पोर्ट्रेट और पोर्ट्रेट के प्रकार. वहां किस प्रकार के चित्र हैं? शैली और आधुनिकता का इतिहास

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दृश्य कला
चित्र
प्रजातियाँ और प्रकार
चित्र।
चित्र का विवरण.
लेखक:
© कुप्रिना एवगेनिया व्लादिमीरोवाना
एमएचसी और इतिहास शिक्षक
दृश्य कला
नगर शिक्षण संस्थान संख्या 124 समेरा

चित्र

पोर्ट्रेट विश्लेषण

कला का वह प्रकार जिससे चित्र संबंधित है

चित्र का उद्देश्य

फिल्म में पात्रों की संख्या

पोर्ट्रेट पात्र

चित्र में पात्र की स्थिति

चित्र में पात्र की स्थिति

चित्र में पात्र की स्थिति

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चित्र में पात्र की स्थिति

चित्र में पात्र की स्थिति

चरित्र का सिर घूमना

पोर्ट्रेट विश्लेषण

पोर्ट्रेट विश्लेषण। कार्य.

आज की पोस्ट में मैं चित्रांकन के विकास के एक संक्षिप्त इतिहास पर ध्यान देना चाहूँगा। पोस्ट के सीमित दायरे में इस विषय पर सभी सामग्री को पूरी तरह से कवर करना संभव नहीं है, इसलिए मैंने ऐसा कोई कार्य निर्धारित नहीं किया।

चित्रांकन के इतिहास में एक संक्षिप्त भ्रमण

चित्र(फ्रांसीसी चित्र से) - यह ललित कला की एक शैली है, साथ ही इस शैली की कृतियाँ जो किसी व्यक्ति विशेष की शक्ल दिखाती हैं। एक चित्र व्यक्तिगत विशेषताओं, केवल एक मॉडल में निहित अद्वितीय विशेषताओं को व्यक्त करता है (एक मॉडल कला के काम पर काम करते समय एक मास्टर के लिए प्रस्तुत होने वाला व्यक्ति होता है)।

"पेरिसियन"। नोसोस के महल से फ्रेस्को, 16वीं शताब्दी ईसा पूर्व।

लेकिन बाहरी समानता किसी चित्र में निहित एकमात्र और संभवतः सबसे महत्वपूर्ण गुण नहीं है . एक सच्चा चित्रकार अपने मॉडल की बाहरी विशेषताओं को पुन: प्रस्तुत करने तक ही सीमित नहीं है, वह प्रयास करता है उसके चरित्र के गुणों को व्यक्त करें, उसकी आंतरिक, आध्यात्मिक दुनिया को प्रकट करें . एक निश्चित युग के प्रतिनिधि की एक विशिष्ट छवि बनाने के लिए, चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की सामाजिक स्थिति को दिखाना भी बहुत महत्वपूर्ण है।
एक शैली के रूप में, चित्रांकन कई हज़ार साल पहले प्राचीन कला में दिखाई दिया था। क्रेते द्वीप पर खुदाई के दौरान पुरातत्वविदों द्वारा पाए गए प्रसिद्ध नोसोस पैलेस के भित्तिचित्रों में 16वीं शताब्दी ईसा पूर्व की महिलाओं की कई सुरम्य छवियां हैं। हालाँकि शोधकर्ताओं ने इन छवियों को "दरबारी महिलाएँ" कहा, हम नहीं जानते कि क्रेटन स्वामी किसे दिखाने की कोशिश कर रहे थे - देवी, पुजारिन, या सुरुचिपूर्ण पोशाक पहने कुलीन महिलाएँ।
एक युवा महिला का सबसे प्रसिद्ध चित्र, जिसे वैज्ञानिकों ने "पेरिसियन" कहा है। हम अपने सामने एक युवा महिला की प्रोफाइल (उस समय की कला की परंपराओं के अनुसार) छवि देखते हैं, जो बहुत चुलबुली है और सौंदर्य प्रसाधनों की उपेक्षा नहीं करती है, जैसा कि उसकी आंखों से पता चलता है, एक अंधेरे रूपरेखा में रेखांकित, और चमकीले रंग वाले होंठ।
जिन कलाकारों ने अपने समकालीनों के भित्ति चित्र बनाए, उन्होंने मॉडलों की विशेषताओं में गहराई से प्रवेश नहीं किया, और इन छवियों में बाहरी समानता बहुत सापेक्ष है।

"एक युवा रोमन का चित्रण", तीसरी शताब्दी ई.पू. की शुरुआत।

प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम में, चित्रफलक चित्रकला मौजूद नहीं थी, इसलिए चित्रांकन की कला मुख्य रूप से मूर्तिकला में व्यक्त की गई थी। प्राचीन गुरुओं ने कवियों, दार्शनिकों, सैन्य नेताओं और राजनेताओं की प्लास्टिक छवियां बनाईं। इन कार्यों की विशेषता आदर्शीकरण है, और साथ ही, इनमें ऐसी छवियां भी हैं जो अपनी मनोवैज्ञानिक विशेषताओं में बहुत सटीक हैं।
पहली-चौथी शताब्दी ईस्वी में मिस्र में बनाए गए सुरम्य चित्र बहुत रुचिकर हैं। खोज के स्थान के आधार पर (काहिरा के उत्तर में हवारा की कब्रें और फयूम नखलिस्तान के क़ब्रिस्तान, जिन्हें टॉलेमीज़ के तहत अर्सिनो कहा जाता था) उन्हें फ़यूम कहा जाता है। ये छवियां अनुष्ठान और जादुई कार्य करती थीं। वे हेलेनिस्टिक युग में प्रकट हुए, जब प्राचीन मिस्र पर रोमनों ने कब्ज़ा कर लिया था। लकड़ी के तख्तों या कैनवास पर बनाई गई इन चित्र छवियों को मृतक की कब्र में ममी के साथ रखा गया था।
फ़यूम चित्रों में हम मिस्रवासी, सीरियाई, न्युबियन, यहूदी, यूनानी और रोमन देखते हैं जो पहली-चौथी शताब्दी ईस्वी में मिस्र में रहते थे। प्राचीन रोम से मिस्र तक घर में लकड़ी की पट्टियों पर चित्रित मालिकों के चित्रों के साथ-साथ मृत रिश्तेदारों के मूर्तिकला मुखौटे रखने की प्रथा आई।

फ़यूम ममी का चित्र

फ़यूम के चित्र टेम्परा या एन्कास्टिक तकनीकों का उपयोग करके बनाए गए थे, जो विशेष रूप से पहले की छवियों की विशेषता है। एन्कास्टिक पेंट्स के साथ पेंटिंग है, जहां मुख्य कनेक्टिंग लिंक मोम था। कलाकारों ने पिघले हुए मोम के पेंट का उपयोग किया (चित्र चित्रों वाली कई गोलियों पर ऐसे पेंट के टपकने के निशान हैं)। इस तकनीक के लिए विशेष तकनीकों की आवश्यकता होती है। गालों, ठोड़ी और नाक के क्षेत्रों पर, घनी परतों में पेंट लगाया गया था, और चेहरे और बालों के बाकी हिस्सों को पतले पेंट से रंगा गया था। उस्तादों ने चित्रों के लिए गूलर (शहतूत अंजीर का पेड़) और लेबनानी देवदार के पतले तख्तों का उपयोग किया।

