Seni Jepun moden. Perspektif Double: Seni kontemporari Jepun

Dalam pertapaan ada pameran yang ingin tahu - seni moden Jepun "Mono-tetapi Avar. Charming of Things."

Untuk mengatakan bahawa saya seorang peminat seni kontemporari - saya tidak boleh. Saya suka lebih apabila ada sesuatu untuk membesar (grafik yang sibuk, atau seni yang berharga-berharga, etnos adalah semua saya). Untuk mengagumi keindahan konsep tulen, saya tidak selalu sejuk. (Malevich, maaf! Saya tidak suka Black Square!)

Tetapi hari ini saya sampai ke pameran ini!

Berharga, jika anda berada di St Petersburg, anda berminat dengan seni dan tidak pernah melawat di sana, maka pameran itu akan sampai 9 Februari! Pergi, untuk menarik!

Saya sangat yakin dengan konsep, seperti yang saya tulis di atas. Saya entah bagaimana menganggap bahawa untuk lawatan tahun ke pameran moden, nampaknya saya maksimum satu - dua objek. Dan banyak perkara yang tidak menyentuh saya begitu banyak bahawa ia adalah kasihan yang saya belanjakan. Tetapi ini adalah dalam mana-mana genre, dalam mana-mana seni, peratusan nisbah bakat dan sederhana adalah baik jika ia adalah satu hingga sepuluh! Tetapi saya suka pameran ini.

Terdapat ciptaan Jepun di dewan pameran kakitangan umum. Pemasangan pertama yang memenuhi pelawat adalah saiz yang luar biasa dari garam besar labirin di atas lantai. Lantai kelabu, garam putih, ruang yang sangat jelas ditandakan ke dalam satu bidang. Dewan pameran yang besar, dan hiasan putih yang dicairkan di atas lantai, sebagai beberapa mengikat yang menakjubkan. Dan anda faham bagaimana sementara itu adalah seni. Pameran itu akan ditutup, labirin akan mengumpul penyapu. Saya entah bagaimana menonton filem itu, "Little Buddha". Dan di awal sami Buddha pasir berwarna pasir meletakkan hiasan yang kompleks. Dan pada akhir filem, para sami melakukan pergerakan yang tajam dengan berus dan buruh Titanic telah dibuang ke dalam angin. Itulah, kemudian naik, dan tidak. Dan ia berkata, memohon kecantikan di sini dan sekarang, semuanya adalah sekejap. Jadi labirin garam ini, ia memasuki dialog dengan anda, anda mula menjawab soalan-soalan sebelum dia meletakkan anda. Artis - Motoi Yamamoto.

Ya ya! Berikut adalah satu labirin besar, merasakan skala?

Objek kedua yang menangkap adalah kubah besar polietilena dan resin hitam yasuaki onii. Ruang yang tidak diselesaikan secara luar biasa. Pada benang hitam yang tidak rata yang tergantung, sedikit kacau, kubah .... atau gunung dengan bantuan yang kompleks. Apabila anda masuk ke dalam, anda melihat corak motley mata - tongkat resin. Lucu, seolah-olah hujan hitam senyap, dan anda berada di bawah kanopi.

Bagaimanakah teknik ini dicipta? Lucu, ya? Tetapi hidup kelihatan seperti "lebih", kubah itu sedikit dikongsi oleh angin yang dicipta oleh pelawat yang lulus. Dan ada perasaan interaksi anda dengan objek itu. Anda boleh memasukkan "di dalam gua", melihat dari bahagian dalam bagaimana ia!

Tetapi agar tidak mempunyai kesan bahawa segala-galanya hanya hitam dan putih, saya akan menghantar di sini beberapa gambar komposisi yang dibuat dari yang didaftarkan bersama. Keriting plastik lucu yang berwarna sedemikian! Dan juga, anda boleh melalui bilik ini, di dalam gelung, dan anda boleh melihat semua di luar.

Objek ini menyukai saya yang paling banyak. Sudah tentu, seni moden konseptual akan menjadi satu lagi, masa baru yang konsonan. Ia tidak akan kembali kepada yang lama, dan tidak akan kekal seperti sekarang. Ia akan berubah. Tetapi untuk memahami apa, di mana aliran itu dibawa dan apa dan apa yang berlaku, anda perlu tahu apa yang berlaku sekarang. Dan tidak begitu gembira bahawa Noeee, konsep ini bukan untuk saya, tetapi cuba untuk melihatnya dan menilai. Bakat sedikit, seperti pada setiap masa, tetapi mereka. Dan jika pameran mencari respons, maka tidak semuanya hilang !!!

Akan ada pameran seni moden Jepun "perspektif berganda".

1. Dalam seni moden Jepun terdapat banyak yang luar biasa. Sebagai contoh, gambar-gambar ini Izumi Kato dicipta dengan tangan, tanpa menggunakan berus

2. Pada pandangan pertama ia mungkin kelihatan bahawa ini adalah mentol lampu biasa. Tetapi kerja ini dengan makna yang mendalam didedikasikan untuk paralel ke-38, yang berkongsi Korea Utara dan Selatan.

3. Sudah tentu, dalam setiap kerja terdapat beberapa jenis tidak masuk akal di permukaan, tetapi walaupun anda tidak menemuinya, anda hanya boleh mengagumi, sebagai contoh, kecantikan adalah mawar yang mahir.

4. Ini adalah karya Kanji Yanobhe tentang bagaimana seseorang dapat bertahan hidup di dunia.

6. Ini adalah karya yang paling terkenal dalam karyanya "Sun" yang dibuat selepas kemalangan di Fukushima NPP.

8. Makoto Ida "Bonsai Ai-Tian"

9. Ini juga seni bersurai Jepun

10. Projek Intercept "Lenin dikehendaki di Pangsapuri Moscow." Esinari Niva ditemui di Muscovites di rumah, barang-barang yang dipelihara yang berkaitan dengan identiti Lenin. Kebanyakan negara yang tidak berurusan dengan Rusia ini, tetapi orang Jepun.

14. Dengan cara ini, pelongsor tikus sebenar adalah untuk kerja ini.

15. Gambar-gambar ini menunjukkan ketakutan rakyat

Dari 16 November 2013, pameran "Mono-tetapi Avaré dibuka di Hermitage. Keindahannya. Seni moden Jepun. Para eksposisi, yang ditempatkan di bangunan sayap timur kakitangan umum, telah disediakan oleh Hermitage Negeri dengan sokongan Kedutaan Jepun di Rusia, mewakili pemasangan, arca, seni video, gambar yang dibuat sejak beberapa tahun yang lalu oleh artis Jepun dan direka untuk mengisi halaman baru dalam sejarah abad yang berabad-abad bandar yang semakin meningkat. Nama mereka, yang terkenal dengan tanah air mereka, praktikalnya tidak biasa dengan orang Rusia dan Eropah: Kanseudi Tepepei, Chango Quito, Kuvaakubo Rotta, Masha Tiba, Motoi Yamamoto, Onii Yasuaki, Rieco Siga, Mahkamah Oksihiro, Sinshiro Kano, Hiroaca Morita, Chiraki SAVA dan lain-lain.

