena he elävät myrskyistä ja lyhyttä elämää.
Dadaismi on muistomerkki muovipullolle, nämä ovat maalauksia, joihin on liimattu esineitä... Tämä on filosofista absurdia, tämä on kompastuskivi, tämä on kaiken klassisen ja enemmistön hyväksymän kieltämistä. Dada on kaikki ja ei mitään. Tämä on ja tämä ei ole.
Kaikilla on se, mutta kaikki eivät hyväksy sitä. Luultavasti Dadalla on hajua: kapinallisen ilon tuoksua, ikuisen absurdin etsimisen tuoksua."

Arzamas-akatemian älykkäiden ihmisten (kirjaimellisesti) luoma upea elokuva auttaa sinua ymmärtämään 1900-luvun taidetta, jota on vaikea ymmärtää ja jota monet eivät usein hyväksy:

Joskus taiteen uusia muotoja etsiessään 1900-luvun taidemaalarit tulevat kieltämään sisällön, joka olisi ymmärrettävää perinteisen taiteen ystäville, järkyttävää ja järkyttävää katsojaa, kuten jotkut dadaistit ja surrealistit tekivät.

Yksi 1900-luvun sävellystekniikoiden tyypeistä. Sävellysmenetelmä (teoreettisesti A. Schoenbergin kehittämä), jossa teoksen musiikillinen kudos johdetaan tietyn rakenteen omaavasta 12-sävelsarjasta, eikä yksikään kromaattisen asteikon 12 äänestä toistu. Sarja voi esiintyä sekä horisontaalisessa esityksessä (teemamelodian muodossa) että pystysuunnassa (konsonanssien muodossa) tai molemmissa samanaikaisesti. Se syntyi atonaalisen musiikin kehitysprosessissa . Erilaisia ​​dodekafonisia tekniikoita tunnetaan. Näistä Schönbergin ja J. M. Hauerin menetelmät saivat suurimman merkityksen. Schönbergin dodekafonian menetelmän ydin on, että tietyn teoksen muodostavat melodiset äänet ja harmoniat tuotetaan suoraan tai viime kädessä yhdestä ensisijaisesta lähteestä - valitusta sekvenssistä, joka koostuu kaikista 12 kromaattisen asteikon soundista, tulkittu yhtenäisyydeksi. Tätä äänisarjaa kutsutaan sarjaksi. Dodekafonian edustajia ovat Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg, J. M. Hauer, Hindemith, Igor Stravinsky, Shostakovich, Pierre Boulez jne.

Andrei Onufrievich BembelAndrei Bembel syntyi 17. lokakuuta 1905 Velizhin kaupungissa Vitebskissä.
tuho, jossa hän sai peruskoulutuksensa miesten lukiossa.
Vuodesta 1924 vuoteen 1927 hän opiskeli Vitebskin taideopistossa Kerzinin johdolla
M.A. , sitten vuonna 1931 hän valmistui Leningradin taideakatemiasta.
Vuodesta 1947 lähtien opettajana, yksi järjestäjistä ja ensimmäinen
Minskin taidekoulun opettajat. Vuodesta 1953 - Valkovenäjäksi
Teatteri- ja taideinstituutti. BSSR:n taiteilijoiden liiton puheenjohtaja.

Zair Isaakovich Azgur

Aleksei Konstantinovitš Glebov

Sergei Ivanovitš Selikhanov

TOIMII

Vladimir Ivanovitš Žbanov

Tunnetuimpia teoksia

Ivan Jakimovitš Misko

Työskentelee maalaustelineen ja monumentaaliveiston alalla. Hänen teostensa pääteema on astronautiikka ja sen sankarit.

MAALAUS

Mihail Andreevich Savitsky

luominen

Danzig May Volfovich

Leonid Dmitrievich Shchemelev

ARKKITEHTUURI