जी बेलिनी. "एक दाता का चित्र" टुकड़ा

एन्कास्टिक तकनीक का उपयोग करके बनाए गए सबसे प्रसिद्ध चित्रों में "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए मैन" (पहली शताब्दी ईस्वी का दूसरा भाग) और "एक बुजुर्ग आदमी का पोर्ट्रेट" (पहली शताब्दी ईस्वी के अंत में) हैं, जो जीवन भर की छवियां हैं। इन कार्यों में, कुशल प्रकाश और छाया मॉडलिंग और रंग प्रतिबिंब का उपयोग हड़ताली है। संभवतः, हमारे लिए अज्ञात उस्ताद, जिन्होंने चित्रों को चित्रित किया, चित्रकला के हेलेनिस्टिक स्कूल से गुज़रे। दो अन्य चित्रों को भी इसी तरह से निष्पादित किया गया था - "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए न्युबियन" और एक सुंदर महिला छवि, तथाकथित। "मालकिन अलीना" (दूसरी शताब्दी ई.पू.)। अंतिम चित्र ब्रश और तरल तड़के का उपयोग करके कैनवास पर बनाया गया है।
मध्य युग के दौरान, जब कला चर्च के अधीन थी, चित्रकला में मुख्य रूप से धार्मिक चित्र बनाए गए थे। लेकिन इस समय भी, कुछ कलाकारों ने मनोवैज्ञानिक रूप से सटीक चित्र बनाए। दाताओं (दाता, ग्राहक) की छवियाँ, जिन्हें प्रोफ़ाइल में अक्सर भगवान, मैडोना या संत की ओर मुख करके दिखाया जाता था, व्यापक हो गईं। दाताओं की छवियों में मूल के साथ निस्संदेह बाहरी समानता थी, लेकिन वे रचना में एक माध्यमिक भूमिका निभाते हुए, प्रतीकात्मक सिद्धांतों से आगे नहीं बढ़े। आइकन से आने वाली प्रोफ़ाइल छवियों ने तब भी अपना प्रमुख स्थान बरकरार रखा जब चित्र ने स्वतंत्र अर्थ प्राप्त करना शुरू कर दिया।
चित्र शैली का उत्कर्ष पुनर्जागरण में शुरू हुआ, जब दुनिया का मुख्य मूल्य एक सक्रिय और उद्देश्यपूर्ण व्यक्ति बन गया, जो इस दुनिया को बदलने और बाधाओं के खिलाफ जाने में सक्षम था। 15वीं शताब्दी में, कलाकारों ने स्वतंत्र चित्र बनाना शुरू किया, जिसमें मनोरम राजसी परिदृश्यों की पृष्ठभूमि में मॉडल दिखाए गए। यह बी. पिंटुरिचियो द्वारा लिखित "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए बॉय" है।

बी पिंटुरिचियो। "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए बॉय", आर्ट गैलरी, ड्रेसडेन

हालाँकि, चित्रों में प्रकृति के टुकड़ों की उपस्थिति किसी व्यक्ति और उसके आस-पास की दुनिया की अखंडता, एकता नहीं बनाती है; जिस व्यक्ति को चित्रित किया जा रहा है वह प्राकृतिक परिदृश्य को अस्पष्ट करता प्रतीत होता है। केवल 16वीं शताब्दी के चित्रों में ही सामंजस्य उभरता है, एक प्रकार का सूक्ष्म जगत।

बोटिसेली, राफेल, लियोनार्डो दा विंची सहित कई प्रसिद्ध पुनर्जागरण मास्टर्स ने पोर्ट्रेट पेंटिंग की ओर रुख किया। विश्व कला का सबसे बड़ा काम लियोनार्डो की प्रसिद्ध कृति थी - चित्र "मोना लिसा" ("ला जियाकोंडा", लगभग 1503), जिसमें बाद की पीढ़ियों के कई चित्रकारों ने एक आदर्श देखा।
टिटियन ने अपने समकालीनों: कवियों, वैज्ञानिकों, पादरी और शासकों की छवियों की एक पूरी गैलरी बनाकर यूरोपीय चित्र शैली के विकास में एक बड़ी भूमिका निभाई। इन कार्यों में, महान इतालवी गुरु ने एक सूक्ष्म मनोवैज्ञानिक और मानव आत्मा पर एक उत्कृष्ट विशेषज्ञ के रूप में काम किया।

टिटियन: पुर्तगाल की महारानी इसाबेला।

पुनर्जागरण के दौरान, वेदी और पौराणिक रचनाएँ बनाने वाले कई कलाकारों ने चित्र शैली की ओर रुख किया। डच चित्रकार जान वैन आइक ("टिमोथी", 1432; "द मैन इन द रेड टर्बन", 1433) के मनोवैज्ञानिक चित्र मॉडल की आंतरिक दुनिया में उनकी गहरी पैठ से प्रतिष्ठित हैं। चित्र शैली के एक मान्यता प्राप्त मास्टर जर्मन कलाकार अल्ब्रेक्ट ड्यूरर थे, जिनके स्व-चित्र अभी भी दर्शकों को प्रसन्न करते हैं और कलाकारों के लिए एक उदाहरण के रूप में काम करते हैं।

अल्ब्रेक्ट ड्यूरर, सेल्फ-पोर्ट्रेट

पुनर्जागरण के दौरान, यूरोपीय चित्रकला में चित्रांकन के विभिन्न रूप सामने आए। पूर्ण-लंबाई वाले चित्र उस समय बहुत लोकप्रिय थे, हालाँकि आधी-लंबाई, पार्श्व-लंबाई वाली छवियाँ और पूर्ण-लंबाई वाले चित्र भी दिखाई दिए। कुलीन जोड़ों ने युग्मित चित्रों का आदेश दिया जिसमें मॉडलों को विभिन्न कैनवस पर चित्रित किया गया था, लेकिन दोनों रचनाएँ एक सामान्य अवधारणा, रंग और परिदृश्य पृष्ठभूमि से एकजुट थीं। युग्मित चित्रों का एक आकर्षक उदाहरण ड्यूक और डचेस ऑफ उरबिनो (फेडेरिगो दा मोंटेफेल्ट्रो और बतिस्ता सेफोर्ज़ा, 1465) की छवि है, जो इतालवी चित्रकार पिएरो डेला फ्रांसेस्का द्वारा बनाई गई है।
समूह चित्र भी व्यापक हो गए, जब कलाकार ने एक कैनवास पर कई मॉडल दिखाए। इस तरह के काम का एक उदाहरण टिटियन द्वारा लिखित "एलेसेंड्रो और ओटावियो फ़ार्नीज़ के साथ पोप पॉल III का चित्रण" (1545-1546) है।