Istilah istilah "mono-tetapi avar" boleh diterjemahkan sebagai "daya tarikan perkara" atau "kegembiraan dari perkara", dan dikaitkan dengan idea Buddha tentang ephemery dan kesia-siaan menjadi. Orang-orang yang mengelilingi bahan dan subjek rohani adalah dalam diri mereka yang unik, hanya satu ciri dari pesona yang bergegas (Avar). Lelaki itu - dan di atas semua artis - sepatutnya mempunyai hati yang responsif untuk mencari dan merasakan daya tarikan ini, secara dalaman bertindak balas terhadapnya. Artis moden secara halus merasakan bahan-bahan di mana kesederhanaan dalaman makna bersinar. Dengan sengaja mengehadkan diri dengan topik dan motif tertentu, mereka menggunakan teknik seni kuno Jepun pada twist baru.

Di Jepun, seperti di Rusia, seni moden - fenomena, yang dibawa dari luar, dari barat, tidak selalu difahami dan menyebabkan penolakan. Kedua-dua budaya itu dilihat oleh seni kontemporari Anglo-Amerika sebagai simbol peminjaman budaya baru. Di Jepun, tahun 1970-an, seperti di Rusia di Rusia, tahun 1990-an, artis merasa seperti orang luar. Mereka pergi bekerja ke barat, tetapi masih di Jepun pada tahun 1970-an perkataan "seni kontemporari" terdengar secara positif, yang membolehkan generasi muda melupakan definisi "seni pasca perang", yang berkaitan dengan tragedi dan penurunan.

Kesejahteraan seni kontemporari dalam persefahaman Barat hanya datang pada akhir tahun 1980-an, apabila tidak hanya di dalam Gindse, tetapi juga di kawasan lain di Tokyo membuka galeri. Pada tahun 1989, Muzium Seni Kontemporari pertama dibuat di Hiroshima, dan tidak lama lagi, pada tahun 1990-an, pembukaan Muzium Tokyo diikuti. Sejak masa itu, pengiktirafan secara beransur-ansur terhadap fenomena seni moden di peringkat kebangsaan dan kemasukannya ke dalam setiap hari budaya bermula. Langkah seterusnya ialah pemegangan biennale kebangsaan dan triennale.

Dalam era jumlah penguasaan teknologi media, artis Jepun memberi tumpuan kepada bahan-bahan asli mereka, pada sentuhan mereka, untuk mendengar mereka. Kepentingan yang besar dalam pameran itu adalah pemasangan, di antaranya kerja Ridges Kuvaakubube (r. 1971), mudah di dalam peranti, tetapi kompleks dalam tindakan, di mana peranan utama dimainkan oleh bayang-bayang. Artis menggariskan objek dan mencipta kaleidoskop yang luar biasa. Kanseudi Tepepei (r. 1978) membentangkan reka bentuk yang tidak dijangka dari bahan-bahan rumah setiap hari. Item yang dikumpulkan oleh mereka, mempunyai warna dan tujuan yang berbeza, terdiri dalam bentuk pelik yang menghidupkan patung-patung moden, kemudian lanskap yang diliputi salji dengan lukisan sutera Jepun.

"Pemilihan bahan" dalam pendakian video dan dalam genre "mendapati subjek" menjadikan Hiroaki Morita (r. 1973), dan dalam lukisan - Sinysiro Kano (1982) dan Masha Tiba (1980). Potensi yang disusun oleh artis sangat prosa "bahan melantun" kembali kepada rohani segala-galanya dan keseluruhannya, tradisional untuk Buddhisme dengan ideanya bahawa dalam setiap makhluk dan dalam setiap subjek - dari seseorang dan ke yang hilang kecil - sifatnya Buddha diletakkan. Terdapat perhatian kepada intipati dalam perkara yang dilihat sebagai kecantikan dan daya tarikan.

Memasang Chango Quito (r. 1977), terdiri daripada gelung, serentak serupa dengan arca, dan pada gambar yang besar dengan pesawat yang terputus, warna asas dan perspektif. Ruang di matanya berubah menjadi pesawat, yang memungkinkan untuk menyalin semua tanda-tanda dan simbol-simbol seni yang telah kehilangan yang mengikat kepada realiti.

Beberapa kali bekerja dengan ruang Yasuaki Onii (1979) dan Motoi Yamamoto (1966) dalam pemasangan mereka. Seolah-olah menyatukan semua pendekatan ini dengan menyederhanakan kesederhanaan, Yoshihiro Court (R. 1969) memulakan pencerobohan minimum terhadap ruang pendedahan, tumbuhan yang tidak kelihatan di dalamnya, sama dengan yang sebenar.

Pameran "Mono-tetapi Avar. Keindahan benda-benda. Seni moden Jepun" telah disediakan oleh Jabatan Seni Kontemporari dalam rangka projek "Hermitage 20/21". Menurut MB Piotrovsky, Ketua Pengarah Negeri Hermitage: "Tugas projek adalah untuk mengumpul, mempamerkan, mengkaji seni abad XX-XXI." Hermitage 20/21 "ditujukan kepada mereka yang ingin bersaing dengan masa - Pencinta dan profesional, para peniaga yang canggih dan penonton termuda. "

Kurator Pameran - Dmitry Yuryevich Ozerskov, Ketua Jabatan Seni Kontemporari Negeri Hermitage, Calon Falsafah dan Ekaterina Vladimirovna Lopatkin, Timbalan Ketua Jabatan Seni Kontemporari. Perunding saintifik pameran - Anna Vasilyevna Savelyev, penyelidik Jabatan Hermitage Negeri Timur. Brosur yang digambarkan telah disediakan untuk pameran, pengarang teks - D.Yu. Ozerkov.

Seni Jepun menduduki tempat penting dalam koleksi Hermitage Negeri dan terdapat kira-kira 10,000 karya: 1500 kepingan Xylography berwarna disimpan di muzium, di antaranya karya-karya tuan yang terkenal ukiran Jepun di tengah-tengah XVIII-XX abad; Pengumpulan porselin dan seramik (lebih daripada 2000 pameran); varnis abad XVI-XX; Sampel kain dan saman. Bahagian yang paling berharga dari pertemuan seni Hermitage Jepun adalah netzke - arca kecil abad XVII-XIX, yang mempunyai lebih daripada 1000 kerja.

Adegan seni Jepun moden nampaknya benar-benar globalisasi. Artis berlari antara Tokyo dan New York, hampir semua orang menerima pendidikan Eropah atau Amerika, mereka bercakap karya mereka pada bahasa Inggeris antarabangsa. Walau bagaimanapun, gambar ini jauh dari kesempurnaan.

Bentuk dan trend kebangsaan adalah salah satu daripada barangan yang paling dicari yang Jepun boleh menawarkan pasaran global untuk idea-idea dan kerja-kerja artistik.

Operasi rata. Sebagai superflat semasa menggabungkan budaya GIC Amerika dan lukisan tradisional Jepun

Jika di dunia Barat hampir semua (kecuali mungkin seorang teori postmodern yang paling tary) sempadan antara budaya tinggi dan besar-besaran masih relevan, walaupun ia bermasalah, maka di Jepun dunia ini benar-benar bercampur.

Contohnya ialah Takasi Murakami, yang berjaya menggabungkan pameran di galeri terbaik dunia dan streaming.

Rakaman Pelancongan untuk Pameran Murakami "Akan Akan Ada Hujan Tender"

Walau bagaimanapun, hubungan dengan Murakami dengan budaya massa - dan untuk Jepun, ia adalah terutamanya budaya peminat manga dan anime (Otaku) - lebih kompleks. Philosopher Hiroka Azuma mengkritik pemahaman tentang Otaka sebagai fenomena Jepun yang sahih. Otaku menganggap diri mereka secara langsung berkaitan dengan tradisi berabad-abad Edo XVII-XIX - era pengasingan dan keengganan untuk memodenkan. Adzuma juga mendakwa bahawa pergerakan Otaku - terikat kepada manga, animasi, novel grafik, permainan komputer - boleh berlaku hanya dalam konteks pendudukan Amerika perang akibat mengimport budaya Amerika. Seni Murakami dan pengikutnya mencipta semula kaedah Otaka tentang seni pop dan mempromosikan mitos nasionalis mengenai kesahihan tradisi ini. Ia adalah "pengawas semula budaya Amerika Jepun."

