फ्रेंच हार्पसीकोर्डिस्ट। हार्पसीकोर्ड - संगीत वाद्ययंत्र - इतिहास, फोटो, वीडियो 18 वीं शताब्दी के फ्रांसीसी संगीतकार हार्पसीकोर्डिस्ट

विज्ञान के इतिहास पर रिपोर्ट

फिर विषय "18 वीं शताब्दी के फ्रांस का संगीत"

भौतिकी और गणित संकाय के 10 वीं कक्षा के छात्र

लिसेयुम नंबर 1525 "वोरोब्योवी गोरी"

कज़ाकोव फिलिप।

18वीं शताब्दी के फ्रांस के संगीत के बारे में सबसे पहली बात जो कहनी है, वह यह है कि
संगीत के क्षेत्र में अग्रणी देशों के विपरीत (जैसे जर्मनी,
ऑस्ट्रिया, स्पेन और इटली), फ्रांस किसी पर घमंड नहीं कर सकता था
विशेष रूप से प्रसिद्ध कंपोजिट की संख्या, न तो कलाकार और न ही अमीर
प्रसिद्ध कार्यों का वर्गीकरण। सबसे प्रसिद्ध फ्रेंच
ग्लक को उस समय का संगीतकार माना जाता है, लेकिन वह भी जर्मनी से ही थे।
कुछ हद तक, यह स्थिति समाज के हितों से तय होती थी, जो निर्धारित करती थी
संगीत की शैलियाँ। 18वीं शताब्दी में संगीत के विकास पर विचार करें।

सदी की शुरुआत में, संगीत की सबसे लोकप्रिय शैली भावुक थी
शास्त्रीयता। यह धीमा, अविरल संगीत था, विशेष रूप से कठिन नहीं।
उन्होंने इसे स्ट्रिंग वाद्ययंत्रों पर बजाया। वह आमतौर पर गेंदों और दावतों के साथ जाती थी,
लेकिन वे उसे आराम से घर के माहौल में सुनना भी पसंद करते थे।

फिर, रोकोको की विशेषताएं और तकनीक ल्यूट संगीत में आने लगीं, जैसे
एक ट्रिल और ध्वनि की तरह। उसने अधिक जटिल रूप धारण किया, संगीतमय
वाक्यांश अधिक जटिल और दिलचस्प हो गए हैं। संगीत और अधिक अलग हो गया
वास्तविकता, अधिक शानदार, कम सही और, इस प्रकार, करीब
श्रोता

18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के करीब, रोकोको की विशेषताएं इस प्रकार विलीन हो गईं
संगीत कि उसने एक निश्चित अभिविन्यास प्राप्त करना शुरू कर दिया। इतनी जल्दी
संगीत में, दो दिशाओं को स्पष्ट रूप से प्रतिष्ठित किया गया: नृत्य के लिए संगीत और
गायन के लिए संगीत। नृत्य संगीत गेंदों के साथ था, संगीत के लिए
गोपनीय माहौल में गाना बज रहा था। अक्सर और कुलीन
वे घर के हार्पसीकोर्ड की आवाज़ में गाना पसंद करते थे। उसी समय दिखाई दिया
कॉमेडी-बैले की एक नई नाट्य शैली, संवाद, नृत्य और का संयोजन
पैंटोमाइम, वाद्य, कभी-कभी मुखर संगीत। इसके निर्माता - जे.
बी मोलिरे और संगीतकार जे बी लुली। शैली का महत्वपूर्ण प्रभाव था
फ्रांसीसी संगीत थिएटर के बाद के विकास।

संगीत शैलियों के अधिक सूक्ष्म अंतर के बाद, शुरुआत
मार्चिंग संगीत दिखाई देते हैं। यह कठोर, तेज, शोर वाला संगीत था। वी
इस बार, ताल वाद्य यंत्र (ड्रम और .)
झांझ), जो ताल सेट करते हैं, जिससे टुकड़ा वंचित हो जाता है
व्यक्तिगत निष्पादन। साथ ही, बहुत से ऐसे
उपकरण, एक पाइप की तरह, जो मुख्य रूप से समग्र को बढ़ाने के लिए कार्य करता है
संगीत की आवाज़। ठीक ढोलक बजाने और जोर से बजने के कारण
18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध का फ्रांसीसी संगीत, मेरी राय में, बन गया
विशेष रूप से आदिम और बकाया नहीं। चलते-फिरते संगीत का ताज था
1792 में रूज डी लिस्ले द्वारा लिखित "मार्सिलेस" काम की उपस्थिति
वर्ष।

रूजेट डी लिस्ले क्लाउड जोसेफ (1760-1836) फ्रांसीसी सैन्य इंजीनियर, कवि और
संगीतकार। उन्होंने भजन, गीत, रोमांस लिखा। 1792 में उन्होंने रचना लिखी
"मार्सिलेस", जो भविष्य में फ्रांस का गान बन गया।

कूपरिन फ्रांकोइस (1668-1733) - फ्रांसीसी संगीतकार, हार्पसीकोर्डिस्ट,
जीवधारी जर्मन बाख राजवंश की तुलना में एक राजवंश से, जब से
उनके परिवार में संगीतकारों की कई पीढ़ियाँ थीं। कूपरिन का उपनाम था
"महान कूपरिन" आंशिक रूप से उनकी हास्य की भावना के कारण, आंशिक रूप से . के कारण
चरित्र। उनका काम फ्रेंच हार्पसीकोर्ड कला का शिखर है।
कूपरिन का संगीत मधुर सरलता, अनुग्रह द्वारा प्रतिष्ठित है,
विवरण की पूर्णता।

रमेउ जीन फिलिप (1683-1764) - फ्रांसीसी संगीतकार और संगीत
सिद्धांतवादी फ्रेंच और इतालवी संगीत की उपलब्धियों का उपयोग करना
संस्कृतियों, क्लासिकिस्ट ओपेरा की शैली को महत्वपूर्ण रूप से संशोधित किया, तैयार किया
केवी ग्लक द्वारा ओपेरा सुधार। उन्होंने गीतात्मक त्रासदियों को लिखा "हिप्पोलीटस और
अरिसिया "(1733)," कैस्टर एंड पोलक्स "(1737), ओपेरा-बैले" गैलेंट इंडिया "
(1735), हार्पसीकोर्ड के टुकड़े और बहुत कुछ। उनके सैद्धांतिक कार्य -
सद्भाव के सिद्धांत के विकास में एक महत्वपूर्ण चरण।