छवि की प्रकृति के आधार पर, चित्रों को औपचारिक और अंतरंग में विभाजित किया जाने लगा। पहले लोगों को उनके प्रतिनिधित्व वाले लोगों को ऊंचा उठाने और महिमामंडित करने के उद्देश्य से बनाया गया था। औपचारिक चित्र प्रसिद्ध कलाकारों से शासन करने वाले व्यक्तियों और उनके परिवारों के सदस्यों, दरबारियों और पादरियों द्वारा बनवाए गए थे, जिन्होंने पदानुक्रमित सीढ़ी के ऊपरी चरणों पर कब्जा कर लिया था।
औपचारिक चित्र बनाते समय, चित्रकारों ने सोने की कढ़ाई वाली समृद्ध वर्दी में पुरुषों को चित्रित किया। जिन महिलाओं ने कलाकार के लिए पोज़ दिया, उन्होंने सबसे शानदार पोशाकें पहनीं और खुद को गहनों से सजाया। ऐसे चित्रों में पृष्ठभूमि ने विशेष भूमिका निभाई। मास्टर्स ने अपने मॉडलों को परिदृश्य, वास्तुशिल्प तत्वों (मेहराब, स्तंभ) और हरे-भरे पर्दे की पृष्ठभूमि के खिलाफ चित्रित किया।
औपचारिक चित्रों के सबसे महान स्वामी फ्लेमिश पी.पी. थे। रूबेन्स, जिन्होंने कई राज्यों के शाही दरबारों में काम किया। उनके कुलीन और धनी समकालीनों का सपना था कि चित्रकार उन्हें अपने कैनवस पर कैद करे। रूबेंस के कमीशन किए गए चित्र, रंगों की समृद्धि और डिजाइन की उत्कृष्टता से प्रभावित होकर, कुछ हद तक आदर्श और ठंडे हैं। कलाकार ने अपने लिए जो परिवार और दोस्तों की छवियां बनाईं, वे गर्म और ईमानदार भावनाओं से भरी हैं; उनमें मॉडल की चापलूसी करने की कोई इच्छा नहीं है, जैसा कि अमीर ग्राहकों के लिए औपचारिक चित्रों में होता है।

रूबेन्स के एक छात्र और अनुयायी प्रतिभाशाली फ्लेमिश चित्रकार ए. वैन डाइक थे, जिन्होंने अपने समकालीनों: वैज्ञानिकों, वकीलों, डॉक्टरों, कलाकारों, व्यापारियों, सैन्य नेताओं, पादरी और दरबारियों की चित्र छवियों की एक गैलरी बनाई। ये यथार्थवादी छवियां मॉडलों की व्यक्तिगत विशिष्टता को सूक्ष्मता से व्यक्त करती हैं।
अंतिम समय में वैन डाइक द्वारा बनाए गए चित्र, जब कलाकार अंग्रेजी राजा चार्ल्स के दरबार में काम करते थे, कलात्मक रूप से कम परिपूर्ण हैं, क्योंकि जिस स्वामी को कई आदेश मिले, वह उनका सामना नहीं कर सका और उसने कुछ हिस्सों की छवि अपने सहायकों को सौंप दी। लेकिन इस समय भी, वैन डाइक ने कई सफल पेंटिंग बनाईं (चार्ल्स प्रथम का लौवर चित्र, लगभग 1635; "चार्ल्स प्रथम के तीन बच्चे," 1635)।

ए वैन डाइक। "चार्ल्स प्रथम के तीन बच्चे", 1635, रॉयल कलेक्शन, विंडसर कैसल

17वीं शताब्दी में, एक अंतरंग (कक्ष) चित्र ने यूरोपीय चित्रकला में एक महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा कर लिया, जिसका उद्देश्य किसी व्यक्ति की मनःस्थिति, उसकी भावनाओं और भावनाओं को दिखाना था। डच कलाकार रेम्ब्रांट, जिन्होंने कई भावपूर्ण चित्र बनाए, इस प्रकार के चित्रांकन के एक मान्यता प्राप्त स्वामी बन गए। "पोर्ट्रेट ऑफ़ एन ओल्ड लेडी" (1654), "पोर्ट्रेट ऑफ़ द सन ऑफ़ टाइटस रीडिंग" (1657), और "हेंड्रिकजे स्टॉफ़ेल्स एट द विंडो" (कलाकार की दूसरी पत्नी का चित्र, लगभग 1659) सच्ची भावना से ओत-प्रोत हैं। ये कृतियाँ दर्शकों को सामान्य लोगों से परिचित कराती हैं जिनके न तो महान पूर्वज थे और न ही धन। लेकिन रेम्ब्रांट के लिए, जिन्होंने चित्र शैली के इतिहास में एक नया पृष्ठ खोला, अपने मॉडल की आध्यात्मिक दयालुता, उसके वास्तविक मानवीय गुणों को व्यक्त करना महत्वपूर्ण था।

अज्ञात कलाकार। पारसून "सभी रूस के शासक इवान चतुर्थ द टेरिबल", 17वीं सदी के अंत में।

रेम्ब्रांट का कौशल उनके बड़े-प्रारूप वाले समूह चित्रों ("नाइट वॉच", 1642; "सिंडिक्स", 1662) में भी स्पष्ट था, जो विभिन्न स्वभावों और उज्ज्वल मानवीय व्यक्तित्वों को व्यक्त करते थे।
17वीं शताब्दी के सबसे उल्लेखनीय यूरोपीय चित्रकारों में से एक स्पेनिश कलाकार डी. वेलाज़क्वेज़ थे, जिन्होंने न केवल स्पेनिश राजाओं, उनकी पत्नियों और बच्चों का प्रतिनिधित्व करने वाले कई औपचारिक चित्र बनाए, बल्कि आम लोगों की कई अंतरंग छवियां भी चित्रित कीं। दरबारी बौनों की दुखद छवियां - बुद्धिमान और आरक्षित या शर्मिंदा, लेकिन हमेशा मानवीय गरिमा की भावना बनाए रखते हुए - दर्शकों की सर्वोत्तम भावनाओं को संबोधित की जाती हैं ("जेस्टर सेबेस्टियानो मोरा का चित्रण", सी। 1648)।

चित्र शैली को 18वीं शताब्दी में और अधिक विकास प्राप्त हुआ। परिदृश्यों के विपरीत, चित्रों ने कलाकारों को अच्छी आय दी। कई चित्रकार जिन्होंने औपचारिक चित्र बनाए, एक अमीर और उच्च-कुलीन ग्राहक की चापलूसी करने की कोशिश करते हुए, उसकी उपस्थिति की सबसे आकर्षक विशेषताओं को उजागर करने और उसकी कमियों को अस्पष्ट करने की कोशिश की।
लेकिन सबसे साहसी और प्रतिभाशाली स्वामी शासकों के क्रोध से नहीं डरते थे और अपनी शारीरिक और नैतिक कमियों को छिपाए बिना, लोगों को वैसे ही दिखाते थे जैसे वे वास्तव में थे। इस अर्थ में, प्रसिद्ध स्पेनिश चित्रकार और ग्राफिक कलाकार एफ. गोया का प्रसिद्ध "पोर्ट्रेट ऑफ़ द फ़ैमिली ऑफ़ किंग चार्ल्स IV" (1801) दिलचस्प है। नेशनल स्कूल ऑफ़ पोर्ट्रेट का उदय इंग्लैंड में हुआ। इसके सबसे बड़े प्रतिनिधि कलाकार जे. रेनॉल्ड्स और टी. गेन्सबोरो हैं, जिन्होंने 18वीं शताब्दी में काम किया था। उनकी परंपराएँ युवा अंग्रेजी मास्टर्स को विरासत में मिलीं: जे. रोमनी, जे. हॉपनर, जे. ओपी।
चित्र ने फ्रांस की कला में एक महत्वपूर्ण स्थान प्राप्त किया। 18वीं सदी के उत्तरार्ध - 19वीं सदी की पहली तिमाही के सबसे प्रतिभाशाली कलाकारों में से एक थे जे.एल. डेविड, जिन्होंने प्राचीन और ऐतिहासिक शैली के चित्रों के साथ-साथ कई खूबसूरत चित्र भी बनाए। मास्टर की उत्कृष्ट कृतियों में मैडम रेकैमियर (1800) की असामान्य रूप से अभिव्यंजक छवि और रोमांटिक रूप से ऊंचा चित्र "सेंट-बर्नार्ड पास पर नेपोलियन बोनापार्ट" (1800) शामिल हैं।