Dari sudut pandang sejarah seni, superflat paling dekat dengan lukisan awal Jepun Ukyo-E. Kerja yang paling terkenal dalam tradisi ini adalah "gelombang besar di Canhanwa" mengukir Katsusiki Hocus (1823-1831).

Untuk modernisme Barat, pembukaan lukisan Jepun adalah satu kejayaan. Ia memungkinkan untuk melihat gambar itu sebagai satah dan mencari untuk tidak mengatasi ciri ini, tetapi untuk bekerja dengannya.

Perintis prestasi. Apakah seni Jepun 1950 hari ini

Dokumentasi proses kreatif Akira Kanaama dan Kazuo Siragy

Superflat terbentuk hanya kepada sifar. Tetapi untuk seni dunia, saham artistik bermula di Jepun jauh lebih awal - dan lebih awal daripada di Barat.

Pertukaran prestasi dalam seni berlaku pada giliran tahun 60-an dan 70-an abad yang lalu. Di Jepun, prestasi itu muncul dalam lima puluh dan lima puluhan.

Kumpulan Gutai mula-mula berpindah dari penciptaan objek yang mencukupi dalam proses pengeluaran mereka. Dari sini - satu langkah ke yang ditinggalkan dari objek seni yang memihak kepada peristiwa yang tidak lama.

Walaupun artis individu dari Gutai (dan dalam lebih dari dua puluh tahun mereka telah jatuh 59) secara aktif wujud dalam konteks antarabangsa, pemahaman sebagai aktiviti kolektif mereka dalam seni pasca perang Jepun sama sekali bermula di Barat baru-baru ini. Ledakan itu jatuh untuk tahun 2013: beberapa pameran di galeri kecil di New York dan Los Angeles, "Tokyo 1955-1970: A Avant-Garde baru" di rethospital bersejarah yang besar dan berskala besar "Gutai: Taman Permainan Splendid" di Muzium Guggenheim. Import Moscow seni Jepun seolah-olah menjadi kesinambungan yang tidak sah terhadap trend ini.

Kagum betapa moden pameran retrospektif ini kelihatan. Di sini, sebagai contoh, objek pendedahan pusat di Muzium Guggenheim - pembinaan semula kerja (air) Sadaamasa Motongi, di mana tahap Muzium Rotunda dihubungkan dengan tiub polietilena dengan air berwarna. Mereka menyerupai sebatan berus yang terkoyak dari kanvas, dan menjadi contoh fokus utama untuk "konkriten" (ini diterjemahkan dari nama kumpulan Jepun), bahan objek yang mana artis berfungsi.

Ramai peserta Gutai menerima pendidikan yang berkaitan dengan lukisan klasik Nyonga, ramai yang terikat secara biografi terhadap konteks agama Zen Buddhisme, ciri kaligrafi Jepun terhadapnya. Kesemua mereka menemui yang baru, prosedural atau penyokong (yang berkaitan dengan penyertaan penonton. - Ed.), Pendekatan terhadap tradisi kuno. Kadzuo Siraga direkodkan pada video itu, kerana kakinya menarik jangkaannya terhadap monokrom, dan juga mencipta lukisan secara terbuka.

Yoshid Minor menjadi bunga dari ukiran Jepun ke objek psychedelic - contoh ini mungkin bunga biseksual, salah satu patung kinetik pertama (bergerak) di dunia.

Kurator pameran di Muzium Guggenheim bercakap tentang kepentingan politik kerja-kerja ini:

"Gutai menunjukkan pentingnya tindakan individu yang bebas, pemusnahan jangkaan penonton dan juga tidak masuk akal sebagai kaedah untuk menahan pasif dan konformisme awam, yang selama beberapa dekad membenarkan kerajaan militer untuk mendapatkan pengaruh yang kritikal, menyerang China dan kemudian menyertai yang kedua Perang Dunia."

Baik dan bijak. Kenapa pada tahun 1960-an, artis meninggalkan Jepun ke Amerika

Gutai adalah pengecualian kepada peraturan dalam pasca perang Jepun. Kumpulan Avant-Garde kekal marginal, dunia seni adalah ketat hierarki. Cara utama untuk pengiktirafan adalah untuk mengambil bahagian dalam pertandingan yang dijalankan oleh persatuan yang diiktiraf artis klasik. Oleh itu, ramai yang lebih suka pergi ke Barat dan mengintegrasikan dalam sistem seni berbahasa Inggeris.

Ia amat sukar bagi wanita. Malah di Gutai yang progresif, bahagian kehadiran mereka tidak sampai ke bahagian kelima. Apa yang perlu dikatakan mengenai institusi tradisional, untuk akses yang ada pendidikan khas. Kepada gadis-gadis Sixtieth telah memperoleh hak kepadanya, tetapi belajar untuk seni (jika ia bukan mengenai hiasan, yang termasuk dalam kit kemahiran ryosai Kenbo. - Seorang isteri yang baik dan ibu yang bijak) adalah pekerjaan yang sesuai dengan sosial.

Yoko itu. Memotong sekeping.

Plot mengenai emigrasi lima artis Jepun yang berkuasa dari Tokyo ke negeri-negeri adalah topik kajian Midori Yoshimoto "menjadi Prestasi: Artis Wanita Jepun di New York". Yoya Kusama, Takaco Saito, Mieso Siomi dan Sigco Cubot pada permulaan kerjaya memutuskan untuk meninggalkan New York dan bekerja di sana, termasuk pemodenan tradisi seni Jepun. Hanya Yoko Rose di Amerika Syarikat - tetapi dia sengaja enggan kembali ke Jepun, kecewa dengan hierarki seni Tokyo semasa penginapan singkat pada tahun 1962-1964.

Ia menjadi yang paling terkenal dari lima ini - bukan hanya sebagai isteri John Lennon, tetapi juga sebagai pengarang prestasi protofemis yang ditumpukan kepada objektif badan wanita. Jelas persamaan antara potongan memotong, di mana penonton dapat memotong kepingan pakaian artis, dan "Rhythm 0" "Prestasi Nenek" Marina Abramovich.

Pada kaki pendek. Bagaimana untuk lulus latihan akting penulis Tadasi Suzuki

Dalam kes itu dan Gutai yang penting di peringkat antarabangsa menjadi kaedah dan subjek kerja mereka dipisahkan dari penulis. Terdapat bentuk eksport lain - apabila kerja artis itu dilihat dengan minat di arena antarabangsa, tetapi peminjaman kaedah itu sendiri tidak berlaku kerana kekhususannya. Kes yang paling terang adalah sistem latihan bertindak Tadasi Suzuki.

Teater Suzuki suka di Rusia - dan ini tidak menghairankan. Kali terakhir dia berada di sini pada tahun 2016 dengan permainan Trojan dalam teks Euripid, dan dalam sifar beberapa kali datang dengan produksi Shakespeare dan Chekhov. Suzuki memindahkan tindakan permainan untuk konteks Jepun semasa dan ditawarkan tafsiran yang tidak jelas tentang teks: mendapati anti-Semitisme di Ivanovo dan membandingkannya dengan sikap yang tidak menghiraukan orang Cina, memindahkan tindakan Raja Lear ke Rumah Crazy Jepun .