ग्लक क्रिस्टोफ विलीबाल्ड (1714-1787) - प्रसिद्ध फ्रेंको-जर्मन
संगीतकार। उनका सबसे गौरवशाली कार्य पेरिस से जुड़ा हुआ है
ओपेरा मंच, जिसके लिए उन्होंने अपनी सर्वश्रेष्ठ रचनाएँ लिखीं
फ्रांसीसी शब्द। इसलिए फ्रांसीसी इसे फ्रेंच मानते हैं
संगीतकार। उनके कई ओपेरा: "Artaserse", "Demofonte",
"फेडरा" और अन्य मिलान, ट्यूरिन, वेनिस, क्रेमोनी में दिए गए थे।
लंदन का निमंत्रण मिलने पर, ग्लक ने दो लिखा
ओपेरा: "ला कैडुटा डी गिगांती" (1746) और "आर्टामेने" और एक ओपेरा मेडले
(pasticcio) "पिराम"। इस उत्तरार्द्ध का बहुत प्रभाव था
Gluck की आगे की गतिविधियाँ। सभी ओपेरा बड़ी सफलता के साथ
ग्लक, इतालवी टेम्पलेट में लिखे गए थे, जिसमें कई एरियस शामिल थे; वी
उन्हें ग्लक ने पाठ पर ज्यादा ध्यान नहीं दिया। उनका ओपेरा "पिराम" हे
पिछले ओपेरा के अंशों से संकलित, जिन्हें सबसे बड़ी सफलता मिली थी,
इन परिच्छेदों को नए लिब्रेट्टो के एक और पाठ में समायोजित करना। इस की विफलता
ओपेरा ने ग्लक को इस विचार के लिए प्रेरित किया कि केवल वही संगीत पैदा कर सकता है
एक उचित प्रभाव, जो सीधे पाठ से संबंधित है।
उन्होंने अपने अगले कार्यों में इस सिद्धांत का पालन करना शुरू किया,
अपने आप को धीरे-धीरे आत्मसात करना, पाठ के प्रति अधिक गंभीर रवैया,
छोटे से छोटे विवरण को विकसित करना और इसके बारे में नहीं भूलना
अरियास में भी पाठ।

पाठ और संगीत के बीच घनिष्ठ संबंध की इच्छा पहले से ही ध्यान देने योग्य है
"सेमिरामिस" (1748)। लेकिन संगीतकार की ओपेरा की ओर अधिक ठोस मोड़,
एक संगीत नाटक के रूप में, "ऑर्फियो", "अल्सेस्टे", "परेड एड ऐलेना" में देखा गया
(1761-64), वियना में दिया गया। Gluck का ओपेरा सुधारक है
Iphigenie en Aulide में, पेरिस में जबरदस्त सफलता (1774) के साथ दिया गया।
वहाँ भी दिए गए थे: "आर्माइड" (1777) और "इफिगेनी एन टॉराइड"
(1779) -

ग्लक का सबसे बड़ा काम जी का आखिरी ओपेरा "इको एट" था
नार्सिस ”। ओपेरा के अलावा, ग्लक ने सिम्फनी, स्तोत्र और बहुत कुछ लिखा। के सभी
ग्लक द्वारा 50 से अधिक ओपेरा, इंटरल्यूड और बैले लिखे गए हैं।

अंत में, फ्रांसीसी संगीत की एकतरफाता पर एक बार फिर जोर दिया जाना चाहिए।
18 वीं सदी। संगीत रचनात्मकता एक शिल्प या एक आसान की तरह लग रही थी
शौक। शिल्प के लिए, क्योंकि सभी कार्य एक ही प्रकार के होते हैं और
एक दूसरे के समान। एक शौक पर, क्योंकि बहुत सारे संगीतकार
अपने खाली समय में संगीत में लगे हुए थे, ऐसी छवियों से भरकर उनका
फुर्सत। इस तरह के व्यवसाय को एक पेशेवर रचनात्मक रचना कहने के लिए
यह निषिद्ध है। यहां तक ​​कि उस समय फ्रांस के सबसे प्रसिद्ध संगीतकार, ग्लुको
(जो, वैसे, काफी फ्रांसीसी संगीतकार नहीं थे),
शुभचिंतक एक टुकड़े को संगीतकार कहते हैं। में उपलब्ध
"ऑर्फ़ियस और यूरीडाइस" की तरह।

स्रोत:

सिरिल और मेथोडियस का महान विश्वकोश,

शास्त्रीय संगीत का विश्वकोश,

ब्रोकहॉस और एफ्रॉन,

शास्त्रीय संगीत (मैनुअल),

इंटरनेट,

सक्षम संगीतज्ञ नतालिया बोगोस्लावस्काया।

"मार्सिलेस" एक फ्रांसीसी क्रांतिकारी गीत है।
पहले इसे "राइन आर्मी का बैटल सॉन्ग" कहा जाता था, फिर "मार्चू" कहा जाता था
मार्सिले "या" मार्सिले "। तीसरे गणराज्य के तहत, यह बन गया
फ्रांस का राष्ट्रगान (14 जुलाई 1975 से एक नए में प्रदर्शन किया गया)
संगीत संस्करण)। रूस में, "रबोचाया"
ला मार्सिलेज़ "(ला मार्सिलेज़ का राग, पी. एल. लावरोव का पाठ, में प्रकाशित हुआ)
समाचार पत्र "Vperyod" 1.7.1875)।

सामंजस्य, एकीकरण पर आधारित संगीत का अभिव्यंजक साधन
सामंजस्य में स्वर और उनके अनुक्रमिक आंदोलन में सामंजस्य के संबंध में।
व्यंजन का मुख्य प्रकार एक राग है। सद्भाव निश्चित के अनुसार बनाया गया है
किसी भी प्रकार के पॉलीफोनिक संगीत में सामंजस्य के नियम - समरूपता,
पॉलीफोनी। सद्भाव के तत्व - ताल और मॉडुलन - सबसे महत्वपूर्ण कारक
संगीतमय रूप। सद्भाव का सिद्धांत सिद्धांत के मुख्य वर्गों में से एक है
संगीत।