चित्र शैली के एक नायाब गुरु जे.ओ.डी. थे। इंग्रेस, जिन्होंने औपचारिक चित्रों के साथ अपने नाम को गौरवान्वित किया, जो मधुर रंगों और सुंदर रेखाओं से प्रतिष्ठित थे।
रोमांटिक चित्रांकन के उत्कृष्ट उदाहरण टी. गेरिकॉल्ट और ई. डेलाक्रोइक्स जैसे फ्रांसीसी कलाकारों द्वारा दुनिया के सामने प्रस्तुत किए गए।
फ्रांसीसी यथार्थवादी (जे.एफ. मिलेट, सी. कोरोट, जी. कौरबेट), प्रभाववादी (ई. डेगास, ओ. रेनॉयर) और उत्तर-प्रभाववादी (पी. सेज़ेन, डब्ल्यू. वैन गॉग) ने चित्रों में जीवन और कला के प्रति अपना दृष्टिकोण व्यक्त किया।
20वीं शताब्दी में उभरे आधुनिकतावादी आंदोलनों के प्रतिनिधियों ने भी चित्र शैली की ओर रुख किया। प्रसिद्ध फ्रांसीसी कलाकार पाब्लो पिकासो ने हमारे लिए कई चित्र छोड़े। इन कार्यों से यह पता लगाया जा सकता है कि मास्टर का कार्य तथाकथित से कैसे विकसित हुआ। क्यूबिज़्म के लिए नीला काल।

अपने "ब्लू पीरियड" (1901-1904) में, वह चित्र और शैली प्रकार बनाते हैं जिसमें वह अकेलेपन, दुःख और मानव विनाश के विषय को विकसित करते हैं, जो नायक की आध्यात्मिक दुनिया और उसके प्रति शत्रुतापूर्ण वातावरण में व्याप्त है। यह कलाकार के मित्र, कवि एक्स. साबार्टेस (1901, मॉस्को, पुश्किन संग्रहालय) का चित्र है।

रूसी चित्रांकन के विकास में एक महत्वपूर्ण योगदान 18वीं शताब्दी के पूर्वार्ध के प्रतिभाशाली कलाकार आई.एन. द्वारा दिया गया था। एक मनोवैज्ञानिक के कौशल के साथ निकितिन ने "पोर्ट्रेट ऑफ ए फ्लोर हेटमैन" (1720 के दशक) में पेट्रिन युग के एक व्यक्ति की एक जटिल, बहुआयामी छवि दिखाई।

18वीं सदी के उत्तरार्ध की पेंटिंग एफ.एस. जैसे प्रसिद्ध चित्रकारों के नाम से जुड़ी है। रोकोतोव, जिन्होंने अपने समकालीनों की कई प्रेरित छवियां बनाईं (वी.आई. मायकोव का चित्र, लगभग 1765), डी.जी. लेवित्स्की, सुंदर औपचारिक और चैम्बर चित्रों के लेखक जो मॉडलों की प्रकृति की अखंडता को व्यक्त करते हैं (स्मोल्नी इंस्टीट्यूट के छात्रों के चित्र, लगभग 1773-1776), वी.एल. बोरोविकोवस्की, जिनके महिलाओं के अद्भुत गीतात्मक चित्र आज भी दर्शकों को प्रसन्न करते हैं।

बोरोविकोवस्की, व्लादिमीर लुकिच: ऐलेना अलेक्जेंड्रोवना नारीशकिना का पोर्ट्रेट।

1860-1870 का दशक रूसी चित्रकला में यथार्थवाद के गठन का समय था, जो घुमंतू कलाकारों के काम में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ था। इस अवधि के दौरान, चित्र शैली में, प्रकार के चित्र, जिसमें मॉडल को न केवल मनोवैज्ञानिक मूल्यांकन प्राप्त हुआ, बल्कि समाज में उसके स्थान के दृष्टिकोण से भी विचार किया गया, को लोकतांत्रिक विचारधारा वाली जनता के बीच बड़ी सफलता मिली। ऐसे कार्यों में, लेखकों ने चित्रित लोगों की व्यक्तिगत और विशिष्ट विशेषताओं दोनों पर समान ध्यान दिया।
इस प्रकार के चित्र का एक उदाहरण 1867 में कलाकार एन.एन. द्वारा चित्रित किया गया था। ए.आई. का जीई पोर्ट्रेट हर्ज़ेन। लोकतांत्रिक लेखक की तस्वीरों को देखकर कोई भी समझ सकता है कि मास्टर ने बाहरी समानता को कितनी सटीकता से पकड़ा है। लेकिन चित्रकार यहीं नहीं रुका; उसने संघर्ष के माध्यम से अपने लोगों के लिए खुशी हासिल करने का प्रयास करने वाले एक व्यक्ति के आध्यात्मिक जीवन को कैनवास पर चित्रित किया। हर्ज़ेन की छवि में, जीई ने अपने युग के सर्वश्रेष्ठ लोगों का सामूहिक प्रकार दिखाया।

एन.एन. ए.आई. का जीई पोर्ट्रेट हर्ज़ेन

जीई की चित्रांकन की परंपरा को वी.जी. जैसे उस्तादों ने अपनाया। पेरोव (एफ.एम. दोस्तोवस्की का चित्र, 1872), आई.एन. क्राम्स्कोय (एल.एन. टॉल्स्टॉय का चित्र, 1873)। इन कलाकारों ने अपने उत्कृष्ट समकालीनों की छवियों की एक पूरी गैलरी बनाई।
अद्भुत प्रकार के चित्र आई.ई. द्वारा चित्रित किये गये थे। रेपिन, जो प्रत्येक व्यक्ति की अद्वितीय व्यक्तित्व को बहुत सटीक रूप से व्यक्त करने में कामयाब रहे। सही ढंग से नोट किए गए इशारों, मुद्राओं और चेहरे के भावों की मदद से, मास्टर चित्रित किए जा रहे लोगों की सामाजिक और आध्यात्मिक विशेषताएं बताते हैं। 1881 में रेपिन द्वारा निष्पादित एन.आई. के चित्र में एक महत्वपूर्ण और मजबूत इरादों वाला व्यक्ति दिखाई देता है। पिरोगोव। दर्शक अपने कैनवास में अभिनेत्री पी.ए. को चित्रित करते हुए गहरी कलात्मक प्रतिभा और प्रकृति के जुनून को देखते हैं। स्ट्रेपेटोव (1882)।

एलिजाबेथ की भूमिका में अभिनेत्री पेलेग्या एंटिपोव्ना स्ट्रेपेटोवा का चित्रण। 1881

ग्लेज़ुनोव_ इल्या रेज़निक का पोर्ट्रेट, 1999

ए.एम. ने रूसी चित्रांकन के विकास में बहुत बड़ा योगदान दिया। शिलोव ("शिक्षाविद आई.एल. नुन्यंट्स का पोर्ट्रेट", 1974; "ओला का पोर्ट्रेट", 1974)।