Suzuki membina sistemnya bertentangan dengan sekolah teater Rusia. Pada akhir abad XIX, dalam tempoh yang dipanggil MIJI, memodenkan Imperial Jepun mengalami kebangkitan pergerakan pembangkang. Hasilnya adalah pembiakan besar-besaran sebelum budaya yang sangat tertutup. Antara bentuk yang diimport ialah sistem Stanislavsky, yang masih kekal di Jepun (dan di Rusia) adalah salah satu kaedah pengarah utama.

Latihan Suzuki.

Pada tahun enam puluhan, ketika Suzuki memulakan kerjayanya, tesis semakin tersebar itu, kerana ciri-ciri tubuhnya, pelakon Jepun tidak dapat dilahirkan dalam peranan dari teks barat yang kemudian repertoir itu dipenuhi. Pengarah muda berjaya menawarkan alternatif yang paling meyakinkan.

Sistem latihan lompat, yang dipanggil tatabahasa kaki, termasuk berpuluh-puluh cara untuk duduk, lebih banyak lagi - berdiri dan berjalan.

Pelakonnya biasanya bermain tanpa alas kaki dan kelihatan, dengan mengurangkan pusat graviti, seperti yang diikat dengan ketat ke tanah, berat. Suzuki mengajar mereka dan peserta asing persembahan teknik mereka di kampung Toga, dalam peralatan moden rumah-rumah Jepun purba yang penuh dengan peralatan moden. Rombongannya hanya memberikan kira-kira 70 persembahan setahun, dan segala yang hidup, hampir tanpa meninggalkan kampung dan tidak mempunyai masa untuk hal ehwal peribadi - hanya berfungsi.

Pusat di Tog muncul pada tahun tujuh puluhan, dia merancang atas permintaan pengarah arkitek terkenal di dunia Arata Isodzak. Sistem kapal itu boleh kelihatan patriarkal dan konservatif, tetapi dia sendiri berpendapat tentang toga dalam kategori desentralisasi moden. Malah di tengah-tengah sifar, Suzuki memahami pentingnya mengeksport seni dari ibu negara ke kawasan dan organisasi tempat pengeluaran tempat. Menurut pengarah, peta teater Jepun sebahagian besarnya diingatkan oleh Rusia - seni tertumpu di Tokyo dan beberapa pusat yang kurang besar. Kepada teater Rusia juga akan menghalang sebuah syarikat yang kerap meninggalkan untuk melawat di bandar-bandar kecil dan berpusat di jarak dari ibu negara.

Jejak bunga. Sumber apa yang dijumpai teater moden dalam sistem tetapi juga Kabuki

Kaedah jumpet tumbuh dari dua tradisi Jepun purba - tetapi juga Kabuki. Titik bukan sahaja jenis teater ini sering dicirikan sebagai seni berjalan, tetapi juga dalam butiran yang lebih jelas. Suzuki sering mengikuti pelaksanaan semua peranan dengan lelaki, menggunakan keputusan spatial ciri, seperti Khanami ("cara bunga") sampel Kabuki - platform yang berlalu dari tempat kejadian ke dewan berlepas. Ia mengeksploitasi dan watak-watak yang dapat dikenali seperti warna dan skrol.

Sudah tentu, dunia global tidak mempunyai ucapan mengenai keistimewaan orang Jepun mengenai penggunaan bentuk kebangsaan mereka.

Mengenai pinjaman dari tetapi membina teater salah satu pengarah kemodenan yang paling penting, Amerika Robert Wilson.

Ia bukan sahaja menggunakan topeng dan make-up, mengingatkan penonton besar-besaran mengenai Jepun, tetapi juga meminjam cara-cara untuk bertindak berdasarkan kelembapan maksimum dalam gerakan dan ekspresi diri yang mencukupi. Menyambung bentuk tradisional dan ritual dengan skor cahaya ultra-moden dan muzik minimalis (salah satu karya yang paling terkenal dari Wilson - Einstein di pantai, Wilson pada dasarnya menghasilkan sintesis asal-usul dan kaitannya dengan mana sebahagian besar seni moden mencari.

Robert Wilson. "Einstein di pantai"

Dari tetapi juga Kabuki membesar salah satu tiang tarian moden - Buyo, secara harfiah - kegelapan tarian. Dicipta pada tahun 1959, koreografi Kadzuo, dan Tatsui Hijikati, yang juga ditolak dari pusat graviti dan kepekatan yang rendah di kaki mereka, Boto adalah pemindahan refleksi pengalaman ketenteraan traumatik dalam dimensi tubuh.

"Mereka menunjukkan pesakit badan, memusnahkan, monstaskular, monstrous.<…> Pergerakan lambat, kemudian sengaja tajam, letupan. Untuk tujuan ini, teknik khas digunakan apabila pergerakan digunakan seolah-olah tanpa menggunakan otot utama, kerana tuas tulang rangka, "ahli sejarah tarian Irina Sirotkin memasuki Buto dalam sejarah pembebasan badan, menghubungkannya dengan berhati-hati dari peraturan balet. Dia membandingkan Boto dengan para pengamal penari dan koreografer awal abad ke-20 - Duncan Isadora, Martha Graham, Mary Wigman, bercakap tentang pengaruh pada tarian "postmoder" yang kemudian.

Fragment Dance Katsura Kana, Tradisi Modern Continuer Buto

Hari ini, Boto dalam bentuk asalnya bukan lagi amalan avant-garde, tetapi pembinaan semula sejarah.

Walau bagaimanapun, kamus pergerakan yang dibangunkan olehnya, Hijicat dan pengikut mereka, kekal sebagai sumber yang penting untuk koreografer moden. Di Barat, Dimitris Papaianna, Anton Adacian dan juga dalam klip pada "tergolong dalam dunia" hujung minggu. Di Jepun, pengganti tradisi Boto, sebagai contoh, Saburo Tesivigavara, yang akan tiba di Rusia pada bulan Oktober. Walaupun ditolak dirinya dari paralel dengan tarian kegelapan, pengkritik adalah tanda-tanda yang cukup dikenali: seolah-olah badan yang kasar, kerapuhan, langkah-langkah senyap. Benar, mereka diletakkan dalam konteks koreografi postmodern - dengan kadar yang tinggi, berjoging, bekerja dengan muzik bising pasca perindustrian.

Saburo Teshegavara. Metamorfosis

Tempatan global. Apa seni Jepun moden masih sama dengan Barat

Kerja Tesuigavara dan banyak rakan-rakannya secara organik masuk ke dalam program-program perayaan-perayaan barat yang terbaik dari tarian moden. Jika anda secara ringkas melihat deskripsi persembahan dan persembahan, yang ditunjukkan di Festival / Tokyo - persembahan tahunan terbesar Teater Jepun, kemudian perhatikan perbezaan asas dari trend Eropah akan menjadi sukar.

Salah satu topik utama adalah spesifik laman web - artis Jepun meneroka ruang Tokyo dalam pelbagai tandan kapitalisme dalam bentuk pencakar langit kepada kawasan marginal kepekatan otaku.

Satu lagi topik adalah kajian mengenai salah faham antara lantai, teater sebagai tempat hidup yang hidup dan komunikasi yang dianjurkan oleh orang-orang yang berbeza. Dalam satu barisan yang didedikasikan untuk itu, yang dikhaskan untuk projeknya dan Akira Tanaama selama beberapa tahun berturut-turut dibawa ke Vienna ke salah satu perayaan utama seni persembahan. Dalam pemindahan ke tempat dokumentari dan cerita peribadi pada akhir tahun sifar tidak ada lagi sesuatu yang baru, tetapi pembuangan Festival Vienna mewakili projek-projek ini sebagai kemungkinan hidup, hubungan titik dengan budaya lain.