मदर-ऑफ़-पर्ल से, 18वीं शताब्दी के अंत में - चीनी मिट्टी के बरतन से। 19वीं शताब्दी के मध्य में, पहली बार, प्रोस्थेटिक्स के लिए बहुलक सामग्री का उपयोग किया गया था। क्या? 1. सेल्युइड 2.एबोनाइट 3. रबर। 4.पॉलीमेथाइलमेथैक्रिलप्ट 5.फ्लोरोप्लास्टिक 6.सिलिकॉन।

अभिव्यक्ति? कम से कम तीन उदाहरण दीजिए।
ठीक है, मेरे पास 1 विचार है: 18 वीं शताब्दी के रूसी कलाकारों ने पश्चिमी शैलियों (बारोक, भावुकता, आदि) में चित्रित किया, लेकिन पश्चिमी कैनन के माध्यम से एक विशेष रूसी शैली अभी भी प्रकट हुई (रूसी बारोक दिखाई दिया, उदाहरण के लिए), से अलग पश्चिमी एक। तब "विग" पश्चिम का एक प्रकार का व्यक्तित्व है (विशेषकर उन दिनों विग फैशन में आया था), और "गंजा सिर" "विग" के सिद्धांत के माध्यम से "झांकने" की सबसे रूसी विशेषताएं हैं।
अभी भी ज़रुरत है दोविचार। कृपया मेरी मदद करें।

मदर-ऑफ़-पर्ल से, 18वीं शताब्दी के अंत में - चीनी मिट्टी के बरतन से। 19वीं शताब्दी के मध्य में, पहली बार, प्रोस्थेटिक्स के लिए बहुलक सामग्री का उपयोग किया गया था। क्या?

1.सेल्युओइड

4.पॉलीमेथाइलमेथैक्रिलप्ट

5.फ्लोरोप्लास्टिक

6.सिलिकॉन।

प्रत्येक प्रश्न में, आपको संगीतकारों के चार नामों में से एक को चुनना होगा।))))

1. बरोक युग के एक संगीतकार का नाम बताइए।
ए) विवाल्डी;
बी) मोजार्ट;
ग) बीथोवेन;
d) शुमान।
2. निम्नलिखित में से कौन सा संगीतकार मठाधीश था?
ए) बाख;
बी) हैंडेल;
ग) विवाल्डी;
डी) मोजार्ट।
3. द वेल-टेम्पर्ड क्लेवियर, सेंट मैथ्यू पैशन, इन्वेंशन के लेखक का नाम बताइए।
ए) बाख;
बी) बीथोवेन;
ग) चोपिन;
d) शुमान।
4. ओपेरा फिदेलियो किसने लिखा था?
ए) हेडन;
बी) मोजार्ट;
ग) बीथोवेन;
घ) चोपिन।
5. संगीतकारों में से किसने ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो", "डॉन जुआन" लिखा था,
ए) मोजार्ट;
बी) बीथोवेन;
ग) मेंडेलसोहन;
d) रॉसिनी।
6. इनमें से कौन सा संगीतकार विनीज़ क्लासिक नहीं है?
ए) हेडन;
बी) शुमान;
ग) मोजार्ट;
डी) बीथोवेन।
7. ओपेरा "आइडा", "ला ट्रैविटा", "रिगोलेटो" के लेखक कौन हैं?
ए) मोजार्ट;
बी) बीथोवेन;
ग) रॉसिनी;
घ) वर्डी।
8. 32 पियानो सोनाटा किसने लिखा था?
ए) बाख;
बी) मोजार्ट;
ग) बीथोवेन;
घ) चोपिन।
9. "टिम्पनी ट्रेमोलो सिम्फनीज़", "विदाई", "चिल्ड्रन" के लेखक का नाम बताइए।
ए) हेडन;
बी) मोजार्ट;
ग) शुमान;
घ) चोपिन।
10. "सिम्फनी और चौकड़ी का जनक" किसे कहा जाता है?
ए) मैटजार्ट;
बी) बीथोवेन;
ग) हेडन;
घ) बाख।
11. किस संगीतकार ने अपने काम को सिम्फोनिक कविता नाम दिया था?
ए) गुआनो;
बी) बर्लियोज़;
ग) बीथोवेन;
घ) शीट;
12. कौन-सा संगीत रूप दो विषयों के संघर्ष पर आधारित है?
ए) विविधताएं;
बी) रोंडो;
ग) सोनाटा रूप;
डी) फ्यूग्यू।
13. अंत में कोरस के साथ सिम्फनी के लेखक का नाम बताएं:
ए) हेडन;
बी) मोजार्ट;
ग) शुबर्ट;
डी) बीथोवेन।
14. इनमें से किस संगीतकार ने केवल पियानो के लिए लिखा था?
ए) गुनोद;
बी) चोपिन;
ग) महलर;
घ) शुमान;
15. इनमें से किस संगीतकार ने इबसेन के नाटक पीर गिन्ट के लिए संगीत लिखा था?
ए) चोपिन;
बी) बर्लियोज़;
ग) महलर;
d) शुमान।
16. स्वर चक्र "द ब्यूटीफुल मिलर वुमन" और "द विंटर वे" किसने लिखा था?
ए) शुबर्ट;
बी) शुमान;
ग) मेंडेलसोहन;
d) बिज़ेट।
17. अनफिनिश्ड सिम्फनीज़ के लेखक का नाम बताइए:
ए) बीथोवेन;
बी) हेडन;
ग) शुबर्ट;
डी) वैगनर।
18. कार्निवल पियानो चक्र किसने लिखा था?
ए) बीथोवेन;
बी) मोजार्ट;
ग) हेडन;
घ) शीट।
19. 100 से अधिक सिम्फनी किसने लिखी?
ए) बीथोवेन;
बी) मोजार्ट;
ग) हेडन;
d) शुबर्ट।
20. 18वीं सदी के रूसी संगीतकार-वायलिन वादक:
ए) अलयाबयेव;
बी) फोमिन;
ग) खांडोस्किन;
d) वर्स्टोव्स्की।