पूर्वाह्न। शिलोव। "पोर्ट्रेट ऑफ़ ओला", 1974

सामग्री तैयार करने में प्रयुक्त सामग्री

चित्रांकन और रेखांकन किसी व्यक्ति, उसकी सुंदरता, चरित्र और आकांक्षाओं की कहानी बताते हैं। एक चित्र कलाकार किसी व्यक्ति के चरित्र, उसके जटिल व्यक्तित्व से संबंधित होता है। किसी व्यक्ति को समझने के लिए, उसके रूप-रंग से उसके सार को समझने के लिए, आपको बहुत सारे जीवन और पेशेवर अनुभव की आवश्यकता होती है। कलाकार को चित्रित व्यक्ति के बारे में गहन ज्ञान की आवश्यकता होती है। चित्रित व्यक्ति के व्यक्तिगत लक्षणों के अलावा, यह भी है उन गुणों को बताना महत्वपूर्ण है जो उसका पेशेवर वातावरण उस पर थोपता है।

चित्र(फ्रेंच पोर्ट्रेट - छवि) - एक व्यक्ति या लोगों के समूह को चित्रित करने वाली ललित कला की एक शैली। बाहरी, व्यक्तिगत समानता के अलावा, कलाकार चित्र में किसी व्यक्ति के चरित्र, उसकी आध्यात्मिक दुनिया को व्यक्त करने का प्रयास करते हैं।

पोर्ट्रेट कई प्रकार के होते हैं. चित्र शैली में शामिल हैं: आधी लंबाई का चित्र, बस्ट (मूर्तिकला में), पूर्ण लंबाई का चित्र, समूह चित्र, आंतरिक चित्र, एक परिदृश्य पृष्ठभूमि पर चित्र। छवि की प्रकृति के आधार पर, दो मुख्य समूह प्रतिष्ठित हैं: औपचारिक और कक्ष चित्र। एक नियम के रूप में, एक औपचारिक चित्र में एक व्यक्ति की पूरी लंबाई वाली छवि (घोड़े पर, खड़े या बैठे हुए) शामिल होती है। चैम्बर चित्र में, कमर-लंबाई, छाती-लंबाई, कंधे-लंबाई छवि का उपयोग किया जाता है। एक औपचारिक चित्र में, चित्र आमतौर पर एक वास्तुशिल्प या परिदृश्य पृष्ठभूमि के खिलाफ दिखाया जाता है, और एक कक्ष चित्र में, अधिक बार एक तटस्थ पृष्ठभूमि के खिलाफ दिखाया जाता है।

एक कैनवास पर छवियों की संख्या के आधार पर, सामान्य के अलावा, व्यक्तिगत, दोहरे और समूह चित्रों को प्रतिष्ठित किया जाता है। विभिन्न कैनवस पर चित्रित चित्रों को युग्मित कहा जाता है यदि वे रचना, प्रारूप और रंग में सुसंगत हों। अधिकतर ये जीवनसाथी के चित्र होते हैं। पोर्ट्रेट अक्सर संपूर्ण पहनावा - पोर्ट्रेट गैलरी बनाते हैं।

वह चित्र जिसमें किसी व्यक्ति को किसी रूपक, पौराणिक, ऐतिहासिक, नाट्य अथवा साहित्यिक पात्र के रूप में प्रस्तुत किया जाता है, वेशभूषाधारी कहलाता है। ऐसे चित्रों के शीर्षक में आमतौर पर "रूप में" या "छवि में" शब्द शामिल होते हैं (उदाहरण के लिए, मिनर्वा के रूप में कैथरीन द्वितीय)।

चित्र आकार के आधार पर भी भिन्न होते हैं, उदाहरण के लिए लघुचित्र। आप स्व-चित्र को भी उजागर कर सकते हैं - कलाकार का स्वयं का चित्रण। एक चित्र न केवल चित्रित किए जा रहे व्यक्ति या, जैसा कि कलाकार कहते हैं, मॉडल के व्यक्तिगत लक्षण बताता है, बल्कि उस युग को भी दर्शाता है जिसमें चित्रित व्यक्ति रहता था।

चित्रांकन की कला कई हजार वर्ष पुरानी है। पहले से ही प्राचीन मिस्र में, मूर्तिकारों ने एक व्यक्ति की बाहरी उपस्थिति की काफी सटीक समानता बनाई थी। मूर्ति को एक चित्र सादृश्य दिया गया ताकि किसी व्यक्ति की मृत्यु के बाद उसकी आत्मा उसमें चली जाए और अपने मालिक को आसानी से ढूंढ सके। पहली-चौथी शताब्दी में मटमैली तकनीक (मोम पेंटिंग) का उपयोग करके बनाए गए सुरम्य फ़य्यूम चित्रों ने भी समान उद्देश्यों को पूरा किया। प्राचीन ग्रीस की मूर्तिकला में कवियों, दार्शनिकों और सार्वजनिक हस्तियों के आदर्श चित्र आम थे। प्राचीन रोमन मूर्तिकला चित्र बस्ट उनकी सत्यता और सटीक मनोवैज्ञानिक विशेषताओं से प्रतिष्ठित थे। वे किसी व्यक्ति विशेष के चरित्र और व्यक्तित्व को प्रतिबिंबित करते थे।

मूर्तिकला या पेंटिंग में किसी व्यक्ति के चेहरे का चित्रण हमेशा कलाकारों को आकर्षित करता है। पोर्ट्रेट शैली विशेष रूप से पुनर्जागरण के दौरान विकसित हुई, जब मानवतावादी, प्रभावी मानव व्यक्तित्व को मुख्य मूल्य (लियोनार्डो दा विंची, राफेल, जियोर्जियोन, टिटियन, टिंटोरेटो) के रूप में मान्यता दी गई थी। पुनर्जागरण के स्वामी चित्र छवियों की सामग्री को गहरा करते हैं, उन्हें बुद्धिमत्ता, आध्यात्मिक सद्भाव और कभी-कभी आंतरिक नाटक प्रदान करते हैं।

17वीं सदी में यूरोपीय चित्रकला में, एक औपचारिक, आधिकारिक, उदात्त चित्र के विपरीत, एक कक्ष, अंतरंग चित्र सामने आता है। इस युग के उत्कृष्ट उस्तादों - रेम्ब्रांट, वान रिजन, एफ. हेल्स, वान डाइक, डी. वेलास्केज़ - ने सरल, अपरिचित लोगों की अद्भुत छवियों की एक गैलरी बनाई, जिसमें उनमें दयालुता और मानवता की सबसे बड़ी संपत्ति की खोज की गई।

रूस में, चित्र शैली 18वीं शताब्दी की शुरुआत से सक्रिय रूप से विकसित होने लगी। एफ. रोकोतोव, डी. लेवित्स्की, वी. बोरोविकोवस्की ने महान लोगों के शानदार चित्रों की एक श्रृंखला बनाई। इन कलाकारों द्वारा चित्रित महिला चित्र विशेष रूप से आकर्षक और मनमोहक थे, जो गीतात्मकता और आध्यात्मिकता से ओत-प्रोत थे। 19वीं सदी के पूर्वार्ध में. चित्र कला का मुख्य पात्र एक स्वप्निल और साथ ही वीरतापूर्ण आवेग से ग्रस्त रोमांटिक व्यक्तित्व बन जाता है (ओ. किप्रेंस्की, के. ब्रायलोव के चित्रों में)।