Satu lagi talian batang adalah kajian pengalaman traumatik. Bagi orang Jepun, dia tidak dihubungkan dengan gulag atau Holocaust, tetapi dengan pengeboman Hiroshima dan Nagasaki. Teater beralih kepadanya secara berterusan, tetapi pernyataan yang paling kuat terhadap letupan atom sebagai saat genesis dari semua budaya Jepun moden masih dimiliki oleh Takasi Murakami.

"Little Boy: The Arts of Subculture Exploding Japan" - nama projek kuratornya yang ditunjukkan di New York pada tahun 2005. "Little Boy" - "Kid" di Rusia - nama salah seorang bom jatuh ke Jepun pada tahun 1945. Setelah mengumpulkan beratus-ratus komik manga dari ilustrator utama, mainan vintaj ciri, produk cenderamata berdasarkan anime terkenal - dari Godzilla ke Hello Kitty, Murakami melepaskan kepekatan Comel - Cavaii - di ruang muzium ke had. Secara selari, beliau melancarkan pilihan animasi, di mana lukisan letupan, tanah yang terdedah, kota-kota yang musnah menjadi imej pusat.

Pembangkang seperti itu adalah kenyataan besar-besaran pertama mengenai gangguan budaya Jepun sebagai cara untuk mengatasi sindrom pasca traumatik.

Sekarang kesimpulan ini nampaknya sudah jelas. Ia membina kajian akademik Cavaiia Inuchiko Totat.

Terdapat juga pemicu traumatik kemudian. Yang paling penting - peristiwa 11 Mac 2011, gempa bumi dan tsunami, yang membawa kepada kemalangan utama di Fukushim NPP. Di Festival / Tokyo-2018, keseluruhan program dari enam persembahan telah dikhaskan untuk memahami akibat dari bencana alam semula jadi; Mereka juga tema untuk salah satu karya yang dibentangkan di "Soljanka". Dalam contoh ini, jelas dilihat bahawa senjata tentang kaedah kritikal di seni Barat dan Jepun tidak begitu berbeza. Haruyuki Ishia mencipta pemasangan tiga televisyen, yang dalam mod gegelung ditunjukkan pada kadar yang tinggi dan bingkai yang melengkung dari program televisyen tentang gempa bumi.

"Kerja ini terdiri daripada 111 video yang dibawa oleh artis setiap hari dalam berita sehingga semua yang dilihatnya dilihat oleh fiksyen," kata kurator. "New Japan" adalah contoh ekspresi bagaimana seni tidak ditolak berdasarkan mitos tafsiran negara, tetapi pada masa yang sama kelihatan kritikal mendapati bahawa tafsiran yang sama dapat relevan dengan seni mana-mana asal. Kura-kura berhujah tentang kontemplasi sebagai tradisi Jepun yang berpusat, menarik petikan dari Lao Tzu. Pada masa yang sama, seolah-olah meninggalkan tanda kurung, hampir semua seni moden memberi tumpuan kepada "kesan pemerhati" (pameran itu dipanggil) - sama ada dalam bentuk mewujudkan konteks baru persepsi fenomena yang biasa atau dalam perumusan kemungkinan persepsi yang mencukupi seperti itu.

Komuniti yang dibayangkan - satu lagi Warmingwoman Wizard Haruyki

Permainan

Walau bagaimanapun, ia tidak sepatutnya difikirkan bahawa Sample Jepun 2010 adalah kepekatan kemajuan.

Tidak ada lagi tabiat tradisionalisme yang baik dan cinta untuk orientalis eksotik. "Theatre of Virgins" begitu dipanggil artikel yang cukup menyenangkan tentang teater Jepun "Takaradzuk" dalam majalah konservatif Rusia "PTZ". "Takaradzuk" muncul pada akhir abad ke-19 sebagai projek perniagaan untuk menarik pelancong ke sebuah bandar yang tidak bersuara yang tidak sengaja, yang secara tidak sengaja menjadi stesen keretapi swasta. Hanya gadis yang belum berkahwin bermain di teater, yang, menurut pemilik kereta api, dan akan terpikat ke bandar penonton lelaki. Hari ini Takaradzuk berfungsi sebagai industri - dengan saluran TVnya sendiri, program konsert yang padat, walaupun taman hiburan tempatan. Tetapi dalam rombongan, hanya gadis yang belum berkahwin masih mempunyai hak - mudah-mudahan, sekurang-kurangnya mereka tidak memeriksa keperawanan.

Walau bagaimanapun, Takaradzuk terpesona berbanding dengan Kelab Deluxe Toji di Kyoto, yang mana Jepun juga dikenali sebagai Theatre. Terdapat persembahan liar, berdasarkan perihalan Kolumnis New Yorker Ian Buruma, Striptease-Show: Beberapa gadis yang dibahagikan di atas pentas mengubah demonstrasi organ-organ genital menjadi ritual awam.

Seperti banyak amalan artistik, pertunjukan ini didasarkan pada legenda kuno (dengan kaca lilin dan pembesar, seorang lelaki dari dewan boleh bergilir-gilir untuk meneroka "rahsia ibu Amatera Ibu"), dan penulis mengingatkan tradisi tetapi.

Pencarian untuk rakan-rakan Barat untuk Takaradzuki dan Toji akan meninggalkan pembaca di Otkump - untuk mengetahui mereka tidak sukar. Kami hanya perhatikan bahawa sebahagian besar seni moden diarahkan untuk memerangi amalan sedemikian - yang Barat, bahawa Jepun dari Superflat ke Tarian Boto.

Keindahan, tersembunyi dalam perkara-perkara, orang Jepun dibuka dalam abad IX-XII, dalam era Hayene (794-1185) dan juga menetapkannya dengan konsep khas "Mono-tetapi Avar" (Yap. 物 の 哀れ (ものの あわれ)), yang bermaksud "daya tarikan yang menyedihkan." "Pesona perkara" adalah salah satu yang paling awal dalam kesusasteraan Jepun mengenai definisi yang indah, ia dikaitkan dengan kepercayaan sintosis pada hakikat bahawa dewa-dewanya diselesaikan dalam setiap perkara - dan daya tarikannya yang unik. Avar adalah intipati dalaman perkara, apa yang menyebabkan kegembiraan, kegembiraan.

- Vasi (Wasi) atau Vagami (Wagami).
Pembuatan kertas manual. Bahasa zaman pertengahan yang dihargai Vasi bukan sahaja untuk kualiti praktikalnya, tetapi juga untuk kecantikan. Dia terkenal dengan kehalusannya, hampir ketelusan, yang, bagaimanapun, tidak kehilangan kekuatannya. Vasi dibuat dari korteks pokok Kodzo (Mulberry) dan beberapa pokok lain.
Kertas Vasi dipelihara selama berabad-abad, bukti album dan jumlah kaligrafi Jepun, lukisan, skrin, ukiran, yang telah turun sepanjang abad ke hari ini.
Kertas Wasi berserabut, jika anda melihat mikroskop, jurang akan kelihatan, di mana udara dan cahaya matahari menembusi. Kualiti ini digunakan dalam pembuatan bau dan tanglung tradisional Jepun.
Cenderahati Vasi sangat popular di kalangan orang Eropah. Banyak barangan kecil dan berguna dibuat dari kertas ini: dompet, sampul surat, kipas. Mereka cukup kuat dan lebih mudah.