विज्ञान के इतिहास पर रिपोर्ट

फिर विषय "18 वीं शताब्दी के फ्रांस का संगीत"

भौतिकी और गणित संकाय के 10 वीं कक्षा के छात्र

लिसेयुम नंबर 1525 "वोरोब्योवी गोरी"

कज़ाकोव फिलिप।

18वीं शताब्दी में फ्रांस के संगीत के बारे में पहली बात यह कही जानी चाहिए कि संगीत के क्षेत्र में अग्रणी देशों (जैसे जर्मनी, ऑस्ट्रिया, स्पेन और इटली) के विपरीत, फ्रांस या तो बड़ी संख्या का दावा नहीं कर सकता था। विशेष रूप से प्रसिद्ध कंपोजिट, या कलाकार, न ही प्रसिद्ध कार्यों का एक समृद्ध वर्गीकरण। ग्लक को उस समय का सबसे प्रसिद्ध फ्रांसीसी संगीतकार माना जाता है, लेकिन वह भी जर्मनी से थे। कुछ हद तक, यह स्थिति समाज के हितों से तय होती थी, जिसने संगीत की शैलियों को निर्धारित किया था। 18वीं शताब्दी में संगीत के विकास पर विचार करें।

सदी की शुरुआत में, संगीत की सबसे लोकप्रिय शैली भावुक थी क्लासिसिज़म... यह धीमा, अविरल संगीत था, विशेष रूप से कठिन नहीं। उन्होंने इसे स्ट्रिंग वाद्ययंत्रों पर बजाया। आमतौर पर वह गेंदों और दावतों के साथ जाती थी, लेकिन उसे आराम से घर के माहौल में सुनना भी पसंद था।

फिर, ल्यूट संगीत में विशेषताएं और तकनीकें आने लगीं। रोकोको,जैसे ट्रिल और झंडा। इसने अधिक जटिल रूप प्राप्त कर लिया है, संगीत के वाक्यांश अधिक जटिल और दिलचस्प हो गए हैं। संगीत वास्तविकता से अधिक अलग हो गया है, अधिक शानदार, कम सही और इस प्रकार, श्रोता के करीब।

अठारहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, रोकोको की विशेषताएं संगीत में इतनी एकीकृत हो गईं कि इसने एक निश्चित अभिविन्यास प्राप्त करना शुरू कर दिया। इसलिए, जल्द ही संगीत में दो दिशाओं को स्पष्ट रूप से प्रतिष्ठित किया गया: नृत्य के लिए संगीत और गायन के लिए संगीत। नृत्य के लिए संगीत के साथ बॉल्स थे, गायन के लिए संगीत एक गोपनीय माहौल में किया गया था। अक्सर अभिजात वर्ग भी घर के हार्पसीकोर्ड की आवाज़ में गाना पसंद करते थे। उसी समय, कॉमेडी-बैले की एक नई नाटकीय शैली दिखाई दी, जिसमें संवाद, नृत्य और पैंटोमाइम, वाद्य और कभी-कभी मुखर संगीत का संयोजन था। इसके निर्माता जे.बी. मोलिएरे और संगीतकार जे.बी. लुली हैं। फ्रांसीसी संगीत थिएटर के बाद के विकास पर शैली का महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा।

संगीत शैलियों के अधिक सूक्ष्म अंतर के बाद, मार्चिंग संगीत दिखाई देने लगा। यह कठोर, तेज, शोर वाला संगीत था। इस समय, पर्क्यूशन वाद्ययंत्र (ड्रम और झांझ) व्यापक हो गए, जो लय निर्धारित करते हैं, जिससे प्रदर्शन की व्यक्तित्व के काम से वंचित हो जाते हैं। तुरही जैसे कई प्रयुक्त यंत्र भी थे, जो मुख्य रूप से संगीत की समग्र मात्रा को बढ़ाने के लिए काम करते थे। यह तालवाद्य और तेज वाद्य यंत्रों की उपस्थिति के कारण था कि 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध का फ्रांसीसी संगीत, मेरी राय में, विशेष रूप से आदिम बन गया और उत्कृष्ट नहीं था। मार्चिंग संगीत की परिणति 1792 में रूज डी लिस्ले द्वारा लिखित मार्सिलेज़ की उपस्थिति थी।

रूजेट डी लिस्ले क्लाउड जोसेफ (1760-1836)फ्रांसीसी सैन्य इंजीनियर, कवि और संगीतकार। उन्होंने भजन, गीत, रोमांस लिखा। 1792 में उन्होंने रचना लिखी " मार्सिलेज़", जो भविष्य में फ्रांस का गान बनेगा।

कूपरिन फ्रेंकोइस (1668-1733)- फ्रांसीसी संगीतकार, हार्पसीकोर्डिस्ट, ऑर्गेनिस्ट। जर्मन बाख राजवंश की तुलना में एक राजवंश से, क्योंकि उनके परिवार में संगीतकारों की कई पीढ़ियाँ थीं। आंशिक रूप से उनके चरित्र के कारण, आंशिक रूप से हास्य की भावना के कारण कूपरिन को "महान कूपरिन" उपनाम दिया गया है। उनका काम फ्रेंच हार्पसीकोर्ड कला का शिखर है। कूपरिन का संगीत मधुर सरलता, अनुग्रह, विवरण के शोधन द्वारा प्रतिष्ठित है।

रमेउ जीन फिलिप (1683-1764)- फ्रांसीसी संगीतकार और संगीत सिद्धांतकार। फ्रांसीसी और इतालवी संगीत संस्कृतियों की उपलब्धियों का उपयोग करते हुए, उन्होंने क्लासिकिस्ट ओपेरा की शैली को महत्वपूर्ण रूप से संशोधित किया, केवी ग्लक द्वारा एक ओपेरा सुधार तैयार किया। उन्होंने गीतात्मक त्रासदियों हिप्पोलीटे और अरिसिया (1733), कैस्टर और पोलक्स (1737), ओपेरा-बैले गैलेंट इंडिया (1735), हार्पसीकोर्ड के टुकड़े, और बहुत कुछ लिखा। उनके सैद्धांतिक कार्य - विकास में एक महत्वपूर्ण चरण सद्भाव शिक्षा .