वांडरर्स की कला में यथार्थवाद का उद्भव चित्रांकन की कला में परिलक्षित हुआ। कलाकार वी. पेरोव, आई. क्राम्स्कोय, आई. रेपिन ने उत्कृष्ट समकालीनों की एक पूरी पोर्ट्रेट गैलरी बनाई। कलाकार चित्रित किए गए लोगों की व्यक्तिगत और विशिष्ट विशेषताओं, उनकी आध्यात्मिक विशेषताओं को चेहरे के विशिष्ट भावों, मुद्राओं और इशारों की मदद से व्यक्त करते हैं। व्यक्ति को उसकी सभी मनोवैज्ञानिक जटिलताओं में चित्रित किया गया था, और समाज में उसकी भूमिका का भी मूल्यांकन किया गया था। 20 वीं सदी में चित्र सबसे विरोधाभासी प्रवृत्तियों को जोड़ता है - उज्ज्वल यथार्थवादी व्यक्तिगत विशेषताओं और मॉडलों की अमूर्त अभिव्यंजक विकृतियाँ (पी. पिकासो, ए. मोदिग्लिआनी, फ्रांस में ए. बॉर्डेल, वी. सेरोव, एम. व्रुबेल, एस. कोनेनकोव, एम. नेस्टरोव, पी. .रूस में कोरिन)।

चित्र हमें न केवल विभिन्न युगों के लोगों की छवियां बताते हैं, इतिहास का हिस्सा दर्शाते हैं, बल्कि यह भी बताते हैं कि कलाकार ने दुनिया को कैसे देखा, चित्रित किए जा रहे व्यक्ति से उसका क्या संबंध है।

एक व्यक्ति, साथ ही दो या तीन लोगों के समूह की छवि को कैनवास या कागज पर व्यक्त करने के लिए समर्पित। कलाकार द्वारा चुनी गई शैली का विशेष महत्व है। किसी व्यक्ति का चेहरा चित्र में बनाना चित्रकला के सबसे कठिन क्षेत्रों में से एक है। ब्रश के मास्टर को पोजर की उपस्थिति, भावनात्मक स्थिति और आंतरिक दुनिया की विशिष्ट विशेषताओं को बताना चाहिए। चित्र के आयाम उसका स्वरूप निर्धारित करते हैं। छवि छाती-लंबाई, घुटने-लंबाई, कमर-लंबाई या पूर्ण-लंबाई हो सकती है। मुद्रा में तीन कोण शामिल होते हैं: चेहरा (पूरा चेहरा), एक दिशा या किसी अन्य में तीन-चौथाई मोड़, और प्रोफ़ाइल में। एक चित्र में कलात्मक विचारों को साकार करने की असीमित संभावनाएँ होती हैं। पहले एक रेखाचित्र बनाया जाता है, फिर रेखांकन।

चित्र शैली का इतिहास

मानव चेहरे को चित्रित करने का सबसे पुराना प्रयास 27 हजार वर्ष पुराना है। "पेंटिंग" की खोज फ्रांसीसी शहर अंगौलेमे के पास एक गुफा में की गई थी। यह चित्र चाक से रेखांकित एक रूपरेखा है, जो अस्पष्ट रूप से मानव चेहरे की विशेषताओं की याद दिलाती है। प्राचीन कलाकार ने आंखों, नाक और मुंह की मुख्य रेखाओं को रेखांकित किया। बाद में (गुफाओं में भी) बाल्कन और इटली में, स्पष्ट और अधिक परिभाषित छवियां दिखाई देने लगीं, जिनमें प्रोफ़ाइल में चित्रित चेहरे प्रमुख थे। सृजन करना मानव स्वभाव है; प्रतिभाशाली लोग अपने पीछे कोई न कोई छाप छोड़े बिना नहीं रह सकते। यह किसी मैदान के बीच में कंकड़ से बना एक पैटर्न, किसी पेड़ की छाल पर नक्काशीदार डिज़ाइन, या चट्टान पर कोयले से बनाया गया किसी का चेहरा हो सकता है। रचनात्मकता के लिए जितने चाहें उतने अवसर हैं।

प्लास्टर छवियां

एक समय, चित्र शैली को मूर्तिकला में सन्निहित किया जाता था, क्योंकि प्राचीन काल में ऐसे कोई कलाकार नहीं थे जो ब्रश में पूरी तरह से महारत हासिल कर सकें और प्रकाश और छाया के खेल को व्यक्त करने में सक्षम हों। मिट्टी में चेहरे का चित्रण बेहतर था, और इसलिए उन दूर के समय में प्लास्टर चित्रों का बोलबाला था। चित्रकला की कला बहुत बाद में सामने आई, जब मानवता को सांस्कृतिक संचार की आवश्यकता का एहसास हुआ।

अंत्येष्टि

चित्र के निकट छवियों की उपस्थिति भी बाद के काल की है, और पहले चित्र प्राचीन पूर्वी क्षेत्रों में पाए गए थे। मिस्र राज्य में मृतकों का देवताकरण हुआ। दफनाने के दौरान, एक प्रकार का चित्र बनाया गया, जिसे परंपरागत रूप से मृतक का दोहरा माना जाता था। ममीकरण और फिर चित्रांकन का सिद्धांत सामने आया। चित्र शैली के इतिहास में ड्राइंग और मूर्तिकला दोनों में प्रतिष्ठित छवियों के कई उदाहरण शामिल हैं। मृतकों के चेहरों के चित्र अधिकाधिक मूल के समान होते गए। और फिर मृतक के चेहरे की नकल को नकाब से बदल दिया गया। मिस्र के मृतकों को ताबूत में दफनाया जाने लगा, जिसके ढक्कन पर मृतक को एक सुंदर शैली वाले चेहरे के साथ पूर्ण ऊंचाई पर चित्रित किया गया था। इस तरह के अंतिम संस्कार विशेष रूप से कुलीन वर्ग के लिए आयोजित किए जाते थे। उदाहरण के लिए, मिस्र के फिरौन को न केवल ताबूत में रखा गया था, बल्कि एक कब्र में भी रखा गया था, जो एक विशाल संरचना थी।

समाधान की विविधता

किसी चित्र को चित्रित करते समय, कलाकार के पास एक विकल्प होता है: मूल के अनुसार व्यक्ति के चेहरे और कपड़ों को चित्रित करना, या रचनात्मक होकर एक उत्कृष्ट रचनात्मक पेंटिंग बनाना। इसके लिए मुख्य शर्त समानता रहती है, जो प्रमुख भूमिका निभाती है। स्वतंत्र - चित्र कला, व्यापक रेंज के प्रयोगों के लिए खुला। कलाकार के पास नवीनतम तकनीकी प्रगति का उपयोग करके अपने कौशल में सुधार करने का अवसर है।

दरअसल, इष्टतम परिणाम प्राप्त करने के लिए निष्पादन तकनीक महत्वपूर्ण है। पेशेवर कलाकारों के बीच चित्रांकन की सबसे आम विधि यह शैली है। यह शैली सदियों पुरानी है। इसका प्रयोग प्राचीन कलाकारों द्वारा किया जाता था। उनके कार्य आज तक जीवित हैं। ललित कला की एक शैली के रूप में चित्रण अति प्राचीन काल से अस्तित्व में है और आज यह कलात्मक अभिव्यक्ति का एक लोकप्रिय साधन है।

"सूखा ब्रश"

हाल ही में, एक तकनीक लोकप्रिय हो गई है जब एक छवि स्ट्रोक से नहीं, बल्कि थोड़ी मात्रा में पेंट रगड़कर बनाई जाती है। इस मामले में, ब्रश लगभग सूखा है, और विधि ही आपको सुंदर हाफ़टोन प्राप्त करने की अनुमति देती है। चूंकि पेंटिंग की सबसे नाजुक शैली चित्रांकन है, और पेंट में चेहरे के चित्रण के लिए नाजुक रंगों की आवश्यकता होती है, "सूखी ब्रश" तकनीक इस उद्देश्य के लिए आदर्श रूप से उपयुक्त है।