- Gokhei.
Kertas jalur jalur. Gokhei adalah rod ritual Imam Shinto, yang mana jalur zigzag kertas dilampirkan. Jalur kertas yang sama ditangguhkan di pintu masuk ke Kuil Shinto. Peranan kertas dalam Sintoisme secara tradisinya sangat besar, dan produk-produknya selalu melampirkan makna esoterik. Dan iman kepada fakta bahawa setiap perkara, setiap fenomena, bahkan kata-kata, mengandungi kita - menjelaskan penampilan sejenis seni yang digunakan sebagai Gokhei. Sintoisme sangat mirip dengan paganisme kita. Bagi Shintois, Kami menetap secara sukarela dalam segala yang luar biasa. Sebagai contoh, dalam kertas. Dan lebih-lebih lagi, Gokhei berpintal di zigzag yang terbiasa, yang tergantung dan hari ini di hadapan pintu masuk ke Shinto Suctoes dan menunjukkan kehadiran dewa di Bait Suci. Terdapat 20 pilihan untuk lipat Gokhei, dan mereka yang dilipat terutamanya luar biasa menarik KAMI. Kelebihan Gokhei White, tetapi ada juga emas, perak dan banyak warna lain. Dari abad IX di Jepun hidup adalah adat untuk mengukuhkan Gokhei di tali pinggang Sumo Wrestlers sebelum perjuangan.

- Anesama.
Ini adalah pembuatan anak patung kertas. Pada abad ke-19, isteri samurai melakukan anak patung dari kertas itu, di mana kanak-kanak bermain, memindahkan mereka ke dalam pakaian yang berbeza. Pada masa itu, apabila tidak ada mainan, Anesam adalah untuk kanak-kanak satu-satunya pengantara, "memenuhi" peranan ibu, kakak sulung, anak dan kawan.
Anak patung itu dilipat dari kertas Jepun Vasi, rambut dibuat dari kertas stim, dicat dalam dakwat dan ditutup dengan gam, yang memberikannya gloss. Ciri tersendiri adalah hidung yang bagus pada wajah yang memanjang. Hari ini, ini mudah, tidak memerlukan apa-apa tetapi tangan yang mahir, mainan tradisional dalam bentuk terus dihasilkan dengan cara yang sama seperti dahulu.

- Origami.
Seni kuno angka lipat kertas (Yap. 折り 紙, huruf: "kertas dilipat"). Seni origami berakar di China kuno, di mana kertas itu dicipta. Pada asalnya, origami digunakan dalam upacara agama. Untuk masa yang lama, jenis seni ini hanya tersedia untuk wakil-wakil estet yang lebih tinggi, di mana tanda nada yang baik adalah pemilikan teknik lipat dari kertas. Hanya selepas Perang Dunia II, Origami pergi ke luar timur dan masuk ke Amerika dan Eropah, di mana dia segera mendapat peminatnya. Origami klasik terdiri daripada kertas persegi.
Terdapat satu set tanda-tanda bersyarat yang diperlukan untuk menarik skim lipat walaupun produk yang paling kompleks. Kebanyakan tanda-tanda bersyarat diperkenalkan ke dalam latihan pada pertengahan abad ke-20 oleh Master Jepun yang terkenal Akira Yoxidzavava.
Origami klasik menetapkan penggunaan satu lembaran kertas yang dicat secara seragam tanpa gam dan gunting. Bentuk seni moden kadang-kadang berlepas dari kanun ini.

- Kirigami.
Kirigami adalah seni memotong pelbagai angka dari sekeping kertas yang dilipat dengan gunting beberapa kali. Jenis origami, di mana penggunaan gunting dan memotong kertas dalam proses pembuatan model dibenarkan. Ini adalah perbezaan utama antara Kirigami dari teknik lipatan kertas lain, yang digariskan dalam tajuk: 切る (Kira) - Potong, 紙 (Gami) - Kertas. Kita semua suka memotong kepingan salji pada zaman kanak-kanak - versi Kirigami, anda boleh memotong teknik seperti itu bukan sahaja salji salji, tetapi juga pelbagai tokoh, bunga, kalungan dan potongan kertas yang lain. Produk ini boleh digunakan sebagai stensil untuk cetakan, hiasan album, poskad, bingkai foto, dalam reka bentuk pakaian, dalaman dan hiasan lain yang berbeza.

- Ikebana.
Ikebana, (Yap 生け 花 atau いけば な) diterjemahkan dari bahasa Jepun - Ike "- Kehidupan, Banna - bunga, atau" bunga yang hidup. " Seni pengaturan seni Jepun adalah salah satu tradisi yang paling indah dari orang Jepun. Apabila membuat oscaban, bersama-sama dengan bunga, memotong cawangan, daun dan pucuk digunakan .. Prinsip kesederhanaan yang indah digunakan untuk mencapai yang mereka cuba menekankan keindahan alam tumbuhan. Ikebana adalah untuk mewujudkan bentuk semula jadi yang baru di mana keindahan bunga dan keindahan jiwa penyihir yang mewujudkan komposisi digabungkan dengan harmoni.
Hari ini di Jepun Terdapat 4 Sekolah Terbesar Ikeban: IKENOBO, Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu. Di samping itu, terdapat kira-kira beribu-ribu arah yang berbeza dan trend yang mematuhi salah satu sekolah ini.

- Oriban.
Pada pertengahan abad ke-17, dua sekolah Okrara telah berlepas dari IKENOBO (bentuk utama Ikebany - Oriban) dan Kori (Borang Utama - Lembaga). By the way, sekolah Okrar masih belajar hanya Oriban. Apabila orang Jepun berkata, sangat penting bahawa origami tidak berubah menjadi origomi. Jomi dalam bahasa Jepun bermaksud sampah. Lagipun, seperti yang berlaku, saya melipat sekeping kertas, dan kemudian apa yang perlu dilakukan dengannya? Oriban menawarkan banyak idea Bouquets untuk hiasan dalaman. Oribana \u003d Origami + Ikebana

- Oshiban.
Kemunculan seni halus yang dilahirkan oleh bunga. Bunga kami muncul lapan tahun yang lalu, walaupun terdapat lebih daripada enam ratus tahun di Jepun. Sekali di Zaman Pertengahan, Samurai menderita jalan pahlawan. Dan Oshiban adalah sebahagian dari jalan ini, sama seperti penulisan hieroglif dan pemilikan pedang. Makna Oshiban adalah bahawa dalam keadaan kehadiran total pada masa ini (Satori), tuan mencipta gambar bunga kering (warna yang dipenuhi). Kemudian gambar ini boleh berfungsi sebagai kunci, konduktor bagi mereka yang bersedia untuk berdiam diri dan bertahan yang sangat duduk.
Intipati seni "Oshiban" adalah, mengumpul dan mengering di bawah bunga akhbar, herba, daun, kulit dan melekat mereka berdasarkan, penulis mencipta produk yang benar-benar "lukisan" dengan tumbuh-tumbuhan. Dengan kata lain, Oshibana adalah lukisan oleh tumbuhan.
Kerja seni Florists adalah berdasarkan pemeliharaan bentuk, warna dan tekstur bahan kering tumbuhan. Orang Jepun telah membangunkan satu metodologi untuk mencegah lukisan "Oshiban" dari pembakaran dan kegelapan. Intipati dalam fakta bahawa udara dan gambar dipam udara dan vakum dicipta yang tidak memberi tumbuhan untuk merosot.
Ia menarik bukan sahaja tradisi seni ini, tetapi juga peluang untuk menunjukkan fantasi, rasa, pengetahuan tentang sifat-sifat tumbuh-tumbuhan. Kedai bunga melakukan perhiasan, landskap, masih hidup, potret dan lukisan plot.