ग्लक क्रिस्टोफ विलीबाल्ड (1714-1787)- प्रसिद्ध फ्रेंको-जर्मन संगीतकार। उनका सबसे शानदार काम पेरिस के ओपेरा मंच से जुड़ा है, जिसके लिए उन्होंने फ्रेंच शब्दों में अपनी सर्वश्रेष्ठ रचनाएँ लिखीं। इसलिए, फ्रांसीसी उन्हें फ्रांसीसी संगीतकार मानते हैं। उनके कई ओपेरा: "आर्टसेर्स", "डेमोफोंटे", "फेडरा" और अन्य मिलान, ट्यूरिन, वेनिस, क्रेमोनी में दिए गए थे। लंदन के लिए एक निमंत्रण प्राप्त करने के बाद, ग्लक ने हे-मार्केट थिएटर के लिए दो ओपेरा लिखे: लाकाडुटाडे गिगांती (1746) और आर्टामेन, और ओपेरा पिराम (पस्टिकियो)। बाद में ग्लक की आगे की गतिविधियों पर इसका बहुत प्रभाव पड़ा। ग्लक को बड़ी सफलता दिलाने वाले सभी ओपेरा इतालवी टेम्पलेट के अनुसार लिखे गए थे, जिनमें कई एरियस शामिल थे; उनमें ग्लक ने पाठ पर ज्यादा ध्यान नहीं दिया। उन्होंने अपने ओपेरा "पिराम" को पिछले ओपेरा के अंशों से संकलित किया, जिसमें सबसे बड़ी सफलता थी, इन अंशों को नए लिब्रेट्टो के एक और पाठ में समायोजित करना। इस ओपेरा की विफलता ने ग्लूकन को इस विचार के लिए प्रेरित किया कि केवल वही संगीत उचित प्रभाव पैदा कर सकता है, जो पाठ के सीधे संबंध में है। उन्होंने अपने अगले कार्यों में इस सिद्धांत का पालन करना शुरू कर दिया, धीरे-धीरे खुद के लिए एक और अधिक गंभीर दृष्टिकोण को आत्मसात कर लिया, छोटे से छोटे विवरण के लिए सस्वर एरियोसो विकसित किया और एरियस में भी घोषणा के बारे में नहीं भूले।

पाठ और संगीत के बीच घनिष्ठ संबंध के लिए प्रयास सेमीरामिस (1748) में पहले से ही ध्यान देने योग्य है। लेकिन एक संगीत नाटक के रूप में ओपेरा की ओर संगीतकार का एक और अधिक ठोस मोड़ ओर्फियो, अल्सेस्टे, परेडेड एलेना (1761-64) में ध्यान देने योग्य है, जिसका वियना में मंचन किया गया था। ग्लक के ओपेरा का सुधारक इफिगेनी एन औलाइड में है, जिसे पेरिस में जबरदस्त सफलता (1774) के साथ दिया गया है। वहाँ भी दिए गए थे: "आर्माइड" (1777) और "इफिजेनियन टॉराइड" (1779) -

ग्लक का सबसे बड़ा काम अंतिम ओपेरा जी "इको एट नार्सिस" था। ओपेरा के अलावा, ग्लक ने सिम्फनी, स्तोत्र और बहुत कुछ लिखा। ग्लक द्वारा 50 से अधिक ओपेरा, इंटरल्यूड्स और बैले लिखे गए थे।

अंत में, इसे एक बार फिर से 18 वीं शताब्दी के फ्रांसीसी संगीत की एकरसता पर जोर दिया जाना चाहिए। संगीत रचनात्मकता एक शिल्प या हल्के शौक की तरह दिखती थी। शिल्प पर, क्योंकि सभी कार्य एक ही प्रकार के होते हैं और एक दूसरे के समान होते हैं। एक शौक पर, हालांकि, क्योंकि कई संगीतकार अपने खाली समय में संगीत में लगे हुए थे, इस तरह की छवियों के साथ अपने अवकाश को भर रहे थे। इस तरह के व्यवसाय को पेशेवर रचनात्मक सृजन नहीं कहा जा सकता है। यहां तक ​​​​कि उस समय के फ्रांस के सबसे प्रसिद्ध संगीतकार, ग्लक (जो, वैसे, काफी फ्रांसीसी संगीतकार नहीं थे), को शुभचिंतकों द्वारा एक काम का संगीतकार कहा जाता है। यह Orpheus और Eurydice को संदर्भित करता है।

स्रोत:

सिरिल और मेथोडियस का महान विश्वकोश,

शास्त्रीय संगीत का विश्वकोश,

ब्रोकहॉस और एफ्रॉन,

शास्त्रीय संगीत (मैनुअल),

इंटरनेट,

सक्षम संगीतज्ञ नतालिया बोगोस्लावस्काया।

"मार्सिलेस" एक फ्रांसीसी क्रांतिकारी गीत है। पहले इसे "द बैटल सॉन्ग ऑफ द राइन आर्मी", फिर "द मार्च ऑफ द मार्सिले" या "द मार्सिलेज" कहा जाता था। तीसरे गणराज्य के तहत, यह फ्रांस का राष्ट्रगान बन गया (14 जुलाई, 1975 से, इसे एक नए संगीत संस्करण में प्रदर्शित किया गया है)। रूस में, "वर्कर्स मार्सिलेज़" व्यापक हो गया ("मार्सिलेस का माधुर्य", पीएल लावरोव का पाठ, 1.7.1875 को समाचार पत्र "वेपर्योड" में प्रकाशित)।

सामंजस्य, संगीत का अभिव्यंजक साधन, स्वरों के सामंजस्य में एकीकरण और उनके अनुक्रमिक आंदोलन में व्यंजन के संबंध पर आधारित है। व्यंजन का मुख्य प्रकार एक राग है। किसी भी प्रकार के पॉलीफोनिक संगीत में सद्भाव के कुछ नियमों के अनुसार सद्भाव का निर्माण किया जाता है - होमोफोनी, पॉलीफोनी। संगीत के रूप में सामंजस्य के तत्व - ताल और मॉड्यूलेशन - सबसे महत्वपूर्ण कारक हैं। सद्भाव का सिद्धांत संगीत सिद्धांत की मुख्य शाखाओं में से एक है।