प्रकार

चित्र शैली को कई प्रकारों में विभाजित किया गया है: औपचारिक, चैम्बर, अंतरंग और विषय। सेल्फ-पोर्ट्रेट नामक एक विशेष प्रकार भी होता है, जहां कलाकार खुद को चित्रित करता है। एक नियम के रूप में, यह पूरी तरह से व्यक्तिगत ड्राइंग है। सामान्य तौर पर, चित्र शैली पूरी तरह से स्वतंत्र है और कुछ नियमों का पालन करती है। इन नियमों का कभी भी उल्लंघन नहीं किया जाता है, हालाँकि कुछ परिस्थितियों में इनका दायरा बढ़ाया जा सकता है।

पहले से सूचीबद्ध लोगों के अलावा, चित्रांकन की एक और शैली है, जिसमें विशेष कलात्मक विशेषताएं, एक विशेष विविधता शामिल है जिसके लिए एक व्यवस्थित दृष्टिकोण की आवश्यकता होती है। यह एक पोशाक चित्र है, जब कैनवास अतीत के कपड़ों में एक आधुनिक व्यक्ति को दर्शाता है। विषयों की सीमा असीमित है: आदिम मनुष्य द्वारा पहनी जाने वाली खाल से लेकर पुनर्जागरण की शादी की पोशाक तक। इस प्रकार के चित्र में नाटकीयता के तत्व शामिल होते हैं। रूसी संघ में, विशेष रूप से मॉस्को में, पोशाक चित्रण व्यापक हो गया है, लेकिन यह फैशन के लिए नहीं, बल्कि कला को श्रद्धांजलि के रूप में हुआ।

कला में पोर्ट्रेट शैली

अलग-अलग समय में चित्रित पेंटिंग एक अनिवार्य शर्त से एकजुट होती हैं - पेंटिंग प्रामाणिक होनी चाहिए। चित्र घटक, या दूसरे शब्दों में, पात्रों के चेहरे की छवि एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है। पेंटिंग की सफलता इस बात पर निर्भर करती है कि चेहरे की विशेषताओं को कितनी सावधानी से चित्रित किया गया है। आँखों की अभिव्यक्ति, मुस्कुराहट या, इसके विपरीत, भौंहें सिकोड़ना, सभी बारीकियों को कैनवास पर प्रतिबिंबित किया जाना चाहिए। कार्य आसान नहीं है, लेकिन प्रामाणिकता कारक कलाकार के कौशल की गवाही देता है। यही कारण है कि कला में चित्र शैली इतनी स्पष्ट है और इसके लिए गुरु से पूर्ण समर्पण की आवश्यकता होती है। अनुभवी कलाकार ऐसी पेंटिंग बनाने में सर्वश्रेष्ठ होते हैं जिनमें विषय के लोगों, उनके चेहरों के क्लोज़-अप और तीव्र गति को दर्शाया जाता है।

साहित्यिक चित्र

लेखक, साथ ही कलाकार, अक्सर किसी व्यक्ति के चेहरे का चित्रण करते हैं। इसके लिए बहुत अधिक साहित्यिक तकनीकें हैं; समृद्ध रूसी भाषा कई कलात्मक रूपों, वाक्यांशों और वाक्यांशों के उपयोग की अनुमति देती है। लेखक जिस लक्ष्य के लिए प्रयास करता है वह कलाकार के इरादे के समान है; लेखक चेहरे की अभिव्यक्ति को किसी व्यक्ति की मनोदशा, उसके विचारों, भावनाओं और अनुभवों के प्रतिबिंब के रूप में वर्णित करता है। पोर्ट्रेट काफी जटिल है. सतही योगों से बचते हुए वर्णन करना आवश्यक है। इसके लिए एक सच्चे रचनाकार के कौशल की आवश्यकता होती है। रूसी लेखकों में जो मानव रूप के सार को कुछ शब्दों में व्यक्त करने में सक्षम हैं, महान मैक्सिम गोर्की पहले स्थान पर हैं। उनके अमेरिकी अनुयायी मौखिक चित्रण की कला में भी निपुण थे। साहित्यिक चित्र की शैली विविध है, विवरण एक निश्चित शैली का अनुसरण करता है, यह मज़ेदार या दुखद, छोटा या लंबा हो सकता है, यह सब प्रत्येक व्यक्तिगत कार्य पर निर्भर करता है।

तस्वीर

डगुएरियोटाइप के आगमन के साथ, ललित कला की संभावनाओं का विस्तार हुआ, और चित्रांकन कोई अपवाद नहीं था। एक फोटोग्राफिक चित्र एक तेल चित्रकला की तुलना में बहुत सस्ता था, और यह 100% पहचानने योग्य था। और यद्यपि कलाकारों ने व्यंग्यपूर्वक टिप्पणी की कि फोटोग्राफी गरीबों के लिए है, आम जनता चांदी की परत वाली प्लेट पर अधिक सटीक छवि की ओर मुड़ गई। पोर्ट्रेट फोटोग्राफी की शैली तेजी से फैशनेबल बन गई; उन लोगों का कोई अंत नहीं था जो खुद को और अपनी तस्वीरों को कैद करना चाहते थे प्रियजनों।

हालाँकि, नई विधि, डगुएरियोटाइप, में इसकी कमियाँ थीं। फोटोग्राफी, एक चित्रकारी चित्र के विपरीत, कुछ भी बदलने की अनुमति नहीं देती। छवि एक बार और हमेशा के लिए जम गई; कुछ भी ठीक करना असंभव था। और अगर हम इस बात को ध्यान में रखें कि उस व्यक्ति की तस्वीर बैठकर या खड़े होकर (तनावपूर्ण स्थिति में) खींची गई थी, तो वह तस्वीर में सबसे अच्छा नहीं लग रहा था। इसलिए बहुत निराशा, शिकायतें और असंतोष था। फिर भी, पोर्ट्रेट तस्वीरें लोकप्रिय हो गईं, लोगों ने कलात्मक रूप से पोज़ देना सीख लिया और सब कुछ ठीक हो गया।

चित्र शैली में ललित कला के ऐसे कार्य शामिल हैं जो एक निश्चित व्यक्ति (या लोगों के समूह) की उपस्थिति को दर्शाते हैं। किसी भी चित्र में व्यक्तित्व को दर्शाया जाना चाहिए, जो केवल एक विशिष्ट व्यक्ति (मॉडल, चित्र) की विशेषता है और जो इस व्यक्ति की चेहरे की विशेषताओं, उसके चरित्र और आंतरिक स्थिति को दर्शाता है।

इस शैली का नाम एक पुरानी फ्रांसीसी कहावत से आया है जिसका अर्थ है "किसी चीज़ को पंक्ति दर पंक्ति दोहराना।" हालाँकि, बाहरी समानता किसी भी तरह से एकमात्र नहीं है, और निश्चित रूप से, किसी चित्र की कलात्मक आदर्शता का प्राथमिक संकेत नहीं है।

हालाँकि, चित्रकार का इरादा दिखावट और बाहरी समानता बताने से बिल्कुल भी संतुष्ट नहीं है। किसी चित्र को चित्रित करने में महारत के लिए आवश्यक है कि बाहरी समानता के साथ-साथ, मॉडल की उपस्थिति उसके आध्यात्मिक हितों, सामाजिक और सार्वजनिक स्थिति और उस समय की विशिष्ट विशेषताओं को प्रतिबिंबित करे जिसमें वह रहता है।

इसके अलावा, एक चित्र का निर्माता, अक्सर, चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की उपस्थिति और व्यक्तिगत गुणों के प्रति उदासीन रिकॉर्डर नहीं होता है: मॉडल के प्रति मास्टर का अपना दृष्टिकोण, उसकी व्यक्तिगत विश्वदृष्टि, उसकी कलात्मक शैली अतिरिक्त रूप से एक मूर्त छोड़ देती है चित्र पर छाप.