- Bonsai.
Bonsai, sebagai fenomena, muncul lebih dari seribu tahun yang lalu di China, tetapi puncak pembangunannya budaya ini hanya sampai di Jepun. (Bonsai - Yap. 盆栽 Surat. "Loji dalam periuk") - seni yang menanam salinan tepat pokok sebenar dalam miniatur. Tumbuh-tumbuhan ini ditanam oleh para bhikkhu, dalam beberapa abad SM dan kemudiannya menjadi salah satu pelajaran bangsawan tempatan.
Bonsai menghiasi rumah dan taman Jepun. Di era Tokugawa, reka bentuk taman menerima dorongan baru: penanaman Azali dan Clain menjadi masa pastri orang kaya. Pengeluaran Tanaman Dwarfsky (Hut-No-Ki - "Pokok dalam periuk") juga berkembang, tetapi Bonsai pada masa itu sangat besar.
Sekarang untuk Bonsai menggunakan pokok konvensional, kecil mereka menjadi disebabkan oleh pemangkasan berterusan dan pelbagai kaedah lain. Pada masa yang sama, nisbah saiz sistem akar, terhad oleh jumlah pelantar, dan bahagian tanah Bonsai sepadan dengan perkadaran pokok dewasa.

- Midzohiki.
Analog Macrame. Ini adalah seni Jepun kuno yang diterapkan dari pelbagai nod dari tali khas dan mencipta corak mereka. Kerja-kerja seni sedemikian mempunyai pelbagai aplikasi yang sangat luas - dari kad hadiah dan surat sebelum gaya rambut dan beg tangan. Pada masa ini, Midzohiki sangat banyak digunakan dalam industri hadiah - hadiah, ditenun dan dipenuhi dengan cara yang benar-benar pasti, bergantung kepada setiap peristiwa dalam kehidupan. Terdapat banyak nod dan komposisi dalam seni Midzohika, dan tidak setiap orang Jepun tahu mereka semua dengan hati. Sudah tentu, terdapat nod yang paling biasa dan mudah yang digunakan paling kerap: apabila tahniah pada kelahiran seorang kanak-kanak, perkahwinan atau peringatan, hari jadi atau kemasukan ke universiti.

- Kumichimo.
Kumichimo adalah jambatan jepun jepun-braids. Apabila menenun benang, ribs dan tali diperolehi. Laces ini bergegas ke mesin khas - Marudai dan Takaday. Mesin Miruday digunakan untuk menenun tali leher bulat, dan Takaday - rata. Kumikhimo diterjemahkan dari Jepun bermakna "Tenun Tenun" (Kumi - tenunan, lipatan bersama-sama, Himo adalah tali, renda). Walaupun ahli sejarah terus menegaskan, seolah-olah tenunan itu boleh ditemui di Scandinavia dan penduduk Andes, seni Jepun Kumichimo benar-benar salah satu jenis tenunan yang paling kuno. Sebutan pertama dia merujuk kepada 550, ketika Buddhisme menyebar ke seluruh Jepun dan upacara khas menuntut hiasan khas. Kemudian, Shoelaces Cumicho mula digunakan sebagai tali pinggang daun yang berputar pada kimono wanita, sebagai tali untuk "pembungkusan" seluruh senjata samurai Arsenal (Kumikhimo Samurai yang digunakan dalam tujuan hiasan dan berfungsi untuk mengikat perisai dan perisai kuda mereka) serta untuk ligamen barang berat.
Pelbagai corak cumihimo moden menenun dengan mudah pada mesin buatan sendiri dari kadbod.

- Biasa.
Apa yang kekal dari Kimono, selepas itu berkhidmat dengan istilahnya? Fikirkan, anda membuangnya? Tiada apa-apa seperti ini! Orang Jepun tidak akan berbuat demikian tidak pernah. Perkara Kimono adalah mahal. Jadi buanglah ia tidak dapat difikirkan dan mustahil ... bersama-sama dengan jenis lain penggunaan sekunder kimono, para pengrajin melakukan cenderahati kecil dari lobs kecil. Ini adalah kedua-dua mainan kecil untuk kanak-kanak, anak patung, kerongsang, kalungan, hiasan wanita dan produk lain, kimono lama digunakan dalam pembuatan perkara-perkara kecil comel kecil, yang dipanggil "comono". Perkara-perkara kecil yang akan menjalani kehidupan mereka sendiri dengan meneruskan cara Kimono. Ini bermakna perkataan "biasa".

- Kanzashi.
Seni gaya menghias (paling sering dihiasi dengan bunga (rama-rama dan sebagainya) dari kain (kebanyakannya Schölk). Jepun Kanzashi (Kanzashi) adalah stud yang panjang untuk gaya rambut tradisional Jepun. Mereka terbuat dari kayu, varnis, Perak, penyu shell yang digunakan dalam gaya rambut tradisional Cina dan Jepun. Kira-kira 400 tahun yang lalu, gaya rambut wanita berubah di Jepun: Wanita berhenti menyikat rambut dalam bentuk tradisional - taragami (rambut panjang lurus) dan mula meletakkannya dalam bentuk yang rumit dan pelik - Nihongami. Untuk gaya rambut kami menggunakan pelbagai item - kancing, tongkat, rabung. Pada masa itu, walaupun Kushi sikat yang mudah berubah menjadi aksesori kecantikan yang luar biasa yang elegan, yang menjadi karya seni sebenar. Kostum tradisional wanita Jepun tidak membenarkan Wrist bermata dan kalung, jadi hiasan gaya rambut adalah kecantikan utama dan bidang untuk ekspresi diri - serta demonstrasi rasa dan ketebalan dompet Pemilik Olya. Pada ukiran, anda boleh melihat - jika anda melihat orang Jepun, mudah untuk meletakkannya di dalam gaya rambut mereka ke dua puluh mahal Kanzashi.
Pada masa ini, terdapat kebangkitan tradisi untuk menggunakan Kanzashi di kalangan wanita Jepun muda yang ingin menambah kecanggihan dan keanggunan kepada gaya rambut mereka, rambut bulu moden boleh dihiasi dengan hanya satu atau dua bunga needlewood yang elegan.

- Kinusayga.
Pemandangan yang menakjubkan dari jarum dari Jepun. Kinusayiga (Kinusaiga, 絹 彩画) Ini adalah salib antara pertempuran dan kumbahan patchwork. Idea utama adalah dari kimonos sutera lama dalam keping mereka mengumpul lukisan baru - karya seni yang benar.
Pertama, artis membuat lakaran di atas kertas. Kemudian lukisan ini dipindahkan ke apartmen kayu. Kontur gambar memotong ke dalam alur, atau alur, dan kemudian dari kimono sutera lama dipotong kecil, sesuai untuk warna dan nada dengan patchwork, dan tepi flaps ini dipenuhi dengan alur. Apabila anda melihat gambar sedemikian, ada perasaan yang anda lihat pada foto itu, atau bahkan hanya menonton landskap di luar tingkap, begitu realistik.