17 वीं शताब्दी के मध्य से, क्लैवियर संगीत के विकास में प्रधानता अंग्रेजी कुंवारी से फ्रांसीसी हार्पसीकोर्डिस्ट के पास चली गई। लंबे समय तक, लगभग एक सदी तक, यह स्कूल पश्चिमी यूरोप में सबसे प्रभावशाली था। इसका पूर्वज माना जाता है जैक्स चंबोग्निएरे, एक उत्कृष्ट अंग और हार्पसीकोर्ड वादक, एक प्रतिभाशाली शिक्षक और संगीतकार के रूप में जाना जाता है।

फ़्रांस में हार्पसीकोर्ड संगीत कार्यक्रम आमतौर पर कुलीन सैलून और महलों में हल्की-फुल्की बातचीत या नृत्य के बाद होते थे। ऐसी स्थिति गहरी और गंभीर कला के अनुकूल नहीं थी। संगीत में, सुंदर परिष्कार, परिष्कार, हल्कापन, बुद्धि की सराहना की गई। उसी समय, छोटे पैमाने के नाटकों - लघुचित्र - को प्राथमिकता दी गई। "कुछ भी लंबा, थकाऊ, बहुत गंभीर नहीं।"- यह अलिखित कानून था, जिसे फ्रांसीसी दरबारी संगीतकारों द्वारा निर्देशित किया जाना था। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि फ्रांसीसी हार्पसीकोर्डिस्ट शायद ही कभी बड़े रूपों, भिन्नता चक्रों में बदल गए - उन्होंने गुरुत्वाकर्षण किया सुइटनृत्य और कार्यक्रम लघुचित्रों से मिलकर।

फ्रेंच हार्पसीकोर्डिस्ट के सूट, जर्मन सुइट्स के विपरीत, जिसमें विशेष रूप से डांस नंबर होते हैं, अधिक स्वतंत्र रूप से बनाए जाते हैं। वे शायद ही कभी एलेमैंड - कोर्टेंट - सरबंडा - गिग के सख्त अनुक्रम पर भरोसा करते हैं। उनकी रचना कोई भी हो सकती है, कभी-कभी अप्रत्याशित, और अधिकांश नाटकों में एक काव्य शीर्षक होता है जो लेखक के इरादे को प्रकट करता है।

फ्रेंच हार्पसीकोर्डिस्ट्स के स्कूल को एल. मारचंद, जे.एफ. डैंड्री, एफ. डेज़ेनकोर्ट, एल.-के. डैकेन, लुई कूपरिन। सबसे बढ़कर, इन संगीतकारों ने सुरुचिपूर्ण ढंग से देहाती छवियों ("कोयल" और "स्वैलो" डैकेन द्वारा; "बर्ड्स क्राई" डैंड्रियू द्वारा) में सफलता प्राप्त की।

दो प्रतिभाओं के काम में फ्रेंच हार्पसीकोर्ड स्कूल अपने चरम पर पहुंच गया - फ्रेंकोइस कूपरिन(1668-1733) और उनके छोटे समकालीन जीन फिलिप रमेउ (1685–1764).

समकालीनों ने फ्रांकोइस कूपरिन को "फ्रांकोइस द ग्रेट" कहा। उनका कोई भी हार्पसीकोर्डिस्ट लोकप्रियता में उनका मुकाबला नहीं कर सका। उनका जन्म वंशानुगत संगीतकारों के परिवार में हुआ था और उन्होंने अपना लगभग पूरा जीवन पेरिस और वर्साय में शाही बच्चों के लिए अदालत के आयोजक और संगीत शिक्षक के रूप में बिताया। संगीतकार ने कई शैलियों (नाटकीय के अपवाद के साथ) में काम किया। उनकी रचनात्मक विरासत का सबसे मूल्यवान हिस्सा 27 हार्पसीकोर्ड सुइट्स (चार संग्रह में लगभग 250 टुकड़े) से बना है। यह कूपरिन था जिसने फ्रांसीसी प्रकार के सूट की स्थापना की, जो जर्मन मॉडल से अलग है, और इसमें मुख्य रूप से कार्यक्रम के टुकड़े होते हैं। उनमें से प्रकृति के रेखाचित्र हैं ("तितलियाँ", "मधुमक्खियाँ", "रीड्स"), और शैली के दृश्य - ग्रामीण जीवन के चित्र ("रीपर", "अंगूर बीनने वाले", "बुनाई"); लेकिन विशेष रूप से कई संगीत चित्र। ये धर्मनिरपेक्ष महिलाओं और साधारण युवा लड़कियों के चित्र हैं - अनाम ("प्यारी", "द वन"), या नाटकों के शीर्षक ("राजकुमारी मैरी", "मैनन", "सिस्टर मोनिका") में संक्षिप्त। अक्सर कूपरिन एक विशिष्ट चेहरा नहीं, बल्कि एक मानवीय चरित्र ("मेहनती", "रेजवुष्का", "एनेमोन", "अधीर"), या यहां तक ​​\u200b\u200bकि विभिन्न राष्ट्रीय पात्रों ("स्पैनिश महिला", "फ्रांसीसी महिला") को व्यक्त करने की कोशिश करता है। कूपरिन के कई लघुचित्र उस समय के लोकप्रिय नृत्यों के करीब हैं, उदाहरण के लिए, कौरांटे, मिनुएट।

कूपरिन लघुचित्रों का पसंदीदा रूप था रोंडो

जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, हार्पसीकोर्डिस्टों का संगीत अभिजात वातावरण में उत्पन्न हुआ और उसके लिए अभिप्रेत था। यह कुलीन संस्कृति की भावना के अनुरूप था, इसलिए विषयगत सामग्री के डिजाइन में बाहरी अनुग्रह, अलंकरण की प्रचुरता, जो अभिजात शैली का सबसे विशिष्ट तत्व है। प्रारंभिक बीथोवेन तक हार्पसीकोर्ड रचनाओं से सजावट की विविधता अविभाज्य है।

हार्पसीकोर्ड संगीत रमाऊविशेषता, शैली की कक्ष परंपराओं के विपरीत, एक बड़ा स्ट्रोक। वह विवरण से बाहर सूक्ष्म लेखन के लिए प्रवृत्त नहीं है। उनका संगीत एक विशद विशेषता से प्रतिष्ठित है, इसमें कोई भी तुरंत एक जन्मजात नाट्य संगीतकार ("चिकन", "सैवेज", "साइक्लोप्स") की लिखावट को महसूस कर सकता है।

अद्भुत हार्पसीकोर्ड टुकड़ों के अलावा, रमेउ ने कई "गीतात्मक त्रासदियों" के साथ-साथ हार्मनी पर ग्राउंडब्रेकिंग ट्रीटीज़ (1722) लिखा, जिसने उन्हें एक प्रमुख संगीत सिद्धांतकार के रूप में ख्याति दिलाई।

इटालियन क्लैवियर संगीत का विकास नाम के साथ जुड़ा हुआ है डोमेनिको स्कार्लट्टी.