चित्र बनाने की कला और सामान्यतः चित्र शैली एक सहस्राब्दी से भी अधिक पुरानी है। पोर्ट्रेट कला वास्तव में पुनर्जागरण के दौरान फली-फूली, ऐसे समय में जब दुनिया के निर्माण का सर्वोच्च आधार और मुख्य महत्व एक प्रभावी और वीर मानव व्यक्तित्व के रूप में पहचाना गया था।

17वीं शताब्दी में, यूरोपीय चित्रकला में, एक गंभीर, औपचारिक और आधिकारिक चित्र के विपरीत, एक कक्ष, अंतरंग चित्र को सबसे आगे रखा गया था, जिसका उद्देश्य चित्रित किए जा रहे लोगों को ऊपर उठाना और ऊंचा करना था।

18वीं शताब्दी की शुरुआत से, रूसी कलाकारों के बीच चित्र शैली का जोरदार विकास शुरू हुआ।

ललित कला में चित्र शैली का प्रवाह एक ही दिशा में नहीं हुआ, बल्कि कई चैनलों के साथ प्रवाहित हुआ, इसके बावजूद, यह निश्चित रूप से एक संयुक्त आकांक्षा और अभिव्यक्ति के रूपों में बदलाव दोनों को प्रकट करता है, जिनमें से प्रत्येक को कुछ शैलीगत द्वारा दर्शाया गया है गुण। नतीजतन, प्रकृति के प्रति दृष्टिकोण, चित्र का प्रकार और उसका चरित्र, साथ ही चित्रात्मक और शैलीगत तकनीकें बदल गईं। कुछ चित्रकारों का रचनात्मक कार्य किसी विशेष शैलीगत आंदोलन की सीमाओं के भीतर फिट बैठता है, दूसरों के लिए यह पूरी तरह से सीमाओं से परे चला जाता है।

19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में, चित्र कला में मुख्य पात्र पर एक रोमांटिक व्यक्तित्व हावी होने लगा, जो अपनी अभिव्यक्ति में विविधता रखता था। सपने देखना और साथ ही एक वीरतापूर्ण आवेग की आकांक्षा, चेहरे की महत्वपूर्ण प्रामाणिकता और मुद्रा की जानबूझकर अभिव्यंजना।

1860-1870 के दशक में, रूसी कला की लोकतांत्रिक ताजगी और यथार्थवाद का गठन, जो पूरी तरह से यात्रा करने वालों के काम में परिलक्षित हुआ, ने सीधे तौर पर चित्रांकन को प्रभावित किया। केंद्रीय स्थानों में से एक पर एक विशेष प्रकार के चित्र का कब्जा था - एक प्रकार का चित्र, जिसमें मॉडल, अपनी सभी मनोवैज्ञानिक विविधता में दिखाया गया था, आसपास के समाज में इसके महत्व के संदर्भ में भी माना जाता था, जिसे इसके एकल संयोजन में दर्शाया गया था। व्यक्तिगत और विशिष्ट गुण.

19वीं शताब्दी के अंत में चित्रांकन की प्रकृति को बदलने वाला एक महत्वपूर्ण कारक प्लेन एयर था। प्लेन एयर की ओर बढ़ने में, विभिन्न रूसी चित्रकारों को सूर्य, वायुहीनता, और रंग, प्रकाश और स्थानिक समस्याओं को हल करने के लिए "जाने" का हर अवसर मिला।

रूसी चित्र कला ने कभी भी आध्यात्मिक दुनिया की इतनी गंभीर अनुभूति, किसी स्थिति का ऐसा प्रमाण, किसी रंग स्थान की स्पष्टता, समृद्धि और मासूमियत का अनुभव नहीं किया है। और निस्संदेह, इस मामले में विशेष रूप से एक महत्वपूर्ण अर्थ है - युवा रूसी चित्रकारों के कार्यों में प्रकाश का प्रवाह न केवल अपनी सामग्री में मॉडल की छवि को भंग नहीं करता है, उदाहरण के लिए, अक्सर होता है पश्चिमी प्रभाववाद के कार्यों ने, इसके विपरीत, जीवन सत्य के रहस्योद्घाटन, चित्रों में आध्यात्मिक और महान काव्य छवियों के निर्माण में योगदान दिया।

प्लेन एयर ने रूसी चित्र कला को काफी समृद्ध किया, हालाँकि, इन सबके साथ, इसने अपनी सामग्री में कुछ खतरे भी छिपाए, खासकर चित्र शैली के लिए। उन्होंने इसमें तत्कालता और क्षणभंगुरता का कारक जोड़ा, जो निश्चित रूप से, रंग और प्रकाश प्रभावों के लिए अत्यधिक पूर्वाग्रह के मामले में किसी व्यक्ति के चित्र में खो जाने का खतरा था। इसके बावजूद, 1890 के दशक के दौरान। और इसमें 20वीं सदी के पहले दो दशक भी शामिल हैं। कई रूसी चित्रकारों ने पेंटिंग करते समय प्लेन एयर की भावना के साथ-साथ प्रभाववादी स्कूल की विभिन्न तकनीकों का कुशलतापूर्वक उपयोग किया।

शैलीगत सीमाओं के विस्तार ने चित्र चित्रकारों के लिए अधिक से अधिक अभिव्यंजक संभावनाएँ खोल दीं। मॉडल के मूल्यांकन में सहायक घटकों को शामिल किया गया, जिससे चित्रित किए जा रहे व्यक्ति का सबसे बहुमुखी तरीके से वर्णन करना, उसके रहने के तरीके, स्वाद और रुचियों, उसके कपड़े पहनने के तरीके और खुद को रखने के तरीके के बारे में बताना संभव हो गया।

19वीं सदी के अंत - 20वीं सदी की शुरुआत की रूसी चित्रकला में चित्रण। - विशाल कलात्मक पैमाने की एक घटना। यह अपने रूपों और आलंकारिक भाषा के साथ-साथ शैलीगत विशिष्ट विशेषताओं में बहुत विविध है। शैली की सबसे उदात्त अभिव्यक्तियाँ प्रकृति की रचनात्मक समझ, काव्यात्मक कलात्मकता, अभिव्यंजक संभावनाओं की समृद्धि और चित्रात्मक कलात्मकता के लिए जानी जाती हैं। और कभी-कभी, यदि चित्रित किए जा रहे व्यक्ति की प्रकृति उनमें पूरी तरह से प्रकट नहीं होती है, तब भी वे समय को स्पष्ट रूप से चित्रित करते हैं, उसके आंतरिक अस्तित्व के गुणों और आलंकारिक खोजों को प्रकट करते हैं। युग की सबसे गहरी भावना, समय की अवधि की अभिव्यक्ति की तीक्ष्णता सदी के अंत में बनाई गई चित्र शैली में सर्वश्रेष्ठ चित्रों के विशेष रूप से मजबूत बिंदुओं में से एक है।