- Tamari.
ini adalah bola bersulam geometri Jepun, yang dibuat oleh jahitan yang paling mudah, yang pernah berkhidmat sebagai mainan kanak-kanak, dan kini telah menjadi satu bentuk seni yang digunakan, yang mempunyai banyak peminat bukan sahaja di Jepun, tetapi juga di seluruh dunia. Adalah dipercayai bahawa lama dahulu, produk ini dihasilkan oleh isteri samurai untuk hiburan. Pada mulanya, mereka benar-benar digunakan sebagai bola untuk bermain bola, tetapi langkah demi langkah mula memperoleh unsur-unsur seni, berpaling kemudian untuk hiasan hiasan. Keindahan lembut bola ini dikenali di seluruh Jepun. Dan hari ini, berwarna-warni, produk yang dihasilkan dengan teliti adalah salah satu jenis kraf rakyat Jepun.

- Jubes.
Thimbles Jepun, dengan jahitan manual atau sulaman, mereka diletakkan di phalanx tengah jari tengah tangan kerja, dengan bantuan hujung jari, jarum diberi arah yang dikehendaki, dan cincin jarum di jari tengah ditolak di tempat kerja. Pada mulanya, esok Jepun mow agak mudah - jalur tisu padat atau kulit kira-kira 1 cm lebar dalam beberapa lapisan rapat bertukar jari dan diikat bersama dengan beberapa jahitan hiasan yang mudah. Oleh kerana Jubiops adalah subjek yang diperlukan di setiap rumah, mereka mula menghiasi dengan sulaman geometri dengan benang sutera. Dari jahitan menenun, corak yang berwarna-warni dan kompleks telah dibuat. Mow dari kehidupan yang mudah dari kehidupan juga telah berubah menjadi subjek untuk "penyayang", menghias kehidupan sehari-hari.
Jubiop masih digunakan ketika menjahit dan sulaman, tetapi selain itu mereka boleh didapati dan hanya memakai di tangan mereka pada mana-mana jari, seperti cincin hiasan. Sulaman dalam gaya cendawan menghiasi objek yang berbeza dalam bentuk cincin - cincin untuk tuala, gelang, bermaksud teknologi, dihiasi dengan sulaman jubios, walaupun dalam gaya yang sama terdapat jarum bersulam. Yubinuki Willows boleh menjadi sumber inspirasi yang sangat baik untuk obsemi sulaman.

- Suibokuga atau Sumie.
lukisan maskara Jepun. Gaya lukisan Cina ini dipinjam oleh artis Jepun di abad XIV, dan pada akhir abad XV. berubah menjadi arah utama lukisan di Jepun. Monokrom Sumybokuga. Ia dicirikan oleh penggunaan karkas hitam (Sui), arang batu pepejal, atau diperbuat daripada karkas Cina, yang dibekukan dalam keluli, dicairkan dengan air dan digunakan dengan berus di atas kertas atau sutera. Monochromicity menawarkan pemilihan pilihan yang tidak berkesudahan yang tidak berkesudahan, yang mana orang Cina telah lama diiktiraf oleh "bunga" bangkai. Sumybokuga kadang-kadang membolehkan kita menggunakan warna sebenar, tetapi mengehadkannya dengan strok yang nipis, telus, yang selalu tetap menjadi garis bawahan yang dilakukan di dalam kereta. Lukisan di dalam bangkai berkongsi ciri-ciri penting dengan seni kaligrafi sebagai ekspresi yang dikawal ketat dan kemahiran teknikal bentuk. Kualiti lukisan di maskara turun, seperti dalam kaligrafi, integriti dan rintangan untuk melanggar garis yang dijalankan oleh dakwat, yang, seolah-olah dia menyimpan karya seni, seperti tulang memegang kain.

- Etigami.
Poskad yang ditarik (e - Gambar, Tags - Surat). Mewujudkan poskad dengan tangan anda sendiri adalah aktiviti yang sangat popular di Jepun, dan sebelum cuti, popularitinya lebih meningkat. Cinta Jepun untuk menghantar kad ucapan kepada rakan-rakan mereka, dan mendapatkannya terlalu cinta. Ini adalah sejenis surat cepat pada ruang kosong khas, ia boleh dihantar melalui pos tanpa sampul surat. Tiada peraturan atau teknik khas dalam etega, ia boleh tanpa latihan khas. Tahap membantu dengan tepat menyatakan perasaan saya, teraan, poskad ini yang dibuat oleh tangan anda sendiri yang terdiri daripada gambar dan surat ringkas, menghantar emosi pengirim, seperti kehangatan, keghairahan, penjagaan, cinta, dll. Pintu poskad ini untuk cuti dan seperti itu, yang menggambarkan musim, tindakan, sayur-sayuran dan buah-buahan, orang dan haiwan. Semakin mudah gambar ini ditarik, semakin menarik ia kelihatan seperti.

- Furoshiki.
Peralatan pembungkusan Jepun atau seni lipatan kain. Furoshiki memasuki kehidupan orang Jepun untuk masa yang lama. Skrol kuno zaman Kamakura-Muromati (1185-1573) dipelihara (1185 - 1573) dengan imej wanita yang dibungkus dalam tisu pakaian. Teknik yang menarik ini berasal dari 710 - 794 zaman kami di Jepun. Perkataan "furoshiki" secara literal diterjemahkan sebagai "tikar mandi" dan adalah sekeping kain persegi yang digunakan untuk membungkus dan membawa objek apa-apa bentuk dan saiz.
Pada zaman dahulu dalam mandi Jepun (Furo), adalah adat untuk berjalan di paru-paru kapas Kimono, yang pengunjung membawa mereka dari rumah. The Batcher juga membawa permaidani khas (bergaya) di mana dia berdiri sementara dilepaskan. Berubah dalam "mandi" Kimono, pengunjung membungkus pakaiannya dengan permaidani, dan selepas mandi dibalut dengan karpet kimono basah untuk membawanya ke rumah. Oleh itu, permaidani mandi berubah menjadi beg pelbagai fungsi.
Furoshiki sangat mudah dalam permohonan: Fabrik mengambil bentuk objek yang anda bungkus, dan pemegang menjadikannya mudah untuk memindahkan kargo. Di samping itu, hadiah yang dibungkus tidak dalam kertas tegar, tetapi dalam kain lembut, pelbagai lapisan, memperoleh ekspresi tertentu. Terdapat banyak skim yang menipu untuk setiap kali, setiap hari atau perayaan.

- Amigurumi.
Jepun merajut seni merajut atau mengkritik haiwan lembut kecil dan makhluk seperti manusia. Amigurumi (Yap. . Sebagai contoh, cupcakes, topi, beg tangan dan lain-lain. Amigurum bersatu atau merajut atau mengait. Baru-baru ini, amigurum yang berkaitan dengan crochet telah menjadi lebih popular dan lebih kerap berlaku.
bersatu dari benang dengan cara merajut yang mudah - di helix dan, tidak seperti kaedah merajut, bulatan biasanya tidak disambungkan. Mereka juga bersatu relatif yang lebih kecil berbanding dengan ketebalan benang untuk mencipta kain yang sangat padat tanpa sebarang jurang yang mana bahan padding dapat keluar. Amigurum sering dibuat dari bahagian-bahagian dan kemudian menggabungkannya, pengecualian adalah beberapa amigurin yang tidak mempunyai anggota badan, tetapi hanya mempunyai kepala dan badan yang membentuk satu keseluruhan. Angka kadang-kadang dipenuhi dengan kepingan plastik untuk memberi mereka hidup yang hidup, sementara yang lain dipenuhi dengan pengisi serat.
Penyebaran estetika Amigurum menyumbang kepada kehadiran mereka ("Cavayness").