ऐसे कार्यों को प्रोग्रामेटिक माना जाता है यदि उनके पास एक निश्चित साजिश है - "कार्यक्रम", जो अक्सर एक शीर्षक तक सीमित होता है, लेकिन इसमें विस्तृत विवरण हो सकता है।

संभवतः, सजावट की उपस्थिति हार्पसीकोर्ड की अपूर्णता से जुड़ी होती है, जिसकी ध्वनि तुरंत कम हो जाती है, और ट्रिल या ग्रूपेट्टो आंशिक रूप से इस कमी की भरपाई कर सकते हैं, संदर्भ ध्वनि की ध्वनि को लम्बा खींच सकते हैं।

पश्चिमी यूरोप में (विशेषकर इटालो-स्पेनिश।) बहुभुज। कडाई। एक आशुरचना के रूप में देर से मध्य युग और पुनर्जागरण (मोटेट्स, मैड्रिगल, आदि) का संगीत। तत्व निष्पादित होगा। कला ह्रास तकनीक महान विकास प्राप्त किया है। उसने बनावट वाली रचनाओं में से एक भी बनाई। ऐसे प्राचीन उपकरणों की नींव। प्रस्तावना, अमीर कार, टोकाटा, फंतासी जैसी शैलियों। विभाग मंद सूत्र धीरे-धीरे मुक्त ओ की विविध अभिव्यक्तियों से उभरे, सबसे पहले, जब मेलोडिक का समापन हुआ। निर्माण (खंडों में)। मध्य के बारे में 15th शताब्दी उसमें। संगठन टैबलेट में पहला ग्राफिक दिखाई दिया। सजावट लिखने के लिए बैज। के सेर। 16 वीं शताब्दी व्यापक रूप से उपयोग किया जाने लगा - डीकंप में। वेरिएंट और कनेक्शन - मोर्डेंट, ट्रिल, ग्रुपेटो, टू-राई अभी भी मुख्य हैं। इंस्ट्र। आभूषण। जाहिर है, वे इंस्ट्र के अभ्यास में बने थे। प्रदर्शन।

दूसरी मंजिल से। 16 वीं शताब्दी मुक्त ओ. एच.एल. द्वारा विकसित। गिरफ्तार इटली में, मुख्य रूप से एक अलग धुन में। एकल कड़ाही की संपत्ति। संगीत, साथ ही वायलिन वादक में सद्गुण की ओर अग्रसर। संगीत। उस समय वायलिन वादक में। संगीत को अभी तक वाइब्रेटो का व्यापक उपयोग नहीं मिला है, जो विस्तारित ध्वनियों को अभिव्यक्ति देता है, और माधुर्य के समृद्ध अलंकरण ने इसके विकल्प के रूप में कार्य किया। मेलिस्मेटिक। अलंकरण (गहने, उपमाएं) को फ्रांसीसी कला में एक विशेष विकास प्राप्त हुआ। 17वीं और 18वीं शताब्दी के ल्यूट और हार्पसीकोर्डिस्ट, जिनके लिए नृत्य पर निर्भरता विशेषता थी। परिष्कृत शैलीकरण के अधीन शैलियों। फ्रेंच में। संगीत, वाद्ययंत्रों के बीच घनिष्ठ संबंध था। एक धर्मनिरपेक्ष कड़ाही के साथ समझौते। गीत काव्य (तथाकथित एयर्स डे कौर), नृत्य के किनारों को ही अनुमति दी गई थी। प्लास्टिक। अंग्रेज़ी। कुंवारीवादी (16 वीं शताब्दी के अंत में), गीत विषयों और इसकी विविधताओं के लिए इच्छुक थे। विकास, ओ क्षेत्र में कम तकनीक की ओर अधिक गुरुत्वाकर्षण। कुछ मेलिस्मेटिक। वर्जिनिस्टों द्वारा उपयोग किए जाने वाले चिह्नों को सही ढंग से नहीं समझा जा सकता है। ऑस्ट्रो-जर्मन में। क्लैवियर कला, जो बीच से गहन रूप से विकसित होने लगी। 17वीं शताब्दी, जे.एस.बैच तक समावेशी रूप से, इतालवी की ओर गुरुत्वाकर्षण अलग-अलग तरीकों से टकराया। लघु और फ्रेंच। मेलिस्मेटिक शैलियाँ। फ्रेंच। 17वीं-18वीं शताब्दी के संगीतकार यह नाटकों के संग्रह के साथ साज-सज्जा की मेजों के साथ जाने का रिवाज बन गया। जे.ए. डी'एंग्लेबर्ट (1689) के हार्पसीकोर्ड संग्रह के लिए सबसे अधिक विशाल तालिका (मेलिस्मा की 29 किस्मों के साथ) की शुरुआत की गई थी; हालांकि ऐसी तालिकाएं महत्वहीन विसंगतियों को प्रकट करती हैं, वे आमतौर पर इस्तेमाल किए जाने वाले गहने कैटलॉग का एक प्रकार बन गए हैं। बाख की "कीबोर्ड बुक फॉर विल्हेम" फ्राइडेमैन बाख" (1720), डी "एंगलबर से बहुत अधिक उधार लिया गया।

फ्रेंच से विनियमित सजावट की दिशा में मुक्त ओ से प्रस्थान। हार्पसीकोर्डिस्ट को orc को सौंपा गया था। जे बी लुली द्वारा संगीत। फिर भी, फ्रेंच। गहनों का विनियमन बिल्कुल सख्त नहीं है, क्योंकि यहां तक ​​​​कि सबसे विस्तृत तालिका केवल विशिष्ट अनुप्रयोगों के लिए उनके सटीक डिकोडिंग को इंगित करती है। कस्तूरी की विशिष्ट विशेषताओं के अनुरूप, छोटे विचलन की अनुमति है। कपड़े। वे कलाकार की कला और स्वाद पर निर्भर करते हैं, और प्रकाशनों में लिखित टेप के साथ - शैलीगत पर। संपादकों का ज्ञान, सिद्धांत और रुचि। चमकदार फ्रांसीसी के नाटकों के प्रदर्शन में इस तरह के विचलन अनिवार्य हैं। हार्पसीकोर्डिज्म पी। कूपरिन ने गहनों को डिकोड करने के लिए अपने नियमों के सटीक कार्यान्वयन की मांग की। फ्रांज। हार्पसीकोर्डिस्टों के लिए लेखक के नियंत्रण में कम अलंकरण लेना भी आम बात थी, जिसे उन्होंने विशेष रूप से वेराज़ में लिखा था। लेता है।

अंत की ओर। 17 वीं शताब्दी, जब फ्रांसीसी। हार्पसीकोर्डिस्ट मेलोडिक के साथ-साथ ट्रिल और ग्रेस नोट जैसे अपने क्षेत्र में ट्रेंडसेटर बन गए हैं। समारोह, उन्होंने एक नया सामंजस्यपूर्ण प्रदर्शन करना शुरू किया। एक मजबूत ताल पर असंगति पैदा करना और तेज करना। जे.एस.बाख, डी. स्कारलाटी की तरह, आम तौर पर मुख्य में असंगत गहने लिखते थे। संगीत पाठ (उदाहरण के लिए, इटालियन कॉन्सर्टो का भाग II देखें)। इससे आई.ए. "सद्भाव की सुंदरता", क्योंकि उस समय के संगीतकारों ने सभी सजावट को आइकन या छोटे नोटों के साथ लिखना पसंद किया, ताकि उन्हें ग्राफिक रूप से प्रदर्शित किया जा सके। रिकॉर्डिंग स्पष्ट रूप से सामंजस्यपूर्ण थे। यूफोनी डॉस। तार।

एफ। कूपरिन में एक परिष्कृत फ्रेंच है। हार्पसीकोर्ड शैली अपने चरम पर पहुंच गई। जे.एफ. रमेउ के परिपक्व नाटकों में, चेंबर चिंतन की सीमा से परे जाने, विकास की प्रभावी गतिशीलता को मजबूत करने, कस्तूरी में लागू करने की इच्छा प्रकट हुई थी। व्यापक सजावटी स्ट्रोक लिखना, विशेष रूप से, पृष्ठभूमि हार्मोनिक्स के रूप में। आकृति। इसलिए रमेउ और साथ ही बाद के फ्रेंच में गहनों के अधिक उदार उपयोग की प्रवृत्ति। उदाहरण के लिए, हार्पसीकोर्डिस्ट। जे. डुफली में। हालांकि, तीसरे गुरुवार को। 18 वीं सदी भावुक प्रवृत्तियों से जुड़े कार्यों में ओ एक नए दिन पर पहुंच गया। इस कला का एक प्रमुख प्रतिनिधि। F.E.Bach, ग्रंथ "क्लैवियर खेलने के सही तरीके का अनुभव" के लेखक ने संगीत में एक भाषण दिया, जिसमें उन्होंने ओ।

नए सौंदर्यशास्त्र के अनुरूप विनीज़ क्लासिकिज़्म के बाद के उच्च फूल। आदर्शों के कारण ओ. का एक कठोर और अधिक उदारवादी अनुप्रयोग हुआ। फिर भी, उसने जे. हेडन, डब्ल्यू.ए. मोजार्ट और युवा एल. बीथोवेन के काम में एक प्रमुख भूमिका निभाना जारी रखा। यूरोप में फ्री ओ को संरक्षित किया गया था। संगीत पूर्व. विविधता के क्षेत्र में, कलाप्रवीण व्यक्ति संक्षिप्त। कैडेंज़ा और वोक। रंगतुरा। उत्तरार्द्ध रोमांटिक में परिलक्षित होता है। php. संगीत पहली मंजिल। 19 वीं सदी (विशेष रूप से एफ। चोपिन द्वारा मूल रूपों में)। उसी समय, मेलिस्मा की असंगत ध्वनि ने एक व्यंजन ध्वनि का स्थान ले लिया; विशेष रूप से, ट्रिल प्रीम शुरू करना शुरू कर दिया। सहायक के साथ नहीं, बल्कि मुख्य के साथ। ध्वनि, अक्सर एक ऑफ-बीट के गठन के साथ। इतना सामंजस्यपूर्ण। और लय। O. का नरम होना स्वयं जीवाओं की बढ़ी हुई असंगति के विपरीत था। सामंजस्य का अभूतपूर्व विकास रोमांटिक संगीतकारों की विशेषता बन गया है। एफपी में आलंकारिक पृष्ठभूमि। एक विस्तृत रंगीन के साथ संगीत। पेडल, साथ ही समय-रंगीन मूर्तियों का उपयोग करना। ओआरसी में बनावट। अंक दूसरी मंजिल में। 19 वीं सदी O का मान घट गया है। 20 वीं सदी में। आशुरचना को मजबूत करने के संबंध में मुक्त ओ की भूमिका फिर से बढ़ गई। कस्तूरी के कुछ क्षेत्रों में शुरू हुआ। रचनात्मकता, उदाहरण के लिए। जैज संगीत में। एक विशाल सैद्धांतिक और कार्यप्रणाली है। ओ की समस्याओं पर साहित्य। यह घटना ओ को स्पष्ट करने के अथक प्रयासों से उत्पन्न होता है, जो उनके कामचलाऊ व्यवस्था में इसका "विरोध" करता है। प्रकृति। डिक्रिप्शन के लिए सख्त सर्वव्यापी नियमों के रूप में मौजूद कार्यों के लेखक वास्तव में केवल निजी सिफारिशें हैं।